23rd April - 19th & 20th century classics

Lot 1 - RAMÓN CALSINA BARÓ (Barcelone, 1901 - 1992). "La prise de vue". Huile sur toile. Signée dans le coin supérieur gauche. Présente des restaurations sur la toile. Dimensions : 81 x 100 cm ; 98 x 115 cm (cadre). Dans ce qui semble être l'intérieur délabré d'un théâtre de quartier, un groupe de personnages pittoresques s'est réuni : une actrice en costume de danseuse sur le point de réciter son rôle, un metteur en scène caché derrière sa caméra qui s'apprête à l'enregistrer, un spectateur assis dans une loge et un musicien de cirque. La pénombre dans laquelle se déroule la scène augmente la sensation énigmatique de l'atmosphère, avec laquelle Ramón Calsina recrée l'un de ses mondes mystérieux particuliers, touché par une douce mélancolie avec laquelle il a l'habitude d'imprégner ses paysages humains attachants. Après avoir commencé sa formation à l'Académie Baixas de Barcelone, Calsina entre en 1920 à l'école de La Lonja, où il est le disciple de Feliu Mestres. Il fait ses débuts individuels en 1930 à la Sala Parés et, l'année suivante, il expose ses œuvres à Paris. Les anthologies qu'il a organisées à Barcelone en 1957 et 1966 revêtent une importance particulière. Son style, proche du réalisme magique, est précis et stylisé, souvent ironique et plein de détails insolites ou fantastiques. Il révèle également certaines influences de Goya, Daumier et Hogarth. Dessinateur, il réalise des illustrations, des affiches et des vitraux. Il conçoit les costumes et les décors de la pièce "El casament de la Xela", de Xavier Berenguel (1938). Entre 1931 et 1933, il collabore à la revue allemande "Der Querschnitt". Il a également illustré des romans, tels que "Don Quichotte" et les œuvres d'Edgar Allan Poe. En 1964, il remporte le prix international de dessin Ynglada-Guillot et, en 1990, il est décoré de la Croix de Sant Jordi. En 1984, un grand groupe de poètes, d'écrivains, d'artistes et d'intellectuels a lancé un appel social pour la reconnaissance de Calsina, à la suite de quoi la Caja de Ahorros de Barcelona, avec la collaboration de la Generalitat de Catalunya, lui a consacré une exposition anthologique. En 1990, une autre exposition a été organisée au Centro Conde Duque de Madrid, avec la collaboration de la mairie. Il est représenté dans plusieurs musées espagnols, ainsi que dans d'importantes collections privées. En 2009, la Fondation Ramón Calsina, promue par ses héritiers, a été créée.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 2 - RAFAEL ZABALETA FUENTES (Quesada, Jaén, 1907 - 1960). "Nature morte du vendeur de fruits", 1941. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Cette œuvre figure sur une photographie de Cesáreo Rodríguez-Aguilera (ami et biographe de Zabaleta) prise dans sa maison de Barcelone. Œuvre vérifiée par le musée Zabaleta. Œuvre référencée dans la relation autographique de Rafael Zabaleta où il est même indiqué à qui elle est vendue. Expositions : - Biosca, Madrid, 1942, numéro 1. - Argos, Barcelone, 1947, numéro 12. Bibliographie : - Guzmán, M. "Catalogación...", n. 78, pp. 107-108. - Guzmán, M. "La pintura de R. Zabaleta", p. 304. Dimensions : 50 x 61 cm ; 70 x 81 cm (cadre). Rafael Zabaleta était un peintre extrêmement polyvalent, capable de développer parallèlement une œuvre d'héritage cubiste dans laquelle l'image est fragmentée et évoque des vitraux colorés et, en même temps, un style apparemment traditionnel mais dans lequel on peut apprécier l'héritage de l'avant-garde. C'est ce deuxième cas de figure que l'on retrouve dans le tableau que nous proposons et dont María Guzmán Pérez, la plus grande spécialiste de l'œuvre picturale de Zabaleta, affirme qu'"il est dépourvu de toute perspective, les objets superposés recouvrant totalement l'espace pictural. Le schéma primaire est constitué d'un ovale et d'un losange, dont les axes coïncident. Le dessin est très simple, les formes étant insinuées par une ligne sombre qui les dessine, sans autre but que de les rendre reconnaissables". Né dans une famille aisée, Rafael Zabaleta manifeste dès l'enfance son goût pour la peinture. Après avoir terminé ses études secondaires, il s'installe à Madrid et entre, en 1925, à l'Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. Il y aura pour professeurs Lainez Alcalá, Cecilio Pla et Ignacio Pinazo, et en 1932, il participe pour la première fois à une exposition collective, celle des étudiants de San Fernando. L'une de ses œuvres, intitulée "La pareja", est choisie pour illustrer le compte rendu critique que Manuel Abril fait pour la revue "Blanco y Negro". Trois ans plus tard, Zabaleta effectue son premier voyage à Paris, où il rencontre et étudie les œuvres des maîtres de la peinture contemporaine. En 1937, il est nommé délégué du Trésor artistique national et c'est à cette époque qu'il commence une série de dessins sur la guerre civile. À la fin de la guerre, il est dénoncé et fait un bref séjour au camp de concentration de Higuera de Calatrava et à la prison de Jaen, où ses deux albums de dessins réalisés pendant la guerre sont saisis. Enfin libéré, il s'installe en 1940 à Madrid, où il assiste aux réunions du Café Gijón et dessine et peint au Círculo de Bellas Artes. Deux ans plus tard, il rend visite à Aurelio Biosca, directeur de la galerie madrilène Biosca, avec une lettre d'introduction du sculpteur Manolo Hugué. C'est là qu'il réalise sa première exposition individuelle la même année, après avoir été refusé à l'Exposition nationale des beaux-arts. Cependant, l'année suivante, il participe au premier Salón de los Once et devient membre de l'Academia Breve de Crítica de Arte de Eugenio d'Ors, à laquelle appartenait également Biosca. Zabaleta participera à la plupart de ses Salones de los Once et expositions anthologiques. En 1945, Zabaleta participe à l'exposition collective "Floreros y bodegones" au Musée national d'art moderne, tout en continuant à exposer individuellement et collectivement dans des galeries de la capitale. En 1947, il réalise sa première exposition personnelle à Barcelone, à la galerie Argos, et publie sa première monographie. Deux ans plus tard, il se rend à nouveau à Paris et entre en contact avec Picasso, Óscar Domínguez, M. Ángeles Ortiz et d'autres. L'année de sa consécration définitive sera 1951, lorsqu'il réalise une exposition personnelle au Musée d'art moderne de Madrid. En 1955, il reçoit le prix de l'UNESCO à la Biennale hispano-américaine de Barcelone. La même année, il participe à la Biennale de la Méditerranée à Alexandrie et réalise une exposition personnelle à Bilbao. Au cours de ses dernières années, Zabaleta sera un artiste déjà pleinement reconnu, invité aux expositions et aux salons les plus importants, tant en Espagne que dans des villes étrangères de l'importance de Paris.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 3 - JOHN BRADFORD (États-Unis, 1949). "David Hume lisant An Enquiry Concerning the Principles of Morals à ses amis", 2017. Acrylique sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Étiquette de la galerie Anna Zorina, New York, au dos. Dimensions : 122 x 152 cm ; 127 x 158 cm (cadre). Comme l'indique le titre de cette composition unique, David Hume lit son écrit mythique "Enquête sur les principes de la morale" à un cercle étroit d'amis et de parents. Le sujet, cependant, est presque une excuse pour John Bradford. L'artiste utilise un large éventail de techniques formelles affinées au cours de 50 années d'expérience, combinant grattage au couteau à palette, généreuses touches de peinture, appliquées au pinceau et aux doigts... le résultat étant une atmosphère presque onirique, mais réaliste. Il joue avec les nuances éphémères de l'air et de la lumière. John Bradford est né à Wilmington, dans le Delaware. Il a obtenu une licence en beaux-arts à la Cooper Union de New York en 1971 et une maîtrise en beaux-arts à l'école d'art de l'université de Yale à New Haven, Connecticut, en 1978 : Il a exposé à la galerie Anna Zorina, à New York, au Claryville Art Center, à New York, à la Bowery Gallery, à New York, et à la 55 Mercer Gallery, à New York, entre autres. Bradford a reçu en 2011 le prestigieux prix de peinture de l'Académie américaine des arts et des lettres. Son travail a été commenté dans le New York Times, le New York Magazine, le New Criterion, ArtNews, Village Voice, The Jewish Press et Hudson Review. Bradford vit et travaille à Leonia, dans le New Jersey. La galerie Anna Zorina à New York présente actuellement une exposition solo de l'artiste (ouverture le 18 avril 2024).

Estim. 5 000 - 7 000 EUR

Lot 4 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcelone, 1859 - 1940). "Cadaqués". Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 53 x 62 cm ; 71 x 80 cm (cadre). Peintre de paysages et de marines, Eliseo Meifrèn est considéré comme l'un des premiers introducteurs du mouvement impressionniste en Catalogne. Il commence sa formation artistique à l'École des beaux-arts de Barcelone, où il est le disciple d'Antonio Caba et de Ramón Martí Alsina, avec lesquels il commence à créer des paysages romantiques de style académique. À la fin de ses études, en 1878, il s'installe à Paris afin d'élargir ses connaissances artistiques. C'est là qu'il fait connaissance avec la peinture "à l'air libre", qui l'influencera fortement dans ses paysages parisiens de ces années-là. De même, à Paris, il coïncide avec le début public de l'impressionnisme. Un an plus tard, il effectue un voyage en Italie, au cours duquel il visite Naples, Florence, Venise et Rome ; il y prend contact avec le cercle d'artistes catalans formé par Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés et Joan Llimona, entre autres. La même année, en 1879, il participe à l'exposition régionale de Valence et remporte une médaille d'or. De retour à Barcelone, il fait ses débuts individuels en 1880 à la Sala Parés de Barcelone, où il continue d'exposer régulièrement depuis lors. Pendant ces années, il fait partie du groupe moderniste et fréquente Els Quatre Gats. En 1883, il retourne à Paris, où il réalise de nombreux dessins et aquarelles avec des vues de la ville et de ses cafés, qui lui valent un accueil chaleureux de la part de la critique et du public français. À la fin des années quatre-vingt, il revient à Barcelone et continue d'exposer ses œuvres à la Sala Parés, ainsi qu'au Centro de Acuarelistas. En 1888, il est également membre du jury de l'Exposition universelle de Barcelone. En 1890, il retourne pour la troisième fois dans la capitale française, où il participe au Salon des Beaux-Arts et au Salon des Indépendants de 1892, en compagnie de Ramon Casas et de Santiago Rusiñol, artistes avec lesquels il avait formé le groupe pictural de Sitges un an plus tôt. Au cours des années suivantes, Meifrèn envoie ses œuvres à de nombreuses expositions et concours officiels, dont les expositions nationales de Madrid et de Barcelone, et reçoit la troisième médaille aux Universelles de Paris de 1889 et 1899, la médaille d'argent à l'Universelle de Bruxelles de 1910, le grand prix à l'Universelle de Buenos Aires de la même année, la médaille d'honneur à l'Internationale de San Francisco de 1915 et le grand prix à l'Internationale de San Diego de l'année suivante. Il a également remporté le prix Nonell de Barcelone en 1935. En 1952, la mairie de Barcelone lui consacre une exposition rétrospective au Palacio de la Virreina. Ses premiers paysages, caractérisés par un concept académique et romantique, évolueront plus tard vers un langage impressionniste ; abandonnant le préciosisme romain, il adoptera une technique de coups de pinceau lâches et de palette claire, dans laquelle la conception lumineuse se rapproche des budgets symbolistes, dans l'orbite de Modesto Urgell. Il est actuellement représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au MACBA de Barcelone et à la Thyssen-Bornemisza, entre autres.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 5 - HOLGER HVITFELDT JERICHAU (Copenhague, 1861-1900). "Deux hommes à Bénarès". 1884. Huile sur toile. Signée, située et datée dans le coin inférieur gauche. Préserve le cadre d'époque. Il présente quelques défauts dans le cadre doré. Dimensions : 60 x 40 cm ; 82 x 62 cm (cadre). Holger Hvidtfeldt Jerichau a vécu dans plusieurs pays d'Asie, notamment en Inde. Ses peintures de voyage transcendent l'anecdote orientaliste, comme le montre cette toile. Deux indigènes trempent leurs pieds dans le Gange, et le caractère sacré du fleuve hindou est contagieux dans la clarté de l'atmosphère, limpide et calme. Leur teint sombre contraste avec la blancheur de la draperie. Des palmiers élancés étayent le ciel, et leurs voûtes peignent le bleu turquoise de leur verdure. La chaude luminosité du ciel se reflète dans la surface transparente de l'eau cristalline, ainsi que les silhouettes masculines qui s'y réverbèrent, se fondant dans des myriades chromatiques qui glissent dans un balancement rythmé. Les huttes se blottissent les unes contre les autres sur la pente, complétant une image qui transmet une vision idyllique et romantique de ce paysage indien. Holger Hvidtfeldt Jerichau était un peintre paysagiste danois. Son frère, Harald Jerichau, était également un peintre réputé dans le même genre. Il est le fils du sculpteur Jens Adolf Jerichau et de son épouse, la peintre Elisabeth Jerichau Baumann. Il a d'abord été apprenti marchand en Allemagne et en Italie, mais n'a pas montré beaucoup d'aptitudes pour cette carrière. Il choisit donc de suivre les traces de ses parents. Il a reçu la plus grande partie de sa formation de sa mère, mais a également étudié avec des tuteurs à l'étranger. Il n'a jamais fréquenté d'école d'art. À partir de 1884, il expose des paysages aux motifs italiens. Il a vécu à l'étranger la majeure partie de sa vie, principalement en Italie, mais aussi en Russie méridionale et en Asie, dont une année en Inde (1893-94). La plupart de ses paysages danois datent de 1885 et 1886, époque à laquelle il vivait près de Hørsholm et épousait Anna Frederikke Birch, fille de l'officier d'état civil local. Leur fils, Jens Adolf, peintre expressionniste prometteur, se suicide à l'âge de vingt-cinq ans. Une grande partie de son œuvre est aujourd'hui décrite comme superficielle et manifestement destinée aux goûts du public le plus large possible. Malgré la diversité culturelle des lieux où il a vécu et qu'il a visités, le choix des sujets est souvent banal et les couleurs très simples. Il meurt à Noël 1900 et est enterré au cimetière de Hørsholm. Bien qu'il n'ait eu que trente-neuf ans, sa production totale a été considérable.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 6 - GODOFREDO ORTEGA MUÑOZ (San Vicente de Alcántara, Badajoz, 1899 - Madrid, 1982). "Paysage du lac Majeur", vers 1920-30. Huile sur carton. Provenance : -Collection privée, Massimo Uccelli, Italie. Héritage de ses grands-parents, qui l'ont reçu du peintre alors qu'il vivait dans sa maison de Via Antonio Rosmini, à Stresa, près du lac Majeur (Italie). -Collection privée, Turin. Avec certificat de la Fondation Ortega Muñoz. Avec permis d'exportation de l'Italie et de l'Espagne. Dimensions : 51 x 60 cm. Ortega Muñoz a vécu dans cette région du nord de l'Italie, proche de la frontière suisse, et l'a donc représentée à de nombreuses reprises, faisant preuve d'une grande maîtrise des nuances et des lumières de cette région frontalière froide et limpide. Ortega, héritier de l'école de Vallecas, a souvent privilégié ce type de paysages austères, réalistes mais loin d'être académiques, qui nous entraînent dans des espaces vastes et solitaires qui éveillent notre véritable émotivité. Les arbres aux branches dénudées occupent une première ligne derrière laquelle s'ouvre le paysage montagneux du lac Majeur, souligné à l'arrière-plan par les taches bleutées des sommets enneigés. Ortega Muñoz est l'un des grands créateurs du paysage espagnol contemporain. Il s'initie à l'art dès l'enfance, en autodidacte, et malgré les conseils de son père, en 1919, à l'âge de vingt ans, il décide de s'installer à Madrid pour se consacrer à la peinture. Là, il se consacrera dès le premier instant à faire des copies des grands maîtres du musée du Prado et de l'ancien musée d'art moderne. Il poursuit sa formation en autodidacte et commence à peindre en plein air dans les environs de la Dehesa de la Villa, en compagnie d'autres jeunes artistes comme le Philippin Fernando Amorsolo. Un an plus tard, il décide de s'installer à Paris, où il rencontre son ami de toujours, le poète Gil Bel. À Paris, il découvre également les œuvres de Van Gogh, Gauguin et Cézanne, mais il vit en même temps la crise formelle et idéologique qui se développe dans cette période de l'entre-deux-guerres et qui l'amènera à quitter la France pour se rendre dans le sud, en Italie, où il trouvera chez les maîtres du passé des valeurs plus authentiques de spiritualité, de simplicité et de pureté. Ortega Muñoz parcourra l'Italie du nord au sud entre 1921 et 1922, et c'est à Lago Maggiore qu'il rencontre le peintre anglais Edward Rowley Smart, avec lequel il passera une courte période d'apprentissage. Avec lui, Ortega Muñoz arrive à la conclusion que, face à l'apparente déraison de l'art contemporain, il est nécessaire de revenir à la nature et de retrouver l'authenticité des vérités spirituelles et des émotions simples. En 1926, il retourne en Espagne, où il est le protagoniste de l'une des excursions fondatrices de l'école de Vallecas. Peu après, en 1927, il réalise sa première exposition au Círculo Mercantil de Saragosse. Il quitte à nouveau l'Espagne et voyage cette fois en Europe centrale, en passant par Zurich, Bruxelles et plusieurs villes allemandes. En 1928, à Worpswede, il entre en contact avec une colonie d'artistes au langage expressionniste, intéressés par les paysages et la vie paysanne, en réaction contre les artifices et les raffinements sophistiqués de l'avant-garde. Très influencé par son expérience à Worpswede, Ortega Muñoz retourne en France en 1928 et, entre 1930 et 1933, il continue à voyager entre l'Europe centrale et l'Italie du Nord ; il arrive finalement au Caire en 1933, date à laquelle ses talents de portraitiste lui ont permis de mener une vie confortable et de nouer d'importants contacts. Il expose à Alexandrie avec un énorme succès, ce qui l'amènera à renouveler l'expérience un an plus tard, en présentant une exposition presque anthologique dans laquelle on peut déjà apprécier son amour pour la nature, l'équilibre entre la couleur et l'ambiance, et l'atmosphère de calme et de tristesse caractéristique de son langage. En 1935, il retourne en Espagne et, l'année suivante, il présente une exposition au Círculo de Bellas Artes de Madrid. La guerre civile l'oblige cependant à quitter l'Espagne ; après la guerre, il retourne dans sa ville natale et retrouve enfin l'étendue silencieuse et solitaire de son paysage et la réalité proche de ce monde qu'il ressent comme authentiquement le sien.

Estim. 25 000 - 28 000 EUR

Lot 7 - JOSÉ VELA ZANETTI (Milagros, Burgos, 1913 - Burgos, 1999). "Notre pain", 1979. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 57 x 76 cm ; 72 x 92 cm (cadre). Selon les termes de la Fondation Vela Zanetti, "l'un des thèmes de la peinture de petit format serait les natures mortes, très particulières à Vela Zanetti, parce qu'elles ont la caractéristique d'être rurales et rudes. C'est son interprétation de la nature morte castillane et le fait de placer des objets de second ordre comme protagonistes qui rendent ces œuvres si précieuses. Les objets qu'il représente sont ceux qui sont typiques de la campagne, comme dans ce cas la miche de pain, les clés, la cruche d'eau ou un citron. En arrière-plan, un mur écaillé, minutieusement réalisé, souligne la couleur et amplifie les nuances". Né à Milagros, dans la province de Burgos, il s'est installé à León avec sa famille lorsqu'il était enfant. C'est là qu'il a tenu sa première exposition en 1931. Soutenu par son père, il se rend à Madrid quelques mois après la fin de ses études secondaires pour voir des expositions et visiter le musée du Prado. Peu après, il obtient une bourse pour visiter l'Italie, octroyée par le conseil provincial de León. À la suite de la guerre civile espagnole, il se rend en République dominicaine, où il reste jusqu'en 1960. À Saint-Domingue, il crée, avec d'autres artistes exilés, l'École nationale des beaux-arts. Pendant cette période, il réalise des expositions et des projets au Mexique, en Colombie, à Porto Rico et aux États-Unis. En 1951, la Fondation John Simon Guggenheim de New York lui accorde une bourse pour un projet singulier : la création d'une grande peinture murale pour l'un des principaux espaces du siège des Nations unies, en commémoration du 50e anniversaire de la Déclaration universelle des droits de l'homme. Ce projet a définitivement propulsé le maître de Burgos et est aujourd'hui considéré comme son œuvre la plus importante, tant pour sa pertinence symbolique que pour son expressivité et sa qualité artistique. Il a lui-même déclaré à propos de cette œuvre : "J'espère que ceux qui contempleront cette peinture murale comprendront que la paix doit être gagnée, non pas une fois pour toutes, mais tous les jours, en se souvenant des souffrances du passé et en concrétisant ce à quoi les hommes aspirent pour l'avenir". Vela Zanetti a également réalisé d'autres peintures murales importantes, comme celles sur des thèmes historiques pour le conseil provincial de Burgos ou les fresques de l'ancien théâtre Ercilia à Barahona, en République dominicaine. Il était académicien de San Fernando et docteur honoris causa de l'université de Burgos. Le Centre culturel de la Villa de Madrid a organisé en 2001, sous le titre "Antológica", une exposition rétrospective de l'œuvre de Vela Zanetti, la plus importante à ce jour. En 2009, une exposition commémorant le dixième anniversaire de sa mort a été organisée à la galerie Ángeles Penche de Madrid. Bientôt, une importante exposition consacrée à l'œuvre de Vela Zanetti a été organisée au Fórum Evolución de Burgos, commémorant le centenaire de sa naissance et constituant l'anthologie la plus complète de ce peintre à ce jour. Ses œuvres sont actuellement conservées dans les collections de la Caja Rural de Burgos et de la Fondation Vela Zanetti de León, ainsi que dans des peintures murales réalisées dans diverses villes d'Espagne, de Saint-Domingue, des États-Unis, de Colombie et de Suisse.

Estim. 5 500 - 6 000 EUR

Lot 8 - MANOLO DE LA VEGA (Andalousie, fin du XIXe siècle). "Scène de taverne. Huile sur toile. Signée "M. de la Vega". Présente un manque de polychromie dans la dorure du cadre. Dimensions : 118 x 163 cm ; 137 x 182 cm (cadre). Scène costumbrista imprégnée de picaresque, résultat d'un langage audacieux et juteux. À l'intérieur d'un restaurant populaire, deux femmes enveloppées dans des châles de dentelle fine rient sous cape lorsque le père de famille lit l'addition. Sa bouche ouverte et ses yeux écarquillés révèlent qu'il ne s'attendait pas à une telle somme. Sur une impulsion inconsciente, il serre le poing autour du manche du couteau à dessert, tandis que sa fille se couvre la bouche avec sa serviette pour cacher sa joie et que sa mère s'évente, feignant l'étourderie. Le serveur, quant à lui, s'appuie sur l'arcade en pierre de l'intérieur de la taverne et observe la scène avec méfiance. Au fond, près de la cheminée, un groupe de comédiens ambulants, dont l'un est déguisé en arlequin, font tinter leurs verres de vin.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 9 - JULIÁN GRAU SANTOS (Canfranc, Huesca, 1937). "Armoire".1970. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 75 x 62 cm. Fils d'Emilio Grau Sala et d'Ángeles Santos Torroella, il est formé à Barcelone. En 1949, il fait plusieurs voyages à Paris, où il a l'occasion de contempler de première main les œuvres de Sisley, de Van Gogh et de divers impressionnistes et postimpressionnistes. Il organise sa première exposition personnelle à la Sala Libros de Saragosse en 1957. Depuis lors, il a organisé des expositions personnelles dans les galeries Syra, Rovira et Vayreda à Barcelone ; Alas, Abril, El Cisne, Collage et Biosca à Madrid ; Justin Lester à Los Angeles, Art Roman à Tokyo, etc. Depuis 1966, il expose régulièrement à titre individuel à la Sala Parés de Barcelone et, en 1968, il a participé au Salon des artistes français au Grand Palais de Madrid. Son œuvre, liée à l'expressionnisme et très axée sur la couleur, se caractérise par une technique très élaborée et une connaissance approfondie du dessin. Il a également réalisé de nombreux dessins qui ont été publiés dans divers journaux et magazines. Parmi les prix qu'il a reçus, citons le prix de La Rambla (Barcelone, 1961), la médaille Ramón Rogent (Salón de Mayo, Barcelone, 1962), la médaille de l'exposition des beaux-arts (Madrid, 1961), le troisième prix Sant Jordi et le prix Van Gogh (Barcelone, 1963), la médaille de la ville de Barcelone (1965), le prix de la biennale de peinture de Huesca (1976), la médaille de la Condesa de Barcelona (Madrid, 1983) et la médaille d'honneur du concours BMW (Madrid, 1987). Ces dernières années, il a participé aux foires ARCO à Madrid et ARTEXPO à Valence, Barcelone, Bâle, New York, Chicago, Miami et Hong Kong. En 1993, la fondation Mapfre Vida de Madrid lui a consacré une exposition rétrospective.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 10 - JULIÁN GRAU SANTOS (Canfranc, Huesca, 1937). "Sant Pere de Ribas", 1975. Huile sur toile. Elle porte l'étiquette de la salle Parés (Barcelone). Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Signée et titrée au dos. Dimensions : 50 x 61 cm ; 78 x 67 cm (cadre). Fils d'Emilio Grau Sala et d'Ángeles Santos Torroella, il se forme à Barcelone. En 1949, il fait plusieurs voyages à Paris, où il a l'occasion de contempler de première main les œuvres de Sisley, de Van Gogh et de divers impressionnistes et postimpressionnistes. Il organise sa première exposition personnelle à la Sala Libros de Saragosse en 1957. Depuis lors, il a organisé des expositions personnelles dans les galeries Syra, Rovira et Vayreda à Barcelone ; Alas, Abril, El Cisne, Collage et Biosca à Madrid ; Justin Lester à Los Angeles, Art Roman à Tokyo, etc. Depuis 1966, il expose régulièrement à titre individuel à la Sala Parés de Barcelone et, en 1968, il a participé au Salon des artistes français au Grand Palais de Madrid. Son œuvre, liée à l'expressionnisme et très axée sur la couleur, se caractérise par une technique très élaborée et une connaissance approfondie du dessin. Il a également réalisé de nombreux dessins qui ont été publiés dans divers journaux et magazines. Parmi les prix qu'il a reçus, citons le prix de La Rambla (Barcelone, 1961), la médaille Ramón Rogent (Salón de Mayo, Barcelone, 1962), la médaille de l'exposition des beaux-arts (Madrid, 1961), le troisième prix Sant Jordi et le prix Van Gogh (Barcelone, 1963), la médaille de la ville de Barcelone (1965), le prix de la biennale de peinture de Huesca (1976), la médaille de la Condesa de Barcelona (Madrid, 1983) et la médaille d'honneur du concours BMW (Madrid, 1987). Ces dernières années, il a participé aux foires ARCO à Madrid et ARTEXPO à Valence, Barcelone, Bâle, New York, Chicago, Miami et Hong Kong. En 1993, la fondation Mapfre Vida de Madrid lui a consacré une exposition rétrospective.

