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108 résultats

sam. 27 avr.

PRESENTATION DES LOTS 1 à 20 Paul TOUZET est né le 12 janvier 1917. Il suit une formation de bijoutier à partir de l'âge de 13 ans, notamment dans la maison Mauboussin à Paris (voir certificat de stage). Il s'enregistre au Registre du commerce le 17 novembre 1944, puis obtient son poinçon le 7 décembre 1944. Son poinçon de maître est ""P.A.T. / un papillon de roue de bicyclette"". Il est radié du Registre des métiers le 29 mars 1946. Entre 1944 et 1956, il travaille en collaboration avec Roger BURG. Les ateliers se trouvent au 23 boulevard des Capucines, puis au 76 rue Daniel Casanova, et enfin au 5 rue Mayran, à Paris. Le poinçon de maître pour Roger Burg est ""R / une tête de cheval / B"", et il forme avec Paul Touzet la société Burg & Cie entre 1944 et 1956. Entre 1956 et l'arrêt de son activité dans les années 1970, Paul Touzet a probablement été dessinateur et joaillier en chambre. Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, il était courant qu'un dessinateur/joailler propose ses dessins à différentes maisons de joaillerie et de haute joaillerie. Dans le fonds de plus de 300 dessins de joaillerie que nous vous proposons dans cette vacation, nous voyons des dessins des années 1945 à 1970, allant du style Tank au bestiaire, en passant par des bijoux d'artiste. Par tradition familiale, Paul Touzet est réputé pour avoir travaillé avec les maisons VAN CLEEF & ARPELS, BOUCHERON, et la maison STERLE. Dans le cas des bijoux d'artiste, notons plusieurs dessins reprenant l'imaginaire de Georges BRAQUE, ainsi qu'une photographie de dessin rehaussée et signée par Jean COCTEAU. Quelques bijoux proposés dans cette vente ont été réalisés pour la famille de Paul Touzet, mais ne portent malheureusement pas son poinçon. Cette pratique était courante lorsque des bijoutiers réalisaient des objets pour leurs cercles amical et familial. Cet ensemble de dessins de joaillerie est un exemple typique de la production française et parisienne des bijoux pendant les Trentes Glorieuses. Toujours par tradition familiale, M. Paul TOUZET aurait fabriqué des bijoux pour Charles Aznavour, des boutons de smoking qu'il a livré lui-même au prince Rainier de Monaco, ainsi que des bijoux pour son épouse Grace Kelly.

Aucune estimation

mar. 14 mai

BRACELET JARRETIÈRE COLLECTIF EN DIAMANTS, PAR GEORGES LENFANT, CIRCA 1960 Conçu comme une ceinture stylisée en mailles d'or texturées, la boucle soulignée de diamants taillés en brillant, monté en or 18 carats et platine, marque partielle de Georges Lenfant, marques d'atelier françaises, longueur 25.4cm (premier trou 21.3cm, deuxième trou 19.5cm) Georges Lenfant est né dans le monde de la joaillerie française, et il est rapidement devenu un maître dans son domaine. Durant son enfance, il effectue plusieurs stages d'apprentissage avant d'étudier la joaillerie à Paris et à l'étranger. En 1900, Georges installe son propre atelier au 47 rue des Petits-Champs, à quelques minutes de ses clients de la place Vendôme et de la rue de la Paix. Il est bien établi en 1903 et figure dans une publication de la Revue de la Bijouterie, Joaillerie, Orfèvrerie de cette année-là. Ses créations et son exécution impeccable lui valent d'être sollicité par les grandes maisons de joaillerie et, pour ne pas être oublié derrière des noms tristement célèbres tels que Cartier, Mellerio dits Meller et Van Cleef & Arpels, Georges établit une marque de fabricant en 1909 et procède à l'estampillage de chaque pièce avant qu'elle ne sorte de son atelier. En 1915, Georges est rejoint dans l'entreprise par son fils Jacques qui, à l'âge de onze ans, est impatient d'apprendre l'art de la joaillerie. Son intérêt pour la joaillerie ne se démentira pas et, avec le temps, Jacques reprendra l'affaire et créera certains des modèles les plus mémorables de Georges Lenfant. Georges et Jacques n'hésitent pas à collaborer et la maison Georges Lenfant travaille avec Sandoz depuis de nombreuses années lorsqu'en 1927, Gustave-Roger Sandoz cède son affaire à Georges à la condition que son fils Gérard Sandoz en reste le directeur artistique. À eux deux, ils ont créé des exemples frappants de bijoux Art moderne, avec des lignes audacieuses, des couleurs vives et des formes contrastées. Après la Seconde Guerre mondiale, Lenfant reprend Verger Frères. Cela marque le début d'une nouvelle collaboration avec Vacheron Constantin, qui travaillait déjà avec Verger Frères depuis un certain temps. Constantin et Lenfant se consacrent à la conception de montres et créent ensemble des pièces pour Hermès. Dans les années 1960 et 1970, Jacques est à la tête de Georges Lenfant et sa passion pour l'orfèvrerie donne naissance à de magnifiques pièces texturées qui célèbrent la polyvalence du métal. Dans le lot actuel, conçu pour Jean Ete, plusieurs techniques sont utilisées pour représenter la forme du hibou, chaque méthode étant soigneusement choisie pour s'adapter à une partie différente de l'oiseau. La fascination de Jacques pour les différentes formes et textures qui peuvent être travaillées avec l'or l'a amené à créer ses chaînes, car il était fasciné par la façon dont les maillons entrelacés pouvaient être arrangés pour créer une myriade de motifs. Plus de trois mille pièces ont été inspirées par le motif de la chaîne et comptent aujourd'hui parmi les créations les plus remarquables de Georges Lenfant. En 2003, Georges Lenfant a été racheté par Bouder et a cessé ses activités. Cependant, les pièces portant la marque Lenfant continuent à être très appréciées et les nombreuses collaborations permettent à chacun de trouver un modèle qui lui convient.

Estim. 18 000 - 22 000 EUR

mar. 14 mai

BANGLE EN OR "ROBERT MAPPLETHORPE", CONÇU PAR GAIA REPOSSI, POUR REPOSSI Édition limitée, discontinuée. Le bracelet en or poli, en or rose 18 carats, signé Repossi/Robert Mapplethorpe, numéroté, marque d'enregistrement italienne, diamètre intérieur 5,4 cm, taille estampillée 16 Depuis plus de quatre décennies, Repossi maintient une tradition d'artisanat d'art. En collaborant avec des ateliers italiens de longue date, la maison assure un héritage d'expertise technique et de qualité inébranlable à travers les générations, avec un engagement d'excellence. Depuis trois générations de créateurs italiens, Repossi incarne la joaillerie intemporelle et innovante. S'inspirant de l'art et de l'architecture, chaque pièce reflète la fusion d'une vision artistique et d'un savoir-faire artisanal méticuleux. En 2007, Gaia Repossi a pris la direction créative et artistique de l'entreprise familiale, la célèbre maison de joaillerie italienne Repossi. Gaia a modernisé l'esthétique de la maison de joaillerie en privilégiant les créations sculpturales. Gaia admire depuis longtemps les prouesses artistiques du célèbre artiste et photographe new-yorkais Robert Mapplethorpe, particulièrement évidentes dans ses bijoux fabriqués à partir de ready-mades et d'objets trouvés. Gaia a entrepris de réinventer les œuvres de Mapplethorpe en leur insufflant une nouvelle perspective. Fidèle à la vision originale de Mapplethorpe, Gaia opte pour l'or patiné plutôt que pour l'or poli, ce qui donne naissance à sa collection la plus audacieuse à ce jour. Le processus créatif de Gaia s'est appuyé sur des recherches approfondies, puisant dans l'ensemble de l'œuvre de Mapplethorpe. En s'immergeant dans la Fondation Robert Mapplethorpe à New York et dans les archives Mapplethorpe du Getty Research Institute à Los Angeles, Gaia a trouvé de nombreuses sources d'inspiration. La collaboration entre Repossi et Robert Mapplethorpe est guidée par la vision artistique inébranlable de Gaia, complétée par l'expertise des ateliers de Repossi. Chaque pièce est minutieusement détaillée et techniquement complexe, fabriquée à la main en France ou en Italie, dans le respect des traditions de la joaillerie et de l'excellence synonyme de la Place Vendôme.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

mar. 14 mai

COLLIER DE DIAMANTS BI-COLORÉS, PAR FARAONE, CIRCA 1980 Composé de motifs légèrement gradués en or oxydé et jaune avec des détails de bande polie, alternés et sertis sur le devant de diamants de taille brillante, monté en or 18K, diamants approximativement 7.00-8.00cts au total, signé Faraone, avec la marque du fabricant "F", marque d'enregistrement italienne, circonférence intérieure 37,5 cm. Fondée en 1860, cette marque de joaillerie haut de gamme est devenue, en plus de cent cinquante ans, synonyme de glamour et de style. Après ses débuts en tant que maison de design art nouveau, elle a évolué vers un état d'esprit plus soucieux de la marque, en ouvrant sa première boutique sur la Via Montenapoleone à Milan en 1945. À partir de là, Faraone s'est constitué une clientèle allant des stars d'Hollywood aux familles royales italiennes et européennes. Ses créations uniques et intemporelles à base de métaux précieux et de pierres précieuses ont consolidé sa réputation de maison de joaillerie européenne exclusive. En 1960, la grande famille italienne Settepassi, spécialisée dans les perles et les pierres précieuses depuis plus de quatre siècles, a repris l'entreprise. En 1989, ils ont conclu un partenariat avec Tiffany & Co, la marque américaine de longue date qui souhaitait percer sur le marché continental. Les deux hommes restent en relation d'affaires, Faraone contribuant à développer la présence de Tiffany & Co. en Europe, avant de se séparer en 2001. La jeune et talentueuse Vittoria Bianchi a rejoint la société en tant que nouvelle directrice générale en 2012, initiant une refonte complète de la marque avec une nouvelle philosophie de produit présentant deux nouvelles lignes de bijoux de prêt-à-porter, i Composable et F di Faraone, ainsi que des pièces personnalisées plus traditionnelles, Sfere di Faraone. Depuis 2016, Faraone a également ajouté un département de vente aux enchères à sa maison, utilisant ses connaissances spécialisées en joaillerie pour créer deux ventes aux enchères par an.

