12th June - Private Collection: Visionaries of the 20th …

Lot 1 - NIKI DE SAINT PHALLE (Neuilly-sur-Seine, France, 1930 - San Diego, Californie, 2002). "Chat vase", 1986. Résine peinte. Exemplaire 31/50. Signé, justifié et estampillé "R. Haligon Plastiques d'Art" sur la base. Certificat joint signé par la Galerie Guy Pieters. Dimensions : 32 x 40 x 22 cm. Sculpture-vase de Niki de Saint Phalle, représentant un chat noir parsemé de taches et de dessins aux couleurs vives. La queue multicolore s'enroule sur son ventre. Elle a une oreille rouge et une oreille jaune. Comme à l'accoutumée dans l'œuvre de l'artiste français, la résine est peinte dans des couleurs gaies qui ouvrent les portes de la fantaisie et nous entraînent dans un bestiaire réinventé. Avec ce type de figures, comme avec ses femmes aux courbes sensuelles, Saint Phalle nous plonge dans une nature régie par ses propres lois. Des lois authentiquement féminines, puissantes, guerrières et amoureuses à la fois. De même, les attributs félins, notamment ceux liés à la magie, sont relus, ajoutant à l'optimisme qui a toujours prévalu dans ses propositions. Dans le "jardin des tarots" en Toscane, De Saint Phalle a créé des versions monumentales de chats et d'autres animaux gardiens et esprits protecteurs. Niki de Saint Phalle a été l'une des artistes les plus renommées du milieu du XXe siècle. Elle participe vers 1962 à l'exposition "The Art of Assemblage" au Museum of Modern Art de New York. En 1964, elle commence à créer une série d'œuvres intitulée "Nanas", qui consiste en des figures féminines aux formes voluptueuses et aux couleurs vives. Ces sculptures montrent un contraste entre la dimension ludique ou festive de l'objet et une dimension beaucoup plus tragique, violente et pornographique. Ces images s'opposent aux canons conventionnels de la beauté féminine. Au début des années 1960, l'artiste crée les Shooting Paintings. Il s'agit de sacs en polyéthylène remplis de peinture en forme de figure humaine recouverte de craie blanche. L'image a été créée après avoir tiré sur la figure à partir des sacs de peinture. C'est en 1966 qu'il réalise la plus grande sculpture de corps de femme de l'histoire de l'art, qui fait également partie de la série "Nanas" et dont le titre est "Hon" ("Elle" en suédois). Une Nana qui cesse d'être une sculpture pour devenir une architecture. Elle a été installée au Moderna Musset de Stockholm, sous le sceau du secret car il s'agissait d'un acte plutôt révolutionnaire compte tenu de l'époque à laquelle il l'a réalisée, si bien que quelques jours après l'avoir ouverte au public, l'exposition a été fermée. En 1979, il commence à construire un parc de sculptures, "El jardín del tarot" en espagnol, situé près de Capalbio, en Italie. En 1982, avec son mari Jean Tinguely, elle construit la "Fontaine Stravinsky" ou Fontaine des Automates, située à côté du Centre Pompidou à Paris. De nombreuses sculptures de Saint Phalle sont de grandes dimensions et sont exposées dans des espaces publics. La Niki Charitable Art Foundation tient à jour une carte et un catalogue en ligne de toutes ses œuvres d'art public existantes. Le Paradis Fantastique (1967), Moderna Museet, Stockholm, Suisse (en collaboration avec Tinguely). Golem (1971), Kiryat Hayovel, Jérusalem. Hannover Nanas (1973), en collaboration avec Leibnizufer à Hanovre, Allemagne. La Fontaine Stravinsky (1982) près du Centre Pompidou, Paris (en collaboration avec Tinguely) Sun God (1983), une fantastique créature ailée à côté du Faculty Club de l'Université de Californie, San Diego, dans le cadre de la Stuart Collection d'art public.

Estim. 50 000 - 60 000 EUR

Lot 2 - KAREL APPEL (Pays-Bas, 1921 - Suisse, 2006). Sans titre, 1966. Acrylique et huile sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Encadré avec un verre de musée. Certificat joint signé par Guy Pieters et M. Nieuwenhuizen-Segaar. Dimensions : 49 x 65,5 cm ; 64,5 x 80 cm (cadre). Cette œuvre se distingue par la violence du geste et de la couleur, par le passé matériel et la revendication primitive la plus authentique. Nous voyons une créature étrange avec trois visages reptiliens qui nous regardent avec des yeux dont l'aspect terrifiant est démenti par l'utilisation d'un langage expressionniste délibérément naïf. Ce sont précisément ces éléments (primitivisme, art enfantin et naïf, rejet de la raison civilisatrice qui a conduit à la guerre...) qui ont donné raison à cet artiste de l'après-guerre, cofondateur du groupe CoBrA. Le langage d'Appel, qui flirte avec l'abstraction mais reste essentiellement figuratif, repose sur la combinaison de l'agressivité expressionniste et de la simplicité enfantine liée au surréalisme. Peintre, sculpteur et graphiste, Karel Appel est actuellement considéré comme l'artiste le plus vigoureux de la génération d'après-guerre dans son pays. En 1948, il a fondé, avec Corneille, Jorn et Alechinsku, le groupe international CoBrA, qui a joué un rôle décisif dans le développement et l'expansion de l'automatisme européen entre les années 1940 et 1950. Pendant l'occupation nazie de la Hollande, Apple a erré dans le pays pour éviter d'être envoyé travailler en Allemagne. En 1946, il présente sa première exposition personnelle à Groningue, où l'empreinte de Dubuffet, avec qui il partagera certains concepts théoriques, est déjà visible. Ses premières sculptures, pionnières dans l'assemblage de matériaux de récupération, datent de 1947. Certains artistes, rejetant la rigueur et le sectarisme de l'organisation surréaliste, fondent le groupe CoBrA (abréviation de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam, villes dont sont originaires Appel, Corneille et Constant, qui signent le manifeste inaugural avec Jorn, Noiret et Dotremont). Les peintres de CoBrA poursuivent un travail plus spontané, s'inspirant des traditions culturelles locales et collectant des images fantastiques. Le groupe se dissout rapidement en 1951, mais certains de ses membres, notamment Appel, Jorn et Alechinsky, en conservent l'esprit au cours des décennies suivantes. Leur peinture se caractérise par une grande charge expressionniste liée aux figures de Max Pechstein et d'Edward Munich, deux des grands expressionnistes nordiques. Son travail est fait d'empâtements denses et de jeux de couleurs violents, qui dénotent le caractère agité de l'expressionnisme nordique. Plus tard, son langage a évolué vers une ligne plus douce, se rapprochant de la peinture à la main. Appel était un artiste infatigable qui a exploré de multiples langages, de la sculpture à la céramique, en passant par la peinture murale, le vitrail ou la gravure. Au cours de sa longue carrière artistique, il a reçu de nombreux prix et a collaboré avec des artistes d'autres disciplines tels que le poète Allen Ginsberg ou le chorégraphe Min Tanaka. Il connaît ses premiers succès en 1953, avec l'exposition au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles et sa participation à la Biennale de Sao Paulo (il y reviendra en 1959 et remportera le prix international de peinture), et en 1954, lorsqu'il reçoit le prix de l'UNESCO à la Biennale de Venise et expose à Paris et à New York. Appel est représenté au Guggenheim Museum et au MoMA de New York, au Bilbao Fine Arts Museum, à la Tate Gallery de Londres, à l'Albertina de Vienne, à la Thyssen-Bornemisza, à la Peggy Guggenheim Collection de Venise et au Fine Arts Museum de Dordrecht, entre autres.

Estim. 45 000 - 55 000 EUR

Lot 3 - DANEMARK (Belgique, 1950). "Art in America, 1990. Technique mixte (papier journal, papier magazine et fil de fer) sur panneau. Signé dans la marge inférieure. Signé et daté au dos. Certificat d'authenticité joint, signé par l'artiste. Dimensions : 29 x 42 cm ; 41 x 54 x 4 cm (cadre). L'artiste lui-même explique : "Combien de journaux et de magazines les gens jettent-ils chaque jour ? Combien de chefs-d'œuvre non lus se trouvent sur leurs étagères ? Combien d'examens et de vieux papiers prennent la poussière dans les greniers des écoles ? Depuis 50 ans, l'artiste belge Denmark - pseudonyme de Marc Robbroeckx - transforme des tonnes de papier imprimé en œuvres d'art. Il crée des sculptures et des installations avec des livres, des journaux et des magazines. Son ingrédient principal est toujours le papier, coupé, pressé, empilé ou plié. Le Danemark affirme que chaque page de son œuvre est pliée dans le plus petit volume possible. Cette réduction de la surface est une métaphore de la recherche de l'essence par l'artiste. Actuellement, son travail a été présenté dans un large éventail d'expositions dans des galeries et des musées nationaux et internationaux.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 4 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, France, 1941). "Trois lignes indéterminées", 2009. Technique mixte sur papier. Signée, datée et titrée en bas à droite. Dimensions : 137,5 x 110,5 cm ; 153 x 125 cm (cadre). C'est au milieu des années 1970 que Bernar Venet a commencé à placer la ligne au centre de sa recherche conceptuelle. Alors que dans un contexte scientifique, une ligne est une forme géométrique clairement définie, Bernar Venet a utilisé cette forme géométrique simple pour démontrer des concepts divergents. Ses sculptures, dessins et peintures explorent la ligne comme porteuse de potentialités divergentes : l'ordre et le désordre, le déterminé et l'indéterminé ? En se déplaçant, la ligne devient une figure tridimensionnelle et instable, et oblige le spectateur à suivre son parcours à la recherche du début et de la fin. Derrière l'apparence chaotique des formes que Venet conçoit, se cachent des études mathématiques rigoureuses. "Trois lignes indéterminées" existe également en version sculpturale. L'artiste conceptuel Bernar Venet est surtout connu pour ses sculptures précises et mathématiquement rigoureuses, souvent réalisées en acier. La peinture, le collage et le fusain sont également ses moyens d'expression. Dans le cadre de sa pratique artistique, il a également mené des expériences continues avec d'autres matériaux industriels, tels que le charbon et l'asphalte. Dans les années 1960, Venet est influencé par le travail d'Arman et des Nouveaux Réalistes travaillant à Paris, et commence à réaliser des sculptures en carton. Un séjour à New York en 1966 le rapproche du minimalisme. Il partage alors un atelier avec Arman dans le centre de Manhattan et côtoie des artistes tels que Donald Judd et Sol LeWitt. Dans les décennies qui suivent, l'artiste affine son style et ses œuvres reflètent ses recherches artistiques formelles permanentes. En 2005, il a été décoré Chevalier de la Légion d'honneur et en 2014, il a inauguré la Fondation Venet, un musée et des archives sur son travail. L'année 2023 marque le 60e anniversaire de l'œuvre phare de Venet, Tas de charbon (1963), qui a marqué le début de sa pratique de recherche méticuleuse. Bernar Venet est né dans les Alpes-de-Haute-Provence, mais vit et travaille à New York depuis 1966. Son travail a exploré une variété de médias - sculpture, peinture, photographie, film, performance, musique et design - tout en conservant le désir que ses œuvres génèrent des questions et apportent quelque chose de nouveau au monde de l'art. En 2011, le sculpteur a installé des œuvres monumentales dans les jardins de Versailles1 et au domaine de Marly. Les œuvres de Venet font partie de la collection de musées prestigieux tels que The Museum of Modern Art, New York ; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; The National Gallery of Art, Washington ; The Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington et The Museum of Contemporary Art, Chicago. À ce jour, il a plus de 30 œuvres monumentales et sculptures publiques installées dans des villes du monde entier telles que Paris, Berlin, Tokyo et Denver. Il a participé à la Documenta 6 et à la 56e Biennale de Venise. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses récompenses, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, la décoration de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Événements récents : 2021 Grande exposition "L'hypothèse de la gravité" au Louvre-Lens pendant l'été, et l'exposition RELIEFS à la Galerie der Stadt Tuttlingen en Allemagne. Nombreuses publications cette année, à commencer par le catalogue de l'exposition du Louvre-Lens publié chez Skira, ainsi que des livres sur le Tas de charbon, une étude de l'œuvre sur papier de Venet (Dessins), un catalogue raisonné sur l'ensemble de l'œuvre photographique de l'artiste et, enfin, un livre sur la Fondation Venet. Année 2022 : une rétrospective de cinq mois couvrant la carrière de l'artiste de 1961 à 2021, axée sur les performances, les peintures et les sculptures, sur 8 000 m2, à la Tempelhof Kunsthalle de Berlin. Un catalogue de l'exposition est publié par les éditions Dilecta. Publication de la biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, de Catherine Francblin (éditions Gallimard), et d'un catalogue raisonné sur l'œuvre photographique de l'artiste (éditions Marval-Rue Visconti) accompagné de tirages photographiques dans sa galerie. L'exposition "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" au Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), organisée par le directeur Michaël Batalla, est suivie de lectures de poèmes et d'une conférence. Exposition à Waddington Custot (Londres) avec le travail de Venet sur les angles. Exposition chez Kasmin (New York), où il interprète la pièce Accident, et pour laquelle un catalogue d'exposition (avec un texte de Maurice Fréchuret) est publié. 2023 Expositions dans les trois galeries parisiennes de Perrotin, où Venet présente de nouvelles peintures, des GRIBS, des travaux sur papier, ainsi qu'une double installation d'Arches place Vendôme (commissariat Jérôme Sans), suivie de conférences avec Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer et Catherine Francblin. Le tas de charbon

Estim. 70 000 - 90 000 EUR

Lot 5 - JAN FABRE (Anvers, Belgique, 1958). "De blikopener", 2017. Sculpture en bronze siliconé. Exemplaire 8/35. Signé et numéroté. Avec le cachet d'Art Casting Belgium. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 108 x 45 x 30 cm ; 178 cm (hauteur avec la base). Cette sculpture appartient à une série de pièces en bronze poli et brillant de facture réaliste, dans lesquelles les personnages représentés, qui prennent souvent les traits de l'artiste lui-même (comme c'est le cas ici), tiennent des ustensiles qui fonctionnent comme des attributs métaphoriques du rôle de l'artiste. Le personnage porte une veste de costume et tient dans sa main droite un ouvre-boîte. L'objet semble suggérer le rôle de l'artiste comme celui dont la mission est de percer la réalité, d'"ouvrir les yeux", de perforer le monde et de rompre avec les idées préconçues. "De Blikopener a été exposé au Palazzo Merulana à Rome, dans le cadre de l'exposition "Jan Fabre. Le rythme du cerveau", organisée par Achille Bonita Oliva et Melania Rossi. Jan Fabre est auteur dramatique, metteur en scène, chorégraphe et artiste visuel. Il a étudié à l'Institut municipal des arts décoratifs d'Anvers et à l'Académie royale des beaux-arts. Entre 1976 et 1980, il écrit ses premiers textes pour le théâtre. En 1978, il réalise des dessins avec son propre sang lors de la performance solo My Body, My Blood, My Landscape (Mon corps, mon sang, mon paysage). En 1980, il réalise la "Bic-Art Room", en opposition au "Big Art" ; il s'enferme pendant trois jours et trois nuits dans un cube blanc rempli d'objets et dessine avec des stylos Bic bleus. En 1986, il fonde Troubleyn/Jan Fabre, une compagnie théâtrale à la projection internationale. Il est membre de l'Académie royale flamande des sciences et des arts de Belgique depuis 1998 et est Commandeur de l'Ordre de Léopold II. En 2008, L'Ange de la métamorphose a été exposé au musée du Louvre, une exposition inaugurée par la reine Paola de Belgique. Il a décoré le plafond de la Galerie des Glaces du Palais Royal de Bruxelles, qu'il a appelé le Ciel des Délices, composé de 1600 000 élytres de scarabées, qui a été largement salué. Il a également réalisé Totem, une sculpture représentant un insecte géant percé d'une énorme flèche en acier de vingt-trois mètres, sur la place Ladeuze à Louvain. La sculpture a été érigée en 2005 pour commémorer le 575e anniversaire de la bibliothèque historique de l'université de Louvain.

Estim. 100 000 - 120 000 EUR

Lot 6 - KEITH HARING (Pennsylvanie, 1958- New York, 1990). "Danse", 24 avril 1988. Encre sur papier. Pièce unique. Signée et datée au dos. Dimensions : 77 x 111 cm ; 95 x 130 cm (cadre). En 1988, Keith Haring est au sommet de sa gloire, une année où ses figures schématiques se regroupent en familles dansantes, formant parfois des tours d'apparence organique (dans la série "Growing", les corps sont reliés entre eux comme des formes végétales) ou avec les figures alignées horizontalement, agitant bras et jambes, serrées par les épaules, comme dans cet important dessin original, "Dance". Haring fréquentait les clubs du centre de Manhattan. Les figures dansantes s'abreuvent de ces environnements urbains contemporains et reprennent en même temps la tradition hédoniste et animiste de la fusion des corps dansants avec la nature. Nous nous référons aux rituels archaïques et aux danses dionysiaques des maenades et des satyres. Mais Haring devait aussi avoir à l'esprit Matisse et son chœur de danseurs nus, célébrant le retour à un âge d'or mythique. En fait, Haring renvoie aussi, d'une certaine manière, à une sorte de pureté primitive, choisissant un trait synthétique, préclassique, avec lequel il balaie une fausse idée de progrès. Grâce à cette combinaison d'influences et de précédents, l'artiste a créé un style qui lui est propre et qui le rendra immortel. Ses figures joyeuses aux traits simples ont révolutionné le monde de l'art. Considéré comme la figure de proue de l'art urbain dans les années 1980, la carrière imparable de Haring, qui l'a conduit à devenir un collègue de Warhol et une superstar des médias, a commencé avec son travail dans le métro de New York. L'énorme popularité des œuvres urbaines de Haring auprès de la population new-yorkaise a immédiatement attiré l'attention de l'establishment artistique. Andy Warhol l'adopte dans son cercle et le galeriste Tony Shafrazi, alors débutant, organise pour lui une exposition solo retentissante en 1982, qui sera la rampe de lancement de son succès irrésistible. Il expose bientôt ses œuvres à la galerie de l'influent Leo Castelli et s'impose comme une star de l'art professionnel. Keith Haring est un artiste américain dont le pop art et les graffitis sont nés de la culture de la rue à New York dans les années 1980. L'œuvre de Haring a gagné en popularité grâce à ses dessins spontanés réalisés à la craie dans le métro de New York sur des fonds d'espaces publicitaires en noir et blanc. Par la suite, il a souvent abordé des questions politiques et sociales, en particulier l'homosexualité et le sida, à travers sa propre iconographie. Aujourd'hui, les œuvres de Haring sont réparties entre de grandes collections privées et publiques, notamment le Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Art à New York, le Los Angeles County Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Bass Museum à Miami, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Ludwig Museum à Cologne et le Stedelijk Museum à Amsterdam. Il a également créé une grande variété d'œuvres publiques, notamment l'infirmerie du Children's Village à Dobbs Ferry (New York) et la salle des hommes du deuxième étage du Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center à Manhattan, qui a ensuite été transformée en bureau et est connue sous le nom de Keith Haring Room. En janvier 2019, une exposition intitulée "Keith Haring New York" a été inaugurée à la New York Law School dans le bâtiment principal de son campus de Tribeca.

Estim. 500 000 - 550 000 EUR

Lot 7 - "Ben", BEN VAUTIER (Naples, 1935). "J'ose le rose", 2011. Acrylique sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 100 x 81 cm. Bien que le travail de Ben Vautier ait pris différentes formes et modes d'expression (performance, sculpture, peinture...), ce sont les messages textuels écrits avec une calligraphie caractéristique qui ont eu la plus grande résonance. Il s'agit de peintures textuelles qui interpellent directement le spectateur avec des phrases fortes et provocantes telles que "La mort n'existe pas". "José le rose" écrit sur un fond rose vif pourrait inclure, parmi d'autres niveaux de lecture, un clin d'œil à Duchamp et à son pseudonyme "Rose Sélavy", lui-même un jeu de mots avec "C'est la vie". Considéré comme l'un des pionniers de l'art conceptuel, il a été, outre un artiste visuel, un agitateur et un critique d'art, intéressé par la revendication sociale et le multiculturalisme. Pour lui, tout art doit provoquer un choc, produire une émotion ou une réaction intense. Né à Naples, Benjamin Vautier s'installe avec sa mère dans le sud de la France en 1949. En 1958, il quitte son emploi dans une librairie et ouvre un magasin de papeterie et de disques. De 1958 à 1973, il dirige le Laboratoire 32 (Le Magasin), créant ainsi un lieu de rencontre à l'image d'un salon, où les gens peuvent discuter de nouvelles idées. À cette époque, Vautier rencontre Yves Klein, John Cage et George Macunias, et participe aux premières étapes du mouvement artistique Fluxus. Dans les années 1960, il se rend à New York où il participe aux actions du groupe Fluxus. Son œuvre sera également imprégnée de conceptualisme et de minimalisme, essentiels dans sa conception de l'art, qui pour lui n'est pas un but, mais un véhicule, une forme de communication. Les œuvres Fluxus de Vautier s'articulent autour de la définition de l'art comme une pratique qui unifie la vie, les objets et la philosophie. "Qu'est-ce que la culture ? La culture est un conte de fées que nous avons créé. Elle peut être manipulatrice", explique-t-il. "Le but de la culture est d'amuser à la fois les pauvres et les riches. L'artiste a continué à produire des œuvres sur la vie quotidienne au cours des décennies suivantes, tout en défendant les droits des minorités en France. Il vit et travaille toujours à Nice, en France. Aujourd'hui, les œuvres de Vautier font partie des collections du Museum of Modern Art de New York, du Walker Art Center de Minneapolis, du Centre George Pompidou de Paris et de la National Gallery of Victoria de Melbourne, entre autres.

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 8 - WIM DELVOYE (Belgique, 1965). "Trophée, 2011. Bronze doré laqué noir. Exemplaire 2/3. Signé et justifié sur la base. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 50 x 108 x 32 cm. La relation étroite de Wim Delvoye avec les animaux n'est pas seulement démontrée par l'œuvre de soumission montrant deux cerfs en train de copuler, mais déjà en 1994, l'artiste belge a tatoué sept cochons qu'il avait lui-même élevés près de Pékin (il convient de mentionner que cette action a déclenché un débat fondamental sur le traitement des animaux et les limites éthiques dans l'art contemporain. Elle a notamment suscité un tollé de la part des défenseurs des animaux). D'autres copies de "Trophy" (dans d'autres matériaux et dimensions) ont été exposées dans des musées et institutions du monde entier, comme au MUDAM à Luxembourg ou dans l'exposition "Wim Delvoye au Louvre" à la galerie d'art française. Wim Delvoye est un artiste néo-conceptuel belge connu pour ses projets inventifs et souvent choquants. Une grande partie de son travail se concentre sur le corps. Comme l'a écrit le critique Robert Enright dans le magazine d'art Border Crossings, "Delvoye participe à une manière de faire de l'art qui réoriente notre compréhension de la façon dont la beauté peut être créée". L'œuvre de Wim Delvoye est éclectique et témoigne de son intérêt pour toute une série de sujets, allant des fonctions corporelles et de la scatologie à la fonction de l'art dans l'économie de marché d'aujourd'hui, en passant par de nombreux thèmes intermédiaires. Il vit et travaille à Gand (Belgique). Il a suivi une formation à l'Académie royale des beaux-arts (Gand). Peu après, Delvoye a commencé à repeindre des papiers peints, colorant des motifs existants et remettant en question la valeur de la liberté d'expression qui vibrait dans le monde de l'art de l'époque. Delvoye se considère comme un créateur de concepts. Après 1990, des spécialistes dirigés par Delvoye ont exécuté la plupart de ses œuvres. En 1992, il reçoit une reconnaissance internationale avec la présentation de sa "Mosaïque" à la Documenta IX, une exposition symétrique de carreaux émaillés de photographies de ses propres excréments. Jan Hoet, organisateur de la Documenta IX, a déclaré : "La force de Wim Delvoye réside dans sa capacité à créer des conflits en combinant les beaux-arts et l'art populaire, et en jouant du sérieux et de l'ironie". Trois de ses projets les plus connus sont "Cloaca", "Art Farm" et une série d'œuvres gothiques. Delvoye est peut-être plus connu pour sa machine digestive, Cloaca, qu'il a présentée au Museum voor Hedendaagse Kunst d'Anvers, après huit années de consultation avec des experts dans des domaines allant de la plomberie à la gastro-entérologie. Lors d'une exposition à New York en 2013, Delvoye a montré des œuvres complexes découpées au laser qui combinaient des références architecturales et figuratives avec des formes telles qu'une bande de Möbius ou une tache d'encre de Rorschach. Il a présenté de nombreuses expositions personnelles dans des musées européens, notamment au Centre Georges Pompidou, à Paris, et à MUHKA, à Anvers (toutes deux en 2000). Il a également participé à la 48e Biennale de Venise (1999) et à la Documenta IX (1997) en tant qu'artiste.

Estim. 60 000 - 70 000 EUR

Lot 9 - PETER HALLEY (New York, 1953). "Prison d'Orange", 2013. Acrylique, acrylique Day-Glo et Roll-a-Tex sur toile. Certificat joint signé par l'artiste. Signé et daté au dos. Dimensions : 91,4 x 91,4 cm. Avec "Orange prison", Peter Halley poursuit sa recherche sur la dualité entre géométrie et prison. C'est le projet de sa vie, sa grande contribution à l'histoire de l'art contemporain : la magistrale tournure conceptuelle et formelle qu'il a donnée à l'abstraction géométrique. Dans les années 80, Halley a commencé à réviser l'art abstrait géométrique (la tradition minimaliste de Donald Judd et Frank Stella). Dans sa série de Piped Cells, il introduit l'idée de conducteurs reliant les cellules de prison, comme métaphores de la régulation institutionnelle de la vie. Représentations abstraites du paysage post-industriel, elles mettent en évidence la géométrie invisible qui sous-tend le monde social. Halley s'inspire d'artistes tels que Piet Mondrian, Josef Albers et Donald Judd, mais ses préoccupations sont résolument contemporaines : ses diagrammes évoquent l'aliénation des prisons, la vie urbaine et la technologie. Il utilise de la peinture industrielle texturée (Roll-a-Tex) et de l'acrylique Day-Glo (déjà utilisée par les artistes Pop), qui permet d'évoquer l'éclairage artificiel. Halley applique ses tons fluorescents à l'aide d'un rouleau plutôt que d'un pinceau afin de ne laisser aucune trace de la main de l'artiste. Les œuvres de Halley ont atteint des prix à six chiffres lors de ventes aux enchères et font partie des collections de l'Art Institute of Chicago, du Museum of Modern Art, de la Tate et du Centre Pompidou. Peter Halley est l'un des artistes les plus influents de la scène internationale. Il s'est fait connaître au début des années 1980 par ses peintures géométriques, réalisées dans des couleurs fluo intenses. Son activité picturale est souvent associée au minimalisme, au néo-géo et au néo-conceptualisme. Halley est également connu comme écrivain, éditeur et enseignant. Il a obtenu sa licence à l'université de Yale et sa maîtrise en beaux-arts à l'université de la Nouvelle-Orléans en 1978. Halley a exposé pour la première fois en 1985 à International with Monument, une galerie de l'East Village, à New York, qu'il avait fondée en 1984 avec Jeff Koons, Ashley Bickerton et Meyer Vaisman. Depuis, il a exposé à la Mary Boone Gallery, à la Sonnabend Gallery, à la Galerie Bruno Bischofberger, à la Jablonka Galerie, à la Galerie Thaddeus Ropac et aux Waddington Galleries. Sa première grande exposition a eu lieu au CAPC de Bordeaux en 1992. Halley est également un conférencier réputé, qui a donné des cours à l'Art Institute of Chicago et à l'American Academy in Rome. Il est également cofondateur et rédacteur en chef du magazine Index. Ses traités sur l'art, influencés par le post-structuralisme français, ont été publiés en deux volumes. Depuis 2001, il dirige les ateliers de peinture et de gravure de la Yale School of Art. Ses œuvres sont exposées, entre autres, au MoMA, au Guggenheim de New York, au San Francisco Museum of Modern Art et à la Tate Gallery.

Estim. 60 000 - 70 000 EUR

Lot 10 - SAM FRANCIS (San Mateo, Californie, 1923 - Santa Monica, Californie 1994). Sans titre, 1974. Acrylique sur papier. Signé et daté au dos. Un certificat délivré par la Samuel Vanhoegaerden Gallery indiquant que l'œuvre est enregistrée auprès de la Sam Francis Foundation est joint. Dimensions : 46 x 46 cm ; 59 x 59 cm (cadre). Au début des années soixante-dix, le peintre californien Sam Francis s'est consacré à l'étude de la psychanalyse de Jung et a transformé ses propres rêves en matériel pictural. L'œuvre en question se situe dans cette ligne de création d'images inconscientes, qui combinent des bandes de peinture appliquées au rouleau avec des gouttes et des éclaboussures de pigment enflammé. Certains critiques les ont appelées "images d'air frais", et elles étaient formées par une matrice sous-jacente qui était une tapisserie d'empreintes et de coulures qui se chevauchaient. Saint François souhaitait laisser la place au hasard et à l'automatisme du geste pour exprimer la pulsation de l'âme. San Francis a étudié la botanique, la médecine et la psychologie à l'université de Berkeley en Californie de 1941 à 1943, et a servi dans l'armée de l'air américaine pendant la Seconde Guerre mondiale de 1943 à 1945 avant d'être blessé dans un accident d'avion. Il passe plusieurs années à l'hôpital et c'est pendant cette période qu'il commence à peindre, sous l'impulsion de son ami David Parks, professeur à l'école des beaux-arts de San Francisco. Une fois sorti de l'hôpital, il retourne à Berkeley, cette fois pour étudier l'art. Ses études de peinture et d'histoire de l'art durent de 1948 à 1950. Les premières œuvres de Francis sont directement influencées par les expressionnistes abstraits tels que Rothko, Gorky et Still. Pendant les années 1950, il réside à Paris, où il organise sa première exposition personnelle en 1952 à la galerie Nida Dausset. Au cours des années cinquante et soixante, il réalise d'importantes expositions personnelles et participe à des expositions collectives à la galerie Ribe Droite (Paris, 1955), Martha Jackson (New York, 1956), Gimpel Fils (Londres, 1957), à l'exposition "New American Painting", qui tourne dans huit villes européennes (1958), à la Documenta de Kassel (1959 et 1964) et à la Kunsthalle de Berne et de Düsseldorf. En 1963, il s'installe à Santa Monica, en Californie, et six ans plus tard, il est nommé docteur honoris causa par l'université de Berkeley. C'est au cours de cette période, entre 1960 et 1963, qu'il crée plusieurs séries d'œuvres, dont la série des "Blue Balls". Constituées de formes et de gouttes bleues essentiellement biomorphiques, ces œuvres font référence à la douleur résultant de la tuberculose rénale dont il est atteint en 1961. Il continue à peindre, principalement à Los Angeles, mais aussi à Tokyo, où il vit principalement en 1973-4. En 1965, Francis commence une série de peintures qui se caractérisent par de grandes surfaces de toile ouverte, des couleurs minimales et des lignes fortes. Son travail évolue encore après qu'il a entamé une intense analyse jungienne avec le Dr James Kirsch en 1971. Après 1980, la structure formelle de la grille disparaît progressivement de l'œuvre de Francis. En 1984, Francis a fondé The Lapis Press dans le but de produire des textes inhabituels et opportuns dans des formats visuellement attrayants.

Estim. 45 000 - 55 000 EUR

Lot 11 - DAVID HOCKNEY (Royaume-Uni, 1937). "Ma fenêtre". Giclée sur papier. Édition 217/250. En 2010, David Hockney a dévoilé une création iPad captivante intitulée "untitled No. 281, July 23, 2010". Édition 2019. Dimensions : 56 x 43 cm. Innovant jusqu'au bout, le célèbre artiste britannique David Hockney a adopté l'iPad comme nouveau support artistique au cours des dernières décennies. Dans ses œuvres, la fenêtre occupe une place vertébrale, qu'elle apparaisse physiquement comme dans ce cas ou que, même si elle n'apparaît pas, il peigne le paysage en regardant par la fenêtre de sa maison en Normandie, en France. Il a même intitulé une publication rassemblant ses dessins avec un iPad "The Window". Hockney a profité des capacités de l'iPad pour créer des œuvres d'une vivacité caractéristique. Il a utilisé des lignes épaisses et des couleurs saturées, qui rappellent ses premières peintures. Dans un premier temps, Hockney a utilisé l'iPad pour dessiner et explorer les couleurs. Il a ensuite transféré ces œuvres numériques sur de grandes toiles, faisant entrer les créations de l'iPad dans une nouvelle dimension. L'iPad a fourni à Hockney un outil d'expression artistique pratique et portable. Cette liberté lui a permis d'expérimenter et d'adopter une approche plus spontanée. Ces dessins célèbrent la joie de vivre dans un langage contemporain. Les dessins de Hockney sur iPad démontrent non seulement sa capacité d'adaptation en tant qu'artiste, mais mettent également en évidence le vaste potentiel créatif du support numérique. Artiste britannique pluridisciplinaire, David Hockney a été une figure clé du pop art britannique dans les années 1960 et est aujourd'hui considéré comme l'un des artistes pop britanniques les plus influents du XXe siècle. Il a fait ses débuts en solo en 1963, et seulement sept ans plus tard, en 1970, la Whitechapel Gallery de Londres lui a consacré sa première grande exposition rétrospective. Plus récemment, d'importantes expositions lui ont été consacrées, comme l'exposition de portraits organisée à la National Portrait Gallery de Londres en 2006. Son œuvre a été exposée dans le monde entier et il est actuellement représenté dans la Royal Collection, la Royal Academy, le Victoria & Albert et le British Museum de Londres, le Museo Reina Sofia de Madrid, le SMAK de Gand, le J. Paul Getty de Los Angeles et l'Art Institute of Chicago, entre autres collections.

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

Lot 12 - ANDY WARHOL (Pittsburgh, États-Unis, 1928-New York, États-Unis, 1987). "Robert Mapplethorpe", 1983. Sérigraphie sur panneau du Lenox Museum. Pièce unique. Paraphe VF (Vincent Fremont), cachet Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, numéro UP41.77 et cachet Estate of Andy Warhol. Avec l'étiquette de la galerie Jablonka Maruani Mercier. Certificat de la galerie Maruani joint. Provenance : Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, New York Ikon/Kay Richards Gallery, Santa Monica. Bibliographie : Frayda Feldman et Jorg Schellmann, Andy Warhol Prints, A Catalog Raisonné 1962-1987, München-NY 1997, p.225, no. IIIA.26, deux autres exemples illustrés en couleur. Dimensions : 102 x 102 cm ; 130,5 x 128 cm (cadre). Contrairement à d'autres sérigraphies de célébrités réalisées par Warhol, le portrait du photographe Robert Mapplethorpe répond à un lien étroit entre les deux artistes, qui partageaient des environnements et des intérêts communs. Dans une certaine mesure, la figure emblématique du Pop Art a influencé le jeune photographe. Ils se sont rencontrés au début des années soixante-dix, et Mapplethorpe fera également le portrait de Warhol et des personnalités qui circulaient autour de la Factory : artistes, compositeurs et mannequins liés à l'underground new-yorkais. Par ailleurs, contrairement aux sérigraphies saturées de couleurs, Warhol opte ici pour des nuances de gris, en clin d'œil au noir et blanc des photographies érotiques de Mapplethorpe. Il s'agit d'une pièce unique, qui n'a pas été conçue avec l'idée d'une sérialité mécanique, comme d'autres pièces sérigraphiées de l'artiste. Principalement connu pour ses images controversées, Mapplethorpe a transcendé les limites de la photographie, tant par le choix de ses sujets que par sa technique. Dans les années 1970 et 1980, ses photographies de nus masculins et d'images sexuellement explicites lui ont valu la notoriété. Mapplethorpe a été influencé par Warhol au début de sa carrière, et son déménagement à Manhattan en 1969 a été une étape supplémentaire pour se lier d'amitié avec Warhol et peut-être même pour imiter son style de vie. Même si Mapplethorpe est devenu célèbre sur la scène artistique new-yorkaise, il considère toujours Warhol comme l'un des artistes vivants les plus importants. Les deux artistes partagent un intérêt marqué pour le portrait, mais alors que Warhol produit des documents sur la célébrité et le glamour, Mapplethorpe se concentre sur l'esthétique du corps. Ils partagent également une approche similaire de la création d'œuvres d'art, les deux artistes étant la force créatrice derrière l'appareil photo et le personnel du studio travaillant à la production de l'œuvre d'art. En 1983, Mapplethorpe a réalisé quatre portraits d'Andy Warhol (dont un exemplaire se trouve dans la collection de la Tate Modern à Londres) et Warhol a créé une série de sérigraphies du photographe, que Mapplethorpe considérait comme le symbole ultime de son propre succès. La présente œuvre s'inscrit dans ce récit qui réunit les deux icônes américaines pionnières. Andy Warhol était un artiste visuel, cinéaste et producteur de musique américain qui a joué un rôle crucial dans la naissance et le développement du pop art. Considéré à l'époque comme un gourou de la modernité, Warhol a été l'un des artistes les plus influents du XXe siècle. Fils d'immigrés slovaques, il commence ses études d'art au Carnegie Institute of Technology entre 1945 et 1949. Cette dernière année, déjà établi à New York, il commence sa carrière de dessinateur publicitaire pour divers magazines tels que Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen et The New Yorker. Parallèlement, il peint des toiles dont le sujet s'inspire d'un élément ou d'une image de l'environnement quotidien, de la publicité ou de la bande dessinée. Bientôt, il commence à exposer dans diverses galeries. Il élimine progressivement de ses œuvres tout trait expressionniste jusqu'à les réduire à la répétition en série d'un élément populaire de la culture de masse, du monde de la consommation ou des médias. Cette évolution atteint son niveau maximal de dépersonnalisation en 1962, lorsqu'il commence à utiliser comme méthode de travail le procédé mécanique de la sérigraphie, par lequel il reproduit systématiquement des mythes de la société contemporaine, dont les exemples les plus représentatifs sont les séries consacrées à Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor ou Mao Tsé-toung, ainsi que son célèbre traitement des boîtes de soupe Campbell, toutes œuvres réalisées au cours de la fructueuse décennie des années 1960. Cet appropriationnisme, constant dans les œuvres des tenants du pop art, s'étend aux œuvres d'art à caractère universel. Par le biais de la reproduction de masse, il parvient à dépouiller les fétiches médiatiques qu'il utilise de leurs référents habituels pour en faire des icônes stéréotypées à vocation purement décorative. En 1963, il crée la Factory, un atelier dans lequel se réunissent autour de lui de nombreuses figures de la culture underground new-yorkaise. La frivolité et l'extravagance qui marquent son mode de vie finissent par établir une ligne cohérente entre son œuvre et la trajectoire de sa vie. Il est actuellement représenté dans les plus grands musées d'art contemporain du monde, tels que le MoMA, le Met

Estim. 200 000 - 240 000 EUR

Lot 13 - TOM WESSELMANN (Ohio, 1931-New York, 2004). "Nature morte aux fleurs", 1988. Liquitex sur papier. Signé et daté en bas à droite. Est joint un certificat de la succession Wesselmann signé par Claire Wesselmann attestant que l'œuvre se trouve dans les archives. Avec le cachet au dos de Laurent Strou. de Paris. Le méthacrylate de protection présente quelques rayures. Dimensions : 119 x 140 cm ; 133 x 154 cm (cadre). Tout comme ses nus sont devenus des icônes du pop-art des années soixante, Tom Wesselmann revisite l'histoire de l'art d'une manière très particulière dans ses natures mortes de fleurs (qu'il a principalement produites dans les années quatre-vingt). Les clins d'œil à Matisse et à l'art fauve sont évidents, tout en radicalisant l'héritage du pop-art. Il utilise les couleurs primaires pour réduire les fleurs à leurs formes les plus essentielles. L'utilisation d'un style léger et naïf dans le genre classique de la nature morte introduit des commentaires biaisés sur le décorativisme et l'art. Tom Wesselmann était un peintre pop-art américain. Il est l'un des derniers grands maîtres américains du pop art, surtout connu pour ses nus féminins audacieux et saisissants. Il s'est inscrit en 1951 pour obtenir un diplôme de psychologie, mais l'année suivante, il a été appelé sous les drapeaux pour la guerre de Corée. Il est finalement affecté à Fort Riley, dans le Kansas. Il crée des bandes dessinées sur la vie militaire, puis diversifie ses sujets.2 Il quitte l'armée (1954), reprend une carrière de psychologue et obtient son diplôme en 1956. C'est alors qu'il s'installe à New York pour se consacrer à la bande dessinée. Il étudie à la Cooper Union School of Art and Architecture jusqu'en 1959. Ses premiers essais en tant que peintre, sous l'influence de Willem de Kooning, s'orientent vers l'expressionnisme abstrait alors en vogue. En 1959, il réalise ses premiers collages abstraits, mais s'intéresse rapidement à la figuration de Matisse, Van Gogh et Modigliani, et l'année suivante, il peint ses premières œuvres figuratives, notamment des paysages. Sa première exposition personnelle, à la Tanager Gallery de New York, a lieu en 1961. La même année, il entame son vaste cycle de Great American Nudes. Les premiers étaient des collages de petit format, mais les derniers ont été réalisés à l'huile (huile latine) et avec des couleurs acryliques dans de grands formats. Dans certaines d'entre elles, il a incorporé des objets réels. Une toile de cette série, Nude No. 1, 1970, est exposée au musée Thyssen-Bornemisza de Madrid. Plus tard, il a réalisé des séries sur les fumeurs, ainsi que d'immenses natures mortes avec des éléments de la vie quotidienne, tels que des appareils ménagers, des bouteilles, de la crème glacée. Il expérimente la sculpture en utilisant des plaques découpées. Sa production graphique est importante et couvre plusieurs techniques (lithographie, sérigraphie, aquatinte). Une importante anthologie lui a été consacrée au Japon en 1993-94. En 1980, il a écrit une autobiographie sous le pseudonyme de Slim Stealingworth.

