Maîtres de la vice-royauté, allégories, légendes et sain…

Lot 1 - Italian school. 16th century. - École italienne. XVIe siècle. "Lion assis Sculpture en bois sculpté. 23,5 x 29,5 x 10 cm.

Estim. 2 500 - 3 500 EUR

Lot 2 - Master Alejo (Master of the Causeway) (active in Palencia, first decades of the 16th century) - Maître Alejo (Maître de la Calzada) (actif à Palencia, premières décennies du XVIe siècle) Saint François d'Assise Huile sur panneau. 55 x 32,5 cm. Magnifique peinture à l'huile sur table avec un saint franciscain sur un fond peint avec des fleurs et sobrement décoré, comme s'il s'agissait de son propre halo de sainteté. Saint François d'Assise regarde le ciel, d'où il n'a jamais été vu, dans une oraison continue de celle qui n'est pas venue, avec le reflet visible de cet Amour correspondant de Dieu dans ses paroles et ses actes. Recibe "los signos de ese Amor" en manos, pies y costado. Cette table du maître Alejo est une œuvre primordiale du premier quart du siècle XVI, qui se distingue par son style artistique, sa composition simple et magistrale, et l'utilisation de la couleur sur le dôme. On apprécie particulièrement l'élégance, le raffinement des tracés, les lignes douces et fluides qui créent des contours délicats sur le fond or, ainsi que les détails de la finesse de la miniaturisation. Une figure humaine pleine de naturel et de beauté, une poitrine pleine de sérénité et de dévotion. Elle présente des tons clairs et terne sur l'or, créant une atmosphère mystique exquise, qui transmet une sensation de calme et d'espiritualité, et reflète l'influence de la peinture géométrique italienne de l'époque. Le talent et la spiritualité du Maestro de la Calzada se reflètent dans cette table. Avec le certificat de Mme Isabel Mateo daté de janvier 2016.

Estim. 5 000 - 8 000 EUR

Lot 3 - Master Alejo (‘Maestro de la Calzada’) (active in Palencia, first decades of the 16th century) - Maître Alejo ("Maestro de la Calzada") (actif à Palencia, premières décennies du XVIe siècle) "Saint Antoine de Padoue Huile sur panneau. 55 x 32,5 cm. Avec un certificat de Mme Isabel Mateo daté de janvier 2016. Magnifique peinture à l'huile sur panneau représentant un saint franciscain sur un fond lustré et doré avec des motifs floraux, ressemblant à sa propre auréole de sainteté. Saint Antoine regarde devant lui, un Enfant Jésus ardent sur la poitrine. L'Enfant Jésus, qu'il "prêchait" avec un savoir proverbial, apparaissait sur son livre et dans sa cellule pendant qu'il priait. En raison de son savoir, on l'appelait "l'Arche du Testament". Ce panneau de Maître Alejo, également connu sous le nom de Maestro de la Calzada, est une œuvre fondamentale du premier quart du XVIe siècle, remarquable par son style artistique, sa composition simple mais magistrale et l'utilisation de la couleur sur fond d'or. L'élégance est clairement appréciée, avec des traits raffinés, des lignes douces et fluides créant des contours délicats sur le fond doré, et une finesse de détails digne d'une miniature. La figure humaine est représentée avec une beauté naturelle, et le visage respire la sérénité et la dévotion. Les tons chauds et terreux sur fond d'or créent une atmosphère mystique exquise, transmettant un sentiment de calme et de spiritualité. Cela reflète l'influence de la peinture gothique italienne de l'époque. Le talent et la spiritualité de Maître Alejo, Maestro de la Calzada, sont magnifiquement capturés dans ce panneau.

Estim. 3 000 - 5 000 EUR

Lot 4 - Maestro degli Sportelli dell'Accademia (Florencia, primera mitad del siglo XV) - Maestro degli Sportelli dell'Accademia (Florence, première moitié du XVe siècle) Vierge à l'enfant et saint François Tempera et feuille d'or sur panneau. Le peintre, un maître florentin actif dans la première moitié du XVe siècle, peut être identifié grâce aux deux ailes du retable conservé à la Galleria dell'Accademia à Florence. Le retable est connu sous le nom d'"anconetta" et, en raison de ses dimensions, il a dû être utilisé pour le culte domestique. Dimensions du panneau : 79 x 58 cm.

Estim. 35 000 - 45 000 EUR

Lot 5 - Four medallions in openwork gold and enamel. Possibly Byzantium. 10th - 15th centuries. - Quatre médaillons en or et émail ajourés. Peut-être Byzance. Xe-XVe siècles. Merveilleuse pièce d'orfèvrerie représentant quatre oiseaux différents au milieu de branches de fleurs. Les quatre oiseaux sont entourés d'une même bordure de motifs végétaux répétés, dans laquelle on peut voir des restes d'émail bleu. Diamètre : 6,2 cm chacun. Poids total : 109 g.

Estim. 15 000 - 25 000 EUR

Lot 6 - Flemish or Mexican School. 18th Century. - École flamande ou mexicaine. XVIIIe siècle. Triptyque de voyage en buis micro sculpté avec feuilles d'or à l'intérieur. Extérieur laqué en noir et or. Dimensions fermées : 15 x 8 x 2 cm. Dimensions ouvertes : 15 x 16 x 2 cm. Exquis et curieux autel dévotionnel de voyage représentant des scènes de la Passion du Christ. Destiné à un usage privé, il transpose le format caractéristique des grands triptyques d'autel, tant sculptés que peints, dans un format petit et compact, minutieusement détaillé. Ses arcs gothiques lobés enferment le Mystère de la mort de Jésus-Christ dans 7 fenêtres qui inspirent une profonde dévotion. La fenêtre centrale est présidée par le Christ sur le Golgotha au moment de sa mort, crucifié entre les voleurs Dismas et Gestas, le bon et le mauvais. Dans cette scène, le fidèle qui se tient devant le vitrail peut ressentir dans son cœur ces mots : "Jésus, souviens-toi de moi quand tu viendras" : Jésus, souviens-toi de moi quand tu viendras dans ton royaume. Et Jésus leur dira : "Je vous le dis en vérité, aujourd'hui vous serez avec moi dans le paradis". Au-dessous de lui, Marie-Madeleine est au cœur du massif et de la grotte de la Sainte Baume (village provençal typique avec une église romane du XIe siècle et une grotte naturelle dédiée à la Sainte). Six scènes de la Passion sur chaque porte contiennent le mystère central du Christ crucifié : à gauche, Jésus priant à Gethsémani, l'arrestation et la flagellation, et à droite, la présentation de Jésus devant le Sanhédrin et Caïphe, la Via Dolorosa ou chemin du Calvaire, et le moment de la crucifixion. L'extérieur est laqué de noir et d'or, les couleurs du deuil, avec une cruche de lys, symboles de la Vierge Marie, représentant sa féminité la plus profonde, sa pureté lorsqu'elle conçut son Fils, dans ce retable dévotionnel et mystérieux. D'autres triptyques à usage domestique et de petites dimensions se trouvent dans la collection du Victoria & Albert Museum de Londres (inv. 3264-1856), également d'origine flamande et du même siècle ; plusieurs exemples d'origine flamande ou hollandaise figuraient dans la magnifique exposition "Small Wonders : Small Wonders : Late Gothic Boxwood Microcarvings from the Low Countries", organisée conjointement par le Rijksmuseum, le Metropolitan Museum of Art de New York et l'Art Gallery of Ontario.

Estim. 3 000 - 6 000 EUR

Lot 7 - Carved, polychromed and gilded wooden icon with gold background. Wallachia. 15th century.alaquia. - Icône en bois sculpté, polychromé et doré sur fond d'or. Valaquia. XVe siècle. 51 x 35 x 5 cm. Il s'agit du panneau central d'un retable représentant les saints Constantin et Hélène, patrons spirituels de la Roumanie, de part et d'autre des armoiries roumaines, sculptées dans la partie centrale inférieure du retable. Ce blason, formé par l'oiseau devant la croix, est celui qui permet de dater chronologiquement notre pièce du XVe siècle, puisqu'il a changé de date au XVIe siècle. Il s'agit d'une pièce de musée unique et exceptionnelle, car aucun objet médiéval portant ces armoiries du XVe siècle n'a survécu en Roumanie. Seule une pièce de monnaie portant cet emblème est connue. L'oiseau devant la croix est un symbole qui apparaît sur les pièces de monnaie valaques de 1300 à 1500. Il est très important de noter que les fleurs de lys qui apparaissent sur notre icône et les figures des saints Constantin et Hélène sont également présentes sur un grand timbre de Vlad Tepes. L'ancienneté a été confirmée par le laboratoire du Dr Manfred Schreiner de l'Akademie der Bildenden Künste de Vienne en février 2022. Ce lot est importé et dispose donc d'une licence d'exportation garantie par le ministère espagnol de la culture.

Estim. 300 000 - 600 000 EUR

Lot 8 - Important bronze mortar. Gothic. 15th Century. - Imposant mortier de bronze. Gothique. 15ème siècle. 10,7 x 19 x 14 cm. Néanmoins, en raison de ses dimensions et de sa qualité, il s'agit d'une pièce très intéressante.

Estim. 1 200 - 2 500 EUR

Lot 9 - Hispano-Flemish school. Circa 1500. - École hispano-flamande. Vers 1500. "Soldat, peut-être Saint-Georges. Sculpture en bois sculpté et polychromé. 123,5 x 25 x 66 cm. Cette sculpture est un chef-d'œuvre d'un grand maître. L'armure est réalisée avec beaucoup de minutie et de précision, reflétant fidèlement les moindres détails d'un vêtement aussi compliqué, sculptant même la cotte de mailles que l'on peut voir autour des aisselles et qui aurait pu être ignorée parce qu'elle n'est même pas visible au premier coup d'œil. La sculpture de tous les rivets, des pièces d'armure, des chaussures, etc. est tout aussi délicate, sans oublier le magnifique visage du personnage, qui, comme nous le suggérons dans notre titre, pourrait être Saint-Georges.

Estim. 23 000 - 30 000 EUR

Lot 10 - Spanish School. Early 16th century. - École espagnole. Début du XVIe siècle. "Saint Jérôme l'évêque Sculpture en bois sculpté et polychromé Hauteur : 64 cm.

Estim. 4 000 - 6 000 EUR

Lot 11 - Italian school. 18th century - École italienne. XVIIIe siècle "Notre-Dame de la Sainte-Espérance Huile sur cuivre. 35 x 25 cm. Dimensions avec le cadre103 x 71 cm. Accompagné d'un imposant cadre d'époque à cornes d'abondance, en bois sculpté, doré et incrusté de miroirs. Portrait exquis et raffiné de Notre-Dame de la Sainte-Espérance. Les informations historiques sur l'origine de cette image remontent à 1750, lorsqu'un pieux chrétien fit peindre un tableau de Marie à l'Enfant, qu'il offrit au Père Tommaso del Costato di Gesù (plus tard Monseigneur Struzzieri, évêque de Todi et premier évêque de la congrégation des Passionistes), qui l'emportait toujours avec lui dans ses SS. Missions. Cette image portait dès le début le titre de "Mater Sanctae Spei". L'ensemble de la composition, y compris le cadre sculpté et doré de la corne d'abondance, rappelle les œuvres du baroque flamand dans lesquelles la Vierge Marie apparaît toujours entourée d'une guirlande de fleurs. Ici, en parallèle, la guirlande est représentée par la sculpture du cadre avec des feuilles d'acanthe et des fleurs et un petit dais à la manière du Bernin. Nous contemplons la perfection simple, sereine et détaillée de la peinture intérieure, encadrée par ce "cadre à guirlande", comme un hommage, une vénération et une prière à cette Madone. L'image a été perfectionnée par de minuscules coups de pinceau. D'après la gravure de Hyeronimus Wierix, graveur flamand du XVIe siècle, "Mater Sanctae Spei", le tableau représente la Vierge Marie avec l'Enfant Jésus dans ses bras. Elle le tient de son bras droit et de son bras gauche elle le désigne comme la source des grâces divines (iconographie appelée Hodegetria : "celle qui montre le chemin", la Vierge Marie Hodegetria désigne l'Enfant comme la voie du salut. Et cet Enfant, tenant une croix de la main gauche, la main droite levée, est dans l'attitude d'un roi qui donne la permission de s'approcher de lui. L'image originale de "Notre-Dame de la Sainte-Espérance" est une toile peinte par Agustin Marqui en 1750, à l'occasion d'une mission passionniste prêchée par le père Tomas Stuzzieri, qu'il offrit à saint Paul de la Croix en suggérant que "chaque ecclésiastique l'ait dans sa cellule". Vincent Maria Strambi et le deuxième supérieur général des Passionistes (de 1755 à 1790), le père Jean-Baptiste de Saint-Vincent Ferrer. En fait, elle a guéri le Père Jean-Baptiste, qui était mourant, d'une maladie incurable, et c'est lui-même qui a décrété que l'image devait être saluée trois fois par jour. La dévotion à la Sainte Vierge, sous cette invocation, s'est développée dans la Congrégation des Passionistes dès ses origines. Son principal promoteur fut le grand missionnaire, le père Thomas Struzzieri, qui fut ensuite nommé évêque. Dans les saintes missions, il portait toujours sur lui une image de l'invocation. Plus tard, cette image fut reproduite en série et commença à être placée dans les chambres du clergé passioniste afin qu'il puisse diriger son regard vers elle et l'invoquer dans ses besoins spirituels. La Vierge Marie, Mère de la Sainte Espérance, est ainsi devenue un modèle singulier et un appui solide pour notre propre espérance. L'espérance que la Vierge Marie présente et à laquelle elle appelle est la Croix que l'Enfant Jésus tient dans sa main, comme signe de son amour sans mesure, qui s'est manifesté à nous jusqu'à la mort et à la mort sur une croix.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

Lot 12 - Juan de Mesa (Cordoba, 1583 - Seville, 1627) - Juan de Mesa (Cordoue, 1583 - Séville, 1627) "Saint Jean l'Évangéliste Sculpture en bois sculpté, doré et polychromé. 92,5 x 44 x 41 cm. Jusqu'à la redécouverte de Juan de Mesa à la fin du XIXe siècle par l'historien sévillan José Bermejo y Carballo, qui lui attribua une œuvre, le nom de Mesa n'avait pas été mentionné pendant plus de deux siècles et demi, et ses œuvres étaient attribuées à tort à son maître Montañés, en raison de la qualité exceptionnelle de son travail. Par ailleurs, au cours du XXe siècle, des documents ont été découverts qui ont permis d'éclairer la vie et l'œuvre de Mesa. On sait cependant qu'il a été baptisé à Cordoue en 1583 et qu'il n'a rejoint l'atelier de son futur maître qu'en 1606, formalisant son contrat d'apprentissage en 1607.

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

Lot 13 - Ignacio de Ríes (Seville, 1616 - ?, 1670). - Ignacio de Ríes (Séville, 1616 - ?, 1670). Vera Cruz (Vraie Croix) Huile sur toile. 157,5 x 232 cm. Le Christ, la croix sur les épaules, rencontre Véronique. Ignacio de Ríes, fils du peintre flamand Mateo de Ríes, travaillait déjà dans l'atelier de Zurbarán depuis 1635 et fut l'un de ses meilleurs disciples. De Ríes, peintre d'une importance et d'une valeur extrêmes, présent au Museo del Prado et au Metropolitan Museum of Art de New York, nous présente une scène en clair-obscur de la méditation de cette station de la "Via Dolorosa". Il accorde une grande attention à la qualité des détails des objets (le vêtement de Véronique et la perle sur sa poitrine, la tête du cheval, le casque du soldat), des vêtements (le costume doré du soldat qui donne des coups de pied à Jésus tombé au combat) et des tissus et textures, comme le manteau qui enveloppe Jésus, entre autres aspects. Elle transmet également une grande qualité et expressivité dans les visages et les mains qui parlent aussi de la technique de Zurbarán reflétée dans ses œuvres, comme l'un de ses meilleurs disciples. Ce tableau a fait partie de l'exposition "Teresa de Jesús : Femme, sainte et médecin", qui s'est tenue à Alba de Tormes du 28 mars au 22 octobre 2022, pour commémorer le quatrième centenaire de la canonisation de sainte Thérèse de Jésus. L'événement a été organisé par la Commission du centenaire thérésien, l'Ordre des carmes déchaussés et la mairie de la commune.

Estim. 12 000 - 16 000 EUR

Lot 14 - Adriaen van Utrecht (Antwerp, 1599 - 1652) - Adriaen van Utrecht (Anvers, 1599 - 1652) "Nature morte Huile sur toile. 102 x 169 cm. Adriaen van Utrecht était l'un des principaux peintres flamands de natures mortes. Il a surpassé son maître Herman de Ryt et est devenu l'un des inventeurs du genre "pronkstillevens". Ses tableaux se caractérisent par une abondance d'objets, de fleurs, de fruits, d'animaux vivants ou morts et de personnes, ainsi que par une approche détaillée et décorative. Au cours de ses voyages en France, en Italie et en Allemagne, il a acquis des influences baroques qui se reflètent dans ses peintures. Utrecht a représenté des scènes de marché et de cuisine, des natures mortes, des fruits et des guirlandes de fruits, ainsi que des volailles, des perroquets, des singes et des animaux sauvages. Ses peintures jouent avec le concept de la vie et de la mort en incorporant des figures humaines et des animaux vivants ou morts. Après la mort de son père, il retourne à Anvers, où il réalise de grandes peintures et collabore avec des artistes importants tels que David Teniers le Jeune, Jacob Jordaens et Rubens. Ses talents de composition et sa technique picturale lui valent des commandes internationales et la reconnaissance de personnalités importantes telles que l'empereur d'Allemagne, le roi Philippe IV d'Espagne et le prince d'Orange. Lors du mariage de sa sœur Catharina et du peintre Simon de Vos, il rencontre sa femme Constance, qui devient également peintre et dont on pense qu'elle a réalisé des copies des œuvres de son mari dans son propre style. Bien qu'il ait joui d'une réputation sans faille tout au long de sa vie, on soupçonne qu'il a perdu une grande partie de sa fortune en raison de problèmes de santé. Adriaen van Utrecht est mort à l'âge de 53 ans, en 1652, dans sa ville natale. Son héritage artistique témoigne de sa capacité à peindre une grande variété de sujets avec un goût excellent et une technique rigoureuse.

Estim. 45 000 - 55 000 EUR

Lot 15 - European school. Possibly France. 19th century. - École européenne. Probablement en France. Le 19e siècle. "La personnification des quatre continents. Quatre huiles sur toile. 38 x 49 cm chacune. Ces quatre tableaux montrent les allégories des quatre continents anciennement connus (Europe, Asie, Afrique et Amérique) représentés par des personnifications féminines qui sont, en réalité, des nymphes ("sources fertiles" des quatre grands fleuves de ces mêmes 4 continents (le Danube, le Gange, le Nil et le Rio de la Plata). Les quatre nymphes apparaissent nues, luxuriantes, fertiles et pleines de vie : L'Europe, brune, allongée sur un canapé doré de style Empire français, en lingerie, contemple et joue avec une miniature ; l'Asie, blonde, enturbannée, sur des coussins, fume l'opium ou une pipe indienne, et "séduit" son bien-aimé qui passe par la fenêtre comme un Maraja de l'Inde ; L'Afrique, à la peau noire et entièrement couverte de bijoux, s'entoure de l'abondance représentée par une belle et luxuriante nature morte de fruits, et joue avec la sensualité d'un foulard au vent ; et l'Amérique, au milieu de la jungle amazonienne, laisse son arc et ses flèches et se déshabille pour prendre un bain dans la rivière. Ces quatre petites toiles sont d'une facture magnifique, présentant des lignes très néoclassiques, très riches en détails et en couleurs, adaptées de manière créative au thème des femmes ou des nymphes (au lieu des personnifications classiques connues) débordantes de vie, de sensualité, de fraîcheur, de liberté,..., autant de qualités des 4 continents précédemment connus. Quatre continents qui "séduisent et invitent", qui murmurent "venez nous découvrir". Quatre petites images qui deviennent la meilleure publicité pour ce "visitez-nous et essayez-nous".

