Maîtres de la vice-royauté, allégories, légendes et sain…

Los 1 - Italian school. 16th century. - Italienische Schule. 16. Jahrhundert. "Sitzender Löwe" Skulptur aus geschnitztem Holz. 23,5 x 29,5 x 10 cm.

Schätzw. 2 500 - 3 500 EUR

Los 2 - Master Alejo (Master of the Causeway) (active in Palencia, first decades of the 16th century) - Meister Alejo (Meister de la Calzada) (tätig in Palencia, erste Jahrzehnte des 16. Jahrhunderts) Der Heilige Franz von Assisi Öl auf Tafel. 55 x 32,5 cm. Magnífica pintura al óleo sobre tabla con un santo franciscano sobre un fondo picado al lustre con florestas y sobredorado, como si de su propio halo de santidad se tratase. San Francisco de Asís blickt in den Himmel, aus dem er noch nie geblickt hat, in ständiger Anbetung aus dem Nichts, mit dem sichtbaren Widerschein der Liebe Gottes in seinen Liedern und Worten. Recibe "los signos de ese Amor" en manos, pies y costado. Esta tabla del Maestro Alejo es una obra primordial del primer cuarto del siglo XVI, que destaca por su estilo artístico, composición sencilla y magistral, y uso del color sobre el dorado. Besonders hervorzuheben sind die Eleganz, die Raffinesse der Züge, die weichen und fließenden Linien, die auf dem orangenen Grund delikate Konturen schaffen, sowie die feinen Details der Miniaturen. Eine menschliche Figur voller Natürlichkeit und Schönheit, ein Brustkorb voller Gelassenheit und Hingabe. Presenta unos tonos cálidos y terrosos sobre el oro, creando una atmósfera mística exquisita, que transmiten una sensación de calma y espiritualidad, y reflejan la influencia de la pintura gótica italiana de la época. Talent und Spiritualität des Maestro de la Calzada auf dieser Tafel. Mit der Bescheinigung von Frau Isabel Mateo vom Januar 2016.

Schätzw. 5 000 - 8 000 EUR

Los 3 - Master Alejo (‘Maestro de la Calzada’) (active in Palencia, first decades of the 16th century) - Meister Alejo ('Maestro de la Calzada') (tätig in Palencia, erste Jahrzehnte des 16. Jahrhunderts) "Der heilige Antonius von Padua" Öl auf Tafel. 55 x 32,5 cm. Mit einem Zertifikat von Frau Isabel Mateo vom Januar 2016. Prächtiges Ölgemälde auf Tafel, das einen franziskanischen Heiligen vor einem glänzenden, vergoldeten Hintergrund mit floralen Motiven zeigt, der an seinen eigenen Heiligenschein erinnert. Der heilige Antonius blickt nach vorne, mit einem glühenden Christkind auf seiner Brust. Das Christkind, dem er mit sprichwörtlichem Wissen "predigte", erschien auf seinem Buch und in seiner Zelle, während er betete. Aufgrund seines Wissens wurde er als "Arche des Testaments" bezeichnet. Diese Tafel von Meister Alejo, auch bekannt als Maestro de la Calzada, ist ein bahnbrechendes Werk aus dem ersten Viertel des 16. Jahrhunderts, das sich durch seinen künstlerischen Stil, die einfache, aber meisterhafte Komposition und die Verwendung von Farbe auf Goldgrund auszeichnet. Man schätzt die Eleganz, die raffinierten Pinselstriche, die weichen und fließenden Linien, die auf dem Goldgrund zarte Konturen bilden, und die miniaturhafte Feinheit der Details. Die menschliche Figur ist mit natürlicher Schönheit dargestellt, und das Gesicht strahlt Gelassenheit und Hingabe aus. Warme, erdige Töne über dem Gold schaffen eine exquisite mystische Atmosphäre, die ein Gefühl der Ruhe und Spiritualität vermittelt. Darin spiegelt sich der Einfluss der italienischen gotischen Malerei jener Zeit wider. Das Talent und die Spiritualität von Meister Alejo, Maestro de la Calzada, sind in dieser Tafel wunderschön eingefangen.

Schätzw. 3 000 - 5 000 EUR

Los 4 - Maestro degli Sportelli dell'Accademia (Florencia, primera mitad del siglo XV) - Maestro degli Sportelli dell'Accademia (Florenz, erste Hälfte des 15. Jahrhunderts) Madonna mit Kind und heiligem Franziskus Tempera und Blattgold auf Tafel. Der Maler, ein florentinischer Meister, der in der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts tätig war, kann durch die beiden Flügel des Retabels identifiziert werden, das in der Galleria dell'Accademia in Florenz aufbewahrt wird. Das Retabel ist als "anconetta" bekannt und muss aufgrund seiner Größe für den häuslichen Gottesdienst verwendet worden sein. Maße der Tafel: 79 x 58 cm.

Schätzw. 35 000 - 45 000 EUR

Los 5 - Four medallions in openwork gold and enamel. Possibly Byzantium. 10th - 15th centuries. - Vier Medaillons aus durchbrochenem Gold und Emaille. Möglicherweise Byzanz. 10. bis 15. Jahrhundert. Wunderschöne Goldschmiedearbeit, die vier verschiedene Vögel inmitten von Blumenzweigen darstellt. Die vier Vögel sind von der gleichen Bordüre mit wiederholten Pflanzenmotiven umgeben, in der Reste von blauem Email zu sehen sind. Durchmesser: jeweils 6,2 cm. Gesamtgewicht: 109 g.

Schätzw. 15 000 - 25 000 EUR

Los 6 - Flemish or Mexican School. 18th Century. - Flämische oder mexikanische Schule. 18. Jahrhundert. Mikroschnitzerei Buchsbaum Reisetriptychon mit Blattgold im Inneren. Außen in Schwarz und Gold lackiert. Geschlossene Maße: 15 x 8 x 2 cm. Offene Maße: 15 x 16 x 2 cm. Exquisite und curiousdevotional Reisealtar mit Szenen aus der Passion Christi. Für den Privatgebrauch überträgt er das charakteristische Format großer Altartriptychen, sowohl geschnitzt als auch gemalt, in ein kleines und kompaktes Format, das mit viel Liebe zum Detail gestaltet ist. Seine gotischen Spitzbögen umschließen das Geheimnis des Todes Jesu Christi in 7 Fenstern, die zu tiefer Andacht anregen. Das zentrale Fenster zeigt Christus auf Golgatha im Augenblick seines Todes, gekreuzigt zwischen den Dieben Dismas und Gestas, dem Guten und dem Bösen. In der Szene kann der davor stehende Beter diese Worte in seinem Herzen spüren: Jesus, denk an mich, wenn du in dein Reich kommst. Und Jesus wird zu ihnen sagen: 'Wahrlich, ich sage euch, heute werdet ihr mit mir im Paradies sein'. Unter ihm befindet sich Maria Magdalena im Herzen des Massivs und der Grotte von Sainte Baume (einem typisch provenzalischen Dorf mit einer romanischen Kirche aus dem 11. Jahrhundert und einer natürlichen, der Heiligen geweihten Höhle). Jahrhundert, die dem Heiligen gewidmet ist. Sechs Passionsszenen an jeder Tür zeigen das zentrale Geheimnis des gekreuzigten Christus: links das Gebet Jesu in Gethsemane, die Verhaftung und die Geißelung, rechts die Darstellung Jesu vor dem Sanhedrin und Kaiphas, die Via Dolorosa oder den Kalvarienweg und den Moment der Kreuzigung. Das Äußere ist in Schwarz und Gold lackiert, den Farben der Trauer, mit einem Krug voller Lilien als Symbol für die Jungfrau Maria, die in diesem andächtigen und geheimnisvollen Altarbild ihre tiefste Weiblichkeit und ihre Reinheit bei der Empfängnis ihres Sohnes darstellt. Weitere kleine Triptychen für den häuslichen Gebrauch befinden sich in der Sammlung des Victoria & Albert Museum in London (Inv. 3264-1856), ebenfalls flämischer Herkunft und aus demselben Jahrhundert; mehrere Beispiele flämischer oder niederländischer Herkunft waren in der großartigen Ausstellung "Small Wonders: Late Gothic Boxwood Micro-carvings from the Low Countries", die gemeinsam vom Rijksmuseum, dem Metropolitan Museum of Art in New York und der Art Gallery of Ontario veranstaltet wurde.

Schätzw. 3 000 - 6 000 EUR

Los 7 - Carved, polychromed and gilded wooden icon with gold background. Wallachia. 15th century.alaquia. - Ikone aus geschnitztem, polychromiertem und vergoldetem Holz mit Goldhintergrund. Valaquia. 15. Jahrhundert. 51 x 35 x 5 cm. Es handelt sich um die zentrale Tafel eines Altaraufsatzes, auf der die Heiligen Konstantin und Helena, die geistigen Schutzpatrone Rumäniens, zu beiden Seiten des rumänischen Wappens dargestellt sind, das im unteren mittleren Teil des Altaraufsatzes eingemeißelt ist. Dieses Wappen, das durch den Vogel vor dem Kreuz gebildet wird, ist dasjenige, das unser Stück chronologisch in das 15. Jahrhundert datiert, da es erst im 16. Es ist ein einzigartiges und außergewöhnliches Museumsstück, da es in Rumänien keine erhaltenen mittelalterlichen Objekte mit diesem Wappen aus dem 15. Es ist nur eine einzige Münze mit diesem Wappen bekannt. Der Vogel vor dem Kreuz ist ein Symbol, das auf walachischen Münzen von 1300 bis 1500 zu sehen ist. Es ist sehr wichtig zu wissen, dass die Lilienblüten, die auf unserer Ikone zu sehen sind, und die Figuren der Heiligen Konstantin und Helena auch auf einer großen Briefmarke von Vlad Tepes zu sehen sind. Das Alter der Ikone wurde im Februar 2022 durch das Labor von Dr. Manfred Schreiner von der Akademie der Bildenden Künste in Wien bestätigt. Dieses Los ist importiert und hat daher eine garantierte Exportlizenz des spanischen Kulturministeriums.

Schätzw. 300 000 - 600 000 EUR

Los 8 - Important bronze mortar. Gothic. 15th Century. - Imposanter Bronzemörtel. Gotisch. 15. Jahrhundert. 10,7 x 19 x 14 cm. Es hat einen Riss, ist aber aufgrund seiner Größe und Qualität ein sehr interessantes Stück.

Schätzw. 1 200 - 2 500 EUR

Los 9 - Hispano-Flemish school. Circa 1500. - Hispano-flämische Schule. Um 1500. "Soldat, möglicherweise St. Georg. Skulptur aus geschnitztem und polychromiertem Holz. 123,5 x 25 x 66 cm. Diese Skulptur ist ein Meisterwerk eines großen Meisters. Die Rüstung ist sehr detailliert und präzise ausgeführt, wobei selbst die kleinsten Details einer so komplizierten Kleidung getreu wiedergegeben werden, sogar das Kettenhemd, das um die Achselhöhlen herum zu sehen ist, könnte übersehen werden, weil es auf den ersten Blick gar nicht sichtbar ist. Ebenso fein sind alle Nieten, Rüstungsteile, Schuhe usw. geschnitzt, ohne dabei das prächtige Gesicht der Figur zu vergessen, das, wie wir in unserem Titel andeuten, der Heilige Georg sein könnte.

Schätzw. 23 000 - 30 000 EUR

Los 10 - Spanish School. Early 16th century. - Spanische Schule. Anfang des 16. Jahrhunderts. "Der heilige Hieronymus der Bischof" Geschnitzte und polychromierte Holzskulptur Höhe: 64 cm.

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Los 11 - Italian school. 18th century - Italienische Schule. 18. Jahrhundert "Unsere Liebe Frau der Heiligen Hoffnung" Öl auf Kupfer. 35 x 25 cm. Größe mit Rahmen103 x 71 cm. Begleitet von einem imposanten Rahmen aus geschnitztem, vergoldetem und mit Spiegeln eingelegtem Holz aus der Zeit des Füllhorns. Exquisites und raffiniertes Porträt der Muttergottes der Heiligen Hoffnung. Die historischen Informationen über den Ursprung dieses Bildes gehen auf das Jahr 1750 zurück, als ein frommer Christ ein Gemälde von Maria mit Kind malen ließ, das er Pater Tommaso del Costato di Gesù (später Monsignore Struzzieri, Bischof von Todi und erster Bischof der Passionistenkongregation) schenkte, der es immer in seinen SS. Missionen. Dieses Bild trug von Anfang an den Titel "Mater Sanctae Spei". Die gesamte Komposition, einschließlich des geschnitzten und vergoldeten Füllhornrahmens, erinnert an die Werke des flämischen Barocks, in denen die Jungfrau Maria stets von einer Blumengirlande umgeben erscheint. Hier wird die Girlande parallel dazu durch die Schnitzerei des Rahmens mit Akanthusblättern und -blüten und einem kleinen Baldachin nach Art Berninis dargestellt. Wir betrachten die schlichte, ruhige und detailreiche Vollkommenheit des inneren Gemäldes, das von diesem "Girlandenrahmen" umrahmt wird, als Tribut, Verehrung und Gebet für diese Madonna. Das Bild wurde mit winzigen Pinselstrichen perfektioniert. Nach dem Stich "Mater Sanctae Spei" von Hyeronimus Wierix, einem flämischen Kupferstecher aus dem 16. Jahrhundert, stellt das Gemälde die Heilige Jungfrau Maria mit dem Jesuskind auf dem Arm dar. Sie hält ihn mit ihrem rechten Arm und weist mit ihrem linken Arm auf ihn als Quelle der göttlichen Gnaden hin (Ikonographie: Hodegetria: "Sie, die den Weg weist", die Hodegetria-Jungfrau Maria weist auf das Kind als den Weg des Heils. Und dieses Kind, das mit seiner linken Hand ein Kreuz hält, während seine rechte Hand erhoben ist, nimmt die Haltung eines Königs ein, der die Erlaubnis erteilt, sich ihm zu nähern. Das Originalbild der "Madonna der heiligen Hoffnung" ist ein Gemälde, das Agustin Marqui 1750 anlässlich einer von Pater Tomas Stuzzieri gehaltenen Passionspredigt gemalt hat und das er dem heiligen Paul vom Kreuz schenkte, mit der Bitte, dass "jeder Geistliche es in seiner Zelle haben sollte". Zu den Anhängern dieses Bildes gehörten der heilige Vinzenz Maria Strambi und der zweite Generalobere der Passionisten (von 1755 bis 1790), Pater Johannes Baptist von St. Vinzenz Ferrer. Vinzenz Ferrer. Tatsächlich heilte es den im Sterben liegenden Pater Johannes Baptist von einer unheilbaren Krankheit, und er selbst ordnete an, dass das Bild dreimal am Tag gegrüßt werden sollte. Die Verehrung der heiligen Jungfrau unter dieser Anrufung entwickelte sich in der Passionistenkongregation von Anfang an. Ihr wichtigster Förderer war der große Missionar Pater Thomas Struzzieri, der später zum Bischof ernannt wurde. In den heiligen Missionen trug er immer ein Bild der Anrufung bei sich. Später wurde dieses Bild in Serien vervielfältigt und in den Zimmern der Passionistenkleriker aufgestellt, damit sie ihren Blick auf sie richten und sie in ihren geistlichen Nöten anrufen konnten. Die Jungfrau Maria, Mutter der heiligen Hoffnung, wurde so zu einem einzigartigen Vorbild und einer festen Stütze für unsere eigene Hoffnung. Die Hoffnung, die die Gottesmutter vorstellt und zu der sie aufruft, ist das Kreuz, das das Jesuskind in der Hand hält, als Zeichen seiner unermesslichen Liebe, die sich uns bis zum Tod und zum Tod am Kreuz offenbart.

Schätzw. 15 000 - 18 000 EUR

Los 12 - Juan de Mesa (Cordoba, 1583 - Seville, 1627) - Juan de Mesa (Cordoba, 1583 - Sevilla, 1627) "Der heilige Johannes der Evangelist" Geschnitzte, vergoldete und polychromierte Holzskulptur. 92,5 x 44 x 41 cm. Bis zur Wiederentdeckung von Juan de Mesa Ende des 19. Jahrhunderts durch den in Sevilla ansässigen Historiker José Bermejo y Carballo, der ihm ein Kunstwerk zuschrieb, war der Name Mesa mehr als zweieinhalb Jahrhunderte lang nicht mehr erwähnt worden, und seine Werke wurden fälschlicherweise seinem Meister Montañés zugeschrieben, da sie von herausragender Qualität waren. Darüber hinaus kamen im 20. Jahrhundert Dokumente ans Licht, die dazu beitrugen, das Leben und die Arbeit von Mesa zu erhellen. Dennoch sind die Informationen über Mesas Kindheit und Jugend spärlich, aber es ist bekannt, dass er 1583 in Córdoba getauft wurde und erst 1606 in die Werkstatt seines späteren Meisters eintrat, wo er 1607 seinen Lehrvertrag abschloss.

Schätzw. 20 000 - 30 000 EUR

Los 13 - Ignacio de Ríes (Seville, 1616 - ?, 1670). - Ignacio de Ríes (Sevilla, 1616 - ?, 1670). Vera Cruz" (Wahres Kreuz) Öl auf Leinwand. 157,5 x 232 cm. Christus, der das Kreuz auf den Schultern trägt, begegnet Veronika. Ignacio de Ríes, Sohn des flämischen Malers Mateo de Ríes, war bereits seit 1635 in der Werkstatt Zurbaráns tätig und einer seiner hervorragendsten Schüler. De Ríes, ein Maler von großer Bedeutung und Wert, der im Museo del Prado und im Metropolitan Museum of Art in New York vertreten ist, präsentiert uns eine Hell-Dunkel-Szene der Meditation dieser Station der "Via Dolorosa". Er achtet sehr auf die Qualität der Details von Gegenständen (das Tuch der Veronika und die Perle auf ihrer Brust, der Kopf des Pferdes, der Helm des Soldaten), von Kleidung (der goldene Anzug des Soldaten, der den gefallenen Jesus tritt) und von Stoffen und Texturen, wie z. B. der Mantel, der Jesus umhüllt, neben anderen Aspekten. Auch die Gesichter und Hände sind von großer Qualität und Ausdruckskraft und zeugen von der Technik Zurbaráns, der zu seinen besten Schülern gehörte. Dieses Gemälde war Teil der Ausstellung "Teresa de Jesús: Frau, Heilige und Ärztin" teil, die zwischen dem 28. März und dem 22. Oktober 2022 in Alba de Tormes stattfand, um den vierten Jahrestag der Heiligsprechung der Heiligen Teresa de Jesús zu begehen. Sie wurde von der Kommission zur Hundertjahrfeier der Teresianer, dem Orden der Karmeliten der Abgeschiedenen und der Stadtverwaltung der Gemeinde organisiert.

Schätzw. 12 000 - 16 000 EUR

Los 14 - Adriaen van Utrecht (Antwerp, 1599 - 1652) - Adriaen van Utrecht (Antwerpen, 1599 - 1652) "Stilleben" Öl auf Leinwand. 102 x 169 cm. Adriaen van Utrecht war ein führender flämischer Stilllebenmaler, der seinen Meister Herman de Ryt übertraf und zu einem der Erfinder des Genres der "Pronkstillevens" wurde. Seine Gemälde zeichnen sich durch eine Fülle von Gegenständen, Blumen, Früchten, lebenden oder toten Tieren und Menschen sowie durch eine detaillierte und dekorative Herangehensweise aus. Auf seinen Reisen durch Frankreich, Italien und Deutschland erwarb er barocke Einflüsse, die sich in seinen Gemälden widerspiegeln. Utrecht stellte Markt- und Küchenszenen, Stillleben, Früchte und Fruchtgirlanden sowie Geflügel, Papageien, Affen und wilde Tiere dar. Seine Gemälde spielen mit dem Konzept von Leben und Tod, indem sie menschliche Figuren und lebende oder tote Tiere einbeziehen. Nach dem Tod seines Vaters kehrte er nach Antwerpen zurück, wo er große Gemälde schuf und mit bedeutenden Künstlern wie David Teniers dem Jüngeren, Jacob Jordaens und Rubens zusammenarbeitete. Seine kompositorischen und malerischen Fähigkeiten brachten ihm internationale Aufträge und die Anerkennung bedeutender Persönlichkeiten wie des deutschen Kaisers, König Philipps IV. von Spanien und des Prinzen von Oranien ein. Während der Hochzeit seiner Schwester Catharina und des Malers Simon de Vos lernte er seine Frau Constance kennen, die ebenfalls Malerin wurde und vermutlich Kopien der Werke ihres Mannes in ihrem eigenen Stil anfertigte. Obwohl er zu Lebzeiten einen tadellosen Ruf genoss, wird vermutet, dass er aufgrund gesundheitlicher Probleme einen Großteil seines Vermögens verlor. 1652 starb Adriaen van Utrecht im Alter von 53 Jahren in seiner Heimatstadt. Sein künstlerischer Nachlass zeigt seine Fähigkeit, eine Vielzahl von Themen mit ausgezeichnetem Geschmack und strenger Technik zu malen.

Schätzw. 45 000 - 55 000 EUR

Los 15 - European school. Possibly France. 19th century. - Europäische Schule. Möglicherweise Frankreich. 19. Jahrhundert. "Die Personifizierung der vier Kontinente". Four oils on canvas. Jeweils 38 x 49 cm. Diese vier Gemälde zeigen die Allegorien der vier ehemals bekannten Kontinente (Europa, Asien, Afrika und Amerika), dargestellt in weiblichen Personifikationen, die in Wirklichkeit Nymphen sind ("fruchtbare Quellen" der vier großen Flüsse dieser vier Kontinente (die Donau, der Ganges, der Nil und der Rio de la Plata). Die vier Nymphen erscheinen nackt, üppig, fruchtbar und voller Leben: Europa, brünett, liegt auf einem goldenen Kanapee im Stil des französischen Empire, in Dessous und betrachtet und spielt mit einer Miniatur; Asien, blond, mit Turban, auf Kissen, raucht Opium oder eine indische Pfeife und "verführt" ihren Geliebten, der wie ein indischer Maraja durch das Fenster blickt; Afrika, schwarzhäutig und ganz mit Juwelen geschmückt, umgibt sich mit Überfluss, dargestellt durch ein wunderschönes und üppiges Früchtestillleben, und spielt mit der Sinnlichkeit eines Tuchs im Wind; und Amerika, mitten im Dschungel des Amazonas, lässt ihren Bogen und ihre Pfeile zurück und zieht sich aus, um ein Bad im Fluss zu nehmen. Diese vier kleinen Leinwände sind von großartiger Verarbeitung, zeigen sehr neoklassische Linien, sehr reich an Details und Farben, kreativ angepasst an das Thema, das sich auf Frauen oder Nymphen bezieht (anstelle der bekannten klassischen Personifikationen), die vor Leben, Sinnlichkeit, Frische, Freiheit,... strotzen, alles Eigenschaften der 4 Kontinente, die zuvor bekannt waren. Vier Kontinente, die "verführen und einladen", die flüstern "komm und entdecke uns". Vier kleine Bilder, die die beste Werbung für das "Besuchen Sie uns und probieren Sie uns aus" sind.

