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Buste de jeune garçon en albâtre et bronze. H : 23 cm

Estim. 30 - 50 EUR

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ITALIAN SCHOOL (20th century) "Angel and nymph" - Fragment de sculpture en marbre Défauts et restaurations. Dimensions : 60 cm de haut

Estim. 525 - 700 EUR

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Tête masculine en pierre calcaire. D'après les modèles classiques. Hauteur : 30 cm

Aucune estimation

jeu. 23 mai

Fine Portrait on panel of Juan Bautista de Muguiro, attributed to Francisco de Goya (1746-1828) - Aragonese School of the 19th century - Fine Portrait on panel of Juan Bautista de Muguiro, attributed to Francisco de Goya (1746-1828) - Aragonese School of the 19th century Oil on panel: 23 x 18 cm, measures with frame 32 x 26 cm. Muguiro, banker and merchant, perhaps exiled in Bordeaux due to the services rendered to King Joseph Bonaparte by his family firm, "J. Irivaren y sobrinos", later held important political positions in the Spain of Isabella II, being, for example, president of the Cortes and senator between 1836 and 1845. Goya, in the dedicatory inscription of the painting, defines himself as a "friend" of the portrayed, perhaps to thank him with that term, so generic in Castilian, for the efforts or aid received from him, who was also the banker of his son Javier. A few years earlier, Goya had thus dedicated "to his friend Arrieta", the portrait he gave to the doctor who saved his life during the illness that affected him in 1819. The artist presented Muguiro for posterity in his most prosaic and mercantile aspect, reading a recently opened letter and seated next to a desk covered with papers, on which shines a large green and gold porcelain inkwell. Goya in his old age condenses his technique in a few brushstrokes, given with sudden impulses of energy, which reveal the effort of his hand and his eyes, almost blind, although it has remained intact. Pérez Sánchez, Alfonso E., "Goya in the Prado. History of a singular collection", Goya. New Visions. Tribute to Enrique Lafuente Ferrari, Isabel García de la Rasilla and Francisco Calvo Serraller (eds.), Madrid, Fundación Amigos del Museo del Prado, 1987, pp. 307-322.

