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28 mai - Art ancien

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Lot 4 - Déesse Minerve/Athéna avec une chouette. Rome, Ier-IIIe siècle après J.-C. Bronze. Provenance : collection privée à Paris. Acquis sur le marché de l'art dans les années 1980. En bon état de conservation. Dimensions : 9 cm (hauteur) ; 11,6 cm (hauteur avec la base). Cette sculpture pourrait appartenir à un lararium privé comme sculpture de culte privé de la déesse Athéna. Elle porte le panache vertical dorique qui forme un large pli au niveau des hanches. Sur sa poitrine, elle porte l'égide, la cuirasse que Zeus avait lui-même fabriquée à partir de la peau d'Amalthée, la chèvre qui l'aimait, et dont il avait fait un attribut de son pouvoir protecteur, le partageant avec sa fille Athéna. Au centre de l'égide, soigneusement dessinée en peau animale dans le moule et retouchée à froid, est représenté le gorgoneion, le masque prophylactique de la gorgone Méduse, caractéristique des représentations d'Athéna et également symbole de protection des peuples et des armées sur lesquels elle exerçait sa tutelle. La tête est couronnée du casque attique. La position de la main, avec le pouce ouvert, correspond, comme on peut le déduire de la comparaison iconographique avec d'autres œuvres, surtout d'origine orientale, à l'attitude consistant à tenir le bouclier circulaire qui serait disposé verticalement, reposant sur le sol, sur le modèle de l'Athéna Parthénos de Phidias. L'autre main tient la chouette d'Athéna, oiseau qui accompagne la déesse.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 5 - Plat de poisson. Magna Graecia, Pouilles, IVe siècle av. J.-C. Céramique. Provenance : Collection privée, Allemagne. Provenant de la succession d'Else Kienzle, pharmacienne à Stuttgart, décédée en 2006 à l'âge de 94 ans. Mme Kienzle était une collectionneuse passionnée et présentait, entre autres, ses œuvres d'art précolombien, achetées à la Galerie Valentin de Stuttgart ou rapportées de ses nombreux voyages avec Hauser entre 1950 et 1970. Bibliographie : -ARANEGUI GASCO, C. "Los platos de peces y el más allá". Complutum Extra en hommage au professeur Manuel Fernandez Miranda. Université Complutense de Madrid, 6-1. 1996. pp. 401-41. -CANESSA, Ercole et SAMBON, Arthur. Vases Antiques de Terre Cuite : Collection Canessa. Bibliothèque du Musée. 1904, Paris. n. 141, p. 43. -LEON Lacroix. La Faune Marine dans la Décoration des Plats à Poissons. Etude sur la Céramique Grecque d'italie Méridionale. Verviers, Belgique. 1937. pl. XXIII. -MAYO M. The Art of South Italy, Vases from Magna Graecia. Richmond. 1982. -MCPHEE, 1. et TRENDALL, A.D. Poissons grecs à figures rouges. Bâle. 1987. CACHE-NEZ K. UNTERSUCHUNGEN, Z.D. Kertscher vasen. Berlin. 1934. p. 138. -TRENDALL A DY CAMBITOGLOU, A. First Supplement to the Red-Figured Vases of Apulia. Londres 1983 -TRENDALL A. D. Red Figure Vases of South Italy and Sicily, Londres, 1989. Test de thermoluminescence joint. Intact. Dimensions : 18 cm (diamètre). Les plats à poisson de la culture grecque avaient le fond orné de la représentation de trois grands poissons. Habituellement, les poissons étaient représentés par des figures rouges sur fond noir, créant ainsi une image parfaitement claire et perceptible qui témoignait de leur fonction. Ici, l'artiste se plaît à détailler les branchies, les écailles et les nageoires. La poterie à figures rouges était l'un des styles figuratifs les plus importants de la production grecque. Il a été développé à Athènes vers 530 avant J.-C. et a été utilisé jusqu'au troisième siècle avant J.-C. Il a remplacé le style prédominant de la poterie à figures noires en l'espace de quelques décennies. La base technique est la même dans les deux cas, mais dans les figures rouges, la coloration est inversée, les figures étant mises en valeur sur un fond sombre, comme si elles étaient éclairées par une lumière théâtrale, selon un schéma plus naturel. Les peintres travaillant avec des figures noires étaient contraints de bien séparer les motifs les uns des autres et de limiter la complexité de l'illustration. En revanche, la technique des figures rouges permettait une plus grande liberté. Chaque figure est silhouettée sur un fond noir, ce qui permet aux peintres de représenter les détails anatomiques avec plus de précision et de variété. La technique consistait à peindre les motifs sur la pièce encore humide, à l'aide d'un vernis transparent qui, une fois cuit, prenait une teinte noire intense. Les motifs étaient donc invisibles avant la cuisson, ce qui obligeait les peintres à travailler entièrement de mémoire, sans pouvoir voir leur travail précédent. Une fois la pièce cuite, les zones non couvertes par la glaçure restaient dans le ton rougeâtre de l'argile, tandis que les zones glacées, les "peintes", prenaient une couleur noire dense et brillante.

Estim. 12 000 - 13 000 EUR

Lot 7 - Fragment de sarcophage ; Empire romain, IIIe siècle apr. Albâtre. Dimensions : 56 x 24 cm. Fragment de sarcophage romain de style oriental, sculpté en demi-gros dans l'albâtre et daté du IIIe siècle après J.-C. Il représente une figure féminine debout, nue, avec le bras gauche plié et appuyé sur la hanche et le bras gauche étendu sur le côté. Aux pieds de la figure, on aperçoit un récipient à corps balustre. La femme apparaît debout sur une base architecturale soutenue par des corbeaux droits, rappelant un entablement classique. La composition est surmontée d'une frise supérieure avec une représentation en relief d'un animal fantastique de profil, une bête hybride avec les ailes et l'arrière-train d'un lion, représentée dans une position expressive avec la tête tournée vers l'arrière, grâce au cou de serpent stylisé, qui définit une courbe élégante. Les Romains ont apporté deux nouveautés importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui, à Rome, sera combinée à la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce du classicisme à travers les colonies de la Grande Grèce, les Romains conquièrent Syracuse en 212 avant J.-C., une riche et importante colonie grecque située en Sicile, ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emportés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusque-romaine qui prévalait jusqu'alors. Peu après, en 133 av. J.-C., l'Empire hérita du royaume de Pergame, où existait une école de sculpture hellénistique originale et florissante. L'immense autel de Pergame, le "Gallus se suicidant" ou le groupe dramatique "Laocoön et ses fils" sont trois des créations phares de cette école hellénistique. D'autre part, après la conquête de la Grèce en 146 av. J.-C., la plupart des artistes grecs s'installèrent à Rome, et nombre d'entre eux se consacrèrent à la réalisation de copies de sculptures grecques, très en vogue à l'époque dans la capitale de l'Empire. Ainsi, de nombreuses copies de Praxitèle, de Lysippe et d'œuvres classiques du Ve siècle avant J.-C. ont été produites, donnant naissance à l'école néo-attique de Rome, premier mouvement néoclassique de l'histoire de l'art. Cependant, entre la fin du IIe siècle av. J.-C. et le début du Ier siècle av. J.-C., on assiste à un changement de cette tendance grecque puriste, qui aboutit à la création d'une école nationale de sculpture à Rome, d'où émergent des œuvres telles que l'Autel d'Aenobarbus, qui introduit déjà un concept narratif typiquement romain, qui deviendra une chronique de la vie quotidienne et, en même temps, de la réussite de son modèle politique. Cette école sera le précurseur du grand art impérial d'Auguste, sous le mandat duquel Rome est devenue la ville la plus influente de l'Empire et aussi le nouveau centre de la culture hellénistique, comme Pergame et Alexandrie l'avaient été auparavant, attirant un grand nombre d'artistes et d'artisans grecs. À l'époque augustéenne, Rome a contribué à la continuité et au renouvellement d'une tradition qui jouissait déjà d'un prestige séculaire et qui avait dicté le caractère de tout l'art de la région. Dans cette nouvelle étape, l'esthétique et la technique grecques seront appliquées aux thèmes de cette nouvelle Rome. Après l'idéalisation de l'époque augustéenne, le réalisme de l'époque flavienne et le baroque des IIe et IIIe siècles, la sculpture romaine, marquée par la présence du christianisme, tend à se déshumaniser, à devenir plus idéale et symbolique. Le souci de réalisme se perd et l'on assiste à une schématisation qui cherche à capter l'idéal, l'âme ou la divinité, et non l'aspect humain des figures. La sculpture, en correspondance avec cette nouvelle esthétique, acquiert une grande dureté et les figures un noble hiératisme.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

Lot 8 - Epikisis. Grande Grèce, Gnathia, IVe siècle av. J.-C. Céramique. Provenance : collection privée J. S. Barcelona, Espagne, spécialisée dans l'étude et la collection de céramiques grecques. Intacte. Excellent lustre de la cuisson dans la couleur noire. Dimensions : 17 cm (hauteur). Epikisis de la Grande Grèce en céramique, décorée de motifs géométriques et végétaux en blanc, rouge et jaune sur fond sombre. L'épiquisis était un récipient fermé, destiné à contenir de l'huile, des onguents ou d'autres liquides. Il servait également à verser le vin et à transférer un liquide d'un grand récipient à un autre. Différentes sources parlent d'épiquisis en bronze et d'autres utilisées pour verser l'huile dans les lampes, mais c'est Varron qui fournit les références les plus explicites : il indique que cette typologie a remplacé le guttus romain avec l'introduction de la mode grecque à Rome. Il s'agit donc peut-être de l'équivalent grec du guttus latin. La céramique de Gnathia est un type de poterie appartenant à l'ancienne peinture apulienne du IVe siècle avant J.-C. Elle doit son nom à l'ancienne ville de Gnathia (aujourd'hui Egnazia), dans les Pouilles orientales. C'est là que les premiers exemples de ce style ont été découverts au milieu du XIXe siècle. Sa production a débuté dans les Pouilles vers 370/360 avant J.-C., parallèlement à la version locale du style à figures rouges qui développait à cette époque des tendances à la polychromie. Les vases Gnathia se caractérisent par l'application de différentes peintures directement sur le corps du vase. Les sujets représentés comprennent des érotiques, des images de la vie des femmes, des scènes théâtrales et des motifs dionysiaques. La peinture était souvent limitée à la moitié supérieure du corps du vase, tandis que la moitié inférieure ne comportait souvent qu'une décoration ornementale. Les formes les plus courantes sont les cloches, les pélicans, les oinochoai et les skyphos.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

