25th June - Private Collection; The Road to Modernity

Los 1 - ISMAEL GONZÁLEZ DE LA SERNA (Guadix, Granada, 1898 - Paris, 1968). "Küstenlandschaft, Nizza". 1928. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 84 x 98 cm; 100 x 112 cm (Rahmen). Die Küste der Côte d'Azur erhält in dieser Komposition einen fast surrealen Charakter, nicht durch das Vorhandensein eines offensichtlichen oneirischen Elements, sondern durch die metaphysische Kadenz der Atmosphäre. Das Meer ist eine kobaltblaue Zunge, die von Segelbooten durchzogen ist, deren Weiß von der Steinbalustrade angesteckt wird. Es begrenzt einen Garten, der von Pinien und sienafarbener Erde bevölkert ist. Hinter dem dichten Blätterdach der Bäume zeichnet sich ein Fragment des türkisblauen Himmels ab. Ismael De la Serna verbindet hier einen Pinselstrich cezannischen Erbes mit einer großen Fähigkeit zur Synthese von Formen (was auf seinen Übergang zum Kubismus hindeutet). Zu dieser Zeit erkundete er jedoch auch den Surrealismus, und etwas davon ist in dieser Landschaft spürbar. Ohne sich einer bestimmten Bewegung zuzuordnen, bleibt er nur seiner eigenen Vielseitigkeit treu, was zu einer sehr persönlichen Art und Weise führt, die Dinge zu tun. Ismael González de la Serna begann sein Kunststudium in Granada und beendete es in Madrid an der Schule der Schönen Künste San Fernando. In seinen frühen Jahren entwickelte er einen eklektischen Malstil, der sich aus impressionistischen, symbolistischen und modernistischen Quellen speist. Eines der ersten Beispiele seiner jugendlichen Sprache findet sich in den Illustrationen, die er für seinen Jugendfreund Federico García Lorca in seinem ersten Buch "Impresiones y paisajes" (1918) anfertigt. Im selben Jahr veranstaltet Ismael de la Serna seine erste Ausstellung in Granada, und kurz darauf präsentiert er seine Werke im Ateneo de Madrid. 1921 zog er nach Paris, um seinen künstlerischen Horizont zu erweitern, und schloss sich den Kreisen der Pariser Schule an. Zu seinen Pariser Freunden gehörte Pablo Picasso, der sein Werk beeinflusste, aber vor allem der Beschützer des Malers aus Granada war. De la Sernas Stil ist in dieser Zeit durchlässig für die Einflüsse der Avantgarde, vor allem des Kubismus und des Expressionismus, die er auf sehr persönliche Weise verarbeitet. Auch der anfängliche Einfluss des Impressionismus war in seinem Werk stets spürbar. Das Jahr 1927 markiert den Beginn einer Periode der starken Projektion seines Werks, die mit der Einzelausstellung des Malers in der einflussreichen Pariser Galerie Paul Guillaume begann. Dieser Ausstellung folgten zahlreiche weitere, sowohl in Paris als auch in Berlin, Brüssel, Kopenhagen, Granada und Mexiko. Im Jahr 1928 wird er vom Direktor der "Cahiers d'Art", Christian Zervos, beauftragt, eine Sonderausgabe von zwanzig Sonetten von Góngora zu illustrieren. Der Schlüssel zu seiner Anerkennung liegt in seiner sinnlichen Lesart der Formen des Kubismus, die auf der Relevanz einer Zeichnung mit gewundenen und sehr dekorativen Linien in Verbindung mit starken chromatischen Merkmalen beruht. Mit ausgeprägtem Raumgefühl und ohne jemals die Figuration aufzugeben, stellte De la Serna vor allem Stillleben dar, in denen er die sinnliche Seite seiner Malerei mit metaphorischen Sinnesbezügen wie Musik, Obst oder offenen Fenstern hervorhob. Er arbeitete auch an Landschaften und Porträts. Nachdem er 1932 mit einer Einzelausstellung die Aktivitäten der Vereinigung Iberischer Künstler in Madrid eröffnet hatte, beschritt der Maler neue Wege des plastischen Experimentierens, die nach dem Zweiten Weltkrieg zu einer schematischeren und vereinfachten Malerei führten, die den zeitgenössischen abstrakten Lösungen nahe kam. Ismael de la Serna ist im Patio Herreriano Museum in Valladolid, im Reina Sofía Museum in Madrid, in den Museen der Schönen Künste von Granada und Sevilla, im ARTIUM, etc. vertreten.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 2 - ALEXANDER CALDER (Vereinigte Staaten, 1898 - 1976). "Taches de Rousseur". Lithographie, Exemplar 81/100. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 53 x 72 cm; 68 x 87 cm (Rahmen). Calder wurde in der Art Students League von New York ausgebildet und 1926 realisierte er seine erste Ausstellung in der New Yorker The Artist's Gallery. Noch vor Ende des Jahres beginnt er seine Europareise, die ihm Begegnungen mit den großen Persönlichkeiten der damaligen Zeit wie Miró, Duchamp und Mondrian ermöglicht. Calder ist einer der bekanntesten Künstler des 20. Jahrhunderts, dessen Werke sich in allen großen Sammlungen der Welt befinden. Jahrhunderts. Seine Werke befinden sich in allen großen Sammlungen der Welt, vom MoMA in New York, wo eine seiner Skulpturen die Haupttreppe schmückt, bis zum UNESCO-Sitz in Paris. Weitere Zentren, in denen er vertreten ist, sind das Guggenheim Museum in New York, die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, das Städel in Frankfurt, das Kunstmuseum in Basel, das Reina Sofía in Madrid und die Tate Gallery in London.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 3 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Botschaft, 1977. Tinte auf Papier. Signiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 23,5 x 27,5 cm: 55 x 62 cm (Rahmen). 1977 befand sich Miró in einer konsolidierten Phase seiner künstlerischen Laufbahn, nachdem er im selben Jahr die Goldene Verdienstmedaille für sein Werk erhalten hatte. In dieser Zeit, dem Jahrzehnt der siebziger Jahre, wendet sich seine Malerei einer suggestiveren Ästhetik zu, die von ätherischen Formen bevölkert wird, die sich auf Linien und Punkte reduzieren, die es schaffen, organische Körper, wie sie für die Natur typisch sind, zu konzipieren und einzufangen. Diese fließende Linie, die in diesem Gemälde zu sehen ist, ist charakteristisch für diese Periode und findet sich in der Tat in mehreren seiner Werke, wie zum Beispiel in dem Werk "Femme, oiseau", das zur Sammlung des Centre Pompidou in Paris gehört. Joan Miró war eine der großen Figuren der Kunst des 20. Jahrhunderts auf internationaler Ebene. Jahrhunderts. Seine Ausbildung erhielt er in Barcelona, zunächst an der Escuela de la Lonja und später an der Academia Galí, die sich durch einen innovativen Geist auszeichnete. In dieser Schule und im Cercle Artístic de Sant Lluc, ebenfalls in Barcelona, lernte der junge Miró einige seiner großen Freunde kennen, wie den Kritiker Sebastià Gasch, den Dichter J.V. Foix, den Maler Josep Llorens Artigas und den Kunstförderer Joan Prats. So hatte er schon in seinen ersten Lebensjahren direkten Kontakt zu den avantgardistischen Kreisen Barcelonas, und bereits 1918 hatte er seine erste Ausstellung in den Galerien Dalmau in Barcelona. Im Jahr 1920 zog er nach Paris und traf Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten. Dies sind die entscheidenden Jahre seiner künstlerischen Laufbahn, in denen Miró seine persönliche Sprache entdeckt. In Paris freundet er sich mit André Masson an, um den sich die sogenannte Rue Blomet-Gruppe, die spätere Keimzelle des Surrealismus, gruppiert. Unter dem Einfluss der surrealistischen Dichter und Maler, mit denen er viele seiner theoretischen Ansätze teilt, reift sein Stil; er versucht, die surrealistische Poesie auf das Visuelle zu übertragen, das auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht. Von diesem Zeitpunkt an entwickelt sich sein Stil weiter und führt ihn zu ätherischeren Werken, in denen organische Formen und Figuren auf abstrakte Punkte, Linien und Farbflecken reduziert werden. 1924 unterzeichnete er das erste surrealistische Manifest, obwohl die Entwicklung seines Werks zu komplex ist, als dass man ihn einer bestimmten Orthodoxie zuordnen könnte. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 war sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwarb zwei seiner Werke. Ab den dreißiger Jahren wurde Miró zu einer der herausragendsten Figuren der internationalen Kunstszene und zu einem der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Genau zu dieser Zeit trat der Künstler, der von Natur aus ein Nonkonformist war, in eine Phase ein, die er als "Mord an der Malerei" bezeichnete, in der er sich freiwillig von der Malerei lossagte und mit anderen Medien experimentierte, wie der Collage, dem Zeichnen auf Papier mit verschiedenen Texturen oder der Konstruktion von "Objekten" aus gefundenen Elementen, seinem ersten Ansatz zur Bildhauerei. Obwohl er bald darauf die Malerei wieder aufnimmt, lässt Miró nie von seinem Wunsch ab, mit allen möglichen Materialien und Techniken zu experimentieren, darunter Keramik, Bronze, Stein, grafische Techniken und seit 1970 sogar Wandteppiche. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum of Modern Art in New York eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Weihe werden sollte. Von 1956 bis zu seinem Tod im Jahr 1983 lebte er in Palma de Mallorca in einer Art innerem Exil, während sein internationaler Ruhm wuchs. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen wie die Großen Preise der Biennale von Venedig (1954) und der Guggenheim-Stiftung (1959), den Carnegie-Preis für Malerei (1966), die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya (1978) und der Schönen Künste (1980) und wurde von den Universitäten von Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Heute sind seine Werke in der 1975 eingeweihten Stiftung Joan Miró in Barcelona sowie in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst in der ganzen Welt zu sehen, darunter das Thyssen-Bornemisza, das MoMA in New York, das Reina Sofia Museum in Madrid, die National Gallery in Washington oder das MNAM in Paris.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 4 - BALDOMERO GALOFRE JIMÉNEZ (Reus, Tarragona, 1846 - Barcelona, 1902). "Ruhe". Öl auf Leinwand. Signiert und lokalisiert ("Roma") in der unteren rechten Ecke. Beigefügtes Zertifikat der Galerie Barbier. Provenienz: Galerie Bernat. Maße: 77 x 43 cm; 106 x 72 cm (Rahmen). Exquisite Interieurszene, in der eine junge Frau auf einer Chaiselongue liegend ihren Wellensittich betrachtet, der soeben aus einem Käfig entkommen ist, der an der hohen Decke des Raumes hängt. Das Satinkleid der Dame quillt über den Perserteppich und gibt den Blick auf ihren kleinen rechten Fuß frei, der auf einem mit Samt gepolsterten Kissen ruht. Ihr schwarzes Haar kontrastiert mit dem Weiß der Perlen, die es einfassen. Die mit Edelsteinen besetzten goldenen Ohrringe und Anhänger funkeln auf ihrer klaren, perlmuttfarbenen Haut. In der linken Hand hält sie eine Mandoline, die Partitur liegt auf dem Tisch, der mit einer riesigen Porzellanvase geschmückt ist, in der eine großblättrige Pflanze steht. Ein Seidenvorhang schimmert in goldenen Lichtreflexen. Die Kostbarkeit des Ganzen wird durch einen dichten Pinselstrich und eine meisterhafte Verwendung von Tönen erreicht. Baldomero Galofre begann seine Ausbildung an der Escuela de La Lonja in Barcelona, wo er Schüler von Martí Alsina war, und vervollständigte später seine Studien in Madrid. Bekannt wurde er 1866 auf der Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona, an der er 1870 erneut teilnahm, und 1868 nahm er mit Landschaften und Studien an der Aragonesischen Ausstellung in Zaragoza teil. 1874 erhielt er eine Pension, um seine Studien in Rom fortzusetzen, wo er zehn Jahre lang lebte. Dort besuchte er die Akademie Chigi und den Internationalen Kunstzirkel und lernte in den letzten Monaten seines Lebens Mariano Fortuny kennen, dessen stilistische Leitlinien er übernahm. Zurück in Barcelona veranstaltete er 1884 eine persönliche Ausstellung, die sehr gut aufgenommen wurde; Narciso Oller lobte seinen großen Naturalismus und zeigte ihn als Beispiel gegen die Historienmalerei. Vier Jahre später, in einer neuen Einzelausstellung, dieses Mal in Madrid, wurde eines seiner Werke von der Königin Regentin erworben. 1903 präsentierte Galofre in einem besonderen Saal des Museums von Barcelona eine bedeutende Ausstellung seiner Werke. Er entwickelte einen leuchtenden und detaillierten Stil und malte Landschaften und volkstümliche Szenen im Umkreis von Fortuny. Er war auch ein außergewöhnlicher Zeichner. Derzeit ist er im MACBA und im Museum für Kunst und Geschichte von Reus sowie in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.

