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jeu. 16 mai

Meindert Hobbema - Meindert Hobbema Paysage de rivière boisé avec des personnages sur un chemin Huile sur bois (parqueté). 54,2 x 71 cm. Signé avec initiales et daté en bas à droite : MH F/1659. Provenance Collection Monden, Wiesbaden, jusqu'en 1923. - Vente Muller, Amsterdam, 10.7.1923, lot 118. - Goudstikker, Amsterdam, 1926 (cat. 30, n° 71). - A. C. Mees, Amsterdam, 1926 - 1947 - B. Hoos, Wassenaar, 1947 - 1956 - Collection privée européenne. - Galerie Hoogsteder & Hoogsteder, La Haye, vers 1985, où elle a été acquise par un collectionneur privé hollandais. Expositions La Haye, Pulchri Studio, collection Goudstikker, 13.3- 4.4.1926 (cat. 30, no. 71). - Rotterdam, Museum Boijmans-van-Beuningen, exposition de Noël, probablement 1943. Littérature G. Broulhiet : Meindert Hobbema, Paris 1938, p. 427, cat. K. E. Simon : Review of Broulhiet, in : Zeitschrift für Kunstgeschichte, 9, 1940, p. 207. On sait encore peu de choses sur les débuts de la carrière de l'artiste amstellodamois. Le présent paysage fluvial, daté de 1559, est d'autant plus un jalon important sur le chemin qui a mené Hobbema à devenir le plus important paysagiste néerlandais du XVIIe siècle avec Jacob van Ruisdael. Ce tableau impressionnant d'un paysage de dunes hollandais, dont la composition semble monumentale, a été réalisé peu avant que Jacob van Ruisdael n'atteste en 1660 que Hobbema "a servi et appris auprès de lui pendant plusieurs années". Il est intéressant de noter que l'influence de Ruisdael sur l'œuvre de Hobbema n'est plus visible qu'aux alentours de 1662, et ce pour une courte période seulement, comme l'avait déjà remarqué Wolfgang Stechow (Dutch Landscape Painting of the Seventeenth Century, Londres, 1968, p. 60). De 1657 à 1661, Hobbema peint encore dans la tradition des maîtres précédents comme Salomon van Ruysdael et Cornelis Vroom. Le feuillage plumeux des arbres d'un paysage fluvial de 1558 (Detroit Institute of Art) rappelle par exemple encore fortement les œuvres de Cornelis Vroom. Dans cette œuvre, l'influence de Jacob van Ruisdael se fait sentir. Cela se voit dans la composition du tableau, qui est déterminée par un chemin diagonal entre des arbres majestueux et un petit bois ; ainsi que dans des éléments picturaux tels que l'étang et sa végétation au premier plan, l'éclairage qui diffuse avec art des reflets de lumière solaire et fait apparaître les silhouettes des troncs d'arbres. Notre tableau peut par exemple être comparé à la "Lisière de forêt avec un champ de blé" de Ruisdael, datant de 1655 et conservée au Kimbell Art Museum. Dans le tableau "Paysage fluvial boisé avec des personnages sur un chemin", Hobbema se présente comme un artiste indépendant, dont le style se distingue de celui de son maître. La vision de Hobbema sur la nature est plus lumineuse, plus colorée et plus vivante. Ses compositions sont plus spacieuses et gagnent en liberté, son style est plus fluide. Contrairement aux compositions mélancoliques et parfois dramatiques de Ruisdael, les œuvres de Hobbema montrent un aspect plus doux du paysage néerlandais. Dans le présent tableau, la lumière fluide transmet le calme et la tranquillité d'un après-midi ensoleillé dans un paysage néerlandais et ouvre la rangée d'arbres à la vue d'une prairie et des dunes ensoleillées derrière elle. Les personnages qui se promènent sur la route de campagne sont également typiques de l'œuvre de Hobbema. Quelques touches de rouge vif dans les vêtements des personnages créent un effet saisissant. En 1668, Hobbema, alors âgé de 30 ans, occupe le poste de mesureur de vin officiel de la ville d'Amsterdam et supervise les livraisons à l'intérieur et à l'extérieur de la ville. Cet emploi lui assurait un revenu régulier et abondant, ce qui manquait à de nombreux peintres du Siècle d'or. La peinture n'était plus au centre de ses activités. Il a néanmoins réalisé d'autres chefs-d'œuvre au cours des années suivantes. Les peintures de Hobbema sont rares sur le marché. La plupart de ses œuvres se trouvent dans des collections privées. Presque tous les grands musées exposent un Hobbema, à commencer par le Rijksmuseum d'Amsterdam, le Mauritshuis de La Haye, la National Gallery de Londres, le Musée du Louvre à Paris et l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Estim. 150 000 - 200 000 EUR

jeu. 16 mai

Jacob van Ruisdael - Jacob van Ruisdael Chute d'eau dans un paysage montagneux avec une maison à colombages Huile sur toile (doublée). 63 x 53,5 cm. Expertise S. Slive, Cambridge, MA, 15.1.2015. Provenance Vente Fièvez, Bruxelles, 8.5.1929, lot 103 (comme attribué à Ruisdael). - J. Goudstikker, Amsterdam, 1929 - Collection privée européenne. - Vente Sotheby's, Londres, 3 juillet 1997, lot 195, m. ill. (comme successeur de Ruisdael). - Hoogstedter & Hoogstedter, La Haye, exposition de printemps, 23.3. - 11.4.1998, acquis là par un collectionneur privé hollandais. Littérature S. Slive : Jacob van Ruisdael. A Complete Catalogue of His Paintings, Drawings and Etchings, New Haven and London 2001, p. 192, n° 187, avec ill. en noir et blanc. En 1644, Ruisdael se rendit sur la côte sud-est de la Norvège et dans la région de Göteborg, à l'ouest de la Suède. Bien qu'il soit resté moins d'un an dans la région et qu'il soit retourné à Haarlem en 1645 pour ouvrir son atelier, cette période a eu une influence durable sur son œuvre et a servi de base à de nombreux éléments récurrents dans ses compositions, notamment des paysages de montagne, des sapins et des épicéas, des cascades impétueuses, des cabanes en rondins et des vues de la côte rocheuse. Dans sa ville natale de Haarlem, Ruisdael a également pu étudier en détail les œuvres d'Allart van Everdingen (1621-1675). Ce dernier s'était également rendu en Scandinavie pour étudier la nature et s'était spécialisé dans la représentation de ce que l'on appelle les "paysages scandinaves". Dans ce tableau des années 1670, Ruisdael a utilisé les motifs populaires de ses vues scandinaves. Outre un cours d'eau tumultueux qui se brise sur des rochers, de grands pins et un vaste ciel, le peintre a également inséré à l'arrière-plan un pont en bois aérien sur lequel deux personnages traversent l'eau turbulente. Un tel pont se retrouve plus souvent dans les tableaux de cascades de Ruisdael de cette période, par exemple dans une "Cascade avec un pont en bois" à Dresde, Staatliche Kunstsammlung (inv. n° 1497). Seymour Slive a décrit cette peinture dans son catalogue raisonné de 2001 sur la base d'une ancienne photo en noir et blanc (n° 187) et l'a confirmée en 2015 sur la base d'une photo en couleur comme étant une œuvre de Ruisdael. Ruisdael est devenu si célèbre pour ses peintures de cascades qu'Arnold Houbraken a rapporté avoir vu une pièce de théâtre en 1721 sur le nom de l'artiste "Ruis-dael" ("vallée bruyante"). Ruisdael, poursuivait-il, "peignait aussi bien des paysages indigènes qu'étrangers, mais surtout ceux où l'on voit l'eau se précipiter d'un rocher à l'autre pour finalement s'étaler avec fracas dans les gorges et les vallées : et il pouvait représenter des embruns ou de l'eau écumante s'écrasant sur les rochers, si naturellement claire et translucide qu'elle semblait réelle" (cité dans "L'âge d'or de la peinture de paysage néerlandaise", catalogue d'exposition, Madrid, 1994, p. 199). La réputation de Jacob van Ruidsdael en tant que peintre paysagiste néerlandais le plus talentueux et le plus polyvalent du Siècle d'or ne s'est jamais démentie depuis son vivant.