Lot 11 - Ushebti. Égypte ancienne, Basse Époque, 664-323 av. Fayenza. Provenance : collection privée à Paris. Acquis sur le marché de l'art dans les années 1980. En bon état de conservation. Dimensions : 12 cm (hauteur) ; 14,5 cm (hauteur avec support). Les ushebtis, terme égyptien qui signifie "ceux qui répondent", sont de petites statuettes qui, dans l'Égypte ancienne, étaient déposées dans les tombes comme partie du trousseau funéraire du défunt, et dont la fonction était de le remplacer dans les travaux qu'il devait accomplir dans l'Au-delà. Les ushabties placées dans le trousseau étaient au nombre de 365 figurines, une pour chaque jour de l'année. S'y ajoutaient 36 contremaîtres, qui commandaient chacun des équipes composées de 10 ouvriers. La plupart étaient en céramique, en bois ou en pierre, mais dans les tombes les plus riches, on pouvait les trouver sculptées en lapis-lazuli. Les plus anciens exemples conservés datent du Moyen Empire, bien que des textes de la fin de l'Ancien Empire y fassent déjà référence. Les ushebtis sont, après les scarabées sacrés, les pièces les plus nombreuses et peut-être les plus caractéristiques de l'art égyptien qui ont survécu jusqu'à nos jours. Au fil du temps, ils ont toujours conservé la même fonction dans le domaine religieux mais, alors que pendant le Moyen Empire ils étaient conçus comme la représentation de leur propriétaire devant Osiris dans les travaux du sol dans le royaume des ombres, des répliques donc du défunt, à partir du Nouvel Empire ils en sont venus à être considérés comme des serviteurs ou des esclaves de ce dernier, étant fabriqués en grandes quantités. La faïence est un matériau céramique de finition vitreuse très utilisé dans l'Égypte ancienne pour la production de petites statues, d'amulettes, etc. car sa gamme chromatique permettait d'imiter des pierres plus coûteuses comme le lapis-lazuli.

Estim. 1 400 - 1 500 EUR

Lot 12 - Ushebti ; Égypte, Basse-Égypte, 664-332. Faïence verte. Elle présente des fissures stables dans le cartouche frontal. Dimensions : 12 x 3 x 1,5 cm. Les ushebtis, terme égyptien qui signifie "ceux qui répondent", sont de petites statuettes qui, dans l'Égypte ancienne, étaient déposées dans les tombes comme élément du trousseau funéraire du défunt, et dont la fonction était de le remplacer dans le travail à accomplir dans l'au-delà. Les ushabties placées dans le trousseau étaient au nombre de 365 figurines, une pour chaque jour de l'année. On pouvait y ajouter 36 contremaîtres, qui commandaient chacun des équipes composées de 10 ouvriers. La plupart étaient en céramique, en bois ou en pierre, mais dans les tombes les plus riches, on pouvait les trouver sculptées en lapis-lazuli. Les plus anciens exemples conservés datent du Moyen Empire, bien que des textes de la fin de l'Ancien Empire y fassent déjà référence. Les ushebtis sont, après les scarabées sacrés, les pièces les plus nombreuses et peut-être les plus caractéristiques de l'art égyptien qui ont survécu jusqu'à nos jours. Au fil du temps, ils ont toujours conservé la même fonction dans le domaine religieux mais, alors que pendant le Moyen Empire ils étaient conçus comme la représentation de leur propriétaire devant Osiris dans les travaux du sol dans le royaume des ombres, des répliques donc du défunt, à partir du Nouvel Empire ils en sont venus à être considérés comme des serviteurs ou des esclaves de ce dernier, étant fabriqués en grandes quantités. La faïence est un matériau céramique de finition vitreuse très utilisé dans l'Égypte ancienne pour la production de petites statues, d'amulettes, etc. car sa gamme chromatique permettait d'imiter des pierres plus coûteuses comme le lapis-lazuli. Elle présente des fissures stables dans le cartouche frontal.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 15 - Figure d'un musicien assis ; Jalisco, Mexique, 200 av. J.-C.-200 apr. Terre cuite polychrome. Dimensions : 31 x 18,5 x 14 cm. Figure masculine en terre cuite de Jalisco représentée assise jouant des deux mains avec deux hochets. deux mains. Chaman finement sculpté avec coiffe et collier d'anneaux. La pièce appartient à une période de diversification culturelle, où les systèmes culturels de chaque peuple ont assimilé des aspects de la culture olmèque. Cette base donnera naissance à plusieurs des traditions les plus importantes de la Mésoamérique, parmi lesquelles se distinguent celles développées dans les colonies de Cuicuilco (dans le sud de la vallée de Mexico) et de Chupícuaro (Michoacán). La première est devenue la plus grande ville de Méso-Amérique, ainsi que le principal centre cérémoniel de la vallée de Mexico, et a entretenu des relations avec Chupícuaro. Le déclin de Cuicuilco sera parallèle à la naissance de Teotihuacan, et s'achèvera avec l'éruption du volcan Xitle, vers 150 après J.-C., qui motiva la migration de ses habitants vers le nord de la vallée du Mexique. La culture Chupícuaro est surtout connue pour sa production de poterie, dont les traces ont été détectées dans une vaste zone située entre le Bajío et le bassin lacustre. Vers la fin de la période préclassique, on assiste à la naissance des villes qui deviendront emblématiques de la Mésoamérique, comme Monte Albán ou Teotihuacan.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 16 - Statue féminine ; Tanagra, Béotie, IIIe siècle av. J.-C. Terre cuite. Elle présente des concrétions minérales et de légers défauts. Elle porte un ancien numéro d'inventaire au dos. Dimensions : 25,5 x 8 x 6 cm. Tanagra, également appelée Tanagraois, était une ville de Béoce, près de la frontière avec l'Attique, dans un territoire appelé Pemandride, qui produisait le meilleur vin de Béoce. Perchée en hauteur, avec ses temples séparés des maisons, elle possédait une importante nécropole. On remarquera en particulier des figures humaines en terre cuite appelées "tanagrines", en vogue dans le monde grec antique de la fin du IVe siècle avant J.-C. à la fin du IIIe siècle avant J.-C., trouvées principalement dans les tombes hellénistiques, mais aussi dans les temples, et retrouvées en grande quantité à partir du dernier tiers du XIXe siècle environ. Ils faisaient partie des trousseaux et appartenaient généralement à l'école attique de sculpture, avec une forte influence de l'école de Praxitèle (comme on le voit dans le cas présent avec la courbe qui forme la figure au niveau des hanches, "invention" de ce sculpteur et donc connue sous le nom de "courbe praxitélienne"), avec des visages à l'expression douce et un certain air langoureux, et probablement réalisés dans des ateliers athéniens dans de nombreux cas. Des découvertes similaires ont été faites à Myrina (Turquie actuelle), Cyrène (Italie) et Alexandrie (Égypte). Elle présente des concrétions minérales et de légers défauts.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 17 - Standard ; Luristan, 900-600 av. J.-C. Bronze. Dimensions : 34 x 8,5 x 2 cm. Étendard en bronze coulé de la culture du Luristan. Il se compose d'une tige plus étroite, décorée de moulures lisses et striées situées dans la partie inférieure. Dans la partie supérieure, on voit deux figures latérales à l'aspect félin qui se font face, dans une attitude agressive, dans une composition à la fois synthétique et symbolique mais chargée d'expressivité, précisément en raison de la capture de cette tension irrésolue. Enfin, la pièce se termine par deux bouquetins qui se font également face. La culture du Luristan s'est développée entre le XIe et le VIIIe siècle avant J.-C., date à laquelle elle a été éliminée par les conflits qui ont eu lieu dans la région au cours de ce siècle. Il s'agissait d'un peuple nomade originaire du sud de la Russie, installé dans le Mesta iranien et composé de différents groupes indépendants sans identité nationale, mais avec des caractéristiques culturelles communes. Ils ont développé une riche culture du métal, travaillant principalement le bronze. Avec ce métal, ils fabriquaient toutes sortes de pièces fonctionnelles, ainsi que des offrandes votives et des objets de parure personnelle. Leur art était figuratif, bien que cryptique et profondément symbolique, et recherchait l'expressivité plutôt que le naturalisme. Dans les pièces du Luristan, un axe de symétrie marqué est toujours apparent, comme en témoigne cette épée courte, pratiquement dépourvue d'ornementation, mais néanmoins dotée de formes fluides rappelant la lame d'une grande plante. Ce dessin simple suggère l'organique, donnant à la pièce l'apparence d'une feuille végétale sans pour autant la concrétiser, jouant sur la suggestion et l'évocation formelle. En effet, l'ambiguïté des formes et des motifs est une constante dans les pièces de cette culture, principalement dans les figures de divinités, bien qu'il s'agisse d'un concept totalement assimilé et étendu à l'ensemble de la production.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 22 - Tête masculine. Empire romain tardif, IIe-IIIe siècle après J.-C. Pierre marbrière. Dimensions : 36 x 19 x 20 cm. Le protagoniste de cette sculpture, un homme d'âge moyen, regarde le spectateur dans une attitude calme. Ses yeux complètement ouverts, en attente et dirigés vers un point concret, révèlent l'agitation du personnage et se distinguent par leur caractère naturaliste. Les détails de l'exécution, notamment les cheveux individualisés et la fermeté expressive du visage, témoignent de l'habileté d'un artiste ayant reçu une formation complète en matière de sculpture. Le Bas-Empire romain ou Bas-Empire romain est la période historique qui s'étend de l'accession au pouvoir de Dioclétien en 284 à la fin de l'Empire romain d'Occident en 476. Il succède au Haut-Empire romain commencé par César Auguste en 27 av. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils suivent les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui, à Rome, sera combinée à la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce du classicisme à travers les colonies de la Grande Grèce, les Romains conquièrent Syracuse en 212 avant J.-C., une riche et importante colonie grecque située en Sicile, ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emportés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusco-romaine qui prévalait jusqu'alors. Caton lui-même dénonce le sac et la décoration de Rome avec des œuvres hellénistiques, qu'il considère comme une influence dangereuse sur la culture indigène, et déplore que les Romains applaudissent les statues de Corinthe et d'Athènes, tout en ridiculisant la tradition décorative en terre cuite des anciens temples romains. Mais ces réactions d'opposition sont vaines : l'art grec a subjugué l'art étrusque-romain en général, au point que les statues grecques figurent parmi les prises de guerre les plus convoitées, exposées lors du cortège triomphal des généraux vainqueurs.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 25 - Fragment de stèle grecque, IVe siècle av. Calcaire durci. Dimensions : 31 x 34 cm. Fragment d'une stèle funéraire grecque, datée du IVe siècle avant J.-C. et taillée dans le calcaire, représentant deux personnages assis, un homme et une femme. Il s'agit probablement d'une représentation du couple défunt, bien que l'on puisse noter la présence d'un troisième personnage, qui pose son bras sur les épaules du personnage masculin. Les deux personnages sont vêtus de tuniques, la femme avec un voile sur la tête et l'homme avec un manteau. Ils sont représentés dans des attitudes sereines et équilibrées, mais naturalistes, qui témoignent de l'évolution vers le réalisme et l'expressivité de la sculpture grecque de l'époque hellénistique. La sculpture hellénistique représente la dernière période de l'évolution de la sculpture grecque et s'est développée entre la mort d'Alexandre le Grand, en 323 avant J.-C., et la conquête de l'Égypte par les Romains, entre 30 et 31 avant J.-C. Il s'agit d'un langage éclectique, séculaire et historiciste, qui prend comme point de départ l'héritage de la sculpture classique de la période précédente, auquel s'ajoutent de nouvelles influences orientales. Cela signifie également l'amélioration de la représentation de l'anatomie et de l'expressivité émotionnelle humaine, ainsi qu'un changement fondamental dans l'esthétique, qui laisse de côté l'idéal pour représenter l'individu, en passant du générique au spécifique. Ainsi, l'idéal éthique et pédagogique précédent est abandonné au profit d'un nouvel accent mis sur les aspects humains quotidiens, dans un art dont l'objectif principal est l'esthétique, bien qu'il soit parfois aussi propagandiste. Ce nouvel intérêt pour l'homme et sa vie intérieure, ses émotions, ses problèmes et ses désirs, se traduira par un style réaliste qui devra mettre l'accent sur le dramatique, le prosaïque et le mouvement. En outre, l'hellénisme a apporté les premiers portraits individualisés et plausibles de l'art occidental. Le sujet sera également élargi pour inclure des représentations de la vieillesse et de l'enfance, des divinités mineures non olympiennes et des personnages secondaires de la mythologie, ainsi que des figures populaires dans leur travail quotidien.