Estim. 6 000 - 7 500 EUR

dim. 26 mai

Attribuée à Simon Guillain (Paris, 1581-1658) Tête de Louis XIII enfant, c. 1610 en pierre calcaire de Tonnerre sculptée en ronde-bosse. Tête ceinte d'une haute couronne royale fleurdelysée et orfévrée ainsi que d'une couronne de laurier portée sur la chevelure; visage avec les joues pleines, les globes oculaires proéminents, les yeux aux caroncules lacrymales ourlées et creusées, la bouche petite aux lèvres desserrées ; la chevelure mi-longue forme autour du visage une suite de mèches ondulées et bouclées au centre foré au trépan. Haut. 43,5 Larg. 27,5 Prof. 28 cm (quelques accidents et manques) Soclée. Haut. totale 60,5 cm. Provenance : ancienne collection Jacques Pouillon (1935-2011), sculpteur et antiquaire, Versailles. Attributed to Simon Guillain, ca. 1610. A large sculpted limestone head of King Louis XIII as a child. LA TÊTE DE LOUIS XIII ENFANT, par Laurence Fligny Le destin de Louis le treizième Suite à l'assassinat de son père Henri IV, le jeune Louis est sacré à Reims le 17 octobre 1610 à l'âge de neuf ans et prend alors le nom de Louis le treizième. Il nous reste quelques gravures et dessins de cet évènement, dont celui de François Quesnel conservé à la Bnf, mais aussi des jetons ou des médailles. Les autres représentations du jeune roi au même âge nous montrent un enfant aux joues rebondies, comme sur la gravure de Léonard Gaultier ou le tableau de Pourbus du Palais Pitti. Outre les « joues bouffies » caractéristiques du jeune monarque, on retrouve sur cette imposante tête en pierre les globes oculaires saillants aux paupières épaisses qui sont un autre trait physique que nous montrent les portraits du souverain devenu adulte, tel le buste en bronze réalisé vers 1643, longtemps attribué à Jean Varin et donné à présent à Bordoni. Un portrait à la gloire du roi Aucune de ces figurations ne le représente cependant portant les deux couronnes, la couronne royale et celle de laurier. On est ainsi en présence d'une image à la gloire du jeune Louis XIII à l'âge de son sacre. Il est difficile d'imaginer à quel type de monument commémoratif pouvait appartenir cette tête imposante, haute de plus d'une quarantaine de centimètres. La volonté de réaliser une telle statue ne pouvait émaner que d'une autorité élevée, proche du pouvoir, telle la régence de Marie de Médicis ou le conseil d'une grande ville de province. Or, les archives ne semblent faire nulle part mention d'une commande semblable. La pierre calcaire, analysée par Annie Blanc, géologue, est un « calcaire blanc mitritique de type pierre de Tonnerre ». Bien que très employée en Bourgogne et jusqu'en Champagne, cette pierre a été aussi travaillée à Paris et dans la région parisienne comme à Versailles tant au XVIe qu’aux XVIIe et XVIIIe siècles. Simon Guillain, un sculpteur émérite Pour une effigie de cette importance du jeune roi, le commanditaire a dû s'adresser à un artiste jouissant d'une certaine renommée ou ayant reçu une sérieuse formation. Quelques noms de sculpteurs ayant pu répondre en 1610 à ce type de commande viennent à l'esprit : Barthélémy Tremblay (Louves-en-Parisis, vers 1568 - Paris, 1636), Guillaume Bertelot (Le Havre, vers 1583 - Paris, 1648) ou encore Simon Guillain (Paris, 1589 - Paris, 1658). Ce dernier cependant semble le plus à même de correspondre à l'auteur de cette étonnante sculpture. Né à Paris en 1589, il est le fils et l'élève du sculpteur Nicolas Guillain, dit Cambrai, mort dans la capitale en 1639. Fondateur, parmi d'autres artistes, de l'Académie en 1648, Simon Guillain est notamment connu pour être l'auteur du monument royal du Pont au Change élevé à la gloire du jeune Louis XIV, entre 1639 et 1647, qui représentait en statues de bronze le souverain - au même âge de 9 ans - entre Louis XIII et Anne d'Autriche, monument considéré comme l'apogée de sa carrière. L'ensemble de ces sculptures est à présent au musée du Louvre. Il n'en était pas à sa première représentation de ce roi, ayant réalisé auparavant une statue en pied de Louis XIII pour orner la porte cochère du bâtiment des juges consulaires, rue du Cloître Saint-Merri, démoli peu après la Révolution. Cette sculpture en pierre le représentait « avec des lions soumis à ses pieds, allusion à ses avantages sur l'Espagne ». On sait de même qu'il avait figuré Saint Louis sous les traits de Louis XIII au retable de Saint-Eustache. Sa réputation de grand portraitiste était également bien établie, puisque de nombreux commanditaires lui avaient confié la réalisation de statues priantes de plusieurs sépultures entre 1620 et 1630. On lui doit notamment celles en marbre de Chrétienne Leclerc († 1628) et de Charlotte-Catherine de la Tremoille († 1629), toutes deux visibles au Louvre (inv. LP 414 et 400, fig. f et g). Les mèches tout autour du visage de cette dernière, avec le toupet relevé au-dessus du fro

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

lun. 27 mai

EMMANUEL HANNAUX (Metz, 1885 - Paris, 1934). "Buste de femme", 1904. Marbre de Carrare. Signé et daté. En parfait état. Dimensions : 65 x 42 x 30 cm. Sculpture ronde en marbre de Carrare représentant un buste féminin. Il s'agit d'une jeune femme aux cheveux attachés en chignon. La dame présente un visage idéal aux traits symétriques, aux racines classiques évidentes, mais traité d'un point de vue pictural. L'auteur nous offre ainsi une image d'expressivité et de dynamisme. En ce qui concerne les aspects techniques et formels, le sculpteur fait preuve d'une grande maîtrise du métier, une virtuosité particulièrement évidente dans les détails tels que la chevelure et les traits du visage. Emmanuel Hannaux commence ses études à l'école industrielle de Strasbourg, mais retourne à Metz au début de la guerre franco-prussienne en 1870. Il poursuit ses études à l'École de modelage et de sculpture. En 1876, il s'installe à Paris, où il est admis à l'École des beaux-arts et reçoit l'enseignement de Dumont, Thomas et Bonassieux. Au Salon de 1889, Hannaux obtient la troisième médaille pour son "Le Bûcheron" ; la même année, il reçoit la deuxième médaille pour son groupe patriotique "Le Drapeau", aujourd'hui au musée de Draguignan ; et en 1894, il reçoit la première médaille pour son "Orphée Mourant", aujourd'hui au musée du Luxembourg. Son œuvre est conservée au musée du Puy. Il réalise des bustes pour de nombreuses personnalités. Au Salon de 1903, Hannaux reçoit la médaille d'honneur.

