26th June - Old Masters

Los 1 - Italienische Schule; Ende des sechzehnten Jahrhunderts. "Madonna mit Kind". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Maße: 121 x 94 cm; 123 x 105 cm (Rahmen). In diesem Gemälde stellt der Autor eine Szene dar, die in der Kunstgeschichte vor allem seit der Renaissance sehr häufig vorkommt: die Jungfrau mit dem Jesuskind in ihren Armen. Dieses Thema war in der Renaissance und im Barock weit verbreitet, da es den menschlichen Aspekt Christi, die Unschuld und das Glück seiner Kindheit, in dramatischem Gegensatz zu seinem Opferschicksal hervorhob. So erscheint der Erlöser als ein Kind von zarter Schönheit und weicher Anatomie, das von der mütterlichen Gestalt Marias beschützt wird, deren Gesicht in seiner Ernsthaftigkeit das Wissen um das bittere Schicksal ihres Sohnes zeigt. Seit dem Ende des Mittelalters bestanden die Künstler darauf, das Band der Zuneigung, das Christus mit seiner Mutter verband, und die enge Beziehung zwischen den beiden immer intensiver darzustellen; dies wurde in der Renaissance und natürlich im Barock gefördert, als die Übersteigerung der Gefühle einen Großteil der künstlerischen Produktion kennzeichnete. Das Thema der Jungfrau mit dem Jesuskind, genauer gesagt mit ihm auf dem Schoß, sitzend oder stehend, hat seinen Ursprung in den östlichen Religionen des Altertums, in Bildern wie dem der Isis mit ihrem Sohn Horus, aber der direkteste Bezug ist der der Jungfrau als "Sedes Sapientiae" oder Thron Gottes in der mittelalterlichen christlichen Kunst. Mit dem Voranschreiten des Naturalismus wird die Jungfrau allmählich vom einfachen "Thron" des Kindes zur Darstellung einer Beziehung der Zuneigung, beginnend in der Gotik. Von da an bewegen sich die Figuren, nähern sich einander an, und schließlich verschwindet das Konzept des Throns und damit auch die untergeordnete Rolle der Jungfrau. Auf diese Weise wird das Bild zu einem Beispiel für die Liebe zwischen Maria und ihrem Sohn, ein Bild der Zärtlichkeit, der Nähe, das den Geist der Gläubigen bewegen soll.

Schätzw. 8 500 - 9 000 EUR

Los 2 - Lombardische Schule; XVI Jahrhundert. "Die Enthauptung des Täufers". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Maße: 50 x 65 cm; 58 x 72 cm (Rahmen). Die lombardische Schule ist innerhalb der italienischen Malerei eine Seltenheit, da sie nicht die Merkmale aufweist, die andere Schulen wie die römische oder venezianische vereinigen. So lassen sich innerhalb dieser nördlichen Schule mehrere Unterschulen unterscheiden, die sich in den Städten Mailand, Genua, Piemont, Bologna, Cremona, Modena, Ferrara und Parma konzentrieren. Der Begriff lombardische Schule wird jedoch häufig mit der Mailänder Schule gleichgesetzt. In diesem besonderen Fall folgt das Werk den Modellen von Bernardino Luini (1481 - Mailand, 1532), der mehrere Versionen desselben Themas schuf, wie die Werke in den Uffizien (Florenz) und das Gemälde im Prado-Museum (Madrid) belegen. Der Überlieferung nach tanzte Salome, eine Frau von großer Schönheit, für ihren Stiefvater, der ihr begeistert anbot, ihr den von ihr gewünschten Preis zu gewähren. Dann bat die junge Frau auf Anweisung ihrer Mutter um den Kopf des Täufers, der ihr "auf einem Silbertablett" überreicht wurde. Diese biblische Geschichte wurde oft in der Malerei dargestellt, da sie die Möglichkeit bietet, exotische Schauplätze und halbnackte Frauen darzustellen, ohne das biblische Repertoire zu verlassen, obwohl es sich nicht um dieses spezielle Werk handelt. Salome war eine Prinzessin, Tochter des Herodes Philippus und der Herodias und Stieftochter des Herodes Antipas, die in einer im Neuen Testament (Matthäus und Markus) erzählten Geschichte mit dem Tod Johannes des Täufers in Verbindung gebracht wird. Herodias, die Frau von Herodes Philippus, heiratete auf skandalöse Weise den Halbbruder von diesem, Herodes Antipas, was einen Krieg provozierte, da Herodes Antipas seine vorherige Frau, die Tochter des nabatäischen Herrschers, deswegen verstoßen hatte. Die Haltung der neuen Ehe wurde vom Volk sehr kritisiert, da sie als sündhaft angesehen wurde, und einer derjenigen, die sie am meisten anprangerten, war Johannes der Täufer, weshalb er verhaftet wurde, obwohl Herodes aus Angst vor dem Volkszorn nicht wagte, ihn hinzurichten. Der Überlieferung nach tanzte Salome, eine sehr schöne Frau, für ihren Stiefvater, und er bot ihr begeistert an, ihr den gewünschten Preis zu gewähren. Dann bat die junge Frau auf Anweisung ihrer Mutter um den Kopf des Täufers, der ihr "auf einem Silbertablett" überreicht wurde.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 3 - Italienischer Meister; 17. Jahrhundert. "Narziss". Carrara-Marmor. Es präsentiert Fehler und Restaurierungen. Abmessungen: 217 x 130 x 60 cm. Skulptur in Carrara-Marmor geschnitzt, die eine junge Ephebe darstellt. Technisch gesehen handelt es sich um ein Werk, das von einem anatomischen Kanon klassischen Charakters ausgeht, mit naturalistischen Dimensionen, die zu einer für den Barock typischen Dynamik und Ausdruckskraft tendieren. Dieses Merkmal zeigt sich in der Haltung des Protagonisten mit gekreuzten Beinen und einem nach vorne gestreckten Arm sowie in der Behandlung des Stoffes, der seine Taille bedeckt, wo die üppigen Falten ein Spiel von Licht und Schatten erzeugen, das die Größe des Volumens begünstigt. In ästhetischer Hinsicht ist das Werk von der klassischen, insbesondere der römischen Bildhauerei inspiriert, die ihrerseits in gewisser Weise auf der griechischen basiert, trotz anderer stilistischer Einflüsse und eigener Besonderheiten. In diesem Fall ist anzumerken, dass das Werk einer historischen Periode entspricht, in der die Antike als Beispiel für eine tugendhafte Gesellschaft herangezogen wird, die die von den genannten Kulturen geschaffenen Modelle aufgreift und adaptiert. Dieses Werk, das sowohl die Tradition der barocken Bildhauerei als auch den expressiven und theatralischen Geschmack des Barocks in sich vereint, erinnert in seiner Komposition weitgehend an die zwischen 1623 und 1624 entstandene Skulptur des David von Bernini, die sich heute in der Sammlung der Galleria Borghese befindet. Der bekanntesten Version der Geschichte von Ovid zufolge, die für seine Schönheit bekannt ist, lehnte Narziss alle Annäherungsversuche ab und verliebte sich schließlich in ein Spiegelbild in einem Wasserbecken, tragischerweise ohne sein Ebenbild zu bemerken, das ihn entzückte. In einigen Versionen schlug er sich mit Purpur auf die Brust, weil er von dieser reflektierten Liebe abgeschnitten war, und an ihrer Stelle spross eine Blume, die seinen Namen trug. Aus antiken Quellen sind mehrere Versionen des Mythos überliefert, eine vom griechischen Reisenden und Geographen Pausanias aus dem 2. Jahrhundert n. Chr. und eine populärere von Ovid, die vor dem Jahr 8 n. Chr. veröffentlicht wurde und sich in Buch 3 seiner Metamorphosen findet. Es ist die Geschichte von Echo und Narziss, eine Geschichte innerhalb einer Geschichte. Ovid stellt die Geschichte als Prüfung der prophetischen Fähigkeiten des Tiresias dar, eines Menschen, der sowohl männlich als auch weiblich war und dessen Augenlicht ihm während eines Wettstreits zwischen Juno und Jove genommen wurde. Er hatte sich auf die Seite des Jupiter gestellt, und Juno ließ ihn im Zorn erblinden. Stattdessen gewährte Jove ihr das künftige Augenlicht, die Prophezeiung. Die Prophezeiung, die Tiresias seinen Namen gab, war die Geschichte von Echo und Narcissus. Sie zeigt Fehler und Wiederherstellungen.

Schätzw. 180 000 - 200 000 EUR

Los 4 - Flämische Schule; zweites Drittel des 17. Jahrhunderts. "Das Jüngste Gericht": Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Mit Fehlern und Übermalungen. Maße: 207 x 178 cm. Der Autor dieses Werkes stellt das Jüngste Gericht in Anlehnung an die Ikonographie der Renaissance dar, mit einer Komposition, die in zwei Ebenen gegliedert ist, die himmlische und die irdische. Oben, in der Mitte, erscheint Christus als Richter, der auf einer Wolke sitzend seine Hand zum Segen als Zeichen der Autorität erhebt. Er wird auf beiden Seiten vom heiligen Josef und der Jungfrau Maria begleitet, die als Fürsprecherin für die Menschheit beim Jüngsten Gericht auftritt. Die obere Ebene wird auf beiden Seiten durch religiöse Gruppen vervollständigt. In der unteren Ebene fällt die Größe der Figuren auf. Dies ist darauf zurückzuführen, dass der Autor versucht hat, die größere Entfernung zwischen dem Betrachter und dem Himmel, der sich ja über seinem Kopf befindet, bildlich darzustellen. Heilige und Märtyrer erscheinen auf dieser unteren Ebene. Das Werk basiert auf dem Gemälde des Jüngsten Gerichts im Museo de Bellas Artes in Chile, gemalt von Marten de Vos (Antwerpen, 1532-1603), einem flämischen Maler, der vor allem für seine allegorischen Gemälde und Porträts bekannt ist. Zusammen mit den Brüdern Ambrosius Francken I. und Frans Francken I. war er einer der führenden Historienmaler der spanischen Niederlande. De Vos war ein produktiver Zeichner und fertigte zahlreiche Entwürfe für die Antwerpener Druckereien an. Diese zirkulierten weit in Europa und den spanischen Kolonien und trugen zu seinem internationalen Ruf und Einfluss bei. Seine Entwürfe wurden auch als Vorlagen für Wandteppiche und Glasmalereien verwendet. In den 1580er Jahren schuf er zahlreiche Entwürfe für Stiche und Buchillustrationen. Sein Bruder Pieter de Vos war ebenfalls Maler, und einige Werke, die früher Maerten de Vos zugeschrieben wurden, wurden versuchsweise diesem Bruder oder dem so genannten Pseudo de Vos zugeschrieben. Das so genannte Skizzenbuch von Marten de Vos (um 1560; Rijksmuseum, Amsterdam), das Kopien früherer Zeichnungen klassischer Kunstwerke enthält, wird heute dem Kreis um Frans Floris zugeschrieben. Nach den ikonoklastischen Plünderungen des Beeldensturms, die 1566 ihren Höhepunkt erreichten und zur Zerstörung eines Großteils der Kunst in den Kirchen Flanderns führten, gehörte de Vos zu den Künstlern, die damit beauftragt wurden, die geplünderten Kirchen mit neuen Altarbildern auszustatten. Viele dieser Gemälde, wie z. B. St. Lukas, der die Jungfrau malt (1602), das für den Altar der St.-Lukas-Gilde in der Liebfrauenkathedrale in Antwerpen gemalt wurde (heute im Königlichen Museum der Schönen Künste in Antwerpen), um ein von Quinten Metsys gemaltes und mehr als 20 Jahre zuvor zerstörtes Gemälde zum selben Thema zu ersetzen, und die Hochzeit zu Kana (1597), die für die Gilde der Weinhändler gemalt wurde, wurden von führenden Antwerpener Organisationen in Auftrag gegeben.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 5 - Florentinische oder sienesische Schule; Ende des XVI Jahrhunderts. "Mystische Vermählung der Heiligen Katharina und Sebastian, des Heiligen Franziskus und der Heiligen Lucia". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Maße: 126 x 133 cm. Auf dieser Leinwand ist die mystische Hochzeit der Heiligen Katharina dargestellt, die von Santiago de la Vorágine in seiner "Goldenen Legende" erzählt wird. Die Legende erzählt, dass die Heilige Katharina von königlicher Abstammung war, Tochter einer sizilianischen Königin und eines samaritanischen Prinzen, und dass sie im Alter von achtzehn Jahren immer noch nicht heiratete, weil sie sich für so schön und intelligent hielt, dass kein sterblicher Mann sie verdiente. Der Einsiedler Ananias forderte sie auf, einen Mann zu heiraten, der allen Männern auf der Erde überlegen war, aber die junge Frau verlangte, ihn zu sehen, bevor sie ihn heiratete. Der Einsiedler wies sie daraufhin an, sich nachts in ihrem Zimmer einzuschließen, die Fackeln anzuzünden, als ob sie einen großen Gast empfangen wollte, und laut die Anrufung auszusprechen: "Frau, Mutter Gottes, sei mir gnädig und erlaube mir, deinen göttlichen Sohn zu sehen". Das tat sie, und die Jungfrau erschien ihr mit dem Kind, das ihr Jesus zur Frau anbot. Das Kind weigerte sich jedoch, sie zur Frau zu nehmen, weil sie nicht schön genug war. Sie deutete den Traum als Vorwurf des mangelnden Glaubens und zog sich in die Wüste zurück, um bei einem Einsiedler die christlichen Regeln zu lernen, und ließ sich taufen. In einem neuen Traum akzeptierte das Kind ihre Schönheit, die Schönheit ihrer Seele, und Katharina wurde die himmlische Braut Christi, eine Ehe, die bestätigt wurde, als Jesus ihr einen Ring an den Finger steckte. Die Qualität der Ausführung ist ausgezeichnet, die Subtilität der Faltung des roten Mantels der Jungfrau mit dem Spiel von Licht und Schatten, die das Volumen auf fließende und natürliche Weise formen, ist ein Beispiel für das künstlerische Können des Malers. Erwähnenswert ist auch die Behandlung der Farben, mit einer Palette von Farben von großer Ausdruckskraft, die sich erst in den letzten Flächen verdunkeln. Aufgrund der technischen Merkmale, wie der Modellierung der Formen, der verwendeten Tonalitäten, der Art der Komposition und sogar der verwendeten ästhetischen Details, kann dieses Werk der norditalienischen Schule zugeordnet werden.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 6 - ANTONIO PONCE (Valladolid, h. 1608-h. 1667) "Stilleben". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Maße: 56 x 99 cm; 66 x 110 cm (Rahmen). Formal in dieser Arbeit unterstreicht die zarte Behandlung der verschiedenen Qualitäten und Texturen: der Topf, die Blätter der Zweige von Obst, etc, Qualitäten, die mit der Verwendung eines völlig dunklen Hintergrund, die größere Dreidimensionalität, um Lebensmittel, die dieses Stillleben machen unterstützt werden verbessert. Arbeit zeigt einige tenebrist Einfluss und Beleuchtung hebt die Volumina im Gegensatz zu den Schatten. Die reduzierte Farbpalette bevorzugt Erdtöne, die durch einen Hauch von Rot, Weiß und Gelb belebt werden. Einige dieser Merkmale erinnern an das Werk von Loarte oder die späte Periode von Van der Hamen: eine Anhäufung von Objekten, die eine Art verwirrende Unordnung vermittelt, etwas hellere Hintergründe, feine taktile Qualitäten und das Spiel der Diagonalen deuten auf eine neue Betrachtung des Trägen hin. Eine neue Betrachtung der trägen Aspekte des Stilllebens an der Schwelle zur wachsenden Dynamik des Barocks. Seine technische Beherrschung ist unbestreitbar, mit einer Abfolge von flachen Pinselstrichen, die immer wieder von weiteren Strichen unterbrochen werden, die die Reflexion des von links einfallenden Lichts vermitteln. Wie so oft bei diesem Künstler gibt es eine merkwürdige Art und Weise, die Umrisse bestimmter Elemente mit dickeren und eindringlicheren Pinselstrichen abzugrenzen, die deren Realität mit mehr Nachdruck unterstreichen. Im Jahr 1624 trat Antonio Ponce als Lehrling in die Werkstatt von Juan Van der Hamen ein, dem berühmtesten Stilllebenmaler seiner Zeit. Der Einfluss seines Meisters zeigt sich in seinen ersten Gemälden mit einer manchmal überlagerten Anordnung auf steinernen Gebälken und der starken Hell-Dunkel-Beleuchtung karawaggesker Herkunft. Als Stilllebenmaler widmete er sich einer großen Vielfalt von Themen und Formaten, Obst und Gemüse, aber auch Wild und Blumen, Monatsreihen und kleine Kabinettbilder. Von 1637 bis 1638 arbeitete Ponce im Palast Buen Retiro (Madrid), der von König Philipp IV. erbaut wurde. Im Juli und August 1649 arbeitete er mit einer Gruppe von Künstlern an der flüchtigen Dekoration der Stufen des Platzes und der Kirche San Felipe el Real im Rahmen der Feierlichkeiten zum Einzug von Mariana von Österreich mit. In den 1640er Jahren wählte er hellere und leuchtende Hintergründe, die von weichen Punzen und einer zum Grau tendierenden Farbskala durchzogen waren.

Schätzw. 30 000 - 35 000 EUR

Los 7 - Flämische Schule; Anfang des siebzehnten Jahrhunderts. "Porträt eines Herrn". Öl auf Eichenholzplatte. Wiegen. Übermalung. Gebürstetes Brett. Maße: 104 x 82 cm; 116 x 93 cm (Rahmen). Eine unbedeckte Hand, die auf grünem Samt ruht, und eine behandschuhte Hand zeugen von der Qualität dieses Porträts. Die Feinheit der Behandlung der Hände, die leichte und zarte Malweise der Halskrause und die naturalistische Wahrhaftigkeit des Gesichts des Protagonisten. Aufrecht dem Betrachter zugewandt, wenn auch leicht gedreht, wie es bei Hofporträts dieser Zeit üblich ist, steht der Protagonist mit großer Würde vor dem Betrachter. Nur der Tisch, auf dem seine Hand ruht, ist Teil der Ornamentik dieses Werks, das sich durch seine Strenge auszeichnet, die nicht nur im neutralen Hintergrund, sondern auch in der Figur des Protagonisten selbst sichtbar ist, der in strenges Schwarz gekleidet ist und von dem sich nur die Farbe der Handschuhe und der Halskrause abhebt. Wenige Elemente, aber von großer Wirkung, da sie darauf hinweisen, dass es sich um eine Figur von großer sozialer Bedeutung handelt, die einer hohen Gesellschaftsschicht angehört. Die kleinen Pinselstriche des Gesichts verraten nicht nur die technische Meisterschaft, sondern auch das Interesse des Künstlers, die Psychologie des Protagonisten zu erfassen. Das Porträt war eine der wichtigsten Gattungen der flämischen Malerei des 17. Jahrhunderts. In der Erfassung der Persönlichkeit dieses Herrn oder Aristokraten, die wir zeigen, wird die Lehre von Meistern wie Rembrandt oder Frans Hals bestätigt. Die technische Qualität, der Realismus und die Wahrhaftigkeit des Gesichts des Protagonisten bringen das Werk näher an den Stil der flämischen Schule. Eine Schule, in der das Porträt, sowohl das Einzel- als auch das Gruppenporträt und sogar die Figur, die Beziehungen des Individuums zur Gesellschaft zu verkörpern suchte und damit seine Entstehung popularisierte. Dieses Genre macht ein Drittel der gesamten Produktion der flämischen Schule aus. Im 17. Jahrhundert war das Panorama der europäischen Porträtmalerei vielfältig und breit gefächert, von zahlreichen Einflüssen geprägt und weitgehend vom Geschmack der Auftraggeber und des Malers selbst bestimmt. In diesem Jahrhundert entstand jedoch ein neues Konzept der Porträtmalerei, das sich im Laufe des Jahrhunderts weiterentwickeln und alle nationalen Schulen vereinen sollte: der Wunsch, die Persönlichkeit des Menschen und seinen Charakter jenseits seiner äußeren Realität und seines sozialen Ranges in seinem Bildnis zu erfassen. Im Laufe des letzten Jahrhunderts hatte sich die Porträtmalerei in den oberen Schichten durchgesetzt und war nicht mehr nur dem Hof vorbehalten. Jahrhundert und noch mehr im 18. Jahrhundert lockern sich die Formeln des Genres und entfernen sich von den pompösen und symbolischen offiziellen Darstellungen, die für den Barockapparat typisch waren. Jahrhundert auf die starre Etikette des vorangegangenen Jahrhunderts mit einer menschlicheren und individuelleren Lebensauffassung reagieren, was sich in allen Bereichen widerspiegelt, angefangen bei den Möbeln, die kleiner und bequemer werden und die großen vergoldeten und geschnitzten Möbel ersetzen, bis hin zum Porträt selbst, das, wie wir hier sehen, auf jedes symbolische oder szenografische Element verzichtet, um statt der Figur das Individuum zu erfassen. Übermalung. Gebürsteter Karton.

Schätzw. 38 000 - 40 000 EUR

Los 8 - Niederländische Schule; 17. Jahrhundert. "Stillleben". Öl auf Eichenholzplatte. Wiege. Enthält Restaurierungen. Maße: 60 x 85 cm; 87 x 112 cm (Rahmen). Das Trompe l'oeil, das durch die Faltung der weißen Tischdecke entsteht, beschreibt die Zartheit dieses Werks, in dem die gesamte Szenerie durch die Qualität, mit der jedes der Elemente, aus denen das Stillleben besteht, gemalt ist, eine individuelle Note erhält. Der Autor präsentiert eine Szene von großer Wahrhaftigkeit, die von einem freundlichen und goldenen Licht modelliert wird, aber nicht auf eine gewisse Theatralik verzichtet, die dank des schräg gestellten Porzellantabletts definiert wird, das dem Betrachter seinen Inhalt zeigen soll. Dieses Tablett mit Trauben, die noch die Blätter der Rebe tragen, ist neben einem Plan auf einem glänzenden Teller angeordnet. Beide Elemente, die sich im Vordergrund befinden, laden den Betrachter dazu ein, über das eigentliche Thema des Stilllebens hinauszugehen und eine Allegorie der Eucharistie zu unterstützen. Aufgrund seiner technischen und formalen Merkmale lässt sich das vorliegende Werk dem Umkreis von Willem Kalf, einem der bedeutendsten niederländischen Stilllebenmaler aller Zeiten, zuordnen. Seinem Stil entsprechend handelt es sich um ein im Vordergrund festgehaltenes Stillleben, bei dem sich ausgewählte Gegenstände auf einem Tisch vor einem neutralen Hintergrund abheben. Wie in vielen von Kalfs Werken gibt es fast immer eine Porzellanschale, die oft so gekippt ist, dass das Obst herausfällt. Willem Kalf wurde 1619 in Rotterdam geboren. Früher glaubte man, dass er 1622 geboren wurde, aber Nachforschungen im Archiv von H. van Gelder ergaben den richtigen Geburtsort und das richtige Geburtsdatum des Malers. In den späten 1630er Jahren reiste Willem Kalf nach Paris und verbrachte einige Zeit im Kreis der flämischen Künstler in Saint-Germain-des-Prés, Paris. In Paris malte er hauptsächlich kleinformatige ländliche Interieurs und Stillleben. Kalfs rustikale Interieurs werden in der Regel von Gruppen von Gemüse, Eimern, Töpfen und Pfannen dominiert, die im Vordergrund angeordnet sind (z. B. Küchenstillleben, Dresden, Gemäldegal, Alte Meister). Die Figuren erscheinen meist im verschwommenen Dunkel des Hintergrunds. Obwohl in Paris gemalt, wurden Gemälde traditioneller Werke in Flandern im frühen 17. Jahrhundert von Künstlern wie David Teniers dem Jüngeren geschaffen. Der einzige Hinweis auf die flämische Herkunft der Gemälde besteht darin, dass flämische Vertreter desselben Genres in ihren Werken nicht abgebildet wurden. Die rustikalen Kalbsinterieurs hatten einen großen Einfluss auf die französische Kunst im Umkreis der Brüder Le Nain. Die halbmonochromen Stillleben, die Calf in den 1630er Jahren in Paris schuf, knüpfen an die Bankett- oder "kleinen Bankettstücke" von Pieter Claesz, Willem Claeszoon Heda und anderen an. In den 1640er Jahren entwickelte Calf die Bank zu einer neuen Form von prächtigen und reich verzierten Stillleben (so genannten Schaustillleben) weiter, die reiche Gruppen von Gold- und Silbergefäßen zeigen. Wie andere Stilleben dieser Zeit drücken diese Gemälde oft Vanitas-Allegorien aus. Kalfs Stillleben unterscheiden sich kaum in ihrer Struktur, und die meisten von ihnen zeigen dieselben Gegenstände. Es handelt sich um Tafelgeschirr mit Gold- und Silbergefäßen, von denen viele mit Goldschmieden wie Johannes Lutma identifiziert worden sind. Es werden Restaurierungen vorgestellt.

Schätzw. 15 000 - 18 000 EUR

Los 9 - Spanische Schule: 17. Jahrhundert. "Die Ekstase von San Francisco". Öl auf Platte. Präsentiert Übermalungen und Restaurierungen. Maße: 65 x 51 cm; 75 x 61 cm (Rahmen).