Schätzw. 40 000 - 50 000 EUR

Los 16 - Spanish School. Circa 1700. - Spanische Schule. Um 1700. Paar prächtige Barockskulpturen aus geschnitztem, vergoldetem und polychromiertem Holz, die zwei große, mit Drachen geschmückte Schilde darstellen. An der Spitze befinden sich zwei Engelsköpfe, an der Unterseite zwei groteske Gesichter, die ihre Zungen herausstrecken. Maße jeweils 136,5 x 63 x 10 cm.

Schätzw. 9 000 - 12 000 EUR

Los 17 - Attributed to Matías de Arteaga (Villanueva de los Infantes, 1633 - Seville, 1703) - Matías de Arteaga zugeschrieben (Villanueva de los Infantes, 1633 - Sevilla, 1703) "Die Anbetung der Heiligen Drei Könige" Öl auf Leinwand. 62 x 83 cm. Der Maler und Kupferstecher, Sohn des Kupferstechers Bartolomé Arteaga, entwickelte seine künstlerische Tätigkeit in Sevilla, insbesondere in Verbindung mit der von Murillo gegründeten Akademie, die er nicht nur besuchte, sondern auch finanziell unterstützte und deren Sekretär er 1666 und Konsul drei Jahre später wurde. In dem Artikel der Royal Academy of History heißt es: "In seiner Kunst zeigte er ein einzigartiges Interesse an Perspektive und weiten Räumen. Wahrscheinlich hatte er eine sehr aktive Werkstatt, denn es gibt viele Kunstwerke, die in Bezug auf seinen Stil sehr unterschiedliche Qualitäten aufweisen. Unter seinen Gemälden befinden sich wichtige Zyklen wie die Gemälde zum Leben des Heiligen Laurian aus der Kapelle des Heiligen in der Kathedrale von Sevilla (um 1670) und die eucharistische Serie der Sakramentenbruderschaft von 1690. Er malte auch eine Serie über das Leben der Jungfrau Maria, die im Museum von Sevilla aufbewahrt wird, und eine weitere über das Leben Jesu Christi, von der sich einige Gemälde in privaten Sammlungen in Madrid befinden. Als Kupferstecher fertigte er Einbände und Illustrationen für Bücher an, von denen die des Buches von Fernando de la Torre Farfán mit dem Titel "Fiestas de la S. Iglesia metropolitana y patriarcal de Sevilla al nuevo culto del señor Rey San Fernando" aus dem Jahr 1671 besonders hervorzuheben sind. Er war auch ein Graveur von Reproduktionen von Gemälden der großen Meister von Sevilla, wie Murillo, Herrera, el Mozo, Alonso Cano und Valdés Leal, unter anderem".

Schätzw. 8 000 - 12 000 EUR

Los 18 - Attributed to Luca Giordano (Naples, 1634 - 1705) - Luca Giordano (Neapel, 1634 - 1705) zugeschrieben Die Anbetung der Heiligen Drei Könige". Öl auf Leinwand. Relined. 38 x 51,5 cm.

Schätzw. 4 000 - 7 000 EUR

Los 19 - Spanish School. Early 19th century. - Spanische Schule. Anfang des 19. Jahrhunderts. "Porträt von Maria Isabel von Braganza" Öl auf Leinwand. 120 x 106 cm. Maria Isabel de Bragança, Tochter von Johann VI. von Portugal und der Infantin Carlota Joaquina de Borbón, wurde am 19. Mai 1797 in Palácio de Queluz, Portugal, geboren. Im Jahr 1816 heiratete sie König Ferdinand VII. von Spanien, um die Beziehungen zwischen den beiden iberischen Ländern zu stärken. Die Infantin zeichnete sich durch ihr hohes kulturelles Niveau und ihre Liebe zur Kunst aus, was sie dazu veranlasste, die Kunstwerke der spanischen Monarchen zusammenzuführen, um das spätere Prado-Museum zu gründen, dessen eigentliche Architektin sie war. Im Prado heißt es, dass Pedro de Madrazo im Katalog der Gemälde des Königlichen Museums von 1854 sogar sagt, dass die Königin "das Museum entworfen hat". In der Porträtgalerie des Prado ist ein posthumes Porträt von Bernardo López-Piquer aus dem Jahr 1829 ausgestellt (Inv. P000863). Dieses Porträt, das seinerseits von einem ovalen Brustbild inspiriert wurde, das der Vater des Malers, Vicente López, im Jahr der Hochzeit der Königin gemalt hatte, zeigt Maria Isabel de Braganza als Gründerin des Königlichen Museums für Malerei und Skulptur. Wie der Kritiker und Historiker Gabriele Finaldi im Katalog zur Ausstellung "Spanische Porträts im Prado. Von Goya bis Sorolla", ein "emblematisches Bild für die Geschichte des Prado-Museums" dar. Leider hatte unsere Porträtierte nicht das Vergnügen, der Einweihung des Museo del Prado beizuwohnen, da sie einige Monate zuvor, im Dezember 1818, verstarb, ohne die Möglichkeit, das Museum zu Lebzeiten zu besuchen, das sie uns jedoch als Vermächtnis hinterlassen hat. Bibliographische Referenz: - Museo del Prado (n.d.). "María Isabel de Braganzacomo fundadora delMuseo del Prado".https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/maria-isabel-de-braganza-como-fundadora-del-museo/a7a1a933-6dc5-4636-b963-224d42e77110

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 20 - Spanish School. Granada. 18th. Century. - Spanische Schule. Granada. 18. Jahrhundert. "Der heilige Franziskus und der Wolf". Monumentale geschnitzte und polychromierte Holzskulptur. Höhe: 228 cm. Diese Skulptur war Teil der Ausstellung "Teresa von Jesus: Frau, Heilige und Ärztin", die vom 28. März bis zum 22. Oktober 2022 in Alba de Tormes stattfand, um den vierten Jahrestag der Heiligsprechung der heiligen Teresa von Jesus zu begehen. Hundertjahrfeier der Heiligsprechung der heiligen Teresa von Jesus zu begehen. Die Veranstaltung wurde von der Kommission zur Hundertjahrfeier der Teresianer, dem Orden der Karmeliterinnen der Abgeschiedenheit und dem Stadtrat der Gemeinde organisiert. Mit einer Studie von Dr. José Carlos Pérez Morales, PhD in Kunstgeschichte.

Schätzw. 25 000 - 35 000 EUR

Los 21 - Italian School. Naples. 17th century. - Italienische Schule. Neapel. 17. Jahrhundert. Maria Magdalena Öl auf Leinwand 118,5 x 97 cm.

Schätzw. 9 500 - 15 000 EUR

Los 22 - Walnut wood ches with inlaid bone and iron fittings. Aragonese workshop. 16th century. - Ches aus Nussbaumholz mit eingelegtem Knochen und Eisenbeschlägen. Aragonesische Werkstatt. 16. Jahrhundert. 37,5 x 60 x 30 cm.

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Los 23 - An Spanish carved cedar and pine wooden cupboard with bronze fittings. 18th century. - An Spanish Geschnitzter Zedern- und Kiefernholzschrank mit Bronzebeschlägen. 18. Jahrhundert. 82 x 51 x 27,5 cm. Die renommiertesten Möbelschreiner vergangener Zeiten stellten ihren Kunden eine Reihe von kleinen Möbeln zur Verfügung, die als Modelle dafür dienten, was sie je nach den Bedürfnissen des Käufers in größeren Dimensionen herstellen konnten. Auf diese Weise zeigten sie einerseits Beispiele für die von ihnen angebotenen Möbel und stellten andererseits ihr Können und die Qualität ihrer Arbeit unter Beweis.

Schätzw. 2 500 - 4 500 EUR

Los 24 - Italian School. Rome. 17th century. - Italienische Schule. Rom. 17. Jahrhundert. Heiliger Franziskus in Ekstase". Öl auf Leinwand. 255 x 193 cm.

Schätzw. 30 000 - 45 000 EUR

Los 25 - Jose de Paez (Mexico City, 1727 - circa 1790) - Jose de Paez (Mexiko-Stadt, 1727 - ca. 1790) "Unbefleckte Empfängnis" Öl auf Leinwand. 124 x 94 cm. José de Páez war ein Maler, der hauptsächlich zwischen 1750 und 1780 tätig war. Laut dem Museum of the Americas in Madrid "schuf er Modelle von großer Lieblichkeit, idealisierter Schönheit, ovalen Gesichtern und war ein hervorragender Porträtist". Er entwickelte vor allem religiöse Themen, interessierte sich aber auch für die Malerei der Kasten. Er war der bevorzugte Maler religiöser Orden wie der Franziskaner, der Bethlehemiten und der Oratorianer und führte zahlreiche Aufträge für sie aus. In Anbetracht seiner sehr umfangreichen Produktion universeller Themen ist davon auszugehen, dass er einige Linien seines Werks ohne Aufträge entwickelte, aber in dem Wissen, dass er einen soliden Markt für seine Kunstwerke hatte. Unter den erhaltenen Werken sind die Kupfergemälde "Der göttliche Hirte" und "Unsere Liebe Frau von Loreto" im Museum of the Americas in Madrid, das "Medaillon eines Mönchs mit der Geburt Christi" und "Der heilige Johannes von Nepomuk" im LACMA zu nennen; die "Madonna der Barmherzigkeit" im Blaisten-Museum und die zehn Gemälde aus dem "Zyklus des Lebens der Jungfrau Maria" von 1772, die zwischen 2015 und 2016 restauriert wurden und sich im Heiligtum von Guadalupe in Chihuahua, Mexiko, befinden. Im Rahmen dieses Restaurierungsprojekts wurde eine sehr interessante Analyse des technischen Verfahrens von José de Páez durchgeführt. Dem ausführlichen Bericht von Yana Arantxa Ramírez zufolge hatte der Maler zu Lebzeiten großen Erfolg, der später durch die weit verbreitete Geringschätzung der Malerei des 18. Jahrhunderts geschmälert wurde. Jetzt, "in den letzten Jahrzehnten, gibt es Bemühungen, die Malerei des 18. So schlug Magdalena Castañeda, die mit der Restaurierung der Werke von Páez betraut war, in ihrer Magisterarbeit einen neuen Ansatz zu seiner künstlerischen Persönlichkeit vor und kam zu dem Schluss, dass der Mexikaner "ein rastloser Künstler mit einer diskursiven Wirksamkeit war, die es ihm ermöglichte, Werke innerhalb und sogar außerhalb von Neuspanien zu verkaufen." In dem vorliegenden Gemälde folgte der Künstler dem Bild, das in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts sowohl in Spanien als auch in Neuspanien vorherrschte: die unbefleckte Jungfrau Maria, gekleidet in eine weiße Tunika und einen blauen Mantel, die auf dem Mond steht, während die Sonne hinter ihr aufgeht und die Frau beleuchtet, die Gott vor aller Zeit zur Mutter Gottes erwählt hat. Sie schwebt in der Mitte der Szene in einem Strahlenkranz der Herrlichkeit. Wir können mehrere marianische Attribute wie Rosen und Lilien erkennen, die auf die Reinheit der Jungfrau anspielen und an die kunstvolle Darstellung der Tota Pulchra erinnern. Diese schöne Frau betet mit einem ruhigen und inspirierten Ausdruck und richtet ihren Blick auf den festen Boden. Sie ist mit einem Heiligenschein gekrönt, und zwölf Sterne umkreisen ihr Haupt, zusammen mit einer Gruppe von Putten, die durch die Wolken lugen und die himmlische Krönung betonen. In diesem Fall folgt Páez den Vorbildern von Miguel Cabrera, bei dem die blauen Tücher, die die Immaculata bedecken, fließender und lockerer sind, obwohl die Hand des Meisters Páez in diesem zarten Gemälde leicht zu erkennen ist. Das Gemälde kann mit dem Heiligen Josef mit dem Jesuskind im Blaisten-Museum und mit anderen Unbefleckten Empfängen in verschiedenen Institutionen verglichen werden, wie der Unbefleckten Empfängnis mit Jesuitenheiligen im Regionalmuseum von Zacatecas und der Unbefleckten Empfängnis im Amerika-Museum in Madrid.

Schätzw. 60 000 - 80 000 EUR

Los 26 - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexico, 1715 / 1720 - Mexico, 1768) - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexiko, 1715 / 1720 - Mexiko, 1768) "Der heilige Johannes von Nepomuk" Öl auf Leinwand. Signiert. 167,5 x 104 cm. Cabrera gilt als der größte Vertreter der Malerei des Vizekönigreichs im 18. Jahrhundert, dessen Produktion das Dallas Museum of Art als "legendär" bezeichnet: mehr als 309 Werke aus seinem großen Atelier sind dokumentiert. Miguel Mateo Maldonado y Cabrera wurde am 27. Februar 1695 in Antequera, dem heutigen Oaxaca, Mexiko, geboren, wie aus dem Testament des Malers von 1768 hervorgeht. Er war der Sohn unbekannter Eltern und Patensohn eines Mulattenpaares. Im Jahr 1719 zog er nach Mexiko-Stadt, wo er seine künstlerische Ausbildung in der Werkstatt von Juan Correa in der Hauptstadt des Vizekönigreichs begann. Cabrera malte Altarbilder in der Jesuitenkirche von Tepotzotlán im Bundesstaat Mexiko, in der Kirche Santa Prisca in Taxco, Guerrero, und in den Kathedralen von Mexiko-Stadt und Puebla. Cabrera war nicht nur Maler, sondern beteiligte sich auch an dem Versuch, 1753 eine Kunstakademie zu gründen, und 1756 wurde er nicht nur als Künstler, sondern auch als Intellektueller bekannt, denn er veröffentlichte 1756 eine Erzählung über das Bild der Jungfrau von Guadalupe mit dem Titel "Maravilla americana y conjunto de raras maravillas observadas con la dirección de las reglas del arte de la pintura", eine Erzählung über das Bild der Jungfrau von Guadalupe in der Druckerei des Jesuitenkollegs von San Ildefonso. Neben der Tafelmalerei umfasst sein Schaffen auch den Entwurf von Altarbildern, großformatige Werke sowie kleine Gemälde auf Kupfer und Nonnenschilder. Cabreras religiöse Malerei zeigt Figuren von bemerkenswerter Schönheit, einer Schönheit, die unter den ideologischen Voraussetzungen der Frömmigkeit jener Zeit verstanden wird. Es handelt sich um eine raffinierte Kunst, die einen gut geordneten chromatischen Reichtum besitzt, der von einer großen Kompositionsarbeit und, was nicht weniger wichtig ist, von einer subtilen und ausdrucksstarken Zeichnung getragen wird. Von allen Malern dieser Zeit war Cabrera derjenige mit der größten Persönlichkeit; die konventionelle Behandlung seiner Figuren war zweifellos die Grundlage seines Malstils, denn er setzte in seinen Gemälden Modelle ein, die nicht ideal waren, sondern Personen entsprachen, die der Künstler kannte und mit denen er zu tun hatte, wie zum Beispiel, wenn er in einigen Gemälden Porträts von Stiftern oder den so genannten "Prälaten" einfügte, weil er das Bedürfnis hatte, direkt zu beobachten und von der Natur abzuschreiben. Er wurde zum Kammermaler des Erzbischofs Manuel Rubio y Salinas ernannt, der ihn beauftragte, das Bildnis der Muttergottes von Guadalupe zu studieren und zu malen. Das Bild wurde an Papst Benedikt XIV. geschickt, von dem er die höchste Anerkennung als Maler von Guadalupe erhielt. Unter den Porträts, die er malte, sind das von Sor Juana Inés de la Cruz, das im Nationalen Museum für Geschichte aufbewahrt wird, und das von Juan de Palafox y Mendoza, das sich im Museum für Kolonialkunst in Morelia, Michoacán, Mexiko, befindet, hervorzuheben. Er war auch als Maler für die Gesellschaft Jesu tätig, für deren Kirchen er zahlreiche Werke schuf. Im Jahr 1753 wurde er zum Präsidenten auf Lebenszeit der Akademie von San Carlos ernannt. Sein Werk ist in vielen Kirchen und Klöstern Mexikos zu sehen. Sie befinden sich auch in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen. Zwei seiner Bilder der Jungfrau von Guadalupe befinden sich im Vatikanischen Museum. Ein weiteres, das 1756 für den Tempel von San Francisco Javier angefertigt wurde, befindet sich im Nationalmuseum des Vizekönigreichs. Das Kunstmuseum von Dallas besitzt eine Santa Gertrudis La Magna von Miguel Cabrera, und eine weitere Darstellung der Heiligen, ebenfalls von Cabrera und aus dem Jahr 1768, gehört zur Sammlung des Museums José Luis Bello y Zetina in Puebla, Mexiko. Ebenfalls hervorzuheben ist eine bedeutende Serie von Kastenbildern aus dem Jahr 1763, die sich in der Sammlung des Amerikanischen Museums in Madrid befindet. Sie zeigen Familien, Vater, Mutter und Kind der verschiedenen Kasten und Gesellschaftsschichten, in alltäglichen Situationen. Schließlich sind auch die Pinacoteca de La Profesa oder die Sammlung Andrés Blaisten in Mexiko als Aufbewahrungsorte für Cabreras Werke zu nennen. Das Museo de América in Madrid zeigt derzeit eine sehr wichtige Retrospektive des Malers. Das uns vorliegende Gemälde zeigt eine sehr interessante Ikonographie: die des Heiligen Johannes von Nepomuk, der in die Herrlichkeit eingeht. Der Heilige war ein böhmischer Priester und Generalvikar der Diözese von Prag. Er wurde 1393 wegen seiner Treue zum Beichtgeheimnis gemartert, als König Wenzel IV. die Sünden der Königin wissen wollte, die er verschwiegen hatte. Der Monarch war sehr wütend und befahl, ihm die Zunge herauszuschneiden. Da er sein Ziel nicht erreichte, ließ er den Priester voller Wut von der Karlsbrücke in Prag in den Fluss werfen. Aus diesem Grund gilt er heute als Schutzpatron der Beichtväter, die ihr Schweigegelübde einhalten müssen. Die Szene zeigt auch den Heiligen, der zur Herrlichkeit aufsteigt. Er trägt fünf Sterne in seinem Heiligenschein, die der Legende nach um seinen Kopf herum gesehen wurden, als sein Leichnam aus dem Fluss gerettet wurde. Im Hintergrund entfaltet sich die Szene seines Todes, in der wir die Brücke und die Sonne sehen.