Estim. 60 000 - 80 000 EUR

jeu. 16 mai

Cornelis de Heem - Cornelis de Heem Nature morte aux pêches et aux cerises sur un plateau d'argent avec d'autres fruits, des noix et des tournesols Huile sur toile (doublée). 57 x 75 cm. Signé en bas à gauche : C. de Heem f. Provenance Sotheby's, Londres 11.12.1996, lot 67 - Kunsthandel Bernheimer, Munich. - Collection privée allemande. Issu d'une famille d'artistes réputés et fils du célèbre peintre de natures mortes Jan Davidsz de Heem, Cornelis de Heem est né à Leyde en 1631. Cornelis reçoit sa première formation de peintre dans l'atelier de son père à Anvers. À partir de 1660, son nom figure dans les registres de la Guilde de Saint-Luc d'Anvers. Il effectue ensuite de longs séjours dans d'autres centres artistiques néerlandais comme Utrecht et La Haye. Dès le début des années 1680, il est de retour à Anvers, où il restera jusqu'à la fin de sa vie. Il se concentre sur les natures mortes de fruits, parfois complétées par des fleurs ainsi qu'en partie par des aliments comme le homard et les huîtres et des ustensiles de table décoratifs. Dans ce cas, il s'agit d'un verre à ailettes vénitien dont l'éclat anime l'arrière-plan plus sombre et correspond à celui du plateau d'argent au premier plan. Dans ses meilleures œuvres, Cornelis est très proche de son père. Dans le présent tableau, avec ses baies et ses fruits peints dans les moindres détails, qu'il étale devant nous en partie coupés et en exhibant la pulpe juteuse, il lui rend également hommage avec le grand tournesol, qui apparaît très souvent dans les tableaux de Jan Davidsz de la fin de la période anversoise.

Estim. 160 000 - 170 000 EUR

jeu. 16 mai

Johannes Christianus Roedig - Johannes Christianus Roedig Nature morte aux fleurs avec sculpture en pierre, chat et souris Nature morte aux fruits avec vase en terre cuite Huile sur bois. 72,4 x 57,9 cm et 73,3 x 58,1 cm. Signé et daté en bas à droite : C. Roedig 1779, resp. en bas à gauche : C. Roedig 1779. Provenance vente aux enchères, collection Pieter Lyonet (Bunel et Yver), Amsterdam, 11.4.1791, lots 217 et 218 - vente aux enchères, Amsterdam (Van der Schley ... Vinkeles), 7.5.1804, lot 145 -. Vente aux enchères, Wreesman, Amsterdam (Van der Schley ... Vinkeles), 11.4.1816, lot 154. - Collection privée néerlandaise, c. 1820 puis par succession jusqu'en 1970 environ. - Collection of Miss Wurfbain, Wassenaar, 1983. - Kunsthandel Hoogsteder & Hoogsteder, 1987. - Collection privée néerlandaise. - Bonhams, Londres 9.12.2009, lot 81 (1 196 000 GBP). - Collection privée néerlandaise. Expositions Nederlandse bloemstillevens in de achttiende en de eerste helft van de negentiende eeuw, Museum Boeket in Willet, Amsterdam, 1970, n° 26 (seulement la nature morte aux fleurs). - A Survey of the Fruit Still Lifes of the Northern and Southern Netherlands from Brueghel till Van Gogh, P. de Boer, Amsterdam / Herzog Anton Ulrich-Museum, Braunschweig, 1983, n° 70-71 Littérature S. Segal : Boeket in Willet : Nederlandse bloemstillevens in de achttiende en de eerste helft van de negentiende eeuw, Amsterdam, Ausst.-Kat. Museum Willet-Holthuysen, Amsterdam 1970, n° 26, avec ill. - S. Segal : A fruitful past : A Survey of the Fruit Still Lifes of the Northern and Southern Netherlands from Brueghel till Van Gogh, Ausst.-Kat Herzog Anton Ulrich-Museum / P. de Boer, Amsterdam 1983, p. 86-87, n° 70-71, avec ill. Lorsqu'en 1852, le tsar Nicolas Ier chercha un cadeau de Noël spécial pour sa belle-sœur, la princesse Alexandrine de Prusse, il commanda deux grandes peintures sur porcelaine à la manufacture impériale de porcelaine de Saint-Pétersbourg. Celles-ci reproduisaient deux chefs-d'œuvre, des natures mortes de fleurs, de la collection de l'Ermitage - l'une de Jan van Huysum, l'autre de Johannes Christianus Roedig. De toute évidence, 50 ans après la mort de Roedig, l'estime pour sa peinture était encore très vive à la cour du tsar. Les œuvres de l'artiste néerlandais étaient entrées dans la collection de l'Ermitage au siècle précédent, sous la tsarine Catherine II. Ce que Catherine II et d'autres collectionneurs princiers du XVIIIe siècle admiraient dans les natures mortes de fleurs et de fruits de Roedig peut être illustré par cette paire de tableaux d'une splendeur et d'une qualité extraordinaires, qui peuvent être comptés parmi les œuvres majeures de Roedig. Par un heureux hasard, les deux tableaux sont restés ensemble depuis leur création ; leur provenance peut être retracée jusqu'au premier propriétaire à La Haye, la ville natale de l'artiste. La paire de tableaux, une nature morte aux fleurs et une nature morte aux fruits, représente un tour de force, Roedig démontre tout son savoir-faire de peintre de natures mortes, qui se manifeste dans l'opulence de la composition, la finesse de la peinture et la brillance de la palette de couleurs. La nature morte aux fleurs est placée dans le jardin d'un château décoré de personnages et reflète le goût aristocratique raffiné de la fin du 18e siècle. Une multitude de fleurs est offerte au spectateur, la représentation se délecte des formes, des couleurs, des motifs et des textures des multiples pétales, magnifiquement mis en scène par la lumière claire du tableau. En regardant de plus près, on remarque que le vase est tombé, sans doute à cause de l'activité du chat qui poursuit une souris. Les pétales flétris rappellent au spectateur le caractère éphémère de tout ce qui est terrestre, mais l'idée de vanitas ne ternit pas l'ambiance générale, joyeuse et colorée, que symbolise également la statue de Flora, la déesse du printemps, à l'arrière-plan. La nature morte aux fruits, son pendant, représente en revanche la saison de l'automne, comme l'illustre le récipient qui décore une scène bacchanale. Si la nature morte florale impressionne par la finesse des formes et des couleurs des fleurs, ce sont les puissants contrastes de couleurs qui dominent ici : le jaune du citron, le rouge de la grenade, le vert du raisin. La courge coupée, la grenade ouverte ou le citron épluché présentent au spectateur la diversité des formes ainsi que des goûts ; l'opulente composition dans la corbeille, posée sur une précieuse table en marbre, étale sous les yeux du spectateur les fruits d'une riche récolte automnale. Johannes Christianus Roedig fut l'un des derniers grands représentants d'une longue tradition de natures mortes de fleurs et de fruits qui dura près de 200 ans aux Pays-Bas. Les meilleures œuvres de Roedig sont allées à des cours étrangères, mais cette paire de tableaux est restée à La Haye, chez Pieter Lyonet, un naturaliste néerlandais. Dans le catalogue de sa vente aux enchères, les deux natures mortes apparaissent en tant que lots 217 et 218 - c'est une chance qu'elles soient allées au même enchérisseur à l'époque et qu'elles soient restées jusqu'à aujourd'hui.

