13th May - Contemporary Art

Los 1 - VICTOR VASARELY (Pécs, Ungarn, 1908 - Paris, 1997). Ohne Titel, 1981. Papiercollage auf Karton. Die Urheberschaft dieses Werks wurde von Pierre Vasarely bestätigt. Zweimal in der rechten unteren Ecke signiert, datiert und gewidmet. Maße: 40 x 27 cm; 60 x 47 cm (Rahmen). Vasarely basiert auf der Entdeckung, dass die Verformung eines zweidimensionalen Gitters eine abstrakte dreidimensionale Landschaft mit Erhebungen und Vertiefungen erzeugen kann, in der Quadrate in Rauten und Kreise in Ellipsen verwandelt werden. Der illusionistische Effekt, der Konvexität und Konkavität mit Dilatation und Kontraktion kombiniert, enthält eine nachdenkliche kosmische Symbolik, die an den Rhythmus der Sterne und die Bildung von Galaxien durch die Ausdehnung des Universums als Ganzes erinnert. Victor Vasarely, der als Vater der Op Art gilt, begann seine künstlerische Ausbildung an der Muheely-Schule, die in Budapest von einem Bauhaus-Schüler gegründet wurde. Er ließ sich 1930 in Paris nieder, wo er das erste Werk der Op Art schuf, das heute als "Zebra" (1937) gilt. In Paris arbeitete er als Grafiker für Werbeagenturen. In dieser Zeit wandelte sich sein künstlerischer Stil vom figurativen Ausdruck hin zu einer Art konstruktiver und geometrischer abstrakter Kunst, die sich für die Darstellung der Perspektive ohne Fluchtpunkte interessierte. Zwischen 1936 und 1948 nahm er regelmäßig am Salon des Surindependents und am Salon des Nouvelles Réalités teil. Ab 1948 stellte er regelmäßig in der Galerie Denise René aus. In den fünfziger Jahren näherte sich sein Werk der Verwendung neuer Materialien und Träger wie Aluminium oder Glas. Ebenso begann er, Werke zu schaffen, die den Raum mit einbeziehen, wie z. B. die Hommage an Malewitsch. In den sechziger Jahren nahm er an zahlreichen Gruppenausstellungen teil, wie z. B. The Responsive Eye im Museum of Modern Art in New York, sowie an Einzelausstellungen in Europa und Amerika. Unter den zahlreichen Auszeichnungen, die er im Laufe seines Lebens erhielt, sind der Guggenheim-Preis (1964), der Preis der Brüsseler Kunstkritiker und die Goldmedaille der Mailänder Triennale hervorzuheben. Im Jahr 1970 wurde er außerdem zum Ritter des Ordens der Ehrenlegion ernannt. Er ist in den ihm gewidmeten Museen in Aix-en-Provence, Pécs und Budapest vertreten, aber auch in den wichtigsten Zentren der zeitgenössischen Kunst in der Welt, wie der Tate Gallery in London, dem MoMA in New York, dem Guggenheim in Venedig oder dem Reina Sofia in Madrid. Die Urheberschaft dieses Werks wurde von Pierre Vasarely bestätigt.

Schätzw. 15 000 - 18 000 EUR

Los 2 - SONIA DELAUNAY (Odessa, 1885 - Paris, 1979). "Kostüm", 1922. Pinsel, Feder und Tusche auf Papier. Signiert und datiert unten rechts. Maße: 31 x 25 cm; 52 x 43 cm (Rahmen). Literaturverzeichnis - J. Damase, Sonia Delaunay, dessins en noir et blanc, Paris, 1978, S. 190 (abgebildet auf S. 112, mit falschen Maßen und datiert "1926"). - E. Morano, Sonia Delauna, Art into Fashion, New York, 1986, S. 59 (illustriert). Mit ihrem charakteristischen synthetischen Stil schafft Delaunay in diesem Werk eine figurative Zeichnung, in deren Mittelpunkt eine Frau steht. Das Werk, insbesondere die Kleidung der Protagonistin, erinnert an einige Muster, die die Künstlerin in den 1920er Jahren auf Leinwand gemalt hat. Die als Sonia Ilínichna Stern geborene Sonia Delaunay ist besser unter ihrem Ehenamen bekannt, den sie nach ihrer Heirat mit Robert Delaunay annahm. Die französische Malerin und Designerin ukrainischer Herkunft war zusammen mit ihrem Mann eine der Hauptvertreterinnen der abstrakten Kunst und die Begründerin des Simultanismus. Sie wuchs in St. Petersburg auf, wo sie mit der Gemäldesammlung der Schule von Barbizon ihres Onkels und mit dem kulturellen Leben der Stadt in Berührung kam. 1903 zog sie nach Deutschland, um sich weiterzubilden, wo sie die zeitgenössische Malerei entdeckte und bei Schmidt-Reuter Zeichnen studierte. Zwei Jahre später zog er nach Paris und schrieb sich an der Academie de la Palette ein, wo er auch von Grossman in die Gravur eingeführt wurde. In diesen Jahren nähert er sich über den deutschen Expressionismus der europäischen Avantgarde an, mit einem Werk, das auch Anklänge an den Postimpressionismus aufweist. Im Jahr 1908 findet seine erste Ausstellung statt, in der er Werke aus seiner gerade begonnenen fauvistischen Periode zeigt. Zwei Jahre später heiratete er Delaunay, mit der er ästhetische Anliegen teilte. Ihre Kunst erfährt einen Richtungswechsel, hin zur Abstraktion. Die Künstlerin wendet sich nun dem Kunstgewerbe zu, immer mit einer rein abstrakten koloristischen Sprache, die die Aufmerksamkeit ihrer Kollegen und auch der Kritiker auf sich zieht. Obwohl sie sich 1912 wieder der Malerei zuwendet, ist ihr Ruhm als Designerin bereits in ganz Europa begründet. Von nun an nimmt sie häufig an wichtigen europäischen Ausstellungen teil, wie dem Berliner Herbstsalon oder dem Salon des Indépendants in Paris. Während des Ersten Weltkriegs lebte sie in Spanien und Portugal, wo sie eine intensive schöpferische Tätigkeit entfaltete, unter anderem in Zusammenarbeit mit dem Ballett von Diaghilew. 1921 kehrte das Paar nach Paris zurück, wo Sonia Delaunay weiterhin an wichtigen Projekten arbeitete und ihre Werke sowohl in Europa als auch in den Vereinigten Staaten ausstellte. Seit den fünfziger Jahren wurde ihr Werk bereits in vollem Umfang anerkannt, und 1958 wurde ihr in Bielefeld (Deutschland) die erste Retrospektive gewidmet. Darüber hinaus wurde sie 1975 zum Offizier der französischen Ehrenlegion ernannt. Derzeit ist Delaunay in bedeutenden Sammlungen auf der ganzen Welt vertreten, darunter das MoMA in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die Reina Sofia in Madrid, die Albertina in Wien und Haifa in Israel.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 3 - JULIO LE PARC (Mendoza, Argentinien, 1928). "Cercles par Deplacement" 2015. Acryl, Spiegel und Offset-Lithographie, Kopie H.C. Veröffentlicht von MAK Editions. Echtheitszertifikat beigefügt. Abmessungen: 9,4 x 8 x 6,7 cm. Diese Op-Art-Skulptur des argentinischen Künstlers Julio Le Parc aus dem Jahr 1965 besteht aus einem Spiegel und einer bedruckten Innenseite und ist aus Plexiglas gefertigt. Wenn man die Skulptur aus einem anderen Winkel betrachtet, ändern die Kreise ihre Farbe. Sie wurde im Jahr 2015 hergestellt. Julio Le Parc ist ein multidisziplinärer Künstler, der der kinetischen Kunst zuzuordnen ist. Er wurde an der Prilidiano Peuyrredón School of Fine Arts in Buenos Aires ausgebildet und begann 1957, in der abstrakten Sprache zu arbeiten. Im folgenden Jahr zieht er dank eines Stipendiums der französischen Regierung nach Paris, wo er die Groupe de Recherche d'Art Visuel gründet und sich der Gruppe Nueva Tendencia anschließt. 1966 hat er seine erste Einzelausstellung in der Sage Gallery in Howard (New York), und im selben Jahr gewinnt er den ersten Preis auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr gewinnt er den ersten Preis der Biennale von Venedig. 1967 nimmt er an einer wichtigen Gruppenausstellung im Museum für Moderne Kunst in Paris teil, und 1972 findet in Düsseldorf die erste Retrospektive seines Werks statt. Sein Werk ist derzeit unter anderem in der Tate Gallery in London, im Museo Nacional de Bellas Artes und in der Fundación Proa in Buenos Aires, in der Luis Ángel Arango Library in Kolumbien und im Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington D.C. vertreten.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 4 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, 1985. Gemischte Medien (Malerei und Collage) auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 197 x 115 cm; 207 x 126,5 cm (Rahmen). Die Verwendung von Collagen in Verbindung mit Experimenten und lyrischer Abstraktion gewinnt in Guinovarts Gemälden aus den achtziger Jahren an Bedeutung. Er entfernt sich vom Informalismus seiner früheren Periode und nähert sich einer Abstraktion mit musikalischen und poetischen Latenzen. In dieser Komposition kommt dies durch die subtilen Andeutungen von Saiteninstrumenten und kalligrafischen Zeichen zum Ausdruck. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Er erwarb sich sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Guinovart ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, das Museo Eusebio Sempere in Alicante, das Museo de Navarra in Tafalla, die Casa de las Américas in Havanna, das Bocchum Museum in Deutschland, das Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und das Museo Patio Herreriano in Valladolid.

Schätzw. 5 500 - 6 500 EUR

Los 5 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Klettern", 1974. Collage, Acryl und Fettstift auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 100 x 81 cm. Ràfols Casamada sprach von seinem Bedürfnis, "den Raum zu brechen und ihn mit Hilfe von Farbflecken neu zu komponieren, sie fast willkürlich zu verteilen und mit Hilfe der Farbe zu erreichen, dass sie getragen werden und in Beziehung stehen" (Zeugnis eines Malers, 1985). Das hier gezeigte Gemälde ist eine Darstellung dieser Suche nach intellektueller Läuterung. Ràfols Casamada unterwirft das Bild einem scheinbar zufälligen Spannungsspiel zwischen Farbfeld, Leere, Fleck und Geste. In diesem Gemälde pulsiert die lyrische Abstraktion trotz der zugrunde liegenden konzeptionellen Basis mit Schwung. Sie spiegelt eine glückliche Lösung zwischen intellektueller Komplexität und plastischer Einfachheit, zwischen Transzendenz und Immanenz wider. Der Maler, Pädagoge, Schriftsteller und Grafiker Ràfols Casamada genießt heute großes internationales Ansehen. Er begann in der Welt des Zeichnens und Malens bei seinem Vater Albert Ràfols Cullerés. Im Jahr 1942 begann er ein Architekturstudium, das er jedoch bald abbrach, um sich der bildenden Kunst zu widmen. Der postimpressionistische Einfluss des Vaters und sein besonderer Cézannismus prägen die Werke seiner ersten Ausstellung, die 1946 in den Galerien Pictòria in Barcelona stattfindet, wo er mit der Gruppe Els Vuit ausstellt. In der Folge entwickelt er eine poetische Abstraktion, amorph in ihrer Konfiguration, frei und intelligent, das Ergebnis einer langsamen Entwicklung und basierend auf Umgebungen, Themen, Objekten oder Grafiken des täglichen Lebens. Ràfols Casamada arbeitet mit diesen Fragmenten der Realität, des Lebens, in einem Prozess der Entstellung, spielt mit den Konnotationen, den plastischen Werten und dem visuellen Reichtum der möglichen verschiedenen Lesarten, in einem Versuch, die Vergänglichkeit der Realität zu fixieren. 1950 erhält er ein Stipendium, um nach Frankreich zu reisen, und lässt sich bis 1954 in Paris nieder. Dort lernte er die postkubistische figurative Malerei sowie die Werke von Picasso, Matisse, Braque, Miró und anderen kennen. Diese Einflüsse verbinden sich in seiner Malerei mit dem sich zur gleichen Zeit entwickelnden amerikanischen abstrakten Expressionismus. Als er schließlich nach Barcelona zurückkehrte, schlug er seinen eigenen künstlerischen Weg ein, mit einem Stil, der sich durch kompositorische Eleganz auszeichnet und auf orthogonalen Strukturen in Verbindung mit einer gefühlvollen und leuchtenden Farbgebung beruht. Nachdem er in den sechziger und siebziger Jahren eine interessante Beziehung zum Neo-Dada und zum Neuen Realismus gezeigt hatte, konzentrierte sich sein Werk auf rein malerische Werte: Farbfelder in ausdrucksstarker Harmonie, auf denen sich gestische Kohlestriche abheben. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1980 den Nationalen Preis für plastische Kunst des Kulturministeriums, 1982 den Creu de Sant Jordi und 1991 den Premio de las Artes de la CEOE. 1985 wurde er zum Ritter des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums ernannt und ist Ehrenmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Im Jahr 2003 verlieh ihm die Generalitat den Nationalen Preis für Bildende Kunst von Katalonien, und 2009, nur zwei Monate vor seinem Tod, ehrte ihn die Grup 62 im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien. Seine Werke befinden sich in den wichtigsten Museen der Welt: im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim und im MOMA in New York, im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Picasso-Museum in Frankreich, im Georges Pompidou in Paris, im British Museum und in der Tate Gallery in London und in vielen anderen.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 6 - NICK VEASEY (London, 1962). "Frieden mit Gänseblümchen". 2019. C-tipe Druck, Kopie 1/25. Signiert und nummeriert in der unteren rechten Ecke. Etikett auf der Rückseite. Maße: 75 x 59,4 cm; 77 x 61,5 cm (Rahmen). Der Künstler und Fotograf, der aus der Werbefotografie kommt, lässt sich von einem künstlerischen Muster leiten, das eng mit der Wissenschaft verbunden ist, denn er erstellt Bilder und Fotografien aus Röntgenstrahlen, um sein künstlerisches Ziel, den Hintergrund und das tiefste Detail eines jeden Motivs, zu erreichen. Gegenstände, Menschen, Natur und Tiere sind vor seiner Linse vorbeigezogen. Der Künstler versteht diese Sammlung als ein Statement gegen die Oberflächlichkeit und als eine Aufforderung, unsere Wahrnehmung der Realität zu überdenken. Wie er auf seiner Website schreibt: "Wir leben in einer Welt, die vom Bild besessen ist. Wie wir aussehen, wie unsere Kleidung, unsere Häuser, unsere Autos für uns aussehen.... Ich möchte dieser Besessenheit vom oberflächlichen Erscheinungsbild entgegenwirken, indem ich Röntgenstrahlen verwende, um die Schichten abzuschälen und zu zeigen, wie es unter der Oberfläche aussieht. Wir alle machen Annahmen aufgrund der äußeren visuellen Aspekte unserer Umgebung und fühlen uns zu Menschen und Formen hingezogen, die ästhetisch ansprechend sind. Ich möchte diese automatische Art und Weise, mit der wir nur auf das äußere Erscheinungsbild reagieren, in Frage stellen, indem ich die innere, oft überraschende Schönheit hervorhebe. Es bringt uns auch zum Nachdenken darüber, wie die Gesellschaft zunehmend durch Sicherheit und Überwachung kontrolliert wird. Flughafenkontrollen oder Gerichtsgebäude sind einige Beispiele für Orte, an denen unser Hab und Gut durchleuchtet wird. Für Veasey ist die Möglichkeit, Kunst mit Geräten und Technologien zu schaffen, die "unsere Freiheit einschränken", eine Form der Überschreitung. 2009 begann er, für Maddox Fine Arts in London auszustellen, und tourte anschließend durch Europa, Nordamerika und Asien. Er wurde mit zahlreichen Foto- und Designpreisen ausgezeichnet, darunter die IPA Lucie Awards, AOP, Graphis, Communication Arts, Applied Arts, PX3 und D & AD Awards, die auch für den IPA Lucie International Photographer of the Year 2008 nominiert sind.

Schätzw. 4 500 - 5 000 EUR

Los 7 - KEITH HARING (Pennsylvania, 1958- New York, 1990). "Selbstporträt", 1987. Tinte auf Papier. Merkmale Tony Shafrazi Galerie Etikett mit Stock # 1435 befreit zu rahmen. Gerahmt mit Museumsglas. Signiert und datiert auf der rechten Seite. Maße: 26 x 32,5 cm; 43 x 49 cm (Rahmen). Keith Haring hat sich bei zahlreichen Gelegenheiten selbst porträtiert, immer mit seiner ikonischen Brille als Identitätsmerkmal. In diesen Selbstporträts bot der Künstler eine Vision seiner selbst, nicht nur physisch, sondern auch persönlich, und offenbarte so dem Betrachter seine Meinung über sich selbst, wie in dem Selbstporträt als Sphinx zu sehen ist. In diesem speziellen Fall handelt es sich nicht um ein einziges Selbstporträt, sondern um zwei, da er uns seine eigene Büste zeigt, die von einem seiner ikonischen Monigots gemalt wird, die ein Alter Ego des Künstlers selbst sind. Haring, der als sichtbarer Kopf der urbanen Kunst in den achtziger Jahren gilt, begann seine unaufhaltsame Karriere, die ihn zu Warhols Kollegen und Mediensuperstar werden ließ, mit seinen Arbeiten in der New Yorker U-Bahn. Die enorme Popularität von Harings urbanen Arbeiten bei der New Yorker Bevölkerung erregte sofort die Aufmerksamkeit des Kunstbetriebs. So nahm Andy Warhol ihn in seinen Kreis auf, und der damals aufstrebende Galerist Tony Shafrazi organisierte 1982 eine durchschlagende Einzelausstellung für ihn, die den Grundstein für seinen unaufhaltsamen Erfolg legen sollte. Schon bald stellte er seine Werke in der Galerie des einflussreichen Leo Castelli aus und etablierte sich als professioneller Kunststar. Keith Haring war ein amerikanischer Künstler, dessen Pop Art und Graffiti in den 1980er Jahren aus der Straßenkultur von New York City hervorgingen. Seine Popularität verdankt Haring seinen spontanen Zeichnungen in der New Yorker U-Bahn mit Kreide auf schwarz-weißem Werbeflächenhintergrund. Nachdem er öffentliche Anerkennung erlangt hatte, schuf er großformatige Werke als Wandmalereien, die später oft politische und soziale Themen, insbesondere Homosexualität und AIDS, durch seine eigene Ikonographie aufgriffen. Heute befinden sich Harings Werke in großen privaten und öffentlichen Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art und das Whitney Museum of American Art in New York City, das Los Angeles County Museum of Art, das Art Institute of Chicago, das Bass Museum in Miami, das Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, das Ludwig Museum in Köln und das Stedelijk Museum in Amsterdam. Er schuf auch eine Vielzahl öffentlicher Werke, darunter die Krankenstation im Children's Village in Dobbs Ferry, New York, und die Männertoilette im zweiten Stock des Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center in Manhattan, die später in ein Büro umgewandelt wurde und als Keith Haring Room bekannt ist. Im Januar 2019 wurde eine Ausstellung mit dem Titel "Keith Haring New York" an der New York Law School im Hauptgebäude des Tribeca-Campus eröffnet. Mit Tony Shafrazi Gallery-Etikett und Stock #1435, von der Rahmung ausgenommen.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 8 - PIERRE ET GILLES (Frankreich, zusammenarbeitend seit 1976). "Glory Hole (Charley Huet)", 1994. Gemalte Fotografie. Signiert. Einzigartiges Werk. Maße: 82 x 64 cm. Das französische Künstlerduo Pierre et Gilles macht provokante Fotografien, in denen sie ihre eigenen Szenografien und Kostüme von Hand bauen. Sie enthalten keine fotografischen Retuschen. Im Gegenteil, sie verleihen ihnen mit Farbe ein einzigartiges Kunstwerk. Schwulenkultur und Pornografie sind die Genres, die sie mit freiem Geist und Sarkasmus erkunden. Bei dieser Gelegenheit stellen sie eine angebliche Szene aus einem Pornofilm mit Charley Huet in der Hauptrolle nach. Pierre und Gilles sind zwei französische Künstler, ein gefühlvolles und künstlerisches Paar. Sie machen einzigartige und stark stilisierte Fotografien. Ihre Werke enthalten Bilder aus der Kunstgeschichte, der Populärkultur, der Religion und der Schwulenkultur, einschließlich Pornografie (insbesondere James Bidgood). Zur Arbeitsweise der beiden Künstler gehört der Aufbau komplexer Szenografien, da sie kaum mit digitaler Nachbearbeitung nach den Aufnahmen arbeiten. Zu ihrer Arbeitsweise gehören aufwendige Beleuchtungs- und Kulissenarbeiten, bei denen die Modelle von Blumenmandoras umgeben sind, die sich oft auf religiöse Werke der Vergangenheit beziehen oder in idyllischen und imaginären Szenarien zu sehen sind. Später bearbeiten sie die Fotografien mit Acrylfarbe, um die Bilder zu retuschieren und ihnen ein originelles Finish zu verleihen. Zu seinen Lieblingsthemen gehören religiöse und mythologische Themen sowie homoerotische Szenen (einige Beispiele beziehen sich auf das Meer und die Seeleute, da er ein Buch zu diesem Thema mit dem Titel "Sailors and Sea" (Seeleute und Meer) entwickelt hat). Zweifellos lassen sich seine Werke der Kitsch-Bewegung zuordnen, die bewusst von der Welt der Popkultur beeinflusst wird. Zu den von Pierre et Gilles fotografierten Berühmtheiten gehören: Amanda Lear (das Cover ihres Albums Diamonds for Breakfast von 1980, einer seiner ersten Aufträge), Lio, Khaled, Étienne Daho, Marie France, Mikado, Marc Almond, Leslie Winer, Marilyn Manson, Madonna, Kylie Minogue, Erasure, Deee-Lite, The Creatures, Nina Hagen und Coco Rosie (das Cover ihres Albums The Adventures of Ghosthorse and Stillborn von 2007); Model Naomi Campbell, die Schauspielerinnen Tilda Swinton und Catherine Deneuve, die Schauspieler Jérémie Renier und Layke Anderson sowie die Designer Jean-Paul Gaultier und Paloma Picasso. Seine Arbeiten sind Teil der Sammlungen des Centre Pompidou in Paris.Dieses Los ist nur zugänglich, wenn Sie eingeloggt sind und Ihr Alter mit Ihrem Ausweis übereinstimmt.

Schätzw. 90 000 - 100 000 EUR

Los 9 - ANTONIO VIDAL FERNÁNDEZ (Havanna, 1928 - 2013) . Ohne Titel, ca. 1960. Acryl auf Masonit. Signiert in der unteren rechten Ecke. Beigefügtes Zertifikat von der Enkelin des Künstlers Anabelle Vidal B. Maße: 50,8 x 41 cm. Antonio Vidal war ein Maler, der alle Varianten des Abstraktionismus kultivierte: Expressionismus, Informalismus, Dripping,,,,, so dass sich die verschiedenen abstrakten Sprachen manchmal vermischten, wie in diesem Gemälde, in dem sich die Linien in Vektoren, die Kreise in energetische Punkte oder schwarze Löcher verwandeln und das Dripping mit dem Gesturalismus koexistiert. Antonio Vidal Fernández war ein bedeutender kubanischer Künstler. Er war Mitglied der Gruppe Los Once und Gründungsmitglied der Union der Schriftsteller und Künstler Kubas. Er führte den abstrakten Expressionismus auf der Insel ein, war aber kein Anhänger dieser Bewegung, sondern hielt sich von Moden fern, um seinen eigenen Weg zu finden. Er ist Absolvent der Villate-Akademie und erhielt 1999 den Nationalen Preis für plastische Kunst. Unter seinen persönlichen Ausstellungen sind zu erwähnen: 1993 "Antonio Vidal 40 Jahre in der Plastik", Gemälde und Zeichnungen von kleinem Format. Galiano und Concordia Kunstgalerie, Havanna, Kuba. 1953 nimmt er kollektiv an der Ausstellung Los 11. Maler und Bildhauer. Lyzeum, Havanna, Kuba. In den Jahren 1963 und 1965 nimmt er an der Ersten und Zweiten Amerikanischen Biennale der Gravur teil. Museum für zeitgenössische Kunst, Universität von Chile, Santiago de Chile. In den Jahren 1966 und 1968 an der 5. und 6. internationalen Grafikbiennale. Museum für Moderne Kunst, Tokio, Japan. Im Jahr 2000 "Tono a tono". Ausstellung für abstrakte Kunst. Solidaritätshalle, Habana Libre Tryp Hotel, Havanna, Kuba, unter anderem. 1973 wird sein Werk mit dem Zweiten Preis in Malerei ausgezeichnet. Salon der Professoren und Dozenten der plastischen Künste, Nationale Kunstschule (ENA), Havanna, Kuba. 1981 Erwähnung. Erster Nationaler Salon für Kleinformate, Lalo Carrasco Salon, Habana Libre Hotel, Havanna. 1999 Nationale Auszeichnung für plastische Kunst. Ministerium für Kultur. Gründer des Taller Experimental de la Gráfica de La Habana in den 1960er Jahren, in dem er eine beträchtliche Anzahl von Werken in der lithografischen Technik entwickelte. Zu dieser Zeit schuf er Werke für öffentliche Orte wie die Mosaikwandbilder im Theater Manuel Ascunce Domenech in Ciudad Escolar Libertad und im Kaufhaus La Época. In den 70er Jahren unterrichtete er zwei Jahrzehnte lang Malereikurse an der Nationalen Kunstschule; zehn Jahre später experimentierte er mit der Bildhauerei, allerdings als Erweiterung, als neuer Träger für seine Kreationen auf Leinwand oder Papier. Er wagte sich auch an die Gestaltung von Buch- und Zeitschriftenumschlägen; 1977 veröffentlichte er sein Skizzenbuch Antonio Vidal, das von der Redaktion der Union der Schriftsteller und Künstler Kubas herausgegeben wurde. Ein wichtiger Teil seines Werks wird im Nationalen Museum der Schönen Künste in Havanna, Kuba, aufbewahrt. In der Anlage finden Sie eine von Anabelle Vidal B. ausgestellte Urkunde.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Los 10 - MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Mallorca, 1957). "Crânes Papaie", 1999. Aquarell auf Papier. Signiert und datiert im unteren Bereich. Maße: 56 x 76 cm; 76 x 96 cm (Rahmen). Dieses Werk zeigt ganz persönliche Aspekte von Barceló, die sich nicht mit seinen Einflüssen oder Vorgängern in Verbindung bringen lassen. Der herausragendste Aspekt ist sein Bruch mit der Tradition durch seine unermüdliche Suche nach neuen Formeln und seine Faszination für verschiedene Aspekte der Natur. Ein Beispiel dafür ist dieses Aquarell, denn der Künstler geht von der traditionellen "Vanitas" aus, aber seine Technik und die Tendenz zum Tellurischen bringen uns einem völlig organischen Bild näher, das nicht die Flüchtigkeit des Lebens vermittelt, sondern eine zyklische Auffassung davon. Mit diesem Werk schafft der Mallorquiner ein Werk von großer Ausdruckskraft, das fest in der Natur und der archaischen Tradition verwurzelt ist und gleichzeitig eine überraschende und brillante Modernität offenbart. Der Maler und Bildhauer Barceló begann seine Ausbildung an der Kunstgewerbeschule in Palma de Mallorca, wo er zwischen 1972 und 1973 studierte. Im Alter von siebzehn Jahren gab er 1974 sein Debüt in der Galerie Picarol auf Mallorca. Im selben Jahr zieht er nach Barcelona, wo er sich an der Schule der Schönen Künste Sant Jordi einschreibt, und unternimmt seine erste Reise nach Paris. In der französischen Hauptstadt lernt er die Werke von Paul Klee, Fautrier, Wols und Dubuffet sowie die Art Brut" kennen, ein Stil, der seine ersten Gemälde stark beeinflussen wird. In diesen Jahren liest er viel und bereichert sich mit so unterschiedlichen Werken wie den Schriften von Breton und den Surrealisten, dem "Weißen Manifest" von Lucio Fontana oder der "Sozialgeschichte der Literatur und Kunst" von Arnold Hauser. 1976 hat er seine erste Einzelausstellung in einem Museum: "Cadaverina 15" im Museum von Mallorca, bestehend aus einer Montage von 225 Holzkisten mit Glasdeckeln, in denen sich verwesende organische Materialien befinden. Im selben Jahr, zurück auf Mallorca, schließt er sich der Gruppe Taller Lunàtic an und nimmt an deren sozialen, politischen und kulturellen Veranstaltungen teil. 1977 unternimmt er eine zweite Reise nach Paris und besucht auch London und Amsterdam. Im selben Jahr stellt er zum ersten Mal in Barcelona aus und lernt Javier Mariscal kennen, der zu einem seiner besten Freunde in der Stadt wird. Zusammen mit ihm und dem Fotografen Antoni Catany nimmt er als Mitglied der Gruppe "Neón de Suro" an Ausstellungen in Kanada und Kalifornien teil und arbeitet an der Herausgabe der gleichnamigen Zeitschrift mit. Ebenfalls 1977 erhält er seinen ersten großformatigen Bildauftrag: ein Wandgemälde für den Speisesaal eines Hotels in Cala Millor, Mallorca. Im folgenden Jahr, im Alter von einundzwanzig Jahren, verkauft er seine ersten Werke an einige Sammler und Galerien und zieht schließlich nach Barcelona. Seine internationale Anerkennung beginnt Anfang der achtziger Jahre und gibt seiner Karriere nach der Teilnahme an der Biennale von São Paulo (1981) und der Documenta in Kassel (1982) einen deutlichen Schub. Im Jahr 1986 wurde er mit dem Nationalen Preis für Bildende Kunst ausgezeichnet, und seither hat sein Werk zahlreiche Preise erhalten, darunter den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (2003) und den Sorolla-Preis der Hispanic Society of America in New York (2007). Barceló ist derzeit in den wichtigsten Kunstmuseen der Welt vertreten, wie dem MoMA in New York, dem Centre Pompidou in Paris, dem Guggenheim in Bilbao usw.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Los 11 - CÉSAR MANRIQUE CABRERA (Lanzarote, 1919 - 1992). "Nach dem Regen", 1980. Mischtechnik (mit Zusatz von Materie) auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 50 x 61 cm; 70 x 81 cm (Rahmen). Der Maler, Bildhauer und Architekt Manrique wurde zwischen Lanzarote und Madrid geboren, wo er an der Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando studierte. 1942 debütierte er auf Lanzarote und gründete in den fünfziger Jahren, als der Surrealismus aufkam, die Galerie Fernando Fe, die erste nicht-figurative Galerie in Spanien. In diesen Jahren malte er mehrere Wandgemälde auf Lanzarote und stellte seine Werke in mehreren Ländern aus. Im Jahr 1964 zog er nach New York, wo er unter anderem in der Catherine Viviano Gallery ausstellte. Zwei Jahre später ließ er sich endgültig auf Lanzarote nieder, wo er zusammen mit dem Architekten Fernando Higueras verschiedene Projekte auf der Insel verwirklichte. Im Jahr 1992, wenige Monate vor seinem Tod bei einem Verkehrsunfall, wurde auf Lanzarote die Stiftung eingeweiht, die seinen Namen trägt. Für sein künstlerisches Schaffen erhielt er u. a. die Goldmedaille der bildenden Künste (1980), den Goslarer Monchenhsus-Preis in Deutschland (1981), den Van D'Aheod-Preis in den Niederlanden (1982) und den Fritz-Schumacher-Preis in Hamburg (1989). Derzeit ist er unter anderem im Museo de Arte Abstracto Español und im Centro Atlántico de Arte Moderno vertreten. In seinem malerischen, skulpturalen und vor allem architektonischen Werk tritt Manrique in einen Dialog mit den Wurzeln der Kanarischen Inseln, mit der Kultur der Guanchen, mit ihren traditionellen Bauten, ihrer Landschaft, ihrer Folklore und ihrer vorspanischen Kunst. In diesem Werk huldigt er all diesem Erbe in einem Werk, in dem die Materie, die auf die Erde, die Vulkane und das Feuer, das die Insel Lanzarote "gebaut" und definiert hat, einen wesentlichen Teil darstellt.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 12 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Awakened Series Jonah" 2007. Digitale Fotografie, Kopie AP 3/3. Signiert auf der Rückseite. Maße: 152,4 x 114,3 cm; 154 x 116 cm (Rahmen). Mit seiner Serie "Awakened" hat LaChapelle eine neue Richtung für sein Werk vorgegeben. Inspiriert von der biblischen Erzählung nimmt er anonyme Personen in der Rolle biblischer Figuren (hier die Figur des Jona), die in Wasser eingetaucht sind und sich in einem Zustand der Levitation befinden. Die wunderbare Beleuchtung, ihre Mimik, die Schwerelosigkeit ihrer Kleidung - all das trägt dazu bei, den Betrachter in eine einladende mystische Dimension einzuführen. Diese Werke bestätigen LaChapelles tiefe Verbundenheit mit dem Transzendenten, mit der Präsenz des Göttlichen im Alltäglichen und mit der Idee des Erhabenen. LaChapelles Karriere begann im Jahr 1982, als Andy Warhol ihn dazu veranlasste, seine Fotografien "Interview" zu veröffentlichen. "Andy Warhol entspricht perfekt seiner Zeit", sagt der Fotograf, "er ist zweifellos ein großer Künstler des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er war sehr großzügig und ich habe viel von ihm gelernt, aber wir gehören zwei verschiedenen Generationen an und haben unterschiedliche Vorstellungen. Die wertvollste Kunst ist heute diejenige, die es schafft, die Zeit, in der wir leben, zu verdeutlichen, und das ist es, was ich zu tun versuche." David LaChapelles verrückte, bizarre und fantastische Bilder sind auf den Seiten und Titelseiten der Zeitschriften Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face und GQ erschienen, um nur einige zu nennen. Sein Stil ist einzigartig und wiedererkennbar, er arbeitet mit offenen Aufnahmen, frischen und extrem farbigen Szenen, die seinen Pop-Art-Stil zeigen. Seine Aufnahmen zeichnen sich durch eine akribische und detaillierte Arbeit aus, die den physischen Aspekt des Charakters fast bis zur Karikatur einbezieht. "Ich versuche, Bilder zu machen, die ich noch nie gesehen habe", sagt LaChapelle. Er ist ein begabter Kreativer, der mit fiktiven und grotesken Szenen spielt, die meist künstlich sind, und verfügt über eine exzellente Inszenierung, die Bilder sind in der Regel zum Zeitpunkt der Aufnahme, mit wenig Nachbearbeitung. Wir können in seinem Werk auch die Kritik an der Gesellschaft sehen, in der wir voller Exzesse und Eitelkeiten leben. Seine bedingungslose Hingabe an die Originalität ist in der Welt der Mode, des Films und der Werbung legendär. LaChapelle hat an Werbekampagnen für eine Vielzahl von Kunden teilgenommen, darunter L'Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma und die Kampagne Got Milk? David hat zahlreiche Albumcover für Künstler wie Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna und Kylie Minogue fotografiert. Sein erfolgreiches erstes Buch, LaChapelle Land, wurde 1996 von Collaway Publishing veröffentlicht und enthielt in seiner extravaganten Verpackung eine explosive Sammlung von Porträts berühmter Persönlichkeiten und Models, darunter Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore und Elton John. Der Nachfolger dieses Debüts war das Buch Hotel LaChapelle, das 1999 ebenfalls bei Collaway erschien und frische Bilder mit unvergesslichen Farben zeigt. LaChapelle schafft weiterhin Fotografien, die unseren visuellen Geschmack konfrontieren und einen frischen Blick auf die heutige Landschaft werfen.

