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sam. 18 mai

Deutsches Reich 1933 - 1945 - Art : Professeur Josef Wackerle : Projet pour la sculpture "Amerika" pour le paquebot "Columbus", le plus grand navire de la Norddeutsche "Lloyd. Relief en plâtre "Amerika" comme projet pour la sculpture en bois de chêne pour le fumoir II. Classe du paquebot "Columbus". Plâtre avec teinte terracotta. Dans un cadre en bois doré de l'époque. 54 x 114 cm m. R. Cet exemplaire est la forme originale en plâtre de la sculpture Amérique, l'un des quatre reliefs muraux réalisés par Wackerle pour le salon fumeur II. classe du paquebot Columbus. Les thèmes de ces reliefs étaient l'Europe, l'Afrique, l'Asie et l'Amérique. Le Columbus était le plus beau et le plus grand paquebot de la Norddeutsche Lloyd, construit après la Première Guerre mondiale. Les dessins créés en plâtre ont servi de modèle pour les reliefs sculptés dans le bois de chêne qui ont été encastrés dans les murs du salon (cf. illustration dans la brochure "Columbus" publiée par la Norddeutsche Lloyd, p. 40f ). Pour ce navire, les aménagements intérieurs ont été réalisés par le professeur Paul Ludwig Troost, qui s'était déjà fait un nom dans ce domaine et qui a également aménagé plus tard l'"Europa", le navire amiral du Norddeutscher Lloyd. Le professeur Troost a fait appel aux meilleurs artistes de l'époque pour cette tâche. La collaboration avec le professeur Wackerle a été particulièrement fructueuse à cet égard. Le Columbus a été mis en service en 1924. Dès le début de la guerre, en septembre 1939, le navire s'est coulé lui-même dans le sud-ouest de l'Atlantique dans une situation désespérée. Joseph Wackerle (* 15 mai 1880 à Partenkirchen ; † 20 mars 1959 à la même adresse) sculpteur et médailleur allemand. Le grand-père de Wackerle était sculpteur sur bois, tandis que son père travaillait comme maître d'œuvre. À l'âge de 13 ans, Wackerle a fréquenté l'école de sculpture sur bois de Partenkirchen. Il a ensuite suivi une formation à l'école des arts et métiers et à l'académie de Munich. À 26 ans, Wackerle devint directeur artistique de la manufacture de porcelaine Nymphenburg à Munich. En 1909, il reçut une petite médaille d'or à la Grande Exposition d'art de Berlin. De 1913 à 1917, il a enseigné à l'institut d'enseignement du musée des arts décoratifs de Berlin. En 1917, il succéda à Josef Flossmann à l'école des arts appliqués de Munich et, en 1924, il accepta un poste d'enseignant à l'académie de Munich, où il enseigna jusqu'en 1950. Wackerle a participé aux Jeux olympiques d'Amsterdam en 1928. Lors des concours artistiques, il présenta une médaille pour le sport dans la catégorie Sculptures mixtes, reliefs et médailles, mais ne remporta aucun prix. Il participa également aux concours artistiques des Jeux d'été de 1932 avec son œuvre Plaque constitutionnelle 1929. En 1930, il fut décoré de l'ordre bavarois de Maximilien pour la science et l'art. En 1940, à l'occasion de son 60e anniversaire, Wackerle reçut, sur proposition d'Adolf Hitler, la médaille Goethe pour l'art et la science. Dès 1937, Goebbels avait proposé Wackerle, sénateur culturel du Reich, pour le prix national allemand des arts et des sciences. En tant qu'artiste, il était très apprécié par le pouvoir national-socialiste, si bien qu'en août 1944, Hitler l'inscrivit sur la liste des "Gottbegnadeten", c'est-à-dire des sculpteurs allemands les plus importants, ce qui le dispensa de participer à des missions de guerre. Parmi ses œuvres les plus connues, on trouve la sculpture "Der Rossführer" sur le Reichssportfeld de Berlin. Wackerle s'est fait un nom en tant que sculpteur de fontaines magistral. Ses œuvres étaient également recherchées par les personnalités politiques de l'État nazi. En 1938, il a ainsi réalisé une fontaine pour le jardin de la propriété de Bormann à Munich-Pullach. Des reliefs ovales en stuc représentant une nymphe et un Pan en jeune homme (exposés en 1939 à la "Haus der Deutschen Kunst") décoraient la maison de thé d'Hitler sur l'Obersalzberg. Une étude de nu de Wackerle se trouvait dans l'appartement berlinois d'Hitler. Il a également réalisé deux nus pour la chancellerie du Reich. La tour Zeiss à Iéna fut décorée d'un nu masculin avec une torche et d'un nu féminin agenouillé de Wackerle. En 1944, Wackerle figurait sur la liste des "graciés de Dieu" du ministère du Reich pour l'éducation du peuple et la propagande. Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, Wackerle renoue sans transition avec sa carrière des années 1930. Comme il n'avait pas adhéré au NSDAP ni à aucune autre organisation du parti et que ses œuvres publiques ne présentaient guère de références de fond à l'idéologie nationale-socialiste, il continua à être très apprécié dans la région de Munich. Cette estime ininterrompue s'est notamment traduite par l'attribution du prix de promotion des arts plastiques par la capitale du Land de Munich en 1953. Littérature : Peter Breuer : Münchner Künstlerköpfe, Callwey Verlag 1937. Die Kunst im Deutschen Reich 1937 IX/23 ; 1938 / 253 ; 1939 / 57-63 ; 1940/ 177 et 279 ; 1941 / 248 ; 1943 / 168 Norddeutscher Lloyd (éd.) :