Estim. 40 000 - 50 000 EUR

Lot 16 - Spanish School. Circa 1700. - École espagnole. Vers 1700. Paire de magnifiques sculptures baroques en bois sculpté, doré et polychromé, représentant deux grands boucliers ornés de dragons. Ils sont surmontés de deux têtes d'anges et, en bas, de deux visages grotesques tirant la langue. 136,5 x 63 x 10 cm chacun.

Estim. 9 000 - 12 000 EUR

Lot 17 - Attributed to Matías de Arteaga (Villanueva de los Infantes, 1633 - Seville, 1703) - Attribué à Matías de Arteaga (Villanueva de los Infantes, 1633 - Séville, 1703) "L'adoration des mages Huile sur toile. 62 x 83 cm. Peintre et graveur, fils du graveur Bartolomé Arteaga, il développe son activité artistique à Séville, particulièrement liée, entre 1660 et 1673, à l'académie fondée par Murillo, qu'il fréquente mais aussi à laquelle il contribue économiquement et dont il est secrétaire en 1666 et consul trois ans plus tard. Comme on peut le lire dans l'article de l'Académie royale d'histoire, "dans son art, il a montré un intérêt singulier pour la perspective et les grands décors. Il avait probablement un atelier très actif, car il y a beaucoup d'œuvres d'art qui, en ce qui concerne son style, ont des qualités très différentes. Parmi ses peintures, on trouve des cycles importants tels que les toiles de la Vie de saint Laurian, datant d'environ 1670, dans la chapelle du saint de la cathédrale de Séville, et la Série eucharistique de la Fraternité sacramentelle, datant de 1690. Il a également peint une série sur la Vie de la Vierge Marie, conservée au musée de Séville, et une autre sur la Vie de Jésus-Christ, dont certaines toiles sont mentionnées dans des collections privées à Madrid. En tant que graveur, il réalisa des couvertures et des illustrations de livres, les plus remarquables étant celles du livre de Fernando de la Torre Farfán intitulé "Fiestas de la S. Iglesia metropolitana y patriarcal de Sevilla al nuevo culto del señor Rey San Fernando" de 1671. Il était également graveur de reproductions de toiles des grands maîtres de Séville, tels que Murillo, Herrera, el Mozo, Alonso Cano et Valdés Leal, entre autres".

Estim. 8 000 - 12 000 EUR

Lot 18 - Attributed to Luca Giordano (Naples, 1634 - 1705) - Attribué à Luca Giordano (Naples, 1634 - 1705) L'adoration des Mages Huile sur toile. Relined. 38 x 51,5 cm.

Estim. 4 000 - 7 000 EUR

Lot 19 - Spanish School. Early 19th century. - École espagnole. Début du 19e siècle. "Portrait de Maria Isabel de Bragance" Huile sur toile. 120 x 106 cm. Maria Isabel de Bragança, fille de Jean VI du Portugal et de l'infante Carlota Joaquina de Borbón, est née à Palácio de Queluz, au Portugal, le 19 mai 1797. En 1816, elle épouse le roi Ferdinand VII d'Espagne dans le but de renforcer les relations entre les deux pays ibériques. L'Infante se distinguait par son haut niveau de culture et son amour de l'art, ce qui l'amena à prendre l'initiative de réunir des œuvres d'art appartenant aux monarques espagnols pour créer ce qui allait devenir le musée du Prado, dont elle était le véritable architecte. Le Prado affirme d'ailleurs que "Pedro de Madrazo, dans le catalogue des peintures du Musée royal de 1854, va jusqu'à dire que c'est la reine qui "... a conçu le musée". Il existe un portrait posthume d'elle exposé dans la Galerie des portraits du Prado, daté de 1829, réalisé par Bernardo López-Piquer (inv. P000863). Ce portrait, qui s'inspire à son tour d'un portrait ovale en buste peint l'année du mariage de la reine par le père du peintre, Vicente López, représente Maria Isabel de Braganza en tant que fondatrice du Musée royal de peinture et de sculpture. Cette toile, comme l'affirme le critique et historien Gabriele Finaldi dans le catalogue de l'exposition "Le portrait espagnol au Prado. De Goya à Sorolla", représente une "image emblématique de l'histoire du musée du Prado". Malheureusement, notre modèle n'a pas eu le plaisir d'assister à l'inauguration du musée du Prado, puisqu'elle est décédée quelques mois plus tôt, en décembre 1818, sans pouvoir visiter le musée de son vivant, qu'elle nous a néanmoins laissé en héritage. Référence bibliographique : - Museo del Prado (n.d.). "María Isabel de Braganzacomo fundadora delMuseo del Prado".https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/maria-isabel-de-braganza-como-fundadora-del-museo/a7a1a933-6dc5-4636-b963-224d42e77110

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 20 - Spanish School. Granada. 18th. Century. - École d'espagnol. Grenade. 18ème. siècle. "Saint François et le loup". Sculpture monumentale en bois sculpté et polychromé. Hauteur : 228 cm. Cette sculpture a fait partie de l'exposition " Thérèse de Jésus : Femme, sainte et médecin ", qui s'est tenue à Alba de Tormes du 28 mars au 22 octobre 2022, pour commémorer l'anniversaire du quatrième centenaire de la canonisation de sainte Thérèse de Jésus. Il a été organisé par la Commission du centenaire thérésien, l'Ordre des carmes déchaussés et la mairie de la commune. Avec une étude du Dr José Carlos Pérez Morales, docteur en histoire de l'art.

Estim. 25 000 - 35 000 EUR

Lot 21 - Italian School. Naples. 17th century. - École italienne. Naples. XVIIe siècle. Marie Madeleine Huile sur toile 118,5 x 97 cm.

Estim. 9 500 - 15 000 EUR

Lot 22 - Walnut wood ches with inlaid bone and iron fittings. Aragonese workshop. 16th century. - Ches en bois de noyer avec incrustation d'os et de fer. Atelier aragonais. XVIe siècle. 37,5 x 60 x 30 cm.

Estim. 4 000 - 6 000 EUR

Lot 23 - An Spanish carved cedar and pine wooden cupboard with bronze fittings. 18th century. - An Spanish Armoire en bois de cèdre et de pin sculpté avec des ferrures en bronze. 18e siècle. 82 x 51 x 27,5 cm. Les ébénistes les plus renommés d'autrefois mettaient à la disposition de leurs clients une série de petits meubles comme modèles de ce qu'ils pouvaient fabriquer en grandes dimensions, selon les besoins de l'acheteur. Ils montraient ainsi, d'une part, des exemples des meubles qu'ils proposaient et, d'autre part, leur savoir-faire et la qualité de leur travail.

Estim. 2 500 - 4 500 EUR

Lot 24 - Italian School. Rome. 17th century. - École italienne. Rome. XVIIe siècle. Saint François en extase Huile sur toile. 255 x 193 cm.

Estim. 30 000 - 45 000 EUR

Lot 25 - Jose de Paez (Mexico City, 1727 - circa 1790) - José de Paez (Mexico, 1727 - vers 1790) "Immaculée Conception Huile sur toile. 124 x 94 cm. José de Páez était un peintre actif principalement entre 1750 et 1780. Selon le musée des Amériques de Madrid, "il créa des modèles d'une grande douceur, une beauté idéalisée, des visages ovales, [et] fut un excellent portraitiste". Il développa principalement des thèmes religieux, mais s'intéressa également à la peinture de caste. Il était le peintre préféré des ordres religieux tels que les Franciscains, les Bethléemites et les Oratoriens et a exécuté de nombreuses commandes pour eux. Étant donné sa production très étendue de thèmes universels, il est évident qu'il a développé certaines lignes de son travail sans commandes, mais en sachant qu'il disposait d'un solide marché d'acheteurs pour ses œuvres d'art. Parmi les œuvres conservées, on peut citer les peintures sur cuivre "Divin Pasteur" et "Notre-Dame de Lorette" au Musée des Amériques à Madrid ; le "Médaillon d'un frère avec la Nativité" et "Saint Jean de Nepomek" auLACMA ; la "Notre-Dame de la Miséricorde" au Blaisten Museum ; et les dix peintures du "Cycle de la vie de la Vierge Marie" de 1772 qui ont été restaurées entre 2015 et 2016 et se trouvent dans le sanctuaire de Guadalupe à Chihuahua, au Mexique. Ce projet de restauration a donné lieu à une analyse très intéressante de la procédure technique de José de Páez. Selon le rapport détaillé de Yana Arantxa Ramírez, le peintre a connu un grand succès de son vivant, qui s'est ensuite estompé en raison du mépris généralisé pour la peinture du XVIIIe siècle. Aujourd'hui, "ces dernières décennies, on assiste à un effort de revendication de la peinture du XVIIIe siècle". Ainsi, Magdalena Castañeda, chargée de la restauration des œuvres de Páez, a proposé dans son mémoire de maîtrise une nouvelle approche de sa personnalité artistique et a conclu que le Mexicain était "un artiste inquiet, doté d'une efficacité discursive qui lui a permis de vendre des œuvres à l'intérieur et même à l'extérieur de la Nouvelle-Espagne". Dans le tableau que nous avons ici, l'artiste a suivi l'image qui prévalait tant en Espagne qu'en Nouvelle-Espagne durant la seconde moitié du XVIIe siècle : la Vierge Marie Immaculée, vêtue d'une tunique blanche et d'un manteau bleu, debout sur la lune, avec le soleil se levant derrière elle, illuminant la femme que Dieu a choisie de tout temps pour être la Mère de Dieu. Elle est suspendue au centre de la scène dans un éclat de gloire. On peut observer plusieurs attributs mariaux, tels que des roses et des lys, qui évoquent la pureté de la Vierge et rappellent la représentation ornementale de la Tota Pulchra. Cette belle femme prie, avec une expression calme et inspirée, en dirigeant son regard vers la terre ferme. Elle est couronnée d'une auréole de sainteté, et douze étoiles entourent sa tête, ainsi qu'un groupe d'angelots perçant les nuages, soulignant le couronnement céleste. À cette occasion, Páez a choisi de suivre les modèles de Miguel Cabrera, dans lesquels les tissus bleus qui recouvrent l'Immaculée sont plus fluides et plus lâches, bien que la main du maître Páez soit facilement reconnaissable dans cette douce peinture. Le tableau peut être comparé au Saint Joseph avec l'Enfant Jésus du musée Blaisten et à d'autres Immaculées Conception conservées dans diverses institutions, comme l'Immaculée Conception avec les saints jésuites du musée régional de Zacatecas et l'Immaculée Conception du musée de l'Amérique à Madrid.

Estim. 60 000 - 80 000 EUR

Lot 26 - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexico, 1715 / 1720 - Mexico, 1768) - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexique, 1715 / 1720 - Mexique, 1768) "Saint Jean de Népomucène Huile sur toile. Signée. 167,5 x 104 cm. Cabrera est considéré comme le plus grand représentant de la peinture de la vice-royauté du XVIIIe siècle, avec une production que le Dallas Museum of Art définit comme "légendaire : plus de 309 œuvres de son grand atelier ont été documentées". Miguel Mateo Maldonado y Cabrera est né le 27 février 1695 à Antequera, dans l'actuelle ville d'Oaxaca, au Mexique, ce que l'on sait par le testament du peintre en 1768. Il est le fils de parents inconnus et le filleul d'un couple de mulâtres. Il s'installe à Mexico en 1719, où il commence sa formation artistique en passant par l'atelier de Juan Correa dans la capitale de la vice-royauté. Cabrera a peint des retables dans l'église jésuite de Tepotzotlán, dans l'État de Mexico, dans l'église de Santa Prisca à Taxco, dans l'État de Guerrero et dans les cathédrales de Mexico et de Puebla. Cabrera n'était pas seulement un peintre, mais il a également participé à la tentative de fondation d'une académie des arts en 1753 et, en 1756, il s'est consolidé en tant qu'intellectuel, et non seulement en tant qu'artiste, puisqu'il a publié en 1756 un récit sur l'image de la Vierge de Guadalupe intitulé "Maravilla americana y conjunto de raras maravillas observadas con la dirección de las reglas del arte de la pintura", un récit sur l'image de la Vierge de Guadalupe dans l'imprimerie du collège jésuite de San Ildefonso. Outre la peinture de chevalet, sa production comprend la conception de retables, des œuvres de grand format, ainsi que de petites peintures sur cuivre et des boucliers de religieuses. La peinture religieuse de Cabrera montre des figures d'une beauté remarquable, une beauté comprise dans les hypothèses idéologiques de la dévotion de l'époque. Il s'agit d'un art raffiné qui possède une richesse chromatique bien agencée, soutenue par un grand travail de composition et, non moins important, par un dessin subtil et expressif. De tous les peintres de l'époque, Cabrera est celui qui a le plus de personnalité ; le traitement conventionnel de ses figures est sans aucun doute la base de son style pictural, car il place dans ses tableaux des modèles qui ne sont pas idéaux, mais qui correspondent à des personnes que l'artiste connaît et côtoie, comme lorsqu'il incorpore dans certains tableaux des portraits de donateurs ou de ce que l'on appelle les "prélats", parce qu'il a besoin d'observer directement et de copier d'après la nature. Il a été nommé peintre de chambre de l'archevêque Manuel Rubio y Salinas, qui l'a chargé d'étudier et de peindre l'image de Notre-Dame de Guadalupe. L'image a été envoyée au pape Benoît XIV, qui lui a accordé la plus haute reconnaissance en tant que peintre de Guadalupe. Parmi les portraits qu'il a peints, citons celui de Sor Juana Inés de la Cruz, conservé au Musée national d'histoire, et celui de Juan de Palafox y Mendoza, qui se trouve au Musée d'art colonial de Morelia, Michoacán, Mexique. Il a également été peintre pour la Compagnie de Jésus, pour les églises de laquelle il a réalisé de nombreuses œuvres. En 1753, il fut nommé président à vie de l'Académie de San Carlos. Son œuvre est conservée dans de nombreuses églises et couvents du Mexique. Elle est également présente dans de nombreuses collections publiques et privées. Deux de ses images de la Vierge de Guadalupe se trouvent au musée du Vatican. Une autre, réalisée en 1756 pour le temple de San Francisco Javier, est conservée au musée national de la vice-royauté. Le Museum of Art de Dallas possède une Santa Gertrudis La Magna de Miguel Cabrera et une autre représentation de la sainte, également réalisée par Cabrera et datée de 1768, fait partie de la collection du musée José Luis Bello y Zetina de Puebla, au Mexique. De même, nous soulignons une importante série de peintures de caste datant de 1763 et conservée dans la collection du Musée de l'Amérique à Madrid. Elles représentent des familles, père, mère et enfant des différentes castes et couches sociales, dans des situations de la vie quotidienne. Enfin, il convient de mentionner la Pinacothèque de La Profesa ou la collection Andrés Blaisten au Mexique, qui sont les dépositaires de l'œuvre de Cabrera. Le Musée de l'Amérique à Madrid présente actuellement une très importante rétrospective du peintre. Le tableau que nous avons ici présente une iconographie très intéressante : celle de saint Jean de Népomucène entrant dans la gloire. Le saint était un prêtre bohémien et vicaire général du diocèse de Prague. Il fut martyrisé en 1393, pour sa fidélité au secret de la confession, lorsque le roi Venceslas IV voulut connaître les péchés de la reine qu'il taisait. Le monarque, très en colère, ordonna qu'on lui coupe la langue. N'ayant pas atteint son but, et plein de rage, il fit jeter le prêtre dans le fleuve depuis le pont Charles à Prague. C'est pourquoi il est aujourd'hui considéré comme le saint patron des confesseurs, qui doivent respecter leur vœu de silence. La scène représente également l'ascension du saint vers la gloire. Il porte dans son auréole cinq étoiles qui, selon la légende, auraient été aperçues autour de sa tête lorsque son cadavre a été repêché dans le fleuve. À l'arrière-plan se déroule la scène de sa mort, où l'on voit le pont et le sol.