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

lun. 27 mai

FERDINANDO VICHI (Florence, 1875 - 1945). "Rebecca". Marbre blanc de Carrare. Restauration précise sur deux doigts. Signé et titré. Dimensions : 81 x 31 x 32 cm. La figure féminine, de canon classique et traditionnel, adopte un léger contrapposto, qui marque la silhouette subtile de ses membres tournés. Par la noblesse qui émane de sa pose et l'harmonie de ses traits, elle semble évoquer une figure gréco-romaine, réalisant une synthèse particulière entre la tradition et un expressionnisme obtenu en explorant la rugosité du matériau, l'artiste accordant une grande attention aux textures. Ferdinando Vichi faisait partie du groupe de talentueux sculpteurs toscans qui travaillaient en collaboration avec la galerie Bazzanti de Florence. Il a surtout travaillé dans sa ville natale, au Salone de laquelle il a présenté ses œuvres à de nombreuses reprises. À la fin du XIXe siècle, il dirige un atelier de sculpture sur albâtre à Florence. Ses œuvres, en marbre ou en albâtre, témoignent d'une maîtrise technique exceptionnelle, notamment dans ses figures féminines, aux courbes sinueuses et aux visages introspectifs. Comme beaucoup d'autres sculpteurs de la fin du XIXe siècle, Vichi s'est souvent inspiré de la littérature morale, notamment de la mythologie grecque. Tout au long de sa carrière, il a travaillé sur des sujets variés, tels que des portraits romantiques, des thèmes orientalistes et des copies d'œuvres de la Renaissance et du Baroque.

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

lun. 27 mai

ANTONIO GIOVANNI LANZIROTTI (Naples, 1839 - Palerme, 1921). "Le lilas", vers 1880. Sculpture en marbre sculpté. Signée : A. G. LANZIROTTI. Dimensions : 58 x 33 x 32,5 cm. Sculpture en buste qui suit les modèles du portrait du XVIIIe siècle. Il faut souligner le travail de trépanation florale, ainsi que du ruban qui rassemble les cheveux du modèle. Antonio Giovanni Lanzirotti est l'artiste de cette charmante création. Au cours de son parcours artistique, Lanzirotti a quitté la ville ensoleillée de Palerme pour la riche ville culturelle de Paris, où il a perfectionné son art sous la tutelle de Pollet. Son talent attire l'attention de Vittorio Emanuele II, qui lui commande des sculptures grandeur nature pour le Palazzo Reale de Turin. Lanzirotti ne se consacre pas seulement à l'art, il est aussi un patriote engagé dans la lutte pour la liberté de l'Italie, ce qui lui vaut d'être emprisonné vers 1870. Après sa libération, il est retourné à Paris, où il a présenté l'une de ses œuvres les plus remarquables, "Stella" (1880). Sa profonde connaissance et son amour de l'art l'ont conduit au poste de conservateur de galeries et de musées dans le Royaume d'Italie, notamment au "Palazzo Ducale" d'Urbino, à la "Certosa di Pavia" et à la "Galleria degli Uffizi" de Florence. L'œuvre de Lanzirotti est célèbre dans le monde entier, avec des œuvres telles que "La Pensierosa", exposée au musée du Louvre, et "La Griega". L'esclave grecque" est exposée au Louvre et "L'esclave grecque" est exposée au Musée de Nice en France.