Estim. 2 000 EUR

sam. 18 mai

Deutsches Reich 1933 - 1945 - Kunst : Professeur Josef Wackerle : Projet pour la sculpture "Asie" pour le paquebot "Columbus", le plus grand navire de la Norddeutsche "Lloyd. Relief en plâtre "Asie" comme projet pour la sculpture en bois de chêne pour le salon fumeur II. Classe du paquebot "Columbus". Plâtre avec teinte terracotta. Dans un cadre en bois doré de l'époque. 54 x 114 cm m. R. Cet exemplaire est la forme originale en plâtre de la sculpture Amérique, l'un des quatre reliefs muraux réalisés par Wackerle pour le salon fumeur II. classe du paquebot Columbus. Les thèmes de ces reliefs étaient l'Europe, l'Afrique, l'Asie et l'Amérique. Le Columbus était le plus beau et le plus grand paquebot de la Norddeutsche Lloyd, construit après la Première Guerre mondiale. Les dessins créés en plâtre ont servi de modèle pour les reliefs sculptés dans le bois de chêne qui ont été encastrés dans les murs du salon (cf. illustration dans la brochure "Columbus" publiée par la Norddeutsche Lloyd, p. 40f ). Pour ce navire, les aménagements intérieurs ont été réalisés par le professeur Paul Ludwig Troost, qui s'était déjà fait un nom dans ce domaine et qui a également aménagé plus tard l'"Europa", le navire amiral du Norddeutscher Lloyd. Le professeur Troost a fait appel aux meilleurs artistes de l'époque pour cette tâche. La collaboration avec le professeur Wackerle a été particulièrement fructueuse à cet égard. Le Columbus a été mis en service en 1924. Dès le début de la guerre, en septembre 1939, le navire s'est coulé lui-même dans le sud-ouest de l'Atlantique dans une situation désespérée. Joseph Wackerle (* 15 mai 1880 à Partenkirchen ; † 20 mars 1959 à la même adresse) sculpteur et médailleur allemand. Le grand-père de Wackerle était sculpteur sur bois, tandis que son père travaillait comme maître d'œuvre. À l'âge de 13 ans, Wackerle a fréquenté l'école de sculpture sur bois de Partenkirchen. Il a ensuite suivi une formation à l'école des arts et métiers et à l'académie de Munich. À 26 ans, Wackerle devint directeur artistique de la manufacture de porcelaine Nymphenburg à Munich. En 1909, il reçut une petite médaille d'or à la Grande Exposition d'art de Berlin. De 1913 à 1917, il a enseigné à l'institut d'enseignement du musée des arts décoratifs de Berlin. En 1917, il succéda à Josef Flossmann à l'école des arts appliqués de Munich et, en 1924, il accepta un poste d'enseignant à l'académie de Munich, où il enseigna jusqu'en 1950. Wackerle a participé aux Jeux olympiques d'Amsterdam en 1928. Lors des concours artistiques, il présenta une médaille pour le sport dans la catégorie Sculptures mixtes, reliefs et médailles, mais ne remporta aucun prix. Il participa également aux concours artistiques des Jeux d'été de 1932 avec son œuvre Plaque constitutionnelle 1929. En 1930, il fut décoré de l'ordre bavarois de Maximilien pour la science et l'art. En 1940, à l'occasion de son 60e anniversaire, Wackerle reçut, sur proposition d'Adolf Hitler, la médaille Goethe pour l'art et la science. Dès 1937, Goebbels avait proposé Wackerle, sénateur culturel du Reich, pour le prix national allemand des arts et des sciences. En tant qu'artiste, il était très apprécié par le pouvoir national-socialiste, si bien qu'en août 1944, Hitler l'inscrivit sur la liste des "Gottbegnadeten", c'est-à-dire des sculpteurs allemands les plus importants, ce qui le dispensa de participer à des missions de guerre. Parmi ses œuvres les plus connues, on trouve la sculpture "Der Rossführer" sur le Reichssportfeld de Berlin. Wackerle s'est fait un nom en tant que sculpteur de fontaines magistral. Ses œuvres étaient également recherchées par les personnalités politiques de l'État nazi. En 1938, il a ainsi réalisé une fontaine pour le jardin de la propriété de Bormann à Munich-Pullach. Des reliefs ovales en stuc représentant une nymphe et un Pan en jeune homme (exposés en 1939 à la "Haus der Deutschen Kunst") décoraient la maison de thé d'Hitler sur l'Obersalzberg. Une étude de nu de Wackerle se trouvait dans l'appartement berlinois d'Hitler. Il a également réalisé deux nus pour la chancellerie du Reich. La tour Zeiss à Iéna fut décorée d'un nu masculin avec une torche et d'un nu féminin agenouillé de Wackerle. En 1944, Wackerle figurait sur la liste des "graciés de Dieu" du ministère du Reich pour l'éducation du peuple et la propagande. Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, Wackerle renoue sans transition avec sa carrière des années 1930. Comme il n'avait pas adhéré au NSDAP ni à aucune autre organisation du parti et que ses œuvres publiques ne présentaient guère de références de fond à l'idéologie nationale-socialiste, il continua à être très apprécié dans la région de Munich. Cette estime ininterrompue s'est notamment traduite par l'attribution du prix de promotion des arts plastiques par la capitale du Land de Munich en 1953. Littérature : Peter Breuer : Münchner Künstlerköpfe, Callwey Verlag 1937. Die Kunst im Deutschen Reich 1937 IX/23 ; 1938 / 253 ; 1939 / 57-63 ; 1940/ 177 et 279 ; 1941 / 248 ; 1943 / 168 Norddeutscher Lloyd (éd.) : Colu

Estim. 2 000 EUR

sam. 18 mai

Reich allemand 1933 - 1945 - Art : Kurt Schmid - Ehmen : Tête d'aigle. En bronze. Sur la partie arrière du cou, signature de l'artiste "KURT SCHMID - EHMEN". Sur un socle en calcaire massif probablement postérieur. Sculpture en bronze 33 x 34 cm. Hauteur totale : 62 cm. Kurt Schmid-Ehmen (* 23 octobre 1901 à Torgau ; † 14 juillet 1968 à Starnberg) est un sculpteur allemand. Schmid-Ehmen est considéré comme le créateur de l'aigle du Reich et de l'emblème national-socialiste. Il étudia à l'Académie de Leipzig avec Adolf Lehnert et à l'Académie de Munich, fut maître-élève de Bernhard Bleeker et se fit d'abord remarquer par de nombreux bustes, dont celui du célèbre pianiste Josef Pembaur, professeur de la pianiste de concert Hetty Haelssig (future Schmid-Ehmen). Son adhésion au parti national-socialiste au début des années 1930 et sa connaissance de l'architecte Paul Ludwig Troost lui ont permis d'obtenir ses premières commandes et de faire personnellement connaissance avec Adolf Hitler. Il a ainsi conçu le monument aux morts du 9 novembre 1923 dans la Feldherrnhalle ou les aigles sur les bâtiments du parti à Munich, sur le terrain du Reichsparteitag à Nuremberg ou le relief d'aigle pour le fumoir dans la nouvelle chancellerie du Reich. Schmid-Ehmen a réalisé le plus grand aigle en bronze, d'une hauteur de neuf mètres, pour le pavillon allemand de l'exposition universelle de 1937 à Paris et a reçu pour cela le Grand Prix de la République Française. Depuis 1936, il faisait partie du Conseil présidentiel de la Chambre des arts plastiques du Reich, et le 30 janvier 1937, Adolf Hitler le nomma professeur. Auparavant, il avait déjà été nommé membre du Reichskultursenat par Joseph Goebbels en 1935. De 1937 à 1944, Schmid-Ehmen a participé à toutes les grandes expositions d'art allemandes à Munich. En 1937, il y présenta, entre autres, des portraits-buste du Gauleiter de Munich - Haute-Bavière Adolf Wagner, du trésorier du Reich du parti national-socialiste Franz Xaver Schwarz et de Julius Streicher. Hitler acheta la statue "Figure féminine" exposée en 1938,en 1940 la statue "Schreitender" et en 1942 la statue "Figure féminine"[. En 1944, Schmid-Ehmen exposa le buste de l'écrivain Hans Zöberlein. Lors de l'exposition Deutsche Künstler und die SS en 1944 à Salzbourg, l'œuvre "Mädchen mit Zweig" (jeune fille avec une branche) fut exposée par lui. Depuis 1948, Schmid-Ehmen a repris une activité artistique à son nouveau domicile de Starnberg et a réalisé des portraits, des monuments funéraires et des œuvres figuratives. Parmi ses œuvres tardives, on compte une pleureuse en 1961, une fontaine mère commandée pour une maison de retraite à Schweinfurt, ainsi qu'un phénix monumental de 3,50 m d'envergure et de 2,10 m de hauteur, qu'il a achevé en tant que modèle en plâtre prêt à être coulé deux mois avant sa mort en 1968. Le bronze a été coulé en 1990 sous la surveillance de sa veuve. Sculpture impressionnante de grande qualité artistique de l'un des sculpteurs les plus importants du 3ème Reich. État : 1-2