Estim. 80 000 - 100 000 EUR

Lot 27 - Bernardo Rodríguez (active in Quito, Ecuador, circa 1770) - Bernardo Rodríguez (actif à Quito, Équateur, vers 1770) "Mariage de Marie et Joseph Huile sur toile. Relined. 99 x 120 cm. Belle et délicate toile du peintre et muraliste équatorien Bernardo Rodríguez, figure de proue de la représentation religieuse dans le Quito colonial. Dans ce tableau, il illustre l'union réelle et mystique de Dieu et des hommes, de Marie et de Lui, en tant que chair divine, et de toute l'humanité, symbolisée par le père présumé, Joseph. L'Enfant tient une chaîne avec sa mère et il semble que, symboliquement, il va la lui mettre (en lui pinçant le poignet) : "Ce que Dieu a uni...", unissant ainsi le Divin (Marie et Dieu) à l'humain (Joseph). Toute la scène se déroule sous la protection de la Sainte Trinité, le témoin céleste, qui bénit le moment avec un chœur d'anges qui "gratifie le mariage" de chants, de violons, de tambours, de flûtes, de trompettes, de triangles et de tambourins, tous joyeux, comme il se doit. Les grands-parents maternels, saint Joachim et sainte Anne, ainsi que sainte Élisabeth et saint Zacharie, cousins de Marie et parents de saint Jean-Baptiste, cousin de Jésus, qui est également présent, assistent à ce moment avec dévotion et humilité. Ainsi, nous voyons la tendresse et la délicatesse très bien reflétées par ce peintre qui a bénéficié d'un soutien ecclésiastique sans pareil, avec de nombreux privilèges tels que la réalisation de toiles pour la cathédrale de Quito ou celles du musée d'art colonial, ainsi que celles que nous pouvons admirer actuellement à la Casa de Cultura Ecuatoriana. Rodríguez est en fait, avec Manuel de Samaniego y Jaramillo, le peintre le plus important de la période coloniale tardive à Quito. Indépendamment de son intérêt constant et estimé pour la Vierge Marie en tant que sujet - un thème qui lui a valu une grande réputation pour la qualité de ses réalisations - l'œuvre de Rodríguez s'apparente à la technique et au traitement stylistique communs à des artistes comme Manuel Samaniego. Les commandes qu'il a reçues de diverses institutions religieuses constituent la majeure partie de sa production, caractérisée par une utilisation intéressante du clair-obscur. Comme on peut le lire dans le fascinant article de Juan Pablo Cruz Medina (2014) "La peinture de la Sainte Famille : A Manual of Family Relations in the World of 17th Century Santafé", la famille, configurée comme le noyau du corps social au sein de la structure conçue par l'Espagne pour le Nouveau Monde, est très tôt devenue une préoccupation tant pour l'Église que pour la bureaucratie établie en Amérique latine. À partir de là, l'Église a développé une série de structures discursives visant à établir des modèles de vie familiale qui serviraient d'exemples de comportement idéal tout au long du XVIIe siècle. Cela a permis de garantir non seulement le maintien d'un ordre "ecclésial" dans la société, mais aussi la soumission de la société au pouvoir civil établi par le monarque espagnol dans les nouvelles terres. Medina souligne la production artistique développée par l'Église en relation avec la famille. "L'un des ensembles picturaux les plus significatifs du corpus visuel du XVIIe siècle est celui de la Sainte Famille, qui ne cessera d'être représenté par la suite. Ce besoin ecclésiastique répond également à "l'émergence du modèle de la famille nucléaire en Europe, qui a modifié la conception de la famille élargie typique du Moyen Âge", tandis que dans l'Amérique latine coloniale, il était intéressant d'"établir des exemples qui aideraient à façonner une société régie par des normes religieuses". Comme on peut le lire dans l'article de Cruz Medina, "l'idée de l'Église était alors de créer des familles nucléaires basées sur les modèles de la Sainte Famille contenus dans les images, qui serviraient de cellule de formation de la société. L'image est ainsi devenue un instrument de configuration sociale et individuelle. Le discours de la Sainte Famille, comme celui d'autres représentations iconographiques de la période coloniale, impliquait alors 'un nouvel agencement des corps individuels et sociaux', orienté selon un schéma de soumission des sujets". Bibliographie de référence : -Cruz Medina, Juan Pablo. "La pintura de la Sagrada Familia. Un manual de relaciones familiares en el mundo de la Santafé del siglo XVII".Memoria y sociedad18, n.° 36 (2014) : 100-117.http://dx.doi.org/10.11144/Javeriana.MYS18-36.psfm

Estim. 45 000 - 65 000 EUR

Lot 28 - Novo-Hispanic School. 18th century. Signed by Francisco de Albala and dated 1768. - École novo-hispanique. XVIIIe siècle. Signé par Francisco de Albala et daté de 1768. "Saint François Xavier baptisant des Indiens et des infidèles Huile sur toile. 152 x 195 cm. Dans une scénographie clairement italianisante, avec linteaux, colonnes et perspectives, et une profusion de détails et de couleurs, l'auteur néo-espagnol s'inspire d'une peinture italienne ou européenne, d'une gravure flamande ou d'une estampe de l'époque pour créer son tableau. Saint François Xavier, plein de bonté et de mysticisme lumineux, vêtu d'une tunique, d'un surplis et d'une étole, sous la bénédiction et la lumière du ciel (un IHS plane au-dessus de lui), baptise des Indiens et des infidèles. Les couleurs vives et la lumière, très typiques de l'art italien de l'époque, sont remarquables, tout comme la qualité des détails des bijoux, des cruches, des tapis, des tissus brodés et des brocarts, des coiffures avec plumes et rubans, des turbans et des broches. Dans le coin inférieur gauche, le cartouche d'un donateur est bien visible ("MARIA SACHEN LISARDA LIT ADORADIÓ HESTE CUADRO LE DIO A. 1768"). Il pourrait s'agir de María Sánchez Lisarda.

Estim. 30 000 - 50 000 EUR

Lot 28.A - Attributed to Cristóbal de Villalpando (Mexico City?, 1649 - Mexico, 1714) - Attribué à Cristóbal de Villalpando (Mexico ?, 1649 - Mexico, 1714) "Éducation de la Vierge Huile sur toile. 249 x 180 cm. Cristóbal de Villalpando fut, avec Juan Correa, l'artiste le plus important de la Nouvelle-Espagne dans le dernier quart du XVIIe siècle. Il a réalisé deux des ensembles artistiques les plus importants : les grandes toiles allégoriques de la cathédrale métropolitaine de Mexico et de la cathédrale de Puebla, dont il a même peint la coupole. Son style est très particulier, combinant une palette de couleurs acides et irisées avec des tons presque métalliques, des plis de vêtements très agités et des tons chair avec des reflets bleutés, le tout imprégné d'un esprit maniériste qui, par coïncidence, rappelle les artistes du nord de l'Europe. Ses compositions s'inspirent de sources éclectiques en accord avec son intention iconographique, telles que des gravures de Rubens et des modèles baroques de la péninsule ibérique, comme Carreño de Miranda et Francisco Rizzi, dont il a même créé une version d'une célèbre Immaculée Conception, en adoptant la palette de couleurs riches et vibrantes.

Estim. 18 000 - 30 000 EUR

Lot 29 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIIe siècle. Saint Jean de Népomucène Huile sur toile. Reentoilée. 92 x 67,5 cm. Notre tableau nous montre une iconographie très intéressante représentée dans cette scène de saint Jean de Népomucène entrant dans la gloire. Saint Jean de Népomucène, prêtre de Bohême, vicaire général du diocèse de Prague.Martyr en 1393, du secret de la confession, il fut jeté dans le fleuve depuis le pont Charles, de cette ville, par le roi Venceslas IV qui tentait de s'emparer des biens de l'Église.Il fut martyrisé, en se coupant la langue, pour ne pas avoir révélé les péchés de la reine au roi, qui voulait les connaître, et pour son silence il le tua.Patron des confesseurs, qui doivent se taire. La scène présente saint Jean de Népomucène montant à la gloire, portant cinq étoiles dans l'auréole, car la légende veut qu'elles aient été vues autour de sa tête lorsque son cadavre a été sauvé de la rivière. À l'arrière-plan se déroule la scène de sa mort, dans laquelle on trouve le pont et les soldats qui l'ont jeté de celui-ci dans la rivière, et le saint dans les eaux.

Estim. 12 000 - 18 000 EUR

Lot 30 - Andrés López (Mexico, active from 1763 to 1811) - AndrésLópez(Mexique, actif de 1763 à 1811) "Sainte trinité Huile sur toile. 45 x 34 cm. Une version très similaire, datée de 1780, est conservée au musée Blaisten de Mexico. Elle mesure 175 x 103 cm. Il est facile de penser que ce tableau pourrait être une esquisse préparatoire pour le lot précédent. Comme on peut le lire dans la notice biographique du musée susmentionné, Andrés López "Fils du peintre Carlos Clemente López, le peintre était associé à l'académie des frères Nicolás et Juan Rodríguez Juárez. Il s'agit d'un artiste assez prolifique qui jouissait, avec son frère Cristóbal, d'un certain prestige bien mérité. Son œuvre s'échelonne de 1763 à 1812, année de la peinture représentant saint Ignace blessé sur les créneaux de Pampelune. Son œuvre la plus célèbre est la grande Via Crucis, composée à l'origine de 14 tableaux datés au Mexique de 1798 à 1800. On pense que certaines de ses œuvres pourraient représenter des vues de la ville d'Aguascalientes, comme les "Scènes de la vie de saint Jean Népomucène", datées de 1797, et une "Notre-Dame du Carmen", signée en 1799, que l'on peut trouver dans la ville de Sombrerete à Zacatecas. On trouve également une "Notre-Dame de Guadalupe" de 1798 à Aguascalientes et un "Calvaire" à Guadalajara. Bien que ses peintures soient restées dans les provinces, nombre d'entre elles ont été exécutées au Mexique. Dans le Trésor de la cathédrale métropolitaine de Mexico se trouvent les peintures suivantes d'AndrésLópez : le "Cœur de Jésus", la "Conception" de 1796 et une gravure de "Saint Joseph" de 1797, qui est considérée comme la meilleure œuvre d'art produite par cet artiste prolifique".

Estim. 7 500 - 10 000 EUR

Lot 31 - Attributed to José de Paéz (Mexico City, 1721- c. 1780) - Attribué à José de Paéz (Mexico, 1721- c. 1780) "Sainte Trinité Huile sur cuivre. 19 x 24,5 cm. Exquise peinture sur cuivre, dans un faux ovale. Mystère insondable et inaccessible, comme le dirait Saint Augustin, Páez le rend proche de nous, quotidien, tendre et doux, en donnant à ses sujets des joues roses et une peau blanche et pure, avec des traits parfaits, presque divins. À gauche, Jésus, ouvert sur le côté et blessé, porte sur sa poitrine l'"Agneau mystique" ("l'Agneau qui a été immolé..." Apocalypse 5,12-14) ; le Père, avec le sceptre de commandement au centre, identifié au Soleil ("Car le Seigneur Dieu est notre soleil et notre bouclier, il nous donne la grâce et la gloire" Psaume 84,11), et le Saint-Esprit, qui travaille en parfaite union avec le Père céleste et Jésus-Christ, à droite. ("Il rend témoignage du Père et du Fils..." 2 Néphi 31:18). En résumé, la perfection se trouve dans les coups de pinceau continus qui semblent avoir été peints par des anges plutôt que par la main de l'homme.

Estim. 5 500 - 7 500 EUR

Lot 32 - Viceregal School. Mexico. 18th Century. - Viceregal School. Mexico. 18th Century. "Our Lady of Guadalupe" Drawing on paper. 51,2 x 38,1 cm. Our drawing was undoubtedly made by a master due to the great artistic quality it reflects. It would not be unreasonable to suppose that it could have come from the hand of Miguel Cabrera, since it is known that he published an account of the image of the Virgin of Guadalupe in 1756 entitled "American marvel and set of rare wonders observed with the direction of the rules of the art of painting", which could well have motivated the Master at the time to make a work on paper. It is a rarity, since we do not find similar examples of a work of this size and quality on paper. It presents a sign of folding and a very small fault.

Estim. 15 000 - 25 000 EUR

Lot 33 - Attributed to Josepha Sánchez (second quarter of the 17th century). - Attribuée à Josepha Sánchez (deuxième quart du XVIIe siècle). "Croix de cellule en bois sculpté et peint. 90 x 53 cm. Jusqu'à présent, on ne sait pas grand-chose de Josepha Sánchez. Elle fut active en tant que peintre dans le deuxième quart du XVIIe siècle, inspirée par les crucifix ascético-naturalistes de Luis Tristán. Un exemplaire presque identique à celui-ci est conservé dans la collection du Musée national des arts décoratifs de Madrid. Bibliographie : https://opusincertumhispanicus.blogspot.com/2013/10/josepha-sanchez.html

Estim. 4 500 - 6 000 EUR

Lot 34 - Jose de Paez (Mexico City, 1727 - circa 1790) - José de Paez (Mexico, 1727 - vers 1790) "Saint Jean de Népomucène Huile sur cuivre. Signée : "Joseph de Paez Fecit. Avec un imposant cadre du 17e siècle. 27 x 21 cm. Dimensions du cadre : 88 x 58,5 cm. Saint Jean de Népomucène était un prêtre bohémien, vicaire général du diocèse de Prague. Martyrisé en 1393 pour le secret de sa confession, il fut jeté dans le fleuve depuis le pont Charles, dans cette ville, par le roi Venceslas IV qui tentait de s'emparer des biens de l'Église. On lui coupa la langue pour ne pas avoir révélé les péchés de la reine au roi, qui voulait les entendre et qui le tua pour son silence. Patron des confesseurs, qui doivent garder le sceau sacramentel. La scène présente saint Jean de Népomucène avec un crucifix, la palme du martyr et cinq étoiles dans son auréole, car la légende raconte qu'elles ont été aperçues autour de sa tête lorsque son corps a été sauvé du fleuve. À sa droite, un petit ange fait le signe du "silence" et, dans le cartouche inférieur, la légende "Pro sigillo Confessionis", qui fait référence au secret de la confession. José de Páez était un peintre actif principalement entre 1750 et 1780. Selon le musée des Amériques de Madrid, "il créa des modèles d'une grande douceur, une beauté idéalisée, des visages ovales, [et] fut un excellent portraitiste". Il développa principalement des thèmes religieux, mais s'intéressa également à la peinture de caste. Il était le peintre préféré des ordres religieux tels que les Franciscains, les Bethléemites et les Oratoriens et a exécuté de nombreuses commandes pour eux. Étant donné sa production très étendue de thèmes universels, il est évident qu'il a développé certaines lignes de son travail sans commandes, mais en sachant qu'il disposait d'un solide marché d'acheteurs pour ses œuvres d'art. Parmi les œuvres conservées, on peut citer les peintures sur cuivre "Divin Pasteur" et "Notre-Dame de Lorette" du Museo de América de Madrid ; le "Médaillon d'un frère avec la Nativité" et "Saint Jean de Népomucène" du LACMA ; la "Virgen de la Merced" du Blaisten Museum ; et les dix peintures du "Cycle de la vie de la Vierge" de 1772 qui ont été restaurées entre 2015 et 2016 et se trouvent dans le sanctuaire de Guadalupe à Chihuahua, au Mexique. Ce projet de restauration a donné lieu à une analyse très intéressante de la procédure technique de José de Páez. Selon le rapport détaillé de Yana Arantxa Ramírez, le peintre a connu un grand succès de son vivant, qui s'est ensuite estompé en raison du mépris généralisé pour la peinture du XVIIIe siècle. Aujourd'hui, "ces dernières décennies, on assiste à un effort de revendication de la peinture du XVIIIe siècle". Ainsi, Magdalena Castañeda, chargée de la restauration des œuvres de Páez, a proposé dans son mémoire de maîtrise une nouvelle approche de sa personnalité artistique et a conclu que le Mexicain était "un artiste inquiet, doté d'une efficacité discursive qui lui a permis de vendre des œuvres à l'intérieur et même à l'extérieur de la Nouvelle-Espagne".

Estim. 13 000 - 20 000 EUR

Lot 35 - Viceregal School. Lima. Peru. 16th century. - École vice-royale. Lima. Pérou. XVIe siècle. Saint Jean sur Patmos Huile sur toile. Relined. 272 x 190 cm. Peinture de grand format très précoce, importante pour comprendre l'évolution de l'art maniériste vers le premier naturalisme, mettant en évidence les plis schématiques, d'influence byzantine, du vêtement de saint Jean, ou les ailes des anges, d'influence Renaissance florentine. Un cartouche indique que le donateur est Juan Martín de Escobar, procureur du couvent de Notre-Dame de la Miséricorde à Lima. On peut lire "Dio este liencoel ermano JvanMartin Descovarpor sv devocion" (Le frère Juan Martín de Escobar a fait don de cette toile pour son culte). L'existence de Juan Martín de Escobar est attestée par ses activités commerciales, qui sont consignées dans le cahier 210 du dossier VII, dans le volume I - livraison I de la "Revista del Archivo Nacional del Perú" (revue des archives nationales du Pérou), publiée à Lima en 1920. Selon ce cahier, l'acte de vente a été accordé le 14 septembre 1629. Un grand signe apparut dans le ciel", raconte saint Jean dans le livre de l'Apocalypse de la Bible. Il s'agit de l'image d'une "femme vêtue de soleil, la lune sous ses pieds, et sur sa tête une couronne de douze étoiles". La figure de la Vierge apocalyptique est le symbole de l'Église, héritière de toute la gloire d'Israël, et conçue comme la mère du Fils de Dieu. Elle apparaît à l'évangéliste et au voyant vêtue de soleil, avec la lune à ses pieds et une couronne de douze étoiles entourant sa tête, image qui sera reprise plus tard pour représenter l'Immaculée Conception de Marie par saint Joachim et sainte Anne. Un dragon - symbolisant le diable - lutte contre la femme - symbolisant l'Église - que Dieu garde et défend en lui donnant les ailes d'un grand aigle pour s'envoler vers le désert et la préserver du diable. C'est pourquoi la figure de l'aigle est souvent présente aux côtés de saint Jean l'Évangéliste. Une vision anachronique du saint est souvent observée dans l'art représentant la Vision sur Patmos, car elle le dépeint comme un jeune homme qui semble n'avoir vieilli que d'une décennie depuis son adolescence lors de la Passion de Jésus. En réalité, saint Jean aurait déjà été très âgé, puisque sa mort est estimée aux alentours de l'an 104, à un âge avancé.

Estim. 25 000 - 40 000 EUR

Lot 36 - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexico, 1695 - Mexico, 1768) - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexico, 1695 - Mexico, 1768) "The Virgin of Guadalupe surrounded by the apparitions to the Indian Diego" Oil on canvas. Signed and dated 1762. 87 x 70 cm. Important representation of the Virgin of Guadalupe, which includes the apparitions and the Indian Juan Diego. It has handwritten legend in Latin: "Non fecit taliter omni nationi" (He did nothing the same with any other nation) in reference to the words pronounced by Benedict XIV when he was presented with the image of the Virgin of Guadalupe and admiring its beauty, he approved the works of the Guadalupe patronage in Mexico. Cabrera is considered the greatest exponent of 18th century Viceroyalty painting, with a production that the Dallas Museum of Art defines as "legendary: more than 309 works from his great studio have been documented". Miguel Mateo Maldonado y Cabrera was born on February 27, 1695 in Antequera, present-day Oaxaca, Mexico, a fact known from the painter's will in 1768. He was the son of unknown parents and godson of a mulatto couple. He moved to Mexico City in 1719, where he began his artistic training, passing through the workshop of Juan Correa in the capital of the Viceroyalty. Cabrera painted altarpieces in the Jesuit church of Tepotzotlán, State of Mexico, in the church of Santa Prisca in Taxco, Guerrero and in the cathedrals of Mexico City and Puebla. Cabrera was not only a painter, but he also participated in the attempt to found an academy of Arts in 1753 and in 1756 he was consecrated as an intellectual, not only as an artist, since he published a narration about the image of the Virgin of Guadalupe in 1756 entitled "Maravilla americana y conjunto de raras maravillas observadas con la dirección de las reglas del arte de la pintura", a narration about the image of the Virgin Guadalupe in the printing press of the Jesuit college of San Ildefonso. In addition to easel painting, his production includes the design of altarpieces, large format works, as well as small copper works and nun's shields. Cabrera's religious painting produces figures of remarkable beauty, a beauty understood under the ideological assumptions of the devotion of the time. It is a refined art that possesses a well-arranged chromatic richness, is sustained by a great work of composition and, no less important, a subtle and expressive drawing. Of all the painters of that time, Cabrera was the one with the greatest personality; the conventional treatment in his figures was undoubtedly the basis of his way of painting, because he placed in his paintings models that were not ideal, but corresponded to people that the artist knew and treated, as when he incorporated in some paintings, portraits of donors or the so-called "prelates" because he had the need to observe directly and copy from nature. He was appointed chamber painter of Archbishop Manuel Rubio y Salinas, who commissioned him to study and paint the image of Our Lady of Guadalupe, reproducing the ayate. The image was sent to Pope Benedict XIV, from whom he obtained the highest recognition as a painter of Guadalupe. Among the portraits he painted, the one of Sor Juana Inés de la Cruz, kept in the National Museum of History, and the one of Juan de Palafox y Mendoza, located in the Museum of Colonial Art in Morelia, Michoacán, Mexico. He was also a painter for the Society of Jesus, for whose churches he produced numerous works. In 1753 he was named president for life of the Academy of San Carlos.His work is preserved in many churches and convents in Mexico.It is also present in numerous public and private collections.Two of his images of the Virgin of Guadalupe are in the Vatican Museum.Another, made in 1756, for the temple of San Francisco Javier, is preserved in the National Museum of the Viceroyalty.The Museum of Art of Dallas, conserves a Santa Gertrudis La Magna by Miguel Cabrera and another representation of the Saint, also by Cabrera and dated in 1768, is part of the collection of the Museum José Luis Bello y Zetina of Puebla, Mexico. Likewise, we highlight an important series of the Caste paintings of 1763 that is conserved in the collection of the Museum of America in Madrid. They depict families, father, mother and child of the various castes and social strata, in everyday life situations. Finally, mention should also be made of the Pinacoteca de La Profesa or the Andrés Blaisten Collection in Mexico, as depositories of Cabrera's work. The Museum of America in Madrid is currently exhibiting a very important retrospective of the painter.