Estim. 14 000 - 18 000 EUR

mar. 14 mai

COLLIER, BRACELET, BROCHE ET BOUCLES D'OREILLES EN SUITE, EN OR 18K, PAR CHAUMET, CIRCA 1970 Chacun composé de maillons carrés et ronds ajourés au design abstrait, avec finition polie et mate, boucles d'oreilles au design carré, chacun en or 18K, chacun signé Chaumet, avec la marque de fabricant 'JC' pour Joseph Chaumet, marques d'essai françaises, avec pochette de fabricant, longueur du collier 66.5cm, bracelet longueur 18.3cm, broche longueur 8.7cm, largeur 6.2cmm, clips d'oreilles longueur 3.2cm (la broche peut être portée comme pendentif du collier) Fondé en 1780 par Marie-Étienne Nitot, Chaumet est devenu le premier joaillier d'Europe grâce à son habileté artisanale. Les générations suivantes, dont François-Regnault Nitot et Joseph Chaumet, ont perpétué l'héritage en créant des modèles opulents et en élargissant la clientèle à la royauté. S'inspirant de l'Art déco et des années folles, les créations de Chaumet ont évolué avec la mode tout en conservant un mélange de tradition et de modernisme, captivant ainsi un public mondial. Poursuivant l'héritage de l'excellence, les designers et joailliers estimés de Chaumet, dont Pierre Sterlé et René Morin, ont maintenu le style emblématique de la Maison tout en lui insufflant une touche contemporaine. Les années 1970 ont été une période d'expérimentation et de libération. Qu'il s'agisse de musique, de politique, de mode, d'idéaux ou d'exploration spatiale, chaque domaine offrait des possibilités de rencontres inédites. L'acceptation du changement et l'exploration de territoires inexplorés ont nécessité l'émergence de nouvelles identités, d'artisans et de penseurs visionnaires pionniers de l'innovation. Ces pionniers ont influencé de manière significative la trajectoire de l'histoire de la joaillerie, ils ont contribué à des moments cruciaux grâce à des avancées techniques, à l'introduction d'une esthétique nouvelle et à l'adoption de concepts libérés. Dans une démarche audacieuse qui a remodelé le paysage de la joaillerie, Chaumet a introduit l'Arcade, un concept de magasin révolutionnaire, en 1970, redéfinissant l'essence même du shopping de luxe. Dans la presse, l'idée de créer une nouvelle unité de vente dédiée à la joaillerie et à l'art de vivre contemporain est évoquée par les frères Chaumet. Les frères Chaumet confient à l'Agence Bernard Cognard le soin d'imaginer ce lieu moderne. L'architecte d'intérieur a relevé le défi de donner à l'Arcade une identité architecturale propre, distincte de la boutique historique. Ils ont stratégiquement placé un pilier central de vitrine dans l'une des arcades jumelles, créant ainsi un espace ouvert rappelant une galerie d'art. Les matériaux en aluminium anodisé noir et blond Orly contrastent avec l'esthétique traditionnelle de la Place Vendôme, tandis que les fenêtres sans cadre ajoutent une touche éthérée. À l'intérieur, l'Arcade a été conçue comme un sanctuaire pour un style de vie moderne, avec des éléments tels que des canapés beiges et des accents de laque chinoise se mêlant à des teintes de seigle, d'ambre et de noir. Inspiré par le design des décennies, l'espace a été conçu pour être adaptable, avec des rails fixés au plafond et des présentoirs à roulettes. L'Arcade a symbolisé une transformation globale au cours d'une période cruciale de l'histoire de la Maison et du domaine de l'artisanat de la joaillerie française. Sa conception reflétait des approches novatrices en matière de présentation, de vente et d'achat de bijoux, s'adaptant parfaitement à l'évolution du style de vie des années 1970. Malgré la coordination des boutiques traditionnelles le long de l'Arcade, les deux unités présentaient leurs collections dans des catalogues de vente unifiés. Ce qui peut sembler contre-intuitif selon les normes contemporaines était perçu différemment à l'époque. L'Arcade a été le fer de lance des avancées futures de Chaumet et d'autres grandes maisons de joaillerie, en présentant des collections emblématiques telles que Liens et Labyrinthe. Au cœur de cette approche progressiste se trouve l'expérimentation, les artisans bénéficiant d'une totale autonomie créative, tant au sein du studio de création que de l'atelier. Cette liberté va jusqu'à s'approprier l'utilisation de pépites d'or, en baptisant leur technique de finition le polissage Arcade. L'or subit différents traitements : martelage, polissage, texturation, brossage, et prend des formes organiques, se moulant à la peau du porteur. Ces créations, qui brouillent les frontières entre la joaillerie traditionnelle et l'art, remettent en question les conventions grâce à leurs conceptions innovantes. La publicité pour l'Arcade incarne un design dynamique, stratégiquement conçu pour éviter la monotonie. Cette évolution s'étend au-delà des simples catalogues de vente, englobant des concepts architecturaux, des marques graphiques et l'organisation structurelle des boutiques en sections distinctes telles que la Haute Joaillerie Chaumet, l'Arcade Chaumet et les éternelles montres Chaumet. La collection "Labyrinthe", composée d'un collier, d'un bracelet, d'un pendentif et d'une broche transformables. Elle a été réalisée entre 1970 et 1980 et vendue à l'Arcade.

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

sam. 27 avr.

Sebah u. Policarpe Joailler, Jean Pascal Zehnteiliges Falt-Panorama von Konstantinopel. Panorama de Constantinople pris de la Tour de Calata. Sebah & Joaillier, 1880-1890. Albuminabzüge auf starkem Karton aufgezogen. Blattmaß je 30 x 33 cm, Gesamtläng - Turquie - Constantinople Sebah et Policarpe Joailler, Jean Pascal Panorama dépliant de Constantinople en dix parties. Panorama de Constantinople pris de la Tour de Calata. Sebah & Joaillier, 1880-1890. Épreuves à l'albumine montées sur carton fort. Feuilles de 30 x 33 cm chacune, longueur totale d'environ 235 cm. Les différents feuillets sont reliés par du lin blanc. Reliure rouge avec titre en lettres dorées et entrelacs dorés. Le plat supérieur est orné d'un Ay Yildiz doré (croissant et étoile) dans une riche décoration (plus (spor)taché et abîmé, dos renouvelé). Pascal Sebah (1823-1886) était un photographe français installé à Constantinople, connu pour ses compositions uniques et son utilisation créative de la lumière. À la fin des années 1870, Sebah a été nommé photographe en chef de la cour ottomane. Après sa mort, son fils Jean s'est associé à Policarpe Joallier, après quoi le studio est devenu connu sous le nom de Sebah & Joaillier. Le panorama a été pris depuis la tour Calata et montre le port et ses environs avec une vue sur le Bosphore, le palais de Topkapi, Haliç (Corne d'Or), jusqu'au côté asiatique d'Üsküdar. - Reliure cassée à un endroit, notamment les cartons de support un peu tachés, parfois un peu décolorés, bon état général. Turquie. - Constantinople. - Impressionnant panorama dépliant en dix parties de Constantinople. Impressions d'album montées sur carton fort. Demi-cuir contemporain avec dorure à l'or fin sur les plats (moulages plus épais et bosselés, rachis refait). - Le panorama a été pris de la Tour Calata et montre le port et ses environs avec des vues du Bosphore, du Palais de Topkapi, du Haliç (Corne d'Or), au-delà de la rive asiatique d'Üsküdar. - Reliure cassée en une partie, en particulier les cartons de dos un peu défraîchis, les impressions en albumen parfois un peu décolorées, en général bon état.