Schätzw. 24 000 - 26 000 EUR

Los 5 - JOAQUIN MIR TRINXET (Barcelona, 1873 - 1940). "Miravet". Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Mit Etikett von Barrachina & Ramoneda auf der Rückseite. Beigefügtes Echtheitszertifikat von Barrachina ausgestellt. Maße: 54 x 70 cm; 80 x 94 cm (Rahmen). Joaquim Mir widmete Miravet, dem schönen Dorf in der Ribera del Ebro, einige seiner meistgeschätzten Gemälde. Die Templerburg, die den Hügel überragt, scheint in dieser herrlichen Komposition mit dem Felsen zu verschmelzen. Auch die anderen Häuser, die sich wie Mollusken an den Stein heften, scheinen ihn zu imitieren, dank der Verwendung eines synthetischen und nachdrücklichen Pinselstrichs, der seine Reflexe auf dem Fluss mit dem transparenten Wasser verstreut. Der impressionistische Meister setzt den Himmel in einen Dialog mit dem Meer und das Laub mit dem trockenen Land. Die Wolken gleiten über die spiegelnde Oberfläche des Wassers. Ebenso umgehen die smaragdgrünen Büsche die Vorherrschaft der ocker-, siena- und hellbraunen Farben, die in ihrem eigenen Licht vibrieren. In dieser Landschaft zeigt Mir seine ganze Persönlichkeit. Joaquim Mir studierte an der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona und in der Werkstatt des Malers Luis Graner. Sein Stil wurde auch von der Schule von Olot, der Heimatstadt seines Vaters, beeinflusst. Schon bald fühlte er sich mit der offiziellen Lehre, die in einer Konzeption realistischer Malerei verankert war, unwohl und gründete daher 1893 zusammen mit anderen Kollegen (Nonell, Canals, Pichot, Vallmitjana und Gual) die "Colla del Safrà", um gemeinsam die malerischen Initiativen des ausgehenden Jahrhunderts zu untersuchen. Im Jahr 1896 nahmen sie als Gruppe an der III. Ausstellung der Schönen Künste und der Kunstindustrie teil, auf der Mir zwei Werke präsentierte, die uns eine klare Vorstellung von den Idealen der Gruppe vermitteln: "La huerta del rector" und "El vendedor de naranjas". Außerdem verkehrte er seit 1897 im künstlerischen Umfeld von "Els Quatre Gats", wo sich alle Künstler trafen, die die europäische Avantgarde kannten, was ihm half, in der kompositorischen Studie von Landschaften mit Figuren in verschiedenen Tiefenebenen zu reifen. Aus dieser Zeit stammen die "Hänge des Montjuic" (1897) und "Die Kathedrale der Armen" (1898), die beiden Meisterwerke seiner Jugend. In diesen Jahren nahm er an den Ausstellungen der Schönen Künste von Barcelona teil, und zwar in den Jahren 1894, 1896 und 1898. Er gewann eine zweite Medaille auf der Madrider Ausstellung von 1899 und zog im selben Jahr in die Hauptstadt, um sich um ein Stipendium in Rom zu bewerben. Als er nicht erfolgreich war, ging er mit Santiago Rusiñol nach Mallorca, eine Reise, die einen entscheidenden Wendepunkt in seiner Karriere darstellen sollte. Mir war von der mallorquinischen Landschaft, insbesondere von Sa Calobra, geblendet, die für ihn eine unerschöpfliche Inspirationsquelle darstellte. Von nun an setzte der Künstler eine ganze Reihe von unmöglichen Farben ein, die das Ergebnis seiner persönlichen Interpretation der majestätischen Natur der Insel waren. Die Pinselstriche werden länger und werden zu Flecken, die Gegenstände und räumliche Bezüge fast verschwinden lassen. 1901 stellte er die Früchte dieser ersten mallorquinischen Etappe einzeln in der Sala Parés in Barcelona aus und erhielt erneut eine zweite Medaille auf der Nationalen Ausstellung. Nach einer Krankheitsphase, die ihn zwang, nach Reus umzuziehen, gewann er 1907 die erste Medaille auf der Internationalen Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona. Seitdem hat er sich in Camp de Tarragona niedergelassen, ohne das Genre der Landschaft zu verlassen, aber nun sind die umliegenden Dörfer die Protagonisten seiner Malerei. Nachdem er sich bereits als herausragender Vertreter des katalanischen Panoramas etabliert hatte, erlangte er 1917 die endgültige nationale Anerkennung, als ihm der Nationalpreis der Schönen Künste verliehen wurde. Vier Jahre später heiratete er und ließ sich dauerhaft in Vilanova i la Geltrú nieder. Seine Erfolge folgten Schlag auf Schlag, und 1929 gewann er die erste Medaille auf der Internationalen Ausstellung in Barcelona. Im folgenden Jahr gewann er die Ehrenmedaille der Nationalen Ausstellung in Madrid, eine Auszeichnung, die er seit 1922 anstrebte. Obwohl er hauptsächlich ein einheimischer Maler war, hatte er Einzel- und Gruppenausstellungen in Washington, Paris, Pittsburg, New York, Philadelphia, Amsterdam, Buenos Aires und Venedig. Mir gilt heute als der bedeutendste Vertreter der spanischen postimpressionistischen Landschaftsmalerei. Seine Werke befinden sich unter anderem im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, im Prado-Museum, im Thyssen-Bornemisza-Museum und im Reina-Sofia-Museum in Madrid.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 6 - OSCAR DOMÍNGUEZ PALAZÓN (La Laguna, Teneriffa, 1906 - Paris, 1957). "Nature morte aux fruits", 1945. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Mit Etikett der Sala Parés auf der Rückseite. Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Ana Mª Vázquez de Parga. Maße: 30 x 40,5 cm; 58 x 68 cm (Rahmen). Stilleben von Óscar Domínguez, das zu seinem Reifestadium gehört. Mit Kühnheit reduziert der kanarische Maler die Welt auf ein Puzzle aus geschnittenen Fragmenten, die auf elementare Formen und flächige Farbaufträge reduziert sind. So werden Teller und Brunnen auf Kreise und Ovale reduziert, auf denen Kirschen und runde Orangen ruhen. Das Fenster ist ein Rechteck, das einen festen Ausschnitt des Meeres und ein Stück des Himmels enthält. Ein Vorhang fällt mit vertikalen Linien wie Pfähle herab. Die Klarheit der Formen wird durch die Verwendung einer dicken schwarzen Linie noch verstärkt. Es ist erwähnenswert, dass das Werk von Ana Vázquez de Parga beglaubigt wurde, die sich intensiv mit den Werken von Oscar Domínguez auseinandergesetzt hat, was ihre Teilnahme als Kuratorin der Ausstellung "Oscar Domínguez 1926-1957, eine Retrospektive" unterstreicht. Domínguez gehörte zur Generation von 1927 und erfand die Decalcomania, eine Maltechnik, die darin besteht, schwarze Gouache auf ein Blatt Papier aufzutragen, das auf ein anderes Blatt gelegt wird, auf das ein leichter Druck ausgeübt wird, um schließlich beide Papiere abzuziehen, bevor sie trocknen. Im Jahr 1927 reiste Domínguez aus familiären Gründen zum ersten Mal nach Paris. Im folgenden Jahr kehrte er zurück und kam in Kontakt mit der surrealistischen Bewegung und insbesondere mit ihrer zentralen Figur, André Breton. Diese Gruppe sollte seine Karriere prägen, bis er wegen seiner Annäherung an die Malerei Picassos des Landes verwiesen wurde. Sein persönliches Debüt gab er 1933 im Círculo de Bellas Artes in Santa Cruz de Tenerife und in Las Palmas de Gran Canaria. Im Jahr 1935 nahm er an der Surrealisten-Ausstellung in Santa Cruz de Tenerife teil, wo er das Manifest "Du temps que les surréalistes aviaient raison" unterzeichnete. Wichtig sind auch seine surrealistischen Objekte, von denen er einige 1936 in Paris auf der Exposition Surréaliste d'Objets de la Galerie Charles Ratton ausstellte. Infolge des Bürgerkriegs geht er nach Frankreich ins Exil und verbringt praktisch den Rest seines Lebens in der Hauptstadt. Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte der Künstler als Gefangener des Wahnsinns, nachdem er an Akromegalie erkrankt war, einer degenerativen Krankheit, die seinen Körperbau deformierte und seinen Schädel außerordentlich wachsen ließ. In der Silvesternacht 1957 beging er in Paris völlig betrunken Selbstmord, indem er sich im Badezimmer einer Party seiner Freundin, der Vicomte von Noaffles, die Adern öffnete. Domínguez gilt heute als einer der weltweit bedeutendsten Vertreter der spanischen historischen Avantgarde, die sich in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts in Paris entwickelte. Die Figuren und Objekte seiner surrealistischen Werke enthalten im Allgemeinen magische, mechanistische und sexuelle Anspielungen. Viele von ihnen sind in der kanarischen Landschaft angesiedelt, obwohl er die meiste Zeit seines Lebens in Paris lebte. Der wichtigste Beitrag, den Óscar Domínguez zum Surrealismus leistete, war die Erfindung der Decalcomania oder Decalcomania, einer Technik, bei der der psychische Automatismus eine absolute Hauptrolle spielte. Dieses Verfahren fand großen Anklang bei den Surrealisten, die es schnell übernahmen und später die abstrakte expressionistische Malerei beeinflussten. Bei der Dekalkomanie wird flüssige schwarze Gouache durch unkontrolliertes Pressen zwischen zwei Papierbögen eingebracht. Ein weiterer Beitrag zur surrealistischen Bewegung war die Theorie der Versteinerung der Zeit, mit der er begann, kristallisierte Formen und Strukturen von kantigen Netzen in seine Kompositionen einzuführen. Versteinerungen dieses Stils finden sich auch in den Gemälden von René Magritte.