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 30 - Ushebti ; Égypte, Nouvel Empire, Dynastie de Ramsès II vers 1250-1230 av. Faïence blanche. Elle présente des adhérences terreuses en surface. Dimensions : 15 x 5 x 2,5 cm. Figure d'ushebti en faïence blanche, représentée tenant deux houes pour cultiver les champs d'Osiris. Elle tient deux houes pour cultiver les champs d'Osiris dans l'au-delà. Elle porte Elle porte une perruque et seules ses mains, croisées sur la poitrine, dépassent de sa forme de momie, comme le linceul qui recouvre tout le corps. Le corps est inscrit d'une colonne verticale de hiéroglyphes, dont la traduction se lit comme suit : "Fils du roi (prince), Shem Prêtre de Ptah, Khaemwaset". Khaemouast était le fils de Ramsès II, un important prince ramséide qui était vénéré à son époque en tant que magicien. en tant que magicien. Il a été considéré comme le premier égyptologue en raison de son intérêt avéré pour les monuments de l'Ancien Empire égyptien. Les ushebtis, terme égyptien signifiant "ceux qui répondent", sont de petites statuettes qui, dans l'Égypte ancienne, étaient déposées dans les tombes comme faisant partie du mobilier funéraire du défunt, et dont la fonction était de le remplacer dans le travail à accomplir dans l'au-delà. Les ushabties placées dans le trousseau étaient 365 figurines, une pour chaque jour de l'année. On pouvait y ajouter 36 contremaîtres, qui commandaient chacun des équipes composées de 10 ouvriers. La plupart étaient en céramique, en bois ou en pierre, mais dans les tombes les plus riches, on pouvait les trouver sculptées en lapis-lazuli. Les plus anciens exemples conservés datent du Moyen Empire, bien que des textes de la fin de l'Ancien Empire y fassent déjà référence. Les ushebtis sont, après les scarabées sacrés, les pièces les plus nombreuses et peut-être les plus caractéristiques de l'art égyptien qui ont survécu jusqu'à nos jours. Au fil du temps, ils ont toujours conservé la même fonction dans le domaine religieux mais, alors que pendant le Moyen Empire ils étaient conçus comme la représentation de leur propriétaire devant Osiris dans les travaux du sol dans le royaume des ombres, des répliques donc du défunt, à partir du Nouvel Empire ils en sont venus à être considérés comme des serviteurs ou des esclaves de ce dernier, étant fabriqués en grandes quantités. La faïence est un matériau céramique de finition vitreuse très utilisé dans l'Égypte ancienne pour la production de petites statues, d'amulettes, etc. car sa gamme chromatique permettait d'imiter des pierres plus coûteuses comme le lapis-lazuli. Elle présente des adhérences terreuses à la surface.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 33 - Amulette de Patechus ; Égypte, Basse-Égypte 664-332 av. Faïence verte. Dimensions : 6 x 2 cm. Rare amulette en faïence, un matériau céramique à la finition extérieure vitreuse très utilisé dans l'Égypte ancienne, principalement pour l'élaboration de petites statues, d'amulettes, de perles, etc. Elle était colorée en bleu clair, ocre ou bleu verdâtre, à l'aide de pigments de cuivre, de fer, de cobalt ou de manganèse. Dans ce cas, la statuette de forme ronde représente le dieu Ptah-Patéchus. Le personnage est représenté nu, le crâne chauve et disproportionné par rapport à son corps, les mains posées sur sa tête proéminente. Ses mains sont posées sur son ventre proéminent. Dans cette amulette, le dieu nain Patecus étrangle les serpents. Un scarabée noir, associé au dieu Soleil, repose sur sa tête et un faucon sur chaque épaule. Flanqué d'une petite figure debout d'Isis à sa droite, et de Nephtys à sa gauche, une figure de Néfertoum est gravée sur le dos qui est percé derrière sa tête. Patechus, est la divinité de l'enfance, protecteur du nouveau-né et de l'enfant. Il est représenté comme un nain, souvent avec deux serpents emprisonnés dans ses mains. Les nains Pathecine étaient chargés des travaux métallurgiques à Memphis, et dans le mythe égyptien, ils assistaient le dieu Ptah dans le travail de la forge. L'adoption iconographique de ces divinités se fait sous la forme d'embryons humains, au corps nu, au ventre proéminent et à la tête chauve disproportionnée. Ces demi-dieux ont connu une grande popularité en Égypte et en Méditerranée centrale.

Estim. 5 000 - 5 500 EUR

Lot 36 - Déesse Skehmet. Égypte ancienne, Basse Époque, 664-323 av. J.-C. Bronze. Provenance : collection privée à Paris. Acquis sur le marché de l'art en 1980. En bon état de conservation. Dimensions : 13 cm (hauteur) ; 14,8 cm (hauteur avec support). Statuette en bronze, de forme ronde, représentant la déesse Sekhmet debout, les mains sur les hanches, la tête de lionne et la couronne avec le disque solaire et l'uræus ou serpent protecteur. Déesse égyptienne de la guerre et de la vengeance, Skehmet était la fille de Rê et formait avec son époux Ptah et son fils Nefertum la triade de Memphis. Souvent identifiée à Hathor, elle est également apparentée à Bastet, dont elle représenterait l'aspect pacifique. Elle est représentée comme nous le voyons ici, avec un corps de femme et une tête de lionne, mais avec une crinière, généralement couronnée du disque solaire et de l'uræus, portant généralement aussi l'Ankh et une fleur de papyrus ou de lotus, ainsi que plusieurs flèches. Elle était également représentée sous la forme d'une femme à tête de crocodile ou de l'œil Udyat. Bien qu'elle soit une déesse redoutée pour sa colère, si elle pouvait être apaisée, elle accordait la vigueur et l'énergie nécessaires pour surmonter la faiblesse et la maladie. Elle était également considérée comme une alliée et une protectrice de son père Râ, puisqu'elle tuait ceux qui osaient affronter ou attaquer la monarchie, qu'elle soit divine ou terrestre. Dans son aspect funéraire, elle était connue comme "celle qui restreint les ténèbres", et était également appelée "experte en magie" en tant que guérisseuse, et "déesse de l'amour" pour avoir provoqué les passions.

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

Lot 42 - Hadès. La culture romaine. II - IIIème siècle après J.C. Marbre. Provenance : collection privée D. A., Belgique. Anciennement dans une collection espagnole, acquise dans les années 1980. Conservation : Bon état de conservation, manque le bras gauche et la partie de la couronne. Cassé et recomposé à la taille. Dimensions : 30 cm de haut. Ensemble sculptural de deux figures, l'une perdue, seuls les pieds sont conservés, en ronde-bosse. La sculpture est formée par l'image d'Hadès, située à gauche, et celle qui était probablement Perséphone, à droite. Entre les deux, et comme support des deux figures, un élément architectural de forme géométrique qui pourrait rappeler une stèle funéraire typique de l'art romain. Bien qu'il puisse également s'agir d'une tombe, un élément plus que caractéristique peut faire référence aux deux protagonistes, le dieu des enfers et son épouse. Hadès est représenté comme un individu d'âge moyen, barbu et à la chevelure abondante au-dessus des épaules. Il est vêtu d'une tunique. Il apparaît dans l'ensemble sculptural debout, le pied droit légèrement plus avancé que le gauche, le visage tourné vers la droite. Il a les bras séparés du corps, le gauche enveloppant et tenant son sceptre ou sa canne terminée en deux pointes, qui à l'origine devait atteindre ses pieds, aujourd'hui seule la partie supérieure est conservée. À ses côtés, deux fragments de deux pieds qui ont sûrement appartenu à Perséphone. Hadès pour les Grecs, Pluton pour les Romains. Il est le fils de Cronos et d'Héra, frère de Zeus, Poséidon, Héra et Déméter. Avec Zeus et Poséidon, il est l'un des trois souverains qui se partagèrent l'empire de l'Univers après leur victoire contre les Titans : on attribuait à Hadès les enfers, les Hells, ou le Tartare. Selon la légende, Hadès, amoureux de la jeune Perséphone, l'enleva alors qu'elle cueillait des fleurs avec des nymphes dans la plaine d'Enna, en Sicile. L'enlèvement s'est déroulé en complicité avec Zeus et en l'absence de Déméter. Finalement, Zeus ordonna à Hadès de rendre Perséphone à sa mère, mais par inadvertance ou peut-être tentée par Hadès, la jeune femme avait mangé une graine de grenade, comme elle ne pouvait prendre aucune nourriture dans le monde souterrain, cela suffit à l'enchaîner à jamais aux Enfers. Cependant, pour atténuer son chagrin, Zeus a fait en sorte qu'elle partage son temps entre le monde souterrain et le monde terrestre. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui, à Rome, sera combinée à la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce du classicisme à travers les colonies de la Grande Grèce, les Romains conquièrent Syracuse en 212 avant J.-C., une riche et importante colonie grecque située en Sicile, ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emportés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusco-romaine qui prévalait jusqu'alors. Caton lui-même dénonce le sac et la décoration de Rome avec des œuvres hellénistiques, qu'il considère comme une influence dangereuse sur la culture indigène, et déplore que les Romains applaudissent les statues de Corinthe et d'Athènes, tout en ridiculisant la tradition décorative en terre cuite des anciens temples romains. Mais ces réactions d'opposition sont vaines : l'art grec a subjugué l'art étrusque-romain en général, au point que les statues grecques figurent parmi les prises de guerre les plus convoitées, exposées lors du cortège triomphal des généraux vainqueurs. Peu après, en 133 avant J.-C., l'Empire Bon état de conservation, manque le bras gauche et une partie de la couronne. Brisé à la taille mais recomposé. recomposé