Estim. 600 EUR

mar. 14 mai

PAIRE DE BRACELETS EN OR, PAR GAY FRÈRES, CIRCA 1960 Chacun composé de maillons tissés intégraux, en or blanc 18K, avec les marques du fabricant "GF" pour Gay Frères, les marques d'essai françaises, longueurs 19,4cm Gay Frères a été fondée en 1835, par Jean-Pierre Gay et Gaspard Tissot. Elle deviendra l'un des plus importants fabricants de bracelets-montres dans le monde de la haute joaillerie. À l'origine, l'entreprise produisait des chaînes en or spécialisées et faites à la main, souvent destinées à des montres de poche. Les goûts évoluant, l'entreprise s'est adaptée et, au XXe siècle, elle a commencé à concevoir des bracelets de haute qualité pour les montres-bracelets. Leur travail était recherché par de nombreuses marques de montres haut de gamme, telles que Patek Phillippe, Vacheron et Rolex, cette dernière ayant racheté l'entreprise en 1998. Jusqu'à cette date, Gay Frères était restée une marque fortement associée à la famille, les descendants de Jean-Pierre, les frères Jacques Hubert et Jean-François Gay ayant dirigé l'entreprise dans les années 1970. Bien que la marque se soit concentrée sur l'horlogerie, sa production a toujours comporté de magnifiques exemples de bijoux artisanaux. Le travail qu'ils ont réalisé dans les années 1960 et 1970 est très recherché par les collectionneurs sur le marché actuel. Leur expertise dans la fabrication de chaînes et de manchettes complexes, combinée à une grande compréhension et à un savoir-faire artisanal dans le travail des pierres précieuses, les a rendus très recherchés par des maisons telles que Van Cleef & Arpels et Hermès. Leurs créations intègrent également différents matériaux tels que l'ébène et l'ivoire, ainsi que la technique décorative de l'émaillage. Ce double aspect de leur travail a été une marque de fabrique importante de l'entreprise et a assuré sa pertinence et son succès continus dans le monde de la haute joaillerie.

Estim. 2 500 - 3 500 EUR

mar. 14 mai

RARE BAGUE "PANSE" EN ÉMAIL ART NOUVEAU ET DIAMANTS, PAR CHARLES RIVAUD, VERS 1900 Le diamant de forme coussin pesant environ 2,20cts, dans une monture à pétales en relief, appliquée d'émail bleu, aux épaules, serties de diamants taillés en rose et d'émail bleu, montée en or 18 carats, signée CR pour Charles Rivaud, marque d'importation française, avec l'étui d'origine du fabricant estampillé " CH. Rivaud, 23, rue de Seine, Paris", taille de bague M Un modèle très similaire est reproduit dans le livre "Paris Salons 1895 - 1914 - Joaillerie - II : les designers de L à Z" par Alastair Duncan, avec la mention "Paris Salon 1904". Charles Magloire Rivaud, artiste imaginatif et artisan qualifié, continue de captiver le monde de la joaillerie avec son héritage durable. Né le 5 avril 1859 dans le village de Boismorand, dans le Loiret, en France, Charles était destiné à la grandeur dans le domaine de la joaillerie, héritant d'une riche tradition qui s'étend sur trois générations. Son parcours a commencé à Paris, où il a découvert sa passion et s'est engagé sur la voie de la transformation de la joaillerie. Rivaud s'est intéressé à la galvanoplastie et a été le pionnier de techniques qui allaient remodeler l'industrie. Son mariage, plus tard dans sa vie, a marqué un tournant important, fusionnant son amour pour l'artisanat avec un engagement profond envers sa ville bien-aimée. En établissant son atelier sur le Quai de l'Horloge, Charles a imaginé un espace où la créativité pouvait s'épanouir, accueillant des artistes et des passionnés. Réputé pour sa collaboration avec des sculpteurs de renom tels qu'Oscar Roty, Jean Dampt et Victor Prouvé, Rivaud s'est fait connaître en tant qu'éditeur de broches ornées de médailles méticuleusement sculptées, notamment la célèbre Broche du Souvenir en 1898. Son partenariat avec Victor Prouvé a été mis en évidence au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts, présentant les broches médaillées de Prouvé - Aurore, Crépuscule, Gaule, le Bonheur - éditées par Rivaud. Au milieu de la société parisienne, Charles reste fidèle à sa quête de l'excellence artisanale. En collaborant avec des sculpteurs et des peintres renommés, il a élevé ses créations à des niveaux inégalés, captivant les mécènes et les critiques. À travers chaque pièce méticuleusement fabriquée, Charles Rivaud a insufflé la vie dans un monde où la tradition se mêlait à l'innovation et où la beauté transcendait les contraintes du temps. Parmi ses remarquables créations, on trouve l'emblématique "bracelet du centenaire", qui témoigne de son respect pour l'histoire et de son génie artistique. Conçu pour commémorer le 100e anniversaire de la Révolution française, ce chef-d'œuvre incarne l'essence d'une époque révolue, immortalisant les idéaux de liberté, d'égalité et de fraternité. Orné de détails complexes et de symboles des Lumières, le bracelet du Centenaire reste un symbole intemporel de l'héritage durable de Charles Rivaud. Sa participation à l'Exposition universelle de Paris a mis en évidence l'importante contribution de Rivaud aux arts décoratifs. De 1901 à 1913, ses contributions au Salon couvrent un large éventail de bijoux, des anneaux en fer en 1903 à une plaque de corsage représentant la Tête de Saint Jean de Rodin en 1912. La maîtrise de Rivaud est symbolisée par sa marque unique - les lettres CR accompagnées d'une pile électrique - qui témoigne de son ingéniosité et de son héritage dans le monde des arts décoratifs. Son héritage s'étend au-delà de l'artisanat ; Rivaud est également le fondateur de la Société du Salon d'Automne et membre de la Société des Artistes Décorateurs. Les contributions de Charles Rivaud ont été remarquées dans plusieurs Salons entre 1906 et sa mort en 1923. Son fils, André-Charles, lui a succédé en 1924, assurant ainsi la continuité de l'héritage estimé de Rivaud. Rivaud laisse derrière lui un héritage d'innovation et de créativité qui continue d'inspirer des générations. Son dévouement inébranlable à l'excellence et sa passion pour l'artisanat. Les victoriens chérissaient les significations cachées : cette fascination se reflète dans l'artisanat de la joaillerie. Les fleurs, riches d'un symbolisme romantique, transmettaient des sentiments par le biais du langage des fleurs. Pour les Victoriens, les fleurs incarnaient de tendres émotions telles que l'attachement et la compassion. À l'époque, ce vocabulaire floral est devenu une forme discrète de communication, conforme à la bienséance victorienne. Parmi la pléthore de symboles floraux, la pensée revêtait une signification particulière, symbolisant l'expression "pensez à moi", dérivée du mot français "pensée". La littérature, y compris Hamlet de Shakespeare, regorge de références aux pensées, faisant allusion à leur essence contemplative. Dans le langage floral, les pensées des pensées du donneur vers le receveur sont souvent associées à l'amour platonique ou non réciproque. Le puissant symbolisme de la pensée s'est transcendé en bijoux sur mesure, ornés d'un travail d'émail exquis, renforçant son statut de symbole chéri de l'affection et de la contemplation.

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

dim. 28 avr.

VIKING GOLD LUNAR PENDANT - Ca. J.-C. 900 - 1100. Pendentif en or 22 ct de forme lunaire avec une boucle de suspension. Contrairement à ce que l'on pourrait croire, la culture viking a été fortement influencée par les peuples avec lesquels elle est entrée en contact, tant au niveau des cultes que des coutumes. Mais c'est tout à fait normal puisqu'ils étaient peut-être parmi les plus grands voyageurs de l'histoire et donc des connaisseurs. En joaillerie, le style et l'iconographie de la fin de la période viking (Xe et XIe siècles) sont fortement inspirés des productions byzantines, seul endroit au monde à cette époque historique capable de lancer des modes, de créer des styles et de fabriquer des objets destinés à être échangés avec tout l'espace occidental qui était précisément razzié par les Vikings. Il n'est donc pas surprenant qu'un motif comme celui de la lune, issu de la mode romaine et transmis par Constantinople, se retrouve autour du cou d'éminents guerriers vikings. Nous savons également que sept mille Vikings ont formé la garde varangienne sous le commandement direct de l'empereur de Constantinople. Les fils qui liaient les Vikings à la capitale de l'Empire romain d'Orient étaient nombreux et bien entremêlés. Pour des informations similaires, voir : Viking Art. Thames and Hudson, p. 67, n. 64. Cette pièce a fait l'objet d'une analyse par fluorescence X pour confirmer son contenu métallurgique, ce qui suggère son origine ancienne et l'absence d'oligo-éléments modernes. Taille : 24mm x 18mm ; Poids : 2g Provenance : De la collection privée d'un gentleman du Cambridgeshire ; précédemment dans une ancienne collection britannique, formée dans les années 1980 sur les marchés de l'art du Royaume-Uni et de l'Europe.