Schätzw. 80 000 - 100 000 EUR

Los 27 - Bernardo Rodríguez (active in Quito, Ecuador, circa 1770) - Bernardo Rodríguez (tätig in Quito, Ecuador, um 1770) "Vermählung von Maria und Joseph Öl auf Leinwand. Relined. 99 x 120 cm. Wunderschönes und zartes Gemälde des ecuadorianischen Malers und Wandmalers Bernardo Rodríguez, einer der bedeutendsten Darsteller religiöser Motive im kolonialen Quito. In diesem Gemälde stellt er die reale und mystische Vereinigung von Gott und Mensch dar, von Maria und ihm als göttlichem Fleisch und der gesamten Menschheit, symbolisiert durch den vermeintlichen Vater Joseph. Das Kind hält eine Fessel mit seiner Mutter, und es scheint, dass es ihr diese symbolisch anlegen wird (indem es ihr Handgelenk kneift): "Was Gott zusammengefügt hat...", so vereint es das Göttliche (Maria und Gott) mit dem Menschlichen (Josef). Die ganze Szene spielt sich unter dem Schutz der Heiligen Dreifaltigkeit ab, der himmlischen Zeugin, die den Moment mit einem Chor von Engeln segnet, die mit Liedern, Geigen, Trommeln, Flöten, Trompeten, Triangel und Tamburin "die Hochzeit verschönern", alles voller Freude, wie es sich gehört. Die Großeltern mütterlicherseits, der heilige Joachim und die heilige Anna, sowie die heilige Elisabeth und der heilige Zacharias, Marias Cousins und die Eltern von Johannes dem Täufer, dem Cousin Jesu, der ebenfalls anwesend ist, beobachten das Geschehen mit Hingabe und Demut. Wir sehen also, dass Zärtlichkeit und Zartheit sehr gut von diesem Maler widergespiegelt werden, der eine beispiellose kirchliche Unterstützung genoss, mit vielen Privilegien wie der Schaffung von Gemälden für die Kathedrale von Quito oder denen im Museum für Koloniale Kunst sowie denen, die wir derzeit in der Casa de Cultura Ecuatoriana bewundern können. Rodríguez ist in der Tat neben Manuel de Samaniego y Jaramillo der wichtigste Maler der späten Kolonialzeit in Quito. Ungeachtet seines anhaltenden und geschätzten Interesses an der Jungfrau Maria als Sujet - ein Thema, das ihm großes Ansehen für die Qualität seiner Leistungen einbrachte - ist das Werk von Rodríguez mit der Technik und der stilistischen Behandlung verwandt, die bei Künstlern wie Manuel Samaniego üblich waren. Die Aufträge, die er von verschiedenen religiösen Institutionen erhielt, machen den Großteil seiner Produktion aus, die sich durch eine interessante Verwendung von Hell-Dunkel auszeichnet. Wie wir in dem faszinierenden Artikel von Juan Pablo Cruz Medina (2014) "Die Malerei der Heiligen Familie: A Manual of Family Relations in the World of 17th Century Santafé" (Ein Handbuch der Familienbeziehungen in der Welt von Santafé im 17. Jahrhundert) zu lesen ist, wurde die Familie als Kern des sozialen Körpers innerhalb der von Spanien für die Neue Welt entworfenen Struktur schon früh zu einem Anliegen sowohl der Kirche als auch der in Lateinamerika etablierten Bürokratie. Auf dieser Grundlage entwickelte die Kirche eine Reihe diskursiver Strukturen, die darauf abzielten, Modelle des Familienlebens zu etablieren, die während des gesamten 17. Jahrhunderts als Beispiele für ideales Verhalten dienen sollten. Damit wurde nicht nur die Aufrechterhaltung einer "kirchlichen" Ordnung in der Gesellschaft gewährleistet, sondern auch die Unterordnung der Gesellschaft unter die vom spanischen Monarchen in den neuen Ländern errichtete Zivilmacht. Medina hebt die künstlerische Produktion hervor, die von der Kirche in Bezug auf die Familie entwickelt wurde. "Jahrhundert ist die Heilige Familie", die auch in der Folgezeit ununterbrochen dargestellt werden sollte. Dieses kirchliche Bedürfnis entspricht auch dem "Aufkommen des Modells der Kernfamilie in Europa, das die für das Mittelalter typische Vorstellung von der Großfamilie veränderte", während es im kolonialen Lateinamerika von Interesse war, "Beispiele zu schaffen, die zur Gestaltung einer von religiösen Normen geprägten Gesellschaft beitragen würden". Wie wir in Cruz Medinas Artikel weiter lesen, "bestand die Idee der Kirche also darin, nach dem Vorbild der Heiligen Familie auf den Bildern Kernfamilien zu schaffen, die als zellbildende Gesellschaft dienen sollten. Das Bild wurde so zu einem Instrument der sozialen und individuellen Gestaltung. Der Diskurs der Heiligen Familie, wie auch der anderer ikonographischer Darstellungen der Kolonialzeit, implizierte dann 'eine neue Anordnung individueller und sozialer Körper', die nach einem Muster der Unterwerfung von Subjekten ausgerichtet war." Referenzbibliographie: -Cruz Medina, Juan Pablo. "La pintura de la Sagrada Familia. Un manual de relaciones familiares en el mundo de la Santafé del siglo XVII".Memoria y sociedad18, n.° 36 (2014): 100-117.http://dx.doi.org/10.11144/Javeriana.MYS18-36.psfm

Schätzw. 45 000 - 65 000 EUR

Los 28 - Novo-Hispanic School. 18th century. Signed by Francisco de Albala and dated 1768. - Novo-Hispanische Schule. 18. Jahrhundert. Signiert von Francisco de Albala und datiert 1768. "Der heilige Franz Xaver tauft Indianer und Ungläubige". Öl auf Leinwand. 152 x 195 cm. Der neuspanische Autor lässt sich bei der Gestaltung seines Gemäldes von einem italienischen oder europäischen Gemälde, einem flämischen Kupferstich oder einem Druck der damaligen Zeit inspirieren, und zwar in einer eindeutig italienisch anmutenden Szenografie mit Türstürzen, Säulen und Perspektiven sowie einer Fülle von Details und Farben. Der heilige Franz Xaver, voller Güte und leuchtender Mystik, gekleidet in Tunika, Chorhemd und Stola, tauft unter dem Segen und dem Licht des Himmels (ein IHS schwebt über ihm) Indianer und Ungläubige. Die lebendigen Farben und das Licht, die für die italienische Kunst dieser Zeit sehr typisch sind, stechen hervor, ebenso wie die Qualität der Details von Juwelen, Krügen, Teppichen, bestickten Stoffen und Brokaten sowie Kopfbedeckungen mit Federn und Bändern, Turbanen und Broschen. In der linken unteren Ecke ist eine Stifterkartusche zu sehen ("MARIA SACHEN LISARDA LIT ADORADIÓ HESTE CUADRO LE DIO A. 1768"). Dabei könnte es sich um María Sánchez Lisarda handeln.

Schätzw. 30 000 - 50 000 EUR

Los 28.A - Attributed to Cristóbal de Villalpando (Mexico City?, 1649 - Mexico, 1714) - Cristóbal de Villalpando zugeschrieben (Mexiko-Stadt?, 1649 - Mexiko, 1714) "Die Erziehung der Jungfrau" Öl auf Leinwand. 249 x 180 cm. Cristóbal de Villalpando war neben Juan Correa der wichtigste Künstler in Neuspanien im letzten Viertel des 17. Jahrhunderts. Er schuf zwei der bedeutendsten künstlerischen Ensembles: die großen allegorischen Gemälde in der Metropolitan-Kathedrale von Mexiko-Stadt und in der Kathedrale von Puebla, wo er sogar die Kuppel bemalte. Sein Stil ist sehr charakteristisch, er kombiniert eine saure und schillernde Farbpalette mit fast metallischen Tönen, mit stark bewegten Falten in den Gewändern und Fleischtönen mit bläulichen Reflexen, alles durchdrungen von einem manieristischen Geist, der zufällig an Künstler aus Nordeuropa erinnert. Seine Kompositionen sind von eklektischen Quellen inspiriert, die seiner ikonografischen Absicht entsprechen, wie Drucke von Rubens und barocke Modelle von der iberischen Halbinsel, wie Carreño de Miranda und Francisco Rizzi, von dem er sogar eine Version einer berühmten Unbefleckten Empfängnis schuf, wobei er die reiche und lebhafte Farbpalette übernahm.

Schätzw. 18 000 - 30 000 EUR

Los 29 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 18. Jahrhundert. Heiliger Johannes von Nepomuk". Öl auf Leinwand. 92 x 67,5 cm. Relined. Unser Gemälde zeigt uns eine sehr interessante Ikonographie, die in dieser Szene des heiligen Johannes von Nepomuk beim Eintritt in die Herrlichkeit dargestellt ist. Johannes von Nepomuk, böhmischer Priester, Generalvikar der Diözese Prag, Märtyrer des Beichtgeheimnisses, wurde 1393 von König Wenzel IV., der die Güter der Kirche an sich reißen wollte, von der Karlsbrücke aus in den Fluss geworfen und gemartert, indem ihm die Zunge herausgeschnitten wurde, weil er dem König, der sie wissen wollte, die Sünden der Königin nicht offenbart hatte, woraufhin er ihn wegen seines Schweigens tötete. Die Szene zeigt den heiligen Johannes von Nepomuk, wie er zur Herrlichkeit aufsteigt und dabei fünf Sterne im Heiligenschein trägt, die der Legende nach um seinen Kopf herum zu sehen waren, als sein Leichnam aus dem Fluss gerettet wurde.im Hintergrund spielt sich die Szene seines Todes ab, in der wir die Brücke und die Soldaten sehen, die ihn von ihr in den Fluss geworfen haben, und den Heiligen im Wasser.

Schätzw. 12 000 - 18 000 EUR

Los 30 - Andrés López (Mexico, active from 1763 to 1811) - Andrés López (Mexiko, tätig von 1763 bis 1811) "Heilige Dreifaltigkeit" Öl auf Leinwand. 45 x 34 cm. Eine sehr ähnliche Version von 1780 befindet sich im Blaisten-Museum in Mexiko und misst 175 x 103 cm. Es ist leicht vorstellbar, dass es sich bei diesem Gemälde um eine vorbereitende Skizze für das vorherige Los handelt. Im biografischen Eintrag des genannten Museums heißt es: "Andrés López, Sohn des Malers Carlos Clemente López, war mit der Akademie der Brüder Nicolás und Juan Rodríguez Juárez verbunden. Der Künstler war recht produktiv und genoss zusammen mit seinem Bruder Cristóbal ein gewisses, wohlverdientes Ansehen. Sein Werk reicht von 1763 bis 1812, denn aus diesem Jahr stammt das Gemälde, das den heiligen Ignatius verwundet auf den Zinnen von Pamplona zeigt. Sein berühmtestes Werk ist die große Via Crucis, die ursprünglich aus 14 Gemälden bestand, die zwischen 1798 und 1800 in Mexiko entstanden. Es wird vermutet, dass einige seiner Werke Ansichten der Stadt Aguascalientes darstellen, wie z. B. "Szenen aus dem Leben des Heiligen Johannes von Nepomuk", datiert 1797, und eine "Madonna von Carmen", signiert 1799, die in der Stadt Sombrerete in Zacatecas zu finden ist. Außerdem gibt es eine "Madonna von Guadalupe" aus dem Jahr 1798 in Aguascalientes und einen "Kalvarienberg" in Guadalajara. Obwohl seine Gemälde in den Provinzen blieben, wurden viele von ihnen in Mexiko ausgeführt. In der Schatzkammer der Kathedrale von Mexiko-Stadt befinden sich folgende Gemälde von Andrés López: das "Herz Jesu", die "Empfängnis" aus dem Jahr 1796 und ein Druck des "Heiligen Josef" aus dem Jahr 1797, der als das beste Werk dieses produktiven Künstlers gilt.

Schätzw. 7 500 - 10 000 EUR

Los 31 - Attributed to José de Paéz (Mexico City, 1721- c. 1780) - José de Paéz zugeschrieben (Mexiko-Stadt, 1721- ca. 1780) "Heilige Dreifaltigkeit" Öl auf Kupfer. 19 x 24,5 cm. Exquisite Malerei auf Kupfer, in einem falschen Oval. Ein Mysterium, das unergründlich und unerreichbar ist, wie der heilige Augustinus sagen würde. Páez bringt es uns nahe, alltäglich, zärtlich und süß, indem er seinen Dargestellten rosige Wangen und reinweiße Haut verleiht, mit perfekten, fast göttlichen Strichen. Auf der linken Seite trägt der zur Seite geöffnete und verwundete Jesus das "Mystische Lamm" auf der Brust ("das Lamm, das geschlachtet wurde", Offenbarung 5,12-14); der Vater mit dem Zepter in der Mitte, der mit der Sonne identifiziert wird ("Denn Gott der Herr ist unsere Sonne und unser Schild; er gibt uns Gnade und Herrlichkeit", Psalm 84,11), und der Heilige Geist, der in vollkommener Einheit mit dem himmlischen Vater und Jesus Christus wirkt, auf der rechten Seite. ("Er legt Zeugnis ab vom Vater und vom Sohn..." 2 Nephi 31:18). Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Vollkommenheit in den nahtlosen Pinselstrichen liegt, die eher von Engeln als von Menschenhand gemalt zu sein scheinen.

Schätzw. 5 500 - 7 500 EUR

Los 32 - Viceregal School. Mexico. 18th Century. - Viceregal School. Mexico. 18th Century. "Our Lady of Guadalupe" Drawing on paper. 51,2 x 38,1 cm. Our drawing was undoubtedly made by a master due to the great artistic quality it reflects. It would not be unreasonable to suppose that it could have come from the hand of Miguel Cabrera, since it is known that he published an account of the image of the Virgin of Guadalupe in 1756 entitled "American marvel and set of rare wonders observed with the direction of the rules of the art of painting", which could well have motivated the Master at the time to make a work on paper. It is a rarity, since we do not find similar examples of a work of this size and quality on paper. It presents a sign of folding and a very small fault.

Schätzw. 15 000 - 25 000 EUR

Los 33 - Attributed to Josepha Sánchez (second quarter of the 17th century). - Josepha Sánchez zugeschrieben (zweites Viertel des 17. Jahrhunderts). "Geschnitztes und bemaltes Zellkreuz aus Holz". 90 x 53 cm. Bislang ist nicht viel über Josepha Sánchez bekannt. Sie war im zweiten Viertel des 17. Jahrhunderts als Malerin tätig, inspiriert von den asketisch-naturalistischen Kruzifixen von Luis Tristán. Ein fast identisches Exemplar befindet sich in der Sammlung des Nationalmuseums für dekorative Künste in Madrid. Literaturverzeichnis:https://opusincertumhispanicus.blogspot.com/2013/10/josepha-sanchez.html

Schätzw. 4 500 - 6 000 EUR

Los 34 - Jose de Paez (Mexico City, 1727 - circa 1790) - Jose de Paez (Mexiko-Stadt, 1727 - ca. 1790) "Heiliger Johannes von Nepomuk" Öl auf Kupfer. Signiert: "Joseph de Paez Fecit". Mit einem imposanten Rahmen aus dem 17. 27 x 21 cm. Maße des Rahmens: 88 x 58,5 cm. Der heilige Johannes von Nepomuk war ein böhmischer Priester, Generalvikar der Diözese von Prag. Er wurde im Jahr 1393 wegen des Beichtgeheimnisses zum Märtyrer - er wurde von der Karlsbrücke in der Stadt in den Fluss geworfen, als König Wenzel IV. versuchte, das Vermögen der Kirche zu beschlagnahmen. Man schnitt ihm die Zunge heraus, weil er dem König, der sie hören wollte, die Sünden der Königin nicht offenbart hatte, und tötete ihn daher wegen seines Schweigens. Er ist der Schutzpatron der Beichtväter, die das sakramentale Siegel bewahren müssen. Die Szene zeigt den heiligen Johannes von Nepomuk mit einem Kruzifix, der Märtyrerpalme und mit fünf Sternen in seinem Heiligenschein, die der Legende nach um seinen Kopf gesehen wurden, als sein Leichnam aus dem Fluss gerettet wurde. Zu seiner Rechten sehen wir einen kleinen Engel, der das Zeichen des Schweigens" macht, und in der unteren Kartusche die Legende Pro sigillo Confessionis", die sich auf das Beichtgeheimnis bezieht. José de Páez war ein Maler, der hauptsächlich zwischen 1750 und 1780 tätig war. Laut dem Amerikanischen Museum in Madrid "schuf er Modelle von großer Zartheit, idealisierter Schönheit, ovalen Gesichtern und war ein ausgezeichneter Porträtist". Er entwickelte vor allem religiöse Themen, interessierte sich aber auch für die Malerei der Kasten. Er war der bevorzugte Maler religiöser Orden wie der Franziskaner, der Bethlehemiten und der Oratorianer und führte zahlreiche Aufträge für sie aus. In Anbetracht seiner sehr umfangreichen Produktion universeller Themen ist davon auszugehen, dass er einige Linien seines Werks ohne Aufträge entwickelte, aber in dem Wissen, dass er einen soliden Markt für seine Kunstwerke hatte. Unter den erhaltenen Werken sind die Gemälde auf Kupfer "Der göttliche Hirte" und "Unsere Liebe Frau von Loreto" aus dem Museo de América in Madrid, das "Medaillon eines Mönchs mit der Geburt Christi" und "Johannes von Nepomuk" aus dem LACMA hervorzuheben; die "Virgen de la Merced" aus dem Blaisten Museum und die zehn Gemälde aus dem "Zyklus des Lebens der Jungfrau" von 1772, die zwischen 2015 und 2016 restauriert wurden und sich im Heiligtum von Guadalupe in Chihuahua, Mexiko, befinden. Im Rahmen dieses Restaurierungsprojekts wurde eine sehr interessante Analyse des technischen Verfahrens von José de Páez durchgeführt. Dem ausführlichen Bericht von Yana Arantxa Ramírez zufolge hatte der Maler zu Lebzeiten großen Erfolg, der später durch die weit verbreitete Geringschätzung der Malerei des 18. Jahrhunderts geschmälert wurde. Jetzt, "in den letzten Jahrzehnten, gibt es Bemühungen, die Malerei des 18. So schlug Magdalena Castañeda, die mit der Restaurierung der Werke von Páez betraut war, in ihrer Magisterarbeit einen neuen Ansatz zu seiner künstlerischen Persönlichkeit vor und kam zu dem Schluss, dass der Mexikaner "ein rastloser Künstler mit einer diskursiven Wirksamkeit war, die es ihm ermöglichte, Werke innerhalb und sogar außerhalb von Neuspanien zu verkaufen."

Schätzw. 13 000 - 20 000 EUR

Los 35 - Viceregal School. Lima. Peru. 16th century. - Vikariatsschule. Lima. Peru. 16. Jahrhundert. Der Heilige Johannes auf Patmos". Öl auf Leinwand. Relined. 272 x 190 cm. Sehr frühes, großformatiges Gemälde, das für das Verständnis der Entwicklung von der manieristischen Kunst zum frühen Naturalismus von Bedeutung ist und die schematischen, byzantinisch beeinflussten Falten des Gewandes des Heiligen Johannes oder die von der florentinischen Renaissance beeinflussten Engelsflügel hervorhebt. Eine Kartusche zeigt Juan Martín de Escobar als Stifter, Prokurator des Klosters Unserer Lieben Frau von der Barmherzigkeit in Lima. Es ist zu lesen: "Dio este liencoel ermano JvanMartin Descovarpor sv devocion" (Bruder Juan Martín de Escobar stiftete diese Leinwand für seine Verehrung). Die Existenz von Juan Martín de Escobar wird durch seine kaufmännischen Tätigkeiten belegt, die im Heft 210 der Akte VII in Band I - Lieferung I der 1920 in Lima erschienenen "Revista del Archivo Nacional del Perú" (Zeitschrift des Nationalarchivs von Peru) verzeichnet sind. Diesem Heft zufolge wurde die Kaufurkunde am 14. September 1629 ausgestellt. Ein großes Zeichen erschien am Himmel", berichtet der Heilige Johannes im Buch der Offenbarung der Bibel. Es ist das Bild einer Frau, die mit der Sonne bekleidet ist und den Mond unter ihren Füßen hat und auf ihrem Haupt eine Krone aus zwölf Sternen". Die Gestalt der apokalyptischen Jungfrau ist das Symbol der Kirche, der Erbin der ganzen Herrlichkeit Israels, die als Mutter des Gottessohnes empfangen wurde. Sie erscheint dem Evangelisten und Seher mit der Sonne bekleidet, mit dem Mond zu ihren Füßen und einer Krone aus zwölf Sternen, die ihr Haupt umgibt - ein Bild, das später von den Heiligen Joachim und Anna zur Darstellung der unbefleckten Empfängnis Mariens übernommen wurde. Ein Drache - Symbol des Teufels - kämpft gegen die Frau - Symbol der Kirche -, die Gott beschützt und verteidigt, indem er ihr die Flügel eines großen Adlers verleiht, um in die Wüste zu fliegen und sie vor dem Teufel zu schützen. Daher ist die Figur des Adlers oft neben dem Heiligen Johannes dem Evangelisten zu sehen. Ein anachronistisches Bild des Heiligen findet sich häufig in der Kunst, die die Vision auf Patmos darstellt, da sie ihn als jungen Mann zeigt, der seit seiner Jugend während der Passion Jesu nur um ein Jahrzehnt gealtert zu sein scheint. In Wirklichkeit wäre Johannes schon sehr alt gewesen, denn sein Tod wird auf das Jahr 104 geschätzt, also auf ein hohes Alter.

Schätzw. 25 000 - 40 000 EUR

Los 36 - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexico, 1695 - Mexico, 1768) - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexico, 1695 - Mexico, 1768) "The Virgin of Guadalupe surrounded by the apparitions to the Indian Diego" Oil on canvas. Signed and dated 1762. 87 x 70 cm. Important representation of the Virgin of Guadalupe, which includes the apparitions and the Indian Juan Diego. It has handwritten legend in Latin: "Non fecit taliter omni nationi" (He did nothing the same with any other nation) in reference to the words pronounced by Benedict XIV when he was presented with the image of the Virgin of Guadalupe and admiring its beauty, he approved the works of the Guadalupe patronage in Mexico. Cabrera is considered the greatest exponent of 18th century Viceroyalty painting, with a production that the Dallas Museum of Art defines as "legendary: more than 309 works from his great studio have been documented". Miguel Mateo Maldonado y Cabrera was born on February 27, 1695 in Antequera, present-day Oaxaca, Mexico, a fact known from the painter's will in 1768. He was the son of unknown parents and godson of a mulatto couple. He moved to Mexico City in 1719, where he began his artistic training, passing through the workshop of Juan Correa in the capital of the Viceroyalty. Cabrera painted altarpieces in the Jesuit church of Tepotzotlán, State of Mexico, in the church of Santa Prisca in Taxco, Guerrero and in the cathedrals of Mexico City and Puebla. Cabrera was not only a painter, but he also participated in the attempt to found an academy of Arts in 1753 and in 1756 he was consecrated as an intellectual, not only as an artist, since he published a narration about the image of the Virgin of Guadalupe in 1756 entitled "Maravilla americana y conjunto de raras maravillas observadas con la dirección de las reglas del arte de la pintura", a narration about the image of the Virgin Guadalupe in the printing press of the Jesuit college of San Ildefonso. In addition to easel painting, his production includes the design of altarpieces, large format works, as well as small copper works and nun's shields. Cabrera's religious painting produces figures of remarkable beauty, a beauty understood under the ideological assumptions of the devotion of the time. It is a refined art that possesses a well-arranged chromatic richness, is sustained by a great work of composition and, no less important, a subtle and expressive drawing. Of all the painters of that time, Cabrera was the one with the greatest personality; the conventional treatment in his figures was undoubtedly the basis of his way of painting, because he placed in his paintings models that were not ideal, but corresponded to people that the artist knew and treated, as when he incorporated in some paintings, portraits of donors or the so-called "prelates" because he had the need to observe directly and copy from nature. He was appointed chamber painter of Archbishop Manuel Rubio y Salinas, who commissioned him to study and paint the image of Our Lady of Guadalupe, reproducing the ayate. The image was sent to Pope Benedict XIV, from whom he obtained the highest recognition as a painter of Guadalupe. Among the portraits he painted, the one of Sor Juana Inés de la Cruz, kept in the National Museum of History, and the one of Juan de Palafox y Mendoza, located in the Museum of Colonial Art in Morelia, Michoacán, Mexico. He was also a painter for the Society of Jesus, for whose churches he produced numerous works. In 1753 he was named president for life of the Academy of San Carlos.His work is preserved in many churches and convents in Mexico.It is also present in numerous public and private collections.Two of his images of the Virgin of Guadalupe are in the Vatican Museum.Another, made in 1756, for the temple of San Francisco Javier, is preserved in the National Museum of the Viceroyalty.The Museum of Art of Dallas, conserves a Santa Gertrudis La Magna by Miguel Cabrera and another representation of the Saint, also by Cabrera and dated in 1768, is part of the collection of the Museum José Luis Bello y Zetina of Puebla, Mexico. Likewise, we highlight an important series of the Caste paintings of 1763 that is conserved in the collection of the Museum of America in Madrid. They depict families, father, mother and child of the various castes and social strata, in everyday life situations. Finally, mention should also be made of the Pinacoteca de La Profesa or the Andrés Blaisten Collection in Mexico, as depositories of Cabrera's work. The Museum of America in Madrid is currently exhibiting a very important retrospective of the painter.