Schätzw. 28 000 - 30 000 EUR

Los 13 - JOSE SOLLA (Havanna, 1909). "Tür", 2003. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren Ecke. Maße: 38 x 46 cm; 55 x 63 cm (Rahmen). Praktisch alle seine künstlerische Karriere wurde in Südamerika verbracht, wo er seit 1950 lebte, obwohl er nach Galizien in den achtziger Jahren zurückkehrte, hat mehrere Ausstellungen, die einen Maler geronnen, phantasievoll, lyrisch, erotisch manchmal, ausgezeichnete Kenner der besten europäischen Tradition und hispanoamerikanischen indigenen Kunst, die absorbiert hat, um es einen sehr persönlichen Ausdruck zu geben, bestätigt gehalten. José Solla studierte an der Escuela Superior de Artes Visuales Martín A. Malharro bei Professor Demetrio Urruchúa, dem Lehrer so vieler hervorragender Künstler galicischer Herkunft. Seine erste Ausstellung hatte er 1964. Er nahm an den Biennalen von Pontevedra in den Jahren 1973, 1974 und 1976 teil. Bei der zweiten internationalen Ausgabe dieses wichtigen Wettbewerbs gewann er die Goldmedaille. Weitere Auszeichnungen erhielt Solla in Caserta, Italien, in Buenos Aires, Mar del Plata und Salta, Argentinien. Die Ausstellung, die seinen Status als sehr persönlicher und vollendeter Maler bestätigte, fand 1990 im Kulturzentrum Caixavigo im Rahmen der Reihe Große galicische Künstler statt. Er ist in Museen in Südamerika, Brasilien, Mexiko, Chile, den Vereinigten Staaten und Italien sowie in den Museen von Pontevedra und Vigo vertreten. Solla ist sowohl lyrisch als auch expressionistisch. Seine Landschaften, in der Regel Meereslandschaften, eher Intuitionen als Darstellungen, sind von einer exquisiten Leichtigkeit, tänzerisch, aus sehr dünnem Material und wirken wie ein Wandgemälde. Die Figurenkompositionen hingegen sind barock, vielschichtig, stark erotisch aufgeladen und von einer grotesken Welt, die natürlich gewollt ist. Er stützt sich auf eine sehr flüssige Zeichnung, die ihm überraschende Komplexitäten erlaubt, mit Ausweichungen ins Oneirische. Phantasiewesen, die von präkolumbianischen Mythologien inspiriert sind, bevölkern ideale Räume und sind wie Transnationen, in denen das verträumte, beschwörende Galicische, das Solla seit seiner Kindheit beim Blick auf die Mündung von Pontevedra in sich trägt, endlich präsent ist. Er ist ein vollendeter Aquarellist mit direkter grafischer Darstellung auf dem Fleck, der fähig ist, ideale Welten zu schaffen, in denen totemistische Vögel und geflügelte Wesen durch Räume wandern, die von einer überbordenden Fantasie angeregt werden. Ein vielgestaltiger Maler, unverwechselbar, anziehend, mit sehr gelungenen Arbeiten, weil er es versteht, den Strom seiner Phantasie zu bändigen, um ihn in verschiedenen Bereichen zu bündeln, wo das Groteske vermenschlicht wird und das Menschliche in unvorhersehbaren Mythologien überläuft.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 14 - MARCELLO TROTTER (Italien, 1977). "Schwarzer Engel", 2008. Gemischte Medien auf Leinwand. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Größe: 162 x 120 cm. In diesem Werk verwendet der Autor eine abstrakte Sprache, die auf einer unregelmäßigen Geometrie basiert und sowohl in den Umrissen als auch in den Farben einen organischen Charakter aufweist. Es handelt sich um einen offenen Stil, dessen grundlegendes Merkmal die Konzeption der Bildfläche als Ganzes ist, als offenes Feld, ohne Grenzen und ohne Hierarchie. Wie wir hier sehen, sind die Bildformen das Ergebnis einer durchdachten Komposition und des Experimentierens mit einem Bild mit gestischem Charakter, das sich nicht auf eine Komposition beschränkt, sondern darüber hinausgeht und dem Betrachter anzeigt, dass es sich um Formen, Ideen oder Vorschläge handelt, die über die Grenzen des rein Malerischen hinausgehen.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Los 15 - PAT ANDREA (Den Haag, Niederlande, 1942). "Lesbos". Zeichenkohle und Farbstifte auf Papier. Am unteren Rand signiert. Maße: 48 x 39 cm; 82,5 x 72,5 cm (Rahmen). Pat Andrea, Sohn eines plastischen Künstlers und einer Illustratorin, wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Den Haag ausgebildet. Zusammen mit den Künstlern Walter Nobbe und Peter Blokhuis bildete er die ABN-Gruppe, die als Neue Haager Schule bekannt wurde. Nach seiner ersten Ausstellung in Paris reiste er 1976 nach Lateinamerika, wo sich seine Arbeitsweise deutlich veränderte und er begann, die figurativen Kompositionen zu entwickeln, die wir kennen und die von größerer Kraft und formaler Spannung sind als seine früheren Werke. 1977 wird er von Jean Clair zur Teilnahme an der Ausstellung "Neue Subjektivität" eingeladen, die im Rahmen des Herbstfestivals in Paris stattfindet. Von da an ist er als Vertreter dieser künstlerischen Strömung bekannt, die sich aus der neuen Figuration, dem zweiten deutschen Expressionismus oder dem Surrealismus speist. Pat entwickelt ein Werk, in dem er die Schrecken und Phobien des Krieges zwischen dem männlichen und dem weiblichen Geschlecht einfängt, mit Figuren, die ihr psychologisches Gleichgewicht verloren haben und zwischen Zärtlichkeit und Gewalt hin- und hergerissen sind, und zwar durch einen grotesken Expressionismus, in dem synthetische Formen und flache Farben vorherrschen. Zwischen 1983 und 1989 verbindet er seine Aufenthalte in Buenos Aires mit Aufenthalten in Europa, insbesondere in Den Haag und Paris. In den 90er Jahren stellte er in der Balducci-Daverio Gallery in New York aus, und 1998 wurde er zum Professor an der Nationalen Schule der Schönen Künste in Paris ernannt, wo er seitdem mit seiner Familie lebt.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 16 - RAMÓN HERREROS (Barcelona, 1947). "El lugar de la feliz llegada 2", 2007. Gemischte Medien auf Leinwand. Signiert, betitelt und datiert auf der Rückseite. Maße: 150 x 150 cm. Dieses Werk ist ein Wagnis, eine Provokation, aber die Frau, der Akt, ist eines der traditionellen Motive der klassischen Malerei. Man müsste sich also fragen, warum Herreros zu diesem Thema zurückgekehrt ist. Dieses Gemälde von Ramón Herreros ist das Bild der Sehnsucht, ein Leuchten am Horizont, das keine Geste einfangen und kein Wort definieren kann. Ramón Herreros studierte an der Massana-Schule in Barcelona, am Cercle de Sant Lluc und an der Akademie Tàrrega. Er gehörte auch zur ersten Abschlussklasse der EINA-Designschule. 1967 gründete er zusammen mit Tornabell, Jubany und Morera Equip A, mit dem er bis Anfang der siebziger Jahre zusammenarbeitete. Seine erste Einzelausstellung fand 1982 in der Galerie Ciento in Barcelona statt, wo er weiterhin regelmäßig ausstellte. Seitdem hat er seine Arbeiten in Madrid, Paris, Freiburg und anderen europäischen Städten gezeigt. Im Jahr 1997 wurde ihm eine große Retrospektive im Palacio de Sobrellano in Comillas gewidmet. Derzeit ist er in verschiedenen Museen und Privatsammlungen vertreten.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 17 - XAVIER CORBERÓ OLIVELLA (Barcelona, 1935). "Ocell". 1998 Marmor und Stein. Maße: 25 x 65 x 32 cm. Der von Goldschmieden abstammende Maler und Bildhauer Xavier Corberó wurde in der Massana-Schule in Barcelona ausgebildet, zu deren Gründern sein Vater gehörte. Nach einem Studienaufenthalt in England, wo er zwischen 1955 und 1959 an der Central School of Arts and Crafts in London studierte, zog er nach New York. In der amerikanischen Stadt kam er in Kontakt mit surrealistischen Kreisen. Vor seiner Reise nahm er 1955 an der Hispanoamerikanischen Biennale teil, und 1959 hatte er eine Einzelausstellung in Lausanne (Schweiz), wo er eine für seine Ausbildung wichtige Zeit verbrachte und in der Medici-Gießerei arbeitete. Während seiner Studienjahre lernte er die Arbeiten von Pablo Gargallo und Henry Moore kennen, deren Werke seine persönliche Sprache stark beeinflussten. Im Jahr 1963 hatte er seine erste Einzelausstellung in München, wo er die Bayerische Goldmedaille erhielt. Mitte der sechziger Jahre kehrte er nach Spanien zurück und begann 1970 in Esplugues de Llobregat zu arbeiten, wo er 1972 das Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas de Cataluña gründete. Gegenwärtig ist er abwechselnd als Bildhauer und Maler sowie als Schmuckdesigner und Innenarchitekt tätig. Corberó nahm an mehreren europäischen Gruppenausstellungen und an den Salones de Mayo in Barcelona teil, wo er mit den Preisen Manolo Hugué (1960) und Ramon Rogent (1961) ausgezeichnet wurde. Er stellte auch in Deutschland, den Vereinigten Staaten und Japan aus und veröffentlichte zwischen 1966 und 1968 eine Reihe von Radierungen und Lithografien. In den frühen neunziger Jahren spielte er eine wichtige Rolle als Berater des Stadtrats von Barcelona bei der Auswahl von Werken international bekannter Künstler, die in Vorbereitung auf die Olympischen Spiele 1992 in den Straßen und auf den Plätzen der Stadt aufgestellt werden sollten. Er wurde auch für die Gestaltung der olympischen Medaillen ausgewählt. Im selben Jahr, 1992, wurde er von der Generalitat de Catalunya mit dem Kreuz von Sant Jordi ausgezeichnet. Corberó ist unter anderem im MoMA in New York, im Stedelijk in Amsterdam und im Victoria & Albert in London vertreten.

Schätzw. 1 600 - 1 800 EUR

Los 18 - XAVIER CORBERÓ OLIVELLA (Barcelona, 1935). Unbetitelt. 1998 Marmor und Stein. Maße: 53 x 57 x 26 cm. Der von Goldschmieden abstammende Maler und Bildhauer Xavier Corberó wurde in der Massana-Schule in Barcelona ausgebildet, zu deren Gründern sein Vater gehörte. Nach einem Studienaufenthalt in England, wo er zwischen 1955 und 1959 an der Central School of Arts and Crafts in London studierte, zog er nach New York. In der amerikanischen Stadt kam er in Kontakt mit surrealistischen Kreisen. Vor seiner Reise nahm er 1955 an der Hispanoamerikanischen Biennale teil, und 1959 hatte er eine Einzelausstellung in Lausanne (Schweiz), wo er eine für seine Ausbildung wichtige Zeit verbrachte und in der Medici-Gießerei arbeitete. Während seiner Studienjahre lernte er die Arbeiten von Pablo Gargallo und Henry Moore kennen, deren Werke seine persönliche Sprache stark beeinflussten. 1963 hatte er seine erste Einzelausstellung in München, wo er die Bayerische Goldmedaille erhielt. Mitte der sechziger Jahre kehrte er nach Spanien zurück und begann 1970 in Esplugues de Llobregat zu arbeiten, wo er 1972 das Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas de Cataluña gründete. Gegenwärtig ist er abwechselnd als Bildhauer und Maler sowie als Schmuckdesigner und Innenarchitekt tätig. Corberó nahm an mehreren europäischen Gruppenausstellungen und an den Salones de Mayo in Barcelona teil, wo er mit den Preisen Manolo Hugué (1960) und Ramon Rogent (1961) ausgezeichnet wurde. Er stellte auch in Deutschland, den Vereinigten Staaten und Japan aus und veröffentlichte zwischen 1966 und 1968 eine Reihe von Radierungen und Lithografien. In den frühen neunziger Jahren spielte er eine wichtige Rolle als Berater des Stadtrats von Barcelona bei der Auswahl von Werken international bekannter Künstler, die in Vorbereitung auf die Olympischen Spiele 1992 in den Straßen und auf den Plätzen der Stadt aufgestellt werden sollten. Er wurde auch für die Gestaltung der olympischen Medaillen ausgewählt. Im selben Jahr, 1992, wurde er von der Generalitat de Catalunya mit dem Kreuz von Sant Jordi ausgezeichnet. Corberó ist unter anderem im MoMA in New York, im Stedelijk in Amsterdam und im Victoria & Albert in London vertreten.

Schätzw. 1 600 - 1 800 EUR

Los 19 - MANUEL SOLÀ MORENO (Barcelona, 1950). Ohne Titel. Skulptur aus Schmiedeeisen und Seil. Signiert. Maße: 150 x 120 x 21 cm. Manuel Solà wurde in der Schule La Lonja in Barcelona ausgebildet und erhielt unmittelbar nach seinem Abschluss den X-Preis für junge Malerei des Parés-Raums in Barcelona (1968). Im folgenden Jahr debütiert er mit zwei Ausstellungen von Gemälden und Zeichnungen im Stadtmuseum von Mataró und im Ateneo Barcelonés. Zu dieser Zeit erhält er die Silbermedaille im Malwettbewerb "El Correo Catalán" (1971). Er stellt seine Werke weiterhin in Katalonien aus und nimmt 1976 zum ersten Mal an einer Kollektivausstellung im Ausland teil, in der französischen Stadt Toulouse. Im selben Jahr tritt er in das Institut del Teatre de Barcelona ein, um seine Ausbildung zu vertiefen. Ab den neunziger Jahren nimmt er an Kollektivausstellungen außerhalb Spaniens und an Biennalen wie der in Alexandria teil, wo er den Preis der Jury erhält (1999). Allmählich gibt er die Malerei auf und wendet sich der Bildhauerei zu, in der er mehrere monumentale Werke in verschiedenen Teilen Spaniens schaffen wird. Er ist unter anderem in der Col-lecció Testimoni von La Caixa und anderen wichtigen Kunstsammlungen vertreten.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 20 - MANUEL SOLÀ MORENO (Barcelona, 1950). "Caixa d'estels". 1997. Skulptur aus Schmiedeeisen, Malerei, Seil und Bronze. Maße: 54 x 38 x 14 cm. Manuel Solà wurde in der Schule La Lonja in Barcelona ausgebildet und erhielt unmittelbar nach seinem Abschluss den X-Preis für junge Malerei des Raumes Parés in Barcelona (1968). Im folgenden Jahr debütiert er mit zwei Ausstellungen von Gemälden und Zeichnungen im Stadtmuseum von Mataró und im Ateneo Barcelonés. Zu dieser Zeit erhält er die Silbermedaille im Malwettbewerb "El Correo Catalán" (1971). Er stellt seine Werke weiterhin in Katalonien aus und nimmt 1976 zum ersten Mal an einer Kollektivausstellung im Ausland teil, in der französischen Stadt Toulouse. Im selben Jahr tritt er in das Institut del Teatre de Barcelona ein, um seine Ausbildung zu vertiefen. Ab den neunziger Jahren nimmt er an Kollektivausstellungen außerhalb Spaniens und an Biennalen wie der in Alexandria teil, wo er den Preis der Jury erhält (1999). Allmählich gibt er die Malerei auf und wendet sich der Bildhauerei zu, in der er mehrere monumentale Werke in verschiedenen Teilen Spaniens schaffen wird. Er ist unter anderem in der Col-lecció Testimoni von La Caixa und anderen wichtigen Kunstsammlungen vertreten.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 21 - MICHAEL BEVILACQUA (USA, 1966). Unbetitelt.2008. Gemischte Medien auf Karton. Signiert auf der Rückseite. Maße: 120 x 88 cm; 137 x 105,5 cm (Rahmen). Bevilacqua lebt und arbeitet in New York. Er studierte an der Long Beach State University, am Santa Barbara City College und am Cambridge College of Art and Technology im Vereinigten Königreich. Bevilacquas Stil ist von Pop- und Farbfeldmalerei beeinflusst. Er ist dafür bekannt, dass er hohe und niedrige Kulturen durch Elemente der Malerei, Zeichnung, des Grafikdesigns, der Animation und der Collage miteinander verbindet, während er mit einer satten Palette arbeitet und seine glänzenden Leinwände mit Logos und Kritzeleien bedeckt. Seine gemischten Medien dienen als Plattform, um seine kulturellen Vorlieben, wie seine Lieblingsbands, Bekleidungsmarken und Rennwagen, zu zeigen. Er hatte zahlreiche internationale Ausstellungen, darunter Einzelausstellungen in Peking, Kopenhagen, Mailand, Tokio, Madrid, Paris, Barcelona und New York sowie Gruppenausstellungen im Palais de Tokyo, Paris, der Deste Foundation, Athen, dem Phoenix Art Museum, Phoenix, und dem Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield. Seine Werke sind in zahlreichen Sammlungen vertreten, darunter die Mitsuni Collection, Tokio, das San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, die Deste Foundation, Athen, das Astrup Fearnley Museum, Oslo, das Whitney Museum of American Art, New York, und das Dallas Museum of Art, Dallas.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 22 - SONIA MENNA BARRETO (Sao Paulo, Brasilien, 1953). "Ballon", 2023. Polychrome Bronze. Exemplar 2/50. Echtheitszertifikat beigefügt. Signiert und gerechtfertigt. Maße: 21 x 18 cm; 5 x 17 x 7 cm (Boot). Diese Skulptur wird von der Künstlerin als naives Spiel dargestellt, da ein Boot an einem Ballon hängt. Trotz ihrer lustigen und offenen Erscheinung weckt das Werk tiefere Werte, die mit Kindheit, Unschuld und Schwerelosigkeit zu tun haben. In seinen Werken definiert er einen Raum, der von einer Vielzahl von anthropo- und zoomorphen Figuren bevölkert wird, die von Alltagsgegenständen umgeben sind, ohne auch nur die grundlegendsten Prinzipien der Perspektive zu beachten. Das Ergebnis sind Video-Universen, die den Betrachter verschlingen. 1980 begann Sônia Menna Barreto, das Atelier des Künstlers Luiz Portinari, Bruder von Cândido Portinari, im Cândido Portinari Arts Center zu besuchen. In dieser Zeit lernte sie das künstlerische Leben kennen. Nachdem sie mit den Werken von Max Ernst, De Chirico, Magritte und Paul Delvaux in Berührung gekommen war, schlug Sonias Werk die Richtung des Surrealismus ein. Diese Phase war entscheidend für ihre Karriere, denn sie begann, ihre intime und kreative Seite zu entwickeln, indem sie technische und thematische Probleme selbständig und ohne die Aufsicht von Lehrern löste. Im Oktober 2002 wurde zum ersten Mal ein brasilianisches Werk in die königliche Sammlung aufgenommen, die dem britischen Königshaus gehört.

Schätzw. 1 600 - 1 800 EUR

Los 23 - IRATXE ARTETA (Madrid, 1976). "Saphir", 2024. Öl auf Leinwand. Beigefügtes Echtheitszertifikat des Künstlers. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 100 x 100 cm; 105 x 105 cm (Rahmen). Ein weicher und dampfförmiger Pinselstrich bestimmt dieses konzeptionelle Bild, das an die atmosphärische Qualität des Meisters Zóbel erinnert. Der Autor behält eine gewisse Vibration im Pinselstrich bei, die die Verwandlung einer sich wandelnden Realität bezeichnet, eingetaucht in eine ganz persönliche Atmosphäre, die sich durch ihren Lyrismus und ihre poetische Ästhetik in Form einer künstlerischen Synästhesie auszeichnet. Iratxe Arteta begann ihre berufliche Laufbahn als Illustratorin und realistische Malerin, aber es ist die abstrakte Kunst, die es ihr ermöglicht hat, die Tiefe ihrer Kunst und ihrer Seele zu vermitteln. Sie ist eine vielseitige und ausdauernde Künstlerin, die Werke von großer künstlerischer Qualität und Harmonie schafft. Arteta entstammt einer Familie großer Maler wie Félix Arteta und Aurelio Arteta, dem Gewinner des Nationalen Malereipreises; einige ihrer Werke sind im Museum Reina Sofía und im Museum der Schönen Künste in Bilbao zu sehen. In ihren Ausstellungen kann man Werke bewundern, die Iratxes Liebe zur abstrakten Malerei und zur Natur widerspiegeln, mit subtilen, zarten und eleganten, manchmal strukturierten Werken, in denen das Licht eine wichtige Rolle spielt. Ein von der Künstlerin ausgestelltes Echtheitszertifikat ist beigefügt.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 24 - CARMEN CALVO (Valencia, 1950). "Es war ein inneres Meer, wo es endete", 2004. Gemischte Medien und Collage auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 76 x 56 cm; 94 x 74 cm (Rahmen). Der transgressive Charakter und gleichzeitig die große poetische Aufladung von Carmen Calvo ist in jedem ihrer Werke zu erkennen, die sich mit dem Bild der Ordnung und der Anhäufung verbinden, das mit der Künstlerin verbunden ist. Eine der Leidenschaften der Künstlerin Carmen Calvo ist es, über Flohmärkte zu schlendern und in alten Alben zu blättern, um alte Fotografien zu finden und so eine neue Vision der alten anonymen Schnappschüsse aus der Vergangenheit zu schaffen. Unbekannte Personen, oft in Gruppenfotos, verwandeln ihre Identität durch die Einbeziehung von Masken und anderen surrealen Elementen. Carmen Calvo studierte an der Kunstgewerbeschule und der Schule der Schönen Künste in Valencia und machte 1970 ihren Abschluss in Werbung. Später erweiterte sie ihre Ausbildung dank Stipendien des Kulturministeriums (1980), der Casa de Velázquez in Madrid (1983-85) und des Außenministeriums für ihren Aufenthalt in Paris (1985-92). In diesen Jahren begann Calvo anerkannt zu werden und erhielt Auszeichnungen wie den I LaSalle Seiko Malereipreis von Barcelona (1985), den Alfons Roig der Diputación Valenciana (1989), ein Stipendium für die I Biennale Martínez Guerricabeitia der Universität Valencia (1989) und die Auswahl für die XLVII Biennale von Venedig (1997). Die Künstlerin begann ihre Ausstellungstätigkeit 1969 mit der Teilnahme an einer Gruppenausstellung im Círculo Universitario de Valencia. Ihr Einzeldebüt gab sie 1976 in der Galerie Temps in ihrer Heimatstadt. Seitdem hat sie ihre Werke in verschiedenen Städten Spaniens und der Vereinigten Staaten sowie in anderen Ländern Europas, Amerikas und Afrikas gezeigt. Werke von Carmen Calvo sind derzeit in Kunstinstitutionen, Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt zu sehen, darunter das Guggenheim Museum in New York, das Reina Sofia in Madrid, das Marugame Hirai in Kobe, das MACBA in Barcelona, der Fonds National d'Art Contemporain in Paris, das IVAM in Valencia, die Sammlung der Chase Manhattan Bank in New York, usw.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 25 - URBANO LUGRÍS VADILLO (Vigo, 1942-2018). "Blick auf La Coruña". Öl auf Karton. Signiert und datiert im unteren Rand. Maße: 65 x 43 cm; 70 x 50 cm (Rahmen). Urbano Lugris begann seine künstlerische Ausbildung unter dem Einfluss von Nacho Viéitez, einem Mann, dessen Ziel es war, die Malerei in den neuen Generationen zu fördern. Er brach sein Studium als Kaufmann in La Coruña ab und zog 1930 nach Madrid, wo er sich den Pädagogischen Missionen anschloss, mit denen er durch mehrere spanische Städte reiste und Kostüme und Bühnenbilder für das Theater La Barraca entwarf. In dieser Zeit lernte er Federico García Lorca und Rafael Alberti kennen. Während des Bürgerkriegs nahm er als Freiwilliger an der republikanischen Armee teil und ging an die asturische Front. Nach Kriegsende gründete er 1954 in La Coruña zusammen mit seinen Freunden Mariano Tudela und José Mª de Labra die Zeitschrift Atlántida, an der er sich aktiv beteiligte, indem er Artikel und Gedichte schrieb, zahlreiche Illustrationen anfertigte und die Titelseite gestaltete. Im Jahr 1965 zog er nach Vigo, wo er am 23. Dezember 1973 starb. 1997 fand die größte Urbano Lugrís gewidmete Ausstellung, kuratiert von Rosario Sarmiento und Antón Patiño, im Círculo de Bellas Artes in Madrid und im Auditorio de Galicia in Santiago de Compostela statt. Anlässlich dieser Ausstellung wurde ein wichtiger Buchkatalog der Ausstellung sowie ein Faksimile der Zeitschrift Atlántida veröffentlicht. 2007 wurde das Buch von Antón Patiño Urbano Lugrís, "Viaje al corazón del océano" (Reise zum Herzen des Ozeans) veröffentlicht. Lugrís war ein fast autodidaktischer Maler, dessen malerisches Werk eine Vorliebe für maritime Themen widerspiegelt, die in einer Atmosphäre von traumhaftem und idealisiertem Charakter dargestellt werden. Seine Bilder sind fast immer auf Karton in kleinen und mittleren Formaten gemalt. Beeinflusst wurde er von seinem Patenonkel, dem Schriftsteller Francisco Tettamancy y Gastón, sowie von Konzepten der italienischen metaphysischen Malerei, insbesondere von Carrá und Chirico, und des französischen Surrealismus, den Bildern von Tanguy und Magritte.

Schätzw. 2 400 - 3 200 EUR

Los 26 - SOLEDAD PENALTA (Noia, A Coruña, 1943). "Fackel. Eisen. Einzigartiges Stück. Signiert. Maße: 194 cm (Höhe). Skulptur mit flammender Spitze, die eine Fackel nachahmt. Soledad Penalta ist eine galicische Bildhauerin mit einer umfangreichen Ausstellungs- und Ausbildungskarriere. Sie begann ihre Ausbildung an der Schule für künstlerische Berufe in A Coruña, die sie bis 1980 mit Workshops für Keramik, Majolika und Steinzeug in Barcelona, Girona, Sargadelos (Lugo) oder Alicante abschloss, und besuchte im folgenden Jahrzehnt Kurse in der Burg von Soutomaior/Pontevedra und Faenza/Italien bei Emidio Galasi. Auf seinem plastischen Weg ist das Lernen eine Devise, bis er seinen persönlichsten Ausdruck findet, indem er polychrome Keramiken von beachtlichen Dimensionen auf Metallrahmen schafft, mit denen er seine ersten Preise erhält. Es ist sein Ausdruck immer konzeptionell, schon mit Eisen und Stahl geschnitten-ten, realistische Anspielungen in beiden monumentalen Skulpturen und mittelgroßen, von den ersten Ausstellungen in Noia, 1981, und die, die in A Coruña, Ateneo de Ourense, und Ferrol folgten, zu zeigen. Der Umzug der Familie nach Minnesota / USA, in den Jahren 1989-1991 war eine entscheidende Veränderung, arbeiten in der Studio Art der Universität mit Wayne Potratz, Nick Legeros, Roger Junk und Andy Richars, die Rückkehr im folgenden Jahr mit einem Stipendium für die weitere Ausbildung. Nach der Keramik als erschöpftem Weg konzentriert sie sich auf das Eisen als bevorzugtes plastisches Element, ein Material, mit dem sie ihren Charakter definiert hat, so dass die Zunft sie respektiert. Die Wächter des Skulpturenparks des Herkulesturms (A Coruña) und das Werk von Praia Ladeira, Baiona, beide aus Cor-ten-Stahl, einem Stahl, der sich ausreichend verbiegt oder ausdehnt, um suggestive ikonische Formen zu zeigen, wie sie in Malaga, A Coruña, Vigo gezeigt wurden, in der Wanderausstellung der Stiftung CaixaGalicia durch die galicischen Hauptstädte, den Kollektivausstellungen in Minnesota und den Ehrungen (Fernando Mon, Laureano Álvarez) und Preisen (Isaac Díz Pardo), Teilnahme mit einem monumentalen Werk an "Galicia Terra Única", A Coruña, 1997.