Estim. 48 000 - 60 000 EUR

Lot 37 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIe siècle - Début du XVIIIe siècle. La Inmaculada, la Santa Casa de Loreto et la familia franciscana". Huile sur toile. 57,5 x 41 cm. Delicado y onírico cuadro de La Virgen Inmaculada, patrona de la orden franciscana, posada sobre la Basílica y Casa de Loreto y algunos santos de la familia franciscana a modo de medallones genealógicos. Réalisé, éventuellement, à la demande de l'Ordre pour une maison, un noviciat ou une chapelle de la même. La Santa Casa de Loreto est la même maison de Nazaret qui a rendu visite à l'ange Gabriel lors de la visite de la Vierge Marie, ainsi que la maison où Jesús a passé 30 ans de ses 33 ans avec la Vierge et San José. La Santa Casa se trouve actuellement dans la basilique construite pour elle à Loreto, en Italie. En ce qui concerne le mystère de sa localisation en Italie, il existe diverses traditions. L'une d'entre elles est que la maison a transporté les canons à travers les aires pour éviter leur destruction par les Turcs, mais il existe des documents qui attestent que le responsable du transport était un commerçant du nom de Nicéforo Angelo, au XIIIe siècle. C'est peut-être son nom qui a inspiré l'idée du transfert par l'intermédiaire des "Anges". La famille franciscaine y est également représentée de manière symbolique, avec quelques-uns de ses saints et saintes, à qui est confiée la garde de cette maison : Santa Gertrudis (que no la Magna, que es cisterciense), San Francisco de Asís con las llegas del éxtasis, Santa María de Ágreda, confidente y consejera de Felipe IV, San Diego de Alcalá, San Antonio y Santa Clara. Dans la "compositio loci", on trouve au fond la ville amirale de Jérusalem, à l'extrême droite, depuis laquelle la Santa Casa s'est envolée vers la ville de Loreto en Italie, à l'extrême gauche de la table, où elle se trouve aujourd'hui. Por los santos que aparecen, puede ser fechado claramente en pleno siglo XVII, y en tránsito a inicios del XVIII.

Estim. 3 600 - 6 000 EUR

Lot 38 - Attributed to Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexico, 1713/1715 - Mexico, 1772) - Attribué à Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexique, 1713/1715 - Mexique, 1772) Nature morte aux fruits Huile sur cuivre. 31,5 x 42,5 cm. Juan Patricio Morlete Ruiz fut l'un des plus grands peintres mexicains de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Bien que sa biographie ait été peu connue jusqu'au XXe siècle, son œuvre a commencé à être plus largement diffusée à travers diverses collections, ce qui a permis de mieux le connaître. Morlete, dont l'œuvre est très étendue au Mexique, est particulièrement connu pour sa série de peintures de castes. Le Museo de América possède une nature morte de sa main (inv. 2021/04/01). Manuel López-Pintado y Almonacid (Tolède, 1677 - Séville, 1745) était un amiral de la flotte espagnole. Il fonda l'Académie de peinture en 1753, avec son professeur José de Ibarra, Miguel de Cabrera, José de Alcíbar et d'autres personnalités illustres. Deux ans plus tôt, en 1751, il avait fait partie du groupe d'artistes qui avait inspecté l'image de la Vierge de Guadalupe. Ces deux événements reflètent l'importance artistique et culturelle, ainsi que la reconnaissance sociale et professionnelle de notre peintre.

Estim. 60 000 - 80 000 EUR

Lot 39 - Ignacio Chacón (active in Cuzco, Peru, 1745 - 1775) - Ignacio Chacón (actif à Cuzco, Pérou, 1745 - 1775) Madonna Lactans Huile sur toile. Relined. 51 x 40,5 cm. Ignacio Chacon était l'un des disciples les plus importants du maître Marcos Zapata de l'école catholique du XVIIIe siècle. À Cuzco est née, au milieu du XVIIe siècle, une puissante génération de pintores indigènes, protégés par l'Obispo Manuel de Mollinedo y Angulo, qui est arrivé au Pérou en 1671, a été chargé du diocèse de Cuzco en 1673 et est décédé dans cette ville en 1699. Il a contribué à l'avancement de l'école catholique qui a été créée par la suite. Il a soutenu l'activité croissante des peintres indigènes et métis, en faisant en sorte que cette peinture soit reconnue comme étant naturelle, sans être soumise à l'influence européenne et produite par les éléments naturels. C'est précisément dans ce cadre que l'Obispo Mollinedo est représenté parmi un groupe de personnages de la peinture qui représente la mort de San Pedro Nolasco, dans une série sur la vie du saint réalisée pour l'église principale de la Merced à Cusco, dont certaines œuvres datent de 1763. Dans le Convento de Ocopa (1707), on trouve également des tableaux peints par Chacón représentant la vie de San Francisco. Dans l'un d'entre eux, on peut lire "...estos 4 lienzos se pintaron en la ciudad del Cuzco en el año 1763 y se hizo con la habitual habilidad de pincel del maestro Ignacio Chacón...". En 1775, avec Cipriano Gutiérrez, il a fabriqué un arc du Corpus Christi, auquel ont participé Pedro Nolasco Araujo, Andrés Rodríguez, Jacinto Zegarra et l'artiste Hermenegildo Xara. Son œuvre de 1765, La Madona y el niño con Ave, qui fait partie de la collection privée d'Engracia et Frank Barrow Freyer d'art colonial péruvien au Museo de Arte de Denver-USA, a été transportée sur une estampille du Servicio Postal de USA à l'occasion des fêtes de fin d'année 2006. Comme références comparatives, nous pouvons citer deux liens : la Sagrada familia du couvent de Santa Clara et la Virgen con niño du Museo Historico Regional de Cuzco.

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Lot 40 - Miguel de Berrio (Potosí, Bolivia, 1706 – circa 1762) - Miguel de Berrio (Potosí, Bolivie, 1706 - vers 1762) Lutgardis d'Aywières Huile sur toile. 90 x 64 cm. Gaspar Miguel de Berrío était un peintre, fils de Diego Berrío et de Juana Bravo de Laguna, actif entre 1735 et 1762. Il a principalement grandi dans la ville de Puna, à Potosí, dans l'actuelle Bolivie. La plupart de ses œuvres d'art sont traçables car il avait tendance à les signer et à les dater. Il est considéré comme l'un des artistes les plus importants de l'école de Potosí, à la suite de Melchor Pérez de Holguín, qui fut son maître et exerça sur lui une influence marquante et significative, en particulier dans ses premières peintures. Plus tard, il a décidé de s'éloigner du style de son ancien maître pour adopter celui typique des peintres indigènes, qui privilégiait les dorures et dont les compositions comportaient généralement des personnages très idéalisés, comme le mentionne l'Académie royale d'histoire. Bibliographie: https://dbe.rah.es/biografias/49029/gaspar-miguel-de-berrio

Estim. 35 000 - 45 000 EUR

Lot 41 - Diego Quispe Tito (Cuzco, Peru, 1611 - 1681) - Diego Quispe Tito (Cuzco, Pérou, 1611 - 1681) Saint Antoine avec l'enfant Huile sur toile. 57,5 x 44,5 cm. Comme on peut le lire dans la Real Academia de la Historia Quispe Tito "Membre d'une famille de l'aristocratie inca, il est considéré comme l'un des principaux initiateurs de l'école de peinture de Cuzco. Il serait originaire du village indigène de San Sebastián, qui abrite une partie importante de sa production. Celle-ci est centrée sur les travaux décoratifs de l'église paroissiale de cette ville, à laquelle il a travaillé de manière intensive entre 1634 et 1669. Au cours de ces années, il a réalisé quatre grands cycles picturaux : Vie de saint Jean-Baptiste, La Passion, Martyre de saint Sébastien et Les Docteurs de l'Église. Ces groupes de toiles résument la maturité originale de Quispe Tito, caractérisée par une réinterprétation ingénieuse des estampes européennes et par un coup de pinceau précis, agile et aux couleurs vives. Sa renommée dépasse rapidement les limites de Cuzco et, en 1667, les églises de Potosí lui commandent Jésus parmi les docteurs du temple et Les fiançailles de la Vierge, deux tableaux aujourd'hui conservés au musée de la Casa de Moneda de cette ville. Dans la capitale inca elle-même, l'œuvre la plus ambitieuse de Quispe Tito est la toile des Dernières choses ou du Jugement dernier, peinte pour la loge du portier du couvent de San Francisco en 1675. Le peintre andin y abandonne les formules dynamiques de représentation du Jugement dernier, en vigueur jusqu'à la Haute Renaissance et au début du Baroque en Europe, pour revenir au schéma ordonné, sous forme de couches horizontales successives, courant chez les peintres médiévaux. La Sainte Famille revenant d'Égypte (Musée national d'histoire), datée de 1680, présente la virtuosité caractéristique de ses œuvres ultérieures. Le peintre s'inspire ici d'une composition très répandue de Rubens, mais Quispe Tito réduit considérablement la proportion des figures par rapport au fond pour placer la scène de l'histoire sacrée dans un vaste paysage idéalisé et fantastique, annonçant ainsi l'apparition d'un des genres picturaux préférés à Cuzco au siècle suivant. À la même époque, il exécute la célèbre série du zodiaque, accrochée aux murs des nefs latérales de la cathédrale de Cuzco. Aujourd'hui, seuls neuf des douze signes existent, soit parce que trois d'entre eux ont été détruits, soit parce que l'artiste est décédé avant d'avoir achevé sa commande. Il s'agit d'un cycle christianisé, dans lequel chacun des signes du zodiaque est identifié à une parabole du Christ ou à un récit de l'Évangile. Dans ce cas, Quispe suit littéralement ses sources graphiques flamandes, tout en faisant preuve d'un artisanat pictural d'inspiration européenne, dont le haut niveau technique est inégalé dans le contexte de Cuzco. L'artiste, dans la dernière phase de sa vie, semble ainsi adapter son œuvre aux préférences esthétiques d'une clientèle urbaine et cultivée, ce qui a peut-être attiré l'attention de l'évêque Mollinedo et de son chapitre de la cathédrale.

Estim. 7 500 - 12 000 EUR

Lot 42 - Melchor Pérez Holguín (Cochabamba, Bolivia, 1660 - Potosí, 1732) - Melchor Pérez Holguín (Cochabamba, Bolivie, 1660 - Potosí, 1732) Saint Thomas Huile sur toile. 100 x 78,5 cm. Holguín est l'un des peintres les plus importants du baroque colonial métis, de ce que l'on a appelé l'école de Potosí, qui s'est développée dans les années 1700 - 1790. Le ténébrisme et l'influence de Zurbarán étaient caractéristiques. L'œuvre de Holguin est dominée par les nombreuses commandes réalisées pour les Franciscains et les Dominicains. Né à Cochabamba, en Bolivie, il est mort à Potosí. Comme l'indique Suzanne L. Stratton-Pruitt, bien qu'Holguín ait évidemment connu l'art cuzcan, très répandu et stylistiquement très influent dans le Haut Pérou, son œuvre est très personnelle et s'éloigne quelque peu de ce style, bien qu'elle adopte certains éléments communs à la peinture de Cuzco, tels que les bordures florales. D'autres éléments sont propres à l'œuvre de Holguín, comme l'ajout de brocart d'or dans les auréoles et la dentelle sur les manteaux et les décolletés de la Vierge Marie. De même, la sérénité qui se reflète dans les visages de ses personnages est caractéristique de Holguín.

Estim. 65 000 - 80 000 EUR

Lot 43 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. ‘Virgin and Child’. Oil on canvas. 60 x 54 cm. Wonderful and sweet representation of this cuzqueña maternity. The scene surrounded by a border of flowers and the Virgin and the child adorned by rosary in red coral.

Estim. 8 000 - 12 000 EUR

Lot 44 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIIe siècle. "Allégorie de l'Afrique et de l'Amérique du Sud Paire de peintures à l'huile sur toile. Reliées. 136,5 x 88,5 cm. chacune. Profusion et minutie des détails, excellence du dessin, couleurs joyeuses et grande élégance débordent dans ces deux allégories de deux des quatre continents connus entre le XVIe et le XVIIe siècle. L'Afrique est représentée par une palette mexicaine anonyme qui la peint comme une sibylle de la Renaissance : dominant la scène sur un esclave noir qui lui offre les plus beaux bijoux comme à une reine, à côté d'un lion qui symbolise sa " force ", et avec un panier " abondant " de blé et de nourriture (allégorie de la Fortune), qui représente la richesse. L'Amérique, avec des navires à l'arrière-plan qui "découvrent" de nouvelles enclaves, est représentée comme une princesse avec un manteau fait des plumes d'oiseaux tropicaux les plus rares et les plus riches du paradis amazonien, avec du cacao à ses pieds, offert à l'Europe comme de l'"or" pur. Des bijoux et des broches ornent leurs coiffes et leurs vêtements, des cuirasses qui semblent presque brodées à la perfection, des ceintures chargées de pierres précieuses et des tissus jamais vus auparavant. La caractérisation des vêtements, avec des décorations géométriques curieusement latino-américaines, se retrouve dans la représentation féminine de l'Afrique. Ce couple de deux belles femmes, richement vêtues et parées, pleines de détails luxueux, reflète la projection de deux continents connus et a peut-être fait partie d'un grand projet de décoration majestueuse, digne des rois et des personnages importants.

Estim. 24 000 - 35 000 EUR

Lot 45 - Novohispanic School. Mexico or Peru. Late 17th century. - École novohispanique. Mexique ou Pérou. Fin du XVIIe siècle. "Saint Jacques Huile sur toile. 122 x 84 cm.

Estim. 12 000 - 18 000 EUR

Lot 46 - Antonio Arellano, (circa 1640, Ciudad de México - circa 1700) - Antonio Arellano, (vers 1640, Ciudad de México - vers 1700) Le massacre des innocents Huile sur panneau. Signed. 63 x 44,5 cm. Auteur très célèbre et très connu à Mexico, dont les peintures figurent dans la vaste collection de peintures de la vice-royauté au musée de la basilique de Guadalupe. Dans ce cas, le "massacre des innocents" est un épisode relaté dans l'Évangile de Matthieu (Mt 2, 16-18), qui consiste en l'ordre supposé d'Hérode, roi de Judée, de tuer tous les enfants de moins de deux ans de Bethléem après avoir appris la naissance de Jésus et la visite des trois mages venus d'Orient, les Mages. Dans cette peinture d'Arellano, les plans et les arrière-plans sont entièrement différenciés par le traitement qu'ils reçoivent. Des architectures italiennes à l'arrière-plan, à la manière de Piranèse, et une scénographie humaine au premier plan, prédominent la composition, avec la solidité et la rotondité des figures humaines représentées. Des coups de pinceau esquissés qui rappellent les visages et les nez de Francken, mais sans laisser de côté les détails définis. Une composition chargée par les flexions des corps, les plis et les chutes des vêtements, qui donnent beaucoup de dynamisme à l'œuvre. Enfants sacrifiés "de deux ans et moins" de Bethléem et de sa région, selon la prophétie de Jérémie 31, 15. Arellano a occupé les plus hautes fonctions dans la guilde des peintres et doreurs de Mexico, en alternance avec des personnalités telles que Cristóbal Villalpando et Juan Correa.

Estim. 40 000 - 60 000 EUR

Lot 47 - Juan Pedro López (Caracas, Venezuela, 1724 - 1787) - Juan Pedro López (Caracas, Venezuela, 1724 - 1787) Inmaculée Conception avec des anges Huile sur toile. 90,5 x 56 cm. Bien qu'il ait bénéficié d'une grande reconnaissance de son vivant, Juan Pedro López est resté dans l'oubli après sa mort, en raison des nombreuses turbulences politiques qu'a connues le pays au cours du XIXe siècle. Même son œuvre a fini par être considérée comme anonyme, puisqu'on l'appelait simplement "le Caraqueño" ou "le peintre des enfants cabossés". À partir de la décennie 1960, grâce au travail des critiques Alfredo Boulton et Carlos Federico Duarte, López est redevenu une figure centrale du développement de l'art colonial vénézuélien et est considéré comme l'un des artistes les plus importants de la période coloniale du Venezuela. En tant que peintre, sculpteur et doreur, il a illuminé l'art lugubre de son époque avec la lumière et la grâce du rococo hispano-américain, l'art avec lequel il est lié au maître. Une grande partie de l'œuvre réalisée par Juan Pedro López était de nature religieuse, selon les goûts et la mode de l'époque. Il a travaillé sur une iconographie dépourvue des aspects dramatiques et tragiques qui prévalaient jusqu'à présent et s'est concentré sur la réalisation d'images gracieuses et élégantes qui étaient les plus représentatives de la foi. L'un des premiers travaux importants de ce maître dans le domaine de l'art pictural est la réalisation, en 1752, de douze peintures regroupées sous le titre "Histoire de la vie de la Vierge" à la demande de la confrérie de Notre-Dame de Guise de l'église de San Mauricio, pour être exposées sur l'autel principal. La pertinence de cet ensemble de peintures tient au fait qu'elles réunissent "toutes les formes, les scènes et les caractéristiques des personnages que l'on retrouve tout au long de son œuvre" (Duarte Carlos). En plus des peintures, Juan Pedro López réalisait également des œuvres d'art, et à l'occasion de ces deux activités, il recevait des demandes de restauration de peintures et d'œuvres d'art, de retouches, de modifications et d'ajouts, entre autres. Une autre activité de López était la peinture de voiles utilisés dans des rituels religieux, une activité très répandue à l'époque. Le maître Juan Pedro López était l'un des rares artistes de toute l'Amérique latine à avoir ses propres marques. Nous pouvons comparer notre lien avec celui de la série des Arcángeles de la Cathédrale de Caracas, avec Nuestra señora del Carmen de la collection Cisneros et avec la Virgen del Rosario de la collection Roberto García de la Concha.

Estim. 25 000 - 40 000 EUR

Lot 48 - Viceregal School. Peru. 18th century. - École vice-royale. Pérou. XVIIIe siècle. La Sainte Trinité couronnant la Vierge Marie Huile sur toile. 159 x 122 cm. Cette œuvre reflète une séquence du cycle de la vie de la Vierge Marie que l'on trouve dans l'Apocalypse. Trois figures identiques, la Sainte Trinité, trois en un avec la mitre papale, couronnent la Vierge Marie. Ainsi, Marie peut être interprétée comme une figure trinitaire : comme le Fils, en tant que vierge, en se recevant et en se laissant aimer par le Père ; comme le Père, en tant que source d'amour vivifiant, dans son rôle de mère ; comme l'Esprit Saint, en tant qu'époux, comme lien d'amour entre le Père et le Fils et ouverture au mystère de Dieu sur la terre. La Vierge Immaculée est accueillie dans les cieux, dans une mer de nuages, et est contemplée par saint Didacus d'Alcala, franciscain, représenté avec le miracle des roses, et saint Nicolas de Tolentino, augustinien, avec ses attributs - les étoiles sur son habit et des perdrix sur une petite assiette.

