27th May - Decorative Arts

Lot 1 - D'après MICHELANGELO BUONARROTI (Caprese, 1475-Rome, 1564), XIXe siècle. "Giuliano de Medici" Bronze. Dimensions : 92 x 37 x 39 cm (sculpture) ; 80 x 38 x 42 cm (socle en bois). L'œuvre proposée est la représentation de la sculpture originale réalisée par Michel-Ange entre 1526 et 1534 et qui fait partie de la décoration de la nouvelle sacristie de la basilique de San Lorenzo à Florence. La statue idéalisée de Giuliano suit les canons des proportions parfaites de l'Antiquité classique. Il apparaît assis, vêtu du costume militaire romain et portant le bâton de commandement, tout en conservant une attitude d'intervention et de mouvement, visible au niveau du torse et de la tête tournée. En outre, il avance l'une de ses jambes tandis qu'il recule l'autre dans une pose plus détendue, révélant une position "contrapposto". L'ensemble est très détaillé et réaliste, comme en témoignent les gestes et l'expression du visage de l'homme politique italien. Giuliano de' Medici, membre de l'une des familles les plus renommées de l'Italie de la Renaissance en raison de leur richesse en tant que banquiers, une activité qui leur permettait d'agir en tant que mécènes d'importants scientifiques et artistes de l'époque, est représenté avec beaucoup d'habileté.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 2 - LOUIS ERNEST BARRIAS (France, 1841 - 1905). "La Nature se dévoilant devant la Science". Bronze doré et argenté. Signé par l'artiste. Avec signature et cachet de la fonderie Susse Frères Editeurs. Dimensions : 74 x 26 x 18 cm. Splendide et majestueuse sculpture en ronde-bosse réalisée en bronze doré et argenté représentant une femme à moitié nue (" La nature se déshabille devant la science "), considérée comme l'une des meilleures œuvres de l'auteur Louis Ernest Barrias. Elle repose sur une base rectangulaire et représente une femme d'une beauté exubérante. Le visage et le cou, élaborés avec beaucoup de perfection et de délicatesse, méritent une attention particulière. Cette œuvre témoigne de la maîtrise du sculpteur ; son charme et sa séduction résident dans l'infinie beauté de la figure, accentuée par le travail impeccable de Louis Ernest Barrias. Le traitement des tissus, dans une infinité de plis et d'ondulations, donne à l'œuvre un grand sens du mouvement, caractéristique essentielle du style moderniste qu'elle représente. Le scarabée du manteau est polychromé dans un ton vert, original pour l'époque. Cette sculpture est représentée dans d'importants musées européens. Fils d'un peintre miniaturiste, Louis Ernest Barrias se forme à l'Ecole des Beaux-Arts auprès de Jouffroy et remporte en 1861 le deuxième prix de Rome avec un bas-relief. Quatre ans plus tard, il obtient le premier prix, sur le thème "La fondation de Marseille". La même année, en 1865, il fait ses débuts au Salon de Paris avec deux bustes en marbre, "Jazet" et "Barrias". En 1870, il expose à ce même salon "Fileuse de Megave", un marbre qui sera envoyé à Rome. Il expose au Salon de Paris jusqu'en 1904, avec des œuvres telles que "Le Printemps", "La Fortune et l'Amour" ou "Le nourrisson Mozart". Barrias est un artiste prolifique qui reçoit de nombreuses commandes de monuments, de bustes, de statues et de groupes sculptés pour la métropole et les colonies. Il réalise des œuvres en marbre, en bronze et en bronze et ivoire, de grand et de petit format, éditées en différentes dimensions, comme la "Jeune fille de Bou-Saada". Son travail lui a valu d'importantes récompenses, dont de nombreuses médailles et distinctions. Membre de l'Institut, il succède à Cavalier comme professeur à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris. Son œuvre "La Nature se dévoilant devant la Science" est la plus connue de sa production, considérée comme son grand chef-d'œuvre et aussi comme un paradigme de son époque, puisqu'elle représente l'Art nouveau le plus pur. Elle fut présentée en 1893 comme un grand marbre pour la Faculté de médecine de Bordeaux. C'est en 1899 qu'a été réalisée celle qui est conservée au musée d'Orsay à Paris. Parmi sa production monumentale, on peut également citer "Le Serment de Spartacus" (1872, Jardin des Tuileries), le monument de la Défense de Paris, le gigantesque monument de onze mètres à "Victor Hugo" et d'autres œuvres, tant rondes que bas-reliefs, pour l'Opéra de Paris, le Louvre, l'église de la Sorbonne et divers palais urbains à Paris, Poitiers, Neuilly et dans d'autres villes. Ses œuvres sont actuellement conservées au Musée d'Orsay à Paris, au Museum of Fine Arts de Boston, au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden à Washington D.C., au Allen Art Museum dans l'Ohio, au Musée national des beaux-arts de Buenos Aires, au Valtion Taidemuseum à Helsinki et au Walters Art Museum dans le Maryland, parmi d'autres collections publiques et privées.

Estim. 15 000 - 16 000 EUR

Lot 3 - Paire de soupières JOHANN GEORG HANN (actif 1780-1812). Vienne, vers 1800. En argent. Avec poinçons. Pièces destinées à l'exportation vers la France et timbre fiscal 1806/07 pour financer les guerres napoléoniennes. Avec les initiales L.S.B. sous la couronne et les armoiries de Maslov Andreii Timofeevich (1770-1828). Poids total : 12-13 kg. environ. Bibliographie consultée : "Vienne, vers 1780. An Imperial Silver Service Rediscovered", Wolfram Koeppe, The Metropolitan Museum of Art, New York et Yale University Press, New Haven et Londres. Dimensions : 52 x 45 cm. La réalisation de la paire de soupières sur appel d'offres ne peut être comprise sans son fervent contexte historique : nous nous déplaçons à Vienne autour de l'année 1792 lorsque, en raison des guerres révolutionnaires en Brabant et en France, Marie-Christine d'Autriche et le prince Albert de Saxe-Teschen sont contraints de fuir Bruxelles pour s'installer de façon permanente dans la capitale autrichienne. Avec eux, la cour a apporté tous les biens ducaux (vaisselle, meubles, porcelaine de Saxe et de Meissen, et bien d'autres objets luxueux et exquis) dans la ville sur le Danube. Cependant, après la mort triste et inattendue de son épouse en 1798 des suites du typhus, le prince Albert se retira dans l'Albertina, aujourd'hui considérée comme l'un des musées les plus importants au monde, où il rassembla et agrandit ses trésors artistiques et ceux de sa défunte épouse, créant ainsi l'une des collections d'art les plus importantes de notre époque. Parmi la multitude d'artisans et d'artistes qui évoluaient dans le milieu princier de l'époque, le nom d'Ignaz Joseph Würth se détache, "l'un des orfèvres les plus recherchés et les plus influents de son temps, dont les créations ont inspiré aussi bien ses collègues que les membres de sa famille et qui subsistent aujourd'hui dans d'importants musées du monde entier", explique Wolfram Koeppe dans son étude "Vienne, circa 1780. Un service impérial en argent redécouvert". Par conséquent, "des formes en argent d'une extraordinaire inventivité et d'une superbe qualité ont été produites entre 1775 et le début des années 1790, et il est clair que les contemporains, les concurrents et les disciples d'Ignaz Joseph Würth ont observé de près le style du maître", poursuit Koeppe. Parmi eux, une soupière actuellement conservée dans la collection du prince de Liechtenstein, qui était autrefois associée à la collection Albert et a en fait été utilisée pour le deuxième service de Saxe-Teschen, est particulièrement remarquable. "Fabriquée en 1794 par Johann Georg Hann à Vienne, elle constitue l'un des derniers efforts pour atteindre le style de la dynastie Würth ; en même temps, son pied surdimensionné et ses jambes hautes anticipent les prochains développements stylistiques qui se répandront dans toute l'Europe, ceux du néoclassicisme tardif et de la période Empire", affirme M. Koeppe. C'est pourquoi la paire de soupières néoclassiques que nous présentons aujourd'hui est un véritable témoignage de ce que la cour Albertine et son important héritage artistique ont signifié pour le discours culturel de la capitale autrichienne. Réalisées par l'excellent orfèvre Johann Goerg Hann à Vienne vers 1800, les deux pièces suivent un discours stylistique aux caractéristiques similaires, à l'exception de la figure couchée qui orne les corps principaux et qui varie légèrement l'une par rapport à l'autre. Les deux soupières reposent sur un grand plat circulaire soutenu par des pieds en griffe, qui laisse place à une tige en forme de coupe inversée. Le corps des soupières est muni de deux poignées latérales et d'un couvercle avec poignée. L'argent est soigneusement travaillé, tantôt ciselé de motifs végétaux abondants, tantôt travaillé de bas-reliefs figuratifs exquis, de cornes d'abondance et de motifs floraux ou, dans certaines parties comme les anses, conservant même la simplicité de l'argent poli. Il convient de noter la grande valeur décorative de l'anse, avec une succession de palmettes et de fruits qui ajoutent de la distinction et terminent superbement l'ensemble. Une soupière de Johann Georg Hann se trouve actuellement au Museum Für Angewandte Kunst de Vienne (inv. N. GO 1817) et dans la collection du prince de Liechtenstein, Vaduz-Vienne.

Estim. 90 000 - 100 000 EUR

Lot 4 - GIOVANNI NISINI ; Rome, XIXe siècle. "Furietti centaures". Bronze patiné. Signé sur la base. Dimensions : 57 x 32 x 15 cm ; 48 x 32 x 15 x 15 cm. Ces pièces reprennent les modèles stylistiques des centaures trouvés dans la Villa Adriana de Tivoli, réalisés par Aristeas et Papias, à l'époque hadrienne (117-138 après J.-C.), qui appartiennent aujourd'hui à la collection du Musée du Capitole. Les originaux sont en marbre et sont connus sous le nom de "Jeune Centaure" et "Vieux Centaure". Ils ont été retrouvés en 1746 et sont devenus une source d'inspiration artistique. Un exemple en est ces deux sculptures en bronze qui, bien que suivant le modèle déjà mentionné, ont des caractéristiques propres qui en font des sculptures uniques. La figure du centaure provient de la mythologie grecque ; cette race, avec le torse et la tête d'un humain et les jambes d'un cheval, était très encline aux excès de vin et à se laisser emporter par les bas instincts, provoquant ainsi de célèbres batailles contre les Lapithes, que les centaures perdaient généralement, dans une métaphore du triomphe du comportement civilisé des hommes, un épisode représenté par exemple dans les frises du Parthénon. Un centaure important dans l'iconographie antique était Nessus, célèbre pour avoir enlevé Deyanira, la fiancée d'Hercule.

Estim. 43 000 - 44 000 EUR

Lot 5 - Grand vase avec paons, 1860-1880. Bronze à double patine. En bon état. Dimensions : 113 x 63 cm. Ce grand vase se distingue par le couple de paons qui déploient ostensiblement leur grand plumage sur le corps du vase. Les détails de chacune des plumes, ainsi que les visages rudes et les griffes rigides des animaux, témoignent de l'habileté du sculpteur, qui reflète avec une totale véracité l'étude minutieuse de la nature. D'un point de vue stylistique, le vase répond à la sculpture animalière du XIXe siècle, naturaliste dans la représentation, tant dans l'expression des animaux que dans les détails de leur anatomie, de leur fourrure, etc., bien que le décorativisme de l'Art nouveau progresse. Le paon possède certaines des caractéristiques humaines les plus admirées et symbolise l'intégrité et la beauté que nous pouvons atteindre lorsque nous nous efforçons de montrer notre vrai visage. Dans l'histoire, les mythes, les légendes, la tradition et le symbolisme, le paon est porteur de présages de noblesse, de sainteté, d'orientation, de protection et de vigilance. Le paon est un totem de gloire, de spiritualité, d'éveil, d'immortalité, de raffinement et d'incorruptibilité. Dans la spiritualité chinoise, il est associé à Kwan-yin (déesse de la miséricorde, protectrice des femmes et des enfants, et de la fertilité), qui est également un emblème de l'amour, de la vigilance, de la compassion, de la bonne volonté, de l'éducation et de la gentillesse. La symbolique du paon est ancienne, sa majesté ayant attiré l'attention de l'humanité depuis l'Antiquité. Bien qu'il soit associé au concept de vanité, le paon est, dans presque toutes les cultures, un symbole solaire lié à la beauté, à la gloire, à l'immortalité et à la sagesse. Il est originaire de l'Inde et c'est Alexandre le Grand qui l'a apporté, avec sa signification symbolique, en Occident, en passant par Babylone, la Perse et l'Asie mineure, pour atteindre la Grèce à l'époque classique. Son symbolisme solaire est sans aucun doute lié à sa longue queue de couleurs et à ses dessins en forme d'yeux qui, en raison de leur forme circulaire et de leur luminosité, sont également liés au cycle vital et éternel de la nature.

Estim. 28 000 - 30 000 EUR

Lot 6 - Moretti. Italie, XIXe siècle. Mère sculptée, polychrome et dorée. Avec sa base d'origine. En très bon état. Dimensions : 167 cm (hauteur). Cette sculpture s'inspire de l'iconographie appelée "blackmoor", qui est devenue populaire à Venise au XVIIe siècle, définissant ainsi des personnes exotiques provenant de l'extérieur de l'Europe. Ils sont également connus sous le nom de "Moretti" en l'honneur du "Maure de Venise". Dans ce type de pièces, ils étaient utilisés comme figures dans différentes disciplines artistiques : en sculpture comme serviteurs avec des plateaux ou tenant des points lumineux, en architecture "tenant" les façades des bâtiments et, dans le domaine des arts décoratifs, également comme pièces de joaillerie. Notre pièce se dresse sur un piédestal recouvert d'une couche étoilée.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 7 - Fontaine sculpturale. Chine, premier tiers du XXe siècle. Marbre rose. Elle présente des marques d'usage, d'usure et quelques légers manques. Dimensions : 200 x 82 x 82 cm. Pièce monumentale de fabrication chinoise. La sculpture en marbre rose de cette fontaine sculpturale reproduit avec virtuosité quatre dragons aux larges mâchoires ouvertes et au corps écaillé entourant la base. Entre les dragons se développe un délicat travail végétal en filigrane. Sur leurs têtes repose le bassin, qui s'ouvre comme une fleur aux pétales différenciés. Des moulures feuillagées alternent avec des frettes végétales sculptées en bas-relief et l'ensemble est couronné par un pinacle à base bulbeuse.