Schätzw. 2 500 - 2 700 EUR

Los 27 - TAKASHI MURAKAMI (Tokio, 1962). "Blumen, Multiversum. 2023. Siebdruck, Exemplar 111/300. Signiert und gerechtfertigt. Maße: 71 cm. Durchmesser. Takashi Murakamis Blumenkompositionen sind in der zeitgenössischen Kunstwelt zu einer Ikone geworden. Sie sind gleichzeitig von Elementen der traditionellen japanischen Kunst und der westlichen Popkultur inspiriert und lassen uns in lebendige und verspielte Paralleluniversen ("mutliverses") eintauchen. Takashi Murakami, einer der einflussreichsten Künstler der japanischen Nachkriegsgeneration, wurde an der Nationalen Universität für Bildende Kunst und Musik in Tokio ausgebildet, wo er einen Abschluss in Nihonga (traditioneller japanischer Malerei) erwarb. 1990 wurde er von seinem Partner und Freund Masato Nakamura in die zeitgenössische Kunst eingeführt, und 1993 schuf er sein Alter Ego Mr. DOB. Seitdem ist er innerhalb und außerhalb Japans für seine besondere Synthese aus traditioneller japanischer Kunst, den zeitgenössischen Trends seines Landes (Anime, Manga usw.) und der amerikanischen Kultur, vor allem der Popkultur, bekannt. In seinem Werk vermittelt Murakami eine kritische Sicht auf die gegenwärtige japanische Gesellschaft, das Erbe der kulturellen Tradition des Landes, seine Entwicklung nach dem Zweiten Weltkrieg und seine Beziehungen zur westlichen Welt, insbesondere zu den Vereinigten Staaten. Seine Ausstellungstrilogie "Superflat" (2000, 2002 und 2005) wurde in den wichtigsten Kunstzentren der Welt gezeigt, darunter die Parco Gallery in Tokio, das MOCA in Los Angeles, die Fondation Cartier in Paris und die Serpentine Gallery in London. Zwischen 2008 und 2009 wurden ihm außerdem Retrospektivausstellungen im MOCA, im Brooklyn Museum in New York, im Museum für Moderne Kunst in Frankfurt und im Guggenheim in Bilbao gewidmet. Murakami ist derzeit in führenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, darunter das MoMA in New York, das Museum of Fine Arts in Boston und viele andere.

Schätzw. 3 200 - 4 000 EUR

Los 28 - CARLOS CRUZ DÍEZ (Caracas, 1923-2019). Ohne Titel, 1992, aus der Suite Olympic Centennial. Siebdruck auf 270 Gramm Vélin d'Arches-Papier, Exemplar 171/250. Von Hand signiert, datiert und gerechtfertigt. Maße: 63 x 90 cm. Der französisch-venezolanische Künstler Carlos Cruz-Diez lebt und arbeitet seit 1960 in Paris. Er ist einer der wichtigsten Protagonisten der optischen und kinetischen Kunst, einer künstlerischen Strömung, die "das Bewusstsein für die Instabilität des Realen" fordert. Seine Forschungen weisen ihn als einen der Vordenker der Farbe im 20. Jahrhundert aus. Der plastische Diskurs von Carlos Cruz-Diez dreht sich um das Phänomen der Farbe, das als eine autonome Realität verstanden wird, die sich in Raum und Zeit ohne Hilfe von Form und Träger in einer kontinuierlichen Gegenwart entwickelt. Die Werke von Carlos Cruz-Diez befinden sich in renommierten ständigen Sammlungen wie dem Museum of Modern Art (MoMA) in New York, der Tate Modern in London, dem Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, dem Centre Pompidou in Paris, dem Museum of Fine Arts in Houston und dem Wallraf-Richartz-Museum in Köln, um nur einige zu nennen. Die Olympic Suite besteht aus 50 Lithographien und Serigraphien, die verschiedene zeitgenössische Kunstströmungen repräsentieren. Sie wurde zum Gedenken an den ersten hundertsten Jahrestag des modernen Olympismus veröffentlicht. Die ausgewählten Künstler sind durch verschiedene Bewegungen und bildnerische Strömungen definiert, vom Konzeptualismus und Minimalismus von "Ben" Vautier, der lyrischen Abstraktion von Yasse Tabuchi, der Malerei von Oleg Tselkov, der sich auf die menschliche Figur konzentriert, intensiv ausdrucksstark und mit kräftigen Formen und intensiven Farben behandelt, die die Konflikte und die Gewalt seiner Zeit widerspiegeln sollen, und schließlich dem Werk von André Arabis, das eindeutig abstrakt und geometrisch ist.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 29 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelona, 1931 - 2005). Ohne Titel, 1989. Tinte auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 45 x 33 cm; 57 x 45 cm (Rahmen). Joan Hernández Pijuan beginnt seine Ausbildung in Barcelona, wo er die Schulen von La Lonja und der Schönen Künste von Sant Jordi besucht, um später seine Ausbildung an der Schule der Schönen Künste in Paris abzuschließen. Hernández Pijuan, der 1981 zum Professor an der Fakultät der Schönen Künste in Barcelona ernannt wurde, nimmt unter den spanischen Künstlern der letzten Jahrzehnte eine einzigartige Stellung ein. Zu Beginn seiner Karriere praktizierte er einen tragischen Expressionismus von großer sozialer Tragweite und bildete in dieser Zeit zusammen mit den übrigen Mitgliedern der Sílex-Gruppe die so genannte Barcelona-Schule. In den siebziger Jahren vereinfachte er seinen Ausdruck, bis er eine geometrische und kalkulierte Figuration annahm, ein Stil, den er im folgenden Jahrzehnt hinter sich ließ, um sich dem Informalismus zuzuwenden. Seine Ausstellungstätigkeit war so umfangreich und vielfältig wie sein eigenes künstlerisches Schaffen. Im Laufe seines Lebens stellte er in mehreren spanischen Städten, aber auch in Zürich, Mailand, Johannesburg, Köln, Genf, New York, Paris und Osaka aus. 2003 wurde ihm eine große Retrospektive im MACBA in Barcelona gewidmet, die später im Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Frankreich), in der Konsthalle in Malmö (Schweden) und in der Galleria Comunale d'Arte Moderna in Bologna (Italien) gezeigt wurde. Hernández Pijuan war Dekan der Fakultät der Schönen Künste an der Universität von Barcelona und wurde im Jahr 2000 zum Mitglied der Königlichen Akademie San Fernando in Madrid ernannt. 1981 erhielt er den Nationalen Preis für plastische Kunst, 1985 das Kreuz von Sant Jordi und 2004 den Preis der Stadt Barcelona. Außerdem erhielt er den Preis der Generaldirektion der Schönen Künste auf der Nationalen Ausstellung von Alicante (1957), den Ersten Preis für Malerei "Peintres Residents" in Paris (1958), den Preis "Malibor" auf der Biennale der Gravur in Ljubljana (1965), die Internationale Biennale der Gravur in Krakau (1966) und den Preis der Redaktion "Vijesnik u Srijedu" in Zagreb (1970). Hernández Pijuan ist im MACBA, dem Spanischen Museum für Abstrakte Kunst in Cuenca, dem Museum Reina Sofía in Madrid, dem Museum Patio Herreriano in Valladolid und dem Baskischen Museum für Zeitgenössische Kunst sowie in ausländischen Zentren wie dem Guggenheim Museum in New York, dem Liaunig (Österreich), die Museen für zeitgenössische Kunst in Helsinki und Luxemburg, die Kulturstiftung in Bad Homburg (Österreich), die Yamaguchi-Galerie in Osaka (Japan), der Palast der schönen Künste in Brüssel, die Nationalgalerie in Montreal, das Museum für moderne Kunst in Buenos Aires und das Sztuki-Museum in Lodz (Polen).

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 30 - PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Picador", 1952. Glasierte Keramik mit schwarzem Oxid und weißer Glasur. Auflage von 500 Exemplaren. Enthält Inschrift. "Picasso Edition". Briefmarken von Picasso und Modoura auf der Basis. Dimensionen: 15,3 cm (Durchmesser). Ab 1947, als der Künstler in der Madoura-Fabrik im südfranzösischen Vallauris eine große Produktion von Keramikwerken herstellte, widmete er sich ein ganzes Jahrzehnt lang ausschließlich dieser Technik. Im Jahr 1952, demselben Jahr, in dem dieses Werk entstand, lernte Picasso Jacqueline Roque kennen, die im Lager der Modoura-Werkstatt zu arbeiten begann, was einen neuen Abschnitt in seinem Leben und seiner künstlerischen Arbeit markierte. Picasso, der zusammen mit Braque den Kubismus schuf, begann seine künstlerischen Studien in Barcelona an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "ElsQuatreGats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, setzt er sich mit dem Klassizismus von Ingres auseinander. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er sich nicht offen daran beteiligt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die nicht frei von Wut und Zorn sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 2 500 - 2 800 EUR

Los 31 - PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "La danse du Berger. 1959. Lithographie auf Papier. Arbeit referenziert in: Christoph Czwiklitzer: "Pablo Picasso. Plakate 1923-1973", Deutscher Taschenbuch Verlag, München 1981, Nr. 368. Signiert und datiert auf der Platte im oberen linken Bereich. Maße: 59 x 41 cm; 66 x 48 cm (Rahmen). Als Schöpfer des Kubismus zusammen mit Braque stellt die Malerei Picassos einen Wendepunkt in der Kunstgeschichte dar. Er begann sein Studium 1895 an der Provinzialschule der Schönen Künste in Barcelona, und schon zwei Jahre später hatte er seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Nach mehreren kurzen Aufenthalten in Paris ließ sich Picasso 1904 dauerhaft in der französischen Hauptstadt nieder. Nach seiner blauen und rosafarbenen Periode, die er in den ersten Jahren des Jahrhunderts entwickelte, begann der Maler 1906 während eines Aufenthalts in Lérida mit seinen geometrischen Experimenten. Ein Jahr später begann er, "Las señoritas de la calle Avinyó" zu malen, und 1909 kam er in Kontakt mit Braque und begann seine kubistische Periode. Im zweiten Jahrzehnt entwickelte er seine klassische Periode und schuf seine berühmten Bühnenbilder für die russischen Ballette von Diaghilev. 1936 wird er von der Regierung der Spanischen Republik zum Direktor des Prado-Museums ernannt, und ein Jahr später malt er "Guernica". Die endgültige internationale Anerkennung erhält er 1939 durch die Retrospektive, die ihm das MOMA in New York widmet. In den folgenden Jahrzehnten werden ihm in Rom, Mailand, Paris, Köln, New York und vielen anderen Städten Sammelausstellungen gewidmet. Er ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, wie dem Metropolitan, dem MOMA und dem Guggenheim in New York, der Eremitage in St. Petersburg, der National Gallery in London oder der Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 32 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (Mora, Toledo, 1960). "Gummi-Ente". Glasfasern, Polyester und Harze. Signiert auf dem Sockel. Maße: 50 x 40 x 40 cm. Runde Skulptur in Form einer großen Gummi-Ente. Die Verwendung eines Alltagsgegenstandes, der durch seine Vergrößerung zur Kunst erhoben wird, bringt den Betrachter in die Nähe einer Kitschästhetik, wie sie in der Pop Art weit verbreitet ist... Eladio de Mora, einer der großen Vertreter der zeitgenössischen spanischen Kunst, entdeckte seine künstlerische Berufung schon als Kind. Er ist ein Autodidakt, dessen Werk zwischen Pop und Expressionismus angesiedelt ist. Seine Kreationen zeichnen sich durch vereinfachte Formen und reine Farben aus und sind aus Materialien wie Kunststoff, Polyester und einigen Harzen gefertigt. Unter dem fast kindlichen Aussehen seiner Werke verbergen sich manchmal kritische Bedeutungen; er gesteht, dass er in seinen Werken ein Gleichgewicht zwischen Strenge und Lächeln sucht. Einige seiner bekanntesten Werke sind seine Serien von Bären, Enten, Tauchern und Meninas. Seine Skulpturen sind oft in Familien gruppiert, so dass die Wiederholung die Wirkung noch verstärkt. Außerdem werden die meisten seiner Skulpturen im Freien aufgestellt, da Mora vor allem eine direkte Beziehung zum Publikum sucht. Zu Beginn des 21. Jahrhunderts wurde er durch Gruppenausstellungen bekannt, und 2002 hatte er seine ersten Einzelausstellungen, sowohl in Spanien (Galerien Azteca und Séller in Madrid, Espacio Líquido in Gijón) als auch im Ausland (Galerie Heyd in Hildritzhausen, Deutschland). Seitdem ist er ständig in der Kunstszene präsent und stellt weiterhin einzeln aus, nimmt aber auch an Kunstmessen und Gruppenausstellungen teil. In den letzten Jahren hat er seine Werke in Einzelausstellungen in bedeutenden spanischen und ausländischen Kunstgalerien und -zentren gezeigt, darunter die Galerie Jorge Ontiveros in Madrid, die Galerie Drissien in München, das Museum Florencio de la Fuente in Valencia, das Museum für zeitgenössische Kunst in Málaga, das Kunstzentrum Juan Ismael in Madrid und das Kunstzentrum Juan Ismael in Madrid, das Centro de Arte Juan Ismael in Fuerteventura, das Espacio para el Arte Caja Madrid, das Hotel Urban und das Centro de Arte Moderno ebenfalls in Madrid, das IVAM in Valencia, das Museo MACAY in Mexiko, die Galerie Los Oficios und das Museo de Bellas Artes in Havanna, das Museo Arterra in Wien und die Fundación Antonio Pérez in Cuenca. Er hat auch an wichtigen Gruppenausstellungen in Spanien, Mexiko, Italien, Portugal und Deutschland teilgenommen. Erwähnenswert ist auch Moras bedeutende Arbeit als Designer von Trophäen, darunter die "Women Together" in New York, der "Master Senior Comunidad de Madrid" oder die "Protagonistas del motor de El Mundo". Im Laufe seiner Karriere wurde er mit den Preisen "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) und "Aura" (Toledo, 2007) ausgezeichnet und hat Denkmäler und Installationen unter anderem in Madrid, Logroño, Havanna, Wien, Gijón, Málaga und Valencia geschaffen. Mora ist derzeit im IVAM in Valencia, im Arterra Museum in Wien, im Domus Artium Museum für zeitgenössische Kunst in Salamanca, im Museum für Glaskunst in Alcorcón, im Museum der Schönen Künste in Havanna, im Museum für grafische Arbeiten in San Clemente in Cuenca, in der Antonio Pérez Stiftung, in der Antonio Saura Stiftung, die Coca-Cola-Stiftung und die Coca-Cola-Stiftung, die Antonio-Saura-Stiftung und die Coca-Cola-Stiftung, die Provinzverwaltungen von Cuenca und Guadalajara, mehrere Stadtverwaltungen in Madrid und Toledo, die Abteilung für Kultur und Tourismus der Gemeinde Madrid und die Sammlung zeitgenössischer Kunst von "El Mundo", neben vielen anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 33 - JAVIER AGUILERA (Vigo, 1968) "Es war einmal in Japan", 2008. Öl-Polychrom-Harz. Maße: 80 x 30 x 30 cm. Eine orientalische Frau, die bis auf ihre schwarzen Stiefel völlig nackt ist, trägt zwei durchsichtige Taschen mit Parfümprodukten. Ihr gewelltes und nach westlicher Art gefärbtes Haar sowie ihre operierte Lippe und die für eine Japanerin ungewöhnlich großen Brüste scheinen uns von den absurden Akkulturationsprozessen zu erzählen, die heute aufgrund der Launen der Mode stattfinden. Absurditäten, die Javier Aguilera in seinen hyperrealistischen Skulpturen hervorhebt, die aus Comics, Anime, Street Art und ganz allgemein dem Leben in der Großstadt stammen. Die Skulpturen von Javier Aguilera fallen auf den ersten Blick durch ihre technische Virtuosität auf, aber sie enthalten eine viel umfassendere Botschaft, als sie auf den ersten Blick vermitteln. Mit dem menschlichen Körper als Ausdrucksmittel und zeitgenössischer orientalischer Symbolik konfrontieren seine Figuren den Betrachter mit dem Dilemma der Einsamkeit. Eine Einsamkeit, die sich im heutigen übersättigten Kontext mal dramatisch, mal ironisch manifestiert und ihre Wunden offen zeigt. Geschlagene Wesen, Anti-Helden, die bluten, schwitzen und beißen, die uns über unsere eigene Existenz und unsere Beziehung zu anderen in Frage stellen.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 34 - JAVIER AGUILERA (Vigo, 1968) "Selbstmörderin", 2014. Polychromes Harz. Einzigartiges Stück. Signiert und datiert auf dem Sockel. Maße: 20 x 15 x 9 cm. Javier Aguileras Skulpturen fallen auf den ersten Blick durch ihre technische Virtuosität auf, aber sie enthalten eine viel umfassendere Botschaft als sie scheinbar bieten. Mit dem menschlichen Körper als Ausdrucksmittel und zeitgenössischer orientalischer Symbolik konfrontieren seine Figuren den Betrachter mit dem Dilemma der Einsamkeit. Eine Einsamkeit, die sich im heutigen übersättigten Kontext mal dramatisch, mal ironisch manifestiert und ihre Wunden offen zeigt. Geschlagene Wesen, Anti-Helden, die bluten, schwitzen und beißen, die uns über unsere eigene Existenz und unsere Beziehung zu anderen in Frage stellen. Das Leben in der Großstadt, Street Art, Anime, Videospiele und Comics spielen ebenfalls eine grundlegende Rolle bei der Erschaffung seines besonderen Universums, einer Mischung aus Einflüssen, die seiner Fantasie eine enorme erzählerische Kraft verleiht.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 35 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Mädchen mit Schmetterling". Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 55 x 65 cm, 76 x 87 cm (Rahmen). Joan García Ripollés, bekannt unter seinem zweiten Nachnamen oder als "der selige Ripo", entdeckte seine Leidenschaft für die Malerei, als er noch sehr jung war und mitten in der Nachkriegszeit in einer industriellen Malerwerkstatt arbeitete. Von da an widmete er sich nachts der Malerei und nahm später Zeichenunterricht am Gymnasium von Ribalta in Castellón. Nach seinem Debüt in einer Kollektivausstellung, die 1951 in der Caja de Ahorros de Castellón stattfand, kam es 1954 zu einem Wendepunkt in seiner Karriere, der auf eine Reise nach Paris zurückzuführen war, wo er mit den Künstlerkreisen der Stadt in Kontakt kam. Er konnte sich jedoch erst 1958 von der Industriemalerei lösen, als er in die Pariser Galerie Drouand David eintrat, eine der renommiertesten der Welt. 1962 organisierte er seine erste große Einzelausstellung im MACBA, und 1967 reiste er nach New York, wo er seine gesamte Sammlung ausstellte und an die William Haber Art Collection verkaufte. Im selben Jahr erwirbt der New Yorker Händler Leon Amiel von der Larrouse Gallery sein gesamtes Werk, was sich auf seiner Reise nach Japan wiederholen wird. Von diesem Moment an beginnt eine glänzende internationale Karriere, die seine Werke in die ganze Welt führt. Er hat Einzelausstellungen nicht nur in Spanien, Paris und New York, sondern auch in Mexiko, Holland, Belgien, Italien, der Schweiz, Schweden, mehreren amerikanischen Städten, Deutschland und Japan organisiert. Derzeit ist er Exklusivkünstler von The William Haber Art in New York und der Galerie Drouand in Paris. Im Jahr 2000 wurde er mit dem Kunstpreis der Autonomen Gemeinschaft Valencia ausgezeichnet. Ripollés bezeichnet sich selbst als "unreifen Erwachsenen" und vor allem als "sorglos, ein wenig schelmisch und mit einer gewissen Naivität", Worte, die seinen überschwänglichen kreativen Geist, seinen einfachen und extrovertierten Charakter und seine kindliche Seele widerspiegeln. Ripollés ist heute einer der internationalsten spanischen Künstler und auch einer der vollständigsten, denn er hat sowohl in der Malerei als auch in der Bildhauerei und der Gravur brilliert. Er ist im IVAM, im MOMA in New York, im Museum der Universität von Alicante, im Museum der Schönen Künste in Sevilla und im MACBA vertreten.

Schätzw. 3 200 - 3 400 EUR

Los 36 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Stier". Bronze. Exemplar II/IV. Signiert und nummeriert auf dem Sockel. Maße: 30 x 66 x 22 cm. Joan García Ripollés, bekannt unter seinem zweiten Nachnamen oder als "der selige Ripo", entdeckte seine Leidenschaft für die Malerei, als er noch sehr jung war und mitten in der Nachkriegszeit in einer industriellen Malerwerkstatt zu arbeiten begann. Von da an widmete er sich nachts der Malerei und nahm später am Ribalta-Gymnasium in Castellón Zeichenunterricht. Nach seinem Debüt in einer Kollektivausstellung, die 1951 in der Caja de Ahorros de Castellón stattfand, kam es 1954 zu einem Wendepunkt in seiner Karriere, der auf eine Reise nach Paris zurückzuführen war, wo er Kontakte zu den Künstlerkreisen der Stadt knüpfte. Er konnte sich jedoch erst 1958 von der Industriemalerei lösen, als er in die Pariser Galerie Drouand David eintrat, eine der renommiertesten der Welt. 1962 organisierte er seine erste große Einzelausstellung im MACBA, und 1967 reiste er nach New York, wo er seine gesamte Sammlung ausstellte und an die William Haber Art Collection verkaufte. Im selben Jahr erwirbt der New Yorker Händler Leon Amiel von der Larrouse Gallery sein gesamtes Werk, was sich auf seiner Reise nach Japan wiederholen wird. Von diesem Moment an beginnt eine glänzende internationale Karriere, die seine Werke in die ganze Welt führt. Er hat Einzelausstellungen nicht nur in Spanien, Paris und New York, sondern auch in Mexiko, Holland, Belgien, Italien, der Schweiz, Schweden, mehreren amerikanischen Städten, Deutschland und Japan organisiert. Derzeit ist er Exklusivkünstler von The William Haber Art in New York und der Galerie Drouand in Paris. Im Jahr 2000 wurde er mit dem Kunstpreis der Autonomen Gemeinschaft Valencia ausgezeichnet. Ripollés bezeichnet sich selbst als "unreifen Erwachsenen" und vor allem als "sorglos, ein wenig schelmisch und mit einer gewissen Naivität", Worte, die seinen überschwänglichen kreativen Geist, seinen einfachen und extrovertierten Charakter und seine kindliche Seele widerspiegeln. Ripollés ist heute einer der internationalsten spanischen Künstler und auch einer der vollständigsten, denn er hat sowohl in der Malerei als auch in der Bildhauerei und der Gravur brilliert. Er ist im IVAM, im MOMA in New York, im Museum der Universität von Alicante, im Museum der Schönen Künste in Sevilla und im MACBA vertreten.