Schätzw. 28 000 - 30 000 EUR

Los 7 - CARLES NADAL FARRERAS (Paris, 1917 - Sitges, Barcelona, 1998). "Straße von Paris". Acryl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 65 x 54 cm; 80 x 90 cm (Rahmen). In diesem Werk präsentiert uns der Künstler eine urbane Landschaft, die einer naiven Ästhetik folgt, aufgrund des großen Übergewichts an Farbe, des Synthetismus und der Rundheit der Linien und der Verwendung einer Perspektive, die im Vergleich zur Tradition leicht verzerrt ist. Dank dieser Elemente komponiert der Künstler ein Bild, in dem die Elemente eine Landschaft von avantgardistischer Ästhetik bilden, in der das Natürliche und das Urbane zusammenkommen. Was die bereits erwähnte Perspektive betrifft, so verwendet der Maler einen scheinbar frontalen Blickwinkel, vermeidet jedoch den Fluchtpunkt, wodurch er ein Gefühl der Räumlichkeit reduziert und eine Monumentalisierung der Formen erreicht. Dies ermöglicht eine detaillierte Vision des Volumens der Gebäude und schafft ein eher evokatives als repräsentatives Szenario in einer Komposition, in der die flüssigen und freien Farbflecken eine ungewöhnliche Bedeutung haben, den Raum füllen und Veränderungen von Licht und Schatten sowie eine feuchte und klare Atmosphäre hervorrufen. Carles Nadal, Sohn des in Paris ansässigen Malers und Dekorateurs Santiago Nadal, lebt seit seiner Kindheit in Barcelona, wohin die Familie wegen der Krankheit seines Vaters zog. Im Alter von dreizehn Jahren begann er eine Lehre in einer Werkstatt für Dekorationsmalerei, und 1936 erhielt er ein Stipendium der Stadtverwaltung von Barcelona, um an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi zu studieren. Bei Ausbruch des Bürgerkriegs wird er in die republikanische Armee eingezogen, mit der er an den Fronten von Aragon und Tremp kämpft. Anfang 1939 überquert er die französische Grenze und wird im Flüchtlingslager von Saint Cyprien interniert, wo er mehrere Monate lang bleibt. Es gelingt ihm, zu fliehen und die Grenze erneut zu überqueren, doch er wird verhaftet und in Figueras inhaftiert. Auf Bewährung kehrt er nach Barcelona zurück, wo er seine künstlerische Laufbahn fortsetzt und gleichzeitig als Dekorateur arbeitet und Bildende Kunst studiert. Im Jahr 1941 debütiert er in einer Kollektivausstellung in der Galerie Dalmau und erhält gute Kritiken. Er schließt sein Studium mit guten Noten ab und erwirbt die Anerkennung von Lehrern und Professoren, von denen einige zu Freunden und Mitarbeitern des jungen Nadal werden. Einer von ihnen, Luis Muntané, verschafft ihm 1944 seine erste Einzelausstellung in der Pinacoteca in Barcelona. Zwei Jahre später zieht er nach Paris, wiederum mit einem Stipendium der Stadtverwaltung von Barcelona. Dort arbeitet und stellt er mit der Gruppe Présence de l'Homme aus und nimmt auch an den Salons d'Automne teil. Später besucht er dank eines Stipendiums des französischen Staates die Pariser Schule der Schönen Künste. Im Jahr 1948 heiratet er Flore Joris und lässt sich in Brüssel nieder, wo er bis Mitte der siebziger Jahre bleibt. In Belgien entdeckt er, wie er selbst immer wieder sagt, das Licht und die Farbe. In diesen Jahren stellt er seine Werke in Spanien und Belgien sowie in Frankreich, Deutschland, Holland, der Schweiz, dem Vereinigten Königreich und den Vereinigten Staaten aus. Nadals Malerei ist postimpressionistisch, farbenprächtig und basiert auf der Suche nach der chromatischen Kraft als direktes Kommunikationsmittel. Zu seinen Auszeichnungen gehören der Grand Prix de Spa, Belgien, und seine Ernennung zum Mitglied der Royal Academy of London. Seine Werke sind im MACBA, im Museum von Spa in Belgien und im Königlichen Museum von Brüssel zu sehen.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Los 8 - MARGARET MURRAY COOKESLEY (1844-1927) "Die Lieblinge des Sultans". 1894. Öl auf Platte. Am unteren Rand signiert und datiert. Maße: 38 x 59 cm; 55 x 76 cm (Rahmen). Das Thema des Harems wurde von diesem britischen Maler, der Konstantinopel besuchte und wo der Sultan ein Porträt seines Sohnes und seiner Frauen in Auftrag gab, laut der Historikerin Clara Erskine Clement ausgiebig behandelt. Mit kostbarer Technik vermittelt der Autor die seidige Üppigkeit der Gewänder und die Trägheit der Mädchen, die von Wasserpfeifentabak in den Schlaf gewiegt werden. Margaret Murray Cookesley war eine englische Malerin. Sie reiste in den Nahen Osten und malte orientalische Szenen in Öl und Aquarell. Sie stellte in der Royal Academy und in der Society of Women Artists aus. Sie wurde mit dem Chefakat-Orden und der Medaille der Schönen Künste des Osmanischen Reiches ausgezeichnet. Ihr Werk "Circe resplendens" (1913) befindet sich in der Sammlung des Glasgow Museums. Einige seiner Gemälde befinden sich in Sammlungen wie der Victoria Art Gallery, Bath (Frederick Harrison, Author); Towneley Hall, Burnley (The Gambler's Wife); der Walker Art Gallery, Liverpool (Cleopatra); der Graves Art Gallery, Sheffield (The Egg Seller); und Cartwright Hall, Bradford (Rich and Rare Were the Gems She Wore).

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 9 - Englische Schule, XIX Jahrhundert "Porträt einer Dame". Öl auf Leinwand. Maße: 54 x 41 cm; 48 x 62 cm (Rahmen). Porträt einer Kaiserin oder Hofdame aus dem neunzehnten Jahrhundert. Der Maler folgt französischen Vorbildern aus dem Spätbarock oder dem Rokoko, was sich in den saftigen Farbabstufungen zeigt, die die seidigen Qualitäten der Stoffe, den prächtigen Brokatstoff aus Silberfäden des roten Mieders und die bernsteinfarbene Glätte des Faltenrocks bestimmen. Ein gefiltertes Licht fällt durch das Fenster, das ein Himmelsfragment mit baumwollartigen Wolken ausschneidet.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 10 - Französische Schule; 19. Jahrhundert. "Le Bal Pare a Monsieur de Villemorien Fila" und "Das Konzert von Madame La Comtesse de Saint Brisson" Von Hand illuminierte Stiche. Kupferstecher: L. Provost. Maße: 32 x 43 cm (x2); 48 x 60 cm (Rahmen, x2). Die galanten Feste waren ein wiederkehrendes Thema in der französischen Malerei des 18. Jahrhunderts, vor allem in den mittleren Jahrzehnten des Jahrhunderts, in direktem Zusammenhang mit dem Lebensstil des Rokoko, aber auch in der ersten Hälfte. Das als "fêtes galantes" bekannte Genre wurde von dem französischen Maler Jean-Antontonine Watteau mit seinem Gemälde "Einschiffung auf die Insel Cythera" aus dem Jahr 1712 geschaffen. In diesem besonderen Fall geben die beiden illuminierten Stiche aus dem 19. Jahrhundert diese Atmosphäre des achtzehnten Jahrhunderts wieder.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 11 - Italienische Schule des XIX. Jahrhunderts. "Blick auf Cádiz". Öl auf Leinwand. Maße: 54 x 91 cm; 77 x 108 cm (Rahmen). Gemälde aus dem neunzehnten Jahrhundert, das dem Genre der "Veduti" zugerechnet wird. Jahrhunderts, das dem Genre der "Veduten" zugeschrieben wird. Wir erkennen darin ein Werk der italienischen Schule, wahrscheinlich aus dem Umkreis von Carlo Bossini (Lugano, 1815-Turin, 1884). Dieser Maler verewigte die Stadt Cádiz mit verschiedenen Ansichten von Märkten, Plätzen und Menschen. In dieser Szene, die sich um eine Gedenksäule herum abspielt, sind verschiedene Menschengruppen aufgeregt: Frauen mit Kopftüchern in Begleitung ihrer Kinder, Herren mit hohen Zylinderhüten, Soldaten, die zu zweit gehen, ein napoleonischer General mit Dreispitz... Die Architektur, die den Platz einrahmt, hat stattliche Fassaden mit Fenstern, die von schmiedeeisernen Gittern geschützt werden. Auf der rechten Seite ist die Meereslinie zu sehen.