Estim. 1 200 - 1 400 EUR

Lot 11 - MODEST URGELL ANGLADA (Barcelone, 1839 - 1919). "Paysage. Huile sur panneau Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 36 x 25 cm ; 61 x 52 cm (cadre). Modest Urgell a commencé sa carrière comme acteur de théâtre, mais l'interdiction familiale de suivre cette voie l'a amené à se consacrer à la peinture. Il étudie à la Escuela de La Lonja de Barcelone, où il est le disciple de Ramón Martí Alsina, puis séjourne à Paris, où il rencontre Gustave Courbet et s'attache au réalisme. Dans les années soixante, ses œuvres sont refusées aux expositions officielles de Madrid et de Barcelone. En 1870, il s'installe à Olot, où il fait la connaissance de Joaquín Vayreda, créateur de l'école paysagiste locale. Dès lors, Urgell décide de se consacrer pleinement à la peinture de paysage. Son œuvre se concentrera sur les natures solitaires et les paysages marins, mettant souvent en scène des ermitages et des cimetières, marqués par une atmosphère crépusculaire, désolée et mystérieuse. À partir de 1896, il enseigne la peinture de paysage à l'École des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, et est nommé académicien en 1902. Il est également le fondateur de la Société artistique et littéraire de Catalogne, ainsi que du Musée artistique et archéologique de Gérone. Il participe à toutes les éditions de l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid, de 1864 à un an avant sa mort, et reçoit la deuxième médaille en 1876 et 1892. Il envoie également ses peintures aux expositions de Barcelone, ainsi qu'à l'exposition universelle de Paris et aux expositions internationales de Munich, Bruxelles, Berlin, Philadelphie et Chicago. En 1892, il est récompensé dans tous les concours auxquels il participe, dont celui de Bruxelles, où il est le seul Espagnol lauréat. Il se consacre également à la littérature, avec un intérêt particulier pour le théâtre. La somme de ses deux passions, l'art et la littérature, s'exprime dans son album "Catalunya" (1905), composé de plus de cent dessins accompagnés de textes écrits par lui-même. Ses paysages ont une atmosphère, une couleur et des thèmes qui démentent le stéréotype du paysage méditerranéen, basé sur des natures chaudes et amicales, d'un chromatisme brillant, comme des fenêtres ouvertes sur la sensualité méridionale. Ses peintures, au contraire, parlent de mélancolie et de solitude, et recréent sans cesse une Catalogne désolée et triste à laquelle, des années plus tard, le poète Salvador Espriu sera également sensible. Son langage rejette tout thème fantaisiste ou pittoresque, reprenant des sujets d'actualité sans chercher à les ennoblir ou à les idéaliser, mais en cherchant à provoquer des états d'âme chez le spectateur à travers des lumières crépusculaires qui se dissolvent, pendant de brefs instants, dans une harmonie de rouges, ou ses cimetières désolés et ses marines sévères, nues et dépouillées. Urgell est représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée maritime de Barcelone, à la Kunsthalle de Hambourg, au musée Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú, aux fonds d'art de la Caixa Sabadell et de la Caixa d'Estalvis de Terrassa, au musée Dalí de Figueras et aux musées provinciaux de Gérone, de Palma de Majorque et de Lugo, parmi de nombreux autres centres et institutions.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 12 - MODEST URGELL ANGLADA (Barcelone, 1839 - 1919). "Bateau sur la plage". Huile sur carton Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 36 x 25 cm ; 61 x 52 cm (cadre). Modest Urgell a commencé sa carrière comme acteur de théâtre, mais l'interdiction familiale de suivre cette voie l'a amené à se consacrer à la peinture. Il étudie à la Escuela de La Lonja de Barcelone, où il est le disciple de Ramón Martí Alsina, puis séjourne à Paris, où il rencontre Gustave Courbet et s'attache au réalisme. Dans les années soixante, ses œuvres sont refusées aux expositions officielles de Madrid et de Barcelone. En 1870, il s'installe à Olot, où il fait la connaissance de Joaquín Vayreda, créateur de l'école paysagiste locale. Dès lors, Urgell décide de se consacrer pleinement à la peinture de paysage. Son œuvre se concentrera sur les natures solitaires et les paysages marins, mettant souvent en scène des ermitages et des cimetières, marqués par une atmosphère crépusculaire, désolée et mystérieuse. À partir de 1896, il enseigne la peinture de paysage à l'École des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, et est nommé académicien en 1902. Il est également le fondateur de la Société artistique et littéraire de Catalogne, ainsi que du Musée artistique et archéologique de Gérone. Il participe à toutes les éditions de l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid, de 1864 à un an avant sa mort, et reçoit la deuxième médaille en 1876 et 1892. Il envoie également ses peintures aux expositions de Barcelone, ainsi qu'à l'exposition universelle de Paris et aux expositions internationales de Munich, Bruxelles, Berlin, Philadelphie et Chicago. En 1892, il est récompensé dans tous les concours auxquels il participe, dont celui de Bruxelles, où il est le seul Espagnol lauréat. Il se consacre également à la littérature, avec un intérêt particulier pour le théâtre. La somme de ses deux passions, l'art et la littérature, s'exprime dans son album "Catalunya" (1905), composé de plus de cent dessins accompagnés de textes écrits par lui-même. Ses paysages ont une atmosphère, une couleur et des thèmes qui démentent le stéréotype du paysage méditerranéen, basé sur des natures chaudes et amicales, d'un chromatisme brillant, comme des fenêtres ouvertes sur la sensualité méridionale. Ses peintures, au contraire, parlent de mélancolie et de solitude, et recréent sans cesse une Catalogne désolée et triste à laquelle, des années plus tard, le poète Salvador Espriu sera également sensible. Son langage rejette tout thème fantaisiste ou pittoresque, reprenant des sujets d'actualité sans chercher à les ennoblir ou à les idéaliser, mais en cherchant à provoquer des états d'âme chez le spectateur à travers des lumières crépusculaires qui se dissolvent, pendant de brefs instants, dans une harmonie de rouges, ou ses cimetières désolés et ses marines sévères, nues et dépouillées. Urgell est représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée maritime de Barcelone, à la Kunsthalle de Hambourg, au musée Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú, aux fonds d'art de la Caixa Sabadell et de la Caixa d'Estalvis de Terrassa, au musée Dalí de Figueras et aux musées provinciaux de Gérone, de Palma de Majorque et de Lugo, parmi de nombreux autres centres et institutions.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 13 - RAMÓN CALSINA BARÓ (Barcelone, 1901 - 1992). "Nature morte au bidon d'huile". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 60,5 x 72 cm ; 77 x 90,5 cm. (cadre). Après avoir commencé sa formation à l'Académie Baixas de Barcelone, Calsina entre en 1920 à l'école de La Lonja, où il est le disciple de Feliu Mestres. Il fait ses débuts individuels en 1930 à la Sala Parés et, l'année suivante, il expose ses œuvres à Paris. Les anthologies qu'il a organisées à Barcelone en 1957 et 1966 sont particulièrement importantes. Son style, proche du réalisme magique, est précis et stylisé, souvent ironique et plein de détails insolites ou fantastiques. Il révèle également certaines influences de Goya, Daumier et Hogarth. Dessinateur, il réalise des illustrations, des affiches et des vitraux. Il conçoit les costumes et les décors de la pièce "El casament de la Xela", de Xavier Berenguel (1938). Entre 1931 et 1933, il collabore avec la revue allemande "Der Querschnitt". Il a également illustré des romans, tels que "Don Quichotte" et les œuvres d'Edgar Allan Poe. En 1964, il remporte le prix international de dessin Ynglada-Guillot et, en 1990, la croix de Sant Jordi. En 1984, un groupe important de poètes, d'écrivains, d'artistes et d'intellectuels a lancé un appel social à la reconnaissance de Calsina, à la suite duquel la Caja de Ahorros de Barcelona, avec la collaboration de la Generalitat de Catalunya, lui a consacré une exposition anthologique. En 1990, une autre exposition a eu lieu au Centro Conde Duque de Madrid, avec la collaboration de la mairie. Il est représenté dans plusieurs musées espagnols, ainsi que dans d'importantes collections privées. En 2009, la Fondation Ramón Calsina, promue par ses héritiers, a été créée.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 14 - FRANCISCO PRADILLA ORTIZ (Villanueva de Gállego, Saragosse, 1848 - Madrid, 1921). "L'entrée". Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 18 x 12 cm ; 29 x 22 cm (cadre). Francisco Pradilla commence sa formation comme apprenti de Mariano Pescador, peintre scénographe, et à l'école des beaux-arts de San Luis de Zaragoza. En 1868, il poursuit ses études à l'école des beaux-arts de San Fernando à Madrid, où il est le disciple de Federico de Madrazo, Carlos de Haes, Carlos Luis de Ribera et Ponciano Ponzano. Il complète sa formation en copiant les œuvres des grands maîtres du musée du Prado. En 1874, il remporte le prix de dessin des "Lumières espagnoles et américaines" et obtient une bourse pour étudier à Rome, où il vit pendant vingt-trois ans, jusqu'à sa nomination comme directeur du Prado en 1897. En 1878, il participe à l'Exposition nationale de Madrid et obtient la Médaille d'honneur, la même distinction qu'il obtient la même année à l'Exposition universelle de Paris. Grâce à ces succès, il reçoit de nombreuses commandes de l'Espagne et de la France, mais aussi de l'Amérique et d'autres pays européens. Il voyage à travers l'Espagne et s'intéresse à la capture de scènes pleines de grâce et de couleurs, toujours soutenues par une maîtrise exceptionnelle du dessin. Bien qu'il n'ait pas eu d'expositions personnelles, ses œuvres ont fait partie d'expositions et de concours dans des villes du monde entier, telles que Londres, Paris, Berlin, Sao Paulo et Buenos Aires. Il a été directeur de l'Académie espagnole de Rome et membre des académies royales de San Fernando et de San Luis, de l'Académie française et de la Société hispanique de New York. Parmi les genres picturaux qu'il a cultivés, y compris l'illustration graphique pour des publications littéraires, il faut souligner la peinture d'histoire, qui est celle qui lui a apporté le plus de célébrité. En tant que portraitiste, son activité est plus restreinte et ses résultats sont inégaux lorsqu'il s'agit d'effigies de défunts, mais devant des modèles vivants, il réalise des portraits d'une expressivité sereine et d'une facture étudiée et intonée. Il se consacre également à la peinture de genre, soit d'inspiration populaire italienne, soit sur des sujets de coutumes madrilènes ou de Galice, lieu d'origine de sa femme et où il avait l'habitude de passer quelques saisons. Tant dans les peintures d'histoire que dans celles-ci, Pradilla montre un net penchant pour les décors extérieurs, organisant les compositions en larges perspectives panoramiques avec une multitude de figures et de motifs, interprétés avec une technique très raffinée. L'œuvre de Francisco Pradilla est présente au musée du Prado, aux musées des beaux-arts de Bilbao, Buenos Aires, La Havane et Sao Paulo, au MACBA de Barcelone, à la Christchurch Art Gallery de Nouvelle-Zélande et au musée romantique de Madrid, entre autres.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 15 - ANTONIO TORRES FUSTER (Tarragone, 1874 - Barcelone, 1945). "Portrait de femme. Huile sur toile. Signé dans le coin inférieur droit. Présente quelques manques dans le cadre. Dimensions : 62 x 50 cm ; 86 x 72 cm (cadre). Buste de dame résolu avec des tons chauds qui estompent les contours, renforçant ainsi l'allure énigmatique de la jeune femme aux grands yeux et au visage pensif. Peintre et dessinateur, Antonio Torres Fuster s'est spécialisé dans le genre costumbrista, avec une prédilection pour la figure féminine, en particulier les "bailaoras", les gitanes et les cupletistas. Il a participé à diverses expositions collectives et concours artistiques tels que les expositions de Barcelone de 1894, 1896 et 1919, ou l'exposition d'art de Vilafranca del Penedés en 1926. Il a également exposé ses œuvres lors de la 17e exposition annuelle extraordinaire de la Sala Parés en 1900. Antonio Torres Fuster est représenté au musée d'art moderne de Tarragone, ainsi que dans d'importantes collections privées espagnoles.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 16 - RICARD CANALS LLAMBÍ (Barcelone, 1876 - 1931). "Port". Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 26 x 34 cm ; 41 x 50 cm (cadre). Canals était peintre, dessinateur et graveur, membre de la "Colla del Safrà" (Groupe du Safran, ainsi appelé en raison de sa palette chromatique particulière) avec les peintres Nonell, Mir, Pichot et Vallmitjana. Il commence ses études à la Escuela de La Lonja de Barcelone, mais les abandonne peu après pour continuer à peindre dans la rue. Ami d'Isidre Nonell, ils se rendent ensemble à Caldes de Boí en 1896 et s'installent à Paris l'année suivante. Dans la capitale française, ils exposent tous deux à la galerie Chez Dosbourg avec un grand succès. Nonell retourna à Barcelone et Canals resta travailler pour le marchand d'art Durand-Ruel, le marchand des impressionnistes, représentant des artistes tels que Corot, Monet et Pissarro. À cette époque, il est un ami personnel de Picasso, qui fait le portrait de sa femme. Il participe aux Salons français de 1897 et 1898, ainsi qu'à l'exposition organisée en 1902 à la Durand-Ruel Gallery de New York. En 1907, il retourne définitivement à Barcelone, où il préside l'association Las Artes y los Artistas. À partir de cette date, il effectue plusieurs voyages en Espagne, visitant Madrid, Séville et Grenade. Dès lors, ses œuvres ont une saveur nettement espagnole, combinée à son langage moderne. C'est précisément ce thème espagnol qui lui a valu son plus grand succès à Paris, bien que dans ses dernières années, il ait évolué vers une peinture plus proche du noucentisme. Il se distingue également en tant que portraitiste. Sa dernière œuvre importante, avant sa mort prématurée, fut la décoration du plafond d'une des salles de l'hôtel de ville de Barcelone. En 1933, deux ans après sa mort, la Sala Parés de Barcelone lui a consacré une grande exposition d'hommage. Une grande partie de son œuvre est conservée au musée national d'art de Catalogne, mais elle est également présente dans les collections de l'abbaye de Montserrat, du musée Thyssen-Bornemisza et du musée national des beaux-arts du Chili.

Estim. 1 400 - 1 800 EUR

Lot 17 - École française, vers 1935. "Les Demi-vierges". Affiche lithographique. Dimensions : 159 x 233 cm ; 162,5 x 236,5 cm (cadre). Grande affiche lithographique destinée à la promotion du film "Les Demi-vierges", une référence évidente du cinéma français des années 40 sorti pour la première fois en France en 1936, d'après le roman original de Marcel Prévost. Elle montre la filiation stylistique et conceptuelle avec l'Art déco, en vogue dans l'avant-garde des années 1930, sans toutefois atteindre la simplification schématique des représentants de ce mouvement artistique. Très décorative et originale, cette affiche montre comment les premiers films cinématographiques, ainsi que le théâtre français et les ballets russes, ont marqué le développement du style Art déco. Les figures élancées, les mouvements gracieux et la composition dynamique des actrices principales font de cette affiche un exemple clair de ce style distingué et populaire. L'Art déco est un style artistique apparu en 1920 et dont l'influence s'est poursuivie jusqu'au milieu du XXe siècle dans certains pays. Il cherche à renouveler toutes les disciplines, en défendant la valeur des progrès technologiques de l'époque et des nouvelles sciences du moment. Le film "Les Demi-vierges", quant à lui, raconte les dégâts que Paris et l'éducation moderne, à la fin du 19ème siècle, ont fait subir aux jeunes filles françaises. Le terme demi-vierge, qui a fini par entrer dans le langage courant, signifiait à l'époque la condition d'une jeune fille libérée mais encore vierge.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 18 - MENCHU GAL (Irun, 1918 - 2008). Sans titre. Aquarelle sur papier. Certificat ci-joint délivré par la Fondation Menchu Gal. Dimensions : 33 x 44 cm ; 49 x 64 cm (cadre). Cette œuvre de Menchu Gal offre une version du monde d'un point de vue naïf, dans laquelle la joie de vivre est optimisée. Un espace pictural conçu et dédié aux loisirs, où les personnages évoluent librement, immergés dans un paysage ouvert, en contact avec la nature. La gamme chromatique soutient ces concepts, car l'artiste utilise une palette de nuances lumineuses, où le bleu devient le protagoniste incontesté. Menchu Gal, l'un des grands peintres espagnols du XXe siècle, a surtout peint des paysages cultivés, bien qu'elle ait également réalisé des portraits, toujours avec son langage personnel de couleurs extrêmes, presque expressionniste. En 1959, elle a remporté le prix national de peinture, devenant ainsi la première femme à recevoir cette prestigieuse récompense. Elle a également reçu la médaille d'or de Guipuzcoa (2005), la médaille d'Irun (2006) et le prix Manuel Lecuona d'Eusko Ikaskuntza (2006). Gal a commencé à peindre à Irun, sa ville natale, où elle a été l'élève de Gaspar Montes Iturrioz. Elle a été primée au concours des nouveaux artistes de Guipuzcoa en 1932 et, avant d'avoir quinze ans, elle s'est installée à Paris afin d'approfondir ses études artistiques. Elle y suit les cours du maître du cubisme Amédée Ozenfant et découvre Matisse et le fauvisme. De retour en Espagne, elle poursuit sa formation à l'école des beaux-arts de San Fernando à Madrid, où elle reçoit l'enseignement d'Aurelio Arteta et de Vázquez Díaz, entre autres. Après s'être réfugié en France à cause de la guerre civile, il revient à Irun et réalise sa première exposition personnelle à Saint-Sébastien (1942). En 1943, il s'installe dans la capitale espagnole, où il fait partie de ce que l'on appelle l'école de Madrid. La même année, il participe à une exposition collective à la galerie Clan avec Gutiérrez Solana, Vázquez Díaz, Cossío, Zabaleta, Palencia et d'autres. Dès lors, ses paysages de la Mancha et de la Bidassoa deviendront sa marque de fabrique et elle s'imposera comme l'une des principales artistes de l'après-guerre. En 1950, elle présente une exposition personnelle au Musée national d'art moderne de Madrid. Architecte remarquable de la rénovation de la peinture espagnole dans les années 40, appréciée et reconnue dans le monde difficile de la peinture depuis sa jeunesse, Menchu Gal se caractérise par son esprit libre, hétérodoxe et indépendant, en avance sur son temps. Tout au long de sa carrière, elle a participé à une multitude d'expositions, tant en Espagne qu'à l'étranger, dans des villes telles que Venise, Bruxelles et New York. Les expositions qu'il a organisées à la Fondation Gulbenkian de Lisbonne en 1971 et au Centre culturel Conde Duque de Madrid en 1990 sont particulièrement remarquables. En 1992, la Fondation Kutxa lui a consacré une rétrospective qui a été publiée dans un catalogue comprenant une étude approfondie de sa vie et de son œuvre. Elle a également participé à trois éditions de la Biennale de Venise. L'œuvre de Menchu Gal est actuellement représentée au musée Reina Sofía de Madrid et au musée des beaux-arts de Bilbao, entre autres. En janvier 2010, une salle d'exposition portant son nom a été inaugurée à Irun, première étape du futur musée des peintres de la Bidassoa. Vous trouverez ci-joint un certificat délivré par la Fondation Menchu Gal.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 19 - MENCHU GAL ORENDAIN (Irun, 1918 - 2008). Sans titre. Technique mixte sur papier. Le cadre est légèrement endommagé. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 64 x 45 cm ; 85 x 65 cm (cadre). L'un des grands peintres espagnols du XXe siècle, Menchu Gal a principalement cultivé le paysage, bien qu'elle ait également réalisé des portraits, toujours avec son langage personnel extrêmement coloré, presque expressionniste. En 1959, elle a remporté le prix national de peinture, devenant ainsi la première femme à recevoir cette prestigieuse récompense. Elle a également reçu la médaille d'or de Guipuzcoa (2005), la médaille d'Irun (2006) et le prix Manuel Lecuona d'Eusko Ikaskuntza (2006). Gal a commencé à peindre à Irun, sa ville natale, où elle a été l'élève de Gaspar Montes Iturrioz. Elle a été primée au concours des nouveaux artistes de Guipuzcoa en 1932 et, avant d'avoir quinze ans, elle s'est installée à Paris afin d'approfondir ses études artistiques. Elle y suit les cours du maître du cubisme Amédée Ozenfant et découvre Matisse et le fauvisme. De retour en Espagne, elle poursuit sa formation à l'école des beaux-arts de San Fernando à Madrid, où elle reçoit l'enseignement d'Aurelio Arteta et de Vázquez Díaz, entre autres. Après s'être réfugié en France à cause de la guerre civile, il revient à Irun et réalise sa première exposition personnelle à Saint-Sébastien (1942). En 1943, il s'installe dans la capitale espagnole, où il fait partie de ce que l'on appelle l'école de Madrid. La même année, il participe à une exposition collective à la galerie Clan avec Gutiérrez Solana, Vázquez Díaz, Cossío, Zabaleta, Palencia et d'autres. Dès lors, ses paysages de la Mancha et de la Bidassoa deviendront sa marque de fabrique et elle s'imposera comme l'une des principales artistes de l'après-guerre. En 1950, elle présente une exposition personnelle au Musée national d'art moderne de Madrid. Architecte remarquable de la rénovation de la peinture espagnole dans les années 40, appréciée et reconnue dans le monde difficile de la peinture depuis sa jeunesse, Menchu Gal se caractérise par son esprit libre, hétérodoxe et indépendant, en avance sur son temps. Tout au long de sa carrière, elle a participé à une multitude d'expositions, tant en Espagne qu'à l'étranger, dans des villes telles que Venise, Bruxelles et New York. Les expositions qu'il a organisées à la Fondation Gulbenkian de Lisbonne en 1971 et au Centre culturel Conde Duque de Madrid en 1990 sont particulièrement remarquables. En 1992, la Fondation Kutxa lui a consacré une rétrospective qui a été publiée dans un catalogue comprenant une étude approfondie de sa vie et de son œuvre. Elle a également participé à trois éditions de la Biennale de Venise. L'œuvre de Menchu Gal est actuellement représentée au musée Reina Sofía de Madrid et au musée des beaux-arts de Bilbao, entre autres. En janvier 2010, une salle d'exposition portant son nom a été inaugurée à Irun, première étape du futur musée des peintres de la Bidassoa.

Estim. 1 400 - 1 800 EUR

Lot 20 - École italienne du 19e siècle. "Allégorie de l'été et de l'automne". Paire de peintures à l'huile sur toile de format circulaire. L'une d'elles est signée des initiales "F.S". Dimensions : 60 cm (diamètre de la toile) ; 62 cm (diamètre avec le cadre). Dans cette paire de portraits, on peut apprécier l'empreinte stylistique de l'école italienne du XIXe siècle. Les deux toiles montrent la physionomie d'une dame caractérisée par le vérisme et le détail du coup de pinceau, avec la pulsation d'un miniaturiste. Les épis de maïs tenus par l'une des protagonistes indiquent qu'il s'agit d'une allégorie de l'été, tandis que les raisins et les feuilles de vigne de sa compagne font allusion à l'automne. Il s'agit de deux œuvres pleines de couleurs, de délicatesse et de charme.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 21 - JOAN LLIMONA BRUGUERA (Barcelone, 1860 - 1926). "Portrait. Huile sur toile. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 44 x 35 cm ; 53 x 44 cm (cadre). Joan Llimona est né au sein d'une famille d'artistes, son frère Josep étant un sculpteur célèbre, lui aussi, dans le courant du modernisme. Il commence par étudier l'architecture et l'ingénierie, mais les abandonne rapidement pour la peinture, qu'il perfectionne à l'école de La Lonja, à Barcelone, puis à Rome, où il accompagne entre 1880 et 1882 son frère, qui avait obtenu une bourse pour étudier la sculpture dans cette ville. Dès 1882, il participe à quelques expositions collectives à Barcelone, qui aboutissent en 1890 à une exposition personnelle à la Sala Parés, qui reçoit un accueil extraordinaire. Profondément influencé par son catholicisme militant, qui le conduisit à une confrontation avec l'écrivain Raimon Casellas, il peignit de nombreuses œuvres à contenu religieux, dont la voûte du monastère de Montserrat. Llimona est à la tête de la scission catholique au sein du mouvement moderniste, qui se concrétise par la fondation du Círculo de Sant Lluc en 1893. En 1896, il remporte une première médaille à l'exposition des beaux-arts de Barcelone. Vers 1905, son œuvre est influencée par le symbolisme, toujours d'origine religieuse, ce qui se reflète, par exemple, dans la peinture de la salle à manger de la Casa Recolons à Barcelone. Excellent dessinateur, il oriente son travail vers un mysticisme religieux d'une grande charge sentimentale, à la forme soignée et à l'expressivité contenue, profondément évocatrice. Il a publié plusieurs articles dans des revues et journaux de Barcelone tels que "La veu de Catalunya", "La barretina", "Catalunya social" et d'autres, presque toujours sur des questions esthétiques liées à sa conception rigide de la moralité et contre le blasphème. Il est membre de la Lliga del Bon Mot et du Foment de la Pietat Catalana, deux associations qui défendent une conception conservatrice de la morale. Il a réalisé d'importantes commandes de peintures murales pour plusieurs églises catalanes, et son œuvre est actuellement représentée au musée d'art contemporain de Barcelone et au musée-archives de Ripoll, ainsi que dans d'importantes collections privées.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 22 - MANOLO HUGUÉ (Barcelone, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelone, 1945). "Étude de caractères". Crayon sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Œuvre référencée dans Montserrat Blanc, page 27. Présente sur les contre-étiquettes de la galerie Joan Prats et de Francesc Mestre. Dimensions : 22 x 17 cm ; 40 x 34 cm (cadre). Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, a été formé à l'école du marché aux poissons de Barcelone. Participant régulièrement aux réunions de "Els Quatre Gats", il se lie d'amitié avec Picasso, Rusiñol, Mir et Nonell. En 1900, il s'installe à Paris, où il vit pendant dix ans. Il y reprend sa relation avec Picasso et se lie d'amitié avec d'autres théoriciens de l'avant-garde comme Apollinaire, Modigliani, Braque et Derain. Dans la capitale française, il travaille à la conception de bijoux et de petites sculptures, influencé par le travail de son ami, le sculpteur et orfèvre Paco Durrio. En 1892, il travaille avec Torcuato Tasso sur des œuvres décoratives pour les célébrations du centenaire de la découverte de l'Amérique. Entre 1910 et 1917, il se consacre entièrement à la sculpture et travaille à Ceret, où il réunit un groupe hétérogène d'artistes parmi lesquels se distinguent Juan Gris, Joaquín Sunyer et, à nouveau, Picasso. Au cours de ces années, il expose à Barcelone, Paris et New York. En 1932, il est nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Jorge à Barcelone. Dans l'œuvre de Hugué, ce qui est essentiel, c'est la relation avec la nature, en tenant compte de la figure humaine en tant qu'élément intégré à celle-ci. Il s'agit d'une caractéristique du classicisme noucentiste, mais qui, dans les mains de Hugué, dépasse ses origines limitées. Il représentait généralement des paysans, mais aussi des toreros et des danseurs -comme on peut le voir ici-, toujours avec un niveau de détail et une appréciation des textures qui révèlent son ancienne formation d'orfèvre. Dans sa production artistique coexistent la tradition méditerranéenne, le classicisme et l'archaïsme grecs, l'art de l'Égypte ancienne et de la Mésopotamie, et l'avant-garde européenne qu'il a assimilée et connue de près, en particulier le fauvisme et le cubisme de Matisse. Des œuvres de Hugué sont conservées au MACBA, au Centre Georges Pompidou à Paris, au Musée national d'art de Catalogne et au Musée national et centre d'art Reina Sofia, entre autres.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 23 - MANOLO HUGUÉ (Barcelone, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelone, 1945). "Les bœufs dans l'étable". Relief en bronze. La version en terre cuite a été publiée dans le catalogue de l'exposition "Manolo Hugué" de 1990, au Musée d'art moderne de la Ciutadella de Barcelone, page 209. Dimensions : 33 x 33 x 3 cm. Dans le catalogue raisonné sur Manolo Hugué, rédigé par Montserrat Blanch, sont reproduites plusieurs œuvres (dessins préparatoires, bas-reliefs en terre cuite, mais aussi en pierre) ayant pour sujet des bœufs (généralement représentés par paires), dont fait partie la pièce en question. Il s'agit d'une production réalisée entre 1917 et 1923, années au cours desquelles le sculpteur insuffle à la terre cuite de nouvelles suggestions thématiques et formelles. De retour à Céret, après sa période parisienne, il se consacre à l'étude des cadences, des rythmes, de l'essentialisme d'inspiration archaïque... une somme de stratégies pour échapper à toute stagnation et renouveler le langage sculptural sans cesser de dialoguer avec les classiques. Dans ce relief, une énergie sereine palpite comme une force invisible à travers les corps, à travers les profils arrondis et en alternance avec les incisions géométriques. Les pattes avant du bœuf couché fléchissent pour s'adapter à l'angle, recherchant une certaine tension conceptuelle entre les volumes et leur enfermement dans une limite quadrangulaire précise. Ce faisant, il imite l'art grec développé dans les métopes. L'indication spatiale est brève et synthétique : quelques éléments schématiques esquissent l'idée d'une écurie. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, a été formé à la Escuela de la Lonja de Barcelone. Participant régulièrement aux réunions de "Els Quatre Gats", il se lie d'amitié avec Picasso, Rusiñol, Mir et Nonell. En 1900, il s'installe à Paris, où il vit pendant dix ans. Il y reprend sa relation avec Picasso et se lie d'amitié avec d'autres théoriciens de l'avant-garde tels qu'Apollinaire, Modigliani, Braque et Derain. Dans la capitale française, il travaille à la conception de bijoux et de petites sculptures, influencé par le travail de son ami, le sculpteur et orfèvre Paco Durrio. En 1892, il travaille avec Torcuato Tasso sur des œuvres décoratives pour les célébrations du centenaire de la découverte de l'Amérique. Entre 1910 et 1917, il se consacre entièrement à la sculpture et travaille à Ceret, où il réunit un groupe hétérogène d'artistes parmi lesquels se distinguent Juan Gris, Joaquín Sunyer et, à nouveau, Picasso. Au cours de ces années, il expose à Barcelone, Paris et New York. En 1932, il est nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Jorge à Barcelone. Dans l'œuvre de Hugué, ce qui est essentiel, c'est la relation avec la nature, en tenant compte de la figure humaine en tant qu'élément intégré à celle-ci. Il s'agit d'une caractéristique du classicisme noucentiste, mais qui, dans les mains de Hugué, dépasse ses origines limitées. Il représentait généralement des paysans, mais aussi des toreros et des danseurs -comme on peut le voir ici-, toujours avec un niveau de détail et une appréciation des textures qui révèlent son ancienne formation d'orfèvre. Dans sa production artistique coexistent la tradition méditerranéenne, le classicisme et l'archaïsme grecs, l'art de l'Égypte ancienne et de la Mésopotamie, et l'avant-garde européenne qu'il a assimilée et connue de près, en particulier le fauvisme et le cubisme de Matisse. Des œuvres de Hugué sont conservées au MACBA, au Centre Georges Pompidou à Paris, au Musée national d'art de Catalogne et au Musée national et centre d'art Reina Sofia, entre autres.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 24 - École russe, début du 20e siècle. "Résistance héroïque". Huile sur toile. Signé en cyrillique Dimensions : 40 x 53 cm. Portrait de groupe d'une clique de combattants russes parapetados armés de fusils et de pistolets, dont une femme portant un bonnet de fourrure. Ils adoptent des attitudes variées, mais toutes pleines de fougue et de vigilance. Le personnage qui tient le drapeau prend une expression mystique, comme s'il demandait l'aide du ciel. Chacun des personnages est caractérisé par une profondeur psychologique qui fait de l'ensemble un tableau épique et réaliste.