Schätzw. 3 200 - 3 400 EUR

Los 37 - CRISTINA GARCÍA RODERO (Puertollano, Ciudad Real, 1949). "Unter dem Regen, Georgien" 1998. Photographie s/w, Kopie 5/7. Signiert, betitelt und datiert auf der Rückseite. Etikett der Galerie Juana de Aizpuru. Maße: 53 x 81 cm; 86,5 x 114 cm (Rahmen). Cristina García Rodero ist Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando und die erste Person spanischer Nationalität, die der renommierten Agentur Magnum beitritt. Sie ist die erste Frau, die an der Universität von Castilla-La Mancha zum Doktor Honoris Causa ernannt wurde (14. November 2018). Sie hat zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in verschiedenen Ländern durchgeführt. Ihre erste Einzelausstellung fand in Mexiko unter dem Titel Fiestas Tradicionales en España statt. Seine Ausstellung mit dem Titel España oculta (Verborgenes Spanien) wurde bereits an mehreren Orten gezeigt: Museo de Arte Contemporáneo in Madrid, Encuentros fotográficos de Arlés, Carcassonne und Braga, Fotofest'90 in Houston, Photographers' Gallery in London, Diaframma in Mailand, Photokina in Köln, Zentrum für Audiovisuelle Medien in Stutgart, Münchner Stadtmuseum in München, Museo Álvarez Bravo in Oaxaca, Museo de Bellas Artes in Caracas und Médiathèque Centre Jean Renoir in Dieppe, um nur einige zu nennen.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 38 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "County Fair Livestock Show Contestant, Sara Von Berger, Salina, Kansas, 8. August 2003 / Cajun Man with Alligator, Charles Olivier, Loreauville, Louisiana, 2003". Ed.2/6. S/W-Fotografien auf Fotopapier, aufgezogen auf Aluminium. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße jeweils 102 x 81 cm. 116,5 x 179 cm (Rahmen). Mark Laita ist ein wunderbarer amerikanischer Fotograf, der nach mehreren Jahren, in denen er sich der kommerziellen Fotografie widmete, in den letzten Jahren eine Reihe von Büchern mit seinen persönlichen Arbeiten vorgelegt hat. Davon habe ich eine Auswahl von zwei der interessantesten getroffen: "Created Equal" aus dem Jahr 2010 und "Serpentine" aus diesem Jahr. Er hat preisgekrönte kommerzielle Arbeiten für Kunden wie Adidas, Apple und Mercedes-Benz produziert. Laitas erstes Buch mit nicht-kommerziellen Arbeiten, Created Equal, ist das Ergebnis eines achtjährigen Projekts, das quer durch das Land führte und 8×10 Schwarz-Weiß-Porträts von Amerikanern aus einem breiten Spektrum von Kulturen, Berufen und Hintergründen zeigt. Ihre Arbeiten wurden in Galerien in den Vereinigten Staaten und Europa ausgestellt.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 39 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Polizist/Hang", 2005/1999. Zwei digitale Fotografien. Diptychon, Aufl. 1/3. Signiert, betitelt und datiert auf der Rückseite. Auf der Rückseite gestempelt. Veröffentlichtes Werk. Größen: 145 x 116 cm; 162 x 130 cm (Rahmen), jeweils. Mark Laita ist ein wunderbarer amerikanischer Fotograf, der nach mehreren Jahren, die er der kommerziellen Fotografie gewidmet hat, in den letzten Jahren eine Reihe von Büchern mit seinen persönlichen Arbeiten vorgelegt hat. Davon habe ich eine Auswahl von zwei der interessantesten ausgewählt: "Created Equal" aus dem Jahr 2010 und "Serpentine" aus diesem Jahr. Er hat preisgekrönte kommerzielle Arbeiten für Kunden wie Adidas, Apple und Mercedes-Benz produziert. Laitas erstes Buch mit nicht-kommerziellen Arbeiten, Created Equal, ist das Ergebnis eines achtjährigen Projekts, das quer durch das Land führte und 8×10 Schwarz-Weiß-Porträts von Amerikanern aus einer Vielzahl von Kulturen, Berufen und mit unterschiedlichem Hintergrund zeigt. Ihre Arbeiten wurden in Galerien in den Vereinigten Staaten und Europa ausgestellt.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 40 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Junger Mann mit Boom Box, Billy Monroe", Venice, Kalifornien, 26. April 1999. "Sonnenbadende, Joey Caveseno", Coney Island, New York, 3. August 2002. S/W-Fotografien auf Fotopapier, aufgezogen auf Aluminium. Exemplar Nr. 20. Maße: 50 x 40 cm (jedes); 65,5 x 96 cm (Rahmen). Mark Laita ist ein amerikanischer Fotograf, der nach mehreren Jahren, die er der kommerziellen Fotografie gewidmet hat, in den letzten Jahren eine Reihe von Büchern mit seinen persönlichen Arbeiten vorgelegt hat. Daraus habe ich eine Auswahl von zwei der interessantesten getroffen: "Created Equal" aus dem Jahr 2010 und "Serpentine" aus diesem Jahr. Er hat preisgekrönte kommerzielle Arbeiten für Kunden wie Adidas, Apple und Mercedes-Benz produziert. Laitas erstes Buch mit nicht-kommerziellen Arbeiten, Created Equal, ist das Ergebnis eines achtjährigen Projekts, das quer durch das Land führte und 8×10 Schwarz-Weiß-Porträts von Amerikanern aus einer Vielzahl von Kulturen, Berufen und mit unterschiedlichem Hintergrund zeigt. Ihre Arbeiten wurden in Galerien in den Vereinigten Staaten und Europa ausgestellt.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 41 - LEOPOLDO NÓVOA GARCÍA (Pontevedra, 1919 - Paris, 2012) "Viereck als Relief", 1992. Gemischte Medien auf Leinwand. Es hat Montage und Rahmung durch den Autor gemacht. Präsentiert Etikett auf der Rückseite des Alameda Galerie (Vigo). Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 61 x 82 cm; 63 x 83 cm (Rahmen). In diesem Werk verwendet der Autor eine abstrakte Sprache, die auf einer unregelmäßigen Geometrie basiert und sowohl in der Anordnung als auch in den Farben einen organischen Charakter aufweist. Es handelt sich um einen offenen Stil, dessen grundlegendes Merkmal die Auffassung der Bildfläche als Ganzes ist, als ein offenes Feld, ohne Grenzen und ohne Hierarchie. So sind die Bildformen, wie wir hier sehen, das Ergebnis einer durchdachten Komposition und des Experimentierens mit einem Bild von gestischem Charakter, beschränken sich nicht auf eine Komposition, sondern gehen darüber hinaus und weisen den Betrachter darauf hin, dass es sich um Formen, Ideen oder Vorschläge handelt, die über die Grenzen des rein Malerischen hinausgehen. Leopoldo Nóvoa, Maler und Bildhauer mit einer galizischen Mutter und einem uruguayischen Vater, emigrierte 1938 nach Uruguay, wo er sich mit Joaquín Torres García anfreundete. Er ließ sich in Montevideo nieder, wo er die Kulturzeitschrift "Apex" gründete, und war außerdem ein enger Freund von Jorge Oteiza und, nachdem er sich in Buenos Aires niedergelassen hatte (1948-1957), von Lucio Fontana, der einen großen Einfluss auf sein Werk hatte. 1965 verließ er schließlich Amerika und ließ sich in Paris bei Michel Tapié nieder, der von seinem Wandgemälde im Luis Tróccoli-Stadion in Montevideo beeindruckt war. In Paris lernte er Julio Cortázar kennen, der eine Geschichte über seine Arbeit schrieb. Außerdem gründete er zusammen mit anderen hervorragenden uruguayischen und argentinischen Malern den Espacio Latinoamericano. Seine erste Ausstellung fand jedoch erst 1964 statt. Sie fand in der Galerie von Edouard Loeb statt, mit dem er viele Jahre lang zusammenarbeiten sollte. Sein Werk, das von der Zeichnung über die Malerei bis hin zur Wandmalerei und Pyrographie reicht, erinnert auf abstrakte Weise an seine Erinnerungen an Galicien und weist Bezüge zum abstrakten Expressionismus und Informalismus auf. Nóvoa wurde mit Preisen wie der Castelao-Medaille (1993), dem Preis der Stadt Pontevedra (1997) und dem Premio da Crítica Galicia (2002) ausgezeichnet. Derzeit ist er unter anderem in den Sammlungen Abanca und Caixanova vertreten.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 42 - ROGELIO PUENTE (Kuba, 1936-1996). Innenansicht vom Fenster aus. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 37 x 55 cm; 53 x 70 cm (Rahmen). In einem meisterhaften Spiel von Spiegelungen zeigt Rogelio Puente eine gekonnte und intelligente Überlagerung von Realitäten und Projektionen. Durch das Glas sehen wir ein Regal mit Porzellanstücken und anderen Gegenständen aus dem Inneren eines Antiquitätenladens, mit Gemälden, die an die Skulptur eines Angelote Torchero gelehnt sind, die zwischen dem Realen und dem Dargestellten spielt, während die Fassaden der angrenzenden Gebäude uns daran zweifeln lassen, ob sie sich auf dem Glasmond spiegeln oder ob sie sich tatsächlich auf demselben Bürgersteig befinden. Neben diesem spielerischen neobarocken Abenteuer beschreibt Puente jedes Detail, jede taktile Qualität, mit kostbarem Eifer, wobei er seine Fähigkeiten in der Zeichnung, den Glasuren und der Materialbehandlung einsetzt. Rogelio Puente Díaz de la Rocha wurde in Havanna als Sohn einer wohlhabenden spanischen Familie geboren, die in Kuba lebte. Seine tadellose akademische Ausbildung erhielt er in dem karibischen Land, in Kanada und in den Vereinigten Staaten. Im Alter von vierzehn Jahren zog er mit seiner Familie endgültig nach Spanien und ließ sich in La Coruña nieder, wo er seine Studien fortsetzte. Er studierte Rechtswissenschaften in Santiago de Compostela und schloss sein Studium später in England ab. Dann zog er nach Madrid, wo er sich an den Meisterwerken des Prado-Museums erfreute und begann, ernsthaft über die plastischen Lösungen für seine Bildentwürfe nachzudenken. Er reist nach Italien und Frankreich auf der Suche nach neuen künstlerischen Referenzen, sowohl klassisch als auch zeitgenössisch. Er studiert zunächst zwei Jahre Architektur und später vier Jahre Dekorative Kunst. Ab 1976 beginnt er eine erfolgreiche Karriere mit Ausstellungen und Kunstpreisen, die mit seiner Teilnahme an der Biennale von Pontevedra im selben Jahr beginnt. Er nahm an der Nationalen Malereiausstellung in Bilbao und am Circulo de Bellas Artes in Madrid teil. Er stellte in verschiedenen Galerien in Galicien und in verschiedenen Ländern Amerikas wie Brasilien, Mexiko, der Dominikanischen Republik und Argentinien sowie in Frankreich und New York aus.Rogelio Puente ist ein Beschwörer von Stimmungen und ein großartiger Porträtist. Mit seiner ruhigen und soliden Persönlichkeit hielt er treu und würdevoll an einer realistischen Linie fest, obwohl er sich bewusst war, dass er in einer Zeit lebte, in der die galicische Malerei zu formalen Neuerungen und zu einer konzeptionelleren und engagierteren Kunst aufbrach.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 43 - CARLOS MENSA CORCHETE, (Barcelona, 1936-1982). "Porträt einer Frau", 1972. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Mit Etiketten von Sala Pelaires (Palma de Mallorca) und Galería Iolás-Velasco (Madrid) auf der Rückseite. Reproduziert in: BENEYTO, Antonio. Mensa. Zeitgenössische spanische Künstler. Generaldirektion der Schönen Künste, Ministerium für Bildung und Wissenschaft. Bilbao, 1977 (mit dem Titel "Dorso")/und Katalog der Ausstellung des Künstlers in der Sala Pelaires, mit Text von Mario Vargas Llosa (Seite 13). Maße: 100 x 81 cm; 112,5 x 93 cm (Rahmen). Aufgrund seines Entstehungsdatums ist das vorliegende Werk bereits in die bekannteste Phase des Werks von Carlos Mensa eingefügt: Die 70er Jahre bedeuteten in seiner Karriere die endgültige Begegnung mit seiner eigenen Sprache, ganz besonders, und seine endgültige internationale Ausbreitung, vor allem in Italien, sowie das wachsende Interesse, das er bei der breiten Öffentlichkeit und den Kritikern weckte. Carlos Mensa war ein Autodidakt des 20. Jahrhunderts in den drei Bereichen, für die er bekannt war: Malerei, Zeichnung und Bildhauerei (abgesehen von einigen Kursen wie dem, den er gegen Mitte des Jahrhunderts am Königlichen Künstlerkreis von Barcelona absolvierte, oder dem Stipendium, das es ihm ermöglichte, 1966 nach Paris zu gehen). Nach seiner Reise durch den Bürgerkrieg kehrte er 1950 nach Barcelona zurück, um sich sieben Jahre später der Malerei zu widmen, nachdem er eine Ausstellung gesehen hatte und unter dem Eindruck stand, den vor allem die Werke von Giorgio de Chirico auf ihn machten. 1961 gründete er mit Teo Asensio und Enrique Maas die Grupo Síntesis und beschloss zwei Jahre später, sich ausschließlich der Malerei zu widmen. Er zeichnete sich stets durch seinen besonderen Stil aus, der den Moden der jeweiligen Zeit völlig fremd war, aber von der Avantgarde beeinflusst wurde, die der Künstler wollte, so dass er sich nicht von der Moderne absetzte. Häufig wird auch seine technische Perfektion erwähnt, mit der er Werke präsentiert, die mit bestimmten Elementen des Expressionismus, des Realismus, des Surrealismus, mit bestimmten Künstlern oder bedeutenden Werken der Vergangenheit in Verbindung gebracht werden können, und oft eine heftige Kritik, die ständig nach dem Absurden und Ätzenden sucht, nach Situationen der Wirkung, die fast immer extrem und etwas riskant sind, fast wie Allegorien in Bildern oder visuelle Metaphern. Seine Werke wurden in Mailand, Paris, Rom, Palma de Mallorca, Bremen, Madrid, Barcelona usw. ausgestellt und befinden sich in mehreren Privatsammlungen und in herausragenden Institutionen wie dem Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofái in Madrid, dem Museo d'Arte Constantino Barbella, den Musei Palazzo d'Avalos, dem Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona usw.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 44 - ADD FUEL (Portugal, 1980). Ohne Titel.2020. Gel-Tinte auf Keramik, geschichtet. Einzigartiges Stück. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 75,5 x 75,5 cm; 82,5 x 82,5 cm (Rahmen). Add Fuel ist der portugiesische bildende Künstler und Illustrator Diogo Machado. Nach seinem Abschluss in Grafikdesign am IADE (Institut für visuelle Künste, Design und Marketing) in Lissabon arbeitete er einige Jahre in Designstudios in Portugal, gefolgt von einem achtmonatigen Aufenthalt in München (Deutschland). Seit 2007 konzentriert er sich ausschließlich auf seine künstlerische Arbeit. Unter dem vollständigen Namen Add Fuel to the Fire schuf er zunächst ein düsteres, aber überschwängliches visuelles Universum, das von schleimigen, exzentrischen und fröhlichen Kreaturen bevölkert wird, die von einer Vielzahl von Interessen beeinflusst sind, die von Videospielen über Comics, Animationen, Science-Fiction, Low-Budget-B-Filmen, Designer-Spielzeug und urbaner visueller Kultur reichen. Fasziniert von den ästhetischen Möglichkeiten symmetrischer Muster und Mosaike verkürzte er 2008 seinen Namen und begann, seinen Fokus auf die Arbeit mit und die Neuinterpretation der Sprache des traditionellen Fliesendesigns, insbesondere der portugiesischen zinnglasierten Keramikfliese, zu richten. Durch die mühelose Verschmelzung dieser beiden scheinbar unvereinbaren visuellen Sprachen versucht er heute, traditionelle dekorative Elemente mit zeitgenössischen visuellen Referenzen in neuen Formen zu kombinieren, die eine beeindruckende Komplexität und meisterhafte Liebe zum Detail offenbaren. Auf den ersten Blick mögen seine Arbeiten in Form von kleinen und mittelgroßen Kacheltafeln, großformatigen schablonengemalten Wandbildern und Druckeditionen ein einfaches Pastiche des klassischen Formalismus sein, doch bei näherer Betrachtung wird der Betrachter mit einer chaotischen Welt von unverwechselbar originellen Motiven und Figuren voller Ironie und Humor belohnt. Indem er durch symmetrische Wiederholungen, eine Anhäufung von Schichten und visuelle Täuschungstechniken wie Trompe-l'œil ein Gleichgewicht und eine Harmonie schafft, erzeugen seine vielschichtigen, gemusterten Kompositionen einen poetischen Rhythmus, der mit der Wahrnehmung und den (vielfältigen) Interpretationsmöglichkeiten des Betrachters spielt. Indem er eine breite Palette manueller und digitaler Techniken in den Bereichen Zeichnung, Malerei, Keramik und Druckgrafik erforscht, bringt er einen anspruchsvollen Dialog zwischen Alt und Neu, zwischen Erbe und Moderne zum Ausdruck. Neben zahlreichen Interventionen im öffentlichen Raum in mehreren Ländern hat er seine Arbeiten in Einzel- und Gruppenausstellungen in renommierten Galerien wie der Underdogs Gallery (Lissabon, 2017 und 2014), der Saatchi Gallery (London, 2017), der Nuart Gallery (Stavanger, 2017), der ABV Gallery (Atlanta, 2017), der Colab Gallery (Weil am Rhein, 2015), der Galerie SOON (Zürich, 2013) und der Pure Evil Gallery (London, 2012) sowie bei prominenten Urban Art Events wie dem Nuart Festival (Aberdeen, 2017; Stavanger, 2016), PUBLIC'16 (Perth und Albany, 2016), Sacramento Mural Fest (Sacramento, 2016), Forgotten Project (Rom, 2015), Djerbahood (Djerba, 2014) und Tour Paris 13 (Paris, 2013), neben vielen anderen.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 45 - EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Vizcaya, 1938 - Madrid, 2003). "Los amates", 1992. Mischtechnik, Gouache, Acryl und Pastell auf Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 130 x 122 cm; 133 x 125 cm (Rahmen). Eduardo Úrculo, Maler und Bildhauer und einer der besten Vertreter der Pop Art in Spanien, begann als Kind ohne künstlerische Ausbildung zu malen und veröffentlichte 1957 seine ersten Bilder in der Zeitung "La Nueva España" aus Oviedo. Kurze Zeit später zog er nach Madrid und begann, am Círculo de Bellas Artes zu studieren. In diesen Jahren verdiente er seinen Lebensunterhalt als Illustrator und Bühnenbildner und pflegte eine vom sozialen Expressionismus geprägte Malerei. Im Jahr 1959 ging er nach Paris, wo er seine Ausbildung an der Académie de la Grande Chaumière fortsetzte. In der französischen Hauptstadt arbeitet er als Grafikdesigner und lernt Eduardo Westerdahl kennen, unter dessen Einfluss sich seine Malerei in Richtung Abstraktion entwickelt. Vier Jahre später kehrte er jedoch zur Figuration und Sozialkritik zurück. 1967 unternahm er eine Reise nach Nordeuropa, wo er erstmals mit der amerikanischen Popmusik in Berührung kam. Von da an ist das Werk von Úrculo von einem Realismus geprägt, der auf einer sehr lebendigen Farbgebung basiert, und bis in die siebziger Jahre hinein von erotischen, satirischen und kritischen Themen. In den achtziger Jahren lebte er in New York, wo er wichtige Projekte verwirklichte. Im Jahr 1992 kehrte er nach Paris zurück. In dieser letzten Periode fügte er seinem Repertoire das Thema des Reisenden hinzu, der mit der großen modernen Stadt konfrontiert wird, eine ironische Variante der Figur des von der Landschaft überwältigten Romantikers. Diese formale Entwicklung wurde in zahlreichen Einzelausstellungen seit 1959 in der ganzen Welt sowie in Sammelbänden (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, und Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000) deutlich. Úrculo ist derzeit in zahlreichen Museen und Sammlungen für moderne Kunst vertreten, darunter das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, die Galleria Nazionale d'Arte Moderno in Rom, die Biblioteca Nacional de Madrid, das Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, die Sammlungen AENA, Testimoni und Fundesco, das Museo del Dibujo Castillo de Larrés, das Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés und andere.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 46 - EDUARDO ARROYO (Madrid, 1937-2018). "Figur mit Hut", 1982. Aquarell und Tinte auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 30 x 19 cm; 33 x 23 cm (Rahmen). Der Maler, Bildhauer und Graveur Arroyo ist eine wichtige Figur innerhalb der neofigurativen Bewegung. Nachdem er seine Karriere als Journalist begonnen hatte, begann er Ende der fünfziger Jahre zu malen und nahm 1960 zum ersten Mal am Salón de Pintura Joven teil. Zu Beginn der sechziger Jahre geriet sein plastisches Vokabular unter den nordamerikanischen Einfluss der Pop Art, und 1964 kam es zum endgültigen Bruch mit der informellen Kunst. 1982 wurde er mit dem Nationalpreis für plastische Kunst ausgezeichnet, und die Nationalbibliothek in Madrid und das Centre Pompidou in Paris widmeten ihm anthologische Ausstellungen. Derzeit ist Arroyo unter anderem im Museo Nacional Reina Sofía in Madrid, im Patio Herreriano in Valladolid, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington D.C. und im Museo de Arte Moderno in Lille (Frankreich) vertreten.

Schätzw. 1 200 - 1 400 EUR

Los 47 - EDUARDO ARROYO (Madrid, 1937-2018). "Schuhe, Zigarren und Zigarre", 1977. Collage auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 40 x 50 cm; 49 x 58 cm (Rahmen). Der Maler, Bildhauer und Graveur Arroyo ist eine wichtige Figur innerhalb der neofigurativen Bewegung. Nachdem er seine Karriere als Journalist begonnen hatte, begann er Ende der fünfziger Jahre zu malen und nahm 1960 zum ersten Mal am Salón de Pintura Joven teil. Zu Beginn der sechziger Jahre geriet sein plastisches Vokabular unter den nordamerikanischen Einfluss der Pop Art, und 1964 kam es zum endgültigen Bruch mit der informellen Kunst. 1982 wurde er mit dem Nationalpreis für plastische Kunst ausgezeichnet, und die Nationalbibliothek in Madrid und das Centre Pompidou in Paris widmeten ihm anthologische Ausstellungen. Derzeit ist Arroyo unter anderem im Museo Nacional Reina Sofía in Madrid, im Patio Herreriano in Valladolid, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington D.C. und im Museo de Arte Moderno in Lille (Frankreich) vertreten.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 48 - MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Las Meninas", 1984. Vom Künstler entworfener Teppich. Schurwolle. 100% rein. Exemplarisch 82/125. Es hat ein Etikett auf der Rückseite und eine handschriftliche Unterschrift. Abmessungen: 170 x 240 cm. Manolo Valdés hat im Laufe seiner Karriere exklusive Entwürfe für die Herstellung von Teppichen angefertigt, wobei er sogar mit der Königlichen Tapisserie-Fabrik zusammenarbeitete. In diesem Fall handelt es sich um einen Teppich, der zu einer Serie von 125 Exemplaren gehört, mit dem Entwurf des valencianischen Künstlers, der in Schurwolle umgesetzt wurde. Das Werk weist den persönlichen und respektlosen Stil von Valdés auf, der die Mythen neu interpretiert und sich dabei Figuren wie Picasso und Velázquez annähert, was in diesem Werk durch die Figur der Menina deutlich wird. Obwohl die Komposition und Ästhetik sind in der Nähe der Arbeit "Tänze für die Angst" von Paul Klee. Manolo Valdés führte in Spanien eine Form des künstlerischen Ausdrucks ein, die politisches und soziales Engagement mit Humor und Ironie verbindet. Er begann seine Ausbildung 1957, als er in die Schule der Schönen Künste San Carlos in Valencia eintrat. Zwei Jahre später brach er jedoch sein Studium ab, um sich ganz der Malerei zu widmen. Im Jahr 1964 gründete er zusammen mit Juan Antonio Toledo und Rafael Solbes die Künstlergruppe Equipo Crónica, der er bis zu deren Tod 1981 angehörte, obwohl Toledo die Gruppe zwei Jahre nach ihrer Gründung verlassen hatte. Seitdem hat er sich in New York niedergelassen, wo er heute lebt und weiterhin mit neuen Ausdrucksformen experimentiert, unter anderem mit der Bildhauerei. Zu den zahlreichen Auszeichnungen, die Manolo Valdés erhalten hat, gehören der Lissone und der Biella von Mailand, die Silbermedaille der II. Internationalen Biennale der Gravuren von Tokio, der Preis des Bridgestone Art Museum in Lissabon, der Nationale Preis für plastische Kunst, die Medaille des Internationalen Festivals der plastischen Künstler in Bagdad, die Auszeichnung des Ordens von Andres Bello in Venezuela, die Auszeichnung des Nationalrats von Monaco, die Goldmedaille für Verdienste in der bildenden Kunst, den Preis des spanischen Verbands der Kunstkritiker und den Preis für den besten Grafiker, um nur einige zu nennen. Formal schafft Valdés ein großformatiges Werk, in dem Lichter und Farben aufgrund der Behandlung der Materialien taktile Werte ausdrücken. Seine Arbeiten zwingen den Betrachter dazu, sich in die Erinnerung zu vertiefen und nach bedeutenden Bildern der Kunstgeschichte zu suchen. Er ist in einigen der bedeutendsten Museen der Welt vertreten, wie dem Reina Sofía in Madrid, dem Metropolitan, dem MoMA und dem Guggenheim in New York, dem Centre Georges Pompidou und dem Fons National d'Arts Plastiques in Paris, der Kusnthalle in Hamburg, dem Kunstmuseum in Berlin und dem Museo de Bellas Artes in Bilbao, neben vielen anderen.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 49 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Transparenz", 2004. Acryl auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 146 x 97 cm. Ràfols Casamada sprach von seinem Bedürfnis, "den Raum zu brechen und ihn mit Hilfe von Farbflecken neu zu komponieren, sie fast willkürlich zu verteilen und mit Hilfe der Farbe zu erreichen, dass sie getragen werden und in Beziehung stehen" (Zeugnis eines Malers, 1985). Das hier gezeigte Gemälde ist eine Darstellung dieser Suche nach intellektueller Läuterung. Ràfols Casamada unterwirft das Bild einem scheinbar zufälligen Spannungsspiel zwischen Farbfeld, Leere, Fleck und Geste. In diesem Gemälde pulsiert die lyrische Abstraktion trotz der zugrunde liegenden konzeptionellen Basis mit Schwung. Sie spiegelt eine glückliche Lösung zwischen intellektueller Komplexität und plastischer Einfachheit, zwischen Transzendenz und Immanenz wider. Der Maler, Pädagoge, Schriftsteller und Grafiker Ràfols Casamada genießt heute großes internationales Ansehen. Er begann in der Welt des Zeichnens und Malens bei seinem Vater Albert Ràfols Cullerés. Im Jahr 1942 begann er ein Architekturstudium, das er jedoch bald abbrach, um sich der bildenden Kunst zu widmen. Der postimpressionistische Einfluss des Vaters und sein besonderer Cézannismus prägen die Werke seiner ersten Ausstellung, die 1946 in den Galerien Pictòria in Barcelona stattfindet, wo er mit der Gruppe Els Vuit ausstellt. In der Folge entwickelt er eine poetische Abstraktion, amorph in ihrer Konfiguration, frei und intelligent, das Ergebnis einer langsamen Entwicklung und basierend auf Umgebungen, Themen, Objekten oder Grafiken des täglichen Lebens. Ràfols Casamada arbeitet mit diesen Fragmenten der Realität, des Lebens, in einem Prozess der Entstellung, spielt mit den Konnotationen, den plastischen Werten und dem visuellen Reichtum der möglichen verschiedenen Lesarten, in einem Versuch, die Vergänglichkeit der Realität zu fixieren. 1950 erhält er ein Stipendium, um nach Frankreich zu reisen, und lässt sich bis 1954 in Paris nieder. Dort lernte er die postkubistische figurative Malerei sowie die Werke von Picasso, Matisse, Braque, Miró und anderen kennen. Diese Einflüsse verbinden sich in seiner Malerei mit dem sich zur gleichen Zeit entwickelnden amerikanischen abstrakten Expressionismus. Als er schließlich nach Barcelona zurückkehrte, schlug er seinen eigenen künstlerischen Weg ein, mit einem Stil, der sich durch kompositorische Eleganz auszeichnet und auf orthogonalen Strukturen in Verbindung mit einer gefühlvollen und leuchtenden Farbgebung beruht. Nachdem er in den sechziger und siebziger Jahren eine interessante Beziehung zum Neo-Dada und zum Neuen Realismus gezeigt hatte, konzentrierte sich sein Werk auf rein malerische Werte: Farbfelder in ausdrucksstarker Harmonie, auf denen sich gestische Kohlestriche abheben. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1980 den Nationalen Preis für plastische Kunst des Kulturministeriums, 1982 den Creu de Sant Jordi und 1991 den Premio de las Artes de la CEOE. 1985 wurde er zum Ritter des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums ernannt und ist Ehrenmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Im Jahr 2003 verlieh ihm die Generalitat den Nationalen Preis für Bildende Kunst von Katalonien, und 2009, nur zwei Monate vor seinem Tod, ehrte ihn die Grup 62 im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien. Seine Werke befinden sich in den wichtigsten Museen der Welt: im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim und im MOMA in New York, im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Picasso-Museum in Frankreich, im Georges Pompidou in Paris, im British Museum und in der Tate Gallery in London und in vielen anderen.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 50 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Reflex", 1974. Acryl auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke und auf der Rückseite. Maße: 100 x 81 cm; 102,5 x 83,5 cm (Rahmen). Ràfols Casamada sprach von seinem Bedürfnis, "den Raum zu brechen und ihn mit Hilfe von Farbflecken neu zu komponieren, sie fast willkürlich zu verteilen und mit Hilfe der Farbe zu erreichen, dass sie getragen werden und in Beziehung stehen" (Zeugnis eines Malers, 1985). Das hier gezeigte Gemälde ist eine Darstellung dieser Suche nach intellektueller Läuterung. Ràfols Casamada unterwirft das Bild einem scheinbar zufälligen Spannungsspiel zwischen Farbfeld, Leere, Fleck und Geste. In diesem Gemälde pulsiert die lyrische Abstraktion trotz der zugrunde liegenden konzeptionellen Basis mit Schwung. Sie spiegelt eine glückliche Lösung zwischen intellektueller Komplexität und plastischer Einfachheit, zwischen Transzendenz und Immanenz wider. Der Maler, Pädagoge, Schriftsteller und Grafiker Ràfols Casamada genießt heute großes internationales Ansehen. Er begann in der Welt des Zeichnens und Malens bei seinem Vater Albert Ràfols Cullerés. Im Jahr 1942 begann er ein Architekturstudium, das er jedoch bald abbrach, um sich der bildenden Kunst zu widmen. Der postimpressionistische Einfluss des Vaters und sein besonderer Cézannismus prägen die Werke seiner ersten Ausstellung, die 1946 in den Galerien Pictòria in Barcelona stattfindet, wo er mit der Gruppe Els Vuit ausstellt. In der Folge entwickelt er eine poetische Abstraktion, amorph in ihrer Konfiguration, frei und intelligent, das Ergebnis einer langsamen Entwicklung und basierend auf Umgebungen, Themen, Objekten oder Grafiken des täglichen Lebens. Ràfols Casamada arbeitet mit diesen Fragmenten der Realität, des Lebens, in einem Prozess der Entstellung, spielt mit den Konnotationen, den plastischen Werten und dem visuellen Reichtum der möglichen verschiedenen Lesarten, in einem Versuch, die Vergänglichkeit der Realität zu fixieren. 1950 erhält er ein Stipendium, um nach Frankreich zu reisen, und lässt sich bis 1954 in Paris nieder. Dort lernte er die postkubistische figurative Malerei sowie die Werke von Picasso, Matisse, Braque, Miró und anderen kennen. Diese Einflüsse verbinden sich in seiner Malerei mit dem sich zur gleichen Zeit entwickelnden amerikanischen abstrakten Expressionismus. Als er schließlich nach Barcelona zurückkehrte, schlug er seinen eigenen künstlerischen Weg ein, mit einem Stil, der sich durch kompositorische Eleganz auszeichnet und auf orthogonalen Strukturen in Verbindung mit einer gefühlvollen und leuchtenden Farbgebung beruht. Nachdem er in den sechziger und siebziger Jahren eine interessante Beziehung zum Neo-Dada und zum Neuen Realismus gezeigt hatte, konzentrierte sich sein Werk auf rein malerische Werte: Farbfelder in ausdrucksstarker Harmonie, auf denen sich gestische Kohlestriche abheben. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1980 den Nationalen Preis für plastische Kunst des Kulturministeriums, 1982 den Creu de Sant Jordi und 1991 den Premio de las Artes de la CEOE. 1985 wurde er zum Ritter des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums ernannt und ist Ehrenmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Im Jahr 2003 verlieh ihm die Generalitat den Nationalen Preis für Bildende Kunst von Katalonien, und 2009, nur zwei Monate vor seinem Tod, ehrte ihn die Grup 62 im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien. Seine Werke befinden sich in den wichtigsten Museen der Welt: im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim und im MOMA in New York, im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Picasso-Museum in Frankreich, im Georges Pompidou in Paris, im British Museum und in der Tate Gallery in London und in vielen anderen.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 51 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Casa solitària", 2000. Acryl auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 73 x 93 cm. Ràfols Casamada sprach von seinem Bedürfnis, "den Raum zu brechen und ihn mit Hilfe von Farbflecken neu zu komponieren, sie fast willkürlich zu verteilen und mit Hilfe der Farbe zu erreichen, dass sie getragen werden und in Beziehung stehen" (Zeugnis eines Malers, 1985). Das hier gezeigte Gemälde ist eine Darstellung dieser Suche nach intellektueller Läuterung. Ràfols Casamada unterwirft das Bild einem scheinbar zufälligen Spannungsspiel zwischen Farbfeld, Leere, Fleck und Geste. In diesem Gemälde pulsiert die lyrische Abstraktion trotz der zugrunde liegenden konzeptionellen Basis mit Schwung. Sie spiegelt eine glückliche Lösung zwischen intellektueller Komplexität und plastischer Einfachheit, zwischen Transzendenz und Immanenz wider. Der Maler, Pädagoge, Schriftsteller und Grafiker Ràfols Casamada genießt heute großes internationales Ansehen. Er begann in der Welt des Zeichnens und Malens bei seinem Vater Albert Ràfols Cullerés. Im Jahr 1942 begann er ein Architekturstudium, das er jedoch bald abbrach, um sich der bildenden Kunst zu widmen. Der postimpressionistische Einfluss des Vaters und sein besonderer Cézannismus prägen die Werke seiner ersten Ausstellung, die 1946 in den Galerien Pictòria in Barcelona stattfindet, wo er mit der Gruppe Els Vuit ausstellt. In der Folge entwickelt er eine poetische Abstraktion, amorph in ihrer Konfiguration, frei und intelligent, das Ergebnis einer langsamen Entwicklung und basierend auf Umgebungen, Themen, Objekten oder Grafiken des täglichen Lebens. Ràfols Casamada arbeitet mit diesen Fragmenten der Realität, des Lebens, in einem Prozess der Entstellung, spielt mit den Konnotationen, den plastischen Werten und dem visuellen Reichtum der möglichen verschiedenen Lesarten, in einem Versuch, die Vergänglichkeit der Realität zu fixieren. 1950 erhält er ein Stipendium, um nach Frankreich zu reisen, und lässt sich bis 1954 in Paris nieder. Dort lernte er die postkubistische figurative Malerei sowie die Werke von Picasso, Matisse, Braque, Miró und anderen kennen. Diese Einflüsse verbinden sich in seiner Malerei mit dem sich zur gleichen Zeit entwickelnden amerikanischen abstrakten Expressionismus. Als er schließlich nach Barcelona zurückkehrte, schlug er seinen eigenen künstlerischen Weg ein, mit einem Stil, der sich durch kompositorische Eleganz auszeichnet und auf orthogonalen Strukturen in Verbindung mit einer gefühlvollen und leuchtenden Farbgebung beruht. Nachdem er in den sechziger und siebziger Jahren eine interessante Beziehung zum Neo-Dada und zum Neuen Realismus gezeigt hatte, konzentrierte sich sein Werk auf rein malerische Werte: Farbfelder in ausdrucksstarker Harmonie, auf denen sich gestische Kohlestriche abheben. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1980 den Nationalen Preis für plastische Kunst des Kulturministeriums, 1982 den Creu de Sant Jordi und 1991 den Premio de las Artes de la CEOE. 1985 wurde er zum Ritter des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums ernannt und ist Ehrenmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Im Jahr 2003 verlieh ihm die Generalitat den Nationalen Preis für Bildende Kunst von Katalonien, und 2009, nur zwei Monate vor seinem Tod, ehrte ihn die Grup 62 im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien. Seine Werke befinden sich in den wichtigsten Museen der Welt: im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim und im MOMA in New York, im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Picasso-Museum in Frankreich, im Georges Pompidou in Paris, im British Museum und in der Tate Gallery in London und in vielen anderen.