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 10 - Französische Schule; Ende des 18. Jahrhunderts. "Landschaften". Öl auf Leinwand. Neu gezeichnet. Es präsentiert Restaurierungen. Bewahrt den Rahmen aus dem 19. Jahrhundert. Maße: 59 x 98 cm (x2); 68 x 108 cm (Rahmen, x2). In diesem Werkpaar sehen wir eine weite Landschaft, die auf einer soliden Struktur aufbaut, die geschickt gelöst ist, da sie die Diagonalen und die Horizontalen, verstärkt durch das Spiel des Lichts, ausgewogen kombiniert, um die räumliche Konstruktion zu festigen. Interessant ist der Baum, den der Künstler in beiden Kompositionen auf der linken Seite platziert hat, um ihn als horizontale Linie zu etablieren, die zum Gleichgewicht der Diagonalen beiträgt, die an beiden Enden des unteren Teils der Leinwand beginnen. Hinter diesen Vordergründen öffnet sich die Landschaft und gibt den Blick frei auf den gewundenen Lauf eines schiffbaren Flusses, an dessen Ufern sich in der Ferne bläuliche Berge erheben, die sich von einem goldenen, blauen, aber von orangefarbenen Wolken durchzogenen Himmel abheben. Die kluge Komposition sowie die Art und Weise, wie die Baumkronen und andere formale Details herausgearbeitet wurden, erlauben es uns, dieses Werk in die Tradition der französischen Schule einzuordnen. Obwohl die Landschaftsmalerei als eigenständige Gattung im 16. Jahrhundert in Flandern aufkam, besteht kein Zweifel daran, dass diese Art der Malerei nicht erst unter den niederländischen Künstlern ihre volle Entfaltung fand. Man kann sagen, dass sie die naturalistische Landschaft praktisch erfunden haben, die sie zu einem ausschließlich zentralen Merkmal ihres künstlerischen Erbes erklärten. Dieses Interesse erstreckte sich jedoch auch auf andere Schulen wie die französische, da dieses Genre die Werte der Nation verherrlichte, denn der von Stolz auf sein Land erfüllte Maler verstand es, in seinen Gemälden die Schönheit der weiten Ländereien und des bedeckten Himmels, die regelmäßige Anordnung der Kanäle und der sich schlängelnden Flüsse, die Polder und Deiche, die Strände und natürlich die spektakulären stürmischen Meere zu zeigen. Trotz ihres Naturalismus oder der erfinderischen Aufzeichnung von Tatsachen waren die französischen Landschaften mindestens ebenso sehr ein Produkt der Phantasie wie der Beobachtung.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 11 - Niederländische Schule des 17. Jahrhunderts. "Tavernenszene". Öl auf Leinwand. Die Leinwand hat einen Riss im oberen linken Teil. Leichte Beschädigung an den Rändern durch einen alten Rahmen. Maße: 60 x 91 cm. Die vorliegende Szene ist in einem bescheidenen Interieur angesiedelt und zeigt ein unbedeutendes Thema in einer Taverne. Drei bescheidene Männer und eine Frau, die alle nach der Mode der Zeit und der Gegend gekleidet sind, sitzen um einen Tisch herum auf zu Stühlen umfunktionierten Fässern. Die Figuren unterhalten sich miteinander, wie man aus ihren Gesten schließen kann, und werden von einer Reihe von Elementen begleitet, mit deren Qualitäten sich der Künstler befasst hat, wie es in der Schule seit den gotischen Werken und der Einführung von Öl als Bindemittel bei den sogenannten flämischen Werken üblich ist. Dieses Werk gehört also zur Gattung der Tavernenmalerei, die im frühbarocken Flandern von den Meistern Adriaen Brouwer (1605-1638) und David Teniers (1610-1690) geschaffen wurde und die bald nach Holland kam. Wie der Name schon sagt, handelt es sich dabei um Tavernenszenen, die als Kostümbildner bekannt sind, weil sie die üblichen Praktiken des einfachen Volkes der damaligen Zeit darstellen, mit einer beträchtlichen Vielfalt an Stilen, aber immer unter Beibehaltung sowohl des Themas als auch einer klaren Vorliebe für eine erdige Farbgebung. Beeinflusst von den beiden oben genannten Meistern, haben die Maler, die diese Art von Werken schufen, in der Regel einen Innenraum mit einer sehr raffinierten Farbpalette auf der Grundlage von Erd- und Ockertönen gestaltet, die für den frühbarocken Naturalismus typisch sind. Stilistisch stehen diese Maler in der Regel in der Nähe von Teniers (detailliertere Werke; präziser, lockerer, aber kurzer Pinselstrich, der die Formen und Eigenschaften von Figuren und Gegenständen definiert, ohne die Bedeutung der Zeichnung herunterzuspielen) oder Brower (eher karikaturistischer Stil, Pinselstrich und Formen, die sich von denen von Teniers unterscheiden).

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 12 - Spanische Schule, 17. Jahrhundert. "Der Heilige Isidor". Öl auf Platte. Rahmen aus dem 18. Jahrhundert. Muss restauriert und gereinigt werden. Es präsentiert Reste von alten Xylophagen. Maße: 79 x 66 cm; 92 x 79 cm (Rahmen). Szene mit dem Heiligen Roque, dessen rechte Hand segnend über zwei Gläubige ausgestreckt ist, die vor ihm knien. Der Heilige ist an dem Pilgerstab, den er in der linken Hand hält, und an den bescheidenen Tüchern, die ihn bekleiden, zu erkennen. Der Maler hatte es nicht nötig, die charakteristischsten Motive der Figur (die Wunde und den Hund) darzustellen und konzentrierte sich stattdessen auf die Beziehung zwischen den vier Figuren. Sie befinden sich in einer bewaldeten Landschaft, die in ein diffuses Licht getaucht ist, das ihnen eine solide Farbgebung mit festen Pinselstrichen verleiht, die das Volumen aufbauen. Der Heilige, auf dessen Gesicht das Licht fällt, ist in Gedanken versunken. Die anderen Gesichter hingegen drücken das Vertrauen in seine Heilkraft und Menschenfreundlichkeit aus. Der Heilige Rochus war einer der beliebtesten Heiligen im katholischen Europa des späten Mittelalters und der gesamten Neuzeit, da er als Beschützer gegen die Pest galt, eine der Krankheiten, die den Kontinent heimsuchten. Er wird traditionell als Pilger dargestellt, mit einer Wunde an einem seiner Oberschenkel, die auf die Krankheit anspielt, und in Begleitung eines Hundes, der ein Stück Brot im Maul trägt. Es handelt sich um das Tier, das jeden Tag mit dieser Nahrung zu dem Ort ging, an den sich der Heilige zurückgezogen hatte, um die Ansteckung mit der Pest zu vermeiden, eine Krankheit, die er sich selbst durch seine ständige Hingabe an die Kranken zugezogen hatte. Stilistisch ist dieses Gemälde dem spanischen Barock zuzuordnen, und auch der Einfluss der flämischen Schule ist in der Darstellung der Felsenlandschaft zu erkennen.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 13 - Flämische Schule des frühen 17. Jahrhunderts. "Die Auferstehung Christi". Öl auf Kupfer. Maße: 25 x 19,5 cm; 28,5 x 23,5 cm (Rahmen). In diesem Kupfer hat der Autor das Thema der Auferstehung Christi dargestellt: In einem Bruch von goldenem und leuchtendem Glanz erhebt sich die monumentale Gestalt Christi jubelnd in den Himmel. Umrahmt von kleinen Engeln hinter den Wolken betrachtet Jesus den schlafenden Soldaten links unten, der von dem Geschehen nichts mitbekommt. Das Bild umrahmt die übliche Darstellung der Szene, da es das offene Grab zeigt. Jesus gehört nicht mehr der irdischen Ebene an, was uns zeigt, dass er das Sterbliche verlässt und ins Göttliche übergeht, um seine Botschaft und die Pläne seines Vaters zu erfüllen. Trotz des Kontrasts zwischen den goldenen Tönen und den dunklen Farben, die den Mantel Christi und den irdischen Bereich ausmachen, zeigt das Bild eine gewisse Detailgenauigkeit, die vor allem in den Gesten der einzelnen Figuren der Szene zum Ausdruck kommt.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 14 - Italienisches Werk aus dem 17. Jahrhundert. "Puttis. Vergoldete Bronze. Maße: 17 x 18 x 25 cm. Diese hervorragende Reliefarbeit stellt zwei Putten dar, von denen wir nur den kindlichen Kopf sehen können, flankiert von den Flügeln, wie es bei dieser Art von Darstellung üblich ist. Die Rückseite weist keine Verzierungen auf, aber der Hohlraum der Skulptur bleibt erhalten, was bestätigt, dass sie ursprünglich zu einem größeren Skulpturenensemble gehörte. Beide Gesichter sind direkt von den Vorbildern des klassischen "Putto" inspiriert (ein Kind mit regelmäßigen Zügen, breiter Stirn, kleiner Nase, großen Wangen und gewelltem Haar), obwohl es gegenüber diesen einen technischen und ästhetischen Fortschritt darstellt.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 15 - Neapolitanische Schule, ca. 1700. "Ecce Homo". Bemalte Terrakotta. Holzsockel geschnitzt, vergoldet und polychromiert im 19. Maße: 30 cm. hoch; 8 x 22 x 23 cm. (Sockel). Stück von Bildern in abgerundeter Masse und halb Körper. Es stellt ein Ecce Homo dar und ist seiner Ikonographie treu. Das zu einer Seite gefaltete Tuch der Reinheit und die Wellen der Haarsträhnen, die zu beiden Seiten des schönen Gesichts Jesu fallen, sind charakteristisch für die neapolitanische Schule. In der Anatomie überwiegt der Naturalismus, aber alle Spuren von Pathos sind entfernt und weichen stattdessen einem gewissen idealisierenden Geschmack in den Gesichtszügen. Das mit Dornen gekrönte und mit gefesselten Händen dargestellte Ecce Homo symbolisiert den Moment, in dem Christus dem jüdischen Volk zur Verurteilung übergeben wurde, nachdem Pontius Pilatus sich von jeglicher Verantwortung freisprechen wollte. Der ausdrucksstarke, melancholische und sehr sympathische Blick Jesu sticht hervor. Seine großen Augen beleuchten den Adel seiner Züge. Auch die Hände sind gekonnt modelliert. Die neapolitanische Bildhauerei zeigt eine ausgeprägte Vorliebe für den Naturalismus, eine Tendenz, zu der auch dieses Werk gehört. Diese Vorliebe für den neapolitanischen Naturalismus zeigt sich zum Beispiel in der Tradition der Krippen sowie in der Schnitzerei von Gruppen des Heiligen Grabes. Sowohl die Krippen als auch die Gruppen des Heiligen Grabes und die Gewänder haben eine starke dramatische, szenografische Komponente. Es handelte sich auch um Skulpturen oder Skulpturengruppen, die zu verschiedenen Zeiten des Jahres eine wichtige Rolle in der Liturgie spielten: zu Ostern, Weihnachten und anderen wichtigen Festen, bei denen die Feier der Messe auf verschiedene Weise die Beteiligung dieser Skulpturen beinhaltete, die für die Gläubigen eine kraftvolle Veranschaulichung der Mysterien darstellten, um die sich die Predigten und Homilien drehten.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 16 - Deutsche Schule des 17. Jahrhunderts. "Die Anbetung der Hirten. Öl auf Tafel. Zeitraum Rahmen. Es stellt einige Retouchen nach der Reinigung. Größe: 37 x 28 cm; 60 x 50 cm (Rahmen). In diesem Gemälde aus der Barockzeit ist der Maler daran interessiert, sich dem Thema der Anbetung auf naturalistische Weise zu nähern, indem er die bescheidene Umgebung hervorhebt, die die Geburt des Jesuskindes in ihrem Schoß aufnimmt. Die Hirten zeigen eine ausdrucksstarke gestische Dramaturgie, die ihr Erstaunen über das wundersame Ereignis, dessen Zeuge sie sein dürfen, zum Ausdruck bringt. Alle Gesten drehen sich um das Kind, dessen kleiner, in weiße Tücher gehüllter Körper auf einem Strohbett ruht. Die Jungfrau reicht sich andächtig die Hände, und der heilige Josef blickt vor sich auf das Kind, das in Gedanken versunken ist. Jesus steht also im Mittelpunkt der Komposition, und die kontrastreiche Beleuchtung trägt dazu bei, die Figuren zu ordnen und den Blick des Betrachters in jeden Winkel der Krippe zu lenken, die sich durch ein Fenster nach außen öffnet, in das einige Schaulustige hineinschauen. Hinter den steinernen Arkaden entweicht der Blick in die Landschaft, und oben verbindet eine szenografische Zäsur in Gloria Himmel und Erde.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 17 - Flämische Schule des späten 16. Jahrhunderts. Jahrhunderts. "Jungfrau und Kind mit Johannes dem Täufer". Öl auf Kupfer. Rahmen aus Schildpatt, geprägtem Silber und Knochen aus dem 17. Jahrhundert. Jahrhundert. Es präsentiert Restaurierungen. Maße: 22 x 17 cm; 36 x 31 cm (Rahmen). In diesem Kupfer sehen wir ein Andachtsbild von großer Schönheit und Emotion, klassisch in seiner Konzeption, aber bereichert durch eine warme und kontrastreiche Beleuchtung, typisch für die flämische Schule. Es zeigt uns eine ruhige und ausgewogene Komposition, die eindeutig klassisch ist und auf einem pyramidenförmigen Schema basiert, dessen Spitze der Kopf Marias ist, der von zwei rosafarbenen Vorhängen eingerahmt wird. Das Jesuskind schläft friedlich und wird von seiner Mutter bewacht. Der heilige Johannes mit seinem Stab und seinem Phylakterium bittet um Ruhe. Die Figuren heben sich von einem neutralen, dunklen Hintergrund ab, der ihre physische Präsenz, ihre Körperlichkeit unterstreicht.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 18 - GABRIEL DE LA CORTE (Madrid, 1648 - 1694) zugeschrieben. Spanische Schule, 17. Jahrhundert. "Himmelfahrt der Jungfrau mit einer Blumengirlande". Öl auf Leinwand. Neu gezeichnet. Maße: 76,5 x 58 cm: 99 x 82 cm (Rahmen). Dieses Gemälde folgt einem Kompositionsschema, das im spanischen Barock sehr beliebt war: Das religiöse Thema ist von einer Girlande aus sinnlichen Blumen umgeben, deren Bedeutung nicht geringer ist als die des zentralen Themas. Die Handschrift von Gabriel de la Corte ist in der Art und Weise erkennbar, wie die vielfältigen Sträuße in leuchtenden Farben aufgelöst werden, in denen ein dichter Pinselstrich mit leuchtenden Pigmenten verwendet wurde. Die chromatische Saftigkeit des Blumenstücks ist ein Schritt in Richtung Rokoko-Lösungen, die die Symmetrie aufbrechen und zum horror vacui tendieren. Der Maler hat den Moment der höchsten Reife der Blume vor ihrem Verfall eingefroren. Die riesigen Blumenkronen überragen das zentrale Bild, das die Himmelfahrt der Jungfrau Maria darstellt, ein weiteres typisches Barockthema: Drei Engel führen Maria in den Himmel. Die in den klassischen symbolischen Farben (Weiß und Blau) gehaltenen Gewänder flattern und vermitteln einen Eindruck von Bewegung. Der dunkle Hintergrund hebt die Dicke der Girlande und des Marienkörpers hervor und lässt eine breite Palette von Tonalitäten erkennen. Die Freiheit der Ausführung und die kräftigen Pinselstriche erinnern an die Arbeiten des Madrider Meisters. Der auf Vasen spezialisierte Gabriel de la Corte war der Sohn des ebenfalls aus Madrid stammenden Malers Lucas de la Corte, wenngleich seine Vaterschaft unter wichtigen Gelehrten wie Antonio Palomino und Cean Bermúdez umstritten ist. De la Corte hatte zu Lebzeiten nur wenig Erfolg, was ihn dazu veranlasste, seinen Lebensunterhalt zu bestreiten, indem er für niedrige Preise malte und sogar die Werke anderer Künstler vervollständigte, indem er Blumen in deren Werke einfügte. Er war bekannt für seine überladene Komposition, in der die Freiheit der Ausführung und ein spontaner, kräftiger Pinselstrich voller Materie die Hauptmerkmale sind. Der Stil von De la Corte ist von dem von Arellano beeinflusst und nimmt die Blumenstillleben vorweg, die später mit komplizierten Kompositionen auf kunstvollen Kartuschen überladen werden. Einige wichtige Werke von De la Corte befinden sich unter anderem im Museo del Prado.