Estim. 6 500 EUR

mer. 22 mai

École de Séville S. XVII "Enfant Jésus triomphant". Figure en étain polychrome. Au cours du XVIIe siècle, on assiste à Séville à une prolifération des figures de dévotion en étain, en raison de son rôle important dans la course vers les Indes et de l'apparition de progrès techniques dans la fonte des métaux. L'étain est un alliage de plomb, d'antimoine, d'étain et de cuivre qui avait un point de fusion bas et permettait de réaliser un grand nombre de pièces en série en coulant des sculptures en bois, en argile, en plâtre ou dans d'autres matériaux. Les ateliers spécialisés dans ces moulages se multiplient, comme celui du sculpteur liégeois Diego de Oliver, qui se définit comme un "maître fondeur de figures en relief et plus particulièrement d'enfants en plomb". C'est à ce sculpteur que l'on doit l'inondation du marché espagnol et d'outre-mer en Infants Jésus en plomb. Il a obtenu le modèle de l'Enfant Jésus en bois sculpté, œuvre de Juan Martínez Montañés en 1607 pour la Confrérie du Sagrario de Séville. Ce modèle a servi de base aux contributions de son disciple Juan de Mesa et d'autres disciples, qui ont été répétées en métal. Cette technique de travail permettait d'obtenir une finition similaire à celle du bois, ce qui réduisait considérablement les coûts et permettait la possession d'objets de dévotion luxueux à un niveau plus populaire. Cet Enfant Jésus triomphant dérive directement de l'exemple attribué à Juan de Mesa, vers 1625, qui se trouve à la Faculté des Beaux-Arts de l'Université de Séville. Comme il est d'usage dans le modèle aux proportions classiques et au léger contraposto, il bénit de la main droite, la gauche tenant une bannière et s'appuyant sur un coussin. Elle a un air rêveur avec ses cheveux bouclés et le nœud de boucles caractéristique sur son front. Petit défaut sur une jambe. Support en bois. Hauteur : 48,5 cm

Aucune estimation

jeu. 23 mai

JULIO GONZÁLEZ PELLICER (Barcelone, 1876 - Arcueil, France, 1942). "Le repos sour les saules", 1924. Aquarelle sur papier. Signée avec des initiales et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 17 x 25 cm ; 31 x 39,5 cm (cadre). Julio González n'est pas seulement considéré comme une figure importante du panorama artistique du XXe siècle pour ses sculptures en fer, mais aussi pour son excellente, bien que moins connue, facette de dessinateur. Les dessins de González s'inspirent de l'œuvre de Pablo Picasso en raison de la relation qu'il a entretenue avec le peintre de Malaga, une collaboration qui a débuté en 1928 et qui a culminé avec l'exécution en bronze forgé de la sculpture "Femme au jardin". Grâce à ses dessins, il est possible de pénétrer dans l'univers passionnant de González, avec des figures féminines capturées avec beaucoup d'habileté et de délicatesse, ou avec les esquisses préalables à ses sculptures en fer, qui démontrent sa capacité artistique exceptionnelle et illimitée. Julio González est né dans une famille d'orfèvres et a appris le métier dès son enfance. Plus tard, il étudie les beaux-arts à La Lonja de Barcelone. En 1900, il se rend avec sa famille à Paris, où il fréquente les milieux artistiques et entretient des contacts avec Picasso, Gargallo et Brancusi, entre autres. Vers 1910, il commence à travailler avec des masques en métal repoussé, dans un style marqué par des traits naturalistes et symbolistes, ainsi que par une nouvelle conception de la figure humaine, avec des volumes et des lignes synthétisés. Au cours de ces années, Gonzalez commence à participer aux salons parisiens, notamment au Salon d'Automne, au Salon des Indépendants et au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts. En 1920, il ouvre son propre atelier de forge et, deux ans plus tard, il fait ses débuts individuels à la galerie Povolovsky à Paris. À la fin des années 1920, il commence à développer ses premières sculptures en fer forgé, un matériau jusqu'alors considéré comme purement décoratif. Dans les années trente, son travail devient plus abstrait et les premières constructions spatiales apparaissent. Après une longue liste de participations à des expositions individuelles et collectives telles que l'Art espagnol au musée du Jeu de Paume (1936) ou le Pavillon espagnol à l'Exposition universelle de Paris (1937), au début de la Seconde Guerre mondiale, son travail, en raison de la pénurie de fer, se concentre sur un nouveau matériau, le plâtre, et sur des dessins ayant pour thème la guerre. González est représenté au Centre Georges Pompidou à Paris, au Reina Sofía à Madrid, à l'IVAM à Valence et au MoMA à New York, entre autres.

Estim. 5 000 - 5 500 EUR

jeu. 23 mai

Fine Portrait on panel of Juan Bautista de Muguiro, attributed to Francisco de Goya (1746-1828) - Aragonese School of the 19th century - Fine Portrait on panel of Juan Bautista de Muguiro, attributed to Francisco de Goya (1746-1828) - Aragonese School of the 19th century Oil on panel: 23 x 18 cm, measures with frame 32 x 26 cm. Muguiro, banker and merchant, perhaps exiled in Bordeaux due to the services rendered to King Joseph Bonaparte by his family firm, "J. Irivaren y sobrinos", later held important political positions in the Spain of Isabella II, being, for example, president of the Cortes and senator between 1836 and 1845. Goya, in the dedicatory inscription of the painting, defines himself as a "friend" of the portrayed, perhaps to thank him with that term, so generic in Castilian, for the efforts or aid received from him, who was also the banker of his son Javier. A few years earlier, Goya had thus dedicated "to his friend Arrieta", the portrait he gave to the doctor who saved his life during the illness that affected him in 1819. The artist presented Muguiro for posterity in his most prosaic and mercantile aspect, reading a recently opened letter and seated next to a desk covered with papers, on which shines a large green and gold porcelain inkwell. Goya in his old age condenses his technique in a few brushstrokes, given with sudden impulses of energy, which reveal the effort of his hand and his eyes, almost blind, although it has remained intact. Pérez Sánchez, Alfonso E., "Goya in the Prado. History of a singular collection", Goya. New Visions. Tribute to Enrique Lafuente Ferrari, Isabel García de la Rasilla and Francisco Calvo Serraller (eds.), Madrid, Fundación Amigos del Museo del Prado, 1987, pp. 307-322.