Estim. 1 800 - 2 400 EUR

Lot 25 - JOSEP LLIMONA BRUGUERA (Barcelone, 1864 - 1934). "Modèstia", 1891. Stuc polychrome. Signé. Estampillé Esteva & Cia, Barcelone. Œuvre cataloguée dans "Una passejada per l'obra de Josep Llimona, 150 anys", MEAM, 2015, p. 104. Dimensions : 42 x 34 x 15 cm. La sculpture "Modèstia" témoigne des caractéristiques les plus personnelles de Josep Llimona : l'idéalisme naturaliste, le penchant pour le côté aimable de la réalité et, surtout, une grande délicatesse et beauté dans ses figures féminines, toujours sveltes et innocentes, enveloppées d'un voile de mystère. Josep Limona est considéré comme le sculpteur catalan le plus important du modernisme. Formé à l'école Llotja de Barcelone, il obtient une pension pour aller à Rome en 1880. Pendant son séjour en Italie, il a été influencé par la sculpture de la Renaissance florentine. Avec les œuvres qu'il envoie de là-bas, il obtient des prix (médaille d'or à l'exposition universelle de Barcelone en 1888), ainsi qu'une grande réputation. Avec son frère Joan, il fonde le Círculo Artístico de Sant Lluc, une association artistique catalane à caractère religieux (les deux frères étaient profondément croyants). Vers le milieu des années 90, son style dérive déjà vers le modernisme intégral. Il reçoit le prix d'honneur de l'Exposition internationale des beaux-arts qui se tient en 1907 à Barcelone. À partir de 1900, il se concentre sur ses célèbres nus féminins et, en 1914, il crée, en collaboration avec Gaudí, son impressionnant "Christ ressuscité". Son génie artistique se manifeste également dans de grands monuments publics, comme la statue équestre de Saint-Jordi dans le parc de Montjuic à Barcelone, ainsi que dans des œuvres d'imagerie funéraire, comme les panthéons qu'il a créés pour plusieurs cimetières. Outre ses expositions à Barcelone et dans d'autres villes catalanes, il a exposé ses œuvres à Madrid, Bruxelles, Paris, Buenos Aires et Rosario (Argentine). Il a été président du conseil des musées de Barcelone entre 1918 et 1924, puis de nouveau de 1931 à sa mort en 1934. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses décorations, notamment de la part des gouvernements français et italien. Il a également reçu la médaille d'or de la ville de Barcelone en 1932, en reconnaissance de son travail extraordinaire dans le développement de l'activité muséale. L'œuvre de Llimona est conservée au monastère de Montserrat, au musée national d'art de Catalogne et au musée Reina Sofia, entre autres.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 26 - MONTSERRAT GUDIOL COROMINAS (Barcelone, 1933 - 2015). "Fille regardant", 1983. Aquarelle et mine de plomb sur papier. Présente sur la contre-étiquette de la Galerie Gavar (Madrid). Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 41 x 21 cm ; 60 x 41 cm (cadre). Montserrat Gudiol débute dans le monde de l'art par l'étude familiale de la restauration de la peinture médiévale et, à partir de 1950, se consacre à la peinture sur carton et sur papier. La même année, elle réalise sa première exposition individuelle au Casino de Ripoll (Gérone). En 1953, il participe à l'exposition collective "Current Portrait", au Cercle artistique de Barcelone, et l'année suivante, il fait ses débuts à l'étranger avec une exposition individuelle de dessins au Museum of Miami (États-Unis). La même année, elle participe à l'exposition collective "Pintura femenina" (C.I.C.F. de Barcelone), obtient le premier prix de la Diputación de Barcelona et le deuxième prix San Jorge de la même entité. En 1960, elle participe à l'Exposition nationale des beaux-arts de Barcelone, où elle remporte une troisième médaille, et participe également au Salon international du dessin de la Fondation Ynglada Guillot (Barcelone), où elle obtient le premier prix. En 1962, elle réalise une importante exposition individuelle à la Sala Gaspar de Barcelone (galerie où elle réitérera sa présence par la suite) et, la même année, elle participe à une exposition collective au Casón del Buen Retiro, à Madrid. Depuis lors, il a continué à organiser des expositions individuelles et à participer à des expositions collectives, tant en Espagne qu'en Allemagne, en Afrique du Sud, en République tchèque, en Chine, en France, au Japon, aux États-Unis, en Russie et au Canada. Parmi ses expositions personnelles, on peut citer celles qui ont eu lieu à la Pieter Wenning Gallery de Johannesburg (1967), à la Tamenaga Gallery de Tokyo (1974), Au Molin de Vauboyen à Paris (1978), au Exhibition Hall de l'Union des peintres de l'URSS à Moscou (1979), à la Dreiseitel Gallery de Cologne (1981) et à la Walton-Gilbert Gallery de San Francisco (1984). En 1980, elle réalise une importante œuvre monumentale pour l'abbaye de Montserrat, une représentation de saint Benoît. En 1981, elle est la première femme à entrer à l'Académie royale catalane des beaux-arts de Sant Jordi et, en 1998, la Generalitat de Catalunya lui décerne la Croix de Sant Jordi. Possédant un langage personnel et sincère, loin des modes ou des styles préconçus, Gudiol crée des œuvres caractérisées par un thème et une atmosphère qui témoignent d'un goût marqué pour la fantaisie et l'introspection. Ses couleurs et ses figures forment un monde de mystère, peuplé de personnages stylisés et aveugles, et de scènes de maternité. Ses peintures à l'huile et ses dessins transmettent la forte personnalité de l'auteur, ainsi que son idée d'un art véritable. Gudiol embrasse les problèmes extrêmes de l'être humain, avec des compositions caractérisées par un fond de silences profonds, mystérieux et troublants, où l'affection et l'émotion entrent en dialogue avec l'anxiété et l'angoisse de l'être humain. Elle est actuellement représentée au MACBA, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, aux musées d'art moderne de Johannesburg, San Diego, Miami et Flint (États-Unis), à la Joseph Cantor Foundation d'Indianapolis (États-Unis), au Comité international olympique de Lausanne (Suisse), au monastère de Montserrat et à l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

Lot 27 - ROMÁN RIBERA CIRERA (Barcelone, 1848 - 1935). "Le peintre". Huile sur toile. Signée dans la marge droite. Dimensions : 48 x 33,5 cm ; 67,5 x 53 cm (cadre). Peintre catalan, Roman Ribera a étudié le dessin à l'école de La Lonja à Barcelone et la peinture à l'académie de Pere Borrell. Il a poursuivi ses études à Rome, entre 1873 et 1976, et a voyagé et exposé à Londres. Dans la capitale italienne, il fréquente l'Académie Chigi et se consacre à la peinture, tout en évitant la contagion du maniérisme académique de l'école romaine. En 1877, il se rend à Paris, sous la direction du marchand d'art Adolphe Goupil, qui a acquis les droits de reproduction de toutes ses œuvres. Il y poursuit sa formation en étudiant cette fois directement les scènes de la vie parisienne. Un an plus tard, il participe à l'Exposition universelle de Paris, où il obtient un succès décisif grâce aux trois œuvres qu'il présente. En 1881, il participe à l'Exposition nationale de Madrid, précisément avec l'œuvre de décor baroque susmentionnée, et en 1883, il reçoit l'Encomienda de Isabel la Católica. Après douze années passées à Paris, il retourne à Barcelone, où il a déjà exposé au Centro de Acuarelistas (1885) et à la Sala Parés, récemment inaugurée. Il expose ensuite à l'Association artistique et littéraire et aux salles Parés et Rovira, ainsi qu'à l'Exposition universelle de 1888 et à l'Exposition des beaux-arts de 1894, obtenant un grand succès critique et public, et gagnant bientôt les faveurs de la riche bourgeoisie catalane. En 1893, il présente deux tableaux à l'exposition organisée par l'Ateneo de Barcelona : "Inocencia" et "Incógnitca". Individuellement, Cirera expose régulièrement ses œuvres dans la salle Rovira et, en tant que groupe, il est membre de la Société artistique et littéraire de Catalogne. Il fait partie de plusieurs jurys officiels, ainsi que du conseil des musées de Barcelone, en 1901. En 1915, il est nommé membre du mérite du Cercle artistique de Barcelone. De retour en Espagne, Ribera continue à dépeindre la vie des classes supérieures, le luxe de leurs demeures, la richesse de leurs tenues de fête, etc., devenant un fidèle portraitiste de la haute bourgeoisie catalane de la Restauration, comme il l'avait déjà été de la bourgeoisie française de la IIIe République. Il travailla principalement à Barcelone, mais se rendit également à Madrid où il organisa des expositions de ses œuvres. Son œuvre est actuellement conservée au MACBA de Barcelone, au Museu d'Art de Girona, au Museu de Montserrat, à la Biblioteca Víctor Balaguer et dans diverses collections privées importantes.

Estim. 2 000 - 2 400 EUR

Lot 28 - ROMÁN RIBERA CIRERA (Barcelone, 1848 - 1935). "Scène de casacón", vers 1890. Huile sur toile. Signée dans la marge inférieure. Dimensions : 94 x 108 cm ; 120 x 1333 cm (cadre). Scène d'intérieur flamande, située dans une taverne hollandaise ou belge du XVIIIe siècle. Dans ce type de peintures de casacón, Román Ribera a fait preuve d'une grande habileté pour peindre les vêtements et les types humains avec réalisme et saveur littéraire. L'utilisation judicieuse des glaçures dans les verres de cristal et dans la douceur des tissus est combinée à la caractérisation naturaliste des visages et des attitudes. Une jeune servante coiffée d'un bonnet et deux hommes en costumes traditionnels, dont un joueur de tambour, occupent cet intérieur spartiate, travaillé avec des lumières chaudes et accueillantes. Peintre catalan, Román Ribera a étudié le dessin à l'école de la Lonja à Barcelone et la peinture à l'académie de Pere Borrell. Il a poursuivi ses études à Rome, entre 1873 et 1976, et a voyagé et exposé à Londres. Dans la capitale italienne, il fréquente l'Académie Chigi et se consacre à la peinture, tout en évitant la contagion du maniérisme académique de l'école romaine. En 1877, il se rend à Paris, sous la direction du marchand d'art Adolphe Goupil, qui a acquis les droits de reproduction de toutes ses œuvres. Il y poursuit sa formation en étudiant cette fois directement les scènes de la vie parisienne. Un an plus tard, il participe à l'Exposition universelle de Paris, où il obtient un succès décisif grâce aux trois œuvres qu'il présente. En 1881, il participe à l'Exposition nationale de Madrid, précisément avec l'œuvre de décor baroque susmentionnée, et en 1883, il reçoit l'Encomienda de Isabel la Católica. Après douze années passées à Paris, il retourne à Barcelone, où il a déjà exposé au Centro de Acuarelistas (1885) et à la Sala Parés, récemment inaugurée. Il expose ensuite à l'Association artistique et littéraire et aux salles Parés et Rovira, ainsi qu'à l'Exposition universelle de 1888 et à l'Exposition des beaux-arts de 1894, obtenant un grand succès critique et public, et gagnant bientôt les faveurs de la riche bourgeoisie catalane. En 1893, il présente deux tableaux à l'exposition organisée par l'Ateneo de Barcelona : "Inocencia" et "Incógnitca". Individuellement, Cirera expose régulièrement ses œuvres dans la salle Rovira et, en tant que groupe, il est membre de la Société artistique et littéraire de Catalogne. Il fait partie de plusieurs jurys officiels, ainsi que du conseil des musées de Barcelone, en 1901. En 1915, il est nommé membre du mérite du Cercle artistique de Barcelone. De retour en Espagne, Ribera continue à dépeindre la vie des classes supérieures, le luxe de leurs demeures, la richesse de leurs tenues de fête, etc., devenant un fidèle portraitiste de la haute bourgeoisie catalane de la Restauration, comme il l'avait déjà été de la bourgeoisie française de la IIIe République. Il travailla principalement à Barcelone, mais se rendit également à Madrid où il organisa des expositions de ses œuvres. Son œuvre est actuellement conservée au MACBA de Barcelone, au Museu d'Art de Girona, au Museu de Montserrat, à la Biblioteca Víctor Balaguer et dans diverses collections privées importantes.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 29 - JOSEP CUSACHS (Montpellier, France, 1851 - Barcelone, 1908). "Étude pour une scène de bataille. Paris, vers 1900. Aquarelle sur papier. Signée et située dans le coin inférieur droit. Dimensions : 11 x 20 cm ; 36 x 45,5 cm (cadre). Dans le feu de l'action, les chevaux cabrés se détachent de cette composition de Cusachs, une esquisse ou étude préparatoire dans laquelle, avec son trait rapide et résolu caractéristique, il superpose des corps blessés sur le sol avec des raccourcis équins énergiques et des soldats au galop. José Cusachs est né par hasard en France, car ses parents y voyageaient, mais son art et sa vie ont toujours été liés à deux lieux : Barcelone et Mataró. En 1865, après avoir passé un concours, il entre à l'académie d'artillerie pour une carrière militaire. Cependant, en 1882, après une brillante carrière qui l'a conduit à devenir capitaine dans l'armée pour mérites de guerre, il a demandé à prendre sa retraite pour se consacrer à la peinture. Formé à Barcelone sous la direction de Simón Gómez, il complète ses études artistiques par un séjour à Paris dans l'atelier d'Édouard Détaille, l'un des plus grands spécialistes des thèmes militaires, un genre que Cusachs privilégie. Parmi les thèmes militaires, l'artiste affectionne particulièrement la cavalerie, en raison de sa passion pour les chevaux. En 1880, il s'installe à Barcelone et commence une vaste production d'études militaires, reproduites dans l'ouvrage de F. Barado intitulé "La vida militar en España" ("La vie militaire en Espagne"). Auparavant, avant de quitter l'armée, il avait travaillé comme caricaturiste et chroniqueur d'une Espagne plongée dans un maelström d'événements politiques, dans lesquels il était immergé en raison de son statut de militaire. Au cours de ces années, il fait connaître son travail par des expositions personnelles, comme celles qu'il organise régulièrement à partir de 1884 à la Sala Parés de Barcelone, qui remportent toujours un grand succès auprès des vendeurs et de la critique. En 1890, il est déjà un exposant régulier de la galerie, où il présente de nouvelles œuvres chaque semaine. Le lien entre Cusachs et la Sala Parés était si profond qu'après la mort du peintre, la galerie est tombée dans une période de décadence absolue. Cusachs participe également à des concours officiels ; en 1887, il obtient une reconnaissance notable à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid avec trois tableaux, dont l'un est acquis par la régente Maria Cristina ("En el campo de maniobras"). En 1891, il participe à l'exposition de Berlin et obtient la médaille d'or pour son œuvre "Manœuvres de division". L'essentiel de son œuvre se trouve au Musée d'art moderne de Madrid et au Musée national d'art de Catalogne, ainsi que dans d'autres centres tels que le Musée de Montserrat, le Musée national d'histoire, la Capitanía General de Valencia, la Jefatura de Artillería de Valladolid, la Galería de Capitanes Ilustres de l'hôtel de ville de Barcelone et d'importantes collections privées, telles que la collection Santiago Gramunt.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 30 - GUIDO GRIMANI (Italie, 1871-1933). "Scène côtière avec pêcheurs". Huile sur toile. Signée. Elle présente une restauration visible au dos. Dimensions : 38 x 62 cm ; 63 x 76,5 cm, (cadre). Grimani est né à Trieste. Il a développé une peinture de paysage redevable au romantisme, mais déjà proche de l'esthétique de la décadence de la fin du siècle. Nous voyons ici un coucher de soleil sur une plage de pêcheurs, avec les personnages en silhouette à contre-jour. Le ciel orangé capte les derniers rayons d'un soleil faible mais intense, et les vagues se brisent sur le rivage en cadence rythmée, faisant scintiller une infinité de reflets sur le sable comme dans un miroir. Une restauration est visible au dos.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 31 - ALBERT RÀFOLS I CULLERÉS (Barcelone, 1892 - 1986). "Son de guitarra". Huile sur toile. Signée dans la marge droite. Dimensions : 102 x 73 cm ; 114 x 87 cm (cadre). Albert Ràfols Culler a été formé à l'école de La Llotja avec Lluís Labarta et Albert Mas i Fondevila comme professeurs. Plus tard, il a prolongé ses études à Madrid grâce à une pension. Il se fait connaître dans sa ville natale de Barcelone au début du siècle, en organisant ses premières expositions dans les Galerías Laietanas (1917) et à la Pinacothèque. Depuis son langage, on a souligné à la fois son cadrage photographique, d'une grande puissance expressive, et son travail personnel d'esquisse. Ces caractéristiques acquièrent une importance particulière principalement dans ses intérieurs, bien qu'il faille également souligner l'importance de ses portraits et de ses paysages. Il a soutenu son fils, Albert Ràfols Casamada, pour qu'il puisse se consacrer pleinement aux arts plastiques, lui permettant ainsi d'abandonner ses études d'architecture. En effet, Ràfols Casamada a été initié au monde du dessin et de la peinture avec son père.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 32 - OSSIP ZADKINE (Vitebsk, Belarus, 1888 - Paris, 1967). "Personnage à la guitare", 1950. Crayon épais sur papier. Signé et daté. Dimensions : 31,5 x 24 cm ; 42 x 31,5 cm (cadre). Sculpteur russe travaillant dans un style essentiellement cubiste, Ossip Zadnike s'est installé à Londres en 1906, à l'âge de 18 ans. Il s'inscrit à l'école polytechnique de Regent Street tout en travaillant comme sculpteur sur bois. Il retourne en Russie deux ans plus tard et réalise ses premières sculptures. En 1909, Ossip se rend à Paris et étudie brièvement à l'École des beaux-arts. Il commence à créer des œuvres d'art de style cubiste après avoir fréquenté des artistes français d'avant-garde. Dans la capitale française, il expose ses œuvres au Salon d'Automne, à l'Allied Artists Association et au Salon des Indépendants. Il s'installe aux États-Unis en 1939 et enseigne à l'Arts Students League de New York. Ossip rentre en France en 1945 et continue à exposer. Il reçoit le grand prix de sculpture de la Biennale de Venise.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 33 - HIPPOLYTE PETITJEAN (Mâcon 1854 - Paris, 1929) . "Bouquet de Fleurs". Aquarelle sur papier. Avec étiquettes d'exposition au dos. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 36 x 29 cm ; 52 x 44 cm (cadre). L'artiste de cette œuvre configure une scène de caractère populaire par de petites touches de pinceau, qui révèlent une composition où le mouvement coloré et vibrant de la scène est fidèlement reflété. Au cours du XIXe siècle, la France a connu une forte industrialisation et un développement urbain qui ont entraîné de grands changements dans la société. Cet état de fait pousse les artistes à sortir de leur atelier, à s'inspirer de la nature et de la vie quotidienne, de ses détails. Hippolyte Petitjean reçoit une formation artistique académique à Mâcon, en France, puis obtient une bourse de cette ville pour étudier à l'École des Beaux-Arts de Paris, où il est l'élève d'Alexandre Cabanel et de Pierre Puvis de Chavannes. Il fait ses débuts au Salon de 1880, où il expose jusqu'en 1891. En 1884, il rencontre Georges Seurat, dont les théories optiques influencent son style, qui devient successivement académique, symboliste, impressionniste et pointilliste. En 1891, il expose au Salon des Indépendants et à la galerie d'art Le Barc de Boutteville avec des artistes symbolistes et impressionnistes, et à Bruxelles aux Salons du Groupe des XX et de la Libre Esthétique. Etiquettes d'exposition au dos.

Estim. 1 600 - 1 800 EUR

Lot 34 - ZACARÍAS GONZÁLEZ (Salamanque, 1923 - Alicante, 2003). "La soprano". Huile sur carton. Il y a une éraflure dans la partie supérieure droite. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 70 x 55 cm ; 85 x 69 cm (cadre). Peintre au talent précoce, Zacarías González fut professeur de dessin à l'école des nobles et des beaux-arts de San Eloy, bien qu'il passa plus tard à l'école des beaux-arts de San Fernando, à Madrid. Il a développé une première étape figurative à partir des années 40, où il a montré l'influence de Picasso, Cézanne et Gutiérrez Solana. Plus tard, il évolue vers un langage essentiellement abstrait, entre les années 50 et 60, période au cours de laquelle González obtient une reconnaissance internationale et se voit décerner le prix Biosca. À ce stade, il se lance dans l'expérimentation matérielle, utilisant des métaux, du fer forgé, du bois et de grandes quantités de peinture. Enfin, il reviendra à la figuration, avec un langage déjà mûr, et se concentrera sur des thèmes classiques tels que la nature morte, la figure (en particulier les arlequins et d'autres types qu'il répète) et le paysage, généralement urbain. En 2012, une importante exposition rétrospective lui a été consacrée au Palacio de San Boal de Salamanque, organisée par Caja Duero. Aujourd'hui, la majeure partie de son œuvre et de son héritage est conservée à La Casa Museo Zacarías González, à Salamanque. Elle présente une éraflure dans la partie supérieure droite.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 35 - LLUIS GRANER ARRUFÍ (Barcelone, 1863 - 1929). "Paysage. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. La toile est légèrement déchirée (marge inférieure gauche) et le cadre est légèrement endommagé. Dimensions : 60 x 100 cm ; 78 x 128 cm (cadre). Une cabane abandonnée et deux meules de foin près d'un étang se dessinent sous un ciel large. Dans ce paysage désolé et poétique, Graner montre ses talents de compositeur et sa capacité singulière à recréer le lyrisme des environnements naturels. Formé à l'école de la Lonja à Barcelone, où il fut le disciple de Benito Mercadé et d'Antonio Caba, Luis Graner s'installe à Paris en 1886 grâce à une bourse de la Diputació de Barcelona. Pendant les cinq années qu'il passe dans la capitale française, il obtient deux troisièmes médailles aux expositions universelles de Barcelone (1888) et de Paris (1889). De nouveau installé à Barcelone en 1891, il continue à participer à d'importantes expositions internationales, telles que celles de Berlin (1891), Munich (1892), Düsseldorf (1904). Il envoie également des œuvres aux expositions nationales des beaux-arts, obtenant une troisième médaille en 1895 et 1897, une deuxième en 1901 et une décoration en 1904. Cette même année, Graner crée la Sala Mercè, conçue par Gaudí, où il organise ses "visions musicales", des spectacles qui associent la poésie à la musique, la scénographie au cinéma. Enfin, ruiné, il s'installe en Amérique. Il arrive à New York en 1910 et, la même année, il présente une exposition personnelle à la Edward Brandus Gallery. Le succès de cette exposition lui vaut d'importantes commandes, dont le portrait du magnat Carlos B. Alexander. Après avoir passé cinq mois à Barcelone, Graner repart pour New York, sa destination finale étant La Havane. En 1911, il quitte Cuba pour la Nouvelle-Orléans et, peu de temps après, il est déjà à San Francisco. Il y inaugure une exposition de soixante-seize tableaux au California Club, la plus grande exposition individuelle jamais organisée dans cette ville. À la même époque, il peint plusieurs tapisseries pour le réalisateur David W. Griffith. Avant la fin de l'année, il est de retour à New York, où il expose à nouveau individuellement avec beaucoup de succès. Il continue à peindre des portraits de personnalités nationales importantes et, en 1912, il organise une autre exposition importante, cette fois aux Ralston Galleries (New York). Au cours des années suivantes, il poursuit sa brillante carrière internationale au Brésil et au Chili, pour finalement retourner aux États-Unis, où il restera en raison de l'éclatement de la Grande Guerre, passant par New York, la Nouvelle-Orléans, Chicago et d'autres villes, exposant toujours sa peinture avec un grand succès. Dans les années vingt, il voyage en Argentine, en Uruguay et à Cuba, et c'est finalement à la Nouvelle-Orléans qu'il est frappé par une grave maladie qui endommage irrémédiablement son esprit et transforme également son œuvre, qui perd la force et la transcendance des étapes précédentes. Fauché et malade, incapable de trouver un marché pour ses peintures, il retourne finalement à Barcelone en 1928, peu avant sa mort, après dix-huit années de gloire qui se sont achevées dans la misère. La même année, il expose individuellement à l'hôtel Ritz et aux galeries Layetanas de Barcelone et, à la fin de l'année, il organise une importante rétrospective à la Sala Parés, avant de s'éteindre en mai 1929 à l'âge de soixante-six ans. Son œuvre est présente au musée du Prado, au MACBA de Barcelone, au musée national d'art de Catalogne, à la Hispanic Society de New York et au musée Balaguer de Vilanova i la Geltrú, entre autres, ainsi que dans d'importantes collections privées catalanes. L'œuvre présente une légère déchirure dans la toile (marge inférieure gauche) et le cadre est légèrement endommagé.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 36 - GENARO LAHUERTA LÓPEZ (Valence, 1905 - 1985). "Paysage", 1949. Huile sur toile. Elle présente des défauts dans la surface picturale. Signée et datée en bas à droite. Signée et datée au dos. Dimensions : 60 x 74 cm ; 75 x 88 cm (cadre). Lahuerta a commencé ses études à l'École des arts et métiers de Valence, pour entrer ensuite, en 1919, à l'École des beaux-arts de San Carlos. À l'issue de sa formation, il commence sa carrière d'illustrateur pour diverses publications de l'époque. En 1928, il fait ses débuts individuels à la Sala Blava de Valence et, l'année suivante, il organise sa première exposition individuelle à Barcelone, à la Sala Parés. En 1932, après avoir remporté une troisième médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts, il reçoit une bourse pour un voyage d'étude dans plusieurs pays européens. En 1943, il obtient une deuxième médaille à l'Exposition nationale et, cinq ans plus tard, une première médaille, consolidant ainsi son succès auprès de la critique et du public. En 1953, la Direction générale des places africaines lui accorde une bourse pour peindre dans le Sahara espagnol. Tout au long de sa vie, il a été membre des académies de San Carlos à Valence, de San Jorge à Barcelone, de Santa Isabel de Hungría à Séville et de San Fernando à Madrid. Entre autres distinctions, il a reçu la médaille d'or de l'Académie des arts, des sciences et des lettres de Paris et, en Espagne, le ministère de l'éducation et des sciences lui a décerné la médaille du mérite des beaux-arts. Il est actuellement représenté au musée Reina Sofía, aux musées des beaux-arts de Bilbao et des Asturies, à l'Ateneo de Madrid, à l'hôtel de ville de Valence et dans diverses collections privées espagnoles, comme celle de la Banque d'Espagne. Elle présente des défauts dans la surface picturale.