Estim. 240 000 - 260 000 EUR

Lot 14 - ROBERT RAUSCHENBERG (Texas, États-Unis, 1925 - Floride, États-Unis, 2008). "Goat House (Passes), 1988. Acrylique et encre sérigraphique sur papier fait main. Signé en bas au centre. Certificat joint, délivré par la galerie Guy Pieters, attestant que l'œuvre est enregistrée auprès de la Fondation Robert Rauschenberg. Avec des étiquettes au dos : - Exposition "New York on paper", juin-octobre 1993, Galerie Beyeler Bâle. - Exposition "Poetry in Motion", juin-septembre 2007, Galerie Beyeler Basel. - M. Knoedler & Co. Dimensions : 55 x 77 cm ; 63,5 x 85 x 4 cm (cadre). Les années 1980 ont marqué une période de transformation et d'expérimentation dans la carrière prolifique de Robert Rauschenberg. Après une carrière bien établie dans le néo-dadaïsme et le pop art, l'artiste s'est lancé dans l'exploration de nouveaux langages, défiant les attentes avec des combinaisons de techniques qui intègrent la peinture, la gravure, la photographie et le collage. Le résultat donne l'impression d'un palimpseste visuel et conceptuel qui, dans des œuvres telles que "Goat House", choque notre subconscient et stimule notre capacité associative. Dans ces œuvres, Rauschenberg a expérimenté les transferts photographiques, incorporant des images de la réalité quotidienne et de la presse dans ses œuvres, remettant en question la relation entre le réel et l'imaginaire. Le treillis de la maison et le visage d'un Africain nous interpellent et éveillent notre sens critique, mais l'artiste joue avec la métaphore et l'énigme sans chercher à communiquer une idée fermée. De même, l'allusion à la "chèvre" dans le titre pourrait être un clin d'œil à son œuvre la plus emblématique des années cinquante, "Monogram", avec laquelle il inaugure ses jeux combinatoires choquants. Peintre, sculpteur et graphiste, pionnier du pop art dans ses premières œuvres, Robert Rauschenberg a travaillé sur tous les supports, y compris la photographie, la gravure et la performance. Il a reçu des récompenses exceptionnelles telles que la National Medal of Art of the United States en 1993, ainsi que le Leonardo da Vinci World Award of Arts en 1995. Il commence sa carrière dans la pharmacie et s'engage dans l'armée, mais décide finalement de se consacrer à l'art, développant sa formation au Kansas City Art Institute et à l'Académie Julian à Paris. Enfin, il prolongera ses études au Black Mountian College de Caroline du Nord, où il eut comme professeur Josef Albers, l'un des fondateurs du Bauhaus. Entre 1949 et 1952, Rauschenberg étudie avec Vaclav Vytlacil et Morris Kantor à l'Art Students League de New York, où il rencontre Knox Martin et Cy Twombly. Tout au long de sa carrière, l'œuvre de Rauschenberg subit des changements remarquables dus à diverses influences, dont celle de Marcel Duchamp. Il expose ses œuvres dans les plus grandes galeries des États-Unis et d'Europe, en commençant par sa première exposition personnelle en 1951. Au début de 1963, il a eu sa première rétrospective au Jewish Museum de New York et, l'année suivante, il est devenu le premier artiste américain à remporter le Grand Prix de la Biennale de Venise. Plus récemment, il a fait l'objet de rétrospectives dans des lieux importants tels que le Solomon R. Guggenheim Museum de New York, et a également exposé au MoMA de New York, au musée Tinguely de Bâle et dans d'autres lieux. Il est actuellement représenté aux musées Guggenheim de New York, Berlin et Bilbao, à l'Art Institute of Chicago, au Metropolitan et au MoMA de New York, à la Tate Gallery de Londres et dans d'autres collections importantes du monde entier.

Estim. 100 000 - 120 000 EUR

Lot 15 - MIMMO ROTELLA (Catanzaro, Italie, 1918 - Milan, 2006). "Super Batman", 2003. Décollage collé sur toile. Pièce unique. Signée dans le coin inférieur droit. Daté et titré au dos. Avec l'étiquette de la Fondation Mimmo Rotella. Le Centre Pompidou conserve un autre décollage de ce même film. Certificat joint signé par Guy Pieters, de la Galerie Pieters. Il est endommagé dans la marge inférieure. Dimensions : 182 x 130 cm ; 186 x 134 cm (cadre). Avec "Batman", Mimmo Rotella démontre une fois de plus son infatigable facette de créateur et son implication dans l'expérimentation des nouveaux langages artistiques de la seconde moitié du XXe siècle. L'Italien, qui a débuté comme peintre d'abstractions géométriques, démontre dans ce "décollage" sa progression artistique et son contact constant avec le monde qui l'entoure. Il utilise des affiches publicitaires et de vieilles affiches de cinéma qui, une fois arrachées des murs, sont collées sur la toile pour créer des compositions semi-abstraites. L'affiche choisie pour ce décollage est celle du film "Batman", une production de William Dozier avec Adam West (dans le rôle de Batman) et Burt Ward (dans le rôle de son acolyte Robin). Artiste pluridisciplinaire, Mimmo Rotella a travaillé avec des techniques aussi diverses que la peinture, la céramique, la tapisserie, le dessin, le graphisme et la photographie. Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Rome et, après la fin de la guerre, en 1945, il s'est rendu à Rome, où il est entré en contact avec l'avant-garde. Il s'installe ensuite à Paris et aux États-Unis et, de retour à Rome, il se tourne vers les possibilités expressives de l'affiche publicitaire, créant une nouvelle technique appelée décollage. À Paris, il participe à l'expérience du Nouveau Réalisme et son intérêt pour la poétique des processus mécaniques s'exprime également dans la création du Mec-art, ou processus de transcription sérielle de l'image. Il est actuellement représenté dans des musées tels que le Guggenheim à New York et le Centre Georges Pompidou à Paris, entre autres.

Estim. 140 000 - 160 000 EUR

Lot 16 - KAREL APPEL (Pays-Bas, 1921 - Suisse, 2006). Sans titre, 1975. Acrylique sur carton collé sur toile. Signé dans le coin inférieur droit. Certificat joint signé par Guy Pieters et M. Nieuwenhuizen-Segaar. Dimensions : 57 x 75,5 cm ; 84 x 102 cm (cadre). L'œuvre de Karel Appel se distingue par sa violence chromatique et son caractère matériellement passéiste. Il a souvent créé des créatures pseudo-humaines ou mythologiques comme celle qui nous occupe, qui peuvent être lues comme des allégories phobiques. Le primitivisme et l'art infantile ou naïf sont réaffirmés par l'artiste et son groupe CoBrA (formé dans les années 50) pour rejeter la raison civilisatrice qui a conduit l'Europe à la dévastation. Le langage d'Appel repose sur la conjugaison de l'agressivité expressionniste et de la simplicité enfantine liée au surréalisme. Il est toujours resté dans les limites de la figuration. Peintre, sculpteur et graphiste, Karel Appel est actuellement considéré comme l'artiste le plus vigoureux de la génération d'après-guerre dans son pays. En 1948, il a fondé, avec Corneille, Jorn et Alechinsku, le groupe international CoBrA, qui a joué un rôle décisif dans le développement et l'expansion de l'automatisme européen entre les années 1940 et 1950. Pendant l'occupation nazie de la Hollande, Apple a erré dans le pays pour éviter d'être envoyé travailler en Allemagne. En 1946, il présente sa première exposition personnelle à Groningue, où l'empreinte de Dubuffet, avec qui il partagera certains concepts théoriques, est déjà visible. Ses premières sculptures, pionnières dans l'assemblage de matériaux de récupération, datent de 1947. Certains artistes, rejetant la rigueur et le sectarisme de l'organisation surréaliste, fondent le groupe CoBrA (abréviation de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam, villes dont sont originaires Appel, Corneille et Constant, qui signent le manifeste inaugural avec Jorn, Noiret et Dotremont). Les peintres de CoBrA poursuivent un travail plus spontané, s'inspirant des traditions culturelles locales et collectant des images fantastiques. Le groupe se dissout rapidement en 1951, mais certains de ses membres, notamment Appel, Jorn et Alechinsky, en conservent l'esprit au cours des décennies suivantes. Leur peinture se caractérise par une grande charge expressionniste liée aux figures de Max Pechstein et d'Edward Munich, deux des grands expressionnistes nordiques. Son œuvre est faite d'empâtements denses et de jeux de couleurs violents, qui dénotent le caractère agité de l'expressionnisme nordique. Plus tard, son langage a évolué vers une ligne plus douce, se rapprochant de la peinture à la main. Appel était un artiste infatigable qui a exploré de multiples langages, de la sculpture à la céramique, en passant par la peinture murale, le vitrail ou la gravure. Au cours de sa longue carrière artistique, il a reçu de nombreux prix et a collaboré avec des artistes d'autres disciplines tels que le poète Allen Ginsberg ou le chorégraphe Min Tanaka. Il connaît ses premiers succès en 1953, avec l'exposition au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles et sa participation à la Biennale de Sao Paulo (il y reviendra en 1959 et remportera le prix international de peinture), et en 1954, lorsqu'il reçoit le prix de l'UNESCO à la Biennale de Venise et expose à Paris et à New York. Appel est représenté au Guggenheim Museum et au MoMA de New York, au Bilbao Fine Arts Museum, à la Tate Gallery de Londres, à l'Albertina de Vienne, à la Thyssen-Bornemisza, à la Peggy Guggenheim Collection de Venise et au Fine Arts Museum de Dordrecht, entre autres.

Estim. 40 000 - 50 000 EUR

Lot 17 - PIERRE ALECHINSKY (Bruxelles, 1927). "Vile Instinct", 1974. Acrylique sur papier collé sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Certificat joint signé par l'artiste et par Guy Pieters. Dimensions : 114 x 154 cm ; 115,5 x 155,5 cm (cadre). Pierre Alechinsky avait fondé avec Karel Appel et d'autres artistes le groupe CoBrA dans les années cinquante. La volonté de renverser le rationalisme et le purisme qui avaient dominé certains courants d'avant-garde se maintient dans l'œuvre qu'Alechinsky développe dans les décennies suivantes. L'agressivité du geste, la palette ardente, le trait violent et le rejet du réalisme sont des recherches auxquelles Alechinsky reste fidèle dans ce tableau de 1974. L'artiste belge avait l'habitude de choisir des titres qui faisaient référence à des états d'âme ou à des concepts abstraits et qu'il traduisait, avec le symbolisme de la couleur, de la texture et des gestes impétueux, en compositions subjuguantes comme celle qui nous occupe ici. Le "vil instinct" est ainsi capturé dans une symphonie lacérante qui nous remue de l'intérieur. Lithographe, peintre et théoricien, Pierre Alechinsky est formé à l'École nationale supérieure d'architecture et des arts décoratifs de la Cambre à Bruxelles, où il fait preuve de talent et d'intérêt pour l'illustration et la typographie. En 1945, il découvre l'œuvre de Michaux, de Dubuffet et des surréalistes, et se lie d'amitié avec le critique d'art Jacques Putman. Il commence à peindre en 1947, entamant une carrière qui mêlera certaines caractéristiques de l'expressionnisme et d'autres du surréalisme, le tout accompagné d'un style très personnel. À la fin des années 1940, il rencontre le poète Christian Dotremont, l'un des membres fondateurs du groupe CoBrA (acronyme de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam), qu'Alechinsky rejoint en 1949. Le groupe comprend, outre Alechinsky, Karel Appel, Christian Dotremont et Asger Jorn, entre autres. Il participe également à la première exposition internationale du groupe à Amsterdam et collabore à la réalisation de toiles avec Karel Appel et d'autres membres. Après la dissolution de CoBrA, Alechinsky s'installe à Paris, où il expérimente la gravure au populaire Atelier 17. Il y rencontre Giacometti, Bram van Velde et Victor Brauner. En 1954, il présente sa première exposition personnelle à la galerie Nina Dausset à Paris, où il rencontre le peintre Walasse Ting, qui exercera une grande influence sur lui. En 1956, il réalise "Central Park", une peinture acrylique qui comporte des "observations marginales", leitmotiv d'une grande partie de sa production. La première rétrospective de son œuvre a lieu en 1969, au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. En 1966, André Breton a choisi cette œuvre pour l'exposition internationale du mouvement surréaliste. Son œuvre a été exposée à Amsterdam, Londres, à la Biennale de Venise, à New York, etc., et est conservée dans d'importantes collections privées et institutions telles que la Marion Lefebre Collection à Los Angeles, la Galerie Leolong à Paris, le Museo Centro de Arte Reina Sofía à Madrid, le MoMA, etc.

Estim. 150 000 - 200 000 EUR

Lot 18 - PIERRE ALECHINSKY (Bruxelles, 1927). "Iran et mer Caspienne", 1980-1990. Acrylique sur papier collé sur toile. Signée, datée et titrée au dos. Signé sur le châssis. Certificat joint délivré et signé par l'artiste. Dimensions : 108 x 146 cm ; 124 x 162 cm (cadre). À partir d'une carte géographique centrée sur la région de l'Iran et de la mer Caspienne, Alechinsky déploie son imaginaire et y intervient de manière simplifiée, délimitant certaines zones et en "inondant" d'autres au sens figuré. Cette œuvre appartient à la série des "observations marginales", petites vignettes en marge de la peinture qui deviendront une caractéristique cardinale de sa production. La série peut être comprise en tenant compte du fait qu'elle provient d'un vocabulaire lié à l'imprimerie. "Les graveurs qui devaient dessiner au burin ou à la pointe sèche sur une plaque de cuivre testaient leur outil sur la marge de la plaque ; en se laissant aller, ils esquissaient souvent une petite image. Pour ma part, celle-ci explique parfois ce qui est au centre de l'œuvre, d'autres fois elle l'accompagne, elle prend plus d'importance...", explique l'artiste lui-même. Et de poursuivre : "L'artiste n'en a pas conscience sur le moment, mais en encadrant la figure centrale par d'autres dessins plus petits, il met en place un authentique dispositif pictural qui assume la limite du tableau et la protège, attire notre regard et le retient". Lithographe, peintre et théoricien, Pierre Alechinsky se forme à l'École nationale supérieure d'architecture et des arts décoratifs de la Cambre à Bruxelles, montrant à la fois des dons et un intérêt pour l'illustration et la typographie. En 1945, il découvre l'œuvre de Michaux, de Dubuffet et des surréalistes, et se lie d'amitié avec le critique d'art Jacques Putman. Il commence à peindre en 1947, entamant une carrière qui mêlera certaines caractéristiques de l'expressionnisme et d'autres du surréalisme, le tout accompagné d'un style très personnel. À la fin des années 1940, il rencontre le poète Christian Dotremont, l'un des membres fondateurs du groupe CoBrA (acronyme de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam), qu'Alechinsky rejoint en 1949. Le groupe comprend, outre Alechinsky, Karel Appel, Christian Dotremont et Asger Jorn, entre autres. Il participe également à la première exposition internationale du groupe à Amsterdam et collabore à la réalisation de toiles avec Karel Appel et d'autres membres. Après la dissolution de CoBrA, Alechinsky s'installe à Paris, où il expérimente la gravure au populaire Atelier 17. Il y rencontre Giacometti, Bram van Velde et Victor Brauner. En 1954, il présente sa première exposition personnelle à la galerie Nina Dausset à Paris, où il rencontre le peintre Walasse Ting, qui exercera une grande influence sur lui. En 1956, il réalise "Central Park", une peinture acrylique qui comporte des "observations marginales", leitmotiv d'une grande partie de sa production. La première rétrospective de son œuvre a lieu en 1969, au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. En 1966, André Breton a choisi cette œuvre pour l'exposition internationale du mouvement surréaliste. Son œuvre a été exposée à Amsterdam, Londres, à la Biennale de Venise, à New York, etc., et est conservée dans d'importantes collections privées et institutions telles que la Marion Lefebre Collection à Los Angeles, la Galerie Leolong à Paris, le Museo Centro de Arte Reina Sofía à Madrid, le MoMA, etc.

Estim. 100 000 - 150 000 EUR

Lot 19 - JEAN DUBUFFET (Le Havre, France, 1901 - Paris, France, 1985). "Mire G 66 (Kowloon)", 1983. Acrylique sur papier collé sur toile. Signée avec les initiales et datée dans le coin supérieur gauche. Avec l'étiquette au dos de la Pace Gallery. Certificat ci-joint délivré par la Galerie Guy Pieters. Dimensions : 68 x 100 cm ; 92 x 124 cm (cadre). Dans la dernière phase de sa vie, Dubuffet évite toute référence figurative et utilise des lignes gestuelles pour exprimer les aspects les plus abstraits de la pensée. Dans sa série "Mire", il fait de l'enchevêtrement des couleurs son thème principal, analysant ce que serait l'expérience si l'esprit n'organisait pas le monde extérieur en catégories préconçues et étanches, un thème qui constitue l'épine dorsale de toute sa production et de son engagement dans l'"Art Brut", dont il a lui-même inventé le nom. L'artiste déclare : "Ces peintures doivent être considérées comme des pratiques d'apprentissage d'une nouvelle forme de vision : une vision qui a été libérée de la nomenclature trompeuse avec laquelle l'humanisme déclare analyser et cataloguer le chaos mobile et changeant de l'univers". Bien que "Mira G 132 (Kowloon)" semble dépourvu de figures reconnaissables, un examen plus approfondi révèle que, dans de nombreux domaines, des visages sont suggérés. En fait, le sous-titre fait référence à la ville animée de Hong Kong, Kowloon. Peintre et sculpteur français, Jean Dubuffet s'installe à Paris en 1918 avec l'idée d'étudier la peinture à l'Académie Julian, mais après six mois de formation, il abandonne ses études pour devenir autodidacte. Suivant sa propre voie, il arrête de peindre en 1924 en raison de ses doutes sur la valeur de l'art et reprend l'affaire de son père, négociant en vins. Cependant, dans les années trente, il revient à la peinture, bien qu'il fasse une nouvelle pause créative qui durera jusqu'en 1942. En 1944, il organise sa première exposition personnelle et, quatre ans plus tard, il s'approche du surréalisme pour évoluer vers la pataphysique en 1954. Après avoir lu "L'art des malades mentaux" de Hans Prinzhorn, Dubuffet invente le terme "art brut" pour désigner l'art produit par des non-professionnels travaillant en dehors des normes esthétiques, tels que les malades mentaux, les prisonniers et les enfants. En effet, l'artiste a cherché à créer un art libre de toute préoccupation intellectuelle, et son travail apparaît parfois comme primitif et enfantin. Des œuvres de Dubuffet sont actuellement conservées au MoMA, au Guggenheim et au Metropolitan Museum de New York, à l'Art Institute of Chicago, au Centre Pompidou à Paris, à la Fondation de l'Hermitage à Lausanne, au Fukuoka Museum au Japon, au Kunstmuseum de Bâle, au MACBA de Barcelone, au MNCARS de Madrid, à la Tate Gallery de Londres et à la Peggy Guggenheim Collection de Venise, entre autres.

Estim. 350 000 - 400 000 EUR

Lot 20 - SAM FRANCIS (San Mateo, Californie, 1923 - Santa Monica, Californie 1994). Sans titre, 1977. Acrylique sur papier. Scellé au dos par The Sam Francis Estate. Certificat joint délivré par la Guy Pieters Gallery. Verre antireflet. Dimensions : 34 x 27 cm ; 60 x 51,5 cm (cadre). Intéressé par la psychanalyse jungienne, le peintre californien Sam Francis a développé une abstraction onirique qui a pris une importance particulière dans les années soixante-dix. L'œuvre en question se situe dans cette ligne de création d'images inconscientes, qui combinent des bandes de peinture appliquées au rouleau (ici en forme de lames) avec des coulures et des éclaboussures de pigments rouges et bleus. Certaines critiques les ont appelées "images d'air frais", et elles étaient formées par une matrice sous-jacente qu'il tapissait d'empreintes et de coulures. Saint François souhaitait laisser la place à l'intuition et à l'automatisme du geste pour exprimer la pulsation de l'âme. Francis a étudié la botanique, la médecine et la psychologie à l'Université de Berkeley en Californie de 1941 à 1943, et a servi dans l'armée de l'air américaine pendant la Seconde Guerre mondiale de 1943 à 1945 avant d'être blessé dans un accident d'avion. Il passe plusieurs années à l'hôpital et c'est pendant cette période qu'il commence à peindre, sous l'impulsion de son ami David Parks, professeur à l'école des beaux-arts de San Francisco. Une fois sorti de l'hôpital, il retourne à Berkeley, cette fois pour étudier l'art. Ses études de peinture et d'histoire de l'art durent de 1948 à 1950. Les premières œuvres de Francis sont directement influencées par les expressionnistes abstraits tels que Rothko, Gorky et Still. Pendant les années 1950, il réside à Paris, où il organise sa première exposition personnelle en 1952 à la galerie Nida Dausset. Au cours des années cinquante et soixante, il réalise d'importantes expositions personnelles et participe à des expositions collectives à la galerie Ribe Droite (Paris, 1955), Martha Jackson (New York, 1956), Gimpel Fils (Londres, 1957), à l'exposition "New American Painting", qui tourne dans huit villes européennes (1958), à la Documenta de Kassel (1959 et 1964) et à la Kunsthalle de Berne et de Düsseldorf. En 1963, il s'installe à Santa Monica, en Californie, et six ans plus tard, il est nommé docteur honoris causa par l'université de Berkeley. C'est au cours de cette période, entre 1960 et 1963, qu'il crée plusieurs séries d'œuvres, dont la série des "Blue Balls". Constituées de formes et de gouttes bleues essentiellement biomorphiques, ces œuvres font référence à la douleur résultant de la tuberculose rénale dont il est atteint en 1961. Il continue à peindre, principalement à Los Angeles, mais aussi à Tokyo, où il vit principalement en 1973-4. En 1965, Francis commence une série de peintures qui se caractérisent par de grandes surfaces de toile ouverte, des couleurs minimales et des lignes fortes. Son travail évolue encore après qu'il a entamé une intense analyse jungienne avec le Dr James Kirsch en 1971. Après 1980, la structure formelle de la grille disparaît progressivement de l'œuvre de Francis. En 1984, Francis a fondé The Lapis Press dans le but de produire des textes inhabituels et opportuns dans des formats visuellement attrayants.

Estim. 45 000 - 55 000 EUR

Lot 21 - VICTOR VASARELY (Pécs, Hongrie, 1908 - Paris, 1997). "Llide-D", 1962-1968. Peinture acrylique sur bois. Signée dans la marge centrale inférieure. Signée, datée et titrée au dos. Certificat joint délivré par Pierre Vasarely. Dimensions : 54 x 54 cm ; 80 x 80 cm (cadre). Le tableau "Llide-D" appartient à la collection "Ondulatoires", l'une des séries emblématiques de Victor Vasarely, que l'artiste franco-hongrois, père de l'Op Art, a réalisée à l'apogée de sa carrière. La série "Ondulatoires" s'inspire du balancement des vagues de la mer et de la façon dont la lumière se reflète sur l'eau. C'est un exemple paradigmatique de l'art cinétique, un style artistique qui explore la perception du mouvement par l'illusion d'optique et dont Vasarely s'est fait le champion. Elle présente une composition abstraite de lignes qui s'ouvrent vers l'extérieur et qui, par une combinaison étudiée du décalage chromatique et de l'épaisseur de la ligne, produisent un effet d'ondulation lorsque le spectateur passe devant l'œuvre. "Llide-D" suggère le calme hypnotique de l'expérience de la contemplation de la mer au coucher du soleil. Considéré comme le père de l'Op Art, Victor Vasarely a commencé sa formation artistique à l'école Muheely, fondée à Budapest par un étudiant du Bauhaus. Il s'installe à Paris en 1930, où il crée ce qui est considéré aujourd'hui comme la première œuvre de l'Op Art, "Zebra" (1937). À Paris, il travaille comme graphiste pour des agences de publicité. Pendant cette période, son style artistique varie de l'expression figurative vers un type d'art abstrait constructif et géométrique, intéressé par la représentation de la perspective sans point de fuite.Entre 1936 et 1948, il participe régulièrement au Salon des Surindépendants et au Salon des Nouvelles Réalités. À partir de 1948, il expose régulièrement à la galerie Denise René. Dans les années cinquante, son travail aborde l'utilisation de nouveaux matériaux et supports tels que l'aluminium ou le verre. De même, il commence à réaliser des œuvres d'intégration à l'espace, comme Hommage à Malevitch. Dans les années soixante, il participe à de nombreuses expositions collectives, comme The Responsive Eye au Museum of Modern Art de New York, ainsi qu'à des expositions personnelles en Europe et en Amérique. Parmi les nombreuses récompenses qu'il a reçues tout au long de sa vie, on peut citer le prix Guggenheim (1964), les critiques d'art de Bruxelles et la médaille d'or de la Triennale de Milan. En 1970, il a également été nommé chevalier de l'ordre de la Légion d'honneur. Il est représenté dans les musées qui lui sont consacrés à Aix-en-Provence, Pécs et Budapest, mais aussi dans les plus importants centres d'art contemporain du monde, comme la Tate Gallery de Londres, le MoMA de New York, le Guggenheim de Venise ou le Reina Sofia de Madrid.

Estim. 75 000 - 95 000 EUR

Lot 22 - NIKI DE SAINT PHALLE (Neuilly-sur-Seine, France, 1930 - San Diego, Californie, 2002). "L'Oiseau Amoureux", 2000. Résine peinte. Exemplaire 58/150. Signé, justifié et tamponné au dos (panier arrière). Certificat joint signé par Guy Pieters, Galerie Guy Pieters. Dimensions : 60 x 48 x 23 cm. "L'Oiseau Amoureux" est une sculpture emblématique de l'artiste française Niki de Saint Phalle. Elle représente un oiseau anthropomorphe, dont le corps s'est hybridé avec celui d'une femme étreignant son sein. Cette femme suspendue comme une petite fille au grand oiseau représente une "Nana", l'une des œuvres les plus emblématiques et les plus vindicatives de l'artiste. Réalisée en résine peinte de couleurs vives et vibrantes, elle s'inscrit dans l'essentiel de l'œuvre de Saint Phalle consacrée à la féminité : ses fameuses Nanas aux corps imposants qui deviennent parfois des architectures habitables, ses femmes-oiseaux, son amour de la nature, etc. "L'Oiseau Amoureux célèbre l'émancipation des femmes, un thème que l'artiste a commencé à aborder dans les années 1960. Il représente la liberté du vol, la joie (symbolisée par les couleurs) et l'amour (par l'étreinte qui fusionne les deux corps et par la profusion de courbes féminines qui caractérisent les anatomies corpulentes de cette sculptrice). L'"oiseau d'amour" évoque un sentiment de libération et d'optimisme. En accentuant les courbes, Saint Phalle a voulu remettre en question les stéréotypes de la beauté féminine. De même, le titre "L'Oiseau Amoureux" suggère l'idée d'un amour passionné et transformateur, qui élève l'individu au-dessus des limites du monde. Il existe plusieurs versions de "L'Oiseau Amoureux" dans différentes parties du monde, notamment dans des musées, des jardins publics et des collections privées. Parmi les lieux les plus remarquables, citons le parc de sculptures d'Oslo : Le parc de sculptures d'Oslo ou Ekebergparken, et le musée Tinguely de Bâle. Dédié à son mari Jean Tinguely et aux œuvres qu'ils ont réalisées ensemble, le musée et son jardin abritent de nombreuses sculptures de Saint Phalle, dont un grand "Oiseau". Niki de Saint Phalle est l'une des artistes les plus renommées du XXe siècle. En 1964, elle commence à créer une série d'œuvres intitulée "Nanas", qui consiste en des figures féminines aux formes voluptueuses et aux couleurs vives. Ces sculptures montrent un contraste entre la dimension ludique ou festive de l'objet et une dimension beaucoup plus tragique, violente et pornographique. Au début des années 1960, l'artiste réalise les Shooting Paintings. C'est en 1966 qu'elle réalise la plus grande sculpture de corps de femme de l'histoire de l'art, qui fait également partie de la série des "Nanas" et dont le titre est "Hon" ("Elle" en suédois). Une Nana qui cesse d'être une sculpture pour devenir une architecture. Elle a été installée au Moderna Musset de Stockholm, sous le sceau du secret, car il s'agissait d'un acte plutôt révolutionnaire compte tenu de l'époque à laquelle il l'a réalisée, si bien que quelques jours après l'avoir ouverte au public, l'exposition a été fermée. En 1979, il commence à construire un parc de sculptures, le "Jardin des Tarots", situé près de Capalbio. En 1982, avec son mari Jean Tinguely, elle construit la "Fontaine Stravinsky" ou Fontaine des Automates, située à côté du Centre Pompidou à Paris. De nombreuses sculptures de Saint Phalle ont de grandes dimensions et sont exposées dans des espaces publics. La Niki Charitable Art Foundation tient à jour une carte et un catalogue en ligne de toutes ses œuvres d'art public existantes. Le Paradis Fantastique (1967), Moderna Museet, Stockholm, Suisse (en collaboration avec Tinguely). Golem (1971), Kiryat Hayovel, Jérusalem. Hannover Nanas (1973), en collaboration avec Leibnizufer à Hanovre, Allemagne. La Fontaine Stravinsky (Fontaine Stravinsky ou Fontaine des automates, 1982) près du Centre Pompidou, Paris, Sun God (1983), une créature ailée fantastique à côté du Faculty Club de l'Université de Californie, San Diego, dans le cadre de la Stuart Collection d'art public.

Estim. 50 000 - 60 000 EUR

Lot 23 - NIKI DE SAINT PHALLE (Neuilly-sur-Seine, France, 1930 - San Diego, Californie, 2002). "Vase de chien", 2000. Résine peinte, exemplaire 3/10. Signé et justifié. Base avec inscription "NA-2012-29". Certificat joint signé par Guy Pieters, Galerie Guy Pieters. Dimensions : 52,5 x 20 x 36 cm. Vase-sculpture de Niki de Saint Phalle, représentant un chien debout sur ses pattes arrière. Comme toujours dans l'œuvre de l'artiste française, la résine est peinte avec des couleurs gaies qui ouvrent les portes de la fantaisie et nous emmènent dans un bestiaire imaginaire : dans ce cas, un chien à l'anatomie librement réinventée. Avec ce type de figures, comme avec ses femmes aux courbes sensuelles, Saint Phalle nous plonge dans une nature régie par ses propres lois. Des lois authentiquement féminines, puissantes, guerrières et amoureuses à la fois. De même, les attributs canins par excellence, tels que la loyauté et l'amitié, sont relus dans cette œuvre iconique, ajoutant à l'optimisme qui a toujours prévalu dans ses propositions. Niki de Saint Phalle a été l'une des artistes les plus renommées du milieu du vingtième siècle. Elle a participé vers 1962 à l'exposition "The Art of Assemblage" au Museum of Modern Art de New York. En 1964, elle commence à créer une série d'œuvres intitulée "Nanas", qui consiste en des figures féminines aux formes voluptueuses et aux couleurs vives. Ces sculptures montrent un contraste entre la dimension ludique ou festive de l'objet et une dimension beaucoup plus tragique, violente et pornographique. Ces images s'opposent aux canons conventionnels de la beauté féminine. Au début des années 1960, l'artiste crée les Shooting Paintings. Il s'agit de sacs en polyéthylène remplis de peinture en forme de figure humaine recouverte de craie blanche. L'image a été créée après avoir tiré sur la figure à partir des sacs de peinture. C'est en 1966 qu'il réalise la plus grande sculpture de corps de femme de l'histoire de l'art, qui fait également partie de la série des "Nanas" et dont le titre est "Hon" ("Elle" en suédois). Une Nana qui cesse d'être une sculpture pour devenir une architecture. Elle a été installée au Moderna Musset de Stockholm, sous le sceau du secret, car il s'agissait d'un acte plutôt révolutionnaire compte tenu de l'époque à laquelle il l'a réalisée, si bien que quelques jours après l'avoir ouverte au public, l'exposition a été fermée. En 1979, il commence à construire un parc de sculptures, "El jardín del tarot" en espagnol, situé près de Capalbio, en Italie. En 1982, avec son mari Jean Tinguely, elle construit la "Fontaine Stravinsky" ou Fontaine des Automates, située à côté du Centre Pompidou à Paris. De nombreuses sculptures de Saint Phalle sont de grandes dimensions et sont exposées dans des espaces publics. La Niki Charitable Art Foundation tient à jour une carte et un catalogue en ligne de toutes ses œuvres d'art public existantes. Le Paradis Fantastique (1967), Moderna Museet, Stockholm, Suisse (en collaboration avec Tinguely). Golem (1971), Kiryat Hayovel, Jérusalem. Hannover Nanas (1973), en collaboration avec Leibnizufer à Hanovre, Allemagne. La Fontaine Stravinsky (1982) près du Centre Pompidou, Paris (en collaboration avec Tinguely) Sun God (1983), une fantastique créature ailée à côté du Faculty Club de l'Université de Californie, San Diego, dans le cadre de la Stuart Collection d'art public.

Estim. 55 000 - 65 000 EUR

Lot 24 - YVES KLEIN (Nice, 1928-Paris, 1962). "L'esclave mourant d'après Michel-Ange, 1962. Pigment IKB. Exemplaire 299/300. Édition totale de 350 exemplaires. Sous le socle, tous les exemplaires portent une étiquette précisant le numéro de l'édition, le nom de l'éditeur et le nom de la personne qui a réalisé l'édition. Une vitrine spéciale a été conçue pour présenter chaque édition sur un socle en plexiglas, avec ou sans protection. Un certificat signé par la galerie Guy Pieters est joint à l'ouvrage. Dimensions : 60 x 16 x 16 cm. "L'esclave mourant", inspiré du David de Michel-Ange, est la dernière œuvre de l'artiste, décédé en 1962. La sculpture de Michel-Ange, créée en 1513, était à l'origine destinée au tombeau du pape Jules II, mais fut finalement écartée du projet en 1542. La statue est alors offerte par l'artiste à Roberto Strozzi et entre dans les collections de François Ier. Yves Klein est attiré par la force tragique de cette œuvre grandiose de Michel-Ange. En la reproduisant avec son "International Klein Blue", il se l'approprie et lui donne une nouvelle signification : transformer le cauchemar de l'esclave en utopie de la libération. Le pigment bleu outremer breveté "International Klein Blue" a été créé par Yves Klein dans les années 1955-1960 après de longues recherches : "Je cherchais un fixateur capable de fixer chaque grain de pigment les uns aux autres puis au support, sans qu'aucun d'eux ne soit altéré ou privé de ses possibilités autonomes d'irradiation, tout en s'unissant aux autres et au support, créant ainsi la masse colorée, la surface picturale". Artiste clé du mouvement néo-dadaïste, Yves Klein est né dans une famille d'artistes, bien qu'il ait commencé sa carrière comme judoka. Profondément attiré par la philosophie et la pratique du judo, il étudie à l'Institut Kodokan de Tokyo, dont l'école de judo est fortement influencée par la philosophie zen. Dès son plus jeune âge, Klein s'intéresse également à la religiosité chrétienne de l'Ordre de la Rose-Croix, combinant la recherche d'un état de vacuité et d'harmonie totale du zen avec le rituel et l'immatérialité de la Rose-Croix. Ces aspects resteront dans sa personnalité jusqu'à la fin de sa vie et s'exprimeront dans son art. Klein commence à peindre dans les années 1950 et se présente en tant qu'artiste visuel au Salon des Réalités Nouvelles de Paris en 1955, avec le monochrome "Expression de l'univers dans la couleur Mino Orange". Cependant, le Salon rejette son œuvre, arguant qu'une seule couleur n'est pas suffisante pour créer une peinture. Dans cette première étape, Klein réalisera des œuvres monochromes, en utilisant un rouleau et non un pinceau afin d'éliminer toute trace de la main de l'artiste. La couleur devient le protagoniste, en tant que sensibilité matérialisée, en tant que perception sensorielle. En particulier, la couleur la plus importante pour lui sera le bleu, auquel l'artiste attribue les motifs les plus abstraits de la nature tangible, comme le ciel et la mer. Dans ce contexte, Klein a longtemps cherché un bleu qui conserve la luminosité originelle du pigment, jusqu'à ce qu'il trouve l'IKB (International Klein Blue). Il s'agit d'un bleu outremer profond que l'artiste a lui-même développé et breveté. Tout au long de sa carrière, il présente ses œuvres dans des expositions organisées dans des villes telles que Milan, Paris, Düsseldorf et Londres, ce qui lui vaut une rapide reconnaissance internationale. Il a également exploré au-delà de la peinture, en proposant une idée architecturale personnelle qui remplace les murs par des courants d'air, ou avec des expositions telles que "Le Vide" (Paris, 1958), dans laquelle il a présenté une pièce complètement vide, peinte par lui en blanc. Il a également réalisé des séries remarquables telles que "Anthropométries", des empreintes de corps en bleu, rose ou or, et "Cosmogonies", où Klein capture les traces du vent et de la pluie. Les œuvres d'Yves Klein sont actuellement exposées dans les plus grands musées du monde, notamment au MoMA, au Guggenheim et au Metropolitan Museums de New York, au Centre Pompidou de Paris, à la Tate Gallery de Londres, au MUMOK de Vienne, au Guggenheim de Bilbao, au MNCARS de Madrid, à la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea de Rome, ainsi que dans d'autres collections publiques et privées.

