Retour Calendrier > Fine Art...
DROUOT
vendredi 17 mai à : 14:00 (CEST)

Beaux-arts

Van Ham - +492219258620 - Email

Hitzelerstrasse, 2 50968 Cologne, Allemagne
Information Conditions de vente
Voir toutes les ventes Van Ham
Live
S'inscrire à la vente
Effacer tous les filtres
236 résultats

Lot 1004 - Hans Mielich - MIELICH, HANS Munich 1516 - 1573 Titre : La présentation du Christ au Temple. Ébauche d'un des panneaux de l'homme pour le maître-autel d'Inglostadt. Date : avant 1572. Technique : Craie noire et brune, rehaussée de blanc, quadrillée sur papier beige. Montage : Monté avec du ruban adhésif dans la partie supérieure. Dimensions : 17 x 11 cm : 17 x 11 cm. Encadrement : Mat. Provenance : Propriété privée, Allemagne. Hans Mielich est considéré comme l'un des plus importants artistes allemands de la fin de la Renaissance. Il s'est fait connaître en son temps pour ses peintures de sujets sacrés et historiques ainsi que pour ses portraits, qui l'ont rendu célèbre auprès de la riche bourgeoisie munichoise et à la cour du duc Albrecht V de Bavière. Ses relations avec la cour sont très étroites : à partir de 1545/46, Albrecht V lui confie de plus en plus de commandes et il devient rapidement un ami proche. Mielich a notamment réalisé pour le duc de Bavière un inventaire graphique des bijoux ducaux : il comprend plus de 100 dessins et se distingue par la précision de sa représentation. Le dessin est un art dans lequel l'artiste s'est montré particulièrement habile et qu'il a utilisé à la fois comme travail préparatoire pour des peintures et des gravures sur bois et comme œuvre indépendante de valeur artistique et documentaire. Le maître-autel de la cathédrale d'Ingolstadt "Zur Schönen Unserer Lieben Frau" ou "Liebfrauenmünster" est l'un des chefs-d'œuvre de la dernière période créative de Mielich et, en même temps, une œuvre importante de la Contre-Réforme en Allemagne du Sud. Mielich et son atelier ont réalisé les plus de 90 images individuelles du retable entre 1560 et 1572. Le précieux maître-autel, offert par le duc Albert V de Bavière, a été érigé en 1572 à l'occasion du premier centenaire de la construction de l'église. L'autel est un retable à deux ailes latérales, décoré d'épisodes de la vie de la Vierge Marie. Au dos se trouve une représentation de Sainte Catherine d'Alexandrie et des Rois Mages. Mielich a réalisé plusieurs dessins pour cette œuvre monumentale, dont quelques-uns ont survécu et témoignent du processus de l'artiste, de la conception à la réalisation. Le présent dessin est une œuvre préparatoire pour un panneau de l'aile droite du registre extérieur supérieur et montre la représentation du Christ dans le temple. L'artiste a reproduit presque exactement la structure du dessin et a ajouté quelques petits détails à l'arrière-plan lors du passage du dessin à la peinture, comme les chandeliers, les bougies et les deux personnages qui s'accrochent au pilier de droite. Outre ce dessin, plusieurs autres sont connus, comme le dessin préparatoire pour la Circoncision du Christ, le Mariage de la Vierge Marie avec saint Joseph (tous deux dans des collections privées) et la Nativité (Ottawa, Musée des beaux-arts du Canada). Tous ces dessins, qui mesurent chacun environ 17,5 x 11,5 cm, sont exécutés selon la même technique et sont également carrés, de sorte que l'artiste explore la relation entre les différentes figures et réfléchit à leur transfert d'une petite feuille de papier à une grande planche de bois. L'utilisation du vitrage au plomb est également appropriée car elle permet à l'artiste de mieux définir les volumes par rapport à l'emplacement des figures dans l'espace. Étant donné que peu d'exemples de l'œuvre graphique de Mielich pour les retables ont survécu, le présent dessin représente un ajout fondamental au corpus graphique de l'artiste, nous permettant de mieux suivre sa pratique idéationnelle et opérationnelle depuis le dessin jusqu'à la peinture achevée. Nous remercions Gode Krämer, Augsbourg, qui a confirmé l'attribution après avoir examiné le présent dessin sur la base d'une photographie à haute résolution, pour son aide dans le catalogage. Frais d'expédition estimés pour ce lot : Allemagne : 20,17 euros plus 3,83 euros de TVA UE : 33,61 euros plus 6,39 euros de TVA Monde entier : 63,03 euros plus 11,97 euros de TVA assurance supplémentaire pour l'expédition Explications sur le catalogue Hans Mielich Allemagne Maniérisme XVIe siècle Aquarelle / Dessins Mat Vie du Christ Dessin Saints

Estim. 5 000 - 8 000 EUR

Lot 1007 - Girolamo Massei - MASSEI, GIROLAMO Lucques vers 1540-45 - vers 1620 Titre : Saint François. Date : vers 1590-1600. Technique : Huile sur cuivre. Dimensions : 69 x 53,5 cm : 69 x 53,5 cm. Encadrement : Encadré. Provenance : Propriété privée, Italie. Certificat : Herwarth Röttgen, 01.07.2020, copie disponible. Le tableau de Saint François en extase est considéré comme une œuvre exemplaire du style pictural de la Réforme catholique romaine après le Concile de Trente. De nombreuses peintures et gravures ont été créées pour "parler" aux croyants qui ne savaient pas lire et pour exalter ainsi Dieu et le saint dans un langage simple. La présente peinture sur cuivre est également liée à cet objectif. Elle montre comment le corps du Crucifié apparaît à Saint François avec les ailes des séraphins, tandis que la soutane brune resplendit sous l'éclat céleste. Il s'agit d'une œuvre du peintre Girolamo Massei, né à Lucques en 1540 et mort dans la même ville en 1620. En 1576/77, il travaille à la galerie géographique du Vatican, puis au monastère de la Trinité des Monts et à l'église des saints Nérée et Achillée. Son travail est décrit par Giovanni Baglione dans son "Vite de'pittori scultori et architetti" de 1642. Herwarth Röttgen, à qui nous devons l'attribution convaincante d'aujourd'hui, relie cette peinture aux figures d'évêques et de chanoines dans l'abside de l'église des saints Nérée et Achillée, écoutant le sermon de saint Grégoire le Grand. Cette approximation doit également tenir compte de la source d'inspiration : une gravure de Cornelis Cort de 1575 d'après Girollamo Muziano. Frais d'expédition estimés pour ce lot : Allemagne : 52,94 euros plus 10,06 euros de TVA UE : 79,83 euros plus 15,17 euros de TVA Monde entier : 138,66 euros plus 26,34 euros de TVA assurance supplémentaire pour l'expédition Explications sur le catalogue Girolamo Massei Maniérisme 16e/17e s. Maîtres anciens Encadré Saints Peinture Paysage