Estim. 6 500 - 7 000 EUR

lun. 27 mai

JOSEP CAÑAS I CAÑAS (Banyeres del Penedés, 1905 - El Vendrell, 2001). Buste féminin. Marbre blanc. Signé sur le côté droit. Sur socle en marbre vert. Dimensions : 37 x 20 x 22 cm (sculpture) ; 6 x 24 x 17 cm (socle). Sculpteur autodidacte, Josep Cañas suit quelques cours à l'École des arts et métiers de Villanueva y la Geltrú, et entre rapidement en contact avec des artistes tels que Damià Torrents et Joaquín Mir. En 1925, après un séjour à Sitges, Cañas s'installe à Barcelone, où il rejoint le Círculo de Sant Lluc et le Real Círculo Artístico, dont il est membre du conseil d'administration. Pendant ces années, il se consacre à la peinture de paysages et, en 1927, il participe à la deuxième exposition d'art du Penedès, qui se tient à El Vendrell. Il se consacre également au théâtre pendant ces années et, en 1927, il crée sa première pièce. Deux ans plus tard, il participe à nouveau à l'exposition du Penedès. En 1930, il installe son premier atelier à Barcelone, grâce à une bourse de la Diputació de Tarragona, et en 1932, il organise sa première exposition individuelle dans la Sala Parés. À partir de ces années, Cañas expose régulièrement ses œuvres au Salón de Montjuic. En 1935, la Generalitat lui accorde une bourse de voyage qui lui permet de se rendre à Londres pour visiter le British Museum, puis à Paris. À son retour, en 1937, il est nommé secrétaire du Casal de Cultura de Cataluña, mais il refuse cette nomination pour aller combattre sur le front de l'Èbre. Il ne participe pas aux combats, mais se consacre à la réalisation des maquettes commandées par l'État-major. Une fois la guerre terminée, il remporte en 1942 le prix de sculpture de l'Exposition nationale des beaux-arts et le musée d'art moderne de Barcelone acquiert l'une de ses œuvres. L'année suivante, il travaille avec Ignacio Zuloaga et, en 1947, il organise une exposition au musée d'art moderne de Madrid, au cours de laquelle l'Institut de la culture hispanique acquiert l'une de ses œuvres pour l'emmener en Amérique. Il s'embarque alors pour accompagner l'œuvre, qui est installée à Carmel, en Californie. C'est dans cette même ville qu'il organisera l'année suivante une exposition des œuvres qu'il y a réalisées. Il se rend ensuite au Mexique, où il reste plusieurs années et organise plusieurs expositions de ses œuvres, entre le Mexique et New York. En 1954, il expose au Musée national d'anthropologie de Mexico et, l'année suivante, il quitte le pays pour participer à la Biennale hispano-américaine de Barcelone, où il dispose d'une chambre individuelle. De nouveau installé en Espagne, il continue à exposer ses œuvres dans des galeries prestigieuses telles que le Parés de Barcelone, le O'Hana de Londres ou le Musée d'art moderne de Madrid, et à réaliser d'importantes commandes pour le Musée de Genève et d'autres clients importants. En 1957, il obtient une médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts et, en 1964, il inaugure le relief "La Sardane" dans le parc du Retiro à Madrid, commandé par le Casal Català de cette ville. Sa reconnaissance publique et officielle ne fera que croître, des livres sont publiés sur son œuvre et il reçoit des distinctions telles que la Croix de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya, en 1986, ou la nomination de fils illustre de sa ville natale.