Schätzw. 4 500 - 5 000 EUR

Los 19 - Valencianische Schule, erste Hälfte des 16. Jahrhunderts. "Der heilige Judas Thaddäus und der heilige Simon. Altaraufsatz oder Altarfrontal. Gemälde auf Tafel. Geschnitztes, vergoldetes und polychromiertes Holz. Es hat leichte craquelure. Maße: 96 x 63 cm. Valencianisches Altarbild mit der Darstellung der Apostel Judas Thaddäus und Simon dem Zeloten, zwei Apostel, die in der Andachtsikonographie oft zusammen auftauchen, weil beide von den persischen Priestern wegen der Verkündigung des Evangeliums getötet wurden. Simon wurde mit einer Säge vom Kopf bis zum Schritt durchgeschnitten, was als Symbol dient, wie man auf diesem hervorragenden Gemälde sehen kann. Es handelt sich um ein Altarbild aus der Renaissance, das die Lösung des vergoldeten Hintergrunds aus dem Spätmittelalter übernommen hat, auch wenn er in diesem Fall mit Schnitzereien, Schriftrollen und Bordüren verziert wurde, die an Damastbrokate erinnern. Die beiden Figuren mit ihren großen mandelförmigen Augen tauschen in einem stummen Dialog Blicke aus. Die Ausdruckskraft ihrer Gesichtszüge und die Natürlichkeit ihrer Gesten lassen einen gewissen italienischen Einfluss erkennen, der durch die Aura der Nähe der Los Hernandos (die Maler Fernando Llanos und Fernando Yáñez) gefiltert wird, die die Neuerungen des italienischen Quattrocento und Cinquecento in die valencianische und murcianische Schule einführten. Insbesondere die Florentiner Maler des Quattrocento, wie Masaccio und Piero della Francesca, hatten den größten Einfluss auf die valencianische Schule, was sich in den rauen, kantigen Gesichtern mit düsterem Ausdruck zeigt, die mit einer ausgezeichneten Zeichnung und kontrastreichen, satinierten Oberflächen gelöst sind. In der Renaissance wurden in der spanischen Malerei Serien von Aposteln populär, die paarweise oder einzeln vor einem neutralen Hintergrund dargestellt sind und ihre ikonografischen Attribute tragen. Sie stammen von spätmittelalterlichen Altarbildern ab, aber im 16. Jahrhundert entwickelten Mimik und Gestik den für diese Zeit charakteristischen Naturalismus.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 20 - Spanische Schule des letzten Drittels des 17. Jahrhunderts. "Der heilige Josef mit dem Jesuskind". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Präsentiert craquelure und leichte Schäden an den Rahmen. Abmessungen: 85 x 62,5 cm; 95 x 73,5 cm (Rahmen). Zu Beginn des XVII. Jahrhunderts wurde die Darstellung von San José mit dem Kind populär, nachdem die väterliche Figur bis dahin in Bezug auf die Jungfrau in die zweite Reihe verwiesen worden war. Francisco Herrera El Viejo, dem das vorliegende Gemälde zugeschrieben wird, hat sich mehr als einmal mit diesem Thema beschäftigt. Es handelt sich um ein Werk von hoher Qualität. Der kleine Körper Jesu wurde mit subtilen Lichtverschiebungen modelliert, die ihn in eine übernatürliche Aura einhüllen, ohne dass eine orthodoxe Ikonographie eingeführt werden muss. Im Gegenteil, was verstärkt wird, ist der höchste Moment der Vereinigung von Vater und Sohn. Beide kneifen ihre Augenlider zusammen und laden uns ein, ihr Schweigen zu teilen. Der ausdrucksstarke Kontrast des Lichts, die Qualität der Verkürzung des kleinen Körpers, die samtigen Schattierungen, die die atheistischen Züge Josephs und das marmorne Fleisch Jesu ziselieren, erinnern an andere Werke des Autors. Es hat craquelure und leichte Schäden an dem Rahmen.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 21 - JUAN SIMÓN GUTIÉRREZ (Medina Sidonia, Cádiz, 1643 - 1718) zugeschrieben. "Christus am Kreuz und Maria Magdalena". Öl auf Leinwand. Maße: 90 x 65 cm.; 96 x 71 cm. (Rahmen). Der leblose Körper Christi bildet das kompositorische Zentrum dieses Juan Simón Gutiérrez zugeschriebenen Andachtsbildes. Die weichen Züge der neben dem Kreuz knienden Maria Magdalena und die wattigen Linien, die die Figuren umreißen, verweisen auf die Lehre Murillos, die Juan Simón übernommen und an seinen eigenen Stil angepasst hat. Die Stadt Jerusalem ist im Licht eines Mondes umrissen, dessen Verfinsterung die kosmische Verdunkelung symbolisiert, die den Tod Jesu begleitet. Der breite Pinselstrich geht in feine Striche über, die Gesten und Figuren modellieren und das mystische Gefühl der biblischen Szene vermitteln. Obwohl Juan Simón Gutiérrez in Cádiz geboren wurde, könnte er seine Ausbildung in Sevilla absolviert haben, vielleicht bei Murillo selbst, wie Ceán Bermúdez und Fernando Quiles vermuten. Auf jeden Fall war er 1664 bereits selbständig tätig, denn zu diesem Zeitpunkt ist er als Teilnehmer der Sevillanischen Akademie dokumentiert, der er bis 1672 angehören sollte. Sein Leben war hart, trotz der Anerkennung seiner Zeitgenossen, und er durchlebte erhebliche wirtschaftliche Schwierigkeiten in einer Zeit, in der Armut unter der sevillanischen Bevölkerung weit verbreitet war, was sowohl auf die Rezession im Handel mit den Kolonien als auch auf den Erbfolgekrieg und verschiedene Epidemien zurückzuführen war. Was seine Sprache anbelangt, so war Gutiérrez ein treuer Anhänger Murillos, den er zweifellos sowohl durch die Akademie als auch durch die Bruderschaft von San Lucas, seiner eigenen Zunft, kennen gelernt hatte. Die Qualität seiner Arbeiten verschaffte ihm den Respekt und die Anerkennung anderer sevillanischer Meister, so dass er 1680 das Amt des "alcalde alamir" für Malerei erhielt, das heißt, er war für die Prüfung der Meisterkandidaten zuständig. Seine Kategorie garantierte ihm auch eine wichtige Werkstatt, in der unter anderem Francisco Díaz und Tomás Martínez ausgebildet wurden. Auch Ceán Bermúdez weist darauf hin, dass er ein geschätzter "Jahrmarktsmaler" war, was darauf hindeutet, dass seine Werke auf dem sevillanischen Markt, von dem aus Gemälde nach ganz Andalusien und auch nach Amerika geschickt wurden, sehr gefragt waren. Gutiérrez schuf vor allem Werke mit religiösen Themen, die damals am meisten gefragt waren, obwohl er sich auch mit weltlichen Motiven wie Schlachten und Brauchtumsszenen beschäftigte und sogar drei kleine Gemälde zur "Geschichte Konstantins" schuf. Seine Werke befinden sich heute in religiösen Zentren wie dem Kloster La Trinidad in Carmona oder der Hauptkirche Santa María la Coronada in Medina Sidonia sowie im Museum der Schönen Künste in Sevilla und im Museum von Los Angeles in den Vereinigten Staaten.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 22 - Niederländische Schule des XVII Jahrhunderts. "Küche". Öl auf Platte. Maße: 60 x 90 cm; 80 x 110 cm (Rahmen). In diesem Gemälde teilt der Autor die Szene in zwei Felder, die sich deutlich voneinander unterscheiden: auf der einen Seite, auf der rechten Seite und im Vordergrund, ein üppiges Stillleben, das aus allen Arten von Lebensmitteln besteht und durch die Anwesenheit von toten Tieren und Töpfen bereichert wird. Auf der rechten Seite, im Hintergrund, eine Küchenszene mit verschiedenen Figuren und einem Hund. Der Autor verschmilzt also zwei Themen auf einer einzigen Leinwand, zum einen das des Stilllebens und zum anderen das der Genremalerei, und schafft so ein in seiner Konzeption komplettes Werk, das als Vorwand dient, seine vielfältigen malerischen Fähigkeiten zu demonstrieren.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 23 - Valencianische Schule, Ende des 15. Jahrhunderts. Jh. "St. Philippus, St. Jakobus der Kleinere, St. Andreas und Apostel". Altaraufsatz oder Altarfrontal. Gemälde auf Tafel. Ornamente aus geschnitztem Holz, vergoldet und polychromiert. Es hat sehr leichte Schäden an der Polychromie und Holz. Maße: 84 x 88 cm; 100 x 102 cm. Valencianisches Altarbild mit der Darstellung der Apostel San Felipe, Santiago el Menor, San Andrés und eines weiteren Apostels ohne Attribute. Die starke Modellierung der Körper und die psychische Kraft der Gesichter zeugen von der Nähe des Malers zu den Werkstätten von Juan De Juanes. Mit ihren kantigen Zügen sind die vier Figuren als Überbringer der Botschaft Jesu zu erkennen. Die Prägnanz der Zeichnung und die weiche Plastizität der Tuniken vereinen sich in der naturalistischen Modellierung der Körper, die, obwohl sie von einem goldenen Hintergrund ausgehen, mit einer veristischen, der Zeit entsprechenden Sprache aufgelöst sind. Die Anatomie scheint an Volumen zuzunehmen und die Zweidimensionalität des Hintergrunds zu überwinden. Gleichzeitig können wir in den menschlichen Typen die stilistische Nähe zur Malerei von Los Hernandos (den Malern Fernando Llanos und Fernando Yáñez) erkennen, die in der valencianischen und murcianischen Schule die Neuerungen des Quattrocento und des italienischen Cinquecento einführten. Jahrhunderts, in der Linie von Masaccio oder Piero della Francesca, die die valencianische Schule am stärksten beeinflusst, was sich in den rauen und kantigen Gesichtern mit düsterem Ausdruck zeigt, die mit einer exzellenten Zeichnung und kontrastreichen, satinierten Oberflächen aufgelöst sind. Der goldene Hintergrund zeigt Bordüren und dekorative Elemente, die an Damastbrokate erinnern. Bögen mit Schriftrollen krönen den Rahmen. In der Renaissance wurden in der spanischen Malerei die Apostelreihen populär, die paarweise oder einzeln auf einem neutralen Hintergrund dargestellt sind und ihre ikonografischen Attribute tragen. Sie entstammen den spätmittelalterlichen Altarbildern, doch im 16. Jahrhundert wurden die Mimik und Gestik in einem für diese Zeit charakteristischen Naturalismus vertieft.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 24 - Valencianische Schule, Ende des 15. Jahrhunderts. Jahrhundert. "St. Bartolomé, St. Johannes, St. Philipp und St. Peter". Altaraufsatz oder Altarfrontal. Gemälde auf Tafel. Ornamente aus geschnitztem, vergoldetem und polychromem Holz. Es hat sehr leichte Mängel in der Polychromie und Holz. Maße: 84 x 88 cm; 100 x 102 cm. Valencianisches Altarbild mit der Darstellung der Apostel Bartolomé, Johannes, Philippus und Petrus. Die rundliche Modellierung der Körper und die psychische Kraft der Gesichter zeugen von der Nähe des Malers zu den Werkstätten von Juan De Juanes. Mit ihren kantigen Zügen sind die vier Figuren als Überbringer der Botschaft Jesu zu erkennen. Die Prägnanz der Zeichnung und die glatte Plastizität der Tuniken vereinen sich in der naturalistischen Modellierung der Körper, die, obwohl sie von einem goldenen Hintergrund ausgehen, mit einer veristischen, der Zeit entsprechenden Sprache aufgelöst wurden. Die Anatomie scheint an Volumen zuzunehmen und die Zweidimensionalität des Hintergrunds zu überwinden. Gleichzeitig können wir in den menschlichen Typen die stilistische Nähe zu den Gemälden von Los Hernandos (den Malern Fernando Llanos und Fernando Yáñez) erkennen, die in der valencianischen und murcianischen Schule die Neuerungen des Quattrocento und des italienischen Cinquecento einführten. Jahrhunderts, in der Linie von Masaccio oder Piero della Francesca, die die valencianische Schule am stärksten beeinflusst, was sich in den rauen und kantigen Gesichtern mit düsterem Ausdruck zeigt, die mit einer exzellenten Zeichnung und kontrastreichen, satinierten Oberflächen aufgelöst sind. Der goldene Hintergrund zeigt Bordüren und dekorative Elemente, die an Damastbrokate erinnern. Bögen mit Schriftrollen krönen den Rahmen. In der Renaissance wurden in der spanischen Malerei die Apostelreihen populär, die paarweise oder einzeln auf einem neutralen Hintergrund dargestellt sind und ihre ikonografischen Attribute tragen. Sie stammen von den spätmittelalterlichen Altarbildern ab, doch im 16. Jahrhundert vertieften sich die Mimik und Gestik in einem für die Zeit charakteristischen Naturalismus.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 25 - Spanische oder italienische Schule des 18. Jahrhunderts. "Jagdtag". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Präsentiert Restaurierungen. Maße: 104 x 167 cm. Auf diesem Gemälde zeigt uns der Maler eine italienische Landschaft, die von einem mäandrierenden Fluss durchzogen ist, mit Architektur im Hintergrund und einer Jagdszene im Vordergrund, die sich auf einer Lichtung am Ufer befindet. In diesem Vordergrund sehen wir die beiden Jäger, die ihr nächstes Opfer erspähen. Die italienische Landschaft geht auf die Entdeckung der italienischen Landschaft durch holländische und flämische Maler zurück, vor allem auf die von Claude von Lothringen. Sie waren besonders von den hellen, goldenen und rosafarbenen Tönen am Horizont angezogen, die eine diffuse und idyllische Atmosphäre der Ruhe und Gelassenheit schaffen. Die italienisierenden Landschaftsmaler schaffen weniger realistische Landschaften als der Rest des mitteleuropäischen Barocks, idealisiert und in gewisser Weise künstlich, szenografisch.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 26 - Spanische oder italienische Schule des 18. Jahrhunderts. "Jagdtag". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Präsentiert Restaurierungen. Maße: 105 x 168 cm. Auf dieser Leinwand zeigt uns der Maler eine italienische Landschaft mit Architektur im Hintergrund und einer Jagdszene im Vordergrund. In diesem Vordergrund sehen wir einen Jäger, der sein Gewehr in die Luft richtet, während sein Begleiter aufmerksam die Entwicklung der Handlungen beobachtet. Im Hintergrund unterhalten sich zwei andere Jäger auf der Suche nach ihrer Beute. Die italienische Landschaft geht auf die Entdeckung der italienischen Landschaft durch holländische und flämische Maler zurück, insbesondere auf die von Claude von Lothringen. Sie fühlten sich vor allem von den hellen, goldenen und rosafarbenen Tönen am Horizont angezogen, die eine diffuse und idyllische, ruhige Atmosphäre schaffen. Die italienisierenden Landschaftsmaler schaffen weniger realistische Landschaften als der Rest des mitteleuropäischen Barocks, idealisiert und in gewisser Weise künstlich, szenografisch.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 27 - Spanische oder italienische Schule des 18. Jahrhunderts. "Caprice". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Präsentiert Restaurierungen. Größe: 104 x 168 cm. Diese "Vedute" oder "Caprice" bietet uns eine Panoramalandschaft, die aus der Nachbildung eines römischen Triumphbogens im klassischen Stil besteht, zu dem das romantische Konzept der Ruine hinzugefügt wird. Die Vorliebe für die künstlerischen Überreste der Vergangenheit, die Verallgemeinerung der Reisen von Schriftstellern und Künstlern auf der Suche nach Denkmälern und Kunstwerken, die als Inspirationsquelle dienen sollten, und die Entdeckung bedeutender antiker Überreste wie die der Städte Pompeji und Herculaneum trugen zweifelsohne zum Erfolg des Genres bei. Jahrhundert, in den nicht immer topografischen, aber manchmal sehr fantasievollen Veduten von Künstlern wie Canaletto und anderen.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 28 - Schule von LA CROIX DE MARSEILLE (Marseille, 1700-Berlin, 1782), Ende 18. Jahrhundert-Anfang 19. "Hafenansicht". Öl auf Leinwand. Maße: 29,5 x 29 cm; 31 x 39 cm (Rahmen). Landschaftsmalerei von panoramischer Zusammensetzung, Französisch Schule. Es stammt aus dem Ende des achtzehnten Jahrhunderts oder zu Beginn des neunzehnten Jahrhunderts, und es ist auf die romantische Strömung und ihre Vorliebe für die Ruinen zugeschrieben. Die Küste wurde mit einer verträumten Orographie sublimiert, obwohl Elemente zu erkennen sind, die auf die Festungsanlagen von Marseille hinweisen könnten. Auf jeden Fall erscheint die Hafenstadt poetisch verklärt. Ein leichter Nebel verwischt den Horizont, so dass die Lichtschleier oder die feine Gaze, die die Grenzen verwischen, den Segelbooten und Fischerbooten eine malerische und geheimnisvolle Nuance verleihen. Charles François Grenier de Lacroix, bekannt als Lacroix de Marseille, war ein bekannter Maler italienischer Seestücke und Landschaften. Obwohl nur wenige Informationen über sein Leben verfügbar sind, weiß man, dass er bereits 1754 nach Rom zog. Er besuchte 1757 auch Neapel und malte den Vesuv und die umliegende Landschaft. In Rom lernte Lacroix Adrien Manglard (1695-1760) und dessen Schüler Joseph Vernet (1714-1789) kennen, der den größten Einfluss auf sein Werk haben sollte. In den Jahren 1780 und 1782 nimmt er am Salon de la Correspondance in Paris teil. Das Werk von Lacroix de Marseille ist im Toledo Museum of Art (Ohio), im Kunstmuseum von Dijon und im Nationalmuseum von Stockholm vertreten.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 29 - Andalusische Schule, XVIII Jahrhundert "Heiliger Franziskus von Paula". Polychrome Schnitzerei und vergoldet in feinem Gold. Maße: 45 x 25 x 17 cm. Werk mit Andachtscharakter mit der Darstellung des Heiligen Francisco de Paula in betender Haltung. Mit seinen nackten Füßen auf einem Sockel, der eine Wolkendecke simuliert, wird die himmlische Himmelfahrt des Heiligen dargestellt, dessen Gesicht und Geste ekstatische Verzückung ausstrahlt. Die Komposition ist dynamisch und im Barockstil gelöst. Der heilige Franziskus von Paola (Kalabrien, Italien, 1416 - Tours, Frankreich, 1507) war ein Einsiedler und Gründer des Ordens der Minimen und ein Heiliger der katholischen Kirche in der italienischen Region Kalabrien. Der Legende nach erkrankte der heilige Franziskus schwer an den Augen, weshalb sich seine Eltern dem heiligen Franziskus anvertrauten, um die Augen ihres Sohnes zu heilen. Aus Dankbarkeit für das Wunder pilgerte er im Alter von vierzehn Jahren nach Assisi und wurde so zum Einsiedler. Fünf Jahre lang zog er sich in die Berge zurück, ernährte sich nur von Wasser und Wildkräutern und schlief auf dem harten Boden mit einem Stein als Kopfkissen. Er wurde 1519, nur 12 Jahre nach seinem Tod, während des Pontifikats von Papst Leo X. heiliggesprochen. In den ersten Jahren des 16. Jahrhunderts kam der Orden der Minimen nach Spanien und erlangte aufgrund der Werte der franziskanischen Predigt, die er verbreitete, eine große Verbreitung, die in Verbindung mit der kürzlich erfolgten Heiligsprechung des Heiligen und seiner Lebensweise und Armut einen sehr starken Einfluss auf die christliche Bevölkerung Spaniens hatte.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 30 - Spanische Schule des XVII. Jahrhunderts. "Der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer". Öl auf Leinwand. Präsentiert Übermalung. Maße: 95 x 74 cm; 102 x 80,5 cm (Rahmen). In diesem Werk bietet uns der Maler ein dramatisches Bild voller mystischer Emotionen, sehr typisch für die Kunst der spanischen Gegenreformation. So sehen wir ein Werk von klarer und prägnanter Komposition, mit dem Heiligen in halber Länge im Vordergrund, hervorgehoben durch direkte Beleuchtung, Tenebrist, auf einem neutralen und dunklen Hintergrund. Wie auch in der spanischen Schule zu dieser Zeit üblich, erscheint der Heilige Hieronymus während seiner Bußzeit in der Wüste, sehr abgemagert und körperlich erschöpft, schreibend und meditierend. Es gibt keine weiteren ikonografischen Attribute, die die Lektüre erschweren oder den Naturalismus des Bildes schmälern würden, und tatsächlich ist der Realismus in der Komposition grundlegend, sowohl was die Beleuchtung als auch die Darstellung der Gegenstände und insbesondere der Anatomie des Heiligen betrifft. Weit entfernt von jeglicher Idealisierung handelt es sich um einen alten Körper mit einem leidenden Gesicht, das mit großer Ausdruckskraft ausgestattet ist und einen verlorenen, abwesenden Blick in die Ferne richtet, während er seine Schriften schreibt. Neben dem Tisch ruht der Schädel, Symbol des tempus fugit, und der Löwe, der ihn begleitete, seit er den Dorn aus dem Silber nahm ... . Der heilige Hieronymus, einer der vier großen Doktoren der lateinischen Kirche, wurde 347 in der Nähe von Aquileia (Italien) geboren. Ausgebildet in Rom, war er ein versierter Rhetoriker und Polyglott. Im Alter von neunzehn Jahren getauft, zog er sich zwischen 375 und 378 in die syrische Wüste zurück, um ein Leben als Anchorman zu führen. Im Jahr 382 kehrte er nach Rom zurück und wurde ein Mitarbeiter von Papst Damasus. Eine der häufigsten Darstellungen dieses Heiligen ist seine Buße in der Wüste. Seine Attribute sind der Stein, mit dem er sich auf die Brust schlägt, und der Schädel, über den er meditiert. Auch der Kardinalsumhang (oder ein roter Mantel), obwohl er nie Kardinal war, und der gezähmte Löwe. Letzterer stammt aus einer Geschichte der "Goldenen Legende", in der erzählt wird, dass er eines Tages, als er den Mönchen seines Klosters die Bibel erklärte, einen Löwen sah, der hinkte. Er entfernte den Dorn aus seiner Pfote und behielt ihn fortan in seinem Dienst, indem er ihn anwies, auf seinen Esel aufzupassen, während dieser graste. Einige Händler stahlen den Esel, und der Löwe holte ihn zurück und gab ihn dem Heiligen zurück, ohne das Tier zu verletzen.

Schätzw. 3 000 - 3 200 EUR

Los 31 - Spanische Schule des XVI. Jahrhunderts. "Verkündigung". Öl auf Kupfer. Maße: 22 x 17 cm. Ein unbestimmter Hintergrund lenkt die Aufmerksamkeit auf die Figuren, die sich im Vordergrund befinden und groß sind, wie es sich für dieses Thema nach den Ansätzen des Konzils von Trient gehört. Maria, gekleidet in eine rosafarbene Tunika, einen blauen Mantel und einen Schleier, der ihr Haar bedeckt, erscheint vor einem Lesepult mit einem Buch und macht die übliche Geste der Überraschung mit ihren Händen vor der Ankunft des Erzengels, der rechts steht. Die Kleidung dieser zweiten Figur (des Erzengels Gabriel) scheint vom Wind bewegt zu werden, und er trägt mit einer Hand eine Palme des Martyriums und zeigt mit der anderen Hand nach oben, wo die Taube des Heiligen Geistes fliegt. Die Verkündigung ist eines der am häufigsten dargestellten Themen in der christlichen Kunst, da sie die Menschwerdung Christi als Mensch und als Gott darstellt, wobei Maria ihre Reinheit und ihren jungfräulichen Zustand bewahrt - Punkte von großer theologischer Bedeutung. Im Laufe der Entwicklung der verschiedenen Stile in der europäischen Kunst gibt es also eine große Vielfalt an Modellen und unterschiedlichen Details je nach Stil, Schule und Zeit. Das vorliegende Werk ist eindeutig dem Barock zuzuordnen, und zwar aufgrund der gewählten Farbpalette, der Ikonographie (mit Details, die aus früheren Traditionen übernommen wurden), der barocken Szenographie (wenn auch langsam und ausgewogen), der verwendeten Farben (von großer Ausdruckskraft) und der Lichtstimmung usw.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 32 - Italienische Schule; XVIII Jahrhundert. "Himmlischer Hof". Öl auf Platte. Maße: 45 x 78 cm; 63 x 95 cm (Rahmen).

Schätzw. 2 400 - 2 800 EUR

Los 33 - Schule von ADRIAEN BROUWER (Belgien, 1605 - 1638). "Musikant in der Taverne". Öl auf Karton, auf Karton aufgeklebt. Es präsentiert leichte craquelure der Epoche. Maße: 27 x 21,50 cm; 41,50 x 37 cm (Rahmen). Der Künstler dieser Komposition gehört der Schule von Adriaen Brouwer an, der sich auf die Malerei von Tavernen spezialisiert hat. Es gehört zu diesem Genre, das im frühbarocken Flandern von den Meistern Adriaen Brouwer (1605 - 1638) und David Teniers (1610 - 1690) geschaffen wurde und das bald nach Holland kam. Wie der Name schon andeutet, handelt es sich dabei um Szenen in Gasthäusern, die als Costumbrista-Werke bezeichnet werden, weil sie die üblichen Bräuche des einfachen Volkes der damaligen Zeit zeigen. Beeinflusst von den beiden oben erwähnten Meistern, malt der Maler, der diese Art von Werken anfertigt, in der Regel einen Innenraum mit einer sehr raffinierten Farbpalette, die auf erdigen und ockerfarbenen Tönen basiert und typisch für den Naturalismus des ersten Barocks ist. Stilistisch stehen diese Maler in der Regel in der Nähe von Teniers (detailliertere Werke; präziser, lockerer, aber kurzer Pinselstrich, der die Formen und Eigenschaften von Figuren und Gegenständen definiert, ohne die Bedeutung der Zeichnung zu vernachlässigen) oder Brower (eher karikaturistischer Stil, Pinselstrich und Formen, die sich von denen von Teniers unterscheiden). Adriaen Brouwer war ein flämischer Maler, der sich auf die Genremalerei spezialisiert hatte und im 17. Jahrhundert in Flandern und den Vereinigten Provinzen der Niederlande tätig war. Jahrhundert in Flandern und den Vereinigten Provinzen der Niederlande tätig war. Mit seinen Szenen aus dem bäuerlichen Leben, Taverneninterieurs mit Raufbolden, Rauchern, Trinkern und ausdrucksstarken Porträts (den so genannten "Tronies") war er ein wichtiger Erneuerer der Genremalerei. Am Ende seiner Karriere malte er Landschaften, die von tragischer Intensität sind. Sein Werk hatte einen großen Einfluss auf die nächste Generation flämischer und niederländischer Genremaler. Seine Werke werden in nationalen Museen auf der ganzen Welt aufbewahrt, unter anderem im Prado-Museum und im Rijksmuseum in Amsterdam. Brouwer wurde in Holland, in der Werkstatt von Frans Hals, ausgebildet. Aufgrund von Konflikten mit seinem Meister flüchtete der junge Mann jedoch nach Amsterdam und ließ sich schließlich 1931 dauerhaft in Antwerpen nieder, wo er nur sieben Jahre später vorzeitig starb. Zwischen 1631 und 1632 wurde er Lehrer an der St.-Lukas-Gilde in dieser Stadt. Trotz seiner kurzen Karriere war Brouwer der Schöpfer eines neuen Genres innerhalb der Sittenmalerei, nämlich der Tavernenszenen. Seine Werke sind meist kleinformatig und zeigen in der Regel volkstümliche und zwielichtige Gestalten, die in der Regel betrunken sind und in ihrer Haltung und ihrem Verhalten eine gewisse Gewalttätigkeit an den Tag legen. Diese Art von Bildern erlaubte es Brouwer, mit dem Einfangen von Emotionen und dem Ausdruck von Schmerz, Angst und anderen Gefühlen zu experimentieren, was ein Interesse an menschlichen Aspekten offenbart, das über die traditionelle Auffassung von Genremalerei hinausgeht. Trotz seiner Probleme mit dem Gesetz und auch wirtschaftlicher Probleme war Brouwer zu Lebzeiten ein angesehener Maler, und sowohl Rubens als auch Rembrandt erwarben einige seiner Werke. Heute werden Werke von Adriaen Brouwer in den bedeutendsten Kunstgalerien der Welt aufbewahrt, darunter der Louvre in Paris, die Eremitage in St. Petersburg, der Prado in Madrid, die Alte Pinakothek in München, die National Gallery in London, das Smithsonian in Washington D.C., das Kunstmuseum in Basel und das Ashmolean in Oxford. Sie präsentiert leichte Risse der Epoche.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 34 - Spanische Schule des XVIII. Jahrhunderts. "San Bruno". Öl auf Leinwand. Es stellt Verluste von Polychromie und generalisierte Brüche. Maße: 79 x 58 cm. Auf diesem Werk sehen wir San Bruno als Kartäuser gekleidet, mit seinem strengen weißen Habit und, neben ihm, der Mitra und dem Bischofsstab. Er kniet auf dem Boden vor einem Lesepult mit aufgeschlagenen Evangelien. Er verschränkt die Hände in betender Haltung und richtet den Blick zum Himmel. Stilistisch ist die Leinwand vom Einfluss der italienischen Barockästhetik geprägt, was sich in der Rhetorik der Gesten und im ausgeprägten Helldunkel zeigt. Bruno von Köln (um 1030-1101) war ein deutscher Mönch und Gründer des kontemplativen Ordens der Kartäuser. In seiner Jugend war er Kanoniker in Köln und studierte weltliche und theologische Schriften. Später ging er nach Reims in Frankreich, um Theologie zu studieren, und wurde 1057 zum Professor ernannt. In dieser Stadt übernahm er die Leitung des Unterrichts, und zu seinen Schülern gehörte Eudes von Chatillon, der spätere Papst Urban II. Später entschied er sich für das Leben eines Einsiedlers unter der Leitung von Robert von Molesmes. Bischof Hugo von Grenoble überlässt ihm das bergige Gelände der Kartause, wo er ein von Zellen umgebenes Oratorium errichtet, aus dem 1084 der Kartäuserorden hervorgehen sollte. Einige Zeit später wird er nach Rom berufen, wo er an der Reform von Urban II. mitwirkt. Da er jedoch das kontemplative Leben vorzog, kehrte er in die Einsamkeit zurück und legte das Erzbistum von Reggio nieder. Danach zog er sich in das Kartäuserkloster La Torre in Kalabrien zurück, wo er mit einigen Laien und Klerikern in Einsamkeit lebte und dort starb und begraben wurde.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 35 - Spanische Schule des XIX. Jahrhunderts Nach ZACARIAS GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Madrid, 1763 - 1863). "Verkündigung". Öl auf Leinwand. Präsentiert Brüche im unteren Rand und generalisierte polychrome Verluste. Maße: 41 x 33,5 cm. Andachtsbild, das die biblische Passage der Verkündigung darstellt. Der Erzengel Gabriel trägt einen Lilienstab und erscheint Maria, um ihre unbefleckte Empfängnis zu verkünden. Er weist sie auf die göttliche Natur ihres Sohnes hin und zeigt in den Himmel. Ein Chor von Seraphim ist Zeuge des heiligen Ereignisses. In der Art und Weise, wie die Körper aufgelöst werden, und in der chromatischen Leuchtkraft des Ganzen lässt sich der Einfluss der religiösen Malerei von Zacarias Gonzalez erkennen. Es zeigt Brüche am unteren Rand und allgemeine Verluste der Polychromie.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 36 - Spanische Schule des 17. und 18. Jahrhunderts. "Der tote Christus mit Johannes und Maria Magdalena". Papierzellstoff. Reste von Polychromie. Präsentiert Fehler, Gebrauchsspuren und Verschleiß. Maße: 26 x 22 cm (unregelmäßig); 29 x 26 cm (Rahmen). In diesem vollständig aus Papiermasse gefertigten Relief ist das Thema der Beweinung des Leichnams Christi dargestellt, ein Thema, das mit dem Abstieg vom Kreuz verbunden ist. Die Szene der Beweinung des Leichnams des toten Christus ist Teil des Passionszyklus und wird zwischen der Kreuzabnahme und dem Heiligen Begräbnis eingefügt. Sie schildert den Moment, in dem der Leichnam Christi auf ein Leichentuch (in anderen Fällen auf den Salbungsstein) gelegt wird und sich alle um ihn herum versammeln, in Klagen und Schluchzen ausbrechend: seine Mutter, der heilige Johannes, die heiligen Frauen, Josef von Arimathäa und Nikodemus. Es handelt sich um ein sehr gefühlsbetontes Thema, Frucht der Volksfrömmigkeit, das die Aufmerksamkeit auf das Drama der Passion und die liebevolle und traurige Betrachtung mit einem realistischen und bewegenden Sinn konzentriert. In Byzanz und in den Darstellungen byzantinischen Einflusses ruht die Figur Christi auf der Salbungsplatte, auf der sein Leichnam parfümiert und für die Bestattung vorbereitet wurde und die später in der italienischen Kunst zur Grabstätte wird. Diese Szene erscheint nicht in den Evangelien, sondern findet ihren Ursprung in der mystischen Literatur und in religiösen Texten der Frömmigkeit sowie in denen der Flagellantenbruderschaften.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 37 - Niederländische Schule des 18. Jahrhunderts. Jahrhundert. "Flusslandschaft mit Figuren". Öl auf Platte. Maße: 13 x 19 cm; 20 x 25 cm (Rahmen). In der Malerei der holländischen Schule traten die Folgen der politischen Emanzipation der Region und der wirtschaftlichen Prosperität des liberalen Bürgertums zweifellos am deutlichsten zutage. Die Kombination aus der Entdeckung der Natur, der objektiven Beobachtung, dem Studium des Konkreten, der Wertschätzung des Alltäglichen, der Vorliebe für das Reale und Materielle, der Sensibilität für das scheinbar Unbedeutende ließ den holländischen Künstler mit der Realität des Alltagslebens kommunizieren, ohne nach einem dieser Realität fremden Ideal zu suchen. Der Maler versucht nicht, die Gegenwart und die Materialität der objektiven Natur zu transzendieren oder der greifbaren Realität zu entkommen, sondern sich in ihr zu versenken, sich an ihr zu berauschen durch den Triumph des Realismus, eines Realismus der reinen Scheinfiktion, der dank einer perfekten und meisterhaften Technik und einer konzeptionellen Subtilität in der lyrischen Behandlung des Lichts erreicht wird. Infolge des Bruchs mit Rom und der ikonoklastischen Tendenz der reformierten Kirche wurden Gemälde mit religiösen Themen schließlich als dekorative Ergänzung mit Andachtszweck eliminiert, und mythologische Geschichten verloren im Einklang mit der neuen Gesellschaft ihren heroischen und sinnlichen Ton. So wurden Porträts, Landschaften und Tiere, Stillleben und Genremalerei zu den thematischen Formeln, die für sich genommen wertvoll wurden und als Objekte der häuslichen Einrichtung - daher die geringe Größe der Gemälde - von Personen fast aller Klassen und Gesellschaftsschichten erworben wurden.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 38 - Nach FRANS FRANCKEN II (Antwerpen, Belgien, 1581 - 1642). "Das Heilige Abendmahl". Öl auf Kupfer. Vorhandene Restaurierungen und Übermalungen. Maße: 30 x 24 cm; 40 x 33 cm (Rahmen). Dieses Werk hat das gleiche ovale Format wie das Original von Fran Francken II. Es stellt im Vordergrund das Heilige Abendmahl und im Hintergrund Jesus Christus dar, der die Füße des Heiligen Petrus wäscht. In den vier Ecken erscheinen in Grisaille die vier Evangelisten und Gottvater. Der fruchtbarste Vertreter seiner Malerfamilie wurde von seinem Vater, Frans Francken I., ausgebildet und trat 1605 in die Antwerpener St.-Lukas-Malergilde ein, wo er sich bis 1640 auf die Kabinettmalerei spezialisierte. Sein Beitrag zu diesem Genre war von großer Bedeutung und beeinflusste Künstler wie Teniers. Sein Stil basiert auf dem von Jan Brueghel de Velours, obwohl er auch starke Einflüsse seines Vaters und seines Onkels Hieronimus Francken aufweist. In seinen frühen Werken sind Anklänge an den Manierismus und die Malerei des 16. Jahrhunderts zu erkennen, sowohl in der Struktur der Kompositionen als auch im Rhythmus und Ausdruck seiner Figuren. Jahrhunderts zu erkennen, sowohl in der Struktur der Kompositionen als auch im Rhythmus und Ausdruck seiner Figuren, aber auch in Bezug auf die Werke italienischer Künstler wie Raffael, Veronese und Zuccaro. Ebenso wurde die Verwendung von Druckgrafiken von Dürer und Lucas de Leyden für einige seiner Figuren nachgewiesen. Neben der Kabinettmalerei malte Francken mythologische und biblische Themen, einige Altarbilder und malte in Zusammenarbeit mit anderen Künstlern die Figuren in Landschaften oder Interieurszenen von Tobias Verhaecht, Joos de Momper II, Pieter Neefs oder Paul Vredeman de Vries und vielen anderen. Derzeit ist er in den wichtigsten Kunstgalerien der Welt vertreten, wie dem Prado-Museum, dem Louvre, dem Königlichen Museum der Schönen Künste in Antwerpen, dem Kunshistorischen Museum in Wien, der Eremitage in St. Petersburg und der Royal Collection in London, neben vielen anderen.

Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

Los 39 - Flämische Schule des 18. Jahrhunderts. "Die Verleugnung des Heiligen Petrus". Öl auf Kupfer. Vorhandene Restaurierungen und Übermalungen. Maße: 22 x 17 cm; 32 x 27 cm (Rahmen). Thematisch zeigt dieses Werk das biblische Thema der Verleugnung des heiligen Petrus, das mit dem Zyklus der Passion Christi zusammenhängt und im Neuen Testament erscheint, in dem Christus beim letzten Abendmahl prophezeit, dass er dem Apostel ankündigt, dass er ihn, obwohl er sein treuer Anhänger ist, dreimal verleugnen wird, bevor der Hahn am Tag der Kreuzigung kräht. Petrus (Bethsaida, ca. 1 v. Chr. - Rom, 67) war nach dem Neuen Testament ein Fischer, der als einer der zwölf Apostel Jesu bekannt ist. Die katholische Kirche identifiziert ihn durch die apostolische Sukzession als den ersten Papst, unter anderem aufgrund der Worte, die Jesus an ihn richtete: "Du bist Petrus, und auf diesen Felsen will ich meine Kirche bauen, und die Macht des Todes soll sie nicht überwältigen. Ich werde dir die Schlüssel des Himmelreichs geben. Was du auf Erden binden wirst, soll auch im Himmel gebunden sein, und was du auf Erden lösen wirst, soll auch im Himmel gelöst sein." Der heilige Petrus war sozusagen der Beichtvater Jesu, sein engster Jünger, und beide waren durch ein ganz besonderes Band miteinander verbunden, wie sowohl im kanonischen als auch im apokryphen Evangelium berichtet wird.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Los 40 - Spanische Schule des 18. Jahrhunderts. "Unbefleckt". Öl auf Kupfer. Maße: 11,5 x 16,5 cm; 33 x 28 cm (Rahmen). Dieses Gemälde folgt in Ikonographie und Stil den Murilleschen Vorbildern. Die Unbefleckte, die als jugendlich, schön und jungfräulich charakterisiert wird, tritt auf die Mondsichel, während sie sich zum Himmel erhebt, umgeben von Putten, die sie verkürzt darstellen. Die Figuren sind in die dunstige Atmosphäre zwischen leuchtenden Lichtreflexen integriert. Das Thema der Empfängnis wird mit dem der Himmelfahrt kombiniert und spielt auf die Herrlichkeit Mariens an. Dieses Modell wurde von Murillo in einer Reihe von Marienbildern verwendet, die sich großer Beliebtheit erfreuten und die spanischen Maler des Barocks und späterer Epochen beeinflussten. Als Murillo sein Modell der Unbefleckten Empfängnis schuf, erlebte die Marienverehrung in Spanien gerade einen großen Aufschwung. So wurde das Thema der Unbefleckten Empfängnis zu einem der nationalen Identitätszeichen Spaniens als katholisches Land. Es ist eines der ureigensten Themen der spanischen Barockmalerei, denn unser Land war der Hauptverfechter dieses Mysteriums und dasjenige, das am nachdrücklichsten dafür kämpfte, es zu einem Glaubensdogma zu machen. In diesem Zusammenhang arbeiteten zahlreiche Künstler und Intellektuelle daran, eine klare Ikonographie zu schaffen, die zur Verbreitung der Unbefleckten Empfängnis beitragen sollte, indem sie Symbolik und Volksbegeisterung miteinander verbanden.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 41 - Spanische Schule des XVIII. Jahrhunderts. Nach PIETER VAN AVONT (Mecheln 1600-1652). "Heilige Familie und San Juanito". Öl auf Kupfer. Präsentiert Restaurierung und Übermalung. Maße: 22 x 17 cm; 32 x 27 cm (Rahmen). Dieses Gemälde lehnt sich eng an das Originalgemälde von Pieter Van Avont an, in dem, wie hier, die Heilige Familie in Begleitung von San Juanito dargestellt ist. Als flämischer Maler, Zeichner und Kupferstecher des Frühbarocks spezialisierte sich Peeter van Avont auf Porträts, religiöse (vor allem die Heilige Familie) und historische Themen und fertigte auch Kopien großer zeitgenössischer Meister wie Rubens oder Van Dyck an. Im Jahr 1620 erreichte er den Rang eines Meisters in der Malergilde seiner Heimatstadt Mechelen, obwohl er 1622 bereits in Antwerpen als Mitglied der St. Lukas-Gilde tätig war. In dieser Stadt ließ er sich nieder und erhielt 1631 das Bürgerrecht. Nach zwei Ehen ließ sich van Avont in Deurne bei Antwerpen nieder, wo er 1652 starb. Er arbeitete häufig mit anderen Meistern zusammen, was bei den mitteleuropäischen Meistern dieser Zeit aufgrund der starken Spezialisierung nach Gattungen im Barock üblich war. So arbeitete van Avont u. a. mit Jan Brueghel dem Älteren, David Vinckboons, Lucas van Uden und Jan Wildens zusammen. In seiner Werkstatt hatte er Schüler wie Frans Wouters, der schließlich 1634 in die Werkstatt von Rubens ging, um seine Ausbildung zu vervollständigen.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 42 - Spanische Schule des 18. Jahrhunderts. "Das Jesuskind, Retter der Welt". Öl auf Kupfer. Maße: 18 x 14 cm; 22 x 18 cm (Rahmen). Dieses Öl auf Kupfer stellt das Jesuskind als "Salvator Mundi" dar, eine Ikonographie, die auf das christologische Konzept von Jesus Christus als universellem Retter anspielt, in Bezug auf seine Rolle als Richter im Jüngsten Gericht und seinen Charakter als Erlöser. Charakteristisch für diese Ikonographie ist die Darstellung von Christus, der mit einer Hand eine Kugel hält (die manchmal von einem Kreuz gekrönt wird), während er mit der anderen Hand normalerweise das Segenszeichen macht (in diesem Fall ruht er sich im Schlaf auf der Kugel aus).

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 43 - Flämische Schule; XVII Jahrhundert. "Porträt eines Herrn". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Es präsentiert Repainting. Dimensionen: 75 x 58 cm; 88 x 70 cm (Rahmen). Hervorragendes männliches Porträt, drei Viertel auf neutralem Hintergrund, das einen Mann mittleren Alters und aristokratischer Haltung darstellt. In realistischer Sprache aufgelöst, geht der Maler auf die Psychologie der Figur ein. Seine kantigen Gesichtszüge unterstreichen die Strenge seines Charakters. Der Hals, der durch eine große Halskrause definiert ist, und die Hauttöne sind mit einem klaren Licht modelliert, das auch das Volumen der Figur hervorhebt. Er stützt seine Hand auf eine Uhr, auf der die Darstellung eines Heiligen zu sehen ist. Das Porträt war eine der wichtigsten Gattungen der flämischen Malerei des 17. Bei der Erfassung der Persönlichkeit dieses Herren oder Adligen, den wir zeigen, wird die Lehre von Meistern wie Rembrandt oder Frans Hals bestätigt. Die technische Qualität, der Realismus und die Wahrhaftigkeit des Gesichts des Protagonisten bringen das Werk näher an den Stil der flämischen Schule. Eine Schule, in der das Porträt, sowohl das Einzel- als auch das Gruppenporträt und sogar die Figur, die Beziehungen des Individuums zur Gesellschaft zu verkörpern suchte und damit seine Entstehung popularisierte. Dieses Genre macht ein Drittel der gesamten Produktion der flämischen Schule aus. Sie präsentiert die Übermalung.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 44 - Niederländische Miniatur aus dem 18. Jahrhundert. "Porträt eines Herrn". Malerei auf Kupfer von ovaler Form. Hölzerner Rahmen. Es zeigt Verschleiß, einige Fehler und einige Repainting. Maße: 10 x 8 cm; 17 x 14 cm (Rahmen). Die Miniaturporträts wurden in Europa ab dem sechzehnten Jahrhundert entwickelt. Sie bestanden aus kleinen Gemälden, die in Gegenstände wie Medaillons, Tischuhren oder kleine Schachteln eingebettet waren. Der Rahmen dieser Porträts war in der Regel oval oder rund. Sie wurden in einer Vielzahl von Techniken hergestellt, wie Öl auf Kupfer, Zinn oder Elfenbein, Gouachen auf Pergament oder Karton und seit dem 18. Seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, parallel zur Entwicklung der Fotografie, geht diese delikate Kunst verloren.

Schätzw. 500 - 550 EUR

Los 45 - Niederländische Miniaturen des 18. Jahrhunderts. "Dame und Ritter". Drei ovale Gemälde auf Kupfer. Ein einzelner Holzrahmen. Sie zeigen Verschleiß, einige Mangel und Repainting. Maße: 8 x 6 cm (größer); 14 x 35,5 cm (Rahmen). Miniaturporträts wurden in Europa ab dem sechzehnten Jahrhundert entwickelt. Sie bestanden aus kleinen Gemälden, die in Gegenstände wie Medaillons, Tischuhren oder kleine Schachteln eingebettet waren. Der Rahmen dieser Porträts war in der Regel oval oder rund. Sie wurden in einer Vielzahl von Techniken hergestellt, wie Öl auf Kupfer, Zinn oder Elfenbein, Gouachen auf Pergament oder Karton und seit dem 18. Seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, parallel zur Entwicklung der Fotografie, geht diese delikate Kunst verloren.

Schätzw. 1 500 - 1 600 EUR

Los 46 - Spanische Schule des XVIII. Jahrhunderts. "Der heilige Franz von Assisi. Öl auf Leinwand auf dem Brett geklebt. Rahmen des achtzehnten Jahrhunderts mit einigen Mängeln. Abmessungen: 72 x 54 cm; 83 x 64 cm (Rahmen). In dieser Darstellung des heiligen Franz von Assisi im Ovalformat folgt der Autor in der leuchtenden, kontrastreichen und ausdrucksstarken Behandlung eng den spätbarocken Postulaten. Der Heilige in halber Körpergröße richtet seinen Blick auf das Kruzifix, dem er seine Gebete widmet. Weitere Attribute, die ihn ausweisen, sind die Klostertonsur, der Habit, der Lilienstrauß (Symbol der Reinheit, das auch den heiligen Josef kennzeichnet) und das Evangeliar, das neben einer brennenden Kerze auf dem Tisch liegt. Der heilige Franziskus (Assisi, Italien, 1182 - 1226) war der Sohn eines wohlhabenden italienischen Kaufmanns. Er wurde auf den Namen Johannes getauft, war aber bald als "Francesco" (der kleine Franzose) bekannt, da seine Mutter aus diesem Land stammte. Seine Jugend war fröhlich und unbeschwert, bis er sich im Alter von fünfundzwanzig Jahren völlig veränderte und begann, sich dem Dienst Gottes zu widmen, indem er das Ideal des Evangeliums praktizierte: Reinheit, Losgelöstheit und Freude am Frieden. Francesco verzichtet auf das große Erbe, das er von seinen Eltern erhalten hat, und beschließt, ein Leben in Armut zu führen und ein Beispiel für echtes Christentum zu geben. Bald hat er mehrere junge Schüler, die der Heilige "Orden der Minderbrüder" nennt. Papst Innozenz III. gewährt ihnen 1210 die Gründung des neuen Ordens und ermutigt sie in ihren evangelischen Aufgaben. Während einer Exerzitien auf dem Berg erschien ihm Christus, und der Legende nach gingen von seinen Wunden Strahlen aus, die Franziskus verschiedene Stigmata zufügten. Zu seinen Lebzeiten war er eine legendäre Figur und galt als lebende Reliquie.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 47 - Europäische Schule, Ende des XVIII. Jahrhunderts - Anfang des XIX. "Jungfrau und Kind. Öl auf Kupfer. Zeitraum Rahmen. Es präsentiert Verluste von Farbe. Maße: 21 x 16 cm; 37 x 32 cm (Rahmen). Andachtsbild, das die Jungfrau in betender Haltung vor dem friedlich schlafenden Leib des Jesuskindes darstellt. Stilistisch ist das Gemälde der Übergangszeit zum Neoklassizismus zuzuordnen. Die Feinheit des marianischen Schleiers und des mit Spitze eingefassten Lakens wird durch die Lasuren und Transparenzen sorgfältig wiedergegeben. Intensive Lichtreflexe modulieren die Gesichter, deren weiße Fleischtöne ein eigenes Licht zu verströmen scheinen.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 48 - Spanische Schule des 17. Jahrhunderts und später. Holz geschnitzt und polychromiert. Später Polychromie. Präsentiert Fehler. Maße: 94 x 64 x 13 cm. Christus der drei Nägel, in Holz geschnitzt und polychrome, der erreicht verismo. Es ist eine leidende Figur, Auslaufen, mit offenen Augen betteln um Gnade und Kopf geneigt. Der Schnitzer hat die Anatomie mit bemerkenswertem Detail gearbeitet, die Schaffung eines schlanken, aber muskulösen Körper. Man folgt den ikonographischen Vorbildern des Barocks, die ein zurückgezogenes Pathos, ein begrenztes Leiden verkörpern. Die Darstellung der Kreuzigung hat eine Entwicklung durchlaufen, die parallel zu den liturgischen und theologischen Variationen der katholischen Lehre verlief, wobei wir auf drei Meilensteine hinweisen wollen: Zu Beginn der frühchristlichen Kunst wurde die Darstellung der menschlichen Figur Christi weggelassen und die Kreuzigung wurde durch das "Agnus Dei" dargestellt, das mystische Lamm, das das Kreuz des Martyriums trägt. Bis zum 11. Jahrhundert wird der gekreuzigte, aber lebendige und triumphierende Christus mit offenen Augen dargestellt, gemäß dem byzantinischen Ritus, der die Möglichkeit der Existenz des Leichnams Christi nicht in Betracht zieht. Später, unter der theologischen Überlegung, dass der Tod des Erlösers nicht auf einen organischen Prozess, sondern auf einen Akt des göttlichen Willens zurückzuführen ist, wird Christus, wie in unserem Werk, bereits tot dargestellt, mit geschlossenen Augen und auf die rechte Schulter gefallenem Haupt, was die Leiden der Passion zeigt und Mitleid hervorruft, wie es in Psalm 22 heißt, wenn er sagt: "Mein Gott, mein Gott, warum hast du mich verlassen? (...) eine Schar von Gottlosen ist um mich her; sie haben meine Hände und meine Füße durchbohrt (...) sie haben meine Kleider geteilt und das Los um mein Gewand geworfen".

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 49 - Granada-Schule des 18. Jahrhunderts. "Purísima Concepción". Geschnitztes und polychromiertes Holz. Spätere Polychromie. Beschädigung durch Xylophagen. Maße: 53 x 21 x 21 cm. Wir befinden uns vor einer runden Schnitzerei, die die Jungfrau bei der Anrufung der Unbefleckten Empfängnis darstellt. Maria steht auf einer Reihe von Cherubköpfen, aus denen die Spitzen der Mondsichel herausragen. Bekleidet mit einer einfachen Tunika und einem blauen Mantel, faltet sie ihre Hände in einer betenden Haltung, die dem Mantel ein naturalistisches Faltenspiel verleiht. Ihr Haar fällt locker über den Rücken, und die Züge ihres feinen Gesichts und ihres langen Halses verleihen ihr eine bemerkenswerte Eleganz und stilisieren ihre Haltung. Das Thema der unbefleckten Empfängnis hebt die Tatsache hervor, dass Maria frei von der Erbsünde geboren wurde. Um dieses Ideal zu unterstreichen, wird die Jungfrau gewöhnlich mit einer Reihe von Merkmalen dargestellt, die die Gläubigen kennen und mit denen sie sich identifizieren können. So ist sie mit einer weißen Tunika und einem blauen Mantel bekleidet, Symbole der Reinheit bzw. der Wahrheit und der Ewigkeit. Der Mond zu ihren Füßen spielt auf die Keuschheit Dianas an, und die Wolken und die kleinen Engel spiegeln eher ihre Rolle als Vermittlerin vor dem himmlischen Gericht wider als ihren Sieg über die Erbsünde, eine Idee, die während der Gegenreformation im Vordergrund stand. Die Schule von Granada aus dem 17. Jahrhundert, die sich auf die vorangegangene Schule der Renaissance stützt, umfasst große Persönlichkeiten wie Pablo de Rojas, Juan Martínez Montañés (der in der Stadt mit der vorangegangenen Schule ausgebildet wurde), Alonso de Mena, Alonso Cano, Pedro de Mena, Bernardo de Mora, Pedro Roldán, Torcuato Ruiz del Peral usw. Im Allgemeinen vernachlässigt die Schule nicht die Schönheit der Bilder und folgt auch dem Naturalismus, wie es zu der Zeit üblich war, aber sie betonte immer mehr das Intime und die Erinnerung in einigen delikaten Bildern, die in einer anderen Reihe von Details den anderen andalusischen Schulen ähnlich sind, aber die normalerweise nicht die Monumentalität der sevillanischen haben.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 50 - Spanische Schule des 17. Jahrhunderts. "Der gekreuzigte Christus". Geschnitztes und polychromiertes Holz. Später Kreuz des zwanzigsten Jahrhunderts. Präsentiert Fehler. Abmessungen: 26 x 28 x 7 cm (Christus); 56 x 36 x 9 cm (Kreuz). Christus von drei Nägeln, in Holz geschnitzt und polychrome, der erreicht verismo. Es handelt sich um eine leidende Figur, auslaufend, mit bereits geschlossenen Augen und geneigtem Kopf. Der Schnitzer hat die Anatomie mit bemerkenswerter Detailgenauigkeit ausgearbeitet, indem er einen schlanken Körper mit ausgeprägter Muskulatur schuf, im "déhanchement" oder in der leichten Bewegung der Hüften, die die Beugung eines Beins begleitet und Ausdruckskraft verleiht. Man folgt den ikonografischen Vorbildern des Barocks, die Träger eines zurückgezogenen Pathos, eines beherrschten Leidens sind. Das Tuch der Reinheit wird gestrafft, ein Spiel von Hell-Dunkel gedruckt. Die Darstellung der Kreuzigung hat eine Entwicklung durchlaufen, die parallel zu den liturgischen und theologischen Variationen der katholischen Lehre verlief, wobei wir drei Meilensteine hervorheben wollen: Zu Beginn der frühchristlichen Kunst wurde die Darstellung der menschlichen Figur Christi weggelassen und die Kreuzigung wurde durch das "Agnus Dei" dargestellt, das mystische Lamm, das das Kreuz des Martyriums trägt. Bis zum 11. Jahrhundert wird der gekreuzigte, aber lebendige und triumphierende Christus mit offenen Augen dargestellt, gemäß dem byzantinischen Ritus, der die Möglichkeit der Existenz des Leichnams Christi nicht in Betracht zieht. Später, unter der theologischen Überlegung, dass der Tod des Erlösers nicht auf einen organischen Prozess, sondern auf einen Akt des göttlichen Willens zurückzuführen ist, wird Christus, wie in unserem Werk, bereits tot dargestellt, mit geschlossenen Augen und auf die rechte Schulter gefallenem Haupt, was die Leiden der Passion zeigt und Mitleid hervorruft, wie es in Psalm 22 heißt, wenn er sagt: "Mein Gott, mein Gott, warum hast du mich verlassen? (...) eine Schar von Gottlosen ist um mich her; sie haben meine Hände und Füße durchbohrt (...) sie haben meine Kleider geteilt und das Los um mein Gewand geworfen".

Schätzw. 300 - 500 EUR

Los 51 - Spanische Schule des 17. Jahrhunderts. "Christus gekreuzigt". Geschnitztes und polychromiertes Holz. Es präsentiert Fehler in der Schnitzerei und Polychromie. Alte Xylophagen. Abmessungen: 65 x 47 x 13 cm (Christus); 90 x 53 x 17 cm (Kreuz). Christus der drei Nägel, in Holz geschnitzt und polychrome, der erreicht Verismus. Es handelt sich um eine leidende, sterbende Figur mit bereits geschlossenen Augen und geneigtem Kopf. Der Schnitzer hat die Anatomie mit bemerkenswerter Detailgenauigkeit ausgearbeitet, indem er einen schlanken Körper mit ausgeprägter Muskulatur schuf, im "déhanchement" oder in der leichten Bewegung der Hüften, die die Beugung eines Beins begleitet und Ausdruckskraft verleiht. Man folgt den ikonografischen Vorbildern des Barocks, die Träger eines zurückgezogenen Pathos, eines beherrschten Leidens sind. Das Tuch der Reinheit wird gestrafft, ein Spiel von Hell-Dunkel gedruckt. Die Darstellung der Kreuzigung hat eine Entwicklung durchlaufen, die parallel zu den liturgischen und theologischen Variationen der katholischen Lehre verlief, wobei wir drei Meilensteine hervorheben wollen: Zu Beginn der frühchristlichen Kunst wurde die Darstellung der menschlichen Figur Christi weggelassen und die Kreuzigung wurde durch das "Agnus Dei" dargestellt, das mystische Lamm, das das Kreuz des Martyriums trägt. Bis zum 11. Jahrhundert wird der gekreuzigte, aber lebendige und triumphierende Christus mit offenen Augen dargestellt, gemäß dem byzantinischen Ritus, der die Möglichkeit der Existenz des Leichnams Christi nicht in Betracht zieht. Später, unter der theologischen Überlegung, dass der Tod des Erlösers nicht auf einen organischen Prozess, sondern auf einen Akt des göttlichen Willens zurückzuführen ist, wird Christus, wie in unserem Werk, bereits tot dargestellt, mit geschlossenen Augen und auf die rechte Schulter gefallenem Haupt, was die Leiden der Passion zeigt und Mitleid hervorruft, wie es in Psalm 22 heißt, wenn er sagt: "Mein Gott, mein Gott, warum hast du mich verlassen? (...) eine Schar von Gottlosen ist um mich her; sie haben meine Hände und Füße durchbohrt (...) sie haben meine Kleider geteilt und das Los um mein Gewand geworfen".

Schätzw. 900 - 1 200 EUR

Los 52 - Spanische Schule des 16. Jahrhunderts. "Der gekreuzigte Christus". Geschnitztes Holz. Mit Resten von Vergoldung in der Reinheit Stoff. Kreuz aus ebonisiertem Holz mit silbernen Details an den Enden der Arme. Es präsentiert Fehler in der Schnitzerei. Maße: 35 x 35 x 5 cm (Christus); 66 x 46 x 9 cm (Kreuz). Holzskulptur eines gekreuzigten Christus. Das Andachtsbildnis zeugt von der Qualität der Schnitzerei und dem Interesse, die Schönheit des menschlichen Körpers zu erfassen. Obwohl es sich um eine Anatomie handelt, der die Stigmata den Stempel des Pathos aufdrücken, dreht der Schnitzer (der der Tradition der Renaissance zugerechnet wird) die Gliedmaßen mit Geschick und verleiht dem Ganzen eine edle und harmonische Haltung. Der geneigte Kopf ruht bereits vom Leiden. Die geschlossenen Augenlider und das drahtige Gesicht, das von einem büschelweise gearbeiteten Bart umrahmt wird, geben ein wahrhaftiges Antlitz. Es handelt sich um einen Christus mit drei Nägeln, der von einem reinen Tuch bedeckt ist, das von einem unsichtbaren Wind bewegt wird und sich in kühne Falten legt. Der ausgestreckte Zeigefinger spielt auf die doppelte Natur Jesu an, die menschliche und die göttliche.