Estim. 3 000 - 5 000 EUR

Lot 1012 - Johann Liss - LISS, JOHANN um 1597 Oldenburg - 1631 Verona Titre : Fermiers en train de s'écharper. Date : Ca. 1620. Technique : Huile sur toile. Montage : Reliure. Dimensions : 66,5 x 84 cm : 66,5 x 84cm. Encadrement : Encadré. Certificat : Alberto Cottino, Turin, 21 décembre 2020, copie disponible. Provenance : Propriété privée, Italie. Le présent tableau, avec sa composition extrêmement dynamique et son fort caractère narratif, fait partie d'une collection italienne depuis plusieurs décennies. Au premier plan, on aperçoit un homme au bonnet rouge et à l'épée dégainée, qui est retenu avec difficulté par deux autres hommes, probablement des compatriotes, car il veut apparemment se jeter sur le jeune homme à l'arrière-plan. Ce dernier est également calmé par une femme, tandis qu'un autre, à droite, semble l'attaquer. Quelques personnages au premier plan à gauche s'éloignent avec inquiétude ; la vaisselle est tombée par terre. Il existe deux autres versions de ce thème, toutes deux attribuées à Johann Liss. L'une, d'excellente qualité selon Alberto Cottino, mais légèrement coupée sur le bord droit et inférieur, se trouve au Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg ; l'autre, d'une exécution plus dure et plus schématique, se trouve au Tiroler Landesmuseum Ferdinandeum d'Innsbruck. Selon Alberto Cottino, la peinture proposée est de qualité similaire à celle de Nuremberg et de meilleure qualité que celle d'Innsbruck ; il présente également quelques variations non négligeables (par exemple, l'arbre à l'extrême droite manque dans notre version, la portion de ciel à l'arrière-plan à droite ne figure pas dans le tableau de Nuremberg, les pots en terre cuite au premier plan...), qui ne sont visibles que dans la version allemande) et un certain nombre de pentimenti visibles dans les réflectogrammes, notamment dans la boucle du personnage au fond à gauche, dans le feuillage des arbres, dans les jambes et les cuisses du personnage principal et dans la distance d'une pierre entre les pieds de ce même personnage. Autant d'éléments qui font de la peinture proposée ici une version indépendante et autographe de la toile allemande, à juger entièrement par Liss (la peinture d'Innsbruck est manifestement une copie ancienne, comme le pensait également Richard Spear en 1976). Le sujet semble être une bagarre entre joueurs de cartes, qui a lieu après un long verre, comme le suggèrent les cruches sur le sol et le banc renversé. C'est un thème qui revêtait une importance particulière dans la peinture nordique d'influence protestante, qui traitait souvent de la débauche humaine, comme le jeu, l'alcool et les pulsions incontrôlées, en particulier dans les classes inférieures, et de leur condamnation morale dans l'image. En fait, comme l'a suggéré Rüdiger Klessmann dans le catalogue de l'exposition de 1975, l'inspiration dans ce cas pourrait provenir d'une gravure du peintre allemand Hans Sebald Beham (1500-1550) datant de 1547, qui représente une rixe paysanne à laquelle Liss a ajouté ses propres détails inventés. Selon son biographe Joachim von Sandrart (1606-1688), qui l'a connu personnellement, Liss est originaire d'Oldenburg dans le Holstein. Ses parents, Johann et Anna, sont documentés comme peintres à la cour de Schleswig des ducs de Holstein, et c'est probablement là qu'il a reçu sa première formation avant d'entreprendre le voyage vers les Pays-Bas vers 1615, ce qui était habituel pour les jeunes artistes allemands. Selon Sandrart, Liss séjourne à Amsterdam entre 1615 et 1616, où il étudie le style de l'artiste Hendrick Goltzius (1558-1616/17) et s'en inspire. De là, le jeune peintre se rend probablement à Anvers vers 1617-18, où il regarde les œuvres de Rubens, Jordaens et Abraham Janssens, qui auront une profonde influence sur son art, avant de se rendre à Rome et à Venise. Liss y adopte un style italianisant, influencé d'abord par le Caravage puis par Domenico Fetti, qui diffère nettement du style exprimé dans les œuvres analysées ici. Liss meurt à Vérone pendant la peste de 1630-1631. Puisqu'on ne peut reconnaître aucune trace d'italianisme dans l'œuvre examinée ici, pas même dans la particularité du sujet, étranger à la culture italienne, elle doit, contrairement à l'opinion de Spear, avoir été créée en Hollande ou en Flandre, puis amenée en Italie (la version d'Innsbruck a d'ailleurs été réalisée à Venise). Il s'ensuit que, comme le tableau de Nuremberg, il a dû être réalisé entre 1616 et 1619. En outre, comme il n'y a pas de références spécifiques à Rubens, Jordaens ou Janssens, il est peut-être encore plus évident de la situer dans les années 1616-17, c'est-à-dire avant le voyage à Anvers. Estimation des frais d'expédition pour ce lot : Arrangement après la vente aux enchères. Explications sur le catalogue Johann Liss Allemagne École italienne Baroque 17e s. Maîtres anciens Encadré La vie à la campagne Peinture