Estim. 600 - 900 GBP

mar. 14 mai

RARE ET COLLECTIVE MONTRE BRACELET 'SERPENTI', PAR BULGARI, CIRCA 1960 Conçue comme un serpent, les écailles appliquées d'émail brun aubergine, noir et blanc, les yeux soulignés de diamants en forme de poire, la bouche s'ouvrant pour révéler un cadran taillé en cercle avec un bâton pour les indicateurs, la montre avec 17 rubis, Cal-1426/PB, mouvement à remontage manuel, boîtier n° 432835, cadran et mouvement signés Vacheron Constantin, bracelet signé Bvlgari et monté en or 18 carats. 432835, cadran et mouvement signés Vacheron Constantin, bracelet signé Bvlgari et monté en or 18 carats Accompagné d'un certificat d'Amanda Triossi, auteur et spécialiste de Bulgari, ancienne conservatrice de la Bulgari Heritage Collection et commissaire de toutes les premières grandes expositions rétrospectives Bulgari entre 2009 et 2013, indiquant que ce bracelet a été fabriqué pour et vendu par Bulgari dans les années 1960 et que la montre Vacheron Constantin est d'origine sur le bracelet. Longueur d'environ 56 cm, poids de 196 g. Daté du 11 avril 2024, à Rome. Symbole de sagesse, d'éternité et de force, le serpent est étroitement lié aux énergies terrestres et représente la force vitale. Réminiscence des pulsions inconscientes et des instincts primaires, la figure du serpent est au cœur de la relation entre l'homme et la transcendance. C'est pourquoi les orfèvres et les joailliers des cultures du monde entier utilisent des motifs de serpents depuis la nuit des temps. Une visite dans les galeries égyptiennes, chinoises, grecques et romaines de nombreux musées en est la preuve. Dans ce continuum sans fin du travail d'orfèvre, les bracelets-montres Serpenti en émail coloré que la maison de joaillerie italienne Bulgari a fabriqués dans les années 1960 marquent un tournant dans l'histoire de la joaillerie en tant qu'art appliqué, et dans l'histoire de la marque Bulgari elle-même. Les bijoux sur le thème du serpent faisaient déjà partie de l'ADN de Bulgari, mais les montres-bracelets Serpenti que le joaillier italien fabriquait depuis les années 1940 imitaient la nature principalement à l'aide des tubogas en or caractéristiques de la maison. Au fil du temps, les bijoux Serpenti ont évolué dans leur langage de conception, devenant de plus en plus vivants grâce à l'utilisation de géométries et de volumes plus réalistes, de couleurs d'émail vives et d'expressions animées accentuées par des pierres précieuses. Il n'est pas surprenant que ces pièces aient atteint des prix exceptionnellement élevés lors des ventes aux enchères internationales de ces dernières années, souvent rachetées par le fabricant pour être restaurées avec amour et attention avant de prendre leur place de fierté dans leurs collections patrimoniales exposées dans le monde entier. La renaissance inspirée des bijoux en serpent de Bulgari dans les années 1960 a rapidement attiré l'attention de l'industrie de la mode. La célèbre rédactrice en chef de Vogue, Diana Vreeland, était une fan des serpents Bulgari et possédait une ceinture de serpents en or, blanc et émail rose, unique en son genre, qu'elle portait comme un collier, en l'enroulant deux fois autour de sa gorge. Dans un mémo adressé à ses rédacteurs en 1968, Vreeland écrit : "N'oubliez pas le serpent... le serpent devrait être à chaque doigt, à chaque poignet et partout... Le serpent est le motif de l'heure en joaillerie... On n'en voit jamais assez....". Sous sa direction, Vogue a présenté les bijoux Bulgari Serpenti émaillés de couleurs vives à d'innombrables occasions au cours des années 1960 et 1970, avec des articles et des photographies emblématiques qui ont depuis lors marqué l'histoire de la mode. C'est dans le numéro du 15 août 1968 de Vogue que ces nouvelles merveilles de bijoux ont fait leurs débuts. Dans un article intitulé From Italy Ready-Get-Go Collections, une photographie glamour d'Henry Clarke représente une jeune reine italienne, la Principessa di Genzano, tenant sensuellement une ceinture de serpents comme si elle était vivante, avec un second bracelet de serpents enroulé de manière séduisante autour de son avant-bras nu. La culture italienne était une importation américaine de premier plan dans les années 1960. Les voitures de sport italiennes sexy faisaient rêver tous les hommes, tout comme les superbes actrices telles que Sophia Loren et Claudia Cardinale. Des maîtres du cinéma comme Federico Fellini, Sergio Leone et Franco Zeffirelli marquaient de leur empreinte indélébile l'esthétique narrative et visuelle du septième art. Dans le domaine de la mode, des créateurs tels que Valentino, Pucci et Missoni établissent de nouvelles normes en matière d'élégance et de style. Dans ce cadre culturel, les créations époustouflantes de Bulgari ont rapidement fait de cette marque basée à Rome un précurseur mondial. Ses designs audacieux et portables, son amour pour les couleurs et les matériaux juxtaposés et ses techniques d'orfèvrerie de pointe ne cessent de conquérir le cœur des amateurs de bijoux du monde entier, y compris celui d'Elizabeth Taylor, photographiée portant un bracelet Serpenti aux yeux d'émeraude sur le plateau de tournage de la superproduction hollywoodienne Cléopâtre, en 1963. Il n'est donc pas surprenant que Vogue reprenne le même style de serpent Bulgari le mois suivant, dans le numéro du 15 septembre 1968 du magazine. Un article intitulé From Italy : The Absolute Jewels (Les joyaux absolus) présente la maison de joaillerie italienne en exclusivité. Le photographe milanais Gian Paolo Barbieri a été chargé de photographier le mannequin italien Benedetta Barzini, couverte de superbes bracelets et ceintures en serpent d'émail et d'or. Sur ce

Estim. 40 000 - 60 000 EUR

mar. 14 mai

PENDANT ZODIAC EN DIAMANT ET OR, PAR FRED PARIS, CIRCA 1975 La plaque rectangulaire représentant le signe du zodiaque Bélier, la corne rehaussée de diamants taillés en brillant, dans un cadre et une balle en or texturé, monté en or 18 carats, signé Fred, avec la marque du fabricant 'Sté LFV' pour Lasbleiz Fournier Vitiello, la marque d'essai française, longueur (y compris la balle) 5.3cm Lasbleiz Fournier Vitiello est un atelier parisien fondé en 1962 qui a travaillé pour de prestigieuses maisons de joaillerie telles que Fred, Van Cleef & Arpels, René Boivin entre autres. La maison FRED, célèbre pour son esthétique à la fois classique et innovante et son savoir-faire inégalé, a su trouver l'équilibre entre la tradition intemporelle et le flair contemporain. Fondée en 1936 par Fred Samuel, la marque incarne sa vision de l'intégration harmonieuse des bijoux dans la vie quotidienne, une philosophie qui continue de façonner l'éthique de FRED en matière de design. Né en 1908 en Argentine dans une famille profondément impliquée dans le commerce des diamants, des perles et des pierres multicolores, Fred Samuel a cultivé une passion pour les perles de culture et s'est imposé comme un précurseur dans l'industrie. Influencés par les paysages maritimes et les teintes vibrantes de son éducation argentine, ses créations dégagent une vitalité éclatante. Dans les années 1970, la culture française a connu une période dynamique et diversifiée en matière de design, de joaillerie et de mode. Cette époque a été marquée par la fusion de l'élégance traditionnelle et de l'expérimentation avant-gardiste, reflétant les changements culturels et les mouvements sociaux de l'époque. Dans le domaine de la joaillerie, on observe une évolution vers des styles plus non conventionnels et plus audacieux. Les artisans ont commencé à expérimenter de nouveaux matériaux et de nouvelles techniques, ce qui a conduit à l'émergence de pièces de joaillerie avant-gardistes et abstraites. FRED a continué à lancer des tendances avec ses créations innovantes. L'intérêt pour un style chic et insouciant sans effort s'accroît, avec des tendances telles que le chic bohème et le glamour disco qui gagnent en popularité. Le 12 août 1976, le jour se lève sous une pluie incessante. Pendant des mois, toute l'équipe de FRED s'est préparée avec diligence à l'ouverture de sa boutique à l'hôtel Loews de Monte Carlo, situé dans la principauté. Fred Samuel lui-même a minutieusement supervisé chaque détail, des peintures et papiers peints aux boiseries, fenêtres et meubles. La présence de Son Altesse Sérénissime, la princesse Grace de Monaco, reconnue comme l'une des femmes les plus belles et les plus illustres du monde, constituait un moment fort de la cérémonie. La princesse a gracieusement accepté l'invitation à honorer la soirée de sa présence, accompagnée de sa fille aînée, la princesse Caroline, alors âgée de dix-neuf ans. La princesse Grace avait récemment assisté au succès de la comédie musicale A Chorus Line à Broadway lors de sa visite à New York. Dans un geste spontané, Samuel a organisé la construction d'une scène improvisée sur le toit de la piscine de l'hôtel et a engagé une troupe professionnelle pour divertir la princesse Grace lors de cet intermède spécial. Cependant, la pluie incessante menaçait de perturber les plans. Heureusement, au moment où l'horloge sonnait sept heures du soir, l'averse cessa. Une heure plus tard, la voiture officielle annonçait l'arrivée des deux princesses, d'une élégance suprême. Pour commémorer cet événement, Fred Samuel a offert à la princesse Grace un collier du zodiaque du Scorpion, orné de rubis minutieusement pavés. Le penchant de la princesse pour les signes astrologiques est connu depuis longtemps : En 1956, l'astrologue et horoscope hollywoodien Carroll Righter a été photographié en train de rendre visite à Kelly sur le plateau de tournage de l'un de ses derniers films, "Le Cygne". Peu après ses fiançailles avec Rainier. Righter consacre l'une de ses chroniques dans le Chicago Tribune à la compatibilité astrologique du couple, fournissant des détails sur l'horoscope de Kelly au cours des "dernières années". Le samedi 15 novembre 1969, la star de cinéma américaine devenue princesse s'est offert l'une des fêtes d'anniversaire les plus étranges et les plus extravagantes de l'histoire. Centrée sur le huitième signe astrologique, la liste des invités était exclusivement composée de scorpions. Heureusement, les conjoints de Scorpions étaient également autorisés, tout comme les membres de la famille de Kelly. Pour Fred Samuel, l'ouverture de sa boutique à l'hôtel Loews de Monte-Carlo est une apothéose. "Monte-Carlo a marqué le cours de ma carrière avec un éclat particulier. Il a symbolisé un moment clé dans le développement de notre entreprise et, plus secrètement, l'endroit où la lumière des pierres m'a été en quelque sorte rendue. L'espace d'un instant, j'ai retrouvé l'éblouissement de l'enfance et il m'a semblé qu'au-delà et en deçà de la guerre, les deux moitiés de ma vie se rejoignaient pour simplement affirmer sa vocation à la lumière !"