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

Lot 8 - MATHURIN MOREAU (France, 1822-1912). "La tempête". Bronze sur socle en marbre. Signé et portant la mention "Hors. Concours." Avec le cachet "Medaille D'honneur". Dimensions : 81 cm (hauteur). Une mère protège ses deux enfants de la tempête. Comme à cette occasion, les personnages de Mathurin Moreau deviennent ainsi des héros modernes, humbles ou fiers, indifférents même, mais toujours admirables et saisis avec un accent poétique qui transcende la simple représentation du naturel. Mathurin Moreau est un sculpteur français, né à Dijon en 1822, fils du célèbre sculpteur Jean Baptiste Moreau. Ses deux frères, Hippolyte et Auguste, étaient également des sculpteurs renommés. Mathurin Moreau entre à l'École des Beaux-Arts de Paris en 1841 et remporte l'année suivante le deuxième Grand Prix de Rome. Il expose ses œuvres pour la première fois au Salon de 1848. Mathurin a également remporté la médaille d'or à l'Exposition universelle de Paris de 1855 pour sa Fontaine de Tourny, qui se trouve aujourd'hui au Québec. Mathurin Moreau a travaillé dans le style académique traditionnel, avec un mélange de réalisme et d'élégance classique. En 1897, il a reçu une médaille d'honneur du Salon et a été membre du jury de l'Exposition universelle de 1900 à Paris. Aujourd'hui, il est représenté dans de nombreux musées et collections privées à travers le monde, dont le musée d'Orsay.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 9 - Paire d'urnes Empire ; vers 1800. Bronze doré au mercure. Dimensions : 62 x 17 x 17 cm (x2). Paire d'urnes en bronze doré au mercure. Les deux pièces présentent le même dessin avec une coupe comme motif central qui s'élève sur une base également dans le même matériau de forme cubique avec une gravure sur chacune de ses faces, alternant la présence d'une couronne et de têtes de taureau sur les côtés, probablement en référence à la métamorphose de Zeus lui-même. Le corps ovale en forme de coupe suit les modèles de l'Antiquité classique en termes de typologie. Dans les deux cas, les pièces ont une base polie sur laquelle est placée l'ornementation en relief. Chacune des urnes présente sur la base un décor végétal sous forme de palmettes qui cède la place à une finition lisse qui se termine par un frettage qui sert de base à la scène principale, mettant en scène une dame qui vide deux cruches dans chacune des coupes qui portent les petits amours qui flanquent la figure principale. L'iconographie indique qu'il s'agit d'Hébé, connue comme l'échanson des dieux, chargée de fournir l'ambroisie au panthéon classique et remplacée plus tard par Ganymède. Ce motif en relief est répété à la fois sur le recto et le verso de chacune des coupes et est délimité dans la partie supérieure par un frettage d'ovales stylisés. Enfin, la zone du col est ornée par la présence de deux petits anges ronds qui reposent sur chacun des flancs du col et qui sont réunis par une guirlande de fruits, symbole d'abondance. D'un point de vue stylistique, cet ensemble d'urnes montre encore une certaine influence de la période Napoléon III, par la présence de guirlandes et de motifs gréco-romains. Cependant, tant la stricte symétrie des formes et des ornements que la conception architecturale des deux objets nous rapprochent trop du style Empire.

Estim. 15 000 - 16 000 EUR

Lot 10 - CESAR CONSTANTINO R. CERIBELLI (Rome, 1841- Paris, 1918). "Jeanne d'Arc", Paris. Bronze. Signé et localisé. Dimensions : 58 x 47 x 20 cm. Cesare Ceribelli a étudié à l'Académie de France à Rome, où il a été l'élève de Rodolini et de Chelli. Il s'installe à Paris en 1866 et devient citoyen français. Il se spécialise dans les figures de genre et les portraits. Membre de la Société des artistes français, il expose régulièrement au Salon officiel de Paris et au Salon des artistes français jusqu'en 1907. Il participe au Salon des Beaux-Arts et au Salon des Artistes Français. Il reçoit une mention spéciale au Salon de 1888. L'État français lui achète le buste de l'empereur Publius Septimius Geta, qui sera suivi d'autres commandes. En 1911, il demande à l'État français l'autorisation de reproduire en taille réduite la statue de Jeanne d'Arc réalisée par Henri-Michel-Antoine Chapu et exposée ensuite au musée du Louvre et aujourd'hui au musée d'Orsay. et exposée ensuite au musée du Louvre et aujourd'hui au musée d'Orsay.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 11 - AUGUSTE MOREAU (France, 1834 - 1917). "L'espliègle ou le vilain". Sculpture en bronze sur socle en marbre. Signé. Avec plaque du Salon des Beaux Arts. Dimensions : 49 x 27 cm. Un garçon joue avec un canard, imprimant à sa gracieuse silhouette une torsion spontanée, ce qui donne à l'ensemble un cachet dynamique et amusant. Fils du peintre Jean Baptiste Moreau, Auguste Moreau commença sa formation comme disciple de son frère aîné Mathurin. Il fait ses débuts au Salon de Paris de 1861, où il participe régulièrement jusqu'en 1913. Il est également membre de la Société des Artistes Français. Ses thèmes - scènes de genre, pastorales, allégoriques - et son style, réaliste et plein de grâce, le rattachent aux autres membres de la dynastie Moreau. Il réalise principalement des bronzes, bien qu'il travaille également le marbre et associe parfois le bronze à l'or ("Victrix enfant", présentée au Salon de 1897). Il réalisa de nombreuses éditions de ses œuvres, très demandées par le public tant pour leurs thèmes, très à la mode à l'époque, que pour leur naturalisme et leur beauté gracieuse. On peut contempler les œuvres d'Auguste Moreau dans les musées des Beaux-Arts de Bordeaux, Dijon, Gray et Reims, ainsi que dans des collections privées tant en France qu'à l'étranger (il a été particulièrement édité aux États-Unis).

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 12 - ÉMILE BRUCHON (France, fin XIXe - début XXe siècle). "Cupidons", période Napoléon III. Paire de sculptures en bronze. Signée. En bon état. Dimensions : 62 x 19 x 19 cm. Dans la mythologie classique, Cupidon - fils de Vénus, déesse de l'amour, de la beauté et de la fertilité, et de Mars, dieu de la guerre - était le dieu romain du désir amoureux, de l'amour érotique, de l'attraction et de la réflexion. Cupidon est représenté avec un arc et des flèches ou un carquois représentant sa source de pouvoir. Une personne touchée par la flèche de Cupidon sera remplie d'un désir incontrôlable. Émile Bruchon a suivi une formation de sculpteur auprès de Mathurin Moreau. Il débute au Salon de Paris en 1880, où il présente la maquette du groupe sculptural qu'il a réalisé pour la tombe de Mademoiselle Ruel (cimetière du Père-Lachaise, Paris). Il travaille principalement sur des thèmes mythologiques, des groupes sculptés et des monuments funéraires.

Estim. 3 000 - 3 200 EUR

Lot 13 - Paire de sculptures du Grand Tour, XIXe siècle. "Empereur de Prima Porta" et "Faustina Livia ou Modestie/Castité". Bronze. Piédestaux en marbre. Il présente de petites restaurations dans le marbre. Dimensions : 50 x 14 cm. Cette paire de sculptures a été réalisée pendant le Grand Tour. D'un côté, elle représente l'Auguste Prima Porta, une statue de l'empereur Auguste qui doit son nom à l'endroit où elle a été découverte, dans le faubourg romain de Prima Porta. Il s'agit d'une magnifique sculpture en marbre qui représente le premier empereur de Rome idéalisé, dans une attitude quasi divine. L'original est aujourd'hui exposé dans le Braccio Nuovo des Musées du Vatican ; d'autre part, la sculpture de Faustina Livia (également appelée Modestie ou Chasteté) a été découverte dans le parc de la Villa Mattei à Rome vers 1575 et est aujourd'hui également conservée dans les Musées du Vatican. Le terme "Grand Tour", apparu pour la première fois dans "Le Voyage d'Italie" de Richard Lassels, a été utilisé pour définir le long voyage à travers l'Europe, en particulier l'Italie, que les jeunes aristocrates britanniques entreprenaient à partir du XVIIe siècle, mais surtout au cours des XVIIIe et XIXe siècles. Le but de ce voyage était pour les jeunes hommes de connaître l'art et la culture de la France et de l'Italie principalement, d'admirer l'art classique de première main, d'apprendre ou d'améliorer leurs compétences linguistiques et d'établir des contacts et des relations avec les élites culturelles et politiques de ces pays. Souvent, les voyageurs recherchaient des pièces avec lesquelles ils pourraient commencer leur propre collection d'art, des objets à rapporter dans leur lieu de résidence en guise de souvenirs. C'est pourquoi des ateliers spécialisés dans la reproduction de pièces romaines, en bronze ou en marbre, ont vu le jour, dont certains ont acquis une grande réputation.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 14 - ANTOINE-LOUIS BARYE (France, 1795 - 1875). "Lion écrasant un serpent". Bronze patiné. Signé. En bon état. Dimensions : 30 x 40 cm. Le modèle de cette sculpture - peut-être la plus connue du sculpteur - a été créé en 1832 et a été exposé pour la première fois grandeur nature en plâtre au Salon de 1833. Par la suite, le gouvernement français a commandé à Barye un moulage pour la place des Tuileries à Paris, qui a été coulé par Gonon & Sons, exposé au Salon de 1856 et aujourd'hui conservé au musée d'Orsay à Paris. Le musée du Louvre possède un exemplaire similaire (numéro d'inventaire 5740). Sculpteur clé du romantisme français, Barye commence sa formation auprès de son père orfèvre, puis l'approfondit auprès des maîtres François Joseph Bosio et Antoine-Jean Gros, à l'Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris, où il entre en 1818. Ses sculptures animalières, largement initiatrices du genre, sont particulièrement appréciées. Il possède sa propre fonderie, collabore avec Viollet-le-Duc sur un projet commandé par Napoléon III et est le professeur d'Auguste Rodin. Il présente ses œuvres au Salon de Paris et réalise des monuments comme le "Lion au serpent" du jardin des Tuileries (1833), commandé par le roi. Il est actuellement représenté aux musées du Louvre et d'Orsay à Paris, à la National Gallery de Londres, à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, à l'Albertina de Vienne, à l'Art Institute de Chicago et au Smithsonian de Washington D.C., entre autres musées du monde entier.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 15 - RENÉ LALIQUE (Aÿ, France, 1860- Paris, 1945). "Suzanne", 1925. Figure en verre satiné. Signé au dos et sur la base : "R. Lalique". Dimensions : 23 x 18 x 5,5 cm. La maison Lalique a été fondée par René Jules Lalique (1860 - 1945), l'un des verriers les plus en vue de l'époque, et l'un des premiers à sculpter le verre pour de grandes œuvres monumentales, comme les fontaines des Champs-Élysées. Il jouit d'une grande notoriété grâce à ses créations originales de bijoux, de flacons de parfum, de verres, d'assiettes, etc. dans les styles Art nouveau et Art déco. Il se forme auprès du joaillier parisien Louis Aucoq, puis poursuit ses études au Sudenham Art College de Londres. L'excellence de ses créations et le goût qu'il met dans ses œuvres lui valent d'importantes commandes pour la décoration intérieure de navires, de trains comme l'Orient Express, d'églises comme Saint-Nicaise à Reims et de nombreuses orfèvreries religieuses et civiles. Lalique ne s'est pas contenté de concevoir ses modèles, il a également fondé une usine pour en produire de grandes quantités, brevetant plusieurs procédés innovants de fabrication du verre, ainsi que divers effets techniques tels que le "satin Lalique" ou le verre opalescent. Les pièces de Lalique sont conservées dans d'éminents musées tels que le Corning Museum of Glass et le Metropolitan à New York, le Louvre ou l'Orsay à Paris, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 16 - Coupe en marbre. Italie, XVIIe-XVIIIe siècle. Dimensions : 46 x 40 cm. Cette coupe entièrement en marbre repose sur un pied circulaire qui laisse place à une tige avec un nœud central. Elle possède un grand récipient semi-ovoïde formé par des gallons dans sa partie médiane inférieure. La partie supérieure se rétrécit pour laisser place à une large embouchure.

Estim. 4 000 - 4 200 EUR

Lot 17 - PIERRE LE FAGUAYS (1892-1962). "Vaslav Nijinsky", vers 1930. Sculpture en bronze patiné et partiellement émaillé à froid sur socle en marbre. Signée : P. LE FAGUAYS. Dimensions : 51 x 48 x 16 cm. Bien que Le Faguays soit né à Nantes, il a fait ses études supérieures en Suisse, où il a été le disciple de James Vibert. À partir des années vingt, il participe activement aux Salons de l'Automne parisiens, se liant d'amitié avec d'éminents artistes de l'époque tels que Max Le Verrier ou les frères Susse. Grâce à sa polyvalence, il travaille avec succès différents matériaux, dont la pâte de verre, le bronze et la terre cuite. C'est justement cette dernière composante qui le propulse vers la célébrité, car grâce à sa malléabilité, et inspiré par les figurines de Tanagra, il parvient à donner à sa production artistique une sinuosité sans pareille en prenant le ballet comme prétexte. C'est dans ce contexte qu'est peut-être née la sculpture qui nous intéresse, représentant Vaslav Nijinsky, l'un des danseurs les plus célèbres de l'histoire. La compagnie des "Ballets russes", créée par Sergey Diáguilev, réussit à réunir les meilleurs membres du Ballet impérial russe du Théâtre Mariinski de Saint-Pétersbourg, parmi lesquels se trouvait Nijinski ; la philosophie de la compagnie était de rompre avec la danse traditionnelle qui avait cours en France, en pariant sur l'innovation dans les différents courants et genres. Leur succès fut immédiat et, tout au long du premier tiers du XXe siècle, leur impact fut tel qu'ils laissèrent une marque indélébile sur les arts et la culture occidentale.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 18 - École italienne, vers 1810. "Guerrier romain". Bronze patiné sur socle en marbre Nero Belgio et Rosso Levanto. Dimensions : 54 x 18 x 20 cm ; 73 x 22 x 22 x 22 cm (avec socle). Sculpture représentant un soldat romain complètement vêtu avec les vêtements habituels : cossis ou casque avec panache (il devait avoir un élément distinctif), lorica ou cuirasse (avec des pièces métalliques articulées) et coligoes ou sandales (clouées et renforcées par une semelle en cuir de 2 cm d'épaisseur). Bien qu'il ne soit pas conservé, il est très probable qu'un bouclier et une épée ou un gladius complétaient son habillement. Il s'agit d'une œuvre correspondant au Grand Tour, terme qui apparaît pour la première fois dans l'ouvrage "El Voyage d'Italie" de Richard Lassels, utilisé pour définir le long voyage à travers l'Europe, en particulier l'Italie, que faisaient généralement les jeunes aristocrates britanniques à partir du XVIIe siècle, mais surtout tout au long des XVIIIe et XIXe siècles. Le but de ce voyage était pour les jeunes gens de se familiariser avec l'art et la culture de la France et de l'Italie, d'admirer l'art classique de première main, d'apprendre ou d'améliorer leur connaissance des langues, et d'établir des contacts et des relations avec les élites culturelles et politiques de ces pays. Les voyageurs étaient souvent à la recherche de pièces pour commencer leur propre collection d'art, d'objets à rapporter dans leur lieu de résidence en guise de souvenirs. C'est pourquoi des ateliers spécialisés dans la réplique de pièces romaines, en bronze ou en marbre, ont vu le jour, dont certains ont acquis une grande réputation.

Estim. 4 000 - 4 200 EUR

Lot 19 - Sculpture de robe ou cap-i-pota de la Virgen Dolorosa. Andalousie, XXe siècle. Bois sculpté et polychrome. Vêtements en soie et en velours enrichis de fils d'or. Visage recouvert de larmes de pâte vitreuse. Dimensions : 159 cm (hauteur totale) ; 63 cm (de la moitié du corps à la tête). Sculpture de typologie "Cap i Pota" (tête et pieds) qui répond à l'iconographie de la Vierge des Douleurs ou des sept Douleurs, un ensemble d'événements de la vie de la Vierge Marie qui constituent une invocation populaire et sont fréquemment recueillis dans l'art. La dévotion aux douleurs de la Vierge trouve ses racines dans l'époque médiévale et a été particulièrement répandue par l'ordre des Servites, fondé en 1233. Les représentations iconographiques dont le thème central est la Vierge Marie dans son aspect douloureux sont nombreuses et variées, la plus importante étant celle de la Vierge des Douleurs et de la Solitude, dans laquelle s'inscrit le panneau présenté ici. Dans cette iconographie, Marie est seule, parfois le cœur transpercé par des épées symbolisant les douleurs qu'elle a subies, généralement au nombre de sept : la prophétie de Siméon, la fuite en Egypte, Jésus perdu à l'âge de douze ans, la rencontre de Marie et de Jésus sur le Calvaire, la Crucifixion, la descente de la croix et l'ensevelissement de Jésus. En bon état pour son âge. Dans le cœur sacré de la Vierge, en argent, une des dagues a été perdue. Les images "cap i pota" sont des figures travaillées en détail uniquement sur le visage et les mains, sur une structure en bois plus ou moins sculptée. Bien que les figures vestimentaires étaient souvent utilisées dans les processions, il s'agit dans ce cas d'une figure destinée à la dévotion privée, étant donné sa petite taille. Les parties visibles sont recouvertes d'une fine couche de stuc et polychromées, tandis que le reste est recouvert de vrais vêtements. Il s'agit d'images particulièrement appréciées pour leur naturalisme, car le fait de porter des vêtements authentiques permet d'atteindre un plus grand degré de réalisme que les images simplement sculptées, qui n'ont souvent pas la qualité suffisante pour atteindre ce degré de naturalisme, si recherché dans l'art religieux depuis l'époque baroque.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 20 - Vase GALLÉ. France, vers 1920. Verre verdâtre à décor floral gravé et polychrome en émail à froid. Signé. En bon état. Dimensions : 46 x 16 x 16 cm. Le maître verrier Émile Gallé (1846-1904) reprendra l'usine de son père en 1874 et connaîtra rapidement un grand succès international, remportant des prix lors d'expositions internationales et vendant des œuvres à de grandes collections et à des musées. Aujourd'hui, les pièces d'Émile Gallé se trouvent, entre autres, au musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, au Metropolitan Museum de New York, au musée d'Orsay de Paris, au musée Brohan de Berlin et au Victoria & Albert Museum de Londres.