Schätzw. 1 000 - 12 000 EUR

Los 12 - Spanische Schule, Ende des 19. Jahrhunderts. "Marine mit Booten". Öl auf Leinwand. Signiert mit den Initialen "E.S.". Präsentiert eine sichtbare Restaurierung auf der Rückseite. Maße: 55 x 87 cm; 75 x 105 cm (Rahmen). Malerei der Marine Thema mit akribischen Pinselstrich und engen Schlaganfall gelöst, wie es in der detaillierten Darstellung von militärischen Schiffen üblich war oder dass eine wichtige Rolle in der maritimen Geschichte des Landes gespielt. Die an den Masten wehenden Flaggen kennzeichnen ein Schlachtschiffmodell der spanischen Marineindustrie. Die Segel sind in der Reihe der größeren Schiffe gesenkt. Kleine Segelboote kreuzen auf dem Meer, und in der Ferne zeichnen sich zahlreiche Schiffe im weichen Nebel ab. Der Rahmen ist weit und öffnet den Horizont zu einem weiten Panoramablick. Das Wasser plätschert in einem rhythmischen Rhythmus.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 13 - Niederländische Schule; 19. Jahrhundert. "Der Maler und das Modell". Öl auf Leinwand (x2). Sie haben craquelure und eines der Stücke hat sichtbare Restaurationen auf der Rückseite. Maße: 33 x 24 cm (x2); 45 x 37 cm (Rahmen, x2). Zwei Leinwände, auf denen in beiden Fällen das Atelier des Künstlers dargestellt ist, dominiert von einem großen unvollendeten Gemälde, einer jungen Frau und dem Künstler selbst. Obwohl in beiden Fällen die Protagonisten der Szene dieselben sind, scheinen die Bilder einer Reihe zu entsprechen, die die Idee der Liebe, der erwiderten und der zurückgewiesenen, vermittelt. In einem der Fälle umarmt die klassisch gekleidete junge Frau den Maler, während in der anderen Szene das anachronistisch gekleidete Mädchen den Künstler zurückweist. Es sind die Kleider der Protagonisten, die beide Bilder in den Strom des Historismus einschreiben. Das historische Thema des Gemäldes ist in einer glorreichen Vergangenheit angesiedelt, die mit der Geschichte des Landes des Malers zusammenhängt, und kann, wie gesagt, mit dem Historismus des neunzehnten Jahrhunderts in Verbindung gebracht werden, der wichtigsten Strömung jener Zeit, die mit den Akademien der Schönen Künste verbunden war. Der Begriff "Historismus" wurde von dem deutschen Philosophen Karl Wilhelm Friedrich Schlegel geprägt. Im Laufe der Zeit hat der Begriff des Historismus und die Art und Weise, wie er praktiziert wird, unterschiedliche und voneinander abweichende Bedeutungen angenommen. Elemente des Historismus tauchen in den Schriften des französischen Essayisten Michel de Montaigne (1533-1592) und des italienischen Philosophen GB Vico (1668-1744) auf und wurden mit der Dialektik von Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), die im Europa des 19. Jahrhunderts einflussreich war, weiter entwickelt. Sie haben Craquelé und eines der Stücke hat sichtbare Restaurierungen auf der Rückseite.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 14 - FRANCESC GIMENO I ARASA (Tortosa, Tarragona, 1858 - Barcelona, 1927). "Landschaft. Öl auf Leinwand. Am unteren Rand signiert. Maße: 42 x 63 cm; 59 x 79 cm (Rahmen). Der Maler und Zeichner Francesc Gimeno begann seine Ausbildung in Tortosa im Alter von vierzehn Jahren. Im Jahr 1880 lässt er sich in Barcelona nieder und arbeitet abwechselnd als Maler und Dekorateur und als Leiter einer Akademie, die er mit mehreren Freunden gründet. Im Jahr 1884 reist er nach Madrid und tritt in die Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando ein, wo er Schüler von Carlos de Haes ist. Im Prado-Museum bewunderte er die großen Meister des XVII. Jahrhunderts, insbesondere Velázquez. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona im Jahr 1889 lehnte er plötzlich die ihm angebotenen Aufträge ab und widmete sich wieder der dekorativen Malerei. Dennoch nahm er an einigen Ausstellungen teil und gewann Preise wie die Ehrendiplome der Ausstellung von Barcelona 1894 und der Nationalen Ausstellung von Madrid 1904. Im Jahr 1915 organisierte er auf Drängen von Dalmau, Mallol und Jori seine erste Einzelausstellung in der von letzterem geleiteten Galerie in Barcelona. Francesc Gimeno ist im Prado-Museum, im Museum für zeitgenössische Kunst von Barcelona, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien und in der Sammlung J. Sala vertreten.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 15 - FEDERICO ARMANDO BELTRÁN MASSES (Güira de Melena, Kuba, 1885 - Barcelona, 1949). "Die Wiese". Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 79 x 97 cm; 101 x 115 cm (Rahmen). Das Werk zeigt ein offenes Feld, das von einer großen Anzahl von Menschen bevölkert wird, die in der Art und Weise gekleidet sind, wie die Volksschichten Madrids im neunzehnten Jahrhundert an Feiertagen lebten. Daraus lässt sich schließen, dass das Werk eines der wichtigsten Feste zu Ehren des Schutzpatrons der Stadt darstellt, das auf der so genannten "Wiese von San Isidro" stattfindet und unter anderem von Goya verewigt wurde. Beltrán Masses hat trotz seiner kubanischen Herkunft in Spanien Kunst studiert. Er begann seine Ausbildung an der Schule La Llotja in Barcelona und war ein Schüler von Joaquín Sorolla. Im Jahr 1905 zog er nach Madrid, um die Werke der Meister im Prado-Museum aus erster Hand zu studieren. 1916 ließ er sich in Paris nieder, wo er große kommerzielle Erfolge erzielte und Aufträge von berühmten Persönlichkeiten aus den Vereinigten Staaten, Belgien, Italien und Indien erhielt. Er war Mitglied der Königlichen Akademien von Madrid, Barcelona, Zaragoza, Lissabon, Córdoba und Málaga. Außerdem war er Mitglied der Hispanic Society of New York, des Institute of France, der Akademie der Schönen Künste in Paris, Ritter des Malteserordens und der französischen Ehrenlegion sowie Generalkurator der Internationalen Kunstausstellung in Bordeaux im Jahr 1928. Er nahm an zahlreichen Ausstellungen und Messen teil, wie z. B. 1910 an der Sala Parés in Barcelona, 1919 an der spanisch-französischen Ausstellung der schönen Künste in Paris und 1921 an der Biennale von Venedig. Im Jahr 1924 erhielt er den Cordon de Isabel la Católica, und 1934 stellte er seine Werke in der Royal Watercolour Society in London aus. Unter seinen offiziellen Aufträgen ragt das Porträt von König Alfonso XIII. heraus. Im Jahr 2007 fand eine Retrospektive von Federico Beltrán Masses im Museum Casa Lis für Jugendstil und Art Deco statt. Beltrán Masses widmete sich sowohl der Landschafts- als auch der Figurenmalerei, wobei er sich gegen Ende seiner Karriere ganz auf die Porträtmalerei konzentrierte. Er entwickelte einen ganz eigenen Stil, der von den großen spanischen Meistern beeinflusst, aber entschieden modern ist. Werke von Beltrán Masses befinden sich heute im Prado-Museum, im Jeu de Paume-Museum in Paris, in der Casa Lis in Salamanca und in der Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 16 - CARLES NADAL FARRERAS (Paris, 1917 - Sitges, 1998). "Das Vinyet". Gemischte Medien auf Karton. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 28 x 35 cm; 40 x 47 cm (Rahmen). Als Sohn des in Paris ansässigen Malers und Dekorateurs Santiago Nadal lebt Carles Nadal seit seiner Kindheit in Barcelona, wohin die Familie aufgrund einer Krankheit des Vaters umzieht. Im Alter von dreizehn Jahren beginnt er als Lehrling in einer Werkstatt für dekorative Malerei zu arbeiten. 1936 erhält er ein Stipendium der Stadtverwaltung von Barcelona, um an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi zu studieren. Bei Ausbruch des Bürgerkriegs wird er in die republikanische Armee eingezogen, mit der er an den Fronten von Aragon und Tremp kämpft. Nach seiner Verhaftung kehrt er in die Freiheit nach Barcelona zurück, wo er seine künstlerische Laufbahn fortsetzt und gleichzeitig als Dekorateur arbeitet und Bildende Kunst studiert. Im Jahr 1941 debütiert er in einer Kollektivausstellung in der Galerie Dalmau und erhält gute Kritiken. Er schließt sein Studium ab und stellt 1944 in der Pinacoteca-Galerie in Barcelona zum ersten Mal einzeln aus. Zwei Jahre später zieht er nach Paris, wiederum mit einem Stipendium der Stadtverwaltung von Barcelona. Dort arbeitet und stellt er mit der Gruppe Présence de l'Homme aus und nimmt auch an den Salons d'Automne teil. Später besucht er dank eines Stipendiums des französischen Staates die Pariser Schule der Schönen Künste. Im Jahr 1948 heiratet er Flore Joris und lässt sich in Brüssel nieder, wo er bis Mitte der siebziger Jahre bleibt. In Belgien entdeckt er, wie er selbst immer wieder sagt, das Licht und die Farbe. In diesen Jahren stellt er seine Werke in Spanien und Belgien sowie in Frankreich, Deutschland, Holland, der Schweiz, dem Vereinigten Königreich und den Vereinigten Staaten aus. Nadals Malerei ist postimpressionistisch, farbenprächtig und basiert auf der Suche nach der chromatischen Kraft als direktes Kommunikationsmittel. Zu seinen Auszeichnungen gehören der Grand Prix von Spa, Belgien, und seine Ernennung zum Mitglied der Royal Academy of London. Seine Werke befinden sich im Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona, im Museum von Spa in Belgien und im Königlichen Museum in Brüssel.