Estim. 800 000 - 900 000 EUR

jeu. 16 mai

Jakob Samuel Beck - Jakob Samuel Beck Nature morte aux légumes avec un lapin Nature morte aux légumes avec un cochon d'Inde Huile sur toile. 53,5 x 89,5 cm ou 53,5 x 90 cm. Provenance Dorothea Schenke 1930 - Dr. Albert Rapp, Frankfurt a. M. (cousin de D. Schenke), Eleonore Rapp (sœur de A. Rapp), 1969 - Collection privée allemande depuis 1975. Expositions Jacob Samuel Beck - Pour le 300e anniversaire du peintre d'Erfurt, Angermuseum Erfurt, 18.10.2015 - 17.1.2016. Littérature Catalogue de l'exposition : Jacob Samuel Beck - Zum 300. Geburtstag des Erfurter Malers, éd. par Thomas von Taschitzki et al., Dresde 2016, p. 245, n° 55, n° 56, ill. p. 203. Les deux pendants exceptionnels se trouvent depuis longtemps dans une collection privée. En tant que nouvelle découverte importante, ils ont été portés à la connaissance d'un large public en 2015/16 à l'occasion de l'exposition d'Erfurt sur le 300e anniversaire du peintre d'Erfurt Jacob Samuel Beck. Ce qui caractérise les natures mortes de Beck, c'est le regard précis et quasi-scientifique qu'il porte sur le monde spécifique des formes et des couleurs de la nature. Beck a choisi ici des tableaux au format particulièrement long, qui offrent le plus d'espace possible pour la présentation de différentes sortes de choux-légumes et d'artichauts, qui s'étalent comme d'opulents paysages de feuilles. On y trouve une variété inhabituelle d'insectes, peints de manière très naturelle. On y trouve notamment deux punaises de feu (devant le chou-rave), deux papillons, le petit renard et la bigarade, un scarabée commun du bouleau (devant les asperges) et un hanneton. La gamme de couleurs atténuées avec des tons de vert gris argenté, la lumière contrastée et également la diversité inhabituelle des insectes distinguent les deux pendants des autres natures mortes de Beck et les mettent en valeur. Dans sa contribution au catalogue consacré aux natures mortes et aux pièces animales de Beck, Gero Seling a expliqué que, contrairement aux natures mortes néerlandaises du XVIIe siècle, une interprétation symbolique trouve peu de fondement dans les œuvres de Beck (p. 57 et suivantes). Il indique que la diversité des variétés de légumes représentées par Beck reflète l'importance économique de l'horticulture commerciale pour Erfurt au XVIIIe siècle et loue leur performance particulière. Erfurt, qui n'avait pas de cour mais était dominée par les princes électeurs de la lointaine Mayence, vivait de la production de légumes. Sur les sols fertiles, même les artichauts et les choux-fleurs poussaient, comme on le voit ici.

Estim. 30 000 - 50 000 EUR

jeu. 16 mai

Lorenzo Tiepolo - Lorenzo Tiepolo La condamnation d'une vestale Huile sur toile (doublée). 69 x 92 cm. Provenance Acquavella Galleries, New York 1969 - Collection privée belge. Littérature Burlington Magazine, déc. 1959 (comme G. B. Tiepolo) - G. Knox : Chalk Drawings of Tiepolo, 1980, p. 229, M. 158. - G. Knox : The Drawings of Giustino Menescardi, Arte/Documento 10, 1996, n° 11. - G. Knox : A Panorama of Tiepolo Drawings, 2008, p. 229, ill. 104. Ce tableau est un produit remarquable et inhabituel de l'atelier de Tiepolo, sur lequel les chercheurs en histoire de l'art se sont penchés de manière approfondie, notamment George Knox et Bernard Aikema. Knox, qui n'a cessé de se consacrer à la peinture vénitienne depuis sa thèse jusqu'à la fin de sa vie, écrit à ce sujet : "This painting must be identified as an important addition to the work of the young Lorenzo, to be dated to the mid-1750s". Bernard Aikema, quant à lui, la décrit comme un travail d'atelier dont les trois figures centrales sont de la main de Giovanni Battista lui-même. Il se réfère à des dessins de Giovanni Battista qu'il identifie comme des études pour cette composition. L'étude d'un homme debout portant une cape et un chapeau plat conservée au Victoria and Albert Museum de Londres (inv. n° D182433.1885), que nous reconnaissons à gauche de notre tableau, est particulièrement convaincante. Mais des dessins de Lorenzo Tiepolo peuvent également être mis en relation avec ce tableau, notamment un portrait de Palma Giovane d'après un buste d'Alessandro Vittoria, provenant de la collection du British Museum de Londres : Celui-ci concerne l'homme debout à droite de la vestale. Lorenzo Tiepolo, né à Venise en 1736, était l'un des fils de Giovanni Battista et le frère cadet de Domenico. Il travailla dans l'atelier de son père, l'accompagna à Würzburg en 1750 et à Madrid en 1762. Après la mort de son père, il resta dans la capitale espagnole où il mourut en 1776. L'iconographie se réfère à la punition des vestales impudiques selon Plutarque, décrite en détail par le lexicographe anglais John Lemprière (1765-1824) dans son "Classical Dictionary" : "Numa ordonna de la lapider, mais Tarquinius l'Ancien creusa un grand trou sous la terre, où l'on plaça un lit avec un peu de pain, de vin, d'eau et d'huile et une lampe allumée, et la vestale coupable fut dépouillée de son habit religieux et forcée de descendre dans la grotte souterraine, qui fut aussitôt fermée, et on la laissa mourir de faim".