Estim. 100 000 - 120 000 EUR

Lot 25 - YVES KLEIN (Nice, 1928-Paris, 1962). "Table d'or". Verre, plexiglas, acier et pigment d'or. Certificat joint délivré par la Galerie Guy Pieters. Dimensions : 37 x 125,5 x 100 cm. Au début des années soixante, Klein tente d'entrer dans le monde du design mobilier en créant trois élégantes tables garnies de matériaux étonnants, qui semblent suspendues dans un espace illimité grâce à la transparence du méthacrylate ou du verre. L'édition de ces tables a commencé en 1963, peu après sa mort, et sous la supervision de sa veuve, Rotraut Klein-Moquay, sur la base d'un dessin de Klein datant de 1961. Les trois versions se distinguent par leurs couleurs, celles qui sont le plus étroitement liées à l'artiste : Le bleu Klein, le rose plus connu sous le nom de "Monopink" et le jaune d'or "Monogold". Chaque table est munie d'une étiquette en plastique qui fait office de plaque d'authenticité avec la numérotation de référence et le fac-similé de la signature de Rotraut Klein-Moquay. La passion pour la couleur or est révélée par plusieurs extraits de "The Monochrome Adventure" (1960), où Klein raconte l'influence de son travail à l'atelier d'encadrement Old Brompton Road et au Savage Studio, tous deux situés à Londres. Des lieux dans lesquels je décris "l'illumination de la matière comme une qualité profondément physique". Artiste clé du mouvement néo-dadaïste, Yves Klein est né dans une famille d'artistes, bien qu'il ait commencé sa carrière comme judoka. Profondément attiré par la philosophie et la pratique du judo, il étudie à l'Institut Kodokan de Tokyo, dont l'école de judo est fortement influencée par la philosophie zen. Dès son plus jeune âge, Klein s'intéresse également à la religiosité chrétienne de l'Ordre de la Rose-Croix, combinant la recherche d'un état de vacuité et d'harmonie totale du zen avec le rituel et l'immatérialité de la Rose-Croix. Ces aspects resteront dans sa personnalité jusqu'à la fin de sa vie et s'exprimeront dans son art. Klein commence à peindre dans les années 1950 et se présente en tant qu'artiste visuel au Salon des Réalités Nouvelles de Paris en 1955, avec le monochrome "Expression de l'univers dans la couleur orange minium". Cependant, le Salon rejette son œuvre, arguant qu'une seule couleur n'est pas suffisante pour créer une peinture. Dans cette première étape, Klein réalisera des œuvres monochromes, en utilisant un rouleau et non un pinceau afin d'éliminer toute trace de la main de l'artiste. La couleur devient le protagoniste, en tant que sensibilité matérialisée, en tant que perception sensorielle. En particulier, la couleur la plus importante pour lui sera le bleu, auquel l'artiste attribue les motifs les plus abstraits de la nature tangible, comme le ciel et la mer. Dans ce contexte, Klein a longtemps cherché un bleu qui conserve la luminosité originelle du pigment, jusqu'à ce qu'il trouve l'IKB (International Klein Blue). Il s'agit d'un bleu outremer profond que l'artiste a lui-même développé et breveté. Tout au long de sa carrière, il présente ses œuvres dans des expositions organisées dans des villes telles que Milan, Paris, Düsseldorf et Londres, ce qui lui vaut une rapide reconnaissance internationale. Il a également exploré au-delà de la peinture, en proposant une idée architecturale personnelle qui remplace les murs par des courants d'air, ou avec des expositions telles que "Le Vide" (Paris, 1958), dans laquelle il a présenté une pièce complètement vide, peinte par lui en blanc. Il a également réalisé des séries remarquables telles que "Anthropométries", des empreintes de corps en bleu, rose ou or, et "Cosmogonies", où Klein capture les traces du vent et de la pluie. Les œuvres d'Yves Klein sont actuellement exposées dans les plus grands musées du monde, notamment au MoMA, au Guggenheim et au Metropolitan Museums de New York, au Centre Pompidou de Paris, à la Tate Gallery de Londres, au MUMOK de Vienne, au Guggenheim de Bilbao, au MNCARS de Madrid, à la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea de Rome, ainsi que dans d'autres collections publiques et privées.

Estim. 34 000 - 36 000 EUR

Lot 26 - CHRISTIAN DOTREMONT (Belgique, 1922 - Buizingen, 1979). "Zyzzling aardvark", 1972. Encre de Chine sur papier. Signé, daté et titré dans le coin inférieur gauche. Certificat joint signé par Samnuel Vanhoegaerden. Dimensions : 98 x 62 cm ; 113 x 76,6 cm (cadre). Cette œuvre à l'encre de Chine a un titre difficile à traduire, ludique et surréaliste, comme l'était en général l'œuvre de Christian Dotremont. On pourrait le traduire par "Tamanoir grésillant" et il est porteur de significations cryptiques. Il suggère également une calligraphie étrange, magique et inventée. Dotremont était un poète visuel, lié au groupe CoBrA. Christian Dotremont est né à Tervuren. Peintre et poète belge, il est membre fondateur du Groupe révolutionnaire surréaliste (1946). Il s'est engagé dans le mouvement surréaliste dans le but de révéler les multiples facettes de l'art. Il est également l'un des fondateurs de CoBrA avec l'artiste danois Asger Jorn. C'est Asger Jorn qui présente Dotremont à la Galerie Birch, dirigée par le charismatique marchand d'art et fondateur de la galerie, Børge Birch. Dotremont devient rapidement un ami personnel de Birch et, bien des années plus tard, longtemps après la dissolution du groupe Cobra, il continue à entretenir des contacts étroits avec la galerie de Copenhague. En tant qu'artiste expérimentant avec l'art tout au long de sa vie, il s'est fait connaître par ses poèmes peints, appelés Peinture mots en français, qu'il nomme logogrammes. Il les définit comme étant à mi-chemin entre les images et les mots. Dotremont a peint ces "images de mots et mots d'images" tout au long de sa vie. Dotremont est à l'origine du plus grand scandale de CoBrA : lors de l'exposition du groupe au Stedelijk Museum d'Amsterdam, il a attiré l'attention en prononçant un long discours politique en faveur du communisme. Les spectateurs néerlandais ont été immédiatement provoqués par ce langage cru. Après cette véritable bagarre, plusieurs membres de CoBrA se sont retirés du mouvement. De tels affrontements et différends entraîneront inévitablement la dissolution du groupe en 1951. Dotremont meurt de la tuberculose à Tervuren le 20 août 1979. Christian Dotremont figure dans les collections publiques danoises suivantes : Museum Jorn à Silkeborg, Louisiana Museum of Modern Art, AROS, The Kastrupgaard collection, Randers Museum of Art, KUNSTEN à lborg, Horsens Museum of Art, Funen Museum of Art. En outre, Dotremont fait partie de nombreuses collections publiques et privées internationales.

Estim. 50 000 - 60 000 EUR

Lot 27 - JACQUES VILLEGLÉ (Quimper, 1926-Paris, 2022). "Johnny Scorpions", 1999. Décollage (affiches déchirées marouflées) sur toile. Signé dans le coin inférieur droit. Signé et titré au dos. Certificat d'authenticité joint, signé par l'artiste et par Guy Pieters. Dimensions : 220 x 170 cm ; 229 x 179 cm (cadre). Jacques Villeglé explique que c'est dans le métro parisien, en 1969, que son langage "décollage" (procédé inverse du collage, puisqu'il agit par soustraction) a pris corps avec force. Ce jour-là, il tombe sur une affiche protestant contre la visite du président Nixon. Le graffiti a une typographie politique qui renforce l'idée de rejet. À partir de là, il développe son graphisme politique. Cependant, dès les années cinquante, il commence à s'approprier les affiches urbaines. Il imite dans ses propres œuvres les déchirures que les affiches subissent au grand jour par des mains anonymes au fil du temps, révélant des couches sous-jacentes. "Johnny Scorpions" poursuit dans cette voie, pratiquant une "guérilla des signes", un palimpseste de messages qui donnent naissance à un nouvel alphabet, fragmentaire et subversif. Jacques Villeglé est un membre éminent du groupe artistique du Nouveau Réalisme. Il étudie à l'École des beaux-arts de Rennes, où il rencontre Raymond Hains. Entre 1947 et 1949, il étudie l'architecture à Nantes, puis s'installe à Paris. Il commence à collecter des objets sur les plages, notamment à Saint-Malo (fils de fer, restes du mur de l'Atlantique...) objets avec lesquels il conçoit des sculptures, mais à partir de 1949, il collectionne les affiches lacérées, initiant une ligne plus personnelle d'"affichiste guérillero". Au début des années cinquante, le jeune artiste fréquente des paroliers dissidents (Bull Dog Brau, Guy Debord et Gil Wolman). En 1954, Villeglé rencontre le poète lyrique François Dufrêne. En 1958, il écrit un manifeste sur les affiches lacérées intitulé "Réalités collectives", préfiguration du manifeste du Nouveau Réalisme. En 1960, après avoir participé à la première Biennale de Paris, Jacques Villeglé rejoint le groupe des Nouveaux Réalistes, dont il est l'un des membres fondateurs, avec Martial Raysse, Yves Klein, Arman, Tinguely, Hains, Dufrêne, Spoerri...). Ce mouvement décrète de "nouvelles approches perceptives du réel" et se fonde, pour Villeglé, sur un art qui se veut dépourvu de technique et proche de ce que l'on trouve dans la rue. Avec son ami Raymond Hains, avec qui il a réalisé le film "Pénélope", Villeglé s'approprie les déchirures abstraites et lyriques de la ville, instille dans ses œuvres une dose de contestation politique, et s'approprie les messages politiques et médiatiques en en déconstruisant le sens. Sa première exposition personnelle a lieu en 1959. À partir de cette date, l'œuvre de Villeglé est présentée dans plus d'une centaine d'expositions personnelles (en Europe et aux États-Unis) et dans de nombreuses expositions collectives (Salon des Jeunes à Paris, Salon Comparison, Salon Nika...). D'importants musées nationaux acquièrent ses œuvres mais, malgré l'aspect novateur de sa vision, Jacques Villeglé doit attendre 1970 pour vivre de son art et n'obtient la reconnaissance du public qu'à la fin des années soixante-dix. Il faudra attendre 1998 pour que le Musée national d'art moderne acquière une de ses affiches lacérées. En 1971, la Staatgallerie de Stuttgart lui consacre la première exposition muséale exclusivement consacrée aux "affiches lacérées". La même année, il participe à la rétrospective du Moderna Museet de Stockholm et à celle du musée de Krefeld. En 1976 et 1977, il participe à l'exposition itinérante Panorama de l'art français 1960-1975, qui parcourt le Proche-Orient et l'Afrique du Nord. Les cinq années suivantes, il participe à plusieurs expositions, telles que Paris-New York et Paris-Paris, au Centre Pompidou. En 1977 paraît la première édition de Lacerée anonyme ou Urbi & Orbi. Tout au long des années 1980 et jusqu'à aujourd'hui, il a participé à plus de 200 expositions individuelles et collectives dans le monde entier, tout en éditant et en publiant son catalogue raisonné. Plusieurs monographies sur son œuvre et sa figure paraissent également, ainsi qu'une biographie écrite par Odile Felgine. Entre 2000 et 2010, il promeut et collabore à diverses activités de street art ; il est reconnu par les plus importants graffeurs parisiens comme un pionnier et un précurseur de leur travail.

Estim. 90 000 - 100 000 EUR

Lot 28 - WALTER LEBLANC (Silly, Belgique, 1932-Anvers, Belgique, 1986). "Torsion Mobilo-Static", 1963-1972. Bandes de polyvinyle montées sur carton. Pièce unique. Signée, datée et titrée au dos. Avec inscriptions. Un certificat délivré par la Galerie Boon est joint. Bibliographie : -Leblanc, N. "Walter Leblanc : catalogue raisonné", Ludion, Gand, 1997, n.562/PF 630. Dimensions : 27 x 27 cm ; 40 x 40 cm (cadre). Les "torsions" de Walter Leblanc ont été sa grande contribution au monde de l'art, en particulier dans le domaine de l'art optique et cinétique. L'artiste belge étirait et tordait des matériaux tels que des fils de coton peints et des rubans de plastique sur un support traditionnel pour créer des formes géométriques simples et des motifs ressemblant à des éclairs qui donnaient l'illusion du mouvement. La "Torsion Mobilo-Static" est l'un des exemples les plus réussis de cette technique unique, qui fait de la torsion un élément pictural en soi en apportant lumière, mouvement et vibration. Il a développé les torsions dans des œuvres bidimensionnelles et tridimensionnelles, élargissant les notions de peinture et de sculpture. Walter Leblanc est une figure belge importante de l'art européen de l'après-guerre, au sein du réseau international néo-avant-garde de la Nouvelle Tendance. Après avoir obtenu son diplôme à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers, Leblanc est devenu l'un des membres fondateurs du groupe d'avant-garde anversois G58. L'exposition "Anti-Peinture" (1962), dont il est le commissaire au G58-Hessenhuis, fait office de manifeste. Après une période figurative, abstraite et plus tard monochrome, Leblanc abandonne définitivement la peinture. En 1959, il commence à introduire la "torsion" comme élément pictural important dans son travail. Ces torsions - réalisées avec des fils de coton, de plastique ou de métal - lui permettent d'apporter du mouvement, de la lumière et des vibrations à ses reliefs et à ses sculptures. Leblanc participe activement à des expositions internationales pionnières telles que Monochrome Malerei (1960, Leverkusen), The Responsive Eye (1965, MoMA, New York) et Serielle Formationen (1967, Francfort-sur-le-Main). En 1964, il remporte le prestigieux prix du jeune art belge et, en 1970, il participe à la 35e Biennale de Venise. De 1977 jusqu'à sa mort prématurée en 1986, Leblanc est professeur à l'Instituut voor Archite. En 1984, les œuvres de Leblanc sont présentées dans plusieurs expositions muséales, dont Vlamingen in Venetië, au musée Dhondt-Dhaenens à Deurle ; Géométrie de la matière, à la Fondation pour l'art contemporain belge ; et Surface sculpturale, à l'Atelier 340 à Bruxelles, qui se rendra à Varsovie en 1985 et à Cracovie en 1986. Exposition personnelle avec Frank Nietveld à Brasschaat. La province d'Anvers acquiert une œuvre. En 1985, la collection Lenz est exposée pour la première fois en public au musée Carolino-Augusteum de Salzbourg. Walter et Nicole passent l'été sur l'île de Naxos dans les Cyclades (Grèce). Le Musée royal des beaux-arts d'Anvers acquiert une troisième œuvre. Il réalise une installation architecturale pour le hall d'entrée de la banque ABN Amro, à Bruxelles. Le 14 janvier 1986, Walter Leblanc meurt dans un accident de voiture alors qu'il se rendait au Musée d'art moderne de Bruxelles pour terminer l'éclairage de l'exposition collective Rapports Plan/Espace - Tussen Vlak en Ruimte. En 1989, trois ans après la mort de Leblanc, trois musées organisent des rétrospectives de son œuvre : le Wilhelm-Hack Museum à Ludwigshafen, le Josef Albers Museum à Bottrop, en Allemagne, et le Salzburg Museum en Autriche.

Estim. 50 000 - 60 000 EUR

Lot 29 - CHRISTO (Bulgarie, 1935- USA, 2020). "Over the River, Project For Arkansas River, State of Colorado", 2008. Dessin et collage. Pièce unique. Signé dans le coin inférieur droit et au dos. Titré et daté dans le coin inférieur droit. Certificat joint délivré par Guy Pieters, Galerie Guy Pieters et signé par l'artiste. Dimensions : 35,5 x 28 cm ; 36,5 x 29 cm (cadre). "Over the River, Project For Arkansas River, State of Colorado" a été lancé en 1992, lorsque Christo, Jeanne Claude et toute leur équipe ont parcouru 22 530 km (14 000 miles) à la recherche de l'endroit idéal pour sa réalisation. Au cours de ces voyages, ils ont prospecté 89 rivières dans un total de 7 états, trouvant 6 sites potentiels adaptés à leur objectif ambitieux. Après avoir revisité les 6 sites au cours de l'été 1996, la rivière Arkansas, dans le Colorado, a été choisie comme site. Le plan final comprenait 9,5 kilomètres de panneaux de tissu argenté lumineux suspendus au-dessus de l'eau à huit endroits différents le long d'un tronçon de 67,6 kilomètres de la rivière Arkansas entre Cañon City et Salida, dans le centre-sud du Colorado. Sur le plan bureaucratique, Christo a reçu tous les permis fédéraux, étatiques et locaux nécessaires pour réaliser Over The River en 2011, lorsque le ministère de l'intérieur des États-Unis a annoncé son rapport de décision. Cependant, en 2012, un groupe local opposé à cette œuvre d'art temporaire a intenté une action en justice contre les parcs de l'État du Colorado devant le tribunal de l'État et contre le gouvernement fédéral américain, le Bureau of Land Management, devant le tribunal fédéral des États-Unis. En janvier 2017, après avoir poursuivi le projet pendant 20 ans et traversé cinq années de batailles juridiques, Christo a décidé de le mettre de côté et de consacrer toute son énergie, son temps et ses ressources à la réalisation de The Mastaba aux Émirats arabes unis. Couple d'artistes renommés de la fin du XXe siècle, les objets enveloppés de Christo et Jeanne-Claude comptent parmi les exemples les plus extrêmes de l'art conceptuel. Christo Valdimirov Javacheff a étudié entre 1952 et 1956 à l'Académie des beaux-arts de Sofia, puis a passé un an à Prague. En 1957, Christo fuit l'État socialiste et s'installe à Vienne, d'où il se rend à Genève et enfin à Paris. Sa vie à Paris est caractérisée par la misère économique et l'isolement social, accentués par ses difficultés à apprendre la langue française. Il gagne de l'argent en réalisant des portraits, qu'il assimile à de la prostitution. En janvier 1958, Christo réalise sa première œuvre d'"art enveloppé" ; il recouvre un pot de peinture vide d'une toile imbibée d'acrylique. Christo et Jeanne-Claude se rencontrent à Paris en novembre 1958. En 1961, il s'attaque à ce qui sera son premier projet avec de grands objets, en enveloppant des barils dans le port de Cologne. En 1962, Christo et Jeanne-Claude s'attaquent à leur premier projet monumental, "Rideau de fer", comme une déclaration contre le mur de Berlin. L'œuvre consiste à bloquer la rue Visconti au-dessus du fleuve avec des barils de pétrole. Bien que Christo organise simultanément sa première exposition dans une galerie, c'est le projet Visconti qui le fait connaître à Paris. En 1964, le couple s'installe à New York. En 1968, ils participent à la Documenta 4 à Kassel et, en 1969, ils entreprennent l'un de leurs projets les plus célèbres, celui de l'aménagement du front de mer de Little Bay à Sydney, en Australie. Depuis, ils ont réalisé de nombreux projets de grande envergure dans le monde entier, notamment "Running fence" et "Wrapped walk ways" aux États-Unis, "Pont Neuf" à Paris, "Umbrellas" aux États-Unis et au Japon, et le bâtiment du Reichstag en Allemagne.

Estim. 55 000 - 65 000 EUR

Lot 30 - CHRISTO (Bulgarie, 1935- USA, 2020). "The Mastaba, Project for the United Arab Emirates", 2008. Dessin en techniques mixtes sur papier. Pièce unique. Signé et daté dans le coin inférieur droit ainsi qu'au dos. Certificat joint signé par Christo. Dimensions : 21,5 x 28 cm ; 22,5 x 29 cm (cadre). Le projet La Mastaba a été conçu par Christo et Jeanne Claude en 1977 pour le désert de Liwa, à environ 160 km au sud de la ville d'Abu Dhabi. Bien qu'il n'ait pas pu être réalisé du vivant des artistes, il est prévu de l'exécuter post mortem, ce qui consistera à réaliser le plus grand "mastaba" ou sculpture contemporaine du monde (en volume), composé de 410 000 tonneaux multicolores formant une mosaïque colorée qui fait écho à l'architecture islamique (rappelons qu'un mastaba est un type de tombeau égyptien antique avec une base rectangulaire, un toit plat et des murs latéraux inclinés, construit avec des blocs d'adobe ou de la pierre). Le mastaba mesurera 150 mètres de haut, 300 mètres de long sur les parois verticales et 225 mètres de large sur les parois inclinées à 60 degrés. La faisabilité de cet immense projet est confirmée par le fait qu'en 2007 et 2008, Christo et Jeanne-Claude ont engagé des professeurs d'ingénierie de l'ETH Zurich (École polytechnique fédérale de Zurich), de l'Université de l'Illinois à Urbana-Champaign aux États-Unis, de l'Université de Cambridge au Royaume-Uni et de l'Université Hosei à Tokyo, au Japon, pour préparer des études de faisabilité. C'est finalement le concept de l'université Hosei qui a été jugé le plus solide techniquement et le plus innovant. Une fois l'approbation du gouvernement obtenue, la période de construction durera au moins trois ans et il s'agira d'un projet autofinancé qui ne nécessitera pas de fonds publics, comme c'est le cas pour tous les projets du tandem artistique. Couple d'artistes renommés de la fin du XXe siècle, les objets enveloppés de Christo et Jeanne-Claude comptent parmi les exemples les plus extrêmes de l'art conceptuel. Christo Valdimirov Javacheff a étudié entre 1952 et 1956 à l'Académie des beaux-arts de Sofia, puis a passé un an à Prague. En 1957, Christo fuit l'État socialiste et s'installe à Vienne, d'où il se rend à Genève et enfin à Paris. Sa vie à Paris est caractérisée par la misère économique et l'isolement social, accentués par ses difficultés à apprendre la langue française. Il gagne de l'argent en peignant des portraits, qu'il assimile à de la prostitution. En janvier 1958, Christo réalise sa première œuvre d'"art enveloppé" : il recouvre un pot de peinture vide d'une toile imbibée d'acrylique. Christo et Jeanne-Claude se rencontrent à Paris en novembre 1958. En 1961, il s'attaque à ce qui sera son premier projet avec de grands objets, en enveloppant des barils dans le port de Cologne. En 1962, Christo et Jeanne-Claude s'attaquent à leur premier projet monumental, "Rideau de fer", comme une déclaration contre le mur de Berlin. L'œuvre consiste à bloquer la rue Visconti au-dessus du fleuve avec des barils de pétrole. Bien que Christo organise simultanément sa première exposition dans une galerie, c'est le projet Visconti qui le fait connaître à Paris. En 1964, le couple s'installe à New York. En 1968, ils participent à la Documenta 4 à Kassel et, en 1969, ils entreprennent l'un de leurs projets les plus célèbres, celui de l'aménagement du front de mer de Little Bay à Sydney, en Australie. Depuis, ils ont réalisé de nombreux projets de grande envergure dans le monde entier, notamment "Running fence" et "Wrapped walk ways" aux États-Unis, "Pont Neuf" à Paris, "Umbrellas" aux États-Unis et au Japon, et le bâtiment du Reichstag en Allemagne.

Estim. 100 000 - 110 000 EUR

Lot 31 - CHRISTO (Bulgarie, 1935- USA, 2020). "Le projet du Pont Neuf enveloppé pour Paris", 1985. Technique mixte sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur gauche et au dos. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 28 x 35 cm ; 29 x 36 cm (cadre). Les "wrappers" de Christo et Jeanne Claude ont eu un impact particulier sur l'histoire de l'art contemporain. Ce couple d'artistes conceptuels a conçu l'idée d'envelopper des monuments publics pour générer le double jeu de donner de la visibilité à quelque chose en le cachant : les statues et les bâtiments emblématiques passent généralement inaperçus ; Christo, à partir des années soixante-dix, a donc envisagé de les résigner (la plupart d'entre eux ne restant qu'à l'état de projets, avec des plans, des dessins, etc.) en optant pour un type d'art à la fois grandiloquent et éphémère. Le 22 septembre 1985, 300 ouvriers ont déployé 41 800 mètres carrés de tissu polyamide d'aspect soyeux et de couleur grès doré sur le célèbre Pont Neuf à Paris, qui est resté couvert pendant 14 jours. Couple d'artistes renommés de la fin du XXe siècle, les objets enveloppés de Christo et Jeanne-Claude comptent parmi les exemples les plus extrêmes de l'art conceptuel. Christo Valdimirov Javacheff a étudié entre 1952 et 1956 à l'Académie des beaux-arts de Sofia, puis a passé un an à Prague. En 1957, Christo fuit l'État socialiste et s'installe à Vienne, d'où il se rend à Genève et enfin à Paris. Sa vie à Paris est caractérisée par la misère économique et l'isolement social, accentués par ses difficultés à apprendre la langue française. Il gagne de l'argent en réalisant des portraits, qu'il assimile à de la prostitution. En janvier 1958, Christo réalise sa première œuvre d'"art enveloppé" ; il recouvre un pot de peinture vide d'une toile imbibée d'acrylique. Christo et Jeanne-Claude se rencontrent à Paris en novembre 1958. En 1961, il s'attaque à ce qui sera son premier projet avec de grands objets, en enveloppant des barils dans le port de Cologne. En 1962, Christo et Jeanne-Claude s'attaquent à leur premier projet monumental, "Rideau de fer", comme une déclaration contre le mur de Berlin. L'œuvre consiste à bloquer la rue Visconti au-dessus du fleuve avec des barils de pétrole. Bien que Christo organise simultanément sa première exposition dans une galerie, c'est le projet Visconti qui le fait connaître à Paris. En 1964, le couple s'installe à New York. En 1968, ils participent à la Documenta 4 à Kassel et, en 1969, ils entreprennent l'un de leurs projets les plus célèbres, celui de l'aménagement du front de mer de Little Bay à Sydney, en Australie. Depuis, ils ont réalisé de nombreux projets de grande envergure dans le monde entier, notamment "Running fence" et "Wrapped walk ways" aux États-Unis, "Pont Neuf" à Paris, "Umbrellas" aux États-Unis et au Japon, et le bâtiment du Reichstag en Allemagne.

Estim. 90 000 - 100 000 EUR

Lot 32 - CHRISTO (Bulgarie, 1935- USA, 2020). "Reichstag enveloppé, projet pour Berlin", 1995. Collage. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Signé et daté au dos. Certificat joint, émis par la galerie Guy Pieters et signé par Christo. Dimensions : 22 x 28,5 cm. Les "wrappers" de Christo et Jeanne Claude ont eu un impact particulier sur l'histoire de l'art contemporain. Ce couple d'artistes conceptuels a conçu l'idée d'envelopper les monuments publics pour générer le double jeu de donner de la visibilité à quelque chose en le cachant : les statues et les bâtiments emblématiques passent généralement inaperçus, c'est pourquoi Christo, à partir des années soixante-dix, a envisagé de les résigner (en ne laissant la plupart d'entre eux qu'à l'état de projets, avec des plans, des dessins, etc.) en optant pour un type d'art à la fois grandiloquent et éphémère. En 1995, après une lutte qui a duré jusqu'à 70 ans, la ville de Berlin a été témoin de l'un des projets les plus étonnants du tandem artistique : le Reichstag a été enveloppé de 100 000 mètres carrés de polypropylène avec une surface en aluminium et 15,6 km de corde en polypropylène bleu. Les façades, les tours et le toit ont été recouverts de 70 panneaux de tissu fabriqués sur mesure, soit deux fois plus de tissu que la surface du bâtiment. La construction est restée enveloppée pendant 14 jours et tous les matériaux ont été recyclés après l'achèvement du projet. Couple d'artistes renommés de la fin du XXe siècle, les objets enveloppés de Christo et Jeanne-Claude comptent parmi les exemples les plus extrêmes de l'art conceptuel. Christo Valdimirov Javacheff a étudié entre 1952 et 1956 à l'Académie des beaux-arts de Sofia, puis a passé un an à Prague. En 1957, Christo fuit l'État socialiste et s'installe à Vienne, d'où il se rend à Genève et enfin à Paris. Sa vie à Paris est caractérisée par la misère économique et l'isolement social, accentués par ses difficultés à apprendre la langue française. Il gagne de l'argent en peignant des portraits, qu'il assimile à de la prostitution. En janvier 1958, Christo réalise sa première œuvre d'"art enveloppé" : il recouvre un pot de peinture vide d'une toile imbibée d'acrylique. Christo et Jeanne-Claude se rencontrent à Paris en novembre 1958. En 1961, il s'attaque à ce qui sera son premier projet avec de grands objets, en enveloppant des barils dans le port de Cologne. En 1962, Christo et Jeanne-Claude s'attaquent à leur premier projet monumental, "Rideau de fer", comme une déclaration contre le mur de Berlin. L'œuvre consiste à bloquer la rue Visconti au-dessus du fleuve avec des barils de pétrole. Bien que Christo organise simultanément sa première exposition dans une galerie, c'est le projet Visconti qui le fait connaître à Paris. En 1964, le couple s'installe à New York. En 1968, ils participent à la Documenta 4 à Kassel et, en 1969, ils entreprennent l'un de leurs projets les plus célèbres, celui de l'aménagement du front de mer de Little Bay à Sydney, en Australie. Depuis, ils ont réalisé de nombreux projets de grande envergure dans le monde entier, notamment "Running fence" et "Wrapped walk ways" aux États-Unis, "Pont Neuf" à Paris, "Umbrellas" aux États-Unis et au Japon, et le bâtiment du Reichstag en Allemagne.

Estim. 85 000 - 95 000 EUR

Lot 33 - CHRISTO (Bulgarie, 1935- USA, 2020). "L'Arc de Triomphe de l'Etoile, emballé (place Charles de Gaulle Paris)". Collage. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Signé et daté au dos. Document joint signé par Christo en 2019. Dimensions : 28 x 22 cm ; 29 x 23 cm (cadre). Le touriste qui, fin septembre et début octobre 2021, aurait la chance de se promener le long de l'Arc de Triomphe à Paris aurait probablement une surprise choquante : le monument emblématique a été enveloppé par Christo et Jeanne-Claude avec 25 000 mètres carrés de tissu en polypropylène recyclable bleu argenté, et avec 3 000 mètres de corde rouge. L'histoire de ce projet remonte à 1961 lorsque, trois ans après leur rencontre à Paris, Christo et Jeanne-Claude ont commencé à créer des œuvres d'art dans des espaces publics. L'un de leurs projets consistait à envelopper un bâtiment public. La Fondation Christo et Jeanne-Claude déclare : "À son arrivée à Paris, Christo loue une petite chambre près de l'Arc de Triomphe et est dès lors attiré par le monument. En 1962, il réalise un photomontage de l'Arc de Triomphe enveloppé vu de l'avenue Foch et, en 1988, un collage. 60 ans plus tard, le projet est enfin réalisé". Les "wrappings" de Christo et Jeanne Claude ont eu un impact particulier sur l'histoire de l'art contemporain. Ce couple d'artistes conceptuels a conçu l'idée d'envelopper les monuments publics pour générer le double jeu de donner de la visibilité à quelque chose en le cachant : les statues et les bâtiments emblématiques passent généralement inaperçus, Christo, à partir des années soixante-dix, a donc prévu de les résigner (ne laissant la plupart d'entre eux qu'à l'état de projets, avec des plans, des dessins, etc.) en optant pour un type d'art à la fois grandiloquent et éphémère. Couple d'artistes célèbres de la fin du XXe siècle, les objets emballés de Christo et Jeanne-Claude comptent parmi les exemples les plus extrêmes de l'art conceptuel. Christo Valdimirov Javacheff a étudié entre 1952 et 1956 à l'Académie des beaux-arts de Sofia, puis a passé un an à Prague. En 1957, Christo fuit l'État socialiste et s'installe à Vienne, d'où il se rend à Genève et enfin à Paris. Sa vie à Paris est caractérisée par la misère économique et l'isolement social, accentués par ses difficultés à apprendre la langue française. Il gagne de l'argent en peignant des portraits, qu'il assimile à de la prostitution. En janvier 1958, Christo réalise sa première œuvre d'"art enveloppé" ; il recouvre un pot de peinture vide d'une toile imbibée d'acrylique. Christo et Jeanne-Claude se rencontrent à Paris en novembre 1958. En 1961, il s'attaque à ce qui sera son premier projet avec de grands objets, en enveloppant des barils dans le port de Cologne. En 1962, Christo et Jeanne-Claude s'attaquent à leur premier projet monumental, "Rideau de fer", comme une déclaration contre le mur de Berlin. L'œuvre consiste à bloquer la rue Visconti au-dessus du fleuve avec des barils de pétrole. Bien que Christo organise simultanément sa première exposition dans une galerie, c'est le projet Visconti qui le fait connaître à Paris. En 1964, le couple s'installe à New York. En 1968, ils participent à la Documenta 4 à Kassel et, en 1969, ils entreprennent l'un de leurs projets les plus célèbres, celui de l'aménagement du front de mer de Little Bay à Sydney, en Australie. Depuis, ils ont réalisé de nombreux projets de grande envergure dans le monde entier, notamment "Running fence" et "Wrapped walk ways" aux États-Unis, "Pont Neuf" à Paris, "Umbrellas" aux États-Unis et au Japon, et le bâtiment du Reichstag en Allemagne.

Estim. 120 000 - 140 000 EUR

Lot 34 - CHRISTO (Bulgarie, 1935- USA, 2020). "The Mastaba, projet pour Londres, 2018. Collage. Pièce unique. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Signé et daté au dos. Dimensions : 22,5 x 29 x 3 cm. 7 506 barils ont été empilés horizontalement sur une plateforme flottante sur le lac Serpentine dans le Hyde Park de Londres. Le projet, qui s'est déroulé en 2018 et était de nature temporaire, a été baptisé "Mastaba" car la super structure a pris la forme d'un mastaba (tombe avec une base rectangulaire, un toit plat et des murs latéraux inclinés, construite avec des blocs d'adobe ou de la pierre dans l'Égypte ancienne). L'immense sculpture, d'un poids total de 600 tonnes, était ancrée au fond du lac par 32 ancres. Son empreinte couvre environ 1 % de la surface totale du lac. Comme tous les projets du tandem artistique, elle a été entièrement autofinancée par la vente d'œuvres d'art originales de Christo, comme celle que nous sommes en train d'acquérir. Couple d'artistes renommés de la fin du XXe siècle, les objets enveloppés de Christo et Jeanne-Claude comptent parmi les exemples les plus extrêmes de l'art conceptuel. Christo Valdimirov Javacheff a étudié de 1952 à 1956 à l'Académie des beaux-arts de Sofia, puis a passé un an à Prague. En 1957, Christo fuit l'État socialiste et s'installe à Vienne, d'où il se rend à Genève et enfin à Paris. Sa vie à Paris est caractérisée par la misère économique et l'isolement social, accentués par ses difficultés à apprendre la langue française. Il gagne de l'argent en peignant des portraits, qu'il assimile à de la prostitution. En janvier 1958, Christo réalise sa première œuvre d'"art enveloppé" ; il recouvre un pot de peinture vide d'une toile imbibée d'acrylique. Christo et Jeanne-Claude se rencontrent à Paris en novembre 1958. En 1961, il s'attaque à ce qui sera son premier projet avec de grands objets, en enveloppant des barils dans le port de Cologne. En 1962, Christo et Jeanne-Claude s'attaquent à leur premier projet monumental, "Rideau de fer", comme une déclaration contre le mur de Berlin. L'œuvre consiste à bloquer la rue Visconti au-dessus du fleuve avec des barils de pétrole. Bien que Christo organise simultanément sa première exposition dans une galerie, c'est le projet Visconti qui le fait connaître à Paris. En 1964, le couple s'installe à New York. En 1968, ils participent à la Documenta 4 à Kassel et, en 1969, ils entreprennent l'un de leurs projets les plus célèbres, celui de l'aménagement du front de mer de Little Bay à Sydney, en Australie. Depuis, ils ont réalisé de nombreux projets de grande envergure dans le monde entier, notamment "Running fence" et "Wrapped walk ways" aux États-Unis, "Pont Neuf" à Paris, "Umbrellas" aux États-Unis et au Japon, et le bâtiment du Reichstag en Allemagne.

Estim. 110 000 - 120 000 EUR

Lot 35 - CHRISTO (Bulgarie, 1935- USA, 2020). "The Floating Piers, projet pour le lac d'Iseo, Italie", 2016. Collage. Pièce unique. Signé et daté dans le coin inférieur gauche. Signé et daté au dos. Certificat joint délivré par la galerie Guy Pieters et signé par l'artiste. Dimensions : 29,5 x 22 x 3 cm. L'un des projets les plus marquants de Christo et Jeanne-Claude en Italie a été celui réalisé sur le lac d'Iseo (à environ 100 km à l'est de Milan), dans lequel ils ont placé 100 000 mètres carrés de tissu jaune vif qui flottait et se déplaçait au gré des vagues. Baptisé "The Floating Piers", ce projet a été autofinancé par le tandem artistique et est totalement gratuit et ouvert au public. "Ceux qui ont fait l'expérience des jetées flottantes ont eu l'impression de marcher sur l'eau, ou peut-être sur le dos d'une baleine", a déclaré Christo. "La lumière et l'eau ont transformé le tissu jaune vif en nuances de rouge et d'or pendant seize jours". L'œuvre Floating Piers a été conçue pour la première fois par Christo et Jeanne-Claude en 1970. Il s'agit du premier projet de grande envergure de Christo depuis que Christo et Jeanne-Claude ont réalisé The Gates en 2005, et depuis le décès de Jeanne-Claude en 2009. Couple artistique reconnu de la fin du XXe siècle, les objets enveloppés de Christo et Jeanne-Claude comptent parmi les exemples les plus extrêmes de l'art conceptuel. Christo Valdimirov Javacheff a étudié entre 1952 et 1956 à l'Académie des beaux-arts de Sofia, puis a passé un an à Prague. En 1957, Christo fuit l'État socialiste et s'installe à Vienne, d'où il se rend à Genève et enfin à Paris. Sa vie à Paris est caractérisée par la misère économique et l'isolement social, accentués par ses difficultés à apprendre la langue française. Il gagne de l'argent en réalisant des portraits, qu'il assimile à de la prostitution. En janvier 1958, Christo réalise sa première œuvre d'"art enveloppé" ; il recouvre un pot de peinture vide d'une toile imbibée d'acrylique. Christo et Jeanne-Claude se rencontrent à Paris en novembre 1958. En 1961, il s'attaque à ce qui sera son premier projet avec de grands objets, en enveloppant des barils dans le port de Cologne. En 1962, Christo et Jeanne-Claude s'attaquent à leur premier projet monumental, "Rideau de fer", comme une déclaration contre le mur de Berlin. L'œuvre consiste à bloquer la rue Visconti au-dessus du fleuve avec des barils de pétrole. Bien que Christo organise simultanément sa première exposition dans une galerie, c'est le projet Visconti qui le fait connaître à Paris. En 1964, le couple s'installe à New York. En 1968, ils participent à la Documenta 4 à Kassel et, en 1969, ils entreprennent l'un de leurs projets les plus célèbres, celui de l'aménagement du front de mer de Little Bay à Sydney, en Australie. Depuis, ils ont réalisé de nombreux projets de grande envergure dans le monde entier, notamment "Running fence" et "Wrapped walk ways" aux États-Unis, "Pont Neuf" à Paris, "Umbrellas" aux États-Unis et au Japon, et le bâtiment du Reichstag en Allemagne.

Estim. 130 000 - 150 000 EUR

Lot 36 - CHRISTO (Bulgarie, 1935- USA, 2020). "The Gates, projet pour Central Park New York City", 2001. Collage sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Signé et daté au dos. Certificat joint signé par Christo en 2012. Dimensions : 36 x 56 cm ; 36 x 57 x 3 cm (cadre). Central Park était le cadre idéal pour l'installation de "The Gates", un projet conçu par Christo et Jeanne-Claude consistant à placer 7 503 panneaux de couleur safran soutenus par des bases en acier le long d'une partie de sa géographie. Aucun trou n'a été percé dans le sol pour l'installation, et l'ensemble du projet a été financé par le tandem artistique lui-même (comme chacune des créations de Christo et Jeanne-Claude). Pour les New-Yorkais qui traversent The Gates en empruntant les passerelles, "le tissu couleur safran est un plafond doré qui crée des ombres chaudes". Vu des bâtiments entourant Central Park, The Gates ressemblait à une rivière dorée qui apparaissait et disparaissait entre les branches dénudées des arbres et soulignait la forme des sentiers sinueux", explique la Fondation elle-même. Couple d'artistes renommés de la fin du XXe siècle, les objets enveloppés de Christo et Jeanne-Claude comptent parmi les exemples les plus extrêmes de l'art conceptuel. Christo Valdimirov Javacheff a étudié entre 1952 et 1956 à l'Académie des beaux-arts de Sofia, puis a passé un an à Prague. En 1957, Christo fuit l'État socialiste et s'installe à Vienne, d'où il se rend à Genève et enfin à Paris. Sa vie à Paris est caractérisée par la misère économique et l'isolement social, accentués par ses difficultés à apprendre la langue française. Il gagne de l'argent en réalisant des portraits, qu'il assimile à de la prostitution. En janvier 1958, Christo réalise sa première œuvre d'"art enveloppé" ; il recouvre un pot de peinture vide d'une toile imbibée d'acrylique. Christo et Jeanne-Claude se rencontrent à Paris en novembre 1958. En 1961, il s'attaque à ce qui sera son premier projet avec de grands objets, en enveloppant des barils dans le port de Cologne. En 1962, Christo et Jeanne-Claude s'attaquent à leur premier projet monumental, "Rideau de fer", comme une déclaration contre le mur de Berlin. L'œuvre consiste à bloquer la rue Visconti au-dessus du fleuve avec des barils de pétrole. Bien que Christo organise simultanément sa première exposition dans une galerie, c'est le projet Visconti qui le fait connaître à Paris. En 1964, le couple s'installe à New York. En 1968, ils participent à la Documenta 4 à Kassel et, en 1969, ils entreprennent l'un de leurs projets les plus célèbres, celui de l'aménagement du front de mer de Little Bay à Sydney, en Australie. Depuis, ils ont réalisé de nombreux projets de grande envergure dans le monde entier, notamment "Running fence" et "Wrapped walk ways" aux États-Unis, "Pont Neuf" à Paris, "Umbrellas" aux États-Unis et au Japon, et le bâtiment du Reichstag en Allemagne.