Estim. 1 700 - 1 900 EUR

Lot 37 - RICARDO URGELL CARRERAS (Barcelone, 1874 - 1924). "Bateaux sur la plage". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 60 x 104 cm ; 76 x 120 cm (cadre). Fils et disciple du peintre paysagiste Modesto Urgell, Ricardo Urgell Carreras a étudié à l'école de la Lonja à Barcelone, où il a reçu l'enseignement d'Antonio Caba. Dès son plus jeune âge, il se distingue par sa facilité de composition et de coloration. En outre, avec son associé Anglada Camarasa, il explore les possibilités de la lumière artificielle, installant dans son atelier de Gràcia une batterie complète d'éclairage électrique pour la peinture. Son style est passé par l'impressionnisme et le post-impressionnisme dans une ligne esthétisante, et ses œuvres sont d'une bonne facture et d'une riche palette. Ses principaux thèmes sont tirés de la vie quotidienne : théâtres, cabarets, marchés, etc., qu'il saisit comme des instantanés réalistes. Il a également traité des paysages et, à ses débuts, des personnages et des portraits. Ricardo Urgell est professeur à l'École des beaux-arts de Barcelone à partir de 1902 et est pleinement intégré à la Société artistique et littéraire de Catalogne, fondée en 1900 par son père, Luis Graner et Enrique Galwey. Ce fait, ainsi que son inimitié avec le peintre Isidro Nonell, font qu'il reste en marge des groupes rénovateurs post-modernistes, même si sa manière de peindre fait de lui un rénovateur à part entière. En 1899, il organise sa première exposition personnelle à la Sala Parés, où il en organisera une autre en 1917. Tout au long de sa carrière, il participe également à des concours officiels, obtenant des prix aux expositions générales des beaux-arts de Barcelone en 1896 et 1907, aux expositions nationales de Madrid en 1897, 1910, 1917 et 1920, à Buenos Aires en 1910 et aux expositions internationales de Bruxelles (1909) et de Barcelone (1911), obtenant dans cette dernière une première médaille. De même, lors de l'exposition d'art de Barcelone de 1923, il a reçu une salle d'honneur. Ricardo Urgell est actuellement largement représenté au MACBA.

Estim. 2 400 - 3 000 EUR

Lot 38 - SEGUNDO MATILLA MARINA (Madrid, 1862 - Teià, Barcelone, 1937). "Marina". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 60 x 100 cm ; 76 x 116 cm (cadre). Bien qu'il soit né à Madrid, Matilla s'est formé et a développé sa carrière à Barcelone. Il a étudié à l'École des beaux-arts de Barcelone, sous la direction d'Antonio Caba. Il participe à de nombreuses expositions, telles que l'exposition internationale de Barcelone en 1891, 1894, 1896 et 1898 (mention honorable en 1891), les expositions d'art de la même ville en 1918 et 1919, et le salon de Paris de 1897. La même année, il obtient une mention honorable à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid. Parmi ses expositions individuelles, on peut citer celles qui ont eu lieu au Salón Vilches de Madrid (1915) et, à Barcelone, à la Sala Parés (1914) et aux galeries Pallarés (1942), cette dernière étant un hommage posthume. Plusieurs de ses œuvres exposées dans ces galeries ont été achetées par le musée d'art moderne de Madrid et beaucoup d'autres ont été exportées en Amérique. Ses paysages de l'Empordà, de Camprodón, de Port de la Selva et de Cadaqués lui ont valu un grand succès public et critique. Peintre doté d'une étonnante habileté, d'une personnalité marquée et sensible, d'une maîtrise des techniques de dessin et de peinture et d'une capacité de travail débordante, Segundo Matilla était un excellent peintre qui cultivait absolument tous les genres, étant un grand paysagiste et marin, réalisant des portraits de grande qualité, notamment de personnes du monde du spectacle, et ses peintures de fleurs et ses natures mortes étaient également très appréciées. Ses tableaux sur le thème de la tauromachie, peints avec beaucoup de spontanéité et de mouvement, témoignent de sa grande affection pour l'art des Cúchares. Il a toujours peint de manière totalement intelligible et sans complications réflexives d'aucune sorte, ignorant absolument tous les courants artistiques de son époque. Son œuvre se trouve dans divers musées, tels que le musée d'art contemporain de Madrid, le musée du Prado, le musée Pablo Gargallo de Saragosse et le musée national d'art de Catalogne, ainsi que dans d'importantes collections privées internationales.

Estim. 2 400 - 2 800 EUR

Lot 39 - JOSÉ MARÍA SERT (Barcelone, 1874 - 1945). "L'Ascension. Huile sur panneau. Dimensions : 60 x 48 cm ; 73 x 64 cm (cadre). Formé auprès de Benito Mercadé et de Pere Borrell, Sert était membre du Cercle artistique de Sant Lluc. En 1908, il décore la Sala de los Pasos Perdidos du Palais de justice de Barcelone et, en 1910, il présente au Salon d'automne de Paris la décoration murale de la salle de bal du marquis d'Alella (Barcelone) et décore le salon de musique de la princesse de Polignac à Paris. Les années suivantes, il travaille pour la reine Victoria Eugenia (Santander) et pour Robert Rotschild (Chantilly). Il réalise de nouvelles peintures murales pour de grandes maisons à Park Lane (Angleterre), Buenos Aires, Palm Beach et Paris, et en 1926 il réalise, devant une grande attente, une exposition de ses œuvres pour la cathédrale de Vic au Jeu de Paume à Paris. En 1927, avec le soutien de son ami et protecteur Francesc Cambó, il achève la majeure partie de la décoration de la cathédrale, qui se termine par la construction des lunettes entre 1928 et 1929. En 1930, il est nommé membre de l'Académie de San Fernando et, au cours des années suivantes, il travaille dans le monde entier, réalisant d'importantes peintures murales comme celles du Waldorf Astoria.

Estim. 2 400 - 2 800 EUR

Lot 40 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcelone, 1859 - 1940). "Bateaux sur le rivage". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Le cadre présente de petites déchirures dans la marge inférieure. Présente une restauration. Dimensions : 50,5 x 60 cm ; 67 x 77 cm (cadre). Disciple d'Antonio Caba à l'école de La Lonja de Barcelone, il séjourne à Paris après avoir terminé ses études, où il coïncide avec le début public de l'impressionnisme et s'initie à la peinture "à l'air libre". Il revient à Barcelone en 1879 et, la même année, il obtient la médaille d'or à l'exposition régionale de Valence. L'année suivante, il fait ses débuts individuels à la salle Parés de Barcelone, où il continuera d'exposer régulièrement depuis lors. Il fait partie du groupe moderniste et fréquente Els Quatre Gats. Bien qu'il se soit également consacré au portrait, Meifrèn était éminemment un paysagiste et un mariniste. Il fut l'un des découvreurs des possibilités picturales de Cadaqués, et peignait également des paysages majorquins (il fut directeur de l'école des beaux-arts de Palma). Il a effectué de nombreux voyages à la recherche de nouveaux paysages, notamment en France, mais aussi aux îles Canaries, en Belgique, en Italie et aux États-Unis. Il expose à Barcelone, Madrid (1881), Chicago (1893), Paris (1899), Bruxelles (1910), Santiago du Chili (1910), Buenos Aires (1910), Amsterdam (1912) et San Francisco (1915), parmi de nombreuses autres villes du monde. Son style part du réalisme détaillé qui domine l'école catalane à la fin du XIXe siècle et évolue progressivement vers l'impressionnisme, un langage qui ne sera complètement évident dans son œuvre qu'à la fin de sa vie. Tout au long de sa carrière, il a obtenu de nombreux prix, dont les premières médailles de l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid (1906) et de Barcelone (1896), le prix Nonell de Barcelone (1935), la médaille de bronze de l'Exposition universelle de Paris (1888) et les grands prix des Expositions internationales de Buenos Aires (1910) et de San Diego (1916). En 1952, la mairie de Barcelone lui consacre une exposition rétrospective au Palais de la Virreina. Il est représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée d'art contemporain de Barcelone et au musée Thyssen-Bornemisza, entre autres.

Estim. 3 500 - 3 800 EUR

Lot 41 - École espagnole du début du XIXe siècle. "L'infant Francisco de Paula". Pastel sur papier. Présente des défauts dans le cadre. Dimensions : 63 x 36 cm ; 85 x 58 cm (cadre).

Estim. 2 000 - 2 400 EUR

Lot 42 - École française du 20e siècle. D'après MARIE LAURENCIN (Paris, 1883-1956). "Jeunes gens avec guitares et flûtes". Huile sur toile. Signature "Marie Laurencin" et date dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 90 x 130 cm ; 122 x 162 cm (cadre). Peintre, graveur et décorateur de théâtre français du groupe cubiste lié au groupe de la Section d'Or. Marie Laurencin débute comme peintre sur porcelaine à Sèvres en 1901. Elle s'installe ensuite à Pays pour suivre des cours de dessin à l'école municipale des beaux-arts de Paris et à l'Académie Humbert (1903-1904), où elle rencontre Georges Braque. Elle expose pour la première fois en 1907 au Salon des Indépendants, puis le marchand Clovis Sagot la présente à Pablo Picasso3 et au groupe d'artistes du Bateau-Lavoir de Montmartre. La même année, Picasso la présente à Guillaume Apollinaire, avec qui elle entretiendra une relation qui durera jusqu'en 1912 et au cours de laquelle ils s'influenceront mutuellement sur le plan artistique et intellectuel. D'abord intéressée par le fovisme, Marie Laurencin commence à simplifier les formes de sa peinture sous l'influence du cubisme, sans jamais s'inscrire dans ce courant stylistique.4 Elle s'inspire également des miniatures persanes et de l'art rococo.1 À partir de 1910, ses tons les plus utilisés seront les gris, les roses et autres pastels.2 Elle participe à des expositions collectives au Salon des Indépendants (1910-1911) et au Salon d'Automne (1911-1912). En 1912, elle présente sa deuxième grande exposition à la galerie Barbazanges, qui est la première exposition personnelle d'une femme artiste. Associée à Sonia et Robert Delaunay grâce à une rencontre organisée par Francis Picabia, Marie Laurencin compose plusieurs poèmes pour des revues d'art au cours de l'année 1917. En 1920, elle expose à nouveau à la galerie de P. Rosenberg. En 1921, après s'être séparée de son mari, elle revient définitivement à Paris où Paul Guillaume, rencontré grâce à Apollinaire, lui sert de marchand d'art. À cette époque, Marie Laurencin recommence à dessiner des figures féminines éthérées dans des tons pastel. Son style pictural comprend l'utilisation de couleurs fluides et douces, la simplification de la composition et la prédilection pour les formes féminines allongées qui lui permettent d'occuper une place privilégiée dans le Paris des années 1920. Elle illustre des ouvrages d'André Gide, Max Jacob, Saint-John Perse, Marcel Jouhandeau, Jean Paulhan et Alice au pays des merveilles de Lewis Carroll, entre autres. Elle devient la portraitiste officielle du monde du stylisme féminin en faisant le portrait de femmes telles que Nicole Groult, Helena Rubinstein, Colette et Coco Chanel. À partir de 1920, Marie Laurencin travaille également comme décoratrice et costumière pour le ballet Les biches (1924), de Francis Poulenc, ainsi que pour les compagnies de l'Opéra-Comique, des Ballets russes, de la Comédie Française et les ballets de Roland Petit au Théâtre des Champs-Élysées. Dans les années 1930, en raison de la crise économique résultant de la Grande Dépression, Marie Laurencin travaille comme professeur d'art dans une académie privée. Elle vit à Paris jusqu'à sa mort en 1956. En 1983, le musée Marie Laurencin de Nagano, au Japon, qui abrite plus de 500 œuvres de l'artiste, a été ouvert au public. Les œuvres de Marie Laurencin comprennent des peintures, des aquarelles, des dessins et des gravures. Bien qu'elle ne se soit pas considérée comme cubiste, elle est aujourd'hui reconnue comme l'une des rares femmes à avoir intégré ce mouvement, parmi lesquelles Sonia Delaunay, Marevna Vorobev et Franciska Clausen.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 43 - RAMÓN SANVICENS MARFULL (Barcelone, 1917-1987). "Vinyes i oliveres", 1983. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 90 x 118 cm ; 108 x 138 cm (cadre). Peintre reconnaissable à la joie de sa palette et à un coup de pinceau libéré, deux caractéristiques développées après avoir digéré de manière singulière les avant-gardes parisiennes, Sanvicens a développé une œuvre de caractère post-impressionniste pour évoluer ensuite vers un fauvisme très personnel avec des nuances de caractère expressionniste, comme nous le voyons ici. Peintre, dessinateur et graveur. Après avoir étudié à la Escuela de Artes y Oficios del Clot (Barcelone), il entre à la Escuela de Artes y Oficios Llotja, où il est le disciple de Lluís Muntané. Après la guerre civile, il entre à l'école de Sant Jordi, où il a pour professeurs E. Santasusagna, F. Labarta et E. Monjo. En 1944, il présente sa première exposition individuelle dans les galeries espagnoles de Barcelone et, en 1945, il réside à Paris, où il étudie les œuvres de Van Gogh, Cézanne, Gauguin et Bonnard. En 1946, il obtient la pension El Paular et réside en Hollande, où il étudie Rembrandt, Vermeer et Franz Hals. En 1957, il est nommé professeur de peinture à l'école des beaux-arts de Sant Jordi. En 1986 a lieu la dernière exposition de la vie du peintre, organisée par la Fundació La Caixa à Barcelone, exposition qui sera déplacée à Madrid. Un mois après sa mort, un hommage lui est rendu au Cercle artistique de Sant Lluc.

Estim. 3 000 - 3 200 EUR

Lot 44 - RAMÓN SANVICENS MARFULL (Barcelone, 1917-1987). "Bellmunt del Priorat", 1983. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 74 x 93 cm ; 93 x 115 cm (cadre). Peintre reconnaissable à la joie de sa palette et à un coup de pinceau libéré, deux caractéristiques développées après avoir digéré de manière singulière l'avant-garde parisienne, Sanvicens a développé une œuvre de caractère post-impressionniste pour évoluer ensuite vers un fauvisme très personnel avec des nuances de caractère expressionniste, comme nous le voyons ici. Peintre, dessinateur et graveur. Après avoir étudié à la Escuela de Artes y Oficios del Clot (Barcelone), il entre à la Escuela de Artes y Oficios Llotja, où il est le disciple de Lluís Muntané. Après la guerre civile, il entre à l'école de Sant Jordi, où il a pour professeurs E. Santasusagna, F. Labarta et E. Monjo. En 1944, il présente sa première exposition individuelle dans les galeries espagnoles de Barcelone et, en 1945, il réside à Paris, où il étudie les œuvres de Van Gogh, Cézanne, Gauguin et Bonnard. En 1946, il obtient la pension El Paular et réside en Hollande, où il étudie Rembrandt, Vermeer et Franz Hals. En 1957, il est nommé professeur de peinture à l'école des beaux-arts de Sant Jordi. En 1986 a lieu la dernière exposition de la vie du peintre, organisée par la Fundació La Caixa à Barcelone, exposition qui sera déplacée à Madrid. Un mois après sa mort, un hommage lui est rendu au Cercle artistique de Sant Lluc.

Estim. 2 000 - 2 200 EUR

Lot 45 - RAMÓN CALSINA BARÓ (Barcelone, 1901 - 1992). "Intérieur avec personnage". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 100 x 81 cm ; 114 x 95 cm (cadre). Dans cette œuvre, Calsina capture un intérieur intime, baigné par une lumière filtrée. Il est caractéristique de son travail pictural d'entrer dans des environnements poétiques, d'une cadence intemporelle, qui communiquent un état d'esprit. Dans ce cas, la lettre laissée sur le sol pendant que la jeune femme cherche et fouille dans les tiroirs, dans une pièce à la perspective biaisée, transmet une image de malaise et de rupture existentielle. Le dessin synthétique, ainsi que les tons chauds et veloutés, éveillent notre tendresse envers le personnage. Après avoir commencé sa formation à l'Académie Baixas de Barcelone, Calsina entre en 1920 à l'école de La Lonja, où il est le disciple de Feliu Mestres. Il fait ses débuts individuels en 1930 à la Sala Parés et, l'année suivante, il expose ses œuvres à Paris. Les anthologies qu'il a organisées à Barcelone en 1957 et 1966 revêtent une importance particulière. Son style, proche du réalisme magique, est précis et stylisé, souvent ironique et plein de détails insolites ou fantastiques. Il révèle également certaines influences de Goya, Daumier et Hogarth. Dessinateur, il réalise des illustrations, des affiches et des vitraux. Il conçoit les costumes et les décors de la pièce "El casament de la Xela", de Xavier Berenguel (1938). Entre 1931 et 1933, il collabore à la revue allemande "Der Querschnitt". Il a également illustré des romans, tels que "Don Quichotte" et les œuvres d'Edgar Allan Poe. En 1964, il remporte le prix international de dessin Ynglada-Guillot et, en 1990, il est décoré de la Croix de Sant Jordi. En 1984, un grand groupe de poètes, d'écrivains, d'artistes et d'intellectuels a lancé un appel social pour la reconnaissance de Calsina, à la suite de quoi la Caja de Ahorros de Barcelona, avec la collaboration de la Generalitat de Catalunya, lui a consacré une exposition anthologique. En 1990, une autre exposition a été organisée au Centro Conde Duque de Madrid, avec la collaboration de la mairie. Il est représenté dans plusieurs musées espagnols, ainsi que dans d'importantes collections privées. En 2009, la Fondation Ramón Calsina, promue par ses héritiers, a été créée.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 46 - JEAN MICHEL RUYTEN (Anvers 1813-1881). "Les chanteurs du chœur", 1857. Huile sur toile. Relié. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 68 x 55 cm ; 85 x 72,5 cm (cadre). Scène animée de l'intérieur d'une église, avec deux ecclésiastiques occupant l'espace central du chœur, chantant devant un grand livre ouvert sur le lutrin, montrant la partition du cantique. Ils sont rejoints dans leur intonation par les chanoines assis au niveau supérieur des stalles du chœur. Ils tiennent à la main des missels. Deux violoncellistes accompagnent les voix. A l'arrière-plan, on aperçoit un autre clerc qui enseigne le chant à un enfant de chœur. Occupant le premier niveau des stalles, les paroissiens se replient sur leurs pensées. Un candélabre de bronze brille sur une table recouverte d'une nappe de feutre rouge. Il s'agit d'une peinture descriptive avec un jeu de lumière audacieux. Jan Michiel Ruyten était un peintre, dessinateur et graveur romantique belge connu pour ses peintures de genre, ses paysages urbains, ses paysages avec personnages et ses peintures d'histoire. Il a été influencé par la peinture romantique néerlandaise. Ruyten est né à Anvers, où il a reçu une formation artistique précoce auprès d'Ignatius Josephus van Regemorter. Dès son plus jeune âge, il commence à présenter ses œuvres aux salons de Gand, de Bruxelles et d'Anvers. Ruyten devient membre de l'Académie d'Anvers en 1840. Le peintre de marines et de villes Hendrik Frans Schaefels travaille comme assistant de Ruyten entre 1842 et 1844. Il quitte la Belgique pour les Pays-Bas dans les années 1840. On sait qu'il a participé à l'exposition de La Haye en 1845. On suppose qu'il a vécu et travaillé à La Haye jusqu'en 1870. Aux Pays-Bas, il fait connaissance avec l'œuvre d'Andreas Schelfhout et de l'élève de cet artiste, Wijnand Nuijen, qui ont une grande influence sur le choix de ses sujets. Schaefels expose dans sa Belgique natale, ainsi qu'à Vienne et à Londres, et reçoit de nombreux prix. Florent Crabeels, Alexander Josephus Thomas Wittevronghel et Laurent Herman Redig comptent parmi les élèves de Ruyten. Bien qu'il ait d'abord peint des paysages urbains, il s'est inspiré des œuvres d'Andreas Schelfhout et de Wijnand Nuijen pour commencer à peindre des vues de rivières, des ports et des scènes de glace pendant qu'il résidait aux Pays-Bas. Malgré l'influence néerlandaise dans ces œuvres, il réussit à conserver son originalité. Après 1870, il se remet à peindre des scènes de ville et de marché. Jan Michiel Ruyten était de la même génération que l'éminent peintre d'histoire belge Henri Leys et, dans une certaine mesure, il a été influencé par cet artiste. Ruyten fut l'un des premiers artistes à utiliser la photographie nouvellement inventée pour ses paysages urbains.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 47 - JOSEP AMAT PAGÈS (Barcelone, 1901 - 1991). "Coin de San Gervasio". Huile sur toile. Présente l'étiquette de la salle Parés (Barcelone). Le cadre présente des défauts. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 50 x 65 cm ; 71 x 86 cm (cadre). Josep Amat a été formé à l'école de La Llotja de Barcelone et a été le disciple préféré de Joaquim Mir. En 1922, il participe pour la première fois à une exposition collective et vend son premier paysage. Six ans plus tard, en 1928, Amat fait ses débuts en tant qu'artiste individuel avec une exposition de vingt-huit œuvres dans la salle Dalmau. À partir de cette date, il expose individuellement dans les galeries les plus importantes de Barcelone. En 1933, il participe au Salon de printemps, où il est récompensé, ainsi que les deux années suivantes. Cette même année, il se rend pour la première fois à Paris, où il se fera connaître en 1936 lors d'une exposition collective. En 1940, il expose pour la première fois à la Sala Parés, où il renouvellera fréquemment ses expositions jusqu'en 1987. Pendant ces années, il participe au Salon de printemps de Barcelone, où il est primé en 1932, 1933 et 1935. Il participe également aux expositions nationales, se distinguant à Madrid par une troisième médaille en 1941, et à Barcelone par une médaille en 1934, un diplôme en 1942 et le prix de la Diputación en 1944. En 1943, il expose pour la première fois à Madrid, dans la Sala Vilches, et en 1949, il s'installe pour un temps à Paris, où il développe un travail pictural intense. Déjà bien consolidé, Amat expose en Espagne, à Paris, à Bruxelles et à La Havane. Au début de la guerre civile, il est contraint d'abandonner la peinture en plein air et entame une période axée sur les personnages et les intérieurs. Outre les prix obtenus lors de concours nationaux, il reçoit le prix José Ramón Ciervo lors de la deuxième biennale d'art hispano-américain de La Havane en 1953. Il a également reçu le Gran Premio Sant Jordi (1955), le prix de dessin Ynglada Guillot (1963) et la médaille d'or du Fonds international de peinture de Barcelone (1981). Entre 1942 et 1970, il enseigne la peinture de paysage à l'École supérieure des beaux-arts de Barcelone. Il est entré à l'Académie royale catalane des beaux-arts de Sant Jordi en 1981, avec un discours intitulé "Histoire du paysage". Ce peintre est considéré comme le principal représentant de l'impressionnisme catalan du XXe siècle et a été honoré par plusieurs expositions, dont celle organisée par la mairie de Barcelone à l'Espai Pruna en 2001, à l'occasion du centenaire de sa naissance, ainsi que par la Croix de Sant Jordi (1988). Son œuvre est représentée au musée Thyssen-Bornemisza, au musée de Montserrat et au musée national d'art de Catalogne. Le cadre présente des défauts.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 48 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcelone, 1997). "Intérieur". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Présente l'étiquette de la Sala Parés au dos. Dimensions : 118 x 57 cm ; 120 x 60 cm (cadre). Formé à Barcelone, Roca initie dès les années soixante un style personnel et indépendant, et crée son propre langage. Sa proposition se concentre sur la récupération du regard du proche et du quotidien, du connu. Il a exposé pendant quarante ans à la Sala Parés de Barcelone, et a également montré son travail dans d'autres villes espagnoles, ainsi qu'aux États-Unis. En 1966, il reçoit le prix Sant Jordi de la Diputació de Barcelona et, deux ans plus tard, la médaille d'honneur du Salon des artistes français à Paris. En 1980, il devient membre de l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi et, en 1993, il reçoit le prix Quadern de la Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre a développé un style figuratif de thèmes intimes, appliquant un regard personnel et subjectif à ses scènes d'intérieur ainsi qu'à ses paysages urbains et naturels. Depuis sa mort, des rétrospectives de l'œuvre de Josep Roca ont été organisées à La Pedrera et dans les galeries Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcelone) et Juan Oliver Maneu (Palma de Majorque). Son œuvre est conservée au musée national d'art de Catalogne.

Estim. 2 200 - 2 600 EUR

Lot 49 - GUILLAUME VAN STRYDONCK (Namsos, 1861- Saint-Gilles, 1937). "Au bal".1914-1915. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Présente des usures au niveau du cadre et des défauts. Dimensions : 100 x 74 cm ; 113 x 87 cm (cadre). Ce tableau exprime le style luministe particulier de Van Strydonck, un peintre qui a commencé comme académicien dans son réalisme et dont le style a évolué vers un impressionnisme à la palette flamboyante. Les robes de bal pailletées de ces deux femmes dénotent un maniement habile de la couleur. Van Strydonck est né en Norvège, où son père travaillait pour une entreprise belge, mais il l'a quittée très tôt. À l'âge de douze ans, il commence à prendre des cours de dessin avec Edouard Agneessens. À partir de 1876, il s'inscrit à l'Académie royale des beaux-arts, où il étudie avec Jean-François Portaels. Plus tard, il étudie avec Jean-Léon Gérôme à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. En 1883, il devient l'un des membres fondateurs du groupe sécessionniste Les XX. À cette époque, son style pictural s'appuie davantage sur la couleur et l'utilisation de la lumière pour exprimer des états d'âme fugaces, et il est considéré comme l'un des créateurs d'un style que l'on a appelé le luminisme. En 1884, il reçoit le prix Godecharle. En 1886, il se rend en Floride et vit en Inde de 1891 à 1896. De retour en Belgique, il s'installe à Weert, sur les bords de l'Escaut, et fait de la campagne belge son principal sujet. Il est professeur à l'Académie royale de 1900 à 1931.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 50 - ROBERTO DOMINGO FALLOLA (Paris, 1883 - Madrid, 1956). "Enlever les bateaux". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Signée et titrée au dos. Dimensions : 76 x 100 cm ; 90 x 114 cm (cadre). À en juger par la faible incision de la lumière dans la scène, l'auteur nous place dans un moment crépusculaire au cours duquel un groupe de personnages attache un groupe de bœufs à leurs embarcations, dans l'intention, comme l'indique Roberto Domingo lui-même dans le titre, de retirer les embarcations, livrant ainsi le matériel pêché ce jour-là. L'exercice plastique magistral déployé par l'artiste se reflète dans l'utilisation d'un coup de pinceau rapide, dont la spontanéité et le dynamisme sont évidents dans les voiles gonflées des bateaux. Le tout est encadré par une atmosphère nostalgique et mélancolique dans laquelle l'auteur utilise des gammes de tons qui oscillent entre les bleus et les gris, bien que l'artiste ose également introduire des tons rougeâtres et violets dans les personnages situés au premier plan. Domingo a commencé sa formation artistique à Paris avec son père, le peintre Francisco Domingo Marqués. C'est également là qu'il s'initie à l'impressionnisme français. En 1906, il s'installe à Madrid et entre à l'Académie des beaux-arts de San Fernando, où il est le disciple d'Antonio Muñoz Degraín. Il participe à des expositions nationales et étrangères, obtenant la troisième médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts de 1908, la deuxième à l'édition de 1910 et la première en 1915. En 1911, il réalise une exposition personnelle à Rome, au pavillon des beaux-arts. Il expose également de manière continue dans plusieurs galeries espagnoles et londoniennes, telles que Baillie et Tooth. Peintre costumier, il s'est spécialisé dans les thèmes taurins, ce qui lui a valu une grande notoriété et un grand prestige. Son œuvre se caractérise par l'expressivité de la tache et du trait, capturant la réalité avec une sensibilité qui s'inscrit dans la tradition de Goya, Lucas et Alenza. La spontanéité, la fluidité et le dynamisme de son œuvre sont en grande partie dus à sa capacité à mémoriser la réalité dans sa rétine et à la transférer ensuite dans la peinture avec sa propre nuance, en simplifiant les lignes et en diluant les couleurs. Cette émotion vibrante était également appréciée par les grands artistes internationaux de l'époque, tels que John Singer Sargent et Gerald Kelly, qui comptaient parmi ses clients. Roberto Domingo est représenté au musée du Prado, au musée des beaux-arts de Grenade, au musée provincial de Cadix, au musée municipal de Madrid, au musée taurin de Las Ventas à Madrid, à la Maestranza de Séville, de Valence et de Viana de Cega (Valladolid), au musée du dessin de Castillo de Larrés (Huesca) et aux musées de La Havane et Hemingway de Cuba, entre autres.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 51 - JOSÉ CUSACHS Y CUSACHS (Montpellier, France, 1851 - Barcelone, 1908). "Portrait masculin". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Présente des restaurations au dos, et une légère perte dans la marge gauche. Dimensions : 80 x 48 cm, 76 x 64 cm (cadre). Portrait ovale résolu dans un langage réaliste et une intention naturaliste. Il souligne la capacité des Cusachs à entrer dans la psychologie du personnage. José Cusachs entre à l'Académie d'artillerie pour faire la carrière militaire, mais demande sa retraite en 1882 pour se consacrer à la peinture, laissant derrière lui une brillante carrière dans l'armée. Formé à Barcelone sous la direction de Simón Gómez, il complète ses études artistiques par un séjour à Paris, dans l'atelier d'Eduardo Detaille, l'un des plus grands spécialistes des thèmes militaires, genre qui sera le préféré de Cusachs. En 1880, il s'installe à Barcelone et commence une vaste production d'études militaires, reproduites dans l'ouvrage de F. Barado intitulé "La vida militar en España" (La vie militaire en Espagne). En 1887, il obtient un succès notable à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid avec trois tableaux, dont l'un est acquis par la régente María Cristina ("En el campo de maniobras"). En 1891, il participe à l'exposition de Berlin et remporte la médaille d'or pour son œuvre "Manœuvres de division". Cusachs s'est également distingué en tant que portraitiste militaire, et a peint, entre autres, le général Prim, le roi Alphonse XIII en uniforme militaire et le président mexicain Profirio Díaz. D'autres œuvres notables de sa main sont "La fuite en Égypte" du monastère de Montserrat, l'une de ses rares toiles religieuses, ainsi que "Abnégation" et "Pensée lointaine". La majeure partie de son œuvre est conservée au musée d'art moderne de Madrid et au musée national d'art de Catalogne, ainsi que dans d'autres centres tels que le musée de Montserrat, le musée national d'histoire, la capitainerie générale de Valence, le quartier général de l'artillerie de Valladolid, la galerie des illustres capitaines de la ville de Barcelone et d'importantes collections privées, telles que celle de Santiago Gramunt.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 52 - FRANCISCO MASRIERA MANOVENS (Barcelone, 1841 - 1912). "Portrait orientaliste", 1860. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 101 x 65 cm. La protagoniste de ce portrait féminin porte une robe sans bretelles assortie aux bijoux et à la coiffe qui ornent ses cheveux. Elle tient dans ses mains un objet fabriqué à la main et fixe le spectateur d'un geste grave et concentré. L'œuvre témoigne de l'attrait que le monde orientaliste exerçait sur les peintres espagnols. Peintre et orfèvre, il commence sa formation artistique dans l'atelier de son père, Josep Masriera Vidal. Il entre ensuite à l'école des beaux-arts de La Lonja à Barcelone, où il subit l'influence du peintre paysagiste Luis Rigalt, pour finalement terminer ses études à Paris. En tant que peintre, il se consacre à des paysages détaillés, généralement inspirés par les environs de San Andrés de Llavaneras, dans la province de Barcelone. Il participe à des expositions à Barcelone, Madrid, Saragosse, Munich, Berlin et dans de nombreuses autres villes. Ses voyages successifs à Paris le mettent en contact avec les différentes tendances de la peinture paysagère française et il connaît rapidement le succès grâce aux œuvres qu'il présente à l'exposition internationale de Paris (troisième médaille) et aux expositions nationales des beaux-arts de Madrid (troisième médaille en 1878 et 1897) et de Barcelone (première médaille en 1909). Il est académicien des Sciences et des Arts (1873) et des Beaux-Arts de Sant Jordi, et préside le Cercle artistique. Il a publié des biographies d'artistes catalans de la génération précédant la sienne, tels que Luis Rigalt, Claudio Lorenzale et Francisco Miquel, ainsi que des ouvrages d'esthétique tels que "Influencia del estilo japonés en las artes europeas" (1885). Il est représenté au Museo Nacional de Arte de Cataluña et au Museo del Prado, entre autres, ainsi que dans d'importantes collections privées internationales.