Estim. 18 000 - 30 000 EUR

Lot 49 - Baltasar de Figueroa the Elder (Seville, circa 1550 - Bogota, Colombia, early 17th century) - Baltasar de Figueroa l'Ancien (Séville, vers 1550 - Bogota, Colombie, début du XVIIe siècle) Notre-Dame du Rosaire avec Philippe II et Charles, prince des Asturies, comme donateurs. Huile sur toile on tablex Avec un important cadre en bois sculpté et doré d'époque. 113 x 71,5 cm. Comme le souligne l'historien de l'art Manuel Salvador Sánchez Aparicio dans son étude historiographique sur cet artiste, il est surprenant que Baltasar de Figueroa l'Ancien, appelé ainsi pour le différencier de son petit-fils, reste "l'une des grandes énigmes de l'historiographie de la peinture colombienne, malgré l'importance de l'artisan, qui a en effet commencé une dynastie de peintres qui a prospéré pendant une bonne partie du XVIIIe siècle". Lorsque nous étudions les œuvres d'art de la dynastie Figueroa, nous pouvons apprécier un style très particulier et unique parmi eux, et presque par défaut ou par instinct, nous nous trouvons obligés de mettre les œuvres en relation les unes avec les autres pour finalement comprendre que cette famille a développé un style que beaucoup ont suivi depuis. Il est clair qu'au sein de cette famille, les membres se sont influencés et ont collaboré les uns avec les autres. L'importante présence générationnelle des Figueroa s'est maintenue tout au long des XVIe, XVIIe et XVIIIe siècles, les plaçant au sommet de la peinture en Nouvelle-Grenade. Le tableau que nous étudions ici représente Notre-Dame du Rosaire et l'Enfant Jésus, avec la particularité d'avoir à leurs pieds le roi Philippe II et le prince Carlos d'Autriche en tant que donateurs. Tous deux sont vêtus à la mode sombre, typiquement austère et puritaine, promue par le roi Philippe II lui-même, en raison de la découverte en Amérique du bois de rose pour la teinture des vêtements, une teinture qui sera commercialisée par la Couronne. Cette œuvre est le seul document pictural produit en Amérique latine qui représente le roi et le prince ensemble. C'est également la seule image connue du prince Carlos d'Autriche produite en Amérique à ce jour. Il ne fait aucun doute que le visage allongé, les traits prononcés, les sourcils marqués, la barbe et la moustache de notre donateur sont exactement les mêmes que ceux du portrait de Philippe II conservé au Musée historique national du Chili, ce qui rend le lien entre ces œuvres évident. On peut même considérer qu'ils ont eu accès à une estampe. Le portrait du roi d'Espagne est également comparable à d'autres versions de Sánchez Coello et de Pantoja de la Cruz, où il est représenté à un âge plus avancé avec ses cheveux blancs. Dans la gravure de Pantoja de la Cruz intitulée "Mort de Carlos d'Autriche", le prince est représenté de manière similaire à cette peinture, comme un jeune homme de 21 ans, un âge très similaire à celui de Carlos lorsqu'il a été représenté ici, ce qui suggère que Baltasar de Figueroa l'a probablement peinte à la fin des années 1560. Nous soulignons l'importance de cette œuvre non seulement parce qu'elle a été peinte par l'un des plus grands artistes de la vice-royauté, qui a eu le talent, l'initiative et la persévérance de créer une école qui a perduré dans le temps, mais aussi parce qu'il s'agit d'un témoignage historique et pictural inestimable de l'influence de Philippe II et de sa mode. Ce travail nous fait participer directement à une histoire de synergies et de syncrétismes qui a abouti non seulement à la création d'œuvres d'art latino-américaines influencées par les techniques et les thèmes européens, mais aussi à l'américanisation de l'ancien monde, dont notre travail est un témoin matériel. Bibliographie de référence : - Sánchez Aparicio, Manuel Salvador. (2012). "Baltasar de Figueroa "el viejo" Revisión historiográfica, aportaciones y rectificaciones relevantes en torno a su biografía y procedencia sevillana. "Ensayos. Historia y teoría del arte, Bogotá, D. C., Universidad Nacional de Colombia,num. 22, pp. 70-86.

Estim. 70 000 - 80 000 EUR

Lot 50 - Novohispanic School. Mexico. 17th century. Circle of Cristóbal de Villalpando (Mexico City?, 1649 - Mexico, 1714) - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIe siècle. Cercle de Cristóbal de Villalpando (Mexico ?, 1649 - Mexico, 1714) Huile sur toile, dans son châssis d'origine en bois de cèdre. 158,5 x 223,5 cm. Impressionnante peinture à l'huile qui raconte la scène décrite dans Jean 18:2 et Luc 22:39, la scène de Gethsémani, ce jardin sur le Mont des Oliviers où Jésus se retirait souvent pour prier. En araméen, "Gethsémani" signifie "pressoir à olives" ou "pressoir à huile", avec cette nuance spécifique que lorsque les olives sont pressées pour la première fois dans le pressoir, l'huile qui en sort est rouge, comme du sang. Selon le récit de Luc, "Jésus s'éloigna d'eux d'environ un jet de pierre et, se mettant à genoux, il pria en disant : "Père, si tu le veux, éloigne de moi cette coupe ; mais que ma volonté ne se fasse pas, que la tienne se fasse". .... et plein d'angoisse, il suait comme des gouttes de sang...". À droite, nous voyons Pierre (l'un des trois présents, Jacques et Jean étant les deux autres), qui s'est endormi pendant que Jésus priait. Et à l'arrière-plan, la ville de Jérusalem, située dans le lieu central de la vie de Jésus, de sa mort, de sa crucifixion et de sa résurrection. Cristóbal de Villalpando est, avec Juan Correa, l'artiste le plus important de la Nouvelle Espagne dans le dernier quart du XVIIe siècle. Il a réalisé deux des œuvres artistiques les plus importantes : les grandes toiles allégoriques de la cathédrale métropolitaine de Mexico et la cathédrale de Puebla, dont il a même peint la coupole. Son style est très personnel ; il combine une coloration acide et irisée avec des tons presque métalliques avec des plis très nerveux dans les vêtements et des tons chair avec des reflets bleutés, le tout dans un esprit maniériste qui peut rappeler les artistes d'Europe du Nord. Ses compositions s'inspirent de sources très éclectiques en accord avec son intentionnalité iconographique, des gravures de Rubens et des modèles baroques péninsulaires tels que Carreño de Miranda et Francisco Rizzi, dont il a même repris une célèbre Immaculée Conception et dont il reprend également les couleurs juteuses et vibrantes. Elle présente quelques taches au dos dues à de petites restaurations, mais elle est dans sa toile d'origine.

Estim. 24 000 - 35 000 EUR

Lot 51 - Nicolás Enríquez (Mexico, 1704 - 1790) - Nicolás Enríquez (Mexique, 1704 - 1790) "Pietá Huile sur cuivre. Signée : "Enriq. Fac. 42 x 32,5 cm. Nicolás Enríquez était membre de la première académie de peintres établie au Mexique vers 1722 par les frères Nicolás et Juan Rodríguez Juárez. Il est considéré comme l'un des meilleurs artistes de l'époque à peindre sur cuivre. Le Metropolitan Museum de New York a acquis en 2014 une série de cinq peintures à l'huile sur cuivre du peintre mexicain Nicolás Enríquez, afin d'enrichir sa collection d'art néo-espagnol. Cette série a été commandée à Enríquez en 1773 par le marchand basque Juan Bautista Echeverría.

Estim. 6 000 - 9 000 EUR

Lot 52 - Novohispanic School. Guatemala. 18th century. - École novohispanique. Guatemala. XVIIIe siècle. "Saint Joseph avec l'enfant Importante sculpture en bois sculpté et polychromé avec des compléments en argent comme le bâton porté par Saint Joseph et les auréoles des deux personnages. Elle repose sur sa base d'origine en bois sculpté et doré. Il s'agit d'une figure vêtue, donc les visages, y compris le cou, et les extrémités de saint Joseph et de l'Enfant sont polychromes. Dans ce cas précis, la qualité de la polychromie des tons chair des visages porcelainés est particulièrement remarquable. 80 x 32 x 20 cm.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 53 - Attributed to Bernardo Legarda (Quito circa 1700 - 1773) - Attributed to Bernardo Legarda (Quito circa 1700 - 1773) ‘Saint Joseph and Virgin Mary’. Pair of carved and polychrome wood sculptures with vitreous eyes. Belonging to a nativity scene. 28 x 16 x 10 cm. and 30 x 16 x 12 cm. Wonderful example of the baroque sculpture from Quito. The sculptor presents us with the Virgin and Saint Joseph humanized and with a serene expression full of spirituality. Bernardo Legada, sculptor and painter of enormous talent, stood out as one of the most important artists of the Viceroyalty of Ecuador. Like other indigenous art imagers, he dedicated himself solely to sacred art. Among his most important works is the main altarpiece of the Church of La Merced in Quito, as well as the altarpiece of the Temple of the Jesuits. Wonderful treatment of the flesh tones, with the characteristic polychrome of the faces that looks like porcelain. The decoration of the habit is a delightful brush composition of polychrome flowers and fine gold latticework. Some of Legarda's important works are, for example, the Calvary found in the Convent of Santo Domingo in Quito, the Virgin of Quito which is in the main altar of the church of San Francisco and is the only work that has the signature of the author, Our Lady of the Assumption of Popayán, preserved in the Cathedral of Popayán, Colombia, a San Juan de Dios of the Convent of Santo Domingo in Quito, or the Calvary of the Chapel of Cantuña, in Quito. He is also the architect of the altarpieces Retablo Mayores de la Iglesia del Monasterio del Carmen Bajo and de la Iglesia la Merced both in Quito, or of the Retablo del Presbiterio de la Iglesia la Compañía. Bibliography of reference: - "Escuela quiteña: principales exponentes y su legado en el arte ecuatoriano. Plan de difusión cultural”. Estupiñán Ordóñez Doris Amelia. P. 187, nº 48.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 54 - Wonderful silver and tortoiseshell chest. Mexico. 17th - 18th century. - Merveilleux coffre en argent et en écaille. Mexique. XVIIe - XVIIIe siècle. 11,5 x 17,5 x 9 cm. Il conserve sa clé d'origine, qui ne peut être tournée.

Estim. 5 500 - 7 000 EUR

Lot 55 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. Magnificent and very rare set of six reliefs in gilded and embossed silver, depicting the figures of six harquebusier archangels, to the smallest detail. Mounted on an imposing ebony veneered wooden frame. Total measurements: 75 x 85 cm.

Estim. 9 000 - 12 000 EUR

Lot 56 - Molded, cast and engraved silver box. Viceroyalty of Peru, Sierra or Altiplano. 17th century. Circa 1600-1625. - Boîte en argent moulé, coulé et gravé. Vice-royauté du Pérou, Sierra ou Altiplano. XVIIe siècle. Vers 1600-1625. 22 x 58 x 24,5 cm. 3.600 gr. Boîte très intéressante, car son usage est civil et non religieux, l'argent à usage religieux étant plus courant à trouver. Dans son rapport, le Dr Esteras s'interroge sur son utilisation, mais termine en indiquant qu'il s'agit d'une pièce exceptionnelle "qu'est-ce qui a pu y être déposé ? En raison de ses dimensions et de son poids, il est impensable qu'il s'agisse d'un coffret de voyage destiné à transporter des effets (entre autres parce qu'il est dépourvu de poignées latérales pour faciliter son transport), mais nous pensons plutôt qu'il a été conçu comme un coffre pour conserver quelque chose de très précieux qui n'était ni des bijoux ni des documents, mais peut-être destiné à contenir quelque vêtement en soie (très prisé à l'époque) ou à servir de boîte à chapeaux ? Il faudra attendre des données futures et nouvelles pour pouvoir déterminer s'il s'agissait bien de sa véritable destinée ou si simplement le coffret n'avait pas de fonction particulière, laissant à son propriétaire une liberté d'utilisation. Il ne fait aucun doute que cette boîte est une pièce exceptionnelle, unique dans son genre et pour les caractéristiques structurelles et décoratives mentionnées ci-dessus, mais elle se distingue surtout par son bon état de conservation, compte tenu du fait qu'il existe peu d'exemples d'objets en argent pour séculiers de cet âge et d'origine péruvienne. En somme, un objet de luxe conforme au goût des trousseaux de l'aristocratie vice-royale.

Estim. 20 000 - 24 000 EUR

Lot 57 - Bernardo de Legarda (Quito, Ecuador, circa 1770 - 1773) - Bernardo de Legarda (Quito, Équateur, vers 1770 - 1773) Martyre de Sainte-Barbe". Relief en bois sculpté, polychromé et doré. 35,5 x 27 x 3,5 cm. Magnifique relief dans lequel Legarda raconte magnifiquement le moment dramatique où la sainte est sur le point d'être décapitée, alors qu'un éclair est sur le point de tomber sur son bourreau et de le tuer. À côté d'elle se trouve la tour dans laquelle son père, Dioscorus, l'avait enfermée pour la protéger du harcèlement des prétendants. Avant d'entrer dans la tour, la sainte se baptise dans un bassin. Elle s'échappa, mais fut arrêtée et amenée devant le juge Martinianus, qui la condamna à mort. Dans ce relief, la tour, selon la tradition, a trois fenêtres pour rappeler les paroles de la sainte, qui affirmait que la lumière était entrée en elle par les trois fenêtres du Père, du Fils et du Saint-Esprit. Le relief est un exemple de maîtrise absolue et de virtuosité dans la polychromie. Les personnages sont vêtus de robes riches et élaborées aux couleurs vives, avec un pinceau polychrome de fleurs enrichi de motifs peints en or. L'ornementation est soignée dans les moindres détails. Il est présenté dans son cadre original en bois sculpté, de type niche, dont le bord intérieur est même décoré d'une bordure de fleurs. Bernardo Legada, sculpteur et peintre de grand talent, est l'un des artistes les plus importants de la vice-royauté de l'Équateur. L'ampleur, la variété et la qualité esthétique de son œuvre sont sans équivalent dans toute la période vice-royale. Legarda, tout en consolidant la validité de l'école de Quito en tant que style différencié, est un pionnier dans la vision de l'artiste en tant qu'individu. Lorsque nous parlons de ce maître, nous ne pensons généralement qu'à ses sculptures autonomes, mais Legarda est peut-être l'un des rares artistes de la région sud-américaine à avoir hérité de la polyvalence multidisciplinaire des premiers artistes arrivés ou développés en Amérique latine, comme le fut le maître Bernardo Bitti, l'un des trois piliers de l'art vice-royal en Amérique du Sud à la fin du XVIe siècle. Sculpteur remarquable et raffiné, imagier prolifique, peintre habile, doreur, orfèvre et miroitier minutieux, son atelier, vaste et prospère, situé près de San Francisco, était un centre de grande activité. Les différentes églises de la capitale équatorienne abritent un grand nombre d'œuvres du maître Bernardo de Legarda qui témoignent de son génie. Parmi ses œuvres les plus importantes, on peut citer le retable principal de l'église de la Merced à Quito, ainsi que le retable du temple des Jésuites. Ce relief est d'autant plus remarquable qu'il y a très peu d'œuvres de Legarda sur le marché aujourd'hui, et encore moins avec ce type de sculpture en relief. Sa petite taille et sa qualité, ainsi que sa magnifique polychromie, font de ce relief un joyau convoité qui pourrait certainement être une pièce de musée. Les expressions douces des personnages, qui semblent ignorer la scène où Sainte Barbe est sur le point d'être égorgée, sont typiques de Legarda. Ce type d'expression et les visages idéalisés qui rappellent les poupées de porcelaine sont répétés à l'infini dans ses sculptures. Il suffit de voir quelques-unes de ses œuvres pour constater qu'il s'agit sans aucun doute du grand maître des visages aimables, sereins et doux. Nous prenons deux œuvres de l'auteur comme références typologiques de sa sculpture en relief. D'une part, un ensemble sculptural en relief conçu dans sa propre niche, représentant la Vierge immaculée apocalyptique avec un chœur d'anges, dans le musée du centre culturel BEAEP. D'autre part, une exquise sculpture en relief de plus grandes dimensions représentant l'Assomption de Marie, dans l'église de San Francisco, à Quito, en Équateur. En outre, lors de l'analyse de la sculpture, nous avons comparé ses vêtements, sa polychromie et ses traits doux avec ceux de l'archange Saint Gabriel de la même église de Quito, ainsi qu'avec l'archange Saint Michel de la cathédrale primatiale de Quito, dont le doux visage rappelle tout particulièrement celui de la Sainte Barbe que nous avons ici.

Estim. 35 000 - 60 000 EUR

Lot 58 - Large, curved lidded wooden chest with inlay and sgraffito decoration using the zulaque technique and wrought iron fittings. Novo-Hispanic work. Villa Alta de Oaxaca, Mexico. 17th century. - Grand coffre en bois à couvercle bombé, à décor d'incrustations et de sgraffites selon la technique du zulaque, avec des ferrures en fer forgé. Travail novo-hispanique. Villa Alta de Oaxaca, Mexique. XVIIe siècle. 50 x 85 x 43 cm. Ce coffre est unique car toute sa décoration est centrée sur des cultures ancestrales antérieures à l'arrivée des Espagnols, en référence aux Aztèques. On y trouve des éléments de faune et des personnages sans rapport avec ceux extraits des gravures européennes. Cette particularité indique, à notre avis, une volonté assez marquée de mettre en valeur ces origines et cette culture avec fierté, en renonçant à l'habituelle décoration d'inspiration européenne. Nous en déduisons qu'il pourrait s'agir d'une commande d'une personnalité importante de la société oaxaquénienne. Sur le couvercle incurvé, au centre, se trouve un motif en forme de rosette formé de plumes et de feuilles. Au-dessus et au-dessous de la rosette, on trouve une tête avec une couronne de plumes, qui pourrait bien représenter Moctezuma, à notre avis ; en fermant le cercle, le même motif d'un visage avec une curieuse coiffe est répété. De part et d'autre de cette scène centrale, on trouve une composition élaborée de fleurs et de rosettes. Le bord supérieur du couvercle est bordé d'une bordure identique à celle que l'on trouve sur l'un des deux coffres oaxaquiens conservés à Saragosse au musée de l'Alma Mater. La face avant est magnifiquement décorée, là encore avec un caractère résolument indigène : elle présente de part et d'autre un quetzal probablement bicéphale sur un piédestal. Comme l'indique Paz Aguiló à propos d'un coffre similaire provenant de Saragosse, dont le couvercle est décoré d'une paire d'oiseaux semblables à des aigles, "il pourrait s'agir d'une paire de quetzals" : Il pourrait s'agir d'une paire de quetzals disposés dans un style héraldique, à l'instar des aigles des décorations européennes. Cette transformation d'éléments animaux et végétaux tirés de gravures européennes en éléments natifs de leur environnement est ce qui fait véritablement du mobilier de Oaxaca l'expression authentique du style novo-hispanique. Dans la partie centrale de la façade se trouvent les figures de deux indigènes avec une lance sur le dos d'un animal qui ressemble à un cheval avec une tête de félin, ainsi que deux figures humaines attrapant un serpent enroulé. Enfin, au centre, sous la magnifique ferrure, se trouve une dame avec une fleur qui pourrait symboliser le printemps. Les deux faces présentent le même motif d'un guerrier avec bouclier et épée se défendant contre deux lions en les tuant. On observe des similitudes entre le décor de ce coffre et des objets d'artisanat local en or et en argent trouvés dans d'anciennes tombes, comme les pièces pectorales en or et en argent des Mixtèques ou d'autres objets plus étroitement liés au décor de ce coffre : Les bijoux mésoaméricains retrouvés dans la tombe 7 de Monte Albán, située à Oaxaca même. Ce type de mobilier était un exemple clair du prestige social de ses propriétaires, comme l'indique Gustavo Curiel, car des exemples de meubles oaxaquéniens ont été trouvés dans les inventaires de familles nobles. Contrairement à ce coffre, il était plus courant que ce type de meuble soit destiné à l'exportation et, par conséquent, décoré dans le goût de la clientèle européenne, qui préférait les scènes allégoriques, mythologiques, courtisanes, palatiales ou paysagères, tirées de livres et de gravures européens. Comme nous l'avons mentionné, cette influence ne se reflète pas dans l'esprit qui a inspiré la création de ce grand coffre dans la vente aux enchères. Des pièces de la même importance que celle-ci, mais sans la particularité de la décoration aztèque traditionnelle, se trouvent dans divers musées. Une pièce similaire est conservée dans la collection du Musée Franz Mayer de Mexico ; de même, un magnifique bureau fait partie de la collection du Musée archéologique national de Madrid ; le magnifique coffre de la Villa Alta des marquis de Mancera de la collection Gerstenmaier ; ainsi que les deux coffres, comme mentionné, conservés au Musée Alma Mater de Saragosse. La technique de décoration spécifique et unique à Oaxaca est bien expliquée par M. Andrés Gutiérrez Usillos, dans "El baúl de taracea de Villa Alta (Oaxaca, Nueva España) de los marqueses de Mancera en la colección Gerstenmaier. Una obra invitada en "contexto" en el Museo de América" (Le coffre en marqueterie de Villa Alta (Oaxaca, Nouvelle-Espagne) appartenant aux marquis de Mancera dans la collection Gerstenmaier. Une pièce invitée en "contexte" au Musée des Amériques) : L'un des aspects les plus intéressants qui caractérisent et individualisent cette production de Villa Alta par rapport à d'autres menuiseries similaires est l'utilisation du sgraffite ou excavation des contours, des plis, des traits et des ombres des dessins et des figures, et leur remplissage avec une pâte noire appelée zulaque ou zumaque, qui donnerait un aspect très similaire à celui des gravures sur bois [....] la technique de la marqueterie de bois et des incisions ou sgraffites remplis de pâte noire, caractéristiques qui définissent la production de la vice-royauté de la ville de Villa Alta, à Oaxaca, au Mexique". Il est également intéressant de lire Aguiló, qui explique que la technique en question est une "zulaque gaufrée - une pâte bitumineuse d'une épaisseur de 1,5 cm".