Schätzw. 900 - 1 200 EUR

Los 53 - Spanische Schule des 16. Jahrhunderts. "Salvator Mundi". Geschnitztes und polychromiertes Holz. Es präsentiert Fehler in der Schnitzerei und Polychromie. Reste von Xylophagen. Abmessungen: 60 x 22 x 15 cm. Runde Skulptur, die das Jesuskind als "Salvator Mundi" darstellt, eine Ikonographie, die auf das christologische Konzept von Jesus Christus als universellem Erlöser anspielt, in Bezug auf seine Rolle als Richter im Jüngsten Gericht und seine Rolle als Erlöser. Charakteristisch ist die Darstellung von Christus, der mit einer Hand einen Reichsapfel (manchmal mit einem Kreuz darüber) hält, während er mit der anderen Hand gewöhnlich das Segenszeichen macht.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 54 - Spanische Schule des 18. Jahrhunderts. "Das Jesuskind". Geschnitztes und polychromiertes Holz. Augen aus Glaspaste. Gelenkige Arme. Präsentiert Fehler in der Schnitzerei und Polychromie. Abmessungen: 15 x 59 x 4,5 cm. Andachtsbild von rundem Volumen in Holz und Polychromie geschnitzt, die das nackte Jesuskind (ursprünglich würde er reiche königliche Kleider nach Maß tragen), mit gewellten Haaren, stehend auf einem goldenen Sockel und mit Formteilen geschnitzt, hebt seine Hände. Es handelt sich um eine prächtig gearbeitete Schnitzerei auf anatomischem Niveau, von außerordentlichem Naturalismus, die dem barocken Kanon der spanischen Schule folgt. Die spanische Barockskulptur ist eines der authentischsten und persönlichsten Beispiele unserer Kunst, denn ihre Konzeption und ihre Ausdrucksform entstammen dem Volk und den tiefsten Gefühlen, die ihr innewohnen. In einer Zeit, in der die Wirtschaft des Staates zusammenbrach, der Adel im Niedergang begriffen war und der hohe Klerus mit hohen Steuern belastet wurde, waren es die Klöster, die Pfarreien und die Bruderschaften von Klerikern und Laien, die die Entwicklung der Bildhauerei förderten, wobei die Werke manchmal durch Subskriptionen des Volkes finanziert wurden. Die Bildhauerei war somit gezwungen, die in diesen Umgebungen vorherrschenden Ideale zu verkörpern, die keine anderen als die religiösen waren, zu einer Zeit, als die gegenreformatorische Doktrin von der Kunst eine realistische Sprache verlangte, damit die Gläubigen das Dargestellte verstehen und sich damit identifizieren konnten, und einen Ausdruck, der mit einem intensiven emotionalen Inhalt ausgestattet war, um die Inbrunst und Hingabe des Volkes zu steigern. Das religiöse Thema ist daher das bevorzugte Thema der spanischen Bildhauerei dieser Zeit, die in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts mit einem vorrangigen Interesse an der Erfassung des Natürlichen begann, um im Laufe des Jahrhunderts den Ausdruck expressiver Werte zu intensivieren, der durch die Bewegung und die Vielfalt der Gesten, den Einsatz von Lichtmitteln und die Darstellung von Stimmungen und Gefühlen erreicht wird.

Schätzw. 500 - 550 EUR

Los 55 - Spanische oder flämische Schule des 17. Jahrhunderts. "Der heilige Josef mit Kind". Öl auf Kupfer. Silberner Metallrahmen. Mit Glas. Maße: 15,5 x 12 cm; 17 x 14 x 1 x 1 cm (Rahmen). Bis zur Gegenreformation war es üblich, dass die Figur des Heiligen Josef im Hintergrund blieb, da ihr keine theologische Bedeutung beigemessen wurde. Nach Trient wurde jedoch seine führende Rolle als Beschützer Jesu in seiner Kindheit und als Führer in seiner Jugend wiederentdeckt, und als solcher ist er hier dargestellt. Im Gegensatz zur Zartheit, Wehrlosigkeit und Offenheit der Kinderfigur wird der heilige Josef als monumentale, typisch barocke Figur dargestellt, ein Eindruck, der durch den pyramidenförmigen Aufbau des Bildes noch verstärkt wird. Durch diese Form der Darstellung hebt der Autor die entscheidende Rolle des vermeintlichen Vaters Jesu als Beschützer visuell hervor.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 56 - Schule von DOMENICO TIÉPOLO (Venedig, 1696 - Madrid, 1770). "Orientalischer Gentleman". Öl auf Platte. Präsentiert Fehler. Maße: 35 x 28 x 2 cm. Dieses halbhohe Porträt eines Ritters mit Hermelinmütze gehört zu den Porträtgemälden, die Giovanni Battista Tiepolo von den Mitgliedern des Königshauses anfertigte. Die warmen und sinnlichen Farbtöne modellieren die Gesichtszüge und verleihen ihnen psychologische Tiefe. Ein langer, buschiger Bart umrahmt das stilisierte Oval, und weiche Falten legen sich über die ungepflegte Stirn. Der Venezianer Giambattista Tiepolo war einer der größten Maler des 18. Jahrhunderts in Europa und der großartige erste Meister der Gran Manera, einer vom Klassizismus abgeleiteten idealisierten Ästhetik. Seine Kunst erhebt die Vorstellungskraft, indem sie die Welt der antiken Geschichte, der Mythen, der heiligen Schriften und Legenden in eine grandiose und theatralische Sprache übersetzt, die typisch für den Spätbarock ist. Tiepolo entwickelte eine Ästhetik, die sich ausgehend von den Konventionen seiner Entstehungszeit glänzend entwickelte und immer prächtiger wurde, wobei er den Begriff des italienischen "Capriccio" und der "Fantasia" zelebrierte. Er war einer der bedeutendsten italienischen Freskenmaler seiner Zeit sowie Staffeleimaler und Kupferstecher, gilt als letzter großer Maler des Barock und als eine der herausragendsten Figuren des italienischen Rokoko. Besonders entscheidend war seine Geburt in Venedig; sein erster Lehrer war Giorgio Lazzarini, der ihn in der Lehre der venezianischen Meister des 16. Jahrhunderts ausbildete. Er lernte vor allem die Chromatik und die heftigen Hell-Dunkel-Effekte von Veronese. Zu Beginn seiner Karriere arbeitete er für die venezianischen Familien Cornari und Dolfin, und um 1718-1720 schuf er sein erstes bedeutendes Werk, die Serie von Gemälden der Königin Zenobia für den Palast Ca'Zenobio in seiner Heimatstadt Venedig. Er war nicht nur in Venedig, sondern auch in anderen Gebieten Norditaliens sehr aktiv und wurde 1761 von Karl III. nach Madrid gerufen, um den Thronsaal des neuen Königspalastes zu dekorieren. Stets von seinen Söhnen Domenico und Lorenzo unterstützt, arbeitete Tiepolo zwischen 1762 und 1766 im Palast und beschloss schließlich, weiterhin für den spanischen Hof zu arbeiten und verschiedene königliche Aufträge als Kammermaler anzunehmen. Werke dieses Malers werden heute in den bedeutendsten Kunstgalerien Europas und Amerikas aufbewahrt, darunter das Prado-Museum, das Metropolitan Museum in New York, der Louvre in Paris, die Akademische Galerie in Venedig, die Gemäldegalerie in Berlin, die Eremitage in St. Petersburg, das Kunsthistorische Museum in Wien, das Thyssen-Bornemisza-Museum in Madrid, das Nationalmuseum in Stockholm, die Pinacoteca de Brera in Mailand und das Rijksmuseum in Amsterdam, um nur einige zu nennen.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 57 - Spanische Schule des 18. Jahrhunderts. "San Francisco de Paula". Öl auf Leinwand. Präsentiert Restaurierungen und Mängel. Rahmen des neunzehnten Jahrhunderts, mit Mängeln. Abmessungen: 70 x 60 cm; 91 x 72 x 3 cm (Rahmen). Gemälde aus der Zeit und im Stil des Spätbarocks, erkennbar an den ausgeprägten Hell-Dunkel-Kontrasten, die dem Andachtsbild dramatische Intensität verleihen. Der Heilige hält seine Hand an sein Herz und blickt auf den himmlischen Glanz, in den das Wort "Caritas" eingraviert ist. Der heilige Franziskus von Paola (1416-1507) war ein italienischer Einsiedler und Gründer des Ordens der Minimen. In sehr jungen Jahren begann er sein Leben als Einsiedler am Rande seiner Heimatstadt Paula. Nach und nach erlangte er Berühmtheit für seine Wundertaten, und um 1450 gab es bereits eine Gruppe von Anhängern um seine Gestalt. Seine Gemeinschaft wuchs, und 1470 erhielt die Kongregation der Eremiten (der spätere Orden der Minimen) vom Erzbischof von Consenza die diözesane Genehmigung. Vier Jahre später erhielt sie von Papst Sixtus IV. die päpstliche Anerkennung. Im Jahr 1483 reiste Franz von Paola im Auftrag des Papstes und auf Bitten von König Ludwig XI. nach Frankreich. Dort leistete er diplomatische Arbeit zugunsten des Heiligen Stuhls und bemühte sich gleichzeitig um die Genehmigung einer Regel für seine Kongregation, die er schließlich 1493 erhielt. Bis zu seinem Tod konnte Franz von Paola auf die Unterstützung und den Schutz der französischen Monarchen zählen, und einige Jahre nach seinem Tod begannen die Prozesse für seine Heiligsprechung in Kalabrien, Tourse und Amiens, in denen zahlreiche Zeugen seines Lebens und seiner Wunder Zeugnis ablegten. Er wurde schließlich 1513 selig und 1519 heiliggesprochen. Die Ikonographie dieses Heiligen ist reichhaltig. Das bekannteste Bildnis, das viele Maler inspiriert hat, ist das von Jean Bourdichon, einem französischen Maler und Zeitgenossen von Franz von Paola. Darin erscheint der Heilige im Habit, ein alter Mann mit ernstem Gesicht und einem dichten grauen Bart, der sich auf einen einfachen Stab stützt.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 58 - Spanische Schule; XIX Jahrhundert. "Porträt von Philipp IV. Öl auf Leinwand. Es hat einen Rahmen nach antiken Vorbildern. Maße: 63 x 49 cm; 79 x 65 cm (Rahmen). Das Werk ist eine Version des bekannten Porträts von Philipp IV. im fortgeschrittenen Alter, das von Velázquez gemalt wurde und im Prado-Museum aufbewahrt wird. Der brillante Maler zeigt den König nüchtern in Schwarz gekleidet, wie es für den Monarchen und den Hochadel der Zeit üblich war, mit einem etwas melancholischen Gesichtsausdruck und vom Alter etwas eingefallenen Wangen. Der König, der bei seinen Porträts stets auf Wahrhaftigkeit bedacht war, scheint beim Anblick seines Bildnisses auf dem Weg ins hohe Alter ausgerufen zu haben, dass dies das letzte Porträt sein würde, das von ihm angefertigt wird. Das Bildnis des Monarchen ist in der Tat zu einer Ikone geworden, da es von anderen Künstlern der damaligen Zeit häufig verwendet wurde und zum offiziellen Bild des Endes der Herrschaft Philipps IV. wurde. Velázquez konzentriert sich ganz auf das Gesicht und den Gesichtsausdruck und verzichtet auf die Zeichen der Macht und die Elemente, die Prunk und Reichtum ausdrücken (Vorhänge, Möbel, Schmuck), die in der barocken Porträtmalerei so üblich sind. Auf diese Weise erreicht der Künstler ein Werk von großer psychologischer Tiefe.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 59 - Mallorquinische Schule; XVII Jahrhundert. "Allegorie des Geruchs". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Präsentiert Restaurierungen. Maße: 72 x 101 cm; 90 x 117 cm (Rahmen). Die allegorischen Gemälde entstanden im Mittelalter mit der Absicht, die Eigenschaften und Situationen des Lebens zu verherrlichen. Diese Art von Porträts wurde verwendet, um die Qualitäten eines bestimmten Charakters, wie z. B. Könige oder anerkannte Persönlichkeiten, hervorzuheben. In diesem Fall handelt es sich nicht um eine anerkannte Persönlichkeit, sondern der Maler wollte das ursprüngliche Konzept der Verwendung von Allegorien in der bildenden Kunst widerspiegeln. Ein junger Mann steht zwischen zwei Blumensträußen, die die unbestrittenen Protagonisten der Szene sind. Das Werk ist nicht nur eine Allegorie der Sinne, sondern auch des Konzepts der Pracht und Schönheit der Jugend, die völlig vergänglich ist. Die mallorquinische Schule der Stillleben zeigt einen starken Einfluss der valencianischen Schule, obwohl sie ihre eigene Persönlichkeit hatte und eine gewisse Bedeutung gehabt haben muss, wenn man die Anzahl der Werke betrachtet, die bis heute erhalten geblieben sind. Sie entwickelte sich vor allem ab dem späten siebzehnten Jahrhundert und während des achtzehnten Jahrhunderts, ab dem Erscheinen der Figur des Guillermo Mesquida (1625-1747), der das Niveau der mallorquinischen Malerei anheben wird. Er war der berühmteste Maler des balearischen Barocks und der absolute Dominator des künstlerischen Panoramas zwischen dem Ende des XVII. und der ersten Hälfte des XVIII. Er war ein hervorragender Maler von Stillleben, obwohl wir heute kein einziges erhalten haben, das wir ihm mit absoluter Sicherheit zuschreiben können. Seine Biographen geben an, dass er in Rom Schüler des Italieners Carlos Marata war, eines Malers, der großen Einfluss auf die Entwicklung des Stilllebens hatte, da er mit zahlreichen Spezialisten dieses Genres zusammenarbeitete. Mesquida stellte in seinen Werken Früchte, Tiere und Blumen dar und gründete auf Mallorca eine Werkstatt, in der zahlreiche Werke entstanden, von denen einige noch heute erhalten sind. Sein Stil zeichnete sich durch einen großen Farbreichtum, eine deutliche Prunkhaftigkeit und eine Fülle von Obst- und Blumenelementen aus, Merkmale, die von seinen Nachfolgern der mallorquinischen Schule geerbt wurden. Dank des Einflusses von Mesquida nahmen die mallorquinischen Stilllebenmaler italienische Elemente auf, insbesondere neapolitanische und römische, immer in Verbindung mit dem Einfluss der valencianischen Schule. Es präsentiert Restaurierungen.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 60 - Spanische Schule; Ende des XVII. Jahrhunderts. "Jäger". Öl auf Karton geklebt, um den Rahmen. Maße: 31,5 x 22 cm; 49 x 41 cm (Rahmen). Auf dieser Tafel zeigt uns der Autor eine Szene, die dem Alltag entnommen zu sein scheint, eine Kostümszene, die aber dennoch eine tiefere allegorische Bedeutung hat. Der im Vordergrund dargestellte Protagonist, ein junger Jäger mit einem Kaninchen in der Hand, richtet seinen Blick mit einer abwesenden Geste auf einen Punkt am Rande der Komposition, so dass der Autor einen Großteil seiner Aufmerksamkeit darauf verwendet, die Psychologie der Figur zu erfassen. Es handelt sich um ein Genre, in dem populäre Typen und Haltungen, Verhaltensweisen, Werte und Gewohnheiten, die einer bestimmten Bevölkerungsgruppe, Region oder Klasse gemeinsam sind, durch die satirische, nostalgische oder erzählerische Beschreibung von Umgebungen, Bräuchen, Kleidung, Festen und Unterhaltung, Traditionen, Berufen und repräsentativen Typen einer Gesellschaft beschrieben werden. Die Idee des Costumbrismo entstand aus dem Versuch, die Realität zu verstehen, oder genauer gesagt, die Realität, die auf eine bestimmte Art und Weise verstanden wird, aus einem bestimmten Blickwinkel.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 61 - Italienische Schule in der Nachfolge von GIOVANNI BATISTA SALVI ; "Il Sassoferrato" (Sassoferrato, 1609 - Rom, 1685). I; 17. Jahrhundert. "Madonna der Verkündigung". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Es präsentiert Übermalungen und Restaurierungen auf der Bildoberfläche. Maße: 55 x 57 cm; 78 x 81 cm (Rahmen). Was die thematische Anspielung auf die Jungfrau der Verkündigung betrifft, so versammelt die ikonografische Tradition eine eher erzählerische Szene, in der der Erzengel Gabriel der Jungfrau erscheint, um ihr die Nachricht zu überbringen, dass sie schwanger ist. Normalerweise steht die Jungfrau hinter einem Altar oder einem Tisch, auf dem ein Buch oder weiße Lilien, ikonografische Attribute, die mit der Jungfrau assoziiert werden, liegen. Im Laufe der Jahrhunderte wurden diese Elemente jedoch immer mehr reduziert, wie man an bedeutenden Werken sehen kann, die dieselbe Ikonographie der Verkündigung aufgreifen und sich ausschließlich auf die Darstellung der Jungfrau stützen. Ein Beispiel dafür ist die Madonna der Verkündigung von Messina. Ästhetisch folgt er den Modellen von Giovanni Battista Salvi, einem italienischen Barockmaler, der vor allem für die Schaffung von Andachtsbildern geschätzt wurde, in denen er die klassizistische Strömung von Bologna und den Tenebrismus der Caravaggista-Tradition vereinte, mit einer großen Vielfalt an Modellen und einer großen Streuung, was es oft schwierig macht, ihm Werke mit Sicherheit zuzuordnen. Er begann seine Ausbildung bei seinem Vater, Tarquinio Salvi, und erweiterte sie bei Domenichino. Er ließ sich dauerhaft in Rom nieder und erlangte bald einen gewissen Erfolg für seine sanfte Malerei, der es ihm ermöglichte, in der Stadt eine wichtige Werkstatt zu gründen, die die Schemata und den Stil des Meisters wiederholte. Seine Werke werden in wichtigen Institutionen wie der National Gallery in London, dem Museo del Prado in Madrid, dem Palazzo Barberini in Rom, den Uffizien in Florenz usw. aufbewahrt. Er präsentiert Übermalungen und Restaurierungen auf der Bildoberfläche.

Schätzw. 2 500 - 2 800 EUR

Los 62 - Flämische Schule; XVII Jahrhundert. "Das Heilige Antlitz". Öl auf Eichenholzplatte. Es präsentiert Fehler und Restaurierungen. Maße: 44 x 32 cm; 69 x 56,5 cm (Rahmen). Die hier dargestellte Szene, aus der später die für die Andachtsmalerei typische Ikonographie des Heiligen Gesichts hervorgehen sollte, ist eine Episode, die sich während der Passion Christi ereignete. Erschöpft vom Blutverlust bei der Geißelung, geschwächt von den körperlichen und seelischen Leiden, die ihm in der Nacht zuvor zugefügt worden waren, und ohne geschlafen zu haben, konnte Jesus kaum ein paar Schritte machen und fiel bald unter dem Gewicht des Kreuzes zusammen. Dann folgten die Schläge und Verwünschungen der Soldaten, das erwartungsvolle Gelächter des Publikums. Jesus schaffte es mit aller Willensstärke und mit all seiner Kraft, aufzustehen und seinen Weg fortzusetzen. Nach theologischen Auslegungen lädt Jesus uns mit seinem Handeln ein, unser Kreuz zu tragen und ihm zu folgen, er lehrt uns, dass auch wir fallen können und dass wir diejenigen verstehen müssen, die fallen; dass niemand am Boden liegen bleiben darf, sondern dass wir alle in Demut und Vertrauen aufstehen und seine Hilfe und Vergebung suchen müssen. Die hier dargestellte Szene ist das Ergebnis des konkreten Moments, als eine Frau auf dem Weg nach Golgatha ihren Schleier abnahm, um damit das Antlitz des Messias abzuwischen. Das Bild des Antlitzes Jesu Christi wurde auf dem Leinentuch eingeprägt, das auf wundersame Weise durch die Jahrhunderte hindurch erhalten blieb und zu einem Gegenstand der Verehrung wurde. Die Frau wurde später Veronika genannt, deren Etymologie sich vom lateinischen "verum" (wahr) und dem griechischen "eikon" (Bild) ableitet. Sie weist Mängel und Restaurierungen auf.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 63 - Schule des BASSANO; XVII Jahrhundert. "Gebet im Garten". Öl auf Leinwand. Relined geklebt an Bord. Präsentiert Restaurierungen. Maße: 73 x 94,5 cm; 84 x 106 cm (Rahmen). Dieses Andachtsbild stellt Jesus im Ölgarten dar, als der Engel ihn tröstet, während seine Jünger Petrus, Johannes und Jakobus neben ihm schlafen (Matthäus: Kap. 26 V. 37; Markus: Kap. 14 V. 33). Die Evangelien berichten, dass Jesus, von einer seltsamen Traurigkeit geplagt, auf den Ölberg geht, um zu beten, wohin ihm die Apostel folgen. Dort angekommen, zieht sich Jesus zum Beten zur Seite zurück, und der Moment der Kreuzigung wird für ihn gegenwärtig. Mit dieser Episode beginnt also die blutige Passion in der Seele Christi. Die Apostel fallen in einen tiefen Schlaf, und ein Engel erscheint Jesus, um ihn zu trösten. Tatsächlich spielt diese Episode auf die größte und letzte Versuchung im Leben Jesu an: Im Wissen um sein Schicksal hat er die Wahl, entweder vor seinen Feinden zu fliehen oder seine göttliche Mission unter Einsatz seines Lebens weiter zu erfüllen. Formal lässt sich dieses Werk der Bassano-Schule zuordnen, einer für die Entwicklung des venezianischen Manierismus wichtigen Familiensaga. Ihr Begründer war Jacopo Bassano (ca. 1515 - 1592), obwohl sein Vater bereits ein bekannter Künstler war, von dem Jacopo den kostumbristischen Ton lernte, mit dem er die meisten seiner religiösen Kompositionen ausstattete. Jacopo Bassano war zu seiner Zeit ein sehr erfolgreicher Künstler, der in Venedig und anderen italienischen Städten arbeitete und in seiner Heimatstadt Bassano del Grappa in der Nähe von Venedig eine Werkstatt einrichtete. Dort wurden seine vier Söhne, die seinen Stil fortsetzten, ausgebildet und entwickelten ihre Karrieren: Francesco der Jüngere (1549-1592), Gerolamo (1566-1621), Giovanni Battista (1553-1613) und Leandro (1557-1622). Sie präsentiert Restaurierungen.

Schätzw. 4 200 - 4 800 EUR

Los 64 - Spanische Schule; zweites Drittel des XVII. Jahrhunderts. "Heilige Katharina von Siena". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Maße: 97 x 144 cm. In diesem Werk bietet der Maler uns ein Bild voller mystischer Emotionen, sehr typisch für die spanische Kunst der Gegenreformation. So sehen wir ein Werk von klarer und prägnanter Komposition, mit der Heiligen Protagonistin des vollen Körpers im Vordergrund, hervorgehoben durch direkte Beleuchtung, tenebrist, auf einem Hintergrund von dunklen Tönen, in deren rechten Bereich kann gesehen werden, in der Ferne, eine Landschaft. Wie zu dieser Zeit auch in der spanischen Schule üblich, ist die Heilige Katharina betend dargestellt, kniend mit geöffneten Händen und den Blick zum Himmel gerichtet. Um 1347 in Siena geboren, legte sie im Alter von sieben Jahren das Gelübde der Jungfräulichkeit ab. Da ihre Mutter sie verheiraten wollte, rasierte sie sich den Kopf. Im Alter von sechzehn Jahren wurde sie in den Dritten Orden des Heiligen Dominikus aufgenommen und führte im Kloster ein asketisches Leben, das ihre schwache Gesundheit ruinierte. Ihre besondere Verehrung galt der heiligen Agnes von Montepulciano. Als Katharina das Grab der heiligen Agnes besuchte und sich über den Körper der Heiligen beugte, um ihren Fuß zu küssen, hob die Heilige ihn der Legende nach auf die Höhe ihrer Lippen. Sie wurde dafür verherrlicht, dass sie dazu beigetragen hatte, Papst Gregor XI. von Avignon nach Rom zu bringen. Während des abendländischen Schismas stellte sie sich auf die Seite von Urban VI. Sie starb 1380 in Rom und wurde 1461 heiliggesprochen.