Estim. 6 000 - 7 500 EUR

sam. 25 mai

28 Auguste RODIN (1840-1917) L’homme au nez cassé, masque – type II, 2e modèle, 1903 Sculpture en bronze à patine nuancée noir vert, signée « A. Rodin », cachet « A. Rodin » en relief à l’intérieur Fonte Alexis Rudier, inscription en creux, circa 1926 H. 25,5 x L. 20 x P. 21,5 cm Hauteur totale avec piédouche en onyx 37,5 cm Modèle conçu vers 1863-1864, cette version conçue en 1903, cette épreuve fondue en 1926. Provenance : Musée Rodin, Paris. Eugène Rudier, Le Vésinet, Monsieur Raymond Subes, Paris, puis par descendance. Bibliographie : A. Le Normand-Romain, Rodin et le bronze, catalogue des œuvres conservées au musée Rodin, 2007, tome 2, pp. 415 et 416, modèle reproduit p. 414 et 415. Nombreuses autres bibliographies sur demande. Sera inclus dans le catalogue critique de l’œuvre sculptée d’Auguste Rodin, actuellement en préparation à la galerie Brame & Lorenceau, sous la direction de Jérôme Le Blay. Rodin était très attaché à cette œuvre de jeunesse dans laquelle se révèle déjà sa personnalité future : « Ce masque a déterminé tout mon travail à venir. C’est la première bonne sculpture que j’ai faite […] Je n’ai jamais réussi à faire une figure aussi bonne que le Nez cassé ». L’œuvre a pour point de départ le portrait d’un vieil habitué du quartier Saint-Marcel où s’était installé Rodin en mai 1863. L’homme, qui gagnait sa vie en exécutant des petits travaux en tout genre, était connu sous le nom de « Bibi »… Son portrait fut probablement exécuté à la fin de l’année 1863. L’homme au nez cassé fut repris en plâtre et exposé à Bruxelles en 1872 et ensuite traduit en marbre lorsque le sculpteur en eut les moyens. Au Salon de 1875, l’œuvre fut acceptée. Le buste se plaçant alors dans la lignée des portraits de philosophes antiques ne pouvait que plaire au jury. Encouragé par ce succès, Rodin le fit fondre en bronze ; la première fonte fut exposée au Salon de 1878 sous le simple titre de M**(n°4558). Elle prit ensuite le titre d’Homme au nez cassé probablement à cause de sa ressemblance frappante avec le portrait de Michel-Ange par Daniele da Volterra. C’est sous ce nom qu’il fut le plus souvent mentionné, et c’est le nom qu’il porta désormais.

Estim. 60 000 - 80 000 EUR

dim. 26 mai

Rembrandt Bugatti (Milan, 1884 - Paris, 1916) Boniface Marquis de Castellane, c. 1912 Bronze à patine nuancée de bruns. Signé sur la terrasse "R. BUGATTI". Edition originale AA Hébrard (c. 1904-1934) ; cachet : "CIRE PERDUE AA HEBRARD". Haut. totale 76 cm. Bronze : 73 cm. Terrasse en marbre vert : Haut. 3 cm. Provenance : collection particulière, vallée du Rhône. Certificat Art Loss Register, Londres, 10 avril 2024. Exposition du plâtre : 1912, Salon de la Société nationale des Beaux-Arts, Paris. Rembrandt Bugatti, ca. 1912. A bronze sculpture of Boni de Castellane. Signed on its green marble base. Original cast by AA Hébrard. Certificat et avis d'inclusion au Répertoire Rembrandt Bugatti établi par Madame Véronique Fromanger le 27 février 2024. Bibliographie : Véronique Fromanger, "Une trajectoire foudroyante ; Rembrandt Bugatti", les Editions de l'Amateur, 2016. Reproduit p.183. "Plâtre, collection particulière. Fonte Albino Palazzolo : en l'état des connaissances, sous toutes réserves, le tirage en bronze répertorié à ce jour est d'un exemplaire." BONIFACE DE CASTELLANE, par Véronique Fromanger En 1912, le jeune sculpteur italien Rembrandt Bugatti écrit à son frère Ettore « [..] tu peux disposer de mon atelier quand tu le veux et le temps que tu voudras. Je suis étonné pour le buste du Prince, il y a bien longtemps qu’il est fait, et tu peux lui dire de ma part d’aller le réclamer et qu’il n’a rien à débourser [..] ». Il s’agit du portrait du prince Paolo Troubetzkoy, initié à la vie mondaine parisienne de la Belle Epoque par les esthètes impertinents, excentriques, hautains et profonds que furent le comte Robert de Montesquiou et le marquis Boniface de Castellane. Quelque rares portraits La fascination exercée par ces grands aristocrates sur leurs contemporains en ont fait les modèles de nombreux héros de romans ; Marcel Proust dira d’eux qu’ils furent « les professeurs de beauté de toute une génération ». Intime de la famille Bugatti depuis Milan, Paolo Troubetzkoy guide Rembrandt Bugatti dans les salons parisiens ; le temps d’un bref séjour, avant de repartir pour le zoo d’Anvers, retrouver ses amis de tous les jours que sont les animaux sauvages, Bugatti réalise quelques rares portraits. Tous seront fondus en bronze, en tirage unique, par le maître incontesté de la fonte à cire perdue, A. A. Hébrard. L'âme d'un grand seigneur Au temps de la Belle Epoque, les maîtresses de maison attiraient dans les bals artistes, poètes et personnalités susceptibles d’enchanter l’éclat de leurs réceptions fastueuses. Bugatti y rencontre l’un de ces personnages extraordinaires et, lors d’une visite privée, modèle un portrait magistral du marquis Boniface de Castellane en tenue de chasse à courre : d’une seule ligne, Bugatti a totalement saisi l’âme de ce grand seigneur. Esthète et collectionneur, Boniface de Castellane fut toujours très soucieux de son apparence. Même dans l’adversité à laquelle il fut confronté et face aux obstacles qu’il dût surmonter, il chercha à rester digne de son plus illustre ancêtre, Talleyrand. Politiquement très actif, il fut aussi un grand sportif.

Estim. 150 000 - 200 000 EUR

lun. 27 mai

ANTOINE-LOUIS BARYE (France, 1795 - 1875). "Lion écrasant un serpent". Bronze patiné. Signé. En bon état. Dimensions : 30 x 40 cm. Le modèle de cette sculpture - peut-être la plus connue du sculpteur - a été créé en 1832 et a été exposé pour la première fois grandeur nature en plâtre au Salon de 1833. Par la suite, le gouvernement français a commandé à Barye un moulage pour la place des Tuileries à Paris, qui a été coulé par Gonon & Sons, exposé au Salon de 1856 et aujourd'hui conservé au musée d'Orsay à Paris. Le musée du Louvre possède un exemplaire similaire (numéro d'inventaire 5740). Sculpteur clé du romantisme français, Barye commence sa formation auprès de son père orfèvre, puis l'approfondit auprès des maîtres François Joseph Bosio et Antoine-Jean Gros, à l'Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris, où il entre en 1818. Ses sculptures animalières, largement initiatrices du genre, sont particulièrement appréciées. Il possède sa propre fonderie, collabore avec Viollet-le-Duc sur un projet commandé par Napoléon III et est le professeur d'Auguste Rodin. Il présente ses œuvres au Salon de Paris et réalise des monuments comme le "Lion au serpent" du jardin des Tuileries (1833), commandé par le roi. Il est actuellement représenté aux musées du Louvre et d'Orsay à Paris, à la National Gallery de Londres, à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, à l'Albertina de Vienne, à l'Art Institute de Chicago et au Smithsonian de Washington D.C., entre autres musées du monde entier.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