Estim. 35 000 - 45 000 EUR

jeu. 16 mai

Carl Georg Adolph Hasenpflug - Carl Georg Adolph Hasenpflug Ruines du château en hiver, vues d'un arc gothique Huile sur toile. 38 x 42,4 cm. Signé et daté en bas à gauche : C. Hasenpflug 1850. Provenance Sotheby's, Munich, 3.12.1996, lot 25 - Collection privée allemande. A 18 ans, Carl Hasenpflug commença un apprentissage de peintre décorateur dans l'atelier de Carl Wilhelm Gropius. Mais c'est surtout Karl Friedrich Schinkel, pour qui Gropius réalisait à l'époque des décors de théâtre, qui fut décisif pour son développement ultérieur. Le célèbre tableau de Schinkel "Gotischer Dom im Winter" (Cathédrale gothique en hiver) de 1813/14 a probablement laissé une impression durable sur le jeune peintre. Après ses premières vues de la ville, Hasenpflug se spécialisa bientôt dans la représentation de bâtiments médiévaux, notamment après avoir déménagé à Halberstadt en 1830. C'est là qu'il a peint ses églises ou ruines hivernales, la plupart du temps recouvertes de neige - la cathédrale de Magdebourg, l'abbaye de Heisterbach, le monastère de Walkenried, par exemple - mais aussi et surtout de nombreux autres motifs architecturaux non localisables qui font partie intégrante de son répertoire pictural. Ce ne sont pas les bâtiments en eux-mêmes qui intéressent le peintre en premier lieu, mais l'atmosphère romantique qu'ils créent chez le spectateur. Ainsi, comme dans ce tableau de 1844, son regard s'échappe d'une construction médiévale abandonnée avec des pierres éparpillées dans un paysage hivernal froid et désert.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

jeu. 16 mai

Jacob Philipp Hackert - Jacob Philipp Hackert Pêcheur avec bateau sur la plage Huile sur toile. 74 x 99 cm. Signé et daté en bas à gauche : J. Ph-Hackert f. 1772. Provenance Mme Vassiliev, Christie's, Londres, 31.7.1930, lot 289 - Galerie W. Gräf, Munich. - Collection Georg Schäfer, Schweinfurt. - Christie's, Düsseldorf 31.1.2000, lot 37. - Collection privée rhénane. Littérature C. Nordhoff / H. Reimer : Jakob Philipp Hackert, Verzeichnius seiner Werke, 1994, p. 29, n° 74. Jacob Philipp Hackert en était à sa quatrième année en Italie et, depuis peu, sur la voie d'une renommée européenne lorsqu'il peignit en 1772 les "Pêcheurs avec bateau sur la plage". Ce sont surtout ses vues de paysages et de côtes qui eurent du succès : des gouaches réalisées en France en 1768 trouvèrent entre autres un acheteur éminent en la personne de François Boucher, et trois ans plus tard, il réalisa tout un cycle de batailles navales pour lesquelles la tsarine Catherine II réserva une salle spéciale au château de Peterhof. Les vues de Hackert sur les côtes et les bateaux en Italie dégagent en revanche un calme paisible. Après avoir surmonté sa maladie, Hackert s'est reposé sur les côtes au-delà de Naples, point d'arrivée du Grand Tour, qui n'ont été que peu découvertes par les voyageurs. On retrouve dans ses tableaux de cette époque l'ambiance équilibrée nécessaire à cet effet. Une fois leur travail terminé, les pêcheurs sont de retour avec des paniers pleins et attendent la fin de la journée.

Estim. 50 000 - 70 000 EUR

jeu. 16 mai

Jacob Philipp Hackert - Jacob Philipp Hackert Vue sur Aci Castello Gouache. 34 x 48 cm. Encadré sous verre. Signé et daté en bas à droite : Castel d'Aci au pied dell'Etna / Ph. Hackert f. 1781. Expertise Dr. Claudia Nordhoff, Rome, 22.5.1995. Provenance Delorme. Fraisse, Paris 11.4.1996, lot 11 - Collection privée rhénane. Le tableau montre une vue de la petite ville d'Aci Castello au pied de l'Etna en Sicile. Hackert avait entrepris un voyage en Sicile en 1777 avec deux compagnons de voyage anglais, Charles Gore et Richard Payne Knight. A l'époque, la Sicile n'était pas encore une destination touristique importante, le soi-disant "Grand Tour" des voyageurs italiens se terminait à Naples et sur la côte d'Amalfi. Après la "découverte" de la Sicile par Johann Joachim Winckelmann, le baron hessois Johann Hermann von Riedesel se rendit lui aussi sur l'île en 1767 et publia ensuite un petit guide de voyage. Le voyage de Hackert en 1777, dont le but était de publier un guide illustré, s'inscrit également dans ce processus d'ouverture culturelle de la Sicile : Hackert et Charles Gore ont réalisé des dessins, tandis que Richard Payne Knight a tenu un journal de voyage. Le projet échoua finalement, sans doute principalement parce qu'en 1781 parut le premier volume du grand ouvrage de l'abbé de Saint-Non "Voyage pittoresque ou Description des royaumes de Naples et de Sicile". C'est la première fois que le principe du texte et de l'image juxtaposés, imaginé par Richard Payne Knight, est mis en œuvre. Vingt-quatre dessins datés et cinq non datés du voyage de Hackert en Sicile ont été conservés (Nordhoff / Reimer, n° 709-732, 1009,1010, 1207-1209). De retour à Rome, il réalisa dans les années qui suivirent diverses peintures ainsi qu'une série de gravures non datées, mais probablement exécutées en 1786, comprenant douze vues et intitulée "Vues de la Sicile" (cité dans l'expertise de C. Nordhoff 1996).

Estim. 8 000 - 12 000 EUR

jeu. 16 mai

Joseph Stieler - Joseph Stieler Portrait de Friedrich Wilhelm von Schelling Huile sur toile. 72 x 58,5 cm. Provenance Propriété des descendants de l'artiste à ce jour. Littérature Ulrike von Hase : Joseph Stieler 1781-1858. Sa vie et son œuvre. Kritisches Verzeichnis der Werke (=Materialien zur Kunst des 19. Jahrhunderts 4), Munich 1971, p. 137, n° 168. Friedrich Wilhelm von Schelling (1775-1854) est l'un des philosophes les plus importants et les plus influents de la première moitié du XIXe siècle. Outre Johann Gottlieb Fichte et Friedrich Schlegel, c'est surtout Schelling qui pose les bases du premier romantisme allemand. Dès l'âge de 15 ans, il étudie à Tübingen avec Hegel et Hölderlin et rédige en 1797 ses "Idées pour une philosophie de la nature", qui feront date. Goethe s'intéresse très tôt au jeune philosophe et lui obtient en 1798 un poste d'enseignant à l'université d'Iéna. En 1827, il est appelé à Munich et en 1842, Schelling commence à enseigner à Berlin pour quatre ans après la mort de Hegel. Schelling est considéré comme le principal fondateur de la philosophie naturelle spéculative, dans laquelle il étudie la relation entre la nature et l'esprit et développe l'idée d'un lien organique entre eux. Joseph Stieler présente l'éminent philosophe dans une vue de trois-quarts, la tête étant représentée presque de face. L'observateur est immédiatement captivé par les yeux du personnage, qui le fixent attentivement et le transpercent presque. Dans son catalogue des œuvres de Stieler, Ulrike von Hase les décrit même comme "les yeux les plus parlants dans un portrait du début du 19e siècle" (op. cit., p. 74). Selon Ulrike von Hase, Stieler se révèle être un spécialiste de l'acuité et de l'action du regard. Outre les yeux insistants du philosophe, l'impression du tableau est surtout déterminée par le contraste entre la cape rouge, qui rappelle une toge, et le noir du reste des vêtements et de l'arrière-plan sombre, laissé volontairement indéterminé. Le col d'un blanc éclatant et les cheveux bouclés, dessinés avec précision, constituent d'autres accents. Le portrait de Schelling, qui se trouve jusqu'à présent en possession de ses descendants et dont une autre version est conservée à la Bayerische Staatsgemäldesammlung, se situe à la transition entre la phase de maturité de Stieler et la période tardive et occupe, à cet égard également, une place particulière dans l'œuvre de l'artiste.