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 44 - Buste de femme ; Rome, IIe siècle apr. Marbre. Il présente une usure superficielle, une érosion et des pertes matérielles. Dimensions : 22 x 15 x 13 cm. Buste romain en marbre blanc représentant une jeune femme. La pièce présente un visage serein avec des yeux en amande au regard expressif et des lèvres légèrement pincées, ainsi qu'une coiffure haute avec des cheveux ondulés, avec une cape ou un foulard sur la tête. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui à Rome sera combinée avec la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce du classicisme à travers les colonies de la Grande Grèce, les Romains conquièrent Syracuse en 212 avant J.-C., une riche et importante colonie grecque située en Sicile, ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emportés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusque-romaine qui prévalait jusqu'alors. Peu après, en 133 av. J.-C., l'Empire hérita du royaume de Pergame, où existait une école de sculpture hellénistique originale et florissante. L'immense autel de Pergame, le "Gallus se suicidant" ou le groupe dramatique "Laocoön et ses fils" sont trois des créations phares de cette école hellénistique. En revanche, après la conquête de la Grèce en 146 av. J.-C., la plupart des artistes grecs s'installèrent à Rome, et nombre d'entre eux se consacrèrent à la réalisation de copies de sculptures grecques, très en vogue à l'époque dans la capitale de l'Empire. Elle présente une usure de surface, une érosion et des pertes matérielles.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 45 - Buste de jeune femme. Culture romaine. 2e-4e siècle après J.-C. Bronze et argent. Provenance : Collection privée, M. S. D., France, acquise dans la décennie 1980-1990 - Galerie Ghezelbash, Paris. Conservation : Bon état ; présente une excellente surface du bronze. Pas de restauration. Dimensions : 6,6 cm de haut + 6,7 x 6 x 6 cm. Tête de femme en bronze, avec des détails en argent. Dans les traits on apprécie la volonté de capturer avec fidélité le physique du modèle. Les cheveux crépus sont rassemblés en un chignon et décorés d'un diadème. Il pourrait s'agir d'une pièce votive. L'observation attentive de l'anatomie et des traits humains était fréquente dans les commandes privées, laissant l'idéalisation pour la représentation des dieux, des héros et, parfois, des empereurs. Le réalisme dont sont empreints les portraits romains reflète les modes et les canons de beauté des femmes dans la société romaine. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui, à Rome, sera combinée à la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce du classicisme à travers les colonies de la Grande Grèce, les Romains conquièrent Syracuse en 212 avant J.-C., une riche et importante colonie grecque située en Sicile, ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emportés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusco-romaine qui prévalait jusqu'alors. Caton lui-même dénonce le sac et la décoration de Rome avec des œuvres hellénistiques, qu'il considère comme une influence dangereuse sur la culture indigène, et déplore que les Romains applaudissent les statues de Corinthe et d'Athènes, tout en ridiculisant la tradition décorative en terre cuite des anciens temples romains. Mais ces réactions d'opposition sont vaines : l'art grec a subjugué l'art étrusque-romain en général, au point que les statues grecques figurent parmi les prises de guerre les plus convoitées, exposées lors du cortège triomphal des généraux vainqueurs.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 48 - Dieu Attis. Rome, IIe siècle après J.-C. Marbre. Dimensions : 52 x 16 x 14 cm. Sculpture ronde représentant le torse d'Attis, dieu grec adopté par les Phrygiens et vénéré par les Romains. Dieu de la végétation perdue et retrouvée, il personnifie le printemps éphémère et renaissant. Attis représente la nature qui meurt en automne et qui renaît au printemps. Cette divinité orientale trouve ses origines en Phrygie et plusieurs versions de la légende mythologique sont connues, mettant toujours en avant sa mort par autocastration et sa résurrection ultérieure. Il était considéré comme l'amant de la déesse Cybèle. Dans le monde romain, on trouve des représentations d'Attis dans toutes sortes de manifestations artistiques, parmi lesquelles nous voulons souligner la sculpture. Son iconographie est très variée, puisque cette divinité est présentée dans différentes attitudes, tantôt seule, tantôt en compagnie de Cybèle. Cette diversité est due au désir de montrer le dieu dans les moments les plus importants de son mythe ou d'exprimer à travers son image des idéologies à contenu symbolico-religieux. Il faut souligner les figures qui le représentent comme la divinité protectrice des morts et de leur résurrection, dans ce cas sans aucun rapport avec Cybèle, puisqu'il avait lui aussi connu la souffrance et la mort et les avait surmontées. Précisément, la sculpture romaine se distingue de la sculpture grecque par la création de la sculpture-portrait. Le portrait romain trouve ses racines dans l'art étrusque, mais aussi dans le monde grec hellénistique et dans les "masques mayorum", c'est-à-dire les masques de cire que l'on appliquait sur le visage des défunts pour en garder le souvenir et les vénérer par la suite. Les matériaux les plus utilisés dans l'art du portrait romain sont le bronze et le marbre. Au début, la sculpture romaine du portrait ne représentait que la tête et une partie du cou. Plus tard, des progrès ont été réalisés dans la représentation du buste entier, y compris les épaules et la poitrine. Cependant, des sculptures du corps entier ont également été réalisées, comme celle présentée ici.

Estim. 12 000 - 13 000 EUR

Lot 50 - Priape. Hellénisme, Grèce, IIe - Ier siècle av. J.-C. Marbre. Provenance : Collection privée, Londres, acquise entre les années 1960 et 1980. Bon état de conservation, pas de restaurations. Il a perdu l'avant-bras gauche et la partie inférieure des jambes. Dimensions : 24 cm de haut. Cette sculpture entièrement en marbre représente Priape, taillé en ronde-bosse. C'était un dieu mineur, une divinité rustique de la fertilité. Son principal attribut est un grand phallus en érection, symbole de la force fécondante de la nature. Il est ici représenté souriant et enveloppé dans une tunique ouverte qui glisse sur ses épaules et expose ses parties génitales. À l'époque hellénistique, la sculpture grecque subit une transformation majeure, particulièrement sensible dans la représentation des émotions. C'est ce qu'exprime magnifiquement le visage rieur de notre Priape. La sculpture hellénistique représente la dernière période de l'évolution de la sculpture grecque et se développe entre la mort d'Alexandre le Grand, en 323 avant J.-C., et la conquête de l'Égypte par les Romains, entre 30 et 31 avant J.-C. C'est un langage éclectique, séculaire et historiciste, qui prend comme point de départ l'héritage de la sculpture classique de la période précédente, auquel s'ajoutent de nouvelles influences orientales. Cela signifie également l'amélioration de la représentation de l'anatomie et de l'expressivité émotionnelle humaine, ainsi qu'un changement fondamental dans l'esthétique, qui laisse de côté l'idéal pour représenter l'individu, en passant du générique au spécifique. Ainsi, l'idéal éthique et pédagogique précédent est abandonné au profit d'un nouvel accent mis sur les aspects humains quotidiens, dans un art dont l'objectif principal est l'esthétique, bien qu'il soit parfois aussi propagandiste. Ce nouvel intérêt pour l'homme et sa vie intérieure, ses émotions, ses problèmes et ses désirs, se traduira par un style réaliste qui devra mettre l'accent sur le dramatique, le prosaïque et le mouvement. En outre, l'hellénisme a apporté les premiers portraits individualisés et plausibles de l'art occidental. Le sujet sera également élargi pour inclure des représentations de la vieillesse et de l'enfance, des divinités mineures non olympiennes et des personnages secondaires de la mythologie, ainsi que des figures populaires dans leur travail quotidien. Bon état de conservation, sans restaurations. Il a perdu l'avant-bras gauche et la partie inférieure des jambes.

Estim. 14 000 - 18 000 EUR

Lot 52 - Capitale wisigothique ou mérovingienne, 6e - 7e siècle après J.-C. Marbre. Provenance : - Collection privée, Georges C. S. (1833 - 1909), Château de B., France. - Collection privée, par les nouveaux propriétaires du château depuis 1938, qui l'avaient acquis avec tout son contenu. - Anciennement dans la collection privée française de Gustave Clément-Simon (1833-1909), au Château de Bach, Naves, Corrèze. - Il est passé à Georges Couture lors de la vente du château et de l'ensemble de sa collection en 1938. - Depuis, elle est passée entre les mains de la même famille. Dimensions : 30 cm de haut et 30 cm de long. La création de l'ordre corinthien est attribuée au sculpteur grec Callimaque, au IVe siècle avant J.-C. Il est fondamentalement identique à l'ordre ionique, dont il diffère par la forme et la taille du chapiteau. C'est le plus orné des trois principaux ordres classiques et, bien qu'il soit d'origine grecque, il a été principalement utilisé dans l'architecture romaine. Lorsque les Wisigoths quittèrent l'Italie avec Ataulfus, ils se dirigèrent vers le centre et le sud de la Gaule, passant de là à la péninsule ibérique. Ensuite, le royaume wisigoth de Toulouse (Toulouse, France) a réussi à conquérir davantage de territoires dans la péninsule, jusqu'à ce qu'Alaric II soit vaincu par les Francs, perdant les possessions françaises et laissant place à ce que l'on appelle le royaume wisigoth de Tolède, une période de grande importance pour les arts (caractérisée par un net maintien des modèles romains avec des influences byzantines) et la culture en général, qui s'est achevée avec l'entrée des musulmans au début du septième siècle.