Schätzw. 7 500 - 8 000 EUR

Los 52 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Zeichen", 1990. Acryl auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 89 x 116 cm. Ràfols Casamada sprach von seinem Bedürfnis, "den Raum zu brechen und ihn mit Hilfe von Farbflecken neu zu komponieren, sie fast willkürlich zu verteilen und mit Hilfe der Farbe zu erreichen, dass sie getragen werden und in Beziehung stehen" (Zeugnis eines Malers, 1985). Das hier gezeigte Gemälde ist eine Darstellung dieser Suche nach intellektueller Läuterung. Ràfols Casamada unterwirft das Bild einem scheinbar zufälligen Spannungsspiel zwischen Farbfeld, Leere, Fleck und Geste. In diesem Gemälde pulsiert die lyrische Abstraktion trotz der zugrunde liegenden konzeptionellen Basis mit Schwung. Sie spiegelt eine glückliche Lösung zwischen intellektueller Komplexität und plastischer Einfachheit, zwischen Transzendenz und Immanenz wider. Der Maler, Pädagoge, Schriftsteller und Grafiker Ràfols Casamada genießt heute großes internationales Ansehen. Er begann in der Welt des Zeichnens und Malens bei seinem Vater Albert Ràfols Cullerés. Im Jahr 1942 begann er ein Architekturstudium, das er jedoch bald abbrach, um sich der bildenden Kunst zu widmen. Der postimpressionistische Einfluss des Vaters und sein besonderer Cézannismus prägen die Werke seiner ersten Ausstellung, die 1946 in den Galerien Pictòria in Barcelona stattfindet, wo er mit der Gruppe Els Vuit ausstellt. In der Folge entwickelt er eine poetische Abstraktion, amorph in ihrer Konfiguration, frei und intelligent, das Ergebnis einer langsamen Entwicklung und basierend auf Umgebungen, Themen, Objekten oder Grafiken des täglichen Lebens. Ràfols Casamada arbeitet mit diesen Fragmenten der Realität, des Lebens, in einem Prozess der Entstellung, spielt mit den Konnotationen, den plastischen Werten und dem visuellen Reichtum der möglichen verschiedenen Lesarten, in einem Versuch, die Vergänglichkeit der Realität zu fixieren. 1950 erhält er ein Stipendium, um nach Frankreich zu reisen, und lässt sich bis 1954 in Paris nieder. Dort lernte er die postkubistische figurative Malerei sowie die Werke von Picasso, Matisse, Braque, Miró und anderen kennen. Diese Einflüsse verbinden sich in seiner Malerei mit dem sich zur gleichen Zeit entwickelnden amerikanischen abstrakten Expressionismus. Als er schließlich nach Barcelona zurückkehrte, schlug er seinen eigenen künstlerischen Weg ein, mit einem Stil, der sich durch kompositorische Eleganz auszeichnet und auf orthogonalen Strukturen in Verbindung mit einer gefühlvollen und leuchtenden Farbgebung beruht. Nachdem er in den sechziger und siebziger Jahren eine interessante Beziehung zum Neo-Dada und zum Neuen Realismus gezeigt hatte, konzentrierte sich sein Werk auf rein malerische Werte: Farbfelder in ausdrucksstarker Harmonie, auf denen sich gestische Kohlestriche abheben. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1980 den Nationalen Preis für plastische Kunst des Kulturministeriums, 1982 den Creu de Sant Jordi und 1991 den Premio de las Artes de la CEOE. 1985 wurde er zum Ritter des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums ernannt und ist Ehrenmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Im Jahr 2003 verlieh ihm die Generalitat den Nationalen Preis für Bildende Kunst von Katalonien, und 2009, nur zwei Monate vor seinem Tod, ehrte ihn die Grup 62 im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien. Seine Werke befinden sich in den wichtigsten Museen der Welt: im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim und im MOMA in New York, im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Picasso-Museum in Frankreich, im Georges Pompidou in Paris, im British Museum und in der Tate Gallery in London und in vielen anderen.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Los 53 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Zeichen", 1986. Mischtechnik (Tinte und Acryl) und Collage auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Provenienz: CRG Gallery, New York. Maße: 70 x 59 cm; 87 x 75 cm (Rahmen). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der spanischen Gegenwartskunst. Ausgebildet an der Escuela de Bellas Artes de San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. Im Jahr 1936 nahm er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führte, dass er nach Kriegsende nach Frankreich ins Exil ging. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Los 54 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Suite Catalana, Las estampas de la cometa". Aquatintastich, Kopie 3/75. Editorial Gustavo Gili, S.A., Barcelona, 1972. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 77 x 101 cm. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während der langen Rekonvaleszenz einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich mit größerer Intensität dem Zeichnen und Malen, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse der menschlichen Existenz bedeutet. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 55 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Infromal", 1987. Aquatinta und Carborundum in verschiedenen Farben (3 Grautöne, Schwarz, Beige, Weiß), H.C. Kopie. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 82 x 69 cm; 87 x 173,5 cm (Rahmen). Das Kreuz und die Zahl 8, zwei immer wiederkehrende Motive in Tàpies' Werk, Symbole der Spiritualität bzw. der Unendlichkeit, tauchen in diesem Stich in verschiedenen Tinten auf. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse der menschlichen Existenz bedeutet. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 56 - JORDI TEIXIDOR (Valencia, 1941). Ohne Titel, 1978. Öl, Gouache und Bleistift auf Papier. Signiert mit Bleistift im unteren mittleren Bereich. Maße: 63 x 49,5 cm; 71 x 56,5 x cm (Rahmen). Dieses Werk entstand nur ein Jahr vor Teixidors Umzug nach New York (1979-1982), obwohl er bereits 1973 in die amerikanische Stadt gereist war, die einen direkten Einfluss auf die Entwicklung seines Werks hatte. Der Einfluss von Autoren wie Rothko, Reinhardt und Barnett Newman beeinflusste Teixidors Vorliebe für eine formale Reinigung des Stils, die in diesem Gemälde sichtbar wird, in dem auch Anklänge an die Malerei von Agnes Martin zu erkennen sind. Jordi Teixidor wurde zwischen 1959 und 1964 an der Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia ausgebildet. Neben anderen Auszeichnungen wurde er zum Akademiker der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid gewählt und erhielt 2014 den Nationalen Preis für Bildende Kunst. Als einer der renommiertesten abstrakten spanischen Künstler hat Teixidor einzeln und gemeinsam in Europa und Amerika ausgestellt, vor allem in Barcelona, Valencia, Madrid, Granada, Sevilla, San Sebastian, Vallauris in Frankreich, Düsseldorf, San Francisco, Mexiko-Stadt, New York, Santiago de Chile usw., aber auch in anderen Städten wie Moskau. Im Jahr 1997 widmeten ihm das Santa Monica Center und das Guggenheim Museum in New York eine bedeutende Retrospektive. Derzeit befinden sich seine Werke in zahlreichen Privatsammlungen auf der ganzen Welt sowie in wichtigen Institutionen (Guggenheim Museum in New York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in derselben Stadt, Museo Patio Herreriano in Valladolid, Coca-Cola Foundation, Chase Manhattan Bank in New York, Fundación Juan March in Madrid, San Francisco Museum of Modern Art in Kalifornien, Museo Salvador Allende in Santiago de Chile und das Berkeley Art Museum der University of California in den Vereinigten Staaten, um nur einige zu nennen).

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 57 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Vogels", 1970, Berlin-Zeit. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert im unteren linken Bereich. Mit Etikett auf der Rückseite der Levy Gallery. Maße: 150 x 150 cm. Es ist ein Gemälde der Levy Galerie. Es ist eines der interessantesten Werke von Jorge Castillo, da es während des Übergangs von Berlin nach New York entstand und sein erstes Werk ist, in dem die New Yorker Wolkenkratzer auftauchen, die er später in seinen Werken reproduzieren sollte. Es ist eines der interessantesten Werke von Jorge Castillo, da es in der Zeit des Übergangs von Berlin nach New York entstand. Seit seiner Kindheit zeichnet Jorge Castillo leidenschaftlich gern. Im Alter von zehn Jahren fertigte er seine erste Kopie von Rubens mit Buntstiften an. Laut Castillo lehrte ihn die Malerei von Rubens, den Kubismus von Braque und Picasso zu verstehen. Im Jahr der Geburt des Malers wanderte seine Familie nach Buenos Aires aus, aber 1955 kehrte er nach Europa zurück. Er versuchte, nach Paris zu gehen, aber aufgrund fehlender finanzieller Mittel ließ er sich in Spanien nieder. Über Vigo ließ er sich 1955 in Madrid nieder, wo er bald mit dem Kunstkritiker José María Moreno Galván in Kontakt kam, der sein Werk bewunderte und ihn in die Madrider Künstlerkreise einführte. Im Jahr 1958 begann er, seine Zeichnungen in der Galerie Biosca zu verkaufen, und der Maler Antonio Saura selbst kaufte einige von ihnen. Im darauffolgenden Jahr stellte er seine Arbeiten auf Papier und Aquarelle in der Galerie Altamira in Madrid aus. Nach und nach entschied er sich für die Technik der Gravur, die schließlich zu seinem Hauptausdrucksmittel wurde, auch wenn er sie mit der Malerei abwechselte. Im Jahr 1960 wurde er für die Biennale von São Paulo in Brasilien ausgewählt. Von da an stellte er seine Werke international aus, in Galerien und Museen in New York, San Francisco, Tokio, Paris, Lissabon, Turin, Hannover, Düsseldorf und Genf. Er nahm 1964 und 1976 an der Biennale von Venedig teil und hatte 1970 eine Einzelausstellung in der Nationalgalerie in Berlin, die erste große Museumsausstellung, die einem bestimmten Abschnitt seiner Karriere gewidmet war. Er gewann Preise wie den Internationalen Preis für Zeichnung (1964) und Malerei (1975) in Darmstadt, den Ciudad de Pontevedra (1994) und den Cultura Viva de las Artes Plásticas (2006). Derzeit lebt und arbeitet er in Soho, New York. Werke von Jorge Castillo sind u. a. im Museum der Schönen Künste in Lausanne, in der Juan March Foundation, in den Nationalgalerien von Edinburgh und Berlin, in den Museen für Moderne Kunst in San Francisco und Vitoria, in der Kunsthalle in Bremen, in der Albertina in Wien, in der Spanischen Nationalbibliothek und im Guggenheim in New York zu sehen.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Los 58 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). Ohne Titel. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 65 x 54 cm. Jorge Castillo, Sohn spanischer Emigranten in Argentinien, kehrt 1957 nach Spanien zurück. Er wird in die Künstlerkreise von Madrid eingeführt und beginnt 1958, seine Zeichnungen in der Galerie Biosca zu verkaufen. Nach und nach entscheidet er sich für die Technik der Gravur, die schließlich zu seinem wichtigsten Ausdrucksmittel wird, auch wenn er sie mit der Malerei abwechselt. Im Jahr 1960 wurde er für die Biennale von São Paulo in Brasilien ausgewählt. Von da an stellte er international aus, in Galerien und Museen in New York, San Francisco, Tokio, Paris, Lissabon, Turin, Hannover, Düsseldorf und Genf. Er nahm 1964 und 1976 an der Biennale von Venedig teil und hatte 1970 eine Einzelausstellung in der Nationalgalerie in Berlin, die erste große Museumsausstellung, die einem bestimmten Abschnitt seiner Karriere gewidmet war. Er erhielt Auszeichnungen wie den Internationalen Preis für Zeichnung und Malerei Darmstadt, den Preis der Stadt Pontevedra und den Cultura Viva de las Artes Plásticas. Er ist unter anderem im Museum der Schönen Künste von Lausanne, in der Juan March Foundation, in den Nationalgalerien von Edinburgh und Berlin, in den Museen für Moderne Kunst von San Francisco und Vitoria, in der Kunsthalle von Bremen, in der Albertina von Wien, in der Spanischen Nationalbibliothek und im Guggenheim in New York vertreten.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 59 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Immer noch die Nacht", 2012 Acryl auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke. Auf der Rückseite datiert und betitelt. Maße: 65 x 54 cm. Jorge Castillo, Sohn spanischer Emigranten in Argentinien, kehrt 1957 nach Spanien zurück. Er wird in die Künstlerkreise von Madrid eingeführt und beginnt 1958, seine Zeichnungen in der Galerie Biosca zu verkaufen. Nach und nach entscheidet er sich für die Technik der Gravur, die schließlich zu seinem wichtigsten Ausdrucksmittel wird, auch wenn er sie mit der Malerei abwechselt. Im Jahr 1960 wurde er für die Biennale von São Paulo in Brasilien ausgewählt. Von da an stellte er international aus, in Galerien und Museen in New York, San Francisco, Tokio, Paris, Lissabon, Turin, Hannover, Düsseldorf und Genf. Er nahm 1964 und 1976 an der Biennale von Venedig teil und hatte 1970 eine Einzelausstellung in der Nationalgalerie in Berlin, die erste große Museumsausstellung, die einem bestimmten Abschnitt seiner Karriere gewidmet war. Er erhielt Auszeichnungen wie den Internationalen Preis für Zeichnung und Malerei Darmstadt, den Preis der Stadt Pontevedra und den Cultura Viva de las Artes Plásticas. Er ist unter anderem im Museum der Schönen Künste von Lausanne, in der Juan March Foundation, in den Nationalgalerien von Edinburgh und Berlin, in den Museen für Moderne Kunst von San Francisco und Vitoria, in der Kunsthalle von Bremen, in der Albertina von Wien, in der Spanischen Nationalbibliothek und im Guggenheim in New York vertreten.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 60 - JOSEP MARIA RIERA I ARAGÓ (Barcelona, 1954). Ohne Titel, 1998. Gemischte Medien auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 122 x 67 cm; 135 x 89,5 cm (Rahmen). Der Maler und Bildhauer Josep Riera i Aragó wurde an der Hochschule der Schönen Künste in Barcelona ausgebildet. Sein Einzeldebüt gab er 1981 in der Galerie Artema in Barcelona. Zwei Jahre später nahm er am Salón de Otoño in derselben Stadt teil. Seitdem hat er seine Werke in der ganzen Welt ausgestellt, in herausragenden Galerien in Spanien, Mexiko, den Niederlanden, Israel, Deutschland, Belgien, Frankreich, Luxemburg, der Schweiz, Kolumbien und den Vereinigten Staaten. Seine Einzelausstellungen fanden u. a. im Museum von Ceret (Frankreich, 1989), in der Nationalbibliothek von Paris (1993), im Museum für moderne Kunst in Oostende (Belgien, 1997), in der Joan Prats Gallery in New York (1998), in der Tassende Gallery in Los Angeles (2003) und im Museum von Aalst in Belgien (2006) statt. Seit 1983 entwickelt Riera i Aragó seinen plastischen Diskurs rund um den Maschinismus, mit einer symbolischen Sprache, die von seinem Interesse am Luft- und Seeverkehr geprägt ist, den er dekontextualisiert und von seiner ursprünglichen Funktion getrennt betrachtet. Gleichzeitig hat sich seine plastische Sprache durch die Vertiefung des Dialogs Linie/Flugzeug und leer/voll bereichert. Jede von ihm geschaffene "Maschine", die sich niemals wiederholt, evoziert ohne Pathos oder Herablassung eine klare und umfassende Vision der Menschheit. Mit einem visuellen Vokabular, das sich auf einfache Formen beschränkt, die an Zeppeline, U-Boote oder Flugzeuge erinnern, entwickelt Riera i Aragó eine fruchtbare, bedeutungsgeladene Ikonografie, die mit einer klaren Ironie von der absurden Rücksichtslosigkeit der menschlichen Schöpfungen und der poetischen Gerechtigkeit spricht, die entsteht, wenn sich diese Schöpfungen gegen ihn wenden. Sein Werk ist als eine globale Geschichte zu verstehen, die mit so unterschiedlichen Sprachen wie Astronomie, Botanik, Mathematik oder Mystik in Verbindung steht und dem Betrachter die Möglichkeit bietet, in ein besonderes Universum von großer Lyrik einzutreten, in dem Realität und Fiktion keine entgegengesetzten Kategorien mehr sind. Riera i Aragó ist derzeit unter anderem im Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona, in den Stiftungen Joan Miró, La Caixa und Vicent Van Gogh, im Museum für moderne Kunst in Luxemburg, im Rufino Tamayo Museum in Mexiko, im Ceret- und Reattu-Museum in Arles, Frankreich, im Otani-Museum in Japan und im Museum Heilbronn in Deutschland vertreten.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 61 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, ca. 1980er Jahre. Mischtechnik (Malerei und Collage) auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 226 x 116 cm; 236 x 126 cm (Rahmen). Dieses Gemälde stammt wahrscheinlich aus den achtziger Jahren, einer besonders experimentellen Periode im Schaffen von Guinovart. Die Verwendung von Collagen und poetischer Abstraktion ist charakteristisch für diese Zeit, ebenso wie die Vorliebe für Siena-, Braun- und Brauntöne. Es enthält subtile synthetische Striche, die eine Hommage an die postkubistischen Kreaturen Picassos zu sein scheinen, und gleichzeitig verweist die Komposition (die den oberen Teil leer lässt) indirekt auf Goyas begrabenen Hund. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Er erwarb sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons von October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 bildete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Guinovart ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, das Museo Eusebio Sempere in Alicante, das Museo de Navarra in Tafalla, die Casa de las Américas in Havanna, das Bocchum Museum in Deutschland, das Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und das Museo Patio Herreriano in Valladolid.

Schätzw. 5 500 - 6 500 EUR

Los 62 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Eingang zum Souk", 1987. Öl auf Leinwand. Mit Etikett der Galerie Dau Al Set auf der Rückseite. Signiert mit Bleistift in der unteren rechten Ecke. Maße: 81 x 100 cm; 102 x 123 cm (Rahmen). Der autodidaktisch ausgebildete Maler, Zeichner, Fotograf und Graveur Lluís Claramunt verbrachte sein Leben zwischen Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao und Marrakesch und entwickelte ein von Isidre Nonell beeinflusstes Werk, das in seinen Anfängen von einem Expressionismus geprägt ist, der allmählich verschwindet, bis er zu einer minimalen Kalligrafie wird. Seit den siebziger Jahren hatte er Einzelausstellungen in bekannten Galerien wie Dau al Set in Barcelona, Quatre Gats in Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru in Sevilla oder Buades in Madrid und nahm auch an Arco (1984, 1988) teil. Außerdem hatte er Einzelausstellungen in New York, Amsterdam, Graz (Österreich) und Lissabon. Im Jahr 2012 wurde sein Werk in der Einzelausstellung "El viatge vertical" im MACBA in Barcelona gezeigt. Derzeit ist er in diesem Museum, der Fundació Vila Casas, der Sammlung La Caixa, dem Museo de Bellas Artes de Álava, der Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, dem Consejo Superior de Deportes und dem Ministerio de Cultura in derselben Stadt sowie in der Colección Caja Madrid vertreten. Kürzlich hat Claramunt in der renommierten Galerie Marc Domenech in Barcelona ausgestellt, der seine Ausstellung "Luis Claramunt. Años 80" ganz dem Werk des Künstlers widmete. Die Ausstellung, die im Mai 2016 stattfand, zeigte mehr als siebzig Werke, die die Vorliebe des Künstlers für urbane Räume demonstrierten, dargestellt durch eine völlig expressionistische Palette, in der eine dynamische und lebendige Farbpalette vorherrscht.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Los 63 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000) Unbetitelt. Öl auf Leinwand. Signiert im oberen linken Bereich. Maße: 100 x 84 cm; 101 x 85 cm (Rahmen). Der autodidaktisch ausgebildete Maler, Zeichner, Fotograf und Graveur Lluís Claramunt verbrachte sein Leben zwischen Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao und Marrakesch und entwickelte ein von Isidre Nonell beeinflusstes Werk, das in seinen Anfängen von einem Expressionismus geprägt ist, der nach und nach verschwindet, bis er sich in eine minimale Kalligrafie verwandelt. Seit den siebziger Jahren hatte er Einzelausstellungen in bekannten Galerien wie Dau al Set in Barcelona, Quatre Gats in Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru in Sevilla oder Buades in Madrid und nahm auch an Arco (1984, 1988) teil. Außerdem hatte er Einzelausstellungen in New York, Amsterdam, Graz (Österreich) und Lissabon. Im Jahr 2012 wurde sein Werk in der Einzelausstellung "El viatge vertical" im MACBA in Barcelona gezeigt. Derzeit ist er in diesem Museum, der Fundació Vila Casas, der Sammlung La Caixa, dem Museo de Bellas Artes de Álava, der Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, dem Consejo Superior de Deportes und dem Ministerio de Cultura in derselben Stadt sowie in der Colección Caja Madrid vertreten. Kürzlich hat Claramunt in der renommierten Galerie Marc Domenech in Barcelona ausgestellt, der seine Ausstellung "Luis Claramunt. Años 80" ganz dem Werk des Künstlers widmete. Die Ausstellung, die im Mai 2016 stattfand, zeigte mehr als siebzig Werke, die die Vorliebe des Künstlers für urbane Räume demonstrierten, dargestellt durch eine völlig expressionistische Palette, in der eine dynamische und lebendige Farbpalette vorherrscht.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 64 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000) Unbetitelt. Öl auf Leinwand. Es zeigt Verschleiß und Schmutz auf der Bildoberfläche. Signiert im oberen rechten Bereich. Maße: 100 x 82 cm; 101 x 83 cm (Rahmen). Der autodidaktisch ausgebildete Maler, Zeichner, Fotograf und Graveur Lluís Claramunt verbrachte sein Leben zwischen Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao und Marrakesch und entwickelte ein von Isidre Nonell beeinflusstes Werk, das in seinen Anfängen von einem Expressionismus geprägt war, der sich nach und nach auflöste und schließlich in eine minimale Kalligrafie überging. Seit den siebziger Jahren hatte er Einzelausstellungen in bekannten Galerien wie Dau al Set in Barcelona, Quatre Gats in Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru in Sevilla oder Buades in Madrid und nahm auch an Arco (1984, 1988) teil. Außerdem hatte er Einzelausstellungen in New York, Amsterdam, Graz (Österreich) und Lissabon. Im Jahr 2012 wurde sein Werk in der Einzelausstellung "El viatge vertical" im MACBA in Barcelona gezeigt. Derzeit ist er in diesem Museum, der Fundació Vila Casas, der Sammlung La Caixa, dem Museo de Bellas Artes de Álava, der Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, dem Consejo Superior de Deportes und dem Ministerio de Cultura in derselben Stadt sowie in der Colección Caja Madrid vertreten. Kürzlich hat Claramunt in der renommierten Galerie Marc Domenech in Barcelona ausgestellt, der seine Ausstellung "Luis Claramunt. Años 80" ganz dem Werk des Künstlers widmete. Die Ausstellung, die im Mai 2016 stattfand, zeigte mehr als siebzig Werke, die die Vorliebe des Künstlers für urbane Räume demonstrierten, dargestellt durch eine völlig expressionistische Palette, in der eine dynamische und lebendige Farbpalette vorherrscht. Es weist Gebrauchsspuren und Verschmutzungen auf der Bildoberfläche auf.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 65 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). Ohne Titel. Aquarell und Öl auf Papier. Signiert und gestempelt. Maße: 40 x 50 cm; 58 x 68 cm (Rahmen). Der in Madrid geborene und ausgebildete Künstler gehörte zu den Gründungsmitgliedern der Gruppe El Paso. Im Jahr 1954 hatte er seine erste Einzelausstellung mit nicht-figurativen Werken in der Galerie Buchholz in Madrid. Von diesem Zeitpunkt an stellte Feito regelmäßig in den wichtigsten Städten der Welt aus, wie Paris, Mailand, New York, Helsinki, Tokio und Rom. 1954 wurde er zum Professor an der Hochschule für Bildende Künste in San Fernando ernannt. Zwei Jahre später verließ er den Lehrstuhl und ging mit einem Stipendium nach Paris, um die aktuellen Avantgarde-Bewegungen zu studieren. In dieser Zeit wurde er vom Automatismus und der Materiemalerei beeinflusst. 1962 wurde er Gründungsmitglied der Gruppe El Paso, zu der er während seiner Jahre in Paris den Kontakt verloren hatte. Seine ersten Werke sind der figurativen Malerei zuzuordnen, um dann eine Phase zu durchlaufen, in der er mit dem Kubismus experimentiert, um schließlich ganz in die Abstraktion einzutreten. Zu Beginn verwendet er nur schwarze, ockerfarbene und weiße Farben, aber als er das Potenzial des Lichts entdeckt, beginnt er, lebhaftere Farben und glatte Flächen zu verwenden. Er entwickelte sich dazu, Rot als Kontrapunkt in seinen Kompositionen zu verwenden (seit 1962) und im Allgemeinen intensivere Farben. In seiner abstrakten Phase, die die 1970er Jahre umfasst, zeigt Feito eine deutliche Tendenz zur Vereinfachung, wobei der Kreis als geometrische Form in seinen Kompositionen vorherrscht. Möglicherweise zeigt sich der Einfluss der japanischen Kunst in seiner Vorliebe für große schwarze Flächen. Die meisten seiner Werke sind unbetitelt, so dass man sie in der Regel an einer ihnen zugewiesenen Nummer erkennt. Zu seinen Auszeichnungen gehört die Ernennung zum Offizier des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums im Jahr 1985. Im Jahr 1998 erhielt er die Goldmedaille der Schönen Künste in Madrid und wurde zum Vollmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando ernannt. Im Jahr 2000 erhielt er den Preis des Spanischen Verbandes der Kunstkritiker auf dem Salon Estampa, 2002 den Großen Preis der AECA für den besten internationalen Künstler auf der ARCO, 2003 den Preis für den bedeutendsten Künstler auf der Kunstmesse in Osaka (Japan), 2004 den Preis für die Kultur der plastischen Künste der Gemeinde Madrid, 2005 den Preis Francisco Tomás Prieto der Fábrica Nacional de Moneda y Timbre und 2008 den Preis der Stiftung Jorge Alió und den Großen Preis für zeitgenössische spanische Kunst CESMAI. Luis Feito ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter die Galerie für Moderne Kunst in Rom, das Guggenheim, das MoMA und die Chase Manhattan Bank in New York, die Museen für Moderne Kunst in Tokio, Paris, Rio de Janeiro und Montreal, das Lissone in Italien, usw.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 66 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). "Guadarrama II". 2004. Monotypie auf Leinwand, E/U-Kopie. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 140 x 100 cm. Der in Madrid geborene und ausgebildete Künstler gehörte zu den Gründungsmitgliedern der Gruppe El Paso. 1954 hatte er seine erste Einzelausstellung mit nicht-figurativen Werken in der Galerie Buchholz in Madrid. Von diesem Zeitpunkt an stellt Feito regelmäßig in den wichtigsten Städten der Welt aus, wie Paris, Mailand, New York, Helsinki, Tokio oder Rom. 1954 wird er zum Professor an der Hochschule für Bildende Künste in San Fernando ernannt. Zwei Jahre später gibt er die Lehrtätigkeit auf und geht mit einem Stipendium nach Paris, um die aktuellen Avantgarde-Bewegungen zu studieren. In dieser Zeit empfing er die Einflüsse des Automatismus und der Materialmalerei. 1962 trat er als Gründungsmitglied der Gruppe El Paso bei, zu der er während seiner Jahre in Paris den Kontakt verloren hatte. Seine ersten Arbeiten sind der figurativen Malerei zuzuordnen, dann durchläuft er eine Phase, in der er mit dem Kubismus experimentiert, um schließlich ganz in die Abstraktion einzutauchen. Zunächst verwendete er nur schwarze, ockerfarbene und weiße Farben, aber als er das Potenzial des Lichts entdeckte, begann er, lebhaftere Farben und glatte Flächen zu verwenden. Seit 1962 verwendet er Rot als Kontrapunkt in seinen Kompositionen und generell intensivere Farben. In seiner abstrakten Phase, die die 1970er Jahre umfasst, zeigt Feito eine deutliche Tendenz zur Vereinfachung, wobei der Kreis als geometrische Form in seinen Kompositionen vorherrscht. Möglicherweise zeigt sich der Einfluss der japanischen Kunst in seiner Vorliebe für große schwarze Bänder. Die meisten seiner Werke tragen keine Titel, so dass man sie in der Regel an der ihnen zugewiesenen Nummerierung erkennt. Unter seinen Auszeichnungen ragt die Ernennung zum Offizier des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums im Jahr 1985 heraus. 1998 erhielt er die Goldmedaille der Schönen Künste in Madrid und wurde zum Vollmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando ernannt. Im Jahr 2000 wurde er mit dem Preis der spanischen Vereinigung der Kunstkritiker beim Salon Estampa ausgezeichnet, 2002 mit dem Großen Preis der AECA für den besten internationalen Künstler bei der ARCO, 2003 mit dem Preis für den bedeutendsten Künstler bei der Kunstmesse in Osaka (Japan), 2004 mit dem Preis für die Kultur der plastischen Künste der Gemeinde Madrid, 2005 mit dem Preis Francisco Tomás Prieto der Nationalen Münz- und Briefmarkenfabrik und 2008 mit dem Preis der Stiftung Jorge Alió und dem Großen Preis der spanischen zeitgenössischen Kunst CESMAI. Luis Feito ist in den bedeutendsten Museen der Welt vertreten, darunter die Galerie für Moderne Kunst in Rom, das Guggenheim, das MoMA und die Chase Manhattan Bank in New York, die Museen für Moderne Kunst in Tokio, Paris, Rio de Janeiro und Montreal, Lissone in Italien usw.

Schätzw. 1 700 - 1 800 EUR

Los 67 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). Ohne Titel, 1977. Tinte auf Papier. Signiert, datiert und gewidmet "für meinen Freund Martí". Maße: 29,5 x 19 cm; 40 x 30 cm (Rahmen). Auf dieser Originalzeichnung von Dalí aus dem Jahr 1977 ist der Heilige Georg zu Pferd und mit einer Waffe bewaffnet zu sehen. Dalí erfand die Ikonographie dieses Heiligen neu, indem er ihn in Landschaften des Empordà oder in Umgebungen platzierte, die sich auf mystische Wüsten beziehen, wie die, die diese Komposition inspiriert. Bei anderen Gelegenheiten interpretierte er das Thema des Heiligen Georg und des Drachens in der Sprache der Bildhauerei neu. Dalí war daran interessiert, die Dualität zwischen Leben und Tod, zwischen dem Vergänglichen und dem Ewigen, den dunklen Kräften der Nacht und denen des Tages, dem Schlaf und der Vernunft darzustellen. Aus diesem Grund wählte er emblematische Figuren wie den Heiligen Georg oder Don Quijote, denen er auch unzählige Zeichnungen widmete. Salvador Dalí war einer der größten Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, einer wesentlichen Verbindung des Realen mit dem Imaginären. In seinen frühen Jahren entdeckte Dalí die zeitgenössische Malerei bei einem Familienbesuch in Cadaqués, wo er die Familie von Ramon Pichot kennenlernte, einem Künstler, der regelmäßig nach Paris reiste. Auf Anraten von Pichot begann Dalí, bei Juan Núñez Malerei zu studieren. Im Jahr 1922 wohnte Dalí in der berühmten Residencia de Estudiantes in Madrid, um ein Studium der Schönen Künste an der Akademie San Fernando zu beginnen. Vor seiner Abschlussprüfung im Jahr 1926 wurde er jedoch von der Schule verwiesen, weil er behauptete, dass es dort niemanden gab, der ihn hätte prüfen können. Im selben Jahr reiste Dalí zum ersten Mal nach Paris. Dort lernte er Picasso kennen und legte einige formale Merkmale fest, die von da an für sein gesamtes Werk charakteristisch sein sollten. Während dieser Zeit stellte Dalí regelmäßig in Barcelona und Paris aus und schloss sich der surrealistischen Gruppe im Pariser Viertel Montparnasse an. Dank des Kunsthändlers Julian Levy landet der Maler 1934 in Amerika. Mit seiner ersten Einzelausstellung in New York wurde sein internationaler Ruf endgültig gefestigt, und seither stellt er seine Werke in der ganzen Welt aus und hält Vorträge. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von der Sammlung des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 68 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) "Die Gräfin DuBarry. 1977. Tinte auf Karton. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Beiliegendes Zertifikat der Stiftung Gala-Dalí. Maße: 28 x 21 cm (Papier); 35,5 x 27 cm. Die Gänsestopfleberfabrik Comtesse du Barry könnte diese Zeichnung bei Dalí in Auftrag gegeben haben, um für ihr Produkt zu werben. Die legendäre Stopflebermarke wählte den Namen als Hommage an die Hofdame Ludwigs XV., die letzte Mätresse des Königs, deren Name mit diesem Gourmetessen aus Entenleber verbunden ist, dem Tier, das die Dame in Dalís Zeichnung begleitet. Der Maler und Bildhauer Salvador Dalí war einer der führenden Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, einer wesentlichen Verbindung des Realen mit dem Imaginären. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von den Sammlungen des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), des Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder des Dalí Universe in London.