Estim. 40 000 - 80 000 EUR

Lot 1013 - Jan Lievens - LIEVENS, JAN 1607 Leyde - 1674 Amsterdam Titre : Paysage fluvial avec arbre et croix. Date : Ca. 1655-65. Technique : Dessin à la plume sur pergament. Montage : Monté. Dimensions : 10 x 16,4 cm : 10 x 16,4 cm. Encadrement : Encadré. Expertise : Répertorié dans la banque de données en ligne du RKD, La Haye, sous le numéro d'ill. 300246. Littérature : Jan Lievens (1607-74) Prenten et Tekeningen/Prints and Drawings. Cat. d'expos. Rembrandthuis Amsterdam 1988/89, p. 18 ; H.Schneider : Jan Lievens, sein Leben und seine Werke, Haarlem 1932, p. 73. R.E.O Ekkart : Lievens als Zeichner. In:Jan Lievens ein Maler im Schatten Rembrandts, Exhib.Cat. Brunswick 1979, p. 27. Provenance : Conseil des finances H.W. Campe (1771-1862) Leipzig ; Conseiller privé E.H. Ehlers (1835-1925) Göttingen ; Vendu à C.G. Boerner, Leipzig, 10.5.1930, sous le no. 550 ; Katrin Bellinger, marchand d'art, Dessins de maîtres anciens, mai 1995 ; Collection privée, Allemagne du Sud ; Collection privée, Allemagne du Sud. Bernhard Schnackenburg a parlé de cette œuvre dans un courriel adressé à l'ancien propriétaire en septembre 2020 : "L'œuvre que j'ai sous les yeux est vraiment un dessin d'une beauté magistrale qui fait plaisir à voir ! La qualité est également bonne dans toutes les parties et le style parle clairement en faveur de Jan Lievens ! La richesse du langage graphique formel qui caractérise le vieux tronc d'arbre au premier plan est indéniable. Les vieux troncs d'arbres noueux sont un motif favori de l'artiste paysagiste Lievens et font l'objet de plusieurs dessins (feuilles à Dresde, Rotterdam et Londres, British Museum). Pour ces dessins, le catalogue de l'exposition Lievens à Washington en 2008 proposait 1655-1665, ce qui pourrait également s'appliquer à votre dessin. Le format inhabituellement petit est probablement dû au morceau de vélin dont disposait Lievens. Cette utilisation est extrêmement rare. C'est une merveilleuse coïncidence que ce catalogue contienne à la fois une peinture et un dessin de Jan Lievens, présentant ainsi l'œuvre de l'artiste sur deux supports. Le Dr Bernhard Schnackenburg date ce petit dessin de paysage vers 1655 - 1665, c'est-à-dire après le retour de Lievens à Amsterdam. Un vaste paysage fluvial s'offre au regard du spectateur, qui peut suivre le chemin partant du bord inférieur de l'image et s'enfonçant dans les profondeurs, plus bas que le bord de la digue. En y regardant de plus près, on reconnaît deux personnes et peut-être un chien sur le chemin. Le puissant tronc d'arbre qui chevauche le bord supérieur de l'image intercepte la ligne forte du talus sur la gauche. Une croix au bord du chemin constitue un autre point de repère. Un ensemble architectural avec une tour carrée est visible derrière le coude de la rivière. À l'extrême droite, au bord de l'image, dans le lointain, le clocher d'une église s'élève dans la brume. Au-dessus de ce paysage, composé en quelque sorte d'une multitude de triangles et d'angles, le grand ciel occupe environ les trois quarts du dessin de petit format. Jan Lievens avait une préférence pour les troncs d'arbres noueux comme motif de ses dessins. Ces larges paysages panoramiques sont toutefois extrêmement rares dans ses dessins. L'utilisation du vélin au lieu du papier japonais ou vergé qu'il utilisait habituellement fait également de ce dessin autonome une rareté dans l'œuvre de l'artiste. L'utilisation du parchemin, qui absorbe à peine l'encre, permet une technique de dessin tout à fait différente. Au niveau du tronc d'arbre, l'artiste a gratté et hachuré l'encre encore humide. La croix au bord du chemin a également été modelée de cette manière. L'intérêt d'un dessin conçu comme une œuvre d'art autonome réside également dans le fait qu'il permet de découvrir l'écriture et la technique de l'artiste sans fard. Ceci est particulièrement impressionnant dans le présent travail sur parchemin de Jan Lievens. Frais d'expédition estimés pour ce lot : Arrangement après la vente aux enchères. Explications sur le catalogue Jan Lievens Les Pays-Bas École de Rembrandt 17e siècle Aquarelle / Dessins Encadré Paysage Dessin Pays-Bas

Estim. 9 000 - 18 000 EUR

Lot 1014 - Jan Lievens - LIEVENS, JAN 1607 Leyde - 1674 Amsterdam Titre : Pierre le repenti. Date : Ca. 1625. Technique : Huile sur bois. Dimensions : 49,5 x 38 cm : 49,5 x 38 cm. Encadrement : Encadré. Expertise : Répertorié dans la banque de données en ligne du RKD, La Haye, sous le numéro d'ill. 297658. Littérature : B. Schnackenburg : Jan Lievens : Freund und Rivale des jungen Rembrandt : mit einem kritischen Katalog des Leidener Frühwerks 1623-1632, Petersberg 2016, no. 13, p. 173. Provenance : Probablement collection Johan van der Burgh, La Haye (le catalogue de la veuve mentionne un tableau décrit comme "Petrus, geschildert door Jan Lievensz." en 1741 ; Marchand d'art Jack Kilgore, New York 2012 ; Propriété privée, Allemagne jusqu'en 2019 ; Marchand d'art Bijl-Van Urk, Alkmaar 2019 ; Propriété privée, Allemagne. Jan Lievens, originaire de Leyde, était un artiste exceptionnellement précoce - même selon les critères de l'époque. Il apprend le métier de peintre dès l'âge de neuf ans, d'abord dans sa ville natale auprès de Joris van Schootel, puis de 1618 à 1620 à Amsterdam auprès de Pieter Lastman. De retour à Leyde, il partage pendant cinq ans, à partir de 1625, un atelier avec Rembrandt Harmenszoon van Rijn, lui aussi originaire de Leyde et ayant à peu près le même âge. Rembrandt avait également suivi l'enseignement de Pieter Lastman, mais un peu plus tard que Lievens et pendant seulement six mois. Les deux amis peintres étaient spécialisés dans les portraits et les peintures d'histoire et travaillaient parfois en étroite collaboration. Aujourd'hui encore, les historiens de l'art ont souvent du mal à attribuer clairement leurs œuvres non signées. Vers 1632, Jan Lievens se rend d'abord en Angleterre pour trois ans, où il a des contacts avec la cour et est peut-être influencé par Anthonis van Dyck. Il séjourne ensuite à Anvers, où il entre dans la guilde de Saint-Luc en 1635 et obtient la citoyenneté en 1640, à Amsterdam, à La Haye, à Berlin (palais d'Oranienburg) et enfin, à partir de 1655, de nouveau à Amsterdam. Lievens reçoit d'importantes commandes publiques et privées et connaît un grand succès. Cependant, le peintre ne semble pas avoir eu de talent commercial et ses nombreux déménagements s'expliquent aussi par le fait qu'il fuyait parfois ses créanciers. Jan Lievens meurt appauvri à Amsterdam en 1674. C'est probablement vers 1625 - c'est-à-dire à l'époque où il partageait un atelier avec Rembrandt à Leyde - que Jan Lievens a peint le tableau de dévotion présenté ici, représentant le pénitent saint Pierre, patron de sa ville natale de Leyde (les clés de saint Pierre ornent encore aujourd'hui les armoiries de la ville). Dans le Nouveau Testament, Pierre joue un rôle particulier parmi les disciples de Jésus. Il est le premier disciple à suivre Jésus, il est choisi par lui pour être pêcheur d'hommes et il est toujours aux côtés de son maître. Pierre est le roc sur lequel le Fils de Dieu veut bâtir son Église et Jésus lui promet les clés du royaume des cieux. Celui qui a été si proche du Sauveur lui-même, qui est lui-même un saint, pourrait être un exemple inaccessible pour les chrétiens croyants. Mais Pierre se décrit comme un "homme pécheur", même lorsqu'il est appelé. Il ne se montre pas à la hauteur de son annonce courageuse, à savoir qu'il se battra pour Jésus et mourra avec lui. Au contraire, tous les Évangiles décrivent que Pierre, comme Jésus l'avait prédit, a lâchement nié son affiliation à son maître à trois reprises lorsqu'il a été amené devant le grand prêtre Caïphe. Lorsque le coq chante, Pierre se rend compte que la prophétie s'est réalisée "et il pleure amèrement". Le disciple, désespéré de lui-même, de son infidélité et de sa lâcheté, dissous dans les larmes est un motif que les artistes ont représenté à maintes reprises depuis la Renaissance et surtout à l'époque baroque. Le type d'image "Pierre en larmes" a permis de montrer au commun des mortels que même le premier des disciples de Jésus était faible et trop humain. La reconnaissance exemplaire de l'inévitable péché de l'homme et son abandon à la grâce de Dieu ont fait de la figure de Pierre un motif dans les Pays-Bas protestants qui pouvait servir de médiateur entre l'ancienne et la nouvelle foi. Cette peinture montre Pierre, selon la tradition picturale, presque chauve. Cependant, sa barbe sombre et fournie, traversée par quelques mèches claires, le fait paraître plus jeune que ce n'est généralement le cas dans ce type d'image. Le visage est également déformé et ridé en raison des fortes émotions. Mais ses mains croisées en prière implorante, tenant la clé comme un attribut, appartiennent à un homme au milieu de la vie ; un pêcheur battu par les intempéries, tel que le peintre hollandais a pu l'observer parmi les gens. Jan Lievens avait déjà été en contact avec des influences italiennes par l'intermédiaire de son professeur Pieter Lastman. Mais depuis 1615 environ, les caravagesques d'Utrecht, de retour de Rome, ont apporté aux Pays-Bas des impressions artistiques et des procédés stylistiques tout à fait nouveaux, qui se retrouvent dans le tableau actuel de Lievens. L'éclairage puissant qui frappe le saint en prière depuis le coin supérieur gauche du tableau en fait tout autant partie que la représentation réaliste de la personnalité décrite. L'application forte et pâteuse de la peinture, le modelage des rides et, par exemple, l'utilisation d'une peinture à l'huile, sont autant d'éléments qui font de ce tableau une œuvre d'art.