Estim. 2 400 - 3 000 EUR

lun. 27 mai

Herma de Mars. Romaine. 1er-2e siècle après J.-C. Marbre. Provenance : Collection privée Dr. Angelo Bergamo, New Jersey, États-Unis. Acquis dans les années 1970 auprès de Harmer Rooke Galleries, New York. Collection privée, côte ouest, États-Unis. Acquis par héritage. Conservation : Très bon état, tant de la figure que de la surface du marbre. Petites pertes aux bords des oreilles et de la barbe, ainsi qu'à la crête au sommet du casque, avec une petite réparation à un bord de l'oreille. Le bout du nez a également disparu. Dimensions : 22,3 x 12,8 x 7 cm. Ce buste en marbre représentant le dieu Mars couronnait un pilier rectangulaire habituellement appelé Herma, en l'honneur d'Hermès. Hermas représentait initialement Hermès, mais à l'époque romaine c'est la représentation du dieu de la guerre, Mars, qui est courante, caractérisé comme un jeune homme barbu et aguerri, portant un casque avec un panache, prêt au combat. La qualité de la sculpture peut être appréciée dans les délicates mèches bouclées de la barbe, qui répondent à de profondes incisions, et dans chacun des détails physionomiques. Dans la mythologie romaine, Mars avait de nombreux attributs, il était le dieu de la guerre, de la virilité masculine, de la violence, de la passion, de la sexualité, de la bravoure. Il portait également le titre de patron des guerriers romains, de l'horreur et de la victoire dans les guerres, de la perfection et de la beauté. Les hermas étaient des piliers sur lesquels était placé le buste (à l'époque grecque, il s'agissait de celui du dieu Hermès). Ils étaient très demandés par les Romains disposant d'un certain pouvoir d'achat pour décorer leurs maisons et leurs villas. Ils servaient également de poteaux pour les treillis des jardins d'agrément, et étaient alors généralement ornés de bustes de philosophes ou de grands personnages. Sous l'Empire, la fonction des hermas est plus architecturale que religieuse.

Estim. 25 000 - 35 000 EUR

mar. 28 mai

Fragment de sarcophage ; Empire romain, IIIe siècle apr. Albâtre. Dimensions : 56 x 24 cm. Fragment de sarcophage romain de style oriental, sculpté en demi-gros dans l'albâtre et daté du IIIe siècle après J.-C. Il représente une figure féminine debout, nue, avec le bras gauche plié et appuyé sur la hanche et le bras gauche étendu sur le côté. Aux pieds de la figure, on aperçoit un récipient à corps balustre. La femme apparaît debout sur une base architecturale soutenue par des corbeaux droits, rappelant un entablement classique. La composition est surmontée d'une frise supérieure avec une représentation en relief d'un animal fantastique de profil, une bête hybride avec les ailes et l'arrière-train d'un lion, représentée dans une position expressive avec la tête tournée vers l'arrière, grâce au cou de serpent stylisé, qui définit une courbe élégante. Les Romains ont apporté deux nouveautés importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui, à Rome, sera combinée à la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce du classicisme à travers les colonies de la Grande Grèce, les Romains conquièrent Syracuse en 212 avant J.-C., une riche et importante colonie grecque située en Sicile, ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emportés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusque-romaine qui prévalait jusqu'alors. Peu après, en 133 av. J.-C., l'Empire hérita du royaume de Pergame, où existait une école de sculpture hellénistique originale et florissante. L'immense autel de Pergame, le "Gallus se suicidant" ou le groupe dramatique "Laocoön et ses fils" sont trois des créations phares de cette école hellénistique. D'autre part, après la conquête de la Grèce en 146 av. J.-C., la plupart des artistes grecs s'installèrent à Rome, et nombre d'entre eux se consacrèrent à la réalisation de copies de sculptures grecques, très en vogue à l'époque dans la capitale de l'Empire. Ainsi, de nombreuses copies de Praxitèle, de Lysippe et d'œuvres classiques du Ve siècle avant J.-C. ont été produites, donnant naissance à l'école néo-attique de Rome, premier mouvement néoclassique de l'histoire de l'art. Cependant, entre la fin du IIe siècle av. J.-C. et le début du Ier siècle av. J.-C., on assiste à un changement de cette tendance grecque puriste, qui aboutit à la création d'une école nationale de sculpture à Rome, d'où émergent des œuvres telles que l'Autel d'Aenobarbus, qui introduit déjà un concept narratif typiquement romain, qui deviendra une chronique de la vie quotidienne et, en même temps, de la réussite de son modèle politique. Cette école sera le précurseur du grand art impérial d'Auguste, sous le mandat duquel Rome est devenue la ville la plus influente de l'Empire et aussi le nouveau centre de la culture hellénistique, comme Pergame et Alexandrie l'avaient été auparavant, attirant un grand nombre d'artistes et d'artisans grecs. À l'époque augustéenne, Rome a contribué à la continuité et au renouvellement d'une tradition qui jouissait déjà d'un prestige séculaire et qui avait dicté le caractère de tout l'art de la région. Dans cette nouvelle étape, l'esthétique et la technique grecques seront appliquées aux thèmes de cette nouvelle Rome. Après l'idéalisation de l'époque augustéenne, le réalisme de l'époque flavienne et le baroque des IIe et IIIe siècles, la sculpture romaine, marquée par la présence du christianisme, tend à se déshumaniser, à devenir plus idéale et symbolique. Le souci de réalisme se perd et l'on assiste à une schématisation qui cherche à capter l'idéal, l'âme ou la divinité, et non l'aspect humain des figures. La sculpture, en correspondance avec cette nouvelle esthétique, acquiert une grande dureté et les figures un noble hiératisme.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