Schätzw. 4 500 - 6 000 EUR

Los 69 - LUIS SEOANE LÓPEZ (Buenos Aires, 1910 - A Coruña, 1979). "Stilleben". 1969. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am unteren Rand. Provenienz: Sammlung José María Moreno Galván. Maße: 30 x 40 cm; 33 x 43 cm (Rahmen). Szene des Innenraums, in dem der Künstler arrangiert ein wiederkehrendes Thema in der Geschichte der Kunst, wie es ist das Stillleben. Allerdings stellt er dieses Genre von einem modernen Standpunkt aus dar, wo der Künstler mit der Gegenüberstellung von elementaren Formen und einer Reihe von gesättigten Farben spielt, die in Flächen aufgetragen werden, die verdünnt und unabhängig von Objekten und Realismus sind. Der Zeichner, Maler, Graveur und Schriftsteller Luis Seoane wurde in A Coruña ausgebildet, wo er als Rechtsanwalt arbeitete und Mitglied der Partigo Galeguista war. 1936 ließ er sich in Buenos Aires nieder. In seiner Jugend beteiligte er sich an den politischen und kulturellen Aktivitäten der Studenten von A Coruña, und laut dem Historiker und Journalisten Carlos Fernández Santander könnte Seoane der Autor sein, der unter dem Pseudonym Hernán Quijano das Buch "Galicia Mártir. Episoden des weißen Terrors in den galicischen Provinzen", ein Buch, das 1938 in Paris und Argentinien veröffentlicht wurde. 1932 schloss er sein Studium der Rechts- und Sozialwissenschaften in Santiago de Compostela ab, und in diesen Jahren begann er seine Karriere in verschiedenen Bereichen. So engagierte er sich zwischen 1927 und 1933 in republikanischen und autonomen linken Parteien, illustrierte Bücher und Zeitschriften und veranstaltete seine ersten Ausstellungen. 1934 kehrte er von Santiago nach A Coruña zurück und begann als Anwalt zu arbeiten, während er mit Huici, Cebreiro, Fernández Mazas, Del Valle, Julio J. Casal, Francisco Miguel und anderen zusammenkam. Im selben Jahr trat er der Partido Galeguista bei. Zwei Jahre später beteiligte er sich an der Kampagne für das Autonomiestatut, doch als der Krieg ausbrach, war er gezwungen, in die argentinische Hauptstadt zu fliehen. Nachdem er sich in Buenos Aires niedergelassen hatte, hielt er Kontakt zu anderen Landsleuten, die vom Franco-Regime vertrieben worden waren, darunter der Maler Leopoldo Nóvoa und die Aktivistin María Miramontes. Dort veröffentlichte er 1937 sein erstes Buch, "Trece estampas de la traición". Drei Jahre später gründete er die Sammlungen "Hórreo" und "Dorna" bei EMECÉ Editores, und 1943 rief er die Zeitschrift "Correo Literario" und Editorial Nova ins Leben. Zwei Jahre später wurde seine "Homenaje a la Torre de Hércules" (Hommage an den Turm des Herkules) in New York ausgezeichnet. Im Jahr 1948 gründete er den Verlag Botella al Mar, und im folgenden Jahr unternahm er eine Europareise und stellte in London aus. Zwischen 1952 und 1962 stellte er in New York aus, gründete die Zeitschrift "Galicia Emigrante" und den Verlag Citania und wurde mit Preisen wie der Medaille der Weltausstellung von Brüssel, der Medaille des Senats der argentinischen Nation (1958) oder dem Palanza-Preis (1962) ausgezeichnet. Gleichzeitig arbeitete er für die Galerie Gordons in Buenos Aires, die von Roberto Mackintosh, einem Experten und Kenner seiner Werke, geleitet wurde. In den letzten Jahrzehnten seines Lebens wechselte er seinen Aufenthalt in Amerika mit Reisen nach Galicien ab, und 1977 wurde die erste Gesamtausgabe seines poetischen Werks veröffentlicht. Zwischen 1963 und 1979 stellte er in Spanien, Deutschland, Italien, der Schweiz, Brasilien und anderen Ländern aus. Im Jahr 1994 wurde ihm der Tag der galicischen Buchstaben gewidmet, und 2003 widmete ihm das Galicische Zentrum für Zeitgenössische Kunst in Santiago de Compostela eine bedeutende Retrospektive, die später im Museum für Moderne Kunst in Buenos Aires gezeigt wurde. Derzeit ist er unter anderem in der Sammlung Caixanova vertreten.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 70 - TAKASHI MURAKAMI (Tokio, 1962). "Kaikai und Kiki Sammlerstücke", 2018. Vinyl. Limitierte Auflage von 80 Exemplaren. Von Takashi Murakami für Teint. In ihren Originalboxen. Abmessungen: 22 x 15 x 9 cm (Kaikai); 19 x 14 x 9 x 9 cm (Kiki); 28 x 19 x 13 cm (Box x2). Kaikai und Kiki sind zwei der großen Ikonen des berühmten japanischen Künstlers Takashi Murakami. Sie stellen zwei spirituelle Wächter dar, die ab dem Jahr 2000 Gestalt annahmen. Sie erscheinen oft in ihrer skulpturalen Form, wie hier, haben aber auch in Animationsfilmen die Hauptrolle gespielt. Kaikai, lächelnd und freundlich, ist weiß, hat Hasenohren und ist offensichtlich gut gelaunt, während ihr bösartiges Gegenstück, Kiki, einen rosafarbenen Körper, kleine Ohren, drei Augen und ein verschmitztes Lächeln hat, das durch ihre Vampirzähne noch verstärkt wird. Ihr Name Kaikai Kiki steht in japanischen Schriftzeichen auf ihren Ohren, was mit "übernatürlich, seltsam" übersetzt werden kann. Jahrhundert auftauchte, um die Werke des Malers Kano Eitoku zu beschreiben, dem Schöpfer des Kano-Stils, dessen Ästhetik eine Mischung aus Seltsamkeit und Raffinesse, aus Groteske und Zartheit war. Außerdem gründete Murakami 2001 die Firma KaiKai and Kiki Co., die die Arbeit der 1996 gegründeten Fabrik Hiropon übernahm. Die Ziele des Unternehmens sind die Unterstützung der Produktion und Förderung von Kunstwerken, die Betreuung und Unterstützung junger Künstler und die Verbreitung ihrer Werke. Die Verwendung von "Helden" oder Figuren aus Comics oder der urbanen Kultur als Protagonisten seiner Kunst sind Erben der Pop-Art. Murakami bietet jedoch eine neue Perspektive auf das, was als Pop bezeichnet wird. Er bringt eine radikal neue Vision ein, indem er mit Elementen der östlichen Kultur spielt. Es ist ihm gelungen, seine eigenen Eigenheiten auf dem westlichen Markt einzuführen, indem er kleine, dynamische und wiedererkennbare Elemente eingebaut hat, die von beiden Kulturen, die scheinbar so unterschiedlich sind, assimiliert werden können. Murakami ist einer der einflussreichsten Künstler der japanischen Nachkriegsgeneration. Takashi Murakami wurde an der Nationalen Universität der Schönen Künste und Musik in Tokio ausgebildet, wo er einen Abschluss in Nihonga (traditioneller japanischer Malerei) machte. Im Jahr 1990 wurde er von seinem Partner und Freund Masato Nakamura in die zeitgenössische Kunst eingeführt, und 1993 schuf er sein Alter Ego Mr. DOB. Von da an wurde er innerhalb und außerhalb Japans für seine besondere Synthese zwischen traditioneller japanischer Kunst, den zeitgenössischen Strömungen seines Landes (Anime, Manga...) und der amerikanischen Kultur, insbesondere der Popkultur, anerkannt. In seinem Werk vermittelt Murakami eine kritische Vision der gegenwärtigen japanischen Gesellschaft, des Erbes der kulturellen Tradition des Landes, seiner Entwicklung nach dem Zweiten Weltkrieg und seiner Beziehung zur westlichen Welt, insbesondere zu den Vereinigten Staaten. In seinen Schriften prägte er den Begriff "Superflat", um seinen persönlichen künstlerischen Stil zu definieren, ein Begriff, der zu einem Werk passt, das durch Zweidimensionalität gekennzeichnet ist und das auch die Struktur der Kunst selbst kritisiert, indem es die Grenzen zwischen Hoch- und Niederkultur verwischt. Tatsächlich umfasst sein Schaffen mehrere Kunstformen, von Malerei und Skulptur bis hin zu Industriedesign, Anime, Mode und anderen Medien der Populärkultur sowie Merchandising-Objekten. Seine Ausstellungstrilogie "Superflat" (2000, 2002 und 2005) wurde in wichtigen Kunstzentren auf der ganzen Welt gezeigt, darunter die Parco Gallery in Tokio, das MOCA in Los Angeles, die Fondation Cartier in Paris oder die Serpentine Gallery in London. Zwischen 2008 und 2009 fanden außerdem retrospektive Ausstellungen im MOCA, dem Brooklyn Museum in New York und dem Museum für Moderne Kunst in Frankfurt statt.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 71 - JAVIER TERCERO (Valdepeñas, Ciudad Real, 1970). Unbetitelt. Zyklische Universen Serie V, 2022. Acryl und Aerosol auf Leinwand. Beigefügter Katalog des Autors. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 181 x 120 cm. Javier Tercero, Valdepeñas, studierte technisches Design und plastische Künste, mit Spezialisierung auf "Künstlerische Fotografie", an der EASDAL in Tomelloso (C. Real). Er hat Einzelausstellungen gehabt in: Kulturzentrum "Cecilio Muñoz Fillol", Stadtmuseum und Ausstellungszentrum La Confianza de Valdepeñas; Ausstellungshalle-Primavera-Casa del Reloj, Madrid; Centro de las Artes, Alcorcón (Madrid); IES Ramón Giraldo de Villanueva de los Infantes und EASDAL Antonio López, Tomelloso. Er hat auch an anderen kollektiven Arbeiten teilgenommen, von denen wir folgende hervorheben: IX Gregorio Prieto Nationaler Wettbewerb, Valdepeñas und Museum der Stadt Madrid; X Wettbewerb der plastischen Künste Ángel Andrade von Ciudad Real; LXII Nationale Ausstellung der plastischen Künste von Valdepeñas; VI Wettbewerb Kunst und Energie Union Fenosa; IX Nationaler Wettbewerb Vela Zanetti (Burgos); Paloma Sanz Galerie (Madrid); Internationaler Wettbewerb der Fotografie PHOCO; Jesús Bárcenas Preis der Malerei Städtisches Museum von Valdepeñas und López Villaseñor von Ciudad Real. Seine Werke befinden sich in zahlreichen Sammlungen von großer künstlerischer Bedeutung, darunter die Sammlung der Junta de Comunidades de Castilla la Mancha, die Sammlung des Instituts Fernando Zóbel. Cuenca, die Provinzverwaltung von Ciudad Real, die Stadtverwaltung von Manzanares, die Sammlung zeitgenössischer Kunst der UNION FENOSA. Museo de Pintura Hispanoamericana de Palacio de Losada und die Stadtverwaltung von Torrelavega, Kantabrien. Neben vielen anderen Sammlungen. Der Katalog des Autors ist beigefügt.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 72 - JAVIER TERCERO (Valdepeñas, Ciudad Real, 1970). Unbetitelt. Zyklische Universen Serie V, 2022. Acryl und Aerosol auf Leinwand. Beigefügter Katalog des Autors. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 181 x 120 cm. Javier Tercero, Valdepeñas, studierte technisches Design und plastische Künste, mit Spezialisierung auf "Künstlerische Fotografie", an der EASDAL in Tomelloso (C. Real). Er hat Einzelausstellungen gehabt in: Kulturzentrum "Cecilio Muñoz Fillol", Stadtmuseum und Ausstellungszentrum La Confianza de Valdepeñas; Ausstellungshalle-Primavera-Casa del Reloj, Madrid; Centro de las Artes, Alcorcón (Madrid); IES Ramón Giraldo de Villanueva de los Infantes und EASDAL Antonio López, Tomelloso. Er hat auch an anderen kollektiven Arbeiten teilgenommen, von denen wir folgende hervorheben: IX Gregorio Prieto Nationaler Wettbewerb, Valdepeñas und Museum der Stadt Madrid; X Wettbewerb der plastischen Künste Ángel Andrade von Ciudad Real; LXII Nationale Ausstellung der plastischen Künste von Valdepeñas; VI Wettbewerb Kunst und Energie Union Fenosa; IX Nationaler Wettbewerb Vela Zanetti (Burgos); Paloma Sanz Galerie (Madrid); Internationaler Wettbewerb der Fotografie PHOCO; Jesús Bárcenas Preis der Malerei Städtisches Museum von Valdepeñas und López Villaseñor von Ciudad Real. Seine Werke befinden sich in zahlreichen Sammlungen von großer künstlerischer Bedeutung, darunter die Sammlung der Junta de Comunidades de Castilla la Mancha, die Sammlung des Instituts Fernando Zóbel. Cuenca, die Provinzverwaltung von Ciudad Real, die Stadtverwaltung von Manzanares, die Sammlung zeitgenössischer Kunst der UNION FENOSA. Museo de Pintura Hispanoamericana de Palacio de Losada und die Stadtverwaltung von Torrelavega, Kantabrien. Neben vielen anderen Sammlungen. Der Katalog des Autors ist beigefügt.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 73 - SILVIA GOYTÍA (Buenos Aires, Argentinien, 1958). "Die unbekannte Struktur", 2014. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 100 x 100 cm. Nach den eigenen Worten der Künstlerin geht ihre Malerei "von den Slogans des Konstruktivismus aus, der zunächst "amerikanistisch" war und sich später mehr der Geometrie zuwandte". Obwohl sie sich zunächst für ein Jurastudium entschied, absolvierte sie einen Aufbaustudiengang in Bildhauerei an der Nationalen Schule von Buenos Aires Prilidiano Pueyrredón und wurde an derselben Schule zur Lehrerin für Bildende Kunst ausgebildet. Er vertiefte seine künstlerische Ausbildung in den Werkstätten renommierter Künstler wie rnesto Pesce, Adolfo Nigro, Alberto Delmonte, Jorge Gamarra und Julian Agosta. Im Laufe seiner Karriere hat er an zahlreichen Ausstellungen sowohl kollektiv als auch individuell auf internationaler Ebene teilgenommen, wie zum Beispiel in der Settemari Art Gallery. Punta del Este, Uruguay, der Forma Art Gallery, dem British Art Council, der Cremolatta Gallery in Miami, der San Diego Art Fair (USA), der Sala Dalmau in Barcelona und dem American Art Museum of Uruguay und vielen anderen. Darüber hinaus wurde sie im Laufe ihrer Karriere mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, wie dem Ersten Preis der Nationalbibliothek, dem Ersten Preis des SAAP-Salons im Museum für moderne Kunst und dem Ersten Preis für Bildhauerei im Salon der plastischen Künstler von San Isidro und vielen anderen.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 74 - SILVIA GOYTÍA (Buenos Aires, Argentinien, 1958). "Mineralische Struktur", 2014. Öl auf Leinwand. Signiert im unteren mittleren Bereich. Auf der Rückseite datiert und betitelt. Maße: 100 x 120 cm. In den Worten der Künstlerin selbst, ihre Malerei "nimmt als Grundlage die Slogans des Konstruktivismus, zunächst "Americanist" und später mehr geneigt, Geometrie". In diesem Werk verwendet die Autorin eine abstrakte Sprache, die auf einer unregelmäßigen Geometrie basiert und sowohl in der Anordnung als auch in den Farben einen organischen Charakter aufweist. Es handelt sich um einen offenen Stil, dessen grundlegendes Merkmal die Auffassung der Bildfläche als Ganzes ist, als ein offenes Feld, ohne Grenzen und ohne Hierarchie. So sind die Bildformen, wie wir hier sehen, das Ergebnis einer durchdachten Komposition und des Experimentierens mit einem Bild von gestischem Charakter, beschränken sich nicht auf eine Komposition, sondern gehen darüber hinaus und weisen den Betrachter darauf hin, dass es sich um Formen, Ideen oder Anregungen handelt, die über die Grenzen des rein Malerischen hinausgehen. Obwohl er sich zunächst für ein Jurastudium entschied, absolvierte er einen Aufbaustudiengang in Bildhauerei an der Escuela Nacional de Buenos Aires Prilidiano Pueyrredón und ließ sich an derselben Schule zum Lehrer für Bildende Kunst ausbilden. Er vertiefte seine künstlerische Ausbildung in den Werkstätten renommierter Künstler wie rnesto Pesce, Adolfo Nigro, Alberto Delmonte, Jorge Gamarra und Julian Agosta. Im Laufe seiner Karriere hat er an zahlreichen Ausstellungen sowohl kollektiv als auch individuell auf internationaler Ebene teilgenommen, wie zum Beispiel in der Settemari Art Gallery. Punta del Este, Uruguay, der Forma Art Gallery, dem British Art Council, der Cremolatta Gallery in Miami, der San Diego Art Fair (USA), der Sala Dalmau in Barcelona und dem American Art Museum of Uruguay und vielen anderen. Darüber hinaus wurde sie im Laufe ihrer Karriere mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, wie dem Ersten Preis der Nationalbibliothek, dem Ersten Preis des SAAP-Salons im Museum für moderne Kunst und dem Ersten Preis für Bildhauerei im Salon der plastischen Künstler von San Isidro und vielen anderen.

Schätzw. 4 500 - 5 500 EUR

Los 75 - EUGENIO MERINO, (Madrid, 1975). "Deadball", 2011. Patinierte Bronze. Maße: 27 x 19 x 27 cm. Wir sehen hier einen Schädel mit einem überentwickelten Schädel, der die Form eines Fußballs annimmt. Mit seinem üblichen Sarkasmus inspiriert von der Schädelverlängerung, die in den oligarchischen Klassen der ältesten Kulturen praktiziert wurde (wie man an den Fossilien von Paracas sehen kann), fügt Eugenio Merino hier einen sarkastischen Kommentar über die geistige Umformatierung ein, die den Fußball zu einem großen Geschäft der Technokraten und Millionäre gemacht hat. Eugenio Merino ist vor allem für die Kontroversen bekannt, die er mit seinen Werken auslöst: vom "Jaffar suicida" der Ausstellung "Mondolirondo" im Jahr 2006 über die Installation "Starway to heaven" bis hin zu "Always Franco" (präsentiert bei ARCO) oder "For the Love of Go(l)d". Er begann mit der Malerei, mit Werken, die weniger Inhalt hatten als die jetzigen (nach seinen eigenen Worten war die Wende in seiner Karriere auf die Langeweile mit den gleichen Prozessen zurückzuführen und darauf, dass er als Betrachter seiner eigenen Werke nichts mehr fühlte). Er zeigt sein politisches Werk, typisch für einen Schöpfer, der, bedingt durch seine Zeit, seine soziale Ideologie auf seine Hände und von dort auf das bildhauerische Werk überträgt, das den Betrachter (so wie es sein sollte) überrollt. Er hat an der Universität Complutense in Madrid Kunst studiert und hatte Einzelausstellungen unter anderem in der Unix Gallery (Houston, USA), Unix Fine Arts (New York, USA), ADN Galería (Barcelona, Spanien), Jerome Zodo Gallery (Mailand, Italien) und Louis 21 (Madrid, Spanien). Er hatte zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen und nahm an einer Reihe von Kunstmessen teil, wie Volta NY, Volta Basel, ARCO (Madrid). Art Brussels, FIAC (Paris), Armory Show, Arte Fiera (Bologna), Art BO (Bogota), MACO (Mexiko), Art Wynwood (Miami) und stellte im MOCA Museum in Taipeh und im BPS22 in Charleroi (Belgien) aus.