Estim. 130 000 - 150 000 EUR

Lot 37 - CHRISTO (Bulgarie, 1935- USA, 2020). "Over the River, projet pour la rivière Arkansas, État du Colorado", 2011. Ensemble de deux dessins-collages (réf. 80A et réf. 80B). Considéré comme une seule pièce. Pièce unique. Avec explication au dos. Signé dans le coin inférieur droit de la partie supérieure (réf. 80A) et daté. Certificat joint délivré par Guy Pieters, Galerie Guy Pieters et signé par l'artiste. Dimensions : 39,5 x 244 cm (partie supérieure ou réf. 80A) et 108 x 244 cm (partie inférieure ou réf. 80B). "Over the River, Project For Arkansas River, State of Colorado" a été lancée en 1992, lorsque Christo, Jeanne Claude et toute leur équipe ont parcouru 22 530 km (14 000 miles) à la recherche de l'endroit idéal pour sa réalisation. Au cours de ces voyages, ils ont prospecté 89 rivières dans un total de 7 états, trouvant 6 sites potentiels adaptés à leur objectif ambitieux. Après avoir revisité les 6 sites au cours de l'été 1996, la rivière Arkansas, dans le Colorado, a été choisie comme site. Le plan final comprenait 9,5 kilomètres de panneaux de tissu argenté lumineux suspendus au-dessus de l'eau à huit endroits différents le long d'un tronçon de 67,6 kilomètres de la rivière Arkansas entre Cañon City et Salida, dans le centre-sud du Colorado. Sur le plan bureaucratique, Christo a reçu tous les permis fédéraux, étatiques et locaux nécessaires pour réaliser Over The River en 2011, lorsque le ministère de l'intérieur des États-Unis a annoncé son rapport de décision. Cependant, en 2012, un groupe local s'opposant à cette œuvre d'art temporaire a intenté une action en justice contre les parcs de l'État du Colorado devant le tribunal de l'État et contre le gouvernement fédéral américain, le Bureau of Land Management, devant le tribunal fédéral des États-Unis. En janvier 2017, après avoir poursuivi le projet pendant 20 ans et traversé cinq années de batailles juridiques, Christo a décidé de le mettre de côté et de consacrer toute son énergie, son temps et ses ressources à la réalisation de The Mastaba aux Émirats arabes unis. Couple d'artistes renommés de la fin du XXe siècle, les objets enveloppés de Christo et Jeanne-Claude comptent parmi les exemples les plus extrêmes de l'art conceptuel. Christo Valdimirov Javacheff a étudié entre 1952 et 1956 à l'Académie des beaux-arts de Sofia, puis a passé un an à Prague. En 1957, Christo fuit l'État socialiste et s'installe à Vienne, d'où il se rend à Genève et enfin à Paris. Sa vie à Paris est caractérisée par la misère économique et l'isolement social, accentués par ses difficultés à apprendre la langue française. Il gagne de l'argent en réalisant des portraits, qu'il assimile à de la prostitution. En janvier 1958, Christo réalise sa première œuvre d'"art enveloppé" ; il recouvre un pot de peinture vide d'une toile imbibée d'acrylique. Christo et Jeanne-Claude se rencontrent à Paris en novembre 1958. En 1961, il s'attaque à ce qui sera son premier projet avec de grands objets, en enveloppant des barils dans le port de Cologne. En 1962, Christo et Jeanne-Claude s'attaquent à leur premier projet monumental, "Rideau de fer", comme une déclaration contre le mur de Berlin. L'œuvre consiste à bloquer la rue Visconti au-dessus du fleuve avec des barils de pétrole. Bien que Christo organise simultanément sa première exposition dans une galerie, c'est le projet Visconti qui le fait connaître à Paris. En 1964, le couple s'installe à New York. En 1968, ils participent à la Documenta 4 à Kassel et, en 1969, ils entreprennent l'un de leurs projets les plus célèbres, celui de l'aménagement du front de mer de Little Bay à Sydney, en Australie. Depuis, ils ont réalisé de nombreux projets de grande envergure dans le monde entier, notamment "Running fence" et "Wrapped walk ways" aux États-Unis, "Pont Neuf" à Paris, "Umbrellas" aux États-Unis et au Japon, et le bâtiment du Reichstag en Allemagne.

Estim. 400 000 - 450 000 EUR

Lot 38 - BERT VREDEGOOR (Pays-Bas, 1956). "Sacred Ground 5", 2003. Impression au pistolet sur velours. Diptyque. Copie 5/10. L'œuvre est divisée en deux par le milieu, verticalement. Signée, datée, titrée et justifiée à la main au dos. Dimensions : 180 x 170 cm. Le velours est pour Bert Vredegoor un matériau essentiel et déterminant, la force motrice de plusieurs de ses séries les plus importantes. C'est le cas de l'œuvre "Sacred Ground 5" in tender, dans le processus de création de laquelle l'artiste belge a blanchi le velours noir avec des solutions de chlore à différentes concentrations pour créer l'image d'une porte gothique forgée dans le fer et éclairée par le bas par une faible lumière dorée. Le résultat est une coloration jaune d'or (parfois rouge) qui est éclairée par le fond sombre. Grâce à ce procédé chimique, Vredegoor parvient à créer de la lumière dans l'obscurité, au sens propre comme au sens figuré. Selon les propres termes de l'artiste, "ces œuvres sont intimes, contemplatives, inspirent la tranquillité et renvoient à des perceptions mystiques et religieuses. La magie de la lumière dorée est capturée et préservée grâce à un processus unique et durable". Formée à l'Académie d'art et de design d'Arnhem (Pays-Bas), l'imagination créative de Vredegoor l'amène à expérimenter diverses techniques et matériaux, ce qui fait d'elle un art unique et inimitable.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 39 - ROBERT COMBAS (Lyon, 1957). "Un baiser en taille maxi", 2011. Acrylique sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Signé et inscrit au dos. Certificat d'authenticité joint, délivré et signé par Robert Combas. Dimensions : 139 x 193 cm ; 143 x 197 cm (cadre). Avec "A kiss in maxi size", Robert Combas démontre son appartenance claire au mouvement de la Figuration Libre, "une peinture qui ne renie pas ses instincts primitifs ni sa volonté de culture" selon Combas lui-même, qui prend ses racines dans le fauvisme et l'expressionnisme et établit un fil conducteur avec le mouvement néo-expressionniste et l'art du graffiti, en se démarquant du minimalisme et de l'art conceptuel. La combinaison de lignes épaisses et de couleurs vives nous fait penser à l'art brut et au groupe CoBrA, mais aussi au langage de Keith Haring, à la culture underground et à la bande dessinée. Il s'agit d'une peinture frénétique et révolutionnaire, agressive et perspicace, capable d'altérer les sens de ceux qui l'observent. Peintre et sculpteur français, Robert Combas a été formé à l'École des beaux-arts de Sète, dans le sud-est de la France, et a réalisé sa première exposition personnelle en 1980. Il est considéré comme le père cofondateur de la figuration libre, un mouvement qui a vu le jour à Paris en 1980 en réaction au minimalisme et à l'art conceptuel qui s'établissaient dans la capitale française à l'époque. Les œuvres de Combas deviennent donc une critique de la société en général, à travers un style intense, basé sur l'utilisation de couleurs puissantes, vives et passionnées qui ne laissent aucun centimètre de la toile libre, soulignant en noir les figures qu'il représente. Parmi les autres membres fondateurs du mouvement de la Figuration Libre, citons Rémy Blanchard, François Boisrond et Hervé Di Rosa. Combas a exposé à la galerie Leo Castelli à New York avec Keith Haring en 1983. Par la suite, son œuvre a fait l'objet de nombreuses rétrospectives, tant en France qu'à l'étranger : ARCA à Marseille (1984), CAPC à Bordeaux, Stedelijk Museum à Amsterdam (1987), Taipei Museum of Fine Arts à Taiwan (1990), Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1993), Musée Paul-Valéry à Sète (2000), Seoul Museum of Art, à Séoul (2006 ), Fondation Mudima à Milan (2009), MAC à Lyon (2012) et Grimaldi Forum à Monaco (2016). L'artiste vit et travaille à Paris depuis 1981.

Estim. 60 000 - 70 000 EUR

Lot 40 - ROBERT COMBAS (Lyon, 1957). "Les dragons humains immortalisés", 2011. Acrylique sur toile. Signée et datée au verso. Signé et inscrit au dos. Certificat d'authenticité joint, délivré et signé par Robert Combas. Dimensions : 139 x 193 cm ; 143 x 198 cm (cadre). Avec "Immortalized Human Dragons", Robert Combas s'inscrit clairement dans le mouvement de la Figuration libre, "une peinture qui ne renie pas ses instincts primitifs ni sa volonté de culture" selon Combas lui-même, qui plonge ses racines dans le fauvisme et l'expressionnisme et établit un lien avec le mouvement néo-expressionniste et l'art du graffiti, en se démarquant du minimalisme et de l'art conceptuel. La combinaison de lignes épaisses et de couleurs vives nous fait penser à l'art brut et au groupe CoBrA, mais aussi au langage de Keith Haring, à la culture underground et à la bande dessinée. Il s'agit d'une peinture frénétique et révolutionnaire, agressive et perspicace, capable d'altérer les sens de ceux qui l'observent. Peintre et sculpteur français, Robert Combas a été formé à l'École des beaux-arts de Sète, dans le sud-est de la France, et a réalisé sa première exposition personnelle en 1980. Il est considéré comme le père cofondateur de la figuration libre, un mouvement qui a vu le jour à Paris en 1980 en réaction au minimalisme et à l'art conceptuel qui s'établissaient dans la capitale française à l'époque. Les œuvres de Combas deviennent donc une critique de la société en général, à travers un style intense, basé sur l'utilisation de couleurs puissantes, vives et passionnées qui ne laissent aucun centimètre de la toile libre, soulignant en noir les figures qu'il représente. Parmi les autres membres fondateurs du mouvement de la Figuration Libre, citons Rémy Blanchard, François Boisrond et Hervé Di Rosa. Combas a exposé à la galerie Leo Castelli à New York avec Keith Haring en 1983. Par la suite, son œuvre a fait l'objet de nombreuses rétrospectives, tant en France qu'à l'étranger : ARCA à Marseille (1984), CAPC à Bordeaux, Stedelijk Museum à Amsterdam (1987), Taipei Museum of Fine Arts à Taiwan (1990), Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1993), Musée Paul-Valéry à Sète (2000), Seoul Museum of Art, à Séoul (2006 ), Fondation Mudima à Milan (2009), MAC à Lyon (2012) et Grimaldi Forum à Monaco (2016). L'artiste vit et travaille à Paris depuis 1981.

Estim. 60 000 - 70 000 EUR

Lot 41 - PETER HALLEY (New York, 1953). "Revival, 2012. Acrylique, acrylique Day-Glo et Roll-a-Tex sur toile. Certificat joint signé par l'artiste. Signé et daté au dos. Dimensions : 170 x 141 cm ; 174 x 145 x 13,5 cm (cadre). Dans "Revival", Peter Halley porte à leur paroxysme les réflexions qu'il a entamées dans les années quatre-vingt (en tant que figure de proue du mouvement néo-géo). Il affine ses recherches sur la géométrie en tant que porteuse de significations cachées et critiques concernant les structures de pouvoir et les dynamiques sociales coercitives. Les bandes, les rectangles créent une sensation d'ordre et de rigidité, tandis que les couleurs fluorescentes (jaune intense, bandes rouges) cherchent à créer un sentiment de violence latente et d'énergie visuelle. L'œuvre "Revival" de Peter Halley est une exploration audacieuse et provocante de l'abstraction géométrique, de la théorie des couleurs et de la relation entre l'art et la société. Tel a été le projet de sa vie, sa grande contribution à l'histoire de l'art contemporain : la magistrale tournure conceptuelle et formelle qu'il a donnée à l'abstraction géométrique. Dans les années 80, Halley a commencé à réviser l'art abstrait géométrique (la tradition minimaliste de Donald Judd et Frank Stella). Dans sa série de cellules plombées, il introduit l'idée de conducteurs reliant les cellules de prison, en tant que métaphores de la régulation institutionnelle de la vie. Représentations abstraites du paysage post-industriel, elles mettent en évidence la géométrie invisible qui sous-tend le monde social. Halley s'inspire d'artistes tels que Piet Mondrian, Josef Albers et Donald Judd, mais ses préoccupations sont résolument contemporaines : ses diagrammes évoquent l'aliénation du consumérisme, de la vie urbaine et de la technologie. Il utilise de la peinture industrielle texturée (Roll-a-Tex) et de l'acrylique Day-Glo (déjà utilisée par les artistes pop), qui permet d'évoquer l'éclairage artificiel. Halley applique ses tons fluorescents au rouleau plutôt qu'au pinceau afin de ne laisser aucune trace de la main de l'artiste. Les œuvres de Halley ont atteint des prix à six chiffres lors de ventes aux enchères et font partie des collections de l'Art Institute of Chicago, du Museum of Modern Art, de la Tate et du Centre Pompidou. Peter Halley est l'un des artistes les plus influents de la scène internationale. Il s'est fait connaître au début des années 1980 par ses peintures géométriques, réalisées dans des couleurs fluo intenses. Son activité picturale est souvent associée au minimalisme, au néo-géo et au néo-conceptualisme. Halley est également connu comme écrivain, éditeur et enseignant. Il a obtenu sa licence à l'université de Yale et sa maîtrise en beaux-arts à l'université de la Nouvelle-Orléans en 1978. Halley a exposé pour la première fois en 1985 à International with Monument, une galerie de l'East Village, à New York, qu'il avait fondée en 1984 avec Jeff Koons, Ashley Bickerton et Meyer Vaisman. Depuis, il a exposé à la Mary Boone Gallery, à la Sonnabend Gallery, à la Galerie Bruno Bischofberger, à la Jablonka Galerie, à la Galerie Thaddeus Ropac et aux Waddington Galleries. Sa première grande exposition a eu lieu au CAPC de Bordeaux en 1992. Halley est également un conférencier réputé, qui a donné des cours à l'Art Institute of Chicago et à l'American Academy in Rome. Il est également cofondateur et rédacteur en chef du magazine Index. Ses traités sur l'art, influencés par le post-structuralisme français, ont été publiés en deux volumes. Depuis 2001, il dirige les ateliers de peinture et de gravure de la Yale School of Art. Ses œuvres sont exposées, entre autres, au MoMA, au Guggenheim de New York, au San Francisco Museum of Modern Art et à la Tate Gallery.

Estim. 120 000 - 140 000 EUR

Lot 42 - PETER HALLEY (New York, 1953). "Epic, 2013. Acrylique, acrylique Day-Glo et Roll-a-Tex sur toile. Signé et daté au dos. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 170 x 141 cm ; 174 x 145 x 13,5 cm (cadre). Dans "Epic", Peter Halley poursuit ses recherches sur la géométrie en tant que porteuse de significations cachées liées aux structures de pouvoir et aux dynamiques sociales coercitives. Les bandes et les rectangles créent un sentiment d'ordre et de rigidité, tandis que les couleurs fluorescentes cherchent à créer un sentiment de violence latente et d'énergie visuelle. La série "Epic" de Peter Halley est une exploration audacieuse et provocante de l'abstraction géométrique, de la théorie des couleurs et de la relation entre l'art et la société. C'est le projet de sa vie, sa grande contribution à l'histoire de l'art contemporain : la magistrale tournure conceptuelle et formelle qu'il a donnée à l'abstraction géométrique. Dans les années 80, Halley a commencé à réviser l'art abstrait géométrique (la tradition minimaliste de Donald Judd et Frank Stella). Dans sa série de cellules plombées, il introduit l'idée de conducteurs reliant les cellules de prison, en tant que métaphores de la régulation institutionnelle de la vie. Représentations abstraites du paysage post-industriel, elles mettent en évidence la géométrie invisible qui sous-tend le monde social. Halley s'inspire d'artistes tels que Piet Mondrian, Josef Albers et Donald Judd, mais ses préoccupations sont résolument contemporaines : ses diagrammes évoquent l'aliénation du consumérisme, de la vie urbaine et de la technologie. Il utilise de la peinture industrielle texturée (Roll-a-Tex) et de l'acrylique Day-Glo (déjà utilisée par les artistes pop), qui permet d'évoquer l'éclairage artificiel. Halley applique ses tons fluorescents au rouleau plutôt qu'au pinceau afin de ne laisser aucune trace de la main de l'artiste. Les œuvres de Halley ont atteint des prix à six chiffres lors de ventes aux enchères et font partie des collections de l'Art Institute of Chicago, du Museum of Modern Art, de la Tate et du Centre Pompidou. Peter Halley est l'un des artistes les plus influents de la scène internationale. Il s'est fait connaître au début des années 1980 par ses peintures géométriques, réalisées dans des couleurs fluo intenses. Son activité picturale est souvent associée au minimalisme, au néo-géo et au néo-conceptualisme. Halley est également connu comme écrivain, éditeur et enseignant. Il a obtenu sa licence à l'université de Yale et sa maîtrise en beaux-arts à l'université de la Nouvelle-Orléans en 1978. Halley a exposé pour la première fois en 1985 à International with Monument, une galerie de l'East Village, à New York, qu'il avait fondée en 1984 avec Jeff Koons, Ashley Bickerton et Meyer Vaisman. Depuis, il a exposé à la Mary Boone Gallery, à la Sonnabend Gallery, à la Galerie Bruno Bischofberger, à la Jablonka Galerie, à la Galerie Thaddeus Ropac et aux Waddington Galleries. Sa première grande exposition a eu lieu au CAPC de Bordeaux en 1992. Halley est également un conférencier réputé, qui a donné des cours à l'Art Institute of Chicago et à l'American Academy in Rome. Il est également cofondateur et rédacteur en chef du magazine Index. Ses traités sur l'art, influencés par le post-structuralisme français, ont été publiés en deux volumes. Depuis 2001, il dirige les ateliers de peinture et de gravure de la Yale School of Art. Ses œuvres sont exposées, entre autres, au MoMA, au Guggenheim de New York, au San Francisco Museum of Modern Art et à la Tate Gallery.

Estim. 120 000 - 140 000 EUR

Lot 43 - JOSE MARIA SICILIA (Madrid, 1954). "El instante", 2013. Encre sur papier japonais. Certificat d'authenticité joint, signé par l'artiste. Signé avec des initiales et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 210 x 151 cm ; 224 x 163,5 x 163,5 x 5,5 cm (cadre). Le musée Reina Sofia de Madrid conserve dans ses collections un triptyque intitulé "L'instant", réalisé un an seulement avant cette peinture. L'utilisation du même titre révèle l'intérêt de Sicilia pour le temps, sa fugacité et sa variabilité lorsqu'il s'agit de le comprendre et de l'habiter. C'est ce concept que Sicilia transforme en une poésie visuelle, apparemment aléatoire et arbitraire, mais consolidée par des règles strictes, parfois imperceptibles à l'œil humain. Le mouvement se produit dans cette image en suivant une multiplicité de formes et de couleurs qui sont suspendues dans une immensité blanche. En fait, en reprenant les mots que l'artiste lui-même a consacrés au triptyque du musée Reina Sofia, nous pouvons comprendre ce paysage lyrique proposé par l'artiste : "Cette œuvre est composée de traductions de chants d'oiseaux par le biais de programmes informatiques. Le chant de l'oiseau est l'instant, un lieu d'où personne ne revient, où il n'y a ni passé ni futur. Cet instant est une plénitude dans laquelle nous savons que nous existons, il nous nourrit et nous mange en même temps. L'instant, c'est toucher dans le temps ce qui n'est pas le temps". Sicilia a commencé ses études à l'École des beaux-arts de Madrid, qu'il a abandonnées en 1980 pour s'installer à Paris. Deux ans plus tard, il présentera sa première exposition personnelle, dans un style qui s'inscrit dans le néo-expressionnisme alors en vogue en Europe. Par la suite, ce sont les différents objets du monde quotidien qui deviennent les protagonistes de ses œuvres. Aspirateurs, fers à repasser, ciseaux, seaux, etc., seront au centre d'un nouveau langage dans lequel Sicilia accordera une importance plus grande et progressive au traitement des textures. Son travail est organisé en séries sur les natures mortes, les paysages et, les plus connues, sur les quartiers de Bastille et d'Aligre, où il vit et travaille. C'est au milieu des années quatre-vingt que son travail a connu un grand retentissement national et international. En 1986, il présente à la Blum Helman Gallery de New York un ensemble d'œuvres qui témoignent d'une forte épuration du style antérieur, vers une peinture abstraite dans laquelle il élimine progressivement toute référence formelle. Ce nouveau style se reflète dans les séries "Tulipes" et "Fleurs". Dans les années 90, cette esthétique réductionniste affectera la gamme chromatique, laissant les formes suggérées par la réflexion de la lumière sur la surface. Un nouveau traitement matériel à la résonance poétique subtile, à base de cires qui laissent les thèmes floraux légèrement transparents, ramène la couleur dans une œuvre déjà pleinement consacrée. José María Sicilia a reçu le Prix National des Arts Plastiques (1989), et est représentée au Musée Reina Sofía de Madrid, au MOMA et au Guggenheim de New York et au CAPC de Bordeaux, entre autres centres.

Estim. 30 000 - 35 000 EUR

Lot 44 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, France, 1941). "Combinaison aléatoire de points", 2013. Collage et mine de plomb sur papier. Signé, daté et titré dans le coin inférieur droit. Certificat ci-joint délivré par la Galerie Guy Pieters. Dimensions : 105 x 75 cm ; 117 x 86,5 cm (cadre). Les lignes et les points ont constitué l'épine dorsale des propositions les plus emblématiques de Bernar Venet. L'aléatoire dont il est question dans le titre de cette œuvre renvoie à l'intérêt de l'artiste pour la remise en question du déterminisme mathématique et social, l'introduction de l'imprévisible et du chaos créatif. Cependant, ses œuvres sont sous-tendues par un plan structuré, avec lequel elle souhaite souligner le paradoxe irrésolu entre les deux principes : le hasard et la détermination, l'ordre et le désordre. Le cosmos et le chaos sont le yin et le yang de la création. Cette pièce particulière a été rapprochée de la musique expérimentale et aléatoire de John Cage. L'artiste conceptuel Bernar Venet est surtout connu pour ses sculptures précises et mathématiquement rigoureuses, souvent réalisées en acier. La peinture, le collage et le fusain sont également ses moyens d'expression. Dans le cadre de sa pratique artistique, il a également mené des expériences continues avec d'autres matériaux industriels, tels que le charbon et l'asphalte. Dans les années 1960, Venet est influencé par le travail d'Arman et des Nouveaux Réalistes travaillant à Paris, et commence à réaliser des sculptures en carton. Un séjour à New York en 1966 le rapproche du minimalisme. Il partage alors un atelier avec Arman dans le centre de Manhattan et côtoie des artistes tels que Donald Judd et Sol LeWitt. Dans les décennies qui suivent, l'artiste affine son style et ses œuvres reflètent ses recherches artistiques formelles permanentes. En 2005, il a été décoré Chevalier de la Légion d'honneur et en 2014, il a inauguré la Fondation Venet, un musée et des archives sur son travail. L'année 2023 marque le 60e anniversaire de l'œuvre phare de Venet, Tas de charbon (1963), qui a marqué le début de sa pratique de recherche méticuleuse. Bernar Venet est né dans les Alpes-de-Haute-Provence, mais vit et travaille à New York depuis 1966. Son travail a exploré une variété de médias - sculpture, peinture, photographie, film, performance, musique et design - tout en conservant le désir que ses œuvres génèrent des questions et apportent quelque chose de nouveau au monde de l'art. En 2011, le sculpteur a installé des œuvres monumentales dans les jardins de Versailles1 et au domaine de Marly. Les œuvres de Venet font partie de la collection de musées prestigieux tels que The Museum of Modern Art, New York ; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; The National Gallery of Art, Washington ; The Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington et The Museum of Contemporary Art, Chicago. À ce jour, il a plus de 30 œuvres monumentales et sculptures publiques installées dans des villes du monde entier telles que Paris, Berlin, Tokyo et Denver. Il a participé à la Documenta 6 et à la 56e Biennale de Venise. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses récompenses, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, la décoration de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Événements récents : 2021 Grande exposition "L'hypothèse de la gravité" au Louvre-Lens pendant l'été, et l'exposition RELIEFS à la Galerie der Stadt Tuttlingen en Allemagne. Nombreuses publications cette année, à commencer par le catalogue de l'exposition du Louvre-Lens publié chez Skira, ainsi que des livres sur le Tas de charbon, une étude de l'œuvre sur papier de Venet (Dessins), un catalogue raisonné sur l'ensemble de l'œuvre photographique de l'artiste et, enfin, un livre sur la Fondation Venet. Année 2022 : une rétrospective de cinq mois couvrant la carrière de l'artiste de 1961 à 2021, axée sur les performances, les peintures et les sculptures, sur 8 000 m2, à la Tempelhof Kunsthalle de Berlin. Un catalogue de l'exposition est publié par les éditions Dilecta. Publication de la biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, de Catherine Francblin (éditions Gallimard), et d'un catalogue raisonné sur l'œuvre photographique de l'artiste (éditions Marval-Rue Visconti) accompagné de tirages photographiques dans sa galerie. L'exposition "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" au Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), organisée par le directeur Michaël Batalla, est suivie de lectures de poèmes et d'une conférence. Exposition à Waddington Custot (Londres) avec le travail de Venet sur les angles. Exposition chez Kasmin (New York), où il interprète la pièce Accident, et pour laquelle un catalogue d'exposition (avec un texte de Maurice Fréchuret) est publié. 2023 Expositions dans les trois galeries parisiennes de Perrotin, où Venet présente de nouvelles peintures, des GRIBS, des œuvres sur papier, ainsi qu'une double installation d'Arches place Vendôme (commissariat Jérôme Sans), suivie de conférences avec Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer et Catherine Francblin. The Coal Pile (1963) célèbre son 60e anniversaire avec quatre présentations de

Estim. 35 000 - 45 000 EUR

Lot 45 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, France, 1941). "80,5º ARC x15", 2003. Acier patiné noir. Titré au recto d'un côté. Certificat joint signé par l'artiste Dimensions : 31 x 121 x 41 cm ; 41 cm (hauteur avec la base). L'œuvre de Venet est reconnue comme autoréférentielle, les lignes, les angles et les courbes étant dépouillés de toute allusion symbolique ou élément décoratif. Au lieu de cela, les œuvres fonctionnent comme des monolithes irréductibles qui affectent la perception des lieux qu'elles occupent. Ces caractéristiques sont évidentes dans cette pièce réalisée en acier (l'un de ses matériaux de prédilection). Nous sommes devant une sculpture d'apparence informelle mais qui est le résultat d'une étude précise et rigoureuse des matériaux et de l'équilibre obtenu avec l'équilibre visuel des faisceaux de lignes. Ses sculptures, dessins et peintures explorent la ligne comme porteuse de potentialités divergentes : l'ordre et le désordre, le déterminé et l'indéterminé ? Dans ses traces, la ligne devient une figure tridimensionnelle et instable, et oblige le spectateur à suivre son parcours à la recherche du début et de la fin. L'artiste conceptuel Bernar Venet est surtout connu pour ses sculptures d'une précision mathématique, souvent réalisées en acier. Dans le cadre de sa pratique artistique, il a également mené des expériences continues avec d'autres matériaux industriels, tels que le charbon et l'asphalte. Dans les années 1960, Venet a été influencé par le travail d'Arman et des Nouveaux Réalistes travaillant à Paris, et a commencé à produire des sculptures en carton. Un séjour à New York en 1966 le rapproche du minimalisme. Il partage alors un atelier avec Arman dans le centre de Manhattan et côtoie des artistes tels que Donald Judd et Sol LeWitt. Dans les décennies qui suivent, l'artiste affine son style et ses œuvres reflètent ses recherches artistiques formelles permanentes. En 2005, il a été décoré Chevalier de la Légion d'honneur et en 2014, il a inauguré la Fondation Venet, un musée et des archives sur son travail. L'année 2023 marque le 60e anniversaire de l'œuvre phare de Venet, Tas de charbon (1963), qui a marqué le début de sa pratique de recherche méticuleuse. Bernar Venet est né dans les Alpes-de-Haute-Provence, mais vit et travaille à New York depuis 1966. Son travail a exploré une variété de médias - sculpture, peinture, photographie, film, performance, musique et design - tout en conservant le désir que ses œuvres génèrent des questions et apportent quelque chose de nouveau au monde de l'art. En 2011, le sculpteur a installé des œuvres monumentales dans les jardins de Versailles1 et au domaine de Marly. Les œuvres de Venet font partie de la collection de musées prestigieux tels que The Museum of Modern Art, New York ; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; The National Gallery of Art, Washington ; The Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington et The Museum of Contemporary Art, Chicago. À ce jour, il a plus de 30 œuvres monumentales et sculptures publiques installées dans des villes du monde entier telles que Paris, Berlin, Tokyo et Denver. Il a participé à la Documenta 6 et à la 56e Biennale de Venise. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses récompenses, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, la décoration de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Événements récents : 2021 Grande exposition "L'hypothèse de la gravité" au Louvre-Lens pendant l'été, et l'exposition RELIEFS à la Galerie der Stadt Tuttlingen en Allemagne. Nombreuses publications cette année, à commencer par le catalogue de l'exposition du Louvre-Lens publié chez Skira, ainsi que des livres sur le Tas de charbon, une étude de l'œuvre sur papier de Venet (Dessins), un catalogue raisonné sur l'ensemble de l'œuvre photographique de l'artiste et, enfin, un livre sur la Fondation Venet. Année 2022 : une rétrospective de cinq mois couvrant la carrière de l'artiste de 1961 à 2021, axée sur les performances, les peintures et les sculptures, sur 8 000 m2, à la Tempelhof Kunsthalle de Berlin. Un catalogue de l'exposition est publié par les éditions Dilecta. Publication de la biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, de Catherine Francblin (éditions Gallimard), et d'un catalogue raisonné sur l'œuvre photographique de l'artiste (éditions Marval-Rue Visconti) accompagné de tirages photographiques dans sa galerie. L'exposition "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" au Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), organisée par le directeur Michaël Batalla, est suivie de lectures de poèmes et d'une conférence. Exposition à Waddington Custot (Londres) avec le travail de Venet sur les angles. Exposition chez Kasmin (New York), où il interprète la pièce Accident, et pour laquelle un catalogue d'exposition (avec un texte de Maurice Fréchuret) est publié. 2023 Expositions dans les trois galeries parisiennes de Perrotin, où Venet présente de nouvelles peintures, des GRIBS, des œuvres sur papier, ainsi qu'une double installation d'Arches place Vendôme (commissariat de Jérôme Sans), suivie de conférences avec Thierry Raspail, Philippe Pigu et le directeur de l'exposition.

Estim. 65 000 - 70 000 EUR

Lot 46 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, France, 1941). "8 angles aigus inégaux", 2015. Acier patiné. Titré sur l'un des pieds. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 107 x 35 x 20 cm. Avec "Unequal Acute Angles", Bernar Venet franchit une nouvelle étape dans son dialogue ininterrompu avec la tradition minimaliste. Il explore la ligne (son thème principal depuis les années soixante-dix) qui se déplace dans l'espace au moyen de barres d'acier formant une variété d'angles aigus (inférieurs à 90 degrés). L'acier est son matériau de prédilection pour son aspect industriel et sa solidité. Le hasard intervient dans le résultat des angles et introduit un élément d'imprévisibilité qui remet en question les notions d'ordre sous-jacentes. La sculpture invite le spectateur à contempler la relation entre les parties et le tout, ainsi que l'interaction entre la stabilité et le mouvement, entre le plein et le vide, entre la spontanéité et le déterminisme. C'est au milieu des années 1970 que Venet a commencé à placer la ligne au centre de sa recherche conceptuelle. Alors que dans un contexte scientifique, une ligne est une forme géométrique clairement définie, Bernar Venet a utilisé cette forme géométrique simple pour démontrer des concepts divergents. L'artiste conceptuel Bernar Venet est surtout connu pour ses sculptures précises et mathématiquement rigoureuses, souvent réalisées en acier. La peinture, le collage et le fusain sont également ses moyens d'expression. Dans le cadre de sa pratique artistique, il a également mené des expériences continues avec d'autres matériaux industriels, tels que le charbon et l'asphalte. Dans les années 1960, Venet est influencé par le travail d'Arman et des Nouveaux Réalistes travaillant à Paris, et commence à réaliser des sculptures en carton. Un séjour à New York en 1966 le rapproche du minimalisme. Il partage alors un atelier avec Arman dans le centre de Manhattan et côtoie des artistes tels que Donald Judd et Sol LeWitt. Dans les décennies qui suivent, l'artiste affine son style et ses œuvres reflètent ses recherches artistiques formelles permanentes. En 2005, il a été décoré Chevalier de la Légion d'honneur et en 2014, il a inauguré la Fondation Venet, un musée et des archives sur son travail. L'année 2023 marque le 60e anniversaire de l'œuvre phare de Venet, Tas de charbon (1963), qui a marqué le début de sa pratique de recherche méticuleuse. Bernar Venet est né dans les Alpes-de-Haute-Provence, mais vit et travaille à New York depuis 1966. Son travail a exploré une variété de médias - sculpture, peinture, photographie, film, performance, musique et design - tout en conservant le désir que ses œuvres génèrent des questions et apportent quelque chose de nouveau au monde de l'art. En 2011, le sculpteur a installé des œuvres monumentales dans les jardins de Versailles1 et au domaine de Marly. Les œuvres de Venet font partie de la collection de musées prestigieux tels que The Museum of Modern Art, New York ; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; The National Gallery of Art, Washington ; The Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington et The Museum of Contemporary Art, Chicago. À ce jour, il a plus de 30 œuvres monumentales et sculptures publiques installées dans des villes du monde entier telles que Paris, Berlin, Tokyo et Denver. Il a participé à la Documenta 6 et à la 56e Biennale de Venise. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses récompenses, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, la décoration de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Événements récents : 2021 Grande exposition "L'hypothèse de la gravité" au Louvre-Lens pendant l'été, et l'exposition RELIEFS à la Galerie der Stadt Tuttlingen en Allemagne. Nombreuses publications cette année, à commencer par le catalogue de l'exposition du Louvre-Lens publié chez Skira, ainsi que des livres sur le Tas de charbon, une étude de l'œuvre sur papier de Venet (Dessins), un catalogue raisonné sur l'ensemble de l'œuvre photographique de l'artiste et, enfin, un livre sur la Fondation Venet. Année 2022 : une rétrospective de cinq mois couvrant la carrière de l'artiste de 1961 à 2021, axée sur les performances, les peintures et les sculptures, sur 8 000 m2, à la Tempelhof Kunsthalle de Berlin. Un catalogue de l'exposition est publié par les éditions Dilecta. Publication de la biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, de Catherine Francblin (éditions Gallimard), et d'un catalogue raisonné sur l'œuvre photographique de l'artiste (éditions Marval-Rue Visconti) accompagné de tirages photographiques dans sa galerie. L'exposition "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" au Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), organisée par le directeur Michaël Batalla, est suivie de lectures de poèmes et d'une conférence. Exposition à Waddington Custot (Londres) avec le travail de Venet sur les angles. Exposition chez Kasmin (New York), où il interprète la pièce Accident, et pour laquelle un catalogue d'exposition (avec un texte de Maurice Fréchuret) est publié. 2023 Expositions dans les trois galeries parisiennes de Perrotin, où Venet présente de nouvelles œuvres.