Estim. 5 500 - 6 000 EUR

Lot 21 - ANTONIN MERCIÉ (France, 1845 - 1916). "David vainqueur", 1872-1880. Bronze patiné. Sur socle en bois. Le socle présente de vieux xylophages et des traces d'usure. Dimensions : 75 x 36 x 26 cm (sculpture) ; 121 x 33 x 33 x 33 cm (socle). Sculpture en bronze réalisée par le célèbre sculpteur Antonin Mercié. L'œuvre représente le jeune David, aux beaux traits et au corps harmonieux, au moment de rengainer son épée après avoir tué Goliath. La tête de ce dernier gît sur le sol et est piétinée par David dans une attitude victorieuse. Avec la guerre franco-prussienne de 1870 et la défaite du pays, la société française est envahie par un sentiment d'humiliation. Un tel état d'esprit montre, dans ce David, la promesse d'une France qui un jour vaincra, malgré sa faiblesse, le Goliath prussien, comme le jeune berger d'Israël qui, avec sa seule fronde, abattit l'énorme ennemi. Le succès de la sculpture est immédiat : le plâtre exécuté à Rome, où le jeune artiste achève sa formation, lui vaut la Légion d'honneur française, et est commandé en bronze par l'État, en 1872, pour être placé au musée du Luxembourg et au musée des Artistes vivants à partir de 1874. Elle devient l'une des images les plus diffusées dans les journaux illustrés et suscite un tel enthousiasme qu'elle est éditée en petit format. Après le tournant de 1870, Antonin Mercié représente la jeune génération de sculpteurs français désireux de donner, au cœur d'un enseignement classique, une expression plus vivante à sa figure. Cette combinaison d'une composition sage et d'un modelé plein de panache, il l'a recherchée dans les grands modèles de la Renaissance florentine, s'inspirant par exemple du "David" de Donatello. Ainsi, l'utilisation des grandes et belles courbes du bras, prolongées par le mouvement de l'épée, la jambe pliée, la grâce du mouvement avec un certain contrepoint, invitent le spectateur à tourner autour de différents plans qui adaptent progressivement l'espace. Entre classicisme moderne et réalisme explicite, Mercié trouve une voie originale. On trouve le "David Vainqueur" en grand format au Musée d'Orsay à Paris, celui de Montpellier et celui de Troyes, ce dernier étant une copie également fondue par Barbedienne. Peintre et sculpteur, Antonin Mercié étudie à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris, où il est l'élève d'Alexandre Falguière et de François Jouffroy. En 1868, il reçoit le prix de Rome, qui lui permet de parfaire sa formation en Italie. Ses premières œuvres importantes sont "David" et "Gloria Victis", récompensées par des médailles d'honneur aux Salons de Paris de 1872 et 1874. En 1882, il renouvelle ce succès avec le groupe "Quand Même !" qui, comme "Gloria Victis", évoque la guerre franco-prussienne de 1870. A partir de la fin des années soixante-dix, il réalisera d'importantes commandes, comme "Le Génie des Arts" pour les Tuileries (1877), "Le souvenir" pour la tombe de Madame Charles Ferry (1885) ou "Regret", pour celle d'Alexandre Cabanel (1892). Mercié réalise également les monuments à J.L.E. Meissonier (1895), dans le Jardin de l'Infante du Louvre ; celui dédié à Louis Faidherbe (1896), à Lille ; et celui des rois Louis Philippe Ier et Amélie pour leur enterrement dans la chapelle royale de Dreux. Outre ces commandes monumentales, Mercié réalise de petites sculptures, des bustes et des médaillons, production qui lui vaut la médaille d'honneur à l'Exposition universelle de Paris de 1878, et le Grand Prix à celle de 1889. Il est également reconnu comme peintre, médaillé aux Salons de 1883 et 1885. En 1891, il devient professeur de dessin et de sculpture à l'École des Beaux-Arts de Paris et, la même année, il est nommé membre de l'Académie française. Il est ensuite nommé grand officier de la Légion d'honneur et devient en 1913 président de la Société des artistes français. Mercié est actuellement représenté au Louvre, au musée de l'Orsay, au musée des Beaux-Arts de Bordeaux, Rennes et Chambéry, à l'École nationale des Beaux-Arts de Paris, au musée des Augustins de Toulouse, à la National Gallery de Washington, au Courtauld Institute de Londres, etc.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 22 - Paire de pieds de lampe en forme de guerriers africains du début du 20e siècle. Métal patiné et polychrome. Les deux sont estampillés "H. & J. Gardner Paris 153 et 63 Strand London". En bon état. Dimensions : 104 x 26 cm. Cette paire de pieds de lampe en forme de guerriers africains se distingue par le haut degré de détail de sa fabrication. Tant les vêtements que les visages et les coiffures ont été délicatement travaillés dans un style réaliste. Les volutes des jupes et les torsions des corps ajoutent du mouvement aux compositions.

Estim. 6 500 - 7 000 EUR

Lot 23 - Paire de morilles de cheminée, XVIIIe siècle. En bronze patiné. Dimensions : 105 x 60 x 35 cm. Morilles de cheminée, réalisés en bronze, d'époque rococo et de style historiciste qui combinent des éléments d'inspiration Renaissance et baroque. Deux Cupidons travaillés en ronde-bosse, avec des cheveux bouclés et un carquois accroché sur les côtés, terminent les deux morillons. La partie inférieure, ajourée, alterne des motifs foliacés inspirés des tornapuntas avec des masques de Dionysos et de lions, ainsi que des amorcillos et des satyres dont les corps hybrides ornent les côtés. Des frettes et des festons floraux complètent la décoration.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 24 - École russe, vers 1830. "Empereur Alexandre Ier de Russie". Bronze patiné. Dimensions : 43,5 x 20 x 10 cm ; 51 x 17 x 14 x 14 cm (avec socle). Cette sculpture représente Alexandre Ier de Russie, empereur de l'Empire russe depuis le 23 mars 1801, roi du tsarat polonais depuis 1815 et premier grand-duc de Finlande. Il est habillé à la mode de l'époque, en redingote boutonnée et portant ses décorations. Il adopte une posture déterminée, une jambe en avant par rapport à l'autre, conformément à sa position politique et sociale.

Estim. 7 500 - 8 000 EUR

Lot 25 - JEAN VINCENTI (Actif à Paris vers 1824 -1870). Pendule de table, vers 1860 Marbre noir de Belgique et bronze doré et bleui. Estampillée : Medaille d'Argent Vincenti & cie 1855. Il présente de légers défauts dans l'un des coins du marbre. Dimensions : 66 x 41 x 26 cm : 66 x 41 x 26 cm. Horloge de table en marbre et bronze. Le boîtier sphérique repose sur une base en marbre noir de Belgique, sculptée en forme de balustrade, avec des motifs floraux dans les angles. Sur la base sont disposés le boîtier, mentionné ci-dessus, et une sculpture ronde représentant un jeune guerrier lauréat. Jean Vincenti, d'origine corse, fonda en 1823 à Montbéliard la fabrique de montres Vincenti & Cie, dont il signa l'œuvre après avoir reçu la médaille d'argent à l'Exposition universelle de Paris en 1855. En raison de difficultés financières quelques années plus tard, l'entreprise doit déclarer faillite en 1828. Le directeur de la manufacture, Jean "Albert" Roux, reprend une partie des actions de Vincenti. Vincenti & Cie peut ainsi reprendre la production en 1829. L'entreprise réussit à remporter une médaille d'argent pour ses montres en 1834 à Paris. Après la mort de Vincenti en 1833, Albert Roux reprend l'entreprise qui obtient une médaille d'or en 1855. Vincenti & Cie existe jusqu'en 1923.

Estim. 12 000 - 13 000 EUR

Lot 26 - D'après les modèles de GERMAIN PILON (Paris, vers 1528-1590), dernier quart du XIXe siècle. "Les Trois Grâces". Bronze doré et argenté. Avec le cachet "Mécanique de réduction" sur la base. Dimensions : 94 x 44 cm. Le groupe sculptural en bronze des Trois Grâces, qui symbolise ici l'amour conjugal, se dresse sur un piédestal triforme avec des inscriptions latines sur les côtés et une décoration végétale dans les angles. Il a été réalisé à la fin du XIXe siècle à l'image du monument au cœur du roi Henri II, exécuté au XVIe siècle par Germain Pilon, l'un des plus importants sculpteurs de la Renaissance française qui a sculpté les tombeaux des rois de France au XVIe siècle. Le monument au cœur d'Henri II a été commandé en 1561 par Catherine de Médicis pour son défunt mari. Placé dans l'église du couvent des Célestins à Paris, il devait recevoir les cœurs du roi et de la reine de France. Germain Pilon a sculpté le groupe des Grâces et l'Italien Dominique Florentin a réalisé la base triangulaire. L'original en marbre est conservé au musée du Louvre.

Estim. 12 000 - 15 000 EUR

Lot 27 - Centre circulaire avec trois cariatides Empire, d'après les modèles de PIERRE-PHILIPPE THOMIRE (1751-1843). Peut-être Empire russe, XIXe siècle. Bronze patiné et doré. Cristal. En bon état. Dimensions : 68 x 30 cm. Ce grand et magnifique centre de table de style Empire est défini par les trois cariatides qui composent son corps. Il suit de près les modèles de Philippe Thomire, sculpteur français connu surtout pour ses œuvres en bronze doré, grâce auxquelles il devint le principal fondeur en France à la fin du XVIIIe siècle, avec un important atelier établi en 1775. Il s'agit de trois sculptures drapées stylisées s'élevant sur un socle végétal orné de sphinx ailés, d'anges et d'aigles impériaux. Les trois femmes tiennent au-dessus de leur tête une pièce maîtresse en cristal dont le corps principal est orné de motifs en pointes de diamant et la bouche galonnée de grandes facettes. La pièce a été conçue selon un concept sculptural caractéristique de cette époque. Ce type de scènes était très courant dans la décoration des centres de table, et dans de nombreuses occasions, des personnages mythiques ou religieux étaient représentés, liés à un sens et à une esthétique historicistes.

Estim. 10 000 - 11 000 EUR

Lot 28 - Coupe votive Louis XVI ; MACKAY & CHISHOLM, Édimbourg, vers 1780-1790. Argent doré. Présente des poinçons. Dimensions : 54 x 42 x 23 cm. Poids : 4,900 grammes. Coupe ornementale de style classique, dont les formes sont inspirées du style Louis XVI. Il s'agit d'un récipient ovoïde en bronze décoré d'applications en relief, également en bronze doré, coulé dans un moule avec des détails ciselés à froid. Ils se composent d'une base, typique du style, ronde et lisse, sur laquelle est posé directement le pied, composé d'une couronne de laurier serrée, travaillée avec le style synthétique et raffiné typique de l'époque. L'ornementation en bronze se distingue surtout par la qualité du travail au ciseau, qui reproduit avec une grande expressivité la texture des feuilles. Sur la forme ovoïde du corps se trouve un col intermédiaire qui forme l'union avec le récipient, ovoïde selon les modèles classiques, et les poignées latérales sont également remarquables. La combinaison de ces éléments apparemment disparates est cependant efficace au niveau expressif, et parvient à maintenir la rigueur classique tout en laissant place à la fantaisie ornementale si chère à la clientèle bourgeoise de la seconde moitié du dix-neuvième siècle. Le style français Louis XVI est inclus dans le néoclassicisme. Les éléments décoratifs, comme nous l'avons déjà indiqué, sont d'inspiration classique, mais les courbes et les sinuosités du rococo de Louis XV n'ont pas disparu, bien qu'elles soient secondaires.

Estim. 13 000 - 15 000 EUR

Lot 29 - MANUEL LUQUE (Cordoba, 1972). "Dolorosa". Sculpture de chandelier, polychrome. Habillé de velours et de fils d'or. Dimensions : 175 x 85 x 75 cm. Manuel Luque a réalisé de nombreuses commandes pour la dévotion privée de vierges dans leur dédicace Dolorosa, comme celle qui nous intéresse ici, étant l'une des typologies dans lesquelles il est le plus apprécié. Le visage semble vouloir s'animer, tant l'intensité émotionnelle qu'il transmet est forte. Après avoir étudié à l'université du travail Onésimo Redondo de Cordoue, Manuel Luque s'est inscrit, à la fin des années 80, à l'école d'art Mateo Inurria, où il s'est spécialisé dans la sculpture sur bois. Pendant ses études à l'école d'art, il a reçu l'enseignement de son professeur de modelage Manuel Vela, un sculpteur de Cordoue. À la fin de ses études, il complète sa formation en tant qu'apprenti dans l'atelier des sculpteurs cordouans Antonio Bernal Redondo et Francisco Romero Zafra. Sa première œuvre processionnelle est l'image de Jésus de las Penas de la Confrérie des Anges de Puente Genil à Cordoue, bénie en l'an

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 30 - MANUEL MARTÍN NIETO (Morón de la Frontera, 1978). "Pietà". Sculpture en bois de cèdre, polychrome. Dimensions : 160 x 140 x 80 cm. La virtuosité de Manuel Martín Nieto est évidente dans cette scène subjuguante de la Pietà. Le corps exalté et le visage fin du Christ expriment dans chaque portion de peau son histoire de souffrance et de pardon. La Vierge, quant à elle, semble s'animer sous nos yeux ébahis par sa facture inégalée et le pathos néo-baroque qu'elle véhicule. Sculpteur ayant un atelier dans la ville sévillane de Morón de la Frontera, avec plus de 20 ans d'expérience dans la sculpture religieuse et profane. Depuis son enfance, il excelle dans le dessin et, à 13 ans seulement, il devient l'apprenti du grand sculpteur Manuel Guzman Bejarano. Manuel Martín Nieto est l'un des principaux responsables de l'intense poussée naturaliste qui caractérise l'évolution et la brillante transformation de la sculpture néo-baroque andalouse au cours des deux premières décennies du XXIe siècle. Établi à Morón de la Frontera, son activité est projetée dans toute l'Andalousie et dans une grande partie de l'Espagne, avec des notes de qualité qui le distinguent et l'inscrivent dans le grand groupe des grands sculpteurs sévillans de notre époque. Sa formation matérielle dans les ateliers de Manuel Guzmán Bejarano, Manuel Hernández León et José Antonio Navarro Arteaga lui a permis d'acquérir une solide maîtrise du métier, condition essentielle au développement d'un style personnel et d'une maîtrise à laquelle il est parvenu après deux décennies de travail ininterrompu. Avec eux, il a été initié à l'esthétique néo-baroque, à laquelle il a toujours montré une profonde appréciation ; cependant, plusieurs facteurs le distinguent de ses maîtres et des sculpteurs contemporains apparentés. Au sens strict du concept néo-baroque de la sculpture, il faut souligner l'intérêt de Manuel Martín Nieto pour des références extérieures au contexte sévillan, comme le grand sculpteur castillan Luis Salvador Carmona, une décision qui le distingue de tous ses contemporains et qui n'a d'antécédent que chez Antonio Eslava Rubio, dont l'un des modèles était Francisco Salzillo. Cette largeur de vue dans les paramètres établis par le mouvement néo-baroque est peu commune et constitue une note caractéristique qui le définit.