Estim. 15 000 - 16 000 EUR

Lot 54 - Figure de Silvanus ; Empire romain, IIe siècle apr. J.-C. Marbre. Provenance : collection privée, Los Angeles, États-Unis, milieu des années 1990 chez Quatrain Inc ; collection privée, Londres, acquise à New York, 2015 ; collection privée, Madrid. En bon état de conservation. Il a perdu la moitié de sa tête, la partie inférieure de ses jambes et le tronc de cyprès qu'il tenait dans sa main droite. Dimensions : 46 cm. Sculpture romaine en marbre représentant Silvanus, esprit tutélaire des champs et des forêts. En ce qui concerne les forêts, il présidait surtout aux plantations et appréciait les arbres qui poussaient à l'état sauvage, raison pour laquelle il est représenté (comme ici) portant le tronc d'un cyprès. Or, à propos de cet arbre, on raconte l'histoire suivante : Silvanus était amoureux de la jeune Cipariso. Heureusement, il tua un jour accidentellement une biche qui lui appartenait. Cipariso mourut de chagrin et fut transformé en cyprès. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui, à Rome, était combinée à la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce classique par l'intermédiaire des colonies de la Grande Grèce, les Romains ont conquis Syracuse en 212 avant J.-C., une riche et importante colonie grecque en Sicile, ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emportés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusque-romaine qui prévalait jusqu'alors. Peu après, en 133 avant J.-C., l'Empire hérita du royaume de Pergame, où existait une école de sculpture hellénistique originale et florissante. L'immense autel de Pergame, le "Gallus se suicidant" ou le groupe dramatique "Laocoön et ses fils" sont trois des créations phares de cette école hellénistique. En revanche, après la conquête de la Grèce en 146 av. J.-C., la plupart des artistes grecs s'installèrent à Rome, et nombre d'entre eux se consacrèrent à la réalisation de copies de sculptures grecques, très en vogue à l'époque dans la capitale de l'Empire. Ainsi, de nombreuses copies de Praxitèle, de Lysippe et d'œuvres classiques du Ve siècle avant J.-C. ont été produites, donnant naissance à l'école néo-attique de Rome, premier mouvement néoclassique de l'histoire de l'art. Cependant, entre la fin du IIe siècle av. J.-C. et le début du Ier siècle av. J.-C., on assiste à un changement de cette tendance grecque puriste, qui culmine avec la création d'une école nationale de sculpture à Rome, qui produit des œuvres telles que l'autel d'Aenobarbus, qui introduit un concept narratif typiquement romain qui devient une chronique de la vie quotidienne et, en même temps, de la réussite de son modèle politique. Cette école sera le précurseur du grand art impérial d'Auguste, sous le règne duquel Rome devient la ville la plus influente de l'Empire et aussi le nouveau centre de la culture hellénistique, comme Pergame et Alexandrie l'avaient été avant elle, attirant un grand nombre d'artistes et d'artisans grecs. À l'époque d'Auguste, Rome a contribué à la continuité et au renouvellement d'une tradition qui jouissait déjà d'un prestige séculaire et qui avait dicté le caractère de tout l'art de la région. Dans cette nouvelle phase, l'esthétique et la technique grecques sont appliquées aux thèmes de la nouvelle Rome. Après l'idéalisation de la période augustéenne, le réalisme de l'époque flavienne et le style baroque des IIe et IIIe siècles, la sculpture romaine, marquée par la présence du christianisme, tend à se déshumaniser, devenant plus idéale et symbolique. Le souci de réalisme se perd et l'on tend vers une schématisation qui cherche à capter l'idéal, l'âme ou la divinité, plutôt que l'aspect humain des figures. La sculpture, en accord avec cette nouvelle esthétique, acquiert une grande dureté et les figures acquièrent une qualité plus réaliste et symbolique.

Estim. 28 000 - 30 000 EUR

Lot 55 - Partie supérieure d'une concubine. Égypte ancienne, Nouvel Empire, XVIIIe dynastie, règne d'Amenhotep III, 1390/1 à 1353/2 av. Calcaire durci. Provenance : Collection privée, James Gordon Hanes Jr, Caroline du Nord (États-Unis), acquise auprès de la galerie Mathias Komor, New York, fin des années 1950-début des années 1960. Avec l'étiquette de la galerie Komor, n. 943. Collection privée Eldridge C. Hanes, Caroline du Nord (États-Unis), acquise par héritage de son père James G. Hanes Jr. Hanes Jr. en 1995. Une ancienne photo est conservée dans les archives Getty. En bon état, sans restauration. Il y a des bosses sur le côté arrière droit et une rainure sur le côté inférieur gauche, causées par l'érosion au contact du sable du désert. La pierre calcaire présente une surface solide et brillante, qui a durci avec le temps et s'est compactée. Une lettre de provenance signée par M. Eldridge C. Hanes est jointe. Parallèles : -Pierre Bergé & Associés. Archéologie. Paris. 15 décembre 2009. Lot 155. -Pierre Bergé & Associés. Archéologie. Paris. 17 juin 2010. Lot 147. -Musée Petrie. University College London. Londres. N. UC28687. Dimensions : 22 x 18 x 13 cm. Partie supérieure d'une sculpture égyptienne représentant une femme avec une plaque dorsale, de forme rectangulaire. La femme a les deux paumes des mains tendues, tenant sa perruque des deux côtés. Cet accessoire est d'un type très particulier, une perruque tripartite large et épaisse, avec beaucoup de volume, un peu courte, typique des productions du Nouvel Empire. La forme des orbites si parfaitement fendues, ainsi que la coiffe, s'inscrivent dans le style marqué de la représentation féminine sous le règne du pharaon Amenhotep III, prenant pour modèle les sculptures de la reine Tiy. En outre, le visage, bien que sphérique, est accentué par le menton prononcé, autre élément distinctif de la statuaire de cette période. Dans l'Égypte ancienne, dès l'époque des pyramides, les sépultures étaient richement ornées d'objets funéraires. Parmi la multitude d'éléments, dont le symbolisme n'est évidemment pas anodin, on trouve de belles sculptures, pas toujours représentées, de silhouettes féminines nues, sculptées dans le bois, puis modelées en faïence au Moyen Empire et en pierre au Nouvel Empire, avec un attrait physique marqué, auréolé de sensualité. Cela vient surtout de leur décor dépouillé, nu avec des points dessinés sur le corps sous forme de tours de cou et de robes translucides. Ce caractère sexuel marqué, si rare dans l'imaginaire artistique égyptien, a rapidement attiré l'attention des chercheurs et des collectionneurs. Il s'agit de concubines ou de concubines des morts. Leur rôle n'est pas très bien défini : sont-elles destinées à assurer l'activité sexuelle du défunt dans l'Au-delà et la procréation qui en découle. La sculpture présentée ici, par son style physionomique tel que décrit ci-dessus et par sa taille de pierre, date du Nouvel Empire. Les exemples les plus clairs, même s'ils ne sont pas communs, car il s'agit de pièces peu fréquentes, surtout en termes de qualité et de dimensions considérables comme celle-ci, bien qu'il existe de nombreux exemples en terre cuite ou en faïence de petites dimensions, sont ceux dans lesquels la belle dame est allongée sur un lit. Le support postérieur est peut-être la représentation d'un lit, comme le montre le meilleur exemple complet sur le marché chez Pierre Bergé & Associés, dans le catalogue Archéologie du 15 décembre 2009, lot 155. D'autres monuments en calcaire ne comportant que la femme couchée sont conservés à Bruxelles (E. 2591), Florence (2142) ou Dublin (E. 72:77).

Estim. 32 000 - 35 000 EUR

Lot 56 - Portrait d'un jeune homme. Grèce, fin de la période classique-début de la période hellénistique, IVe siècle av. J.-C. Marbre. Provenance : collection privée de Nicolas Koutolakis (1919-1966) Paris et Genève. En bon état de conservation. Dimensions : 20,4 cm. Tête grecque, sculptée en marbre en ronde-bosse, représentant un jeune homme au visage arrondi, aux grands yeux et à la bouche entrouverte, dans une attitude concentrée. La chevelure est représentée par des incisions parallèles ondulantes. Le travail délicat du marbrier, qui a minutieusement détaillé les traits caractéristiques du jeune homme, est remarquable. Il est probable que cette tête constituait une sculpture complète d'un enfant qui servait d'ex-voto. La sculpture hellénistique représente la dernière période de l'évolution de la sculpture grecque et s'est développée entre la mort d'Alexandre le Grand en 323 avant J.-C. et la conquête de l'Égypte par les Romains entre 30 et 31 avant J.-C.. Il s'agit d'un langage éclectique, séculaire et historiciste, qui prend comme point de départ l'héritage de la sculpture classique de la période précédente, auquel s'ajoutent de nouvelles influences orientales. Il implique également un raffinement de la représentation de l'anatomie humaine et de l'expressivité émotionnelle, ainsi qu'un changement fondamental de l'esthétique, qui s'éloigne de l'idéal pour représenter l'individu, du générique au spécifique.