lun. 27 mai

ANTONIN MERCIÉ (France, 1845 - 1916). "David vainqueur", 1872-1880. Bronze patiné. Sur socle en bois. Le socle présente de vieux xylophages et des traces d'usure. Dimensions : 75 x 36 x 26 cm (sculpture) ; 121 x 33 x 33 x 33 cm (socle). Sculpture en bronze réalisée par le célèbre sculpteur Antonin Mercié. L'œuvre représente le jeune David, aux beaux traits et au corps harmonieux, au moment de rengainer son épée après avoir tué Goliath. La tête de ce dernier gît sur le sol et est piétinée par David dans une attitude victorieuse. Avec la guerre franco-prussienne de 1870 et la défaite du pays, la société française est envahie par un sentiment d'humiliation. Un tel état d'esprit montre, dans ce David, la promesse d'une France qui un jour vaincra, malgré sa faiblesse, le Goliath prussien, comme le jeune berger d'Israël qui, avec sa seule fronde, abattit l'énorme ennemi. Le succès de la sculpture est immédiat : le plâtre exécuté à Rome, où le jeune artiste achève sa formation, lui vaut la Légion d'honneur française, et est commandé en bronze par l'État, en 1872, pour être placé au musée du Luxembourg et au musée des Artistes vivants à partir de 1874. Elle devient l'une des images les plus diffusées dans les journaux illustrés et suscite un tel enthousiasme qu'elle est éditée en petit format. Après le tournant de 1870, Antonin Mercié représente la jeune génération de sculpteurs français désireux de donner, au cœur d'un enseignement classique, une expression plus vivante à sa figure. Cette combinaison d'une composition sage et d'un modelé plein de panache, il l'a recherchée dans les grands modèles de la Renaissance florentine, s'inspirant par exemple du "David" de Donatello. Ainsi, l'utilisation des grandes et belles courbes du bras, prolongées par le mouvement de l'épée, la jambe pliée, la grâce du mouvement avec un certain contrepoint, invitent le spectateur à tourner autour de différents plans qui adaptent progressivement l'espace. Entre classicisme moderne et réalisme explicite, Mercié trouve une voie originale. On trouve le "David Vainqueur" en grand format au Musée d'Orsay à Paris, celui de Montpellier et celui de Troyes, ce dernier étant une copie également fondue par Barbedienne. Peintre et sculpteur, Antonin Mercié étudie à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris, où il est l'élève d'Alexandre Falguière et de François Jouffroy. En 1868, il reçoit le prix de Rome, qui lui permet de parfaire sa formation en Italie. Ses premières œuvres importantes sont "David" et "Gloria Victis", récompensées par des médailles d'honneur aux Salons de Paris de 1872 et 1874. En 1882, il renouvelle ce succès avec le groupe "Quand Même !" qui, comme "Gloria Victis", évoque la guerre franco-prussienne de 1870. A partir de la fin des années soixante-dix, il réalisera d'importantes commandes, comme "Le Génie des Arts" pour les Tuileries (1877), "Le souvenir" pour la tombe de Madame Charles Ferry (1885) ou "Regret", pour celle d'Alexandre Cabanel (1892). Mercié réalise également les monuments à J.L.E. Meissonier (1895), dans le Jardin de l'Infante du Louvre ; celui dédié à Louis Faidherbe (1896), à Lille ; et celui des rois Louis Philippe Ier et Amélie pour leur enterrement dans la chapelle royale de Dreux. Outre ces commandes monumentales, Mercié réalise de petites sculptures, des bustes et des médaillons, production qui lui vaut la médaille d'honneur à l'Exposition universelle de Paris de 1878, et le Grand Prix à celle de 1889. Il est également reconnu comme peintre, médaillé aux Salons de 1883 et 1885. En 1891, il devient professeur de dessin et de sculpture à l'École des Beaux-Arts de Paris et, la même année, il est nommé membre de l'Académie française. Il est ensuite nommé grand officier de la Légion d'honneur et devient en 1913 président de la Société des artistes français. Mercié est actuellement représenté au Louvre, au musée de l'Orsay, au musée des Beaux-Arts de Bordeaux, Rennes et Chambéry, à l'École nationale des Beaux-Arts de Paris, au musée des Augustins de Toulouse, à la National Gallery de Washington, au Courtauld Institute de Londres, etc.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

lun. 27 mai

GIUSEPPE LAZZERINI (Italie, 1831-1895). "Pales, déesse du bétail", vers 1860. Marbre de Carrare. Signé en bas. Dimensions : 113 x 90 x 68 cm (taille naturelle). L'exécution délicate et l'inspiration classique de ce groupe sculptural sont des attributs caractéristiques de l'œuvre plastique du sculpteur Giuseppe Lazzerini. La divinité romaine de la campagne, Pales, est représentée sous les traits d'une belle jeune femme aux cheveux bouclés, ornée d'une guirlande florale, qui nourrit un petit mouton avec des feuilles de laitue. Pales était la protectrice de la terre et du bétail et, bien que les textes la décrivent souvent comme un dieu masculin, les artistes l'ont généralement représentée sous les traits d'une femme. Dans la présente sculpture, elle est représentée comme une simple jeune fille plutôt que comme une déesse imposante. Les formes de son corps sont harmonieuses, avec de petits seins turgescents, des courbes douces et un torse gracieusement arqué. Une étoffe drapée recouvre son pubis. Né à Carrare, Lazzerini a étudié à l'Accademia di Belle Arti de Carrare à partir de 1848 sous la tutelle de Ferdinando Pellicias. En 1852, il remporte le deuxième prix pour un relief intitulé "Achille che trascina il corpo di Patroclo". En 1853, après avoir obtenu une bourse pour son bas-relief intitulé "Patrocloche uccide Sarpedonte", il quitte Carrare pour travailler à Rome avec Pietro Tenerani. En 1856, il termine son œuvre "La Fanciulla che intreccia", qui se trouve à l'Accademia di Carrara. Lazzerini commence alors à travailler dans l'atelier de son beau-frère. Ils réalisent des monuments publics, des statues, des portraits en buste et des œuvres décoratives. Lazzerini est directeur de l'Académie de Carrare de 1889 à 1893, puis devient professeur honoraire. Lazzerini a réalisé une figure en plâtre similaire à celle présentée dans cette vente, représentant une femme classique, bien que dans ce cas la figure soit assise et tienne une guirlande de fleurs, aujourd'hui à l'Accademia di Belle Arti de Carrare, intitulée "Fanciulla che intreccia una ghirlanda" (p. 110 fig 467, Panzetta).