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

Lot 31 - MANUEL TELLEZ BERRAQUERO (Séville, XXe siècle). "Le Christ mort". Sculpture en bois polychrome. Signée. Dimensions : 133 x 140 x 40 cm. Ce Christ est une œuvre du célèbre imagier sévillan Manuel Tellez, qui jouit actuellement d'une grande reconnaissance parmi les confréries de sa ville. Il s'agit du corps mort du Christ, appartenant très probablement au passage de son enterrement, avec d'autres personnages en l'occurrence absents. Le corps de Jésus est représenté pratiquement nu, à peine couvert par le "perizonium" ou tissu de pureté, mais sur le drap qui lui a servi à descendre de la croix et qui lui sert maintenant de linceul. Les excellentes sculptures de Tellez madera ont été portées lors de nombreuses processions et fêtes patronales, comme sa célèbre Señora de la Misericordia (Notre-Dame de la Miséricorde). Les porte-parole de la Fraternité de Jésus du Pardon ont souligné l'"expression" et le "regard" de la Vierge, qui ont "une grande onction sacrée" et appellent à la "prière". Manuel Téllez Berraquero a également été désigné pour réaliser le Christ de la Miséricorde, à la tête du groupe paroissial du même nom et rattaché à la paroisse de Notre-Dame d'Amparo. Le sculpteur a également été chargé de sculpter l'image de la Vierge des Douleurs, de la même association.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 32 - MANUEL TELLEZ BERRAQUERO (Séville, XXe siècle). "Dolorosa". Sculpture de chandelier. Robe en soie et manteau en velours brodé d'or. En bois sculpté et polychrome. Dimensions : 190 x 150 x 60 cm ; 210 cm (en bas avec la cape déployée). Vierge processionnelle, œuvre du célèbre artiste sévillan Manuel Tellez, qui jouit actuellement d'une grande reconnaissance parmi les confréries de sa ville. Il s'agit d'une Vierge de robe, et c'est donc dans le visage et les mains que l'auteur dépose tout son sentiment, transmettant avec la Vierge aux paupières mi-closes et aux sourcils arqués une impression profonde, qui dénote un maniement unique de l'art de la sculpture. Ses excellentes sculptures sur bois ont participé à de nombreuses processions et fêtes patronales, comme sa célèbre Señora de la Misericordia. Les porte-parole de la Fraternité de Jésus du Pardon ont souligné l'"expression" et le "regard" de la Vierge, qui, comme ils l'ont expliqué, a "une grande onction sacrée" et appelle à la "prière". Manuel Téllez Berraquero a également été désigné pour réaliser le Christ de la Miséricorde, à la tête du groupe paroissial du même nom et rattaché à la paroisse de Notre-Dame d'Amparo. Le sculpteur a également été chargé de sculpter l'image de la Vierge des Douleurs, de la même association.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 33 - Paire de Blackmoors ; Venise, 19e siècle. Bois sculpté et polychrome. Dimensions : 182 x 50 x 30 cm (x2). Ce couple de serviteurs vénitiens est représenté habillé de manière totalement idéalisée. Les figures d'esclaves noirs servant de support aux meubles, ainsi que les chandeliers autonomes, apparaissent à Venise à la fin du XVIIe siècle, chez l'ébéniste et sculpteur Andrea Brustolon (1662 - 1732). Ses meubles se caractérisent par la présence abondante de sculptures, souvent même en ronde-bosse. Ses figures les plus caractéristiques étaient des figures noires comme celle présentée ici, ébonisées et peintes, qui servaient de support à de grands meubles ou qui étaient indépendantes. Ces figures étaient si populaires dans toute l'Europe qu'elles sont devenues un élément clé du mobilier baroque de luxe jusqu'à la fin du XVIIIe siècle et, dans le cadre de l'historicisme, au cours du XIXe siècle. Il s'agit de pièces d'une qualité de sculpture exceptionnelle, conçues comme des œuvres d'art indépendantes. L'iconographie résulte du goût pour l'exotisme qui caractérise le XVIIIe siècle et qui se prolonge au XIXe siècle à travers l'esprit romantique qui aime à réfléchir et à fantasmer sur tout ce qui est différent et lointain, tant dans le temps que dans l'espace. Cette pièce recrée le monde vénitien idéalisé du XVIIIe siècle qui, en ce nouveau siècle industriel, symbolise une élégance et un luxe irrécupérables. Ce type de pièce a été travaillé de manière méticuleuse et exquise, en accordant autant d'attention à la sculpture qu'à la polychromie, qui reproduit librement et avec fantaisie de riches tissus brodés.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 34 - JULES MOIGNIEZ (Senlis, Oise, 1835-1894). "Héron et grenouille". Bronze. Signé. Dimensions : 73 x 92 x 42 cm. Jules Moigniez est un sculpteur animalier français qui a travaillé au cours du XIXe siècle. Sa production était principalement en bronze et il exposait fréquemment ses sculptures au Salon de Paris. Il était surtout connu pour ses bronzes représentant des oiseaux, bien que son habileté et sa polyvalence lui aient permis de produire des sculptures de chevaux de qualité (principalement des chevaux de course), des sculptures de chiens et des scènes de chasse. Ses sculptures d'oiseaux comptent parmi les plus belles réalisées à son époque. Moigniez était connu pour la finesse des détails et le ciselage de ses sculptures. Ses bronzes, généralement coulés selon la méthode de la cire perdue, étaient toujours impeccablement ciselés et patinés, et étaient particulièrement populaires en Angleterre et en Écosse. Plus de la moitié de la production de son vivant a été vendue au Royaume-Uni. À la fin du XIXe siècle, ses sculptures sont également devenues populaires aux États-Unis. Contrairement à d'autres animaliers de l'époque, tels que P. J. Mêne et Antoine-Louis Barye, les sculptures d'oiseaux de Moigniez intègrent souvent des bases très détaillées avec des buissons, des feuillages étendus et des sous-bois. Ses moulages sont généralement d'excellente qualité et présentent une grande variété de patines, les patines or et argent étant les plus recherchées par les collectionneurs. Son Chien braque arrêtant un faisan (1859), coulé en bronze, a été acquis par le gouvernement français pour le château de Compiègne.

Estim. 14 000 - 15 000 EUR

Lot 35 - EUGENI ALEXANDROVICH LANCERAY (Russie, 1848-1886). "Ours". Fer bleuté. Présente l'inscription. Il porte un sceau de fonderie. Dimensions : 56 x 68 x 27 cm. Sculpture animalière représentant un ours debout de façon réaliste avec ses pattes avant tombées accrochées aux branches et aux souches d'arbres cassés. L'œuvre porte une plaque indiquant " Tué par l'empereur près de Lisina le 9 mars 1865 ". L'œuvre est basée sur un modèle du sculpteur Nikolai Lieberich (Russie, 1828-1883). En 1865-1866, Lieberich a été invité à participer à la chasse impériale, ce qui lui a fourni une précieuse source d'observation et d'inspiration pour son œuvre. Un ours tué par l'empereur Alexandre II lors d'une chasse à Lisino est devenu le prototype de ce modèle populaire, exécuté en 1866. Eugène Lanceray était un artiste graphique, peintre, sculpteur, mosaïste et illustrateur russe, stylistiquement associé à Mir iskusstva. Il était issu d'une importante famille d'artistes russes d'origine française. L'artiste a passé son enfance en Ukraine, dans une petite propriété de son père à Neskuchnoe. Après la mort d'Eugène Lanceray, le père de l'artiste, la mère déménage avec ses enfants à Saint-Pétersbourg, dans la maison de son père, connue dans les milieux artistiques sous le nom de "maison Benois près de Nikola Morskoy". Lanceray prend ses premières leçons à l'école de dessin de la Société impériale pour la promotion des arts de Saint-Pétersbourg de 1892 à 1896. Il se rend ensuite à Paris, où il poursuit ses études à l'Académie Colarossi et à l'Académie Julian de 1896 à 1899. Après son retour de France en Russie, Lanceray rejoint Mir iskusstva, un influent mouvement artistique russe inspiré par une revue d'art du même nom, fondée en 1899, à Saint-Pétersbourg. Comme les autres membres de Mir iskusstva, il est fasciné par l'art rococo et s'inspire souvent de l'histoire et de l'art russes du XVIIIe siècle. Sa méthode de création et ses vues esthétiques ont évolué sous l'influence et les conseils de Benois, bien que, dans certains aspects de son talent, Lanceray ait pu surpasser son maître. Lanceray est le seul membre éminent de Mir iskusstva à être resté en Russie après la révolution de 1917. Il quitte la Géorgie en 1934 et s'installe à Moscou, où il participe à la décoration de la gare de Moscou Kazansky et de l'hôtel Moskva. En 1920, il s'installe à Tbilissi, en Géorgie. Pendant son séjour en Géorgie, il donne des cours à l'Académie nationale des arts de Tbilissi (1922-1934) et illustre les courts romans caucasiens de Léon Tolstoï. Lanceray quitte Saint-Pétersbourg en 1917 et passe trois ans au Daghestan, Au cours de cette période, Lanceray travaille également comme décorateur de théâtre. Présente une inscription. Il porte un cachet de fonderie.

Estim. 16 000 - 17 000 EUR

Lot 36 - ALMO BONALDI (Carrara, Italie, 1890 - Toulon, France, 1966). "Allégorie de la musique", vers 1910, Art nouveau. Écran de cheminée en marbre de Carrare sculpté sur socle en marbre rouge veiné. Signé et situé : A. BONALDI / CARRARA. Dimensions : 98,5 x 72,5 x 26,5 cm. Almo Bonaldi est né à Carrare et a ouvert en 1924 un atelier de sculpture sur marbre dans sa ville natale. Le tournant pour l'artiste se produit en 1930, lorsqu'il présente une magnifique sculpture d'un jeune centaure lors d'un concours organisé par l'Académie des beaux-arts de Carrare. À partir de cette date, il est connu pour travailler à Toulon, en France, où il ouvre une entreprise consacrée au marbre, qui fournit à la ville de la pierre pour des travaux publics. Ce paravent témoigne de l'extrême virtuosité à laquelle Bonaldi est parvenu avant son départ pour la France, réalisé autour de la deuxième décennie du XXe siècle. Il développe en son centre, en bas-relief, une scène allégorique où une nymphe, peut-être Siringa, qui semble s'élever en extase en écoutant la musique provenant de deux aulos joués par un faune et une jeune femme, tous deux à ses pieds. Cette scène principale est entourée d'un cadre exubérant de feuilles d'acanthe, flanqué de deux petits oiseaux qui semblent suivre le rythme de la musique et, au sommet, de trois "putti" chantants qui donnent de la voix aux instruments à vent.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 37 - Cosimo II de Medici ; Italie, XIXe siècle. Bronze bleui. Dimensions : 83 x 52 x 22 cm. Buste en bronze représentant le grand-duc de Toscane, Cosimo II de Medici (1590-1621). Le modèle dont s'inspire cette pièce correspond à une sculpture de l'artiste Chiarissimo Fancelli. L'original, en marbre, se trouve sur la clé de voûte de l'arc qui sert d'entrée à la célèbre Loggia del Grano de Florence. La construction de cette halle aux grains a commencé en 1619, sous le patronage de Cosimo de Medici. Giulio Parigi, architecte, a réalisé le bâtiment, tandis que Fancello a réalisé le buste et une fontaine placée dans l'un des angles de la loggia. Le buste, qui a inspiré cette œuvre en bronze, montre Cosimo portant la croix de Saint-Étienne, comme dans la présente sculpture. Les différences sont toutefois notables : dans ce cas, la croix de saint Étienne est suspendue à un ornement qui représente une tête barbue et ailée, et le visage sans moustache de la sculpture actuelle indique qu'il s'agit d'un Cosimo beaucoup plus jeune. Il convient toutefois de noter que les deux sculptures conservent l'allure royale, le regard et la pose altière. Chiarissimo d'Antonio Fancelli (Italie, 1588- 1632) était un sculpteur et un architecte italien de la fin du maniérisme et du baroque, principalement actif en Toscane. Domenico Pieratti et Giovanni Battista Pieratti furent ses élèves. Sa place dans la grande lignée des sculpteurs toscans, dont Cosimo et Luca Fancelli, n'est pas claire.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 38 - Coupes ; Italie, vers 1800. Marbre Brocatel et montures en bronze doré au mercure. Dimensions : 64 x 34 x 31 cm (x2). Paire de gobelets d'inspiration classique sculptés dans du marbre brocatel, dont les qualités et les couleurs naturelles sont mises en valeur. Les deux coupes reposent sur une base très simple de format quadrangulaire, qui laisse place à un pied défini par un périmètre rond orné d'une monture en bronze doré au mercure. Le corps de chacune des coupes présente un dessin très expressif avec une zone inférieure ovoïde, un corps étroit et des épaules de grand diamètre. Ces dernières sont surmontées d'une applique en bronze en forme de peau de lion, dont le visage se trouve au centre de chacune des coupes. Les deux pièces ont un couvercle supérieur entièrement séparable, au profil lisse et incurvé, surmonté d'une anse en bronze doré. Les pièces suivent des modèles classiques, avec des profils élégants et nets, directement inspirés d'œuvres à forte influence classique (cependant, probablement plus proches des œuvres de la Renaissance que de l'Antiquité grecque et romaine elle-même). Ce type d'œuvre apparaît très souvent, dès la Renaissance. Toutefois, à cette époque, il est plus courant de les trouver dans des marbres plus clairs et, en règle générale, sans combinaisons de couleurs dans la pierre. Comme toujours au XIXe siècle, l'influence des exemples de l'Antiquité grecque et romaine est évidente, mais en combinant ces détails pour les adapter au goût de l'époque. La combinaison de ces éléments apparemment disparates est cependant efficace au niveau expressif, et parvient à maintenir la rigueur classique tout en laissant place à la fantaisie ornementale si chère à la clientèle bourgeoise de la seconde moitié du XIXe siècle.

Estim. 21 000 - 22 000 EUR

Lot 39 - PIERRE JULES MÊNE (Paris, 1810 - 1879). "Picador à cheval". Bronze patiné. Signé sur la base. Dimensions : 93 x 61 x 27 cm. Pierre Jules Mêne représente dans cette sculpture un picador sur le dos de son cheval, vêtu d'habits royaux et tenant une lance d'une main et la rêne de l'autre. Ce modèle de Jules Mêne est l'un des deux qu'il a créés sur des thèmes espagnols, l'un d'eux, "le toréador", a été exposé pour la première fois à Paris au Salon de 1877, tandis que le présent modèle est apparu pour la première fois en cire au Salon de 1876 et en bronze l'année suivante. Techniquement, le travail laborieux du cheval se distingue, saisi avec une précision, un naturalisme et une expressivité qui dénotent non seulement une maîtrise de la part du sculpteur, mais aussi une étude attentive du naturel. Ce groupe équestre se compare à d'autres groupes importants de chevaux et de cavaliers de Mêne, tels que le Valet de Chasse Louis XV et le Groupe de Chiens en défaut. Pierre-Jules Mêne est considéré comme l'un des principaux représentants de la sculpture animalière du XIXe siècle. Il était le beau-père du sculpteur Auguste Cain (1821-1894), qui fut son collaborateur. La première formation de Pierre-Jules, alors jeune collectionneur de gravures avec un intérêt particulier pour les œuvres d'Horace Vernet, lui vient de son père, puis du sculpteur sur bois René Compaire. En 1838, il se présente pour la première fois au Salon de Paris et crée sa propre fonderie qu'il dirige personnellement jusqu'en 1877. Il réalise de nombreuses sculptures animalières, particulièrement appréciées sous le Second Empire, comme celles d'Antoine-Louis Barye, Auguste Caïn, Pierre Louis Rouillard.