Schätzw. 5 500 - 6 500 EUR

Los 76 - ARNO BREKER (Elberfeld, Deutschland, 1900-Düsseldorf, Deutschland, 1991) & SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904-1989). "Dalí-Morphose", 1974-1975. Patinierte und vergoldete Bronze. Sockel aus Marmor. Signiert von Arno Breker. Ausstellungen: - "Hommage an Salvador Dalí", Schloss Nörvenich, Deutschland, eröffnet von Philipp VI, damals Fürst, 1991. - Hundertjahrfeier der Geburt von Salvador Dalí", 2004, unter der Schirmherrschaft von S.M. Juan Carlos I. und Königin Sofia von Spanien. Maße: 28 x 15,5 x 15 cm (ohne Sockel); 36 cm (Höhe mit Sockel). 1974 lud Salvador Dalí den von ihm sehr geschätzten deutschen Bildhauer Arno Breker zur Einweihung des Dalí-Museums in Figueras (Spanien) ein. Dort stellte der Deutsche eine Marmorbüste von Jean Cocteau aus, die Dalí selbst angefordert hatte, und schilderte das Erlebnis so: "Nach seiner Rede führte er selbst die Gäste durch das Museum. Und als wir den Raum erreichten, in dem die Büste stand, fragte er: "Wo ist Breker?" Sie suchten nach mir und ich ging auf ihn zu. Dalís Gespräch drehte sich um mich. Vor dem Publikum umarmte er mich fest und dankte mir dafür, dass ich dem Museum die Cocteau-Büste geschenkt hatte. Von einem Moment auf den anderen nahmen sie mir die Büste weg. Aber Dalí tat das mit einem solchen Charme, dass ich nicht nein sagen konnte." (Auszug aus dem Buch Schriften von Arno Breker). Im darauffolgenden Jahr und nach der Harmonie zwischen den beiden Künstlern während des Treffens, begannen sie eine Zusammenarbeit, die in der Realisierung von 10 einzigartigen und unwiederholbaren Skulpturen gipfelte. Zu diesem Zweck fertigte Breker außergewöhnliche Porträts des Figueras-Künstlers an, die später von Dalí selbst bearbeitet wurden, um ihnen seine unverwechselbare surrealistische Note zu verleihen. Der Maler und Bildhauer Salvador Dalí war einer der größten Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, die das Reale mit dem Imaginären verbindet. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von den Sammlungen des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London. Arno Breker studierte ab 1920 an der Kunstakademie in Düsseldorf. 1927 ging er nach Paris, wo er die Werke von Rodin und Charles Despiau kennenlernte. Im Jahr 1931 ging er nach Rom. Während einer Reise nach Florenz sah er Michelangelos David, was für ihn "wie ein kosmischer Ruf, wie ein Befehl, reiner Okkultismus" bedeutete, sich einer realistischen und harmonischen Skulptur zu widmen. 1936, anlässlich der Olympischen Spiele in Berlin, erhielt er den Auftrag für drei Statuen für das Stadion. Im Jahr 1938 erhielt er den Auftrag für zwei monumentale Statuen für den Eingang des Neuen Kanzleramtes, die das Schicksal seines Werkes markieren sollten. Als er eine Woche später das Projekt des Fackelträgers und des Schwertträgers vorstellte, war Adolf Hitler von den Entwürfen überzeugt, was den Beginn der fruchtbarsten Periode von Brekers Karriere markierte, da er offizieller Bildhauer des Regimes wurde. Bis 1945 gestaltete er Plätze und Alleen in der Hauptstadt des Dritten Reiches. Während des Zweiten Weltkriegs blieb jedoch nicht einmal ein Viertel seiner Werke von feindlichen Bombardierungen und Vandalismus durch die Invasionstruppen verschont. Nach dem Zweiten Weltkrieg widmete sich Breker weiterhin sowohl der Architektur als auch der Bildhauerei, wie das Gebäude für eine Versicherungsgesellschaft in Köln im Jahr 1955 oder das Reiterstandbild des marokkanischen Königs Mohammed V. zeigen. Zu den bekannten Gesichtern, die der Bildhauer porträtierte, gehören Salvador Dalí, Ezra Pound, die Sportlerin Ulrike Meyfarth und Baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 77 - JAMES RIELLY (Wales, 1956). "Mit oder ohne Gott an unserer Seite", 2017. Acryl auf Leinwand. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 125 x 104,5 cm. James Rielly wurde 1956 in Wales geboren. Heute lebt und arbeitet er zwischen Paris und Südfrankreich. Der britische Maler James Rielly beschäftigt sich in seinen sehr charakteristischen Werken mit den Klischees, Ideologien und Metaphern von Kindern. Mit seinen subversiven und manchmal surrealen Porträts von Kindern im Schulalter mit strahlenden Augen setzt sich Rielly mit sozialen Spannungen und Bildtraditionen auseinander. Seine bekanntesten Serien sind Casual Influences (2000) und Sensible Ways (96-97), die aus großformatigen Porträts bestehen, die von Geschichten und Bildern aus lokalen Zeitungsartikeln inspiriert wurden. Indem er bestimmte Eigenschaften und Rollen von Kindern hervorhebt, verdeutlichen Riellys Werke die dysfunktionale Natur der Erwachsenen. Seit 1983 hat Rielly seine Bilder in zahlreichen Einzelausstellungen gezeigt, unter anderem im Museum der Schönen Künste von Nantes, Nantes, Frankreich, in der Spencer Brownstone Gallery, New York, im Fond Regional d'Art Contemporain Auvergne, Clermont-Ferrand, im Centro de Arte de Salamanca (CASA), Salamanca, Spanien, im Centre d'Art Neuchâtel, Schweiz, und bei Scott White Contemporary Art, La Jolla, Kalifornien. 1995 erhielt er ein MOMART-Stipendium in der Tate Gallery und 1997 wurde er in die engere Auswahl für den Jerwood Prize genommen. Seit 2006 ist er Professor für Malerei an der Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris, Frankreich.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Los 78 - FRANCIS BACON (Dublin, 1909 - Madrid, 1992). Rechte Tafel des "Triptychons 1974-1977". 1981. Radierung und Aquatinta-Gravur auf Guarro-Papier, Kopie A.P 11/15. Herausgeber Polígrafa, Barcelona. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 39 x 29,5 cm (Grundriss); 65 x 50 cm (Papier); 68,5 x 53,5 cm (Rahmen). Radierung von Francis Bacon nach der rechten Tafel des Triptychons, das er nach dem Tod seines Geliebten George Dyer anfertigte, der 1971 in einem Pariser Hotel Selbstmord beging. Im Jahr 2008 wurde das Triptychon in London für 26,3 Millionen Pfund verkauft und brach damit beinahe den Rekord des Künstlers. Es handelt sich um eines der sogenannten "Schwarzen Triptychen", die Bacon nach dem Selbstmord von Dyer anfertigte. Der schwarze Regenschirm als bedrohliches Symbol war bereits in früheren Werken des Künstlers präsent, aber in diesem Triptychon sind die literarischen oder künstlerischen Bezüge verwässert, was die Lesart komplexer macht. Es ist ein unterwerfendes Werk. Der in Dublin in eine britische Familie hineingeborene anglo-irische Maler Francis Bacon war aufgrund seiner rohen, schockierenden und plastischen Bildsprache ein Schlüsselkünstler in der Entwicklung der Kunst des 20. Seine Kindheit verbrachte er zwischen Irland und England, und in der Pubertät schloss ihn sein Vater wegen seiner homosexuellen Neigungen aus der Familie aus. 1925 wurde er mit einem Freund der Familie nach Berlin geschickt, den er schließlich verführte. Zwischen 1927 und 1928 lebte er zwischen Berlin und Paris. In diesen Jahren entdeckte er Poussins "Das Massaker der Unschuldigen", ein Werk, das in ihm das Interesse für den Schrei und den Mund weckte. In diesen Jahren beschloss er, Maler zu werden, nachdem er eine Ausstellung mit mehreren Werken von Picasso besucht hatte. Er kehrte nach London zurück und begann seine künstlerische Ausbildung bei dem Australier Roy de Maistre, die er autodidaktisch absolvierte. Doch erst Mitte der 1940er Jahre (um 1944) markiert sein Triptychon "Drei Studien für Figuren am Fuße einer Kreuzigung" den Beginn seiner künstlerischen Karriere. Dieses Werk, das als eines der originellsten und verstörendsten in der Kunst des 20. Jahrhunderts gilt, markiert den Beginn von Bacons künstlerischer Reife, dessen Werk sich von da an auf das Thema des Lebens im Tod und des Todes im Leben konzentrieren wird und seinen eigenen selbstzerstörerischen Charakter widerspiegelt. Auch sein Werk ist von nun an von entblößten und verletzlichen menschlichen Figuren geprägt, ein Ausdruck von "Einsamkeit, Gewalt und Erniedrigung", wie er selbst sagt. Die Anerkennung seines reifen Werks erfolgte fast sofort, und 1949 erwarb das MoMA in New York eines seiner Werke. Da er in der internationalen Kunstszene bereits fest verankert war, fand 1955 seine erste Retrospektive im Institute of Contemporary Arts in London statt. Im Jahr 1959 hatte er eine Einzelausstellung im Rahmen der Biennale von São Paulo, und 1962 wurde ihm erneut eine Retrospektive zuteil, diesmal in der Tate Gallery in London. In den folgenden Jahren hatte Bacon wichtige Ausstellungen im Guggenheim Museum in New York (1963), im Grand Palais in Paris (1971) und im Metropolitan in New York (1975) sowie Retrospektiven im Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington D.C., dem Los Angeles County Museum of Art, dem MoMA in New York und dem Musée National d'Art Moderne in Paris. In jüngster Zeit hat die Tate Britain 2008 die bisher größte Retrospektive von Bacons Werk gezeigt. Bacon ist derzeit in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das MoMA und das Guggenheim in New York, das Art Institute of Chicago, das MUMOK und die Albertina in Wien, das Reina Sofia und das Thyssen-Bornemisza in Madrid, das SMAK in Gent und die Tate Gallery in London.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 79 - WILFREDO LAM (Sagua La Grande, Kuba, 1902 - Paris, 1982). Ohne Titel, 1966. Tinte auf Papier. Beiliegendes Zertifikat der Wilfredo Lam Foundation. Signiert in der oberen linken Ecke. Datiert und lokalisiert (Paris), im unteren rechten Bereich. Maße: 29,5 x 40 cm; 48 x 59 cm (Rahmen). In diesem Werk kann man die von Wilfredo Lam entwickelte künstlerische Sprache erkennen, die er in eine Reihe von Zeichen und ästhetischen Elementen übersetzt hat, die zu seiner eigenen Ikonographie wurden. In den vierziger Jahren begann Lam eine künstlerische Tätigkeit, die sich auf die Wurzeln eines Volkes stützt, das nach Ansicht des Malers seine Würde wiedererlangen sollte. Auf diese Weise verschmelzen die autochthonen Bezüge mit der in Europa erlernten Formensprache zu Werken, in denen bereits die Figuren des Yoruba-Pantheons auftauchen, die einen großen Teil seiner späteren Produktion bevölkern sollten. Wifredo Lam wurde in Havanna ausgebildet, wo er an der Schule der Schönen Künste studierte. In den frühen 1920er Jahren debütierte er mit einer Ausstellung im Salon der Vereinigung der Maler und Bildhauer der kubanischen Hauptstadt. 1923 zog er mit einem Stipendium des Stadtrats von Sagua La Grande nach Madrid, wo er seine Ausbildung in der Werkstatt von Fernando Alvarez de Sotomayor, dem Direktor des Prado-Museums und bekannten Lehrer von Salvador Dali, fortsetzte. Gleichzeitig besuchte er die Academia Libre del Pasaje de la Alhambra und besuchte den Prado, wo seine Vorliebe den Werken von Bosch, Brueghel und Goya galt. Nach und nach nimmt seine Malerei eine moderne Sprache an, die eine geometrische Struktur mit einer gewissen surrealistischen Ader verbindet. 1938 reiste er mit einem Empfehlungsschreiben von Manolo Hugué für Picasso nach Paris. Lam, der 1936 die Gelegenheit hatte, die Picasso-Ausstellung in Madrid zu besuchen, bezeichnete diese Erfahrung als "einen Schock". Im Jahr 1939 hatte er seine erste persönliche Ausstellung in Paris, zusammen mit Pierre Loeb. Während des Zweiten Weltkriegs bleibt Lam in der Karibik, wo er mit Vertretern der Avantgarde wie Masson und Breton in Kontakt kommt, die, fasziniert vom malerischen Werk des Kubaners, ihn bitten, sein Gedicht "Fata Morgana" (1940) zu illustrieren. Zurück in Kuba beginnt Lam eine künstlerische Tätigkeit, die sich auf die Wurzeln eines Volkes stützt, das nach Ansicht des Malers seine Würde wiedererlangen muss. Auf diese Weise verschmelzen die autochthonen Bezüge mit der in Europa erlernten Formensprache zu Werken, in denen bereits die Figuren des Yoruba-Pantheons auftauchen, die einen Großteil seiner späteren Produktion bevölkern sollten. In der zweiten Hälfte der vierziger Jahre lebte Lam abwechselnd in Kuba, New York und Paris, wo er sich 1952 niederließ. Sein internationales Ansehen wuchs nach und nach, und er hatte regelmäßig Ausstellungen in Galerien wie der Pierre Matisse Gallery in New York. In den folgenden Jahren reist er intensiv und lässt sich 1960 in Albisola Mare an der italienischen Küste nieder. Zwischen 1966 und 1967 finden mehrere Retrospektiven seines Werks in der Kunsthalle Basel, der Kestner-Gessellschaft in Hannover, dem Stedelijk Museum in Amsterdam, dem Museum of Modern Art in Stockholm und dem Palais des Beaux-Arts in Brüssel statt. Wifredo Lam ist u. a. im Guggenheim und im MoMA in New York, im Museo Patio Herreriano in Valladolid, in der Tate Gallery in London und im Museo Thyssen-Bornemisza vertreten. In der Anlage finden Sie ein Zertifikat der Wilfredo Lam Foundation.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 80 - TINA BERNING (Deutschland, 1969) & MICHELANGELO DI BATTISTA (Italien). "Valerie" 2016. Acryl und Holzkohle auf Ditone-Druck. Einzigartiges Stück. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 81 x 160 cm; 89 x 169,5 cm (Rahmen). Tina Berning ist eine in Berlin lebende Künstlerin und Illustratorin. Nachdem sie mehrere Jahre als Grafikdesignerin gearbeitet hatte, konzentrierte sich Tina Berning im Jahr 2000 auf das Zeichnen und Illustrieren. Seitdem werden ihre preisgekrönten Illustrationen weltweit veröffentlicht und erscheinen in vielen renommierten Anthologien. Tina Bernings Illustrationen erschienen unter anderem in der New York Times, dem Playboy (USA und Deutschland), der Vogue (Italien, Nippon, Deutschland), Die Zeit, der Süddeutschen Zeitung und dem Architectural Digest. Ihre frühe Leidenschaft für redaktionelle Illustrationen führte sie zu einer intensiven Betrachtung der menschlichen Figur. Die Reflexion der weiblichen Rolle in den Medien ist eines der zentralen Themen ihrer künstlerischen Arbeit. Ihre Arbeiten als bildende Künstlerin werden regelmäßig in Einzelausstellungen in den Vereinigten Staaten, Deutschland, Japan, den Niederlanden und Kanada gezeigt. Der Italiener Michelangelo Di Battista schloss seine formale Kunstausbildung in Mailand ab. Danach entschied er sich, nach New York zu gehen und sich an der renommierten School of Visual Arts einzuschreiben, wo er eine Ausbildung in Fotografie und Bildbearbeitung absolvierte. Dies schien die natürliche Wahl für ihn zu sein, der seine Mutter, eine Malerin, als großen Einfluss nennt, die ihn zusammen mit seinem Vater, einem Architekten, ermutigte und inspirierte, eine Karriere in der Welt der Mode und der Kunst zu verfolgen. Michelangelo Di Battista, der seit 20 Jahren in der Modewelt tätig ist, lebt in London und reist für seine zahlreichen Mode- und Werbeaufträge durch die ganze Welt. Michelangelo Di Battistas Hingabe und Leidenschaft für sein Handwerk hat einige der renommiertesten Namen der Mode- und Schönheitsindustrie angezogen, darunter Versace, Etro, Blumarine, Moschino, Guerlain, Shiseido, Maybelline, Clarins, L'Oreal, Prescriptives, Aveda, Givenchy, Nina Ricci, Lacoste, Tod's und Hugo Boss, um nur einige zu nennen. Sie hat mit einigen der wichtigsten Publikationen der Welt zusammengearbeitet, wie Vogue Italia, Vogue Germany, Vogue Japan, Vogue China und Harpers Bazaar. Hollywood-Schauspielerinnen und Künstlerinnen wie Natalie Portman, Gwyneth Paltrow, Julianne Moore, Jennifer Aniston, Scarlet Johansson, Hilary Swank, Cameron Diaz, Jennifer Lopez, Kristen Stewart, Beyonce, Rhianna und Gwen Stefani lieben es, von Michelangelo Di Battista fotografiert zu werden, denn er lässt die Frauen verführerisch und geheimnisvoll aussehen und fängt in jeder von ihnen einen Moment der Ruhe ein, der sie strahlen lässt. Michelangelo Di Battista hatte 2010 in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Tina Berning eine große Einzelausstellung in der weltberühmten Galerie Camera Work in Berlin. Michelangelo Di Battistas Frauenporträts (darunter die Supermodels Claudia Schiffer, Amber Valetta und Julia Stegner) verwischten zusammen mit Tina Bernings Applikationen die Grenzen zwischen Modefotografie, Zeichnung und Malerei.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 81 - SANDÚ DARIE (Roman, Rumänien, 1908 - Havanna, Kuba, 1991). Ohne Titel, ca. 1960. Acryl auf Holz, mit Relief. Signiert am unteren Rand. Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Pedro de Oraá. Maße: 45,5 x 76 cm. Die avantgardistischen Werke von Sandú Darie lassen sich nicht einordnen, da sie zwischen Malerei und Skulptur oszillieren und dabei versuchen, die Grenzen zwischen Kunst und Handwerk aufzuheben. Dies wird in diesem attraktiven Werk deutlich, in dem Rot und Schwarz auf Weiß ein Relief bilden, das eine imaginäre Bildsprache suggeriert. Trotz des Einflusses von Mondrian (siehe das Werk Broadway Boogie-Woogie aus dem Jahr 1949) komplexieren die Werke von Darie die Integration der Flächen und verleihen ihnen einen besonderen Rhythmus, der über den von Mondrian vorgeschlagenen formalen Minimalismus hinausgeht. Als multidisziplinärer Künstler arbeitete er in verschiedenen Bereichen der Kunst, darunter Bildhauerei, Malerei, Zeichnung, Keramik, Bühnenbild und Theaterkostümdesign. Seine akademische Ausbildung begann er 1926 in Paris im Bereich der Rechtswissenschaften. Sein Interesse an der Kunst und die künstlerische Atmosphäre von Paros führten Saurdu Darie jedoch autodidaktisch in die Welt der Kunst ein. In dieser Zeit verband der Künstler seine Ausbildung in Frankreich mit der Mitarbeit in progressiven Zeitschriften und Zeitungen in Rumänien und Frankreich, in denen er humorvolle Zeichnungen anfertigte. 1940 trat er als Freiwilliger in die französische Armee ein und kam ein Jahr später nach Kuba. Auf der Insel begann er, humoristische Zeichnungen anzufertigen, die einen großen Ruf erlangten und ihn seit 1942 zu einem Referenzkünstler machten. Seit 1949, dem Jahr seiner ersten Ausstellung in New York, begann er seine künstlerische Beziehung zu Gyula Kosice, dem Gründer der Gruppe "Arte Madí", und nahm so an den Ausstellungen dieser Gruppe und der Veröffentlichung von Artikeln in der Zeitschrift der Gruppe teil. Zwischen 1958 und 1961 war er Mitglied der renommierten Künstlergruppe "Diez Pintores Concretos", und 1964 drehte er zusammen mit Enrique Pineda Barnet den Dokumentarfilm "Cosmorama. Spatial Poem No. 1", eine experimentelle Studie über Formen und Strukturen in Bewegung. In den 70er Jahren folgte eine Reihe von Projekten für urbane architektonische Umgebungen, die kinetische Kunst als Sprache verwenden. 1982 war er Juror des Salón Paisaje'82, Museo Nacional de Bellas Artes, Havanna, und 1988 Juror des III Salón de Premiados, Museo Nacional de Bellas Artes, Havanna, Kuba.Sandú Daire Laver ist eine der herausragenden Persönlichkeiten der kubanischen Kunst. Er ist einer der wichtigsten Wegbereiter der Abstraktion sowohl in ihren lyrischen als auch in ihren geometrischen Aspekten. Ein Beispiel für seine Erfahrung mit geometrischer Abstraktion ist dieses plastische Werk, das aufgrund seiner formalen und strukturellen Merkmale in den 50er Jahren ausgeführt werden konnte. Außerdem ist er einer der größten Vertreter der kinetischen Kunst. Unter seinen zahlreichen Anerkennungen sind die Ehrenerwähnung des VIIII Salón de Pintura y Escultura del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana im Jahr 1956 und seine Ernennung zum Ehrenmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Den Haag (Holland) im Jahr 1975 hervorzuheben, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid und zahlreiche Privatsammlungen in der ganzen Welt sowie Institutionen wie die Casa de las Américas in La Hanana (Kuba) und das MoMA in New York, um nur einige zu nennen. In der Anlage finden Sie eine von Pedro de Oraá ausgestellte Urkunde.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 82 - DALILA GONÇALVES (Castelo de Paiva, Portugal, 1982). "Geknietes Gedächtnis", 2012. Keramik, Kacheln und Beton. Einzigartiges Stück. Ausgestellt in:-Kubic Gallery, "Dalila Gonçalves. Procedere é Processo", Porto 2012." Maße: 30 x 50 x 100 cm. "Kneaned Memory" ist einer der repräsentativsten Vorschläge der portugiesischen Künstlerin Dalila Gonçalves. In diesem Werk reflektiert sie über die Koexistenz von traditionellem Handwerk und zeitgenössischer Kunst mit Hilfe von Zementsteinen, an denen sie Keramikstücke anbringt, die auf traditionelle portugiesische Weise bemalt sind. Die Ausstellung wurde als Installation auf dem Blackenberge-Platz (Belgien) während der Beaufort Triennale 2012 präsentiert. "Kneaned Memory" ist in verschiedene Städte auf der ganzen Welt gereist und hat interkulturelle Dialoge geschaffen. Ausgehend vom experimentellen Spiel, der Durchlässigkeit von Materialien und den Prozessen der künstlerischen Praxis erforscht Dalila die Beziehung zwischen Erinnerung und Vergessen. Dalila Gonçalves lebt und arbeitet in Porto. Sie hat einen Abschluss in Bildender Kunst-Malerei (2005). Master in der Lehre der visuellen Künste (2009) von FBAUP und FPCEUP (Universität von Porto 2009). Im Jahr 2008 wurde sie für die zweite Ausgabe des Fotografiekurses des Gulbenkian-Programms für Kreativität und künstlerisches Schaffen ausgewählt. Zwischen 2010 und 2011 arbeitete sie in Barcelona im Atelier des Künstlers Ignasi Aballí als Stipendiatin des Programms Inov-art. Sie war Artist in Residence im KulturKontakt Programm, Wien, Österreich (2017); Inclusartiz Residency, Rio de Janeiro (2014); Pivô- Arte e Pesquisa Residency, São Paulo (2018); Marso Foundation, Mexico DF 2020, u.a.. Sie stellt regelmäßig in Institutionen und Galerien in verschiedenen Ländern Europas und Südamerikas aus. In diesen Ländern ist sie in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten. Sie präsentierte ihre Arbeiten unter anderem auf den Messen Arco Madrid (Soloprojekt); Zona MACO, Mexiko (Soloprojekt); ArcoLisboa; ArteRio und SPArte (Soloprojekt) Brasilien; ArtBO, Kolumbien; ArtLima-Peru; Vienna Artfair, Österreich; Artissima, Italien oder Untitled Miami (USA). In den Worten des Künstlers: "In meiner Arbeit gibt es einen Prozess des Sezierens, der Entdeckung von Objekten, Materialien und Werkstoffen in all ihren Schichten, bis es mir gelingt, sie von innen zu sehen. Ich spreche von einer Klärung, manchmal von ihrer Plastizität, manchmal von ihrer Geschichte, manchmal von ihrer Funktion, manchmal von allem gleichzeitig. Oft tue ich dies durch einen Prozess der poetischen Reorganisation der Prozesse des Sammelns, Systematisierens und Inventarisierens von alltäglichen und durch industrielle, natürliche, chronologische und atmosphärische Prozesse veränderten Materialien - ich betone ihre Singularitäten, das, was sie charakterisiert und einzigartig macht. Manchmal friere ich sie isoliert in einem bestimmten Zustand des Analyseprozesses ein; ein anderes Mal setze ich sie in einer Art experimentellem Spiel in einen Dialog mit anderen Objekten und schaffe so Erzählungen, die dokumentarisch oder fiktional sein können".

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 83 - "SIXEART" (Badalona, Barcelona, 1975). "Studien eines arbeitslosen Hundes", 2010. Gemischte Medien auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke. Maße: 100 x 73 cm; 104 x 77 cm (Rahmen). Sixeart oder Sixe Art, Sergio Hidalgo Paredes, ist ein autodidaktischer multidisziplinärer Künstler. Er begann seine künstlerische Laufbahn in den achtziger Jahren mit Graffiti-Malerei auf den Straßen Barcelonas. Ein Jahrzehnt später, Mitte der neunziger Jahre, begann er mit Bildhauerei und Malerei zu experimentieren, bis er 1998 die Notwendigkeit sah, sein eigenes Atelier zu eröffnen, das es ihm ermöglichte, sich als bildender Künstler zu definieren. Sixeart drückt mit seinem Werk ein eigenes Universum durch verschiedene Disziplinen aus; von seinen Anfängen an hat sich seine künstlerische Sprache zu dem entwickelt, was sie heute ist: ein abstraktes Universum aus Farbe, das mit Formen und Symbolen ausgestattet ist und gleichzeitig Einfachheit und Komplexität ausstrahlt. Sein malerisches Werk ist eine ausgewogene Mischung aus figurativem und abstraktem Werk, das sehr reich an Sensibilität ist. Sixeart geht von seinen Erfahrungen in der urbanen Landschaft als Hauptschöpfer aus; seine Tage in seiner Stadt Barcelona, die Melancholie der Stadt, seine Sorgen über die Evolution und ihre Folgen, die genetische Manipulation, eine Romantik für die Welt, die zurückbleibt, die Bilder, die in der Zeit verloren sind... all das konfiguriert sein persönliches plastisches Universum. Der Künstler gehört zusammen mit Nuria Mora, Nano4814 und Eltono zu El Equipo Plástico und hat seit 2000 Ausstellungen in Spanien, Deutschland, Frankreich, Italien, den Vereinigten Staaten, Belgien, Dänemark, England, Brasilien, Peru und Mexiko gemacht. Zu seinen letzten Ausstellungen gehören "New World - Intercontinental Transmutation" (A.L.I.C.E. Gallery, Brüssel, 2010), "From Chillida to Sixeart" (Mayoral Gallery, Barcelona, 2009), "Warriors" (N2 Gallery, Barcelona, 2009). Außerdem stellte er 2008 zusammen mit Blu, Faile, JR, Nunca und Os Gémeos in der Tate Modern in London in der Ausstellung "Street Art" aus.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 84 - JUAN CORTÉS AMAYA (Santa Coloma, Barcelona 2009). "Ensueño", 2020. Acryl auf Leinwand, Beiliegendes Zertifikat des Künstlers. Signiert im unteren mittleren Bereich. Auf der Rückseite betitelt und datiert. Maße: 100 x 100 cm; 106 x 106 cm (Rahmen). In seinem jungen Alter hat er bereits auf internationalen Messen, in Galerien und Museen ausgestellt, sowie in Monaco, Italien, Melilla, Madrid, Badalona und Barcelona, letzteres in Casa Seat. Seine Werke befinden sich bereits in Privatsammlungen berühmter Persönlichkeiten wie dem Fußballspieler Samu Catillejo, dem Sänger Diego el Cigala, dem Schauspieler Moreno Borja, dem Sänger Rasel, dem Tänzer Rafael Amargo, dem Sänger Nani Cortes und großen Geschäftsleuten. Das aus Santa Coloma de Gramanet, Barcelona, stammende Wunderkind malte sein erstes Werk im Alter von 6 Jahren. Im Alter von 10 Jahren hat Juanito seine Technik perfektioniert und produziert weiterhin "Action Painting"-Bilder, die zum ersten Mal in einer Kunstgalerie in Madrid ausgestellt werden und demnächst dem spanischen Publikum in Sevilla präsentiert werden und auf den amerikanischen Kontinent reisen, um in New York City ausgestellt zu werden. In seinem jungen Alter hat er bereits an mehreren Ausstellungen teilgenommen. Gruppenausstellungen: Spectrum, vom 12. bis 29. September 2018 in der Santana Art Galler. Miradas creativas" vom 4. bis 20. Oktober 2018 in der Santana Art Galler. Navidarte" vom 21. Dezember 2018 bis 5. Januar 2019 in der Kunstgalerie Santana. Internationales Kunstfestival" vom 21. März bis 5. April 2019 in der Kunstgalerie Santana. Internationale Eröffnungsausstellung (zweiter Teil) vom 3. Juli bis 16. Juli 2019 in der OCCO Art Gallery.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 85 - TANIA FONT (Palamós, Katalonien, 1978). "In Dekonstruktion XV". Zement, Eisen, Holz, Papier und verschiedene Patinas. Signiert auf der Rückseite. Maße: 70 x 64 x 40 cm. Tania Font erforscht mit ihrer Arbeit den Mangel an Kommunikation. Die Auswirkungen der Realität (Geräusche, klimatische Phänomene, gefühlsmäßige oder lebenswichtige Auswirkungen) auf den Geist des Einzelnen durch den subjektiven Blick, die persönliche Erfahrung, die mit Volumen anstelle von Text oder Worten erzählt wird. Tania Font hat ein Studium der Schönen Künste mit Schwerpunkt Zeichnung an der Fakultät der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona absolviert, eine Ausbildung, die sie mit zahlreichen Kursen in digitaler Kreation, Schmuck und Keramiktechniken ergänzt hat. Außerdem hat sie unter anderem bei dem Maler Manel Alcántara und dem Bildhauer Rodrigo Gordo gelernt. Mit der Kunst kam sie am Círculo Artístico de Palamós in Berührung, wo sie als Schülerin von Eduard de Cabrera begann, sich mit dem Zeichnen zu beschäftigen. Sie war eine Schülerin des Landschaftsmalers Isidre Vilaseca. Ihre erste Gemeinschaftsausstellung hatte sie in der Galerie Patrick Domken in Cadaqués. Sie war Residentin der Fabrik der Kreation Nau Bostik. Er hat an der monografischen Ausstellung von Josep Clarà im Museum Can Mario der Stiftung Vila Casas im Jahr 2020 mitgewirkt. Er hat auch an Messen wie Estampa, Volta Art Fair Basel, Art Montpellier teilgenommen.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 86 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Invisibles I". Kupferstich. Ausgabe Barberá, Barcelona. Mit Stempel. Signiert und gewidmet. Es stellt Falten im Papier. Abmessungen: 100 x 71 cm. Jaume Plensa studierte an der Schule von La Llotja und an der Hochschule der Schönen Künste von Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritters der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus und seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 87 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Atlantischer Ozean", 2001. Fettstift auf Papier. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 98 x 61 cm; 101 x 63,5 cm (Rahmen). In diesem Werk von Jaume Plensa nimmt die Weltkugel die Form eines menschlichen Gesichts an. Seine Augen blicken nach oben, als wolle er uns sagen, dass es etwas jenseits dessen gibt, was wir kennen, ein unbekanntes, rätselhaftes und für den Menschen unergründliches Universum. Jaume Plensa studierte an der Escuela de La Llotja und der Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritterordens der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus. Seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 88 - JOSÉ MANUEL BROTO (Zaragoza, 1949). Ohne Titel, 1989. Acryl und Collage auf Leinwand. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 146 x 144 cm. Der aragonesische Maler, der Teil der neuen Abstraktion der 1970er Jahre war, und eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Malerei, José Manuel Broto studierte an der Kunstgewerbeschule in Saragossa und stellte seine Werke zum ersten Mal 1968 aus (Galerie Galdeano), wobei er einen dem Konstruktivismus nahestehenden Stil zeigte. Im Jahr 1972 zog er nach Barcelona, wo er zusammen mit Javier Rubio, Xavier Grau und Gonzalo Tena die Gruppe Trama gründete. Mit dieser Gruppe stellte er 1976 seine Werke in der Galerie Maeght in Barcelona aus, unterstützt von Antonio Tàpies. Trama gab auch eine gleichnamige Kunstzeitschrift heraus, von der jedoch nur zwei Ausgaben erschienen (1976-1977). Nach der Auflösung der Gruppe wendet sich Broto jedoch einer dem abstrakten Expressionismus nahestehenden Sprache zu, die eine primitive Naturlandschaft in sein Werk einbezieht. Diese neuen Werke zeigt er in seiner ersten Einzelausstellung in Paris, die 1984 in der Galerie Adrien Maeght stattfindet. Im darauffolgenden Jahr verließ er Barcelona und ließ sich in der französischen Hauptstadt nieder, wo er zehn Jahre verbrachte und mit anderen spanischen Künstlern wie Barceló, Campano und Sicilia zusammentraf. Während seiner Zeit in Paris ersetzte Broto die romantischen Themen durch strengere und abstraktere Formen, und sein Werk füllte sich mit organischen Formen, die mit der asketischen und mystischen Tradition verbunden sind. Mitte der 1980er Jahre kehrte er nach Spanien zurück und ließ sich diesmal auf Mallorca nieder. Er ist bereits ein reifer Künstler und praktiziert eine Neoabstraktion, die direkt mit der katalanischen Schule der siebziger Jahre verbunden ist und in ihren Ursprüngen von den ästhetischen und plastischen Grundsätzen der französischen Gruppe Soporte/Superficie beeinflusst ist, die 1966 nach der von den konzeptuellen Bewegungen verursachten Unordnung eine Rückkehr zur Malerei forderte. Ab 1998 erweitert sich sein Themenspektrum um räumliche Figuren, Transparenzen, atmosphärische Formen usw., die mit einer farbigen Behandlung und einer strengen Struktur kombiniert werden. Im Laufe seiner Karriere hatte Broto zahlreiche Ausstellungen und wurde mit dem Nationalpreis für plastische Kunst (1995), dem ARCO-Preis des Kritikerverbandes (1997) und dem Aragón-Goya-Preis für Gravur (2003) ausgezeichnet. Im Jahr 1995 widmete ihm das Museum Reina Sofía in Madrid eine Retrospektive. Derzeit ist er im Museo de Arte Abstracto Español in Cuenca, im FRAC (Midi-Pyrénées, Frankreich), in der Chase Manhattan Bank Collection in New York, in der Juan March Foundation, im Reina Sofía, im Metropolitan Museum in New York, im Fond National d'Art Contemporain in Paris die Kampo Collection in Tokio, die Tàpies Foundation in Barcelona, die DOVE Collection in Zürich, das Ateneum in Helsinki, die Peter Stuyvesant Foundation in Amsterdam, die Maeght in Frankreich, La Caixa in Barcelona, die Preussag in Hannover und das IVAM in Valencia.

Schätzw. 9 000 - 11 000 EUR

Los 89 - JOSÉ MANUEL BROTO (Zaragoza, 1949). Ohne Titel, 1986. Acryl auf Leinwand. Signiert, datiert und lokalisiert (Paris) auf der Rückseite. Größe: 95 x 130 cm; 97 x 132 cm (Rahmen). Mit einem Bild mit gestischem Charakter beschränkt sich der Autor nicht auf eine Komposition, sondern geht darüber hinaus, indem er dem Betrachter zu verstehen gibt, dass es sich um Formen, Ideen oder Vorschläge handelt, die über die Grenzen des rein Malerischen hinausgehen, ein gestischer Strich, der mit der Farbe als einem plastischen Wert der Substanz verbunden ist. Ende der achtziger Jahre zeichnet sich das Werk von Broto durch seine Vorliebe für große Formate aus, in denen er diffuse und organische Formen mit geometrischen Elementen in einen Dialog bringt, wie in diesem Werk zu sehen ist, in dem verschiedene Elemente in einem unbestimmten und unkonkreten Raum zusammenzuleben scheinen. Der aragonesische Maler, der sich in die neue Abstraktion der siebziger Jahre einreiht, gilt als eine der wichtigsten Figuren der zeitgenössischen spanischen Malerei. José Manuel Broto studierte an der Kunstgewerbeschule in Zaragoza und stellte seine Werke erstmals 1968 aus, wobei er einen dem Konstruktivismus nahestehenden Stil entwickelte. Im Jahr 1972 zog er nach Barcelona, wo er die Gruppe Trama gründete. Nach der Auflösung der Gruppe wandte sich Broto jedoch einer dem abstrakten Expressionismus nahestehenden Sprache zu und bezog eine Landschaft mit primitiver Natur in sein Werk ein. Diese neuen Werke zeigte er in seiner ersten Einzelausstellung in Paris, die 1984 in der Galerie Adrien Maeght stattfand. Seit 1985 lebt und arbeitet er in Paris. In Paris überwand er bald den so genannten "abstrakten Impressionismus" der frühen achtziger Jahre und befreite sich von den Elementen, die nach seiner Italienreise (1982) zu seinem ikonografischen und chromatischen Repertoire hinzukamen und zu einer Reihe von Gemälden mit ausgeprägt romantischem Ton führten. Nach zehn Jahren in der französischen Hauptstadt, in denen er mit anderen spanischen Künstlern wie Barceló, Campano und Sicilia zusammentraf, zog er nach Mallorca. Mit der Verwendung von Großformaten ist der nächste Schritt in seinem Werk die Rückkehr zu einer Abstraktion mit starkem Farbgehalt und die Weiterentwicklung der räumlichen Definition seiner Leinwände, wie in Capricho (1987) und La misión (1988) zu sehen ist. Er wurde mit dem Nationalen Preis für plastische Kunst (1995), 1997 mit dem ARCO-Preis der Kritikervereinigung und 2003 mit dem Aragón-Goya-Preis für Gravur ausgezeichnet. Im Jahr 1995 widmete ihm das Museum Reina Sofía in Madrid eine Retrospektive. Derzeit ist er im Museo de Arte Abstracto Español in Cuenca, im FRAC (Midi-Pyrénées, Frankreich), in der Chase Manhattan Bank Collection in New York, in der Juan March Foundation, im Reina Sofía, im Metropolitan Museum in New York, im Fond National d'Art Contemporain in Paris die Kampo Collection in Tokio, die Tàpies Foundation in Barcelona, die DOVE Collection in Zürich, das Ateneum in Helsinki, die Peter Stuyvesant Foundation in Amsterdam, die Maeght in Frankreich, die La Caixa Collection in Barcelona, die Preussag in Hannover und das IVAM in Valencia.