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 53 - LEONETTO CAPPIELLO (Livourne, 1875 - Cannes, 1942). "Portrait d'Henri Lavedan, vers 1902. Encre et fusain sur papier. Signé dans la marge supérieure. Dimensions : 30 x 34 cm. Dans cet ingénieux portrait de son ami le dramaturge français Henri Lavedan, le dessinateur Leonetto Cappiello allie sa passion pour le style japonais, appréciable dans la stylisation serpentine, et un humour raffiné, Leonetto Cappiello est considéré comme l'un des pères de la publicité moderne. Il était publicitaire, illustrateur et caricaturiste italien. Installé à Paris au tournant du XIXe siècle, il est naturalisé français en 1930. Après des études à Livourne, il publie son premier album de caricatures à l'âge de vingt ans. Installé à Paris en 1898, où il commence sa carrière de caricaturiste, il travaille pour de nombreux journaux, dont Le Rire, Le Sourire, L'Assiette au Beurre et Le Cri de Paris. Un an plus tard, il connaît un grand succès avec la sortie d'un album de portraits publié par La Revue Blanche en 1899, et sa carrière d'affichiste débute l'année suivante et se poursuit jusqu'en 1930. Il reste fidèle à l'imprimerie Vercasson jusqu'au début des années 1920, tout en travaillant régulièrement pour les éditions Devambez. Cappiello est également connu pour ses illustrations de livres tels que La Princesse de Babylone de Voltaire et Le Poète assassiné d'Apollinaire, ainsi que pour ses portraits, dont ceux d'Henri de Regnier et de son beau-frère Paul Adam. Parmi ses affiches les plus célèbres, citons Cachou LAJAUNIE (1900), La Rose Jacqueminot de Coty Perfume (1904), Klaus Chocolate (1905), Thermogen (1909), Cinzano (1910), Bouillon Kub (1911), papier à cigarettes JOB (1912), Savour the Savour (1930), Bally Shoes (1931), Bouillon Kub (1931), Dubonnet (1932).

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 54 - BENJAMÍN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). Sans titre, 1967. Technique mixte sur carton. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 44 x 36 cm ; 70 x 61 cm (cadre).

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 55 - BEJAMÍN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). Sans titre. Aquarelle sur papier. Présente des textes manuscrits de l'artiste. Un certificat d'authenticité délivré par les Archives Benjamín Palencia peut être délivré aux frais de l'acheteur. Le cadre est endommagé. Signée en bas à droite. Dimensions : 31 x 47,5 cm ; 53,5 x 71 cm (cadre). Fondateur de l'école de Vallecas avec Alberto Sánchez, sculpteur, Benjamín Palencia est l'un des plus importants héritiers de la poétique du paysage castillan typique de la génération de 98. À seulement quinze ans, Palencia quitte sa ville natale et s'installe à Madrid pour développer sa formation grâce à ses fréquentes visites au musée du Prado, car il a toujours rejeté les enseignements officiels de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 1925, il participe à l'exposition des artistes ibériques qui se tient au palais du Retiro à Madrid et, en 1926, il se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso, Gargallo et Miró et se familiarise avec la technique du collage, qu'il appliquera plus tard à son œuvre, en y incorporant de nouveaux matériaux tels que le sable ou les cendres. C'est à partir de ce séjour parisien que l'œuvre de Palencia acquiert une tonalité surréaliste, qui se manifeste par une liberté expressive de plus en plus grande, qui atteindra sa plénitude dans sa période de maturité. De retour à Madrid, il fonde l'École de Vallecas (1927) et fait ses débuts individuels au Musée d'art moderne (1928). Palencia abandonnera progressivement les natures mortes pour reprendre le paysage castillan, le capturant à travers une magnifique synthèse entre tradition et avant-garde. Cette esthétique personnelle du paysage atteindra son apogée dans l'École de Vallecas et, après une brillante incursion surréaliste au début des années trente, lorsque la guerre civile éclate, Palencia reste à Madrid, subissant une période de crise profonde comme ses camarades de génération. Après la guerre, entre 1939 et 1940, sa peinture prend un tournant radical ; il abandonne les influences cubistes et abstraites et même les aspects surréalistes, à la recherche d'un art à fort impact chromatique, lié au fauvisme. Concentré sur son travail de paysagiste, Palencia reprend en 1942 l'expérience de l'école de Vallecas avec les jeunes peintres Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló et Francisco San José. Son œuvre rassemblera des images de la campagne castillane, de ses paysans et de ses animaux ; sa peinture devient un témoignage de la rudesse, de la grossièreté et de la ruralité, de l'expressivité subtile de la sobriété castillane. Déjà pleinement consolidé, il obtient en 1943 la première médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts et, en 1944, il est sélectionné pour participer au Salón de los Once de Eugenio D'Ors à Madrid. L'année suivante, il reçoit la médaille d'honneur de l'Exposition nationale, bien qu'il y renonce pour en faciliter la concession à José Gutiérrez Solana. Un certificat d'authenticité délivré par les Archives Benjamín Palencia peut être délivré aux frais de l'acheteur.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 56 - BENJAMÍN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). Sans titre, 1948. Technique mixte sur papier. Un certificat d'authenticité délivré par les archives de Benjamín Palencia peut être délivré aux frais de l'acheteur. L'œuvre est légèrement endommagée. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Verre de musée. Dimensions : 50 x 70 cm ; 71 x 91 cm (cadre). Fondateur de l'École de Vallecas avec Alberto Sánchez, sculpteur, Benjamín Palencia est l'un des plus importants héritiers de la poétique du paysage castillan typique de la Génération 98. À seulement quinze ans, Palencia quitte sa ville natale et s'installe à Madrid pour développer sa formation grâce à ses fréquentes visites au musée du Prado, car il a toujours rejeté les enseignements officiels de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 1925, il participe à l'exposition des artistes ibériques qui se tient au palais du Retiro à Madrid et, en 1926, il se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso, Gargallo et Miró et se familiarise avec la technique du collage, qu'il appliquera plus tard à son œuvre, en y incorporant de nouveaux matériaux tels que le sable ou les cendres. C'est à partir de ce séjour parisien que l'œuvre de Palencia acquiert une tonalité surréaliste, qui se manifeste par une liberté expressive de plus en plus grande, qui atteindra sa plénitude dans sa période de maturité. De retour à Madrid, il fonde l'École de Vallecas (1927) et fait ses débuts individuels au Musée d'art moderne (1928). Palencia abandonnera progressivement les natures mortes pour reprendre le paysage castillan, le capturant à travers une magnifique synthèse entre tradition et avant-garde. Cette esthétique personnelle du paysage atteindra son apogée dans l'École de Vallecas et, après une brillante incursion surréaliste au début des années trente, lorsque la guerre civile éclate, Palencia reste à Madrid, subissant une période de crise profonde comme ses camarades de génération. Après la guerre, entre 1939 et 1940, sa peinture prend un tournant radical ; il abandonne les influences cubistes et abstraites et même les aspects surréalistes, à la recherche d'un art à fort impact chromatique, lié au fauvisme. Concentré sur son travail de paysagiste, Palencia reprend en 1942 l'expérience de l'école de Vallecas avec les jeunes peintres Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló et Francisco San José. Son œuvre rassemblera des images de la campagne castillane, de ses paysans et de ses animaux ; sa peinture devient un témoignage de la rudesse, de la grossièreté et de la ruralité, de l'expressivité subtile de la sobriété castillane. Déjà pleinement consolidé, il obtient en 1943 la première médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts et, en 1944, il est sélectionné pour participer au Salón de los Once de Eugenio D'Ors à Madrid. L'année suivante, il reçoit la médaille d'honneur de l'Exposition nationale, bien qu'il y renonce pour en faciliter la concession à José Gutiérrez Solana. Légèrement abîmé. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Verre de musée.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 57 - RAMÓN PARADA JUSTEL (Esgos, Orense, 1871-1902). "Nature morte devant le port". Huile sur panneau. Signée dans le coin supérieur droit. Dimensions : 20 x 25 cm ; 42 x 47 cm (cadre). L'artiste représente une nature morte composée de fruits de mer, parmi lesquels on peut observer la présence de poissons, de poulpes, de homards ou de coquillages. Stratégiquement disposée au premier plan, la nature morte est placée devant un port maritime, à travers lequel l'artiste donne une narration à la scène. Ainsi, devant la nature morte au premier plan se trouve une scène profonde, ouverte à gauche sur une vaste étendue d'eau, tandis qu'à droite de la composition se trouvent de hautes collines couronnées par un bâtiment qui pourrait bien être un château si l'on en juge par ses avenues. Parada Justel réinterprète ainsi le genre de la nature morte en l'adaptant à l'environnement marin, en recherchant une harmonie maximale entre les aliments représentés. Le bol en cuivre situé dans la partie inférieure droite de la composition se distingue également, un élément qui permet à l'artiste de recréer les différents matériaux, en s'intéressant particulièrement à la tonalité et à la luminosité du métal. Nous nous trouvons ainsi face à une œuvre de petit format de l'un des artistes les plus significatifs de l'ourensana plastique, une personnalité extrêmement importante de la transition artistique galicienne entre le XIXe et le XXe siècle. Ramón Parada Justel a été formé à l'école San Fernando de Madrid, où l'empreinte de Carlos de Haes définira son évolution. Il élargit ses références esthétiques à Rome, où il voyage grâce à une bourse de la Diputación de Orense. Sa courte vie se déroule entre son pays natal et Madrid. Il participe à plusieurs expositions nationales et obtient des médailles de troisième classe à deux reprises, en 1899 et 1901. Il s'inscrit dans l'éclectisme, adoptant les techniques et les thèmes les plus divers, un style partagé avec des peintres galiciens de sa génération comme Jenaro Carrero ou Joaquín Vaamonde. Justel sera, avec ces auteurs, l'un des membres de la mythique Xeracion Doente (Génération Douloureuse), dénomination promue par Bello Piñeiro pour définir le groupe de peintres ayant vécu durant les trois dernières décennies du XIXe siècle et qui sont devenus un lien entre la tradition picturale du XIXe siècle et la rénovation artistique qui allait arriver avec le nouveau siècle. Son intérêt pour le paysage sera une constante, évoluant de l'académisme à un style libre et spontané, produit de la capture directe de la nature. Ses taches de couleur dénotent un léger empâtement et un coup de pinceau instinctif. Il capture les effets de lumière qui construisent les différents plans de profondeur. Il avait l'habitude de peindre les environs de Madrid. Il a également pratiqué le genre orientaliste, le nu et le portrait. Il a été chargé de décorer l'autel de San Antonio de Padua dans la cathédrale d'Orense. Justel mourut de la tuberculose, la même maladie qui emporta d'autres peintres importants comme Jenaro Carrero Fernández, Ovidio Murguía de Castro et Joaquín Vaamonde Cornide. Il est représenté au musée archéologique d'Orense.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 58 - RAMÓN PARADA JUSTEL (Esgos, Orense, 1871-1902). "Scène de la comédie avec Virgile et Dante", 1996. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin supérieur droit. Dimensions : 32 x 40 cm ; 50 x 59 cm (cadre). Ramón Parada Justel se forme à l'école San Fernando de Madrid, où l'empreinte de Carlos de Haes sera déterminante pour son évolution. Il élargit ses références esthétiques à Rome, où il voyage grâce à une bourse de la Diputación de Orense. Sa courte vie se déroule entre sa terre natale et Madrid. Il participe à plusieurs expositions nationales et obtient des médailles de troisième classe à deux reprises, en 1899 et 1901. Il s'inscrit dans l'éclectisme, adoptant les techniques et les thèmes les plus divers, un style partagé avec des peintres galiciens de sa génération comme Jenaro Carrero ou Joaquín Vaamonde. Justel sera, avec ces auteurs, l'un des membres de la mythique Xeracion Doente (Génération Douloureuse), dénomination promue par Bello Piñeiro pour définir le groupe de peintres ayant vécu durant les trois dernières décennies du XIXe siècle et qui sont devenus un lien entre la tradition picturale du XIXe siècle et la rénovation artistique qui allait arriver avec le nouveau siècle. Son intérêt pour le paysage sera une constante, évoluant de l'académisme à un style libre et spontané, produit de la capture directe de la nature. Ses taches de couleur dénotent un léger empâtement et un coup de pinceau instinctif. Il capture les effets de lumière qui construisent les différents plans de profondeur. Il avait l'habitude de peindre les environs de Madrid. Il a également pratiqué le genre orientaliste, le nu et le portrait. Il a été chargé de décorer l'autel de San Antonio de Padua dans la cathédrale d'Orense. Justel mourut de la tuberculose, la même maladie qui emporta d'autres peintres importants comme Jenaro Carrero Fernández, Ovidio Murguía de Castro et Joaquín Vaamonde Cornide. Il est représenté au musée archéologique d'Orense.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 59 - JULIO GONZÁLEZ PELLICER (Barcelone, 1876 - Arcueil, France, 1942). "Le repos sour les saules", 1924. Aquarelle sur papier. Signée avec des initiales et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 17 x 25 cm ; 31 x 39,5 cm (cadre). Julio González n'est pas seulement considéré comme une figure importante du panorama artistique du XXe siècle pour ses sculptures en fer, mais aussi pour son excellente, bien que moins connue, facette de dessinateur. Les dessins de González s'inspirent de l'œuvre de Pablo Picasso en raison de la relation qu'il a entretenue avec le peintre de Malaga, une collaboration qui a débuté en 1928 et qui a culminé avec l'exécution en bronze forgé de la sculpture "Femme au jardin". Grâce à ses dessins, il est possible de pénétrer dans l'univers passionnant de González, avec des figures féminines capturées avec beaucoup d'habileté et de délicatesse, ou avec les esquisses préalables à ses sculptures en fer, qui démontrent sa capacité artistique exceptionnelle et illimitée. Julio González est né dans une famille d'orfèvres et a appris le métier dès son enfance. Plus tard, il étudie les beaux-arts à La Lonja de Barcelone. En 1900, il se rend avec sa famille à Paris, où il fréquente les milieux artistiques et entretient des contacts avec Picasso, Gargallo et Brancusi, entre autres. Vers 1910, il commence à travailler avec des masques en métal repoussé, dans un style marqué par des traits naturalistes et symbolistes, ainsi que par une nouvelle conception de la figure humaine, avec des volumes et des lignes synthétisés. Au cours de ces années, Gonzalez commence à participer aux salons parisiens, notamment au Salon d'Automne, au Salon des Indépendants et au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts. En 1920, il ouvre son propre atelier de forge et, deux ans plus tard, il fait ses débuts individuels à la galerie Povolovsky à Paris. À la fin des années 1920, il commence à développer ses premières sculptures en fer forgé, un matériau jusqu'alors considéré comme purement décoratif. Dans les années trente, son travail devient plus abstrait et les premières constructions spatiales apparaissent. Après une longue liste de participations à des expositions individuelles et collectives telles que l'Art espagnol au musée du Jeu de Paume (1936) ou le Pavillon espagnol à l'Exposition universelle de Paris (1937), au début de la Seconde Guerre mondiale, son travail, en raison de la pénurie de fer, se concentre sur un nouveau matériau, le plâtre, et sur des dessins ayant pour thème la guerre. González est représenté au Centre Georges Pompidou à Paris, au Reina Sofía à Madrid, à l'IVAM à Valence et au MoMA à New York, entre autres.