Estim. 120 000 - 140 000 EUR

Lot 47 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, France, 1941). "223,5º Arc x 4", 2005. Acier corten. Pièce unique. Titrée en bas à droite. Certificat ci-joint délivré par l'atelier Bernar Venet et signé par l'artiste. Dimensions : 219 x 222 x 32 cm. Sculpture monumentale de Bernar Venet appartenant à sa célèbre série "Arcs". L'œuvre de Venet est reconnue comme autoréférentielle, les lignes, les angles et les courbes étant dépouillés de toute allusion symbolique ou élément décoratif. Au lieu de cela, les œuvres fonctionnent comme des monolithes irréductibles qui affectent la perception des lieux qu'ils occupent. Ces caractéristiques sont évidentes dans cette pièce réalisée en acier (l'un de ses matériaux de prédilection). Nous nous trouvons devant une sculpture d'apparence informelle, mais qui est le résultat d'une étude précise et rigoureuse des matériaux et de l'équilibre obtenu avec l'équilibre visuel des faisceaux de lignes. Ses sculptures, dessins et peintures explorent la ligne comme porteuse de potentialités divergentes : l'ordre et le désordre, le déterminé et l'indéterminé ? Dans ses traces, la ligne devient une figure tridimensionnelle et instable, et oblige le spectateur à suivre son parcours à la recherche du début et de la fin. L'artiste conceptuel Bernar Venet est surtout connu pour ses sculptures précises et mathématiquement rigoureuses, souvent réalisées en acier. La peinture, le collage et le fusain sont également ses moyens d'expression. Dans le cadre de sa pratique artistique, il a également mené des expériences continues avec d'autres matériaux industriels, tels que le charbon et l'asphalte. Dans les années 1960, Venet est influencé par le travail d'Arman et des Nouveaux Réalistes travaillant à Paris, et commence à réaliser des sculptures en carton. Un séjour à New York en 1966 le rapproche du minimalisme. Il partage alors un atelier avec Arman dans le centre de Manhattan et côtoie des artistes tels que Donald Judd et Sol LeWitt. Dans les décennies qui suivent, l'artiste affine son style et ses œuvres reflètent ses recherches artistiques formelles permanentes. En 2005, il a été décoré Chevalier de la Légion d'honneur et en 2014, il a inauguré la Fondation Venet, un musée et des archives sur son travail. L'année 2023 marque le 60e anniversaire de l'œuvre phare de Venet, Tas de charbon (1963), qui a marqué le début de sa pratique de recherche méticuleuse. Bernar Venet est né dans les Alpes-de-Haute-Provence, mais vit et travaille à New York depuis 1966. Son travail a exploré une variété de médias - sculpture, peinture, photographie, film, performance, musique et design - tout en conservant le désir que ses œuvres génèrent des questions et apportent quelque chose de nouveau au monde de l'art. En 2011, le sculpteur a installé des œuvres monumentales dans les jardins de Versailles1 et au domaine de Marly. Les œuvres de Venet font partie de la collection de musées prestigieux tels que The Museum of Modern Art, New York ; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; The National Gallery of Art, Washington ; The Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington et The Museum of Contemporary Art, Chicago. À ce jour, il a plus de 30 œuvres monumentales et sculptures publiques installées dans des villes du monde entier telles que Paris, Berlin, Tokyo et Denver. Il a participé à la Documenta 6 et à la 56e Biennale de Venise. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses récompenses, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, la décoration de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Événements récents : 2021 Grande exposition "L'hypothèse de la gravité" au Louvre-Lens pendant l'été, et l'exposition RELIEFS à la Galerie der Stadt Tuttlingen en Allemagne. Nombreuses publications cette année, à commencer par le catalogue de l'exposition du Louvre-Lens publié chez Skira, ainsi que des livres sur le Tas de charbon, une étude de l'œuvre sur papier de Venet (Dessins), un catalogue raisonné sur l'ensemble de l'œuvre photographique de l'artiste et, enfin, un livre sur la Fondation Venet. Année 2022 : une rétrospective de cinq mois couvrant la carrière de l'artiste de 1961 à 2021, axée sur les performances, les peintures et les sculptures, sur 8 000 m2, à la Tempelhof Kunsthalle de Berlin. Un catalogue de l'exposition est publié par les éditions Dilecta. Publication de la biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, de Catherine Francblin (éditions Gallimard), et d'un catalogue raisonné sur l'œuvre photographique de l'artiste (éditions Marval-Rue Visconti) accompagné de tirages photographiques dans sa galerie. L'exposition "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" au Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), organisée par le directeur Michaël Batalla, est suivie de lectures de poèmes et d'une conférence. Exposition à Waddington Custot (Londres) avec le travail de Venet sur les angles. Exposition chez Kasmin (New York), où il interprète la pièce Accident, et pour laquelle un catalogue d'exposition (avec un texte de Maurice Fréchuret) est publié. 2023 Expositions dans les trois galeries parisiennes de Perrotin, où Venet présente de nouvelles peintures, GRIB

Estim. 350 000 - 400 000 EUR

Lot 48 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, France, 1941). "Point 6 cm", 1994-2009. Ensemble de trois pièces en acier ciré découpées au chalumeau. Certificat ci-joint délivré par Bernar Venet Studio Archives et signé par l'artiste. Dimensions : 3,5 x 6 x 6 cm. Avec cet ensemble sculptural formé de trois pièces indépendantes en acier ciré, Bernar Venet interroge les principes du hasard, tout en définissant des espaces hétérogènes qui peuvent être lus à la fois comme des sculptures tridimensionnelles et des plans frontaux aux dimensions infinies. " Point ", est la pièce choisie pour illustrer le catalogue de l'exposition de Bernar Venet " L'hypothèse du point ", qui s'est tenue à l'Espace Jacques Villeglé de Saint-Gratien, au printemps 2014. Cela démontre la pertinence de cette pièce dans le développement conceptuel de sa carrière artistique. Dans cette pièce particulière, l'artiste crée une double affirmation, ou réaffirmation, non seulement par la forme, mais aussi par les mots. Tout comme Magritte jouait avec le spectateur en lui disant que ce n'était pas une pipe, Venet ne laisse aucune place au doute quant à la forme et à l'idée du point. Venet manipule les aspects physiques et matériels de ses œuvres pour orienter l'esprit du spectateur vers un concept mental immatériel. Venet évite les couches complexes de signification et de symbolisme ; au lieu de cela, il vise la monosémie dans son travail. Bernar Venet est né dans les Alpes-de-Haute-Provence, mais vit et travaille à New York depuis 1966. Son travail a exploré une variété de médias - sculpture, peinture, photographie, film, performance, musique et design - tout en conservant le désir que ses œuvres génèrent des questions et apportent quelque chose de nouveau au monde de l'art. En 2011, le sculpteur a installé des œuvres monumentales dans les jardins de Versailles1 et au domaine de Marly. Les œuvres de Venet font partie de la collection de musées prestigieux tels que The Museum of Modern Art, New York ; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; The National Gallery of Art, Washington ; The Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington et The Museum of Contemporary Art, Chicago. À ce jour, il a plus de 30 œuvres monumentales et sculptures publiques installées dans des villes du monde entier telles que Paris, Berlin, Tokyo et Denver. Il a participé à la Documenta 6 et à la 56e Biennale de Venise. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses récompenses, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, la décoration de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Événements récents : 2021 Grande exposition "L'hypothèse de la gravité" au Louvre-Lens pendant l'été, et l'exposition RELIEFS à la Galerie der Stadt Tuttlingen en Allemagne. Nombreuses publications cette année, à commencer par le catalogue de l'exposition du Louvre-Lens publié chez Skira, ainsi que des livres sur le Tas de charbon, une étude de l'œuvre sur papier de Venet (Dessins), un catalogue raisonné sur l'ensemble de l'œuvre photographique de l'artiste et, enfin, un livre sur la Fondation Venet. Année 2022 : une rétrospective de cinq mois couvrant la carrière de l'artiste de 1961 à 2021, axée sur les performances, les peintures et les sculptures, sur 8 000 m2, à la Tempelhof Kunsthalle de Berlin. Un catalogue de l'exposition est publié par les éditions Dilecta. Publication de la biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, de Catherine Francblin (éditions Gallimard), et d'un catalogue raisonné sur l'œuvre photographique de l'artiste (éditions Marval-Rue Visconti) accompagné de tirages photographiques dans sa galerie. L'exposition "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" au Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), organisée par le directeur Michaël Batalla, est suivie de lectures de poèmes et d'une conférence. Exposition à Waddington Custot (Londres) avec le travail de Venet sur les angles. Exposition chez Kasmin (New York), où il interprète la pièce Accident, et pour laquelle un catalogue d'exposition (avec un texte de Maurice Fréchuret) est publié. 2023 Expositions dans les trois galeries parisiennes de Perrotin, où Venet présente de nouvelles peintures, des GRIBS, des œuvres sur papier, ainsi qu'une double installation d'Arches place Vendôme (commissariat Jérôme Sans), suivie de conférences avec Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer et Catherine Francblin. Le Tas de charbon (1963) fête ses 60 ans avec quatre présentations en France, au 109 à Nice (avec une exposition des œuvres de l'artiste à partir de 1963), au Musée Fabre à Montpellier, au Château de Montsoreau dans le Val de Loire (où sera également présentée la période conceptuelle de l'artiste), à la Verrière de Meisenthal (aux côtés de deux imposantes sculptures) et, enfin, une au Luxembourg, chez Ceysson & Bénétière. À la Fondation Venet, une installation impressionnante accueille les estivants : une grande sculpture avec une structure de métro de 6 mètres (en collaboration avec l'architecte Charles Berthier).

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 49 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, France, 1941). "Point 12 cm", 1994-2009. Acier ciré découpé au chalumeau. Certificat ci-joint délivré par Bernar Venet Studio Archives et signé par l'artiste. Dimensions : 7 x 12 x 12 cm. Cette œuvre, dont la partie supérieure porte la mention " point ", est la pièce choisie pour illustrer le catalogue de l'exposition de Bernar Venet " L'hypothèse du point ", qui s'est déroulée à l'Espace Jacques Villeglé de Saint-Gratien, au printemps 2014. Pour cette exposition, Bernar Venet a créé une série de grandes sculptures, des points qui semblent à première vue disproportionnés, mais qui interrogent l'échelle et nous rappellent que, vus du ciel, ils sont encore une fois la plus petite portion d'espace concevable. Les lignes et les points ont constitué l'épine dorsale des propositions les plus emblématiques de Bernar Venet. L'aléatoire dont il est question dans le titre de cette œuvre renvoie à l'intérêt de l'artiste pour la remise en question du déterminisme mathématique et social, l'introduction de l'imprévisible et du chaos créatif. Cependant, ses œuvres sont sous-tendues par un plan structuré, avec lequel elle souhaite souligner le paradoxe irrésolu entre les deux principes : le hasard et la détermination, l'ordre et le désordre. Le cosmos et le chaos sont le yin et le yang de la création. Bernar Venet est né dans les Alpes-de-Haute-Provence mais vit et travaille à New York depuis 1966. Son travail a exploré une variété de médias - sculpture, peinture, photographie, film, performance, musique et design - tout en conservant le désir que ses œuvres génèrent des questions et apportent quelque chose de nouveau au monde de l'art. En 2011, le sculpteur a installé des œuvres monumentales dans les jardins de Versailles1 et au domaine de Marly. Les œuvres de Venet font partie de la collection de musées prestigieux tels que The Museum of Modern Art, New York ; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; The National Gallery of Art, Washington ; The Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington et The Museum of Contemporary Art, Chicago. À ce jour, il a plus de 30 œuvres monumentales et sculptures publiques installées dans des villes du monde entier telles que Paris, Berlin, Tokyo et Denver. Il a participé à la Documenta 6 et à la 56e Biennale de Venise. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses récompenses, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, la décoration de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Événements récents : 2021 Grande exposition "L'hypothèse de la gravité" au Louvre-Lens pendant l'été, et l'exposition RELIEFS à la Galerie der Stadt Tuttlingen en Allemagne. Nombreuses publications cette année, à commencer par le catalogue de l'exposition du Louvre-Lens publié chez Skira, ainsi que des livres sur le Tas de charbon, une étude de l'œuvre sur papier de Venet (Dessins), un catalogue raisonné sur l'ensemble de l'œuvre photographique de l'artiste et, enfin, un livre sur la Fondation Venet. Année 2022 : une rétrospective de cinq mois couvrant la carrière de l'artiste de 1961 à 2021, axée sur les performances, les peintures et les sculptures, sur 8 000 m2, à la Tempelhof Kunsthalle de Berlin. Un catalogue de l'exposition est publié par les éditions Dilecta. Publication de la biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, de Catherine Francblin (éditions Gallimard), et d'un catalogue raisonné sur l'œuvre photographique de l'artiste (éditions Marval-Rue Visconti) accompagné de tirages photographiques dans sa galerie. L'exposition "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" au Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), organisée par le directeur Michaël Batalla, est suivie de lectures de poèmes et d'une conférence. Exposition à Waddington Custot (Londres) avec le travail de Venet sur les angles. Exposition chez Kasmin (New York), où il interprète la pièce Accident, et pour laquelle un catalogue d'exposition est publié (avec un texte de Maurice Fréchuret). 2023 Expositions dans les trois galeries parisiennes de Perrotin, où Venet présente de nouvelles peintures, des GRIBS, des œuvres sur papier, ainsi qu'une double installation d'Arches place Vendôme (commissariat Jérôme Sans), suivie de conférences avec Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer et Catherine Francblin. Le Tas de charbon (1963) fête ses 60 ans avec quatre présentations en France, au 109 à Nice (avec une exposition des œuvres de l'artiste à partir de 1963), au Musée Fabre à Montpellier, au Château de Montsoreau dans le Val de Loire (où sera également présentée la période conceptuelle de l'artiste), à la Verrière de Meisenthal (aux côtés de deux imposantes sculptures) et, enfin, une au Luxembourg, chez Ceysson & Bénétière. À la Fondation Venet, une installation impressionnante accueille les estivants : une grande sculpture avec une structure de métro de 6 mètres (en collaboration avec l'architecte Charles Berthier).

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 50 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, France, 1941). "Point 18 cm", 1994-2009. Ensemble de deux pièces en acier ciré découpées au chalumeau. Certificat ci-joint délivré par Bernar Venet Studio Archives et signé par l'artiste. Dimensions : 10 x 18 cm. Cette œuvre composée de deux sculptures en acier ciré sur la partie supérieure desquelles on peut lire " point ", est la pièce choisie pour illustrer le catalogue de l'exposition de Bernar Venet " L'hypothèse du point ", qui s'est déroulée à l'Espace Jacques Villeglé à Saint-Gratien, au printemps 2014. Pour cette exposition, Bernar Venet a créé une série de grandes sculptures, des points qui semblent à première vue disproportionnés, mais qui questionnent l'échelle et nous rappellent que, vus du ciel, ils sont encore une fois la plus petite portion d'espace concevable. C'est la première fois qu'une exposition et un catalogue sont entièrement consacrés aux points et à leurs variations, œuvres capitales dans le corpus créatif de Bernar Venet. Dans cette œuvre, l'artiste crée une double affirmation, ou réaffirmation, non seulement par la forme, mais aussi par les mots. Tout comme Magritte jouait avec le spectateur en lui disant que ce n'était pas une pipe, Venet ne laisse planer aucun doute sur la forme et l'idée du point. Bernar Venet est né dans les Alpes-de-Haute-Provence, mais vit et travaille à New York depuis 1966. Son travail a exploré une variété de médias - sculpture, peinture, photographie, film, performance, musique et design - tout en conservant le désir que ses œuvres génèrent des questions et apportent quelque chose de nouveau au monde de l'art. En 2011, le sculpteur a installé des œuvres monumentales dans les jardins de Versailles1 et au domaine de Marly. Les œuvres de Venet font partie de la collection de musées prestigieux tels que The Museum of Modern Art, New York ; The Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; The National Gallery of Art, Washington ; The Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington et The Museum of Contemporary Art, Chicago. À ce jour, il a plus de 30 œuvres monumentales et sculptures publiques installées dans des villes du monde entier telles que Paris, Berlin, Tokyo et Denver. Il a participé à la Documenta 6 et à la 56e Biennale de Venise. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses récompenses, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, la décoration de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Événements récents : 2021 Grande exposition "L'hypothèse de la gravité" au Louvre-Lens pendant l'été, et l'exposition RELIEFS à la Galerie der Stadt Tuttlingen en Allemagne. Nombreuses publications cette année, à commencer par le catalogue de l'exposition du Louvre-Lens publié chez Skira, ainsi que des livres sur le Tas de charbon, une étude de l'œuvre sur papier de Venet (Dessins), un catalogue raisonné sur l'ensemble de l'œuvre photographique de l'artiste et, enfin, un livre sur la Fondation Venet. Année 2022 : une rétrospective de cinq mois couvrant la carrière de l'artiste de 1961 à 2021, axée sur les performances, les peintures et les sculptures, sur 8 000 m2, à la Tempelhof Kunsthalle de Berlin. Un catalogue de l'exposition est publié par les éditions Dilecta. Publication de la biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, de Catherine Francblin (éditions Gallimard), et d'un catalogue raisonné sur l'œuvre photographique de l'artiste (éditions Marval-Rue Visconti) accompagné de tirages photographiques dans sa galerie. L'exposition "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" au Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), organisée par le directeur Michaël Batalla, est suivie de lectures de poèmes et d'une conférence. Exposition à Waddington Custot (Londres) avec le travail de Venet sur les angles. Exposition chez Kasmin (New York), où il interprète la pièce Accident, et pour laquelle un catalogue d'exposition (avec un texte de Maurice Fréchuret) est publié. 2023 Expositions dans les trois galeries parisiennes de Perrotin, où Venet présente de nouvelles peintures, des GRIBS, des œuvres sur papier, ainsi qu'une double installation d'Arches place Vendôme (commissariat Jérôme Sans), suivie de conférences avec Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer et Catherine Francblin. Le Tas de charbon (1963) fête ses 60 ans avec quatre présentations en France, au 109 à Nice (avec une exposition des œuvres de l'artiste à partir de 1963), au Musée Fabre à Montpellier, au Château de Montsoreau dans le Val de Loire (où sera également présentée la période conceptuelle de l'artiste), à la Verrière de Meisenthal (aux côtés de deux imposantes sculptures) et, enfin, une au Luxembourg, chez Ceysson & Bénétière. À la Fondation Venet, une installation impressionnante accueille les estivants : une grande sculpture avec une structure de métro de 6 mètres (en collaboration avec l'architecte Charles Berthier).

Estim. 25 000 - 30 000 EUR

Lot 51 - DAMIEN HIRST (Bristol, Royaume-Uni, 1965). "Acide rhodotorulique", 2011-2012. Gravure sur bois, exemplaire 26/55. Signée en bas à droite. Justifié au verso. Etiquette d'encadrement au verso. Dimensions : 16 x 15,5 cm ; 22 x 22 cm (cadre). La gravure "Rhodotorulic Acid" appartient à la série bien connue de Damien Hirst intitulée "Spot Prints". Elle présente une seule tache de couleur méticuleusement placée sur un fond blanc. L'aspect essentialiste de l'œuvre incarne les aspects clés de la démarche artistique de Hirst : références scientifiques, minimalisme, sérialité et aléatoire. La forme circulaire évoque l'infini et l'éternité, la vie et la mort faisant partie du même cycle. En même temps, elles font référence aux cellules et à leurs mutations. Le titre fait également référence à un véritable composé organique, un pigment rouge produit par un champignon. Ce lien avec la science et la nature est une caractéristique de l'œuvre de Hirst, qui explore souvent la relation entre l'art et le monde naturel, le micro et le macro, ainsi que les rêves d'immortalité. Damien Hirst est né à Bristol le 7 juin 1965, dans une banlieue économiquement défavorisée. Il n'a jamais connu son père biologique et sa mère a épousé un vendeur de voitures, qui les a quittés lorsque Hirst avait 13 ans. Sa mère, artiste amateur et chrétienne fervente, s'est occupée de lui, mais à cause de l'abandon de son père, il a dû être éduqué à partir de la base, ce qui est peut-être la principale raison pour laquelle Damien Hirst affirme que l'art n'a pas de classe. Il a suivi une formation à l'université de Leed tout en combinant ses études avec un emploi à la morgue locale, qu'il a ensuite abandonné pour s'installer à Londres. Pendant ce temps, il travaille dans le bâtiment et postule à diverses écoles d'art telles que St Martins ou la faculté du Pays de Galles. Il est finalement accepté au Golsdmiths College qui, à la même époque et en raison de la récession économique en Angleterre, est une école qui attire des étudiants brillants et des professeurs créatifs. Pendant ses études, Hirst finance ses dépenses en travaillant sur des enquêtes téléphoniques, une cause directe de sa capacité à simuler n'importe quelle émotion au téléphone. Pendant ses études, il travaille également chez McDonald's et à temps partiel à la galerie Anthony D'Ofray, où il apprend les mécanismes du marché de l'art. Dès sa deuxième année d'études, Hirst acquiert le rôle d'artiste et de conservateur, et parvient à réaliser une exposition qui changera le cours de l'art britannique, c'est sa première exposition solo à seulement 26 ans. Quatre ans plus tard, en 1995, il remporte sa deuxième nomination au Turner Prize pour Mother and Child. À 32 ans, la galerie Larry Gagosian lui offre une grande rétrospective, à l'issue de laquelle il déclare qu'il n'a plus d'endroit où exposer, qu'il a tout fait et trop vite. Très vite, les médias le baptisent du nom de Hooligan Genius. Bien qu'il soit devenu millionnaire à l'âge de 40 ans, l'hypersensibilité de Hirst est devenue suspecte ; enveloppé d'une aura de romantisme, il a donné l'impression qu'il était facile de révolutionner le monde de l'art. Les œuvres de Damien Hirst se trouvent au MoMA de New York, à la Tate Gallery et au Victoria & Albert Museum de Londres, au Palazzo Gras de Venise, au Kunstmuseum Wolfsburg (Allemagne), au Hirshhorn de Washington D.C. et à la Neu Galerie de Graz (Autriche), parmi d'autres importantes collections publiques et privées.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 52 - DAMIEN HIRST (Bristol, Royaume-Uni, 1965). "Ala-Met, 2011-2012. Gravure sur bois, spécimen 44/55. Signée en bas à droite. Justifié au verso. Avec étiquette d'encadrement au verso. Dimensions : 79 x 73 cm ; 87 x 70 cm (cadre). "Ala-Met" est une gravure sur bois de Damien Hirst appartenant à sa série "40 Woodcut Spots", créée en 2011. Elle se caractérise par son minimalisme et son jeu visuel avec la répétition et la couleur. Conceptuellement, il s'agit d'un commentaire à la fois ironique et profond sur l'industrie pharmaceutique, l'utilisation massive de pilules de toutes les couleurs pour nous sauver de toutes sortes de maux, etc. Ce lien entre la science et l'abstraction minimale est une caractéristique de l'œuvre de Hirst, qui explore souvent des thèmes liés à la vanité humaine et à nos rêves puérils d'immortalité. Pour la série originale de peintures pharmaceutiques, Hirst a inventé une grille avec une seule règle : dans chaque œuvre, toutes les couleurs ne peuvent être utilisées qu'une seule fois. Damien Hirst est né à Bristol le 7 juin 1965, dans une banlieue économiquement défavorisée. Il n'a jamais connu son père biologique et sa mère a épousé un vendeur de voitures, qui les a quittés lorsque Hirst avait 13 ans. Sa mère, artiste amateur et chrétienne fervente, s'est occupée de lui, mais à cause de l'abandon de son père, il a dû être éduqué à la base, ce qui est peut-être la principale raison pour laquelle Damien Hirst affirme que l'art n'a pas de classe. Il a suivi une formation à l'université de Leed tout en combinant ses études avec un emploi à la morgue locale, qu'il a ensuite abandonné pour s'installer à Londres. Pendant ce temps, il travaille dans le bâtiment et postule à diverses écoles d'art telles que St Martins ou la faculté du Pays de Galles. Il est finalement accepté au Golsdmiths College qui, à la même époque et en raison de la récession économique en Angleterre, est une école qui attire des étudiants brillants et des professeurs créatifs. Pendant ses études, Hirst finance ses dépenses en travaillant sur des enquêtes téléphoniques, une cause directe de sa capacité à simuler n'importe quelle émotion au téléphone. Pendant ses études, il travaille également chez McDonald's et à temps partiel à la galerie Anthony D'Ofray, où il apprend les mécanismes du marché de l'art. Dès sa deuxième année d'études, Hirst acquiert le rôle d'artiste et de conservateur, et parvient à réaliser une exposition qui changera le cours de l'art britannique, c'est sa première exposition solo à seulement 26 ans. Quatre ans plus tard, en 1995, il remporte sa deuxième nomination au Turner Prize pour Mother and Child. À 32 ans, la galerie Larry Gagosian lui offre une grande rétrospective, à l'issue de laquelle il déclare qu'il n'a plus d'endroit où exposer, qu'il a tout fait et trop vite. Très vite, les médias le baptisent du nom de Hooligan Genius. Bien qu'il soit devenu millionnaire à l'âge de 40 ans, l'hypersensibilité de Hirst est devenue suspecte ; enveloppé d'une aura de romantisme, il a donné l'impression qu'il était facile de révolutionner le monde de l'art. Les œuvres de Damien Hirst se trouvent au MoMA de New York, à la Tate Gallery et au Victoria & Albert Museum de Londres, au Palazzo Gras de Venise, au Kunstmuseum Wolfsburg (Allemagne), au Hirshhorn de Washington D.C. et à la Neu Galerie de Graz (Autriche), parmi d'autres importantes collections publiques et privées.

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 53 - DAMIEN HIRST (Bristol, Royaume-Uni, 1965). "Ethylamine, 2011-2012. Gravure sur bois, exemplaire 26/55. Signé en bas à droite. Justifié au dos. Dimensions : 29 x 43 cm ; 36 x 50 cm (cadre). Dès le début de sa carrière, Hirst s'est intéressé aux possibilités de la gravure et de l'imagerie multiple, avec l'intention de transcender l'héritage minimaliste et de mettre en lumière les questions contemporaines les plus brûlantes. Les peintures de taches qu'il a présentées pour la première fois en 1988 constituaient un sujet naturel pour la gravure. Pour la série originale de peintures pharmaceutiques, Hirst a inventé une grille avec une seule règle : dans chaque œuvre, toutes les couleurs ne peuvent être utilisées qu'une seule fois. En tant que gravures, les taches séduisent par l'exubérance de leurs couleurs, bien que le processus lui-même soit techniquement exigeant et laborieux, puisque chaque tache doit être encrée individuellement avant d'être imprimée. Les titres de chaque tache proviennent de produits chimiques utilisés dans l'industrie pharmaceutique. L'idée sous-jacente de cette série est le commentaire critique du rôle que la science a assumé en tant que nouveau dieu qui nous promet la jeunesse et la santé éternelles. L'aspect essentialiste des tirages de la série "Spot Prints" incarne des aspects clés de la démarche artistique de Hirst : références scientifiques, minimalisme, sérialité et aléatoire. La forme circulaire évoque l'infini et l'éternité, la vie et la mort faisant partie d'un même cycle. Damien Hirst est né à Bristol le 7 juin 1965, dans un environnement suburbain en proie à des problèmes économiques. Il n'a jamais connu son père biologique et sa mère a épousé un vendeur de voitures, qui les a quittés lorsque Hirst avait 13 ans. Sa mère, artiste amateur et chrétienne fervente, s'est occupée de lui, mais à cause de l'abandon de son père, il a dû être éduqué à la base, ce qui est peut-être la principale raison pour laquelle Damien Hirst affirme que l'art n'a pas de classe. Il a suivi une formation à l'université de Leed tout en combinant ses études avec un emploi à la morgue locale, qu'il a ensuite abandonné pour s'installer à Londres. Pendant ce temps, il travaille dans le bâtiment et postule à diverses écoles d'art telles que St Martins ou la faculté du Pays de Galles. Il est finalement accepté au Golsdmiths College qui, à la même époque et en raison de la récession économique en Angleterre, est une école qui attire des étudiants brillants et des professeurs créatifs. Pendant ses études, Hirst finance ses dépenses en travaillant sur des enquêtes téléphoniques, une cause directe de sa capacité à simuler n'importe quelle émotion au téléphone. Pendant ses études, il travaille également chez McDonald's et à temps partiel à la galerie Anthony D'Ofray, où il apprend les mécanismes du marché de l'art. Dès sa deuxième année d'études, Hirst acquiert le rôle d'artiste et de conservateur, et parvient à réaliser une exposition qui changera le cours de l'art britannique, c'est sa première exposition solo à seulement 26 ans. Quatre ans plus tard, en 1995, il remporte sa deuxième nomination au Turner Prize pour Mother and Child. À 32 ans, la galerie Larry Gagosian lui offre une grande rétrospective, à l'issue de laquelle il déclare qu'il n'a plus d'endroit où exposer, qu'il a tout fait et trop vite. Très vite, les médias le baptisent du nom de Hooligan Genius. Bien qu'il soit devenu millionnaire à l'âge de 40 ans, l'hypersensibilité de Hirst est devenue suspecte ; enveloppé d'une aura de romantisme, il a donné l'impression qu'il était facile de révolutionner le monde de l'art. Les œuvres de Damien Hirst se trouvent au MoMA de New York, à la Tate Gallery et au Victoria & Albert Museum de Londres, au Palazzo Gras de Venise, au Kunstmuseum Wolfsburg (Allemagne), au Hirshhorn de Washington D.C. et à la Neu Galerie de Graz (Autriche), parmi d'autres importantes collections publiques et privées.

Estim. 20 000 - 22 000 EUR

Lot 54 - CHRISTOPHER MAKOS (Lowell, Massachusetts, USA, 1948). "Basquiat". Photographie, copie 38/250. Signé à la main et justifié. Dimensions : 48 x 37,5 cm ; 60 x 50 cm (cadre). Christopher Makos a rencontré Basquiat par l'intermédiaire de Warhol au début des années 1980. Makos fréquentait alors les cercles les plus alternatifs et les plus avancés de New York. Avec ce portrait, Makos a légué à la postérité une image immortelle de l'apogée de la courte vie du grand graffeur new-yorkais. Makos a su capter l'essence des personnes qu'il a représentées, dont la plupart étaient des figures importantes de la société de l'époque, comme Truman Capote, Liz Taylor, John Lennon et Mick Jagger. Il prenait généralement ses photos dans son studio, mais en accordant une grande importance aux personnages, afin de capturer leur essence. Christopher Makos est connu, entre autres, pour avoir introduit Warhol dans l'univers Polaroid. Il est une figure légendaire de New York. Bien que né dans le Massachusetts, il a grandi en Californie avant de s'installer à New York dans les années 1960. Il se rend en Europe, à Paris, pour étudier l'architecture, mais le contact avec Man Ray le conduit à la photographie. De retour aux États-Unis, il s'installe à New York, dans le West Village. Il collabore étroitement avec Andy Warhol, à qui il apprend à utiliser son premier appareil photo. Il lui fait également découvrir le travail de Jean-Michel Basquiat et de Keith Haring. Warhol a qualifié Makos de "photographe le plus moderne des États-Unis". L'étroite amitié entre Makos et Warhol et les nombreux voyages qu'ils ont effectués ensemble sont reflétés dans le livre de Makos intitulé Warhol : A Photographic Memoir (New American Library). Les œuvres de Makos font partie des collections permanentes de plus d'une centaine de musées, ont été exposées dans des galeries et des musées aux États-Unis, en Europe et au Japon, et sont apparues dans de nombreuses publications à travers le monde, notamment Interview, Rolling Stone, House & Garden, Connoisseur, New York Magazine, Esquire, Genre et People. Certains collectionneurs tels que Malcolm Forbes, Pedro Almodovar ou Gianni Versace possèdent ses œuvres.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 55 - GILBERT & GEORGE ; GILBERT PROESCH (Italie, 1943) et GEORGE PASSMORE (Royaume-Uni, 1942). "Thief", 2011, série "London Pictures". 4 pièces montées sur un panneau de bois avec des rails faisant partie de l'ensemble. Pièce unique. Au dos, étiquettes avec titre, date, position et instructions d'entretien. Le panneau n° 4 est signé et daté dans le coin inférieur droit. Certificat joint, délivré par Jean Bernier et Marina Eliades, indiquant que l'œuvre a été exposée à la galerie Bernier/Eliades à Athènes en 2012. Dimensions : 76 x 73,5 cm (chaque panneau) ; 151 x 127 cm (total). Voleur, Sexe, Bombe, Banques, Poignardé... tels sont les mots clés que le brillant duo Gilbert et George fait ressortir en rouge sang dans les différentes séries qui font partie de "London Pictures", en les regroupant par thèmes. Des couleurs frappantes pour des expressions de tabloïd forment un dessin répétitif dans les marges duquel apparaissent les effigies des deux artistes comme des témoignages désemparés. Elles forment une fresque de nouvelles fragmentaires, une mosaïque de scandales et de chagrins de notre société. La série a été créée en triant et en classant par sujet près de 4 000 affiches de titres de journaux, volées par les artistes au cours de plusieurs années. Michael Bracewell écrit à propos de "London Pictures" : "Basées directement sur la vie quotidienne d'une grande ville, les Pinctures de Londres permettent à la société contemporaine de raconter sa propre histoire dans son propre langage. Dans le paysage urbain de cet audit moral, Gilbert et George semblent passer pour des fantômes et des voyants, tour à tour attentifs et distraits, comme si leurs esprits hantaient les rues et les bâtiments mêmes que ces images dépeignent. Elles semblent constituer un grand roman visuel, révélant sans jugement le relais incessant du drame urbain, dans toutes ses gradations d'espoir et de souffrance." Gilbert and George est un couple d'artistes britanniques composé de Gilbert Proesch et George Passmore, qui ont développé leur travail dans les domaines de l'art conceptuel, de la performance et de l'art corporel, étant principalement connus pour leur rôle de "sculptures vivantes". Ils se sont rencontrés alors qu'ils étudiaient à la St. Martin's School of Art de Londres et, depuis 1968, ils vivent ensemble et travaillent professionnellement en tant que duo artistique. L'une de leurs premières œuvres est The Singing Sculpture (1969), dans laquelle le duo d'artistes danse et chante Underneath the Arches, un succès musical des années 1930. Depuis, ils se sont forgé une solide réputation de sculptures vivantes, se transformant elles-mêmes en œuvres d'art, exposées plus ou moins longtemps au public. Ils apparaissent généralement impeccablement vêtus de costumes et de cravates, adoptant diverses postures dans lesquelles ils restent immobiles, bien que parfois ils bougent ou lisent un texte, et apparaissent parfois dans des assemblées ou des installations de toutes sortes. Outre leur facette "sculpturale", Gilbert et George produisent également des œuvres picturales, collages et photomontages, où ils se représentent souvent eux-mêmes, ainsi que divers éléments de leur environnement immédiat, avec des références à la culture urbaine et une forte composante vindicative, où ils abordent des thèmes tels que le sexe, la race, la mort et le sida, la religion ou la politique, critiquant souvent le gouvernement britannique et le pouvoir en place. En ce sens, leur série la plus prolifique et la plus ambitieuse est Jack Freak Pictures, où les couleurs rouge, blanc et bleu du drapeau britannique sont constamment présentes. Gilbert et George ont exposé dans certains des meilleurs musées et galeries du monde, comme le Stedelijk van Abbemuseum d'Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de Londres (1987), la Tate Modern (2007), etc. Ils ont participé plusieurs fois à la Documenta de Kassel (5, 6 et 7), et en 2005 ils ont représenté leur pays à la Biennale de Venise. En 1986, ils ont été lauréats du prix Turner.

Estim. 65 000 - 75 000 EUR

Lot 56 - JEAN MICHEL FOLON (Belgique, 1934 - Monaco, 2005). "Quarante et unième pensée", 2002, Empire State building. Sculpture en bronze patiné. Exemplaire 1/8. Signée sur le dessus de la base. Certificat joint délivré par la Fondation Folon. Dimensions : 200 x 40 x 35 cm. Dans cette sculpture, Folon crée un personnage anonyme qui semble perdu dans un monde indéfini et absurde. Sa tête est recouverte par un gratte-ciel américain, plus précisément par l'Empire State Building, ce qui empêche le protagoniste aliéné d'observer et de comprendre ce qui se passe autour de lui. Peintre, illustrateur et sculpteur belge, Jean-Michel Folon a étudié l'architecture à l'Institut Saint-Luc de Bruxelles. En 1969, il a présenté sa première exposition personnelle d'aquarelles à la Lefebre Gallery de New York. L'année suivante, il expose à Tokyo et à Milan et participe à la Biennale de Venise. Déjà pleinement reconnu sur le plan international, il participera à des concours exceptionnels tels que la Biennale de São Paulo en 1973, où il remportera le Grand Prix de peinture. Tout au long de sa carrière, Folon a travaillé les différentes techniques d'illustration, ainsi que la gravure, la sérigraphie, la mosaïque et le verre émaillé. Il a également créé de nombreuses affiches, souvent pour des causes humanitaires. D'importants musées lui ont consacré des expositions, notamment le musée des Arts décoratifs de Paris (1971), le musée Boymans van Beuningen de Rotterdam (1976), l'Institute of Contemporary Arts de Londres (1977), le Metropolitan Museum de New York (1990) et le musée Bunkamura de Tokyo (1995). Il est actuellement représenté dans des collections publiques et privées du monde entier.