Estim. 35 000 - 45 000 EUR

Lot 59 - Possibly Laca de los Galgos workshop (Patzcuaro, Mexico, 18th century) - Peut-être l'atelier de Laca de los Galgos (Patzcuaro, Mexique, XVIIIe siècle) Paravent à quatre feuilles. Dimensions ouvertes : 215 x 212 cm. Dimensions fermées : 215 x 53 cm. Les paravents de la Nouvelle Espagne sont un mélange d'intentions et de lieux différents. Ils rappellent par leur forme les meubles orientaux qu'ils évoquent, si l'on pense qu'ils faisaient partie des aiuares somptueux des palais et des seigneurs d'Orient, et que par leur forme et leur usage ils étaient destinés à réserver certains espaces, aussi bien ceux dédiés au service des audiences et des cours que les pièces aménagées pour l'intimité et le repos quotidien. Au cours de leur longue existence, les surfaces des paravents ont été peintes avec toutes sortes de sujets figuratifs : des histoires et des légendes aux paysages naturalistes avec des chevaux, des oiseaux et des fleurs, bien qu'il y ait aussi des paravents destinés à présenter des traits calligraphiques exquis. Pour ce faire, les paravents utilisaient toutes sortes de matériaux : certains recouvraient leur surface de différents métaux précieux, d'écailles de tortue, de bijoux, de fines étoffes de soie ou d'une variété de papiers, en fonction de la splendeur que chaque seigneur et palais souhaitait afficher. Ce magnifique paravent, composé de quatre feuilles, est étroitement lié à la production artistique d'éléments laqués dans le monde novo-hispanique, et plus précisément dans ce cas à un atelier probablement établi à Patzcuaro et connu sous le nom de Taller de los Galgos. La technique de la laque dans l'ensemble des Amériques s'est développée en combinant les techniques préhispaniques de la laque avec les techniques et les motifs décoratifs souvent produits en Orient, ce qui a donné lieu à de merveilleuses créations comme celle que nous présentons ici. Pour un œil non averti, la charge visuelle décorative aux influences orientales de notre paravent est évidente et se retrouve également dans les cinq exemples de bateas connus à ce jour de cet atelier. Dans ces derniers, la charge exagérée d'éléments décoratifs végétaux de fleurs et de fruits, comme la grenade, se répète à l'infini comme dans notre paravent. Ce ne serait pas la première fois qu'un atelier spécialisé dans un type d'articles se mettrait à en produire d'autres en utilisant la même technique. C'est notamment le cas de l'atelier Cerda, spécialisé dans les plateaux, dont nous avons la preuve qu'il existe une fantastique commode laquée au Metropolitan Museum et une peinture d'une Vierge signée par lui.

Estim. 45 000 - 60 000 EUR

Lot 60 - Novohispanic School. Mexico. 18th Century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIIe siècle. "Porte-étendard en forme de lion Paire de sculptures en bois sculpté et partiellement doré. 150 x 74 x 55 cm et 145,5 x 74 x 54 cm. Très rare et imposante paire de sculptures en bois sculpté et partiellement doré. Ces figures étaient destinées à être placées de part et d'autre du trône des rois ou des vice-rois lors de réceptions de dignitaires d'autres pays, et sur chaque lion était placé le drapeau de chaque pays.

Estim. 25 000 - 30 000 EUR

Lot 61 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - École vice-royale. Cuzco. Pérou. XVIIIe siècle. "Vierge à l'enfant Huile sur toile. 36 x 26 cm. Dimensions du cadre : 79 x 50 cm.

Estim. 5 500 - 6 500 EUR

Lot 62 - Circle of Angelino Medoro (Rome, circa 1565 - Seville, 1632) - Cercle d'Angelino Medoro (Rome, vers 1565 - Séville, 1632) Saint Michel Archange Huile sur toile. 120 x 101 cm.

Estim. 18 000 - 35 000 EUR

Lot 63 - Novohispanic School. Mexico. 17th Century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIe siècle. Saint Michel Archange Huile sur toile. 144 x 89,5 cm. Accompagnée d'un cadre en bois sculpté, doré et polychromé d'époque.

Estim. 7 500 - 15 000 EUR

Lot 64 - Juan Rodríguez Juárez (Mexico City, 1675 - 1728) - Juan Rodríguez Juárez (Mexico, 1675 - 1728) Pietà Huile sur cuivre. Vers 1702. 26,5 x 19,8 cm. Juan Rodríguez Juárez cultivait le genre retratista et se distinguait par la précision de son dessin, la solidité de ses figures et le traitement de ses traits. Fils d'Antonio Rodríguez et fils de José Juárez, grand représentant du baroque néo-hispanique, Juan Rodríguez Juárez s'est lancé très jeune dans la peinture et a été le contemporain de Cristóbal de Villalpando. Il a étudié avec José de Padilla, avec qui il a travaillé dans son atelier. Avec son frère Nicolás, il a été le précurseur d'un grand changement dans les thèmes, les modèles et le langage visuel, un fait qui a servi de base entre les siècles XVII et XVIII, et qui a donné naissance aux premières académies d'art en Nouvelle-Espagne. En plus d'être un grand dessinateur, il a créé de nombreuses œuvres religieuses. Le musée national d'art conserve d'importantes œuvres de son auteur, dont l'Autorretrato et La Vierge du Carmen avec Sainte Thérèse et Saint Jean de la Croix. Dans cette dernière œuvre, un livre sur papier datant de 1708, Rodríguez Juárez exalte les deux saints réformateurs de l'ordre du carmel : sainte Thérèse d'Ávila, théologienne de l'Église et fondatrice des carmels, et saint Juan de la Cruz, théologien et poète, auteur du célebre Cántico espiritual. Nous soulignons également le travail réalisé pour l'autel des Rois dans la cathédrale métropolitaine, avec les thèmes de l'appel de la Vierge et de l'adoration des Rois. Centré sur notre pièce, le cobre que nous présentons est d'une qualité extraordinaire, tant au niveau du dessin que de la couleur de la palette chromatique sélectionnée. Il est en cela très similaire et comparable au cobre de l'Entierro de Cristo qui est exposé actuellement au Metropolitan Museum of Art de New York. Les deux compositions, qui proviennent de gravures flammées, présentent la couleur brillante et le modèle vigoureux caractéristiques de la première phase de la carrière de l'artiste. Sans aucun doute, ils sont de la même main et, de fait, ils pourraient faire partie de la même série s'ils étaient comparés. Ce n'est pas seulement la palette de couleurs typique de l'artiste qui les rapproche, mais aussi les pinceladas, l'utilisation de l'or en brocards et en aureolas, les carnaciones et l'anatomie utilisée pour définir le corps humain qui sont identiques dans les deux œuvres.

Estim. 45 000 - 70 000 EUR

Lot 65 - Workshop of Cipriano de Toledo and Gutiérrez (active in Cuzco, Peru, 1761 - 1775) - Atelier de Cipriano de Toledo et Gutiérrez (actif à Cuzco, Pérou, 1761 - 1775) "L'exaltation de Notre-Dame du Mont Carmel et des âmes du purgatoire, parmi les anges, les archanges et les saints". Huile sur toile. Relined. 98 x 72 cm. L'œuvre que nous présentons ici reflète le lien iconographique et dévotionnel entre la Vierge du Carmel et le purgatoire dans l'art colonial péruvien. Dans cette société, le souci de sauver l'âme est permanent. L'importance du scapulaire, habit carmélite simplifié, profondément ancré dans l'imagerie collective en raison des promesses mariales qu'il contient, et la manière dont il a permis de transcender la dévotion à la Vierge du Mont Carmel sont également à prendre en compte. Au centre de la toile, la Vierge Marie est couronnée par deux anges. Gabriel, Michel, Raphaël et Uriel, quatre des sept archanges, sont représentés à proximité. Saint Joseph est à gauche et saint Jean-Baptiste à droite de Marie, comme intercesseurs pour ouvrir les portes du ciel. À gauche, dans un faux ovale, se trouve un cartouche dont l'écriture est presque illisible aujourd'hui, mais qui donne un sens à la peinture. On peut y lire : "A su Ilustrísima[...] María Santísima, Año de 1784 ( ?), año de la consagración de la Virgen del Carmen con el milagro que me libró de la enfermedad del demonio al que mató de [...] en la localidad de Sulco, Distrito de [...] catqa. ~ Cuzco 1784 ~". (A Sa Très Illustre [...] Très Sainte Marie, Année 1784 ( ?), année de la consécration de la Vierge du Carmen avec le miracle qui m'a libéré de la maladie du démon qui a tué [...] dans la localité de Sulco, District de [...] catqa. ~ Cuzco 1784 ~). À droite de la Vierge, à ses pieds, se trouvent les âmes bénies du purgatoire. En résumé, cette peinture représente la protection des âmes et la gratitude pour un miracle, un ex-voto qui reflète clairement ce lien iconographique et dévotionnel avec la société de la vice-royauté péruvienne de l'époque. Peu d'informations nous sont parvenues sur le peintre Cipriano de Toledo y Gutiérrez. Nous savons qu'il a développé sa carrière autour de la ville péruvienne de Cuzco, avec un style enclin à des compositions souvent complexes sur le plan iconographique, avec l'utilisation d'un dessin très marqué, qui se reflète dans les contours des figures. Il fut actif au moins entre 1761 et 1775, ce que nous savons grâce à la datation de certaines de ses œuvres documentées, et il fut le disciple le plus proche de Marcos Zapata, le remplaçant pour terminer l'œuvre de San Blas. Cette toile est étroitement liée à la Vierge de la Miséricorde de Quito de la collection Carl et Marilynn Thoma et à la Vierge de Characato du Blanton Museum. L'anatomie des personnages et de leurs vêtements, la palette de couleurs, le style de composition et l'utilisation du brocart d'or dans les deux tableaux et notre œuvre en question sont très caractéristiques de l'artiste et de son atelier.

Estim. 35 000 - 45 000 EUR

Lot 66 - Circle of Diego Quispe Tito (Cuzco, Peru, 1611 - 1681) - Cercle de Diego Quispe Tito (Cuzco, Pérou, 1611 - 1681) Le baptême du Christ Huile sur toile. 80,5 x 64 cm. Les données et l'emplacement géographique de cette peinture sont basés sur l'étude des matériaux utilisés, l'époque et l'esthétique culturelle née à partir du Maestro Quispe Tito comme la palette de couleurs, l'influence flamenca dans le paysage et la représentation des oiseaux locaux comme les loros et les guacamayos que l'on trouve dans l'espace principal. Ces éléments utilisés à un moment donné dans notre peinture nous rapprochent du pinceau du maître, ce qui signifie que l'auteur de notre lien devait être quelqu'un de très proche de Quispe Tito. Au cours des décennies suivantes, l'œuvre et la prolifération de l'atelier du maître ont atteint des niveaux jamais vus auparavant dans la peinture de Cuzco. Cette œuvre contemporaine du milieu du XVIIe siècle s'inspire d'une des peintures murales de Luis de Riaño du premier trimestre du XVIIe siècle dans l'église d'AndahuayIillas et de l'œuvre qui représente la même iconographie dans l'église d'Urcos, réalisée par le peintre muraliste indigène Diego Cusihuaman. Le baptême est considéré par les Églises chrétiennes comme un moment fondamental dans la vie du croyant. La célébration de ce sacrement est émaillée de rites à forte signification spirituelle et théologique qui témoignent de la grande attention que les communautés de foi ont porté au baptême tout au long de l'histoire du christianisme. Le baptême et l'eucharistie sont considérés par l'Église catholique comme les deux sacrements les plus importants, les seuls reconnus par les Églises réformées comme étant institués par le Christ lui-même. Dans la lecture chrétienne de l'Ancien Testament, le bouddhisme et l'eucharistie sont préfigurés comme une image ou un type, c'est-à-dire comme une ombre des nouvelles réalités créées par le Christ. Avec les cinq autres sacrements, ils forment le canon des sept, défini par l'Église au Concile de Florence et ratifié au Concile de Trente.

Estim. 16 000 - 25 000 EUR

Lot 67 - Juan Patricio Morlete (San Miguel de Allende, Guanajuato, 1713 - Mexico City, 1772) - Juan Patricio Morlete (San Miguel de Allende, Guanajuato, 1713 - Mexico, 1772) "Vierge de Guadalupe" Huile sur toile. 66 x 55,5 cm. Juan Patricio Morlete Ruiz fut l'un des plus grands peintres mexicains de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Bien que sa biographie ait été peu connue jusqu'au XXe siècle, son œuvre a commencé à être plus largement diffusée grâce à diverses collections, ce qui a permis de mieux le connaître. Morlete, dont l'œuvre est très étendue au Mexique, est particulièrement connu pour sa série de peintures de castes. Le Museo de América possède une nature morte de sa main (inv. 2021/04/01). Manuel López-Pintado y Almonacid (Tolède, 1677 - Séville, 1745) était un amiral de la flotte espagnole. Il fonda l'Académie de peinture en 1753, avec son professeur José de Ibarra, Miguel de Cabrera, José de Alcíbar et d'autres personnalités illustres. Deux ans plus tôt, en 1751, il avait fait partie du groupe d'artistes qui avait inspecté l'image de la Vierge de Guadalupe. Ces deux événements reflètent l'importance artistique et culturelle, ainsi que la reconnaissance sociale et professionnelle de notre peintre.

Estim. 28 000 - 35 000 EUR

Lot 68 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIIe siècle. "Saint Joseph avec l'enfant Huile sur toile. 63 x 57 cm. Le culte de saint Joseph a connu une grande dévotion à partir du XVIe siècle, devenant l'un des plus représentés artistiquement, en tant que patron des travailleurs et patriarche de l'Église. Comme ici, les peintres du XVIIIe siècle nous montrent un jeune Saint-Joseph, et non un vieil homme comme on pourrait s'y attendre, à l'expression douce et manifestant son amour paternel. En Nouvelle-Espagne notamment, on lui vouait une grande ferveur et on le considérait comme un protecteur, surtout à partir de 1732, lorsqu'il fut nommé saint patron de la ville de Mexico.

Estim. 4 500 - 6 500 EUR

Lot 69 - Attributed to Nicolás Correa Juárez (Mexico, final quarter of the 17th century) - Attribué à Nicolás Correa Juárez (Mexique, dernier quart du XVIIe siècle) Apostolat Ensemble de douze huiles sur cuivre représentant les douze apôtres. 31 x 24 cm chacune.

Estim. 25 000 - 35 000 EUR

Lot 70 - Attributed to Mateo Perez de Alesio, also known as Matteo de Lecce (Lecce, Italy, 1547 - Lima, 1628). - Attribué à Mateo Perez de Alesio, également connu sous le nom de Matteo de Lecce (Lecce, Italie, 1547 - Lima, 1628). Adoration des bergers Huile sur panneau. 201 x 137 cm. Pérez de Alesio fut un peintre et un sculpteur important. Dès l'âge de seize ans, il fut un apprenti distingué dans l'atelier de Michelangelo Buonarroti, travaillant même à la peinture de la chapelle Sixtine. La plupart de ses peintures sont de nature religieuse. En 1575, il s'installe en Espagne, où il travaille à la cathédrale de Séville, et en 1588, il arrive à Lima, où il devient le peintre le plus important pendant de nombreuses années et exerce une influence sur les peintres locaux même après sa mort. Selon les recherches de l'historien et prêtre jésuite Rubén Vargas Ugarte, il est le fondateur de l'une des premières écoles d'art de Lima. En 1590, il réalise le portrait du VIIIe vice-roi Don García Hurtado de Mendoza, IVe marquis de Cañete, qui gouverna entre 1589 et 1596.

Estim. 25 000 - 35 000 EUR

Lot 71 - Attributed to Padre Jesuíno of Monte Carmelo (Santos, São Paulo, 1764 - Itu, São Paulo, 1819) - Attribué à Padre Jesuíno de Monte Carmelo (Santos, São Paulo, 1764 - Itu, São Paulo, 1819) La Vierge Marie lisant les armoiries des Carmélites. Huile sur toile. 143 x 111 cm. Exquise représentation de la Vierge du Carmel, couronnée comme une reine, et sur une scène où l'air est calme, elle émerge entre les rideaux, comme un cierge de foi allumé. Elle est pleine des vertus que Pie XII a déclaré qu'elle possédait le 11 février 1950 : "humilité, chasteté, mortification, prière, et surtout signe et rappel de notre consécration à Jésus-Christ et à elle, signe efficace de sainteté et gage de salut éternel". L'auteur peint cette image dans un style très flamand : avec des détails extrêmes sur les cheveux, le brocart, le manteau et les boucliers qui sont des bijoux, ainsi que sur la couronne et l'habit. Au milieu de cette gamme froide de bruns, il y a des couleurs vives. Marie lit avec un geste exagéré et presque rigide, les tissus très ornementés qu'elle porte ont également l'air rigides. Elle a une silhouette très stylisée... et regarde vers le bas, en connaissance de cause ...., on dirait presque une peinture de Bruges. Elle est représentée comme une "Sainte Rose de Lima" (voir le lot 72 de ce catalogue) dans la position, le placement des mains, la lecture du livre d'heures, la rigidité et le manteau... remplaçant la coiffe créole par une couronne de reine, regardant vers le bas, avec l'idée d'associer la mère de Dieu à l'humanité, "comme une personne de plus". Enfin, nous passons à la scène, très conventuelle, avec des rideaux sobres et froncés, également dans les tons et demi-tons du Carmel. Il se pourrait bien qu'un couvent de carmélites ait été le lieu auquel ce tableau était destiné à l'origine. La première fondation carmélitaine en Amérique latine a eu lieu en 1580 à Olinda (Pernambouc), alors province du Portugal. D'autres fondations ont été créées dans tout le Brésil, si bien qu'un siècle plus tard, en 1685, le grand vicariat du Brésil a été divisé en commissariats de Rio de Janeiro et de Bahia-Pernambuco. Tous deux devinrent des provinces en 1720. Certaines maisons de la province de Bahia-Pernambuco embrassèrent la stricte observance et furent constituées en province sous le titre de "Pernambuco" en 1744. Le visage de la Vierge aux yeux bridés et aux paupières gonflées, la décoration géométrique de l'habit, la couronne utilisée dans d'autres peintures (comme celles publiées par l'artiste moderniste Mario de Andrade) et le lien évident avec le couvent de Carmo nous conduisent à cette attribution.