Estim. 4 200 - 4 800 EUR

mar. 14 mai

BRACELET EN RUBIS ET DIAMANTS, PAR PÉRY & FILS De conception ajourée, composé de têtes de fleurs, chacune centrée sur un diamant taillé en brillant ou un rubis taillé en rond, monté en or 18 carats et en platine, avec la marque du fabricant " P&Fils " pour Péry & Fils, signé " Chaussé.La Maison Péry a été fondée en 1875 par Lucien Péry, dont les élégantes chaînes en or ont attiré l'attention des joailliers de la place Vendôme. La société a été dirigée par quatre générations de Péry, du fils de Lucien, Albert, à son petit-fils Bernard, père de la grande Brigitte Péry, qui a dirigé l'entreprise pendant quatre décennies. Au cours de la première moitié du 20e siècle, le travail d'Albert était prolifique, produisant de nouveaux modèles presque chaque semaine. Cependant, lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate, Albert est fait prisonnier et l'atelier est fermé pendant six ans. Une fois le conflit terminé, la production reprend lentement et s'intensifie dans les années 1950. C'est à cette époque que Bernard Péry crée certaines des pièces les plus emblématiques de Van Cleef & Arpels, notamment les parures Domino et les bracelets Ludo. Bernard Péry commence à nouer des liens avec d'autres maisons de joaillerie et entame des collaborations, d'abord avec Paolo Bulgari, qui durera deux décennies, puis avec Cartier, Boucheron, Mauboussin, Templier et Tiffany. En effet, il semble qu'il n'y ait aucune grande maison de joaillerie du 20e siècle pour laquelle les ateliers Péry n'aient pas produit. La fille de Bernard, Brigitte, avait le même sens des affaires et, lorsqu'elle a pris la relève, elle a poursuivi cette stratégie. Elle a notamment collaboré avec Graff, Dior, Fabergé et Mikimoto. En 2008, elle lance un vaste programme de formation pour les ateliers afin de promouvoir l'innovation et de moderniser les techniques de production de l'entreprise. L'adoption de nouveaux processus de conception garantit la polyvalence et permet à la Maison Péry d'être compétitive sur la scène internationale. En 2011, elle décide finalement de vendre l'entreprise familiale au président du groupe Richemont de l'époque, Stanislas de Quercize, faisant ainsi officiellement entrer la Maison Péry dans le giron de Van Cleef & Arpels. Les bijoux font toujours rêver", explique Brigitte dans un entretien avec Olivier Bachet pour IAJA. "Rêver de ceux qui les portent, quel plaisir et quelle chance de pouvoir le faire. Et rêver de ceux qui les fabriquent toujours avec une vraie passion".

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

sam. 27 avr.

Exceptionnelle coupe à dragon néogothique en argent. Pied allongé, à huit bords, montant en cône, porté par deux petits pieds rectangulaires sur les côtés longs et par une paire de pieds de dragon entièrement sculptés sur chacun des côtés courts. A partir de là, deux longues entretoises étirées vers l'extérieur forment des corps de dragons stylisés qui se transforment en poignées latérales montantes en forme de têtes de dragons héroïques. Saisies par leurs ailes repliées, elles tiennent en leur centre une coque elliptique et lisse, rappelant un bateau-dragon viking traditionnel. Les gueules de dragon largement ouvertes sont chacune décorées d'une boule de pierre précieuse mobile beige verdâtre. Le pied et les montants latéraux sont décorés de nœuds celtiques, dont le nœud dit de la Trinité, de têtes de taureaux stylisées et de bandes ornementales entrelacées, surmontées de cabochons de pierres précieuses correspondants. Le bord du pied est entouré d'un ruban d'émail bleu et turquoise. Une boule est minimalement endommagée ; Gest. 800, marque du fabricant. Poids env. 2030 g. H. 20 cm. 48,5 cm x 20 cm. Conrad Anton Beumers fonde son atelier de joaillerie à Düsseldorf en 1858 et se spécialise notamment dans la fabrication d'objets sacrés en argent. En 1913, l'entreprise est nommée fournisseur de la cour royale et impériale. Au Stadtmuseum de Düsseldorf se trouve une autre coupe de la société avec des "ornements nordiques", probablement d'après un projet de Hugo Leven, cf. à ce sujet Krekel-Aalberse, Jugendstil und Art Déco Silber, p. 165, ill. 145 ; Scheffler, Rheinland-Westfalen, t. I, n° 142. Un extraordinaire bol dragon néo-gothique allemand en argent avec des gemmes. Un gemstone légèrement dégradé. Marque standard 800, marque du fabricant. Allemand. Düsseldorf. Conrad Anton Beumers. Vers 1910.

Estim. 6 500 - 13 000 EUR

mar. 14 mai

PAIRE DE BOUCLES D'OREILLES EN ÉMERAUDE ET DIAMANT, PAR PETOCHI De forme tassée, chacune composée d'une émeraude cabochon circulaire dans un entourage de diamants taillés en brillant, suspendant un motif floral pavé de diamants taillés en brillant, à une tassette d'émeraudes taillées en forme de goutte et d'entretoises en diamant taillé en brillant, monté en or 18 carats, marque d'enregistrement italienne "24ROMA" pour Petochi, longueur 5 cm Créant leur propre atelier en 1884, les cousins Petochi, Alessandro et Giuseppe, ont rapidement attiré l'attention sur leurs bijoux classiques, opulents et raffinés, parfaitement adaptés aux goûts du dix-neuvième siècle. Dans les années 1920, leur réputation a atteint de nouveaux sommets lorsque Giuseppe Petochi a cultivé des relations avec des personnalités influentes telles que le prince Alessandro Torlonia, s'attirant les faveurs d'importantes familles romaines et s'assurant la place de fournisseurs estimés des maisons régnantes d'Europe et de la famille royale italienne. L'héritage durable est évident dans la transition sans heurt d'une génération à l'autre. Alberto Petochi, l'arrière-arrière-petit-fils du fondateur, est le fer de lance de la célèbre collection 1884. Fusionnant les matériaux innovants du troisième millénaire et l'héritage distingué de ses fondateurs, la maison se spécialise dans les créations sur mesure qui capturent l'essence de l'élégance intemporelle. Petochi 1884 reste un symbole d'excellence dans le monde de la joaillerie, célébré à Rome et acclamé dans le monde entier.

Estim. 6 500 - 7 500 EUR

sam. 18 mai

Un exemple brillant et mémorable de la fin de lArt nouveau russe, une tabatière en argent et en émaux cloisonnés - du 6ème artel de Moscou. La tabatière a une forme octogonale discrète et porte un ensemble impressionnant de ceintures géométriques, de décorations florales et naturelles. Sur le couvercle à charnière se trouve limage titre dun arbre fleuri de conte de fées avec des fruits et des baies qui poussaient à la lisière dune forêt épique. Dans les coins, il est entouré dun motif ambivalent dune vague verte provenant dun champ gris tourterelle, qui, dans les coins supérieurs, personnifie le ciel pluvieux et les nuages, et dans le registre inférieur - la biosphère des herbes des lacs et des prés. Les pyramides en spirale de laxe central, au-dessus et en dessous, portent les empreintes des éléments air et terre fertile. Les côtés du corps, en plus de la ceinture géométrique de losanges et de spirales, sont décorés dune alternance de champs de floraison fabuleuse et dorigine aquatique, le début et la demi-journée de la vie. Les coupes dangle forment des compositions dynamiques et diagonales sur un fond clair. Sur la base de la tabatière se trouvent les poinçons de Moscou de 84 échantillons dargent de 1908-1917 et le poinçon 6 de lartel de joaillerie de Moscou. Sur le bord intérieur du liseré se trouvent une paire de timbres français importés. Cygnes dans un ovale. Dimensions : 2,5 x 8 x 6,6 cm Poids total : 130,0 g. Width: 7.5cm, Height: 2.5cm, Depth: 6.3cm, Weight: 0.130kg, Condition: Good, Material: Silver 84, Cloisonné enamel, Gilding, ID: ID-ANTQ-8500