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

jeu. 16 mai

Joseph Rebell - Joseph Rebell La baie de Naples avec le Palazzo Donna Anna Huile sur toile. 45,5 x 67 cm. Monogrammé et daté en bas à droite : Jos. Rebell 1820. Provenance Collection privée suisse. - Koller, Zurich 29.3.2019, lot 3208 - Collection privée belge. Expositions Joseph Rebell, Dans la lumière du sud, Unteres Belvedere, Vienne 2022, p. 95. Joseph Rebell compte parmi les plus importants peintres paysagistes autrichiens de son époque. L'année dernière, le musée du Belvédère à Vienne a présenté un aperçu de son œuvre, dans lequel était également exposée cette vue radieuse de la baie de Naples avec le Palazzo Donna Anna. Après sa formation à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne, Joseph Rebell se rendit en Italie en 1810, en passant par la Suisse. Il a d'abord séjourné un an à Milan, puis s'est installé à Naples, où il a passé deux ans. Mais la ville située au pied du Vésuve est restée, même après son départ, un motif récurrent de sa peinture. Ainsi, la présente vue, qui montre le palais inachevé et la plage de pêcheurs située devant dans la lumière du soleil, a été réalisée en 1820 à Rome, où Rebell a vécu entre 1816 et 1824. Tout au long de sa vie, Joseph Rebell n'a pas manqué de succès et de reconnaissance. La liste de ses collectionneurs et mécènes compte ainsi des noms tout à fait illustres. Au début de sa carrière milanaise, il était déjà en contact avec Eugène Beauharnais et son épouse bavaroise, la princesse Augusta Amalia, puis à Naples avec Caroline Bonaparte. Dans sa Vienne natale, le prince Jean Ier de Liechtenstein acheta de sa main une "Éruption du Vésuve", d'autres œuvres parvinrent à Munich par l'intermédiaire du prince héritier Louis Ier de Bavière, du comte Schack et de l'architecte Leo von Klenze. En 1819, il rencontra l'empereur François Ier à Rome, qui lui commanda quatre vues de grand format des environs de Naples. En 1824, il le nomma directeur de la galerie de peinture impériale du Belvédère supérieur, que Rebell transforma en un musée moderne jusqu'à sa mort soudaine en 1828. Le style de la peinture de paysage de Rebell a souvent été dérivé de celui de Claude Lorrain et de Joseph Anton Koch. Cependant, la plupart de ses tableaux ne sont pas des paysages idéalisés, mais plutôt des vues de paysages et de villes issues de l'art des vedute du 18e siècle et certainement des paysages dans la tradition de Jacob Philipp Hackert. Rebell avait pu étudier sa peinture en détail grâce à de magnifiques originaux à Naples et à Caserte.

Estim. 50 000 - 60 000 EUR

jeu. 16 mai

Anselm Feuerbach - Anselm Feuerbach Autoportrait Huile sur toile (doublée). 34 x 26 cm. Signé en bas à gauche : Feuerbach. Jürgen Ecker, Anselm Feuerbach. Leben und Werk, Kritischer Katalog der Gemälde, Ölskizzen und Ölstudien, Munich 1991, p. 64, n° 9 Provenance Avant 1915, propriété privée, Düsseldorf - Vers 1915, Kunsthandlung Fritz Gurlitt, Berlin. - Vers 1922 Galerie Georg Caspari, Munich. - Avant 4.10.1927 Collection privée du fabricant de cigares Kommerzienrat Fritz Leonhardi (1832-1899), Minden (acquise par le susnommé). - Depuis lors, collection privée de Westphalie, acquise par succession du susmentionné et appartenant à la famille depuis quatre générations. Expositions Œuvres de maîtres allemands en provenance de collections privées. I. Exposition au profit de l'aide à la guerre pour les artistes plasticiens, Kunsthandlung Fritz Gurlitt, Berlin, 1915 - Exposition à la mémoire d'Anselm Feuerbach, Städtische Galerie Nürnberg, 1929. Littérature Fritz Scheffler : "Les réalistes et les idéalistes. Sur la poésie naïve et sentimentale de Friedrich Schiller", Kunst und Künstler. Illustrierte Monatszeitschrift für bildende Kunst und Kunstgewerbe, vol. 13, 1915, p. 291-306, ill. p. 305 (photographie Fritz Gurlitt, Berlin). - Œuvres de maîtres allemands en provenance de collections privées. I. Exposition au profit de l'aide à la guerre pour les artistes plasticiens, Ausst.-Kat. Kunsthandlung Fritz Gurlitt, Berlin, février 1915, n° 21 (comme "Selbstporträt mit Hut, 1847", mention du propriétaire : H. v. K.), ill. - Catalogue de l'exposition commémorative Anselm-Feuerbach à la Städtische Galerie de Nuremberg, 6.8.-1.9.1929, p. 9, n° 4 (mention du propriétaire : "Galerie Caspari, Munich"). - Hermann Uhde-Bernays : Feuerbach. Beschreibder Katalog seiner sämtlichen Gemälde, Munich 1929, n° 9, p. 42, ill. 3. p. 112 (comme "autoportrait", mention du propriétaire : Herr Kommerzienrat Leonhardi, Minden). - Jürgen Ecker : Anselm Feuerbach. La vie et l'œuvre. Kritischer Katalog der Gemälde, Ölskizzen und Ölstudien, Munich 1991, n° 9, ill. p. 64 (comme "Selbstbildnis", mention de propriétaire : Verbleib unbekannt). "[...] le type se tient là, sacrément distingué, un peu penché en arrière, les bras croisés, il regarde une fois le monde pour lui tourner ensuite le dos". C'est ainsi qu'Anselm Feuerbach, alors jeune étudiant à l'Académie de Düsseldorf, décrit son propre portrait dans une lettre non datée adressée à ses parents à Fribourg. La présente représentation, réalisée un an plus tôt, a servi de modèle de composition à ce tableau, réalisé en 1847 et aujourd'hui conservé au Kunstmuseum de Bâle (Inv. n° 1214). Le jeune peintre se représente de face et - comme il l'explique lui-même dans sa lettre - "pris à la van Dyckisch, très en hauteur avec le chapeau noir dans une jupe de velours noir aux manches largement fendues, comme je me la ferai faire l'été prochain". La tenue vestimentaire est restée la même dans la version de 1847, la position, la couleur et la forme du chapeau ont certes été modifiées. Cette mystérieuse étude était en possession de la famille depuis quatre générations et était autrefois accrochée dans la "chambre des hommes" de la prestigieuse villa dite "villa impériale" du fabricant de cigares et conseiller commercial Fritz Leonhardi à Minden (Westphalie). L'autoportrait de Feuerbach, âgé de vingt ans, fait partie d'un groupe d'autoportraits intimes inspirés de Van Dyck, qui représentent le peintre "peint avec bonheur d'après nature", comme il l'écrivait lui-même.