Estim. 22 000 - 23 000 EUR

Lot 40 - Ensemble de quatre chandeliers ; Allemagne, deuxième quart du dix-neuvième siècle. Fer patiné. Deux d'entre eux portent une inscription et une dédicace : E. GR et ST Juni 1843. Dimensions : 71 x 19 x 19 cm (x4). Ensemble de quatre chandeliers en bronze. Un modèle similaire est reproduit à la page 171 du livre Eissen Statt Gold (Fig. 359). Les quatre pièces ont le même dessin, basé sur une base carrée qui s'élève en forme tronquée jusqu'à la tige conçue comme un stipe et richement ornée de détails végétaux à la manière des candilaires. La partie supérieure se termine en forme de coupe classique avec la simulation d'un tissu dans la partie centrale du corps de la coupe. Deux des chandeliers sont ornés de feuilles dans la partie inférieure de la coupe, tandis que les deux autres ont une finition lisse. Les quatre pièces sont inspirées des chandeliers trouvés dans la chapelle du palais de Charlottenburg à Berlin. Le palais a été construit à la fin du XVIIe siècle et a été considérablement agrandi au cours du XVIIIe siècle. Il comprend une décoration intérieure très luxueuse dans les styles baroque et rococo. Pendant la Seconde Guerre mondiale, le palais a été gravement endommagé, mais il a été reconstruit depuis.

Estim. 28 000 - 30 000 EUR

Lot 41 - Chandelier ; d'après les modèles de l'atelier PIRANESI, XIXe siècle. Bronze bleui. Dimensions : 163 x 62 x 53 cm. Chandelier de grandes dimensions qui suit le même modèle que celui de l'Academia de Bellas Artes de San Fernando, bien que ce dernier soit en marbre. La pièce repose sur une base triangulaire sur laquelle reposent trois griffes de lion et d'où émergent trois côtés ornés de reliefs d'inspiration classique. Les reliefs représentent un satyre, une maenade et des motifs végétaux sous forme de candélabres. Dans la zone supérieure, trois têtes de bélier cèdent la place à la tige du chandelier qui se divise en deux corps richement ornés. La zone inférieure est conçue comme un stipe dont le périmètre inférieur est plus petit que le périmètre supérieur, orné de grandes feuilles et d'ovales dans la zone supérieure. Enfin, la hampe se termine par un corps à base ovale orné de feuilles d'acanthe qui cède la place à un corps cannelé qui accueille la plaque supérieure de structure gallonada et à lèvre large et enveloppée. Selon Sánchez-Jaúregui, "les chandeliers, en tant qu'élément décoratif des salons, sont devenus l'une des pièces d'un certain luxe pour l'ornementation néoclassique. Les modèles étaient peu nombreux et s'inspiraient, le plus souvent, du dessin des peintures, ce que Piranèse utilisait habituellement pour les nombreux exemples de chandeliers qu'il incluait dans ses gravures. La prédilection de Piranèse et de ses clients anglais pour ce type de pièces, qu'il s'agisse de chandeliers, d'urnes ou d'autels antiques, est telle que l'artiste réalisera pendant longtemps de nombreuses planches détachées avec ce type de prétendues antiquités". Battista Giovanni Piranesi était un graveur distingué. Après des études d'architecture, il étudie la gravure auprès de Giuseppe Vasi à Rome. En 1743, il publie sa première série d'estampes, "Prima Parte di Architettura e Prospettiva". Réalisée à l'âge de 23 ans, elle révèle déjà sa maîtrise de la gravure. Alliant zèle descriptif et fantaisie, ses interprétations des anciens monuments romains ont apporté une contribution importante au développement du néoclassicisme. Dans la collection "Carceri d'Invenzione", il transforme les ruines en d'énormes donjons pleins de passages et d'escaliers escarpés qui auront une influence significative sur le romantisme et même le surréalisme. L'architecture palatiale et les maisons de campagne anglaises sont également redevables aux gravures de Piranèse. De nombreuses planches sont passées à l'actuelle "Calcografia Nazionale" à Rome. En Espagne, ses gravures sont conservées à la Bibliothèque nationale et au Musée des beaux-arts de Valence. Dans la gravure qui nous intéresse, l'artiste réinterprète la superposition particulière de l'église de San Lorenzo sur les fondations du temple d'Antonin sur la Via Sacra à Rome.

Estim. 38 000 - 40 000 EUR

Lot 42 - Pendule Empire attribuée à PIERRE-PHILIPPE THOMIRE (Paris, 1751- 1843), d'après CLAUDE MICHALLON (Paris, 1752-1799). France, vers 1805. "À l'amour couronné". Bronze doré. En bon état. Sphère inscrite sur la base. Dimensions : 96 x 57 x 29 cm. Pendule Empire monumentale attribuée au bronzier Pierre-Philippe Thomire, d'après le modèle prolifique réalisé par le sculpteur Claude Michallon. Il s'agit d'une pièce à base étagée sur la partie supérieure de laquelle se trouve le cadran, avec des chiffres romains laqués en noir et bordés d'un liseré classique. Comme dans le modèle de Michallon, sur le corps de l'horloge reposent les figures de Cupidon et Psyché travaillées en bronze patiné : Psyché pose une couronne sur Cupidon, tandis que celui-ci porte la main à sa joue dans un geste délicat plein d'amour et de tendresse. D'un point de vue formel, la position des corps est remarquable et dénote le savoir-faire de Michallon, ainsi que la minutie du modelage dans l'anatomie et dans les qualités. L'attribution du dessin à Michallon (m. 1799) provient d'une facture de 1816 de Feuchère pour Würzburg dans laquelle il mentionne ce "pendule de Psyché couronnant l'amour groupe modelé par feu Michallon". Pierre Philippe Thomire était un sculpteur français connu surtout pour son travail du bronze doré, grâce auquel il devint le premier fondeur de France à la fin du XVIIIe siècle, avec un important atelier créé en 1775. Sa carrière connaît une étonnante embellie lorsqu'il commence à seconder Jean-Claude-Thomas Duplessis, directeur artistique de la Manufacture de Porcelaine de Sèvres, et, à la mort de ce dernier en 1783, Thomire poursuit son œuvre en réalisant les montures en bronze des ouvrages qui l'associent à la porcelaine. Son succès est tel qu'il continue à travailler pendant la Révolution française. En 1804, il étend son activité en achetant l'atelier d'un ébéniste, ce qui lui permet de travailler le mobilier. Il travailla pour Napoléon et le fit également après la chute de ce dernier, prenant sa retraite à l'âge de 72 ans tout en continuant à créer des sculptures (il exposa au Salon de Paris). Claude Michallon est un sculpteur français formé à l'École des Beaux-Arts de Paris, élève de Charles-Antoine Bridan (1730-1805) et de Guillaume Coustou. En 1785, il remporte le grand prix de sculpture avec un bas-relief représentant Brutus. Il étudie à l'Académie de France à Rome pendant six ans, jusqu'en 1791. De retour à Paris, il reçoit des commandes de statues colossales et remporte plusieurs prix décernés par le Comité d'information publique. Il concourt pour plusieurs projets à Paris. Claude Michallon présente son groupe en marbre d'Aconce et Cydippe au Salon de Paris en 1793, et crée plusieurs modèles de boîtes de montres, comme Cupidon et Psychée. Pierre-Philippe Thomire, entre autres, fonde des bronzes d'après ses modèles.

Estim. 25 000 - 28 000 EUR

Lot 43 - Pendule Empire d'inspiration égyptienne, vers 1810. Bronze patiné. Cadran en bronze doré. Base en marbre rouge. Il présente de petites restaurations. Cadran signé "Bailly", horloger actif rue de Menars et rue de Richelieu en 1810. Dimensions : 47 x 25 x 16,5 cm. La campagne de Napoléon en Égypte en 1798 fut le point de départ de l'égyptomanie qui allait dominer l'art français au début du XIXe siècle. Le futur empereur et ses troupes ont pu voir de près les grands temples, les sculptures monumentales et les pyramides, mais les principaux artisans de la diffusion de ces images ont été les artistes qui accompagnaient les troupes et qui se sont consacrés à la réalisation de croquis et d'aquarelles des différents paysages. Lorsque ces œuvres sont arrivées en France, elles ont été gravées et ont servi de base à de grandes peintures à l'huile et à des sculptures. Grâce à ces images, un nouveau répertoire iconographique est arrivé en Europe, basé sur l'art égyptien antique mais recréé avec liberté et fantaisie. Cette horloge de table est un exemple clair de ce goût pour l'égyptien, qui se développera non seulement au début du XIXe siècle mais sera repris avec force à la fin du siècle, dans le contexte de l'historicisme. Ainsi, nous voyons une pièce qui représente une femme assise tenant une horloge dans ses bras. Ces figures solennelles sont devenues très populaires au XIXe siècle, comme en témoignent les horloges similaires qui subsistent encore aujourd'hui. La pendule que nous présentons ici s'inspire d'autres pendules conservées aujourd'hui dans des musées et des palais, comme celle du musée de la Malmaison ou du palais Pavlovsk à Saint-Pétersbourg, entre autres.

Estim. 15 000 - 16 000 EUR

Lot 44 - Horloge de table Empire. France, vers 1806. Bronze doré. En bon état. Dimensions : 54 x 37 x 15 cm. Pendule de table française de style et d'époque Empire. L'ensemble est en bronze, avec un concept sculptural typique de cette époque. Il s'agit d'une pièce d'esthétique classique, avec une base décorée d'un grand feston. Elle est surmontée d'une structure classique en forme de socle qui abrite le cadran de l'horloge (avec des chiffres romains noirs et des aiguilles Breguet, le cadran étant encadré d'une guirlande), orné de cornes d'abondance et soutenu par des pieds en forme de dauphins. L'horloge est couronnée par une figure ronde représentant le dieu de la mer, Poséidon, tenant son trident à côté d'une cruche versant de l'eau.

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

Lot 45 - Pendule Louis XVI. France, vers 1770. Bronze doré et marbre blanc. Dimensions : 42 x 37 x 14 cm. Cette horloge de table se compose d'une base en marbre ornée de reliefs floraux, de pointes et d'anges ailés, sur laquelle repose l'horloge elle-même. La structure repose sur quatre petits pieds en forme de sphère. Appuyé sur cette horloge, un beau groupe sculptural représente Cupidon sur un nuage suppliant Vénus de revenir. Le caractère décoratif de la pièce est rehaussé par le beau travail du bronze doré, ainsi que par les formes florales qui complètent la composition. Sur le plan formel, la figuration est directement inspirée de l'art classique antique, une référence constante dans les arts de cette période.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 46 - Horloge de table. Premier Empire. France, vers 1810. Bronze doré. Cadran en émail. Mouvement parisien, avec sonnerie aux demi-heures et aux heures. Pendule. La clé est manquante. La machine doit être retravaillée. Dimensions : 61 x 51 x 16 cm. Pendule de table française de la période Empire. Le concept sculptural d'inspiration gréco-romaine est caractéristique de l'époque. Réalisée entièrement en bronze doré, elle se compose d'une base ornée d'un bas-relief présidé par la figure de Poséidon brandissant son trident et traversant l'océan sur ses deux chevaux. Des zéphyrs et des petits tourtereaux aux cornes d'abondance soufflent le vent pour accompagner la navigation du dieu marin. Un couple travaillé en ronde-bosse flanque le boîtier de l'horloge. Probablement inspirés des effigies grecques d'Apollon et d'Artémis (bien qu'ils ne portent pas les attributs de la chasse), ils ont des traits idéalisés et des corps athlétiques aux membres tournés. Les tuniques adhèrent au corps, soulignant l'harmonie anatomique, et sont pliées en draperies sensuelles. Les festons de fruits et de légumes, ainsi que les couronnes de laurier, deviennent dans ce contexte des symboles de fertilité et d'abondance. Au centre se trouve le boîtier de l'horloge, qui abrite un cadran blanc bordé d'une guirlande de feuillage. Les chiffres sont des chiffres romains et les aiguilles sont de type Breguet.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 47 - École italienne, peut-être toscane, fin du XVIe siècle. "Christ crucifié". Bois sculpté et polychrome. Il ne conserve pas les armoiries. Dimensions : 43 x 9 cm. Image de dévotion de la Renaissance du XVIe siècle, sculptée en bois et polychrome. Elle représente le Christ en croix, déjà mort, les yeux et les lèvres fermés. La tête inclinée dessine une douce courbe par rapport aux jambes pliées du côté opposé, de sorte que le corps est harmonieux dans son anatomie et ses proportions, ce qui témoigne du style de la Renaissance. Il y a un dramatisme retenu dans le traitement des traces de la souffrance, surtout dans la poitrine avec les côtes marquées, la minceur qui laisse entrevoir les muscles et les tendons, comme si la tension de la douleur palpitait encore dans le corps inerte. Le tissu de pureté est froncé sur le côté, favorisant un jeu de drapé naturaliste.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 48 - Corbeau du 17e siècle. Bois sculpté et polychrome. Dimensions : La face avant de ce corbeau baroque est ornée d'un registre végétal de grandes palmettes superposées.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 49 - Tapis turc ancien, 19e siècle. Noué en laine. 500 000 nœuds/m2. En bon état de conservation. A nettoyer. Dimensions : 290 x 220 cm. 100% laine. Le champ rouge foncé est recouvert d'un motif régulier, symétrique et ordonné, très complexe, avec un réseau d'étoiles polygonales et entièrement composé de motifs végétaux synthétisés, principalement des feuilles et des palmettes. La bordure est composée de sept bandes. Couleurs harmonieuses : grenats, rouges, crèmes, bleus foncés, etc.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 50 - Tapis persan, vers 1920. Laine. Dimensions : 357 x 550 cm. Tapis persan entièrement en laine. Il présente un champ de couleur rougeâtre sur lequel se détache une rosette centrale, à partir de laquelle se développe la décoration végétale, combinant des motifs esthétiques qui se répètent de façon rythmique. La bordure est composée de trois bandes occupées par des bordures aux motifs similaires à ceux du champ, celle du centre étant plus large que les autres. Couleurs complémentaires : beige, brun, blanc, bleu et vert. Le tapis persan est un élément essentiel de l'art et de la culture persane, dont le tissage est devenu une forme d'art. Le tissage du tapis est l'une des plus hautes manifestations de l'art et de la culture persans, qui remonte à l'âge du bronze. Le luxe auquel les tapis persans sont associés forme un contraste frappant avec leurs débuts modestes parmi les tribus nomades de Perse. Le tapis était indispensable pour se protéger des rigueurs de l'hiver. Plus tard, il est devenu un moyen d'expression artistique en raison de la liberté qui découle principalement du choix des couleurs vives et des motifs utilisés. Les secrets de fabrication ont été transmis de génération en génération. Les artisans s'inspiraient d'insectes, de plantes, de racines, d'écorces et d'autres sujets. À partir du XVIe siècle, la fabrication de tapis est devenue un art à part entière.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 51 - Tapis Heriz. Iran, première moitié du XXe siècle. Laine, noué à la main. Marques d'usage et d'usure. A nettoyer. Dimensions : 400 x 280 cm. Noué à la main en laine. Champ rouge avec des décorations géométriques de différentes couleurs qui s'estompent au fur et à mesure qu'elles atteignent les bords latéraux. Ces tapis sont noués à la main dans le nord-ouest de la Perse. Ils sont généralement grands et très résistants. La ville de Heriz est située au nord-ouest de l'Iran, non loin de la ville de Tabriz. Dans cette ville et ses environs, les tapis sont fabriqués avec un motif facilement reconnaissable et un grand médaillon au centre, à angle droit avec les coins marqués.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 52 - Tapis persan. Iran, vers 1950. Laine et soie nouée. 360 000 nœuds au mètre carré. Quelques marques. Nécessite un nettoyage. Usure et détérioration. Dimensions : 250 x 200 cm. Tapis persan des années 50 en laine et soie nouée avec un champ central de couleur rouge à l'origine décoré d'ornements végétaux et des bordures latérales de couleur bleue et beige avec des ornements géométriques et floraux. Au centre du tapis, on peut voir qu'il y a eu un meuble dessus pendant longtemps, ce qui a laissé des marques et permet de voir les couleurs d'origine du tapis. Les tapis persans ont des motifs magnifiques et sont des objets de collection prisés dans le monde entier. Ce n'est pas étonnant, car cela est dû à l'excellente qualité de ces tapis. Le nouage à la main, les couleurs naturelles et les fils de laine fins sont caractéristiques de ces tapis précieux, fabriqués en Perse depuis des siècles. Ils regorgent de motifs traditionnels et de belles couleurs.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 53 - JEAN-BAPTISTE AUGUSTE CLÉSINGER (France, 1814 - 1883). "Chasseuse nue". Rome, 1860. Sculpture en bronze patiné. Signée par l'auteur et avec le sceau de la fonderie Barbedienne. Dimensions : 39 x 18 x 31 cm. Sculpture en bronze, œuvre de Jean-Baptiste Clésinger, inspirée par la déesse de la chasse, Artémis ou Diane, qu'il représente pourtant nue, valeur opposée à la condition púdica de la divinité gréco-romaine. Principalement sculpteur, bien qu'il ait également cultivé la peinture, Jean-Baptiste Clésinger, dit Auguste, commence sa formation auprès de son père, le sculpteur Georges-Philippe Clésinger, qui enseigne à l'École des beaux-arts de Bensaçon. Il est également disciple de Bertel Thorwaldsen, bien que son langage s'inscrive plutôt dans le romantisme, s'éloignant rapidement des modèles néoclassiques de ce maître. Clésinger commence à exposer au Salon de Paris en 1843, avec un portrait en buste du vicomte Jules de Valdahon. Il y expose régulièrement jusqu'en 1864 et, dans l'édition de 1847, il fait scandale pour la sensualité de son œuvre nettement romantique, "Femme mordue par un serpent", pour laquelle il s'est basé sur l'étude d'un modèle réel, Apollonie Sabatier, qui était l'amante de Clésinger et aussi de Baudelaire. Deux ans plus tard, en 1849, il est nommé chevalier de la Légion d'honneur et devient officier en 1864. Il se distingue en tant que portraitiste, représentant des personnages importants de l'époque tels que l'actrice Rachel Félix ou Théophile Gautier. Sa statue de Louise de Savoie dans la série "Reines de France et femmes illustres" du jardin du Luxembourg à Paris est particulièrement importante. Il faut également mentionner son monument funéraire pour la tombe de Chopin, réalisé en 1850. En 1864, Clésinguer adhère à la Société Générale de Photosculpture de France, dont il deviendra le directeur artistique trois ans plus tard. Il sera d'ailleurs l'un des principaux défenseurs de cette nouvelle technique, qui applique le progrès industriel à la production sculpturale. Les œuvres de Clésinger sont actuellement conservées au musée d'Orsay, au musée de la Vie Romantique et au Petit Palais à Paris, au musée de la Picardie à Amiens et dans d'autres collections publiques et privées.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 54 - JOSEP LLORENS ARTIGAS (Barcelone, 1892-1980). Vase, 1935. Céramique émaillée. Signé et daté sur la base. Dimensions : 20 cm. (hauteur) x 16 cm. (diamètre). Céramiste et critique d'art, Josep Llorens Artigas a été formé à l'École de la Poissonnerie, prolongeant ses études au Cercle Artistique de Sant Lluc et à l'École Supérieure des Beaux Métiers de Frances d'Assis Gali, lieu dans lequel il a connu Joan Miró. Installé en 1924 à Paris, il rencontre au cours de sa formation d'importants céramistes tels que Delaherche (1857-1940), pionnier du style Art nouveau en France, développant un style oriental, suivant une esthétique très égalitaire tout au long de sa production, caractérisée par une épuration formelle et un renouvellement des glaçures et des couleurs. Considéré comme l'un des principaux promoteurs de la céramique artistique dans les années 1930, Llorens Artigas a innové dans le style en s'éloignant des goûts néo-historiques qui prévalaient à l'époque, configurant ainsi une œuvre appréciée pour ses qualités matérielles et techniques. Concrètement, la pièce présentée ici est réalisée en grès, avec une couverture verte qui présente de légères variations chromatiques autour des verts. La pureté formelle qui caractérise l'œuvre de Llorens se retrouve dans les volumes arrondis et dans la surface lisse et polie, pleine de luminosité et de nuances.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 55 - Paire de chandeliers ; Espagne, XXe siècle. En argent. Présente des marques. Dimensions : 42 x 31 x 31 cm. Poids : 3026 g. Paire de chandeliers en argent, à cinq lumières, celle du centre suit la ligne du fût. Celui-ci présente un profil tourné à base de moulures et de saillies. La surface de l'argent est ciselée de motifs d'esthétique baroque. Les bras serpentins, décorés d'encoches incisées, ont une forme d'arabesque. Ils supportent les briquets dont les abat-jour sont profilés.