Estim. 28 000 - 30 000 EUR

Lot 57 - Relief pariétal d'un mastaba avec une scène nilotique. Égypte ancienne - Ancien Empire, VIe dynastie, 2325 - 2155 av. Pierre calcaire et pigments. Publié : - LIGABUE, G. OSMIDA, G. R. (ed.). Animale e Mito nel Vicino Oriente Antico. Il Punto Edizioni. Pauda. 2008. p. 230. - Apollo Mgazine.C220-4-22 Narrating the past, collecting for the future. 15 août 2017. Provenance : - Collection privée, Bruxelles, reçue par héritage. - Galerie Harmakhis, Bruxelles, acquise auprès des héritiers. - Collection privée, Dr Giancarlo Ligabue (1931 - 2015), acquise auprès de l'ancien propriétaire, avec un certificat d'authenticité daté du 11 novembre 1994. Giancarlo Ligabue (1931-2015) est né à Venise. Universitaire accompli aux intérêts multiples, il a étudié aux universités de Cà Foscari (Venise) et de Boston, et a obtenu un doctorat en paléontologie à l'université de la Sorbonne à Paris, suivi de quatre autres diplômes honorifiques. À l'âge de 28 ans, il a commencé à travailler pour Ligabue S.p.A. - aujourd'hui leader mondial dans le secteur de la restauration et de la fourniture de navires - en développant dans le monde entier l'entreprise créée par son père Anacleto en 1919. Il cultive de fortes passions pour l'archéologie, la paléontologie et l'anthropologie, en constituant une collection vaste et variée et en fondant en 1973 le Centre d'étude et de recherche Ligabue, qui promeut et organise 130 expéditions sur tous les continents avec la collaboration de scientifiques des plus grandes universités et centres de recherche du monde. Les découvertes faites en quarante ans d'activité font désormais partie de l'histoire de la paléontologie, de l'archéologie et de l'ethnologie. - Héritage du précédent propriétaire en 2015. Accompagné d'un permis d'exportation culturelle de l'Italie. - Collection privée, Sheikh Hamad bin Abdullah Al Thani, numéro d'inventaire BELC932, acquis auprès de l'ancien propriétaire le 14 septembre 2017. - Marché de l'art, Londres, 2022. En bon état de conservation, il conserve sa polychromie d'origine. Elle présente deux lignes de restauration dans les coins supérieurs, recouvertes professionnellement, sans affecter le relief. Dimensions : 27 x 32 cm. Fragment de bas-relief, sculpté en calcaire et polychrome, provenant d'une scène pariétale d'un mastaba, représentant diverses espèces de poissons originaires du Nil. Il aurait fait partie d'une scène beaucoup plus vaste sculptée dans les murs d'un mastaba et représentant des habitants égyptiens en train de pêcher. Le réalisme de la scène permet d'identifier avec certitude les espèces des six poissons représentés : Clarias lazera, avec ses moustaches caractéristiques, Synodontis batensoda, Mugil, Mormylus niloticus, Malapterurus electricus et Tilapia. Ce dernier, ainsi que le Mormylus niloticus, ou oxyrhynchus, sont les plus connus. L'Ancien Empire, dont date ce relief, a été une période incroyablement dynamique de l'histoire égyptienne. Bien que les origines de nombreux concepts, pratiques et monuments remontent à des périodes antérieures, c'est au cours de l'Ancien Empire qu'ils ont pris les formes qui allaient caractériser et influencer le reste de l'histoire pharaonique. Il est fait d'un bloc de calcaire à grain très fin, provenant sans doute de la carrière de Tura ou de sa voisine Massara. Les carrières sont situées à 20 km au sud du Caire, sur la rive droite (est) du Nil. Depuis les premières périodes de l'Ancien Empire jusqu'à la fin de la période pharaonique, ces carrières étaient considérées comme les plus belles carrières de calcaire. Les plus belles statues en calcaire et les blocs de parement du temple funéraire de la reine Hatchepsout à Deir el-Bahari ont été fabriqués à partir de pierres provenant de ces carrières. La technique utilisée est celle du haut-relief incisé, et sa finition est peinte avec une palette de pigments dilués dans de l'eau et une petite proportion de gomme arabique (résine de l'acacia nilotica).

Estim. 120 000 - 130 000 EUR

Lot 60 - Cheval avec cavalier. Chine, dynastie Tang, 619-906 apr. Terre cuite polychrome. Dimensions : 32 cm (hauteur) x 29 cm (longueur). Certificat de la Po Yuen Tong Gallery à Honk Kong. Figure de cheval avec cavalier en terre cuite polychrome, probablement avec les engobes habituels de l'époque (appliqués à froid), qui a peut-être fait partie du mobilier funéraire d'un membre éminent de la dynastie Tang. Elle se distingue par le naturalisme que l'artiste y a dépeint. La dynastie Tang est considérée par les historiens comme une période de splendeur de la civilisation chinoise, égale ou même supérieure à la période Han. Née après une période de despotisme sous le règne du cruel Yang Di, elle fut instaurée par Li Shimin qui, poussé par la piété filiale, mit son père sur le trône avant d'assumer lui-même le rôle d'empereur et de fonder la dynastie Tang. Stimulé par les contacts avec l'Inde et le Moyen-Orient via la route de la soie, l'empire Tang connaît un essor créatif dans de nombreux domaines. Le bouddhisme, apparu en Inde à l'époque de Confucius, continue de s'épanouir durant cette période et est adopté par la famille impériale, devenant ainsi un élément essentiel de la culture traditionnelle chinoise. De même, le développement de l'imprimerie a permis d'étendre la diffusion des œuvres écrites, donnant lieu à l'âge d'or de l'art et de la littérature chinoises. La grande ouverture culturelle se traduira par un art fondamentalement coloré, expressif et très éclectique, même s'il reste principalement à usage funéraire, où l'artiste reste un artisan anonyme. Cependant, à partir de ce moment, la céramique cuite, décorée d'émaux, sera utilisée comme symbole de statut, avec des typologies telles que les récipients pour la table du littérateur et toutes sortes de vaisselles. La terre cuite, en revanche, est toujours utilisée pour les objets funéraires, bien que le grès soit également utilisé à partir de maintenant, en particulier pour les tombes des nobles et des érudits. Dans les pièces funéraires, groupe auquel appartiennent ces ours, une nouveauté importante est introduite : les glaçures tricolores au plomb (sancai), bien que l'on continue à fabriquer des pièces décorées avec des engobes. Les objets funéraires se répartissent en six groupes typologiques d'une grande variété : les gardiens de tombes, avec des guerriers et des animaux protecteurs ; les personnages cérémoniels avec leurs serviteurs ; les animaux de toutes sortes, comme les bœufs, les chameaux ou les chevaux ; les musiciens et les dames de la cour ; les ustensiles et les récipients ; et enfin les modèles architecturaux. De même, trois périodes peuvent être distinguées. Dans la première, entre 681 et 683, les figures décorées d'engobes prédominent, même sans glaçure, de sorte que les pièces présentées ici pourraient être datées entre ces années. La deuxième période se situe entre 683 et 779, c'est la grande période des sancai, avec une prédominance des émaux. Enfin, jusqu'au début du Xe siècle, on continue à fabriquer des pièces avec des émaux de sancai, bien qu'elles soient de moindre qualité que celles de la période précédente.