Schätzw. 48 000 - 60 000 EUR

Los 37 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 17. Jahrhundert - Anfang 18. Jahrhundert. La Inmaculada, la Santa Casa de Loreto und die Franziskanerfamilie Öl auf Leinwand. 57,5 x 41 cm. Feines und schlichtes Bildnis der Jungfrau Inmaculada, der Schutzpatronin des Franziskanerordens, das die Basilika und das Haus von Loreto sowie einige Heilige der Franziskanerfamilie in Form von Medaillen darstellt. Realizado, posiblemente, por encargo de la Orden para alguna casa, noviciado o capilla de la misma. La Santa Casa de Loreto es la misma casa de Nazaret que visitó el Arcángel Gabriel en la Visitación de la Virgen María, así como enla que pasó Jesús 30 años de sus 33 junto a la Virgen y San José. Actualmente la Santa Casa está situada dentro de la Basílica que para ella se construyó en Loreto, Italia. In Bezug auf das Geheimnis ihrer Lage in Italien gibt es verschiedene Überlieferungen. Eine davon besagt, dass das Haus die Engel durch die Luft transportierte, um ihre Zerstörung durch die Türken zu vermeiden, aber es gibt Dokumente, die belegen, dass der Verantwortliche für den Transport ein Kaufmann namens Nicéforo Angelo aus dem XIII. war. Quizás su apellido inspiró la idea del traslado por medio de los "ángeles". Auch die franziskanische Familie ist mit einigen ihrer Heiligen vertreten, denen die Betreuung dieser Casa anvertraut ist: Santa Gertrudis (que no la Magna, que es cisterciense), San Francisco de Asís con las llegas del éxtasis, Santa María de Ágreda, confidente y consejera de Felipe IV, San Diego de Alcalá, San Antonio y Santa Clara. In der "compositio loci" ist im Vordergrund die Stadt Jerusalén, a la izquierda, zu sehen, von der aus Santa Casa in die Stadt Loreto in Italien "floh", a la derecha de la tela, wo sie sich heute noch befindet. Por los santos que aparecen, puede ser fechado claramente en pleno siglo XVII, y en tránsito a inicios del XVIII.

Schätzw. 3 600 - 6 000 EUR

Los 38 - Attributed to Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexico, 1713/1715 - Mexico, 1772) - Juan Patricio Morlete zugeschrieben (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexiko, 1713/1715 - Mexiko, 1772) Obst-Stillleben'. Öl auf Kupfer. 31,5 x 42,5 cm. Juan Patricio Morlete Ruiz war einer der größten Maler Mexikos in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Obwohl seine Biografie bis zum 20. Jahrhundert kaum bekannt war, wurde sein Werk durch verschiedene Sammlungen immer weiter verbreitet, was es ermöglichte, mehr über ihn zu erfahren. Morlete, der in Mexiko ein umfangreiches Werk geschaffen hat, ist vor allem für seine Serie von Kastenbildern bekannt. Das Museo de América besitzt ein Stillleben von seiner Hand (Inv. 2021/04/01). Manuel López-Pintado y Almonacid (Toledo, 1677 - Sevilla, 1745) war ein Admiral der spanischen Schatzflotte. Zusammen mit seinem Lehrer José de Ibarra, Miguel de Cabrera, José de Alcíbar und anderen illustren Persönlichkeiten gründete er 1753 die Akademie für Malerei. Zwei Jahre zuvor, 1751, gehörte er zu der Gruppe von Künstlern, die das Bildnis der Jungfrau von Guadalupe begutachteten. Diese beiden Ereignisse spiegeln die künstlerische und kulturelle Bedeutung sowie die soziale und berufliche Anerkennung unseres Malers wider.

Schätzw. 60 000 - 80 000 EUR

Los 39 - Ignacio Chacón (active in Cuzco, Peru, 1745 - 1775) - Ignacio Chacón (tätig in Cuzco, Peru, 1745 - 1775) 'Madonna Lactans' Öl auf Leinwand. Relined. 51 x 40,5 cm. Ignacio Chacon fue uno de los discípulos más importantes del maestro Marcos Zapata de la escuela cuzqueña del siglo XVIII. En Cuzco surgió a mediados del siglo XVII una poderosa generación de pintores indígenas, protegidos por el Obispo Manuel de Mollinedo y Angulo, quien vino al Perú en 1671, se hizo cargo de la Diócesis del Cuzco en 1673, y falleció en esa ciudad en 1699. Contribuyó con su apoyo al progreso de la posteriormente afamada Escuela Cuzqueña. Er förderte die wachsende Aktivität der indigenen und gemischten Bevölkerung und trug dazu bei, dass diese Malerei als ursprünglich, ohne europäischen Einfluss und in der Natur entstanden anerkannt wurde. Der Obispo Mollinedo erscheint in einer Gruppe von Personen des Gemäldes, das den Tod von San Pedro Nolasco darstellt, aus einer Reihe von Lebensbildern des Heiligen, die er für die Hauptkirche von Merced in Cusco angefertigt hat, einige davon mit einer Jahreszahl von 1763. Im Konvent von Ocopa (1707) gibt es ebenfalls von Chacón gemalte Bilder, die das Leben von San Francisco darstellen, und in einem dieser Bilder kann man lesen: "...estos 4 lienzos se pintaron en la ciudad del Cuzco en el año 1763 y se hizo con la habitual habilidad de pincel del maestro Ignacio Chacón...". 1775 fertigte er zusammen mit Cipriano Gutiérrez einen Corpus-Christi-Bogen, bei dem ihm Pedro Nolasco Araujo, Andrés Rodríguez, Jacinto Zegarra und Inga Hermenegildo Xara halfen. Sein Werk von 1765, La Madona y el niño con Ave, das Teil der privaten Sammlung von Engracia und Frank Barrow Freyer von peruanischer Kolonialkunst im Kunstmuseum von Denver (USA) ist, wurde aus Anlass des Weihnachtsfestes 2006 auf einer Briefmarke des Postdienstes der USA befördert. Als Vergleichsbeispiele können wir zwei Familienbilder nennen: die Sagrada familia im Kloster Santa Clara und die Virgen con niño im Historischen Regionalmuseum von Cuzco.

Schätzw. 30 000 - 40 000 EUR

Los 40 - Miguel de Berrio (Potosí, Bolivia, 1706 – circa 1762) - Miguel de Berrio (Potosí, Bolivien, 1706 - ca. 1762) "Lutgardis von Aywières" Öl auf Leinwand. 90 x 64 cm. Gaspar Miguel de Berrío war ein Maler, Sohn von Diego Berrío und Juana Bravo de Laguna, tätig zwischen 1735 und 1762. Er wuchs hauptsächlich in der Stadt Puna in Potosí im heutigen Bolivien auf. Die meisten seiner Kunstwerke lassen sich zurückverfolgen, da er sie zu signieren und zu datieren pflegte. Er gilt als einer der bedeutendsten Künstler der Schule von Potosí, in der Nachfolge von Melchor Pérez de Holguín, der sein Meister war und der ihn vor allem in seinen frühen Gemälden stark beeinflusst hat. Später beschloss er, sich vom Stil seines alten Meisters zu lösen und den typischen Stil der einheimischen Maler zu übernehmen, der die Vergoldung schätzte und in der Regel stark idealisierte Figuren in seinen Kompositionen aufwies, wie die Königliche Akademie der Geschichte erwähnt. Bibliographie:https://dbe.rah.es/biografias/49029/gaspar-miguel-de-berrio

Schätzw. 35 000 - 45 000 EUR

Los 41 - Diego Quispe Tito (Cuzco, Peru, 1611 - 1681) - Diego Quispe Tito (Cuzco, Peru, 1611 - 1681) Der Heilige Antonius mit dem Kind Öl auf Leinwand. 57,5 x 44,5 cm. In der Real Academia de la Historia heißt es: "Quispe Tito, Mitglied einer Familie der Inka-Aristokratie, gilt als einer der Hauptinitiatoren der Malschule von Cuzco. Er stammte offenbar aus dem indigenen Dorf San Sebastián, in dem sich ein bedeutender Teil seiner Produktion befindet. Sie konzentriert sich auf die dekorativen Arbeiten für die Pfarrkirche dieser Stadt, für die er zwischen 1634 und 1669 intensiv arbeitete. In diesen Jahren schuf er vier große Bildzyklen: Das Leben Johannes des Täufers, Die Passion, Das Martyrium des Heiligen Sebastian und Die Kirchenlehrer. Diese Gemäldegruppen fassen die ursprüngliche Reife von Quispe Tito zusammen, die sich durch eine raffinierte Neuinterpretation europäischer Drucke und durch einen präzisen, flinken Pinselstrich mit lebendigen Farben auszeichnet. Sein Ruhm verbreitete sich bald über die Grenzen von Cuzco hinaus, und 1667 erhielt er von den Kirchen von Potosí den Auftrag, Jesus unter den Ärzten des Tempels und Die Verlobung der Jungfrau zu malen, die sich beide heute im Museo de la Casa de Moneda dieser Stadt befinden. In der Inka-Hauptstadt selbst ist Quispe Titos ehrgeizigstes Werk das Gemälde Die letzten Dinge oder das Jüngste Gericht, das er 1675 für die Pförtnerloge des Klosters San Francisco malte. 1675 gab der Andenmaler die dynamischen Formeln für die Darstellung des Jüngsten Gerichts auf, die in Europa bis zur Hochrenaissance und dem frühen Barock in Kraft waren, und kehrte zu dem geordneten Schema in Form von aufeinanderfolgenden horizontalen Schichten zurück, das unter den mittelalterlichen Malern üblich war. Die Heilige Familie, die aus Ägypten zurückkehrt (Nationalmuseum für Geschichte), datiert 1680, zeigt die für seine späteren Werke charakteristische Virtuosität. Der Maler stützte sich hier auf eine weit verbreitete Komposition von Rubens, aber Quispe Tito reduzierte die Proportionen der Figuren im Verhältnis zum Hintergrund beträchtlich, um den Schauplatz der heiligen Geschichte in eine weite, idealisierte und phantastische Landschaft zu setzen, und läutete damit die Entstehung eines der beliebtesten Genres der Malerei in Cuzco im folgenden Jahrhundert ein. Zur gleichen Zeit schuf er die bekannte Serie des Tierkreises, die an den Wänden der Seitenschiffe der Kathedrale von Cuzco hängt. Heute sind nur noch neun der zwölf Tierkreiszeichen erhalten, entweder weil drei von ihnen zerstört wurden oder weil der Künstler vor der Fertigstellung des Auftrags starb. Es handelt sich um einen christianisierten Zyklus, bei dem jedes der Tierkreiszeichen mit einem Gleichnis Christi oder einer Geschichte aus dem Evangelium identifiziert wird. In diesem Fall folgt Quispe buchstäblich seinen flämischen grafischen Quellen, während er gleichzeitig ein europäisch inspiriertes malerisches Handwerk an den Tag legt, dessen hohes technisches Niveau im Kontext von Cuzco unübertroffen ist. Auf diese Weise schien der Künstler in seinem letzten Lebensabschnitt sein Werk den ästhetischen Vorlieben einer kultivierten, städtischen Kundschaft anzupassen, was die Aufmerksamkeit von Bischof Mollinedo und seinem Kathedralkapitel auf sich gezogen haben mag.

Schätzw. 7 500 - 12 000 EUR

Los 42 - Melchor Pérez Holguín (Cochabamba, Bolivia, 1660 - Potosí, 1732) - Melchor Pérez Holguín (Cochabamba, Bolivien, 1660 - Potosí, 1732) Der Heilige Thomas Öl auf Leinwand. 100 x 78,5 cm. Holguín war einer der bedeutendsten Maler des kolonialen Mestizo-Barocks, der so genannten Potosí-Schule, die sich in den Jahren 1700 - 1790 entwickelte. Charakteristisch waren der Tenebrismus und der Einfluss von Zurbarán. Holguins Werk wird von den zahlreichen Aufträgen für die Franziskaner und die Dominikaner dominiert. Geboren in Cochabamba, Bolivien, starb er in Potosí. Suzanne L. Stratton-Pruitt weist darauf hin, dass Holguín zwar die in Oberperu weit verbreitete und stilistisch sehr einflussreiche kuzkianische Kunst kannte, sein Werk aber sehr persönlich war und sich von diesem Stil etwas entfernt hat, obwohl es einige gemeinsame Elemente mit der Malerei von Cuzco aufgreift, wie z. B. die Blumenbordüren. Andere Elemente sind einzigartig für Holguín, wie die Hinzufügung von Goldbrokat in den Heiligenscheinen und die Spitzenverzierungen an den Mänteln und Dekolletés der Jungfrau Maria. Auch die Gelassenheit, die sich in den Gesichtern seiner Figuren widerspiegelt, ist charakteristisch für Holguín.

Schätzw. 65 000 - 80 000 EUR

Los 43 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. ‘Virgin and Child’. Oil on canvas. 60 x 54 cm. Wonderful and sweet representation of this cuzqueña maternity. The scene surrounded by a border of flowers and the Virgin and the child adorned by rosary in red coral.

Schätzw. 8 000 - 12 000 EUR

Los 44 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 18. Jahrhundert. "Allegorie von Afrika und Südamerika" Paar Ölgemälde auf Leinwand. Neu gefasst. Jeweils 136,5 x 88,5 cm. Die beiden Allegorien, die zwei der vier bekannten Kontinente zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert darstellen, bestechen durch ihre Detailgenauigkeit, ihre hervorragende Zeichnung, ihre fröhlichen Farben und ihre große Eleganz. Afrika wird von einer anonymen mexikanischen Palette dargestellt, die sie als Sibylle der Renaissance malt: Sie dominiert die Szene über einen schwarzen Sklaven, der ihr die feinsten Juwelen anbietet, als wäre sie eine Königin, neben einem Löwen, der ihre "Stärke" symbolisiert, und mit einem Korb, der "reichlich" mit Weizen und Lebensmitteln gefüllt ist (eine Allegorie des Glücks) und Reichtum darstellt. Amerika, mit Schiffen im Hintergrund, die neue Enklaven "entdecken", wird als Prinzessin mit einem Mantel aus den seltensten und reichsten tropischen Vogelfedern aus dem Amazonasparadies dargestellt, mit Kakao zu ihren Füßen, der Europa als reines "Gold" angeboten wird. Juwelen und Broschen schmücken ihren Kopfschmuck und ihre Gewänder, Brustpanzer, die fast perfekt bestickt scheinen, mit Edelsteinen besetzte Gürtel und nie zuvor gesehene Stoffe. Vor allem bei den weiblichen Darstellungen Afrikas ist die Charakterisierung der Gewänder mit seltsam lateinamerikanisch anmutenden geometrischen Verzierungen zu beobachten. Dieses Paar schöner Frauen, reich gekleidet und geschmückt, voller luxuriöser Details, spiegelt die Projektion zweier bekannter Kontinente wider und war möglicherweise Teil eines großen Entwurfs für eine majestätische Dekoration, die für Könige und prominente Personen geeignet war.

Schätzw. 24 000 - 35 000 EUR

Los 45 - Novohispanic School. Mexico or Peru. Late 17th century. - Novohispanische Schule. Mexiko oder Peru. Ende des 17. Jahrhunderts. "Heiliger Jakobus" Öl auf Leinwand. 122 x 84 cm.

Schätzw. 12 000 - 18 000 EUR

Los 46 - Antonio Arellano, (circa 1640, Ciudad de México - circa 1700) - Antonio Arellano, (ca. 1640, Ciudad de México - ca. 1700) Das Massaker an den Unschuldigen". Öl auf Tafel. Signed. 63 x 44,5 cm. Ein sehr berühmter und bekannter Autor in Mexiko-Stadt, dessen Gemälde in der umfangreichen Gemäldesammlung des Vizekönigreichs im Museum der Basilika von Guadalupe zu finden sind. In diesem Fall handelt es sich bei der "Abschlachtung der Unschuldigen" um eine Episode aus dem Matthäus-Evangelium (Mt 2,16-18), in der es um den angeblichen Befehl von Herodes, dem König von Judäa, geht, alle Kinder unter zwei Jahren in Bethlehem zu töten, nachdem er von der Geburt Jesu und dem Besuch der drei Weisen aus dem Morgenland, der Magier, erfahren hatte. In diesem Gemälde von Arellano sind die Ebenen und Hintergründe durch die Behandlung, die sie erhalten, völlig differenziert. Italienische Architekturen im Hintergrund in der Art von Piranesi und eine menschliche Szenographie im Vordergrund, die die Komposition beherrscht, mit der Solidität und Rundlichkeit der dargestellten menschlichen Figuren. Skizzenhafte Pinselstriche, die an Franckens Gesichter und Nasen erinnern, ohne jedoch die definierten Details außer Acht zu lassen. Eine Komposition, die von den Biegungen der Körper, den Falten und dem Fallen ihrer Kleidung geprägt ist, die dem Werk viel Dynamik verleihen. Geopferte Kinder "von zwei Jahren und darunter" aus Bethlehem und Umgebung, gemäß der Prophezeiung in Jer. 31, 15. Arellano hatte die höchsten Positionen in der Gilde der Maler und Vergolder in Mexiko-Stadt inne und wechselte sich mit Persönlichkeiten wie Cristóbal Villalpando und Juan Correa ab.

Schätzw. 40 000 - 60 000 EUR

Los 47 - Juan Pedro López (Caracas, Venezuela, 1724 - 1787) - Juan Pedro López (Caracas, Venezuela, 1724 - 1787) Unbefleckte Empfängnis mit Engeln Öl auf Leinwand. 90,5 x 56 cm. Obwohl Juan Pedro López zu Lebzeiten große Anerkennung genoss, wurde er nach seinem Tod aufgrund der zahlreichen politischen Turbulenzen, die das Land während des XIX. Incluso su obra se llegó a considerar anónima, pues se lo conocía simplemente como "el Caraqueño" o "el pintor de los niños cabezudos". Ab 1960 wurde López dank der Arbeit von Kritikern wie Alfredo Boulton und Carlos Federico Duarte als eine zentrale Figur der venezolanischen Kolonialkunst wiederentdeckt und aufgewertet und gilt als einer der wichtigsten Künstler der venezolanischen Kolonialzeit. Als Pintor, Escultor und Dorador beleuchtete er die lúgubre arte de su época con la luz y la gracia del rococó hispanoamericano, dem Stil, mit dem der Meister in Verbindung gebracht wird. Ein großer Teil der von Juan Pedro López geschaffenen Werke war religiöser Natur, entsprechend dem Geschmack und der Mode der Epoche. Juan Pedro López arbeitete mit einer Ikonografie, die die bis dahin üblichen dramatischen und trügerischen Aspekte ausklammerte, und konzentrierte sich auf die Realisierung von anmutigen und schönen Bildern, die für die Gläubigen ansprechender waren. Eine der ersten wichtigen Arbeiten, mit denen dieser Meister in die Bildkunst eintrat, war die 1752 erfolgte Anfertigung von drei Gemälden unter dem Titel "Historia de la vida de la Virgen", die auf Wunsch der Bruderschaft Nuestra Señora de Guía der Kirche San Mauricio im Hauptaltar ausgestellt werden sollten. Die Bedeutung dieses Gemäldes ist darauf zurückzuführen, dass in ihm "alle Formen, Szenen und Typen der Personen, die in seinem Werk vorkommen" (Duarte Carlos) vereint sind. Neben seinen Gemälden fertigte Juan Pedro López auch Kunstwerke an, und im Rahmen dieser beiden Tätigkeiten erhielt er Aufträge für die Restaurierung von Gemälden und Kunstwerken, für Retuschen, Änderungen, Ergänzungen und vieles mehr. Eine weitere kuriose Tätigkeit von López war die Bemalung von Samt, der bei kirchlichen Ritualen verwendet wurde und in dieser Zeit sehr beliebt war. El maestro Juan Pedro López fue uno de los pocos artistas en todo Latinoamérica que hacía sus propios marcos. Podemos comparar nuestro lienzo con el de la serie de Arcángeles en la Catedral de Caracas, con Nuestra señora del Carmen de la coleccion Cisneros y con la Virgen del Rosario de la coleccion Roberto García de la Concha.

Schätzw. 25 000 - 40 000 EUR

Los 48 - Viceregal School. Peru. 18th century. - Vikariatsschule. Peru. 18. Jahrhundert. Die Heilige Dreifaltigkeit krönt die Jungfrau Maria". Öl auf Leinwand. 159 x 122 cm. Dieses Werk spiegelt eine Sequenz innerhalb des Zyklus des Lebens der Jungfrau Maria aus dem Buch der Offenbarung wider. Drei identische Figuren, die Heilige Dreifaltigkeit, drei in einer Person mit der päpstlichen Mitra, krönen die Jungfrau Maria. Auf diese Weise kann Maria als trinitarische Figur gedeutet werden: wie der Sohn als Jungfrau, indem sie vom Vater geliebt wird und sich von ihm lieben lässt; wie der Vater als Quelle der lebensspendenden Liebe in ihrer Rolle als Mutter; wie der Heilige Geist als Gattin, als Band der Liebe zwischen Vater und Sohn und als Öffnung für das Geheimnis Gottes auf Erden. Die Jungfrau als unbefleckte Maria wird in einem Wolkenmeer in den Himmel aufgenommen und vom heiligen Didacus von Alcala, einem Franziskaner, mit dem Rosenwunder und vom heiligen Nikolaus von Tolentino, einem Augustiner, mit seinen Attributen - den Sternen auf seinem Habit und den Rebhühnern auf einem kleinen Teller - betrachtet.