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

jeu. 16 mai

Gustave Courbet - Gustave Courbet Versant de montagne boisé avec rochers Huile sur toile (doublée). 46 x 55 cm. Signé en bas à gauche : G. Courbet. Provenance Coll. Luquet 1882. - Vente Paris 28.4.1883 (Escribe et Haro), n° 23. - Vente Paris, coll. M. P. C. Chavane. Catalogue de vente 17.12.1906. - Collection Bernheim Jeune, Paris. - Collection Biermann, Brême. - Collection Marquise de Tastes, 1926. - Collection Fouché, Duc d'Otrante, vendue par la Galerie Ludwig Schames, Francfort, 15.12.1926, n° 52. - Collection privée allemande. Littérature G. Riat : Gustave Courbet, Peintre, Paris 1906, p. 174. - R. Fernier : Courbet, t. I, Genève 1977, p. 148, n° 237. Deux titres sont donnés à ce tableau dans sa longue liste de provenances, "La forêt allemande" et "Sous bois". Le premier titre est probablement lié à sa réalisation en 1858 (F. Fernier, op. cit.). Gustave Courbet arriva à Francfort en août 1858 pour un séjour de six mois, où il travailla d'abord dans un atelier du Städelsches Kunstinstitut, probablement dans la Deutschordenshaus, du côté du Main à Sachsenhausen. Après une brouille avec le professeur du Städel Jakob Becker, il a ensuite déménagé dans un atelier du Kettenhofweg. Au total, Courbet a réalisé douze tableaux à Francfort, dont sa célèbre "La Dame de Francfort" (aujourd'hui musée Wallraf-Richartz, Cologne). Connu pour être un chasseur passionné, Courbet eut bientôt accès, sur le Main, à la société aisée de Francfort, qui non seulement appréciait ses œuvres, mais l'invitait aussi souvent à chasser dans le Taunus ou le Spessart. Le soir de la Saint-Sylvestre 1858, il se vanta par exemple d'avoir abattu un douze-coups comme on n'en avait plus tiré depuis plus de 25 ans en Allemagne. Il est donc facile d'imaginer que c'est lors d'une de ces parties de chasse que le peintre a remarqué ce coin de forêt ou de sol forestier "allemand" que l'on peut voir sur ce tableau.

Estim. 35 000 - 40 000 EUR

jeu. 16 mai

François-Joseph Navez - François-Joseph Navez Repos de la pèlerine Huile sur toile. 96 x 71 cm. Signé et daté en bas à droite : F. J. Navez 1853. Provenance Château" De Koude Keuken", Sint-Andies, Bruges, depuis lors dans une famille noble. Expositions Denis Coekelbergs et autres : François-Joseph Navez - La Nostalgie de l'Italie, Musée des Beaux-Arts de Charleroi, 20 novembre 1999 - 20.2.2000, p. 158, n° 290. L'endroit où se trouve le présent tableau était jusqu'à présent inconnu. Denis Coekelbergs l'a publié avec une photographie en noir et blanc dans le catalogue "François-Joseph Navez - La Nostalgie de l'Italie" et l'a désigné comme "Repos de la pèlerine - campagne de Rome". Le tableau a appartenu pendant des générations à une famille de la noblesse flamande et se trouve dans son état ancien et original. La représentation de la mère et du fils dans un paysage aride rappelle les sujets bibliques peints par Navez à Rome, notamment son tableau "Agar et Ismaël" réalisé en 1820 (Bruxelles, Musées Royaux des Beaux-Arts). Toutefois, l'influence de David et des Nazaréens est moins perceptible dans cette œuvre tardive de 1853. François-Josph Navez étudia à l'Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles à partir de 1803 et remporta le premier prix de peinture d'histoire en 1812. Cela lui permit d'étudier dans l'atelier de Jacques-Louis David à Paris de juin 1813 à 1816. Il passa ensuite quatre ans en Italie.En 1821, il s'installa à Bruxelles et prit en 1835 la direction de l'Académie royale des Beaux-Arts jusqu'en 1862. Outre des portraits, Navez réalisa également des scènes mythologiques et historiques. Son impressionnant tableau "Les fileuses de Fondi" fut acheté en 1851 par le roi Louis Ier de Bavière. Elle fait aujourd'hui partie des collections de la Neue Pinakothek de Munich.

Estim. 7 000 - 10 000 EUR

jeu. 16 mai

Adrianus Eversen - Adrianus Eversen Paire de tableaux : Vue estivale de la ville avec une charrette de foin et de nombreux personnages Scène de canal hollandais avec des personnages et une péniche Huile sur bois. Chaque tableau mesure 30,5 x 41 cm. Chacune monogrammée et datée en bas à gauche : AE 55. Provenance Propriété privée, Paris (plusieurs générations). - Propriété privée, Belgique. Ces deux vues de ville constituent un ajout important à l'œuvre d'Adrianus Eversen. Elles ne figurent pas dans le catalogue raisonné de Pieter Overduin. Datées de 1855, elles appartiennent à une période où Everson peignait de manière particulièrement détaillée. L'utilisation de couleurs chaudes et l'accent mis sur l'activité des personnages sont typiques des vedute lumineuses d'Everson. Contrairement à son maître Cornelis Springer, dont il était considéré comme l'élève le plus doué, Eversen peignait moins de représentations fidèles de bâtiments et de quartiers, mais créait des vues harmonieuses comme les deux présentes à partir d'éléments existants et inventés. Eversen s'est inspiré des églises, des hôtels particuliers et des hôtels de ville qu'il a vus lors de ses promenades, ainsi que des bâtiments bourgeois. Il a intégré dans ses motifs le quotidien des citoyens vivant dans ces villes et témoigne ainsi de leurs us et coutumes. Ses vedutas urbaines, en partie reproduites de manière authentique, sont des œuvres qui, d'un point de vue actuel, constituent également un document d'époque sur le retour à l'image des villes au milieu du 19e siècle.