Estim. 90 000 - 100 000 EUR

Lot 57 - WILLIAM SWEETLOVE (Ostende, Belgique, 1949). "Lièvre bleu clair cloné avec sac à dos", 2010. Résine synthétique peinte en bleu. Exemplaire au 1/33. Signé sur l'une des jambes. Certificat joint. Dimensions : 140 x 100 x 65 cm. Sculpture ronde représentant un lapin monumental avec un sac à dos sur le dos, finie avec une patine bleue finale. L'expressivité de cette œuvre se manifeste au spectateur à travers un langage de caractère kitsch, très récurrent dans l'esthétique du post-pop. Pour ce faire, l'artiste part d'une image reconnaissable qu'il réinterprète à partir d'un style personnel, créant ainsi une resignification de l'œuvre. La couleur, la monumentalisation et le matériau, la résine synthétique, nous rapprochent de l'idée de production de masse, d'industrialisation et de marchandisation, brouillant ainsi la frontière entre l'art et la production de masse. Entre la haute et la basse culture et comment le consumérisme croissant de la société brouille cette barrière. William Sweetlove puise dans le superficiel, à travers une série de variations sur le même thème, avec lequel il parvient à créer une friction entre l'artificiel et le substantiel, brouillant complètement les frontières entre le jouet et l'œuvre d'art. William Sweetlove, d'origine belge, est connu pour son travail proche du dadaïsme et du surréalisme. Ses œuvres ont été classées dans la catégorie du pop art, des sculptures humoristiques qui, à première vue, peuvent sembler "kitsch". Cependant, un examen plus approfondi de son art révèle son rôle d'antidote créatif à la surproduction et à la surconsommation de notre société. Avec ses animaux clonés, William Sweetlove cherche à éveiller une plus grande conscience écologique et nous incite à réfléchir aux conséquences du changement climatique qui interpelle l'humanité. De sa fascination pour les fossiles, Sweetlove a développé le besoin d'enquêter à travers son art. William Sweetlove a exposé dans des foires d'art, des galeries et des musées du monde entier. Ses œuvres font partie de plusieurs collections d'art privées. Il a également participé à différentes manifestations artistiques dans le monde entier avec le groupe italien Cracking Art, dont le nom fait référence aux tours utilisées pour le raffinage du pétrole. Ce groupe est connu pour ses grandes sculptures en plastique, créées pour critiquer la consommation de la société actuelle. La découverte et la commercialisation du polyester incitent Sweetlove à créer toutes sortes d'objets quotidiens afin de les préserver pour l'avenir. Il fabrique des objets d'art à partir de pain, de légumes et de vêtements à la mode, qui symbolisent tous l'éphémère. Il prend également des photos de lui-même et surtout de sa grand-mère qui, comme toute actrice, interprète toutes sortes de scènes qu'elle joue pour la première fois de sa vie. Plus tard, les tirages ont été enduits de résine plastique et enterrés dans des boîtes en bois. Dix ans plus tard, elles ont été exhumées par des archéologues.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 58 - WILLIAM SWEETLOVE (Ostende, Belgique, 1949). "Lapin bleu". Résine synthétique peinte en bleu. Dimensions : 2,20 x 2 x 1 m. Sculpture ronde représentant un lapin monumental avec une patine finale d'un bleu vif. L'expressivité de cette œuvre se manifeste au spectateur à travers un langage de caractère kitsch, très récurrent dans l'esthétique du post-pop. Pour ce faire, l'artiste part d'une image reconnaissable qu'il réinterprète à partir d'un style personnel, créant ainsi une resignification de l'œuvre. La couleur, la monumentalisation et le matériau, la résine synthétique, nous rapprochent de l'idée de production de masse, d'industrialisation et de marchandisation, brouillant ainsi la frontière entre l'art et la production de masse. Entre la haute et la basse culture et comment le consumérisme croissant de la société brouille cette barrière. William Sweetlove puise dans le superficiel, à travers une série de variations sur le même thème, avec lequel il parvient à créer une friction entre l'artificiel et le substantiel, brouillant complètement les frontières entre le jouet et l'œuvre d'art. William Sweetlove, d'origine belge, est connu pour son travail proche du dadaïsme et du surréalisme. Ses œuvres ont été classées dans la catégorie du pop art, des sculptures humoristiques qui, à première vue, peuvent sembler "kitsch". Cependant, un examen plus approfondi de son art révèle son rôle d'antidote créatif à la surproduction et à la surconsommation de notre société. Avec ses animaux clonés, William Sweetlove cherche à éveiller une plus grande conscience écologique et nous incite à réfléchir aux conséquences du changement climatique qui interpelle l'humanité. De sa fascination pour les fossiles, Sweetlove a développé le besoin d'enquêter à travers son art. William Sweetlove a exposé dans des foires d'art, des galeries et des musées du monde entier. Ses œuvres font partie de plusieurs collections d'art privées. Il a également participé à différentes manifestations artistiques dans le monde entier avec le groupe italien Cracking Art, dont le nom fait référence aux tours utilisées pour le raffinage du pétrole. Ce groupe est connu pour ses grandes sculptures en plastique, créées pour critiquer la consommation de la société actuelle. La découverte et la commercialisation du polyester incitent Sweetlove à créer toutes sortes d'objets quotidiens afin de les préserver pour l'avenir. Il fabrique des objets d'art à partir de pain, de légumes et de vêtements à la mode, qui symbolisent tous l'éphémère. Il prend également des photos de lui-même et surtout de sa grand-mère qui, comme toute actrice, interprète toutes sortes de scènes qu'elle joue pour la première fois de sa vie. Plus tard, les tirages ont été enduits de résine plastique et enterrés dans des boîtes en bois. Dix ans plus tard, elles ont été exhumées par des archéologues.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 59 - WILLIAM SWEETLOVE (Ostende, Belgique, 1949). "Lapin rouge". Résine synthétique peinte en rouge. Dimensions : 2 x 2,30 x 1 m. Sculpture ronde représentant un lapin monumental avec une patine finale rouge vif. L'expressivité de cette œuvre se manifeste au spectateur à travers un langage de caractère kitsch, très récurrent dans l'esthétique du post-pop. Pour ce faire, l'artiste part d'une image reconnaissable qu'il réinterprète à partir d'un style personnel, créant ainsi une resignification de l'œuvre. La couleur, la monumentalisation et le matériau, la résine synthétique, nous rapprochent de l'idée de production de masse, d'industrialisation et de marchandisation, brouillant ainsi la frontière entre l'art et la production de masse. Entre la haute et la basse culture et comment le consumérisme croissant de la société brouille cette barrière. William Sweetlove puise dans le superficiel, à travers une série de variations sur le même thème, avec lequel il parvient à créer une friction entre l'artificiel et le substantiel, brouillant complètement les frontières entre le jouet et l'œuvre d'art. William Sweetlove, d'origine belge, est connu pour son travail proche du dadaïsme et du surréalisme. Ses œuvres ont été classées dans la catégorie du pop art, des sculptures humoristiques qui, à première vue, peuvent sembler "kitsch". Cependant, un examen plus approfondi de son art révèle son rôle d'antidote créatif à la surproduction et à la surconsommation de notre société. Avec ses animaux clonés, William Sweetlove cherche à éveiller une plus grande conscience écologique et nous incite à réfléchir aux conséquences du changement climatique qui interpelle l'humanité. De sa fascination pour les fossiles, Sweetlove a développé le besoin d'enquêter à travers son art. William Sweetlove a exposé dans des foires d'art, des galeries et des musées du monde entier. Ses œuvres font partie de plusieurs collections d'art privées. Il a également participé à différentes manifestations artistiques dans le monde entier avec le groupe italien Cracking Art, dont le nom fait référence aux tours utilisées pour le raffinage du pétrole. Ce groupe est connu pour ses grandes sculptures en plastique, créées pour critiquer la consommation de la société actuelle. La découverte et la commercialisation du polyester incitent Sweetlove à créer toutes sortes d'objets quotidiens afin de les préserver pour l'avenir. Il fabrique des objets d'art à partir de pain, de légumes et de vêtements à la mode, qui symbolisent tous l'éphémère. Il prend également des photos de lui-même et surtout de sa grand-mère qui, comme toute actrice, interprète toutes sortes de scènes qu'elle joue pour la première fois de sa vie. Plus tard, les tirages ont été enduits de résine plastique et enterrés dans des boîtes en bois. Dix ans plus tard, elles ont été exhumées par des archéologues.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 60 - DANEMARK (Belgique, 1950). "Fausse bibliothèque 8.01.14. Titre provisoire : Mirror", 2014. Miroir avec des livres. Certificat ci-joint signé par Guy Pieters. Dimensions : 95 x 43 x 2,5 cm. Avec ses sculptures-assemblages comme celle présentée ici, Denmark explore visuellement et conceptuellement la surcharge d'informations et la nature éphémère et labile des nouvelles. L'artiste lui-même écrit : "Combien de journaux et de magazines les gens jettent-ils chaque jour ? Combien de chefs-d'œuvre non lus se trouvent sur leurs étagères ? Combien d'examens et de documents anciens prennent la poussière dans les greniers des écoles ? Depuis 50 ans, l'artiste belge Denmark - pseudonyme de Marc Robbroeckx - transforme des tonnes de papier imprimé en œuvres d'art. Il crée des sculptures et des installations avec des livres, des journaux et des magazines. Son ingrédient principal est toujours le papier, coupé, pressé, empilé ou plié. Le Danemark affirme que chaque page de son œuvre est pliée dans le plus petit volume possible. Cette réduction de la surface est une métaphore de la recherche de l'essence par l'artiste. Denmark, pseudonyme de Marc Robbroeckx, est un artiste belge connu pour ses peintures, sculptures et installations qui utilisent souvent des journaux et d'autres médias. Il a fait ses débuts dans le monde de l'art en 1968. Sa carrière artistique a pris de l'ampleur à la fin des années soixante-dix et dans les années quatre-vingt. Il a conçu le nom "Denmark" comme un acronyme de "Pan American Airlines and Company", reflétant sa fascination précoce pour les voyages et les médias. L'utilisation innovante par Denmark de matériaux recyclés et son commentaire provocateur sur la société contemporaine l'ont positionné comme une figure notable de l'art belge d'aujourd'hui. Les œuvres de M. Denmark ont été exposées dans de nombreuses galeries et musées internationaux, dont le Design Museum de Bruxelles. Le prix record pour une œuvre de Denmark vendue aux enchères est de 73 958 dollars pour "Dead Letters (B.13.78)" en 2022.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 61 - DANEMARK (Belgique, 1950). "Fausse bibliothèque 7.01.14. Titre provisoire : Mirror", 2014. Miroir avec des livres. Certificat ci-joint signé par Guy Pieters. Dimensions : 95 x 43 x 2,5 cm. Avec ses sculptures-assemblages comme celle présentée ici, Denmark explore visuellement et conceptuellement la surcharge d'informations et la nature éphémère et labile des nouvelles. L'artiste lui-même écrit : "Combien de journaux et de magazines les gens jettent-ils chaque jour ? Combien de chefs-d'œuvre non lus se trouvent sur leurs étagères ? Combien d'examens et de documents anciens prennent la poussière dans les greniers des écoles ? Depuis 50 ans, l'artiste belge Denmark - pseudonyme de Marc Robbroeckx - transforme des tonnes de papier imprimé en œuvres d'art. Il crée des sculptures et des installations avec des livres, des journaux et des magazines. Son ingrédient principal est toujours le papier, coupé, pressé, empilé ou plié. Le Danemark affirme que chaque page de son œuvre est pliée dans le plus petit volume possible. Cette réduction de la surface est une métaphore de la recherche de l'essence par l'artiste. Denmark, pseudonyme de Marc Robbroeckx, est un artiste belge connu pour ses peintures, sculptures et installations qui utilisent souvent des journaux et d'autres médias. Il a fait ses débuts dans le monde de l'art en 1968. Sa carrière artistique a pris de l'ampleur à la fin des années soixante-dix et dans les années quatre-vingt. Il a conçu le nom "Denmark" comme un acronyme de "Pan American Airlines and Company", reflétant sa fascination précoce pour les voyages et les médias. L'utilisation innovante par Denmark de matériaux recyclés et son commentaire provocateur sur la société contemporaine l'ont positionné comme une figure notable de l'art belge d'aujourd'hui. Les œuvres de M. Denmark ont été exposées dans de nombreuses galeries et musées internationaux, dont le Design Museum de Bruxelles. Le prix record pour une œuvre de Denmark vendue aux enchères est de 73 958 dollars pour "Dead Letters (B.13.78)" en 2022.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 62 - DANEMARK (Belgique, 1950). "Horizontaal versneden boeken ingewerkt in stukken plank", 1998. Bois et papier. Ensemble de 9 pièces. L'une d'entre elles est signée et datée au dos. Chaque pièce est numérotée. Dimensions : 45 cm (hauteur). 14 cm (largeur pièce 1) ; 9,5 cm (largeur pièce 2) ; 16 cm (largeur pièce 3) ; 12,5 cm (largeur pièce 4) ; 17 cm (largeur pièce 5) ; 17,5 cm (largeur pièce 6) ; 18 cm (largeur pièce 7) ; 15,5 cm (largeur pièce 8) et 16,5 cm (largeur pièce 9). Les œuvres de "Denmark" symbolisent les conséquences de notre culture du gaspillage et suggèrent un moyen de faire face au flot incessant d'informations. En transformant des produits imprimés en œuvres d'art, il combine des formes traditionnelles de conservation avec des formes d'élimination telles que la pulvérisation, le découpage et le brûlage. Depuis le début des années 1970, "Denmark" découpe, dissèque et (ré)assemble des livres, des magazines et des journaux. Ses "installations d'archives" sont une réaction critique à la surcharge d'informations à laquelle nous sommes confrontés quotidiennement. L'artiste lui-même écrit : "Combien de journaux et de magazines les gens jettent-ils chaque jour ? Combien de chefs-d'œuvre non lus se trouvent sur leurs étagères ? Combien d'examens et de documents anciens prennent la poussière dans les greniers des écoles ? Depuis 50 ans, l'artiste belge Denmark - pseudonyme de Marc Robbroeckx - transforme des tonnes de papier imprimé en œuvres d'art. Il crée des sculptures et des installations avec des livres, des journaux et des magazines. Son ingrédient principal est toujours le papier, coupé, pressé, empilé ou plié. Le Danemark affirme que chaque page de son œuvre est pliée dans le plus petit volume possible. Cette réduction de la surface est une métaphore de la recherche de l'essence par l'artiste. Denmark, pseudonyme de Marc Robbroeckx, est un artiste belge connu pour ses peintures, sculptures et installations qui utilisent souvent des journaux et d'autres médias. En 1972, il termine ses études d'histoire de l'art et d'archéologie à l'université de Gand. Il fait ses débuts dans le monde de l'art en 1968 et, en 1977, ses coupures de journaux lui valent le prix du concours de la jeune peinture belge (Bruxelles, Palais des Beaux-Arts). Sa carrière artistique s'est accélérée à la fin des années soixante-dix et dans les années quatre-vingt. Il a conçu le nom "Denmark" comme un acronyme de "Pan American Airlines and Company", reflétant sa fascination précoce pour les voyages et les médias. L'utilisation innovante par Denmark de matériaux recyclés et ses commentaires provocateurs sur la société contemporaine l'ont positionné comme une figure notable de l'art belge d'aujourd'hui. Les œuvres de M. Denmark ont été exposées dans de nombreuses galeries et musées internationaux, dont le Design Museum de Bruxelles. Le prix record pour une œuvre de Denmark vendue aux enchères a été de 73 958 dollars pour "Dead Letters (B.13.78)" en 2022. Actuellement, ses œuvres font partie de nombreuses collections d'une grande pertinence artistique, parmi lesquelles : le musée d'art d'Ahlen, le M HKA d'Anvers, le musée d'art contemporain, le centre d'art belge Phillip Ingrid, le musée de Brême Weserburg, les Musées royaux des beaux-arts de Bruxelles, le musée d'art contemporain d'Eupen, la bibliothèque de Genk, le musée de Gand Dr. Guislain, Musée municipal de Gent Dr. Guislain, Musée municipal de Gent Dr. Guislain, Musée municipal de Gent Dr. Guislain, Musée municipal de Gent Dr. Guislain, le musée municipal d'art contemporain de Gand, le musée d'Ixelles, la bibliothèque centrale de Louvain, la collection d'art contemporain de la fondation ARCO de Madrid et la Bibliothèque nationale de Paris, entre autres.

Estim. 26 000 - 28 000 EUR

Lot 63 - JAN FABRE (Anvers, Belgique, 1958). "C'ôte D'Ôr, Hommage à Begian Congo", 2010. Collage (ailes de coléoptères) sur bois. Certificat joint signé par Guy Pieters. Dimensions : 218 x 165 cm ; 228 x 175 x 8 cm (cadre). "Gold Coast" nous renvoie à un lieu édénique et irréel gardé par un éléphant, animal lié à la chance dans toutes les cultures. Jan Fabre a utilisé des ailes de coléoptères pour créer une tapisserie subjuguante. Les ailes de coléoptères sont un motif récurrent dans l'œuvre de Fabre. Elles symbolisent des idées liées à la métamorphose, à la transformation spirituelle, à la beauté et à la nature éphémère de la vie. Quant au thème édénique, l'artiste évoque souvent, dans un langage varié, la possibilité de l'utopie. Jan Fabre est auteur dramatique, metteur en scène, chorégraphe et artiste visuel. Il a étudié à l'Institut municipal des arts décoratifs d'Anvers et à l'Académie royale des beaux-arts. Entre 1976 et 1980, il écrit ses premiers textes pour le théâtre. En 1978, il réalise des dessins avec son propre sang lors de la performance solo My Body, My Blood, My Landscape (Mon corps, mon sang, mon paysage). En 1980, il réalise la "Bic-Art Room", en opposition au "Big Art" ; il s'enferme pendant trois jours et trois nuits dans un cube blanc rempli d'objets et dessine avec des stylos Bic bleus. En 1986, il fonde Troubleyn/Jan Fabre, une compagnie théâtrale à la projection internationale. Il est membre de l'Académie royale flamande des sciences et des arts de Belgique depuis 1998 et est Commandeur de l'Ordre de Léopold II. En 2008, L'Ange de la métamorphose a été exposé au musée du Louvre, une exposition inaugurée par la reine Paola de Belgique. Il a décoré le plafond de la Galerie des Glaces du Palais Royal de Bruxelles, qu'il a appelé le Ciel des Délices, composé de 1600 000 élytres de scarabées, qui a été largement salué. Il a également réalisé Totem, une sculpture représentant un insecte géant percé d'une énorme flèche en acier de vingt-trois mètres, sur la place Ladeuze à Louvain. La sculpture a été érigée en 2005 pour commémorer le 575e anniversaire de la bibliothèque historique de l'université de Louvain.

Estim. 180 000 - 200 000 EUR

Lot 64 - JAN FABRE (Anvers, Belgique, 1958). "De man die de wolken meet", 1998. Sculpture en bronze. M. P. 7/8 exemplaire. Signée et numérotée sur la règle. Cachet d'Art Casting Belgium. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 298 x 120 x 80 cm. "L'homme qui mesure les nuages" est une œuvre monumentale qui déborde de poésie. Elle donne également lieu à des réflexions biographiques sur l'artiste lui-même. Le personnage qui "mesure les nuages" (qui s'obstine dans des entreprises impossibles) est inspiré du frère de l'artiste, mort prématurément. Les traits coïncident avec ceux de l'artiste, de sorte que l'autoportrait se confond en quelque sorte avec l'identité de son frère. Cette sculpture a pu être vue à la Biennale de Venise, édition 2019. Elle était visible depuis le pont de l'Accademia, à côté du Grand Canal. La première version qu'il a réalisée en 1998, une sculpture réaliste grandeur nature, en bronze poli et brillant, d'un homme debout sur une échelle, une règle à la main mesurant les nuages. Outre l'hommage au caractère rêveur de son frère, elle exprime le sentiment de vouloir maîtriser l'ineffable, inné chez tout artiste. Comme l'a déclaré Fabre lors d'une interview, "la figure symbolise mon métier. La tentative de l'artiste de contrôler les choses, mais cela ne se passe jamais comme prévu. L'artiste mesure : il établit des liens - des relations mentales, physiques, politiques et philosophiques. Je mesure constamment ce type de relations, c'est mon devoir en tant qu'artiste". Enfin, le titre fait également référence à l'homme-oiseau d'Alcatraz qui, dans le film inspiré de sa vie, le personnage joué par Burt Lancaster, déclare à sa sortie de prison : "Maintenant, je vais mesurer les nuages". Jan Fabre est auteur dramatique, metteur en scène, chorégraphe et artiste visuel. Il a étudié à l'Institut municipal des arts décoratifs d'Anvers et à l'Académie royale des beaux-arts. Entre 1976 et 1980, il écrit ses premiers textes pour le théâtre. En 1978, il réalise des dessins avec son propre sang lors de la performance solo My Body, My Blood, My Landscape (Mon corps, mon sang, mon paysage). En 1980, il réalise la "Bic-Art Room", en opposition au "Big Art" ; il s'enferme pendant trois jours et trois nuits dans un cube blanc rempli d'objets et dessine avec des stylos Bic bleus. En 1986, il fonde Troubleyn/Jan Fabre, une compagnie théâtrale à la projection internationale. Il est membre de l'Académie royale flamande des sciences et des arts de Belgique depuis 1998 et est Commandeur de l'Ordre de Léopold II. En 2008, L'Ange de la métamorphose a été exposé au musée du Louvre, une exposition inaugurée par la reine Paola de Belgique. Il a décoré le plafond de la Galerie des Glaces du Palais Royal de Bruxelles, qu'il a appelé le Ciel des Délices, composé de 1600 000 élytres de scarabées, qui a été largement salué. Il a également réalisé Totem, une sculpture représentant un insecte géant percé d'une énorme flèche en acier de vingt-trois mètres, sur la place Ladeuze à Louvain. La sculpture a été érigée en 2005 pour commémorer le 575e anniversaire de la bibliothèque historique de l'université de Louvain.

Estim. 400 000 - 450 000 EUR

Lot 65 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Renaissance de Vénus", 2009. Impression à jet d'encre sur dibond. Édition 3/3 + 2 A.P. Avec les étiquettes au dos de David Lachapelle Studio et Maruani Mercier Gallery. Certificat joint délivré par la galerie Maruani Mercier. Dimensions : 153 x 118 cm ; 164 x 128,5 x 6,5 cm (cadre). Avec sa "Renaissance de Vénus", David LaChapelle réinterprète la "Naissance de Vénus" de Botticelli dans une tonalité moderne et ironique. Plusieurs éléments demeurent, mais sont recombinés avec humour et drôlerie pour glisser vers d'autres lectures. Le grand coquillage sur lequel flottait l'Aphrodite de la Renaissance est réduit pour être tenu par la main gauche d'une déesse de moindre importance ("Nike", la marque de la chaussure est imprimée sur le pied de la nymphe au genre fluide), qui prend le coquillage et recouvre le pubis de Vénus. Cette attitude rappelle celle de la Vénus pudica. À droite de la déesse de l'amour, un Zéphyr exotique produit, à l'aide d'une conque, la brise qui inaugure le moment magique de la genèse. Le groupe se rassemble dans un paysage exultant de verdure et de couleurs vibrantes. Aussi captivé par la beauté que les grands peintres de la Renaissance, LaChapelle a consacré sa vie à redéfinir ces idéaux de beauté et de désir, qui deviennent multiples et polymorphes. La carrière de LaChapelle débute de manière significative en 1982, lorsque Andy Warhol l'incite à publier ses photographies "Interview". "Andy Warhol correspond parfaitement à son époque", dit le photographe, "c'est sans aucun doute un grand artiste du 20ème siècle. Il était très généreux et j'ai beaucoup appris de lui, mais nous appartenons à deux générations différentes et nous avons des idées différentes. L'art le plus précieux aujourd'hui est celui qui parvient à clarifier l'époque dans laquelle nous vivons, et c'est ce que j'essaie de faire." Les images loufoques, bizarres et fantastiques de David LaChapelle sont apparues sur les pages et les couvertures des magazines Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face et GQ, pour n'en citer que quelques-uns. Son style est unique et reconnaissable, il travaille avec des plans ouverts, des scènes fraîches et extrêmement colorées montrant son style pop-art. Ses clichés sont méticuleux et détaillés, travaillant l'aspect physique du personnage jusqu'à la caricature. "J'essaie de prendre des photos que je n'ai jamais vues auparavant", explique LaChapelle. Créatif talentueux, il joue avec des scènes fictives et grotesques, le plus souvent artificielles et dispose d'une excellente production, les images étant généralement au moment de la prise de vue, avec peu de post-production. On peut également voir dans son travail la critique de la société dans laquelle nous vivons, pleine d'excès et de vanité. Son attachement inconditionnel à l'originalité est légendaire dans le monde de la mode, du cinéma et de la publicité. LaChapelle a participé à des campagnes publicitaires pour divers clients, notamment L'Oréal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma et la campagne Got Milk ? David a photographié de nombreuses couvertures d'albums pour des artistes tels que Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna et Kylie Minogue. Son premier livre à succès, LaChapelle Land, a été publié en 1996 par Collaway Publishing, apportant dans son emballage extravagant une collection explosive de portraits de célébrités et de mannequins, dont Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore et Elton John. Le livre Hotel LaChapelle, également publié par Collaway en 1999, succède à ce premier ouvrage et présente des images fraîches aux couleurs inoubliables. LaChapelle continue de produire des photographies qui confrontent nos goûts visuels et jettent un regard neuf sur le paysage d'aujourd'hui.

Estim. 80 000 - 90 000 EUR

Lot 66 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Seismic Shift", 2012. Épreuve chromogène sur dibond, copie 4/5. Certificat joint signé par David Lachapelle Studio. Dimensions : 90 x 220 cm ; 100 x 230 x 6 cm (cadre). "Seismic Shift" est un regard corrosif sur l'état actuel du monde de l'art et du marché de l'art, faisant référence à des thèmes tels que l'éphémère, la décadence et le consumérisme. La photographie représente un musée d'art contemporain partiellement détruit, abritant des œuvres emblématiques très abîmées d'artistes tels que Jeff Koons, Andy Warhol, Damien Hirst et Takashi Murakami. Ces artistes représentent les prix exorbitants du marché de l'art actuel, correspondant à la demande mondiale des acheteurs milliardaires pour qui l'art est une marque. "Seismic Shift" soulève des questions critiques sur la durée de vie limitée d'une œuvre d'art. Elle est considérée comme l'une des œuvres les plus remarquables de LaChapelle. La carrière de LaChapelle a commencé de manière significative en 1982, lorsque Andy Warhol l'a incité à publier ses photographies "Interview". "Andy Warhol correspond parfaitement à son époque", déclare le photographe. "C'est certainement un grand artiste du XXe siècle. Il était très généreux et j'ai beaucoup appris de lui, mais nous appartenons à deux générations différentes et nous avons des idées différentes. L'art le plus précieux aujourd'hui est celui qui parvient à clarifier l'époque dans laquelle nous vivons, et c'est ce que j'essaie de faire." Les images loufoques, bizarres et fantastiques de David LaChapelle sont apparues sur les pages et les couvertures des magazines Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face et GQ, pour n'en citer que quelques-uns. Son style est unique et reconnaissable, il travaille avec des plans ouverts, des scènes fraîches et extrêmement colorées montrant son style pop-art. Ses photos sont méticuleuses et détaillées, travaillant l'aspect physique du personnage jusqu'à la caricature. "J'essaie de prendre des photos que je n'ai jamais vues auparavant", explique LaChapelle. Créatif talentueux, il joue avec des scènes fictives et grotesques, le plus souvent artificielles et dispose d'une excellente production, les images étant généralement au moment de la prise de vue, avec peu de post-production. On peut également voir dans son travail la critique de la société dans laquelle nous vivons, pleine d'excès et de vanité. Son attachement inconditionnel à l'originalité est légendaire dans le monde de la mode, du cinéma et de la publicité. LaChapelle a participé à des campagnes publicitaires pour divers clients, notamment L'Oréal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma et la campagne Got Milk ? David a photographié de nombreuses couvertures d'albums pour des artistes tels que Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna et Kylie Minogue. Son premier livre à succès, LaChapelle Land, a été publié en 1996 par Collaway Publishing, apportant dans son emballage extravagant une collection explosive de portraits de célébrités et de mannequins, dont Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore et Elton John. Le livre Hotel LaChapelle, également publié par Collaway en 1999, succède à ce premier ouvrage et présente des images fraîches aux couleurs inoubliables. LaChapelle continue de réaliser des photographies qui confrontent nos goûts visuels et jettent un regard neuf sur le paysage d'aujourd'hui.

Estim. 40 000 - 45 000 EUR

Lot 67 - MATT HENRY (Angleterre, 1978). "Alabama's Here-Twin Palms, 2017. Impression pigmentaire d'archives, spécimen 1/6. Verre de musée. Dimensions : 50 x 76 cm ; 55,5 x 81 cm (cadre). Matt Henry réalise des récits d'esthétique cinématographique en couleur à partir d'une série de photographies mises en scène inspirées de l'Amérique des années 1960. Selon les propres termes de l'artiste, "je me souviens de cette époque comme d'une curiosité d'êtres magiques qui se pavanaient et brillaient dans les rediffusions télévisées les jours où je n'étais pas à l'école...". La mise en scène de récits photographiques s'apparente beaucoup au psychodrame, une manière d'explorer les vertus et les espoirs, les défauts et les peurs qui nous rapprochent des rivages de l'utopie et nous ramènent ensuite cruellement en arrière. Réimaginer, c'est sortir de l'histoire et entrer dans la potentialité, et c'est là que mes photographies existent, non pas comme des masques de mort d'une époque perdue, mais comme des ponts narratifs vers une nouvelle époque. Photographe britannique, il vit et travaille à Brighton. Il a obtenu un diplôme en sciences politiques à Nottingham, après quoi il s'est tourné vers l'art photographique. En 2014, il a obtenu une maîtrise en photographie à l'université de Brighton. Sélection d'expositions personnelles récentes : 2025 'Palms', Polka Galerie, Paris, France 2018 'Southern Gothic and other Tales', Polka Galerie, Paris, France 2016 'The Journey', Polka Galerie, Paris, France. Expositions collectives récentes : 2023 'Photographie : Real and Imagined', NGV, Melbourne, Australie 2023 'Esprit Pop es-tu là ?', Franciscaines de Deauville, France. We the People", The Billboard Creative, Los Angeles CA, États-Unis. Journées portes ouvertes pour les artistes", Brighton et Hove, Royaume-Uni. 2020 "No Dead Artists", Jonathan Ferrara Gallery, New Orleans LA, USA "The Days that Follow", Polka Galerie, Paris, France 2017 "Bling Bling Baby !", NRW-Forum, Düsseldorf, Allemagne. Paris Photo, Le Grand Palais, Paris, France. Photo London, Somerset House, Londres, Royaume-Uni. Collections : National Gallery of Victoria (NGV), Melbourne, Australie. Collection Sondra Gilman et Celso Gonzalez-Falla, New York, États-Unis.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 68 - DIDIER FIÚZA FAUSTINO (Chennevières-sur-Marne, France, 1968). "Contes de fées", 2012. Panneau mélaminé blanc et boîte acrylique, copie 2/3. Provenance : Galerie Michel Rein. Dimensions : 170 x 130 x 12,5 cm. Dans cette proposition de 2012, on peut apprécier la formation pluridisciplinaire de cet artiste français, dont le travail résiste souvent à être qualifié dans le domaine de la sculpture, de la peinture, de l'installation ou du design. Les lettres de "Fairy Tale" ont été découpées et tracées sur une surface blanche, laissant un trou d'incertitude visuelle. Les personnages tombent stratégiquement au sol, décomposés, comme s'ils nous donnaient à comprendre la difficulté de maintenir l'illusion de l'enfance pendant la maturité. Didier Fiúza Faustino est un artiste-architecte franco-portugais qui travaille sur la relation entre le corps et l'espace. Au croisement de l'art et de l'architecture, sa pratique est multiple et va de l'installation à l'expérimentation, de la création d'œuvres visuelles subversives à celle d'espaces multisensoriels. Ses projets se caractérisent par leur perspective critique et leur capacité à offrir de nouvelles expériences au corps individuel et collectif. Avec Mésarchitecture (2002) à Paris et son bureau à Lisbonne (2018), il développe des projets d'échelles multiples : interventions dans l'espace public, architectures mobiles, ainsi que des aménagements intérieurs et de bâtiments, notamment l'atelier de l'artiste français Jean-Luc Moulène. Plusieurs projets et œuvres font partie de la collection d'importantes institutions : MoMA, Fondation Calouste Gulbenkian, Fundação Serralves, Fonds National d'Art Contemporain, Musée National d'Art Moderne / Centre Georges Pompidou, MAXXI, MAAT, FRACs Centre - Val de Loire et Grand Large - Hauts de France. Il est représenté par les galeries Michel Rein Paris / Bruxelles et Filomena Soares, Lisbonne.

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 69 - LUC DRATWA (Belgique, 1958). "Porte 1, Série métro. Photographie. Dimensions : 210 x 150 cm. Les fenêtres et les portes vitrées (dans ce cas du métro) sont les thèmes favoris de Luc Dratwa, des photographies avec une empreinte pictorialiste importante qui pousse les possibilités techniques à la limite. Dratwa réfléchit également à la métaphore classique (d'origine Renaissance) de la peinture comme fenêtre, qu'il transpose dans le domaine de la photographie. Le photographe belge Luc Dratwa est autodidacte. Son art est présent dans des foires et expositions internationales. Il vit et travaille actuellement à Bruxelles. Il a travaillé comme rédacteur en chef pour le magazine de design et d'architecture "Domino" ; dès son plus jeune âge, il a montré une passion pour les arts ; d'abord attiré par la peinture, il s'est ensuite tourné vers la photographie, qui s'est rapidement révélée être son médium artistique préféré. La peinture lui a appris l'importance des couleurs et la qualité graphique de la composition. Pour lui, une photographie révèle le photographe. Luc Dratwa a donc attendu de nombreuses années avant de franchir le pas, lorsqu'il s'est enfin senti proche de la rigueur et de la perfection qu'il recherchait depuis longtemps. C'est à partir de ce moment qu'il a commencé sa carrière de photographe. Tous les thèmes qu'il explore sont avant tout un récit transcrit sur du papier photographique. Depuis 2009, la ville, et New York en particulier, est son sujet de prédilection. Ses multiples facettes lui offrent des possibilités infinies de laisser libre cours à son imagination créatrice. Sa vision du photographe ne se limite pas au clic de l'obturateur ; Luc Dratwa attache une grande importance à la nécessité de penser ses œuvres dans leur globalité. Chaque détail est soigneusement étudié et planifié par le photographe, de la prise de vue à l'impression, du cadre au papier. Un perfectionnisme palpable dans chacune de ses créations, où rien n'est laissé au hasard. De Paris à Bangkok, en passant par New York, Amsterdam et même Singapour, Luc Dratwa est représenté dans le monde entier et a également participé à de prestigieuses foires d'art contemporain, telles que Art Paris, Art Lille et Art India, où il a remporté un vif succès.

Estim. 14 000 - 16 000 EUR

Lot 70 - PANAMARENKO (Anvers, Belgique, 1940-Brakel, Belgique, 2019). "Prova car", 2004. Impression couleur offset avec collage, copie P.A. Signé et justifié dans le coin inférieur droit. Document de vente de la Winwood Gallery joint. Dimensions : 94 x 71 cm ; 95 x 72 x 4,5 cm (cadre). "Prova-car" est une sorte de version poétique d'une voiture de course de Formule 1, que Panamarenko a réalisée en 2004. Tel un Léonard de Vinci contemporain, Panamarenko, célèbre artiste belge, a imaginé de fantastiques engins volants et terrestres. Panamarenko a étudié à l'Académie d'Anvers. Avant 1968, son art s'inspirait du Pop art et il s'est intéressé très tôt au vol habité. Cet intérêt se reflète également dans son nom. Il s'agirait d'un acronyme pour "Pan American Airlines and Company". À partir de 1970, il développe ses premières maquettes de véhicules imaginaires, avions, ballons ou hélicoptères. Nombre de ses sculptures sont des versions modernes du mythe d'Icare. En 1965, Panamarenko organise le premier happening à Anvers. Deux ans après ses débuts en tant qu'artiste, en 1967, Panamarenko organise sa première exposition à Anvers à la Galerie Wide White Space et commence à construire son premier avion. En 1990, déjà consolidé en tant que sculpteur, il présente son premier Archaeopterix (poule intelligente) réalisé à partir d'un modèle d'oiseau préhistorique. Il est présent à la Documenta de Kassel en 1972. En 1973 et 1978, il réalise une grande exposition personnelle au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris et à la Neue Nationalgalerie de Berlin, respectivement. Lors de sa première exposition en Espagne, à la Fondation Miró (1984), il présente sa maquette d'avion, référence poétique à l'art et à la science qui constituaient l'horizon esthétique de Léonard de Vinci. En 2005, le bourgmestre d'Anvers l'invite au salon de l'hôtel de ville pour son 65e anniversaire, où il est honoré. 2006 : Le journal officiel belge publie un article sur le Collectif Panamarenko, une association sans but lucratif qui promeut l'œuvre de l'artiste. 2007 : L'artiste fait don au Musée d'art contemporain d'Anvers (M HKA) de sa maison familiale historique, avec l'atelier et tous les objets et œuvres qu'elle contenait. Le musée a collaboré avec le collectif Panamarenko pour l'adapter en maison-musée ou en espace d'art visitable et donner un coup de pouce à la culture flamande contemporaine. Le 24 avril 2009, la compagnie aérienne VLM a baptisé l'un de ses Fokker 50 en son honneur.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 71 - DELPHINE BOËL ; Delfina de Saxe-Cobourg (Uccle, Belgique, 1968). "Never Give Up - noir et rouge, 2020. Encre de Chine et paillettes sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Certificat d'authenticité joint, signé par l'artiste. Dimensions : 75,5 x 39,5 cm ; 87,5 x 52 cm (cadre). "Ne jamais abandonner" est une phrase récurrente dans l'œuvre de Boël. D'ailleurs, en 2017, le musée d'Ixelles, dans la capitale belge, lui a consacré une rétrospective intitulée "Delphine Never Give Up", démontrant la pertinence de ces mots pour l'auteure. Dans une interview au Vanguard, Delphine Boël a déclaré : "Je ne vois pas les mots et les lettres comme tout le monde. Je les vois comme des dessins et je suis consciente de leur potentiel sur les gens. Les mots peuvent vous rendre heureux ou vous détruire, ils sont parmi les choses les plus puissantes qui soient". Dans ses dessins et collages, Delphine Boël explore, de la même manière que dans ses installations et sculptures, des formules chromatiques et compositionnelles pour accéder à la partie la plus festive et hédoniste du spectateur. Elle veut transmettre un message positif, en retrouvant les appels à la paix des années 60, renouant ainsi avec l'optimisme et l'innocence d'antan. Delphine Boël est une princesse et sculptrice belge. Elle est la fille extraconjugale du roi Albert II de Belgique et de la baronne Sibylla de Selys Longchamps. Elle a suivi une formation à la Chelsea School of Art de Londres (1991). Il a participé à de nombreuses expositions et manifestations internationales. Sélection d'expositions personnelles récentes : 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgique 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was" Fondation Linda et Guy Pieters, Saint-Tropez, France. 2021 "Je t'aime. No More Blabla". Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2020 "Attitude" Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2017 "NEVER GIVE UP" Musée d'Ixelles, Bruxelles, Belgique "Obsessed with Love" WM Gallery, Anvers, Belgique. Delphine a pratiqué une grande variété de techniques, et se définit comme une artiste de la couleur. En peinture, vidéo, sculpture et néon, ses œuvres sont vibrantes, ludiques et extravagantes. Expositions de groupe et foires : 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Fondation Boghossian, Bruxelles, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Pays-Bas. Artiste invité spécial, Biennale d'Aardenburg, Aardenburg, Pays-Bas. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Bruxelles. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, France 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Bruxelles, Belgique. ART PARIS, Grand Palais, représenté par The Belgian Gallery.

Estim. 14 000 - 16 000 EUR

Lot 72 - DELPHINE BOËL ; Delfina de Saxe-Cobourg (Uccle, Belgique, 1968). "Économie mondiale - Rapport spécial - Intérêt décroissant", 2013. Technique mixte sur papier journal. Œuvre unique. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Titré, signé et daté au dos. Avec étiquette Espace-art22 au dos. Dimensions : 52 x 31 cm ; 67 x 44 cm (cadre). Dans le langage de Delhphine Böel, les titres, les textes et les mots sont extrêmement importants et révélateurs. Pour l'artiste belge, née d'une liaison extraconjugale du roi émérite Albert II de Belgique, l'onomatopée "bla-bla-bla-bla" fait d'abord référence aux ragots et aux conversations populaires. Mais en 2020, elle prend un nouveau sens : avant de poursuivre son père en justice, il peint une œuvre avec les mots "Bla, bla, bla, bla, bla" intitulée "Mon devoir de silence". Depuis, la conjonction "Bla, bla, bla, bla" est devenue un élément régulier de sa production. Delphine Boël est une princesse officiellement reconnue depuis 2020 et une sculptrice belge. Elle est la fille extraconjugale du roi Albert II de Belgique et de la baronne Sibylle de Selys Longchamps. Elle a suivi une formation à la Chelsea School of Art de Londres (1991). Il a participé à de nombreuses expositions et manifestations internationales. Sélection d'expositions personnelles récentes : 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgique 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was" Fondation Linda et Guy Pieters, Saint-Tropez, France. 2021 "Je t'aime. No More Blabla". Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2020 "Attitude" Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2017 "NEVER GIVE UP" Musée d'Ixelles, Bruxelles, Belgique "Obsessed with Love" WM Gallery, Anvers, Belgique. Delphine a pratiqué une grande variété de techniques, et se définit comme une artiste de la couleur. En peinture, vidéo, sculpture et néon, ses œuvres sont vibrantes, ludiques et extravagantes. Expositions de groupe et foires : 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Fondation Boghossian, Bruxelles, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Pays-Bas. Artiste invité spécial, Biennale d'Aardenburg, Aardenburg, Pays-Bas. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Bruxelles. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, France 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Bruxelles, Belgique. ART PARIS, Grand Palais, représenté par The Belgian Gallery.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 73 - DELPHINE BOËL ; Delphine de Saxe-Cobourg (Uccle, Belgique, 1968). "Nouvelles du monde embellies page 6", 2013. Technique mixte sur papier journal. Œuvre unique. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Titré, signé et daté au dos. Avec étiquette Espace-art22 au dos. Dimensions : 55 x 35,5 cm ; 67 x 47 cm (cadre). Dans le langage de Delhphine Böel, les titres, les textes et les mots sont extrêmement importants et révélateurs. Pour l'artiste belge, née d'une liaison extraconjugale avec le roi émérite Albert II de Belgique, l'onomatopée "bla-bla-bla-bla" fait d'abord référence aux ragots et aux conversations populaires. Mais en 2020, elle prend un nouveau sens : avant de poursuivre son père en justice, il peint une œuvre avec les mots "Bla, bla, bla, bla, bla" intitulée "Mon devoir de silence". Depuis, la conjonction "Bla, bla, bla, bla" est devenue un élément régulier de sa production. Delphine Boël est une princesse officiellement reconnue depuis 2020 et une sculptrice belge. Elle est la fille extraconjugale du roi Albert II de Belgique et de la baronne Sibylle de Selys Longchamps. Elle a suivi une formation à la Chelsea School of Art de Londres (1991). Il a participé à de nombreuses expositions et manifestations internationales. Sélection d'expositions personnelles récentes : 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgique 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was" Fondation Linda et Guy Pieters, Saint-Tropez, France. 2021 "Je t'aime. No More Blabla". Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2020 "Attitude" Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2017 "NEVER GIVE UP" Musée d'Ixelles, Bruxelles, Belgique "Obsessed with Love" WM Gallery, Anvers, Belgique. Delphine a pratiqué une grande variété de techniques, et se définit comme une artiste de la couleur. En peinture, vidéo, sculpture et néon, ses œuvres sont vibrantes, ludiques et extravagantes. Expositions de groupe et foires : 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Fondation Boghossian, Bruxelles, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Pays-Bas. Artiste invité spécial, Biennale d'Aardenburg, Aardenburg, Pays-Bas. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Bruxelles. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, France 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Bruxelles, Belgique. ART PARIS, Grand Palais, représenté par The Belgian Gallery.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 74 - DELPHINE BOËL ; Delfina de Saxe-Cobourg (Uccle, Belgique, 1968). "Bla Bla Bla", 2013. Lumière néon. Exemplaire 1/7. Dimensions : 18 x 60 x 14,4 cm. Dans le langage de Delhphine Böel, les titres, les textes et les mots sont extrêmement importants et révélateurs. Pour l'artiste belge, née d'une liaison extraconjugale du roi émérite Albert II de Belgique, l'onomatopée "bla-bla-bla-bla" a d'abord fait allusion aux ragots et aux conversations du peuple. Mais en 2020, elle prend un nouveau sens : avant de poursuivre son père en justice, il peint une œuvre avec les mots "Bla, bla, bla, bla, bla" intitulée "Mon devoir de me taire". Depuis, la conjonction "Bla, bla, bla, bla" est devenue un élément régulier de sa production. Delphine Boël est une princesse officiellement reconnue depuis 2020 et une sculptrice belge. Elle est la fille extraconjugale du roi Albert II de Belgique et de la baronne Sibylle de Selys Longchamps. Elle a suivi une formation à la Chelsea School of Art de Londres (1991). Il a participé à de nombreuses expositions et manifestations internationales. Sélection d'expositions personnelles récentes : 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgique 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was" Fondation Linda et Guy Pieters, Saint-Tropez, France. 2021 "Je t'aime. No More Blabla". Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2020 "Attitude" Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2017 "NEVER GIVE UP" Musée d'Ixelles, Bruxelles, Belgique "Obsessed with Love" WM Gallery, Anvers, Belgique. Delphine a pratiqué une grande variété de techniques, et se définit comme une artiste de la couleur. En peinture, vidéo, sculpture et néon, ses œuvres sont vibrantes, ludiques et extravagantes. Expositions de groupe et foires : 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Fondation Boghossian, Bruxelles, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Pays-Bas. Artiste invité spécial, Biennale d'Aardenburg, Aardenburg, Pays-Bas. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Bruxelles. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, France 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Bruxelles, Belgique. ART PARIS, Grand Palais, représenté par The Belgian Gallery.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 75 - DELPHINE BOËL ; Delphine de Saxe-Cobourg (Uccle, Belgique, 1968). "New York Times - L'amour vainc la haine, 2018. Technique mixte sur papier journal. Pièce unique. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Avec l'étiquette de la galerie Art22 au dos. Dimensions : 67 x 45 cm ; 69 x 47 cm (cadre). Dans le langage de Delhphine Böel, les titres, les textes et les mots sont extrêmement importants et révélateurs. Pour l'artiste belge, née d'une liaison extraconjugale avec le roi émérite Albert II de Belgique, l'amour est le langage universel. Delphine Boël est une princesse officiellement reconnue depuis 2020 et une sculptrice belge. Elle est la fille extraconjugale du roi Albert II de Belgique et de la baronne Sibylle de Selys Longchamps. Elle a suivi une formation à la Chelsea School of Art de Londres (1991). Il a participé à de nombreuses expositions et manifestations internationales. Sélection d'expositions personnelles récentes : 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgique 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was" Fondation Linda et Guy Pieters, Saint-Tropez, France. 2021 "Je t'aime. No More Blabla". Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2020 "Attitude" Galerie Guy Pieters, Knokke, Belgique 2017 "NEVER GIVE UP" Musée d'Ixelles, Bruxelles, Belgique "Obsessed with Love" WM Gallery, Anvers, Belgique. Delphine a pratiqué une grande variété de techniques, et se définit comme une artiste de la couleur. En peinture, vidéo, sculpture et néon, ses œuvres sont vibrantes, ludiques et extravagantes. Expositions de groupe et foires : 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Fondation Boghossian, Bruxelles, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Pays-Bas. Artiste invité spécial, Biennale d'Aardenburg, Aardenburg, Pays-Bas. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Bruxelles. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, France 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Bruxelles, Belgique. ART PARIS, Grand Palais, représenté par The Belgian Gallery.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 76 - KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Face off", 2013. Sculpture en marbre. Pièce unique. Certificat joint signé par Guy Pieters. Dimensions : 120 x 45 x 45 cm. Dans "Face off", l'artiste belge Koen Vanmechelen nous donne une image allégorique des temps modernes en recourant à l'art classique. Une gorgone de marbre (la déesse grecque Méduse) à la tête hérissée de serpents et de crânes de poulets mutants se reproduit en se regardant dans un miroir. C'est le "face à face" du monstre qui pétrifie par son regard. Comme le venin de Méduse et de ses serpents qui, dans la mythologie, avait le pouvoir de ressusciter les morts. Méduse est donc une métaphore de la capacité à tuer et à donner la vie. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), un projet artistique unique qu'il a lancé à la fin des années 1990. Ce projet se concentre sur le poulet et, plus précisément, sur le croisement de races nationales de poulets pour les transformer en "poulets cosmopolites". En 2018, la 22e génération de ce projet mondial est née au musée Serlachius en Finlande : le malinois danois, un croisement entre une race finlandaise et le malinois danois (CCP21) qui a éclos à la Biennale danoise un an plus tôt. Les différents poulets cosmopolites portent des gènes provenant de Belgique, de France, d'Angleterre, des États-Unis, d'Allemagne, des Pays-Bas, du Mexique, de Thaïlande, du Brésil, de Turquie, de Cuba, d'Italie, de Russie, de Chine, d'Égypte, du Sénégal, de Slovénie, d'Autriche, d'Indonésie et du Danemark. La diversité bioculturelle et l'interaction entre l'art et la science qui en résulte constituent le thème principal de son travail. Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de diverses disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 70 000 - 80 000 EUR