Estim. 1 400 - 1 800 EUR

Lot 61 - Cheval avec cavalier. Chine, dynastie Tang, 619-906 apr. Terre cuite polychrome. Dimensions : 33 cm (hauteur) x 31 cm (longueur). Certificat de la Po Yuen Tong Gallery à Honk Kong. Figure de cheval avec cavalier en terre cuite polychrome, probablement avec les engobes habituels de l'époque (appliqués à froid), qui a peut-être fait partie d'une tombe d'un membre éminent de la dynastie Tang. Elle se distingue par le naturalisme que l'artiste y a dépeint. La dynastie Tang est considérée par les historiens comme une période de splendeur de la civilisation chinoise, égale ou même supérieure à la période Han. Née après une période de despotisme sous le règne du cruel Yang Di, elle fut instaurée par Li Shimin qui, poussé par la piété filiale, mit son père sur le trône avant d'assumer lui-même le rôle d'empereur et de fonder la dynastie Tang. Stimulé par les contacts avec l'Inde et le Moyen-Orient via la route de la soie, l'empire Tang connaît un essor créatif dans de nombreux domaines. Le bouddhisme, apparu en Inde à l'époque de Confucius, continue de s'épanouir durant cette période et est adopté par la famille impériale, devenant ainsi un élément essentiel de la culture traditionnelle chinoise. De même, le développement de l'imprimerie a permis d'étendre la diffusion des œuvres écrites, donnant lieu à l'âge d'or de l'art et de la littérature chinoises. La grande ouverture culturelle se traduira par un art fondamentalement coloré, expressif et très éclectique, même s'il reste principalement à usage funéraire, où l'artiste reste un artisan anonyme. Cependant, à partir de ce moment, la céramique cuite, décorée d'émaux, sera utilisée comme symbole de statut, avec des typologies telles que les récipients pour la table du littérateur et toutes sortes de vaisselles. La terre cuite, en revanche, est toujours utilisée pour les objets funéraires, bien que le grès soit également utilisé à partir de maintenant, en particulier pour les tombes des nobles et des érudits. Dans les pièces funéraires, groupe auquel appartiennent ces ours, une nouveauté importante est introduite : les glaçures tricolores au plomb (sancai), bien que l'on continue à fabriquer des pièces décorées avec des engobes. Les objets funéraires se répartissent en six groupes typologiques d'une grande variété : les gardiens de tombes, avec des guerriers et des animaux protecteurs ; les personnages cérémoniels avec leurs serviteurs ; les animaux de toutes sortes, comme les bœufs, les chameaux ou les chevaux ; les musiciens et les dames de la cour ; les ustensiles et les récipients ; et enfin les modèles architecturaux. De même, trois périodes peuvent être distinguées. Dans la première, entre 681 et 683, les figures décorées d'engobes prédominent, même sans glaçure, de sorte que les pièces présentées ici pourraient être datées entre ces années. La deuxième période se situe entre 683 et 779, c'est la grande période des sancai, avec une prédominance des émaux. Enfin, jusqu'au début du Xe siècle, on continue à fabriquer des pièces avec des émaux de sancai, bien qu'elles soient de moindre qualité que celles de la période précédente.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 63 - Cheval avec cavalier. Chine, dynastie Tang, 619-906 apr. Terre cuite polychrome. Dimensions : 34 cm (hauteur) x 27 cm (longueur). Certificat de la Po Yuen Tong Gallery à Honk Kong. Figure de cheval avec cavalier en terre cuite polychrome, probablement avec les engobes habituels de l'époque (appliqués à froid), qui a peut-être fait partie d'une sépulture d'un membre important de la dynastie Tang. Elle se distingue par le naturalisme que l'artiste y a dépeint. La dynastie Tang est considérée par les historiens comme une période de splendeur de la civilisation chinoise, égale ou même supérieure à la période Han. Née après une période de despotisme sous le règne du cruel Yang Di, elle fut instaurée par Li Shimin qui, poussé par la piété filiale, mit son père sur le trône avant d'assumer lui-même le rôle d'empereur et de fonder la dynastie Tang. Stimulé par les contacts avec l'Inde et le Moyen-Orient via la route de la soie, l'empire Tang connaît un essor créatif dans de nombreux domaines. Le bouddhisme, apparu en Inde à l'époque de Confucius, continue de s'épanouir durant cette période et est adopté par la famille impériale, devenant ainsi un élément essentiel de la culture traditionnelle chinoise. De même, le développement de l'imprimerie a permis d'étendre la diffusion des œuvres écrites, donnant lieu à l'âge d'or de l'art et de la littérature chinoises. La grande ouverture culturelle se traduira par un art fondamentalement coloré, expressif et très éclectique, même s'il reste principalement à usage funéraire, où l'artiste reste un artisan anonyme. Cependant, à partir de ce moment, la céramique cuite, décorée d'émaux, sera utilisée comme symbole de statut, avec des typologies telles que les récipients pour la table du littérateur et toutes sortes de vaisselles. La terre cuite, en revanche, est toujours utilisée pour les objets funéraires, bien que le grès soit également utilisé à partir de maintenant, en particulier pour les tombes des nobles et des érudits. Dans les pièces funéraires, groupe auquel appartiennent ces ours, une nouveauté importante est introduite : les glaçures tricolores au plomb (sancai), bien que l'on continue à fabriquer des pièces décorées avec des engobes. Les objets funéraires se répartissent en six groupes typologiques d'une grande variété : les gardiens de tombes, avec des guerriers et des animaux protecteurs ; les personnages cérémoniels avec leurs serviteurs ; les animaux de toutes sortes, comme les bœufs, les chameaux ou les chevaux ; les musiciens et les dames de la cour ; les ustensiles et les récipients ; et enfin les modèles architecturaux. De même, trois périodes peuvent être distinguées. Dans la première, entre 681 et 683, les figures décorées d'engobes prédominent, même sans glaçure, de sorte que les pièces présentées ici pourraient être datées entre ces années. La deuxième période se situe entre 683 et 779, c'est la grande période des sancai, avec une prédominance des émaux. Enfin, jusqu'au début du Xe siècle, on continue à fabriquer des pièces avec des émaux de sancai, bien qu'elles soient de moindre qualité que celles de la période précédente.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 64 - Ushebti ; Égypte, Nouvel Empire, 1539-1077 av. Bois polychrome. Vestiges de polychromie. Présente des défauts et des pertes. Dimensions : 20,5 x 4 x 3 cm. Oushebti moniforme en bois avec couronne tripartite et bras croisés sur la poitrine. Malgré le passage du temps, la pièce présente un bon état de conservation, conservant encore des restes de polychromie. Les ushebtis, terme égyptien signifiant "ceux qui répondent", sont de petites statuettes qui, dans l'Égypte ancienne, étaient déposées dans les tombes comme faisant partie du mobilier funéraire du défunt, et dont la fonction était de le remplacer dans le travail à accomplir dans l'au-delà. La plupart d'entre elles étaient fabriquées en céramique, en bois ou en pierre, bien que dans les tombes les plus riches, elles pouvaient être sculptées en lapis-lazuli. Les plus anciens exemples conservés datent du Moyen Empire, bien que des textes de la fin de l'Ancien Empire y fassent déjà référence. Les ushebtis sont, après les scarabées sacrés, les pièces les plus nombreuses et peut-être les plus caractéristiques de l'art égyptien qui ont survécu jusqu'à nos jours. Au fil du temps, ils ont toujours conservé la même fonction dans la sphère religieuse mais, alors que pendant le Moyen Empire ils étaient conçus comme la représentation de leur propriétaire devant Osiris dans les tâches de labourage du royaume des ombres, des répliques donc du défunt, à partir du Nouvel Empire ils en vinrent à être considérés comme des serviteurs ou des esclaves de ce dernier, en étant fabriqués en grande quantité. Vestiges de polychromie. Elle présente des défauts et des pertes.

Estim. 1 000 - 1 300 EUR

Lot 69 - Monopodium. Grande Grèce, Gnathia, vers 320 avant J.-C. Céramique. Provenance : Collection privée du peintre Lionel Perrotte (1949 - 2020), France. Bon état de conservation. Dimensions : 19 x 17 x 17 cm. Pièce en céramique d'une typologie rare. Il s'agit d'un vase à embouchure atrompetada, décoré d'une greca de gallons dans la base circulaire et dans le périmètre supérieur. Il a une tige cannelée et une frise avec des éléments végétaux. La poterie de Gnathia est un style de poterie grecque qui a prospéré dans les Pouilles antiques (sud-est de l'Italie) au cours des quatrième et troisième siècles avant J.-C. Elle se caractérise par une élégante décoration polychrome. Il combine généralement des figures rouges sur fond noir avec des détails blancs, jaunes et rouge pourpre. La poterie de Gnathia était fabriquée à partir d'une argile fine et raffinée, cuite dans un four à réduction pour obtenir un fond d'un noir profond. Sur ce fond, les figures étaient décorées avec de la peinture rouge, selon la technique de la figure rouge. Des détails en blanc, jaune et rouge pourpre étaient ensuite ajoutés, créant une riche gamme de couleurs. La poterie de Gnathia était l'un des styles de poterie les plus populaires en Méditerranée au cours du IVe siècle avant J.-C. Elle était exportée dans toutes les régions grecques et dans d'autres parties du monde antique, comme l'Étrurie, la Sicile et la France méridionale. Son influence est perceptible dans d'autres styles de céramique plus tardifs, tels que la poterie campanienne.

Estim. 1 000 - 1 400 EUR

Lot 70 - Vase ; Égypte, premières dynasties, 2920-2575 av. Albâtre. Présente, restaurations dans la ligne de fracture, légers défauts et piqûre sur la lèvre. Dimensions : 8,5 x 7,5 cm. Vase cylindrique en albâtre à base ronde, corps haut et évasé et bord plat. bord plat. Dans l'Égypte ancienne, les bols en albâtre étaient considérés comme des objets de luxe et n'apparaissaient que dans les tombes royales et les tombes de haut rang. Chronologiquement, ils apparaissent au début du troisième millénaire avant J.-C. et sont plus fréquents à la fin de la IIe dynastie. L'art de la sculpture des récipients en pierre a atteint son apogée dès le début de la période dynastique et l'Ancien Empire. Les récipients en pierre étaient principalement utilisés pour contenir des aliments, des onguents et des huiles cosmétiques. Grâce à l'épaisseur et à l'imperméabilité de leurs parois, ils permettaient une bonne conservation des produits. Ils ont de nombreux usages dans la vie quotidienne, mais jouent également un rôle prépondérant dans les activités religieuses : offrandes dans les temples, onction quotidienne des statues et des objets de culte, et dans le monde funéraire, pour la préparation des momies, ainsi que dans la croyance en l'effet rajeunissant et régénérant de ces substances. Il n'est donc pas surprenant qu'un grand nombre de récipients en pierre aient été régulièrement déposés dans les tombes et les complexes funéraires. Fracture, légers dommages et perforation de la lèvre.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 72 - Ushebti. Égypte ancienne, Basse Époque, 664-323 av. Fayenza. Provenance : collection privée à Paris. Acquis sur le marché de l'art dans les années 1980. En bon état de conservation. Dimensions : 7,5 cm (hauteur) ; 9 cm (hauteur avec support). Les ushebtis, terme égyptien qui signifie "ceux qui répondent", sont de petites statuettes qui, dans l'Égypte ancienne, étaient déposées dans les tombes comme partie du trousseau funéraire du défunt, et dont la fonction était de le remplacer dans les travaux qu'il devait accomplir dans l'Au-delà. Les ushabties placées dans le trousseau étaient au nombre de 365 figurines, une pour chaque jour de l'année. S'y ajoutaient 36 contremaîtres, qui commandaient chacun des équipes composées de 10 ouvriers. La plupart étaient en céramique, en bois ou en pierre, mais dans les tombes les plus riches, on pouvait les trouver sculptées en lapis-lazuli. Les plus anciens exemples conservés datent du Moyen Empire, bien que des textes de la fin de l'Ancien Empire y fassent déjà référence. Les ushebtis sont, après les scarabées sacrés, les pièces les plus nombreuses et peut-être les plus caractéristiques de l'art égyptien qui ont survécu jusqu'à nos jours. Au fil du temps, ils ont toujours conservé la même fonction dans le domaine religieux mais, alors que pendant le Moyen Empire ils étaient conçus comme la représentation de leur propriétaire devant Osiris dans les travaux du sol dans le royaume des ombres, des répliques donc du défunt, à partir du Nouvel Empire ils en sont venus à être considérés comme des serviteurs ou des esclaves de ce dernier, étant fabriqués en grandes quantités. La faïence est un matériau céramique de finition vitreuse très utilisé dans l'Égypte ancienne pour la production de petites statues, d'amulettes, etc. car sa gamme chromatique permettait d'imiter des pierres plus coûteuses comme le lapis-lazuli.

Estim. 900 - 950 EUR

Lot 73 - Ushebti. Égypte ancienne, Basse Époque, 664-323 av. Fayenza. Provenance : collection privée à Paris. Acquis sur le marché de l'art dans les années 1980. En bon état de conservation. Dimensions : 11,5 cm (hauteur) ; 14 cm (hauteur avec support). Les ushebtis, terme égyptien qui signifie "ceux qui répondent", sont de petites statuettes qui, dans l'Égypte ancienne, étaient déposées dans les tombes comme partie du trousseau funéraire du défunt, et dont la fonction était de le remplacer dans les travaux qu'il devait accomplir dans l'Au-delà. Les ushabties placées dans le trousseau étaient au nombre de 365 figurines, une pour chaque jour de l'année. S'y ajoutaient 36 contremaîtres, qui commandaient chacun des équipes composées de 10 ouvriers. La plupart étaient en céramique, en bois ou en pierre, mais dans les tombes les plus riches, on pouvait les trouver sculptées en lapis-lazuli. Les plus anciens exemples conservés datent du Moyen Empire, bien que des textes de la fin de l'Ancien Empire y fassent déjà référence. Les ushebtis sont, après les scarabées sacrés, les pièces les plus nombreuses et peut-être les plus caractéristiques de l'art égyptien qui ont survécu jusqu'à nos jours. Au fil du temps, ils ont toujours conservé la même fonction dans le domaine religieux mais, alors que pendant le Moyen Empire ils étaient conçus comme la représentation de leur propriétaire devant Osiris dans les travaux du sol dans le royaume des ombres, des répliques donc du défunt, à partir du Nouvel Empire ils en sont venus à être considérés comme des serviteurs ou des esclaves de ce dernier, étant fabriqués en grandes quantités. La faïence est un matériau céramique de finition vitreuse très utilisé dans l'Égypte ancienne pour la production de petites statues, d'amulettes, etc. car sa gamme chromatique permettait d'imiter des pierres plus coûteuses comme le lapis-lazuli.