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

jeu. 16 mai

Johan Barthold Jongkind - Johan Barthold Jongkind L'entrée du port d'Anvers Huile sur toile (doublée). 50,5 x 80 cm. Signé en bas à gauche : jongkind. Provenance Vente Louis Sarlin, Paris (Galerie Georges Petit), 2.3.1918, n° 55 (avec ill.). - Marchand d'art Hector Brame, Paris, jusqu'au 31.7.1924. - Marchand d'art E. J. van Wisselingh, Amsterdam, n° 4750, intitulé "l'Escault" (l'Escaut). Vendu à John Gleeson le 28.10.1924. - Collection John Gleeson, Ottawa, jusqu'au 5.10.1928. - Kunsthandel E. J. van Wisselingh, Amsterdam, n° 5186, avec le titre "l'Escaut". Acheté le 5.10. par John Gleeson et vendu le 20.10.1928 à Y. S. Southham. Collection Y. S. Southham, Ottawa, depuis le 20.10.1928. - Vente Koller, Zurich, 1981. - Depuis 1981, en mains privées allemandes. Littérature M. F. Hennus : J. B. Jongkind (Palet Serie), Amsterdam (H.J.W. Becht) [1945], p. 41 (ill.). - Adolphe Stein, Sylvie Brame, Francois Lorenceau, Janine Sinizergues : Jongkind, Catalogue critique de l'Œuvre. Peintures I, Paris (Brame & Lorenceau Editions) 2003, p. 234 (ill.). Jongkind a grandi au bord de l'eau, près de Maassluis. Les bateaux et le climat humide des Pays-Bas l'ont toujours attiré et inspiré. Les nuages qui changent constamment et le paysage couvert de brume, le mouvement des bateaux et le changement des saisons ont été un défi permanent et une source d'inspiration pour le peintre. La représentation vivante du reflet de la lumière sur l'eau est l'un des plus grands mérites de Jongkind. Sa technique picturale aux coups de pinceau vigoureux et sa palette de couleurs subtiles et atmosphériques étaient très appréciées de ses collègues. Avec Eugène Boudin (1824-1898), Jongkind est considéré comme le principal précurseur de l'école impressionniste française. Jongkind a passé la majeure partie de sa vie en France, mais a également vécu quelques années à Rotterdam et s'est rendu plusieurs fois dans son pays natal. De septembre à octobre 1866, il a séjourné dans la ville portuaire flamande d'Anvers, qu'il a également fréquentée pendant les quatre années suivantes. Dans de nombreuses aquarelles, Jongkind a immortalisé les bateaux sur l'Escaut. Il a ensuite utilisé ces impressions rapides d'après nature dans ses tableaux d'atelier. La présente toile non datée a probablement été réalisée dans ce contexte. Du point de vue du style et de la composition, une vue de petit format de l'Escaut avec Anvers en arrière-plan, datée de 1867, lui est étroitement apparentée (voir Victorine Hefting : Jongkind, sa vie, son œuvre, son époque, Paris 1975, p. 190, n° 422). La période entre 1860 et 1875 est considérée comme la plus importante dans l'œuvre de l'artiste. Par la couleur, la texture et l'atmosphère, elle contient tous les éléments de la main créatrice du célèbre artiste. Nous remercions Jeroen Kapelle du RKD, La Haye, pour toute information concernant la provenance de ce tableau.

Estim. 25 000 - 30 000 EUR

jeu. 16 mai

Wladimir Jegorowitsch Makowskij - Vladimir Egorovitch Makovsky Jeune paysanne avec un panier de pommes Huile sur toile. 70 x 47 cm. Signé en cyrillique et daté en bas à gauche : V. MAKOWSKY / 1872. Provenance Musée Roumiantsev, Moscou, probablement jusqu'en 1925 (cachet au verso sur le châssis). - Galerie Tretiakov, Moscou, jusqu'en 1932 (cachet sur la toile au verso), vendu en 1932. - Probablement après 1932, propriété privée, Europe de l'Est/Allemagne, depuis dans la famille. Vladimir Egorovitch Makowskij a réalisé le portrait d'une paysanne russe de manière tout à fait non sentimentale. La jeune femme est assise sur un banc en bois, ses mains reposent sur ses genoux, son regard est calmement dirigé vers le spectateur, un panier de pommes est posé à côté d'elle. Cette œuvre de jeunesse a été réalisée en 1872, peu de temps après que Makowskij ait rejoint les "Peredwishniki" (mot russe signifiant "marcheurs"), l'un des principaux groupes sécessionnistes de la Russie du 19e siècle, fondé en 1870. Makowskij peint son modèle avec un réalisme subtilement contemplatif, sans pour autant créer un tableau de genre sentimental. Ce n'est qu'en 1861 que le servage a été aboli en Russie sous le tsar Alexandre II, ce qui a fait des paysans des individus autonomes et libres. Le groupe des Peredwishniki a été encouragé par Pavel Michailovitch Tretjakov (1832-1898), qui a acheté de nombreuses œuvres pour sa galerie. De son vivant déjà, ce galeriste le plus influent de Russie au XIXe siècle avait collectionné des œuvres de Makovski. La "Jeune paysanne" de Makowskij se trouvait jusqu'en 1932 dans la galerie Tretiakov, à Moscou, qui l'a ensuite vendue. Le tableau porte également le cachet du musée Roumiantsev, Moscou, où il a probablement été jusqu'en 1925. Le tableau se trouve depuis plusieurs générations dans une famille allemande. Nous remercions le professeur Elena Nesterova, Saint-Pétersbourg, d'avoir confirmé l'authenticité du tableau (communication écrite du 21.12.2023). Le groupe des Peredwishniki s'est positionné contre une peinture académique idéalisante, accessible uniquement aux classes sociales supérieures. Conformément à leur conception démocratique et socialement réformatrice de l'art, des artistes comme Makovsky ont choisi leurs motifs et leur ont donné un nouveau statut. Dans ce tableau, il s'agit d'une simple jeune fille issue de la classe la plus basse du peuple russe.

Estim. 25 000 - 30 000 EUR

jeu. 16 mai

Konstantin Jegorowitsch Makowskij - Constantin Egorovitch Makovsky Portrait d'une jeune femme Huile sur bois. 45 x 34,5 cm. Signé en haut à droite : C. Makowsky. Provenance Propriété familiale depuis 1931 sur trois générations. Konstantin Egorovitch Makowskij était l'un des portraitistes les plus recherchés de la Russie de la fin du 19e et du début du 20e siècle. De son vivant, l'artiste était célébré comme le "Rubens russe" ou le "Van Dyck russe". Outre le tsar Alexandre II et l'aristocratie russe, il comptait parmi ses clients des personnalités du monde de l'art et de la culture. En raison de la popularité de ses représentations de boyards avec des scènes antérieures à Pierre le Grand, nombre de ses clients se faisaient tirer le portrait dans des costumes correspondants issus du riche fonds de costumes de Makowskij. Les représentations de jeunes femmes boyardes, parfois vêtues de vêtements luxueux et ornées de bijoux somptueux, étaient particulièrement appréciées et constituaient une véritable galerie de beautés russes. C'est dans cette galerie que s'inscrit le présent portrait d'une jeune femme, conservé pendant trois générations et près d'un siècle dans une collection privée. Il s'agit cependant ici d'une jeune femme qui n'a rien de mondain, mais plutôt de mélancolique, et qui fait face au spectateur avec calme, le regard ouvert de ses yeux marron foncé. Nous remercions le Dr Elena Nesterova, Saint-Pétersbourg, d'avoir confirmé l'autographe de Konstantin Egorovitch Makowskij sur la base de photographies numériques.