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 17 - JAUME MERCADÉ QUERALT (Valls, Tarragona, 1887/89 - Barcelona, 1967). "Landschaft. 1954. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 56 x 70 cm; 81 x 96 cm (Rahmen). Jaume Mercadé, Maler, Goldschmied und Juwelier, wurde in der Schule von Francesc Galí ausgebildet. Er ließ sich 1916 dauerhaft in Barcelona nieder und hatte im selben Jahr seine erste Einzelausstellung in den Galerien Layetanas. In den folgenden zwei Jahren unternahm er eine Reise, die ihn nach Paris und in verschiedene deutsche Städte führte. Nach seiner Rückkehr im Jahr 1919 wurde er zum Professor für Schmuck und Goldschmiedekunst an der Kunstgewerbeschule in Barcelona ernannt. Als unermüdlicher Arbeiter nahm er an zahlreichen Wettbewerben teil und wurde mehrfach ausgezeichnet, auch als Juwelier. Seine Arbeit als Goldschmied, die für die Erneuerung dieser Kunst entscheidend war, brachte ihm ein Ehrendiplom und eine Goldmedaille auf der Ausstellung für dekorative Künste in Paris (1924), einen Hauptpreis und eine Goldmedaille auf der Internationalen Ausstellung von Barcelona (1929), eine Goldmedaille auf der VI. und IX. Triennale von Mailand und einen Hauptpreis auf der III. hispanoamerikanischen Biennale ein. Seine Malerei macht ihn zu einem der besten katalanischen Künstler seiner Zeit. Eines seiner berühmtesten Gemälde, "Der Zeppelin", gewann einen wichtigen Preis im Wettbewerb "Barcelona im Spiegel seiner Künstler". Neben anderen Auszeichnungen erhielt er 1957 den Großen Preis Juan Gris, 1959 die Bronzemedaille für Malerei auf der Biennale von Alexandria und 1960 die zweite Medaille auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste. Ursprünglich am Fauvismus geschult, wurde er später vom Noucentisme beeinflusst, der die Sinnlichkeit seiner Farbpalette milderte. Mercadé verstand es, sich bis zu seinen letzten Lebensjahren weiterzuentwickeln, indem er seine Malerei auf das ausrichtete, was man eine gemessene Modernität nennen kann. Seine Welt ist die raue Landschaft der Region Tarragona, die er in seinen Gemälden mit Gelassenheit und Ausgeglichenheit gestaltet. Obwohl dies immer sein Hauptthema war, beschäftigte er sich auch mit dem Porträt, dem Akt und dem Stillleben. Seine Malerei ist sehr persönlich, sowohl in plastischer als auch in technischer Hinsicht, und tatsächlich verwendete er Sand und Marmorstaub, um die Rauheit der Erde und die Rauheit der Stämme der Johannisbrotbäume, die in den Feldern von Tarragona so zahlreich sind, zu erreichen. Sein Sohn, Jordi Mercadé Farrés, war ebenfalls Maler und wurde zunächst von seinem Vater ausgebildet. Jaume Mercadé ist im MACBA, dem Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid, im Kunstmuseum von Vilanova i la Geltrú, in den Museen von Tossa, Mollet del Vallès und Hospitalet de Llobregat und vor allem im Museum seiner Heimatstadt Valls vertreten, wo ihm ein Raum gewidmet ist.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 18 - JOAQUIN MIR TRINXET (Barcelona, 1873 - 1940). "Barken in der Sonne". Öl auf Leinwand. Beiliegend eine Studie von Doña Teresa Campas und ein von Miralles ausgestelltes Echtheitszertifikat. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 55,3 x 60,3 cm; 82 x 87 cm (Rahmen). Dieses Werk ist charakteristisch für Joaquim Mirs hedonistische und kühne Sprache in seiner Interpretation der Malerei. Er reduziert sie auf ihre grundlegenden Elemente durch eine hervorragende Handhabung von Licht und Farbe, aber gleichzeitig vermeidet er die reine Abstraktion und deutet immer den Pulsschlag an, der unter den Formen schlägt. So sind die Formen flammende, rein chromatische Agitation und die wechselnden Lichter des Tages werden in symphonischen Kadenzen konjugiert. Joaquim Mir studierte an der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona und in der Werkstatt des Malers Luis Graner. Schon bald fühlte er sich mit der offiziellen Lehre, die in einer Konzeption der realistischen Malerei verankert war, nicht mehr wohl, so dass er 1893 mit anderen Kollegen die "Colla del Safrà" gründete, um gemeinsam die malerischen Initiativen des ausgehenden Jahrhunderts zu untersuchen. Im Jahr 1896 nahmen sie sogar als Gruppe an der III. Ausstellung der Schönen Künste und der künstlerischen Industrie teil, auf der Mir zwei Werke präsentierte: "La huerta del rector" und "El vendedor de naranjas". Außerdem verkehrte er seit 1897 im künstlerischen Umfeld von "Els Quatre Gats", das ihm half, in der kompositorischen Studie von Landschaften mit Figuren in verschiedenen Tiefenebenen zu reifen. In diesen Jahren nahm er an den Ausstellungen der Schönen Künste in Barcelona teil, und zwar in den Jahren 1894, 1896 und 1898. Er gewann eine zweite Medaille auf der Madrider Ausstellung von 1899 und zog im selben Jahr in die Hauptstadt, um sich um ein Stipendium in Rom zu bewerben. Als er nicht erfolgreich war, ging er mit Santiago Rusiñol nach Mallorca, eine Reise, die einen entscheidenden Wendepunkt in seiner Karriere darstellen sollte. Mir war von der mallorquinischen Landschaft geblendet, die für ihn eine unerschöpfliche Inspirationsquelle darstellte. Von nun an setzte der Künstler eine ganze Reihe von unmöglichen Farben ein, die das Ergebnis seiner persönlichen Interpretation der majestätischen Natur der Insel waren. Die Pinselstriche werden länger und werden zu Flecken, die Gegenstände und räumliche Bezüge fast verschwinden lassen. Im Jahr 1901 stellte er die Früchte dieser ersten mallorquinischen Etappe einzeln in der Sala Parés in Barcelona aus und erhielt eine zweite Medaille auf der Nationalen Ausstellung. Im Jahr 1907 erhält er die erste Medaille auf der Internationalen Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona. Von diesem Zeitpunkt an, als er sich in Camp de Tarragona niederlässt, wird er das Genre der Landschaft nicht mehr verlassen, aber die umliegenden Dörfer werden nun zu den Protagonisten seiner Malerei. Als er 1917 mit dem Nationalpreis der Schönen Künste ausgezeichnet wird, erhält er die endgültige nationale Anerkennung. Im Jahr 1929 gewann er die erste Medaille auf der Internationalen Ausstellung in Barcelona. Im folgenden Jahr erhielt er die Ehrenmedaille der Nationalen Ausstellung in Madrid, eine Auszeichnung, die er seit 1922 anstrebte. Obwohl er hauptsächlich ein einheimischer Maler war, hatte er Einzel- und Gruppenausstellungen in Washington, Paris, Pittsburg, New York, Philadelphia, Amsterdam, Buenos Aires und Venedig. Mir gilt heute als der bedeutendste Vertreter der spanischen postimpressionistischen Landschaftsmalerei. Seine Werke befinden sich unter anderem im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, im Prado-Museum, im Thyssen-Bornemisza-Museum und im Reina-Sofia-Museum in Madrid.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 19 - OLGA SACHAROFF (Tiflis, Georgien, 1889 - Barcelona, 1967). "Vase". Öl auf Karton. Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Barrachina & Ramoneda. Maße: 40 x 38 cm; 70 x 60 cm (Rahmen). Olga Sacharoff gelang es trotz ihrer georgischen Herkunft, eine wichtige Vertreterin des katalanischen Noucentisme zu werden. Bereits während ihres Aufenthalts in Paris und vor ihrer Zeit in Barcelona entwickelte sie einen eigenen Stil, in dem Natur und Tiere eine wichtige symbolische Rolle spielen. Sacharoff entwirft mit dieser Tafel eine stimmungsvolle Vase, die vom cezannischen Einfluss geprägt ist, der den Verlauf seiner Produktion bestimmt. Die ruhige Kombination von leuchtenden Farben lässt uns in ein leuchtendes Bild eintauchen, das auf auf das Wesentliche reduzierten Kompositionen beruht. Dieser Eindruck der Stille, zusammen mit dem geometrischen Charakter der Zeichnung des Künstlers, verleiht dem Werk einen Hauch von Zeitlosigkeit, ein ewiges Bild, unsterblich dank der genialen Hand des Künstlers. Nach dem Studium an der Kunstschule in Tiflis zog Sacharoff 1910 nach München, wo sie mit dem deutschen Expressionismus in Berührung kam. Im folgenden Jahr zog er nach Paris, wo sein Werk zunächst von Cézanne beeinflusst war und sich später zum synthetischen Kubismus hin entwickelte. Bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs zog Sacharoff nach Spanien, wo er sich 1915 niederließ, zunächst über Mallorca, um sich schließlich im folgenden Jahr in Barcelona niederzulassen. Einige Historiker weisen darauf hin, dass sie der Wegbereiter des Kubismus in Barcelona war. Von dort aus arbeitete sie an der