Schätzw. 4 800 - 5 000 EUR

Los 65 - Andalusische Schule; Ende des siebzehnten Jahrhunderts. "Heilige Familie". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Es hat einen alten Rahmen. Maße: 90 x 120 cm; 99 x 128 cm (Rahmen). Die Jungfrau und das Kind halten ihren Sohn, der versucht, sich zu bewegen, um sich seinem Cousin Saint Juanito zu nähern. Die Jungfrau, die das Kind auf ihrem Schoß hält, obwohl sie freundlich ist, steht auf einem Sockel, so wie der Autor sie in einer höheren Position thronte, um so die Bedeutung der Protagonisten zu unterstreichen. Abgesehen von der traditionellen Ästhetik der Darstellung der Heiligen Familie ist die Anwesenheit einer Gruppe von kleinen Engeln interessant, die vor den Hauptfiguren angeordnet sind und der Szene eine gewisse Dynamik und einen dekorativen Sinn verleihen, der mit der vom Künstler für die Komposition des Bildes verwendeten Puder- und Dampftechnik harmoniert. Die Szene spielt sich in einem opulenten, von der klassischen Architektur inspirierten Innenraum ab, der auf der rechten Seite nach außen hin offen ist und den Blick auf eine Landschaft freigibt, die dem Werk Räumlichkeit verleiht. Aufgrund seiner formalen Merkmale können wir dieses Werk der Hand von José de Cieza zuordnen, einem in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts in Granada und Madrid tätigen Barockmaler. Ausgebildet in der Werkstatt seines Vaters, des Malers Miguel Jerónimo de Cieza, lernte der junge Künstler in seinen ersten Jahren die flämischen Formeln der Sprache seines Vaters, die in seinen ersten Werken sichtbar werden. Seine Kunst wird sich durch die Kenntnis der Malerei von Alonso Cano weiterentwickeln, und schließlich wird er eine reife Sprache erreichen, die durch komplexe architektonische Perspektiven mit kleinen Figuren gekennzeichnet ist. Ciezas Werke befinden sich derzeit im Prado-Museum, im Diözesanmuseum von Huesca, in der Königlichen Kapelle von Granada, im Kloster San Jerónimo, im Museum der Schönen Künste von Granada und in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 66 - Spanische Schule; erste Hälfte des 17. Jahrhunderts. "Erscheinung Jesu Christi im Traum an St. Martin von Tours". Öl auf Leinwand. Unterfüttert. Maße: 101 x 76,5 cm; 110 x 87 cm (Rahmen). Die Gestalt Jesu tritt aus einem goldenen Durchbruch der Herrlichkeit hervor, flankiert von Engeln. Der Blick Christi ist auf die irdische Ebene gerichtet. Er tritt nicht auf den Boden, sondern steht auf Wolken, die seine himmlische Herkunft zeigen. Im unteren linken Bereich ruht ein Soldat, der die göttliche Gegenwart Jesu Christi nicht wahrnimmt. Seine Soldatenkleidung und der glänzende Helm im Vordergrund weisen darauf hin, dass es sich um den Heiligen Martin von Tours handelt. Der heilige Martin von Tours (Ungarn, 316 - Frankreich, 397) war ein Soldat der römischen kaiserlichen Garde. Nachdem ihm Christus erschienen war, verließ er die Armee, bekehrte sich und schloss sich den Jüngern des heiligen Hilary von Poitiers an. Später wird er zum Bischof von Tours ernannt. Die wichtigste Legende über sein Leben spielt sich im Winter des Jahres 337 ab, als Martin in Amiens, noch bei der kaiserlichen Garde, vor den Toren der Stadt einen vor Kälte zitternden Bettler findet. Der Heilige gab ihm die Hälfte seines Mantels, da die andere Hälfte dem römischen Heer gehörte, in dem er diente. In der darauffolgenden Nacht erscheint ihm Christus, bekleidet mit dem halben Mantel, um ihm für seine Geste zu danken. Als einer der populärsten Heiligen der Christenheit ist St. Martin von Tours der Schutzpatron der Soldaten, aber auch Frankreichs und Ungarns sowie zahlreicher Städte in verschiedenen Ländern. In Spanisch-Amerika ist er der Schutzpatron der Stadt Buenos Aires, unter anderem in Kolumbien, Mexiko, Chile und Guatemala. Einer alten Tradition folgend trafen sich die ersten Mitglieder der Regierung von Buenos Aires im Jahr der Gründung der Stadt (1580), um ihm einen Heiligen als Beschützer und Schutzpatron zu geben. Die Wahl fiel auf San Martín, aber die Nachbarn weigerten sich, ihren Schutzpatron einen französischen Heiligen sein zu lassen, so dass die Wahl wiederholt wurde. Dreimal wurde derselbe Name genannt, so dass die Menschen überzeugt waren, dass es Gott selbst war, der diesen Schutzheiligen wollte.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 67 - Flämische Schule; zweites Drittel des siebzehnten Jahrhunderts. "Heilige Familie". Öl auf Eichenholzplatte. Wiegen. Gebürsteter Karton. Präsentiert Restaurierungen. Maße: 51 x 31,5 cm; 62 x 50 cm (Rahmen). Auf dieser Leinwand ist die Heilige Familie dargestellt, mit dem Kind in der Mitte, das seiner Mutter die Hand reicht, die sich zu seiner Rechten befindet. Zu seiner Linken erscheint die Figur des Joseph, der dem Kind ebenfalls die Hand reicht und in der anderen Hand den blühenden Zweig hält, der sein ikonografisches Hauptmerkmal ist. Über ihnen öffnet sich der Raum und es erscheint die Figur des Gottvaters, der auf vier kleinen Engeln angeordnet ist, die der Taube des Heiligen Geistes Platz machen, die über dem Kopf des Kindes fliegt. Die Heilige Familie umfasst im allgemeinsten Sinne des Wortes die engsten Verwandten des Jesuskindes, d. h. die Mutter und die Großmutter oder die Mutter und den nährenden Vater. In beiden Fällen handelt es sich, unabhängig davon, ob die Heilige Anna oder der Heilige Josef erscheint, um eine Gruppe von drei Figuren. Aus künstlerischer Sicht wirft die Anordnung dieser irdischen Dreifaltigkeit die gleichen Probleme auf und bietet die gleichen Lösungen wie die himmlische Dreifaltigkeit. Allerdings sind die Schwierigkeiten geringer. Es geht nicht mehr um einen einzigen Gott in drei Personen, dessen wesentliche Einheit gleichzeitig mit der Vielfalt zum Ausdruck gebracht werden muss. Die drei Personen sind zwar durch ein Blutsband verbunden, aber sie bilden keinen unteilbaren Block. Außerdem sind alle drei in menschlicher Gestalt dargestellt, während die Taube des Heiligen Geistes ein zoomorphes Element in die göttliche Dreifaltigkeit einführt, das sich nur schwer mit zwei anthropomorphen Figuren vereinbaren lässt. Andererseits war diese Ikonographie bis zur Gegenreformation traditionell eine Darstellung der Jungfrau und des Kindes, der die Figur des heiligen Josef im Vordergrund hinzugefügt wurde. Erst mit den Reformen von Trient rückte der heilige Josef als Beschützer und Führer des Jesuskindes in den Mittelpunkt. Sie zeigt Restaurierungen.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 68 - Flämische Schule; erste Hälfte des 17. Jahrhunderts. "Die Kapitulation von Babylon". Öl auf Eichenholzplatte. Wiege. Mit französischem Firnis, Fehlstellen und Restaurierungen auf der Bildoberfläche. Maße: 39 x 58 cm; 57 x 76 cm (Rahmen). Carolus Magnus oder Karl der Große (- Aachen, 814 n. Chr.) ist der lateinische Name, unter dem der fränkische König bekannt wurde, als er der erste Kaiser des Heiligen Römischen Reiches wurde. Karl der Große beherrschte einen Großteil Mittel- und Westeuropas und gilt als der einflussreichste europäische Herrscher des Mittelalters. Die Szene stellt den Moment der Eroberung Babylons dar. Die Figuren, aus denen sich die Szene zusammensetzt, wurden in Anlehnung an die Ästhetik des Klassizismus konzipiert, mit einer sehr ausgeprägten humanistischen Perspektive. Die für den Klassizismus typische Harmonie lässt sich an der Haltung der Figuren erkennen, die die Szene bilden. Diese Harmonie spiegelt sich auch in der vom Maler gewählten Farbpalette wider. Im 17. Jahrhundert gab es viele Maler, die den Stil der flämischen Primitiven fortsetzten, aber andere waren so offen für die Einflüsse der Renaissance, dass sie sogar aufhörten, auf Tafeln zu malen. In der Tat können wir in diesem Werk diese Tendenz des 17. Jahrhunderts erkennen, da der Autor, obwohl er den Detailreichtum und den Verismus der flämischen Schule beibehält, sich für eine tenebristische Beleuchtung und eine klassische Raumauffassung entscheidet, die für die italienische Schule typisch sind. Es hat französischen Firnis, Fehler und Restaurierungen auf der Bildoberfläche.

Schätzw. 4 200 - 4 500 EUR

Los 69 - Spanische Schule; 19. Jahrhundert. "Klage über den toten Christus". Öl auf Leinwand. Signiert auf der Rückseite. Maße: 29 x 39 cm; 36 x 45 cm (Rahmen). Die perlmuttfarbene Haut eines liegenden Christus verleiht dieser Andachtsszene eine gewisse Theatralik. Das Motiv, die Tonalität und die Komposition bilden ein Bild, das die Leidenschaft der Gläubigen weckt und sie einlädt, über die letzten Momente Christi nachzudenken. In einem Querformat fallen mehrere Figuren auf den Körper Jesu, den Protagonisten der Szene. Die Figuren zeichnen sich durch ihre Monumentalität und ihr Volumen aus und bedecken die gesamte Fläche, die für den Betrachter verschleiert ist. Ikonographisch gesehen handelt es sich um ein sehr gefühlsbetontes Thema, das aus der Volksfrömmigkeit hervorgegangen ist und die Aufmerksamkeit auf das Drama der Passion und die liebevolle und traurige Betrachtung mit einem realistischen und ergreifenden Sinn lenkt. In Byzanz und in den Darstellungen byzantinischen Einflusses ruht die Figur Christi auf der Salbungsplatte, auf der sein Leichnam parfümiert und für die Bestattung vorbereitet wurde und die später in der italienischen Kunst zur Grabstätte wird. Diese Szene erscheint nicht in den Evangelien, sondern findet ihren Ursprung in der mystischen Literatur und in religiösen Texten der Frömmigkeit sowie in denen der Flagellantenbruderschaften. In den kanonischen Evangelien und im apokryphen Nikodemus-Evangelium wird erzählt, wie Josef von Arimathäa den Leichnam Jesu begrub.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 70 - Neapolitanische Schule; XVIII Jahrhundert. "Heilige Familie". Öl auf Leinwand. Es hat Rahmen des achtzehnten Jahrhunderts. Abmessungen: 57 x 47,5 cm; 64 x 56 cm (Rahmen). In diesem Werk hat der Künstler die Darstellung der Heiligen Familie gemacht, nach den Modi der Zeit. Durch die Verwendung einer pyramidenförmigen Komposition, in der alle Zeichen eingeschrieben sind, gibt der Autor der Figur des Kindes größere Bedeutung. Es steht in der Mitte der Komposition neben seiner Mutter, an die es sich auf natürliche und alltägliche Weise anlehnt. Im Hintergrund beobachtet die Figur des Heiligen Joseph die Szene. Die Heilige Familie umfasst im allgemeinsten Sinne des Wortes die engsten Verwandten des Jesuskindes, d. h. Mutter und Großmutter oder Mutter und erziehender Vater. In beiden Fällen, ob nun die heilige Anna oder der heilige Josef erscheint, handelt es sich um eine Gruppe von drei Figuren. Aus künstlerischer Sicht wirft die Anordnung dieser irdischen Dreifaltigkeit die gleichen Probleme auf und bietet die gleichen Lösungen wie die himmlische Dreifaltigkeit. Allerdings sind die Schwierigkeiten geringer. Es geht nicht mehr um einen einzigen Gott in drei Personen, dessen wesentliche Einheit gleichzeitig mit der Vielfalt zum Ausdruck gebracht werden muss. Die drei Personen sind zwar durch ein Blutsband verbunden, aber sie bilden keinen unteilbaren Block. Außerdem sind die drei in menschlicher Gestalt dargestellt, während die Taube des Heiligen Geistes ein zoomorphes Element in die göttliche Dreifaltigkeit einführt, das sich nur schwer mit zwei anthropomorphen Figuren vereinbaren lässt. Andererseits war diese Ikonographie bis zur Gegenreformation traditionell eine Darstellung der Jungfrau und des Kindes, der die Figur des heiligen Josef im Vordergrund hinzugefügt wurde. Erst mit den Reformen von Trient rückte der heilige Josef als Beschützer und Führer des Jesuskindes in den Mittelpunkt.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 71 - Spanische oder italienische Schule; XVIII Jahrhundert. "Allegorie der Trunkenheit". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Maße: 50 x 50 cm; 64 x 65 cm (Madrid). In dieser Allegorie auf den Wein werden drei Kinder mit plumpen Formen in einem Zustand der Trunkenheit dargestellt. Der Autor präsentiert uns ein Bild, das sehr dem Geschmack der Zeit entspricht, ein bacchantisches Thema. Die mythologische Darstellung in einem wiederbelebten Genre, da sie Ausdruck eines intellektuelleren und anspruchsvolleren Lebensstils war, zu einer Zeit, als das neu bereicherte Bürgertum begann, sich aristokratischere Ansprüche anzueignen. Diese Art von Gemälden wurde verwendet, um Qualitäten zu verherrlichen oder einen bestimmten Status zu repräsentieren. Die Kinder in der Szene scheinen Figuren aus einem Bacchus-Kult zu sein. Bacchus war in der römischen Zeit der Gott, der mit der Weinlese und dem Wein in Verbindung gebracht wurde. Er war der Schutzpatron des Theaters und wurde sehr oft in der Solokunst, in mythologischen Themen oder in den so genannten "Bacchanalen" dargestellt, wo er manchmal gar nicht erschien.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 72 - Spanische Schule; XVII Jahrhundert. "Jungfrau und Kind". Öl auf Leinwand. Es weist Mängel in der Bildoberfläche auf. Maße: 67 x 53 cm. In dem vorliegenden Werk bietet uns der Maler, der der spanischen Schule angehört, eine Szene, die im christlichen Abendland eine sehr lange Tradition hat: die sitzende Jungfrau Maria, die das Jesuskind umarmt und in ihrem Schoß hält. Der Künstler konzentriert sich ausschließlich auf die beiden Figuren, die, obwohl sie in das alltägliche Spiel der Kinder vertieft sind, diese göttliche Vereinigung darstellen. Die Jungfrau und das Kind sind im Profil zum Betrachter hin aufgestellt, wobei es dem Künstler vor allem gelingt, die Natürlichkeit der Geste des Kindes zu vermitteln, das sich auf seine Mutter stützt und auf einen Punkt außerhalb des Bildes blickt. Seit dem Ende des Mittelalters haben die Künstler darauf bestanden, das Band der Zuneigung, das Christus mit seiner Mutter verband, und die enge Beziehung zwischen ihnen immer intensiver darzustellen; dies wurde in der Renaissance und natürlich im Barock gefördert, als die Zuspitzung der Gefühle einen großen Teil der künstlerischen Produktion kennzeichnete. In der gesamten Kunstgeschichte war es üblich, dass viele Werke von Schülern ausgeführt wurden, die das Originalmodell des Meisters unter dessen Aufsicht kopierten. Auf diese Weise war es üblich, dass der Meister, wenn das Werk bereits Gestalt angenommen hatte, in die Arbeit eingriff und wichtige Stellen retuschierte oder Fehler der Schüler korrigierte. Die Hände der Jungfrau unter dem Arm Jesu, die Augen oder bestimmte Inkarnationen zeugen von einer deutlichen Virtuosität. Sie weisen Fehler in der Bildoberfläche auf.

Schätzw. 1 500 - 1 900 EUR

Los 73 - Spanische Schule; Ende des sechzehnten Jahrhunderts. "Der Engel St. Gabriel vor Zacharias". Öl auf Tafel. Wiegen. Es präsentiert Restaurierungen in der Bildoberfläche. Maße: 72 x 43 cm. Die Passage dieser Szene wird in (Lk 1, 8-13) erzählt. "Zacharias war ein Priester, der lebte, als Herodes der Große König der Juden war. Er diente im Tempel in der Gruppe des Priesters Abija. Seine Frau hieß Elisabeth und war eine Nachfahrin von Aaron, dem Priester. Elisabeth und Zacharias waren sehr gut und hielten sich an alle Gebote Gottes. Sie hatten keine Kinder, denn Elisabeth konnte nicht schwanger werden, und außerdem waren sie beide schon sehr alt. Eines Tages war die Gruppe der Priester um Zacharias an der Reihe, Gott im Tempel zu dienen. Die Priester bestimmten immer einen aus ihrer Gruppe, der in den Tempel Gottes ging und auf dem Altar Weihrauch anzündete. Diesmal war Zacharias an der Reihe, hineinzugehen und den Weihrauch zu verbrennen, während das Volk draußen stand und betete. Plötzlich erschien dem Zacharias ein Engel Gottes auf der rechten Seite des Altars. Als Zacharias den Engel sah, bekam er große Angst und wusste nicht, was er tun sollte. Aber der Engel sagte zu ihm: "Hab keine Angst, Zacharias! Gott hat deine Gebete erhört. Deine Frau Elisabeth wird einen Sohn bekommen, und du wirst ihn Johannes nennen. 14 Seine Geburt wird dich sehr glücklich machen, und viele werden sich auch freuen. 15 Dein Sohn wird vor Gott sehr wichtig sein. Er wird weder Wein noch Bier trinken, und der Heilige Geist wird bei ihm sein, bevor er geboren wird. Dieses Kind wird viele in Israel dazu bringen, nicht mehr böse zu sein und Gott zu gehorchen. Es wird vor dem Messias kommen und die gleiche Kraft und den gleichen Geist haben wie der Prophet Elia vor ihm. Seine Botschaft wird die Eltern dazu bringen, sich mit ihren Kindern zu versöhnen, und die Ungehorsamen dazu, ihren Irrtum einzusehen und dem Beispiel derer zu folgen, die gehorchen. Sie wird auch das Volk Israel darauf vorbereiten, den Messias zu empfangen. Zacharias sagte zu dem Engel: "Meine Frau und ich sind sehr alt; woher soll ich wissen, dass alles so geschehen wird, wie du es sagst? Der Engel antwortete: "Ich bin Gabriel, Gottes besonderer Helfer. Er hat mich geschickt, um dir diese gute Nachricht zu überbringen. Aber da du mir nicht geglaubt hast, wirst du nicht mehr sprechen können, bis das geschieht, was ich dir gesagt habe. Das ganze Volk stand draußen und wartete auf Zacharias und wunderte sich, dass er nicht aus dem Tempel herauskam. Als Zacharias herauskam, konnte er nicht sprechen und winkte nur mit den Händen. Da verstanden die Leute, dass Zacharias eine Vision gehabt hatte. Am Ende seiner Schicht im Tempel kehrte Zacharias nach Hause zurück. Kurz darauf wurde seine Frau schwanger, und fünf Monate lang ging er nicht mehr aus dem Haus, denn er dachte: "Das hat Gott mit mir gemacht, damit die Menschen mich nicht mehr verachten!" Es zeigt Restaurierungen an der Bildoberfläche.