Estim. 5 000 - 5 500 EUR

Lot 60 - MODEST URGELL ANGLADA (Barcelone, 1839 - 1919). "Paysage crépusculaire". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 55 x 100 cm ; 71 x 116 cm (cadre). Modest Urgell a commencé sa carrière comme acteur de théâtre, mais l'interdiction familiale de suivre cette voie l'a amené à se consacrer à la peinture. Il étudie à la Escuela de La Lonja de Barcelone, où il est le disciple de Ramón Martí Alsina, puis séjourne à Paris, où il rencontre Gustave Courbet et s'attache au réalisme. Dans les années soixante, ses œuvres sont refusées aux expositions officielles de Madrid et de Barcelone. En 1870, il s'installe à Olot, où il fait la connaissance de Joaquín Vayreda, créateur de l'école paysagiste locale. Dès lors, Urgell décide de se consacrer pleinement à la peinture de paysage. Son œuvre se concentrera sur les natures solitaires et les paysages marins, mettant souvent en scène des ermitages et des cimetières, marqués par une atmosphère crépusculaire, désolée et mystérieuse. À partir de 1896, il enseigne la peinture de paysage à l'École des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, et est nommé académicien en 1902. Il est également le fondateur de la Société artistique et littéraire de Catalogne, ainsi que du Musée artistique et archéologique de Gérone. Il participe à toutes les éditions de l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid, de 1864 à un an avant sa mort, et reçoit la deuxième médaille en 1876 et 1892. Il envoie également ses peintures aux expositions de Barcelone, ainsi qu'à l'exposition universelle de Paris et aux expositions internationales de Munich, Bruxelles, Berlin, Philadelphie et Chicago. En 1892, il est récompensé dans tous les concours auxquels il participe, dont celui de Bruxelles, où il est le seul lauréat espagnol. Il se consacre également à la littérature, avec un intérêt particulier pour le théâtre. La somme de ses deux passions, l'art et la littérature, s'exprime dans son album "Catalunya" (1905), composé de plus de cent dessins accompagnés de textes écrits par lui-même. Ses paysages ont une atmosphère, une couleur et des thèmes qui démentent le stéréotype du paysage méditerranéen, basé sur des natures chaudes et amicales, d'un chromatisme brillant, comme des fenêtres ouvertes sur la sensualité méridionale. Ses peintures, au contraire, parlent de mélancolie et de solitude, et recréent sans cesse une Catalogne désolée et triste à laquelle, des années plus tard, le poète Salvador Espriu sera également sensible. Son langage rejette tout thème fantaisiste ou pittoresque, reprenant des sujets d'actualité sans chercher à les ennoblir ou à les idéaliser, mais en cherchant à provoquer des états d'âme chez le spectateur à travers des lumières crépusculaires qui se dissolvent, pendant de brefs instants, dans une harmonie de rouges, ou ses cimetières désolés et ses marines sévères, nues et dépouillées. Urgell est représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée maritime de Barcelone, à la Kunsthalle de Hambourg, au musée Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú, aux fonds d'art de la Caixa Sabadell et de la Caixa d'Estalvis de Terrassa, au musée Dalí de Figueras et aux musées provinciaux de Gérone, de Palma de Majorque et de Lugo, parmi de nombreux autres centres et institutions.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 61 - SEBASTIÁN JUNYENT SANS (Barcelone, 1865 - 1915). "Le musicien. Huile sur toile. Signée et dédicacée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 66 x 48 cm ; 78 x 60,5 cm (cadre). Un vieil homme à la longue barbe grise porte sa guitare et avance sur une place urbaine qui, à ce moment-là, est traversée par un couple de passants. Cependant, le peintre les laisse à l'arrière-plan, les réduisant à de rapides esquisses afin de concentrer notre attention sur l'attachant musicien à la canne. Il parvient à une caractérisation véridique et spontanée, en utilisant seulement quelques détails. Sebastián Junyent a été formé à l'école des beaux-arts de Sant Jordi à Barcelone, où il s'est spécialisé dans la peinture de genre et de paysage, tout en cultivant la technique de la tapisserie, principalement au cours de ses premières années. Grand ami de Pablo Picasso, avec qui il partageait ses intérêts artistiques, il a publié vers 1900 plusieurs articles sur des thèmes esthétiques dans la revue "Joventut", l'une des principales revues du mouvement moderniste en Catalogne. Tout au long de sa carrière, il organise plusieurs expositions individuelles et participe à des concours et des compétitions artistiques, comme l'Exposition nationale des beaux-arts de 1899, où il expose sa toile "Ex voto", ou les expositions de Barcelone de 1894, 1896 et 1898, entre autres. Parmi ses œuvres, il convient de mentionner les suivantes, toutes présentées dans des expositions officielles : "Un pregón en un pueblo del Montseny (1894), Matinada (1896), Una vegada era un rei (1898), Prometença, Clorosi, Mater dolorosa (1904), Cazador, Bosquet de Vallvidrera (1904), Cabeza de estudio et Anunciación (1901), entre autres.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 62 - JOSEP DE TOGORES LLACH (Cerdanyola del Vallès, 1893 - Barcelone, 1970). "Una noia". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Titrée au dos. Dimensions : 73 x 58 cm ; 90 x 75 cm (cadre). Manque dans le cadre. Né au sein d'une famille aisée et cultivée, qui fréquente les milieux intellectuels, son intérêt pour la peinture naît à l'âge de treize ans, lorsqu'il perd l'oreille à la suite d'une méningite. Il voyage en France et en Belgique, où il découvre les tableaux de Rembrandt, et à l'exposition internationale d'art de 1907 à Barcelone, il est fasciné par l'œuvre de Monet. À l'âge de dix-huit ans, il est déjà un artiste important à Barcelone et, en 1913, il est chargé de décorer la chapelle d'Anna Girona à Poblet. Grâce à une bourse de la mairie de Barcelone, il part étudier à Paris, où il fait la connaissance de la peinture de Cézanne, qui aura une influence décisive sur son travail à partir de ce moment-là. En 1917, il rencontre Picasso et entre en contact avec les théories et les cercles cubistes. Dans les années 1920, il entame une relation avec le galeriste Kahnweiler, qui deviendra plus tard le marchand de Picasso. Il travaille exclusivement avec lui entre 1921 et 1931, lorsque sa peinture connaît sa période la plus expérimentale, se rapprochant de l'automatisme et du surréalisme. Sous la direction de Kahnweiler, il devient un artiste à succès. En 1932, sa peinture prend un nouveau tournant, un retour à la figuration. Il s'installe à Barcelone et travaille avec un nouveau marchand, Francesc Cambó. Pendant cette période, il peint de nombreux portraits des personnalités les plus importantes de la société catalane et devient l'un des peintres les plus recherchés de l'époque. Pendant la guerre civile, il s'installe en France, mais revient en 1939, où il continue à travailler, sans rien perdre de son prestige. Son œuvre est présente au Museo Patio Herreriano de Valladolid, au Museo Nacional Reina Sofía, au Museo Nacional del Arte de Cataluña, au Getty Museum (Los Angeles), au Museo de Arte de Sabadell, au Städtisches Gelsenkirchen Museum (Allemagne), au Thyssen-Bornemisza Museum (Madrid), au Palacio Nacional de Montjuic et au Centre Georges Pompidou (Paris), entre autres.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 63 - JOSÉ MIRABENT GATELL (Barcelone, 1831 - 1899). "Nature morte de fruits". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 80 x 107 cm ; 99 x 125 cm (cadre). Dans cette toile, José Mirabent nous offre une magnifique nature morte de fruits, d'une élégance délicate et d'un naturalisme accentué. Il capture les raisins, les prunes et les pêches avec une grande précision, et les feuilles de vigne avec une précision botanique, recréant les détails, mais sans négliger la lumière et l'atmosphère, faisant preuve d'une grande maîtrise de la couleur et des glacis. José Mirabent a étudié à l'école La Lonja de Barcelone, où il a été l'élève de Pablo Milá Fontanals, Claudio Lorenzale et Segismundo Ribó, qui l'ont influencé par l'esthétique nazaréenne. En 1855, il rejoint l'école susmentionnée en tant qu'assistant et, en 1872, il devient professeur de peinture décorative, de textiles et d'estampes. À ses débuts, il peut être considéré comme un peintre romantique dans le style nazaréen de ses maîtres et peint principalement des portraits et des natures mortes avec des fleurs et des fruits. Il s'est ensuite spécialisé dans la décoration d'intérieur, activité dans laquelle il faut souligner ses travaux pour le Gran Teatre del Liceu et l'université de Barcelone, le musée Balaguer de Vilanova i la Geltrú et les églises du Buen Suceso, des Salesas Reales et le couvent des Madres Reparadoras à Madrid. Avec ses peintures de fleurs et de fruits, il participe aux expositions nationales des beaux-arts de Madrid et remporte plusieurs prix : mention honorable dans celles de 1856 et 1858, troisième médaille dans celles de 1860 et 1867, et décoration en 1871. Il a également reçu une médaille d'or à l'exposition universelle de Barcelone en 1888. En tant que portraitiste, il a fait le portrait de Pablo Piferrer, Ramón Anglasells et Joaquín Rey Esteve, entre autres. En 1892, il participe au premier festival moderniste. Il est largement représenté au MNAC, ainsi qu'au Museo del Prado, au Museo de Arte Moderno et au Museo Romántico de Madrid, à la Real Academia de Sant Jordi, à l'Ateneo et à la Galería de Catalanes Ilustres de Barcelone, etc.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 64 - JOSE NAVARRO LLORENS (Valence, 1867 - 1923). "Marina". 1892 Huile sur toile. Restaurations visibles au dos. Signée et datée en bas à droite. Dimensions : 99 x 189 cm ; 117 x 205 cm. José Navarro Llorens s'oriente très tôt vers la peinture et étudie à l'école des beaux-arts de San Carlos, dans sa ville natale. Après sa période d'études, nous perdons sa trace et nous ne le retrouverons qu'en 1895 lorsque, selon Pantorba, il participe pour la première et unique fois à l'Exposition nationale des beaux-arts, obtenant une mention honorifique. Cette même année fut celle de la consécration de Joaquín Sorolla, qui remporta à l'unanimité la première médaille de ce concours. Bien qu'ils aient été amis toute leur vie, il est possible que Navarro, de par son caractère bohème et humble, n'ait pas aspiré, comme Sorolla, à une carrière brillante faite de lauriers officiels et de prestige courtois. Il semble qu'il n'ait jamais eu l'intention de projeter son œuvre au-delà d'un cadre local limité, comme on peut le déduire du fait que, dans ses premières années, il s'est consacré à la peinture de scènes costumbristes et galantes pour des amateurs. Néanmoins, ses premières œuvres montrent une certaine influence du style de Mariano Fortuny, que Navarro admirait et dont l'exemple l'a peut-être incité à voyager au Maroc dans un deuxième temps. Ce voyage a dû avoir lieu peu après la fin de ses études, et il s'est consacré à la peinture de thèmes locaux, nord-africains et orientalistes. Au début du XXe siècle, il a été engagé pour décorer un palais à Buenos Aires, bien que Navarro ne soit jamais arrivé en Argentine. Il s'est embarqué pour cette destination, mais lors d'une escale à Rio de Janeiro, le peintre a décidé d'y rester indéfiniment. Dans la ville brésilienne, il a continué à travailler et a organisé une exposition qui a été largement célébrée. Cependant, la nostalgie de sa patrie, protagoniste absolu de son langage pictural, le pousse à retourner à Valence et à s'installer définitivement à Godella. Il y vécut le reste de sa vie de manière simple et humble, donnant des cours de peinture à l'Académie de la ville et peignant sans relâche. Son style s'inspire de diverses influences, telles que Fortuny, Domingo Marqués ou le luminisme levantin, mais se manifeste toujours de manière profondément personnelle, liée à la manière propre à Navarro de comprendre le monde. Sa peinture fait référence à la clarté méditerranéenne à travers de belles transparences, une luminosité corporelle et des coups de pinceau nerveux et vibrants. Il s'agit d'un réalisme énergique, robuste et vital, qui fait de la lumière une valeur plastique et même tactile, plutôt que chromatique. José Navarro est représenté dans les musées des beaux-arts de Valence et des Asturies, au musée Carmen Thyssen de Malaga et dans la collection Gerstenmaier, entre autres collections publiques et privées.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 65 - EMILIO GRAU SALA (Barcelone, 1911 - Paris, 1975). "Les chevaux de Luxembourg". Paris, vers 1960. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Signée et titrée au verso. Au dos, une étiquette mentionne que le tableau sera reproduit dans le catalogue "Peintres témoins de leur temps" (1975). Dimensions : 50 x 50 cm ; 65 x 65 cm (cadre). Un garçon et sa mère contemplent le passage en cercle des chevaux d'un carrousel, dans le mythique parc d'attractions du jardin parisien du Luxembourg. Les thèmes de la vie festive, tels que les cirques et les fêtes foraines, ont été traités par Grau Sala d'une manière particulièrement attachante. La magie et la joie de vivre se conjuguent dans ce tableau avec un certain parti pris nostalgique ou mélancolique, aboutissant à un cocktail doux-amer caractéristique de l'œuvre de Grau Sala. Le dessin au trait fin qui confère aux figures une grande élégance est associé à une palette dans laquelle les couleurs semblent lutter pour se libérer des objets qui les contiennent, compte tenu de leur intensité fauviste et de la variété des motifs. Il s'agit d'un peintre qui a porté le décorativisme au plus haut niveau artistique. Grau Sala a été formé à l'École des beaux-arts de Barcelone, un apprentissage qu'il a combiné avec une formation essentiellement autodidacte. En 1930, il expose pour la première fois à la galerie Badriñas de Barcelone. Lorsque la guerre civile éclate, il s'installe à Paris et remporte la même année, en 1936, le premier prix Carnegie. Pendant les vingt-cinq années qu'il passe dans la capitale française, il est très proche de l'avant-garde, bien qu'il opte toujours pour une figuration coloriste, dérivée de l'impressionnisme et du fauvisme. En fait, il est rapidement connu à Paris comme un successeur de l'esprit et des valeurs impressionnistes, directement lié à Bonnard et Vuillard. Le succès de son style amène Grau Sala à se consacrer également au travail graphique et à la scénographie. La grâce et la finesse de ses personnages, la vivacité des couleurs et l'atmosphère élégante des environnements qu'il capture lui valent un grand succès et une reconnaissance dans le monde entier. Il a organisé plusieurs expositions personnelles, principalement à Barcelone et à Paris, mais aussi dans des villes comme New York, Toulouse, Londres et Los Angeles. En 1963, il retourne à Barcelone, lorsque la figuration stagnante de l'Espagne franquiste commence à être remise en question par Oteiza, Chillida, Tàpies et le collectif "El Paso". Il reste cependant fidèle à son style et, jusqu'à sa mort en 1975, il travaille dans une ligne personnelle, centrée sur ses thèmes favoris, les figures féminines, les intérieurs et les paysages, dans un cadre temporel vaguement classique et nostalgique du dix-neuvième siècle. Après sa mort, et pendant plus d'une décennie, Grau Sala a été éclipsé par les multiples nouveautés qui émergeaient dans l'Espagne démocratique, mais à partir des années 1990, le nouveau boom de la collection de niveau moyen a relancé Grau Sala, qui a été compris comme un interprète de l'impressionnisme dans une clé espagnole. Les œuvres d'Emilio Grau Sala sont conservées au Musée national d'art de Catalogne, au Musée d'art contemporain Esteban Vicente et à l'Institut d'art et de culture contemporains Óscar Domínguez.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 66 - JOSÉ MASRIERA MANOVENS (Barcelone, 1841 - 1912). "Paysage avec figures". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 93 x 150 cm ; 140 x 198 cm (cadre). José Masriera nous offre un paysage printanier, mettant en scène une végétation luxuriante d'une grande richesse tonale et une subtilité dans le traitement chromatique. Formellement, la scène s'articule autour d'un chemin central qui émerge du bord même du tableau, guidant notre regard vers la forêt qui occupe le côté droit. Sur ses côtés se trouve la figure d'un âne qui observe attentivement une jeune femme qui, tournant le dos au spectateur, dirige ses mains vers sa tête, enlevant le foulard qui l'a accompagnée pendant la longue journée. Le peintre organise rigoureusement la composition, en séparant clairement le premier plan de l'arrière-plan. Ainsi, nous trouvons au premier plan la route. En son centre, l'espace se développe en profondeur, étant fermé à l'arrière-plan par les montagnes. Peintre et orfèvre, il a commencé sa formation artistique dans l'atelier de son père, Josep Masriera Vidal. Il entre ensuite à l'école des beaux-arts de La Lonja à Barcelone, où il subit l'influence du peintre paysagiste Luis Rigalt, pour finalement terminer ses études à Paris. En tant que peintre, il se consacre à des paysages détaillés, généralement inspirés par les environs de San Andrés de Llavaneras, dans la province de Barcelone. Il participe à des expositions à Barcelone, Madrid, Saragosse, Munich, Berlin et dans de nombreuses autres villes. Ses voyages successifs à Paris le mettent en contact avec les différentes tendances de la peinture paysagère française et il connaît rapidement le succès grâce aux œuvres qu'il présente à l'exposition internationale de Paris (troisième médaille) et aux expositions nationales des beaux-arts de Madrid (troisième médaille en 1878 et 1897) et de Barcelone (première médaille en 1909). Il est académicien des Sciences et des Arts (1873) et des Beaux-Arts de Sant Jordi, et préside le Cercle artistique. Il a publié des biographies d'artistes catalans de la génération précédant la sienne, tels que Luis Rigalt, Claudio Lorenzale et Francisco Miquel, ainsi que des ouvrages d'esthétique tels que "Influencia del estilo japonés en las artes europeas" (1885). Il est représenté au Museo Nacional de Arte de Cataluña et au Museo del Prado, entre autres, ainsi que dans d'importantes collections privées internationales.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 67 - JULIO BORRELL PLA (Barcelone, 1877 - 1957). "La lettre". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur. Dimensions : 181 x 103 cm. Deux jeunes femmes lisent une lettre. L'émotion se révèle dans leurs sourires nacrés et dans l'éclat de leurs yeux. Julio Borrell capte avec ingéniosité la vivacité des expressions et décrit avec talent les plis et les dentelles des vêtements folkloriques. Fils et disciple de Pere Borrell del Caso, Julio Borrell a été formé à l'école des beaux-arts de Sant Jordi à Barcelone. Avec son père, il subit l'influence des nazaréens Claudio Lorenzale et Pablo Milà i Fontanals. En 1888, à l'âge de onze ans, il participe avec une toile au concours de Barcelone de l'exposition universelle, en compagnie de son frère Ramón, également peintre. À partir de 1894, il participe à presque toutes les expositions officielles organisées à Barcelone et à Madrid et obtient une mention honorable en 1897. La même année, il obtient une deuxième médaille à l'exposition d'Arcachon, en France. Son nom a eu une résonance particulière lors de ses expositions à la Sala Parés de Barcelone, entre 1915 et 1920. Sa vaste production comprend des œuvres à l'huile et au pastel, et couvre un large éventail de thèmes. Le thème qu'il a le plus cultivé est celui de la maja espagnole classique, la femme à la mantille et au peigne, représentée dans son style sensoriel personnel, avec une extraordinaire habileté et une grande maîtrise du dessin. Parmi ses nombreuses peintures, dont certaines ont été largement reproduites, il convient de mentionner "El viático al Liceo", "Lavapiés en Jueves Santo", "Bodas reales" (Noces royales), qu'il a peintes pour le roi Alphonse XIII, "Luna de miel" (Lune de miel), "El triunfo del cristianismo" (Le triomphe du christianisme), etc. Il se consacre également à la peinture décorative et réalise des peintures murales religieuses pour l'église de San Francisco à Buenos Aires et la coupole de la basilique de la Merced à Barcelone, détruite en 1936. Tout au long de sa carrière, Borrell a organisé de nombreuses expositions personnelles dans diverses galeries de Barcelone et a participé à des expositions de groupe et à des concours. Nombre de ses œuvres sont exposées au MACBA, ainsi qu'au musée national d'art de Catalogne et à d'autres endroits.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 68 - MANUEL PESQUEIRA (Paredela, Meis 1911- 1988). "Les paysannes". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 48 x 41 cm ; 69 x 61 cm (cadre). Deux femmes portent sur la tête un grand panier débordant de fruits. On les voit de profil, avançant fermement devant un champ ensemencé. Leurs visages expriment le caractère. Leurs grandes mains et leurs mollets solides révèlent la dureté de la vie à la campagne. Le coup de pinceau est énergique, le trait épais et une atmosphère de gris et de bleus les enveloppe par sa composition soignée et sa puissance expressive. Comme on le voit dans ce tableau suggestif, Manuel Pesqueira a inventé son propre langage pour parler de son peuple, d'où le recours à un archaïsme pourtant pleinement moderne. Peintre galicien. Pendant ses études d'instituteur à Pontevedra, il entre en contact avec Castelao et commence à faire partie du milieu culturel et politique galicien grâce à sa participation au journal A Nosa Terra, où il devient l'auteur de nombreux articles publiés. C'est en 1933 qu'il organise sa première exposition intitulée Paisajes humanos del rural de O Salnés. Des années plus tard, en 1950, après la guerre civile, il expose à Vigo, Saint-Jacques-de-Compostelle et Pontevedra et, en 1951, au Centro Galego de Buenos Aires. En 1960, il participe à la première exposition anthologique de peinture galicienne, organisée au Círculo de las Artes de Lugo. C'est l'exposition collective de la Sala Quixote de Madrid, en 1967, qui a conduit la critique madrilène à le qualifier de "peintre galicien le plus racial". Sa large reconnaissance nationale a permis à sa peinture d'intéresser les centres d'art internationaux. C'est pourquoi, en 1984, il a exposé à Paris au Centre international d'art contemporain, d'abord dans le cadre d'une exposition de groupe, puis en tant qu'artiste solo. Son style se caractérise par un primitivisme intense dans lequel la sculpture est très présente. Les portraits y acquièrent une grande monumentalité. Ses peintures font souvent référence à la tradition galicienne, montrant différentes facettes du monde rural dans une perspective picturale basée sur l'avant-garde.

Estim. 6 500 - 7 000 EUR

Lot 69 - RAMÓN MARTÍ ALSINA (Barcelone, 1826 - 1894). "Nu féminin".1877. Huile sur toile. Signée dans la marge inférieure. Attachée à la contre-étiquette de la salle Parés à Barcelone. Dimensions : 182 x 89 cm. Dans ses nus féminins, Martí Alsina est catégoriquement anti-académique. Il scrute les détails anatomiques avec franchise et sans idéalisation, tout en parvenant à exalter la sensualité des corps. Dans ce tableau aux dimensions généreuses, la femme occupe une grande partie du cadre, prenant des proportions réelles. Elle nous tourne le dos en tenant une serviette à deux mains, comme si elle était une version libre et désinvolte de Vénus sortant du bain. Le corps charnel, aux hanches balancées, est magistralement modelé par la lumière. On voit la plante du pied avec le talon relevé et ce geste subtil imprime un mouvement doux à l'ensemble du corps, faisant jouer les ombres et les lumières sur le dos et les jambes galbées. Assise sur des coussins garnis de soie et de passementerie, une femme aux hanches déhanchées et à la chair turgescente prend une présence sculpturale, silhouettée sur un fond sombre. Elle adopte un geste pudique qui accentue sa séduction. Elle penche la tête et ses yeux noirs émettent une lueur mélancolique. Le nu semble s'inspirer des modèles baroques, mais Martí Alsina contrebalance la charge charnelle par un regard intime, inscrit dans la modernité. Les qualités soyeuses de la chevelure, le modelé lumineux des formes, les coussins moelleux, etc. portent la marque d'un maître. Considéré aujourd'hui comme la figure la plus importante du réalisme espagnol, Martí Alsina fait partie de l'avant-garde européenne de l'époque. Il a révolutionné le panorama artistique espagnol du XIXe siècle, a été le pionnier de l'étude du dessin d'après nature et le créateur de l'école catalane moderne, ainsi que le maître de toute une génération, avec des disciples de l'importance de Vayreda, Urgell et Torrescassana. Il commence ses études de philosophie et de littérature, en les alternant avec des cours du soir à l'École des beaux-arts de Barcelone jusqu'en 1848. À l'issue de ce premier apprentissage, il décide de se lancer dans la peinture et fait ses premiers pas dans la région du Maresme, où il commence à gagner sa vie en peignant des portraits naturalistes et des paysages "à l'air libre". En 1852, il devient professeur de dessin au trait à la Escuela de la Lonja de Barcelone et, deux ans plus tard, il commence à enseigner le dessin de figures, poste qu'il occupera jusqu'à l'accession au trône d'Amadeo de Saboya. En 1853, il se rend à Paris, où il visite le Louvre et se familiarise avec les œuvres d'Horace Vernet, d'Eugène Delacroix et du romantisme français. Plus tard, il découvrira l'œuvre de Gustave Courbet, le plus grand représentant du réalisme. En 1859, il est nommé académicien correspondant de l'Académie des beaux-arts de Sant Jordi à Barcelone. Sa première exposition importante est l'Exposition générale des beaux-arts de Barcelone en 1851. À partir de ce moment, il expose régulièrement à Barcelone, Madrid et Paris, et est invité à l'exposition universelle de la capitale française en 1889. Parmi ses prix, il faut souligner les médailles obtenues aux expositions nationales de Madrid, la troisième en 1858 avec l'œuvre "Dernier jour de Numancia" et la deuxième en 1860 avec son paysage. Dans les dernières années de sa vie, il vit en reclus, concentrant ses efforts sur la recherche de nouvelles formes d'expression, avec un coup de pinceau proche de l'impressionnisme. Parmi ses thèmes, on trouve de nombreux paysages et marines, des vues urbaines (en particulier de Barcelone), des portraits et des figures humaines, des scènes de genre, des nus féminins capricieux, de la peinture d'histoire et des scènes bibliques. Il s'est rarement consacré aux natures mortes, bien qu'il en ait peint quelques-unes. Les œuvres de Martí Alsina sont conservées au musée du Prado, au musée Thyssen-Bornemisza, au musée national d'art de Catalogne, au musée d'art contemporain de Barcelone, au musée de l'abbaye de Montserrat et au musée de l'Empordà, à Figueras.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 70 - RAMON MARTÍ ALSINA (Barcelone, 1826 - 1894). "Paysage", 1891. Huile sur panneau. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 25 x 38 cm ; 41 x 56 cm (cadre). Considéré aujourd'hui comme la figure la plus importante du réalisme espagnol, Martí Alsina s'inscrit dans l'avant-garde européenne de l'époque. Il a révolutionné le panorama artistique espagnol du XIXe siècle, a été le pionnier de l'étude naturaliste et le créateur de l'école catalane moderne, ainsi que le maître de toute une génération, avec des disciples de l'importance de Vayreda, Urgell ou Torrescassana. Il commence ses études de philosophie et de littérature, en les alternant avec des cours du soir à l'École des beaux-arts de Barcelone jusqu'en 1848. À l'issue de ce premier apprentissage, il décide de se lancer dans la peinture et fait ses premiers pas dans la région du Maresme, où il commence à gagner sa vie en réalisant des portraits naturalistes et des paysages "à l'air libre". En 1852, il devient professeur de dessin au trait à la Escuela de la Lonja de Barcelone et, deux ans plus tard, il commence à enseigner le dessin de figures, poste qu'il occupera jusqu'à l'accession au trône d'Amadeo de Saboya. En 1853, il se rend à Paris, où il visite le Louvre et se familiarise avec les œuvres d'Horace Vernet, d'Eugène Delacroix et du romantisme français. Plus tard, il fera la connaissance de Gustave Courbet, le plus grand représentant du réalisme. En 1859, il est nommé académicien correspondant de l'Académie des beaux-arts de Sant Jordi à Barcelone. Sa première exposition importante est l'Exposition générale des beaux-arts de Barcelone en 1851. À partir de ce moment, il expose régulièrement à Barcelone, Madrid et Paris, et est invité à l'exposition universelle de la capitale française en 1889. Parmi ses prix, il faut souligner les médailles obtenues aux expositions nationales de Madrid, la troisième en 1858 avec l'œuvre "Dernier jour de Numancia" et la deuxième en 1860 avec son paysage. Dans les dernières années de sa vie, il vit en reclus, concentrant ses efforts sur la recherche de nouvelles formes d'expression, avec un coup de pinceau proche de l'impressionnisme. Parmi ses thèmes, on trouve de nombreux paysages et marines, des vues urbaines (en particulier de Barcelone), des portraits et des figures humaines, des scènes de genre, des nus féminins capricieux, de la peinture d'histoire et des scènes bibliques. Il s'est rarement consacré aux natures mortes, bien qu'il en ait peint quelques-unes. Les œuvres de Martí Alsina sont conservées au musée du Prado, au musée Thyssen-Bornemisza, au musée national d'art de Catalogne, au musée d'art contemporain de Barcelone, au musée de l'abbaye de Montserrat et au musée de l'Empordà, à Figueras.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 71 - RAMON MARTÍ ALSINA (Barcelone, 1826 - 1894). "Paysage", 1891. Huile sur panneau. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 25 x 38 cm ; 41 x 56 cm (cadre). Considéré aujourd'hui comme la figure la plus importante du réalisme espagnol, Martí Alsina s'inscrit dans l'avant-garde européenne de l'époque. Il a révolutionné le panorama artistique espagnol du XIXe siècle, a été le pionnier de l'étude naturaliste et le créateur de l'école catalane moderne, ainsi que le maître de toute une génération, avec des disciples de l'importance de Vayreda, Urgell ou Torrescassana. Il commence ses études de philosophie et de littérature, en les alternant avec des cours du soir à l'École des beaux-arts de Barcelone jusqu'en 1848. À l'issue de ce premier apprentissage, il décide de se lancer dans la peinture et fait ses premiers pas dans la région du Maresme, où il commence à gagner sa vie en réalisant des portraits naturalistes et des paysages "à l'air libre". En 1852, il devient professeur de dessin au trait à la Escuela de la Lonja de Barcelone et, deux ans plus tard, il commence à enseigner le dessin de figures, poste qu'il occupera jusqu'à l'accession au trône d'Amadeo de Saboya. En 1853, il se rend à Paris, où il visite le Louvre et se familiarise avec les œuvres d'Horace Vernet, d'Eugène Delacroix et du romantisme français. Plus tard, il fera la connaissance de Gustave Courbet, le plus grand représentant du réalisme. En 1859, il est nommé académicien correspondant de l'Académie des beaux-arts de Sant Jordi à Barcelone. Sa première exposition importante est l'Exposition générale des beaux-arts de Barcelone en 1851. À partir de ce moment, il expose régulièrement à Barcelone, Madrid et Paris, et est invité à l'exposition universelle de la capitale française en 1889. Parmi ses prix, il faut souligner les médailles obtenues aux expositions nationales de Madrid, la troisième en 1858 avec l'œuvre "Dernier jour de Numancia" et la deuxième en 1860 avec son paysage. Dans les dernières années de sa vie, il vit en reclus, concentrant ses efforts sur la recherche de nouvelles formes d'expression, avec un coup de pinceau proche de l'impressionnisme. Parmi ses thèmes, on trouve de nombreux paysages et marines, des vues urbaines (en particulier de Barcelone), des portraits et des figures humaines, des scènes de genre, des nus féminins capricieux, de la peinture d'histoire et des scènes bibliques. Il s'est rarement consacré aux natures mortes, bien qu'il en ait peint quelques-unes. Les œuvres de Martí Alsina sont conservées au musée du Prado, au musée Thyssen-Bornemisza, au musée national d'art de Catalogne, au musée d'art contemporain de Barcelone, au musée de l'abbaye de Montserrat et au musée de l'Empordà, à Figueras.

Estim. 1 000 - 1 500 EUR

Lot 72 - PERE PRUNA OCERANS (Barcelone, 1904 - 1977). "Composition", 1954. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Elle présente des pertes de polychromie dans le cadre. Dimensions : 73 x 92 cm ; 90 x 110 cm (cadre). Artiste essentiellement autodidacte, Pere Pruna a complété sa formation à l'École des beaux-arts de Barcelone. Après avoir commencé à exposer à Barcelone alors qu'il était encore très jeune, il s'est rendu à Paris en 1921, où il a été aidé et guidé par Picasso. Dans la capitale française, il réalise avec succès une exposition personnelle à la galerie Percier et entre en contact avec des intellectuels tels que Cocteau, Drieu la Rochelle, Max Jacob et d'autres, avec lesquels il fonde la revue "Philosophie" en 1924. Serge Diaghilev, qui a visité l'une de ses expositions, lui propose également de créer les décors et les costumes du ballet "Les matelots" en 1925. Depuis lors, il a également travaillé sur d'autres œuvres musicales, telles que "La vie de Polichinele" (1934) et "Oriane" (1938), entre autres. En 1928, il obtient le deuxième prix absolu de l'exposition de l'Institut Carnegie de Pittsburg et, plus tard, à son retour à Barcelone, il obtient d'autres prix tels que le concours "Montserrat vue par les artistes catalans" (1931) ou le prix Nonell (1936). Après le déclenchement de la guerre civile, Pruna poursuit son activité d'exposition internationale, avec notamment l'exposition organisée à Londres en 1937. Après la guerre, il combine ses expositions de peinture de chevalet avec la peinture murale, un genre dans lequel ses œuvres au monastère de Montserrat ont été particulièrement célébrées. En 1965, il a reçu le prix de la ville de Barcelone et, trois ans plus tard, il a été nommé académicien de la Far de Sant Cristòfor. Son style, centré sur une figure féminine gracieuse et stylisée, est basé sur la délicatesse claire du Picasso rose et "néoclassique", et révèle un certain parallélisme avec le Novencento italien, pleinement encadré dans le courant classiciste qui est apparu dans l'art occidental après la première vague d'avant-garde, et dont son ami Cocteau était la force motrice. Pruna s'est concentré sur le portrait et en particulier sur la figure féminine, capturant des images marquées par une grande délicatesse et une distinction sobre. Ses représentations sont caractérisées par une ligne stylisée et diaphane, et s'inscrivent dans le retour à l'ordre après la rupture qu'a signifié le cubisme en France, se rattachant ainsi directement à l'avant-garde. Pere Pruna est actuellement représenté au musée de Montserrat, où un espace porte son nom, au MACBA de Barcelone et au musée Maricel de Sitges, entre autres.