Schätzw. 18 000 - 30 000 EUR

Los 49 - Baltasar de Figueroa the Elder (Seville, circa 1550 - Bogota, Colombia, early 17th century) - Baltasar de Figueroa der Ältere (Sevilla, um 1550 - Bogota, Kolumbien, Anfang des 17. Jahrhunderts) Unsere Liebe Frau vom Rosenkranz mit Philipp dem Zweiten und Karl, dem Prinzen von Asturien als Stifter". Öl auf Leinwand on tablex Mit wichtigen geschnitzt und vergoldet Zeitraum Holzrahmen. 113 x 71,5 cm. Wie der Kunsthistoriker Manuel Salvador Sánchez Aparicio in seiner historiografischen Betrachtung dieses Künstlers feststellt, ist es erstaunlich, dass Baltasar de Figueroa der Ältere, der so genannt wird, um ihn von seinem Enkel zu unterscheiden, "eines der großen Rätsel in der Geschichtsschreibung der kolumbianischen Malerei bleibt, trotz der Bedeutung des Handwerkers, da er in der Tat eine Dynastie von Malern begründete, die bis weit ins achtzehnte Jahrhundert hinein blühte." Wenn wir die Kunstwerke der Figueroa-Dynastie studieren, können wir einen ganz besonderen und einzigartigen Stil unter ihnen erkennen, und fast zwangsläufig oder instinktiv sehen wir uns gezwungen, die Werke miteinander in Beziehung zu setzen, um schließlich zu verstehen, dass diese Familie einen Stil entwickelt hat, dem seitdem viele gefolgt sind. Es ist klar, dass sie sich innerhalb dieser Familie gegenseitig beeinflussten und zusammenarbeiteten. Die bedeutende Generationenpräsenz der Figueroas hielt während des gesamten 16., 17. und 18. Jahrhunderts an und positionierte sie an der Spitze der Malerei in Neugranada. Das hier untersuchte Gemälde stellt die Rosenkranzmadonna und das Christuskind dar, mit der Besonderheit, dass ihnen König Philipp II. und Prinz Carlos von Österreich als Stifter zu Füßen liegen. Beide sind in die typisch strenge und puritanische, dunkle Mode gekleidet, die König Philipp II. aufgrund der Entdeckung des Holzes in Amerika zum Färben von Kleidungsstücken propagierte, ein Farbstoff, der von der Krone kommerzialisiert werden sollte. Dieses Werk ist das einzige in Lateinamerika entstandene Bilddokument, das den König und den Prinzen gemeinsam zeigt. Es ist auch das einzige bekannte Bild von Prinz Carlos von Österreich, das bisher in Amerika hergestellt wurde. Das längliche Gesicht, die ausgeprägten Gesichtszüge, die markanten Augenbrauen, der Bart und der Schnurrbart unseres Spenders sind zweifellos mit dem Porträt Philipps II. identisch, das sich im Nationalen Historischen Museum von Chile befindet, so dass die Verbindung zwischen diesen Werken offensichtlich ist. Wir könnten sogar annehmen, dass sie Zugang zu einem Druck hatten. Das Porträt des spanischen Königs ist auch mit anderen Versionen von Sánchez Coello und Pantoja de la Cruz vergleichbar, auf denen er in einem höheren Alter mit weißem Haar dargestellt ist. In Pantoja de la Cruz' Stich "Tod von Carlos von Österreich" ist der Prinz ähnlich wie auf diesem Gemälde als junger Mann von 21 Jahren dargestellt, ein sehr ähnliches Alter wie das von Carlos, als er hier porträtiert wurde, was darauf hindeutet, dass Baltasar de Figueroa es wahrscheinlich in den späten 1560er Jahren gemalt hat. Wir heben die Bedeutung dieses Werks nicht nur hervor, weil es von einem der größten Künstler des Vizekönigreichs gemalt wurde, der das Talent, die Initiative und die Ausdauer besaß, eine Schule zu gründen, die über die Zeit Bestand hatte, sondern auch, weil es ein unschätzbares historisches und bildliches Zeugnis des Einflusses von Philipp II. und seiner Mode ist. Dieses Werk macht uns zu direkten Teilnehmern an einer Geschichte von Synergien und Synkretismen, die nicht nur zur Schaffung lateinamerikanischer Kunstwerke unter dem Einfluss europäischer Techniken und Themen führte, sondern auch zur Amerikanisierung der alten Welt, wovon unser Werk ein materieller Zeuge ist. Bibliographie der Referenzen: - Sánchez Aparicio, Manuel Salvador. (2012). "Baltasar de Figueroa "el viejo" Revisión historiográfica, aportaciones y rectificaciones relevantes en torno a su biografía y procedencia sevillana. "Ensayos. Historia y teoría del arte, Bogotá, D. C., Universidad Nacional de Colombia,num. 22, pp. 70-86.

Schätzw. 70 000 - 80 000 EUR

Los 50 - Novohispanic School. Mexico. 17th century. Circle of Cristóbal de Villalpando (Mexico City?, 1649 - Mexico, 1714) - Novohispanische Schule. Mexiko. 17. Jahrhundert. Kreis von Cristóbal de Villalpando (Mexiko-Stadt?, 1649 - Mexiko, 1714) Öl auf Leinwand, im originalen Zedernholzrahmen. 158,5 x 223,5 cm. Beeindruckendes Ölgemälde, das die in Johannes 18,2 und Lukas 22,39 beschriebene Szene von Gethsemane wiedergibt, jenem Garten auf dem Ölberg, in den sich Jesus oft zum Beten zurückzog. Im Aramäischen bedeutet "Gethsemane" "Olivenpresse" oder "Ölpresse", mit der Besonderheit, dass das Öl, das beim ersten Pressen der Oliven in der Presse herauskommt, rot ist, wie Blut. Nach dem Bericht des Lukas "ging Jesus einen Steinwurf von ihnen weg, kniete nieder, betete und sagte: Vater, wenn du willst, nimm diesen Kelch von mir; aber nicht mein Wille geschehe, sondern der deine. .... und war voller Angst und schwitzte wie dicke Blutstropfen...". Auf der rechten Seite sehen wir Petrus (von den drei Anwesenden; Jakobus und Johannes sind die beiden anderen), der eingeschlafen ist, während Jesus betete. Und im Hintergrund die Stadt Jerusalem, die sich an dem Ort befindet, der für das Leben Jesu, seinen Tod, seine Kreuzigung und seine Auferstehung von zentraler Bedeutung ist. Cristóbal de Villalpando ist zusammen mit Juan Correa der bedeutendste Künstler Neuspaniens im letzten Viertel des 17. Er schuf zwei der wichtigsten künstlerischen Werke: die großen allegorischen Gemälde der Kathedrale von Mexiko-Stadt und der Kathedrale von Puebla, wo er sogar die Kuppel bemalte. Sein Stil ist sehr persönlich; er kombiniert eine saure und schillernde Farbgebung mit fast metallischen Tönen mit sehr nervösen Falten in der Kleidung und Fleischtönen mit bläulichen Reflexen, alles in einem manieristischen Geist, der uns an nordeuropäische Künstler erinnern könnte. Seine Kompositionen sind von sehr eklektischen Quellen inspiriert, die seiner ikonografischen Intention entsprechen: Drucke von Rubens und barocken Vorbildern der Halbinsel wie Carreño de Miranda und Francisco Rizzi, von dem er sogar eine berühmte Unbefleckte Empfängnis übernommen hat und von dem er auch die saftige und lebhafte Farbgebung übernommen hat. Es stellt einige Flecken auf der Rückseite aufgrund kleiner Restaurationen, aber es ist in seiner ursprünglichen Leinwand

Schätzw. 24 000 - 35 000 EUR

Los 51 - Nicolás Enríquez (Mexico, 1704 - 1790) - Nicolás Enríquez (Mexiko, 1704 - 1790) "Pietá" Öl auf Kupfer. Signiert: "Enriq. Fac." 42 x 32,5 cm. Nicolás Enríquez war Mitglied der ersten Malerakademie, die um 1722 von den Brüdern Nicolás und Juan Rodríguez Juárez in Mexiko gegründet wurde, und er gilt als einer der besten Kupfermaler der damaligen Zeit. Das Metropolitan Museum of New York erwarb 2014 eine Serie von fünf Ölgemälden auf Kupfer des mexikanischen Malers Nicolás Enríquez, um seine Sammlung neuspanischer Kunst zu bereichern. Diese Serie wurde 1773 von dem baskischen Kaufmann Juan Bautista Echeverría bei Enríquez in Auftrag gegeben.

Schätzw. 6 000 - 9 000 EUR

Los 52 - Novohispanic School. Guatemala. 18th century. - Novohispanische Schule. Guatemala. 18. Jahrhundert. "Heiliger Josef mit Kind" Imposante Skulptur aus geschnitztem und polychromiertem Holz mit silbernen Ergänzungen wie dem Stab, den der heilige Josef trägt, und den Heiligenscheinen der beiden Figuren. Die Skulptur ruht auf ihrem originalen geschnitzten und vergoldeten Holzsockel. Da es sich um eine bekleidete Figur handelt, sind die Gesichter, einschließlich des Halses, und die Gliedmaßen des Heiligen Josef und des Kindes polychromiert. In diesem besonderen Fall ist die Qualität der Polychromie der Fleischtöne der porzellanartigen Gesichter besonders herausragend. 80 x 32 x 20 cm.

Schätzw. 7 000 - 9 000 EUR

Los 53 - Attributed to Bernardo Legarda (Quito circa 1700 - 1773) - Attributed to Bernardo Legarda (Quito circa 1700 - 1773) ‘Saint Joseph and Virgin Mary’. Pair of carved and polychrome wood sculptures with vitreous eyes. Belonging to a nativity scene. 28 x 16 x 10 cm. and 30 x 16 x 12 cm. Wonderful example of the baroque sculpture from Quito. The sculptor presents us with the Virgin and Saint Joseph humanized and with a serene expression full of spirituality. Bernardo Legada, sculptor and painter of enormous talent, stood out as one of the most important artists of the Viceroyalty of Ecuador. Like other indigenous art imagers, he dedicated himself solely to sacred art. Among his most important works is the main altarpiece of the Church of La Merced in Quito, as well as the altarpiece of the Temple of the Jesuits. Wonderful treatment of the flesh tones, with the characteristic polychrome of the faces that looks like porcelain. The decoration of the habit is a delightful brush composition of polychrome flowers and fine gold latticework. Some of Legarda's important works are, for example, the Calvary found in the Convent of Santo Domingo in Quito, the Virgin of Quito which is in the main altar of the church of San Francisco and is the only work that has the signature of the author, Our Lady of the Assumption of Popayán, preserved in the Cathedral of Popayán, Colombia, a San Juan de Dios of the Convent of Santo Domingo in Quito, or the Calvary of the Chapel of Cantuña, in Quito. He is also the architect of the altarpieces Retablo Mayores de la Iglesia del Monasterio del Carmen Bajo and de la Iglesia la Merced both in Quito, or of the Retablo del Presbiterio de la Iglesia la Compañía. Bibliography of reference: - "Escuela quiteña: principales exponentes y su legado en el arte ecuatoriano. Plan de difusión cultural”. Estupiñán Ordóñez Doris Amelia. P. 187, nº 48.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 54 - Wonderful silver and tortoiseshell chest. Mexico. 17th - 18th century. - Wunderschöne Truhe aus Silber und Schildpatt. Mexiko. 17. bis 18. Jahrhundert. 11,5 x 17,5 x 9 cm. Der Originalschlüssel lässt sich nicht mehr drehen.

Schätzw. 5 500 - 7 000 EUR

Los 55 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. Magnificent and very rare set of six reliefs in gilded and embossed silver, depicting the figures of six harquebusier archangels, to the smallest detail. Mounted on an imposing ebony veneered wooden frame. Total measurements: 75 x 85 cm.

Schätzw. 9 000 - 12 000 EUR

Los 56 - Molded, cast and engraved silver box. Viceroyalty of Peru, Sierra or Altiplano. 17th century. Circa 1600-1625. - Geformte, gegossene und gravierte Silberdose. Vizekönigreich Peru, Sierra oder Altiplano. 17. Jahrhundert. Jh. Etwa 1600-1625. 22 x 58 x 24,5 cm. 3.600 gr. Sehr interessante Box, weil seine Verwendung ist zivil und nicht religiös, Silber für religiöse Zwecke ist häufiger zu finden. In ihrem Bericht fragt sich Dr. Esteras nach dem Verwendungszweck, weist aber abschließend darauf hin, dass es sich um ein außergewöhnliches Stück handelt: "Was könnte darin aufbewahrt werden? Aufgrund seiner Abmessungen und seines Gewichts ist es undenkbar, dass es sich um eine Reisekiste handelt, die für den Transport von Habseligkeiten bestimmt war (unter anderem, weil sie keine seitlichen Griffe hat, um den Transport zu erleichtern), sondern wir denken, dass sie als Truhe zur Aufbewahrung von etwas sehr Wertvollem gedacht war, das weder Schmuck noch Dokumente war, sondern vielleicht als Behälter für ein (damals sehr geschätztes) Seidengewand oder als Hutschachtel? Man wird auf künftige und neue Daten warten müssen, um feststellen zu können, ob dies wirklich seine wahre Bestimmung war oder ob das Kästchen einfach keine besondere Funktion hatte, die seinem Besitzer die Freiheit der Nutzung gab. Zweifellos handelt es sich bei diesem Kästchen um ein außergewöhnliches Stück, das in seiner Gattung und aufgrund der oben erwähnten strukturellen und dekorativen Merkmale einzigartig ist. Vor allem aber zeichnet es sich durch seinen guten Erhaltungszustand aus, wenn man bedenkt, dass es nur wenige Beispiele für Silbergegenstände für den profanen Gebrauch dieses Alters und peruanischen Ursprungs gibt. Kurzum, ein Luxusobjekt, das dem Geschmack der Aussteuer der vizeköniglichen Aristokratie entspricht.

Schätzw. 20 000 - 24 000 EUR

Los 57 - Bernardo de Legarda (Quito, Ecuador, circa 1770 - 1773) - Bernardo de Legarda (Quito, Ecuador, ca. 1770 - 1773) Das Martyrium der Heiligen Barbara". Geschnitztes, polychromiertes und vergoldetes Holzrelief. 35,5 x 27 x 3,5 cm. Wunderschönes Relief, auf dem Legarda in großartiger Weise den dramatischen Moment schildert, in dem die Heilige gerade enthauptet werden soll, während ein Blitz auf ihren Henker niedergeht und ihn tötet. Neben ihr befindet sich der Turm, in den ihr Vater Dioskurus sie einsperren ließ, um sie vor der Belästigung durch Freier zu schützen. Bevor sie den Turm betrat, taufte sich die Heilige in einem Teich. Sie entkam, wurde jedoch verhaftet und vor den Richter Martinianus gebracht, der sie zum Tode verurteilte. In diesem Relief hat der Turm der Überlieferung nach drei Fenster, um an die Worte der Heiligen zu erinnern, die sagte, dass das Licht durch die drei Fenster des Vaters, des Sohnes und des Heiligen Geistes in sie eingedrungen sei. Das Relief ist ein Beispiel für absolute Meisterschaft und Virtuosität in der Polychromie. Die Figuren sind in reiche und kunstvolle Gewänder in lebhaften Farben gekleidet, mit polychromen Blumenpinselstrichen, die mit in Gold gemalten Motiven angereichert sind. Sie ist bis ins kleinste Detail verziert. Es wird in seinem originalen geschnitzten, hölzernen, nischenartigen Rahmen präsentiert, dessen Innenkante sogar mit einer Blumenbordüre verziert ist. Bernardo Legada, ein äußerst talentierter Bildhauer und Maler, gilt als einer der bedeutendsten Künstler des Vizekönigreichs Ecuador. Der Umfang, die Vielfalt und die ästhetische Qualität seines Werks sind in der gesamten Zeit des Vizekönigreichs beispiellos. Legarda festigt die Gültigkeit der Schule von Quito als differenzierten Stil und ist gleichzeitig ein Pionier in der Vision des Künstlers als Individuum. Wenn wir von diesem Meister sprechen, denken wir gewöhnlich nur an seine freistehenden Skulpturen, aber Legarda ist vielleicht einer der wenigen Künstler des südamerikanischen Raums, der die multidisziplinäre Vielseitigkeit der ersten Künstler geerbt hat, die nach Lateinamerika kamen oder sich dort entwickelten, wie der Meister Bernardo Bitti, eine der drei Säulen der vikarischen Kunst in Südamerika am Ende des XVI. Er war ein hervorragender und feiner Bildhauer, ein produktiver Bildermacher, ein geschickter Maler, ein sorgfältiger Vergolder, Silberschmied und Spiegelmacher. Seine große und wohlhabende Werkstatt in der Nähe von San Francisco war ein Zentrum großer Aktivität. In den verschiedenen Kirchen der ecuadorianischen Hauptstadt sind zahlreiche Kunstwerke des Meisters Bernardo de Legarda zu sehen, die von seinem Genie zeugen. Zu seinen wichtigsten Werken gehören das Hauptaltarbild der Kirche La Merced in Quito sowie das Altarbild des Jesuitentempels. Dieses Relief ist besonders bemerkenswert, weil es heute nur sehr wenige Kunstwerke von Legarda auf dem Markt gibt, und noch weniger mit dieser Art von Reliefschnitzerei. Seine geringe Größe und seine Qualität sowie die prächtige Polychromie machen dieses Relief zu einem begehrten Schmuckstück, das durchaus ein Museumsstück sein könnte. Die süßen Gesichtsausdrücke der Figuren, die die Szene, in der der Heiligen Barbara die Kehle durchgeschnitten werden soll, nicht zu bemerken scheinen, sind typisch für Legarda. Diese Art des Ausdrucks und die idealisierten Gesichter, die an Porzellanpuppen erinnern, finden sich immer wieder in seinen Skulpturen. Es genügt, einige seiner Werke zu betrachten, um festzustellen, dass er zweifellos der große Meister der freundlichen, heiteren und süßen Gesichter war. Wir nehmen zwei Werke des Autors als typologische Referenzen für seine Reliefschnitzerei. Einerseits ein in einer eigenen Nische konzipiertes Reliefensemble, das die apokalyptische unbefleckte Jungfrau mit einem Chor von Engeln darstellt und sich im Museum des BEAEP-Kulturzentrums befindet. Zum anderen eine größere Reliefskulptur mit der Darstellung der Himmelfahrt Mariens in der Kirche San Francisco in Quito, Ecuador. Bei der Analyse der Schnitzerei haben wir die Kleidung, die Polychromie und die lieblichen Gesichtszüge mit denen des Erzengels Gabriel in derselben Kirche in Quito verglichen, und auch mit dem Erzengel Michael in der Primatskathedrale von Quito, dessen liebliches Gesicht besonders an das der Heiligen Barbara erinnert, die wir hier haben.