Estim. 7 500 - 12 000 EUR

Lot 72 - Viceregal School. Peru. 18th century. - École vice-royale. Pérou. XVIIIe siècle. Sainte Rose de Lima Huile sur toile. 58 x 45,5 cm. Magnifique toile de la vice-royauté péruvienne représentant le saint patron de Lima, très similaire dans sa composition et sa forme à celle qui est actuellement exposée au Musée de l'Amérique à Madrid. Cette sainte péruvienne, Isabel Flores de Oliva, est née en 1586 et a pris l'habit tertiaire de saint Dominique sous le nom de Rosa de Santa Maria. Béatifiée en 1668 et canonisée trois ans plus tard, elle est devenue la première sainte latino-américaine. Cette moniale dominicaine, vêtue d'une coiffe créole, méditant et priant les heures, après sa mort en 1617, devint rapidement la patronne de la vice-royauté du Pérou, puis de toute l'Amérique latine. Le peintre a pris la liberté artistique de la présenter habillée plus comme une princesse que comme une moniale en habit dominicain : avec le manteau nacré et le brocart, et avec l'auréole de sainteté, avec les cheveux longs et sans le voile d'une vierge et d'une épouse du Christ. Ainsi, elle apparaît comme une femme créole qui monte aux autels, plutôt que comme une moniale avec une coiffe et un voile dominicains, parce que, peut-être, en tant que moniale, elle serait plus éloignée du culte des gens sans éducation.

Estim. 1 800 - 3 500 EUR

Lot 73 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - École vice-royale. Cuzco. Pérou. XVIIIe siècle. "Couronnement de la Vierge Marie avec l'enfant" Huile sur toile. 125,5 x 87,5 cm. Composition du couronnement de Marie par deux anges qui éclairent le moment avec deux bougies. Cette peinture reflète une séquence du cycle de la vie de la Vierge que l'on trouve dans l'Apocalypse. Selon les textes apocryphes, la vie de Marie s'est achevée à Jérusalem, après avoir accompli sa mission dans la vie, et elle a été accueillie au ciel, corps et âme, et couronnée. La Vierge Marie, assise ici, est présentée comme Mère de Dieu, qu'elle tient dans ses bras, Mère de l'humanité, qu'elle tient dans sa main droite comme l'orbe, et Reine et Porte du ciel, un ciel aussi propre et pur qu'elle, reflété dans le lys. Vêtue comme une reine ou une dame de haut rang, quelque peu distante et rigide dans son regard et sa posture, elle est humanisée par la présence de deux saints masculins qui la regardent et prient à ses pieds (la catéchèse silencieuse de ce qu'il faut faire lorsqu'on s'approche d'elle). Saint Didacus d'Alcalá, franciscain, avec la croix sur les épaules et le miracle des roses, et saint Augustin d'Hippone en évêque, tenant ses Confessions ou La vie d'union avec Marie, font allusion à la peinture. La richesse des détails des vêtements, de la dentelle, de l'orfèvrerie et des fleurs est remarquable, malgré les poses de face et le peu de perspective, très typiques de la peinture novo-hispanique péruvienne de ce siècle. Le couronnement de la Vierge Marie est un thème très récurrent tout au long de ce siècle et un symbole clair du pouvoir de l'Église contre l'hérésie et l'interdit découlant de la Réforme protestante.

Estim. 15 000 - 25 000 EUR

Lot 74 - Attributed to José Campeche (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) - Attribué à José Campeche (San Juan, Porto Rico, 1751 - 1809) Le Christ ressuscité avec les Pères de l'Église Huile sur toile. 98,5 x 77 cm. Magnifique lien d'une extrême qualité des XVIIe et XVIIIe siècles qui montre le triomphe de Jésus montant aux cieux dans un cadre strictement théologique : celui des quatre saints pères de l'Église qui contemplent l'univers dans lequel ils ont tant écrit et qui ont élaboré ce que l'on appelle la "Patrística", c'est-à-dire la pensée chrétienne des premiers siècles. À l'extérieur du Christ, on trouve San Ambrosio de Milán et San Gregorio de Milán ; à l'extérieur, San Agustín de Hipona et, derrière lui, San Jerónimo de Estridón. En una filacteria baja se lee "IN NOMINE EIUSGENTES SPERABUNT"('En Su nombre, las naciones esperarán'), una clara alusión al motivo central del lienzo : volver a la vida después de la muerte. Campeche était l'un des artistes portoricains les plus reconnus. Il fut le seul disciple de Luis Paret y Alcázar (1746-1799), qui arriva sur l'île après avoir été exilé par le roi Charles III, entre 1775 et 1778. Le Puerto Rico Art Museum conserve certaines de ses œuvres d'art dans sa collection. Sa fiche biographique explique : Il a principalement développé des thèmes religieux et des portraits dans sa peinture. Son œuvre est considérée comme rococo en raison de son intérêt pour les détails et l'ornementation. Les gris bleutés et les roses dominent sa palette, qu'il a assimilée à celle de Paret. En 2006, le musée d'art de Ponce a organisé une exposition qui s'est rendue au prestigieux musée d'art de Worcester, dans le Massachusetts, et qui comprenait des peintures de Campeche, Francisco Oller et Miguel Pou. Campeche fait preuve d'une grande maîtrise dans les portraits et les miniatures, caractéristiques qui font de lui l'un des peintres hispano-américains les plus exaltés et les plus remarquables de la fin du XVIIIe siècle". Frecuente en el estilo que desarrolla nuestro pintor pueden percibirse las figuras alargadas, los angeles querubines y niños con rostros redondos. C'est le cas de l'ange qui porte la tiare papale dans notre œuvre et qui, comparé au Saint Jean de Campeche vendu récemment dans la Suite Subastas, est tout à fait représentatif de la même œuvre. Le San José con el Niño et le San Juan Bautista du Musée de l'Amérique sont également comparables à notre peinture et présentent tous deux de grandes similitudes en termes d'esthétique et de palette de couleurs.

Estim. 25 000 - 40 000 EUR

Lot 75 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIIe siècle. Bergère divine". Huile sur cuivre. 26,5 x 41 cm.

Estim. 5 500 - 7 500 EUR

Lot 76 - Miguel Güelles (active in Seville, 1607 - 1637) - Miguel Güelles (actif à Séville, 1607 - 1637) Vierge immaculée". Huile sur toile. 162 x 108 cm. Cette extraordinaire Immaculée Conception, dont les couleurs vives sont tout à fait dans le goût de la Nouvelle Amérique espagnole, illustre parfaitement les échanges constants qui avaient lieu de part et d'autre de l'Atlantique. Miguel Güelles était un artiste baroque actif à Séville qui a travaillé presque continuellement pour les vice-royautés du Pérou et de la Nouvelle Espagne. En 1608, il passa un contrat avec le provincial de l'ordre de Saint-Dominique au Pérou pour exécuter une série de quarante et une toiles consacrées à la vie de saint Dominique de Guzmán. Trente-six d'entre elles sont conservées au couvent de Nuestra Señora del Rosario ou Santo Domingo à Lima. En 1619, il a également donné procuration pour récupérer au Mexique une caisse de trente toiles contenant des peintures d'ermites, peut-être des paysages, qu'il avait données à Séville à "Fray Baltasar Maldonado de l'ordre de Saint-François pour qu'il les emporte dans la province de Nouvelle-Espagne", bien qu'à cette occasion il ait probablement agi de sa propre initiative, sans commission. Nous remercions Enrique Valdivieso pour son aide dans le catalogage de cette œuvre.

Estim. 24 000 - 30 000 EUR

Lot 77 - Novohispanic School. Mexico. 17th century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIe siècle. "Notre-Dame de Bethléem dans un faux retable" Huile sur toile. 48,5 x 40 cm. Peinture inhabituelle et pieuse d'un ensemble de dévotions privées enfermées dans un "faux retable" à trois sections : dans la section centrale se trouve Notre-Dame de Bethléem, l'image religieuse emblématique de Marie avec l'Enfant dans ses bras ; couronnée, dans un cartouche supérieur, par le Père éternel et le Saint-Esprit, qui sont en ligne droite avec le Fils, formant ainsi la Sainte Trinité. La partie gauche représente saint Jean l'Évangéliste, disciple et écrivain bien-aimé de Marie, et saint François d'Assise. Celle de droite représente sainte Marie-Madeleine et saint Antoine de Padoue, également franciscain. Le faux retable est peint dans des tons ocre et or qui nous transportent dans la cathédrale ou l'église que nous visitons fréquemment, à travers un autel "prêt à l'emploi" pour prier, célébrer, méditer, se taire, contempler...

Estim. 2 500 - 4 500 EUR

Lot 78 - Novohispanic School. Mexico. 18th Century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIIe siècle. "Notre-Dame d'Altagracia" Huile sur cuivre. 27 x 21 cm. L'image vénérée et pieuse de Notre-Dame d'Altagracia est une dévotion mariale catholique considérée comme la "mère spirituelle et protectrice du peuple dominicain". Sa fête est célébrée le 21 janvier en République dominicaine, à la basilique de Higüey.

Estim. 7 500 - 10 000 EUR

Lot 79 - Francisco Eduardo Tresguerras (Celaya, Mexico 1759 - 1833) - Francisco Eduardo Tresguerras (Celaya, Mexique 1759 - 1833) "Le saint pèlerin Huile sur cuivre. Signée d'un anagramme and dated 1812. 41 x 30,5 cm. Architecte, peintre et graveur. Comme l'indique Luis Javier Cuesta Hernández dans la Real academia de la Historia Tresguerras, "il fut l'un des artistes les plus importants de la transition entre le XVIIIe et le XIXe siècle, formulant un langage particulier à mi-chemin entre le baroque classique et le néoclassique avant la lettre...". Dans la ville de Celaya, il a pratiqué diverses activités artistiques (au moins la peinture, la musique et la gravure). Malgré cela, son activité principale a toujours été l'architecture, et nous savons que dès 1794, il avait demandé une licence à l'Académie de San Carlos pour exercer cette activité... Son œuvre picturale (peintures, dessins et gravures) est moins connue que son œuvre architecturale. Et aujourd'hui, malgré des études approfondies, nombre de ses attributions restent incertaines. Pourtant, certaines œuvres (le dessin de la fontaine de Neptune à Querétaro, par exemple) sont d'une qualité extraordinaire". Bibliographie de référence : - https://dbe.rah.es/biografias/48876/francisco-eduardo-tresguerras - F. de la Maza, "Dibujos y proyectos de Tresguerras", in Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Autónoma de México (UNAM), no. 18 (1950), pp. 27-33 ;

Estim. 2 500 - 4 500 EUR

Lot 80 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIIe siècle. Saint Ignace de Loyola Huile sur toile. Relookée. Dans un imposant cadre en bois sculpté, doré et sgraffité d'époque. 190 x 131 cm. Saint Ignace de Loyola, dans un triomphe mystique du bien sur le mal, se dresse triomphalement, écrasant sous ses pieds le mal et les forces obscures sous la forme du diable et de son monde de tentations. Il regarde les cieux, d'où émanent la lumière et la puissance (IHS). À sa droite, à ses pieds, se trouvent sa livrée de chevalier, ses armes terrestres, son orgueil, sa noblesse - ces choses qu'il a mises de côté pour "s'engager et s'approfondir" en Dieu et dans son service à l'Église. Il porte maintenant la livrée du Christ, l'habit noir des Jésuites. La figure de Loyola, fondateur de la Compagnie de Jésus, est encadrée dans un paysage de mer, sur lequel navigue un bateau. Il symbolise clairement le monde "au-delà des mers", que les jésuites ont atteint avec leur évangélisation, le monde au-delà de la portée de nos yeux et de notre imagination. Dans sa main gauche, il porte le livre des règles ou Constitutions, où est inscrite la devise de la Compagnie, "Ad maiorem Dei Gloriam". Tel est son objectif : quoi que nous fassions, dit-il, nous le ferons toujours "pour la plus grande gloire de Dieu".

Estim. 4 000 - 7 000 EUR

Lot 81 - Novohispanic School. Mexico. 17th century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIe siècle. Portrait d'Hernán Cortés Huile sur toile. Reliure. 64 x 48 cm. Portrait d'Hernán Cortés d'après celui envoyé par le conquistador à l'humaniste, médecin, historien, biographe et prélat italien de la Renaissance, Paulo Giovio, qui lui servit de modèle pour ses portraits à partir du XVIe siècle. Il s'agit du troisième portrait peint du vivant de Cortés, qui fait partie de la galerie réunie par Paolo Giovio, évêque de Nocera (1483-1552), dont le type iconographique a été soigneusement décrit en 1864 par Valentín Carderera. Selon ce que Giovio lui-même a déclaré dans ses écrits, il lui a été envoyé par Cortés quelques mois avant sa mort, ce qui permettrait de le dater de 1547, à l'âge de 62 ans. Le portrait figurait dans la galerie d'hommes illustres que Giovio avait installée dans le palais de Borgovico, sur les rives du lac de Côme. Bien que l'on ait longtemps loué la singulière puissance expressive de cette effigie et l'intensité de son regard, il ne s'agit en fait que d'une adaptation, peinte d'après le dessin de Weiditz, bien que la composition soit inversée et réduite à un buste, de sorte que Cortés tourne la tête vers la droite. Son apparence a été vieillie en grisonnant ses cheveux, sa barbe et sa moustache et en abaissant ses yeux dans leurs orbites pour capturer les rides et les poches sous ses paupières. Le portrait de Giovio a conservé la coiffe germanique et a été utilisé pour réaliser la gravure de Tobias Stummer (1539-1584) qui illustre la biographie de Cortés dans l'Elogia virorum bellica virtute illustrium imprimée en 1575. L'original supposé envoyé par Cortés à Giovio a été perdu, mais il est à l'origine de nombreuses gravures qui réinterprètent celle de Stummer et de nombreux portraits en buste qui ont été peints tout au long des XVIIe et XVIIIe siècles pour des séries iconographiques. Le Portrait d'Hernán Cortés, conservé au musée de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (inv. 0031), est également basé sur ce portrait original. Dans une section du dossier sur le tableau, on résume brièvement la biographie de Cortés, qui est considéré, pour citer l'historien Lafuente Ferrari, comme "le plus célèbre des conquérants du Nouveau Monde après Christophe Colomb". Issu d'une famille noble, il est né à Medellín (Badajoz) en 1485. En 1521, il conquiert le Mexique et, l'année suivante, il est nommé gouverneur et capitaine général du royaume de Nouvelle-Espagne".

Estim. 18 000 - 22 000 EUR

Lot 82 - Colonial School. Peru. 18th century. - Ecole Novohispanique. Pérou. XVIIIe siècle. Portrait d'Atahualpa, dernier empereur inca Huile sur panneau. 50 x 40,5 cm. Il existe une gravure de l'Inca Atahualpa à la Bibliothèque nationale autrichienne qui peut être reliée à notre œuvre.

Estim. 9 000 - 14 000 EUR

Lot 83 - Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexico, 1713/1715 - Mexico, 1772) - Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexique, 1713/1715 - Mexique, 1772) "Portrait de Manuel López-Pintado y Almonacid". Huile sur toile. 111,5 x 97 cm. Juan Patricio Morlete Ruiz fut l'un des plus grands peintres mexicains de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Bien que sa biographie ait été peu connue jusqu'au XXe siècle, son œuvre a commencé à être plus largement diffusée à travers diverses collections, ce qui a permis d'en savoir plus sur lui. Morlete, dont l'œuvre est très étendue au Mexique, est particulièrement connu pour sa série de peintures de castes. Le Museo de Américain Madrid possède une nature morte de sa main (inv. 2021/04/01). Il fonde l'Académie de peinture en 1753, avec son professeur José de Ibarra, Miguel de Cabrera, José de Alcíbar et d'autres personnages illustres. Deux ans plus tôt, en 1751, il avait fait partie du groupe d'artistes qui avait inspecté l'image de la Vierge de Guadalupe. Ces deux événements reflètent l'importance artistique et culturelle, ainsi que la reconnaissance sociale et professionnelle du peintre. Les thèmes iconographiques de sa production artistique sont variés. Vues urbaines, motifs dévotionnels et allégoriques, histoire sainte et plusieurs portraits connus à ce jour, dont ceux de plusieurs vice-rois et un portrait du roi Charles III daté de 1760. En nous concentrant sur le tableau que nous présentons ici - et en approfondissant l'identité du modèle - les vêtements et l'important manteau porté par le modèle dans notre travail nous incitent à mentionner deux peintures sur toile que nous pouvons comparer du point de vue stylistique et qui nous aident à dater et à situer géographiquement le tableau dans la première moitié du XVIIIe siècle en Nouvelle-Espagne. Il s'agit du portrait attribué au peintre Juan Rodríguez Juárez du vice-roi Juan Vázquez de Acuña y Bejerano (1658-1734), vice-roi de Nouvelle-Espagne entre 1722 et 1734, et du portrait du vice-roi Pedro Cebrián y Agustín (1687-1752), vice-roi de Nouvelle-Espagne entre 1741 et 1746. Les vêtements et les accessoires du personnage de notre tableau sont comparables, en termes de qualité, de matériaux et de conception, à ceux portés dans les portraits des vice-rois du XVIIIe siècle. On peut en déduire que le personnage jouit d'un statut social très élevé, peut-être parmi la noblesse ou les grands marchands de la mondialisation. Il convient également de noter que notre noble et illustre personnage tient une loupe dans sa main gauche. Cet élément et le livre de cartographie posé sur la table à côté de l'encrier d'argent avec ses plumes relient le personnage à l'activité maritime. Dans ce sens, d'ailleurs, le dessin des motifs décoratifs des vêtements rappelle les vagues de la mer et les symboles sur les manches sont liés aux quatre points cardinaux. La proposition suggérée pour résoudre le mystère de l'identité de l'homme représenté est celle de Manuel López-Pintado y Almonacid, amiral de la flotte des Indes, né à Tolède en 1677 et mort à Séville en 1745. Un portrait de Manuel López-Pintado, daté du 21 décembre 1730, est conservé au Musée naval de Madrid. Comme nous l'apprend l'Académie royale d'histoire, "la grande richesse de López-Pintado, mélange de marin, de soldat et d'homme d'affaires, trouve son origine dans le titre de maître d'argent que lui accorda Sebastián de Talledo à Madrid en 1704. [...] Il fut député des flottes royales jusqu'à ce qu'il obtienne le titre d'amiral de la flotte des Indes en 1715-1716. À ce poste, il acquit une grande fortune qui lui permit d'investir dans la terre, en achetant et en améliorant divers domaines et moulins dans différentes villes de la province de Séville. [En 1737, Philippe V lui accorda le titre de marquis de Torre Blanca del Aljarafe, avec l'ancienne vicomté de Cabrejas". Bibliographie de référence : -Caño Ortigosa,José Luis. (s.d.). "Manuel López-Pintado y Almonacid". Real Academia de la Historia. https://dbe.rah.es/biografias/51501/manuel-lopez-pintado-y-almonacid