Zeitschrift "391" von Francis Picabia mit, die als Sprachrohr des Dadaismus galt und in Barcelona erschien. In den Jahren 1920, 1921, 1922 und 1928 stellte sie in den Pariser Salons d'Automne aus, wo sie von der Presse hoch gelobt wurde und 1929 eine Einzelausstellung in der Pariser Galerie Bernheim Jeune, einer der wichtigsten Galerien der damaligen Zeit, organisierte. In diesen Jahren hatte sie eine Ausstellung in den Layetanas-Galerien in Barcelona (1934) und nahm am Montjuic-Salon teil, zu dessen Mitglied sie 1935 ernannt wurde. Bei Ausbruch des Bürgerkriegs kehrte Sacharoff nach Paris zurück und stellte 1939 in der Perls Gallery in New York aus. Nach dem Krieg kehrt er nach Barcelona zurück und lässt die Avantgarde hinter sich, um sich einem naiven Geschmack hinzugeben, der dem katalanischen Noucentisme nahe steht. Sein Stil nimmt lyrische und liebenswürdige Züge an, und er stellt sich in den Dienst einer idealisierten Vision von Katalonien: Landschaften, Bräuche, volkstümliche Typen, usw. Im Allgemeinen überwiegen zu dieser Zeit Kompositionen mit mehreren Figuren, die mit schematischen Strichen und lebhaften Farben dargestellt werden. Er wird von Camón Aznar ausgewählt und nimmt am I. Salón de los Once de Eugenio D'Ors (1943) teil, der in der Galerie Biosca in Madrid stattfindet. Zwei Jahre später organisiert er eine Retrospektive seines Pariser Werks, und 1960 widmet ihm die Generaldirektion der Schönen Künste eine anthologische Ausstellung. Im Jahr 1964 wurde ihm die Medaille der Stadt Barcelona verliehen. Sacharoff illustrierte auch Bücher, darunter "La casa de Claudine" von Colette (1944) und "Netochka Nezvanova" von Dostojewski (1949). Kürzlich wurde ihr im Duo mit María Blanchard in Bilbao eine Anthologie gewidmet (BBK-Ausstellungshalle, 2002). Olga Sacharoff ist unter anderem in der Mapfre-Stiftung in Madrid, im Nationalen Zentrum Reina Sofia, im Thyssen-Bornemisza-Museum, im Jugendstil- und Art-déco-Museum Casa Lis, im Marés-Museum, im Pablo-Gargallo-Museum in Zaragoza und im Kloster Montserrat vertreten.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 20 - ALLEN CULPEPPER SEALY (England, 1850 -1927). "Common, Gewinner der Triple Crown 1891, geritten von G. Barrat", 1891. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Provenienz: Galerie Bernat. Maße: 71 x 92 cm: 86,5 x 107 cm (Rahmen). Das Gemälde mit Jagdmotiv verbindet die Betrachtung der Landschaft mit der Erzählung, dem Porträt und der Tiermalerei und spiegelt auf sehr präzise Weise den ästhetischen Geschmack und das Denken des Bürgertums des XIX Jahrhunderts wider. Der Mäzen sieht in dem Gemälde seine eigene Realität, seine Lebensweise und seine Werte durch die Kunst bestätigt. Sicher ist jedoch, dass dieses Genre in England aufgrund der großen Tradition seiner Wettbewerbe besonders wichtig war. Die Engländer schätzten die naturalistische Darstellung der Tiere sehr, und so wurden die Werke zu wahren Porträts dieser Rennhelden, die die britische Monarchie und Aristokratie versammelten (und versammeln). Allen Culpepper Sealy wurde in Field Grove House, Bitton, Keynsham, Somerset, geboren und besuchte das Internat Elm Grove House, Manchester Street, Littleham St Thomas, Devon, kehrte aber 1871 nach Bitton zurück, von wo aus er an der Bristol School of Art studierte. Als Landschafts-, aber auch als Pferdemaler reiste er im Rahmen von Auftragsarbeiten weit umher; 1891 war er in Doncaster, South Yorkshire, 1901 in Rochester, Kent, und 1911 in Exmouth, Devon. Er muss auch in Newmarket, Suffolk, gewesen sein, wo er mehrere Aufträge erhielt, und sein "Kingwood" befindet sich im National Horseracing Museum in Newmarket. Zwischen 1875 und 1886 stellte er in der Royal Academy aus, ebenso wie in der Royal Society of Artists in Birmingham, der Fine Art Society, der Walker Art Gallery, der Manchester City Art Gallery, der Royal Society of British Artists, der Royal Hibernian Academy und dem Royal Institute of Oil Painters. Allen Culpepper Sealy starb in Park Cottage, Parkstone, Poole, Dorset, am 11. November 1927.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 21 - MARIANO ANDREU ESTANY (Mataró, Barcelona, 1888 - Biarritz, Frankreich, 1976). "Stilleben und Figur", 1932. Öl auf Táblex. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 23 x 26 cm; 54 x 62 cm (Rahmen). Mariano Andreu erforschte die plastischen und konzeptionellen Möglichkeiten eines modernen Klassizismus der mediterranen Natur. Hier hat er im Vordergrund ein Stillleben mit Sommerfrüchten und frischen Weinen entwickelt, in dem jedes Element mit in sich geschlossenen Formen und Farben umrissen ist, so dass das Ganze in einer visuellen Collage zu entstehen scheint. Im Hintergrund nimmt ein junger Ephebe eine anmutige Haltung ein, die die Anmut seiner Anatomie unterstreicht, die mit geschwungenen Strichen und synthetischem Willen aufgelöst wird. Eine gewisse zeitlose und mythische Kadenz umgibt die Szene, wie es in den Kompositionen des Künstlers üblich ist, der aus verschiedenen Quellen und Epochen schöpft, von der Renaissance bis zum Fauvismus. Als Maler, Zeichner, Graveur, Bildhauer, Dekorateur und Bühnenbildner begann Mariano Andreu seine Karriere in der Kunstwelt, angezogen von den plastischen Künsten des Spektakels. Hauptsächlich Autodidakt, besuchte er sporadisch die Akademie von Francesc A. Galí. Er studierte in London an der Municipal School of Arts & Crafts, wo er vom Stil Aubrey Beardsleys und von der präraffaelitischen Malerei fasziniert war. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona schloss er sich der dekadentistischen Gruppe an, der ersten Ausprägung des Noucentisme. Im Jahr 1911 stellt Andreu seine Werke zum ersten Mal in einer Gruppenausstellung in der Faianç Català aus. Im folgenden Jahr lässt er sich in Paris nieder, wo er bei Kritikern und Publikum stets großen Erfolg hat, auch wenn er zeitweise nach Barcelona zurückkehrt. Später reist er nach Italien, um die Werke der Renaissance zu studieren, eine Tatsache, die sein Werk endgültig prägen wird. Er hatte mehrere Ausstellungen in Barcelona, Paris, München, Tokio, Osaka, London, Brüssel, New York, Los Angeles und Buenos Aires. Er ist in den Museen für Theater und zeitgenössische Kunst von Barcelona sowie in verschiedenen öffentlichen und privaten internationalen Einrichtungen vertreten.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 22 - CELSO LAGAR ARROYO (Ciudad Rodrigo, Salamanca, 1891 - Sevilla, 1966). "Prozession". Öl auf Platte. Am unteren Rand signiert. Das Werk wurde von Narciso Alba zertifiziert. Maße: 18,5 x 16 cm; 41 x 38 cm (Rahmen). Celso Lagar begann seine Ausbildung im Bereich der Bildhauerei bei Miguel Blay in Madrid. Sein Lehrer riet ihm, nach Paris zu reisen, um seine Studien zu vervollständigen, und nach einem Jahr in Barcelona reiste er 1911 zum ersten Mal in die französische Hauptstadt. Die persönliche und künstlerische Laufbahn von Lagar lässt sich in vier verschiedene Phasen unterteilen, die durch die beiden Weltkriege geprägt sind. Die erste dieser Phasen ist die der Lehre in Madrid, Barcelona und Paris, wo er mit Künstlern wie Amadeo Modigliani in Kontakt kommt. Diese Phase endet, als er bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs gezwungen ist, Paris zu verlassen. Er lässt sich in Barcelona nieder, hat aber mehrere Ausstellungen in der französischen Hauptstadt, die ihm bei seiner Rückkehr in die Stadt nach dem Krieg im Jahr 1919 als Empfehlungsschreiben dienen. Zu diesem Zeitpunkt ist Lagar bereits ein gefestigter Künstler, der sich endgültig in Paris niederlässt. Er stellt regelmäßig in den besten Pariser Galerien aus (Berthe Weil, Percier, Zborowski, Barreiro, Brouant, Druet), sein Stil erreicht seine persönliche Reife und er widmet sich ganz der Malerei und lässt die Bildhauerei hinter sich. Er entwickelt eine Malerei, die sich auf ganz bestimmte Themen konzentriert: Stillleben, spanische Themen, Landschaften und Zirkusszenen. Nach der Zeit der avantgardistischen Einflüsse (Kubismus, Fauvismus usw.) findet Lagar zu seinem eigenen Stil, der von Goya und Picasso geprägt ist. Allmählich kühlt sich seine Palette ab, aber seine bevorzugten Themen bleiben dieselben, und seine Anerkennung beim Publikum und bei den Kritikern nimmt zu. Der Beginn des Zweiten Weltkriegs markiert das Ende von Lagars goldenem Zeitalter. Er emigriert in die französischen Pyrenäen, und seine Rückkehr in die gerade befreite Stadt Paris hat nicht die erhofften Auswirkungen, da das Publikum neue Inhalte und Formen fordert. Als seine Frau 1956 erkrankt, fällt Lagar in eine tiefe Depression und wird in eine psychiatrische Klinik eingewiesen. Er hört endgültig auf zu malen und kehrt 1964 nach Spanien zurück, wo er seine letzten Jahre im Haus seiner Schwester in Sevilla verbringt. Lagar ist im Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid, im Museum für Jugendstil und Art Déco Casa Lis, im Patio Herreriano in Valladolid, im Petit Palais in Genf, in den Kunstmuseen von La Rochelle, Castres und Honfleur (Frankreich) und in renommierten Sammlungen wie Crane Kallman (London), Zborowski (Paris) oder Mapfre (Madrid) vertreten.