Estim. 1 700 - 1 900 EUR

Lot 56 - Paire de bougeoirs "Retour en Egypte", 19e siècle. En bronze. Dimensions : 48 x 29 x 3 cm. La campagne de Napoléon en Égypte en 1798 est le point de départ de l'égyptomanie qui dominera l'art français au début du XIXe siècle. Le futur empereur et ses troupes ont pu voir de près les grands temples, les sculptures monumentales et les pyramides, mais les principaux artisans de la diffusion de ces images ont été les artistes qui accompagnaient les troupes et qui se sont consacrés à la réalisation de croquis et d'aquarelles des différents paysages. Lorsque ces œuvres sont arrivées en France, elles ont été gravées et ont servi de base à de grandes peintures à l'huile. Grâce à ces images, un nouveau répertoire iconographique est arrivé en Europe, basé sur l'art égyptien antique mais recréé avec liberté et fantaisie. Cette paire de candélabres est un exemple clair de ce goût pour l'égyptien, qui se développera non seulement au début du XIXe siècle mais sera repris avec force à la fin du siècle, dans le contexte de l'historicisme. Le corps du candélabre est constitué de sphinx ailés, la coiffe de pharaon soutenant le corps à quatre bras.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 57 - GEORGES TRIBOUT (1884-1962) Lampe à poser, vers 1930. Plâtre patiné et bronze doré. Signée. Dimensions : 20 x 11,5 x 44 cm. Georges Tribout est né à Paris et a étudié à l'Université de Notre Dame de Boulogne, puis à l'Académie Julian entre 1904 et 1905. Il affectionne le style cubiste et expose au Salon des Indépendants en 1909, ce qui lui permet de participer en tant que céramiste à l'Exposition des Arts Décoratifs de 1925 à Paris. Durant ces années, Tribout dessine également des affiches, des costumes, des décors de théâtre, des sculptures et des céramiques pour la manufacture de Sèvres. L'œuvre en question s'inscrit dans la période de maturité de l'artiste, où l'expérimentation des différents matériaux est la maxime d'une génération d'artistes qui a su s'affranchir des règles coercitives de l'académisme du passé.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 58 - Paire de cornes d'abondance d'époque baroque, XVIIIe siècle. Bois sculpté et doré. Miroirs d'époque, l'un avec une fissure sur le côté. En bon état de conservation. Ils présentent des marques d'usage et d'usure. Dimensions : 102 x 56 x 16 cm. Paire de grandes cornes d'abondance de style baroque. Elles présentent une structure en bois sculpté, ajouré et doré avec de grandes feuilles d'acanthe. Les cornes d'abondance étaient de riches miroirs auxquels on ajoutait des supports pour les bougies (qui disparaissent généralement dans les exemples du XIXe siècle), afin que la lumière des bougies soit multipliée en se reflétant sur leur surface. Ils ont été particulièrement utilisés à l'époque baroque, au cours du XVIIe siècle et de la majeure partie du XVIIIe siècle. Ils constituaient un ornement essentiel dans les grandes salles de représentation qui, suivant la théâtralité typique du baroque, étaient remplies de miroirs et de candélabres qui produisaient des jeux visuels de toutes sortes, en plus d'enrichir la pièce. Comme il s'agissait de meubles de représentation, ils étaient réalisés en bois richement sculpté et doré, décorant leur cadre d'une multitude de délicats motifs en relief, travaillés comme s'il s'agissait de sculptures. Les cornes d'abondance, comme le reste des miroirs de l'époque baroque, pouvaient avoir des cadres de formes et de profils différents, mais ne dépassaient jamais le profil intérieur qui délimite le verre, contrairement aux exemples de l'époque rococo.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 59 - JOSUË DUPON (Ichtegem, Belgique, 1864 - Anvers, Belgique, 1935). "L'effort", vers 1925. Médaille commémorative en bronze doré. Signée : JOSUË DUPON. Dimensions : 53,5 cm . Josuë Dupon était un sculpteur et graveur belge d'origine flamande. Il connut un grand succès grâce à ses sculptures réalistes d'animaux, comme en témoignent les deux groupes sculptés en bronze qui couronnent aujourd'hui l'entrée du Jardin zoologique d'Anvers. Sa réputation est telle qu'il fait partie du petit groupe de sculpteurs autorisés par Léopold II à travailler l'ivoire provenant du Congo, colonie belge. Si, au début de sa carrière, il est plus influencé par les idéaux académiques du XIXe siècle, avec l'arrivée du nouveau siècle, ses compositions changent et deviennent de plus en plus modernes. Il est possible que ce changement soit en partie dû à Rembrandt Bugatti, rencontré à Paris et invité chez lui à Anvers pour visiter le zoo de la capitale belge et étudier les espèces qui s'y trouvent, car ce n'est pas en vain qu'il était considéré comme le meilleur zoo du monde. Outre les animaux, les bustes et les monuments publics, il réalisa également une multitude de médailles commémoratives. En effet, il obtint une médaille de bronze aux Jeux Olympiques de 1936 dans la catégorie "Sculpture" à titre posthume.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 60 - GANU GANTCHEFF (20e siècle). "Le mythe de Sisyphe", vers 1930. Sculpture en bronze patiné Signée. Dimensions : 67 x 12 x 27 cm. Ganu Gantcheff était un sculpteur bulgare qui a développé sa carrière à Paris, au moins à partir des années vingt du siècle dernier, car les dates de naissance et de décès sont inconnues. Il est connu pour des pièces en chryséléphantine pour la manufacture d'Arthur Goldscheider, ainsi que pour une participation à la Société des artistes français à Paris avec l'œuvre "Pudique". Cette sculpture pleine de mouvement et de force représente avec beaucoup de succès le mythe de Sisyphe sous l'esthétique de l'Art déco. Le résultat a dû profondément satisfaire le sculpteur, car il existe d'autres versions de l'œuvre, où la roue est remplacée par un rocher.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

Lot 61 - PAUL SILVESTRE (1884 - 1976). "Jeune fille et chevreau", vers 1930. Sculpture en bronze patiné Signée : P. SILVESTRE et SUSSE FRES. EDTS. PARIS Dimensions : 82 x 18 x 30 cm. Paul Silvestre est né à Toulouse, bien qu'il ait développé sa carrière à Paris lorsqu'il a été admis en 1905 à l'École des beaux-arts de la capitale. Quelques années plus tard, en 1912, il obtient une bourse pour Rome et, à partir de 1921, il expose régulièrement au Salon des artistes français, remportant la médaille d'or en 1930. Cette œuvre de grand format parvient à condenser dans un même terme deux attitudes diamétralement opposées : d'une part, la tranquillité, dessinée dans la figure de la femme, nue et agenouillée devant l'animal qui, à l'opposé, pousse violemment son arrière-train dans une attitude offensante.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

Lot 62 - JEAN LÉON BITTER-ARY (1883-1973). "Nymphe avec fauve", vers 1920. Sculpture en bronze patiné sur socle en marbre veiné. Signée : ARY BITTER Dimensions : 90 x 20 x 30 cm. Ary-Bitter est né à Marseille, où il a fait ses études et s'est distingué comme un excellent élève, ce qui lui a valu un prix de sculpture en 1900 et, deux ans plus tard, une bourse pour travailler dans l'atelier de Louis-Ernest Barrias à Paris. Dans la capitale française, il réussit à entrer à l'École nationale supérieure des beaux-arts. La deuxième décennie du XXe siècle marque sa consécration en tant qu'artiste, puisqu'il enchaîne les commandes publiques, comme la réalisation du monument aux morts de Sanary-sur-Mer ou, dans le domaine privé, la création d'une "mascotte" pour la voiture de Mme Louis Renault. En 1924, il obtient la médaille d'or au Salon de Paris et, un an plus tard, la fonderie des frères Susse commence à travailler avec lui. C'est dans ce contexte de création prolifique que s'inscrit "Nymphe avec fauve", qui met en évidence deux des postulats de l'artiste tout au long de sa production : la représentation animalière et la douceur dans la mise en scène du nu féminin.

Estim. 1 700 - 1 800 EUR

Lot 63 - Cadre espagnol du 17e siècle. Bois sculpté et doré. Présente d'anciens xylophages au dos. Marques d'usage, d'usure et quelques défauts. Dimensions : 78 x 58 cm (intérieur du cadre) ; 99 x 78 cm (cadre). Ce cadre baroque espagnol, datant du XVIIe siècle, est en bois sculpté et doré, de forme rectangulaire. Le cadre est organisé en trois moulures, toutes dotées d'une abondante décoration en relief typiquement baroque, avec des festons et des feuilles d'acanthe. L'ornementation est intégrée dans la géométrie linéaire, recherchant un équilibre entre la ligne et l'élément organique.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 64 - École française, seconde moitié du XIXe siècle. Coupe de style Louis XVI. Marbre et bronze doré. Dimensions : 70 x 35 x 27 cm. Coupe ou vase en crâne d'époque napoléonienne entièrement réalisé en marbre marbré et décoré d'applications en bronze. La pièce repose sur un piédestal en bronze, sur lequel s'appuie un pied circulaire décoré d'une moulure de sogueada en bronze, le même matériau qui recouvre la naissance du ventre comme une gaine formée de petites tiges travaillées feuille à feuille. Le récipient ovoïde est décoré, à hauteur d'épaule, de deux têtes de chèvres aux cornes robustes, aux museaux expressifs et aux barbes épaisses. Des festons de fleurs courent le long de la panse, d'un côté à l'autre des têtes zoomorphes. L'or bruni des bronzes s'harmonise avec la beauté naturelle du marbre dans les tons terre de sienne et ocre. Les motifs végétaux et la faune rappellent le dieu Bacchus. L'ensemble parvient à maintenir la rigueur classique tout en laissant place à la fantaisie ornementale si chère à la clientèle bourgeoise de la seconde moitié du XIXe siècle.

Estim. 1 400 - 1 500 EUR

Lot 65 - École espagnole, XIXe siècle. "Christ crucifié". Sculpture en bois polychrome. Croix en bois. Clous manquants. Dimensions : 95 x 65 x 18 cm (sculpture) ; 172 x 80 cm (croix). Sculpture en bois d'un Christ crucifié. Cette effigie dévotionnelle témoigne de la qualité de la sculpture et de l'intérêt porté à la beauté du corps humain. Bien qu'il s'agisse d'une anatomie dans laquelle l'empreinte du pathos est imprimée par les stigmates, par la mise en évidence des veines et des côtes marquées, le sculpteur (de tradition néoclassique) tourne les membres avec habileté et confère à l'ensemble une allure noble et harmonieuse. La tête inclinée se repose déjà de ses souffrances. Les paupières closes et le visage râblé, encadré par une barbe travaillée touffe par touffe, donnent une allure vériste. C'est un Christ à trois clous, recouvert d'une étoffe de pureté qu'un vent invisible agite et qui se replie en draperies audacieuses. L'index et le majeur étendus évoquent la double nature de Jésus, humaine et divine.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 66 - Buste moderniste, vers 1900. En bronze patiné. Dimensions : 63 x 38 x 25 cm. Buste féminin en bronze, de style et d'époque Art nouveau. La peau lisse de la jeune femme contraste avec les mèches fantaisistes qui dessinent des spirales spontanées autour de ses traits fins, et qui sont couronnées par un nœud sensuel. La robe, qui borde le décolleté, est également caractérisée par des plis organicistes et curvilignes, caractéristiques de l'art moderniste. .