Estim. 1 600 - 2 000 EUR

Lot 73 - PERE PRUNA OCERANS (Barcelone, 1904 - 1977). "Torero couché", 1937. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Patch au dos Avec les étiquettes de la Sala Parés et de la Galerie Artur Ramon, Barcelone, au dos. Dimensions : 70 x 115 cm ; 92 x 135,5 cm (cadre). Pere Pruna parvient à transmettre la beauté sereine du torero couché en utilisant une palette de couleurs très peu nombreuses mais dotées d'une riche variété tonale, en même temps qu'il manie un trait synthétique qui condense la palpitation énigmatique d'un repos qui pourrait être éternel. Des lumières solides construisent les traits, modelant avec douceur l'ovale et la ligne courbe des paupières fermées. Les paillettes et les bijoux du costume scintillent de reflets argentés nuancés qui se prolongent sur la bande latérale des longues jambes gainées d'un talon aiguille rouge. Le rouge du pantalon et la brillance du cuir noir des chaussures interrompent la riche gamme de tons argentés qui dominent l'atmosphère lyrique. Artiste essentiellement autodidacte, Pere Pruna a suivi une formation à l'école des beaux-arts de Barcelone. Après avoir commencé à exposer à Barcelone alors qu'il était encore très jeune, il s'est rendu à Paris en 1921, où il a été aidé et guidé par Picasso. Dans la capitale française, il organise avec succès une exposition personnelle à la galerie Percier et entre en contact avec des intellectuels tels que Cocteau, Drieu la Rochelle, Max Jacob et d'autres, avec lesquels il fonde la revue "Philosophie" en 1924. Serge Diaghilev, qui a visité une de ses expositions, lui demande également de créer les décors et les costumes du ballet "Les matelots" en 1925. Dès lors, il travaille également sur d'autres œuvres musicales, telles que "La vie de Polichinele" (1934) et "Oriane" (1938), entre autres. En 1928, il remporte le deuxième prix de l'exposition du Carnegie Institute de Pittsburg et, plus tard, à son retour à Barcelone, il obtient d'autres prix tels que le concours "Montserrat vue par des artistes catalans" (1931) et le prix Nonell (1936). Ce dernier a été entouré de controverse, car Pruna l'a remporté pour sa peinture à l'huile "El vi de Chios", pour laquelle il a utilisé comme modèle une photographie publiée dans une revue pornographique parisienne. Face au tollé, Pruna a retiré son prix, mais le jury a maintenu sa décision. Après le déclenchement de la guerre civile, Pruna s'installe à Paris et poursuit son activité d'exposition internationale, notamment celle organisée à Londres en 1937. Parallèlement, il travaille pour les services de propagande de Ridruejo, avec des œuvres telles que l'affiche commémorant la promulgation de la Force de travail, et Eugenio d'Ors, responsable national des Beaux-Arts, l'introduit auprès de la représentation espagnole à la Biennale de Venise en 1938. Après la guerre, il combine les expositions de peinture de chevalet avec la peinture murale, un genre dans lequel son travail au monastère de Montserrat a été particulièrement célébré. En 1965, il remporte le prix de la ville de Barcelone et, trois ans plus tard, il est nommé académicien de la Far de Sant Cristòfor. Pere Pruna est actuellement représenté au musée de Montserrat, où un espace porte son nom, au MACBA de Barcelone et au musée Maricel de Sitges, entre autres.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 74 - VILHEM JACOB ROSENSTAND (Copenhague, 1838-1915). "Intérieur de taverne". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Elle présente quelques défauts dans le cadre doré. Dimensions : 60 x 48 cm ; 85 x 72 cm (cadre). Vilhem Rosenstand s'est montré particulièrement habile dans les scènes de genre et de taverne, développant une grande ingéniosité pour la capture psychologique et anthropologique. Cette scène d'intérieur de taverne, dans laquelle le feu crépitant de l'âtre confère une atmosphère chaleureuse et confortable, en est la preuve. Deux individus vêtus de costumes régionaux, la veste ornée de broderies sur velours noir et les jambes gainées d'un large pantalon bouffant, ont des visages semblables l'un à l'autre avec leurs moustaches touffues mais des attitudes très différentes. L'un fixe avec éblouissement la jeune femme assise sur la table, tandis que son compagnon regarde le bois de la table. Elle porte une pierre d'améthyste sur la poitrine et son buste est mis en valeur par le pull-over moulant. Des concerts locaux sont annoncés sur plusieurs affiches placées sur le mur du fond. Vilhelm Jacob Rosenstand était un peintre et illustrateur danois. Son œuvre la plus connue est une peinture murale qui décore la salle des banquets de l'université de Copenhague. Né à Copenhague, Rosenstand a fréquenté l'Académie royale danoise des beaux-arts à partir de 1858 et a suivi les cours de son professeur Wilhelm Marstrand. Il a également étudié à l'école de Léon Bonnat à Paris (1881-82)[2] Il a exposé pour la première fois à Charlottenborg en 1861 avec Genrebillede fra Vendsyssel avant de servir comme lieutenant dans la deuxième guerre du Schleswig en 1864. Son expérience de la guerre se reflète dans des œuvres telles que Fra Saxarmen ved Dannevirke. Morgen efter Bustrup-Fægtningen, pour lequel il reçoit le prix de Neuhausen (De Neuhausenske Præmier) en 1865. En 1869, grâce à une bourse de l'Académie, il se rend à Rome, où il passe plusieurs années. À l'exposition universelle de Vienne de 1873, il reçoit un prix pour son œuvre En Campagnuol og hans Hustru. En Italie, il réalise plusieurs œuvres de genre, telles que Ved Kirkedøren (À la porte de l'église, 1876), En Landsbyfrisør (Le coiffeur du village, 1878) et Forlegenhed (La honte, 1880). De Rome, il s'installe à Paris en 1881, où il peint des œuvres de genre représentant des scènes de la vie quotidienne, telles que Udenfor et Brasserie i Paris. Moder og Søn ved Pousse-Caféen (Devant une brasserie à Paris. Mère et enfant au Café Pousse, 1882), pour lequel il reçoit la médaille Thorvaldsen.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 75 - PEDRO BORRELL DEL CASO (Puigcerdà, 1835 - Barcelone, 1910). "Dans l'atelier du peintre". Huile sur panneau. Signée dans le coin supérieur droit. Dimensions : 60 x 73 cm ; 85 x 98 (cadre). Peintre, dessinateur, aquarelliste et pédagogue, Pere Borrell a été formé à l'école de La Lonja de Barcelone, et a développé une œuvre centrée sur le paysage et inspirée directement de la nature. Réaliste militant, il transmet à ses disciples sa façon de concevoir l'art et sa technique de peinture d'après nature. Il refuse à deux reprises un poste de professeur à La Lonja et fonde finalement, en 1868, sa propre académie privée, où seront formés pendant plus de trente ans des artistes de l'envergure de Román Ribera, Ricard Canals, Josep Maria Sert, Adrià Gual, Mariano Pidelaserra et Xavier Nogués, parmi tant d'autres. Borrell a participé à de nombreuses expositions collectives à Barcelone, Madrid et Paris. Grand portraitiste, sobre et direct, il cultive également la peinture de paysage, religieuse et de genre, avec un style influencé par les Nazaréens. Il est actuellement représenté dans la collection de la Banque d'Espagne, au MACBA et au Cerdà de Pugicerdà.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 77 - DIONÍS BAIXERAS VERDAGUER (Barcelone, 1862 - 1943). "Les bergers". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur. Au dos, une étiquette de la salle Parés à Barcelone. Dimensions : 138 x 198 cm. Dans cette scène champêtre, Baixeras nous offre une image de costumbrista dépourvue de tout empressement folklorique. Au contraire, il saisit l'instant quotidien chargé de simplicité, mais aussi de poésie. Un couple de paysans est plongé dans le calme sacré du coucher de soleil, dans un silence magique qui semble palpable et qui n'est interrompu que par le cours de la rivière. Tout cela est résolu avec ses coups de pinceau ronds et épais caractéristiques. Disciple à l'école de la Lonja de Martí Alsina et, surtout, d'Antonio Caba, Baixeras reçoit pendant ses années d'études le surnom de "médaillé", en raison de sa facilité à remporter les concours. Il expose pour la première fois en 1882, à la Sala Parés de Barcelone, et quatre ans plus tard, il se rend à Paris, où il s'enthousiasme pour le réalisme paysan de Millet et de Bastien-Lepage. Au cours de ces années, il remporte des prix aux expositions des beaux-arts de Madrid (1884, troisième médaille) et de Paris (1886, mention honorable). De retour à Barcelone, il réalise de grandes compositions à caractère historique, comme celles de l'auditorium de l'université (1888), du séminaire (1904, détruit en 1936) et de la coupole de la salle Sant Jordi de la Generalitat (1928). En 1907, il réalise une série de dessins de type documentaire, axés sur la représentation des coins de Barcelone qui disparaîtront avec la construction de la Via Layetana, qui lui vaut un prix de la mairie. En 1926, il entre à l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi et est lié au Cercle artistique de Sant Lluc depuis sa fondation. Au cours de ses dernières années, il a écrit d'intéressants mémoires, dont le manuscrit original est actuellement conservé à l'Académie de Sant Jordi. Baixeras s'est principalement consacré à la peinture naturaliste, avec des thèmes marins ou ruraux, dans des œuvres qui montrent une certaine influence de l'école d'Olot. Il élaborait méticuleusement ses œuvres en atelier, si bien que ses dessins antérieurs ont beaucoup plus de fraîcheur et d'intérêt. En 1908, il réalisa une collection de dessins, d'une grande valeur documentaire, de lieux du vieux Barcelone qui allaient disparaître lors de la construction de la Via Layetana. Son œuvre est conservée au Metropolitan de New York, au musée d'art et d'industrie de Roubaix (France) et au MACBA, entre autres.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 78 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcelone, 1859 - 1940). "Rue du village". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 65 x 52 cm ; 82 x 70 cm (cadre). Peintre de paysages et de marines, Eliseo Meifrèn est considéré comme l'un des premiers introducteurs du mouvement impressionniste en Catalogne. Il commence sa formation artistique à l'École des beaux-arts de Barcelone, où il est le disciple d'Antonio Caba et de Ramón Martí Alsina, avec lesquels il commence à créer des paysages romantiques de style académique. À la fin de ses études, en 1878, il s'installe à Paris afin d'élargir ses connaissances artistiques. C'est là qu'il fait connaissance avec la peinture "à l'air libre", qui l'influencera fortement dans ses paysages parisiens de ces années-là. De même, à Paris, il coïncide avec le début public de l'impressionnisme. Un an plus tard, il effectue un voyage en Italie, au cours duquel il visite Naples, Florence, Venise et Rome ; il y prend contact avec le cercle d'artistes catalans formé par Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés et Joan Llimona, entre autres. La même année, en 1879, il participe à l'exposition régionale de Valence et remporte une médaille d'or. De retour à Barcelone, il fait ses débuts individuels en 1880 à la Sala Parés de Barcelone, où il continuera à exposer régulièrement à partir de cette date. Pendant ces années, il fait partie du groupe moderniste et fréquente Els Quatre Gats. En 1883, il retourne à Paris, où il réalise de nombreux dessins et aquarelles avec des vues de la ville et de ses cafés, qui lui valent un accueil chaleureux de la part de la critique et du public français. À la fin des années quatre-vingt, il revient à Barcelone et continue d'exposer ses œuvres à la Sala Parés, ainsi qu'au Centro de Acuarelistas. En 1888, il est également membre du jury de l'Exposition universelle de Barcelone. En 1890, il retourne pour la troisième fois dans la capitale française, où il participe au Salon des Beaux-Arts et au Salon des Indépendants de 1892, en compagnie de Ramon Casas et de Santiago Rusiñol, artistes avec lesquels il avait formé le groupe pictural de Sitges un an plus tôt. Au cours des années suivantes, Meifrèn envoie ses œuvres à de nombreuses expositions et concours officiels, dont les expositions nationales de Madrid et de Barcelone, et reçoit la troisième médaille aux Universelles de Paris de 1889 et 1899, la médaille d'argent à l'Universelle de Bruxelles de 1910, le grand prix à l'Universelle de Buenos Aires de la même année, la médaille d'honneur à l'Internationale de San Francisco de 1915 et le grand prix à l'Internationale de San Diego de l'année suivante. Il a également remporté le prix Nonell de Barcelone en 1935. En 1952, la mairie de Barcelone lui consacre une exposition rétrospective au Palacio de la Virreina. Ses premiers paysages, caractérisés par un concept académique et romantique, évolueront plus tard vers un langage impressionniste ; abandonnant le préciosisme romain, il adoptera une technique de coups de pinceau lâches et de palette claire, dans laquelle la conception lumineuse se rapproche des budgets symbolistes, dans l'orbite de Modesto Urgell. Il est actuellement représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au MACBA de Barcelone et à la Thyssen-Bornemisza, entre autres.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 79 - EMILIO GRAU SALA (Barcelone, 1911 - Paris, 1975). "La reússite". Barcelone, 1964. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 60 x 73 cm. Le titre de ce tableau fait référence à la bonne fortune que la cartomancienne lit dans les cartes qu'elle lance à la jeune femme assise devant elle. La voyante, vêtue de noir et portant un foulard en dentelle, nous apparaît comme une femme belle et énigmatique. Dans cette œuvre, la couleur singulière de Grau Sala s'exprime dans toute son essence, avec sa réinterprétation très personnelle de la palette fauve. Il entremêle des motifs abstraits, des textures contrastées, des contours finement tracés pour définir les visages délicats ? Il équilibre judicieusement les tons froids et chauds, privilégiant un résultat lumineux, décoratif et anti-classique. Grau Sala a étudié à l'École des beaux-arts de Barcelone, un apprentissage qu'il a combiné avec une formation essentiellement autodidacte. En 1930, il expose pour la première fois à la galerie Badriñas de Barcelone. Lorsque la guerre civile éclate, il s'installe à Paris et remporte la même année, en 1936, le premier prix Carnegie. Pendant les vingt-cinq années qu'il passe dans la capitale française, il est très proche de l'avant-garde, bien qu'il opte toujours pour une figuration coloriste, dérivée de l'impressionnisme et du fauvisme. En fait, il se fait rapidement connaître à Paris comme un successeur de l'esprit et des valeurs impressionnistes, directement lié à Bonnard et Vuillard. Le succès de son style amène Grau Sala à se consacrer également au travail graphique et à la scénographie. La grâce et la finesse de ses personnages, la vivacité des couleurs et l'atmosphère élégante des environnements qu'il capture lui valent un grand succès et une reconnaissance dans le monde entier. Il a organisé plusieurs expositions personnelles, principalement à Barcelone et à Paris, mais aussi dans des villes comme New York, Toulouse, Londres et Los Angeles. En 1963, il retourne à Barcelone, lorsque la figuration stagnante de l'Espagne franquiste commence à être remise en question par Oteiza, Chillida, Tàpies et le collectif "El Paso". Il reste cependant fidèle à son style et, jusqu'à sa mort en 1975, il travaille dans une ligne personnelle, centrée sur ses thèmes favoris, les figures féminines, les intérieurs et les paysages, dans un cadre temporel vaguement classique et nostalgique du dix-neuvième siècle. Après sa mort, et pendant plus d'une décennie, Grau Sala a été éclipsé par les multiples nouveautés qui émergeaient dans l'Espagne démocratique, mais à partir des années 1990, le nouveau boom de la collection de niveau moyen a relancé Grau Sala, qui a été compris comme un interprète de l'impressionnisme dans une clé espagnole. Les œuvres d'Emilio Grau Sala sont conservées au Musée national d'art de Catalogne, au Musée d'art contemporain Esteban Vicente et à l'Institut d'art et de culture contemporains Óscar Domínguez.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 80 - ANTONI DE FERRER CORRIOL (Vic, Barcelone, 1849 - Barcelone, 1909). "Les camarellas", 1884. Huile sur toile. Relié. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 130 x 95 cm ; 160 x 125 cm (cadre). Antoni De Ferrer a immortalisé les fêtes et les coutumes de la Catalogne rurale de son époque. Ce magnifique tableau (l'une de ses œuvres les plus célèbres) illustre une tradition pascale particulière, enracinée dans certaines régions septentrionales. Pendant les Caramelles, les gens dansaient et chantaient, des défilés étaient organisés et des œufs de poule étaient offerts en cadeau. Ceux-ci étaient offerts aux heureux élus dans des paniers décorés, comme celui que l'on voit près de la fenêtre de cette maison en pierre. Une jeune fille regarde dehors et prend avec plaisir le petit œuf de poule, tandis qu'au niveau de la rue, les villageois, vêtus de barretinas, chantent, rient et bavardent avec animation. On remarque la caractérisation psychologique de chacun d'entre eux, leurs visages expressifs, leurs yeux pétillants et leurs peaux grillées par une vie passée au grand air. Peintre et architecte catalan de la seconde moitié du XIXe siècle, Antonio de Ferrer a été formé comme disciple de José Serra y Porson à l'école des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone. À partir de 1878, il présente régulièrement ses œuvres aux expositions officielles des Beaux-Arts, obtenant des mentions honorables en 1895 et 1904 et une médaille dans la section Architecture de l'Universelle de Barcelone en 1888. Aux expositions nationales des beaux-arts, il présente "Episodio del Bruch" (1881), "Fiestas populares de Cataluña" (1884), "Las camarellas" (1884) et "La parada" (1887). Il a également participé aux expositions internationales de Berlin en 1891 et 1896. On sait également qu'il a réalisé un retable pour le sanctuaire de Rocaprevera à Torelló (Barcelone). Artiste fidèle aux normes académiques, il cultive les thèmes de genre, en se concentrant principalement sur les coutumes catalanes. Il est actuellement représenté au musée de Gérone, ainsi que dans diverses collections privées.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 81 - CELSO LAGAR ARROYO (Ciudad Rodrigo, Salamanque, 1891 - Séville, 1966). "Tibidabo", 1921. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 53 x 65 cm ; 74 x 85 cm (cadre). Celso Lagar a commencé sa formation dans le domaine de la sculpture avec Miguel Blay à Madrid. Son professeur lui conseille de se rendre à Paris pour compléter ses études et, après avoir passé un an à Barcelone, il se rend pour la première fois dans la capitale française en 1911. La carrière personnelle et artistique de Lagar peut être divisée en quatre étapes distinctes, marquées par les deux guerres mondiales. La première de ces périodes est celle de l'apprentissage, à Madrid, Barcelone et Paris, au contact d'artistes comme Amadeo Modigliani. Cette étape s'achève lorsqu'il est contraint de quitter Paris au début de la Grande Guerre. Il s'installe à Barcelone, mais réalise plusieurs expositions dans la capitale française, qui lui serviront de lettre d'introduction lors de son retour dans la ville après la guerre, en 1919. Lagar est alors déjà un artiste confirmé et s'installe définitivement à Paris. Il expose régulièrement dans les meilleures galeries parisiennes (Berthe Weil, Percier, Zborowski, Barreiro, Brouant, Druet), son style atteint sa maturité personnelle et il se consacre pleinement à la peinture, délaissant la sculpture. Il développera une peinture axée sur des thèmes très précis : natures mortes, thèmes espagnols, paysages et scènes de cirque. Après la période des influences avant-gardistes (cubistes, fauves, etc.), Lagar atteint son propre style, marqué par les influences de Goya et de Picasso. Peu à peu, sa palette se refroidit, mais ses thèmes de prédilection restent les mêmes, et sa reconnaissance par le public et la critique s'accroît. Le début de la Seconde Guerre mondiale marque la fin de l'âge d'or de Lagar. Il émigre dans les Pyrénées françaises et son retour dans la ville de Paris récemment libérée n'a pas les répercussions qu'il espérait, le public de collectionneurs exigeant de nouveaux contenus et de nouveaux modes. Après la maladie de sa femme en 1956, Lagar tombe dans une profonde dépression et est admis dans un hôpital psychiatrique. Il cesse définitivement de peindre et, en 1964, il retourne en Espagne, où il passe ses dernières années dans la maison de sa sœur à Séville. Lagar est représenté au Musée d'art contemporain de Madrid, au Musée d'art nouveau et d'art déco Casa Lis, au Patio Herreriano de Valladolid, au Petit Palais de Genève, aux Beaux-Arts de La Rochelle, Castres et Honfleur (France) et dans des collections prestigieuses telles que Crane Kallman (Londres), le Zborowski (Paris) ou le Mapfre (Madrid).

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 82 - ISMAEL GONZÁLEZ DE LA SERNA (Guadix, Grenade, 1898 - Paris, 1968). "Village dans la misère", 1951. Tempera et collage sur bois. Signé en bas à droite. Œuvre publiée dans : "De la Serna", Cesáreo Rodriguez Aguilera, numéro 277. Dimensions : 105 x 80 cm ; 125 x 100 cm (cadre). Ismael Gonzalez de la Serna commence ses études d'art à Grenade et les termine à Madrid, à l'École des beaux-arts de San Fernando. Dès ses premières années, il développe un style pictural éclectique, qui puise dans les sources impressionnistes, symbolistes et modernistes. L'un des premiers exemples de son langage juvénile se trouve dans les illustrations qu'il réalise pour son ami d'enfance Federico García Lorca, dans ce qui sera son premier livre, "Impresiones y paisajes" (1918). La même année, Ismael de la Serna organise sa première exposition à Grenade et, peu après, il présente ses œuvres à l'Ateneo de Madrid. En 1921, il s'installe à Paris afin d'élargir ses horizons artistiques et rejoint les cercles de l'École de Paris. Parmi ses amis parisiens figure Pablo Picasso, qui a influencé son œuvre mais a surtout été le protecteur du peintre grenadin. Le style de De la Serna sera, à cette époque, perméable aux influences de l'avant-garde, principalement le cubisme et l'expressionnisme, qu'il travaillera de manière très personnelle. De même, l'influence initiale de l'impressionnisme est toujours présente dans son œuvre. L'année 1927 marque le début d'une période de forte projection de son œuvre, qui commence avec l'exposition personnelle que le peintre réalise dans l'influente galerie parisienne de Paul Guillaume. Cette exposition est suivie de nombreuses autres, tant à Paris qu'à Berlin, Bruxelles, Copenhague, Grenade et Mexico. En 1928, le directeur des Cahiers d'Art, Christian Zervos, lui demande d'illustrer une édition spéciale de vingt sonnets de Góngora. La clé de sa reconnaissance se trouve dans sa lecture sensuelle des formes du cubisme, basée sur la pertinence d'un dessin à la ligne sinueuse et très décorative, combinée à de forts contrastes chromatiques. Avec un sens spatial marqué et sans jamais abandonner la figuration, De la Serna a surtout représenté des natures mortes, où il a accentué l'aspect sensoriel de sa peinture avec des références sensorielles métaphoriques, comme la musique, les fruits ou les fenêtres ouvertes. Il a également travaillé sur des paysages et des portraits. Après avoir inauguré par une exposition personnelle les activités de l'Association des artistes ibériques à Madrid en 1932, le peintre s'est engagé dans de nouvelles voies d'expérimentation plastique qui allaient le conduire, après la Seconde Guerre mondiale, à une peinture plus schématique et simplifiée, proche des solutions abstraites contemporaines. Ismael de la Serna est représenté au musée Patio Herreriano de Valladolid, au musée Reina Sofía de Madrid, aux musées des beaux-arts de Grenade et de Séville, à l'ARTIUM, etc.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 83 - JOSEP CUSACHS (Montpellier, France, 1851 - Barcelone, 1908). "Militaire".1885. Huile sur toile. Signée, dédicacée et datée dans le coin inférieur droit. Expositions : "100 ans de peinture dans les collections de Barcelone", octobre 1968. Dimensions : 73 x 45 cm ; 88 x 60 cm (cadre). José Cusachs est né accidentellement en France, puisque ses parents y étaient en voyage, mais son art et sa vie ont toujours été liés à deux localités : Barcelone et Mataró. En 1865, après avoir passé un concours, il entre à l'académie d'artillerie pour poursuivre une carrière militaire. Cependant, en 1882, après une brillante carrière qui l'a conduit à être capitaine de l'armée pour mérites de guerre, il demande à prendre sa retraite pour se consacrer à la peinture. Formé à Barcelone sous la direction de Simón Gómez, il complète ses études artistiques par un séjour à Paris, dans l'atelier d'Édouard Détaille, l'un des plus grands spécialistes des thèmes militaires, un genre qui sera le préféré de Cusachs. Parmi les thèmes militaires, cet artiste était particulièrement enclin à la cavalerie, en raison de sa passion pour les chevaux. En 1880, il s'installe à Barcelone et commence une vaste production d'études militaires, reproduites dans l'ouvrage de F. Barado intitulé "La vida militar en España" (La vie militaire en Espagne). Auparavant, avant de quitter l'armée, il avait travaillé comme caricaturiste et chroniqueur d'une Espagne plongée dans un maelström d'événements politiques, dans lesquels il était immergé en raison de sa condition militaire. C'est précisément le succès de ces premiers travaux qui l'a incité à abandonner définitivement son ancienne carrière pour se consacrer à l'art. Au cours de ces années, il fait connaître son travail par le biais d'expositions individuelles, comme celles qu'il organise régulièrement à partir de 1884 à la Sala Parés de Barcelone, obtenant toujours un grand succès auprès des ventes et de la critique. En 1890, il est déjà un exposant régulier de la galerie, où il présente de nouvelles œuvres chaque semaine. Le lien entre Cusachs et la Sala Parés était si profond qu'après la mort du peintre, la galerie est tombée dans une période de décadence absolue. Cusachs participe également à des concours officiels ; en 1887, il obtient une reconnaissance notable à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid. En 1891, il participe à l'exposition de Berlin et remporte la médaille d'or pour son œuvre "Manœuvres de division". Cusachs s'est également distingué en tant que portraitiste militaire, et a peint, entre autres, le général Prim, le roi Alphonse XIII en uniforme militaire et le président mexicain Profirio Díaz. D'autres œuvres notables de sa main sont "La fuite en Égypte" (1904) du monastère de Montserrat, l'une de ses rares toiles religieuses, ainsi que "Abnégation" et "Pensée lointaine". D'un point de vue stylistique, Cusachs était un homme ouvert à l'innovation, bien que son travail soit toujours passé par le filtre de l'évaluation, de l'étude et de la méditation. Ainsi, il adoptait les aspects qu'il considérait comme valables et rejetait les autres. La majeure partie de son œuvre est conservée au musée d'art moderne de Madrid et au musée national d'art de Catalogne, ainsi que dans d'autres centres tels que le musée de Montjuïc de Montjuïc.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 84 - JOSEP CUSACHS (Montpellier, France, 1851 - Barcelone, 1908). "Militaire".1885. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Expositions : "100 ans de peinture dans les collections de Barcelone", octobre 1968. Dimensions : 73 x 45 cm ; 88 x 60 cm (cadre). José Cusachs est né accidentellement en France, puisque ses parents y étaient en voyage, mais son art et sa vie ont toujours été liés à deux localités : Barcelone et Mataró. En 1865, après avoir passé un concours, il entre à l'académie d'artillerie pour poursuivre une carrière militaire. Cependant, en 1882, après une brillante carrière qui l'a conduit à être capitaine de l'armée pour mérites de guerre, il demande à prendre sa retraite pour se consacrer à la peinture. Formé à Barcelone sous la direction de Simón Gómez, il complète ses études artistiques par un séjour à Paris, dans l'atelier d'Édouard Détaille, l'un des plus grands spécialistes des thèmes militaires, un genre qui sera le préféré de Cusachs. Parmi les thèmes militaires, cet artiste était particulièrement enclin à la cavalerie, en raison de sa passion pour les chevaux. En 1880, il s'installe à Barcelone et commence une vaste production d'études militaires, reproduites dans l'ouvrage de F. Barado intitulé "La vida militar en España" (La vie militaire en Espagne). Auparavant, avant de quitter l'armée, il avait travaillé comme caricaturiste et chroniqueur d'une Espagne plongée dans un maelström d'événements politiques, dans lesquels il était immergé en raison de sa condition militaire. C'est précisément le succès de ces premiers travaux qui l'a incité à abandonner définitivement son ancienne carrière pour se consacrer à l'art. Au cours de ces années, il fait connaître son travail par le biais d'expositions individuelles, comme celles qu'il organise régulièrement à partir de 1884 à la Sala Parés de Barcelone, obtenant toujours un grand succès auprès des ventes et de la critique. En 1890, il est déjà un exposant régulier de la galerie, où il présente de nouvelles œuvres chaque semaine. Le lien entre Cusachs et la Sala Parés était si profond qu'après la mort du peintre, la galerie est tombée dans une période de décadence absolue. Cusachs participe également à des concours officiels ; en 1887, il obtient une reconnaissance notable à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid. En 1891, il participe à l'exposition de Berlin et remporte la médaille d'or pour son œuvre "Manœuvres de division". Cusachs s'est également distingué en tant que portraitiste militaire, et a peint, entre autres, le général Prim, le roi Alphonse XIII en uniforme militaire et le président mexicain Profirio Díaz. D'autres œuvres notables de sa main sont "La fuite en Égypte" (1904) du monastère de Montserrat, l'une de ses rares toiles religieuses, ainsi que "Abnégation" et "Pensée lointaine". D'un point de vue stylistique, Cusachs était un homme ouvert à l'innovation, bien que son travail soit toujours passé par le filtre de l'évaluation, de l'étude et de la méditation. Ainsi, il adoptait les aspects qu'il considérait comme valables et rejetait les autres. La majeure partie de son œuvre est conservée au musée d'art moderne de Madrid et au musée national d'art de Catalogne, ainsi que dans d'autres centres tels que le musée de Montjuïc de Montjuïc.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 85 - EMILIO SÁNCHEZ PERRIER (Séville, 1855 - Grenade, 1907). "Vue de l'usine de la Cartuja depuis le Guadalquivir". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 44 x 75 cm. Le thème de la ville de Séville entrevue au loin sur les eaux du Guadalquivir a été repris à de nombreuses reprises par Emilio Sanchez Perrier. Dans ce magnifique tableau, le profil des tours de la Cartuja se dessine devant un ciel doucement irisé, sous les lumières du coucher de soleil. Les eaux du fleuve s'écoulent en d'harmonieux contrepoints de gris et de glauque. L'œuvre de Sánchez Perrier se concentre sur la peinture de paysages et de scènes aquatiques. Son style évolue du post-romantisme mystique de l'école andalouse du début du XIXe siècle au réalisme plus lumineux de Barbizon et des premiers impressionnistes. Avec le Sévillan Luis Jiménez Aranda, à qui il rendit visite lorsqu'il s'installa à Pontoise, ils furent les principaux paysagistes espagnols actifs à Paris dans les années quatre-vingt. Dans l'œuvre présentée ici, l'influence de l'école de Barbizon se fait sentir, bien que sa technique soit plus minutieuse et son atmosphère plus lumineuse. Peintre et aquarelliste, ses sujets de prédilection sont les paysages et les thèmes orientalistes. Il commence sa formation à l'école des beaux-arts de Séville, où il est le disciple de Joaquín Domínguez Bécquer et d'Eduardo Cano, ainsi que de Carlos de Haes, puis à l'école San Fernando de Madrid. Plus tard, il s'installe à Paris pour approfondir ses connaissances et entre dans l'atelier d'Auguste Boulard. Il entre en contact avec l'école de Barbizon et fréquente les ateliers de Jean-Léon Gérôme et de Félix Ziem. Il se consacre à la peinture d'après nature des paysages de Fontainebleau et de Barbizon, et expose à la Royal Academy de Londres et au Salon de Paris. Il retourne en Espagne en 1890 et fonde une colonie de peintres paysagistes à Alcalá de Guadaira, dans la province de Séville. Il se rend fréquemment à Grenade, où il travaille avec Martín Rico. Il est commandeur de l'ordre d'Isabelle la Catholique, membre de la Société générale des beaux-arts de France et de l'Académie des beaux-arts de Séville. Il a participé à de nombreuses expositions et a obtenu plusieurs prix, dont la mention honorable au salon de Paris de 1886, la médaille d'or à l'exposition de Cadix de 1879 et la deuxième médaille à l'exposition nationale de 1890 et à l'exposition universelle de Paris de 1889. Il est représenté au musée du Prado, aux musées des beaux-arts de Malaga et de Séville, au Boston Harbor Museum, au musée national d'art de Catalogne, au Camille Pissarro de Pontoise (France) et dans des collections telles que le Carmen Thyssen-Bornemisza, l'Antonio Plata, le Mariano Bellver, le Valentín Carrasco, l'El Monte et les London M. Newman et MacConnal-Mason, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 12 000 - 15 000 EUR