Estim. 25 000 - 50 000 EUR

Lot 1023 - Gysbrecht Leytens - LEYTENS, GYSBRECHT Anvers 1586 - 1643/56 Titre : Paysage d'hiver avec un bûcheron. Technique : Huile sur cuivre. Dimensions : 22 x 33 cm. Encadrement : Encadré. Certificat : Walther Bernt, Munich, 23 mai 1972. Provenance : Propriété privée, Allemagne. Comme les fines ramifications d'un système vasculaire humain, les branches couvertes de neige s'étendent dans toutes les directions d'un jour d'hiver glacial et silencieux sur un paysage flamand. Sous le poids de la neige, les branches se plient et se tordent, se rétrécissant comme un canyon en un couloir surréaliste qui semble être la porte d'entrée d'un autre monde. Les arbres géants et imposants mènent leur propre vie et semblent, pour ainsi dire, humanisés, tandis que les personnes qui se trouvent en dessous rappellent davantage de petits insectes rampants qui luttent pour survivre sous leur protection. L'étendue d'eau, par ailleurs fertile, est gelée. Les branches mortes restent donc la seule matière première que la nature révèle instantanément. La position accroupie des ramasseurs de broussailles rend évidentes l'énorme difficulté et le labeur de leur travail, et même le froid glacial presque tangible. Le peintre flamand Gysbrecht Leytens s'est consacré presque exclusivement aux paysages enneigés dans ses tableaux, ce qui lui vaut d'être considéré comme un "poète du givre". L'artiste, formé à Anvers dans l'atelier de Jacques Vrolyck et membre de la Guilde de Saint-Luc, le met en scène dans ses deux essences - les forces destructrices et protectrices de la nature - entre la magie de l'hiver et le fléau récurrent de l'homme. L'innovation d'une palette de couleurs réduite aux tons bleu-gris et jaune-brun, avec laquelle il rend visibles le froid et le chaud comme sur un thermographe, est un trait caractéristique de son œuvre. Frais de port estimés pour ce lot : Allemagne : 32,77 euros plus 6,23 euros de TVA UE : 50,42 euros plus 9,58 euros de TVA Monde entier : 92,44 euros plus 17,56 euros de TVA assurance supplémentaire pour l'expédition Explications sur le catalogue Gysbrecht Leytens Flandres Baroque 17e s. Maîtres anciens Encadré Hiver d'hiver Pays-Bas

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 1032 - Jacques Hupin - HUPIN, JACQUES actif à Rome au milieu du 17e siècle Titre : Nature morte au tapis turc, assiette aux pêches et vase sculpté. Technique : Huile sur toile. Montage : Reliure. Dimensions : 81 x 97,5 cm. Encadrement : Encadré. Certificat : Gianluca Bocchi, Casalmaggiore, décembre 2023, disponible en copie. Provenance : Propriété privée, Allemagne. Le présent tableau est presque certainement l'œuvre du peintre français Jacques Hupin, un artiste qui n'est pas mentionné dans les sources historiques de l'art et dont les données biographiques ne sont pas certaines, mais dont la présence en Italie est documentée par une nature morte conservée au Musée du Louvre avec l'inscription "J. Hupin fec. in Rome". L'historien de l'art Jacques Bousquet rapporte, sans pouvoir le prouver, qu'il a trouvé des traces de la main de l'artiste dans une nature morte de 1649. Il en conclut que Hupin connaissait les œuvres de Francesco Noletti, dit "Maltais" - une thèse plausible car le décor de ses natures mortes est clairement inspiré de Noletti (la description précise et illusionniste d'imposants tapis turcs occupe le devant de la scène). L'exécution méticuleuse avec des fils de couleur épais est étayée par des sensations tactiles que l'on ne trouve que chez ces deux artistes, et ce avec beaucoup d'efficacité. Pour évaluer correctement l'influence des tableaux de Noletti sur Jacques Hupin et d'autres artistes transalpins, il ne faut pas oublier que ses tableaux étaient très populaires sur le marché et auprès des collectionneurs français avant et après sa mort. Par rapport au peintre maltais, Hupin a tendance à augmenter le volume des tapis et à les laisser tomber lourdement sur le sol avec de larges plis en couches superposées, ce qui atténue l'effet décoratif des franges enfilées et suspendues dans le vide. En général, Hupin sature l'espace de ses tableaux d'objets ou laisse une obscurité impénétrable à l'arrière-plan, sans avoir recours aux rideaux qui, lorsqu'ils sont présents, ont une fonction accessoire ou non pertinente. Une particularité de ce peintre, que l'on ne retrouve pas dans les œuvres d'autres artistes actifs à Rome, est la représentation de tapis turcs soigneusement pliés à côté de tapis ouverts. Le séjour de Jacques Hupin en Italie n'a probablement pas duré longtemps et l'artiste est retourné dans son pays d'origine, car peu de traces significatives de son séjour à Rome ont été retrouvées. Les objets qui enrichissent ses compositions, tels que les vases, les amphores, les étriers en métal, les verreries et les horloges en métal ciselé, témoignent d'un goût français prononcé. Il s'agit d'objets précieux similaires à ceux des tableaux de Meiffren Conte (1630-1705). Estimation des frais d'expédition pour ce lot : Arrangement après la vente aux enchères. Explications sur le catalogue Jacques Hupin 17ème C. Maîtres anciens Encadré Nature morte Encadrée Fruits