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

lun. 27 mai

Antonin Mercié (Français, 1845-1916) David vainqueur de Goliath Bronze à patine brune. Le modèle créé entre 1869 et 70. Signé sur la terrasse. Marqué "F.Barbedienne Fondeur". Cachet des réductions mécaniques A.Colas. Haut. 73 cm. (petite oxydation) Antonin Mercié. A bronze sculpture of David's victory over Goliath. Model created in 1869-70. Signed. Bibliographie : Pierre Kjellberg, "Les bronzes du XIXème siècle. Dictionnaire des sculptures", Paris, Les Editions de l'Amateur, 1987, le modèle reproduit p. 490. Premier Grand Prix de Rome en 1868, Antonin Mercié envoie depuis la ville éternelle le modèle en plâtre du David vainqueur de Goliath. Il s'inspire à l'évidence de la sculpture de la Renaissance qu'il découvre physiquement, notamment par le traitement du contrapposto. Si le sujet s'inscrit dans le prolongement des Grands Maîtres, à l'instar de Donatello ou Michel-Ange, il fait également écho à l'actualité contemporaine. L'élégance de la pose et la fermeté de son modelé sont perçus comme "symbole d'espoir d'une revanche future de la France sur la Prusse" (musée d'Orsay). Le plâtre original reçoit la médaille de première classe, avant d'être affecté au musée des Augustins de Toulouse (inv. RA 982). L'Etat commande un exemplaire en bronze en 1872, qui est placé au musée du Luxembourg en 1874. Au regard de sa fortune critique, la sculpture est tirée en de nombreux exemplaires en bronze, en six tailles différentes. La nôtre se distingue toutefois du modèle original par le pagne pudique couvrant ses attributs masculins.

Estim. 1 000 - 2 000 EUR

mar. 28 mai

François POMPON Foulque – 1925 Épreuve d’époque n°1, en bronze à patine noire mate nuancée brun Signé «POMPON», numéroté «N1» et cachet «Cire perdue C. Valsuani» à l’arrière sur la terrasse 28,3 × 20 × 6,5 cm - Terrasse : 19,5 × 6,5 cm Provenance : Galerie Saint-Pierre, Lyon Ancienne collection Joseph Brochier À l’actuel propriétaire par descendance Ce lot sera vendu avec un certificat d’authenticité de Madame Liliane Colas Historique : Suite au succès de sa poule d’eau de 1923, Pompon exposera en 1924, au salon des artistes Animaliers, pour la première fois la Foulque, alors dénommée Nouvelle poule d’eau. Résolument moderne, elle s’avance sans référence à la nature environnante, les pattes en mouvement, accentué par la torsion du cou. En 1925, cinq foulques sont répertoriées sur le livre de comptes avec leur n° de 1 à 5 et envoyées à la galerie St Pierre de Lyon auprès de laquelle notre modèle a été probablement acquis par Joseph Brochier, célèbre soyeux lyonnais et conservé dans sa descendance jusqu’à nos jours Elle réapparaît ainsi presque un siècle après sa date de création, plus moderne que jamais Un modèle similaire est conservé dans les collections du musée d’Orsay sous le numéro d’inventaire RF 4051 Bibliographie : Catherine Chevillot, Liliane Colas, Anne Pingeot, François Pompon, éditions Gallimard-Electra-Réunion des Musées Nationaux, Paris, 1994, p.203, n° 97B et n° 64, catalogue 2024 à paraître Art et décoration, 1er janvier 1922, modèle en plâtre reproduit p.87 H : 28.0 cm h : 28.0 cm François POMPON “Foulque”, a patinated bronze sculpture by François Pompon, cast in 1925, numbered 1, signed and foundry stamped 11.14 × 7.87 × 2.56 in. - Base: 7.68 × 2.56 in. This lot will be sold with a certificate of authentication by Mrs Liliane Colas H : 28.0 cm h : 28.0 cm

Estim. 40 000 - 60 000 EUR

jeu. 30 mai

Giorgio de Chirico (Volos, 1888- Rom/Roma 1978) - Bucéphale, 1940/1988-1991 Bronze poli à patine dorée, h. 35 cm, plâtre de 1972 provenant d'une terre cuite de 1940. Sur l'œuvre sont gravés la signature, le numérotage et le poinçon de la Fonderia Bonvicini de Vérone ainsi que la marque du centenaire de la naissance du maître Giorgio De Chirico. Cette œuvre fait partie de l'édition de 9 exemplaires dont 7 sont numérotés I/VII plus deux épreuves d'artiste E/A I/II et E/A II/II et une épreuve non circulée et non numérotée destinée à la FONDATION GIORGIO ED ISA DE CHIRICO. Signature et numérotation (VII/VII) gravées sur la base Bibl : C. Bruni Sakraischik, Catalogo generale Giorgio de Chirico, Electa, Milan, volume II, numéro 297/3 (illustration d'une autre version). L'œuvre est accompagnée d'une authentification sur photographie signée Claudio Bruni Sakraischik. Provenance : collection privée Giorgio de Chirico a réalisé plusieurs sculptures en terre cuite et en bronze. À partir de ces œuvres, entre 1988 et 1991, commandées et autorisées par Isabella De Chirico et Lisa Sotilis et à l'occasion du centenaire de sa mort, plusieurs bronzes ont été réalisés. Elles ont été produites par la Fonderie Bonvicini de Vérone avec un tirage de 9 exemplaires dont 7 numérotés de I/VII plus deux épreuves d'artiste E/A I/II E/A II/II et une épreuve non commerciale non numérotée à attribuer à la FONDATION GIORGIO ET ISA DE CHIRICO. De cette création, 4 sculptures provenant d'une importante collection du Tyrol du Sud sont présentées : Pénélope et Télémaque, Mannequins coloniaux, Orphée, Bucéphale.

Estim. 16 000 - 25 000 EUR

jeu. 30 mai

Giorgio de Chirico (Volos, 1888- Rom/Roma 1978) - Pénélope et Télémaque, 1970/1988-1991 Bronze à patine noire, h. 41,5 cm, d'après un moulage en plâtre original inédit de 1970. Sur l'œuvre sont gravés la signature, le numérotage et le poinçon de la Fonderia Bonvicini de Vérone, ainsi que la marque du centenaire de la naissance du maître Giorgio De Chirico. Cette œuvre fait partie de l'édition de 9 exemplaires dont 7 sont numérotés I/VII plus deux épreuves d'artiste E/A I/II et E/A II/II et une épreuve non circulée et non numérotée destinée à la FONDATION GIORGIO ED ISA DE CHIRICO. Signature et numérotation (VII/VII) gravées sur la base Bibl : C. Bruni Sakraischik, Catalogo generale Giorgio de Chirico, Electa, Milan, volume II, numéro 297/3 (illustration d'une autre version). L'œuvre est accompagnée d'une authentification sur photographie signée Claudio Bruni Sakraischik. Provenance : Collection privée Giorgio de Chirico a réalisé plusieurs sculptures en terre cuite et en bronze. À partir de ces œuvres, entre 1988 et 1991, commandées et autorisées par Isabella De Chirico et Lisa Sotilis et à l'occasion du centenaire de sa mort, plusieurs bronzes ont été créés. Elles ont été produites par la Fonderie Bonvicini de Vérone avec un tirage de 9 exemplaires dont 7 numérotés de I/VII plus deux épreuves d'artiste E/A I/II E/A II/II et une épreuve non commerciale non numérotée à attribuer à la FONDATION GIORGIO ET ISA DE CHIRICO. De cette création, 4 sculptures provenant d'une importante collection du Tyrol du Sud sont présentées : Pénélope et Télémaque, Mannequins coloniaux, Orphée, Bucéphale.