Lot 86 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Cartes à jouer". Huile sur carton. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 90 x 53 cm ; 123 x 86 cm (cadre). Les portraits et les scènes de genre étaient très populaires parmi la clientèle bourgeoise espagnole du XIXe siècle, dans un contexte encore hérité du romantisme, qui cherchait dans la recréation idéalisée du passé une échappatoire à la réalité quotidienne. De nombreux peintres de l'époque ont travaillé dans ce sens, cherchant à capturer des scènes du passé avec le plus grand vérisme possible, recréées avec une attention précise aux détails, travaillées avec un langage d'origine académique ou, comme dans le cas de ce panneau, avec un langage nettement moderne, particulièrement sensible à la lumière et à l'atmosphère. Ce type de scènes mettant en scène des personnages quotidiens s'inscrit dans le genre de la peinture de genre, des scènes travaillées avec un empressement narratif et descriptif particulier, qui, en Espagne, auront pour principale référence formelle Velázquez et ses contemporains. Agrasot a commencé sa formation dans sa ville natale d'Orihuela, où il a obtenu une pension de la Diputación de Alicante pour étudier à l'Escuela de Bellas Artes de San Carlos à Valence. Disciple de Francisco Martínez Yago, il remporte à ses débuts des prix tels que la médaille d'or de l'exposition provinciale d'Alicante en 1860. En 1863, il obtient une nouvelle pension, cette fois pour se rendre à Rome, où il entre en contact avec Rosales, Casado del Alisal et Fortuny. Avec ce dernier, il noue des liens d'amitié étroits et sa peinture est profondément influencée par le style du peintre catalan. Il envoie périodiquement des toiles aux expositions nationales des beaux-arts, où il obtient la troisième médaille en 1864 et la deuxième en 1867. Agrasot reste en Italie jusqu'en 1875 ; après la mort de Fortuny, il retourne en Espagne, où il est déjà un peintre reconnu, membre des académies de San Carlos et de San Fernando, et participe en tant que juré à plusieurs expositions artistiques. En 1886, il reçoit la médaille d'art de l'exposition universelle de Philadelphie et, en 1888, la deuxième médaille de l'exposition internationale de Barcelone. Le style d'Agrasot s'inscrit dans le cadre du réalisme, avec un intérêt particulier pour les thèmes de genre et le costumbrismo régional. Cependant, il a également travaillé sur des nus, des thèmes orientaux et des portraits. Il est représenté au musée du Prado, au musée des beaux-arts de Valence, au MUBAG de Gravina (Alicante) et à l'académie San Carlos de Valence.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 87 - MODEST URGELL INGLADA (Barcelone, 1839 - 1919). "Paysage avec village". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur. Le cadre est endommagé. Dimensions : 97 x 189 cm ; 110 x 200 cm (cadre). Modest Urgell a privilégié les formats de paysage comme celui qui nous occupe, pour renverser dans les grands ciels et les villages imprégnés de soleil couchant ses dons plastiques magistraux. Le soleil déclinant s'estompe sur les bords, mais avant de disparaître complètement, il teinte le ciel de lavande. Une rue de village accueille les silhouettes noires de vieux qui rentrent chez eux. Une meule de foin se dresse au bord de la route. Le style d'Urgell était inclassable, comme le montre ce coucher de soleil évocateur, à mi-chemin entre la peinture de paysage romantique et impressionniste. Modest Urgell a commencé sa carrière comme acteur de théâtre, mais l'interdiction familiale de suivre cette voie l'a conduit à se consacrer à la peinture. Il étudie à la Escuela de La Lonja de Barcelone, où il est le disciple de Ramón Martí Alsina, puis séjourne à Paris, où il rencontre Gustave Courbet et s'attache au réalisme. Dans les années soixante, ses œuvres sont refusées aux expositions officielles de Madrid et de Barcelone. En 1870, il s'installe à Olot, où il fait la connaissance de Joaquín Vayreda, créateur de l'école paysagiste locale. À partir de ce moment, Urgell décide de se consacrer entièrement à la peinture de paysage. Son œuvre se concentre sur les natures solitaires et les paysages marins, avec souvent des ermitages et des cimetières, marqués par une atmosphère crépusculaire, désolée et mystérieuse. À partir de 1896, il enseigne la peinture de paysage à l'école des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, et est nommé académicien en 1902. Il est également le fondateur de la Société artistique et littéraire de Catalogne, ainsi que du Musée artistique et archéologique de Gérone. Il participe à toutes les éditions de l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid, de 1864 à un an avant sa mort, et reçoit la deuxième médaille en 1876 et 1892. Il envoie également ses peintures aux expositions de Barcelone, ainsi qu'à l'exposition universelle de Paris et aux expositions internationales de Munich, Bruxelles, Berlin, Philadelphie et Chicago. En 1892, il est récompensé dans tous les concours auxquels il participe, dont celui de Bruxelles, où il est le seul lauréat espagnol. Il se consacre également à la littérature, avec un intérêt particulier pour le théâtre. La somme de ses deux passions, l'art et la littérature, se retrouve dans son album "Catalunya" (1905), composé de plus d'une centaine de dessins accompagnés de textes écrits par lui-même. Ses paysages ont une atmosphère, une couleur et des thèmes qui démentent le stéréotype du paysage méditerranéen, basé sur des natures chaudes et amicales, d'un chromatisme brillant, comme des fenêtres ouvertes sur la sensualité méridionale. Ses peintures, au contraire, parlent de mélancolie et de solitude, et recréent sans cesse une Catalogne désolée et triste à laquelle, des années plus tard, le poète Salvador Espriu sera également sensible. Son langage rejette tout thème fantaisiste ou pittoresque, reprenant des sujets d'actualité sans chercher à les ennoblir ou à les idéaliser, mais en cherchant à provoquer des états d'âme chez le spectateur à travers des lumières crépusculaires qui se dissolvent, pendant de brefs instants, dans une harmonie de rouges, ou ses cimetières désolés et ses marines sévères, nues et dépouillées. Urgell est représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée maritime de Barcelone, à la Kunsthalle de Hambourg, au musée Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú, aux fonds d'art de la Caixa Sabadell et de la Caixa d'Estalvis de Terrassa, au musée Dalí de Figueras et aux musées provinciaux de Gérone, de Palma de Majorque et de Lugo, parmi de nombreux autres centres et institutions.

Estim. 10 000 - 11 000 EUR

Lot 88 - JOAQUIN SUNYER DE MIRO (Sitges, Barcelone, 1874 - 1956). "Femme nue". Pastel sur papier collé sur carton. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 91 x 61 cm ; 102 x 73 cm (cadre). Considéré comme l'un des principaux représentants du style noucentiste, Sunyer était le neveu du peintre Joaquim de Miró i Argenter, avec lequel il a commencé à peindre. Son œuvre se distingue par ses paysages et ses nus féminins, ainsi que par ses portraits, totalement éloignés de la peinture traditionnelle. Ses compositions sont un exemple d'équilibre, toujours à la recherche du pouvoir évocateur des images, des figures et des atmosphères. Après avoir étudié à l'école de la Lonja à Barcelone, Sunyer commence sa carrière comme illustrateur de scènes populaires dans "La Vanguardia" en 1896. La même année, il participe à l'exposition des beaux-arts. Peu après, il s'installe à Paris, où il se spécialise dans les scènes de rue et les intérieurs intimes, qu'il traite dans un style influencé par le prostimpressionnisme. À Paris, il se lie d'amitié avec Picasso et Hugué, et expose dans les Salons. Pendant sa période parisienne, il travaille avec un réel dévouement, évoluant vers un langage post-impressionniste. Entre 1905 et 1906, il voyage en Castille, à l'initiative du marchand d'art Henri Barbazanges, qui souhaitait des thèmes espagnols. Il revient à Paris en 1907 et réalise plusieurs expositions dans la capitale française et à Liège. Il s'installe à Sitges en 1910, à une époque où son style perd les influences post-impressionnistes et se rapproche des thèmes méditerranéens et des figures canon simplifiées de Cézanne. Au cours de ces années, un grand changement se produit dans sa peinture, devenant une figure de proue du Noucentisme. Son nouveau langage, basé sur une composition essentielle de structures claires et de couleurs sobres et transparentes, clairement méditerranéennes, créera une école au sein de l'art catalan. L'année suivante, en 1911, Sunyer organise une exposition personnelle à la Faianç Catalá qui le place, après la mort de Nonell, à la tête de la peinture catalane du moment. Au cours des années suivantes, il voyage et expose en Europe, mais revient en Catalogne au début de la Première Guerre mondiale. Installé à Sitges, il participe néanmoins aux Salons de Paris et de Barcelone. Après avoir fui l'Espagne en raison de la guerre civile, il revient en Espagne et s'installe à Barcelone en 1942. En 1949, il reçoit la Légion d'honneur et, par la suite, des salles spéciales lui sont consacrées lors des Biennales d'art hispano-américain de Barcelone. Lors de la Biennale de La Havane en 1954, il reçoit le Grand Prix pour l'ensemble de son œuvre. Une exposition anthologique a également été organisée à Madrid en 1974, pour commémorer le centenaire de sa naissance. Joaquín Sunyer est actuellement représenté au MACBA, au musée des beaux-arts de Bilbao, au centre Georges Pompidou à Paris et au centre national d'art Reina Sofía à Madrid.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 89 - ISAAC DÍAZ PARDO (Saint-Jacques-de-Compostelle, 1920 - Corogne, 2012). "Personnages nus", 1950. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 48 x 80 cm ; 67 x 100 cm (cadre). Les spécialistes définissent trois étapes dans la peinture d'Isaac Diaz Pardo : l'étape académique, une autre influencée par les rénovateurs et la troisième dite américaine. L'œuvre que nous proposons ici correspondrait à la deuxième étape, caractérisée par l'influence du groupe des rénovateurs galiciens, en particulier Maside et Colmeiro, ainsi que Renoir et Cézanne. Intellectuel, peintre, céramiste, designer, éditeur..., il a été une personnalité riche et plurielle. En 2009, il a reçu la médaille d'or du mérite des beaux-arts d'Espagne. Fils du peintre et scénographe Camilo Díaz Baliño, c'est dans sa maison qu'avaient lieu diverses réunions liées aux Irmandades da Fala, dont Díaz Baliño était un membre actif et auxquelles participaient des personnalités telles que Castelao, Vicente Risco, Otero Pedrayo, Ramón Cabanillas, Antón Villar Ponte, Eduardo Blanco Amor ou Asorey. Son père a été abattu par les rebelles peu après le début de la guerre civile espagnole, ce qui a obligé Isaac à se cacher d'abord chez son oncle Indalecio, à La Coruña, puis à travailler comme fabricant d'enseignes dans la même ville. Après la guerre, il obtient une bourse du conseil provincial de La Corogne, grâce à laquelle il étudie à la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, à Madrid, entre 1939 et 1942. Il devient ensuite professeur à la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge à Barcelone et commence à exposer en Espagne (La Corogne, Madrid et Vigo) et à l'étranger (Europe et Amérique). Il abandonne ensuite les arts plastiques pour se tourner vers la céramique et fonde avec d'autres associés l'usine Cerámicas do Castro à Castro de Samoedo (Sada), testant les matières premières utilisées dans les céramiques primitives de Sargadelos (à Cervo, créées au XIXe siècle par Antonio Raimundo Ibáñez Llano y Valdés), et obtenant des céramiques de grande qualité. En 1963, avec d'autres artistes galiciens de premier plan, comme Luis Seoane, il a créé le Laboratorio de Formas en Argentine, précurseur d'autres activités industrielles et culturelles telles que la restauration de la production de céramique de Sargadelos, en collaboration avec Cerámicas do Castro (1963), le musée Carlos Maside (1970), la maison d'édition Ediciós do Castro (1963), le Seminario de Estudos Galegos restauré (1970), l'Instituto Galego de Información, etc. C'est la direction et l'administration du groupe Sargadelos, sa facette la plus connue et celle qui marquera ses dernières années. En tant qu'auteur d'essais et de critiques, il a écrit Xente do meu Rueiro, O ángulo de pedra, Galicia Hoy (avec Luis Seoane), Paco Pixiñas (avec Celso Emilio Ferreiro), El Marqués de Sargadelos, Castelao, etc. ainsi qu'un grand nombre d'articles dans des journaux tels que La Voz de Galicia.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 90 - GODOFREDO ORTEGA MUÑOZ (San Vicente de Alcántara, Badajoz, 1899 - Madrid, 1982). "Paysage du lac Majeur", vers 1920. Huile sur carton. Provenance : -Collection privée, Massimo Uccelli, Italie. Héritage de ses grands-parents, qui l'ont reçu du peintre alors qu'il vivait dans sa maison de Via Antonio Rosmini, à Stresa, près du lac Majeur (Italie). -Collection privée, Turin. Avec certificat de la Fondation Ortega Muñoz. Avec permis d'exportation de l'Italie et de l'Espagne. Dimensions : 34 x 43 cm. Ortega Muñoz immortalise dans ce tableau une large vue panoramique du paysage montagneux idyllique du lac Majeur, délimité à l'arrière-plan par les montagnes bleutées des sommets enneigés. Ortega a vécu dans cette région du nord de l'Italie, près de la frontière suisse, et l'a donc représentée à de nombreuses reprises, faisant preuve d'une grande maîtrise des nuances et des lumières de cette région glaciale. Ortega, héritier de l'école de Vallecas, a souvent privilégié ce type de paysages austères, réalistes mais loin d'être académiques, un espace solitaire avec lequel il cherchait à éveiller les émotions du spectateur. Ortega Muñoz est l'un des grands créateurs du paysage espagnol contemporain. Il débute dans l'art alors qu'il est encore enfant, en autodidacte, et malgré les conseils de son père, en 1919, à l'âge de vingt ans, il décide de s'installer à Madrid pour se consacrer à la peinture. Là, il se consacrera dès le premier instant à la réalisation de copies des grands maîtres du musée du Prado et de l'ancien musée d'art moderne. Il poursuit sa formation en autodidacte et commence à peindre en plein air dans les environs de la Dehesa de la Villa, en compagnie d'autres jeunes artistes comme le Philippin Fernando Amorsolo. Un an plus tard, il décide de s'installer à Paris, où il rencontre son ami de toujours, le poète Gil Bel. À Paris, il découvre également les œuvres de Van Gogh, Gauguin et Cézanne, mais il vit en même temps la crise formelle et idéologique qui se développe dans cette période de l'entre-deux-guerres et qui l'amènera à quitter la France pour se rendre dans le sud, en Italie, où il trouvera chez les maîtres du passé des valeurs plus authentiques de spiritualité, de simplicité et de pureté. Ortega Muñoz parcourra l'Italie du nord au sud entre 1921 et 1922, et c'est à Lago Maggiore qu'il rencontre le peintre anglais Edward Rowley Smart, avec lequel il passera une courte période d'apprentissage. Avec lui, Ortega Muñoz arrive à la conclusion que, face à l'apparente déraison de l'art contemporain, il est nécessaire de revenir à la nature et de retrouver l'authenticité des vérités spirituelles et des émotions simples. En 1926, il retourne en Espagne, où il est le protagoniste de l'une des excursions fondatrices de l'école de Vallecas. Peu après, en 1927, il réalise sa première exposition au Círculo Mercantil de Saragosse. Il quitte à nouveau l'Espagne et voyage cette fois en Europe centrale, en passant par Zurich, Bruxelles et plusieurs villes allemandes. En 1928, à Worpswede, il entre en contact avec une colonie d'artistes au langage expressionniste, intéressés par les paysages et la vie paysanne, en réaction contre les artifices et les raffinements sophistiqués de l'avant-garde. Très influencé par son expérience à Worpswede, Ortega Muñoz retourne en France en 1928 et, entre 1930 et 1933, il continue à voyager entre l'Europe centrale et l'Italie du Nord ; il arrive finalement au Caire en 1933, date à laquelle ses talents de portraitiste lui ont permis de mener une vie confortable et de nouer d'importants contacts. Il expose à Alexandrie avec un énorme succès, ce qui l'amènera à renouveler l'expérience un an plus tard, en présentant une exposition presque anthologique dans laquelle on peut déjà apprécier son amour pour la nature, l'équilibre entre la couleur et l'ambiance, et l'atmosphère de calme et de tristesse caractéristique de son langage. En 1935, il retourne en Espagne et, l'année suivante, il présente une exposition au Círculo de Bellas Artes de Madrid. La guerre civile l'oblige cependant à quitter l'Espagne ; après la guerre, il retourne dans sa ville natale et retrouve enfin l'étendue silencieuse et solitaire de son paysage et la réalité proche de ce monde qu'il ressent comme authentiquement le sien.

Estim. 12 000 - 15 000 EUR

Lot 91 - GENARO LAHUERTA LÓPEZ (Valence, 1905 - 1985) "L'enlèvement des Sabines", 1940. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 150 x 180 cm ; 165 x 193 cm (cadre). Lahuerta a commencé ses études à l'École des arts et métiers de Valence, pour entrer ensuite, en 1919, à l'École des beaux-arts de San Carlos. À l'issue de sa formation, il entame une carrière d'illustrateur pour diverses publications de l'époque. En 1928, il fait ses débuts individuels à la Sala Blava de Valence et, l'année suivante, il organise sa première exposition individuelle à Barcelone, à la Sala Parés. En 1932, après avoir remporté une troisième médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts, il reçoit une bourse pour un voyage d'étude dans plusieurs pays européens. En 1943, il obtient une deuxième médaille à l'Exposition nationale et, cinq ans plus tard, une première médaille, consolidant ainsi son succès auprès de la critique et du public. En 1953, la Direction générale des places africaines lui accorde une bourse pour peindre dans le Sahara espagnol. Tout au long de sa vie, il a été membre des académies de San Carlos à Valence, de San Jorge à Barcelone, de Santa Isabel de Hungría à Séville et de San Fernando à Madrid. Entre autres distinctions, il a reçu la médaille d'or de l'Académie des arts, des sciences et des lettres de Paris et, en Espagne, le ministère de l'éducation et des sciences lui a décerné la médaille du mérite des beaux-arts. Il est actuellement représenté au musée Reina Sofía, aux musées des beaux-arts de Bilbao et des Asturies, à l'Ateneo de Madrid, à l'hôtel de ville de Valence et dans diverses collections privées espagnoles, comme celle de la Banque d'Espagne.

Estim. 16 000 - 17 000 EUR

Lot 92 - FRANS VERVLOET (Belgique, 1795 - Venise, 1872). "Place Saint-Marc au coucher du soleil, Venise", vers 1840. Huile sur panneau dur. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 32 x 46 cm ; 44,5 x 57 cm (cadre). Les lumières irisées du coucher de soleil scintillent sur la place Saint-Marc, donnant un vernis ambré à l'architecture du Palais Ducal et aux imposants obélisques. Les passants profitent de la fraîcheur du soir, les groupes galants et les dockers se mêlent à cette heure magique. Dans cet excellent tableau, Frans Vervoloet a su combiner l'héritage du védisme du XVIIIe siècle avec les apports du groupe de paysagistes Posilippo dont il faisait partie. À la manière de Canaletto, il construit un jeu de perspectives avec un accent particulier sur le panoramique, mais il ne s'intéresse pas tant au détail quasi cartographique de ses prédécesseurs qu'au travail sur les valeurs lyriques à travers un éclairage pictural qui flirte avec le romantisme. La confluence de la précision préphotographique des védutistes vénitiens du siècle précédent et de l'accent mis par l'école de Posilippo sur la transmission des états d'âme aboutit à un paysage urbain très évocateur. Frans Vervloet était un peintre et un graveur belge. En 1809, il commence à étudier à l'Akademie voor Schone Kunsten de Malines, où il reçoit également l'enseignement de son frère J. J. Vervloet (1790-1869), peintre de genre et portraitiste. Au cours de cette première période, il réalise à la fois des œuvres de genre et des copies de maîtres anciens (dont Pierre Paul Rubens), bien qu'il se concentre principalement sur la peinture architecturale, comme l'"Installation de l'archevêque François Antoine de Méan à Malines". Après le grand succès de ce tableau, il se consacre à partir de 1817 à la peinture d'intérieurs d'églises. En 1822, il obtient une bourse pour étudier en Italie, où il s'intéresse davantage à la peinture de paysage et où il passera la plus grande partie de sa carrière. Après deux années passées à Rome, Vervloet se rend à Naples en 1824. Il y est fortement influencé par le groupe de peintres de l'école de Posillippo, dont les membres, en réaction contre l'approche plus académique de la peinture de paysage de la fin du XVIIIe siècle, privilégient une approche plus spontanée, mettant l'accent sur la peinture en plein air. Vervloet s'installe définitivement à Venise en 1854. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées au Museo Correale di Sorrento (NA), à la Collezione privata de Venise, au Museo nazionale di San Martino di Napoli, ainsi que dans d'autres collections publiques.

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

Lot 93 - Attribué à FELIX GEORGES ZIEM (Beaune, France, 1821 - Paris, 1911). "Vue de Venise. Huile sur panneau. Signature apocryphe dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 50 x 73 cm ; 75 x 96 cm (cadre). Bien qu'il ait toujours été un peintre amateur, Felix Ziem a commencé ses études à l'école d'architecture de Dijon et a exercé pendant un certain temps le métier d'architecte. Cependant, ce que l'artiste lui-même a d'abord considéré comme un passe-temps s'est transformé en passion après sa visite en Italie en 1841. Plus précisément, Ziem s'imprègne de la beauté des canaux de la ville de Venise, un lieu qui deviendra la source de nombreuses œuvres tout au long de sa carrière artistique. Le peintre a également peint des portraits et des paysages de lieux du monde entier, tels que Constantinople, Cagnes-sur-Mer et, bien sûr, sa Bourgogne natale. Félix Ziem expose en 1849 au Salon de Paris et s'installe dans les années 1960 dans le quartier de Montmartre. Aujourd'hui, un musée est consacré à l'héritage de l'artiste dans la ville de Martingues, en Provence (France), où sont exposées les exceptionnelles vues de paysages réalisées tout au long de sa carrière, héritières de l'impressionnisme français et de la vedute italienne qui avaient conquis l'artiste français.

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Lot 94 - FRANCESC MIRALLES I GALAUP (Valence, 1848 - Barcelone, 1901). "Scène au bois de Boulogne". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Expositions : "Francisco Miralles. Sala Parés, Barcelone, 1974. Bibliographie : Rafael Santos Torroella "Francisco Miralles", Editorial RM, 1974. Dimensions : 92 x 72 cm ; 110 x 90 cm (cadre). Ce tableau est un magnifique exemple du langage de Miralles, principalement axé sur les thèmes costumbristes de la vie bourgeoise et de la haute société de la fin du siècle : une scène bourgeoise costumbriste, capturée avec un style élégant et une sensibilité atmosphérique marquée, avec un coup de pinceau descriptif dans les textures et délié dans les arrière-plans, expressif et exubérant. Nous assistons ainsi à un traitement raffiné de l'environnement qui l'entoure, de la bourgeoisie avec laquelle il vit, dans une œuvre marquée par le traitement précieux de la matière, la grâce du dessin et la délicatesse de l'éclairage. Francisco Miralles a été formé à Barcelone dans l'atelier de Ramón Martí Alsina, où il a été le disciple des membres de la première génération de réalistes catalans. Peu de choses sont conservées de la production de Miralles dans cette première étape, mais la douzaine de tableaux que nous possédons nous parle d'un jeune peintre qui a rapidement appris à traiter la figure avec maestria, encore peu intéressé par le paysage. Installé à Paris depuis le milieu des années 1860 (vers 1865-66), il est possible qu'il ait étudié avec Courbet sur les conseils de Martí Alsina, également formé auprès du maître français. En raison de ces influences, son style de jeunesse, jusqu'à la fin des années soixante-dix, est encore vigoureusement réaliste. Plus tard, il évolue vers un style d'élégance féminine, typiquement fin-de-siècle, avec une technique influencée par Fortunyist. À Paris, il popularise un style raffiné, centré principalement sur des thèmes costumiers de la vie bourgeoise et de la haute société, mettant en scène des personnages féminins. À Paris, Miralles mène une vie libre et insouciante, dépendant d'abord économiquement de sa famille, puis subvenant à ses besoins par ses propres moyens, grâce aux ventes de ses tableaux qu'il réalise par l'intermédiaire du marchand le plus important de Paris à l'époque, Goupil. Parallèlement, il participe au Salon des artistes français entre 1875 et 1896. Il se rend à plusieurs reprises à Barcelone, où il expose à partir de 1877 à la Sala Parés. Après plusieurs années passées entre Paris et Barcelone, il retourne à Barcelone en 1893. Francisco Miralles est représenté au MACBA, à l'Abbaye de Montserrat et au Círculo del Liceo de Barcelona, ainsi que dans d'importantes collections privées.

Estim. 35 000 - 40 000 EUR

Lot 95 - FRANCESC MIRALLES I GALAUP (Valence, 1848 - Barcelone, 1901). "Paysans", 1889. Huile sur bois. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 32 x 40 cm ; 43 x 52 cm (cadre). Francisco Miralles a été formé à Barcelone dans l'atelier de Ramón Martí Alsina, où il était le disciple des membres de la première génération de réalistes catalans. Peu de choses sont conservées de la production de Miralles dans cette première étape, bien que la douzaine de tableaux que nous possédons nous parle d'un jeune peintre qui a rapidement appris à traiter la figure avec maestria, encore peu intéressé par le paysage. Installé à Paris depuis le milieu des années 1860 (vers 1865-66), il est possible qu'il ait étudié avec Courbet sur les conseils de Martí Alsina, également formé auprès du maître français. En raison de ces influences, son style de jeunesse, jusqu'à la fin des années soixante-dix, est encore vigoureusement réaliste. Plus tard, il évolue vers un style d'élégance féminine, typiquement fin-de-siècle, avec une technique influencée par Fortunyist. À Paris, il popularise un style raffiné, centré principalement sur des thèmes costumiers de la vie bourgeoise et de la haute société, mettant en scène des personnages féminins. À Paris, Miralles mène une vie libre et insouciante, dépendant d'abord économiquement de sa famille, puis subvenant à ses besoins par ses propres moyens, grâce aux ventes de ses tableaux qu'il réalise par l'intermédiaire du marchand d'art le plus en vue de Paris à l'époque, Goupil. Parallèlement, il participe au Salon des artistes français entre 1875 et 1896. Il se rend à plusieurs reprises à Barcelone, où il expose à partir de 1877 à la Sala Parés. Après plusieurs années passées entre Paris et Barcelone, il retourne à Barcelone en 1893. Francisco Miralles est représenté au MACBA, à l'Abbaye de Montserrat et au Círculo del Liceo de Barcelona, ainsi que dans d'importantes collections privées.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 96 - FRANCISCO MIRALLES GALUP (Valence, 1848 - Barcelone, 1901). "Gentleman dans un intérieur. Huile sur toile. Signée en bas à droite. Dimensions : 58 x 42 cm ; 73 x 55 cm (cadre). Francisco Miralles a été formé à Barcelone dans l'atelier de Ramón Martí Alsina, où il a été le condisciple des membres de la première génération de réalistes catalans. Installé à Paris entre 1863 et 1866, il est possible qu'il ait étudié avec Courbet sur les conseils d'Alsina, qui s'est également formé auprès de lui. En raison de ces influences, son style de jeunesse, jusqu'à la fin des années soixante-dix, est encore vigoureusement réaliste. Plus tard, il évolue vers un style d'élégance féminine, typiquement fin-de-siècle, avec une technique influencée par Fortunyist. À Paris, il popularise un style raffiné, centré principalement sur des thèmes costumiers de la vie bourgeoise et de la haute société, mettant en scène surtout des personnages féminins. Il participe au Salon des artistes français, à Paris, entre 1875 et 1896, et expose à partir de 1877 à la Sala Parés de Barcelone. Après plusieurs années passées entre Paris et Barcelone, il retourne à Barcelone en 1893. Francisco Miralles est représenté au MACBA, à l'abbaye de Montserrat et au Círculo del Liceo de Barcelona, ainsi que dans d'importantes collections privées.

Estim. 2 000 - 2 400 EUR

Lot 97 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Malaga 1990). "Maternité", 1974. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 160 x 230 cm ; 180 x 248 cm (cadre). Dans cette peinture de groupe, une jeune mère entourée de ses nombreux enfants, les dons de Francisco Ribera avec le genre du portrait sont rendus patents. Son style combine l'influence romantique avec le naturalisme et les thèmes qui lui sont contemporains. Fils du peintre Ribera Blázquez, il a étudié à l'Académie de San Fernando. Dans les années 30, il travaille comme affichiste et, pendant la guerre civile, comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 98 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Malaga 1990). "La boisson", 1943. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 93 x 117 cm ; 110 x 132 cm (cadre). Fils du peintre Ribera Blázquez, il a été formé à l'Académie de San Fernando. Dans les années trente, il se consacre à l'affiche et, pendant la guerre civile, il travaille comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 99 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Barcelone, 1996). "Chapelle des Douleurs, Madrid", 1973. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur. Dimensions : 46 x 55 cm ; 65 x 73 cm (cadre). Fils du peintre Ribera Blázquez, il a été formé à l'Académie de San Fernando. Dans les années trente, il se consacre à l'affiche et, pendant la guerre civile, il travaille comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 100 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Barcelone, 1996). "Rue des Pals, Gérone", 1973. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 56 x 46 cm ; 74 x 64 cm (cadre). Fils du peintre Ribera Blázquez, il a été formé à l'Académie de San Fernando. Dans les années trente, il se consacre à l'affiche et, pendant la guerre civile, il travaille comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 101 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Barcelone, 1996). "Vierge à l'enfant", 1942. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 80 x 64 cm ; 100 x 83 cm (cadre). Fils du peintre Ribera Blázquez, il a été formé à l'Académie de San Fernando. Dans les années trente, il se consacre à l'affiche et, pendant la guerre civile, il travaille comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 600 - 800 EUR

23 avril - Classiques des 19e et 20e siècles

Setdart.com - +34 932 46 32 41 - Email

Lot 41 - École espagnole du début du XIXe siècle. "L'infant Francisco de Paula". Pastel sur papier. Présente des défauts dans le cadre. Dimensions : 63 x 36 cm ; 85 x 58 cm (cadre).

Lot 54 - BENJAMÍN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). Sans titre, 1967. Technique mixte sur carton. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 44 x 36 cm ; 70 x 61 cm (cadre).