Estim. 6 000 - 10 000 EUR

Lot 1035 - Anton Graff - GRAFF, ANTON 1736 Winterthur - 1813 Dresde Titre : Portrait de Johann Gottfried Herder (1744-1803). Date : années 1790. Technique : Huile sur toile. Dimensions : 71,5 x 57,5 cm : 71,5 x 57,5 cm. Encadrement : Encadré. Littérature : E. Berckenhagen : Anton Graff. Leben und Werk, Berlin 1967, p. 392, nr. 1565. Provenance : Propriété privée, Allemagne. Nous remercions Helmut Börsch-Supan, Berlin, d'avoir confirmé l'attribution de ce portrait à Anton Graff sur la base d'une photographie à haute résolution. Börsch-Supan se réfère au portrait de Johann Gottfried Herder provenant de la Gleimhaus à Halberstadt, représenté par Berckenhagen, et considère le présent tableau comme une nouvelle découverte. Il est dans la nature des choses qu'un portrait représente le plus fidèlement possible le modèle. Cependant, le grand talent du portraitiste exceptionnel consiste à visualiser non seulement l'apparence extérieure, mais aussi la nature et le caractère du modèle. Lorsqu'il y parvient, le portrait transmet une personnalité complète qui transcende les frontières du temps et confère à la personne représentée l'immédiateté d'un contemporain. Anton Graff, né en Suisse, était le plus grand portraitiste de l'espace germanophone au XVIIIe siècle. Au cours de sa formation de trois ans à l'école de dessin de Schellenberg à Winterthur, il s'était déjà spécialisé dans le portrait. À l'âge de 20 ans, il s'installe dans le sud de l'Allemagne. Il se rend à Augsbourg, Ansbach et Ratisbonne, où il travaille déjà de manière indépendante tout en complétant sa formation. Sa rencontre avec le peintre de la cour bavaroise Désmarées à Schleißheim a été déterminante pour Graff. Il a également eu accès à de grandes collections de peintures, où il a pu étudier les œuvres de grands portraitistes tels que Pesne, Rigaud et Kupetzky. Le jeune Graff attire l'attention et, en 1766, il se voit offrir un poste permanent de peintre de la cour. Cette nomination marque la percée définitive d'Anton Graff. Dignitaires et hommes politiques, aristocrates et militaires, grands intellectuels et acteurs veulent être peints par Anton Graff. La demande n'est pas seulement forte à Dresde. Graff négocie dans son contrat de travail une obligation de présence limitée, ce qui lui permet de voyager et de peindre des personnalités dans d'autres villes également. À Carlsbad, en 1785, il représente Johann Gottfried Herder, le grand polymathe qui, depuis 1776, travaille à Weimar en tant que théologien, philosophe, écrivain, historien de la culture, anthropologue et traducteur. Avec Goethe, Schiller et Wieland, il formait le centre intellectuel de la cour des muses de Weimar. Le portrait réalisé par Anton Graff en 1785 (Gleimhaus, Halberstadt) montre le savant de 41 ans en buste et sans perruque. Une lettre de Friedrich Schiller nous apprend que Herder n'était pas entièrement satisfait de cette peinture. Schiller a également critiqué le manque de sérieux de ce premier portrait. Dans le tableau présenté ici, le célèbre penseur semble avoir quelques années de plus. Sur la base de divers portraits de Herder réalisés par Angelika Kaufmann (1789), Johann Heinrich Tischbein (1796/1800), Gerhard von Kügelgen (1799) et Friedrich Rehberg (1800), on peut supposer qu'il a été peint environ 10 ans après le premier portrait, c'est-à-dire vers 1795. Un dessin à la craie de format ovale attribué à Graff, qui pourrait être un dessin préparatoire pour notre portrait, a été vendu aux enchères à Berne en 1950 et 1955. "Portrait en buste, jupe sombre et jabot blanc, les yeux tournés vers le spectateur". Le traitement de la lumière dans ce tableau est frappant : le corps de Herder en jupe noire se fond presque sans contraste dans l'arrière-plan, qui reste très sombre sur les bords. Le visage ovale, au front haut sous la perruque poudrée, est tourné de trois quarts vers le spectateur. Le collier et le jabot de couleur ivoire augmentent la concentration de la lumière au centre de l'image. L'éclairage frontal de ces parties cruciales du tableau est absorbé par l'éclairage partiel de l'arrière-plan, que Graff a réalisé d'une manière très picturale. Le philosophe ne projette aucune ombre visible ; il apparaît devant cette partie lumineuse de l'arrière-plan avec une immense présence. Ce détail stylistique apparaît dans l'œuvre de Graff dans d'autres tableaux du début des années 1790, ce qui conforte la datation proposée pour notre tableau. Dans sa main gauche, Herder tient un document qui l'identifie comme un homme de la parole (écrite). Le fait que l'on ne puisse voir qu'une seule des mains du philosophe est un détail intéressant. Le prix (élevé) convenu pour la commande d'un portrait à Anton Graff était majoré si les mains devaient être représentées - chaque main étant facturée individuellement. Ce portrait de Johann Gottfried Herder était inconnu jusqu'à présent. Il montre le savant, dont les idées ont encore un impact aujourd'hui, comme un personnage accessible et amical, avec un regard clair et intense dans des yeux profonds et sombres. L'image qui en résulte est un peu plus austère que le tableau de Graff de 1785, ce qui a sans doute plu à l'interlocuteur. Frais de port estimés pour