Estim. 30 000 - 50 000 EUR

jeu. 16 mai

Arkhip Ivanovich Kuindszhi - Arkhip Ivanovich Kuindszhi Le mont Elbrouz dans le Caucase Huile sur papier, montée sur carton. 22,5 x 30 cm. Encadré sous verre. Provenance Propriété privée allemande depuis plusieurs générations. Au dos, étiquette du catalogue raisonné de Kuindszhi avec confirmation en cyrillique et numéro 146. Le style de Kuindszhi est illustré dans cette étude à l'huile par la composition minimaliste ainsi que par la lumière et les couleurs dramatiques. Il a immortalisé le mont Elbrouz dans le Caucase dans plusieurs études, dont une vue au clair de lune réalisée en 1895 et exposée à la galerie Tretiakov à Moscou. Kuindszhi a voyagé dans le Caucase de 1888 à 1909 et a réalisé plusieurs séries représentant les paysages montagneux du Caucase et le mont Elbrouz à différents moments de la journée. L'artiste est né sur la côte à Mariupol, alors que la ville ukrainienne faisait encore partie de l'Empire russe. Kuindzhi, qui descendait de Grecs pontiques de Crimée, parlait le grec, le tartare de Crimée, le russe et l'ukrainien, une compétence qui lui a bien servi lors de son voyage autour du nord de la mer Noire, puis à Saint-Pétersbourg. Là, il a fréquenté les Peredwischniki, un groupe d'exposition révolutionnaire, et a ensuite été un professeur influent à l'Académie des Beaux-Arts. C'est à son initiative qu'une société d'artistes appelée A. Kuindzhi a été fondée en 1909 et a existé jusqu'en 1930. Nicholas Roerich faisait partie de ses étudiants les plus célèbres depuis 1895. En mars 2022, le musée d'art Kuindzhi de Mariupol, en Ukraine, a été détruit par une attaque aérienne russe.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

jeu. 16 mai

Peter Paul Rubens, nach - Peter Paul Rubens, d'après L'enlèvement des Sabines Huile sur bois. 42 x 62 cm. Provenance Wallraf-Richartz-Museum, Cologne (inscription en blanc au verso du panneau : "Museum W-R / 905 / 172 H"). - 213e vente Lempertz "Hervorragende Gemälde Neuzeitlicher und Älterer Meister aus deutschem Museumsbesitz und aus Privathand", 8.5.1923, lot 164 (comme : Schule Lebrun). - Collection privée de Hesse. Au verso du tableau, un sceau de collectionneur en laque rouge ainsi que l'inscription en blanc : "Museum W-R / 905 / 172 H". Notre tableau a pour modèle la version grand format de "L'enlèvement des Sabines" de Rubens conservée à la National Gallery de Londres (Inv. n° 38). Seules quelques modifications et variations mineures ont été apportées à l'architecture antique à l'arrière-plan, ainsi qu'à Romulus assis sur une haute estrade à droite, qui vient de donner le signal de la prise violente des Sabines, et à la multitude de personnages sur une autre structure en forme d'estrade à l'opposé à gauche. Il y a toutefois une différence significative en ce qui concerne le groupe de personnages central au milieu du tableau. Le tableau londonien montre une femme vêtue et coiffée comme à l'époque de Rubens, tandis que notre tableau montre à cet endroit la figure de dos d'un Romain qui, avec un deuxième guerrier, soulève une Sabinienne et saisit en même temps une autre femme de la main gauche. Ce groupe de personnages se retrouve dans une esquisse à l'huile du "Vol des Sabines", qui est donc encore nettement plus proche de notre tableau (cf. Corpus Rubenianum XIII (1) Subjects from History, v. Elizabeth McGrath, vol. 2, p. 195-7, fig. 133). L'attribution de cette esquisse à l'huile, dont le lieu de conservation est aujourd'hui inconnu et dont une copie a été vendue aux enchères en 1983 chez Sotheby's à Londres, ne fait cependant pas l'unanimité dans la recherche sur Rubens. Le tableau en question a appartenu au Wallraf-Richartz-Museum de Cologne jusqu'en 1923 et a été attribué à "l'école Lebrun" dans l'inventaire de 1888 (nous remercions le Dr Anja K. Sevcik, Cologne, pour ses informations à ce sujet). Avec cette attribution, le tableau a déjà été vendu aux enchères une première fois dans notre maison le 8 mai 1923. Avec de nombreuses autres œuvres appartenant au musée, cette vente aux enchères particulière inaugurait la nouvelle salle à lanterneau de Lempertz. Le directeur du Wallraf-Richartz-Museum de l'époque, Hans S. Secker, a écrit la préface du catalogue de la vente.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

jeu. 16 mai

Pieter van Schaeyenborgh - Pieter van Schaeyenborgh Nature morte aux poissons d'eau salée Huile sur toile (doublée). 100 x 160 cm. Provenance Collection privée hollandaise. L'arrangement des poissons autour d'une diagonale est typique du style de Pieter van Schaeyenborgh, avec un grand poisson au centre du tableau. Autour de celui-ci sont disposés les différents poissons et objets, tels que des paniers et des bols. Nous remercions le Dr Fred Meijer, Amsterdam, d'avoir confirmé l'attribution sur la base d'une photo (communication écrite du 12.1.2023). Selon lui, la figure du vendeur de poisson devrait être d'une autre main. Pieter van Schaeyenborgh, qui a grandi dans une famille anversoise de marchands de poisson, peignait les poissons comme s'ils venaient d'être pêchés. En 1635, il s'installa à Alkmaar, non loin de la plage. Il s'inscrit à la guilde des peintres d'Alkmaar et reçoit quelques années plus tard une commande prestigieuse de l'avocat Johan van Nordingen de Jonge pour deux grandes toiles. La nature morte avec des poissons d'eau douce et son pendant avec des poissons d'eau salée ont été accrochés pendant des siècles dans la fondation créée par Johan dans la Provenhuis van Nordigen à Alkmaar. Cette paire de tableaux a été vendue en 2020 pour un prix record de €337,500 chez Lempertz. La présente nature morte de poisson témoigne également de la maîtrise de Schaeyenbrogh dans ce domaine. Jusqu'à la première exposition monographique au Stedelijk Museum d'Alkmaar en 2019, l'artiste était peu connu.

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

jeu. 16 mai

Französischer Caravaggist des 17. Jahrhunderts - Caravagiste français du 17ème siècle Le Christ et la femme adultère Huile sur toile (doublée). 126 x 174 cm. Au début du 17e siècle, Rome est redevenue l'épicentre de l'art européen. La scène romaine était dominée par la personnalité singulière du Caravage. En associant une dynamique dramatique à une observation précise de la vie, Merisi a atteint un naturalisme sombre et a connu une grande renommée de son vivant. Ses œuvres et celles de son successeur Bartolomeo Manfredi (1582-1622) offraient une alternative vivante et claire aux œuvres académiques de la fin du maniérisme. La formule caravagesque de Manfredi, dite "méthode manfredienne", avec ses figures grandeur nature et populaires représentées de manière dramatique dans un clair-obscur prononcé sur un fond épuré, a été appréciée par les jeunes artistes de toute l'Europe. L'artiste qui a peint la présente toile s'est certainement référé à des exemples de caravagesques du nord (la toile a été précédemment attribuée à Nicolas Tournier et comparée à sa version du thème "Le Christ et la femme adultère" conservée à Bruxelles, Musées Royaux des Beaux-Arts, inv. n° 1488). Cette attribution ne s'est pas imposée, car l'atmosphère plus claire et le schéma de composition montrent plutôt des influences d'un courant classique - par exemple d'un Pietro da Cortona. L'exécution raffinée et pourtant naturaliste se rattache sans aucun doute à la scène artistique romaine de la troisième décennie du XVIIe siècle, lorsque le naturalisme intense du caravagisme fut lentement remplacé par un style plus lumineux et plus léger, annonçant déjà le XVIIIe siècle.

Estim. 30 000 - 50 000 EUR
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