Schätzw. 35 000 - 60 000 EUR

Los 58 - Large, curved lidded wooden chest with inlay and sgraffito decoration using the zulaque technique and wrought iron fittings. Novo-Hispanic work. Villa Alta de Oaxaca, Mexico. 17th century. - Große, gewölbte Holztruhe mit Deckel, Intarsien- und Sgraffitodekor in Zulaque-Technik und schmiedeeisernen Beschlägen. Novo-hispanisches Werk. Villa Alta de Oaxaca, Mexiko. 17. Jahrhundert. 50 x 85 x 43 cm. Diese Truhe ist einzigartig, weil sich ihr gesamtes Dekor auf die Kulturen der Vorfahren vor der Ankunft der Spanier konzentriert und auf die Azteken zurückgeht. Es finden sich Elemente der Fauna und Schriftzeichen, die nicht mit denen von Stichen aus Europa verwandt sind. Diese Besonderheit deutet unserer Meinung nach auf die Absicht hin, diese Herkunft und Kultur mit Stolz zu präsentieren, indem auf die übliche europäisch inspirierte Dekoration verzichtet wird. Daraus leiten wir ab, dass es von einer wichtigen Persönlichkeit der oaxacaischen Gesellschaft in Auftrag gegeben worden sein könnte. Auf dem gewölbten Deckel befindet sich in der Mitte ein rosettenartiges Motiv aus Federn und Blättern. Oberhalb und unterhalb der Rosette ist ein Kopf mit einer gefiederten Krone zu sehen, der unserer Meinung nach Moctezuma darstellen könnte; beim Schließen des Kreises wiederholt sich dasselbe Motiv eines Gesichts mit einem seltsamen Kopfschmuck. Auf beiden Seiten dieser zentralen Szene befindet sich eine kunstvolle Komposition aus Blumen und Rosetten. Der obere Rand des Deckels ist mit einem Rand versehen, der mit dem einer der beiden oaxaca-Truhen identisch ist, die in Saragossa im Museum Alma Mater aufbewahrt werden. Die Vorderseite ist prächtig verziert und weist ebenfalls einen eindeutig indigenen Charakter auf: Sie zeigt auf beiden Seiten einen wahrscheinlich doppelköpfigen Quetzal auf einem Sockel. Paz Aguiló weist auf eine ähnliche Truhe aus Saragossa hin, die auf dem Deckel mit einem Paar adlerähnlicher Vögel verziert ist: Es könnte sich um ein Paar Quetzale handeln, die im heraldischen Stil angeordnet sind, in Anlehnung an die Adler in europäischen Dekorationen. Diese Verwandlung von Tier- und Pflanzenelementen, die europäischen Stichen entnommen wurden, in etwas, das in ihrer Umgebung heimisch ist, macht die Möbel aus Oaxaca zu einem echten Ausdruck des neuspanischen Stils". Im mittleren Teil der Vorderseite befinden sich die Figuren zweier Eingeborener mit einem Speer auf dem Rücken eines Tieres, das wie ein Pferd mit Katzenkopf aussieht, sowie zwei menschliche Figuren, die eine gewundene Schlange fangen. In der Mitte schließlich, unter dem prächtigen Eisenbeschlag, befindet sich eine Dame mit einer Blume, die den Frühling symbolisieren könnte. Beide Seiten zeigen das gleiche Motiv eines Kriegers mit Schild und Schwert, der sich gegen zwei Löwen verteidigt und sie tötet. Die Verzierung dieser Truhe weist Ähnlichkeiten mit Objekten lokaler Gold- und Silberschmiedekunst auf, die in antiken Gräbern gefunden wurden, wie z. B. die mixtekischen Pektoralstücke aus Gold und Silber oder andere, die mit der Verzierung dieser Truhe eng verwandt sind: Mesoamerikanischer Schmuck, der aus dem Grab 7 in Monte Albán in Oaxaca selbst geborgen wurde. Diese Art von Möbeln war ein deutliches Beispiel für das soziale Prestige ihrer Besitzer, wie Gustavo Curiel feststellt, denn Beispiele für Möbel aus Oaxaca wurden in den Inventaren adliger Familien gefunden. Im Gegensatz zu dieser Truhe war diese Art von Möbeln eher für den Export bestimmt und daher nach dem Geschmack der europäischen Kundschaft dekoriert, die allegorische, mythologische, höfische, palastartige oder landschaftliche Szenen aus europäischen Büchern und Stichen bevorzugte. Wie bereits erwähnt, spiegelt sich dieser Einfluss nicht in dem Geist wider, der die Kreation dieser großen Truhe in der Auktion inspirierte. Stücke von gleicher Bedeutung wie diese, wenn auch ohne die Besonderheit der traditionellen aztekischen Dekoration, sind in verschiedenen Museen zu finden. Ein ähnliches Exemplar befindet sich in der Sammlung des Franz-Mayer-Museums in Mexiko; ein prächtiger Schreibtisch ist Teil der Sammlung des Archäologischen Nationalmuseums in Madrid; die prächtige Truhe aus der Villa Alta der Markgrafen von Mancera aus der Sammlung Gerstenmaier; außerdem die beiden erwähnten Truhen im Museum Alma Mater in Saragossa. Die spezifische und einzigartige oaxacaische Dekorationstechnik wird von Herrn Andrés Gutiérrez Usillos in "El baúl de taracea de Villa Alta (Oaxaca, Nueva España) de los marqueses de Mancera en la colección Gerstenmaier. Una obra invitada en "contexto" en el Museo de América" (Die Intarsientruhe aus Villa Alta (Oaxaca, Neuspanien) der Markgrafen von Mancera in der Sammlung Gerstenmaier. Ein Gastbeitrag im "Kontext" im Museum of the Americas): Einer der interessantesten Aspekte, die diese Produktion aus Villa Alta im Vergleich zu anderen ähnlichen Tischlerarbeiten charakterisieren und individualisieren, ist die Verwendung von Sgraffito oder die Aushöhlung der Konturen, Falten, Züge und Schatten der Muster und Figuren und deren Füllung mit einer schwarzen Paste, die zulaque oder zumaque genannt wird, was ein sehr ähnliches Erscheinungsbild wie Holzschnittdrucke ergeben würde [....] die Technik der Holzintarsien und der mit schwarzer Paste gefüllten Einschnitte oder Sgraffiti, die die Produktion des Vizekönigreichs Villa Alta in Oaxaca, Mexiko, kennzeichnen. Interessant ist auch die Lektüre von Aguiló, der erklärt, dass es sich bei dieser Technik um eine "geprägte Zulaque - eine bituminöse Paste aus

Schätzw. 35 000 - 45 000 EUR

Los 59 - Possibly Laca de los Galgos workshop (Patzcuaro, Mexico, 18th century) - Möglicherweise Werkstatt Laca de los Galgos (Patzcuaro, Mexiko, 18. Jahrhundert) Vierblättriger Paravent. Offene Maße: 215 x 212 cm. Geschlossene Maße: 215 x 53 cm. Die Paravents von Neuspanien sind eine Mischung aus Absichten und verschiedenen Orten. Sie erinnern in ihrer Form an die orientalischen Möbel, die sie darstellen, wenn man bedenkt, dass sie Teil der üppigen Ausstattung der Paläste und Fürsten des Orients waren, und dass sie durch ihre Form und Verwendung dazu bestimmt waren, bestimmte Räume zu reservieren, sowohl diejenigen, die dem Dienst der Audienzen und Höfe gewidmet waren, als auch die Räume, die für die Privatsphäre und die tägliche Ruhe eingerichtet waren. Während ihres langen Bestehens wurden die Oberflächen der Paravents mit allen möglichen figurativen Motiven bemalt: von Geschichten und Legenden bis hin zu naturalistischen Landschaften mit Pferden, Vögeln und Blumen, aber es gab auch solche, die dazu bestimmt waren, exquisite kalligraphische Striche zu zeigen. Für die Bemalung wurden die unterschiedlichsten Materialien verwendet: Einige bedeckten ihre Oberflächen mit verschiedenen Edelmetallen, Schildpatt, Juwelen, feinen Seidenstoffen oder einer Vielzahl von Papieren, je nach dem Glanz, den jeder Herrscher und jeder Palast zur Schau stellen wollte. Dieser prächtige, aus vier Blättern bestehende Paravent steht in engem Zusammenhang mit der künstlerischen Herstellung von Lackelementen in der neuhispanischen Welt, und zwar in diesem Fall mit einer Werkstatt, die möglicherweise in Patzcuaro angesiedelt und als Taller de los Galgos bekannt war. Die Lacktechnik in ganz Amerika entwickelte sich durch die Kombination vorspanischer Lacktechniken mit den Techniken und dekorativen Motiven, die häufig im Orient hergestellt wurden, und führte zu wunderbaren Kreationen wie der hier vorgestellten. Für das ungeübte Auge ist die dekorative visuelle Aufladung unserer Leinwand mit orientalischen Einflüssen offensichtlich, die auch in den fünf bisher bekannten Beispielen von Bateas aus dieser Werkstatt zu finden ist. In ihnen findet sich die übertriebene Fülle an pflanzlichen Dekorelementen aus Blumen und Früchten wie dem Granatapfel, die sich wie in unserem Paravent immer wiederholen. Es wäre nicht das erste Mal, dass eine Werkstatt, die sich auf eine bestimmte Art von Artikeln spezialisiert hat, beginnt, andere in derselben Technik herzustellen. Dies ist insbesondere bei der Werkstatt Cerda der Fall, die sich auf Tabletts spezialisiert hat, wovon eine fantastische lackierte Kommode im Metropolitan Museum und ein von ihm signiertes Gemälde einer Jungfrau zeugen.

Schätzw. 45 000 - 60 000 EUR

Los 60 - Novohispanic School. Mexico. 18th Century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 18. Jahrhundert. "Fahnenträger in Löwenform" Paar geschnitzte und teilweise vergoldete Holzskulpturen. 150 x 74 x 55 cm und 145,5 x 74 x 54 cm. Sehr seltenes und imposantes geschnitztes und teilweise vergoldetes Holzskulpturenpaar. Diese Figuren waren dazu bestimmt, bei Empfängen für Würdenträger aus anderen Ländern zu beiden Seiten des Throns von Königen oder Vizekönigen aufgestellt zu werden, und auf jedem Löwen wurde die Flagge des jeweiligen Landes platziert.

Schätzw. 25 000 - 30 000 EUR

Los 61 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Vikariatsschule. Cuzco. Peru. 18. Jahrhundert. "Madonna mit Kind" Öl auf Leinwand. 36 x 26 cm. Maße des Rahmens: 79 x 50 cm.

Schätzw. 5 500 - 6 500 EUR

Los 62 - Circle of Angelino Medoro (Rome, circa 1565 - Seville, 1632) - Kreis von Angelino Medoro (Rom, um 1565 - Sevilla, 1632) Der heilige Erzengel Michael". Öl auf Leinwand. 120 x 101 cm.

Schätzw. 18 000 - 35 000 EUR

Los 63 - Novohispanic School. Mexico. 17th Century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 17. Jahrhundert. Sankt Michael der Erzengel Öl auf Leinwand. 144 x 89,5 cm. Begleitet von einem geschnitzten, vergoldeten und polychromierten Holzrahmen aus der Zeit.

Schätzw. 7 500 - 15 000 EUR

Los 64 - Juan Rodríguez Juárez (Mexico City, 1675 - 1728) - Juan Rodríguez Juárez (Mexiko-Stadt, 1675 - 1728) 'Pietà' Öl auf Kupfer. Um 1702. 26,5 x 19,8 cm. Juan Rodríguez Juárez kultivierte das Genre des Retratisten und zeichnete sich durch seine präzise Zeichnung, die Festigkeit der Figuren und die Behandlung der Strähnen aus. Juan Rodríguez Juárez, der Sohn von Antonio Rodríguez und Nichte von José Juárez, dem großen Vertreter des neuen spanischen Barocks, begann sehr jung mit der Malerei und war ein Zeitgenosse von Cristóbal de Villalpando. Er studierte bei José de Padilla, mit dem er in seinem Atelier zusammenarbeitete. Zusammen mit seinem Bruder Nicolás war er der Wegbereiter des großen Wandels in den Themen, Modellen und der Bildsprache, der sich zwischen den Jahren XVII und XVIII vollzog und der die ersten Kunstakademien in Neuspanien begründete. Además de ser un gran retratista, creó numerosas obras religiosas. Das Museo Nacional de Arte bewahrt wichtige Werke seines Autors auf, darunter sein Autorretrato und "La virgen del Carmen con santa Teresa y san Juan de la Cruz". In diesem letzten Werk, einem Ölgemälde aus dem Jahr 1708, ehrt Rodríguez Juárez zwei Reformheilige der Karmeliterinnen: die heilige Teresa von Ávila, Kirchenlehrerin und Begründerin der Karmeliterinnen, und den heiligen Juan de la Cruz, Lehrer und Dichter, Autor des berühmten Cántico espiritual. También destacamos el trabajo realizado para el Altar de los Reyes en la Catedral Metropolitana con los temas de La asunción de la Virgen y La adoración de los Reyes. Das von uns präsentierte Kupfer ist sowohl in der Zeichnung als auch in der Farbgebung der ausgewählten Farbpalette von außerordentlicher Qualität und ist in dieser Hinsicht dem Kupfer des Altars von Christus, das derzeit im Metropolitan Museum of Art in New York ausgestellt ist, sehr ähnlich und vergleichbar. Beide Kompositionen, die aus Flammenbildern stammen, zeigen die leuchtende Farbe und die kräftige Modellierung, die für die erste Phase seines Schaffens charakteristisch sind. Zweifellos stammen sie von der gleichen Hand und könnten Teil der gleichen Serie sein, da sie sich in verschiedenen Bereichen ergänzen. Es ist nicht nur die typische Farbpalette des Künstlers, die sie miteinander verbindet, sondern auch die Nadelkissen, die Verwendung von Ocker in Brokken und Aureolen, die Nelken und die Anatomie, die zur Definition des menschlichen Körpers verwendet wird, sind in beiden Werken nahezu identisch.

Schätzw. 45 000 - 70 000 EUR

Los 65 - Workshop of Cipriano de Toledo and Gutiérrez (active in Cuzco, Peru, 1761 - 1775) - Werkstatt von Cipriano de Toledo und Gutiérrez (tätig in Cuzco, Peru, 1761 - 1775) "Die Verherrlichung Unserer Lieben Frau vom Berge Karmel und der Seelen im Fegefeuer, unter Engeln, Erzengeln und Heiligen" Öl auf Leinwand. Relined. 98 x 72 cm. Das hier vorgestellte Werk spiegelt die ikonografische und devotionale Verbindung zwischen der Jungfrau vom Karmel und dem Fegefeuer in der peruanischen Kolonialkunst wider. In dieser Gesellschaft herrscht eine ständige Sorge um die Rettung der Seele. Von Bedeutung ist auch die Bedeutung des Skapuliers, eines vereinfachten Karmelitenhabits, das aufgrund der darin enthaltenen marianischen Verheißungen tief in der kollektiven Bilderwelt verwurzelt war, und wie dies die Transzendenz der Verehrung der Jungfrau vom Berge Karmel ermöglichte. In der Mitte des Bildes wird die Jungfrau Maria von zwei Engeln gekrönt. In unmittelbarer Nähe sind Gabriel, Michael, Raphael und Uriel, vier der sieben Erzengel, abgebildet. Der heilige Josef steht links und Johannes der Täufer rechts von Maria, die als Fürsprecher die Himmelspforte öffnen. Auf der linken Seite befindet sich in einem falschen Oval eine Kartusche mit einer Schrift, die heute fast unleserlich ist, aber dem Gemälde einen Sinn verleiht. Wir lesen in der Kartusche: "A su Ilustrísima[...] María Santísima, Año de 1784 (?), año de la consagración de la Virgen del Carmen con el milagro que me libró de la enfermedad del demonio al que mató de [...] en la localidad de Sulco, Distrito de [...] catqa. ~ Cuzco 1784 ~". (An Ihre Erlauchte [...] Heiligste Maria, Jahr 1784 (?), Jahr der Weihe der Jungfrau von Carmen mit dem Wunder, das mich von der Krankheit des Dämons befreite, der [...] in der Stadt Sulco, Distrikt von [...] catqa. ~ Cuzco 1784 ~). Rechts von der Jungfrau, zu ihren Füßen, befinden sich die seligen Seelen des Fegefeuers. Kurz gesagt, dieses Gemälde stellt den Schutz der Seelen und die Dankbarkeit für ein Wunder dar, ein Ex-voto, das die ikonografische und andächtige Verbindung mit der peruanischen Gesellschaft des Vizekönigtums jener Zeit deutlich widerspiegelt. Über den Maler Cipriano de Toledo y Gutiérrez sind nur wenige Informationen überliefert. Wir wissen, dass er seine Karriere im Umfeld der peruanischen Stadt Cuzco entwickelte, mit einem Stil, der zu Kompositionen neigte, die in vielen Fällen ikonographisch komplex waren, mit der Verwendung einer sehr deutlichen Zeichnung, die sich in den Konturen der Figuren widerspiegelte. Er war mindestens zwischen 1761 und 1775 tätig, was wir durch die Datierung einiger seiner dokumentierten Werke wissen, und er war der engste Schüler von Marcos Zapata, der ihn ablöste, um das Werk in San Blas zu vollenden. Wir können die Leinwand eng mit der Madonna der Barmherzigkeit von Quito in der Sammlung Carl und Marilynn Thoma und der Madonna von Characato im Blanton Museum in Verbindung bringen. Die Anatomie der Figuren und ihrer Kleidung, die Farbpalette, der Kompositionsstil und die Verwendung von Goldbrokat in den beiden Gemälden und dem vorliegenden Werk sind sehr charakteristisch für den Künstler und seine Werkstatt.

Schätzw. 35 000 - 45 000 EUR

Los 66 - Circle of Diego Quispe Tito (Cuzco, Peru, 1611 - 1681) - Kreis von Diego Quispe Tito (Cuzco, Peru, 1611 - 1681) Die Taufe Christi". Öl auf Leinwand. 80,5 x 64 cm. Die Datierung und der geografische Standort dieses Gemäldes basieren auf der Untersuchung der verwendeten Materialien, der Epoche und dem Stil des Meisters Quispe Tito, wie der Farbpalette, dem Einfluss der Flamenco auf die Landschaft und der Darstellung von einheimischen Vögeln wie Loros und Guacamayos, die wir in der Hauptszene finden. Diese Elemente, die in unserer Malerei so schnell verwendet wurden, verbinden uns mit der Nadel des Meisters, denn der Künstler unserer Verbindung musste ein sehr enger Freund von Quispe Tito sein. In den folgenden Jahrzehnten erreichte das Werk und die Verbreitung des Meisters ein Niveau, das in der Malerei von Cuzco noch nie zu sehen war. Dieses zeitgenössische Werk aus den mittleren Jahren des XVII. Jahrhunderts ist inspiriert von einer der Wandmalereien von Luis de Riaño aus dem ersten Drittel des XVII. Jahrhunderts in der Kirche von Andahuay-Iillas und von der gleichen ikonografischen Darstellung in der Kirche von Urcos, die von dem indigenen Maler Diego Cusihuaman geschaffen wurde. El bautismo está considerado por las Iglesias cristianas un momento fundamental en la vida del creyente. Die Feier dieses Sakraments ist geprägt von spirituell und wissenschaftlich bedeutsamen Riten, die den hohen Stellenwert verdeutlichen, den die Glaubensgemeinschaften dem Bautismus in der Geschichte des Christentums beigemessen haben. El Bautismo junto con la Eucaristía son tenidos por la Iglesia Católica como los dos sacramentos más importantes, siendo los únicos reconocidos por las Iglesias Reformadas como instituidos por el mismo Cristo. In der christlichen Lesung des Alten Testaments werden der Bautismus und die Eukaristie als ein Bild oder ein Hinweis, d. h. als ein Schatten der neuen, von Christus geschaffenen Wirklichkeit, dargestellt. Zusammen mit den anderen neun Sakramenten bilden sie den Kanon der Sieben, der von der Kirche auf dem Konzil von Florenz festgelegt und auf dem Konzil von Trient ratifiziert wurde.

Schätzw. 16 000 - 25 000 EUR

Los 67 - Juan Patricio Morlete (San Miguel de Allende, Guanajuato, 1713 - Mexico City, 1772) - Juan Patricio Morlete (San Miguel de Allende, Guanajuato, 1713 - Mexiko-Stadt, 1772) Jungfrau von Guadalupe". Öl auf Leinwand. 66 x 55,5 cm. Juan Patricio Morlete Ruiz war einer der größten Maler Mexikos in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Obwohl seine Biografie bis zum 20. Jahrhundert kaum bekannt war, wurde sein Werk durch verschiedene Sammlungen immer weiter verbreitet, was es ermöglichte, mehr über ihn zu erfahren. Morlete, der in Mexiko ein umfangreiches Werk geschaffen hat, ist vor allem für seine Serie von Kastenbildern bekannt. Das Museo de América besitzt ein Stillleben von seiner Hand (Inv. 2021/04/01). Manuel López-Pintado y Almonacid (Toledo, 1677 - Sevilla, 1745) war ein Admiral der spanischen Schatzflotte. Zusammen mit seinem Lehrer José de Ibarra, Miguel de Cabrera, José de Alcíbar und anderen illustren Persönlichkeiten gründete er 1753 die Akademie für Malerei. Zwei Jahre zuvor, 1751, gehörte er zu der Gruppe von Künstlern, die das Bildnis der Jungfrau von Guadalupe begutachteten. Diese beiden Ereignisse spiegeln die künstlerische und kulturelle Bedeutung sowie die soziale und berufliche Anerkennung unseres Malers wider.

Schätzw. 28 000 - 35 000 EUR

Los 68 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 18. Jahrhundert. "Heiliger Josef mit Kind" Öl auf Leinwand. 63 x 57 cm. Der Kult des heiligen Josef erfreute sich seit dem 16. Jahrhundert großer Verehrung und wurde als Schutzpatron der Arbeiter und Patriarch der Kirche zu einem der am meisten künstlerisch dargestellten. Wie in diesem Fall zeigen uns die Maler des 18. Jahrhunderts einen jungen heiligen Josef, keinen alten Mann, wie man ihn erwarten würde, mit sanftem Gesichtsausdruck, der seine väterliche Liebe zeigt. Vor allem in Neuspanien wurde er sehr verehrt und galt als Beschützer, insbesondere nach 1732, als er zum Schutzpatron von Mexiko-Stadt ernannt wurde.

Schätzw. 4 500 - 6 500 EUR

Los 69 - Attributed to Nicolás Correa Juárez (Mexico, final quarter of the 17th century) - Nicolás Correa Juárez zugeschrieben (Mexiko, letztes Viertel des 17. Jahrhunderts) Apostolat Zwölf Ölgemälde auf Kupfer, die die zwölf Apostel darstellen. Jeweils 31 x 24 cm.

Schätzw. 25 000 - 35 000 EUR

Los 70 - Attributed to Mateo Perez de Alesio, also known as Matteo de Lecce (Lecce, Italy, 1547 - Lima, 1628). - Wird Mateo Perez de Alesio zugeschrieben, auch bekannt als Matteo de Lecce (Lecce, Italien, 1547 - Lima, 1628). Anbetung der Hirten Öl auf Tafel. 201 x 137 cm. Pérez de Alesio war ein bedeutender Maler und Bildhauer. Seit seinem sechzehnten Lebensjahr war er ein angesehener Lehrling in der Werkstatt von Michelangelo Buonarroti und arbeitete sogar an dem Gemälde in der Sixtinischen Kapelle mit. Die meisten seiner Gemälde sind religiöser Natur. Im Jahr 1575 ließ er sich in Spanien nieder und arbeitete an der Kathedrale von Sevilla. 1588 kam er nach Lima und wurde dort für viele Jahre zum wichtigsten Maler, der auch nach seinem Tod noch Einfluss auf die lokale Malerei ausübte. Er war der Gründer einer der ersten Kunstschulen in Lima, wie der Historiker und Jesuitenpater Rubén Vargas Ugarte herausgefunden hat. Im Jahr 1590 malte er das Porträt des VIII. Vizekönigs Don García Hurtado de Mendoza, IV. Marquis von Cañete, der zwischen 1589 und 1596 regierte.