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

Lot 1042 - Jakob Philipp Hackert - HACKERT, JAKOB PHILIPP 1737 Prenzlau - 1807 Florence Titre : Chèvre devant les falaises. Date : 1801. Technique : Huile sur bois. Dimensions : 36 x 27,5 cm : 36 x 27,5cm. Notation : Signé et daté en bas à gauche : "Filippo / Hackert / 1801". Encadrement : Encadré. Provenance : Propriété privée, Allemagne. Claudia Nordhoff nous a écrit au sujet de cette œuvre en mars 2024 : "Jakob Philipp Hackert s'est toujours consacré au portrait animalier de petit format, mais ce n'est qu'après sa fuite de Naples occupée par les Français en 1799 et son installation définitive à Florence en 1800 qu'il a commencé à s'y intéresser de plus près. Le facteur décisif fut son amitié avec l'Anglaise Jane Woodburn, épouse du colonel David Woodburn (1745-1804). Le couple avait acquis un domaine dans la petite ville de Settignano, près de Florence, et permit à Hackert d'utiliser la propriété pendant son absence. Le 28 septembre 1802, le peintre écrit à son ami le comte Bogislaus Dönhoff zu Dönhoffstädt (1754-1809) à Berlin : "Nahe hier bey der Stadt [Florenz] 4 Milien bey Settimiano hat eine Englische Freundin Mdme Woodburn zwey poteri [gemeint ist ein Landhaus mit zwei Wirtschaftsgebäuden], die Sie mir 17 Monath während ihrer Abwesenheit in England gelaßen hat, um ihr Landhauß zu genißen, da Mahle ich Ziegen, und Esel, Ochsen nach der Natur aber so daß es fertige Bilder werden. Außerdem noch felsen, und vorgründe" ["Non loin de la ville [Florence] à 4 miles de Settimiano, une amie anglaise, Madame Woodburn, a une maison de campagne avec deux bâtiments de ferme, qu'elle m'a laissée 17 mois pendant son absence en Angleterre pour profiter de sa maison de campagne, où je peins des chèvres, des ânes et des bœufs selon la nature, mais de façon à ce qu'ils deviennent des tableaux finis. Je peins aussi des rochers et des premiers plans"]. (cité par Claudia Nordhoff, Jakob Philipp Hackert, Briefe (1761-1806). Göttingen 2012, p. 187). À partir de 1804, Hackert exécute ses portraits d'animaux dans son propre domaine de Careggi, qu'il a acquis à cette époque. Les tableaux de petit format représentent des chèvres, des moutons, des ânes et des vaches devant un petit paysage ; ils sont toujours exécutés avec amour et beaucoup de soin. Le présent portrait d'une chèvre a été peint au cours de la première année où Hackert s'est occupé des animaux dans la propriété de Mrs Woodburn et (avec deux autres tableaux de chèvres de 1801) marque le début de la série. L'importance que les tableaux d'animaux revêtaient pour Hackert se reflète également dans le fait qu'il en a envoyé cinq à l'exposition de l'Académie à Berlin en 1806 (voir Nordhoff 2012, p. 614)". Nous remercions Claudia Nordhoff, Rome, qui a confirmé l'attribution du présent tableau sur la base d'une photographie numérique à haute résolution, pour son aide dans le catalogage. Estimation des frais d'expédition pour ce lot : Arrangement après la vente aux enchères. Explications sur le catalogue Jakob Philipp Hackert Allemagne Classicisme École allemande 18e s. Maîtres anciens Encadré Animal Peinture

Estim. 5 000 - 8 000 EUR

Lot 1044 - Jakob Philipp Hackert - HACKERT, JAKOB PHILIPP 1737 Prenzlau - 1807 Florence Titre : Deux pins près d'Albano. Date : 1771. Technique : Craie rouge sur papier beige. Dimensions : 52 x 40 cm : 52 x 40 cm. Notation : Inscrit et daté en haut à gauche : "Á Albano 1771". Provenance : Propriété privée depuis trois générations, Allemagne. Certificat : Claudia Nordhoff, Rome, 13.02.2024, copie disponible : Le peintre paysagiste Jakob Philipp Hackert a reçu sa première formation à Berlin (1753-1762). Après un séjour à Stralsund et sur l'île de Rügen (1762-1765), il vécut et travailla à Paris pendant trois ans, puis se rendit en Italie au cours de l'été 1768. Il arrive à Rome en décembre de la même année. Hackert y devient rapidement le peintre paysagiste le plus célèbre non seulement de la Ville éternelle, mais aussi de toute l'Europe. Dès son arrivée, Hackert commença à explorer le paysage environnant. À Rome, il avait fait la connaissance du sculpteur suédois Johan Tobias Sergel (1740-1814) et du peintre français Antoine François Callet (1741-1823), avec lesquels il entreprit une randonnée dans les monts Alban, au sud-est de Rome, au printemps 1769. Lors de cette première randonnée, Hackert, habitué à la végétation septentrionale, a dû être fasciné notamment par les essences d'arbres méridionales, qui lui étaient alors inconnues. En fait, l'artiste avait déjà commencé à dessiner des arbres d'après nature à Berlin ; en Italie, le "portrait d'arbre" est devenu sa spécialité. Les études botaniques étaient indispensables pour une étude aussi détaillée des arbres, que Hackert a poursuivie avec une ferveur presque scientifique. L'un des arbres qui a attiré l'attention de Hackert dès 1769 est le pin maritime, actuellement reconnu comme l'arbre national italien. Cette espèce d'arbre, originaire du nord de la région méditerranéenne, peut atteindre 30 mètres de haut et est âgée de 250 ans. Les pins caractérisent le paysage urbain romain, mais on en trouve dans tout le Latium. Dans le dessin proposé aujourd'hui (lot 1044), on voit deux grands arbres dont les couronnes semblent se confondre au-dessus des troncs élancés. Au-dessous d'eux, deux paysannes se reposent avec un fagot de bois, qui peuvent être interprétées d'une part comme des représentantes typiques de la population locale et d'autre part comme une échelle. Le dessin a été réalisé à la craie rouge. Cela nous rappelle que Hackert expérimentait encore diverses techniques de dessin dans les premières années romaines. Plus tard, l'artiste se limitera au crayon ou à la plume, qui permettent de reproduire avec précision les contours des éléments du paysage, pour les retravailler ensuite au pinceau sépia. Les tons rouges chauds, en revanche, ont permis à l'artiste de rendre de manière picturale l'atmosphère méridionale, également caractérisée par les pins. Dans notre dessin, les arbres s'élèvent vers un ciel sans nuages sur lequel les branches élaborent leur motif en filigrane ; des ombres sombres s'étendent sous les faisceaux d'aiguilles éclairés par le soleil, conférant aux cimes des arbres une dimension spatiale. Sous le crayon de Hackert, les pins eux-mêmes semblent se transformer en œuvre d'art - et le peintre ne vous montre rien d'autre que la réalité de la région près d'Albano. Le dessin s'avère donc être une œuvre d'art de grande qualité. En même temps, il complète utilement le groupe des "portraits d'arbres" exécutés dans les collines d'Albano dans les années 1770, dans lesquels Hackert a pour ainsi dire dressé l'inventaire des arbres de la région. Les vagabonds ou les paysans qui apparaissent à plusieurs reprises dans les feuilles soulignent le principe du mouvement dans l'espace pictural et nous rappellent que chaque dessin n'est qu'une partie d'un ensemble plus vaste. C'est ainsi que Hackert entraîne le spectateur dans un voyage qui le conduit dans les profondeurs jusqu'aux deux pins, présentés dans toute leur beauté. Le chemin mènera l'artiste plus loin, vers de nouvelles vues et de nouveaux arbres, qui pourront être capturés dans des dessins toujours nouveaux. Ce transfert du paysage dans l'art était l'objectif final de Hackert. Nous remercions Claudia Nordhoff, Rome, qui a confirmé l'attribution du présent dessin sur la base d'une photographie numérique à haute résolution, pour son aide dans le catalogage. Frais d'expédition estimés pour ce lot : Allemagne : 30,25 euros plus 5,75 euros de TVA UE : 46,22 euros plus 8,78 euros de TVA Monde entier : 92,44 euros plus 17,56 euros de TVA assurance supplémentaire pour l'expédition Explications sur le catalogue Jakob Philipp Hackert Allemagne Classicisme École allemande 18ème siècle Aquarelle / Dessins Paysage Dessin Italie