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Xavier LE NORMAND (1978) - FRANCE - Sans Titre - pièce unique - Verre soufflé - diam. 23 x H 10 cm - 2022. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Xavier Le Normand a d'abord suivi une formation de bijoutier aux ateliers de la Font Blanche à Nîmes, avant d'intégrer le CERFAV près d'Annecy, où il devient Compagnon Verrier Européen. Il obtient une bourse de la Ville de Paris en 2004, puis la bourse Lino Tagliapietra de Pilchuck aux États-Unis en 2008. En 2009, il enseigne dans une université de Tokyo, au Japon, où il est connu sous le nom de "sensei". La même année, il reçoit le prix Liliane Bettencourt pour l'intelligence de la main. Il s'est formé auprès des meilleurs souffleurs et tailleurs de verre, dont Monica Guggisberg et Philippe Baldwin. Xavier Le Normand a exposé en Belgique, en France et aux Pays-Bas. En 2015, l'artiste a exposé au Musée des Arts décoratifs de Paris (exposition " Mutations ") et au Palais de Tokyo (exposition " L'usage des formes "). Xavier Le Normand fait partie des collections du Musée des Arts décoratifs de Paris. En 2016, il a travaillé avec Cartier et Fred joaillerie. Il s'est hissé sur le devant de la scène du verre contemporain en France. Il a développé une exploration artistique distincte, s'écartant de l'artisanat traditionnel du verre. Ses créations sont des pièces d'art qui font référence, tant en France qu'au Japon. Le travail de Xavier Le Normand est marqué par la virtuosité. Il combine habilement le travail du verre à chaud et la sculpture à froid, et n'hésite pas à intégrer des métaux précieux dans ses pièces. Ses œuvres sont souvent caractérisées par des formes organiques, des couleurs mates et des textures qui évoquent la vie. Il explore également la taille à froid, un aspect moins courant du travail du verre, où la forme, la matière et la couleur s'unissent harmonieusement. 2009 - Prix Liliane Bettencourt pour l'intelligence de la main® - Talents d'exception Expositions de la collection Musée des Arts Décoratifs, Paris Cirva Palais de Tokyo Galerie Echt Chivago Brafa Art Fair, Bruxelles Fiac, Paris Galerie Clara Scremini Pavillon des arts et du design (Paris) Collaboration avec Cartier Collaboration avec Dior

Mise à prix  4500 EUR

Xavier LE NORMAND (1978) - FRANCE - Sans Titre - pièce unique - Verre soufflé - L 24 x l 24 x H 22 cm - 2022. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Xavier Le Normand a d'abord suivi une formation de bijoutier aux ateliers de la Font Blanche à Nîmes, avant d'intégrer le CERFAV près d'Annecy, où il devient Compagnon Verrier Européen. Il obtient une bourse de la Ville de Paris en 2004, puis la bourse Lino Tagliapietra de Pilchuck aux États-Unis en 2008. En 2009, il enseigne dans une université de Tokyo, au Japon, où il est connu sous le nom de "sensei". La même année, il reçoit le prix Liliane Bettencourt pour l'intelligence de la main. Il s'est formé auprès des meilleurs souffleurs et tailleurs de verre, dont Monica Guggisberg et Philippe Baldwin. Xavier Le Normand a exposé en Belgique, en France et aux Pays-Bas. En 2015, l'artiste a exposé au Musée des Arts décoratifs de Paris (exposition " Mutations ") et au Palais de Tokyo (exposition " L'usage des formes "). Xavier Le Normand fait partie des collections du Musée des Arts décoratifs de Paris. En 2016, il a travaillé avec Cartier et Fred joaillerie. Il s'est hissé sur le devant de la scène du verre contemporain en France. Il a développé une exploration artistique distincte, s'écartant de l'artisanat traditionnel du verre. Ses créations sont des pièces d'art qui font référence, tant en France qu'au Japon. Le travail de Xavier Le Normand est marqué par la virtuosité. Il combine habilement le travail du verre à chaud et la sculpture à froid, et n'hésite pas à intégrer des métaux précieux dans ses pièces. Ses œuvres sont souvent caractérisées par des formes organiques, des couleurs mates et des textures qui évoquent la vie. Il explore également la taille à froid, un aspect moins courant du travail du verre, où la forme, la matière et la couleur s'unissent harmonieusement. 2009 - Prix Liliane Bettencourt pour l'intelligence de la main® - Talents d'exception Expositions de la collection Musée des Arts Décoratifs, Paris Cirva Palais de Tokyo Galerie Echt Chivago Brafa Art Fair, Bruxelles Fiac, Paris Galerie Clara Scremini Pavillon des arts et du design (Paris) Collaboration avec Cartier Collaboration avec Dior

Mise à prix  8500 EUR

lun. 13 mai

Georges LENFANT [Jacques]. Vers 1950. Collier sautoir en or 750 ‰ de trois tons, à maille marine, texturée et entrelacée. Fermoir goupille sécurisé. Poinçon de Maître de l'atelier. Poids : 167 g ; longueur : 83 cm. Dans un écrin de la maison Van Cleef & Arpels. Expert : Emeric BUFFETAUD Georges (1872-1945) et Jacques (1904-1996) LENFANT, un siècle de perfection d'après les douze travaux de Jean-Jacques Richard consultables sur son blog au ton unique : www.richardjeanjacques.com De Cartier, d'abord, pour avoir été son chaîniste attitré avant 1900 (Georges) à la maison Lacloche, de Van Cleef & Arpels à Boucheron, mais aussi du British museum au MAD de Paris, ou encore les plus belles collections de bijoux du XXème siècle à travers le monde, ces deux techniciens hors-normes, Père et fils, fils et petit-fils de bijoutiers (dont un boîtier, spécialité ô combien délicate...) n'ont échappé à aucun succès. Tous deux avec la même énergie dévorante de faire bien et beaucoup, d'inventer à chaque fois qu'on ne sait pas, de racheter des ateliers prestigieux, dont celui de Gustave-Roger et Gérard Sandoz en 1928 et, après la seconde guerre mondiale, pardonnez du peu, la maison Verger Frères (fondée en 1872), lui donnant accès à son légendaire fournisseur de mouvements horlogers Vacheron-Constantin ou à des spécialistes de la complication comme Jaccard (système rétrograde). Ils se sont formés à toutes les spécialités de la joaillerie pour savoir tout dessiner, tout fabriquer et tout proposer sous toutes les coutures et toutes les textures, et rendre ainsi les trente encore plus glorieuses que prévu... Avec des brevets jusqu'aux Etats-Unis pour Tiffany & Co... La chaîne que nous présentons est un exemple de façon, avec une régularité d'enchevêtrement méticuleuse, une masse et une souplesse qu'on ressent tout de suite à son contact, le tout en trois couleurs et dans une texture brute qui est la marque de l'atelier.

Estim. 15 000 - 30 000 EUR

mar. 14 mai

Paire de pendants d'oreilles en émail et diamant, par DAVID WEBB De forme octogonale bombée, décorés d'émail noir entre des épaulements en diamant taille brillant, montés en or 18 carats et en platine, diamants d'environ 2,50 ct au total, signés Webb, longueur 3,5 cm David Webb a fondé sa ligne éponyme de haute joaillerie à Manhattan le 28 juillet 1948, à tout juste vingt-trois ans. Ses créations sont devenues l'incarnation de l'ère d'après-guerre, exsudant l'extravagance et l'excès qui étaient jusqu'alors décriés. Webb fait partie des rares personnes qui, au XXe siècle, ont revendiqué un style esthétique qui leur était propre. Les créations de Webb étaient désinhibées, audacieuses et fascinantes, attirant rapidement des foules de membres de la royauté américaine à son adresse du 2 West 46th Street, devenant rapidement le secret le plus connu de New York. Portés par Jacqueline Kennedy, Elizabeth Taylor et Estee Lauder, les bijoux Webb ont une présence et une demande remarquées, conçus pour ceux qui sont présents dans la grande ville. On sait peu de choses sur les débuts de Webb, mais peu de gens de sa ville natale d'Asheville, en Caroline du Nord, auraient pu prévoir son ascension fulgurante vers la célébrité, quelques années seulement après son installation à New York. Webb a débuté à Asheville comme apprenti chez son oncle, orfèvre, avant de décrocher un emploi dans le quartier des diamantaires de New York à l'âge de dix-sept ans. L'indépendance dont il a fait preuve pour partir à New York à cet âge mûr ne fait que démontrer l'approche individuelle de Webb à l'égard de tous les aspects de la conception. Il réalisait lui-même tous ses travaux de design, depuis la conceptualisation de ses pièces sous forme d'esquisses au crayon, à la manière indéniable de Webb, jusqu'à leur réalisation complète. La fascination pour la couleur est au cœur de toutes les œuvres de Webb, bien qu'elle soit dictée par son profond respect pour la forme et les matériaux. La maîtrise de la géométrie par Webb lui a donné la liberté de créer sans compromis, l'assimilant à un architecte autant qu'à un artiste. C'est cette dualité de la matière et de la forme qui a attiré l'attention de Jacqueline Kennedy, qui a choisi Webb pour réaliser sept dessins destinés aux cadeaux d'État Kennedy, qui rendaient hommage aux minéraux originaires des États-Unis. Tous ces dessins ont été acceptés par Mme Kennedy, ce qui a donné lieu à une collaboration durable entre les deux artistes, Mme Kennedy elle-même comparant l'ingéniosité de Webb à celle de Cellini. Dans les années 1970, de vénérables maisons telles que Cartier et Van Cleef & Arpels se tournent vers une résurgence du style art déco. À l'inverse, dans le style auto-instruit typique de Webb, il a puisé son influence dans d'innombrables cultures couvrant de nombreuses périodes, sans émettre aucune réserve dans son choix. Il s'agit de l'avant-dernier résultat des études de Webb sur les artefacts, en utilisant les vastes ressources que la ville de New York avait à offrir. Il s'est retrouvé chaque semaine sur les marches du Metropolitan Museum of Art, préoccupé par les cultures anciennes, des gréco-romains aux byzantins. Des objets provenant des quatre coins du monde ont été revisités par Webb. Un taureau minoen devient une boucle de ceinture en or et les bracelets pénannulaires grecs deviennent les modèles des bracelets en or pour animaux qui font la réputation de Webb. Il a éloigné la joaillerie de l'abstraction, embrassant les formes figuratives et les volumes comme personne d'autre. Ses créations animales exubérantes s'inscrivent dans une lignée d'art animalier figuratif, succédant à tout ce qui va des bijoux pour grands félins de Cartier des années 1940 à l'héritage des créatures mythologiques talismaniques conservées qu'il a trouvées au Metropolitan Museum. C'est pour l'étendue de son influence, sa forte individualité et l'audace de son design que Webb est considéré comme le joaillier américain par excellence.