Schätzw. 25 000 - 35 000 EUR

Los 71 - Attributed to Padre Jesuíno of Monte Carmelo (Santos, São Paulo, 1764 - Itu, São Paulo, 1819) - Dem Pater Jesuíno von Monte Carmelo (Santos, São Paulo, 1764 - Itu, São Paulo, 1819) zugeschrieben Die lesende Jungfrau Maria mit dem Wappen der Karmeliten". Öl auf Leinwand. 143 x 111 cm. Exquisite Darstellung der Jungfrau vom Karmel, gekrönt wie eine Königin. Auf einer Bühne, auf der die Luft still ist, tritt sie zwischen Vorhängen hervor, wie eine brennende Kerze des Glaubens. Erfüllt von den Tugenden, die Pius XII. am 11. Februar 1950 an ihr feststellte: "Demut, Keuschheit, Abtötung, Gebet und vor allem ein Zeichen und eine Erinnerung an unsere Weihe an Jesus Christus und an sie, ein wirksames Zeichen der Heiligkeit und ein Unterpfand des ewigen Heils". Der Autor malt dieses Bild in einem sehr flämischen Stil: mit extremen Details auf dem Haar, dem Brokat, dem Mantel und den Schilden, die Juwelen sind, auch auf der Krone und dem Habit. Inmitten dieser kalten Brauntöne gibt es leuchtende Farben. Maria liest mit übertriebener, fast starrer Geste, auch die stark verzierten Stoffe, die sie trägt, wirken starr. Sie hat eine sehr stilisierte Figur...und blickt nach unten, wissend ...., es wirkt fast mehr wie ein Gemälde aus Brügge. Sie ist wie eine "Heilige Rose von Lima" (siehe Los 72 dieses Katalogs) dargestellt, was die Haltung, die Haltung der Hände, das Lesen des Stundenbuchs, die Starrheit und den Mantel betrifft... Sie ersetzt den kreolischen Kopfschmuck durch eine Königinnenkrone und blickt nach unten, mit der Idee, die Mutter Gottes mit der Menschlichkeit zu verbinden, "als eine mehr". Schließlich geht es auf die Bühne, die sehr klösterlich ist, mit nüchternen, gerafften Vorhängen, ebenfalls in Karmelitentönen und Halbtönen. Es könnte gut sein, dass dieses Gemälde ursprünglich für ein Karmeliterkloster bestimmt war. Die erste Karmelitengründung in Lateinamerika fand 1580 in Olinda (Pernambuco) statt, als es noch eine portugiesische Provinz war. Weitere Gründungen erfolgten in ganz Brasilien, so dass ein Jahrhundert später, im Jahr 1685, das große Vikariat Brasilien in die Kommissariate Rio de Janeiro und Bahia-Pernambuco aufgeteilt wurde. Beide wurden 1720 zu Provinzen. Einige Häuser der Provinz Bahia-Pernambuco schlossen sich der strengen Observanz an und wurden 1744 als Provinz mit dem Titel "Pernambuco" konstituiert. Das Gesicht der Jungfrau mit den schräg gestellten Augen und den geschwollenen Augenlidern, die geometrische Verzierung des Habits, die Krone, die auch in anderen Gemälden verwendet wird (z. B. in denen des modernistischen Künstlers Mario de Andrade), und die eindeutige Verbindung zum Carmo-Kloster führen uns zu dieser Zuschreibung.

Schätzw. 7 500 - 12 000 EUR

Los 72 - Viceregal School. Peru. 18th century. - Vikariatsschule. Peru. 18. Jahrhundert. Heilige Rose von Lima". Öl auf Leinwand. 58 x 45,5 cm. Wunderschönes Leinwandgemälde aus dem peruanischen Vizekönigreich, das den Schutzpatron von Lima darstellt und in Komposition und Form dem Gemälde sehr ähnlich ist, das derzeit im Amerikanischen Museum in Madrid ausgestellt ist. Diese peruanische Heilige mit dem Namen Isabel Flores de Oliva wurde 1586 geboren und nahm den Tertiarhabit des Heiligen Dominikus mit dem Namen Rosa de Santa Maria an. Sie wurde 1668 selig- und 3 Jahre später heiliggesprochen und war damit die erste lateinamerikanische Heilige. Die mit einer kreolischen Kopfbedeckung bekleidete, meditierende und betende Dominikanernonne wurde nach ihrem Tod im Jahr 1617 bald zur Schutzpatronin des Vizekönigreichs Peru und später ganz Lateinamerikas. Der Maler hat sich die künstlerische Freiheit genommen, sie eher wie eine Prinzessin als wie eine Nonne im dominikanischen Habit darzustellen: mit Perlenmantel und Brokat und mit dem Heiligenschein, mit langem Haar und ohne den Schleier einer Jungfrau und Braut Christi. So erscheint sie als kreolische Frau, die zu den Altären hinaufsteigt, und nicht als Nonne mit dominikanischem Kopfschmuck und Schleier, denn als Nonne wäre sie vielleicht weiter von der Anbetung des ungebildeten Volkes entfernt.

Schätzw. 1 800 - 3 500 EUR

Los 73 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Vikariatsschule. Cuzco. Peru. 18. Jahrhundert. "Krönung der Jungfrau Maria mit Kind" Öl auf Leinwand. 125,5 x 87,5 cm. Komposition der Krönung Marias durch zwei Engel, die den Moment mit zwei Kerzen beleuchten. Das Gemälde spiegelt eine Sequenz aus dem Zyklus des Lebens der Jungfrau Maria aus dem Buch der Offenbarung wider. Den apokryphen Texten zufolge endete das Leben Marias in Jerusalem, nachdem sie ihre Lebensaufgabe erfüllt hatte, und sie wurde mit Leib und Seele in den Himmel aufgenommen und gekrönt. Die hier sitzende Jungfrau Maria wird als Mutter Gottes dargestellt, die sie in der Hand hält, als Mutter der Menschheit, die sie als Reichsapfel in der rechten Hand hält, und als Königin und Pforte des Himmels, eines Himmels, der so sauber und rein ist wie sie, die sich in der Lilie spiegelt. Gekleidet wie eine Königin oder eine Dame von hohem Rang, etwas distanziert und starr in Blick und Haltung, wird sie durch die Anwesenheit zweier männlicher Heiliger vermenschlicht, die sie ansehen und zu ihren Füßen beten (die stille Katechese, wie man sich ihr nähern soll). Der heilige Didacus von Alcalá, ein Franziskaner, mit dem Kreuz auf den Schultern und dem Rosenwunder, und der heilige Augustinus von Hippo als Bischof mit seinen Bekenntnissen oder dem Leben in der Vereinigung mit Maria, die auf das Bild anspielen. Der Detailreichtum der Kleidung, der Spitzen, der Goldschmiedearbeiten und der Blumen ist herausragend, trotz der nach vorne gerichteten Posen und der geringen Perspektive, die sehr typisch für die peruanische neuspanische Malerei dieses Jahrhunderts sind. Die Krönung der Jungfrau Maria war ein immer wiederkehrendes Thema in diesem Jahrhundert und ein klares Symbol für die Macht der Kirche gegen die Ketzerei und das Interdikt im Zuge der protestantischen Reformation.

Schätzw. 15 000 - 25 000 EUR

Los 74 - Attributed to José Campeche (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) - José Campeche zugeschrieben (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) Der auferstandene Christus mit den Kirchenvätern". Öl auf Leinwand. 98,5 x 77 cm. Magnífico lienzo de extrema calidad del XVII - XVIII que muestra el triunfo de Jesús ascendiendo a los cielos en un marco estrictamente teológico: el de los cuatro Santos Padres de la Iglesia que contemplan la escena de la que tanto escribieron, y que elaboraron lo que se conoce como "Patrística", que es el pensamiento cristiano de los primeros siglos. A la izquierda de Cristo, encontramos a San Ambrosio de Milán y San Gregorio de Milán delante; y a su derecha, San Agustín de Hipona y, tras él, San Jerónimo de Estridón. In einer zweiten Zeile steht "IN NOMINE EIUSGENTES SPERABUNT" ("In seinem Namen werden die Völker warten"), ein klarer Hinweis auf das Hauptmotiv der Liaison: die Rückkehr zum Leben nach dem Tod. Campeche war einer der bekanntesten puertoricanischen Künstler. Er war der einzige Schüler von Luis Paret y Alcázar (1746-1799), der zwischen 1775 und 1778 auf die Insel kam, nachdem er von König Karl III. verbannt worden war. Das Kunstmuseum von Puerto Rico bewahrt einige seiner Kunstwerke in seiner Sammlung auf. Seine biografische Karteikarte erklärt dort: Er entwickelte in seiner Malerei hauptsächlich religiöse Themen und Porträts. Sein Werk wird wegen seines Interesses an Details und Ornamenten dem Rokoko zugerechnet. Bläuliche Grau- und Rosatöne dominieren seine Palette, die er sich von Paret abgeschaut hat. Im Jahr 2006 organisierte das Ponce Museum of Art eine Ausstellung, die in das renommierte Worcester Art Museum in Massachusetts reiste und Gemälde von Campeche, Francisco Oller und Miguel Pou umfasste. Campeche ist ein Meister der Porträtmalerei und der Miniaturmalerei, Eigenschaften, die ihn zu einem der herausragendsten hispanoamerikanischen Maler des späten 18. Frecuente en el estilo que desarrolla nuestro pintor pueden percibirse las figuras alargadas, los angeles querubines y niños con rostros redondos. Das ist der Fall des Engels, der in unserem Werk die Papsttrophäe trägt, und wenn man ihn mit dem San Juanito aus Campeche vergleicht, der kürzlich in der Suite Subastas verkauft wurde, ist er fast untrennbar mit demselben Werk verbunden. Vergleichbar mit unserem Bild sind auch der San José mit dem Kind und der San Juan Bautista aus dem Amerikanischen Museum, die beide große Ähnlichkeiten in Stil und Farbpalette aufweisen.

Schätzw. 25 000 - 40 000 EUR

Los 75 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 18. Jahrhundert. Göttliche Hirtin". Öl auf Kupfer. 26,5 x 41 cm.

Schätzw. 5 500 - 7 500 EUR

Los 76 - Miguel Güelles (active in Seville, 1607 - 1637) - Miguel Güelles (tätig in Sevilla, 1607 - 1637) Unbefleckte Jungfrau". Öl auf Leinwand. 162 x 108 cm. Diese außergewöhnliche Unbefleckte Empfängnis mit ihren leuchtenden Farben, die ganz im Geschmack von Neuspanien liegen, ist ein perfektes Beispiel für den ständigen Austausch, der auf beiden Seiten des Atlantiks stattfand. Miguel Güelles war ein in Sevilla tätiger Barockkünstler, der fast ununterbrochen für die Vizekönigreiche von Peru und Neuspanien arbeitete. Im Jahr 1608 schloss er einen Vertrag mit dem Provinzial des Ordens des Heiligen Dominikus in Peru ab, um eine Serie von einundvierzig Gemälden zu schaffen, die dem Leben des Heiligen Dominikus von Guzmán gewidmet sind. Sechsunddreißig dieser Bilder werden im Kloster Nuestra Señora del Rosario oder Santo Domingo in Lima aufbewahrt. Im Jahr 1619 erteilte er auch eine Vollmacht, um eine Kiste mit dreißig Gemälden von Einsiedlern, möglicherweise Landschaften, in Mexiko abzuholen, die er in Sevilla "Fray Baltasar Maldonado vom Orden des Heiligen Franziskus zur Mitnahme in die Provinz Neuspanien" gegeben hatte, obwohl er bei dieser Gelegenheit wahrscheinlich aus eigener Initiative und ohne Auftrag handelte. Wir danken Enrique Valdivieso für seine Hilfe bei der Katalogisierung dieses Werks.

Schätzw. 24 000 - 30 000 EUR

Los 77 - Novohispanic School. Mexico. 17th century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 17. Jahrhundert. "Unsere Liebe Frau von Bethlehem in einem unechten Altarbild" Öl auf Leinwand. 48,5 x 40 cm. Ungewöhnliches und frommes Gemälde einer privaten Andacht in einem "Scheinaltar" mit drei Abschnitten: in der Mitte befindet sich die Muttergottes von Bethlehem, das ikonische religiöse Bild Marias mit dem Kind in ihren Armen, gekrönt in einer oberen Kartusche vom Ewigen Vater und dem Heiligen Geist, die mit dem Sohn in einer Linie stehen und die Heilige Dreifaltigkeit bilden. Auf der linken Seite sind der heilige Johannes der Evangelist, der geliebte Jünger und Schriftsteller Marias, und der heilige Franz von Assisi dargestellt. Auf der rechten Seite sind die heilige Maria Magdalena und der heilige Antonius von Padua, ebenfalls ein Franziskaner, dargestellt. Das Altarbild ist in Ocker- und Goldtönen gehalten, die uns in die Kathedrale oder Kirche versetzen, die wir häufig besuchen, durch einen "fertigen" Altar zum Beten, Feiern, Meditieren, Schweigen, Betrachten...

Schätzw. 2 500 - 4 500 EUR

Los 78 - Novohispanic School. Mexico. 18th Century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 18. Jahrhundert. "Unsere Liebe Frau von Altagracia" Öl auf Kupfer. 27 x 21 cm. Das verehrte und fromme Bild Unserer Lieben Frau von Altagracia ist eine katholische Marienverehrung, die als "geistige und schützende Mutter des dominikanischen Volkes" gilt. Ihr Festtag wird am 21. Januar in der Dominikanischen Republik in der Basilika von Higüey gefeiert.

Schätzw. 7 500 - 10 000 EUR

Los 79 - Francisco Eduardo Tresguerras (Celaya, Mexico 1759 - 1833) - Francisco Eduardo Tresguerras (Celaya, Mexiko 1759 - 1833) "Heiliger Pilger" Öl auf Kupfer. Signiert mit einem Anagramm and dated 1812. 41 x 30,5 cm. Architekt, Maler und Graveur. Luis Javier Cuesta Hernández schreibt in der Real academia de la Historia Tresguerras: "Er war einer der wichtigsten Künstler am Übergang vom 18. zum 19. Jahrhundert und formulierte eine eigentümliche Sprache auf halbem Weg zwischen klassizistischem Barock und neoklassischer Avantgarde... In der Stadt Celaya übte er verschiedene künstlerische Tätigkeiten aus (darunter zumindest Malerei, Musik und Gravur). Seine Haupttätigkeit war jedoch immer die Architektur, und wir wissen, dass er bereits 1794 bei der Akademie von San Carlos eine Lizenz für diese Tätigkeit beantragt hatte... Sein malerisches Werk (Gemälde, Zeichnungen und Stiche) ist weniger bekannt als sein architektonisches Werk. Und trotz sorgfältiger Studien sind viele seiner Zuordnungen auch heute noch unsicher. Dennoch sind einige Werke (z. B. die Zeichnung des Neptunbrunnens in Querétaro) von außerordentlicher Qualität." Bibliographie der Referenzen: - https://dbe.rah.es/biografias/48876/francisco-eduardo-tresguerras - F. de la Maza, "Dibujos y proyectos de Tresguerras", in Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Autónoma de México (UNAM), Nr. 18 (1950), S. 27-33;

Schätzw. 2 500 - 4 500 EUR

Los 80 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 18. Jahrhundert. Heiliger Ignatius von Loyola'. Öl auf Leinwand. Neu gefasst. In einem imposanten geschnitzten, vergoldeten und mit Sgraffiti verzierten Holzrahmen. 190 x 131 cm. Der heilige Ignatius von Loyola steht in einem mystischen Triumph des Guten über das Böse triumphierend da und zermalmt das Böse und die dunklen Mächte in Form des Teufels und seiner Welt der Versuchungen unter seinen Füßen. Er blickt in den Himmel, von dem Licht und Macht ausgehen (IHS). Zu seiner Rechten, zu seinen Füßen, liegen seine Ritterrüstung, seine irdischen Waffen, sein Stolz, sein Adel - all das, was er abgelegt hat, um sich in Gott und in seinem Dienst an der Kirche "einzuschließen und zu vertiefen". Er trägt jetzt das Gewand Christi, den schwarzen Jesuitenhabit. Die Figur von Loyola, dem Gründer der Gesellschaft Jesu, ist in eine Landschaft mit Meer eingebettet, auf der ein Boot fährt. Sie symbolisiert eindeutig die Welt "jenseits der Meere", die die Jesuiten mit ihrer Evangelisierung erreichten, die Welt jenseits des Fassungsvermögens unserer menschlichen Augen und unserer Vorstellungskraft. In seiner linken Hand trägt er das Buch der Regeln oder Konstitutionen, in dem das Motto der Gesellschaft, "Ad maiorem Dei Gloriam", geschrieben steht. Das ist sein Ziel: Was immer wir tun, sagte er, wir werden es immer "zur größeren Ehre Gottes" tun.

Schätzw. 4 000 - 7 000 EUR

Los 81 - Novohispanic School. Mexico. 17th century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 17. Jahrhundert. Porträt von Hernán Cortés'. Öl auf Leinwand. Neu gefasst. 64 x 48 cm. Porträt von Hernán Cortés nach dem Bildnis, das der Eroberer dem italienischen Renaissance-Humanisten, Arzt, Historiker, Biographen und Prälaten Paulo Giovio schickte und das als Vorlage für seine Porträts ab dem 16. Jahrhundert diente. Es handelt sich um das dritte Porträt, das zu Lebzeiten von Cortés gemalt wurde und Teil der von Paolo Giovio, Bischof von Nocera (1483-1552), zusammengestellten Galerie war, deren ikonografischer Typus 1864 von Valentín Carderera sorgfältig beschrieben wurde. Nach den Angaben von Giovio selbst in seinen Schriften wurde es ihm von Cortés einige Monate vor seinem Tod zugesandt, so dass es auf das Jahr 1547 datiert werden kann, als er 62 Jahre alt war. Das Porträt wurde in die Galerie berühmter Persönlichkeiten aufgenommen, die Giovio in seinem Palast in Borgovico am Comer See einrichten ließ. Obwohl die einzigartige Ausdruckskraft dieses Bildnisses und die Intensität seines Blicks seit langem gerühmt werden, handelt es sich in Wirklichkeit nur um eine Adaption, die nach der Zeichnung von Weiditz gemalt wurde, auch wenn die Komposition umgekehrt und auf eine Büste reduziert ist, so dass Cortés seinen Kopf nach rechts dreht. Seine Erscheinung wurde gealtert, indem Haare, Bart und Schnurrbart ergraut sind und die Augen in die Höhlen gesenkt wurden, um die Falten und Tränensäcke unter den Augenlidern einzufangen. Giovios Porträt behielt die germanische Mütze bei und wurde für den Stich von Tobias Stummer (1539-1584) verwendet, der die Biografie von Cortés in der 1575 gedruckten Elogia virorum bellica virtute illustrium illustrierte. Das vermeintliche Original, das Cortés an Giovio schickte, ist verloren gegangen, aber es ist die Quelle zahlreicher Drucke, die den von Stummer geschaffenen Stich neu interpretieren, sowie zahlreicher Büstenporträts, die im Laufe des 17. und 18. Jahrhunderts für ikonographische Serien gemalt wurden. Auf diesem Originalporträt basiert auch das Porträt von Hernán Cortés im Museum Real Academia de Bellas Artes in San Fernando (Inv. 0031). In einem Abschnitt des Dossiers über das Gemälde wird kurz die Biografie von Cortés zusammengefasst, der, um den Historiker Lafuente Ferrari zu zitieren, als "der berühmteste der Eroberer der Neuen Welt nach Christoph Kolumbus" gilt. Er stammte aus einer Adelsfamilie und wurde 1485 in Medellín (Badajoz) geboren. Im Jahr 1521 eroberte er Mexiko und wurde im folgenden Jahr zum Gouverneur und Generalkapitän des Königreichs Neuspanien ernannt".

Schätzw. 18 000 - 22 000 EUR

Los 82 - Colonial School. Peru. 18th century. - Novohispanische Schule. Peru. 18. Jahrhundert. Porträt von Atahualpa, letzter Inka-Kaiser'. Oil on panel. 50 x 40,5 cm. In der Österreichischen Nationalbibliothek befindet sich ein Kupferstich des Inka Atahualpa, der mit unserem Werk in Verbindung gebracht werden kann.