Lot 77 - KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Therianthropy", 2018. Sculpture en taxidermie de chat serval, taxidermie d'aile de dinde, verre et acier. Pièce unique . Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 105 x 115 x 106 cm. Dans sa série Therianthropy, Vanmechelen s'attaque à un métissage artificiel qui montre deux corps hypnotiques enchevêtrés et porteurs de la transparence de la vie. Un hybride né d'accidents dans le temps et élevé dans un nid, formé par le passé. Cette œuvre s'inspire des cabinets de curiosités du XVIe siècle, source d'érudition pour comprendre l'agencement du monde et de la nature, mais aussi espace prestigieux où étaient exposés les trésors les plus précieux du collectionneur. À cette époque, l'imagination est fertile et les cabinets d'objets sont traditionnellement classés selon leur nature. En 2021, la commissaire Els Wuyts sélectionne trois œuvres de Vanmechelen pour l'exposition "A Soft Gentle Breeze", dont Therianthropy, qui forment ensemble ce que l'on appelle le cercle de la vie. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), un projet artistique unique qu'il a lancé à la fin des années 1990. Ce projet se concentre sur le poulet et, plus précisément, sur le croisement de races nationales de poulets pour les transformer en "poulets cosmopolites". En 2018, la 22e génération de ce projet mondial est née au musée Serlachius en Finlande : le malinois danois, un croisement entre une race finlandaise et le malinois danois (CCP21) qui a éclos à la Biennale danoise un an plus tôt. Les différents poulets cosmopolites portent des gènes provenant de Belgique, de France, d'Angleterre, des États-Unis, d'Allemagne, des Pays-Bas, du Mexique, de Thaïlande, du Brésil, de Turquie, de Cuba, d'Italie, de Russie, de Chine, d'Égypte, du Sénégal, de Slovénie, d'Autriche, d'Indonésie et du Danemark. La diversité bioculturelle et l'interaction entre l'art et la science qui en résulte constituent le thème principal de son travail. Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de diverses disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 90 000 - 100 000 EUR

Lot 78 - KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Mechelse Bresse C.C.P.", 2012. Sculpture en taxidermie de poule, socle en bois et deux photographies (coq et poule, père et mère de la poule dans la sculpture). Pièce unique. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 52 x 48 x 22 cm (poule) ; 62 x 56,5 x 36,5 cm (urne) ; 30 x 30 cm (chacune des deux photographies). Tout au long de sa vie, l'artiste Koen Vanmechelen a été fasciné par la poule et l'œuf. Enfant déjà, il construisait des cages et des volières, et avait une couveuse dans sa chambre. Il s'est ensuite rendu compte que la poule domestique a sa cage à l'intérieur. L'œuf est sa prison. Le poussin qui perce la coquille de l'œuf est un symbole de libération. Cette œuvre fait partie du "Cosmopolitan Chicken Project (CCP, 1999)", un examen global, transdisciplinaire et transtemporel des thèmes de la diversité et de l'identité bioculturelles à travers l'interaction de l'art, de la science et de la beauté. Dans le CCP, l'artiste Koen Vanmechelen croise des races de poulets de différents pays. Son objectif ultime est la création d'un poulet cosmopolite portant les gènes de toutes les races de poulet de la planète. Bien plus qu'un simple animal domestique, le poulet est un art en soi. Il sert de métaphore à l'animal humain et à sa relation avec la diversité biologique et culturelle de la planète. Alors que les races indigènes descendant du poulet originel (le Red Junglefowl) sont des impasses évolutives (étant façonnées pour refléter les caractéristiques culturelles typiques de leur communauté), les croisements de Vanmechelen sont des solutions. De nombreuses années de croisements ont montré que chaque génération successive est plus résistante, vit plus longtemps, est moins sensible aux maladies et présente un comportement moins agressif. La diversité génétique est essentielle, démontre le Cosmopolitan Chicken Research Project (CC®P), qui étudie les différents poulets cosmopolites. En l'an 2000, Vanmechelen a présenté son premier "crossbreed", le Mechelse Bresse, un "croisement" né du Mechelse Koekoek belge et du Poulet de Bresse français. À ce jour, vingt-et-une races pures ont été incluses dans le CCP. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'Université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son projet The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de différentes disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 79 - KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Kitovu", 2016. Technique mixte (néon, cornes, peau de vache, cordes et autres matériaux) dans une urne en plexiglas. Pièce unique. Certificat ci-joint délivré par l'artiste. Dimensions : 64 x 76 x 33 cm (urne). Osotwa (Kitovu) signifie "cordon ombilical" dans la langue des Masaï. Cette œuvre, intitulée Osotwa, est liée au projet commun de Koen Vanmechelen et Labiomista. Elle est le résultat de la collaboration de l'artiste avec la ville de Genk. Une idée expérimentale née d'une vision commune du potentiel de l'identité et de la diversité. En tant que membre de l'équipe transdisciplinaire, Koen Vanmechelen a assigné plusieurs thèmes à un groupe de personnes et à une œuvre d'art, comme outil de réflexion et de regroupement et comme source d'inspiration. Cette œuvre est la partie indissociable des conclusions du deuxième groupe de travail, dont la discussion avait tourné autour de la liberté. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), un projet artistique unique qu'il a lancé à la fin des années 1990. Ce projet se concentre sur le poulet et, plus précisément, sur le croisement de races nationales de poulets pour les transformer en "poulets cosmopolites". En 2018, la 22e génération de ce projet mondial est née au musée Serlachius en Finlande : le malinois danois, un croisement entre une race finlandaise et le malinois danois (CCP21) qui a éclos à la Biennale danoise un an plus tôt. Les différents poulets cosmopolites portent des gènes provenant de Belgique, de France, d'Angleterre, des États-Unis, d'Allemagne, des Pays-Bas, du Mexique, de Thaïlande, du Brésil, de Turquie, de Cuba, d'Italie, de Russie, de Chine, d'Égypte, du Sénégal, de Slovénie, d'Autriche, d'Indonésie et du Danemark. La diversité bioculturelle et l'interaction entre l'art et la science qui en résulte constituent le thème principal de son travail. Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de différentes disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 35 000 - 40 000 EUR

Lot 80 - KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Mechelse Silky C.C.P.", 2012. Sculpture taxidermique de poule japonaise, socle en bois et deux photographies (coq et poule, père et mère de la poule dans la sculpture). Pièce unique. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 34 x 30 x 16 cm (poule) ; 47 x 36,5 x 29 cm (urne de la poule) ; 30 x 30 cm (chacune des deux photographies). Tout au long de sa vie, l'artiste Koen Vanmechelen a été fasciné par la poule et l'œuf. Enfant déjà, il construisait des cages et des volières, et avait une couveuse dans sa chambre. Il s'est ensuite rendu compte que la poule domestique a sa cage à l'intérieur. L'œuf est sa prison. Le poussin qui perce la coquille de l'œuf est un symbole de libération. Cette œuvre fait partie du "Cosmopolitan Chicken Project (CCP, 1999)", un examen global, transdisciplinaire et transtemporel des thèmes de la diversité et de l'identité bioculturelles à travers l'interaction de l'art, de la science et de la beauté. Dans le CCP, l'artiste Koen Vanmechelen croise des races de poulets de différents pays. Son objectif ultime est la création d'un poulet cosmopolite portant les gènes de toutes les races de poulet de la planète. Bien plus qu'un simple animal domestique, le poulet est un art en soi. Il sert de métaphore à l'animal humain et à sa relation avec la diversité biologique et culturelle de la planète. Alors que les races indigènes descendant du poulet originel (le Red Junglefowl) sont des impasses évolutives (étant façonnées pour refléter les caractéristiques culturelles typiques de leur communauté), les croisements de Vanmechelen sont des solutions. De nombreuses années de croisements ont montré que chaque génération successive est plus résistante, vit plus longtemps, est moins sensible aux maladies et présente un comportement moins agressif. La diversité génétique est essentielle, démontre le Cosmopolitan Chicken Research Project (CC®P), qui étudie les différents poulets cosmopolites. En l'an 2000, Vanmechelen a présenté son premier "crossbreed", le Mechelse Bresse, un "croisement" né du Mechelse Koekoek belge et du Poulet de Bresse français. À ce jour, vingt-et-une races pures ont été incluses dans le CCP. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'Université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son projet The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de différentes disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 81 - FRANCO DEFRANCESCA (Toronto, 1967). “Mauvemind-Targets”, 2016-2017. Impression pigmentée sur panneau et contreplaqué avec revêtement en résine époxy. Pièce unique. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 76,5 x 76,5 x 6 cm. Le travail minimaliste de DeFrancesca s'inscrit dans le sillage des mouvements géométriques du dernier tiers du XXe siècle. Avec leur finition polie et leurs couleurs vives, ces cibles presque hypnotiques font référence au design industriel et renvoient indirectement à l'urbain. Il étudie les liens entre l'art, la mémoire, l'histoire et la technologie, en utilisant l'image numérique comme moyen de naviguer sur le territoire entre la photographie et la peinture. En mélangeant les références à la photographie et à la peinture, ces œuvres d'art multimédia représentent des réflexions sur la culture visuelle contemporaine fascinée par le minimalisme, le modernisme, la technologie et le futurisme. Les œuvres de DeFrancesca mettent en évidence des qualités visuelles, temporelles et spatiales combinées à des qualités physiques et tactiles. Avec un sens aigu de l'artisanat et un respect des matériaux et des processus, l'image abstraite est intégrée à un support exposé en contreplaqué stratifié, puis encapsulée dans une résine cristalline, créant ainsi un "objet de désir". Né à Toronto et diplômé de l'OCAD et de l'Université de Guelph, DeFrancesca a exposé au Canada et aux États-Unis, et ses œuvres figurent dans des collections publiques et privées du monde entier, comme celle de Cenovus Energy Inc. Expositions individuelles récentes : 2021 Franco DeFrancesca : Re-Evolver, Newzones. Gallery of Contemporary Art, Calgary, AB, Canada 2018 Franco DeFrancesca, Galerie de Bellefeuille, Toronto, ON, Canada 2017 Sunscreen - Group Show, Newzones, Calgary, AB " Spin Cycle Matrix",. Newzones, Calgary, AB, Galerie de Bellefeuille, Montréal, QC Colour Break, Oeno Gallery, Bloomfield, ON. perception, Newzones, Calgary, AB. "New Work, Galerie Oeno, Bloomfield, ON.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 82 - FRANCO DEFRANCESCA (Toronto, 1967). "Neostrata-Targets, 2016. Impression pigmentée sur panneau et contreplaqué avec revêtement en résine époxy. Signée, datée et titrée au verso. Dimensions : 76,5 x 76,5 x 6 cm. Le travail minimaliste de DeFrancesca s'inscrit dans le sillage des mouvements géométriques du dernier tiers du XXe siècle. Avec leur finition polie et leurs couleurs vives, ces cibles presque hypnotiques font référence au design industriel et renvoient indirectement à l'urbain. Il étudie les liens entre l'art, la mémoire, l'histoire et la technologie, en utilisant l'image numérique comme moyen de naviguer sur le territoire entre la photographie et la peinture. En mélangeant les références à la photographie et à la peinture, ces œuvres d'art multimédia représentent des réflexions sur la culture visuelle contemporaine fascinée par le minimalisme, le modernisme, la technologie et le futurisme. Les œuvres de DeFrancesca mettent en évidence des qualités visuelles, temporelles et spatiales combinées à des qualités physiques et tactiles. Avec un sens aigu de l'artisanat et un respect des matériaux et des processus, l'image abstraite est intégrée à un support exposé en contreplaqué stratifié, puis encapsulée dans une résine cristalline, créant ainsi un "objet de désir". Né à Toronto et diplômé de l'OCAD et de l'Université de Guelph, DeFrancesca a exposé au Canada et aux États-Unis, et ses œuvres figurent dans des collections publiques et privées du monde entier, comme celle de Cenovus Energy Inc. Expositions individuelles récentes : 2021 Franco DeFrancesca : Re-Evolver, Newzones. Gallery of Contemporary Art, Calgary, AB, Canada 2018 Franco DeFrancesca, Galerie de Bellefeuille, Toronto, ON, Canada 2017 Sunscreen - Group Show, Newzones, Calgary, AB " Spin Cycle Matrix",. Newzones, Calgary, AB, Galerie de Bellefeuille, Montréal, QC Colour Break, Oeno Gallery, Bloomfield, ON. perception, Newzones, Calgary, AB. "New Work, Galerie Oeno, Bloomfield, ON.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 83 - LORI HERSBERGER (Bâle, Suisse, 1964). "Instant karma nº26", 2013. Sculpture en acier inoxydable poli miroir. Pièce unique. Signée, datée et titrée au dos (en bas). Certificat ci-joint délivré par le Studio Lori Hersberger et signé par l'artiste. Dimensions : 80 x 60 x 20 cm. Les élégantes pièces de Lori Hersberger soulignent l'opposition entre le monde de l'illusion et le monde de la réalité, tout en faisant allusion à l'espace commun qu'ils partagent. L'utilisation de l'acier miroitant est à l'origine de cet intérêt pour l'exploration de la plasticité de cette zone intermédiaire : entre l'illusion et la réalité, entre la peinture et la sculpture, entre les processus industriels et les finitions artisanales... Le choix non dogmatique des matériaux et des moyens d'expression est devenu la marque de fabrique de sa production. Un élément constant dans ses œuvres est l'exploration de l'art d'avant-garde de l'après-guerre, des tendances Hard-Edge, Minimalisme, Land Art et Pop, ce qui est évident dans cette sculpture réfléchissante. L'artiste suisse Lori Hersberger vit et travaille à Zurich. Née à Bâle, elle a étudié l'art vidéo et la sculpture à l'École d'art et de design de Bâle. Au début des années 1990, elle a commencé à créer des environnements et des installations, d'abord en combinaison avec la vidéo, puis avec différents types de médias, tels que le verre miroir, la peinture fluorescente, la lumière néon et l'acier chromé. Il s'est rapidement orienté vers un large éventail de médias et de sujets différents et apparemment incompatibles. Ses œuvres se caractérisent par un langage artistique direct et, bien que nombre d'entre elles déclenchent une forte impression positive, un potentiel subversif. Dans diverses installations, ainsi que dans ses peintures et sculptures, elle aborde une série de thèmes tels que l'émotivité hybride et la double nature sémantique de phénomènes tels que la fantasmagorie. À partir de 2000, Lori Hersberger a élargi son œuvre artistique à la peinture abstraite et, depuis lors, elle se considère exclusivement comme une peintre et une sculptrice. La qualifier d'artiste de l'installation est aussi inadéquat que de la catégoriser uniquement comme peintre, car depuis le début de sa carrière, elle s'est engagée dans une sorte de perspectivisme qui s'exprime dans l'exploration expérimentale de genres multiples. Lori Hersberger a reçu de nombreux prix, dont le Swiss Art Award (1999 et 2000) et le Manor Art Prize Basel (2001). Ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses institutions et musées, notamment au MAC, le musée d'art contemporain de Lyon, où elle a présenté en 2008 sa plus grande exposition personnelle à ce jour, intitulée Lori Hersberger - Phantom Studies, des sculptures en acier déformé ainsi que de vastes installations avec des néons et du verre miroir, ou dans d'autres expositions personnelles, entre autres au Kunsthaus Zürich en 2003. Il a également exposé dans des lieux tels que le Museum für Gegenwartskunst à Bâle, le MMKK Museum of Modern Art Carinthia à Klagenfurt, la Kunsthalle Giessen, la Kunsthalle Basel et le Swiss Institute à New York. À la 48e Biennale de Venise, à la Kunsthalle de Vienne, au ZKM Museum of Contemporary Art de Karlsruhe, au SMAK Stedelijk Museum of Contemporary Art de Gand, au Lucerne Museum of Art et au Musée d'art de Saint-Gall. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections en Suisse, en Europe et aux États-Unis, et font partie de plusieurs installations dans l'espace public.

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Lot 84 - LORI HERSBERGER (Bâle, Suisse, 1964). "Instant karma nº25", 2013. Sculpture en acier inoxydable poli miroir avec revêtement rouge. Pièce unique. Signée, datée et titrée au dos. Certificat ci-joint délivré par le Studio Lori Hersberger et signé par l'artiste. Dimensions : 80 x 60 x 20 cm. Les élégantes pièces de Lori Hersberger soulignent l'opposition entre le monde de l'illusion et le monde de la réalité, tout en faisant allusion à l'espace commun qu'ils partagent. L'utilisation de l'acier miroitant est à l'origine de cet intérêt pour l'exploration de la plasticité de cette zone intermédiaire : entre l'illusion et la réalité, entre la peinture et la sculpture, entre les processus industriels et les finitions artisanales... Le choix non dogmatique des matériaux et des moyens d'expression est devenu la marque de fabrique de sa production. Un élément constant dans ses œuvres est l'exploration de l'art d'avant-garde de l'après-guerre, des tendances Hard-Edge, Minimalisme, Land Art et Pop, ce qui est évident dans cette sculpture réfléchissante. L'artiste suisse Lori Hersberger vit et travaille à Zurich. Née à Bâle, elle a étudié l'art vidéo et la sculpture à l'École d'art et de design de Bâle. Au début des années 1990, elle a commencé à créer des environnements et des installations, d'abord en combinaison avec la vidéo, puis avec différents types de médias, tels que le verre miroir, la peinture fluorescente, la lumière néon et l'acier chromé. Il s'est rapidement orienté vers un large éventail de médias et de sujets différents et apparemment incompatibles. Ses œuvres se caractérisent par un langage artistique direct et, bien que nombre d'entre elles déclenchent une forte impression positive, un potentiel subversif. Dans diverses installations, ainsi que dans ses peintures et sculptures, elle aborde une série de thèmes tels que l'émotivité hybride et la double nature sémantique de phénomènes tels que la fantasmagorie. À partir de 2000, Lori Hersberger a élargi son œuvre artistique à la peinture abstraite et, depuis lors, elle se considère exclusivement comme une peintre et une sculptrice. La qualifier d'artiste de l'installation est aussi inadéquat que de la catégoriser uniquement comme peintre, car depuis le début de sa carrière, elle s'est engagée dans une sorte de perspectivisme qui s'exprime dans l'exploration expérimentale de genres multiples. Lori Hersberger a reçu de nombreux prix, dont le Swiss Art Award (1999 et 2000) et le Manor Art Prize Basel (2001). Ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses institutions et musées, notamment au MAC, le musée d'art contemporain de Lyon, où elle a présenté en 2008 sa plus grande exposition personnelle à ce jour, intitulée Lori Hersberger - Phantom Studies, des sculptures en acier déformé ainsi que de vastes installations avec des néons et du verre miroir, ou dans d'autres expositions personnelles, entre autres au Kunsthaus Zürich en 2003. Il a également exposé dans des lieux tels que le Museum für Gegenwartskunst à Bâle, le MMKK Museum of Modern Art Carinthia à Klagenfurt, la Kunsthalle Giessen, la Kunsthalle Basel et le Swiss Institute à New York. À la 48e Biennale de Venise, à la Kunsthalle de Vienne, au ZKM Museum of Contemporary Art de Karlsruhe, au SMAK Stedelijk Museum of Contemporary Art de Gand, au Lucerne Museum of Art et au Musée d'art de Saint-Gall. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections en Suisse, en Europe et aux États-Unis, et font partie de plusieurs installations dans l'espace public.

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Lot 85 - SLATER BRADLEY (San Francisco, Californie, 1975). "Empathie parfaite (Alina Melancholina), 2012. Impression en fibre noire et blanche froissée et stylo marqueur argenté. Pièce unique. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 200 x 145 x 11 cm. S'inspirant d'expériences intimes, Slater Bradley explore le récit universel de l'amour perdu dans un corpus photographique et vidéo mettant en scène Alina. Dans un brillant jeu de miroirs entre réalité et fiction, Alina est assimilée à des personnages cinématographiques, tels que la femme rêvée dans "La Jetée" de Chris Marker ou le mystérieux protagoniste de "Vertigo" d'Hitchcock. Bradley parvient à l'image de la femme idéalisée et inaccessible qu'ils incarnent en manipulant les arrière-plans avec des techniques minutieuses et en obtenant des qualités intemporelles. Slater Bradley a obtenu son diplôme à l'université de Californie à Los Angeles en 1998. Sa série photographique Don't Let Me Disappear (1997-2003), nommée d'après une phrase de l'Attrape-cœurs de Holden Caulfield, est truffée de références autobiographiques, de symboles personnels et d'influences artistiques et musicales. Dans JFK Jr. (1999), la caméra suit de manière voyeuriste une jeune femme qui attend son tour pour déposer une fleur à la mémoire de John F. Kennedy Jr. et de Carolyn Bessette Kennedy ; la personne en deuil ne remarque le regard du cinéaste que dans l'image finale. Bradley compare son art à la collection de papillons dans la vidéo I Was Rooting For You (Butterfly Catcher at Home) (2000). Dans The Laurel Tree (Beach) (2000), l'actrice Chloë Sevigny récite un passage sur l'art du roman Tonio Krögor de Thomas Mann. Female Gargoyle (2000) présente une femme se tenant de manière précaire près de la corniche d'un bâtiment. La vidéo Theory and Observation (2002) réfléchit à la relation entre la raison et la foi à travers des images d'une chorale chantant dans la cathédrale Notre-Dame et des extraits de l'ouvrage de Stephen Hawking Une brève histoire du temps. Pour "The Doppelganger Trilogy" (2001-04), Bradley a mis en scène des concerts de trois héros déchus de la musique pop - Ian Curtis de Joy Division, Kurt Cobain de Nirvana et Michael Jackson - interprétés par son double dans la vie réelle, Benjamin Brock. Depuis que l'artiste a rencontré Brock dans une boîte de nuit en 1999, il l'a employé à plusieurs reprises sous diverses formes dans ses photographies, ses vidéos et ses dessins, réfléchissant ainsi aux notions complexes d'identités dupliquées et effacées. Dans la vidéo The Year of the Doppelganger (2005), Bradley donne à Brock le rôle d'un musicien de rock maigre qui joue de la batterie si intensément qu'il ne se rend pas compte que son terrain de football est vide et qu'il est usurpé pour l'entraînement de l'équipe. Dans Uncharted Settlements (2005), Bradley, Brock et une pléthore de fans sont méconnaissables sous leurs costumes Star Wars, une situation caractérisée à la fois par l'anonymat et la communauté. Le film My Conclusion/My Necessity (2005-2006) fait le tour du cimetière du Père-Lachaise à Paris et montre une jeune femme en train d'appliquer un baiser au rouge à lèvres sur la pierre tombale d'Oscar Wilde. Brock apparaît dans une combinaison d'astronaute déambulant dans le Musée d'histoire naturelle de New York au son de la "Sonate au clair de lune" de Beethoven dans Dark Night of the Soul (2005-06), qui rappelle 2001 : L'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick. Bradley a participé à des expositions individuelles au P.S.1 Contemporary Art Center de New York (2000), au Solomon R. Guggenheim Museum de New York (2005), au Berkeley Art Museum et à la Pacific Film Archive (2005), ainsi qu'au Contemporary Art Museum de Saint-Louis (2007), entre autres. Son travail a également été inclus dans d'importantes expositions collectives telles que la Biennale du Whitney (2004), vidéo-musique-vidéo au Museo Reina Sofia de Madrid (2005), et Sympathy for the Devil : Art and Rock and Roll since 1967 au Musée d'art contemporain de Chicago (2007). En 2005, il a reçu le prix vidéo de la Fondation Louis Comfort Tiffany. Bradley vit et travaille à New York.

Estim. 45 000 - 50 000 EUR

Lot 86 - WIM DELVOYE (Belgique, 1965). "Etudes pour Super Cloaca- Etude #126", 2002. Technique mixte sur papier. Œuvre unique. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Estampillé "Super Cloaca". Certificat joint délivré par Guy Pieters, Galerie Guy Pieters. Dimensions : 50 x 54 cm ; 69 x 72,5 cm (cadre). "Cloaca" est le projet le plus controversé et le plus révolutionnaire de Wil Delvoye. Il est le résultat d'une collaboration de trois ans avec des scientifiques de l'université d'Anvers, dont la mission commune était de reproduire le plus fidèlement possible le système digestif humain. Elle consistait en la réalisation d'une grande machine construite à partir de béchers chimiques, de pompes électriques et de tubes en plastique disposés sur une série de sept tables en acier inoxydable, capable de transformer la nourriture en excréments. L'installation a été présentée dans le cadre de l'exposition rétrospective "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" au Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain. L'énorme machine a été activée le 13 octobre (Nuit des musées) et alimentée deux fois par jour par un grand entonnoir auquel on accède en grimpant sur une échelle. Lors de l'inauguration de l'œuvre, Delvoye a lui-même grimpé l'échelle pour verser pour la première fois dans l'entonnoir la succulente nourriture, totalement réelle. À l'intérieur, la machine fonctionnait comme un estomac : la nourriture était mâchée par un broyeur d'ordures avant d'entreprendre un voyage digestif de 27 heures à travers six cuves en verre reliées par des tubes, des pompes et divers composants électroniques qui représentaient l'estomac, le pancréas, l'intestin grêle et le gros intestin de l'égout. La nourriture "digérée" était constamment maintenue à une température précise de 37,2 degrés Celsius et chacun des "organes" de Cloaca était rempli d'enzymes, de bactéries et d'acides. Avec "Cloaca", Wil Delvoye a forcé les spectateurs à prendre conscience de notre malaise social face à ces fonctions considérées comme scatologiques que nous tenons à garder hors de vue et hors de la société. Wim Delvoye est un artiste néo-conceptuel belge connu pour ses projets inventifs et souvent choquants. Une grande partie de son travail se concentre sur le corps. Comme l'a écrit le critique Robert Enright dans le magazine d'art Border Crossings, "Delvoye s'engage dans une manière de faire de l'art qui réoriente notre compréhension de la façon dont la beauté peut être créée". L'œuvre de Wim Delvoye est éclectique et témoigne de son intérêt pour toute une série de sujets, allant des fonctions corporelles et de la scatologie à la fonction de l'art dans l'économie de marché d'aujourd'hui, en passant par de nombreux thèmes intermédiaires. Il vit et travaille à Gand (Belgique). Il a suivi une formation à l'Académie royale des beaux-arts (Gand). Peu après, Delvoye a commencé à repeindre sur du papier peint, colorant des motifs existants et remettant en question la valeur de la libre expression qui vibrait dans le monde de l'art de l'époque. Delvoye se considère comme un créateur de concepts. Après 1990, des spécialistes dirigés par Delvoye ont exécuté la plupart de ses œuvres. En 1992, il reçoit une reconnaissance internationale avec la présentation de sa "Mosaïque" à la Documenta IX, une exposition symétrique de carreaux émaillés de photographies de ses propres excréments. Jan Hoet, organisateur de la Documenta IX, a déclaré : "La force de Wim Delvoye réside dans sa capacité à créer des conflits en combinant les beaux-arts et l'art populaire, et en jouant du sérieux et de l'ironie". Trois de ses projets les plus connus sont "Cloaca", "Art Farm" et une série d'œuvres gothiques. Delvoye est peut-être plus connu pour sa machine digestive, Cloaca, qu'il a présentée au Museum voor Hedendaagse Kunst d'Anvers, après huit années de consultation avec des experts dans des domaines allant de la plomberie à la gastro-entérologie. Lors d'une exposition à New York en 2013, Delvoye a montré des œuvres complexes découpées au laser qui combinaient des références architecturales et figuratives avec des formes telles qu'une bande de Möbius ou une tache d'encre de Rorschach. Il a présenté de nombreuses expositions personnelles dans des musées européens, notamment au Centre Georges Pompidou, à Paris, et à MUHKA, à Anvers (toutes deux en 2000). Il a également participé à la 48e Biennale de Venise (1999) et à la Documenta IX (1997) en tant qu'artiste.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 87 - WIM DELVOYE (Belgique, 1965). "Pipe 3", 2000. Impression C exemplaire 3/6. Signée, titrée, sérialisée et datée au dos. Avec cadre Exclusive Art Presentation. Certificat ci-joint délivré par Guy Pieters, Guy Pieters Gallery. Dimensions : 125 x 100 cm ; 135 x 109,5 cm (cadre). Wim Delvoye a réalisé les premières radiographies en 1998, mais son intérêt pour la science, la médecine, le corps humain et les appareils à rayons X a conduit l'artiste belge à les récupérer à nouveau en 2001, immédiatement après avoir terminé son œuvre bien connue "Cloaca". De toutes ses séries de radiographies, les plus célèbres sont celles qui ont pour thème la sexualité. Pour les réaliser, Delvoye a réuni un groupe d'amis à qui il a demandé de se couvrir le corps de petites quantités de baryum (un liquide qui améliore la visibilité aux rayons X) et d'accomplir des actes sexuels, avec une prédilection pour la fellation, dans des hôpitaux où il était autorisé à utiliser l'équipement nécessaire pour les rayons X. Wim Delvoye est un artiste néo-conceptuel belge connu pour ses projets inventifs et souvent choquants. Une grande partie de son travail se concentre sur le corps. Comme l'a écrit le critique Robert Enright dans le magazine d'art Border Crossings, "Delvoye s'engage dans une manière de faire de l'art qui réoriente notre compréhension de la façon dont la beauté peut être créée". L'œuvre de Wim Delvoye est éclectique et témoigne de son intérêt pour toute une série de sujets, allant des fonctions corporelles et de la scatologie à la fonction de l'art dans l'économie de marché d'aujourd'hui, en passant par de nombreux thèmes intermédiaires. Il vit et travaille à Gand (Belgique). Il a suivi une formation à l'Académie royale des beaux-arts (Gand). Peu après, Delvoye a commencé à repeindre des papiers peints, colorant des motifs existants et remettant en question la valeur de la liberté d'expression qui vibrait dans le monde de l'art de l'époque. Delvoye se considère comme un créateur de concepts. Après 1990, des spécialistes dirigés par Delvoye ont exécuté la plupart de ses œuvres. En 1992, il reçoit une reconnaissance internationale avec la présentation de sa "Mosaïque" à la Documenta IX, une exposition symétrique de carreaux émaillés de photographies de ses propres excréments. Jan Hoet, organisateur de la Documenta IX, a déclaré : "La force de Wim Delvoye réside dans sa capacité à créer des conflits en combinant les beaux-arts et l'art populaire, et en jouant du sérieux et de l'ironie". Trois de ses projets les plus connus sont "Cloaca", "Art Farm" et une série d'œuvres gothiques. Delvoye est peut-être plus connu pour sa machine digestive, Cloaca, qu'il a présentée au Museum voor Hedendaagse Kunst d'Anvers, après huit années de consultation avec des experts dans des domaines allant de la plomberie à la gastro-entérologie. Lors d'une exposition à New York en 2013, Delvoye a montré des œuvres complexes découpées au laser qui combinaient des références architecturales et figuratives avec des formes telles qu'une bande de Möbius ou une tache d'encre de Rorschach. Il a présenté de nombreuses expositions personnelles dans des musées européens, notamment au Centre Georges Pompidou, à Paris, et à MUHKA, à Anvers (toutes deux en 2000). Il a également participé à la 48e Biennale de Venise (1999) et à la Documenta IX (1997) en tant qu'artiste.

Estim. 20 000 - 24 000 EUR

Lot 88 - WIM DELVOYE (Belgique, 1965). "Etudes pour Cloaca Original- Etude #50", 2001. Technique mixte sur papier. Œuvre unique. Signée, datée et titrée dans le coin inférieur droit. Avec le cachet "Cloaca" dans le coin inférieur droit. Certificat joint délivré par Guy Pieters, Galerie Guy Pieters. Dimensions : 23,5 x 46 cm ; 40,5 x 63,5 cm (cadre). "Cloaca" est le projet le plus controversé et le plus révolutionnaire de Wil Delvoye. Il est le résultat d'une collaboration de trois ans avec des scientifiques de l'université d'Anvers, dont la mission commune était de reproduire le plus fidèlement possible le système digestif humain. Elle consistait en la réalisation d'une grande machine construite à partir de béchers chimiques, de pompes électriques et de tubes en plastique disposés sur une série de sept tables en acier inoxydable, capable de transformer la nourriture en excréments. L'installation a été présentée dans le cadre de l'exposition rétrospective "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" au Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain. L'énorme machine a été activée le 13 octobre (Nuit des musées) et alimentée deux fois par jour par un grand entonnoir auquel on accède en grimpant sur une échelle. Lors de l'inauguration de l'œuvre, Delvoye a lui-même grimpé l'échelle pour verser pour la première fois dans l'entonnoir la succulente nourriture, totalement réelle. À l'intérieur, la machine fonctionnait comme un estomac : la nourriture était mâchée par un broyeur d'ordures avant d'entreprendre un voyage digestif de 27 heures à travers six cuves en verre reliées par des tubes, des pompes et divers composants électroniques qui représentaient l'estomac, le pancréas, l'intestin grêle et le gros intestin de l'égout. La nourriture "digérée" était constamment maintenue à une température précise de 37,2 degrés Celsius et chacun des "organes" de Cloaca était rempli d'enzymes, de bactéries et d'acides. Avec "Cloaca", Wil Delvoye a forcé les spectateurs à prendre conscience de notre malaise social face à ces fonctions considérées comme scatologiques que nous tenons à garder hors de vue et hors de la société. Wim Delvoye est un artiste néo-conceptuel belge connu pour ses projets inventifs et souvent choquants. Une grande partie de son travail se concentre sur le corps. Comme l'a écrit le critique Robert Enright dans le magazine d'art Border Crossings, "Delvoye s'engage dans une manière de faire de l'art qui réoriente notre compréhension de la façon dont la beauté peut être créée". L'œuvre de Wim Delvoye est éclectique et témoigne de son intérêt pour toute une série de sujets, allant des fonctions corporelles et de la scatologie à la fonction de l'art dans l'économie de marché d'aujourd'hui, en passant par de nombreux thèmes intermédiaires. Il vit et travaille à Gand (Belgique). Il a suivi une formation à l'Académie royale des beaux-arts (Gand). Peu après, Delvoye a commencé à repeindre sur du papier peint, colorant des motifs existants et remettant en question la valeur de la libre expression qui vibrait dans le monde de l'art de l'époque. Delvoye se considère comme un créateur de concepts. Après 1990, des spécialistes dirigés par Delvoye ont exécuté la plupart de ses œuvres. En 1992, il reçoit une reconnaissance internationale avec la présentation de sa "Mosaïque" à la Documenta IX, une exposition symétrique de carreaux émaillés de photographies de ses propres excréments. Jan Hoet, organisateur de la Documenta IX, a déclaré : "La force de Wim Delvoye réside dans sa capacité à créer des conflits en combinant les beaux-arts et l'art populaire, et en jouant du sérieux et de l'ironie". Trois de ses projets les plus connus sont "Cloaca", "Art Farm" et une série d'œuvres gothiques. Delvoye est peut-être plus connu pour sa machine digestive, Cloaca, qu'il a présentée au Museum voor Hedendaagse Kunst d'Anvers, après huit années de consultation avec des experts dans des domaines allant de la plomberie à la gastro-entérologie. Lors d'une exposition à New York en 2013, Delvoye a montré des œuvres complexes découpées au laser qui combinaient des références architecturales et figuratives avec des formes telles qu'une bande de Möbius ou une tache d'encre de Rorschach. Il a présenté de nombreuses expositions personnelles dans des musées européens, notamment au Centre Georges Pompidou, à Paris, et à MUHKA, à Anvers (toutes deux en 2000). Il a également participé à la 48e Biennale de Venise (1999) et à la Documenta IX (1997) en tant qu'artiste.

Estim. 9 000 - 11 000 EUR

Lot 89 - WIM DELVOYE (Belgique, 1965). "Fuck 1", 2000-2001. C-Print copie E.A. Certificat joint au dos signé par l'artiste. Certificat joint délivré par Guy Pieters, Galerie Guy Pieters. Dimensions : 125 x 100 cm ; 135 x 110 cm. Wim Delvoye a réalisé les premières radiographies en 1998, mais son intérêt pour la science, la médecine, le corps humain et les appareils à rayons X a conduit l'artiste belge à les récupérer à nouveau en 2001, immédiatement après avoir terminé son œuvre bien connue "Cloaca". De toutes ses séries de radiographies, les plus célèbres sont celles qui ont pour thème la sexualité. Pour les réaliser, Delvoye a réuni un groupe d'amis à qui il a demandé de se couvrir le corps de petites quantités de baryum (un liquide qui accentue la visibilité aux rayons X) et de pratiquer des actes sexuels, avec une prédilection pour la fellation, dans des hôpitaux où il était autorisé à utiliser l'équipement nécessaire pour faire des radiographies. Wim Delvoye est un artiste néo-conceptuel belge connu pour ses projets inventifs et souvent choquants. Une grande partie de son travail se concentre sur le corps. Comme l'a écrit le critique Robert Enright dans le magazine d'art Border Crossings, "Delvoye s'engage dans une manière de faire de l'art qui réoriente notre compréhension de la façon dont la beauté peut être créée". L'œuvre de Wim Delvoye est éclectique et témoigne de son intérêt pour toute une série de sujets, allant des fonctions corporelles et de la scatologie à la fonction de l'art dans l'économie de marché d'aujourd'hui, en passant par de nombreux thèmes intermédiaires. Il vit et travaille à Gand (Belgique). Il a suivi une formation à l'Académie royale des beaux-arts (Gand). Peu après, Delvoye a commencé à repeindre des papiers peints, colorant des motifs existants et remettant en question la valeur de la liberté d'expression qui vibrait dans le monde de l'art de l'époque. Delvoye se considère comme un créateur de concepts. Après 1990, des spécialistes dirigés par Delvoye ont exécuté la plupart de ses œuvres. En 1992, il reçoit une reconnaissance internationale avec la présentation de sa "Mosaïque" à la Documenta IX, une exposition symétrique de carreaux émaillés de photographies de ses propres excréments. Jan Hoet, organisateur de la Documenta IX, a déclaré : "La force de Wim Delvoye réside dans sa capacité à créer des conflits en combinant les beaux-arts et l'art populaire, et en jouant du sérieux et de l'ironie". Trois de ses projets les plus connus sont "Cloaca", "Art Farm" et une série d'œuvres gothiques. Delvoye est peut-être plus connu pour sa machine digestive, Cloaca, qu'il a présentée au Museum voor Hedendaagse Kunst d'Anvers, après huit années de consultation avec des experts dans des domaines allant de la plomberie à la gastro-entérologie. Lors d'une exposition à New York en 2013, Delvoye a montré des œuvres complexes découpées au laser qui combinaient des références architecturales et figuratives avec des formes telles qu'une bande de Möbius ou une tache d'encre de Rorschach. Il a présenté de nombreuses expositions personnelles dans des musées européens, notamment au Centre Georges Pompidou, à Paris, et à MUHKA, à Anvers (toutes deux en 2000). Il a également participé à la 48e Biennale de Venise (1999) et à la Documenta IX (1997) en tant qu'artiste.