Estim. 45 000 - 70 000 EUR

Lot 84 - José Campeche (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) - José Campeche (San Juan, Porto Rico, 1751 - 1809) "Portrait possible de Mme Catalina de Urrutia". Huile sur toile.102 x 77 cm. Campeche a représenté María de Urrutia à différentes occasions et à différents âges. Notre hypothèse est que ce portrait serait celui où elle apparaîtrait à l'âge le plus avancé. Comme l'indique le site web de la Hispanic Society of New York, "María Catalina de Urrutia appartenait à une importante famille créole de propriétaires terriens de Cuba, où elle est née (en 1749) ; son père, Bernardo de Urrutia y Matos, était maire de La Havane. En 1766, María Catalina épouse le colonel Juan Andrés Dabán y Busterino (1724-1793), un officier militaire espagnol d'origine aragonaise qui deviendra gouverneur et capitaine général de Porto Rico de 1783 à 1789. Il avait été inspecteur militaire à Cuba au milieu des années 1760, et c'est apparemment là qu'ils se sont fiancés. À Porto Rico, il mène des campagnes de reconstruction à la suite d'ouragans, met en place un système postal, commence à paver les rues et les trottoirs avec du ballast volcanique bleu provenant des îles Canaries et fonde une fabrique de cigares qui exporte vers les Pays-Bas. Il est promu maréchal de camp et, de retour en Espagne, il est gouverneur de Badajoz à partir de 1792. La date à laquelle Don Juan et Doña María se sont installés en Espagne est incertaine. Campeche était l'un des artistes portoricains les plus reconnus. Il est le seul disciple de Luis Paret y Alcázar (1746-1799), qui arriva sur l'île après avoir été exilé par le roi Charles III, entre 1775 et 1778. Le Puerto Rico Art Museum conserve certaines de ses œuvres d'art dans sa collection. Sa fiche biographique y explique : "Il a principalement développé des thèmes religieux et des portraits dans sa peinture. Son œuvre est considérée comme rococo en raison de son intérêt pour les détails et l'ornementation. Les gris bleutés et les roses dominent sa palette, qu'il a assimilée à celle de Paret. En 2006, le musée d'art de Ponce a organisé une exposition qui s'est rendue au prestigieux musée d'art de Worcester, dans le Massachusetts, et qui comprenait des peintures de Campeche, Francisco Oller et Miguel Pou. Campeche fait preuve d'une grande maîtrise dans les portraits et les miniatures, caractéristiques qui font de lui l'un des peintres hispano-américains les plus exaltés et les plus remarquables de la fin du XVIIIe siècle".

Estim. 60 000 - 75 000 EUR

Lot 85 - Novo-Hispanic school. 18th. century. - École novo-hispanique. XVIIIe siècle. Portrait d'un gentilhomme. Huile sur toile. 109 x 84 cm. Avec son cadre en bois sculpté et doré de l'époque.

Estim. 6 000 - 12 000 EUR

Lot 86 - Venezuelan School. Early 19th century. - École vénézuélienne. Début du 19e siècle. "Portrait de Simón Bolívar Huile sur toile. Relié. 66,5 x 49,5 cm.

Estim. 6 000 - 9 000 EUR

Lot 87 - Novohispanic School. Colombia. 19th century. - École novohispanique. Colombie. 19ème siècle. Paysage fluvial Œuvre d'art en plumes. Avec cadre du 19e siècle en bois avec marqueterie. 26 x 19,5 cm.

Estim. 4 000 - 6 000 EUR

Lot 88 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - École vice-royale. Cuzco. Pérou. XVIIIe siècle. La Sainte Trinité couronnant la Vierge Marie" Huile sur toile. 38 x 26,5 cm. Cette œuvre reflète une partie du cycle de vie de la Vierge qui se trouve dans le livre de l'Apocalypse. Trois figurines exactement identiques, la Santísima Trinidad, trois en un avec la mitre papale, couronnent la Vierge Marie. Ainsi, Marie peut être interprétée comme une figure trinitaire : celle de l'enfant, en tant que vierge, qui reçoit l'amour du Père et y renonce ; celle du Père, source d'amour vivifiant, en tant que mère ; celle de l'Esprit Saint, en tant qu'épouse, en tant que lien d'amour entre le Père et l'enfant et en tant qu'ouverture du mystère de Dieu sur la terre. La Vierge en tant que María Inmaculada "assumpta" a los cielos, y en un mar de nubes, es contemplada por San Miguel Arcángel, y Santa Gertrudis la Magna o Santa Clara?.

Estim. 5 000 - 7 000 EUR

Lot 89 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 17th century. - École vice-royale. Cuzco. Pérou. XVIIe siècle. "Sainte Ursule de Jésus Sculpture en bois polychrome et sculpté, avec dorure à l'argent et yeux vitreux. 50 x 32 x 16 cm.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 90 - Marcel Jambon (Barbezieux, France, 1848 - 1908) - Marcel Jambon (Barbezieux, France, 1848 - 1908) Rajasthan Gouache sur carton. Signé et situé au dos. 56 x 45 cm.

Estim. 300 - 500 EUR

Lot 91 - Félix Resurrección Hidalgo (Manila, The Philippines, 1855 - Barcelona, 1913) - Félix Resurrección Hidalgo (Manille, Philippines, 1855 - Barcelone, 1913) "L'île de Jolo Dessin au crayon et à la craie sur papier. Signé au crayon et daté 1878. 21,5 x 28,5 cm. Petite déchirure dans la marge inférieure. Félix Resurrección Hidalgo était un peintre hispano-filipino de premier plan au XIXe siècle. Né à Manille dans une famille aisée, il a suivi une formation à l'université de Santo Tomás et à l'Académie de dessin et de peinture de Manille. Dans un premier temps, il peint des paysages et des scènes de genre. En 1880, il reçoit une bourse pour étudier à Madrid, où il présente son œuvre la plus importante, "Jeunes femmes chrétiennes exposées à la population", qui reçoit la médaille de la deuxième place à l'exposition nationale de Madrid en 1884. Il s'installe ensuite à Paris, où il crée son tableau le plus célèbre, "La barque de l'Achéron", inspiré de la Divine Comédie de Dante. Cette œuvre lui vaut une médaille d'or à l'Exposition générale des Philippines en 1887. Hidalgo a également connu le succès dans d'autres expositions internationales. Au fur et à mesure que les débouchés se développent, son style évolue vers des paysages décoratifs symbolistes, bien qu'il continue à produire des compositions allégoriques et politiques mettant l'accent sur l'identité historique des Philippines. Son héritage artistique a contribué à renforcer l'identité culturelle des Philippines avant leur indépendance. En conclusion, Felix Hidalgo a été l'un des grands maîtres de la peinture philippine et a laissé un héritage important dans l'histoire de l'art philippin.

Estim. 1 500 - 3 000 EUR

Lot 92 - Théodore Auguste Fisquet (France, 1813 - 1890) - Théodore Auguste Fisquet (France, 1813 - 1890) Bains de la Périchula à Lima". Aquarelle sur papier. Signée, datée 1840, située à Lima et titrée en bas à droite. 19,2 x 27,5 cm.

Estim. 7 500 - 9 500 EUR

Lot 93 - Salvador del Huerto (Mexico, 1760 - 1824) - Salvador del Huerto (Mexique, 1760 - 1824) Crucifixion Huile sur toile. Signée. 104 x 78,5 cm.

Estim. 3 500 - 4 500 EUR

Lot 94 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valence, 1772 - Madrid, 1850) "Résurrection du Christ Dessin à l'encre sur papier. 10,5 x 11 cm. Esquisse préparatoire pour l'estampe gravée de Vicente Capilla, cataloguée sous le numéro E-82 dans le catalogue raisonné de José Luis Díez, Vicente López : vida y obra, Madrid, 1999 ; p. 643 (planche 131). Il y a quelques taches d'humidité. Vicente López Portaña, né le 19 septembre 1772, a commencé sa formation artistique comme élève du franciscain Antonio de Villanueva à l'Académie San Carlos de Valence. Au cours de cette première étape de sa carrière, il a été récompensé par des prix et des bourses. premier prix en 1789 pour sa toile "Le roi Ézéchias étalant ses richesses", qui lui permet d'accéder à la capitale. L'année suivante, il remporte le premier prix du concours de l'Académie de San Fernando avec le tableau Les Rois Catholiques. Dès lors, il commence à assimiler les enseignements académiques hérités de Mengs, notamment par l'intermédiaire de Mariano Salvador Maella, qui lui transmet le baroque, le sens des couleurs de ses compositions et son goût pour le dessin. Après sa période de jeunesse à Madrid, où son expérience lui permet de devenir un artiste prestigieux, il décide en 1792 de retourner dans sa ville natale, Valence. Pendant de nombreuses années, il reçoit diverses commandes, notamment des peintures religieuses et des peintures murales pour les églises de Valence, ainsi que des portraits, des monuments et des dessins pour la gravure. Pendant la guerre d'indépendance, il se trouve à Valence et peint le portrait de Ferdinand VII en habit de l'ordre de Charles III. Le style de portrait de Vicente López, respectueux et objectif, conduit Ferdinand VII à le nommer premier peintre de la chambre, et il est contraint de retourner à Madrid. Grâce à la prestigieuse nomination qu'il obtient, il devient le peintre le plus recherché par l'aristocratie et la haute bourgeoisie. En 1826, il peint son chef-d'œuvre, le portrait du peintre Francisco de Goya y Lucientes, l'œuvre la plus importante et la plus emblématique de sa longue carrière. Vicente López Portaña conserva son talent artistique pendant toute sa vieillesse, réalisant des portraits jusqu'au jour de sa mort à Madrid, le 22 juillet 1850.

Estim. 500 - 700 EUR

Lot 95 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valence, 1772 - Madrid, 1850) Saint Thomas d'Aquin". Dessin à l'encre sur papier. 10,5 x 7,5 cm. Préparatoire à l'estampe gravée par Francisco Jordán, cataloguée sous le numéro E-213 dans le catalogue raisonné de José Luis Díez, Vicente López : vida y obra, Madrid, 1999 ; p. 594 (planche 82). Bien que Díez suppose que le dessin qu'il catalogue sous le numéro D-279 (p. 594, planche 82) est préparatoire à l'impression, c'est notre dessin inédit qui a rempli ce rôle.

Estim. 500 - 700 EUR

Lot 96 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valence, 1772 - Madrid, 1850) Santa María de Cervelló" (Sainte Marie de Cervelló) Dessin à l'encre sur papier. Préparatoire pour l'estampe gravée de Vicente Capilla, cataloguée sous le numéro E-188 dans le catalogue raisonné de José Luis Díez, Vicente López : vida y obra, Madrid, 1999 ; p. 603 (planche 91). 10,5 x 7 cm. Dans ce tableau comme dans les trois précédents, il convient de noter que López s'attache à donner une image proche et dynamique des saints représentés. Il est révélateur que Sainte Marie de Cervelló, également connue sous le nom de Sainte Marie du Succès, ne soit pas représentée tenant une maquette de bateau (comme le veut la tradition), mais protégeant un véritable bateau en pleine navigation. Il en va de même pour saint Joseph Calasanz, qui s'occupe d'un véritable enfant, pour saint Augustin, saisi au moment même où il reçoit l'inspiration divine, ou pour le Christ ressuscité, qui sort gracieusement de son tombeau sous un intense faisceau de lumière. Même Saint Augustin, le plus statique d'entre eux, ne peut s'empêcher de regarder droit devant lui. L'artiste obtient ainsi des images authentiques de la vie qui s'adressent facilement au spectateur, ce qui est le but ultime de ce type d'œuvre.

Estim. 500 - 700 EUR

Lot 97 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valence, 1772 - Madrid, 1850) Saint évêque docteur de l'Église (Saint Augustin ?)". Dessin à l'encre sur papier. 9,8 x 7,5 cm. Probablement préparatoire à une gravure inconnue. Saint Augustin tenant la maquette d'une petite église. Ce dessin et les quatre suivants de l'artiste valencien Vicente López sont un excellent exemple de la partie de son activité avec laquelle il a obtenu la plus grande diffusion de son art : la conception d'estampes dévotionnelles, dont une grande partie a été gravée par Vicente Capilla et Francisco Jordán. Il s'agit d'œuvres inédites qui devraient être cataloguées à travers les gravures incluses dans le catalogue raisonné de l'œuvre de Vicente López par José Luis Díez (Vicente López : Vida y Obra 1772-1850, Fundación de Apoyo a la Historia del Arte Hispánico, Madrid, 1999).

Estim. 500 - 700 EUR

Lot 98 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valence, 1772 - Madrid, 1850) Saint Joseph de Calasanz Dessin à l'encre sur papier. 10,5 x 7,5 cm. Préparatoire pour l'estampe gravée de Francisco Jordán, cataloguée sous le no. E-167 dans le catalogue raisonné de José Luis Díez, Vicente López : vida y obra, Madrid, 1999 ; p. 606 (planche 94). Díez catalogue un dessin pratiquement identique (cat. no. D-238, p. 606, planche 94) bien que ses dimensions soient beaucoup plus grandes (80 x 60 cm).

Estim. 500 - 700 EUR

Lot 99 - China. 18th century. - École chinoise. XVIIIe siècle. Paysage". Huile sur toile. 42 x 66,5 cm.

Estim. 3 500 - 4 500 EUR

Maîtres de la vice-royauté, allégories, légendes et sainteté

La Suite Subastas - Tel + (34) 93 300 14 77 - Email

Lot 1 - Italian school. 16th century. - École italienne. XVIe siècle. "Lion assis Sculpture en bois sculpté. 23,5 x 29,5 x 10 cm.

Lot 8 - Important bronze mortar. Gothic. 15th Century. - Imposant mortier de bronze. Gothique. 15ème siècle. 10,7 x 19 x 14 cm. Néanmoins, en raison de ses dimensions et de sa qualité, il s'agit d'une pièce très intéressante.

Lot 10 - Spanish School. Early 16th century. - École espagnole. Début du XVIe siècle. "Saint Jérôme l'évêque Sculpture en bois sculpté et polychromé Hauteur : 64 cm.

Lot 18 - Attributed to Luca Giordano (Naples, 1634 - 1705) - Attribué à Luca Giordano (Naples, 1634 - 1705) L'adoration des Mages Huile sur toile. Relined. 38 x 51,5 cm.

Lot 21 - Italian School. Naples. 17th century. - École italienne. Naples. XVIIe siècle. Marie Madeleine Huile sur toile 118,5 x 97 cm.

Lot 22 - Walnut wood ches with inlaid bone and iron fittings. Aragonese workshop. 16th century. - Ches en bois de noyer avec incrustation d'os et de fer. Atelier aragonais. XVIe siècle. 37,5 x 60 x 30 cm.

Lot 24 - Italian School. Rome. 17th century. - École italienne. Rome. XVIIe siècle. Saint François en extase Huile sur toile. 255 x 193 cm.

Lot 45 - Novohispanic School. Mexico or Peru. Late 17th century. - École novohispanique. Mexique ou Pérou. Fin du XVIIe siècle. "Saint Jacques Huile sur toile. 122 x 84 cm.

Lot 54 - Wonderful silver and tortoiseshell chest. Mexico. 17th - 18th century. - Merveilleux coffre en argent et en écaille. Mexique. XVIIe - XVIIIe siècle. 11,5 x 17,5 x 9 cm. Il conserve sa clé d'origine, qui ne peut être tournée.

Lot 61 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - École vice-royale. Cuzco. Pérou. XVIIIe siècle. "Vierge à l'enfant Huile sur toile. 36 x 26 cm. Dimensions du cadre : 79 x 50 cm.

Lot 62 - Circle of Angelino Medoro (Rome, circa 1565 - Seville, 1632) - Cercle d'Angelino Medoro (Rome, vers 1565 - Séville, 1632) Saint Michel Archange Huile sur toile. 120 x 101 cm.

Lot 63 - Novohispanic School. Mexico. 17th Century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIe siècle. Saint Michel Archange Huile sur toile. 144 x 89,5 cm. Accompagnée d'un cadre en bois sculpté, doré et polychromé d'époque.

Lot 69 - Attributed to Nicolás Correa Juárez (Mexico, final quarter of the 17th century) - Attribué à Nicolás Correa Juárez (Mexique, dernier quart du XVIIe siècle) Apostolat Ensemble de douze huiles sur cuivre représentant les douze apôtres. 31 x 24 cm chacune.

Lot 75 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Ecole Novohispanique. Mexique. XVIIIe siècle. Bergère divine". Huile sur cuivre. 26,5 x 41 cm.

Lot 82 - Colonial School. Peru. 18th century. - Ecole Novohispanique. Pérou. XVIIIe siècle. Portrait d'Atahualpa, dernier empereur inca Huile sur panneau. 50 x 40,5 cm. Il existe une gravure de l'Inca Atahualpa à la Bibliothèque nationale autrichienne qui peut être reliée à notre œuvre.

Lot 85 - Novo-Hispanic school. 18th. century. - École novo-hispanique. XVIIIe siècle. Portrait d'un gentilhomme. Huile sur toile. 109 x 84 cm. Avec son cadre en bois sculpté et doré de l'époque.

Lot 86 - Venezuelan School. Early 19th century. - École vénézuélienne. Début du 19e siècle. "Portrait de Simón Bolívar Huile sur toile. Relié. 66,5 x 49,5 cm.

Lot 87 - Novohispanic School. Colombia. 19th century. - École novohispanique. Colombie. 19ème siècle. Paysage fluvial Œuvre d'art en plumes. Avec cadre du 19e siècle en bois avec marqueterie. 26 x 19,5 cm.

Lot 89 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 17th century. - École vice-royale. Cuzco. Pérou. XVIIe siècle. "Sainte Ursule de Jésus Sculpture en bois polychrome et sculpté, avec dorure à l'argent et yeux vitreux. 50 x 32 x 16 cm.

Lot 90 - Marcel Jambon (Barbezieux, France, 1848 - 1908) - Marcel Jambon (Barbezieux, France, 1848 - 1908) Rajasthan Gouache sur carton. Signé et situé au dos. 56 x 45 cm.

Lot 92 - Théodore Auguste Fisquet (France, 1813 - 1890) - Théodore Auguste Fisquet (France, 1813 - 1890) Bains de la Périchula à Lima". Aquarelle sur papier. Signée, datée 1840, située à Lima et titrée en bas à droite. 19,2 x 27,5 cm.

Lot 93 - Salvador del Huerto (Mexico, 1760 - 1824) - Salvador del Huerto (Mexique, 1760 - 1824) Crucifixion Huile sur toile. Signée. 104 x 78,5 cm.

Lot 99 - China. 18th century. - École chinoise. XVIIIe siècle. Paysage". Huile sur toile. 42 x 66,5 cm.