Estim. 1 400 - 1 800 EUR

Lot 67 - PIERRE LE FAGUAYS (France, 1892 - 1962). "Paire de coqs". En métal argenté. Socle en marbre noir. Signé sur la base. Présente un éclat dans le marbre. Dimensions : 23 x 65 x 11 cm. Pierre Le Faguays était un sculpteur français polyvalent et prolifique, créateur de pièces Art déco et d'avant-garde, principalement actif dans les années 1920 et 1930, jusqu'à sa mort en 1962. Il est particulièrement connu pour ses danseuses et ses jeunes nymphes ou jeunes filles, aux visages et attitudes expressifs et aux mouvements pleins de grâce et de délicatesse. Il a fait connaître ses œuvres au Salon de Paris à partir de 1922, où il a reçu une médaille d'honneur en 1927. Il se spécialise dans les petites sculptures en bronze, en bois, en pierre et en bronze. Il est un grand ami de Max Le Verrier, dans la fonderie de bronze duquel il réalise la plupart de ses modèles. Il utilisait deux pseudonymes, "Fayral" et "Guerbe", respectivement les noms de sa femme et de sa mère. Le Faguays a joui d'une grande popularité en son temps grâce à l'originalité de ses danseuses, dont beaucoup sont inspirées des statues de Tanagra (Grèce).

Estim. 1 400 - 1 800 EUR

Lot 68 - VALMORE GEMIGNANI (1878 - 1956). Lampe-horloge de table, vers 1905. Terre cuite patinée. Signée : V. GEMIGNANI. Quelques piqûres sur la base. Dimensions : 90 x 37 x 35 cm. Horloge de table adaptée en lampe. En son centre, un couple de pêcheurs hisse une étoile de mer qui sert de boîtier à la pendule, tandis que, derrière le groupe sculptural, se dresse un mât au sommet duquel se trouve la lumière de la lampe. La pièce, probablement réalisée à Vienne, suit des modèles similaires de la manufacture de Friedrich Goldscheider, dont la production a connu un grand succès à la fin du XIXe siècle grâce à la collaboration avec différents artistes, comme c'est le cas de Gemignani lui-même.

Estim. 1 200 - 1 300 EUR

Lot 69 - ADELAÏDE MAETERLINCK-LEFÈBVRE (1860 - 1940). "Poisson", vers 1930. Sculpture en bronze patiné sur socle en marbre noir. Signée : A. LEFEBVRE. Dimensions : 36 x 50 x 12 cm. Sculpteur belge, épouse de Louis Maeterlinck, peintre et conservateur du Musée de Gand, où est conservé un portrait d'elle par son mari. Elle fut créatrice d'élégantes sculptures en terre cuite, misant dans sa production sur le nu féminin, ce qui lui valut le rejet, à la fin du XIXe siècle, de la part du jury d'une exposition de jeunes artistes de la ville de Gand, alléguant l'indécence de ses créations.

Estim. 1 100 - 1 200 EUR

Lot 70 - JOSEP LLIMONA BRUGUERA (Barcelone, 1864 - 1934) et JOAQUIM VICENS GIRONELLA (1911-1997). "Crucifixion". Christ en stuc (Llimona) et croix en bois (Gironella), 1932. Croix signée et datée par Gironella. Dimensions : 30 x 30 x 6 cm (Christ) ; 62 x 42 x 8 cm (croix). Artiste autodidacte, Joaquim Vicens Gironella a réalisé des sculptures en liège, et a été découvert et exposé par Jean Dubuffet. Il a également écrit de nombreux poèmes et pièces de théâtre. Josep Limona est considéré comme le sculpteur catalan le plus important du modernisme. Formé à l'école Llotja de Barcelone, il obtient une pension pour aller à Rome en 1880. Pendant son séjour en Italie, il a été influencé par la sculpture de la Renaissance florentine. Avec les œuvres qu'il envoie de là-bas, il obtient des prix (médaille d'or à l'exposition universelle de Barcelone en 1888), ainsi qu'une grande réputation. Avec son frère Joan, il fonde le Círculo Artístico de Sant Lluc, une association artistique catalane à caractère religieux (les deux frères étaient profondément croyants). Vers le milieu des années 90, son style dérive déjà vers le modernisme intégral. Il reçoit le prix d'honneur de l'Exposition internationale des beaux-arts qui se tient en 1907 à Barcelone. À partir de 1900, il se concentre sur ses célèbres nus féminins et, en 1914, il crée, en collaboration avec Gaudí, son impressionnant "Christ ressuscité". Son génie artistique se manifeste également dans de grands monuments publics, comme la statue équestre de Saint-Jordi dans le parc de Montjuic à Barcelone, ainsi que dans des œuvres d'imagerie funéraire, comme les panthéons qu'il a créés pour plusieurs cimetières. Outre ses expositions à Barcelone et dans d'autres villes catalanes, il a exposé ses œuvres à Madrid, Bruxelles, Paris, Buenos Aires et Rosario (Argentine). Il a été président du conseil des musées de Barcelone entre 1918 et 1924, puis de nouveau de 1931 à sa mort en 1934. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses décorations, notamment de la part des gouvernements français et italien. Il a également reçu la médaille d'or de la ville de Barcelone en 1932, en reconnaissance de son travail extraordinaire dans le développement de l'activité muséale. L'œuvre de Llimona est conservée au monastère de Montserrat, au musée national d'art de Catalogne et au musée Reina Sofia, entre autres.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 71 - JACQUES LIMOUSIN (XIX-XX). "Homme déracinant un arbre", vers 1930. Sculpture en bronze patiné Signée : LIMOUSIN. Dimensions : 50 x 38 x 15 cm : 50 x 38 x 15 cm. La sculpture représente un homme perché sur le tronc d'un arbre sec, essayant de le tirer vers le haut ou de prendre de l'élan. La composition, pleine de mouvement, est commune à la sculpture de la troisième décennie du XXe siècle, où les lignes robustes de l'Art déco n'empêchent pas des scènes pleines de tension à son apogée, suivant la voie du mouvement futuriste des années précédentes.

Estim. 750 - 800 EUR

Lot 72 - LAURENCE DUPUY (XIX-XX). "Danseuse aux cymbales", vers 1920. Sculpture en bronze patiné. Présente le cachet de la fonderie Susse Frères. Signé : L. DUPUY et SUSSE FRES. EDTS. Dimensions : 31 x 15 x 15 x 15 cm. La sculpture représente une danseuse nue avec des cymbales ou des cymbales, saisie en plein spectacle dans une position où elle semble sur le point de perdre l'équilibre. La danse et le bal figuraient parmi les principaux divertissements de la société occidentale au début du XXe siècle, les cymbales étant accompagnées d'autres instruments comme les flûtes ou les cloches. Il n'est donc pas surprenant que les danseurs aient été l'un des thèmes les plus courants dans la production artistique de l'époque.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 73 - FRANÇOIS ANDRÉ CLÉMENCIN (1878 - 1950). "Diane la chasseresse luttant contre un bélier", vers 1920. Sculpture en bronze patiné Signée : CLÉMENCIN. Dimensions : 35 x 30 x 15 cm. François Clémencin est un sculpteur lyonnais qui a développé sa carrière sous l'égide du sculpteur et académicien Jules Coutan. Membre du Salon des artistes français, il y expose dès 1907 et obtient la même année une mention honorable. En outre, en 1932, il participe aux concours artistiques, dans la catégorie "sculpture", des Jeux olympiques d'été de 1932 à Los Angeles, aux États-Unis, avec une plaque en bas-relief représentant une compétition d'escrime. Dans cette sculpture, l'auteur opte pour une scène mythologique, où il joue avec les repères entre la nudité humaine candide et l'élan animal irrépressible, représenté par Diane, déesse des bêtes sauvages, et un bélier qui tente de s'approcher d'elle.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 74 - Paire de chandeliers en forme de verres. Peut-être Belgique ou France, vers 1900. Bronze patiné sur des bases en marbre noir belge. Dimensions : 39 x 16 x 15 cm ; Base en marbre : 50 cm. Elégante paire de chandeliers comme coupes en bronze patiné et marbre noir belge, caractéristique de la période Napoléon III et qui eut son écho sous la Troisième République française. La cuve, ornée de rinceaux en relief, s'élève sur un pied couronné qui repose à son tour sur une base en marbre à pattes de lion, rappelant la période de la Restauration. L'anse, composée de différents éléments végétaux, tels que des clochettes dans son tiers supérieur ou des feuilles d'acanthe, se trouve d'un côté, tandis que de l'autre, en guise de bec verseur aveuglé, se trouve une tête d'animal. Le chandelier est surmonté d'un briquet ou d'un porte-lumière pour placer la bougie.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 75 - ÉMILE BULCKE (1875-1963). "Le vent", 1933. Sculpture en bronze patiné sur socle en marbre. Signée et datée : EM. BULCKE / 1933. Dimensions : 45 x 17 x 15 cm. Emile Bulcke est un peintre et sculpteur belge né à Ostende, bien que sa formation se soit déroulée entre Bruges et Anvers. À la fin du XIXe siècle, son œuvre est récompensée par plusieurs prix, ce qui lui vaut un hommage de sa ville natale, Ostende, et une bourse d'études à Paris auprès de Léon Bonnat, ainsi qu'un voyage en Italie. Mais la mort tragique de sa fille Dinah, victime de l'épidémie de grippe qui ravage l'Europe en 1918, finira par marquer sa production, transformant ses efforts pour préserver la mémoire de la jeune fille. Cette sculpture est précisément une reproduction à petite échelle de l'original du parc Léopold d'Ostende, qui représente sa fille décédée, lui rendant ainsi un hommage posthume.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 76 - MARK HOPKINS (USA, 1965). "Cavalier à cheval". Bronze. Signé et numéroté, exemplaire 36/250. Dimensions : 36 x 44 x 17 cm. L'œuvre de Mark Hopkins révèle sa fascination totale pour presque tous les aspects imaginables de la vie : l'histoire, les enfants, le sport, la musique et la religion, la faune et la flore de la terre, de la mer et de l'air. Avec un style si fluide et si vivant qu'il a été décrit comme un "bronze en mouvement", l'œuvre est aussi passionnée et expressive que l'artiste lui-même. Outre ses talents d'artiste, Mark est devenu un expert technique dans l'art de la fonte du bronze à la cire perdue. À la fonderie Mark Hopkins Sculpture, Mark supervise le processus de moulage, s'assurant que l'intégrité de son travail est maintenue tout au long de sa création en bronze. Avec l'aide de nombreux artisans talentueux, Mark s'efforce d'établir un héritage durable de sculptures en bronze de haute qualité.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 77 - Plat à manises ; fin du XVIe siècle / début du XVIIe siècle. Céramique émaillée. Un petit trou sur un côté a été pratiqué pour suspendre la pièce. Dimensions : 31 cm (diamètre). Plat en céramique émaillée avec un trou au centre. Il présente un dessin composé d'éléments géométriques et végétaux, ces derniers étant situés sur le périmètre extérieur. La céramique peinte au lustre sera le grand art de la période nasride, bien qu'elle soit née en Espagne almohade entre la seconde moitié du XIIe et la première moitié du XIIIe siècle. Il s'agit d'une technique d'origine persane, dont les premiers documents font référence en 1066, bien qu'aucun exemple antérieur au XIIe siècle ne nous soit parvenu. Il s'agit d'une céramique émaillée, c'est-à-dire avec un bain de glaçure blanche, très pure dans les meilleurs exemples, qui est cuite dans le four. Sur ce bain, déjà froid, on applique un pigment composé de cinq ingrédients de base : le cuivre, l'argent, le soufre, l'almazarrón (oxyde de fer) et le vinaigre. Le ton final dépendra de la proportion de ces composants : il sera plus doré si la quantité d'argent est plus importante, et plus rougeâtre si le cuivre prédomine. Enfin, la pièce est cuite une seconde fois à 650ºC, dans une atmosphère réductrice, pour fixer la décoration. Une fois la pièce cuite, la décoration est noire, et il faut donc la brunir pour obtenir le ton d'or métallique brillant final. Pendant la période nasride, entre le XIIIe et le XVe siècle, on retrouve dans les pièces lustrées tout le répertoire ornemental de la céramique hispano-musulmane : main de Fatima, "ohm", nœud, ataurique, épigraphie, motifs végétaux, écailles, décorations imbriquées, etc. Comme nous le voyons dans cette pièce, le style se poursuivra au cours des siècles suivants en territoire chrétien, en conservant les compositions denses et les motifs linéaires, végétaux et géométriques, bien que des éléments qui n'existaient pas dans l'art islamique soient ajoutés, comme c'est le cas des reliefs qui sont les protagonistes de cette planche. L'assiette est dotée d'un petit trou sur l'un de ses côtés pour la suspendre.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

Lot 78 - École viennoise, vers 1900. À la manière de FRANZ BERGMAN (1861-1936). Sculpture orientaliste en bronze ciselé, partiellement doré et émaillé à froid. Dimensions : 17 x 17 x 20 cm. La tradition de la petite sculpture viennoise en bronze remonte au milieu du XIXe siècle, avec pas moins de cinquante artistes résidant dans la capitale à la fin du siècle. Plusieurs fonderies se spécialisent alors dans la technique dite de "l'émaillage à froid". Plusieurs couches sont appliquées sur le bronze brut, ce qui permet d'obtenir une finition fine et brillante, empreinte de naturalisme. Cependant, il était important d'appliquer cette pellicule lorsque le bronze était encore chaud, car le contraste de température contribuait à la permanence de la couleur, qui restait fixée au métal. Comme il n'était pas cuit, selon le procédé habituel, on l'a appelé "émaillage à froid".

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 79 - Paire de vases du XIXe siècle. Albâtre veiné. Présente quelques ébréchures, marques d'usage et d'usure. Dimensions : 49 cm (hauteur) x 22 cm (plus grand diamètre). Cette paire de vases d'inspiration classique se caractérise par la beauté de l'albâtre veiné, un matériau élégant et malléable très adapté à la réalisation de ce type de pièces.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 80 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). Titré et daté au dos. Sept assiettes en porcelaine décorées par Dalí. Présente la boîte d'origine et le certificat notarial. Dimensions : 38,5 cm (diamètre). Sept planches de l'œuvre de Salvador Dali, titrées, signées, avec numéro de série et certificat au dos devant notaire. Boîtes d'origine incluses. Ces pièces ont été réalisées pour l'exposition du Fonds international de peinture du 8 mai 1990, qui s'est tenue à Barcelone. Ces assiettes en porcelaine émaillée décorées par Dalí représentent avec force et mouvement le style caractéristique du peintre surréaliste. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rendait régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Sa première exposition individuelle à New York consolide définitivement sa projection internationale et, depuis lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres. La boîte d'origine et le certificat notarié doivent être présentés.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 81 - Paire de serre-livres. France, vers 1930. Bronze patiné sur base en marbre veiné. Signé : BINMORAN. Dimensions : 11,5 x 12 cm et 11,5 x 13 cm. Paire de serre-livres en bronze ciselé représentant un chasseur sur le point d'abattre une panthère avec son arc. Le hiératisme des figures, ainsi que la production connue de l'artiste qui signe les pièces, permettent de les situer au début de la troisième décennie du XXe siècle, au sein de la période Art déco française.