Estim. 7 500 - 8 500 EUR

mar. 14 mai

Une collaboration entre Danielle D'All Armi et Margherita Burgener D'un design en forme de tête de fleur, chaque pétale rehaussé de saphirs roses taillés en cercle, accentué par des diamants taillés en brillant, monté en titane rose pourpre et en or 18K, les saphirs roses pesant 1,95ct au total, les diamants pesant 0,83ct au total, signé par Margherita Burgener.83ct total, signé Margherita Burgener, avec la marque de fabrique "MB", accompagné d'un cordon de satin noir avec terminaisons en or 18K à porter en pendentif, avec l'étui de la marque, longueur 4,5cm Danielle D'All Armi, réputée pour son expertise en matière de roses, et Margherita Burgener, célèbre pour son exquise maîtrise de la joaillerie, ont uni leurs forces pour créer un pendentif unique en forme de rose "Our lady of Guadalupe". En associant les connaissances approfondies de Danielle en matière de roses aux compétences raffinées de Margherita en matière de joaillerie, cette collaboration promet d'aboutir à une réussite unique en son genre. Les bijoux de Margherita Burgener incarnent les sensibilités esthétiques raffinées et la vision créative d'Emanuela Burgener. Avec une approche sophistiquée et éclectique du design, chaque pièce transcende les tendances éphémères de la mode pour atteindre une allure intemporelle. Réalisée avec une attention méticuleuse aux détails, chaque création reflète le dévouement d'Emanuela à son métier, un sentiment qu'elle partage avec sa fille Margherita, qui a donné son nom à la marque. Enracinée en Italie, Emanuela a commencé son parcours dans l'orfèvrerie dans l'atelier familial, où elle a perfectionné ses compétences sous la direction de son grand-père. Aujourd'hui, elle continue de créer exclusivement dans l'atelier de la créatrice à Valenza. Les bijoux Margherita Burgener témoignent d'un savoir-faire inégalé qui les distingue dans le secteur. Fusionnant des méthodes traditionnelles avec des matériaux contemporains comme le titane, la marque encourage l'innovation, permettant l'exploration de volumes et de teintes variés. Réputés pour leur originalité et leur élégance, les bijoux de Margherita Burgener ont été largement salués dans des salons prestigieux et sont estimés parmi les plus grands créateurs de bijoux. Chaque pièce, qu'elle soit exclusive ou en édition limitée, captive ceux qui la portent et suscite l'admiration de tous ceux qui la contemplent. L'une des créations les plus remarquables de Margherita Burgener est le Ribbon for Hope, une broche en titane et en diamant fabriquée à la main. Inspirée par le combat personnel d'Emanuela contre le cancer du sein, cette pièce symbolise l'espoir, la communauté et le soutien dans la lutte contre le cancer. Le produit de la vente de cette broche est reversé à la Fondation de l'Institut européen d'oncologie, qui soutient les efforts de recherche et de traitement du cancer. Parallèlement, le voyage de Danielle D'All Armi vers les roses a commencé en 1998 lorsqu'elle a transformé une partie de leur exploitation de citrons et d'avocats en l'enchanteresse Rose Story Farm®. Enracinée dans la tradition familiale et dans une passion commune pour le jardinage, la ferme s'est épanouie en un havre de paix de plus de 30 000 rosiers, présentant plus de 130 variétés. Pour Danielle et Bill, Rose Story Farm n'est pas seulement une entreprise, mais un héritage familial précieux, un témoignage de leur amour des roses et de la joie qu'elles procurent. Leur dévouement à la préservation et au partage de la beauté des roses a valu à Danielle le prestigieux prix Great Rosarian of the World en 2014, soulignant le statut de Rose Story Farm en tant que point de repère inspirant dans le monde des roses. Elle rejoint un groupe d'élite de quinze lauréats qui ont reçu ce prix, dont David Austin, Peter Beales et Alain Meilland. Ce prix rend hommage à Danielle et à Rose Story Farm, un mélange réussi d'agriculture de niche à petite échelle et d'action éducative, reconnu comme une source d'inspiration et un modèle pour des centaines de petites exploitations florales familiales. Ensemble, Danielle D'All Armi et Margherita Burgener apportent leur expertise et leur passion respectives pour créer un pendentif qui associe l'élégance intemporelle des bijoux Margherita Burgener à la beauté délicate des roses de Rose Story Farm. Cette collaboration promet de faire chavirer les cœurs et de célébrer l'attrait durable de la nature et de l'artisanat.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

mar. 14 mai

BRACELET "FORCE 10" EN DIAMANT, PAR FRED PARIS La boucle en or 18 carats pavée de diamants taille brillant, avec câble de navigation interchangeable en acier tissé vert ou rouge, signé Fred, numéroté, avec la marque du fabricant pour "FP" pour Fred Paris, avec l'étui du fabricant, longueur 17 cm Équilibre entre tradition intemporelle et flair contemporain, le célèbre joaillier patrimonial français FRED est célébré pour son esthétique à la fois classique et innovante et son savoir-faire artisanal inégalé. Fondée en 1936 par Fred Samuel, la marque incarne sa vision de l'intégration harmonieuse des bijoux dans la vie quotidienne, une philosophie qui continue de façonner l'éthique du design de FRED. Né en 1908 en Argentine dans une famille profondément impliquée dans le commerce des diamants, des perles et des pierres multicolores, Fred Samuel a cultivé une passion pour les perles de culture et s'est imposé comme un précurseur dans l'industrie. Influencés par les paysages maritimes et les teintes vibrantes de son éducation argentine, ses designs exsudent une vitalité éclatante. Évoluant vers une marque de joaillerie innovante et mondialement reconnue, FRED conserve son allure distincte tout en développant ses boutiques dans le monde entier. En 2012, la marque a réintroduit sa collection emblématique Force 10, avec le bracelet FRED Force 10 en or blanc. S'inspirant de la passion de Samuel pour la voile, les modèles originaux des années 1960 étaient des pièces pionnières conçues pour plaire aux hommes et aux femmes. Reflétant ses racines maritimes, le bracelet, nommé d'après le redoutable vent de la force d'un coup de vent, se caractérise par un câble de fibre enroulé autour du poignet, ce qui lui confère une esthétique robuste et industrielle. Les années 1960 ont été marquées par un changement radical des normes sociétales, notamment des attitudes à l'égard de la mode et de l'expression personnelle. Les bijoux sont devenus un moyen d'expression personnelle et d'autonomisation. L'époque s'éloigne des styles conservateurs du passé et de nombreuses personnes adoptent des modèles audacieux et d'avant-garde, les bijoux devenant un symbole de libération et d'individualité. Les bijoux deviennent un symbole de libération et d'individualité. Les vêtements commencent à privilégier des matériaux non conventionnels, abandonnant les styles opulents et restrictifs des décennies précédentes. Au cours d'un dîner avec son équipage, Henri Samuel découvre dans sa poche un morceau de la drisse de son bateau, qu'il faut remplacer en raison de sa rupture imminente. Par jeu, il l'attache avec un serre-câble autour du poignet de sa femme Béatrice. De retour à Paris, il charge son chef d'atelier de trouver un moyen d'embellir la drisse en acier avec un simple fermoir en or. Une semaine plus tard, le premier bracelet Force 10 voit le jour. Henri l'a baptisé Force 10 pour symboliser la résilience de l'amour, capable de relever tous les défis, ainsi que la puissance du vent, mesurée sur l'échelle de Beaufort allant de 0 à 12. La force 10 représente un vent de tempête, que seules la force 11, désignant une violente tempête, et la force 12, indiquant un ouragan, dépassent. Ainsi, en mariant l'or et l'acier, Force 10 incarne un bijou conçu pour résister à toutes les conditions, contrairement aux bijoux en or conventionnels. Henri Samuel a résumé cette transformation en déclarant : "Lorsqu'un homme de mer devient joaillier, il transforme un câble maritime en un bracelet d'or et d'acier. Porter Force 10 signifie une déclaration audacieuse de style et de courage pour les personnes au tempérament passionné, pour ceux qui refusent d'être contraints par les limites de l'horizon. Le bracelet FRED Force 10 est polyvalent et offre une myriade d'options de style pour la vie de tous les jours, adaptées aux préférences de chacun. Intemporel et contemporain, son design unisexe s'adapte sans effort aux différentes personnalités. La fusion innovante par FRED d'un câble de voile en acier tressé et d'une boucle en or, autrefois perçus comme des matériaux contrastés, a révolutionné l'artisanat de la joaillerie. Cette création avant-gardiste a donné naissance à une collection qui exsude à la fois l'élégance décontractée et le glamour. S'appuyant sur son audace créative originale, FRED insuffle à la collection une polyvalence et une palette vibrante de couleurs vives. Force 10 est sans aucun doute le bracelet emblématique de la maison Fred Jewellery. "La passion de la mer et de la voile est héréditaire dans la famille Samuel. Elle trouvera un autre moyen de se déployer dans un bijou destiné à devenir l'un des emblèmes de la maison : le bracelet force 10" Fred Samuel Mémoires d'un joaillier, 1992.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