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

jeu. 30 mai

Giorgio de Chirico (Volos, 1888- Rom/Roma 1978) - Orphée, 1970/1988-1991 Bronze poli à patine dorée, h. 46,3 cm, d'après un moulage en plâtre original de 1970. Sur l'œuvre sont gravés la signature, le numérotage et le poinçon de la Fonderia Bonvicini de Vérone, ainsi que la marque du centenaire de la naissance du maître Giorgio De Chirico. Cette œuvre fait partie d'une édition de 9 exemplaires dont 7 sont numérotés I/VII plus deux épreuves d'artiste E/A I/II et E/A II/II et une épreuve non circulée et non numérotée destinée à la FONDATION GIORGIO ED ISA DE CHIRICO. Signature et numérotation (VII/VII) gravées sur la base Bibl : C. Bruni Sakraischik, Catalogo generale Giorgio de Chirico, Electa, Milan, volume II, numéro 297/3 (illustration d'un autre moulage). L'œuvre est accompagnée d'une authentification sur photographie signée Claudio Bruni Sakraischik. Provenance : Collection privée Giorgio de Chirico a réalisé plusieurs sculptures en terre cuite et en bronze. À partir de ces œuvres, entre 1988 et 1991, commandées et autorisées par Isabella De Chirico et Lisa Sotilis et à l'occasion du centenaire de sa mort, plusieurs bronzes ont été créés. Elles ont été produites par la Fonderie Bonvicini de Vérone avec un tirage de 9 exemplaires dont 7 numérotés de I/VII plus deux épreuves d'artiste E/A I/II E/A II/II et une épreuve non commerciale non numérotée à attribuer à la FONDATION GIORGIO ET ISA DE CHIRICO. De cette création, 4 sculptures provenant d'une importante collection du Tyrol du Sud sont présentées : Pénélope et Télémaque, Mannequins coloniaux, Orphée, Bucéphale.

Estim. 16 000 - 25 000 EUR

jeu. 30 mai

Giorgio de Chirico (Volos, 1888- Rom/Roma 1978) - Mannequins coloniaux, 1969/1988-1991 Bronze poli à patine dorée, h. 47,5 cm, d'après un moulage en plâtre original de 1969. Sur l'œuvre sont gravés la signature, le numérotage et le poinçon de la Fonderia Bonvicini de Vérone, ainsi que la marque du centenaire de la naissance du Maestro Giorgio De Chirico. Cette œuvre fait partie de l'édition de 9 exemplaires dont 7 sont numérotés I/VII plus deux épreuves d'artiste E/A I/II et E/A II/II et une épreuve non circulée et non numérotée destinée à la FONDATION GIORGIO ED ISA DE CHIRICO. Signature et numérotation (VII/VII) gravées sur la base. Bibl : C. Bruni Sakraischik, Catalogo generale Giorgio de Chirico, Electa, Milan, volume II, numéro 297/3 (illustration d'un autre moulage). L'œuvre est accompagnée d'une authentification sur photographie signée Claudio Bruni Sakraischik. Provenance : Collection privée Giorgio de Chirico a réalisé plusieurs sculptures en terre cuite et en bronze. À partir de ces œuvres, entre 1988 et 1991, commandées et autorisées par Isabella De Chirico et Lisa Sotilis et à l'occasion du centenaire de sa mort, plusieurs bronzes ont été créés. Elles ont été produites par la Fonderie Bonvicini de Vérone avec un tirage de 9 exemplaires dont 7 numérotés de I/VII plus deux épreuves d'artiste E/A I/II E/A II/II et une épreuve non commerciale non numérotée à attribuer à la FONDATION GIORGIO ET ISA DE CHIRICO. De cette création, 4 sculptures provenant d'une importante collection du Tyrol du Sud sont présentées : Pénélope et Télémaque, Mannequins coloniaux, Orphée, Bucéphale.

Estim. 18 000 - 35 000 EUR

jeu. 30 mai

Jacques LIPCHITZ (1891-1973) - Homme à la guitare, Bilbao, 1920 Epreuve en terre cuite, signée des initiales sur la base, datée XII-20 et numérotée 4/7 H. 46,5 cm Base : 22,6 x 21,6 cm Nous remercions le Pr. Dr. Kosme de Barañano d'avoir confirmé qu'il s'agit d'une terre cuite originale de Jacques Lipchitz. Son expertise en date du 9 avril 2024 sera remise à l'acquéreur. Provenance : - Collection privée Bibliographie : - A.G. Wilkinson, The Sculpture of Jacques Lipchitz, A Catalogue Raisonné, volume one, the Paris Years, 1910-1940, Thames and Hudson, Londres, 1996, p.212, n° 112 à 114 (exemplaires en pierre reconstituée, bronze et marbre, reproduits) - Kosme de Barañano, Jacques Lipchitz, The plasters, A Catalogue Raisonné, 1911-1973, Fundación BBK Fundazioa, Bilbao, 2009, p. 130, n°58 (plâtre reproduit) Originaire de Lituanie, Jacques Lipchitz s'installe à Paris en 1909. Il sera l'un des pionniers de la sculpture cubiste, avec des formes géométriques s'inspirant du primitivisme de la sculpture africaine. Les musiciens sont très présents dans son œuvre entre 1915 et 1920 et les thèmes d'Harlequin, Pierrot et musiciens, sont le reflet de son iconographie inspirée de la vie nocturne des cabarets parisiens comme le Bœuf sur le toit. Un premier contrat le lie au marchand Léonce Rosenberg dès 1916. Ce dernier lui consacre une première exposition personnelle à la galerie L'Effort Moderne en janvier 1920, mais cette même année Lipchitz reprend sa liberté afin de créer “ce qu'il veut et non ce qu'on lui impose“. Avec l'aide de quelques amis, il rachète ses œuvres au marchand. L'Homme à la guitare est créé en décembre 1920 et l'artiste décrit cette sculpture comme une œuvre de transition, qui annonce un retour à un certain classicisme. Dans My Life in sculpture (Jacques Lipchitz et H.H. Arnason, USA, Viking Press, 1972), Lipchitz écrit : “J'ai pris conscience de l'espace négatif et (...) commençai à utiliser ses effets. Il s'agissait tout simplement d'envelopper les formes solides autour d'un vide pour encadrer celui-ci, en réalité en utilisant le vide plutôt que le volume de la pierre pour suggérer la forme d'une tête ou une partie du torse.” Cet Homme à la guitare est aussi appelé Homme assis à la guitare (Musée National d'Art Moderne Paris, Centre Pompidou) ou Pierrot à la clarinette (Maurice Raynal, Jacques Lipchitz, Paris 1947). Le plâtre original est conservé au Musée National d'Art Moderne Paris, Centre Pompidou (donation Jacques et Yulla Lipchitz Foundation, New York, 1976). Il existe de cette sculpture un exemplaire en pierre reconstituée (Kunstmuseum, Bâle, Suisse) et un autre en marbre (Rijksmuseum Kröller-Muller, Otterlo, Pays-Bas), ainsi que deux éditions à sept exemplaires, l'une en bronze et l'autre en terre cuite. Sont notamment répertoriés pour cette série en terre cuite de l'Homme à la guitare : - Un exemplaire offert à Jean Cocteau par l'artiste, (vendu à New-York en mai 1982) - Le numéro 2/7, Collection Martin et Rena Blackman (dispersée en novembre 2021) - Le numéro 5/7, Collection Hubert de Givenchy (dispersée à Paris en juin 2022) - L'exemplaire numéroté 4/7 ici présenté.