Schätzw. 13 000 - 14 000 EUR

Los 90 - ADRIAN SCHIESS (Schweiz, 1959). "Printemps". 2000. Öl und Material auf Leinwand. Größe: 30 x 50 cm. Schiess rettet in einem Großteil seiner Werke die Farbe aus der formalen Begrenzung, was in "Printemps" besonders deutlich wird, wo er sich die zufällige Rauheit der Oberfläche zunutze macht und durch Farbe und Materie die Oberfläche des Meeresbodens evoziert, obwohl es sich auch um die Wellen des Ozeans an einem Frühlingstag handeln könnte, mit ihrem charakteristischen Cerulean-Blau. Schiess hat mit allen Arten von Texturen experimentiert und die Wahrnehmungseffekte durch das Gießen von Bildmaterial untersucht. Durch die Titel suggeriert Schiess Landschaften, die sich hinter dem abstrakten Erscheinungsbild verbergen. Der Künstler behauptet, dass seine Werke weder als Gemälde noch als Skulpturen bezeichnet werden können. Manchmal stellt er sie sogar auf dem Boden statt an der Wand aus. Es ist ein Werk, das aus dem Dialog mit jedem Besucher entsteht: "Ich betrachte die Tafeln nicht als Bildobjekte. Sie sind Dinge neben anderen Dingen. Es sind Gemälde, deren glänzende Oberflächen die Realität widerspiegeln", erklärt der Künstler. Adrian Schiess, geboren in Zürich, lebt und arbeitet in Mouans-Sartoux, Frankreich. Seine Arbeiten kokettieren mit einer Vielzahl von Formaten (Fotografie, Leinwand, reflektierende farbige Tafeln...), aber mit einem einzigen Ziel: sich mit dem Erscheinungsbild des Realen auseinanderzusetzen. Innerhalb der zeitgenössischen Kunst zeigen sie ein Bekenntnis zur Abstraktion, die für Adrian Schiess die einzige Möglichkeit ist, das zu zeigen, was keiner Fremdbestimmung unterliegt. Schiess hatte Einzelausstellungen im Fonds Régional d'Art Contemporain PACA, Marseille, Frankreich, im Bündner Kunstmuseum, Chur, Schweiz, im Musée d'Art Moderne, St. Etienne, Frankreich, in Indianapolis, USA, und im Musée d'Art Moderne, St. Etienne, Frankreich. St. Etienne, Frankreich, Indianapolis Museum of Art, Indiana, Städtische Galerie Nordhorn, Deutschland, Villa Merkel, Galerien der Stadt Esslingen, Kunstmuseum Solothurn, Schweiz, Fundación la Caixa, Barcelona, Neues Museum, Staatliches Museum für Kunst und Design, Nürnberg, Kunsthaus Bregenz, FRAC Bourgogne, Dijon, Frankreich, Neue Galerie am Landesmuseum Johanneum, Graz, The New York Kunsthalle, New York, Kunsthalle Zürich, Schweiz, sowie zahlreiche institutionelle Gruppenausstellungen weltweit.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 91 - MIQUEL MONT (Barcelona, 1963). "Peau XXVIII". Paris, 2003. Acryl und Gel auf Sperrholz. Signiert, datiert, betitelt und auf der Rückseite lokalisiert. Arbeit auf der Website des Künstlers reproduziert. Provenienz: Bedeutende spanische Sammlung. Maße: 200 x 200 cm. Dieses Gemälde gehört zu der Serie "Skins", die Miquel Mont selbst wie folgt definiert: "Ein Bildträger (Sperrholz, Leinwand,...) wird in regelmäßigen Abständen entsprechend einem Schuss perforiert. Dieser Schuss ist außermittig oder im Verhältnis zu den Grenzen des Trägers verschoben. Er wird mit mehreren dicken, dichten Farbschichten überzogen, bis die Löcher im Schussfaden gefüllt oder geglättet sind". Die Malerei von Miquel Mont stützt sich auf Theorien der Bildwahrnehmung, insbesondere auf solche, die das Werk und den Raum, die Darstellung und den Träger in einen Dialog setzen. In seinen Ausstellungen "bewohnen" die Werke die Wand und entziehen sich ihrer traditionellen Funktion als Gemälde. Miquel Mont begann in den 1980er Jahren zu malen. Ende dieses Jahrzehnts zog er nach Paris, wo er seither lebt und arbeitet. Von da an bis Ende der 1990er Jahre sind seine Werke so dicht gearbeitet, dass sie schließlich zu dreidimensionalen Objekten werden. Seit 2000 verbindet er seine künstlerische Arbeit mit einer Lehrtätigkeit, die er derzeit an der École Supérieure d'Art et de Design TALM-Tours und der École Nationale Supérieure d'Architecture de Paris-Belleville ausübt. Er hat in ganz Spanien ausgestellt, zum Beispiel im Centre d'Art la Panera, oder in Frankreich in Räumen wie der Galerie Aline Vidal oder dem FRAC Alsace, aber auch in Österreich. Ebenso sind seine Werke in zahlreichen Sammlungen zu finden, wie zum Beispiel in der Sammlung "la Caixa", dem Museum der Schönen Künste von Alava oder dem Mumok. In seinen Werken werden industrielle Materialien nackt präsentiert, was ihre Rauheit und die Sparsamkeit der Mittel zeigt, die das Werk des Künstlers kennzeichnen. Methacrylat oder Holz werden zu Werkzeugen, die den Rahmen der Präsentation sprengen, um sich zu erweitern und mit dem Raum, in dem sie präsentiert werden, in Dialog zu treten. Auswahl von Einzelausstellungen: 2019 Galerie HUS, ESADHaR, Rouen, Frankreich Horizontal, Miquel Mont Guillermo Mora, La Fragua, Tabacalera, Madrid -Mal Tiempo, Galeria Trinta, Santiago de Compostela. 2018 Traces et affects, Artothèque de Vitré, Frankreich 2017 Lo peor, lo peor de todo, Galeria Altxerri, Donostia 2016 La economía dicta todo, Formato Cómodo, Madrid 2015 Fundació Suñol, Barcelona. Auswahl an Gruppenausstellungen: 2019 La Ronde, Musée des Beaux-Arts de Rouen, Frankreich. 2018 De(s)rives, un parcours à l'île Saint Louis, Galerie Aline Vidal, Paris, Frankreich 2016 Abbaye St André, Centre d'art Contemporain, Meymac, Frankreich. 2014 Le Mur, Sammlung Antoine de Galbert, La maison Rouge, Paris, Frankreich 2013 A promise of change, commissaire Alain Coulange, Belfort, Frankreich.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 92 - KENDELL GEERS (Südafrika, 1968). "Mutus Liber", 2016. Tusche und Gesso. Maße: 50 x 15 x 15 cm. Diese Skulptur ist von einem afrikanischen Fetisch inspiriert, den Kendell Geers mit einer notorischen politischen Aufladung versieht, indem er weiße Grundierung kombiniert und in schwarze Tinte träufelt. Damit spielt er auf die stillen Tränen an, die seit Jahrzehnten in Afrika aufgrund des Leids der Eingeborenen durch die kolonialen Praktiken in den verschiedenen Ländern des Kontinents vergossen werden, vor allem aber auf die Apartheid in Südafrika, dem Herkunftsland des Autors. In Ästhetik und Konzept verschmelzen in Geers' Werk afrikanische animistische Praktiken mit europäischen Avantgarde-Traditionen. Die Titel seiner Skulpturen aus der Serie "Mutus Liber", was so viel wie "Dummes Buch" bedeutet, sind hinreichend deutlich. Kendell Geers bezeichnet sich selbst als "AniMystikAKtivist", der verschiedene afro-europäische Traditionen, Spiritualität, Aktivismus und Mystizismus miteinander verwebt. Geers wurde in Germiston (Südafrika) geboren und lebt und arbeitet derzeit in Brüssel. Im Alter von fünfzehn Jahren lief er von zu Hause weg, um sich der Anti-Apartheid-Bewegung anzuschließen, und flüchtete schließlich nach London und dann nach New York. Auf der Biennale von Venedig 1993 änderte sie offiziell ihr Geburtsdatum auf den Mai 1968, ein bedeutendes Jahr in der Weltgeschichte für politischen Protest und Gleichberechtigung. Mit diesem Akt lehnte Geers das kulturelle Erbe ab, das ihre Erziehung geprägt hatte, und wurde als Künstlerin und Aktivistin neu geboren. Geers' Gemälde, Skulpturen und Interventionen, die ein breites Spektrum an Medien umfassen, nutzen Wortspiele und dicht geschichtete Motive, um ideologische Strukturen zu entlarven. Unter Verwendung verschiedenster Referenzen - aus der Kunstgeschichte, der Linguistik, der Poesie, des Protests und des Theaterspiels - stellen seine Werke den künstlerischen Wert in Frage und verspotten die Vorstellung von Originalität. Sein Werk offenbart einen scharfen Humor, der die rohe Energie des Punk mit der spirituellen Philosophie von Dichtern wie Arthur Rimbaud, William Blake und William S. Burroughs verbindet. Kunst kann "die Welt verändern, Wahrnehmung für Wahrnehmung". Geers stellte 2022 auf der Setouchi Triennale und 2021 auf den Triennalen von Brügge und Kortrijk in Belgien aus. Love, By Any Means Necessary", die sechste Einzelausstellung des Künstlers in der Stephen Friedman Gallery, wurde im Februar 2020 eröffnet. Eine große Retrospektive seines Werks, kuratiert von Okwui Enwezor, fand 2013 im Haus der Kunst in München statt. Er nahm 2017 an der Documenta 14 und 2002 an der Documenta 11 in Kassel, Deutschland, teil. Geers' Arbeiten waren 2019, 2007 und 1993 auf der Biennale von Venedig zu sehen. Einige Werke in öffentlichen Sammlungen: "Brick" 1988, Johannesburg Art Gallery, Johannesburg, Südafrika "T.W. (I.N.R.I.)" 1994, Centre Pompidou, Paris, Frankreich. "Tears for Eros" 1999, Art Institute of Chicago, USA "T.W. (Scream)" 1999, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gent, "Akropolis Redux (The Directors Cut)" 2004, National Museum of Contemporary Art, Athen, Griechenland . "Monument to the Unknown Anarchist" 2007, Sammlung BPS22, Charleroi, Belgien. "Mutus Liber 953" 2014, Museum für zeitgenössische Kunst, Antwerpen, Belgien.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 93 - BERNARDÍ ROIG (Palma de Mallorca, 1965). Ohne Titel, ca. 2010. Polyesterharz, Licht. Skulptur-Installation. Maße: 28 x 22 cm (Kopf). Diese Arbeit gehört zu einer der emblematischsten Skulpturenserien von Bernardí Roig: Ganzkörperfiguren oder Köpfe, deren weiße Farbe auf Abwesenheit (auf geisterhafte Präsenz) verweist; und das fluoreszierende Licht als Symbol für die menschliche Blindheit, für die Defizite des historischen Gedächtnisses und die Krise der kollektiven Identität. Das Gesicht vermittelt realistische, fast naturalistische Züge, denn der Autor stützt sich stets auf reale Personen, auf Freunde, die er als Modelle nimmt. Bernardí Roig gilt als einer der wichtigsten zeitgenössischen spanischen Künstler der internationalen Szene und hat in zahlreichen Galerien, Museen und Institutionen auf der ganzen Welt ausgestellt. Seine Produktion umfasst Malerei, Installationen, Video und sogar essayistische Arbeiten. Er wurde mit wichtigen Preisen ausgezeichnet, wie dem Sonderpreis der Fundació Pilar i Joan Miró, dem Sotheby's-Preis, der Ägypten-Biennale 2001 oder dem offiziellen Preis der XXI. Seit Mitte der neunziger Jahre hatte er Einzelausstellungen in führenden Galerien, Museen und Kunstzentren wie der Fondazione Miró (1995), dem Saal Totem il Cannale in Venedig (1996), dem Museum für zeitgenössische Kunst und Design von San José in Costa Rica (1997), der Fondazione Ludwig in Havanna (1999), das Museum Jacobo Borges in Venezuela (2000), das Museum der schönen Künste in Oviedo (2000), die Galerie Max Estrella in Madrid (2000), die Galerie Adriana Schmidt in Köln (2000), die Galerie Claire Oliver in New York (2002) und das Museum Ludwigsburg in Stuttgart (2002). Er hat auch an der Biennale von Venedig (2001), der Biennale von Ägypten (2001) und der Messe Arco in Madrid teilgenommen. Derzeit ist er in den Stiftungen AENA, Miró und La Caixa, in den Museen Jacobo Borges und Sofía Imber in Venezuela, im Kulturministerium von Mallorca, im Saikade-Museum in Japan, in der Sammlung Gille in Belgien, in der Stiftung Ludwig in Kuba und im Museum für zeitgenössische Kunst in Costa Rica vertreten.

Schätzw. 15 000 - 20 000 EUR

Los 94 - GEORGES ROUSSE (Paris, 1947). "Luxemburg: Fers à Bétons", 2004. Druck auf Aluminium, Kopie 1/5. Verso signiert und betitelt. Etikett mit Stempel auf der Rückseite. Maße: 160 x 125 cm; 165 x 132 cm (Rahmen). Das Werk von Georges Rousse zeichnet sich seit Anfang der achtziger Jahre durch die Beziehungen aus, die er zwischen Fotografie, Malerei, Skulptur und Architektur herstellt. Sein Interesse an verlassenen, zerstörten und verfallenen Orten sowie an dem, was diese Räume über die Kultur verraten, die sie hervorgebracht hat, veranlasste ihn 1986, sich eine Zeit lang in der ehemaligen psychiatrischen Klinik Van Gogh in der französischen Stadt Arles niederzulassen. Das Ergebnis dieses Aufenthalts war die Arles-Serie, die den Ausgangspunkt für die MACBA-Ausstellung bildete. Sein Werk ist ein sehr bedeutendes Beispiel für die Bedeutung, die die Fotografie in den achtziger Jahren erlangte, und ein weiterer Beweis für den Wert des fotografischen Apparats als Werkzeug für zeitgenössisches Schaffen. Sein einzigartiges Werk, das die üblichen Beschränkungen der künstlerischen Medien sprengt, hat der zeitgenössischen Kunstwelt schnell seinen Stempel aufgedrückt. Seit seiner ersten Ausstellung in der Galerie de France in Paris im Jahr 1981 hat Georges Rousse seine Installationen und Fotografien in der ganzen Welt ausgestellt: in Europa, in Asien (Japan, Korea, China, Nepal), in den Vereinigten Staaten, in Quebec und in Lateinamerika. Er hat an zahlreichen Biennalen (Paris, Venedig, Sydney) teilgenommen und zahlreiche renommierte Preise erhalten: 1983: Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987: Villa Medicis, Rom 1988: International Center of Photography Award, New York 1989: Preis für Zeichnung, Salon de Montrouge 1992: Romain-Roland-Stipendium, Kalkutta 1993: Grand Prix National de Photographie 2008: Nachfolger von Sol LeWitt als assoziiertes Mitglied der Königlichen Belgischen Akademie. Er wird von mehreren europäischen Galerien vertreten und seine Werke befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen auf der ganzen Welt. Etikett mit Stempel auf der Rückseite.

Schätzw. 15 000 - 18 000 EUR

Los 95 - TERRY HAGGERTY (London, 1970). "Schlaganfall, New York, 2008. Acryl auf Leinwand. Signiert, datiert, lokalisiert und betitelt auf der Rückseite. Größe: 183 x 164 cm. Terry Haggertys Gemälde verbinden auf neuartige Weise die phänomenologischen Ansätze von Op Art und Minimalismus. In sie streut er monochrome Linien ein, die im Kontrapunkt zum Weiß und durch eine weiche Krümmung die illusorische Wahrnehmung von Dreidimensionalität erzeugen und das Gefühl von Volumen und Tiefe vermitteln. Technisch gesehen zeichnet sich seine Produktion durch die Präzision seiner manuellen Arbeit aus, mit gemessenen, akribischen und kalibrierten Formen. Ich konzentriere mich sehr auf den Raum und täusche den Betrachter; ich versuche, ihn dazu zu bringen, die Horizontalität des Objekts aufrechtzuerhalten und schließlich zu akzeptieren, dass ein Stück, das auf sich selbst gefaltet zu sein scheint und in der Luft schwebt, in Wirklichkeit ein flaches Holzelement ist", so die Aussage des Künstlers über seine im Ivorypress-Raum in Madrid ausgestellten Werke, Terry Haggerty, der an der Cheltenham School of Art ausgebildet wurde, hat einen langjährigen Ruf. Er hat in zahlreichen Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter Sikkema Jenkins, New York, Max Hetzler, Berlin, Hammer Museum, Los Angeles, Aldrich Museum, Connecticut, und PS1, Long Island City. Zu seinen Auftragsarbeiten gehören Wandzeichnungen für das Dallas Cowboys Stadium, die Münchener Rück, London, und private Sammlungen in den Vereinigten Staaten und Deutschland. Haggerty hat mehrere Auszeichnungen erhalten, darunter den For-Site Foundation Award (2009), den John Anson Kittredge Award (2003) und den Natwest Art Prize (1999). Er ist derzeit in den folgenden Sammlungen vertreten: Collection Charles Schwab & Co, Inc Corporate Headquarters, San Francisco, CA Collection Hoofddorp cultural center, Haarlemmermeer, The Netherlands Collection KKR, Menlo Park, CA Munich Re Art Collection, London, United Kingdom Collection Paul & Stacy Jacobs, San Diego, CA Sammlung Haubrok, Düsseldorf, Germany The Art Collection Cowboys Stadium, Arlington, TX Haggerty lebt und arbeitet derzeit in Berlin. Seine Arbeiten wurden in Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter Einzelpräsentationen im Norton Museum of Art, West Palm Beach, FL, im Modern Art Museum of Fort Worth und im Hammer Museum, Los Angeles.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 96 - LOLÓ SOLDEVILLA"; Dolores Soldevilla Nieto (Pinar del Río, Kuba 1901-Havanna, 1971). "Seemann mit Boot", ca. 1954. Mobile Skulptur aus Metall (Bronze, Eisen und Aluminium), Beigefügt ist ein Zertifikat von Doña Martha Flora Carranza Barba, der Enkelin des Künstlers. Enthält Stempel und gestempelte Unterschrift des Künstlers. Abmessungen: 83,3 x 50 x 18 cm. Loló Soledevilla war der erste in Kuba und einer der ersten in Lateinamerika, der Skulpturen vorstellte, die vollständig interaktiv sind. In diesem Fall wird das Werk von der Künstlerin als Metallcollage präsentiert, bei der jedes der Elemente eine eigenständige Bewegung hat, was dem Betrachter eine spielerische Interaktion mit dem Werk ermöglicht - ein Merkmal, das in Soledevillas bildhauerischem Werk häufig vorkommt, da sie daran interessiert war, dass die Betrachter ihrer Werke einen persönlichen Zugang zu ihren Werken finden und so in den kreativen Prozess eingreifen können. In diesem Fall geht die Autorin von der Figuration aus, indem sie ein Boot aus geschmiedeten und zusammengesetzten Metallen erschafft und damit die Werte der handwerklichen Tradition und ihrer Kultur preist. Ihre künstlerische Laufbahn war stets von Experimenten geprägt, nicht nur stilistisch, sondern auch technisch, und sie schuf Werke in verschiedenen Medien wie Skulptur, Gravur und Zeichnung. Seine künstlerische Laufbahn begann 1948, beeinflusst durch seine Freundschaft mit Wifredo Lam, der ihn in seinen Anfängen in der Welt der Malerei ermutigte und unterstützte. 1949 lässt er sich in Paris nieder, wo er an der Académie Grande Chaumière studiert. Er unternimmt häufige Reisen und Ausstellungen in Kuba, um seine Werke zu zeigen. 1951 trat sie in die Werkstatt von Dewasne und Pillet ein, wo sie zwei Jahre lang blieb, und besuchte einen Kurs über Drucktechniken bei Hayter und Cochet, wobei sie den kreativen Austausch mit der Pariser Schule pflegte und förderte. Im Zusammenhang mit der Bewegung des 26. Juli war sie gezwungen, ein Leben im Verborgenen zu führen, da sie in der vorrevolutionären Zeit für Diario de la Marina, Carteles, Información, El País, Avance, Porvenir, Tiempo en Cuba und Survey sowie für die Pariser Publikationen Combat und Arts arbeitete. Nach dem revolutionären Triumph von 1959 wurde sie Redakteurin der Zeitung Revolución und etablierte sich im Studienjahr 1960-61 als Professorin für plastische Kunst an der Fakultät für Architektur der Universität von Havanna. Von da an verband Dolores Soldevilla ihre künstlerische Laufbahn mit ihrer Lehrtätigkeit an der Architekturhochschule der Universität und bei der Zeitung Granma. Dank ihrer ästhetischen Ansätze entstand die Grupo Espacio und sie war Mitglied der Gruppe Diez Pintores Concretos; sie war Mitglied der UPEC und der UNEAC und arbeitete mit Bohemia zusammen. Im Laufe seines Lebens wurde sein Werk in bedeutenden Kunsträumen wie dem Palacio de Bellas Artes in Kuba, in Caracas (Venezuela), Paris, in Valencia, Valladolid (Spanien), der Tschechoslowakei usw. ausgestellt und erlangte große Anerkennung auf internationaler Ebene. Heute befinden sich seine Werke in zahlreichen Privatsammlungen in der ganzen Welt und in Institutionen wie dem Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba (wo die Hauptsammlung aufbewahrt wird).

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 97 - MARK JENKINS (Virginia, 1970). "Wie der Vater so der Sohn", 2017. Paar Skulpturen aus gemischten Medien. Maße: 180 x 90 x 50 cm (die größte). "Wie der Vater, so der Sohn", so könnte der alternative Titel von "Wie der Vater, so der Sohn" lauten. Es handelt sich um zwei hyperrealistische Skulpturen, die einen Jungen und einen Mann darstellen, die ihre Identität hinter einer Sturmhaube verbergen, Freizeitkleidung tragen und in einer Hand eine Metallstange halten. Die schwarze Farbe, die die Figuren bedeckt, macht sie zu metaphorischen Schatten, zu mentalen Projektionen der kollektiven Ängste, die uns in den Städten ergreifen. Mark Jenkins wurde berühmt und berüchtigt für diese Art von Straßenfiguren (Landstreicher, vermummte, aufgrund ihres Aussehens oder ihrer seltsamen Körperhaltung verdächtige Personen), die er ohne vorherige Ankündigung im öffentlichen Raum platzierte und die bei zahlreichen Gelegenheiten die Polizei, die Feuerwehr oder den Rettungsdienst auf den Plan riefen. Mark Jenkins ist ein amerikanischer Künstler, der skulpturale Straßeninstallationen schafft. Er nutzt die "Straße als Bühne", auf der seine Skulpturen mit der Umgebung interagieren, einschließlich der Passanten, die unwissentlich zu Akteuren werden. Seine Installationen ziehen oft die Aufmerksamkeit der Polizei auf sich. Seine Arbeiten wurden als skurril, makaber, schockierend und situationistisch beschrieben. Jenkins nennt Juan Muñoz als seine erste Inspiration. Neben seinem künstlerischen Schaffen unterrichtet er auch seine bildhauerischen Techniken und Installationspraktiken in Workshops. Derzeit lebt er in Washington, DC. Im Jahr 2005 begann er mit Sandra Fernandez an dem Storker Project zu arbeiten, einer Serie, bei der transparente Abgüsse von Spielzeugbabys in verschiedenen Städten installiert werden, um mit der sie umgebenden Umwelt zu interagieren[10]. Jenkins und Fernandez schufen weitere Installationen mit Bändertieren: Hunde, die im Müll spielen, Giraffen, die Plastiktüten von Bäumen knabbern, und Enten, die in Gräben schwimmen. Weitere Projekte im Freien, die sich mit kulturellen Interferenzen befassen, sind Meterpops, Traffic-Go-Round und Signs of Spring. Im Jahr 2006 begann Jenkins mit der Embed-Serie. Bandabdrücke wurden mit Zeitungspapier und Zement gefüllt und angeklebt, um hyperrealistische skulpturale Duplikate von ihm und Fernandez zu schaffen. Diese neuen, äußerst realistischen skulpturalen Installationen sorgten für Verwirrung und veranlassten einige Passanten, den Notruf zu wählen, was dazu führte, dass die Polizei und gelegentlich auch Rettungskräfte an ihrem "Tatort" eintrafen. 2008 arbeitete Jenkins mit Greenpeace an einer Sensibilisierungskampagne mit dem Titel Plight of the Polar Bears zusammen, um auf das Schmelzen der arktischen Eiskappen aufmerksam zu machen. Jenkins schuf realistische Figuren, die wie Obdachlose aussahen, allerdings mit ausgestopften Eisbärenköpfen. Jenkins hat an öffentlichen Kunstveranstaltungen wie Interference (Barcelona, 2008), BELEF (Belgrad, 2009), Dublin Contemporary 2011, Inside Out (Southeastern Center for Contemporary Art, Winston-Salem, 2009), Living Layers (Rom, 2012), Les Vraisemblables (Nuit Blanche, Paris, 2014), Passages Insolites (Ex Muro, Quebec, 2021) Embed Bodies (Un Été au Havre, Le Havre, 2022) teilgenommen. Im Bereich der Innenräume hat Jenkins international in Galerien und Museen ausgestellt und setzt seine Embed-Serie in öffentlichen Räumen wie Cafés, Schulen und Gebäude-Lobbys fort. Zu seinen Einzelausstellungen gehören Glazed Paradise in der Diesel Gallery (Tokio, 2008), Meaning is Overrated in der Carmichael Gallery (Los Angeles, 2009), Terrible Horrible in der Galerie Ruttkowski (Köln, 2014), Moment of Impact in der Lazarides Gallery (London, 2015) und Remix in L'Arsenal (Montreal, 2016). 2018 schufen er und Fernandez das Project84 in London, England. Die Arbeit sollte das Bewusstsein für den Suizid erwachsener Männer schärfen. Kommerziell arbeitete Jenkins mit der Modemarke Balenciaga zusammen.

Schätzw. 20 000 - 22 000 EUR

Los 98 - XAVIER MASCARÓ (Paris, 1965). "Krieger" 2014. Gusseisen. Maße: 164 x 60 x 60 cm. Xavier Mascaró hat einen großen Korpus von Kriegern und Wächtern entwickelt, die im öffentlichen Raum vieler Städte und in internationalen Ausstellungen zu sehen waren. Armeen von Wächtern waren im Paseo del Prado in Madrid (2010) oder vor dem Can Framis Museum in Barcelona zu sehen (Skulpturen, die der Stadt von der Fundació Vila Casas geschenkt wurden). Doch im Gegensatz zu diesen sitzenden Kriegern in meditativer Haltung schreitet der hier gezeigte "Krieger" mit einem Bein in Marschhaltung voran, als ob der antike Geist, der einst die Ganzkörperrüstung trug, zum Leben erwachte. Marcaró drückt dem Material eine Patina auf, mit der er den Rost einer geheimnisvollen Antiquität simuliert, die vielleicht aus einer unbekannten Zivilisation oder aus einem vom Meeresgrund geborgenen Schiffswrack stammt. In diesem eindrucksvollen Krieger, wie auch im Rest seiner Produktion, führt Mascaró einen Dialog mit dem Erbe der materiellen Kultur. Die eigentümliche Verwendung von Eisen verleiht seinen totemistischen Kreationen einen beunruhigenden Charakter, der uns zum Nachdenken über Erinnerung und Geschichte anregt. Xavier Mascaró ist ein spanischer Bildhauer und Maler französischer, rumänischer und katalanischer Abstammung, der in Paris geboren wurde. Er hat in Madrid, New York, London und Mexiko-Stadt gelebt. Im Jahr 2002 erhielt er ein Stipendium für die Spanische Akademie in Rom. Derzeit lebt und arbeitet er in seinen Ateliers in Mexiko-Stadt und Lissabon. Er genießt große Anerkennung bei Kritikern und Publikum und hat in wichtigen Kunstzentren wie Paris, Caracas, Wien, Monte Carlo, Cartagena de Indias, Madrid, New York und London, London, Madrid und Sevilla ausgestellt, an so anerkannten Orten (sowohl in Galerien und Museen als auch im öffentlichen Raum) wie der Saatchi Gallery (London), dem Königlichen Palast (Paris), dem Kunsthistorischen Museum (Wien), dem Warehouse 421 (Abu Dhabi), der Marlborough Gallery (New York und Madrid), dem Paseo de Recoletos und dem Paseo del Prado (Madrid) sowie dem Museo del Templo Mayor und dem Cultural Center of Spain (Mexiko-Stadt). Im Jahr 2014 hatte er eine Einzelausstellung in der Saatchi Gallery in London. Mascaró ist einer der international am stärksten vertretenen zeitgenössischen Bildhauer Spaniens. "Mascarós Werk verweist auf das Menschliche durch das Zeitlose, auf das, was von dem, was wir waren, übrig geblieben ist, oder auf das, was wir in unserer fernen Vergangenheit wiedererkennen, wer wir sind. Sein künstlerisches Projekt versetzt uns formal in die Vergangenheit, bietet jedoch eine Vielzahl von Lesarten, die uns mit der Gegenwart konfrontieren", so die Beschreibung des Museums Wurt, das dem Künstler kürzlich eine Ausstellung gewidmet hat.

Schätzw. 20 000 - 22 000 EUR

Los 99 - MIGUEL ÁNGEL CAMPANO (Madrid, 1948 - 2018). Ohne Titel. Satz von 62 Ölgemälden auf Leinwand. Signiert und nummeriert auf der Rückseite. Maße: 30 x 21 cm (jedes). Wie in diesem Set von 62 Leinwänden zu sehen ist, durchlief Campanos Werk ab den 90er Jahren verschiedene Abbauprozesse: Einerseits wurden die Bezüge zur Tradition gekappt und andererseits wurde die Farbe aus seiner Malerei ausgeschlossen, indem er nur noch schwarz auf der nackten Leinwand arbeitete. Die Geometrie hingegen wird zu einem Schlüsselaspekt seiner Produktion. Miguel Ángel Campano gehört zu den Vertretern der sogenannten Erneuerung der spanischen Malerei, die in den achtziger Jahren stattfand und an der auch Ferrán García Sevilla, José Manuel Broto, José María Sicilia und Miquel Barceló teilnahmen. In den 70er Jahren zog er dank eines Stipendiums nach Paris; aus dem geplanten Jahr wurde ein Aufenthalt von mehr als zehn Jahren, wo er lebte und seine brillante malerische Karriere entwickelte. Danach lebte er auf Mallorca. 1980 nahm er an der Ausstellung Madrid DF im Städtischen Museum von Madrid teil, zusammen mit mehreren Künstlern, darunter die gleichen, die ihn heute - mit Ausnahme von García Sevilla - im Palacio de Velázquez begleiten. Fünf Jahre später wurde er zusammen mit anderen Künstlerkollegen seiner Generation, damals alles junge Maler, wie Miquel Barceló, der bereits eine herausragende Persönlichkeit war, und José María Sicilia, für eine Gruppenausstellung in New York ausgewählt. 1996 wurde er mit dem Nationalpreis für plastische Kunst ausgezeichnet. Kurz zuvor hatte er einen schweren Schlaganfall erlitten und musste sich in Madrid einer Operation unterziehen. Dadurch war er gezwungen, mehrere Monate lang nicht zu malen. Danach malte er "nur noch in Schwarz", nach seinen eigenen Worten eine sehr symbolische Farbe. Drei Jahre später organisierte das Museum Reina Sofia im selben Palacio de Velazquez eine Ausstellung, die seinem jüngsten Werk, dem der 90er Jahre, gewidmet war. Seine Werke sind in den wichtigsten Museen ausgestellt, wie dem British Museum in London, dem Centre Pompidou in Paris und dem Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 60 000 - 70 000 EUR

Los 100 - JOSE MARIA SICILIA (Madrid, 1954). Ohne Titel, 2000. Gemischte Medien (Öl und Wachs) auf Holz. Signiert auf der Rückseite. Datiert und lokalisiert (Soller). Provenienz: Galerie Joan Prats in Barcelona. Maße: 252 x 160 cm; 252 x 162 cm (Rahmen). Licht und Dunkelheit, Chaos und Kosmos, Ordnung und Zufall sind die Kehrseite der Lebens- und Kunstphilosophie von José María Sicilia. In dieser großformatigen Komposition werden kosmische Latenz und mystisches Licht durch die Verwendung von Wachs (das Sicilia immer in seiner plastischen Symbolik von Spur, Poesie, Vergänglichkeit und Erinnerung verstand) auf einem dunklen Hintergrund wie dem Nachthimmel suggeriert. Sicilia begann ihr Studium an der Hochschule der Schönen Künste in Madrid, das sie jedoch 1980 abbrach, um in Paris zu leben. Zwei Jahre später präsentierte er seine erste Einzelausstellung in einem Stil, der dem damals in Europa in Mode gekommenen Neo-Expressionismus entsprach. Erst Mitte der achtziger Jahre erreicht sein Werk eine große nationale und internationale Ausstrahlung. 1986 stellt er in der Blum Helman Gallery in New York eine Werkgruppe vor, die eine starke Entschlackung des bisherigen Stils hin zu einer abstrakten Malerei zeigt, in der er nach und nach jeden formalen Bezug eliminiert. In den neunziger Jahren wird sich diese reduktionistische Ästhetik auf die Farbskala auswirken, wobei die Formen durch die Reflexion des Lichts auf der Oberfläche angedeutet werden. Eine neue Materialbehandlung von subtiler poetischer Resonanz auf der Grundlage von Wachsen, die florale Themen leicht transparent werden lassen, bringt die Farbe zurück in ein bereits vollständig geweihtes Werk. José María Sicilia wurde mit dem Premio Nacional de Artes Plásticas (1989) ausgezeichnet und ist neben vielen anderen Kunstzentren und Museen im Reina Sofía Museum in Madrid, im MOMA und im Guggenheim in New York sowie im CAPC in Bordeaux vertreten.

Schätzw. 60 000 - 70 000 EUR

13. Mai - Zeitgenössische Kunst

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