Estim. 20 000 - 24 000 EUR

Lot 90 - WIM DELVOYE (Belgique, 1965). "Etudes pour Cloaca Etude originale #32", 1997-2001. Technique mixte sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Certificat joint signé par Guy Pieters. Dimensions : 62 x 43 cm ; 78,5 x 61 cm (cadre). "Cloaca" est le projet le plus controversé et le plus révolutionnaire de Wil Delvoye. Il est le résultat d'une collaboration de trois ans avec des scientifiques de l'université d'Anvers, dont la mission commune était de reproduire le plus fidèlement possible le système digestif humain. Elle consistait en la réalisation d'une grande machine construite à partir de béchers chimiques, de pompes électriques et de tubes en plastique disposés sur une série de sept tables en acier inoxydable, capable de transformer la nourriture en excréments. L'installation a été présentée dans le cadre de l'exposition rétrospective "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" au Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain. L'énorme machine a été activée le 13 octobre (Nuit des musées) et alimentée deux fois par jour par un grand entonnoir auquel on accède en grimpant sur une échelle. Lors de l'inauguration de l'œuvre, Delvoye a lui-même grimpé l'échelle pour verser pour la première fois dans l'entonnoir la succulente nourriture, totalement réelle. À l'intérieur, la machine fonctionnait comme un estomac : la nourriture était mâchée par un broyeur d'ordures avant d'entreprendre un voyage digestif de 27 heures à travers six cuves en verre reliées par des tubes, des pompes et divers composants électroniques qui représentaient l'estomac, le pancréas, l'intestin grêle et le gros intestin de l'égout. La nourriture "digérée" était constamment maintenue à une température précise de 37,2 degrés Celsius et chacun des "organes" de Cloaca était rempli d'enzymes, de bactéries et d'acides. Avec "Cloaca", Wil Delvoye a forcé les spectateurs à prendre conscience de notre malaise social face à ces fonctions considérées comme scatologiques que nous tenons à garder hors de vue et hors de la société. De même, "Sewer" peut être lu comme un commentaire sur la société de consommation. La machine, qui transforme des aliments nutritifs en déchets, représente la nature cyclique et souvent absurde de l'économie capitaliste. Wim Delvoye est un artiste néo-conceptuel belge connu pour ses projets inventifs et souvent choquants. Une grande partie de son travail se concentre sur le corps. Comme l'a écrit le critique Robert Enright dans le magazine d'art Border Crossings, "Delvoye s'engage dans une manière de faire de l'art qui réoriente notre compréhension de la façon dont la beauté peut être créée". L'œuvre de Wim Delvoye est éclectique et témoigne de son intérêt pour toute une série de sujets, allant des fonctions corporelles et de la scatologie à la fonction de l'art dans l'économie de marché d'aujourd'hui, en passant par de nombreux thèmes intermédiaires. Il vit et travaille à Gand (Belgique). Il a suivi une formation à l'Académie royale des beaux-arts (Gand). Peu après, Delvoye a commencé à repeindre des papiers peints, colorant des motifs existants et remettant en question la valeur de la liberté d'expression qui vibrait dans le monde de l'art de l'époque. Delvoye se considère comme un créateur de concepts. Après 1990, des spécialistes dirigés par Delvoye ont exécuté la plupart de ses œuvres. En 1992, il reçoit une reconnaissance internationale avec la présentation de sa "Mosaïque" à la Documenta IX, une exposition symétrique de carreaux émaillés de photographies de ses propres excréments. Jan Hoet, organisateur de la Documenta IX, a déclaré : "La force de Wim Delvoye réside dans sa capacité à créer des conflits en combinant les beaux-arts et l'art populaire, et en jouant du sérieux et de l'ironie". Trois de ses projets les plus connus sont "Cloaca", "Art Farm" et une série d'œuvres gothiques. Delvoye est peut-être plus connu pour sa machine digestive, Cloaca, qu'il a présentée au Museum voor Hedendaagse Kunst d'Anvers, après huit années de consultation avec des experts dans des domaines allant de la plomberie à la gastro-entérologie. Lors d'une exposition à New York en 2013, Delvoye a montré des œuvres complexes découpées au laser qui combinaient des références architecturales et figuratives avec des formes telles qu'une bande de Möbius ou une tache d'encre de Rorschach. Il a présenté de nombreuses expositions personnelles dans des musées européens, notamment au Centre Georges Pompidou, à Paris, et à MUHKA, à Anvers (toutes deux en 2000). Il a également participé à la 48e Biennale de Venise (1999) et à la Documenta IX (1997) en tant qu'artiste.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 91 - WIM DELVOYE (Belgique, 1965). "Etudes pour Cloaca nº5- Etude #161", 2001. Technique mixte sur papier. Œuvre unique. Avec le cachet "Cloaca" dans le coin inférieur droit. Certificat joint délivré par Guy Pieters, Galerie Guy Pieters. Dimensions : 24 x 46 cm ; 40,5 x 63,5 cm (cadre). "Cloaca" est le projet le plus controversé et le plus révolutionnaire de Wil Delvoye. Il est le résultat d'une collaboration de trois ans avec des scientifiques de l'université d'Anvers, dont la mission commune était de reproduire le plus fidèlement possible le système digestif humain. Elle consistait en la réalisation d'une grande machine construite à partir de béchers chimiques, de pompes électriques et de tubes en plastique disposés sur une série de sept tables en acier inoxydable, capable de transformer la nourriture en excréments. L'installation a été présentée dans le cadre de l'exposition rétrospective "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" au Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain. L'énorme machine a été activée le 13 octobre (Nuit des musées) et alimentée deux fois par jour par un grand entonnoir auquel on accède en grimpant sur une échelle. Lors de l'inauguration de l'œuvre, Delvoye a lui-même grimpé l'échelle pour verser pour la première fois dans l'entonnoir la succulente nourriture, totalement réelle. À l'intérieur, la machine fonctionnait comme un estomac : la nourriture était mâchée par un broyeur d'ordures avant d'entreprendre un voyage digestif de 27 heures à travers six cuves en verre reliées par des tubes, des pompes et divers composants électroniques qui représentaient l'estomac, le pancréas, l'intestin grêle et le gros intestin de l'égout. La nourriture "digérée" était constamment maintenue à une température précise de 37,2 degrés Celsius et chacun des "organes" de Cloaca était rempli d'enzymes, de bactéries et d'acides. Avec "Cloaca", Wil Delvoye a forcé les spectateurs à prendre conscience de notre malaise social face à ces fonctions considérées comme scatologiques que nous tenons à garder hors de vue et hors de la société. Wim Delvoye est un artiste néo-conceptuel belge connu pour ses projets inventifs et souvent choquants. Une grande partie de son travail se concentre sur le corps. Comme l'a écrit le critique Robert Enright dans le magazine d'art Border Crossings, "Delvoye s'engage dans une manière de faire de l'art qui réoriente notre compréhension de la façon dont la beauté peut être créée". L'œuvre de Wim Delvoye est éclectique et témoigne de son intérêt pour toute une série de sujets, allant des fonctions corporelles et de la scatologie à la fonction de l'art dans l'économie de marché d'aujourd'hui, en passant par de nombreux thèmes intermédiaires. Il vit et travaille à Gand (Belgique). Il a suivi une formation à l'Académie royale des beaux-arts (Gand). Peu après, Delvoye a commencé à repeindre sur du papier peint, colorant des motifs existants et remettant en question la valeur de la libre expression qui vibrait dans le monde de l'art de l'époque. Delvoye se considère comme un créateur de concepts. Après 1990, des spécialistes dirigés par Delvoye ont exécuté la plupart de ses œuvres. En 1992, il reçoit une reconnaissance internationale avec la présentation de sa "Mosaïque" à la Documenta IX, une exposition symétrique de carreaux émaillés de photographies de ses propres excréments. Jan Hoet, organisateur de la Documenta IX, a déclaré : "La force de Wim Delvoye réside dans sa capacité à créer des conflits en combinant les beaux-arts et l'art populaire, et en jouant du sérieux et de l'ironie". Trois de ses projets les plus connus sont "Cloaca", "Art Farm" et une série d'œuvres gothiques. Delvoye est peut-être plus connu pour sa machine digestive, Cloaca, qu'il a présentée au Museum voor Hedendaagse Kunst d'Anvers, après huit années de consultation avec des experts dans des domaines allant de la plomberie à la gastro-entérologie. Lors d'une exposition à New York en 2013, Delvoye a montré des œuvres complexes découpées au laser qui combinaient des références architecturales et figuratives avec des formes telles qu'une bande de Möbius ou une tache d'encre de Rorschach. Il a présenté de nombreuses expositions personnelles dans des musées européens, notamment au Centre Georges Pompidou, à Paris, et à MUHKA, à Anvers (toutes deux en 2000). Il a également participé à la 48e Biennale de Venise (1999) et à la Documenta IX (1997) en tant qu'artiste.

Estim. 9 000 - 11 000 EUR

Lot 92 - WIM DELVOYE (Belgique, 1965). "Maison d'oiseau nº8", 1997. Assemblage (bois et revêtement en cuir clouté). Pièce unique. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 36 x 30 x 28 cm. Les cerfs, les cochons et les poulets tatoués font partie de l'imaginaire de Wim Delvoye. Dans ce cas, il ne s'agit pas d'un animal mais de l'espace où il vit. Un espace dénaturé et imposé par l'homme, qui manipule les habitudes du monde animal à son image et à sa ressemblance. Pour reprendre les mots de l'artiste lui-même lors d'une conversation avec Paul Laster, "une volière est plus facile qu'un gratte-ciel, mais elle reflète toujours la nature de l'architecture". La nature d'un produit sur lequel est intervenue une enveloppe de cuir ornée de clous, selon le style "Bondage". Ainsi, l'artiste ne se contente pas de vandaliser l'objet, mais le resignifie en lui donnant une nouvelle lecture sexuelle. Wim Delvoye est un artiste néo-conceptuel belge connu pour ses projets inventifs et souvent choquants. Une grande partie de son travail se concentre sur le corps. Comme l'a écrit le critique Robert Enright dans le magazine d'art Border Crossings, "Delvoye participe à une manière de faire de l'art qui réoriente notre compréhension de la façon dont la beauté peut être créée". L'œuvre de Wim Delvoye est éclectique et témoigne de son intérêt pour toute une série de sujets, allant des fonctions corporelles et de la scatologie à la fonction de l'art dans l'économie de marché d'aujourd'hui, en passant par de nombreux thèmes intermédiaires. Il vit et travaille à Gand (Belgique). Il a suivi une formation à l'Académie royale des beaux-arts (Gand). Peu après, Delvoye a commencé à repeindre des papiers peints, colorant des motifs existants et remettant en question la valeur de la liberté d'expression qui vibrait dans le monde de l'art de l'époque. Delvoye se considère comme un créateur de concepts. Après 1990, des spécialistes dirigés par Delvoye ont exécuté la plupart de ses œuvres. En 1992, Delvoye a reçu une reconnaissance internationale avec la présentation de sa "Mosaïque" à la Documenta IX, une exposition symétrique de carreaux émaillés de photographies de ses propres excréments. Jan Hoet, organisateur de la Documenta IX, a déclaré : "La force de Wim Delvoye réside dans sa capacité à créer des conflits en combinant les beaux-arts et l'art populaire, et en jouant du sérieux et de l'ironie". Trois de ses projets les plus connus sont "Cloaca", "Art Farm" et une série d'œuvres gothiques. Delvoye est peut-être plus connu pour sa machine digestive, Cloaca, qu'il a présentée au Museum voor Hedendaagse Kunst d'Anvers, après huit années de consultation avec des experts dans des domaines allant de la plomberie à la gastro-entérologie. Lors d'une exposition à New York en 2013, Delvoye a montré des œuvres complexes découpées au laser qui combinaient des références architecturales et figuratives avec des formes telles qu'une bande de Möbius ou une tache d'encre de Rorschach

Estim. 45 000 - 50 000 EUR

Lot 93 - WIM DELVOYE (Belgique, 1965). "Etudes pour Cloaca Etude originale #21", 1997. Technique mixte sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Certificat joint signé par Guy Pieters. Dimensions : 59 x 43 cm ; 77 x 60 cm (cadre). "Cloaca" est le projet le plus controversé et le plus révolutionnaire de Wim Delvoye. Il est le résultat d'une collaboration de trois ans avec des scientifiques de l'université d'Anvers, dont la mission commune était de reproduire le plus fidèlement possible le système digestif humain. Elle consistait en la réalisation d'une grande machine construite à partir de béchers chimiques, de pompes électriques et de tubes en plastique disposés sur une série de sept tables en acier inoxydable, capable de transformer la nourriture en excréments. L'installation a été présentée dans le cadre de l'exposition rétrospective "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" au Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain. L'énorme machine a été activée le 13 octobre (Nuit des musées) et alimentée deux fois par jour par un grand entonnoir auquel on accède en grimpant sur une échelle. Lors de l'inauguration de l'œuvre, Delvoye a lui-même grimpé l'échelle pour verser pour la première fois dans l'entonnoir la succulente nourriture, totalement réelle. À l'intérieur, la machine fonctionnait comme un estomac : la nourriture était mâchée par un broyeur d'ordures avant d'entreprendre un voyage digestif de 27 heures à travers six cuves en verre reliées par des tubes, des pompes et divers composants électroniques qui représentaient l'estomac, le pancréas, l'intestin grêle et le gros intestin de l'égout. La nourriture "digérée" était constamment maintenue à une température précise de 37,2 degrés Celsius et chacun des "organes" de Cloaca était rempli d'enzymes, de bactéries et d'acides. Avec "Cloaca", Wil Delvoye a forcé les spectateurs à prendre conscience de notre malaise social face à ces fonctions considérées comme scatologiques que nous tenons à garder hors de vue et hors de la société. De même, "Sewer" peut être lu comme un commentaire sur la société de consommation. La machine, qui transforme des aliments nutritifs en déchets, représente la nature cyclique et souvent absurde de l'économie capitaliste. Wim Delvoye est un artiste néo-conceptuel belge connu pour ses projets inventifs et souvent choquants. Une grande partie de son travail se concentre sur le corps. Comme l'a écrit le critique Robert Enright dans le magazine d'art Border Crossings, "Delvoye s'engage dans une manière de faire de l'art qui réoriente notre compréhension de la façon dont la beauté peut être créée". L'œuvre de Wim Delvoye est éclectique et témoigne de son intérêt pour toute une série de sujets, allant des fonctions corporelles et de la scatologie à la fonction de l'art dans l'économie de marché d'aujourd'hui, en passant par de nombreux thèmes intermédiaires. Il vit et travaille à Gand (Belgique). Il a suivi une formation à l'Académie royale des beaux-arts (Gand). Peu après, Delvoye a commencé à repeindre des papiers peints, colorant des motifs existants et remettant en question la valeur de la liberté d'expression qui vibrait dans le monde de l'art de l'époque. Delvoye se considère comme un créateur de concepts. Après 1990, des spécialistes dirigés par Delvoye ont exécuté la plupart de ses œuvres. En 1992, il reçoit une reconnaissance internationale avec la présentation de sa "Mosaïque" à la Documenta IX, une exposition symétrique de carreaux émaillés de photographies de ses propres excréments. Jan Hoet, organisateur de la Documenta IX, a déclaré : "La force de Wim Delvoye réside dans sa capacité à créer des conflits en combinant les beaux-arts et l'art populaire, et en jouant du sérieux et de l'ironie". Trois de ses projets les plus connus sont "Cloaca", "Art Farm" et une série d'œuvres gothiques. Delvoye est peut-être plus connu pour sa machine digestive, Cloaca, qu'il a présentée au Museum voor Hedendaagse Kunst d'Anvers, après huit années de consultation avec des experts dans des domaines allant de la plomberie à la gastro-entérologie. Lors d'une exposition à New York en 2013, Delvoye a montré des œuvres complexes découpées au laser qui combinaient des références architecturales et figuratives avec des formes telles qu'une bande de Möbius ou une tache d'encre de Rorschach. Il a présenté de nombreuses expositions personnelles dans des musées européens, notamment au Centre Georges Pompidou, à Paris, et à MUHKA, à Anvers (toutes deux en 2000). Il a également participé à la 48e Biennale de Venise (1999) et à la Documenta IX (1997) en tant qu'artiste.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 94 - RICHARD HEEPS (Angleterre, 1965). "Thrills A13, 2017. Encre Priont sur dibond, copie 4/10. Signé et justifié au verso. Certificat au dos. Dimensions : 73 x 93 cm ; 96 x 115 cm (cadre). Richard Heeps est un photographe britannique contemporain basé à Cambridge. Son style saturé incomparable évite les manipulations numériques et repousse les limites de la photographie. L'art de Richard Heeps est une véritable lettre d'amour à l'art de la photographie et au style de vie insouciant des Américains. Les photographies de Heeps se caractérisent par une palette de couleurs séduisante et des sujets décontractés. Heeps parle de sa fascination pour l'Amérique : "La vitesse, le style de vie et le technicolor se reflètent dans mes images. La couleur "américaine" est un aspect important de mon travail, elle détermine mes choix d'équipement et de matériel. Nous apprécions la détermination de Heeps à créer un portefeuille d'œuvres d'art qui s'adresse à un public contemporain tout en adoptant les méthodes traditionnelles de la photographie à base d'objectif. Heeps a étudié à l'université de Cambridge où il a suivi un apprentissage en génie mécanique, avant d'obtenir deux autres diplômes en photographie et en cinéma. Avant son éducation formelle, Heeps s'intéressait depuis longtemps à l'art, à la peinture et à la photographie, ayant présenté ses premiers travaux dans des expositions dès l'âge de dix ans. La fascination de l'artiste pour New York pendant sa jeunesse a été le point de départ de sa fixation sur tout ce qui est américain, une fascination qui n'a fait que s'accentuer lors de ses visites dans le pays plus tard dans sa vie. Heeps expose ses œuvres depuis les années 1980 et n'a cessé de se développer depuis, exposant au niveau international dans des musées et des galeries publiques tels que l'Affordable Art Fair de Milan, la Photographer's Gallery de Londres et l'exposition d'été de la Royal Academy of Art.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 95 - HERSK (Argenteuil, France, 1979). "Something to suck #31", 2014. Pièce unique . Graffiti sur acier et bois. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 124,5 x 45 x 9 cm. Dans cette sculpture, l'artiste utilise la silhouette de la glace mythique de la marque Skimo comme base d'un graffiti. HeRsk, qui a fait des glaces des icônes de sa production artistique, fabrique ses propres structures en bois et y intervient ensuite, combinant ainsi un concept qui renvoie à l'enfance et une esthétique qui transporte le spectateur à l'adolescence. HeRsk est un artiste urbain d'origine française. Passionné par l'univers du graffiti depuis l'enfance, ses premières incursions artistiques se font dans sa propre maison où il crée son atelier. Sa passion l'amène à expérimenter de nombreux matériaux tels que le métal, le bois, la toile ou le papier, en plus d'intervenir sur des objets tels que des vêtements, des chaussures, des skateboards et des snowboards. Son habileté s'est accrue jusqu'à atteindre les murs de sa ville. Ses influences artistiques proviennent du travail d'artistes de rue tels que Mist, Zest et Smash 137, bien que son travail ait une empreinte totalement personnelle. Glaces, sucettes, biscuits et barres chocolatées forment son imaginaire. Des éléments qu'il récupère de son enfance et qu'il "vandalise" avec son esthétique urbaine de formes arrondies qui s'entremêlent. Actuellement, son travail est surtout visible dans la ville où il vit depuis 1999, Montpellier, bien qu'en 2007 il ait rencontré Giovanni Ingrato, dont l'influence a signifié un saut vers les œuvres sur toile et les sculptures.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 96 - ARNE QUINZE (Belgique, 1971). "My Home My House My Stilthouse 180910", 2010. Technique mixte (bois, marqueur, crayon de couleur, papier, peinture) sur plexibox. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 60,5 x 90,5 x 16,5 cm. Le titre de cette œuvre sert de parapluie à une série de projets de sculpture, d'installation et de peinture que l'artiste belge a réalisés dans différentes parties du monde. Ainsi, l'installation éponyme "My Home My House My Stilthouse" (2011) à Humlebaek (Danemark) et au Louisiana Museum of Modern Art a montré aux visiteurs une nouvelle façon de percevoir l'habitat et la vie. Avec le nom "Stilthouses", il fait référence à notre nature ambiguë, à la fois fragile et forte. Dans ses œuvres tridimensionnelles et picturales, Quinze associe différents types de bois, y compris du bois de récupération, et de la peinture fluorescente. En raison de leur couleur orange intense, les sculptures contrastent avec leur environnement naturel et génèrent un sentiment d'étrangeté. L'œuvre de Quinze s'intéresse au recadrage de l'interaction sociale et de la communication par le jeu des lignes, des signes distinctifs et des contradictions. Dans des peintures comme celle-ci, l'artiste abstrait sur un plan bidimensionnel toutes ces recherches et préoccupations. Arne Quinze est un artiste conceptuel belge surtout connu pour ses installations d'art public non conventionnelles et controversées. Quinze réalise également des sculptures, des peintures et des dessins. Il a commencé à travailler comme graffeur à Bruxelles à la fin de son adolescence et n'a jamais suivi d'enseignement artistique formel. Il est connu pour ses sculptures caractéristiques en planches de bois. Ses installations sont conçues pour provoquer des réactions et intervenir dans la vie quotidienne des passants qui sont confrontés à ses sculptures. En 2006, il a attiré l'attention avec la construction d'"Uchronia : A Message from the Future", une grande sculpture en bois au festival Burning Man dans le désert du Nevada. Cityscape (2007) et The Sequence (2008) sont deux de ses gigantesques installations d'art public en bois dans le centre de Bruxelles (Belgique). C'était la première fois qu'une sculpture donnait l'impression de toucher deux bâtiments du centre-ville alors que la circulation continue de passer en dessous d'elle. À Munich, en Allemagne, il a construit Traveller (2008) pour la marque française de mode et de maroquinerie de luxe Louis Vuitton. D'autres installations d'art public d'Arne Quinze ont été dévoilées dans le centre de Paris, en France (Rebirth, 2008), à Beyrouth, au Liban (The Visitor, 2009) et à Louisville, dans le Kentucky (Big Four Bridge). Quinze a créé des installations frappantes, qu'il conçoit comme des substituts aux anciennes places de marché, telles que Red Beacon (2010), située dans le Jing'an Sculpture Park. D'autres de ses œuvres se concentrent sur l'axiome selon lequel les gens ont tendance à rechercher un environnement sûr, une matrice qui élimine l'inattendu. Il a réalisé l'installation virtuelle Rock Strangers (2011) à la Statue de la Liberté à New York le 4 juillet en collaboration avec Beck's pour son projet Green Box. Dans le cadre de Mons 2015 Capitale européenne de la culture, il a construit une installation en bois appelée The Passenger. En 2009, Quinze a installé un "Stilthouse" appelé The Visitor à Beyrouth, au Liban, près de son nouveau complexe Souk, et la maison de vente aux enchères Phillips de Pury & Company a invité l'artiste à présenter son travail dans sa galerie londonienne. En raison de son succès au début de l'année 2010, l'exposition a été prolongée à la Saatchi Gallery de Londres, au Duke of York's Seat sur King's Road. Lors de la Hamburg Art Week (2011), il a présenté de nouvelles œuvres montrant un changement dans l'utilisation des matériaux, notamment de la porcelaine ancienne brisée symbolisant la destruction de nos traditions familiales. En juin 2014, Quinze a créé une œuvre d'art unique en collaboration avec Veridor : 45 kg de métaux précieux transformés en "chaos naturel". Cette œuvre d'art était principalement composée d'or rose 18 carats et d'or blanc palladium 18 carats sous forme de barres et de tubes, ainsi que de fils et de feuilles d'or. L'œuvre, appelée Natural Chaos. Golden Edition No. 1, est en vente pour 1,8 million d'euros sur le marché du luxe en ligne JamesEdition.

Estim. 16 000 - 18 000 EUR

Lot 97 - ARNE QUINZE (Belgique, 1971). "Pilosus", 2019. Aluminium, acrylique et socle en marbre. Pièce unique . Dimensions : 153 x 40 x 29 cm. Dans cette œuvre monumentale, Quinze tente de capturer la force, la fragilité et la diversité de la nature à travers une pratique artistique intense, soumettant les matériaux à un équilibre tendu des formes et à l'expressivité de la couleur, qui semble se fondre organiquement sur la structure. L'artiste capture ainsi une réflexion sur l'évolution, créant un lien entre l'art et la science. Arne Quinze est un artiste conceptuel belge surtout connu pour ses installations d'art public non conventionnelles et controversées. Quinze réalise également des sculptures, des peintures et des dessins. Il a commencé à travailler comme graffeur à Bruxelles à la fin de son adolescence et n'a jamais suivi d'enseignement artistique formel. Il est connu pour ses sculptures caractéristiques en planches de bois. Ses installations sont conçues pour provoquer des réactions et intervenir dans la vie quotidienne des passants qui sont confrontés à ses sculptures. En 2006, il a attiré l'attention avec la construction d'"Uchronia : A Message from the Future", une grande sculpture en bois au festival Burning Man dans le désert du Nevada. Cityscape (2007) et The Sequence (2008) sont deux de ses gigantesques installations d'art public en bois dans le centre de Bruxelles (Belgique). C'était la première fois qu'une sculpture donnait l'impression de toucher deux bâtiments du centre-ville alors que la circulation continue de passer en dessous d'elle. À Munich, en Allemagne, il a construit Traveller (2008) pour la marque française de mode et de maroquinerie de luxe Louis Vuitton. D'autres installations d'art public d'Arne Quinze ont été dévoilées dans le centre de Paris, en France (Rebirth, 2008), à Beyrouth, au Liban (The Visitor, 2009) et à Louisville, dans le Kentucky (Big Four Bridge). Quinze a créé des installations frappantes, qu'il conçoit comme des substituts aux anciennes places de marché, telles que Red Beacon (2010), située dans le Jing'an Sculpture Park. D'autres de ses œuvres se concentrent sur l'axiome selon lequel les gens ont tendance à rechercher un environnement sûr, une matrice qui élimine l'inattendu. Il a réalisé l'installation virtuelle Rock Strangers (2011) à la Statue de la Liberté à New York le 4 juillet en collaboration avec Beck's pour son projet Green Box. Dans le cadre de Mons 2015 Capitale européenne de la culture, il a construit une installation en bois appelée The Passenger. En 2009, Quinze a installé un "Stilthouse" appelé The Visitor à Beyrouth, au Liban, près de son nouveau complexe Souk, et la maison de vente aux enchères Phillips de Pury & Company a invité l'artiste à présenter son travail dans sa galerie londonienne. En raison de son succès début 2010, l'exposition a été prolongée à la Saatchi Gallery à Londres, au Duke of York's Seat sur King's Road. Lors de la Hamburg Art Week (2011), il a présenté de nouvelles œuvres montrant un changement dans l'utilisation des matériaux, notamment de la porcelaine ancienne brisée symbolisant la destruction de nos traditions familiales. En juin 2014, Quinze a créé une œuvre d'art unique en collaboration avec Veridor : 45 kg de métaux précieux transformés en "chaos naturel". Cette œuvre d'art était principalement composée d'or rose 18 carats et d'or blanc palladium 18 carats sous forme de barres et de tubes, ainsi que de fils et de feuilles d'or. L'œuvre, appelée Natural Chaos. Golden Edition No. 1, est en vente pour 1,8 million d'euros sur le marché du luxe en ligne JamesEdition.

Estim. 40 000 - 50 000 EUR

Lot 98 - ARNE QUINZE (Belgique, 1971). "Tour de Bidonville 8-10-2012". Technique mixte (bois, polyuréthane, peinture et marqueur). Pièce unique . Signée sur la base. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 85 x 20 x 20 cm. Pour la réalisation de cette œuvre, Quinze s'est inspiré des constructions des favelas du Brésil. Le site web de l'artiste indique que "Bidonvilles se penche sur l'étude de l'habitabilité dans le contexte actuel. Différents gratte-ciel et habitations incarnent des formes diverses, mais restent inhérents au même contexte architectural. Les Bidonvilles sont des maisons archétypales qui parodient le mode de vie actuel. Les villes se développent avec une ardeur inépuisable. Sans réflexion ni vision de durabilité, les maisons sont rapidement construites les unes à côté des autres ; la fonctionnalité des bâtiments, des rues et des parcs dans leur ensemble en milieu urbain n'est pas pleinement prise en compte. Les bidonvilles rassurent ou accélèrent intentionnellement ce processus et provoquent une communication ouverte dans une société d'interaction humaine. Relier des sociétés diverses de cette manière est cohérent avec la conviction de Quinze que tous les individus sont égaux. Les différences culturelles et monétaires entre les personnes n'altèrent pas cette égalité et ne diminuent pas notre égalité fondamentale. Les bâtiments de Quinze sont à la fois des bidonvilles et des gratte-ciel industrialisés. Les différentes cultures sont représentées par des lignes et des rythmes différents, mais elles sont unifiées au sein d'une même structure, reflétant notre vie quotidienne les uns autour des autres et avec les autres. Toutes ses tours de Bidonville semblent incorporer la même forme et une construction similaire, mais, en y regardant de plus près, elles sont marquées par des détails différents selon la culture, le continent ou la ville dans laquelle elles sont construites." Quinze a réalisé des installations marquantes, qu'il conçoit comme des substituts aux anciennes places de marché, telles que Red Beacon (2010), située dans le Jing'an Sculpture Park. D'autres de ses œuvres se concentrent sur l'axiome selon lequel les gens ont tendance à rechercher un environnement sûr, une matrice qui élimine l'inattendu. Il a réalisé l'installation virtuelle Rock Strangers (2011) à la Statue de la Liberté à New York le 4 juillet en collaboration avec Beck's pour son projet Green Box. Dans le cadre de Mons 2015 Capitale européenne de la culture, il a construit une installation en bois appelée The Passenger. En 2009, Quinze a installé un "Stilthouse" appelé The Visitor à Beyrouth, au Liban, près de son nouveau complexe Souk, et la maison de vente aux enchères Phillips de Pury & Company a invité l'artiste à présenter son travail dans sa galerie londonienne. En raison de son succès début 2010, l'exposition a été prolongée à la Saatchi Gallery à Londres, au Duke of York's Seat sur King's Road. Lors de la Hamburg Art Week (2011), il a présenté de nouvelles œuvres montrant un changement dans l'utilisation des matériaux, notamment de la porcelaine ancienne brisée symbolisant la destruction de nos traditions familiales. En juin 2014, Quinze a créé une œuvre d'art unique en collaboration avec Veridor : 45 kg de métaux précieux transformés en "chaos naturel". Cette œuvre d'art était principalement composée d'or rose 18 carats et d'or blanc palladium 18 carats sous forme de barres et de tubes, ainsi que de fils et de feuilles d'or. L'œuvre, appelée Natural Chaos. Golden Edition No. 1, est en vente pour 1,8 million d'euros sur le marché du luxe en ligne JamesEdition.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 99 - ARNE QUINZE (Belgique, 1971). "Étude d'une installation en bois et en verre 03-02-13", 2013. Technique mixte sur papier. Certificat d'authenticité joint, signé par l'artiste. Dimensions : 58 x 42 cm ; 62,5 x 46,5 cm (cadre). Cette étude capture l'essence des célèbres installations d'Arne Quinze. Par le biais d'une esquisse, l'artiste est en mesure de définir le chaos quotidien et les formes massives de ses pièces en bois orange et en verre, qui se démarquent et provoquent l'observateur. À première vue, cette étude semble être un mélange chaotique de différents éléments ; cependant, en y regardant de plus près, on s'aperçoit que toutes les pièces ont été placées d'une manière spécifique et qu'elles ont une fonction précise. En saisissant et en étudiant les angles et les courbes parfaits, Quinze a pu figer la dimension du mouvement. Pour cela, l'artiste s'inspire de la culture : partout où il voyage, il étudie l'interaction des gens, le mouvement urbain et l'expression de l'être humain dans son environnement. Ce processus mental le conduit à l'actualisation physique de ses sculptures aux multiples facettes. Arne Quinze est un artiste conceptuel belge surtout connu pour ses installations d'art public non conventionnelles et controversées. Quinze crée également des sculptures, des peintures et des dessins. Il a commencé à travailler comme graffeur à Bruxelles à la fin de son adolescence et n'a jamais suivi d'enseignement artistique formel. Il est connu pour ses sculptures caractéristiques en planches de bois. Ses installations sont conçues pour provoquer des réactions et intervenir dans la vie quotidienne des passants qui sont confrontés à ses sculptures. En 2006, il a attiré l'attention avec la construction d'"Uchronia : A Message from the Future", une grande sculpture en bois au festival Burning Man dans le désert du Nevada. Cityscape (2007) et The Sequence (2008) sont deux de ses gigantesques installations d'art public en bois dans le centre de Bruxelles (Belgique). C'était la première fois qu'une sculpture donnait l'impression de toucher deux bâtiments du centre-ville alors que la circulation continue de passer en dessous d'elle. À Munich, en Allemagne, il a construit Traveller (2008) pour la marque française de mode et de maroquinerie de luxe Louis Vuitton. D'autres installations d'art public d'Arne Quinze ont été dévoilées dans le centre de Paris, en France (Rebirth, 2008), à Beyrouth, au Liban (The Visitor, 2009) et à Louisville, dans le Kentucky (Big Four Bridge). Quinze a créé des installations frappantes, qu'il conçoit comme des substituts aux anciennes places de marché, telles que Red Beacon (2010), située dans le Jing'an Sculpture Park. D'autres de ses œuvres se concentrent sur l'axiome selon lequel les gens ont tendance à rechercher un environnement sûr, une matrice qui élimine l'inattendu. Il a réalisé l'installation virtuelle Rock Strangers (2011) à la Statue de la Liberté à New York le 4 juillet en collaboration avec Beck's pour son projet Green Box. Dans le cadre de Mons 2015 Capitale européenne de la culture, il a construit une installation en bois appelée The Passenger. En 2009, Quinze a installé un "Stilthouse" appelé The Visitor à Beyrouth, au Liban, près de son nouveau complexe Souk, et la maison de vente aux enchères Phillips de Pury & Company a invité l'artiste à présenter son travail dans sa galerie londonienne. En raison de son succès début 2010, l'exposition a été prolongée à la Saatchi Gallery à Londres, au Duke of York's Seat sur King's Road. Lors de la Hamburg Art Week (2011), il a présenté de nouvelles œuvres montrant un changement dans l'utilisation des matériaux, notamment de la porcelaine ancienne brisée symbolisant la destruction de nos traditions familiales. En juin 2014, Quinze a créé une œuvre d'art unique en collaboration avec Veridor : 45 kg de métaux précieux transformés en "chaos naturel". Cette œuvre d'art était principalement composée d'or rose 18 carats et d'or blanc palladium 18 carats sous forme de barres et de tubes, ainsi que de fils et de feuilles d'or. L'œuvre, appelée Natural Chaos. Golden Edition No. 1, est en vente pour 1,8 million d'euros sur le marché du luxe en ligne JamesEdition.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 100 - ARNE QUINZE (Belgique, 1971). "Arcticus", 2019. Aluminium, acrylique et socle en marbre. Pièce unique . Dimensions : 185 x 90 x 72 cm. Dans cette œuvre monumentale, Quinze tente de capturer la force, la fragilité et la diversité de la nature à travers une pratique artistique intense, soumettant les matériaux à un équilibre tendu des formes et à l'expressivité de la couleur, qui semble se fondre organiquement sur la structure. L'artiste capture ainsi une réflexion sur l'évolution, créant un lien entre l'art et la science. D'ailleurs, sur son propre site web, il décrit le concept "Articus" comme une "architecture de la nature". Ce type d'œuvres de Quinze a fait partie de son exposition itinérante "My Secret Garden", qui a été présentée dans plusieurs villes d'Espagne. Cette exposition tentait de refléter l'interaction entre l'art, la science et l'espace que nous habitons, qui se cristallise dans ces sculptures monumentales. Arne Quinze est un artiste conceptuel belge connu principalement pour ses installations d'art public non conventionnelles et controversées. Quinze crée également des sculptures, des peintures et des dessins. Il a commencé à travailler comme graffeur à Bruxelles à la fin de son adolescence et n'a jamais suivi d'enseignement artistique formel. Il est connu pour ses sculptures caractéristiques en planches de bois. Ses installations sont conçues pour provoquer des réactions et intervenir dans la vie quotidienne des passants qui sont confrontés à ses sculptures. En 2006, il a attiré l'attention avec la construction d'"Uchronia : A Message from the Future", une grande sculpture en bois au festival Burning Man dans le désert du Nevada. Cityscape (2007) et The Sequence (2008) sont deux de ses gigantesques installations d'art public en bois dans le centre de Bruxelles (Belgique). C'était la première fois qu'une sculpture donnait l'impression de toucher deux bâtiments du centre-ville alors que la circulation continue de passer en dessous d'elle. À Munich, en Allemagne, il a construit Traveller (2008) pour la marque française de mode et de maroquinerie de luxe Louis Vuitton. D'autres installations d'art public d'Arne Quinze ont été dévoilées dans le centre de Paris, en France (Rebirth, 2008), à Beyrouth, au Liban (The Visitor, 2009) et à Louisville, dans le Kentucky (Big Four Bridge). Quinze a créé des installations frappantes, qu'il conçoit comme des substituts aux anciennes places de marché, telles que Red Beacon (2010), située dans le Jing'an Sculpture Park. D'autres de ses œuvres se concentrent sur l'axiome selon lequel les gens ont tendance à rechercher un environnement sûr, une matrice qui élimine l'inattendu. Il a réalisé l'installation virtuelle Rock Strangers (2011) à la Statue de la Liberté à New York le 4 juillet en collaboration avec Beck's pour son projet Green Box. Dans le cadre de Mons 2015 Capitale européenne de la culture, il a construit une installation en bois appelée The Passenger. En 2009, Quinze a installé un "Stilthouse" appelé The Visitor à Beyrouth, au Liban, près de son nouveau complexe Souk, et la maison de vente aux enchères Phillips de Pury & Company a invité l'artiste à présenter son travail dans sa galerie londonienne. En raison de son succès début 2010, l'exposition a été prolongée à la Saatchi Gallery à Londres, au Duke of York's Seat sur King's Road. Lors de la Hamburg Art Week (2011), il a présenté de nouvelles œuvres montrant un changement dans l'utilisation des matériaux, notamment de la porcelaine ancienne brisée symbolisant la destruction de nos traditions familiales. En juin 2014, Quinze a créé une œuvre d'art unique en collaboration avec Veridor : 45 kg de métaux précieux transformés en "chaos naturel". Cette œuvre d'art était principalement composée d'or rose 18 carats et d'or blanc palladium 18 carats sous forme de barres et de tubes, ainsi que de fils et de feuilles d'or. L'œuvre, appelée Natural Chaos. Golden Edition No. 1, est en vente pour 1,8 million d'euros sur le marché du luxe en ligne JamesEdition.

Estim. 50 000 - 55 000 EUR

12 juin - Collection privée : Visionnaires de l'avant-garde des 20e et 21e siècles

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