mar. 28 mai

Fragment de stèle grecque, IVe siècle av. Calcaire durci. Dimensions : 31 x 34 cm. Fragment d'une stèle funéraire grecque, datée du IVe siècle avant J.-C. et taillée dans le calcaire, représentant deux personnages assis, un homme et une femme. Il s'agit probablement d'une représentation du couple défunt, bien que l'on puisse noter la présence d'un troisième personnage, qui pose son bras sur les épaules du personnage masculin. Les deux personnages sont vêtus de tuniques, la femme avec un voile sur la tête et l'homme avec un manteau. Ils sont représentés dans des attitudes sereines et équilibrées, mais naturalistes, qui témoignent de l'évolution vers le réalisme et l'expressivité de la sculpture grecque de l'époque hellénistique. La sculpture hellénistique représente la dernière période de l'évolution de la sculpture grecque et s'est développée entre la mort d'Alexandre le Grand, en 323 avant J.-C., et la conquête de l'Égypte par les Romains, entre 30 et 31 avant J.-C. Il s'agit d'un langage éclectique, séculaire et historiciste, qui prend comme point de départ l'héritage de la sculpture classique de la période précédente, auquel s'ajoutent de nouvelles influences orientales. Cela signifie également l'amélioration de la représentation de l'anatomie et de l'expressivité émotionnelle humaine, ainsi qu'un changement fondamental dans l'esthétique, qui laisse de côté l'idéal pour représenter l'individu, en passant du générique au spécifique. Ainsi, l'idéal éthique et pédagogique précédent est abandonné au profit d'un nouvel accent mis sur les aspects humains quotidiens, dans un art dont l'objectif principal est l'esthétique, bien qu'il soit parfois aussi propagandiste. Ce nouvel intérêt pour l'homme et sa vie intérieure, ses émotions, ses problèmes et ses désirs, se traduira par un style réaliste qui devra mettre l'accent sur le dramatique, le prosaïque et le mouvement. En outre, l'hellénisme a apporté les premiers portraits individualisés et plausibles de l'art occidental. Le sujet sera également élargi pour inclure des représentations de la vieillesse et de l'enfance, des divinités mineures non olympiennes et des personnages secondaires de la mythologie, ainsi que des figures populaires dans leur travail quotidien.

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

mar. 28 mai

Buste de femme ; Rome, IIe siècle apr. Marbre. Il présente une usure superficielle, une érosion et des pertes matérielles. Dimensions : 22 x 15 x 13 cm. Buste romain en marbre blanc représentant une jeune femme. La pièce présente un visage serein avec des yeux en amande au regard expressif et des lèvres légèrement pincées, ainsi qu'une coiffure haute avec des cheveux ondulés, avec une cape ou un foulard sur la tête. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui à Rome sera combinée avec la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce du classicisme à travers les colonies de la Grande Grèce, les Romains conquièrent Syracuse en 212 avant J.-C., une riche et importante colonie grecque située en Sicile, ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emportés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusque-romaine qui prévalait jusqu'alors. Peu après, en 133 av. J.-C., l'Empire hérita du royaume de Pergame, où existait une école de sculpture hellénistique originale et florissante. L'immense autel de Pergame, le "Gallus se suicidant" ou le groupe dramatique "Laocoön et ses fils" sont trois des créations phares de cette école hellénistique. En revanche, après la conquête de la Grèce en 146 av. J.-C., la plupart des artistes grecs s'installèrent à Rome, et nombre d'entre eux se consacrèrent à la réalisation de copies de sculptures grecques, très en vogue à l'époque dans la capitale de l'Empire. Elle présente une usure de surface, une érosion et des pertes matérielles.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR
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