Schätzw. 9 000 - 14 000 EUR

Los 83 - Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexico, 1713/1715 - Mexico, 1772) - Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexiko, 1713/1715 - Mexiko, 1772) "Porträt von Manuel López-Pintado y Almonacid" Öl auf Leinwand. 111,5 x 97 cm. Juan Patricio Morlete Ruiz war einer der größten Maler Mexikos in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Obwohl seine Biografie bis zum 20. Jahrhundert kaum bekannt war, wurde sein Werk durch verschiedene Sammlungen immer weiter verbreitet, was es ermöglichte, mehr über ihn zu erfahren. Morlete, der in Mexiko ein umfangreiches Werk geschaffen hat, ist vor allem für seine Serie von Kastenbildern bekannt. Das Museo de Américain Madrid besitzt ein Stillleben von seiner Hand (Inv. 2021/04/01). Zusammen mit seinem Lehrer José de Ibarra, Miguel de Cabrera, José de Alcíbar und anderen berühmten Persönlichkeiten gründete er 1753 die Akademie für Malerei. Zwei Jahre zuvor, im Jahr 1751, gehörte er zu der Gruppe von Künstlern, die das Bildnis der Jungfrau von Guadalupe besichtigten. Diese beiden Ereignisse spiegeln die künstlerische und kulturelle Bedeutung sowie die soziale und berufliche Anerkennung des Malers wider. Die ikonografischen Themen seiner künstlerischen Produktion sind vielfältig. Stadtansichten, andächtige und allegorische Motive, heilige Geschichte und mehrere bisher bekannte Porträts, darunter die mehrerer Vizekönige und ein Porträt von König Karl III. aus dem Jahr 1760. Wenn wir uns auf das hier vorgestellte Gemälde konzentrieren - und die Identität des Dargestellten näher beleuchten -, sollten wir aufgrund der Kleidung und des wichtigen Mantels, den der Dargestellte in unserer Arbeit trägt, zwei Gemälde auf Leinwand erwähnen, die wir stilistisch vergleichen können und die uns helfen, das Gemälde in die erste Hälfte des 18. Jahrhunderts in Neuspanien zu datieren und geografisch zu verorten. Es handelt sich um das dem Maler Juan Rodríguez Juárez zugeschriebene Porträt des Vizekönigs Juan Vázquez de Acuña y Bejerano (1658-1734), Vizekönig von Neuspanien zwischen 1722 und 1734, und das Porträt des Vizekönigs Pedro Cebrián y Agustín (1687-1752), Vizekönig von Neuspanien zwischen 1741 und 1746. Die Kleidung und die Accessoires des Dargestellten auf unserem Gemälde sind in Bezug auf Qualität, Material und Design mit denen vergleichbar, die auf den Porträts der Vizekönige des 18. Jahrhunderts zu sehen sind. Jahrhunderts getragen wurden. Daraus lässt sich schließen, dass der Dargestellte einen sehr hohen sozialen Status genoss, möglicherweise gehörte er zum Adel oder zu den großen Kaufleuten der Globalisierung. Bemerkenswert ist auch, dass unsere noble und illustre Persönlichkeit eine Lupe in der linken Hand hält. Dieses Element und das kartografische Buch, das auf dem Tisch neben dem silbernen Tintenfass mit den Federkielen liegt, verweisen auf die maritime Tätigkeit des Dargestellten. In diesem Sinne erinnert auch die Gestaltung der dekorativen Muster der Gewänder an die Wellen des Meeres, und die Symbole auf den Ärmeln beziehen sich auf die vier Himmelsrichtungen. Um das Rätsel um die Identität des Dargestellten zu lösen, wird vorgeschlagen, dass es sich um Manuel López-Pintado y Almonacid, Admiral der Indischen Flotte, handelt, der 1677 in Toledo geboren wurde und 1745 in Sevilla starb. Ein Porträt von Manuel López-Pintado, datiert auf den 21. Dezember 1730, befindet sich im Marinemuseum in Madrid. Die Königliche Akademie für Geschichte informiert uns: "Der große Reichtum von López-Pintado, einer Mischung aus Seemann, Soldat und Geschäftsmann, geht auf den Titel eines Silbermeisters zurück, der ihm 1704 von Sebastián de Talledo in Madrid verliehen wurde. [...] Er war Abgeordneter der königlichen Flotte, bis er 1715-1716 den Titel eines Admirals der Indischen Flotte erhielt, und in dieser Position erwarb er ein großes Vermögen, das es ihm ermöglichte, in Land zu investieren, indem er verschiedene Ländereien und Mühlen in verschiedenen Städten der Provinz Sevilla kaufte und verbesserte. [...] 1737 verlieh ihm Philipp V. den Titel eines Marquis von Torre Blanca del Aljarafe mit der vorherigen Viscounty von Cabrejas". Bibliographische Angaben: -Caño Ortigosa,José Luis. (n.d.). "Manuel López-Pintado und Almonacid". Real Academia de la Historia. https://dbe.rah.es/biografias/51501/manuel-lopez-pintado-y-almonacid

Schätzw. 45 000 - 70 000 EUR

Los 84 - José Campeche (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) - José Campeche (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) "Mögliches Porträt von Frau Catalina de Urrutia" Öl auf Leinwand.102 x 77 cm. Campeche porträtierte María de Urrutia bei verschiedenen Gelegenheiten und in unterschiedlichem Alter. Unsere Hypothese ist, dass dieses Porträt dasjenige ist, auf dem sie im ältesten Alter erscheint. Auf der Website der Hispanic Society of New York heißt es: "María Catalina de Urrutia stammte aus einer prominenten kreolischen Familie von Landbesitzern in Kuba, wo sie geboren wurde (1749); ihr Vater, Bernardo de Urrutia y Matos, war Bürgermeister von Havanna. 1766 heiratete María Catalina Oberst Juan Andrés Dabán y Busterino (1724-1793), einen spanischen Militäroffizier aragonesischer Abstammung, der von 1783 bis 1789 Gouverneur und Generalkapitän von Puerto Rico wurde. Er war Mitte der 1760er Jahre Militärinspektor auf Kuba gewesen, und offenbar hatten sie sich dort verlobt. In Puerto Rico leitete er Kampagnen zum Wiederaufbau nach Hurrikans, richtete ein Postsystem ein, begann, Straßen und Gehwege mit blauem Vulkanschotter von den Kanarischen Inseln zu pflastern, und gründete eine Zigarrenfabrik, die in die Niederlande exportierte. Er wurde zum Feldmarschall befördert und war, zurück in Spanien, ab 1792 Gouverneur von Badajoz. Das Datum, an dem Don Juan und Doña María nach Spanien zogen, ist ungewiss. Campeche war einer der bekanntesten puertoricanischen Künstler. Er war der einzige Schüler von Luis Paret y Alcázar (1746-1799), der zwischen 1775 und 1778 auf die Insel kam, nachdem er von König Karl III. verbannt worden war. Das Kunstmuseum von Puerto Rico bewahrt einige seiner Kunstwerke in seiner Sammlung auf. Seine biografische Karteikarte erklärt dort: "In seiner Malerei entwickelte er hauptsächlich religiöse Themen und Porträts. Sein Werk wird wegen seines Interesses an Details und Ornamenten dem Rokoko zugerechnet. Bläuliche Grau- und Rosatöne dominieren seine Palette, die er sich von Paret abgeschaut hat. Im Jahr 2006 organisierte das Ponce Museum of Art eine Ausstellung, die in das renommierte Worcester Art Museum in Massachusetts reiste und Gemälde von Campeche, Francisco Oller und Miguel Pou umfasste. Campeche ist ein Meister der Porträt- und Miniaturmalerei, Eigenschaften, die ihn zu einem der herausragendsten hispanoamerikanischen Maler des späten 18.

Schätzw. 60 000 - 75 000 EUR

Los 85 - Novo-Hispanic school. 18th. century. - Novo-Hispanische Schule. 18. Jahrhundert. Porträt eines Gentleman". Öl auf Leinwand. 109 x 84 cm. Mit seinem Rahmen aus geschnitztem und vergoldetem Holz der Zeit.

Schätzw. 6 000 - 12 000 EUR

Los 86 - Venezuelan School. Early 19th century. - Venezolanische Schule. Anfang des 19. Jahrhunderts. "Porträt von Simón Bolívar" Öl auf Leinwand. Neu gefasst. 66,5 x 49,5 cm.

Schätzw. 6 000 - 9 000 EUR

Los 87 - Novohispanic School. Colombia. 19th century. - Novohispanische Schule. Kolumbien. 19. Jahrhundert. Flusslandschaft". Kunstwerk aus Federn. Mit Holzrahmen aus dem 19. Jahrhundert mit Intarsien. 26 x 19,5 cm.

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Los 88 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Vikariatsschule. Cuzco. Peru. 18. Jahrhundert. Die Heilige Dreifaltigkeit krönt die Jungfrau Maria". Öl auf Leinwand. 38 x 26,5 cm. Dieses Werk spiegelt einen Abschnitt im Lebenslauf der Jungfrau wider, der im Apokalypsebuch zu finden ist. Drei exakt gleiche Figuren, die Heilige Dreifaltigkeit, drei an der Zahl mit der päpstlichen Mitra, bekränzen die Jungfrau Maria. Auf diese Weise kann Maria als dreifaltige Figur gedeutet werden: der Sohn, der als Jungfrau die Liebe des Vaters empfängt und aufgibt; der Vater, der in seiner Eigenschaft als Mutter die lebendige Liebe schenkt; der Heilige Geist, der als Ehefrau die Liebe zwischen Vater und Sohn und die Öffnung des Himmels für die Welt verkörpert. La Virgen als María Inmaculada "assumpta" a los cielos, y en un mar de nubes, es contemplada por San Miguel Arcángel, y Santa Gertrudis la Magna o Santa Clara?.

Schätzw. 5 000 - 7 000 EUR

Los 89 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 17th century. - Vikariatsschule. Cuzco. Peru. 17. Jahrhundert. "Heilige Ursula von Jesus Polychromierte und geschnitzte Holzskulptur mit Silbervergoldung und gläsernen Augen. 50 x 32 x 16 cm.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 90 - Marcel Jambon (Barbezieux, France, 1848 - 1908) - Marcel Jambon (Barbezieux, Frankreich, 1848 - 1908) 'Rajasthan' Gouache auf Karton. Signiert und lokalisiert auf der Rückseite. 56 x 45 cm.

Schätzw. 300 - 500 EUR

Los 91 - Félix Resurrección Hidalgo (Manila, The Philippines, 1855 - Barcelona, 1913) - Félix Resurrección Hidalgo (Manila, Philippinen, 1855 - Barcelona, 1913) "Die Insel Jolo" Bleistift- und Kreidezeichnung auf Papier. Mit Bleistift signiert und datiert 1878. 21,5 x 28,5 cm. Kleiner Einriss am unteren Rand. Félix Resurrección Hidalgo war ein bedeutender spanisch-philippinischer Maler des 19. Jahrhunderts. Er wurde in Manila in eine wohlhabende Familie hineingeboren und erhielt seine Ausbildung an der Universität Santo Tomás und der Akademie für Zeichnen und Malen in Manila. Zunächst malte er Landschaften und Genreszenen. Im Jahr 1880 erhielt er ein Stipendium für ein Studium in Madrid, wo er sein wichtigstes Werk, "Junge christliche Frauen, die dem Volk ausgesetzt sind", präsentierte, das 1884 auf der Nationalen Ausstellung in Madrid mit einer Medaille für den zweiten Platz ausgezeichnet wurde. Anschließend ließ er sich in Paris nieder, wo er sein berühmtestes Gemälde "Das Boot von Acheron" schuf, das von Dantes Göttlicher Komödie inspiriert ist. Für dieses Werk erhielt er 1887 auf der Allgemeinen Ausstellung der Philippinen eine Goldmedaille. Hidalgo war auch bei anderen internationalen Ausstellungen erfolgreich. Mit den wachsenden Marktchancen verlagerte sich sein Stil auf dekorative symbolistische Landschaften, obwohl er weiterhin allegorisch-politische Kompositionen mit Schwerpunkt auf der historischen Identität der Philippinen schuf. Sein künstlerisches Vermächtnis trug dazu bei, die kulturelle Identität der Philippinen vor ihrer Unabhängigkeit zu stärken. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Felix Hidalgo einer der großen Meister der philippinischen Malerei war und ein wichtiges Vermächtnis in der Geschichte der philippinischen Kunst hinterlassen hat.

Schätzw. 1 500 - 3 000 EUR

Los 92 - Théodore Auguste Fisquet (France, 1813 - 1890) - Théodore Auguste Fisquet (Frankreich, 1813 - 1890) Bains de la Périchula à Lima". Aquarell auf Papier. Signiert, datiert 1840, in Lima gelegen und am unteren rechten Rand betitelt. 19,2 x 27,5 cm.

Schätzw. 7 500 - 9 500 EUR

Los 93 - Salvador del Huerto (Mexico, 1760 - 1824) - Salvador del Huerto (Mexiko, 1760 - 1824) 'Kreuzigung' Öl auf Leinwand. Signiert. 104 x 78,5 cm.

Schätzw. 3 500 - 4 500 EUR

Los 94 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) "Die Auferstehung Christi" Tuschezeichnung auf Papier. 10,5 x 11 cm. Vorbereitungsskizze für den Kupferstich von Vicente Capilla, katalogisiert unter der Nummer E-82 im Werkverzeichnis von José Luis Díez, Vicente López: vida y obra, Madrid, 1999; S. 643 (Tafel 131). Es gibt einige Flecken durch Feuchtigkeit verursacht. Vicente López Portaña, geboren am 19. September 1772, begann seine künstlerische Ausbildung als Schüler des Franziskaners Antonio de Villanueva an der Akademie San Carlos in Valencia. Während dieser ersten Phase seiner Karriere wurde er ausgezeichnet In dieser ersten Phase seiner Karriere erhielt er 1789 den ersten Preis für sein Gemälde "König Hiskia, der seine Reichtümer zur Schau stellt", was ihm den Weg in die Hauptstadt ermöglichte. Im folgenden Jahr gewann er den ersten Preis beim Wettbewerb der Akademie von San Fernando mit dem Gemälde Die Katholischen Könige". Von da an nahm er die akademischen Lehren auf, die er von Mengs geerbt hatte, vor allem durch Mariano Salvador Maella, von dem er den Barock, den Farbsinn seiner Kompositionen und seine Vorliebe für das Zeichnen übernommen hatte. Nach seiner Jugendzeit in Madrid, wo er aufgrund seiner Erfahrungen zu einem angesehenen Künstler wurde, beschloss er 1792, in seine Heimatstadt Valencia zurückzukehren. Viele Jahre lang erhielt er verschiedene Aufträge, vor allem religiöse Gemälde und Wandmalereien für Kirchen in Valencia, sowie Porträts, Denkmäler und Zeichnungen für Stiche. Während des Unabhängigkeitskrieges hielt er sich in Valencia auf und malte das Porträt von Ferdinand VII. im Habit des Ordens von Karl III. Vicente López' Porträtstil, respektvoll und sachlich, veranlasste Ferdinand VII. dazu, ihn zu seinem ersten Kammermaler zu ernennen, und er war gezwungen, nach Madrid zurückzukehren. Aufgrund der prestigeträchtigen Ernennung, die er erhielt, war er der begehrteste Maler unter der Aristokratie und dem Großbürgertum. Im Jahr 1826 malte er sein Meisterwerk, das Porträt des Malers Francisco de Goya y Lucientes, das wichtigste und ikonischste Werk seiner langen Karriere. Vicente López Portaña behielt sein künstlerisches Talent bis ins hohe Alter und schuf Porträts bis zu seinem Tod am 22. Juli 1850 in Madrid.

Schätzw. 500 - 700 EUR

Los 95 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) Der Heilige Thomas von Aquin". Tuschezeichnung auf Papier. 10,5 x 7,5 cm. Vorbereitung für den von Francisco Jordán gestochenen Druck, katalogisiert unter der Nummer E-213 im Werkverzeichnis von José Luis Díez, Vicente López: vida y obra, Madrid, 1999; S. 594 (Tafel 82). Obwohl Díez davon ausgeht, dass die Zeichnung, die er unter der Nummer D-279 (S. 594, Tafel 82) katalogisiert, eine Vorbereitung für den Druck ist, ist es unsere unveröffentlichte Zeichnung, die diese Funktion erfüllt.

Schätzw. 500 - 700 EUR

Los 96 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) Santa María de Cervelló" (Heilige Maria von Cervelló) Tuschezeichnung auf Papier. Vorbereitung für den Kupferstich von Vicente Capilla, katalogisiert unter der Nummer E-188 im Werkverzeichnis von José Luis Díez, Vicente López: vida y obra, Madrid, 1999; S. 603 (Tafel 91). 10,5 x 7 cm. Sowohl bei diesem als auch bei den drei vorangegangenen Gemälden ist festzustellen, dass López sich bemüht, ein nahes und dynamisches Bild der dargestellten Heiligen zu vermitteln. Es ist aufschlussreich, dass die Heilige Maria von Cervelló, die auch als Heilige Maria vom Beistand bekannt ist, nicht mit einem Schiffsmodell in der Hand abgebildet ist (wie es üblich wäre), sondern ein echtes Schiff in voller Fahrt beschützt. Das Gleiche gilt für den heiligen Joseph Calasanz, der ein echtes Kind betreut, für den heiligen Augustinus, der im Moment der göttlichen Eingebung festgehalten wird, oder für den auferstandenen Christus, der unter einem intensiven Lichtstrahl anmutig aus seinem Grab steigt. Selbst der Heilige Augustinus, der statischste von allen, kann nicht anders, als den Blick geradeaus zu richten. Auf diese Weise gelingt es dem Künstler, authentische Bilder des Lebens zu schaffen, die den Betrachter leicht ansprechen - das eigentliche Ziel dieser Art von Werken.

Schätzw. 500 - 700 EUR

Los 97 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) Heiliger Bischof, Doktor der Kirche (Heiliger Augustinus?)". Zeichnung in Tusche auf Papier. 9,8 x 7,5 cm. Wahrscheinlich Vorbereitung für einen unbekannten Kupferstich. Der heilige Augustinus hält das Modell einer kleinen Kirche. Diese und die folgenden vier Zeichnungen des valencianischen Künstlers Vicente López sind ein hervorragendes Beispiel für den Teil seiner Tätigkeit, mit dem er die größte Verbreitung seiner Kunst erreichte: die Gestaltung von Andachtsdrucken, von denen viele von Vicente Capilla und Francisco Jordán gestochen wurden. Es handelt sich um unveröffentlichte Werke, die eigentlich durch die Stiche im Werkverzeichnis von José Luis Díez (Vicente López: Vida y Obra 1772-1850, Fundación de Apoyo a la Historia del Arte Hispánico, Madrid, 1999).

Schätzw. 500 - 700 EUR

Los 98 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) Der Heilige Josef von Calasanz Tuschezeichnung auf Papier. 10,5 x 7,5 cm. Vorbereitung für den Kupferstich von Francisco Jordán, katalogisiert unter der Nr. E-167 im Werkverzeichnis von José Luis Díez, Vicente López: vida y obra, Madrid, 1999; S. 606 (Tafel 94). Díez katalogisiert eine Zeichnung, die praktisch identisch ist (Kat. Nr. D-238, S. 606, Tafel 94), obwohl sie viel größer ist (80 x 60 cm)

Schätzw. 500 - 700 EUR

Los 99 - China. 18th century. - Chinesische Schule. 18. Jahrhundert. Landschaft". Öl auf Leinwand. 42 x 66,5 cm.

Schätzw. 3 500 - 4 500 EUR

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Los 1 - Italian school. 16th century. - Italienische Schule. 16. Jahrhundert. "Sitzender Löwe" Skulptur aus geschnitztem Holz. 23,5 x 29,5 x 10 cm.

Los 8 - Important bronze mortar. Gothic. 15th Century. - Imposanter Bronzemörtel. Gotisch. 15. Jahrhundert. 10,7 x 19 x 14 cm. Es hat einen Riss, ist aber aufgrund seiner Größe und Qualität ein sehr interessantes Stück.

Los 10 - Spanish School. Early 16th century. - Spanische Schule. Anfang des 16. Jahrhunderts. "Der heilige Hieronymus der Bischof" Geschnitzte und polychromierte Holzskulptur Höhe: 64 cm.

Los 18 - Attributed to Luca Giordano (Naples, 1634 - 1705) - Luca Giordano (Neapel, 1634 - 1705) zugeschrieben Die Anbetung der Heiligen Drei Könige". Öl auf Leinwand. Relined. 38 x 51,5 cm.

Los 21 - Italian School. Naples. 17th century. - Italienische Schule. Neapel. 17. Jahrhundert. Maria Magdalena Öl auf Leinwand 118,5 x 97 cm.

Los 22 - Walnut wood ches with inlaid bone and iron fittings. Aragonese workshop. 16th century. - Ches aus Nussbaumholz mit eingelegtem Knochen und Eisenbeschlägen. Aragonesische Werkstatt. 16. Jahrhundert. 37,5 x 60 x 30 cm.

Los 24 - Italian School. Rome. 17th century. - Italienische Schule. Rom. 17. Jahrhundert. Heiliger Franziskus in Ekstase". Öl auf Leinwand. 255 x 193 cm.

Los 45 - Novohispanic School. Mexico or Peru. Late 17th century. - Novohispanische Schule. Mexiko oder Peru. Ende des 17. Jahrhunderts. "Heiliger Jakobus" Öl auf Leinwand. 122 x 84 cm.

Los 54 - Wonderful silver and tortoiseshell chest. Mexico. 17th - 18th century. - Wunderschöne Truhe aus Silber und Schildpatt. Mexiko. 17. bis 18. Jahrhundert. 11,5 x 17,5 x 9 cm. Der Originalschlüssel lässt sich nicht mehr drehen.

Los 61 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Vikariatsschule. Cuzco. Peru. 18. Jahrhundert. "Madonna mit Kind" Öl auf Leinwand. 36 x 26 cm. Maße des Rahmens: 79 x 50 cm.

Los 62 - Circle of Angelino Medoro (Rome, circa 1565 - Seville, 1632) - Kreis von Angelino Medoro (Rom, um 1565 - Sevilla, 1632) Der heilige Erzengel Michael". Öl auf Leinwand. 120 x 101 cm.

Los 63 - Novohispanic School. Mexico. 17th Century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 17. Jahrhundert. Sankt Michael der Erzengel Öl auf Leinwand. 144 x 89,5 cm. Begleitet von einem geschnitzten, vergoldeten und polychromierten Holzrahmen aus der Zeit.

Los 69 - Attributed to Nicolás Correa Juárez (Mexico, final quarter of the 17th century) - Nicolás Correa Juárez zugeschrieben (Mexiko, letztes Viertel des 17. Jahrhunderts) Apostolat Zwölf Ölgemälde auf Kupfer, die die zwölf Apostel darstellen. Jeweils 31 x 24 cm.

Los 75 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Novohispanische Schule. Mexiko. 18. Jahrhundert. Göttliche Hirtin". Öl auf Kupfer. 26,5 x 41 cm.

Los 85 - Novo-Hispanic school. 18th. century. - Novo-Hispanische Schule. 18. Jahrhundert. Porträt eines Gentleman". Öl auf Leinwand. 109 x 84 cm. Mit seinem Rahmen aus geschnitztem und vergoldetem Holz der Zeit.

Los 86 - Venezuelan School. Early 19th century. - Venezolanische Schule. Anfang des 19. Jahrhunderts. "Porträt von Simón Bolívar" Öl auf Leinwand. Neu gefasst. 66,5 x 49,5 cm.

Los 87 - Novohispanic School. Colombia. 19th century. - Novohispanische Schule. Kolumbien. 19. Jahrhundert. Flusslandschaft". Kunstwerk aus Federn. Mit Holzrahmen aus dem 19. Jahrhundert mit Intarsien. 26 x 19,5 cm.

Los 89 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 17th century. - Vikariatsschule. Cuzco. Peru. 17. Jahrhundert. "Heilige Ursula von Jesus Polychromierte und geschnitzte Holzskulptur mit Silbervergoldung und gläsernen Augen. 50 x 32 x 16 cm.

Los 90 - Marcel Jambon (Barbezieux, France, 1848 - 1908) - Marcel Jambon (Barbezieux, Frankreich, 1848 - 1908) 'Rajasthan' Gouache auf Karton. Signiert und lokalisiert auf der Rückseite. 56 x 45 cm.

Los 92 - Théodore Auguste Fisquet (France, 1813 - 1890) - Théodore Auguste Fisquet (Frankreich, 1813 - 1890) Bains de la Périchula à Lima". Aquarell auf Papier. Signiert, datiert 1840, in Lima gelegen und am unteren rechten Rand betitelt. 19,2 x 27,5 cm.

Los 93 - Salvador del Huerto (Mexico, 1760 - 1824) - Salvador del Huerto (Mexiko, 1760 - 1824) 'Kreuzigung' Öl auf Leinwand. Signiert. 104 x 78,5 cm.

Los 99 - China. 18th century. - Chinesische Schule. 18. Jahrhundert. Landschaft". Öl auf Leinwand. 42 x 66,5 cm.