Estim. 500 - 550 EUR

Lot 82 - École française ou belge, vers 1930. Sculpture en bronze doré et patiné sur socle en marbre. Dimensions : 30 x 25 x 8 cm ; socle en marbre : 2 cm. La représentation animalière est une constante dans l'histoire de l'art, en particulier pendant la période de l'Art déco, où de nombreux artistes ont concentré leur production sur la création de scènes où les animaux étaient les protagonistes. Rembrandt Bugatti est probablement le sculpteur le plus célèbre dans ce genre, bien que d'autres, comme la Française Irénée Rochard, aient également opté pour un thème très bien accepté par la société de l'époque en raison de la gentillesse des représentations.

Estim. 500 - 550 EUR

Lot 83 - OSCAR BERCHMANS (1869-1950). "Jeune femme embrassant un buste de Pan", vers 1930. Sculpture en bronze patiné. Signée : OS. BERCHMANS. Dimensions : 28 x 20 cm. Né à Liège, où il fera l'essentiel de sa carrière, Oscar Berchmans grandit dans une famille de peintres et de sculpteurs et entre très tôt dans l'atelier de son père, Émile-Édouard Berchmans. À la fin du siècle, il participe à la décoration de nombreuses maisons liégeoises dans le nouveau style moderniste floral, suivant les créations de Victor Horta à Bruxelles, avec les architectes Victor Rogister et Paul Jaspar.

Estim. 500 - 550 EUR

Lot 84 - D'APRÈS BRUNO ZACH (1891-1935). "Le calin", vers 1960. Sculpture en bronze patiné et partiellement émaillé à froid. Signée : B. ZACH. Dimensions : 14 x 17 x 9 cm : 14 x 17 x 9 cm. Bruno Zach est un sculpteur prolifique né en Ukraine mais qui a développé sa carrière à Vienne, où il a émigré très jeune. À l'Académie des beaux-arts de la capitale autrichienne, il s'imprègne des courants du début du nouveau siècle, qu'il s'agisse du modernisme ou de l'orientalisme. Cependant, c'est grâce à ses œuvres érotiques qu'il acquiert une grande popularité auprès de la société de l'époque. "Le callin, ou l'étreinte, est l'une de ses œuvres les plus connues. Réalisée à l'origine vers 1930, quelques années avant sa mort, elle représente une femme enlaçant un pénis aux dimensions oniriques. Il est possible qu'elle ait été influencée par la vie nocturne berlinoise, dont les prostituées et les atmosphères lugubres ont souvent servi d'inspiration à l'artiste.

Estim. 600 - 650 EUR

Lot 85 - MICHEL DECOUX (1837-1924). "Femme agenouillée", vers 1920. Sculpture en bronze patiné sur socle en onyx. Signée. Dimensions : 18 x 18 x 8 cm. Sculpture représentant une jeune femme agenouillée et à moitié nue se caressant les cheveux. Les lignes de la chevelure annoncent la géométrie du mouvement Art déco qui connaîtra son plein développement dans les années trente du XXe siècle, abandonnant les sinuosités marquées du modernisme et s'éloignant du naturalisme du XIXe siècle.

Estim. 500 - 550 EUR

Lot 86 - École française, vers 1920. "Jouer à la pétanque". Sculpture en bronze patiné. Dimensions : 34 x 15 x 22 cm. Le jeu de pétanque est né dans la première décennie du XXe siècle, comme une variante du "jeu provençal", un jeu de boules populaire où il fallait faire trois pas avant le lancement. La nouveauté de la pétanque étant que le lanceur restait immobile, pieds joints, au moment de lancer la boule, on commença à l'appeler "pieds tanqués" et on finit peu à peu par acquérir le nom actuel de "pétanque". La sculpture, finement travaillée avec une belle patine, nous montre l'importance que ce jeu avait dans la société française du début du siècle, transversale à toute classe sociale.

Estim. 500 - 550 EUR

Lot 87 - Paire de serre-livres. France, vers 1920. Bronze à patine argentée sur base en marbre veiné. Dimensions : 11 x 11 x 5 cm. Les serre-livres en forme d'animaux, tout comme les "mascottes automobiles", ont été une constante au cours des deux premières décennies du vingtième siècle. Il s'agit peut-être d'une conséquence du désir des artistes modernistes et de l'art déco de faire de tout objet domestique une œuvre d'art.

Estim. 400 - 450 EUR

Lot 88 - Encrier en forme de tête nubienne. Peut-être France, vers 1900. Métal ébonisé. Il présente des traces d'usure. Dimensions : 18 x 10 x 10 cm. Dans le cadre de l'élan européen pour l'orientalisme, associé au désir de transformer des objets quotidiens, comme un encrier, en œuvres d'art, de telles pièces sont nées, tant en céramique qu'en bronze ou en d'autres métaux, cherchant à accomplir les tâches les plus prosaïques d'une nature particulière.

Estim. 350 - 400 EUR

Lot 89 - "Escena galante". CAPODIMONTE. Naples, fin du XIXe siècle. Biscuit. Avec la signature de la manufacture de Carpié (dans la ville italienne de Nova) et des marques au dos. Support en bois. En bon état. Dimensions : 45 x 39 x 25 cm. + 5 x 40 x 28 cm. piédestal. Groupe sculptural ornemental réalisé en biscuit, représentant un couple de jeunes amoureux échangeant de tendres regards et accompagnés de petits amours. Le tour délicat des jambes et la douceur des visages, ainsi que le drapé flamboyant des vêtements, témoignent de la qualité du biscuit. Fondée en 1743 sous le règne de Charles VII de Naples, futur Charles III d'Espagne, la Manufacture royale de porcelaine de Capodimonte est née dans le but d'imiter la grande manufacture de Meissen, dont le patron avait été Auguste le Fort, grand-père de la reine Marie-Amélie de Saxe. Après la manufacture saxonne, elle fut l'une des premières en Europe à utiliser de la porcelaine véritable, avec du kaolin, cuite à une température variant entre 700 et 800º, avec une deuxième cuisson plus élevée, entre 1 400 et 1 500º. Sa production était très vaste, mais il était surtout connu pour ses sculptures, tant rondes qu'en relief, qui décoraient tout type d'objets.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 90 - Centre de table. Allemagne, fin du XIXe siècle-début du XXe siècle. Groupe de biscuits. Base en bronze ciselé et doré. Avec des marques (E. Werner) au dos. En bon état de conservation. Dimensions : 25 xs 47 x 24 cm. Centre de table de fabrication allemande en biscuit, avec groupe sculptural de femmes et d'enfants marchant au rythme de la mélodie que joue un jeune joueur de flûte. Les corsages et les robes s'agitent au gré du mouvement gracieux des corps. Ils sont également accompagnés d'un chien turbulent. On peut apprécier l'influence de la sensualité de l'Art nouveau.

Estim. 1 000 - 1 500 EUR

Lot 91 - "Venus pudica", début du XXe siècle. Sculpture en stuc. Dimensions : 80 x 27 x 35 cm. Sculpture en bronze, travaillée en ronde-bosse, représentant une Vénus Puditia à la sortie du bain. La représentation d'Aphrodite après le bain dérive de Praxitèle, bien que les sculptures de cet auteur montrent la figure debout cachant sa nudité avec les deux bras, comme le montre la Vénus Capitoline. La Vénus accroupie, en revanche, est devenue populaire surtout à l'époque néoclassique, où l'on a réinterprété les modèles grecs avec une relative liberté. La jeune femme se replie sur elle-même pour couvrir son pubis et son buste, adoptant un geste gracieux. L'auteur parvient à rendre la charnalité du corps et des courbes avec une audace naturaliste, malgré l'idéalisation des traits.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 92 - "Esclave mourant", début du 20e siècle. D'après MIGUEL ANGEL BUONARROTI (1475-1564). Sculpture en stuc. Dimensions : 115 x 38 x 30 cm. Cette sculpture en plâtre reproduit fidèlement le célèbre "Esclave mourant" de Michel-Ange. Le génie de la Renaissance a réalisé cette statue dans le cadre d'une commande visant à décorer le tombeau du pape Jules II. Elle est actuellement conservée au musée du Louvre à Paris. Les spécialistes ont souligné l'influence du Laocoon sur cette magnifique œuvre, compte tenu de la torsion et de l'expressivité d'un corps qui a lutté, mais qui finit par accepter son destin. Les deux esclaves connaîtront une fortune différente de celle attendue. Au lieu de figurer dans le monument de Jules II, ils passeront entre les mains de différents collectionneurs : Roberto Strozzi, Henri II, Anne de Montmorency, le cardinal de Richelieu... Enfin, ils sont confisqués par le gouvernement français en 1793 alors qu'ils étaient destinés à être vendus par la veuve du dernier maréchal de Richelieu. Depuis lors, ils se trouvent au Louvre.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 93 - "Discobolus", début du 20e siècle. Modèle de Myron (Ve siècle av. J.-C.). Sculpture en stuc. Dimensions : 127 x 75 x 30 cm. S'inspirant à la perfection du modèle populaire réalisé par Myron d'Eléuteras au Ve siècle avant J.-C., la présente sculpture en plâtre résume en un seul instant une action complète, reflétant le corps humain dans sa tension et sa splendeur maximales, un effort qui ne se reflète toutefois pas sur le visage, qui révèle une concentration sereine.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 94 - "Vénus de Milo", début du XXe siècle. Sculpture en stuc. Dimensions : 110 x 35 x 30 cm. Reproduction réussie en plâtre de l'Aphrodite de Milo. La Vénus de Milo est l'une des statues les plus représentatives de la période grecque hellénistique et l'une des sculptures les plus célèbres de la Grèce antique. Créée entre 130 et 100 avant J.-C., elle représente Aphrodite, la déesse grecque de l'amour et de la beauté. La statue originale a été trouvée à Milo, dans les Cyclades, par un paysan, et vendue à la France entre 1819 et 1829. Elle est aujourd'hui conservée au musée du Louvre à Paris. Le contrapposto classique imprime un léger mouvement au corps, en harmonie étudiée avec la légère torsion du torse et la flexion d'une jambe, adoptant dans son ensemble la forme serpentine que les spécialistes appellent "courbe praxitélienne", constituant ainsi l'un des représentants les plus remarquables de la sculpture grecque dans ses présupposés de beauté sereine.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 95 - Porzellanfabrik E.&A. Müller. Thuringe, Allemagne, vers 1900. "Scène avec personnages et charrette. Biscuit, avec décorations dorées sur la base. Marquage et numérotation au dos. En bon état de conservation. Dimensions : 25 x 30 x 18 cm. Groupe en biscuit de la maison Porzellanfabrik, Thuringe. Une fillette remet un bouquet de fleurs à sa jeune mère, dont les cheveux ont été rassemblés avec un mouchoir. La mère s'apprête à décorer de festons de fleurs la charrette en osier, à laquelle est suspendue une étoffe drapée. Chaque élément du costume et de l'attrezzo a été délicatement décrit, recréant avec talent les textures et les qualités.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 96 - "Cybèle". France, fin du XIXe siècle-début du XXe siècle. Biscuit Il présente quelques défauts et de légères déchirures. Dimensions : 25 x 49 x 20 cm : 25 x 49 x 20 cm. La déesse Cybèle, la Grande Mère issue de la mythologie phrygienne et héritée par les Grecs et les Romains, est ici représentée dans son char, conduit par deux lions montés par des tourtereaux. Elle suit les modèles stylistiques du néoclassicisme français. La déesse, au visage idéalisé, brandit un flambeau et porte une robe courte et savamment drapée. Un troisième petit amour garde l'un des côtés du char. Le groupe de biscuits est dynamique et descriptif, se recréant avec le rendu des textures et des qualités dans chacun des détails. Les lions incarnent respectivement Atalante et Hippomène. Cybèle était considérée comme la personnification de la terre fertile, une déesse protectrice de la nature et des animaux. Dans la mythologie grecque, sa figure étant déjà représentée par d'autres divinités, cette déesse a dû être réadaptée pour être intégrée aux mythes existants, au point que de nombreux auteurs la considéraient comme le même personnage que Rhéa, la mère des dieux. Son équivalent romain était Magna Mater, la Grande Mère ou Idaea mater ("Mère d'Ida"). Son titre de "Maîtresse des animaux", également porté par la déesse-mère minoenne, révèle ses racines paléolithiques archaïques.

Estim. 800 - 1 200 EUR

Lot 97 - "Scène pastorale Allemagne, SITZENDORF, vers 1890. Biscuit. Avec marque et numérotation au dos. Il présente quelques légers défauts. Dimensions : 25 x 35 x 15 cm : 25 x 35 x 15 cm. Groupe en biscuit, dans lequel la qualité de la fabrication de Sitzendorf est appréciée. Trois paysannes et un berger, ainsi que deux petits oiseaux versant de l'eau dans une jarre et un couple de chèvres broutant, composent une scène animée au sujet bucolique. La première manufacture de porcelaine établie à Sitzendorf a été fondée en 1760 par Georg Heinrich Macheleidt sous la protection du prince de Schwarzburg-Rudolstadt, mais en 1762, la manufacture a été déplacée à Volkstedt sur ordre du prince. En 1850, une nouvelle usine est ouverte, qui commence à se distinguer par sa qualité en 1884, lorsque Alfred et Carl Wilhelm Voigt en prennent la direction. Elle commence alors à fabriquer des pièces dans le style de Dresde, avec un tel succès qu'en 1909, l'usine est équipée de machines à vapeur innovantes.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 98 - "Amorcillos et Amaltea". Allemagne, VOLKSTEDT, vers 1780. Biscuit. Avec marque au dos. Il présente de légers défauts. Dimensions : 22 x 37 x 20 cm. Ce groupe sculptural s'inspire probablement du marbre du Bernin "La chèvre Amalthée avec Jupiter enfant et un faune" (Galerie Borghèse, Rome). Bien que dans l'œuvre du Bernin il n'y ait que deux enfants, l'auteur de ce biscuit reprend la scène mythologique en la développant dans un langage néoclassique. Chaque enfant respire la grâce et la spontanéité dans ses gestes et son visage. Selon la mythologie gréco-romaine, la mère de Jupiter, Rhéa, confia son fils à la chèvre Amalthée, afin de le cacher à Cronos, qui dévorait toute sa progéniture. On raconte qu'un jour, alors que Jupiter et un faune jouaient, le garçon s'est accroché à la corne de la chèvre, qui s'est malheureusement brisée. Après cela, Jupiter créa une corne d'abondance, un objet qui vous procurait toutes les richesses matérielles. Jupiter fut élevé avec d'autres êtres mythologiques par la chèvre Amalthée, qui lui prodigua tous les soins nécessaires pour qu'il devienne un homme fort et en bonne santé. Le futur roi de l'Olympe était redevable à la créature, il lui donna donc un chien en or massif pour rendre la demeure de la chèvre plus sûre.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 99 - "Bateau avec couple". VOLKSTEDT, début du 20e siècle. Biscuit. Avec marque au dos. En bon état. Dimensions : 21 x 30 x 20 cm. Ce groupe sculptural en biscuit représente un pêcheur assis sur le côté de son bateau, déclarant son amour à une jeune femme éblouie. Chaque détail a été minutieusement décrit, comme c'est le cas pour la marque Volkstedt.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 100 - Centre de table français. Art nouveau, vers 1900 Figure en bronze doré, verre et biscuit. Sculpture signée Dalfort au dos. Bon état de conservation. Dimensions : 38 x 33 x 33 cm (centre) ; 18 x 10 x 10 x 10 cm (figure). Pièce maîtresse moderniste avec structure en bronze doré qui accueille entre ses colonnes une sculpture biscuitée en ronde-bosse représentant une déesse d'inspiration gréco-romaine. Le bronze est travaillé avec des festons floraux et végétaux ornant la galerie et les fûts.

Estim. 600 - 800 EUR

27 mai - Arts décoratifs

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Lot 48 - Corbeau du 17e siècle. Bois sculpté et polychrome. Dimensions : La face avant de ce corbeau baroque est ornée d'un registre végétal de grandes palmettes superposées.