Estim. 800 - 850 EUR

Lot 85 - Visage de divinité précolombienne de la culture Jama Coaque. Équateur, 500 avant J.-C. - 500 après J.-C. Sculpture en terre cuite. Dimensions : 4,5 x 5 cm. La culture Jama-Coaque s'est développée dans la région de San Isidro et dans le nord de la province de Manabí, en Équateur. En relation commerciale directe avec d'autres cultures d'Amérique centrale et du Mexique, son noyau culturel et religieux se trouvait dans le centre cérémoniel de San Isidro, où un ou plusieurs temples étaient construits sur une grande pyramide, entourée d'un grand village. La poterie a été la principale manifestation artistique des Jama-Coaque, qui ont développé un style très orné et nettement figuratif, fortement imprégné de l'héritage Chorrera. Leurs pièces de céramique sont reconnues pour constituer un document visuel qui reflète clairement la vie à Jama-Coaque. Leurs formes humaines, zoomorphes et mixtes, ainsi que les détails des costumes et des expressions ornementales, révèlent certains aspects du culte et de la vie quotidienne de la culture Jama-Coaque. Beaucoup de ces figures portent des vêtements très colorés, devenant une mode aborigène qui se distingue par ses grandes coiffes, ses tuniques qui couvrent les jambes et les bras, ses colliers, ses bracelets, ses boucles d'oreilles, en plus d'un art de la plume très élaboré. Ils travaillaient également l'or et d'autres métaux avec une technique très délicate et artistique, comme en témoignent leurs boucles d'oreilles, leurs colliers et leurs pectoraux.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 87 - Pot à parfum avec anse. Rome, 1er siècle après J.-C. Verre fin et transparent. En bon état, avec une fissure dans le col et une cassure réintégrée dans le corps. Avec une ancienne étiquette de collection. Certificat émis en 1971 joint. Dimensions : 12 cm (hauteur). Jarre à parfum au corps sphérique, à la base presque plate, au col court avec une lèvre exondée et une belle anse appliquée qui relie le haut du corps au bord de l'embouchure. La typologie de cette pièce concentre les caractéristiques précises d'un parfum de toilette pour femme romaine, c'est-à-dire une base plate, un corps sphérique, un col court et une lèvre incurvée. La surface extérieure présente une irisation agréable due à la longue période que le verre a passée sous la terre et en contact direct avec les minéraux de la terre elle-même. Le verre a commencé à être largement utilisé à partir du 1er siècle après J.-C., après la découverte de la technique du soufflage vers 40 avant J.-C. dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. Cette technique a constitué une révolution majeure et s'est rapidement répandue. Le verre soufflé présentait de grands avantages par rapport à d'autres matériaux, car il ne modifiait pas le goût des aliments qu'il contenait et était plus imperméable que la terre cuite. En outre, la technique du soufflage permettait de produire des pièces d'une grande variété de formes et de tailles, et de les produire plus rapidement. D'autre part, les pièces en verre étant plus faciles à nettoyer, elles devinrent rapidement le matériau préféré pour les usages domestiques.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 88 - Vase à parfum avec anse. Rome, fin du premier siècle avant J.-C. Verre épais. Pièce réalisée à l'aide d'un moule. Belle irisation. En excellent état. Avec une ancienne étiquette de collection. Certificat ci-joint émis en 1980. Dimensions : 10 cm (hauteur). Jarrita-perfumero dans lequel on différencie le col du récipient lui-même, qui est d'une capacité respectable de parfum ou d'essence, qui présente un profil de verticale et une plante hexagonale avec base plate. Les deux parties sont reliées par une poignée arquée. La surface extérieure présente des signes d'irisation qui donnent une gamme de nuances d'un grand attrait. L'utilisation du verre a commencé à se répandre à partir du premier siècle de notre ère, après la découverte de la technique du soufflage vers 40 avant J.-C., dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. J.-C., dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. Cette technique a constitué une grande révolution et s'est immédiatement répandue. Le verre soufflé présentait de grands avantages par rapport à d'autres matériaux, car il ne modifiait pas le goût des aliments qu'il contenait et était plus imperméable que la terre cuite. En outre, la technique du soufflage permettait de fabriquer des pièces de formes et de tailles variées, ainsi qu'une production plus rapide. D'autre part, les pièces en verre étant plus faciles à nettoyer, elles sont rapidement devenues le matériau préféré pour les usages domestiques.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 93 - Pommade. Rome, 2e-1er siècle av. Verre soufflé transparent. En excellent état. Provenance : collection privée. Un certificat émis en 1971 est joint. Dimensions : 12 cm. Onguent simple dans lequel le long col cylindrique se distingue clairement du corps tronconique à la base arrondie. La séparation entre les deux parties a été réalisée par strangulation à chaud du verre afin d'éviter la libération soudaine du parfum ou de l'essence coûteuse lors de l'utilisation de la pièce. La présence d'une bonne iridescence et sa parfaite conservation nous amènent à considérer qu'il s'agit d'un trousseau funéraire féminin. L'utilisation du verre s'est répandue à partir du Ier siècle après J.-C., suite à la découverte de la technique du soufflage vers 40 avant J.-C., dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. J.-C., dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. Cette technique a constitué une révolution majeure et s'est rapidement répandue. Le verre soufflé présentait de grands avantages par rapport aux autres matériaux, car il ne modifiait pas le goût des aliments qu'il contenait et était plus imperméable que la terre cuite. En outre, la technique du soufflage permettait de produire des pièces d'une grande variété de formes et de tailles, et de les produire plus rapidement. D'autre part, les pièces en verre étant plus faciles à nettoyer, elles devinrent rapidement le matériau préféré pour les usages domestiques.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 94 - Ampoule-urnuaire. Rome, 1er siècle après J.-C. J.-C. Verre. Forte et belle irisation et incrustation. Manque sur le corps de 1,5 x 1 cm. Le certificat émis en 1969 est joint. Dimensions : 13 cm (hauteur). Ampoule-unuentaire en verre soufflé au profil globulaire, au fond sphérique, au col court et à l'embouchure large avec une large lèvre. Elle était utilisée pour contenir des essences ou des onguents parfumés destinés à l'usage corporel des femmes et appartenait donc à la table de toilette d'une dame romaine (gynécée). La surface présente un décor linéaire en relief qui servait à éviter que le récipient ne glisse dans la main, en raison de sa taille un peu plus grande et de son contenu huileux. L'utilisation du verre s'est répandue à partir du 1er siècle après J.-C., après la découverte de la technique du soufflage vers 40 avant J.-C. dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. J.-C. dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. Cette technique a constitué une révolution majeure et s'est rapidement répandue. Le verre soufflé présentait de grands avantages par rapport à d'autres matériaux, car il ne modifiait pas le goût des aliments qu'il contenait et était plus imperméable que la terre cuite. En outre, la technique du soufflage permettait de produire des pièces de formes et de tailles très variées, ainsi que de les produire plus rapidement. D'autre part, les pièces en verre étant plus faciles à nettoyer, elles devinrent rapidement le matériau préféré pour les usages domestiques.

Estim. 700 - 1 000 EUR

Lot 97 - Pommade. Rome, 1er-2e siècle après J.-C. Verre soufflé transparent. En très bon état de conservation. Provenance : collection privée. Un certificat émis en 1974 est joint. Dimensions : 8,5 cm (hauteur). Petite pommade avec un corps circulaire plat et un long cou se terminant par une bouche à la lèvre incurvée. Sa transparence et sa légèreté lui confèrent une légère teinte bleutée. Il était utilisé comme toilette féminine, probablement pour les jeunes femmes, pour contenir et conserver des essences très appréciées et rarement utilisées. Après son utilisation, il faisait partie du trousseau funéraire de sa propriétaire ou de sa parente. L'utilisation du verre s'est répandue à partir du 1er siècle après J.-C., suite à la découverte de la technique du soufflage du verre vers 40 avant J.-C., dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. J.-C., dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. Cette technique a constitué une révolution majeure et s'est rapidement répandue. Le verre soufflé présentait de grands avantages par rapport aux autres matériaux, car il ne modifiait pas le goût des aliments qu'il contenait et était plus imperméable que la terre cuite. En outre, la technique du soufflage permettait de produire des pièces d'une grande variété de formes et de tailles, et de les produire plus rapidement. D'autre part, les pièces en verre étant plus faciles à nettoyer, elles devinrent rapidement le matériau préféré pour les usages domestiques.

Estim. 400 - 450 EUR

Lot 98 - Pommade. Rome, 1er-2e siècle après J.-C. Verre. Avec irisation. En bon état de conservation. Dimensions : 14 cm (hauteur). Pièce de toilette féminine au corps sphérique à base plate, au col haut et à l'embouchure à lèvre plate. Il s'agit d'un exemple authentique de pot à onguents en verre soufflé transparent de l'époque romaine et impériale, qui servait à contenir et à conserver des onguents, des essences ou des parfums destinés à l'usage corporel des femmes, et qui faisait ensuite partie du trousseau funéraire de sa propriétaire. Le col haut et étroit et la lèvre plate et large permettaient de retenir et donc d'éviter la perte du visage et de l'essence. L'utilisation du verre s'est répandue à partir du 1er siècle après J.-C., suite à la découverte de la technique du soufflage vers 40 avant J.-C., dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. J.-C., dans la partie orientale de la côte méditerranéenne. Cette technique a constitué une révolution majeure et s'est rapidement répandue. Le verre soufflé présentait de grands avantages par rapport à d'autres matériaux, car il ne modifiait pas le goût des aliments qu'il contenait et était plus imperméable que la terre cuite. En outre, la technique du soufflage permettait de produire des pièces d'une grande variété de formes et de tailles, et de les produire plus rapidement. D'autre part, les pièces en verre étant plus faciles à nettoyer, elles devinrent rapidement le matériau préféré pour les usages domestiques.

Estim. 400 - 500 EUR
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