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 1046 - Schule von Parma - SCHULE VON PARMA 16e C. Titre : Diane se préparant à la chasse. Verso : Jean-Baptiste dans le désert. Technique : Craie noire sur papier beige. Montage : Montage à gauche avec des bandes autocollantes. Dimensions : 17,5 x 14 cm : 17,5 x 14cm. Notation : Inscrit au verso en haut à gauche : "il Parmesano". Cadre : Mat. Provenance : Collection Erich Schleier, Berlin. Erich Schleier (08.07.1934 - 07.12.2023) est décédé l'hiver dernier. Il était l'un des plus grands spécialistes mondiaux de l'art italien des XVIIe et XVIIIe siècles. J'ai eu le plaisir de faire la connaissance d'Erich Schleier au début des années 2000 : des questions sans réponse sur des artistes que nous étudiions tous deux nous avaient rapprochés. Dès lors, une correspondance s'est instaurée, enrichie de temps à autre par des visites d'expositions communes en Italie ou dans son appartement de Berlin-Dahlem. Erich Schleier est devenu pour moi une sorte de mentor, extrêmement généreux en conseils, capable de reconnaître le talent même chez un jeune homme comme moi, et très sincère. Des qualités rares dont je me souviens toujours avec admiration et une certaine nostalgie. Erich Schleier était un grand chercheur en peinture italienne du XVIIe siècle : il s'intéressait en particulier à l'axe fertile entre la plaine du Pô, Rome et Naples, où ont été créés certains des chefs-d'œuvre les plus importants de cette période. Après avoir étudié l'histoire de l'art et l'archéologie aux universités de Hambourg, Fribourg et Munich, il a obtenu son doctorat avec une thèse sur le peintre Giovanni Lanfranco, auquel il a consacré de nombreuses autres études. De 1971 à 1999, il a été conservateur et conservateur en chef de la peinture italienne à la Gemäldegalerie de Berlin, où il a travaillé sans relâche avec les protagonistes et coprotagonistes du baroque italien, comme "son" Giovanni Lanfranco. Parmi eux figuraient également de nombreux autres artistes, tels que Pietro da Cortona, Alessandro Turchi, Girolamo Troppa, Pier Francesco Mola, Luca Giordano et leur entourage. Erich Schleier a remis sur pied la collection d'art italien plusieurs décennies après les destructions de la Seconde Guerre mondiale et l'a renouvelée, recherchée, restaurée et rendue à nouveau accessible au public. D'innombrables articles scientifiques, livres, conférences et expositions jalonnent l'illustre carrière d'Erich Schleier. Sa contribution à l'histoire de l'art est extrêmement importante si l'on considère le nombre d'artistes oubliés et leurs œuvres qui ont été redécouverts grâce au travail d'Erich Schleier. Dans le cas de nombreux artistes, il a contribué à élargir considérablement le catalogue et à créer ainsi la base de résultats monographiques ultérieurs. Pendant des décennies, Erich Schleier a été le plus grand spécialiste de la peinture du XVIIe siècle à Rome. Ses connaissances dans ce domaine étaient si complètes que son avis était fondamental pour le monde de l'art. En Italie, Erich Schleier est devenu une sorte de légende académique et a reçu un nouveau doctorat honorifique de l'université de Naples en 2000. Dans ce catalogue, nous présentons les œuvres, peintures et dessins les plus intéressants de la collection Erich Schleier du point de vue de l'histoire de l'art. La collection d'Erich Schleier, constituée très tôt à partir des années 1960, reflète ses intérêts académiques et ses goûts personnels : la peinture et l'art graphique italiens du XVIIe siècle, avec quelques incursions aux XVIIIe et XIXe siècles. Parmi les artistes qui ont accompagné Erich Schleier tout au long de sa vie figure Giovanni Lanfranco, sur lequel il a publié de nombreux ouvrages. Une œuvre de cet artiste ne pouvait manquer à sa collection, à savoir le dessin avec une étude finement observée de mains masculines. Il s'agit d'une étude précise des mains de l'apôtre saint Paul, qui a été réalisée dans une fresque sur le côté des fenêtres de la nef de la Chartreuse de Saint Martin à Naples en 1637. Giacomo Cavedoni, Francesco Solimena et Girolamo Troppa sont également représentés par de petites peintures. Girolamo Troppa, en particulier, est le peintre auquel Erich Schleier a dédié ses dernières œuvres. Le dernier écrit d'Erich Schleier est l'excellent essai sur le dessinateur Troppa dans la monographie publiée par Francesco Petrucci à la fin de l'année 2021. Frais de port estimés pour ce lot : Allemagne : 32,77 euros plus 6,23 euros de TVA UE : 50,42 euros plus 9,58 euros de TVA Monde entier : 92,44 euros plus 17,56 euros de TVA assurance supplémentaire pour l'expédition Explications sur le catalogue Schule von Parma École italienne Aquarelle / Dessin Mat Mythologie Dessin Saints

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 1052 - Giovanni Lanfranco - LANFRANCO, GIOVANNI 1582 Parme - 1647 Rome Titre : Étude aux mains masculines. Technique : Plume noire sur papier. Montage : Monté. Dimensions : 35 x 25,5 cm : 35 x 25,5cm. Encadrement : Encadré. Provenance : Collection Erich Schleier, Berlin. La présente œuvre de Giovanni Lanfranco est la feuille la plus personnelle de la succession d'Erich Schleier. Le lien entre lui et l'artiste est indissoluble et durable : Lanfranco est l'artiste auquel Schleier a consacré toute sa vie depuis son mémoire de maîtrise. D'innombrables catalogues d'exposition, articles, essais scientifiques, conférences, etc. ont été consacrés à ce peintre qui a travaillé entre Parme, Rome et Naples. Lanfranco est devenu une sorte d'alter ego d'Erich Schleier, dont les événements artistiques et biographiques au cours de la carrière de Schleier ont été reconstitués avec précision et rigueur. Ce dessin d'étude de trois mains est un exemple typique de la maturité du style graphique de Lanfranco, qui se retrouve particulièrement dans ses études détaillées. Aujourd'hui, la série d'œuvres comparables est répartie entre les cabinets de dessins des Offices florentins, du Museo Capodimonte de Naples, de la Royal Library du château de Windsor, de l'Istituto Centrale per la Grafica de Rome et du Kunstmuseum de Düsseldorf (voir E. Schleier, Disegni di Giovanni Lanfranco, Florence 1983, pp. 7-12). Le dessin est une étude exacte des mains de l'apôtre Paul, qui ont été peintes avec les autres apôtres et les saints chartreux sur les côtés des fenêtres de la nef de la chartreuse de Saint-Martin à Naples en 1637. Cette année-là, Don Isidoro de Alegria, le Père Procureur de l'Ordre, demande à Lanfranco de peindre divers projecteurs et figures sur la voûte de la nef, le chœur et les murs d'entrée de la Chartreuse. Le programme culmine avec la Résurrection du Christ et occupe le peintre jusqu'au début de l'année 1639. Les nombreux dessins préparatoires témoignent de la difficulté et de l'engagement de l'artiste dans cette œuvre. Bien qu'elle ait causé de nombreux problèmes à l'artiste, elle est aujourd'hui considérée à juste titre comme son projet le plus abouti à Naples, avec les peintures de la coupole du Gesù Nuovo (1634-1635) et les fresques des Saints Apôtres (1638-1646). La partie inférieure de la feuille montre les deux études préliminaires de la main droite de saint Paul tenant le livre. La partie supérieure de la feuille montre l'étude d'une main gauche tombant vers le bas tandis que le bras repose sur l'épée. Par son style robuste, énergique et pictural, la feuille représente un exemple caractéristique de la période napolitaine de l'artiste, qui "se caractérise par un abandon de la définition linéaire des contours des formes classiquement signifiées (...) et peut être reconnue comme l'expression d'un pictorialisme tout à fait nouveau et révolutionnaire", pour citer l'analyse extrêmement précise fournie pour cette étude par Erich Schleier (op. cit. 1983, p. 13) dans son catalogue fondamental des dessins de Lanfranco dans les Uffizi. Nous remercions Simonetta Prosperi Valenti, Rome, d'avoir confirmé l'attribution du présent dessin sur la base d'une photographie numérique à haute résolution et de nous avoir aidés à le cataloguer. Frais d'expédition estimés pour ce lot : Arrangement après la vente aux enchères. Explications sur le catalogue Giovanni Lanfranco Baroque 17e s. Aquarelle / Dessins Encadré Main Esquisse