Schätzw. 3 800 - 4 000 EUR

Los 74 - JOSÉ GUTIÉRREZ DE LA VEGA (Sevilla, 1791 - Madrid, 1865) zugeschrieben. "Porträt eines Kindes. Öl auf Platte. Es hat einen Rahmen des neunzehnten Jahrhunderts. Die Messungen: 25 x 17 cm; 33 x 24 cm (Rahmen). Die dunstige Oberfläche des Porträts, zusammen mit der vom Künstler verwendeten Farbpalette, bringt uns ästhetisch in die Nähe des malerischen Kreises des Malers José Gutiérrez De La Vega. José Gutiérrez de la Vega, einer der großen Porträtisten der Romantik und begeisterter Anhänger von Murillo, wurde zwischen 1802 und 1807 an der Akademie der Schönen Künste von Santa Isabel de Hungría in Sevilla ausgebildet. Er begann 1816 mit dem Malen von Porträts, wobei in seinen ersten Werken bereits die für Murillo typischen dunstigen Töne und Fleischtöne zu erkennen waren, die ihm, wie einige Kommentatoren sagen, einen Ruf einbrachten. Zwischen 1818 und 1820 brach er den Besuch der Akademie ab und widmete sich der Anfertigung von Kopien von Murillo, wobei er sich an die kompliziertesten Gemälde des Meisters wagte, von dessen Verkauf er lebte. Dennoch schrieb er sich 1821 erneut ein, vielleicht mit dem Gedanken, sich der Lehre zu widmen. In der Tat wurde er 1925 zum Malerassistenten ernannt. Doch einige Jahre später, 1831, beschloss er, nach Madrid zu gehen, um sein Glück am Hof zu versuchen. Er war verdienstvoller Akademiker der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando, obwohl er nie die Position eines Kammermalers erlangte, da der Zugang zu dieser Position nur möglich war, wenn es freie Stellen gab. Nach der Gründung des Liceo Artístico y Literario de Madrid wurde Gutiérrez de la Vega eines seiner aktivsten Mitglieder. Er wurde auch zum Direktor der Schule der Schönen Künste in Sevilla ernannt, eine Position, die er von 1839 bis 1847 innehatte, als er aufgrund seiner längeren Aufenthalte in Madrid die Schule verlassen musste. Später wurde er zum Professor für Elementarstudien an der Königlichen Akademie von San Fernando ernannt. Gutiérrez de la Vega lebte hauptsächlich von der Porträtmalerei und malte die Bildnisse prominenter Persönlichkeiten wie Isabel II. (als Erwachsene und als Kind), den Marquis von Almonacid, den englischen Reisenden Richard Ford oder Maria Cristina, die Witwe von Ferdinand VII. Seine Leidenschaft für das Werk Murillos führte jedoch dazu, dass er sich auch der religiösen Malerei zuwandte, eine Produktion, aus der seine Inmaculadas hervorstechen. Neben Porträts und religiösen Themen widmete sich der Künstler gelegentlich auch der Genremalerei. Gutiérrez de la Vega ist derzeit unter anderem im Prado-Museum, in der Königlichen Akademie von San Fernando, in den Ministerien für Entwicklung und Industrie in Madrid, im Provinzmuseum der Schönen Künste in Málaga und im Romantischen Museum in Madrid vertreten.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 75 - Spanische Schule; Ende des sechzehnten Jahrhunderts. "Die Enthauptung des Heiligen Johannes". Öl auf gewiektem Paneel. Es präsentiert Restaurierungen in der Bildoberfläche. Maße: 72 x 44 cm. Auf diesem Ölgemälde ist die Enthauptung Johannes des Täufers dargestellt, wobei der Henker den Kopf des Heiligen auf einem Tablett ablegt, wo ihn die in ein üppiges Kleid gekleidete Figur der Prinzessin Salome aufhebt. Im Vordergrund, rechts, ist der Körper des Heiligen in seiner ganzen Rohheit dargestellt, mit der deutlich sichtbaren Wunde. Die Anatomie des Heiligen zeichnet sich auch durch ihre verzerrte Haltung aus, in einer erzwungenen Verkürzung von großer Ausdruckskraft, die die barocke Ausbildung des Malers verrät. Die warmen und goldenen Farben, die schwer zu definieren sind, sind ebenfalls barocke Elemente. Die Szene spielt in einem Innenraum mit klassischer, aber düsterer Architektur, der im Hintergrund durch eine kleine Öffnung geöffnet ist. Der Überlieferung nach tanzte Salome, eine Frau von großer Schönheit, für ihren Stiefvater, und er bot ihr begeistert an, ihr den von ihr gewünschten Preis zu gewähren. Daraufhin bat die junge Frau auf Anweisung ihrer Mutter um den Kopf des Täufers, der ihr "auf einem Silbertablett" überreicht wurde. Diese biblische Geschichte wurde oft in der Malerei dargestellt, da sie die Möglichkeit bietet, exotische Schauplätze und halbnackte Frauen darzustellen, ohne das biblische Repertoire zu verlassen, obwohl es sich nicht um dieses spezielle Werk handelt. Salome war eine Prinzessin, Tochter des Herodes Philippus und der Herodias und Stieftochter des Herodes Antipas, die in einer im Neuen Testament (Matthäus und Markus) erzählten Geschichte mit dem Tod Johannes des Täufers in Verbindung gebracht wird. Es stellt Restaurierungen in der bildlichen Oberfläche.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 76 - Gotisches Kreuz; Spanien, 13. bis 14. Jahrhundert. Sandstein. Maße: 77 x 83 x 30 cm. Diese Art von Kreuzen sind als "Kreuze des Begriffs" bekannt und wurden früher an den Ein- und Ausgängen der Städte und Dörfer aufgestellt, damit der Reisende bei der Rückkehr von seinem Weg beten oder danken konnte. Seit dem Ende der Gotik erfreuten sie sich jedoch so großer Beliebtheit, dass sie schließlich an Straßen aufgestellt wurden, um diese zu markieren, als Grenzsteine für Gemeinden oder Privatbesitz, als Gebetsanregung für Reisende usw. Das Stück hat große Ähnlichkeit mit dem Cruz de Termino, das sich in der Sammlung des Rathauses von Albacete (DE00282) befindet, obwohl es in diesem Fall größer ist. In beiden Fällen sind die Enden mit Blattfleuronen verziert. Die Ecken sind mit üppigem Maßwerk verziert.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 77 - Flämische oder deutsche Schule; frühes siebzehntes Jahrhundert. "Unbefleckte Empfängnis". Öl auf Eichenholzplatte. Es präsentiert Fehler und Restaurierungen. Maße: 57,5 x 43 cm. Andachtsszene, in der das barocke Erbe in einer dynamischen Komposition mit Figuren in Bewegung beibehalten wird, die die Handlung voll entfalten, was sich in der Behandlung ihrer Kleidung widerspiegelt. Da es sich um eine Szene handelt, die bereits ein fortgeschrittenes Alter innerhalb des Barocks aufweist, ist der Raum einheitlich und dominiert die himmlische Ebene in der gesamten Komposition. Darstellung der unbefleckten Maria mit der Figur in voller Länge, die auf einer Mondsichel steht und in eine Mandorla mit Engeln an ihrem äußeren Rand und einer großen Krone in der Mitte eingeschrieben ist. Das mittelalterliche Christentum diskutierte leidenschaftlich über den Glauben, dass Maria ohne den Makel der Erbsünde gezeugt worden war. Einige Universitäten und Körperschaften schworen, dieses Privileg der Mutter Gottes zu verteidigen, mehrere Jahrhunderte bevor das Erste Vatikanische Konzil 1854 das Glaubensdogma festlegte. Am Ende des Mittelalters entstand das Bedürfnis, dieser Idee eine ikonographische Form zu geben, und man nahm das Modell der Apokalyptischen Frau des Heiligen Johannes, wobei man einige Elemente beibehielt und andere abwandelte (die Apokalyptische Frau ist schwanger, aber nicht die Unbefleckte). Das endgültige Bild entstand im 16. Jahrhundert, offenbar in Spanien. Es weist Fehler und Wiederherstellungen auf.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Los 78 - Flämische Schule, nach Vorbildern von PETER PAUL RUBENS (Siegen, Deutschland, 1577 - Antwerpen, Belgien, 1640); 19. Jahrhundert. "Ekstase des Heiligen Gregor". Öl auf Leinwand. Es präsentiert Restaurierungen auf der Bildoberfläche. Maße: 100 x 60 cm. Szene, die nach dem Modell von Peter Paul Rubens geschaffen wurde. Das Originalwerk befindet sich im Museum von Grenoble. Es ist ein Meisterwerk der italienischen Periode von Rubens, das während seines Aufenthalts in Rom (1600-1608) entstand. Im Jahr 1606 erhielt Rubens den Auftrag, dieses Bild für den Hochaltar der Kirche Santa Maria in Vallicella in Rom zu malen, die als Chiesa Nuova bekannt ist. Sie war damals die meistbesuchte Kirche der Hauptstadt und enthielt ein wundertätiges Fresko, das die Madonna von Vallicella darstellte. Die Anwesenheit des heiligen Gregor, Papst von 590 bis 604, der von der Taube des Heiligen Geistes begleitet wird und seinen Blick auf die Madonna richtet, ist eine Hommage an Papst Gregor XIII. (1502-1585), der die neu reformierte Kirche dem Oratorianerorden überließ. Peter Paul Rubens war ein Maler der flämischen Schule, der jedoch mit den zeitgenössischen italienischen Künstlern auf Augenhöhe konkurrierte und eine sehr große internationale Bedeutung genoss, da sein Einfluss auch in anderen Schulen entscheidend war, wie im Fall des Übergangs zum Vollbarock in Spanien. Obwohl er in Westfalen geboren wurde, wuchs Rubens in Antwerpen auf, wo seine Familie herkam. Nach seiner Ausbildung trat Rubens 1598 in die Antwerpener Malergilde ein. Nur zwei Jahre später unternahm er eine Reise nach Italien, wo er sich zwischen 1600 und 1608 aufhielt. In diesen entscheidenden Jahren lernte der junge flämische Meister den Naturalismus und den Klassizismus, die Werke von Caravaggio und den Carracci aus erster Hand kennen. Es zeigt Restaurierungen an der Bildoberfläche.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 79 - Flämische Schule; 17. Jahrhundert. "Porträt von Peter Paul Rubens". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Maße: 42 x 35 cm. Peter Paul Rubens war ein Maler der flämischen Schule, die jedoch gleichberechtigt mit den zeitgenössischen italienischen Künstlern konkurrierte und eine sehr große internationale Bedeutung genoss, da ihr Einfluss auch in anderen Schulen entscheidend war, wie im Fall des Übergangs zum Vollbarock in Spanien. Obwohl er in Westfalen geboren wurde, wuchs Rubens in Antwerpen auf, wo seine Familie herkam. Nach seiner Ausbildung trat Rubens 1598 in die Malergilde in Antwerpen ein. Nur zwei Jahre später unternahm er eine Reise nach Italien, wo er sich von 1600 bis 1608 aufhielt. Während dieser entscheidenden Zeit lernte der junge flämische Meister den Naturalismus und den Klassizismus, die Werke Caravaggios und der Carracci aus erster Hand kennen. Während seines Besuchs in Mantua wird er von Mantegna beeindruckt sein, vor allem von dessen "Triumphen des Cäsar", die seinen späteren "Triumph der Eucharistie" beeinflussen werden, in dem wir den gleichen klassischen theatralischen Sinn wie bei Mantegna sehen. Auch in Mantua wird er aus erster Hand die Giganten des Teepalastes von Giulio Romano kennenlernen. Er besuchte mehrmals Rom und studierte auch die Kunst des klassischen Altertums, was seinen ersten, bildhauerischen und monumentalen Stil beeinflussen wird, der sich im Laufe der Zeit zu einer mehr malerischen Sprache entwickeln wird. In der italienischen Hauptstadt macht Rubens auch Bekanntschaft mit der italienischen Renaissancemalerei, mit den Werken von Michelangelo, Raffael und Leonardo. Auf seiner Reise durch Italien kommt er auch durch Florenz und Parma, wobei er in der letztgenannten Stadt mit dem Werk von Correggio in Berührung kommt. In Venedig lernt er den Sinn für den Prunk von Veronese und den Dramatismus von Tintoretto kennen. 1609 kehrt er in die Niederlande zurück und steht im Dienst der Statthalter von Flandern, Erzherzog Albert und Infantin Isabella Clara Eugenia. Neben seiner Tätigkeit als Kammermaler wird Rubens für den Hof diplomatische Aufgaben wahrnehmen, die ihn nach Spanien, London und Paris führen. 1609 heiratete er Isabel Brant in Antwerpen und organisierte seine Werkstatt, indem er hervorragende Mitarbeiter einstellte, mit denen er Seite an Seite arbeitete, viele von ihnen waren spezialisierte Maler (Frans Snyders, Jan Brueghel de Velours...). Er stellte auch Schüler ein und schuf eine hervorragende Werkstatt von Kupferstechern, die nach Zeichnungen von seiner Hand und unter seiner Aufsicht arbeiteten. In diesen Jahren führte er wichtige Aufträge aus, wie z. B. "Die Kreuzerhöhung" (1610) oder "Die Kreuzabnahme" (1611-14), beide für die Kathedrale von Antwerpen. Rubens ist zu diesem Zeitpunkt bereits der führende Maler in Flandern, und in seiner Werkstatt entstehen so hervorragende Meister wie Anton van Dyck oder Jacob Jordaens. Heute befinden sich Werke von Rubens in den wichtigsten Sammlungen der Welt, darunter das Prado-Museum, die Eremitage in St. Petersburg, der Louvre in Paris, das Mauritshuis in Den Haag, das Metropolitan in New York, die National Gallery in London und das Rijksmuseum in Amsterdam.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 80 - Spanische Schule; XVIII Jahrhundert. "Franziskus empfängt die Stigmata". Polychromer Ton. Es hat leichte Mängel. Abmessungen: 14 x 11 x 7 cm. Der heilige Franz (Assisi, Italien, 1182 - 1226) war der Sohn eines wohlhabenden italienischen Kaufmanns. Er wurde auf den Namen Johannes getauft, aber schon bald nannte man ihn "Francesco" (der kleine Franzose), weil seine Mutter aus diesem Land stammte. Seine Jugend war fröhlich und sorglos, bis er sich im Alter von fünfundzwanzig Jahren völlig veränderte und begann, sich dem Dienst Gottes zu widmen, indem er das Ideal des Evangeliums praktizierte: Reinheit, Losgelöstheit und Freude am Frieden. Francesco verzichtet auf das große Erbe, das er von seinen Eltern erhalten hat, und beschließt, ein Leben in Armut zu führen und ein Beispiel für echtes Christentum zu geben. Bald hat er mehrere junge Schüler, die der Heilige "Orden der Minderbrüder" nennt. Papst Innozenz III. gewährt ihnen 1210 die Gründung des neuen Ordens und ermutigt sie in ihren evangelischen Aufgaben. Während einer Klausur auf dem Berg erschien ihm Christus, und die Legende besagt, dass aus seinen Wunden Strahlen kamen, die Franziskus verschiedene Stigmata zufügten. Zu seinen Lebzeiten war er eine legendäre Persönlichkeit, die als lebende Reliquie galt. Auch seine exquisite Poesie und seine Vertrautheit mit der Natur verleihen ihm den menschlichsten Akzent, den man von einem Heiligen kennt, wie man in seinem "Sonnengesang" nachlesen kann. Es weist kleinere Fehler auf.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 81 - Spanische Schule; XVII Jahrhundert. "Kalvarienberg". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Mit Fehlern und Löchern. Es hat einen Rahmen des neunzehnten Jahrhunderts. Die Abmessungen: 129 x 169 cm; 151 x 194 cm (Rahmen). In dieser Arbeit, die Teil einer repräsentativen Gruppe des Kreuzweges wäre, ist die Erhöhung des Kreuzes in völliger Dunkelheit dargestellt, nur durch die Banner, die Teil des Bildes sind, in dem eine Szene von großer Dramatik entwickelt werden, zerrissen. Christus, der bereits an das Kreuz genagelt ist, wird von mehreren Männern hochgehoben, die versuchen, das Gebilde hochzuziehen. Die Dunkelheit schwebt über dem Körper Christi, der durch die Streckung seiner Anatomie und die Mattigkeit desselben auffällt, der sich auf das Holz des Kreuzes stützt, niedergeschlagen und den letzten Atemzug seines sterblichen Lebens überlebend, mit dem tödlichen Weiß auf seiner Haut. Die Szene wird durch eine Gruppe von Figuren im unteren Bereich vervollständigt, die zum römischen SPQR (Der Senat und das römische Volk) gehören, angeführt von einer Reiterfigur mit Lorbeer, die ein großes Banner trägt und die Verurteilung Christi anzuordnen scheint. Alle diese Figuren sind in einer elliptischen, konkaven Komposition angeordnet, die den Betrachter einlädt, Teil der Szene zu werden. Darüber hinaus ist die Figur Christi aus dem Zentrum entfernt und zieht so den Betrachter in die Mitte, die von einem warmen Licht, von tenebristischem Erbe, beleuchtet wird. Diese Leere erlaubt es, die Szene zu rationalisieren und zu ordnen, deren Figuren durch ihre Bewegung, die Verkürzung und die diagonalen Linien, die mit der Position ihrer Körper einhergehen, hervorstechen. Auf der linken Seite der Komposition werden die drei Marias von kleinen Engeln getröstet, die eine gewisse Zärtlichkeit in die große Dramatik der Szene bringen. Die spanische Barockmalerei ist eines der authentischsten und persönlichsten Beispiele unserer Kunst, denn ihre Konzeption und ihre Ausdrucksform entstammen dem Volk und den tiefsten Gefühlen, die ihm innewohnen. In einer Zeit, in der die Wirtschaft des Staates zusammenbrach, der Adel im Niedergang begriffen war und der hohe Klerus mit hohen Steuern belastet wurde, waren es die Klöster, die Pfarreien und die Bruderschaften von Klerikern und Laien, die die Entwicklung der Malerei förderten, wobei die Werke manchmal durch Subskriptionen des Volkes finanziert wurden. Die Malerei war somit gezwungen, die in diesen Umgebungen vorherrschenden Ideale zu erfassen, die keine anderen als die religiösen waren, und das zu einer Zeit, in der die gegenreformatorische Lehre von der Kunst eine realistische Sprache verlangte, damit die Gläubigen das Dargestellte verstehen und sich damit identifizieren konnten, und einen Ausdruck, der mit einem intensiven emotionalen Inhalt ausgestattet war, um die Inbrunst und Hingabe des Volkes zu steigern. Das religiöse Thema ist daher das bevorzugte Thema der spanischen Bildhauerei dieser Zeit, die in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts vorrangig das Natürliche darzustellen begann, um im Laufe des Jahrhunderts den Ausdruck expressiver Werte zu intensivieren. Es zeigt Fehler und Löcher.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 82 - Italienische Schule; XVII Jahrhundert. "Monstranz". Geschnitzt und polychrome Holz. Dimensionen: 53 x 32 x 4 cm. Monstranz aus geschnitztem und polychromiertem Holz, typisch barock in seiner geschnitzten Dekoration auf der Grundlage von Rollen und Klammern, sowie in der geschwungenen Profil für die Basis und eine komplexe Gruppe von kleinen Engeln hält einen großen Vorhang, nach der Theatralisierung typisch für den Barock. Diese Art von religiösen Objekten, die für die Aufbewahrung von Heiligenreliquien gedacht waren, war seit der Gotik weit verbreitet, wobei die Kreuze und die so genannten "testas", die in der zeitgenössischen Dokumentation sehr beliebt waren, besonders hervorzuheben sind. Sie wurden zur Aufbewahrung von Reliquien verwendet. Trotz der Tatsache, dass viele von ihnen sehr unterschiedliche Formen annahmen, hatten sie alle denselben Andachtszweck, der manchmal über den Fanatismus hinausging. Es sei jedoch daran erinnert, dass zu jener Zeit praktisch jedes Element, das mit dem Heiligen oder seinen sterblichen Überresten in Berührung gekommen war (Tücher, Graberde usw.), als heilige Reliquie galt. Dadurch entstand ein ganzer Markt für solche Gegenstände. Die besten Exemplare wurden aus Edelmetallen hergestellt, aber auch Exemplare wie das vorliegende waren hoch geschätzt, sowohl wegen des Behälters als auch vor allem wegen des Inhalts.

Schätzw. 2 700 - 3 000 EUR

Los 83 - Spanische Schule; XVIII Jahrhundert. "Unbefleckte Empfängnis". Polychrom geschnitztes Holz. Präsentiert Restaurierungen. Maße: 66 x 29 x 13 cm. Skulptur in runder Masse, Ganzkörper geschnitzt, was die Jungfrau Maria in ihrer Anrufung als die Unbefleckte Empfängnis. Obwohl ohne, in diesem Fall, der Sockel mit Halbmond, wenn Sie die Kugel mit der Schlange, die auch seine Ikonographie zu charakterisieren sehen können. Die Jungfrau erscheint mit Tunika und Mantel gekleidet, Faltung sowohl mit volumetrischen Draperien, die einen ausdrucksstarken Aspekt, um die Figur bieten. Es ist ein Bild, das in der barocken Ästhetik verankert ist. Das Gesicht neigt zur Idealisierung, feine Lippen und mandelförmige Augen sind sanft in ein Oval mit abgerundeten Zügen eingeschrieben. Das lange Haar fällt über die Schultern. Angesichts der Bedeutung, die religiösen Bildern in der hispanischen Welt beigemessen wurde, entstanden im 17. Jahrhundert ehrgeizige Bildserien und umfangreiche ikonografische Programme für Kirchen und Klöster sowie Drucke, Medaillen und Reliquienschreine für die private Andacht. In ihrer Gesamtheit erfüllten diese Bilder, unabhängig von ihrer Größe oder ihrem Träger, das Ziel, das tägliche Leben jenseits der Altäre zu sakralisieren. Die Schule von Granada sticht in dieser Zeit hervor, da sie die stilistischen Muster des Barocks aufnimmt und weiterentwickelt. Sie präsentiert Restaurierungen.

Schätzw. 1 200 - 1 400 EUR

Los 84 - Guatemaltekische Schule; zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. "Johannes vor dem Kreuz". Geschnitztes und polychromiertes Holz. Er hat Augen aus Glaspaste. Präsentiert Fehler. Abmessungen: 40 x 16 x 11 cm. Die Position dieser Schnitzerei, in der der Heilige Johannes dargestellt ist, deutet darauf hin, dass sie ursprünglich Teil einer größeren Gruppe war, in der der Kalvarienberg dargestellt war. Aus diesem Grund richtet Johannes sein Gesicht und seinen Blick nach oben, so wie er auf das Kreuz schauen würde. Ästhetisch zeichnet sich das Stück durch die zarte Polychromie aus, die der Figur große Ausdruckskraft verleiht. Es ist erwähnenswert, dass während der spanischen Kolonialherrschaft eine hauptsächlich religiöse Bildhauerei entwickelt wurde, die dazu bestimmt war, die indigenen Völker zu christianisieren. Die einheimischen Künstler nahmen sich die spanischen Werke zum Vorbild und folgten ihnen wortwörtlich in Bezug auf Typen und Ikonographie. Die häufigsten Vorbilder waren die Harquebusier-Engel und die dreieckigen Jungfrauen, doch schon in den ersten Jahren des 19. Jahrhunderts, zu Zeiten der Unabhängigkeit und der politischen Öffnung einiger Kolonien, begannen einige Künstler, ein neues Modell der Malerei mit eigener Identität zu vertreten. Weist Fehler auf.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 85 - Spanische Schule; XVI Jahrhundert. "Heiliger". Geschnitzt und polychrome Holz. Es präsentiert Fehler und Schäden durch Xylophagen verursacht. Abmessungen: 64 x 34 x 5 cm. Reliefschnitzerei mit der Darstellung eines Heiligen, was darauf hindeutet, dass sie wahrscheinlich zu einer größeren Skulpturengruppe gehörte. Spanien ist zu Beginn des 16. Jahrhunderts die europäische Nation, die aufgrund ihrer geistigen, politischen und wirtschaftlichen Bedingungen am besten darauf vorbereitet ist, die neuen humanistischen Lebens- und Kunstkonzepte zu übernehmen, auch wenn die Anpassung an die von Italien eingeführten plastischen Formen aufgrund der Notwendigkeit, die neuen Techniken zu erlernen und den Geschmack der Kundschaft zu ändern, langsamer verläuft. Die Bildhauerei spiegelt vielleicht besser als andere künstlerische Bereiche das Bestreben wider, zur klassischen griechisch-römischen Welt zurückzukehren, die in ihren Akten die Individualität des Menschen hervorhebt und einen neuen Stil schafft, dessen Vitalität über die bloße Kopie hinausgeht. Schon bald wurden die Anatomie, die Bewegung der Figuren, die Kompositionen mit Sinn für Perspektive und Gleichgewicht, das naturalistische Spiel der Falten und die klassischen Haltungen der Figuren geschätzt; aber die starke gotische Tradition bewahrt die Ausdruckskraft als Träger des tiefen spirituellen Sinns, der unsere besten Renaissance-Skulpturen prägt. Diese starke und gesunde Tradition begünstigt die Kontinuität der religiösen Skulptur aus polychromem Holz, die die formale Schönheit der italienischen Renaissancekunst mit einem Sinn für Ausgewogenheit annimmt, der ihre Vorherrschaft über den immateriellen Inhalt, der die Formen belebt, vermeidet. In den ersten Jahren des Jahrhunderts kamen italienische Werke in unser Land und einige unserer Bildhauer gingen nach Italien, wo sie die neuen Normen in den fortschrittlichsten Zentren der italienischen Kunst, sei es in Florenz oder Rom und sogar in Neapel, aus erster Hand lernten. Nach ihrer Rückkehr revolutionierten die besten von ihnen, wie Berruguete, Diego de Siloe und Ordóñez, die spanische Bildhauerei durch die kastilische Bildhauerei, wobei sie sogar die neue manieristische, intellektualisierte und abstrakte Ableitung des italienischen Cinquecento vorantrieben, fast zur gleichen Zeit, als sie in Italien entstand. Es präsentiert Fehler und Schäden durch xylophagous verursacht.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 86 - Spanische Schule; XVI Jahrhundert. "Heiliger". Geschnitzt und polychrome Holz. Es präsentiert Fehler und Schäden durch Xylophagen verursacht. Abmessungen: 64 x 34 x 5 cm. Reliefschnitzerei mit der Darstellung eines Heiligen, was darauf hindeutet, dass sie wahrscheinlich zu einer größeren Skulpturengruppe gehörte. Spanien ist zu Beginn des 16. Jahrhunderts die europäische Nation, die aufgrund ihrer geistigen, politischen und wirtschaftlichen Bedingungen am besten darauf vorbereitet ist, die neuen humanistischen Lebens- und Kunstkonzepte zu übernehmen, auch wenn die Anpassung an die von Italien eingeführten plastischen Formen aufgrund der Notwendigkeit, die neuen Techniken zu erlernen und den Geschmack der Kundschaft zu ändern, langsamer verläuft. Die Bildhauerei spiegelt vielleicht besser als andere künstlerische Bereiche das Bestreben wider, zur klassischen griechisch-römischen Welt zurückzukehren, die in ihren Akten die Individualität des Menschen hervorhebt und einen neuen Stil schafft, dessen Vitalität über die bloße Kopie hinausgeht. Schon bald wurden die Anatomie, die Bewegung der Figuren, die Kompositionen mit Sinn für Perspektive und Gleichgewicht, das naturalistische Spiel der Falten und die klassischen Haltungen der Figuren geschätzt; aber die starke gotische Tradition bewahrt die Ausdruckskraft als Träger des tiefen spirituellen Sinns, der unsere besten Renaissance-Skulpturen prägt. Diese starke und gesunde Tradition begünstigt die Kontinuität der religiösen Skulptur aus polychromem Holz, die die formale Schönheit der italienischen Renaissancekunst mit einem Sinn für Ausgewogenheit annimmt, der ihre Vorherrschaft über den immateriellen Inhalt, der die Formen belebt, vermeidet. In den ersten Jahren des Jahrhunderts kamen italienische Werke in unser Land und einige unserer Bildhauer gingen nach Italien, wo sie die neuen Normen in den fortschrittlichsten Zentren der italienischen Kunst, sei es in Florenz oder Rom und sogar in Neapel, aus erster Hand lernten. Nach ihrer Rückkehr revolutionierten die besten von ihnen, wie Berruguete, Diego de Siloe und Ordóñez, die spanische Bildhauerei durch die kastilische Bildhauerei, wobei sie sogar die neue manieristische, intellektualisierte und abstrakte Ableitung des italienischen Cinquecento vorantrieben, fast zur gleichen Zeit, als sie in Italien entstand. Es präsentiert Fehler und Schäden durch xylophagous verursacht.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 87 - Italienische Schule; XVI Jahrhundert. "Christus trägt das Kreuz". Öl auf Platte. Es präsentiert Fehler und Restaurierungen. Maße: 65 x 43 cm. Modell von Sebastiano Piombo. Die Konzentration, die das Gesicht Christi zeigt, mit den gesenkten Augenlidern und dem halb geöffneten Mund, erheben die Hingabe der Gläubigen, die vor der Nüchternheit der Szene betrachtet die letzten Momente des Lebens von Jesus. Der Autor gibt nur die Büste des Protagonisten und einen Teil des Kreuzes wieder, wenn auch nicht in seiner Gesamtheit, und reduziert die Elemente auf ein Minimum, um ein Bild von eingeschränkter Emotion zu schaffen. Diese Zurückhaltung zeigt sich auch in der technischen Behandlung der Anatomie, wo die Hände und der Arm, der unter der Tunika zu sehen ist, die Spannung der Adern zeigen, die mit der Kraft des Kreuztragens aufgeladen sind. Das künstlerische Geschick zeigt sich auch in kleinen Details wie den Blutstropfen der Dornenkrone, die nicht dramatisch auf das Gesicht fallen, und den durchsichtigen Tränen, die die Wangen des Protagonisten befeuchten. Auf dieser Leinwand stellt der Autor einen der dramatischsten Momente des Kreuzweges dar, nämlich den Moment, in dem Christus die Last des Kreuzes trägt. In dieser Episode ist es üblich, dass Simon der Zyrenäer Jesus hilft, das Kreuz zu tragen, oder dass Veronika ihm ein Tuch reicht, um sein Gesicht von Blut und Schweiß abzuwischen. Der Autor dieses Textes verzichtet jedoch auf diese Figuren und sucht keine andere theologische Bedeutung als die des Leidens und des freiwilligen Opfers Christi für die Menschheit. Diese Großzügigkeit wird noch verstärkt durch den Blick Jesu, der dem unseren ausweicht und sich zur Seite wendet, zu etwas, das wir nicht sehen, weil es sich außerhalb des Bildes befindet. Die Barockmalerei ist eines der authentischsten und persönlichsten Beispiele unserer Kunst, weil ihre Konzeption und ihre Ausdrucksform aus den Menschen und den tiefsten Gefühlen, die in ihr schlummern, entstanden sind. In einer Zeit, in der die Wirtschaft des Staates zusammenbrach, der Adel im Niedergang begriffen war und der hohe Klerus mit hohen Steuern belastet wurde, waren es die Klöster, die Pfarreien und die Bruderschaften von Klerikern und Laien, die die Entwicklung der Malerei förderten, und die Werke wurden manchmal durch Subskriptionen des Volkes finanziert. Die Malerei war somit gezwungen, die in diesen Umgebungen vorherrschenden Ideale zu erfassen, die keine anderen als die religiösen waren, und das zu einer Zeit, in der die gegenreformatorische Lehre von der Kunst eine realistische Sprache verlangte, damit die Gläubigen das Dargestellte verstehen und sich damit identifizieren konnten, und einen Ausdruck, der mit einem intensiven emotionalen Inhalt ausgestattet war, um die Inbrunst und Hingabe des Volkes zu steigern. Das religiöse Thema ist daher das am häufigsten wiederkehrende Thema. Es zeigt Verwerfungen und Wiederherstellungen.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 88 - Schule von BARTOLOME ESTEBAN MURILLO (Sevilla, 1617 - 1682). "Christus". Öl auf Leinwand. Neu aufgelegt. Enthält Restaurierungen. Maße: 39 x 31 cm. Wir sehen in diesem Werk ein Andachtsbild von großer ikonographischer Einfachheit, das das Gesicht Christi als Porträt zeigt. Allerdings handelt es sich hier nicht um das Porträt des Ehemannes oder eines Verwandten, sondern um eine Darstellung Jesu in Brusthöhe, bekleidet mit einer purpurnen Tunika, die mit dem Nimbus des Kruzifixes geschmückt ist und ein heiteres Gesicht mit gütigem Ausdruck zeigt. Über Murillos Kindheit und Jugend ist nur wenig bekannt, außer dass er 1627 seinen Vater und 1628 seine Mutter verlor, weshalb er unter die Vormundschaft seines Schwagers gestellt wurde. Um 1635 muss er eine Malerlehre begonnen haben, sehr wahrscheinlich bei Juan del Castillo, der mit einer Cousine von ihm verheiratet war. Diese Arbeits- und Künstlerbeziehung dauerte etwa sechs Jahre, wie es damals üblich war. Nach seiner Heirat im Jahr 1645 begann er eine glänzende Karriere, die ihn nach und nach zum berühmtesten und gefragtesten Maler Sevillas machte. Die einzige aufgezeichnete Reise, die er unternahm, ist für das Jahr 1658 belegt, in dem Murillo mehrere Monate in Madrid weilte. Es ist anzunehmen, dass er am Hof Kontakte zu den dort ansässigen Malern wie Velázquez, Zurbarán und Cano pflegte und Zugang zur Gemäldesammlung des Königspalastes hatte, die für alle Künstler, die am Hof verkehrten, ein prächtiges Studienobjekt war. Trotz der wenigen dokumentarischen Hinweise auf seine reiferen Jahre wissen wir, dass er ein komfortables Leben genoss, das es ihm ermöglichte, einen hohen Lebensstandard und mehrere Lehrlinge zu unterhalten. Die Tatsache, dass er der erste Maler der Stadt war, der sogar Zurbarán an Ruhm übertraf, bewegte ihn dazu, das künstlerische Niveau der lokalen Malerei anzuheben. Aus diesem Grund beschloss er 1660, zusammen mit Francisco Herrera el Mozo eine Akademie für Malerei zu gründen, deren Hauptförderer er war. Sein Ruhm verbreitete sich so weit im ganzen Land, dass Palomino angibt, dass König Carlos II. ihm um 1670 anbot, nach Madrid zu gehen, um dort als Hofmaler zu arbeiten. Wir wissen nicht, ob dieser Hinweis wahr ist, aber Tatsache ist, dass Murillo bis zum Ende seines Lebens in Sevilla blieb. Seine Werke werden heute in den wichtigsten Kunstgalerien der Welt aufbewahrt, wie dem Prado-Museum, der Eremitage in St. Petersburg, dem Kunsthistorischen Museum in Wien, dem Louvre in Paris, dem Metropolitan Museum in New York oder der National Gallery in London und vielen anderen. Sie stellt Restaurierungen vor.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 89 - Italienische Schule; XVIII Jahrhundert. "Heilige Cäcilie". Öl auf Kupfer. Maße: 40 x 30 cm; 47 x 37 cm (Rahmen). In diesem Bild mit religiösem Charakter, dessen Protagonistin Santa Cecilia ist, die von mehreren Engeln begleitet wird, gelingt es dem Künstler, den Betrachter über den sakralen Inhalt hinaus zu bewegen und ein Bild mit sinnlichem Charakter zu schaffen. Die Szene lädt zum allegorischen Nachdenken ein, da der Künstler in derselben Szene verschiedene Handlungen vorschlägt, die direkt auf die Sinne anspielen, wie das Sehen und den Geruch, dargestellt durch die Vegetation, und das Hören durch die Handlung der Heiligen. Dieses Interesse an dieser Darstellung erinnert sehr an die Werke der fünf Sinne der Maler Rubens und Brueghel, die sich heute im Prado-Museum befinden und die, wie in diesem speziellen Fall, eine Komposition aufweisen, die sich durch die Fülle und die präzise Detailgenauigkeit aller Elemente auszeichnet, aus denen die Szene besteht. Die Heilige Cäcilia, die beliebteste der römischen Märtyrerinnen, zusammen mit der Heiligen Agnes. Als junge Patrizierin aus der Familie der Caecilianer wurde sie von ihren Eltern zur Heirat gezwungen, bekehrte ihren Mann jedoch noch im Brautgemach zum Ideal der christlichen Keuschheit. Der junge Ehemann ließ sich und seinen Bruder taufen, und beide wurden zum Tode verurteilt. Da Cecilia sich weigerte, den Göttern Opfer zu bringen, wurde sie dazu verurteilt, im Dampf eines überhitzten Kessels zu ertrinken, doch ein himmlischer Tau erfrischte sie. Anschließend sollte sie enthauptet werden, doch ihr Henker versetzte ihr drei Schläge, ohne dass es ihm gelang, ihren Kopf vom Körper zu trennen. Da das römische Recht weitere Schläge auf die Verurteilten nach diesen drei Versuchen verbot, überlebte Cecilia drei Tage lang. Sie starb im Beisein von Papst Urban und wurde auf dem Kallixtus-Friedhof beigesetzt. Die heilige Cäcilia ist seit dem 15. Jahrhundert die Schutzpatronin der Musiker, Sänger und Organisten sowie der Orgel- und Streichinstrumentenbauer. Ursprünglich trug die heilige Cäcilia, wie die meisten Märtyrer, kein identifizierendes Attribut. Erst Ende des 15. Jahrhunderts, als sie zur Schutzpatronin der Musiker wurde, erhielt sie ein Musikinstrument als Attribut, eine tragbare oder feste Orgel.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Los 90 - Valencianische Schule; Ende des siebzehnten Jahrhunderts. "Stillleben". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Enthält Restaurierungen. Maße: 29,5 x 44 cm. Formal in dieser Arbeit hebt die zarte Behandlung der verschiedenen Qualitäten und Texturen: das Gefäß, die Blätter der Zweige von Obst, etc. Diese Art von Gemälden, deren Themen vertreten Stillleben, wurden als minderwertig in Bezug auf die religiöse oder historische Malerei. In Valencia gab es jedoch eine große Tradition der Stilllebenmalerei, die das Interesse und die Entwicklung dieser Malerei durch die verschiedenen Jahrhunderte hindurch bedeutete, wobei sie nicht die Popularität von Epochen wie dem Ende des 19. oder dem Beginn des 20. Jahrhunderts erreichte. Die valencianische Schule unterscheidet sich von den anderen zeitgenössischen spanischen Kunstzentren durch die Tatsache, dass sich während des größten Teils des 15. und 16. So war Valencia im Laufe der Kunstgeschichte neben anderen Schulen, wie Andalusien und Madrid, ein wichtiger Brennpunkt der spanischen Kunst. In Valencia bedeutete der Wechsel vom siebzehnten zum achtzehnten Jahrhundert keinen Bruch mit der bisherigen Tradition, sondern eine Fortsetzung derselben. Im Jahr 1768 wurde die Königliche Akademie der Schönen Künste von San Carlos gegründet, und diese Institution wird den Wandel hin zu einem Klassizismus mit barocken Wurzeln bestimmen. Durch sie wurden junge Künstler von José Vergara, Manuel Monfort, José Camarón, Vicente Marzo, Vicente López und Mariano Salvador Maella ausgebildet. Andererseits führt der wirtschaftliche Aufschwung zu einem florierenden Industrie- und Handelsbürgertum, das sich durch künstlerisches Mäzenatentum gesellschaftlich zu profilieren sucht. Gleichzeitig verliert die Kirche ihr Monopol als einzige Auftraggeberin der Künstler. All dies führt zu einem endgültigen Wandel des Geschmacks und auch der behandelten Gattungen: Die religiöse Malerei koexistiert nun mit bürgerlichen Porträts, Stillleben, Landschaften, historischen und mythologischen Themen und der Genremalerei. Es werden Restaurierungen vorgestellt.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 91 - Französische Schule; zweite Hälfte des XIX Jahrhunderts. "Dame". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Es hat einen Rahmen des neunzehnten Jahrhunderts. Abmessungen: 37 x 23 cm; 41 x 27 cm (Rahmen). In dieser Arbeit setzt die volumetrische Arbeit der Körper, modelliert durch Licht und Farbe, sowie die sinnliche Plastizität der Qualitäten und Atmosphären. Das Werk folgt den Modellen des Akademismus ist ein direktes Erbe des Klassizismus, und daher die Vorliebe für Themen wie das hier vorgestellte, die der Mythologie entnommen sind, wenn auch von einem sinnlichen und dekorativen Standpunkt weg von der Feierlichkeit der antiken klassischen Kunst erfasst. Daraus ergibt sich auch die Art der Annäherung an das Thema, indem die Figuren aus einer opulenten und sinnlichen Perspektive wiedergegeben werden. Wir können jedoch ein Schönheitsideal erkennen, das sich nicht auf die Realität stützt, obwohl das Naturstudium des Malers unbestreitbar ist, sondern auf einen Idealismus, der sich auf die Realität stützt und auf der Summe seiner Erfahrungen beruht, d. h. eine ästhetische Sublimierung, die eine Schönheit widerspiegelt, die über die Realität hinausgeht.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 92 - Italienische Schule; 17. Jahrhundert. "Anbetung der Könige". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Bewahrt Zeitraum Rahmen mit Fehlern und Restaurierungen. Maße: 52 x 84 cm; 70 x 102 cm (Rahmen). In diesem Öl auf Leinwand dargestellt ist, in einer volkstümlichen Sprache, der Besuch der Heiligen Drei Könige, um das neugeborene Jesuskind. Die Komposition zeigt alle Figuren im Vordergrund, in einem klassischen Rahmen. Der Maler lenkt unsere Aufmerksamkeit auf die Figuren von Maria und Jesus, die direkt von einem Licht beleuchtet werden, das sich auf dem Gesicht des vor dem Kind knienden Königs zu spiegeln scheint. Dahinter, in Halbdunkel gehüllt, sehen wir die Nebenfiguren. Auf dem vorliegenden Gemälde erscheinen die Figuren wie ausgeschnitten vor einem neutralen Hintergrund, der ihr Volumen hervorhebt. Stilistisch dominiert der direkte Einfluss des Tenebrismus: die Art und Weise, wie ein starkes Licht die Volumen aufbaut und die Gesten ausschneidet, inszeniert den Moment der Geburt Christi. Die Körper sind mit einem energischen Pinselstrich modelliert, der selektiv beleuchtet wird, ein Mittel, das zweifellos dazu beiträgt, die in dem Werk enthaltene andächtige und emotionale Botschaft zu unterstreichen.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 93 - Italienische Schule; XVII Jahrhundert. "Die Stuten von Diodenes". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Maße: 58 x 107 cm; 70 x 120 cm (Rahmen). In diesem italienischen Gemälde der Barockzeit und der dynamischen Zusammensetzung erscheint dargestellt das Thema des Sieges des Herkules über Diomedes. Es erzählt eine Episode der Arbeit des Herkules, die bei zahlreichen Gelegenheiten in Gemälden und Skulpturen aus verschiedenen Epochen behandelt wurde. Wir beziehen uns auf die achte der zwölf Taten des Helden, die darin bestand, die vier Stuten des Diomedes zu fangen, die Menschenfleisch fraßen. Ihr Besitzer hielt sie mit Ketten gefesselt und fütterte sie mit dem Fleisch ihrer unschuldigen Gäste. Herkules gelang es, sie Diomedes zu entreißen, der ihnen mit seinem Heer entgegenkam, aber dieser besiegte ihn und warf den noch lebenden Körper den Stuten zu. Nachdem sie den Leichnam verschlungen hatten, wurden die Stuten so zahm, dass Herakles sie an Diomedes' Wagen binden und nach Mykene bringen konnte, wo sie Hera übergeben wurden. Formal ist dieses Werk vom Einfluss des römisch-bolognesischen Klassizismus der Carracci und ihrer Anhänger, einer der beiden großen Strömungen des italienischen Barocks, zusammen mit dem Naturalismus Caravaggios geprägt. So sind die Figuren monumental, mit idealisierten Gesichtern und heiteren und ausgewogenen Gesten, in einer idealisierten Darstellung, die auf klassischen Kanons beruht. Auch die Rhetorik der Gesten, theatralisch und eloquent, eindeutig barock, ist typisch für den italienischen Klassizismus des XVII Jahrhunderts. Jahrhunderts. Erwähnenswert ist auch die Bedeutung des chromatischen Aspekts, der sehr durchdacht, intoniert und ausgewogen ist und sich auf Grundfarben wie Rot, Ocker und Blau konzentriert. Auch die Art und Weise, wie die Szene komponiert ist, mit einem kreisförmigen Rhythmus und auf einer Seite geschlossen, während sie sich auf der anderen Seite zur Landschaft hin öffnet, ist typisch für diese Schule des barocken Klassizismus.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 94 - Italienische Schule; Ende des siebzehnten Jahrhunderts. "Das Jesuskind trägt das Kreuz. Öl auf Kupfer. Präsentiert Restaurierungen. Maße: 21 x 15 cm. Auf diesem Gemälde ist Jesus als unschuldiges Kind dargestellt, das die Instrumente für sein zukünftiges Martyrium trägt. Das nackte Kind, das auf einem blauen Tuch liegt, das die Universalität der christlichen Botschaft repräsentiert, scheint mit einem verlorenen und nachdenklichen Blick über sein eigenes Schicksal nachzudenken. Die Monumentalität des jungen Jesus, der in eine idyllische Landschaft eingebettet ist, macht ihn zum Protagonisten dieser Andachtsszene. Die christliche Kunst hat sich im Laufe ihrer Geschichte und besonders in der Neuzeit daran erfreut, die unschuldige Kindheit Jesu neben die Darstellung des Kreuzes zu projizieren. Der Kontrast zwischen der fröhlichen Unbekümmertheit eines Kindes und dem Schrecken des Opfers, zu dem es prädestiniert war, sollte die Herzen bewegen. Dieser Gedanke war den Theologen des Mittelalters bereits bekannt, doch die Künstler jener Zeit brachten ihn auf diskrete Weise zum Ausdruck, sei es durch den besorgten Gesichtsausdruck der Jungfrau oder durch die Weintraube, die das Kind in seinen Händen hält. Vor allem in der Kunst der Gegenreformation wird diese Vorahnung der Passion durch transparente Anspielungen zum Ausdruck gebracht. Thematisch hervorzuheben ist das Werk Zurbaráns, das das Jesuskind zeigt, das sich mit dem Finger sticht, während es eine Dornenkrone flechtet. Murillo zeigt den kleinen Johannes den Täufer mit seinem Kreuz aus Schilfrohr. Schließlich findet das Thema seinen ergreifendsten Ausdruck in der Darstellung des am Kreuz schlafenden Jesuskindes. Hier wird Jesus nicht als Baby dargestellt, sondern als etwas älteres Kind, das sich seines Schicksals bewusst ist und es sogar freiwillig trägt, als eine Last, die es im Namen der Menschheit auf sich nimmt. Es stellt Wiederherstellungen dar.

Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

Los 95 - Italienische Schule; XVIII Jahrhundert. "Madonna mit Kind und Johannes". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Maße: 67 x 51 cm; 75 x 59 cm (Rahmen). Andachtsszene, die die Jungfrau und das Kind, begleitet von San Juanito, darstellt. In der Szene folgen die drei Personen einer klassischen pyramidalen Komposition mit San Juan in der unteren Zone und der Jungfrau und dem Kind in der oberen Zone. In einer Landschaft mit dunklen Farbtönen dominiert das Licht, das vom Körper des kleinen Christus ausgeht, die Szene und harmoniert mit dem schillernden Finish der rosa Tunika der Jungfrau. Die Heilige Familie umfasst im allgemeinsten Sinne des Wortes die engsten Verwandten des Jesuskindes, d. h. Mutter und Großmutter oder Mutter und erziehender Vater. In beiden Fällen handelt es sich, unabhängig davon, ob die Heilige Anna oder der Heilige Josef erscheint, um eine Gruppe von drei Figuren. Aus künstlerischer Sicht wirft die Anordnung dieser irdischen Dreifaltigkeit die gleichen Probleme auf und bietet die gleichen Lösungen wie die himmlische Dreifaltigkeit. Allerdings sind die Schwierigkeiten geringer. Es geht nicht mehr um einen einzigen Gott in drei Personen, dessen wesentliche Einheit gleichzeitig mit der Verschiedenheit zum Ausdruck gebracht werden muss. Die drei Personen sind zwar durch ein Band des Blutes miteinander verbunden, aber sie bilden keinen unteilbaren Block.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 96 - Italienische Schule; Ende des siebzehnten Jahrhunderts. "Madonna mit Kind". Öl auf Leinwand. Maße: 27 x 23 cm. Auf dieser Leinwand stellt der Autor eine Szene dar, die in der Kunstgeschichte, vor allem seit der Renaissance, sehr häufig vorkommt: die Jungfrau mit dem Jesuskind in den Armen. Dieses Thema war in der Renaissance und im Barock weit verbreitet, da es den menschlichen Aspekt Christi, die Unschuld und das Glück seiner Kindheit, in dramatischem Gegensatz zu seinem Opferschicksal hervorhob. So erscheint der Heiland als ein Kind von zarter Schönheit und weicher Anatomie, das von der mütterlichen Gestalt Marias beschützt wird, deren Gesicht in seiner Ernsthaftigkeit das Wissen um das bittere Schicksal ihres Sohnes zeigt. Seit dem Ende des Mittelalters bestanden die Künstler darauf, das Band der Zuneigung, das Christus mit seiner Mutter verband, und die enge Beziehung zwischen den beiden immer intensiver darzustellen; dies wurde in der Renaissance und natürlich im Barock gefördert, als die Übersteigerung der Gefühle einen Großteil der künstlerischen Produktion kennzeichnete. Das Thema der Jungfrau mit dem Jesuskind, genauer gesagt mit ihm auf dem Schoß, sitzend oder stehend, hat seinen Ursprung in den östlichen Religionen des Altertums, in Bildern wie dem der Isis mit ihrem Sohn Horus, aber der direkteste Bezug ist der der Jungfrau als "Sedes Sapientiae" oder Thron Gottes in der mittelalterlichen christlichen Kunst. Mit dem Voranschreiten des Naturalismus wird die Jungfrau allmählich vom einfachen "Thron" des Kindes zur Darstellung einer Beziehung der Zuneigung, beginnend in der Gotik. Von da an bewegen sich die Figuren, nähern sich einander an, und schließlich verschwindet das Konzept des Throns und damit auch die untergeordnete Rolle der Jungfrau. Auf diese Weise wird das Bild zu einem Beispiel für die Liebe zwischen Maria und ihrem Sohn, ein Bild der Zärtlichkeit, der Nähe, das den Geist der Gläubigen bewegen soll.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 97 - Spanische Schule; XVII Jahrhundert. "Der büßende heilige Hieronymus". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Maße: 80 x 103 cm; 92 x 114 cm (Rahmen). Eine idealisierte Landschaft dient als Hintergrund für die männliche Figur, die sich in der rechten Zone befindet, konzentriert in ihrer Meditation. Der heilige Hieronymus kniet mit dem Kruzifix in der Hand, ohne die in seiner Ikonografie übliche Kardinaltunika, ebenso wie der Löwe, der in einer zweiten Ebene der vom Künstler skizzierten Komposition zu sehen ist. Der heilige Hieronymus von Stridon (ca. 340 - 420) ist einer der vier großen Väter der lateinischen Kirche und war vor allem für seine Übersetzung der Bibel ins Lateinische (die so genannte Vulgata) und für eine große Anzahl von Wundern bekannt. Das rote Tuch spielt auf sein Kardinalsgewand an, die Umgebung, in der er sich befindet, auf seine Bußzeiten, die Steine auf dem Boden, mit denen er sich selbst harte Bußübungen auferlegte, der Löwe, der ihn begleitete, seit er den Dorn aus seiner Pfote entfernt hatte, usw. Das Thema des heiligen Hieronymus, der Buße tut, findet sich bereits in Werken von Leonardo da Vinci (1480, Vatikanische Museen in Rom), Bosch (gegen Ende des 15. Jahrhunderts, Museum der Schönen Künste in Gent), Joachim Patinir (1516-1517, Museo de El Prado in Madrid) oder im Werk eines anonymen Meisters, das sich um 1520-1530 im selben Museum befindet (P08149), zum Beispiel.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 98 - Valencianische Schule; erste Hälfte des sechzehnten Jahrhunderts. "Gekrönte Jungfrau". Öl auf Pinienbrett. Es präsentiert Einstiche und xylophagous Schäden. Maße: 44 x 50 cm; 68 x 73 cm (Rahmen). In dieser Arbeit ist eine himmlische Ebene mit dem Bild von Maria in der Mitte dargestellt, so dass sich als die Symmetrieachse der Zusammensetzung. Sie wird von zwei Engeln gekrönt, die die Szene abschließen. Die Komposition ist streng symmetrisch, ohne den Naturalismus oder eine gewisse Dynamik zu verlieren, die bereits den barocken Geschmack erkennen lässt. Es handelt sich um ein Werk, in dem das Konzeptuelle gegenüber dem Naturalismus überwiegt und der Raum daher undefiniert ist. Auch die Beleuchtung ist typisch manieristisch: ein dramatisches, phantasievolles und künstliches Licht, das seine Scheinwerfer vervielfacht und zarte Nuancen erzeugt, die die Volumen modellieren, sowie tiefe Schatten, die dazu dienen, die zentrale Position Marias hervorzuheben. Darüber hinaus hat der Autor eine sorgfältige Studie der Körperhaltung und der Gesten durchgeführt, indem er jede Figur individualisiert und nach Eloquenz und Ausdruck sucht. Die valencianische Schule unterscheidet sich von den übrigen zeitgenössischen spanischen Kunstzentren durch die Tatsache, dass sich dort während des größten Teils des 15. und 16. So war Valencia im Laufe der Kunstgeschichte neben anderen Schulen, wie Andalusien und Madrid, ein wichtiger Brennpunkt der spanischen Kunst. In Valencia bedeutete der Wechsel vom siebzehnten zum achtzehnten Jahrhundert keinen Bruch mit der bisherigen Tradition, sondern eine Fortsetzung derselben. Im Jahr 1768 wurde die Königliche Akademie der Schönen Künste von San Carlos gegründet, und diese Institution wird den Wandel hin zu einem Klassizismus mit barocken Wurzeln bestimmen. Durch sie wurden junge Künstler von José Vergara, Manuel Monfort, José Camarón, Vicente Marzo, Vicente López und Mariano Salvador Maella ausgebildet. Andererseits führt der wirtschaftliche Aufschwung zu einem blühenden Industrie- und Handelsbürgertum, das sich durch künstlerisches Mäzenatentum gesellschaftlich zu profilieren sucht. Gleichzeitig verliert die Kirche ihr Monopol als einzige Auftraggeberin der Künstler. All dies führt zu einem endgültigen Wandel des Geschmacks und auch der behandelten Gattungen: Die religiöse Malerei koexistiert nun mit bürgerlichen Porträts, Stillleben, Landschaften, historischen und mythologischen Themen und der Genremalerei. Sie weist Löcher und xylophagische Schäden auf.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 99 - Flämische Schule; 17. Jahrhundert. "Landschaft". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Enthält Restaurierungen. Maße: 48 x 29 cm; 59 x 39 cm (Rahmen). Landschaftsszene, die eine chromatische Palette hat, basierend auf Ocker Töne, die eine große Vitalität bieten. Das Werk zeigt mehrere Figuren im Vordergrund, aber aufgrund der geringen Größe dieser Figuren liegt der Schwerpunkt der Szene auf der Landschaft. In der Barockzeit war die Darstellung von Landschaften ohne Rückgriff auf das Costumbrista-Thema selten, da sich die Landschaftsmalerei als Genre erst im 19. Im Westen trat die Landschaft als völlig eigenständige Kunstgattung praktisch erst im 17. Jahrhundert und dank der niederländischen Malerei (insbesondere Jacob van Ruysdael) in Erscheinung. Im Mittelalter wurde sie als bloße Kulisse behandelt, bis die Renaissance begann, sich für sie zu interessieren. Auffallend ist die große Produktion jener Zeit, deren Adressaten das immer wohlhabendere städtische Bürgertum war, mit dem eine Fülle von Werken einherging, die mit der Verbreitung von Bildgattungen einhergingen. Eine davon war die Landschaft, die sich seit dem 17. Jahrhundert stark entwickelte, einer Zeit, in der sie noch nicht als eigenständiges Thema in Erscheinung getreten war, ohne dass es einer Anekdote bedurfte, um zu existieren. Wie andere Genres, die sich im 17. Jahrhundert in Flandern großer Beliebtheit erfreuten, hat die Landschaftsmalerei ihre Wurzeln in der niederländischen Bildtradition des 15. Die Hintergrundlandschaften der religiösen Werke Van Eycks, de Bouts oder van der Goes nehmen in ihnen als künstlerisches Element einen viel wichtigeren Platz ein als die Landschaft in der italienischen Malerei derselben Zeit. Was die Darstellung der Erzählung betrifft, so spielt die Landschaft der flämischen Primitiven eine wesentliche Rolle, nicht nur als natürliche Umgebung der Figuren, sondern auch, um die verschiedenen Episoden der im Werk erzählten Geschichte zu trennen und in Szene zu setzen. Was die Nachahmung der Natur anbelangt, so versuchten die flämischen Maler des 15. Jahrhunderts, in den Landschaften ihrer religiösen Gemälde die Felder und Städte ihrer Heimat glaubhaft darzustellen, wobei sie deren Flora mit botanischer Präzision beschrieben und sogar eine Vorstellung von der Tages- und Jahreszeit gaben, in der die Szene spielt. Dieses besondere Interesse an der Darstellung von Landschaften verstärkte sich im 16. Jahrhundert, als ein neuer Landschaftstypus für sakrale Szenen entwickelt und popularisiert wurde: die Panoramaansicht. Doch schon bald rückte die Darstellung der Landschaft selbst in den Fokus der Maler und natürlich auch des Publikums. In den Panoramabildern von Joachim Patinir und seinen Nachfolgern sind die Rollen vertauscht: Das religiöse Thema dient als Vorwand für die Landschaft. In diesen Gemälden wird die Landschaft völlig unabhängig von jeder Erzählung, und das ist die Richtung, die die flämischen und niederländischen Maler des späten 16. und frühen 17. Jahrhunderts einschlagen sollten, einer Zeit, in der die Landschaftsmalerei in den Niederlanden große Popularität erlangte und sich die Spezialisten für dieses Genre zu vermehren begannen. Gillis van Coninxloo, Paul Bril, Jan Brueghel der Ältere und Joos de Momper sind die bedeutendsten Landschaftsmaler des Übergangs vom 16. zum 17. Jahrhundert, und jeder von ihnen hat seiner Vision der Landschaft einen ganz persönlichen Stempel aufgedrückt. Es werden Restaurierungen vorgestellt.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 100 - Spanische Schule; XVII Jahrhundert. "Die Geburt der Jungfrau". Öl auf Leinwand. Bewahrt das Original. Präsentiert Fehler. Abmessungen: 75 x 97 cm. Die Geburt von Maria ist traditionell dargestellt, wie wir hier sehen, als eine Genreszene in einem Interieur der Zeit gesetzt. In diesem Ölgemälde erscheint Santa Ana im Hintergrund, im Bett, ruht nach der Geburt, begleitet von San Joaquín, die in einer der Seiten des Bettes ist. Im Vordergrund sehen wir das Neugeborene, das die Mitte des Gemäldes einnimmt. Es erscheint in den Armen einer Dienerin, die es mit Hilfe einer zweiten Frau und mehreren Engeln aus dem Bad holt. Dahinter sehen wir mehrere Damen, die die Szene mit Interesse betrachten. Das Thema der Geburt Marias wurde in der Kunst häufig als Teil der Zyklen des Lebens der Jungfrau dargestellt. Diese Darstellungen, sowohl aus dem Mittelalter als auch aus späterer Zeit, sind oft wertvolle Dokumente, die Aufschluss über das häusliche Interieur und die Bräuche ihrer Zeit geben. Der Zyklus des Marienlebens verbreitete sich im Laufe des Mittelalters und stützte sich in seiner Ikonographie auf die Evangelien und vor allem auf die Apokryphen, die in der "Goldenen Legende" von Santiago de la Voragine gesammelt wurden. Anna und Joachim, die Eltern Marias, waren seit vielen Jahren verheiratet, ohne Kinder zu bekommen. Damit ihre Empfängnis unbefleckt, d. h. ohne die Lust der Erbsünde war, fand sie statt, als sich die Eheleute am Goldenen Tor von Jerusalem umarmten. Dem Text zufolge wurde die heilige Anna auf diese Weise schwanger und brachte neun Monate später die Jungfrau Maria zur Welt. Bewahrt das Ursprüngliche. Zeigt Fehler auf.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

26. Juni - Alte Meister

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Los 9 - Spanische Schule: 17. Jahrhundert. "Die Ekstase von San Francisco". Öl auf Platte. Präsentiert Übermalungen und Restaurierungen. Maße: 65 x 51 cm; 75 x 61 cm (Rahmen).

Los 32 - Italienische Schule; XVIII Jahrhundert. "Himmlischer Hof". Öl auf Platte. Maße: 45 x 78 cm; 63 x 95 cm (Rahmen).