Estim. 400 000 - 450 000 EUR

mar. 04 juin

Gerhard Marcks - Gerhard Marcks Nageuse II 1938/1952 Sculpture en bronze. Hauteur 167,2 cm. Sur la plinthe, à l'avant droit, la signature de l'artiste et, à l'arrière gauche, le cachet du fondeur "H. NOACK BERLIN". Un de plus de 4 exemplaires ; fonte posthume. - Avec une belle patine brun foncé. - Sur la cuisse avant droite, quelques rares frottements ponctuels. Rudloff 354 ; Marcks, Werk-Tagebuch Gips/Bronze 197 Provenance Collection privée de Rhénanie du Nord-Westphalie (acquise directement auprès de l'artiste) Expositions Cf. entre autres Berlin 1938 (Galerie Buchholz), Bildhauerkunst, cat. n° 18 avec ill. du plâtre ; Hambourg 1940 (Kunstverein), Deutsche Bildhauer der Gegenwart, cat. n° 113 ; Hanovre 1949 (Kestner-Gesellschaft), Gerhard Marcks, cat. n° 18 ; Kassel 1955 (Dokumenta I), cat. n° 385 ; Cologne/Berlin/Brême 1989/1990 (Josef Haubrich-Kunsthalle/Nationalgalerie/Gerhard Marcks-Haus), Gerhard Marcks 1889-1981. Rétrospective, cat. n° 202, avec ill. couleur p. 201 ; Jena 2004 (Galerie im Stadtmuseum), Gerhard Marcks. Entre le Bauhaus et l'atelier de Dornburg, cat. I/25, avec ill. couleur. Littérature Adolf Rieth, Gerhard Marcks, Recklinghausen 1959, p. 17 ; Jutta Schmidt, Einige Gedanken zur realistischen Plastik des 20. Jahrhunderts, in : Bildende Kunst, 1968, cahier 9, avec ill. p. 471 ; Ursula Frenzel, Gerhard Marcks 1889-1981, Briefe und Werke, München 1988, p. 100 ; Gerhard Marcks-Stiftung (Hrsg.), Gerhard Marcks und die Antike, Bremen 1993, unpag. avec trois illustrations à pleine page Gerhard Marcks a travaillé la "Nageuse II " d'après le portrait de sa fille Brigitte, née en 1916. En 1952, l'artiste apporte encore de légères modifications à la sculpture de 1938, qui montre Brigitte grandeur nature, avec une musculature entraînée et prononcée, en ce qui concerne la coiffure. Sa deuxième fille, Ute, née en 1921, lui a servi de modèle. L'importante sculpture "Schwimmerin II" - dont un exemplaire se trouve entre autres à la Nationalgalerie de Berlin et un autre au Kaiser-Wilhelm-Museum de Krefeld - illustre la réception de Marcks de l'Antiquité classique et archaïque, transposée dans sa propre "écriture". Elle montre dans le portrait personnel la représentation universelle et intemporelle de la concentration contemplative qui précède toute activité sportive. "Dans les constantes de la position debout, assise, accroupie, couchée, il a recherché les harmonies d'une mobilité extérieure et intérieure, il s'est penché sur l'interaction et l'harmonie d'un canon de formes particulier, il a exploré le rythme d'un tracé de lignes, de volumes et d'axes. En particulier dans le cas du nu féminin, il s'agissait avant tout d'une chose : la beauté". (Martina Rudloff, Venus Urania hat keinen Namen, in : Gerhard Marcks-Stiftung 1993, op.cit., p. 101)

Estim. 150 000 EUR

mar. 04 juin

Henri Laurens - Henri Laurens Femme couchée (de face) 1921 Relief en bronze. 14 x 39,6 cm. Sans signature. Une des 8 coulées. - Avec une belle patine foncée, en partie éclaircie en bronze. Hofmann 103 Provenance Galerie Louise Leiris, Paris (avec reçu ci-joint) ; Galerie René Ziegler, Zurich (1986) ; Collection privée Hesse Expositions Lugano 1986 (Galerie Pieter Coray), Henri Laurens cubista, cat. n° 21, avec ill. couleur Littérature Cf. Marthe Laurens, Henri Laurens. Sculpteur 1885-1954, Paris 1955, n° IV, p. 95, avec ill. ; Henri Laurens, expos. Cat. Haus am Waldsee, Berlin 1956, cat. n° 6 ; Henri Laurens. Sculptures, gravures, dessins, ex. cat. Kunsthalle Bielefeld 1972, cat. n° 4 ; Henri Laurens (1885-1954). Sculptures, collages, dessins, aquarelles, gravures, ex. cat. Sprengel Museum, Hanovre 1985, cat. No. 3 Lorsque le sculpteur français Henri Laurens fit la connaissance de Georges Braque en 1912, celui-ci lui transmit les idées et les techniques du cubisme. Après avoir testé la nouvelle décomposition des formes sur des constructions plastiques en bois, en fer et en plâtre, Laurens s'est tourné vers la figure vers 1920, qu'il a façonnée en partie en terre cuite et en partie en bronze. Pour la "Femme couchée, de face", il a utilisé les possibilités du relief pour représenter un nu féminin allongé presque en plein format. Grâce aux moyens de la décomposition cubiste de la forme, il parvint à montrer le nu sous tous les angles - la tête avec les longs cheveux tournée vers la gauche, le torse en face ainsi que le ventre et l'arrondi des fesses dans un plan pictural vers le haut. Comme pour les natures mortes, Laurens s'intéressait ici à l'interaction des formes individuelles, qui sont géométrisées et ordonnées pour former une unité. Les formes courbes alternent avec des éléments anguleux et tranchants. Interrogé sur sa manière de procéder, Laurens a répondu : "Lorsque je commence une sculpture, je n'ai qu'une vague idée de ce que je veux faire. J'ai par exemple l'idée d'une femme [...]. Mais avant d'être la représentation de quoi que ce soit, ma sculpture est [...] une suite d'événements plastiques de mon imagination [...]". (cit. de "Die unbekannte Sammlung aus Bielefeld", expos. Cat. Bonn 2011, p. 130). Le relief en bronze provient de la galerie de Louise Leiris à Paris, qui avait repris la représentation artistique du sculpteur de son beau-frère Daniel Henry Kahnweiler. Ce dernier avait découvert Laurens et écrivit rétrospectivement : "J'ai souvent souligné combien l'œuvre d'Henri Laurens me semble importante. On ne peut guère surestimer sa part dans la 'grande époque' du cubisme". (cité d'après Werner Hofmann, Henri Laurens, Stuttgart 1970, p. 50).

Estim. 30 000 - 35 000 EUR
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