Estim. 3 000 - 6 000 EUR

Lot 1065 - Francesco Solimena - SOLIMENA, FRANCESCO 1657 Canale di Serino - 1747 Barra Titre : Étude préparatoire à la crucifixion. Date : Ca. 1728. Technique : Huile sur toile. Montage : Relié. Dimensions : 33 x 41 cm : 33 x 41cm. Encadrement : Encadré. Expertise : Riccardo Lattuada, Naples, 19.02.2024, copie disponible. Provenance : Collection Erich Schleier, Berlin. La grande surface de fond brun visible et bien conservée suggère qu'il s'agit d'une étude préliminaire pour une composition plus complexe. Les trois personnages peuvent facilement être rapprochés de la partie inférieure droite de la "Descente de croix" de Francesco Solimena, dont la version la plus importante a été peinte en 1728-29 pour la chapelle du pavillon de chasse du prince Eugène de Savoie à Engelhartstetten et se trouve depuis longtemps au Kunsthistorisches Museum de Vienne. L'œuvre de Vienne est la plus grande (398 x 223 cm), mais il existe également des versions plus petites à Chambéry, au Musée d'Art et d'Histoire, et au Berkeley Art Museum (toutes deux d'environ 128 x 75 cm). Ces œuvres peuvent être considérées comme des réminiscences de la grande composition pour Eugène de Savoie, dont le succès est également attesté par l'existence de nombreuses copies et dérivations d'atelier. La présente peinture présente des caractéristiques typiques de la technique développée par Solimena lors de la préparation des esquisses, que Bernardo de' Dominici décrit en détail en citant les instructions de Solimena. Le fond brun, sur lequel les figures sont silhouettées, sert à décrire les parties ombrées de la peinture en clair-obscur ; l'exécution est très précise et le choix des couleurs est déjà essentiellement celui adopté dans l'élaboration des œuvres. Nous observons cette méthode dans plusieurs œuvres sur toile de Francesco Solimena, conçues comme des parties de compositions complexes et donc destinées à un usage technique, pour ainsi dire : "Nicolas et Antoine de Padoue" comme préparation vers 1687 pour les figures de fresque correspondantes à Naples, église de San Giorgio Maggiore (offerte chez Sotheby's, Londres, 1974 1990, resp. New York, aujourd'hui Naples, collection Lauro) ; "Apôtre Pierre en gloire et ange" à Marlow, Leighton Fine Arts, comme préparation pour la figure du même nom sur le plafond de l'église de San Nicola alla Caritá à Naples (vers 1690) ; et la petite esquisse de l'Apôtre Pierre en gloire et ange, à Marlow, Leighton Fine Arts, comme préparation pour la figure du même nom sur le plafond de l'église de San Nicola alla Caritá à Naples (vers 1690). 1690) ; et la petite esquisse avec la Nativité à Naples, collection De Giovanni, conçue pour certaines figures de l'Adoration des bergers à Naples, Santa Maria Donnalbina, qui n'ont pas été utilisées dans le projet final (vers 1699-1701). Au cours de sa longue carrière, Solimena a également appliqué cette méthode à des peintures préparatoires pour des œuvres comme celle dont il est question ici, réalisées vers la fin de la troisième décennie du XVIIIe siècle. Il est significatif qu'à notre connaissance, aucune autre version de cette étude n'est connue, ce qui augmente sa valeur informative. Nous remercions Riccardo Lattuada d'avoir confirmé l'attribution après avoir examiné la présente peinture sur la base d'une photographie numérique à haute résolution. Nous remercions également Francesco Petrucci, Rome, qui a également reconnu l'attribution de manière indépendante. Frais d'expédition estimés pour ce lot : Arrangement après la vente aux enchères. Explications sur le catalogue Francesco Solimena 17e/18e s. Maîtres anciens Encadré Vie du Christ Peinture Croix

Estim. 5 000 - 8 000 EUR
Paiement sécurisé
Les paiements en ligne sont sécurisés par Ingenico et les transactions cryptées.
Authentification
Chaque lot a été authentifié et expertisé par une Maison de Ventes.
Besoin d'aide
Consultez notre aide ou contactez-nous
Composé de plusieurs filiales, le Groupe Drouot est un acteur incontournable du marché de l’art.
L’Hôtel Drouot, situé au cœur de Paris, est la plus grande place de ventes aux enchères publiques au monde, depuis 1852. 15 salles de ventes sont proposées à plus de 60 maisons de vente. L’émulation générée par une offre annuelle de 230 000 œuvres d’art issues de 21 grandes spécialités – de l’Antiquité au street art –, attire quelques 3 000 enchérisseurs chaque jour.
La plateforme digitale du Groupe, Drouot.com, propose des ventes digitales – Live (retransmission et participation aux enchères en direct), Online-only (ventes aux enchères dématérialisées) et Buy Now (ventes de lots à prix fixes). Près de 2 millions d’objets sont proposés par 600 maisons de vente.
L’actualité des enchères est relayée chaque semaine par La Gazette Drouot, l’hebdomadaire de référence du marché de l’art et du patrimoine édité par Auctionspress.
Le Groupe Drouot
Les opérateurs de vente agréés Drouot
Pour acheter
Comment acheter sur Drouot.com
Comment acheter à l'Hôtel Drouot
Le lexique des enchères
Liens utiles
Pour vendre
Faire estimer son bien
Ventes à l'Hôtel Drouot
S'abonner
Services pour les professionnels
Opérateurs de ventes aux enchères
Contacts
HÔTEL DROUOT
9, rue Drouot 75009 Paris, France
+33 (0)1 48 00 20 00
[email protected]

DROUOT.com
[email protected]
Espace Presse
Visites & Privatisations
CGU et mentions légales - Politique de confidentialité - Copyright © Drouot.com