mar. 14 mai

Une trouvaille de 18 pièces de bijoux en argent, âge viking, 10e - 11e siècle Spectaculaire ensemble de bijoux en argent de l'âge viking. Parmi eux, cinq grands anneaux de cou avec des extrémités qui se chevauchent. 1) Une pièce avec des extrémités angulaires et sphériques, décorées de filigrane et de granules, avec au centre une incrustation de verre en creux. L'extrémité arrière est arrondie et lisse, l'avant plat hexagonal à facettes en section transversale et décoré de pointillés circulaires sur le dessus. Diamètre d'environ 22 cm. 2) Deux pièces similaires avec extrémité arrière arrondie et extrémité avant torsadée, les extrémités bombées vers l'arrière et décorées de boutons carrés facettés. Une pièce avec des pointillés circulaires à l'extrémité de la torsade. Diamètre de chaque pièce environ 24 cm. 3) Deux autres pièces similaires, mais avec une boucle à une extrémité et un bouton carré à facettes à l'autre. Diamètre d'environ 19 cm et 22 cm. 4) Une paire de bangles carrés aux extrémités superposées, presque entièrement décorés de points circulaires, les extrémités martelées en points ronds et droits. Diamètre de chacune environ 11.5 cm. 5) Deux bangles à huit faces, chaque autre bande décorée de points circulaires, l'une entre les deux lisse. Les extrémités presque touchantes sont martelées en barres rondes légèrement coniques. 6) Deux bracelets lourds à barre ronde, à la surface lisse, légèrement tapissés aux extrémités presque palpitantes. 7) Deux grandes paires de boucles de bijoux avec une partie inférieure martelée à plat avec cinq bobines de serpentine décorées de pointillés circulaires sur les arcs extérieurs, les lignes centrales à gauche. L'extrémité inférieure se termine par une spirale, la partie supérieure est arrondie et pliée vers le haut et vers l'arrière, l'extrémité se termine par un anneau et coupe la spirale. Hauteur de chacun environ 10,5 cm. 8) Deux pièces de joaillerie similaires, plus petites, sans pointillés circulaires et sans spirale à l'extrémité inférieure. Hauteur d'environ 7 cm chacun. Au total, environ 2,8 kg d'argent. Tôle d'argent typique de l'âge viking. Livré avec une ancienne note écrite au stylo décrivant les objets en russe. Probablement un trésor viking de l'Est, qui témoigne des migrations intenses et des expéditions commerciales le long des fleuves de la Baltique et de la Russie. Provenance : Collection privée allemande de l'Est. Condition : I - II

Aucune estimation

mar. 14 mai

BAGUE EN SÉRIE DE GEMMES, PAR ILIAS LALAOUNIS De conception articulée, la plaque centrale festonnée, centrée sur un motif de fleur serti d'un rubis cabochon, aux quartiers de saphirs taillés en cercle, flanquée de saphirs et de rubis taillés en collet dans un motif similaire, aux bordures filigranées et à la finition texturée, monté en or 18 carats, signé Illias Lalaounis, numéroté A.21, avec marque de fabrique, marques françaises, circonférence intérieure d'environ 17,5 cm Le joaillier grec Ilias Lalalounis est né à Athènes en 1920, quatrième génération d'une famille d'orfèvres et d'horlogers de Delphes. Après avoir étudié l'économie et le droit à l'université d'Athènes, il rejoint l'entreprise de joaillerie de son oncle, où, apprenti orfèvre, il acquiert les compétences qui détermineront son avenir en tant que maître artisan. Passionné d'histoire, il commence à étudier l'art de ses ancêtres. Dans les années 1950, il s'inspire d'objets de musées grecs et les transforme en bijoux en remettant au goût du jour des techniques ancestrales tout en introduisant l'utilisation de la technologie moderne. Son objectif créatif était de transmettre le lien spirituel et symbolique d'un objet avec son passé historique, l'art des techniques négligées, telles que la granulation, le filigrane, le tissage à la main et le martelage à la main. Lalaounis fonde l'Association des bijoutiers grecs et expose sa première collection en 1957, la collection archéologique, inspirée de l'art classique, hellénistique et minoen-mycénien, avec des bijoux modernes imprégnés d'antiquité. Dans les années 1960, après le décès de son oncle, Ilias Lalaounis crée sa propre entreprise. Ses collections, composées de pièces en or 18 et 22 carats, s'inspirent de l'art de différentes cultures et époques. Son intérêt allait de l'art préhistorique à l'art minoen, de l'art perse à l'art byzantin, de l'art chinois à l'art des Tudors. Dans les années 70, Lalaounis a fait sensation avec sa collection BLOW UP, qui drapait le corps humain de bijoux en or. Il redéfinit ensuite de nouveaux moyens d'expression en s'inspirant de domaines tels que la nature et la science, les fleurs et les biosymboles, les mouvements aléatoires des cellules animales et végétales, les orbites et les constellations. En 1986, Lalaounis devient le premier joaillier à recevoir la prestigieuse intronisation à l'Académie des Beaux-Arts et des Lettres de Paris. Son travail étant de plus en plus apprécié, l'entreprise continue de se développer et s'étend à l'Europe, à l'Asie et à l'Amérique. Depuis 1998, la créativité d'Ilias Lalaounis a été transmise à ses quatre filles, qui ont porté la marque respectée vers de nouveaux sommets d'excellence et de design.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

mar. 14 mai

BAGUE DE COCKTAIL EN TURQUOISE ET TANZANITE, PAR GEORG SPRENG, 2001 Le cabochon de turquoise de forme ovale de 13,46 ct entre des épaules de tanzanite en forme de poire de 4,75 ct au total, sur une monture sculpturale en or brossé.Le cabochon de turquoise de forme ovale de 13,46ct entre des épaules de tanzanite en forme de poire de 4,75ct au total dans un sertissage à collet, sur une monture sculpturale en or brossé, montée en or 18K, signée, avec la marque du fabricant "CA", la marque d'essai française, taille de bague O¾ Né en 1949 à Schwäbisch Gmünd, en Allemagne, Georg Spreng s'est embarqué dans un voyage qui mélangerait sa passion pour le design industriel avec l'art de la création de bijoux. Diplômé de la Werkkunstschule Schwäbisch Gmünd, en Allemagne, avec une spécialisation en design industriel, il perfectionne son art et cofonde frogdesign de 1971 à 1982. Depuis 1982, Spreng a tracé sa propre voie en tant que designer indépendant et créateur de bijoux, partageant son temps entre le Canada et l'Allemagne. Son expertise en matière de design industriel confère à chaque bijou qu'il crée une précision géométrique, mariant la forme et la fonction dans une harmonie exquise. Les bijoux de Spreng témoignent de son savoir-faire méticuleux et de sa vision artistique. Fabriqués à partir de matériaux précieux tels que l'or, le platine et les pierres précieuses, ils arborent des lignes épurées et des noms distinctifs tels que ice cream cone rings, Caro, Twiggy et Blub. Des bagues aux broches en passant par les colliers et les pendentifs, chaque création est un chef-d'œuvre unique, méticuleusement réalisé selon les dessins de Spreng par une équipe d'artisans triés sur le volet. L'une des caractéristiques de Spreng est son engagement inébranlable à se procurer les matériaux les plus nobles pour ses créations. Il parcourt le monde à la recherche de pierres précieuses rares, tirant parti de son vaste réseau de contacts pour se procurer les matériaux les plus exceptionnels. Nombre des pierres qu'il utilise sont des pièces uniques dont la rareté et la valeur ne font qu'augmenter avec le temps. Ce qui distingue Spreng, c'est son aspiration à créer des pièces d'une beauté et d'une durabilité intemporelles. Il s'efforce d'imprégner chaque pièce d'un sentiment d'immortalité, les considérant comme des artefacts qui transcendent les générations. Je veux que ces bijoux soient déterrés quelque part dans quelques milliers d'années et qu'ils conservent leur essence, servant de reflet de notre époque actuelle", déclare-t-il. Certaines des créations de Spreng ont déjà atteint le statut d'icône, gagnant une place permanente dans des musées renommés tels que le Museum of Modern Art de New York. Avec chaque pièce, Spreng laisse une marque indélébile sur le monde de la haute joaillerie, créant des trésors qui résistent à l'épreuve du temps.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR
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