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 23 - CELSO LAGAR ARROYO (Ciudad Rodrigo, Salamanca, 1891 - Sevilla, 1966). "Harlekin". Öl auf Karton. Am unteren Rand signiert. Das Werk wurde von Narciso Alba zertifiziert. Maße: 18,5 x 16 cm; 41 x 38 cm (Rahmen). Celso Lagar begann seine Ausbildung im Bereich der Bildhauerei bei Miguel Blay in Madrid. Sein Lehrer riet ihm, nach Paris zu reisen, um seine Studien zu vervollständigen, und nach einem Jahr in Barcelona reiste er 1911 zum ersten Mal in die französische Hauptstadt. Die persönliche und künstlerische Laufbahn von Lagar lässt sich in vier verschiedene Phasen unterteilen, die durch die beiden Weltkriege geprägt sind. Die erste dieser Phasen ist die der Lehre in Madrid, Barcelona und Paris, wo er mit Künstlern wie Amadeo Modigliani in Kontakt kommt. Diese Phase endet, als er bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs gezwungen ist, Paris zu verlassen. Er lässt sich in Barcelona nieder, hat aber mehrere Ausstellungen in der französischen Hauptstadt, die ihm bei seiner Rückkehr in die Stadt nach dem Krieg im Jahr 1919 als Empfehlungsschreiben dienen. Zu diesem Zeitpunkt ist Lagar bereits ein gefestigter Künstler, der sich endgültig in Paris niederlässt. Er stellt regelmäßig in den besten Pariser Galerien aus (Berthe Weil, Percier, Zborowski, Barreiro, Brouant, Druet), sein Stil erreicht seine persönliche Reife und er widmet sich ganz der Malerei und lässt die Bildhauerei hinter sich. Er entwickelt eine Malerei, die sich auf ganz bestimmte Themen konzentriert: Stillleben, spanische Themen, Landschaften und Zirkusszenen. Nach der Zeit der avantgardistischen Einflüsse (Kubismus, Fauvismus usw.) findet Lagar zu seinem eigenen Stil, der von Goya und Picasso geprägt ist. Allmählich kühlt sich seine Palette ab, aber seine bevorzugten Themen bleiben dieselben, und seine Anerkennung beim Publikum und bei den Kritikern nimmt zu. Der Beginn des Zweiten Weltkriegs markiert das Ende von Lagars goldenem Zeitalter. Er emigriert in die französischen Pyrenäen, und seine Rückkehr in die gerade befreite Stadt Paris hat nicht die erhofften Auswirkungen, da das Publikum neue Inhalte und Formen fordert. Als seine Frau 1956 erkrankt, fällt Lagar in eine tiefe Depression und wird in eine psychiatrische Klinik eingewiesen. Er hört endgültig auf zu malen und kehrt 1964 nach Spanien zurück, wo er seine letzten Jahre im Haus seiner Schwester in Sevilla verbringt. Lagar ist im Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid, im Museum für Jugendstil und Art Déco Casa Lis, im Patio Herreriano in Valladolid, im Petit Palais in Genf, in den Kunstmuseen von La Rochelle, Castres und Honfleur (Frankreich) und in renommierten Sammlungen wie Crane Kallman (London), Zborowski (Paris) oder Mapfre (Madrid) vertreten.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 24 - JOSEP DE TOGORES LLACH (Cerdanyola del Vallès, 1893 - Barcelona, 1970). "Vase". Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren Ecke. Maße: 65 x 54 cm; 101 x 89 cm (Rahmen). Geboren im Schoß einer wohlhabenden und kultivierten Familie, die sich in intellektuellen Kreisen bewegt, wird sein Interesse für die Malerei im Alter von dreizehn Jahren geweckt, als er durch eine Hirnhautentzündung sein Gehör verliert. Er reist nach Frankreich und Belgien, wo er die Gemälde von Rembrandt entdeckt, und auf der Internationalen Kunstausstellung 1907 in Barcelona ist er von den Werken Monets fasziniert. Im Alter von achtzehn Jahren war er bereits ein wichtiger Künstler in Barcelona, und 1913 erhielt er den Auftrag, die Kapelle von Anna Girona in Poblet auszuschmücken. Mit einem Stipendium der Stadtverwaltung von Barcelona geht er zum Studium nach Paris, wo er die Malerei von Cézanne kennenlernt, die fortan einen entscheidenden Einfluss auf sein Werk haben wird. 1917 lernt er Picasso kennen und kommt in Kontakt mit kubistischen Theorien und Kreisen. In den 1920er Jahren beginnt er seine Beziehung zu dem Galeristen Kahnweiler, der später Picassos Händler werden sollte. Zwischen 1921 und 1931 arbeitet er ausschließlich mit ihm zusammen, als seine Malerei ihre experimentellste Phase durchläuft und sich dem Automatismus und Surrealismus nähert. Unter Kahnweilers Anleitung wird er zu einem äußerst erfolgreichen Künstler. Im Jahr 1932 nimmt seine Malerei eine neue Wendung, eine Rückkehr zur Figuration. Er zieht nach Barcelona und arbeitet mit einem neuen Händler, Francesc Cambó, zusammen. In dieser Zeit malt er viele Porträts der wichtigsten Persönlichkeiten der katalanischen Gesellschaft und wird zu einem der gefragtesten Maler seiner Zeit. Während des Bürgerkriegs zog er nach Frankreich, kehrte aber 1939 zurück, wo er seine Arbeit fortsetzte, ohne dabei an Ansehen zu verlieren. Seine Werke befinden sich unter anderem im Museo Patio Herreriano in Valladolid, im Museo Nacional Reina Sofía, im Museo Nacional del Arte de Cataluña, im Getty Museum (Los Angeles), im Museo de Arte de Sabadell, im Städtischen Museum Gelsenkirchen (Deutschland), im Thyssen-Bornemisza Museum (Madrid), im Palacio Nacional de Montjuic und im Centre Georges Pompidou (Paris).

Schätzw. 10 000 - 15 000 EUR

Los 25 - FRANCISCO BORÉS LÓPEZ (Madrid, 1898 - Paris, 1972). "Weiblicher Akt", 1944. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert unten rechts. Maße: 27 x 35 cm; 49 x 57 cm (Rahmen). Mit großer Vielseitigkeit bewegte sich Francisco Borés frei zwischen Expressionismus und Kubismus. Wir haben es hier mit der Darstellung eines weiblichen Körpers zu tun, der mit einem ungestümen Puls und dicken Strichen aufgelöst ist, mit Anklängen an den Primitivismus und Picasso und der gleichzeitig ein Augenzwinkern mit der deutschen Die Brücke-Bewegung herstellt. Die Farbpalette wird von Kacheln und einer kontrastreichen Palette von Orange- und Sienatönen dominiert. Borés steht auch im Dialog mit einer ganzen Genealogie von Odalisken, von Goya bis Manet. Francisco Borés wurde an der Malereiakademie von Cecilio Pla ausgebildet, wo er unter anderem Pancho Cossío, Manuel Ángeles Ortiz und Joaquín Peinado kennenlernte. Er besuchte auch die literarischen Versammlungen in Madrid, die mit dem Ultraismus verbunden waren. In dieser Zeit fertigt er Stiche für zahlreiche Zeitschriften wie "Horizonte" oder "Revista de Occidente" an und besucht die Academia Libre de Julio Moisés, wo er mit Dalí und Benjamín Palencia zusammentrifft. 1922 nimmt er zum ersten Mal an der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste teil, und drei Jahre später stellt er seine Werke in der ersten Ausstellung der Gesellschaft der iberischen Künstler aus, aber das mangelnde Interesse des Madrider Publikums an junger Kunst treibt ihn nach Paris. In der französischen Hauptstadt kommt er in Kontakt mit Picasso und Juan Gris und debütiert 1927 mit einem eigenen Werk. Im folgenden Jahr hatte er seine erste Einzelausstellung in den Vereinigten Staaten, und 1930 stellte er erneut aus, diesmal im Rahmen einer Gruppenausstellung im Museum of Modern Art in New York. In den folgenden Jahren hatte er weiterhin Einzelausstellungen in bedeutenden Galerien in Paris und London, unter anderem bei Georges Petit und Zwemmer. Nach dem Zweiten Weltkrieg nimmt er seine Ausstellungstätigkeit wieder auf, und 1947 erwirbt der französische Staat zum ersten Mal ein Werk von Borés. Im Jahr 1949 kauft das Museum of Modern Art in New York seine Bilder. 1969 stellt er in der Madrider Galerie Theo aus und nähert sich damit dem spanischen Publikum, das sein Werk praktisch nicht kennt, außer in Fachkreisen, wo es jedoch sehr geschätzt wird. 1971 stellt er erneut in derselben Galerie Theo aus und stirbt 1972 in Paris. Der Kritiker Joaquín de la Puente weist auf mehrere Etappen in Borés' Schaffen hin: erneuter Klassizismus (1923-25), Neokubismus (1925-29), Obstmalerei (1929-33), Interieurszenen (1934-1949) und weißer Stil (1949-69). Francisco Borés ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Centre Georges Pompidou in Paris, die Museen der Schönen Künste von Bilbao, Buenos Aires, Jerusalem, Göteborg und Baltimore, das MOMA in New York, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, die Nationalgalerien von Athen, Brünn und Edinburgh, das Museo Patio Herreriano in Valladolid und die Museen für moderne Kunst in Stockholm, Turin und Madrid.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 26 - HERNANDO VIÑES SOTO (Paris, 1904 - 1993). Ohne Titel, 1932. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 130 x 86 cm; 147 x 107 cm (Rahmen). Im Jahr 1932 verbrachte Viñes eine Saison in Palma de Mallorca, ein Aufenthalt, der sich auf die Wahl der Themen auswirkte und ein Thema der Inspiration war. In diesem Werk präsentiert der Künstler ein Bild mit klarer mediterraner Inspiration, sowohl in den Formen als auch in den von ihm verwendeten Tonalitäten. Der Künstler zeigt uns ein Protagonistenpaar, das sich in der Mitte der Komposition befindet. Einer von ihnen ist dem Betrachter zugewandt, der andere im Profil. Hinter ihnen geht der weite Raum in das Meer über, das mit dem Himmel verschmilzt und eine verträumte Atmosphäre schafft. Hernando Viñes Soto stammt aus einer großbürgerlichen Familie und wurde von seinem Onkel, dem Pianisten und Komponisten Ricardo Viñes, in den Pariser Künstlerkreis eingeführt. Während des Ersten Weltkriegs ließ er sich in Madrid nieder und kehrte 1918 nach Paris zurück. Dort riet ihm Pablo Picasso, ein Freund seines Onkels, nachdem er seine ersten Zeichnungen gesehen hatte, den gleichen Weg weiterzugehen und seine Kenntnisse als Autodidakt zu vervollkommnen. Viñes folgte dem Rat Picassos und trat zunächst in die Akademie für sakrale Kunst in Paris ein, wo er Schüler von Maurice Denis und Georges Desvallieres war, und vervollständigte dann 1922 seine Ausbildung bei André Lothe und Gino Severini. Im folgenden Jahr nahm er als Dekorateur an "El retablo de Maese Pedro" von Manuel de Falla teil und stellte zum ersten Mal auf dem Salon d'Automne aus. Im selben Jahr, 1923, kommt er durch seinen Freund Manuel Ángeles Ortiz in Kontakt mit dem Kreis junger spanischer Künstler, die in Paris leben: Francisco Bores, Luis Buñuel, Joaquín Peinado, Francisco García Lorca, Pancho Cossío, Rafael Alberti, Ismael de la Serna, usw. Im Alter von zwanzig Jahren beschließt er, sich ganz der Malerei zu widmen, und erhält sofort die Unterstützung zweier bedeutender Kritiker, Tériade und Zervos, letzterer ist der Leiter der "Cahiers d'Art". Von nun an stellt er regelmäßig in den Pariser Galerien Percier und Max Berger aus. Nach dem Zweiten Weltkrieg beginnt für den Maler eine sehr harte Zeit, in der er trotz zahlreicher Kollektiv- und Einzelausstellungen nicht die Bekanntheit erlangt, die seine glänzenden Anfänge versprechen. Es dauerte bis 1965 und der großen Retrospektive, die ihm das Museum für Moderne Kunst in Madrid widmete, bis er endlich als einer der brillantesten Maler seiner Generation anerkannt wurde. Von diesem Moment an folgten eine Ausstellung nach der anderen in herausragenden Galerien in ganz Spanien, wie Théo (Madrid und Valencia), Dalmau (Barcelona) oder Ruiz (Santander). Zu Beginn der achtziger Jahre wurden ihm wichtige Retrospektivausstellungen in der Casa de España in Paris, im Museum der Schönen Künste in Santander und im Museum Bonnat in Bayonne gewidmet. Im Jahr 1988 erhielt er aus der Hand von König Juan Carlos I. die Goldmedaille für Kunst und Literatur. Gleichzeitig wuchs sein internationaler Ruhm durch Ausstellungen in Deutschland, Dänemark, den Vereinigten Staaten, der Tschechoslowakei, England und Japan. Fernab von Schulen und jeglichem Anflug von Prahlerei setzte Viñes' Werk seinen Weg in Frankreich fort, und Museen in aller Welt begannen, seine Werke zu erwerben. Derzeit ist er unter anderem im Museum Reina Sofía in Madrid, im Centre Georges Pompidou in Paris, in den Museen von Albi, Castres und Saint-Ouen in Frankreich, in den Museen der Schönen Künste von Tel-Aviv, Buenos Aires und Prag, im Museum für zeitgenössische Kunst Patio Herreriano in Valladolid und im ARTIUM in Vitoria vertreten.

Schätzw. 15 000 - 18 000 EUR

Los 27 - MANUEL ANGELES ORTIZ (Jaén, 1895 - Paris, 1984). Ohne Titel, 1958. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 132 x 98 cm; 156 x 121 cm (Rahmen). 1957, ein Jahr vor der Entstehung dieses Werks, kehrte Manuel Ángeles Ortiz nach 32 Jahren nach Granada zurück. Der neue Kontakt mit der Landschaft und der Kultur der Stadt beeinflusste seine Malerei in hohem Maße durch diese Veränderung. In diesem Fall handelt es sich um ein Werk, das zu einem grundlegenden Zeitpunkt in seiner Karriere entstand, nämlich kurz vor seiner mythischen Serie über den Albaicín. In der vom Museum und Kunstzentrum Reina Sofía in Madrid gewidmeten Ausstellung wurde darauf hingewiesen, dass das Werk von Manuel Ángeles Ortiz schwer zu klassifizieren ist. Diese Schwierigkeit zeigt sich auch in diesem Werk, in dem ein Wechsel der Sprachen zu beobachten ist (Spätkubismus, Strichzeichnung und runde, monumentale Volumen klassischer Inspiration usw.), ein Symptom für die verschiedenen Ansätze einer Rückkehr zur Ordnung, die von verschiedenen Stimmen, von den Cahiers d'Art bis zu Jean Cocteau oder Amédée Ozenfant, verkündet wurden. Ángeles Ortiz war ein unabhängiger Künstler, der stilistisch schwer einzuordnen ist, da er während seiner gesamten Karriere immer wieder experimentierte. Als Vertreter der Spanischen Schule von Paris begann Manuel Ángeles Ortiz seine Ausbildung in Granada, im Atelier von José Larrocha. Später schloss er sein Studium an der Escuela Superior de Artes Industriales in der Stadt ab und zog dann nach Madrid, wo er seine Ausbildung im Atelier von Cecilio Plá fortsetzte. 1915 gab er sein Debüt in einer Kollektivausstellung und erhielt sehr gute Kritiken in der lokalen Presse. Zur gleichen Zeit begann er, Zeichnungen für verschiedene Publikationen anzufertigen. Anfang der zwanziger Jahre, nach dem Tod seiner Frau, zieht der Maler nach Paris. Dort malt er frenetisch und findet in Picasso seinen wichtigsten Förderer und ersten Liebhaber. Seine Malerei gibt die kubischen Formen auf und konzentriert sich auf völlig traumhafte Bilder, die er 1926 in seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie Quatre Chemins in Paris präsentiert. 1932 kehrt er nach Spanien zurück, doch seine antifaschistische Haltung veranlasst ihn, nach dem Ende des Bürgerkriegs erneut nach Frankreich zu flüchten. Nach einem kurzen Aufenthalt in Paris geht er nach Buenos Aires, wo er sich vollständig in das künstlerische Umfeld integriert und bis 1948 lebt, als er endgültig nach Paris zurückkehrt. Derzeit sind seine Werke unter anderem im Nationalmuseum Reina Sofía in Madrid, im ARTIUM in Vitoria, im Patio Herreriano in Valladolid, im Museum für zeitgenössische Kunst in Sevilla, im Museum der Schönen Künste in Grenoble, in den Stiftungen Federico García Lorca, Mapfre und Telefónica sowie in der Galerie Bargera in Köln vertreten.

Schätzw. 40 000 - 45 000 EUR

Los 28 - ALBERT GLEIZES (Paris, 8. Dezember 1881 - Avignon, 23. Juni 1953). "Lumiere Jeune", 1933. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert auf der Rückseite. Rückseitig mit Etikett des Museums Ostwall, Dortmund. Hist: Sammlung Juliette Roche-Gleizes; Passedoit Gallery, New York (?); Marlborough Fine Art Ltd, London; galerie Suzanne Feigel, Båle; galerie Françoise Tournié, Paris; galerie Félix Vercel, Paris; vente Paris, Drouot- Montaigne, 11 octobre 1989, no. 131 (repr.). Exp.: 1936-1937 New York, Nr. 51; 1943 Paris, Nr. 26 (?): 1947 Lyon, Nr. 27 (?); 1949 New York, Nr. 19; 1956 London, Nr. 31; 1964 New York, Nr. 153 (repr.): 1964-1965 Paris, Nr. 70 (repr.); 1965 Dortmund, Nr. 70 (repr.): 1969 Bâle, Nr. 40 (repr.); 1971 Courbevoie, Nr. 86; 1972 Paris, Nr. 14 (repr.). Ausstellungen und Veröffentlichungen: Rene Gimpel Galerie, New York, 1937, Nr. 51. Passedoit Galerie, New York, 1949, Nr. 19. Ostwell Museum, 1965. Erwähnt 1933 in Heft 18 der Porza Nouvelles Briefes, S. 5, unter dem Titel Rhythmic Composition, the Yellows. Da das Ölgemälde in den Katalogen von Paris 1943 und Lyon 1947 nicht abgebildet ist, bleiben diese Hinweise hypothetisch. Katalogisiertes Werk in der Monografie "Albert Gleizes", Guggenheim Museum, New York, S. 95. Echtheitszertifikat beigefügt. Maße: 89,5 x 114 cm; 114 x 138 cm (Rahmen). "Junges Licht" ist der Titel dieses bedeutenden Werks von Albert Gleizes, das zu seiner reifen Periode gehört. Das Licht ist das große Thema dieses Künstlers, der einmal schrieb: "Das Problem des Lichts ist ein Problem des Glaubens. Denn das Licht ist nicht konkret, sondern vollkommen metaphysisch, unaussprechlich". Der Künstler führte die kubistischen Experimente über die Zerlegung von Formen und Gegenständen in geometrische Flächen hinaus und betrachtete Raum, Zeit und Licht als ein und dasselbe. Diese Integration zwischen materieller und immaterieller Realität wird in "Junges Licht" (Lumiere jeune) aufgegriffen, ein Titel, der auf die aufgehende Sonne und auch auf die Öffnung des Farbspektrums eines Regenbogens anspielt. Die Kreise evozieren die Idee des Absoluten, indem sie konzentrische Wellen auf ein Stillleben ausstrahlen, das die ersten Strahlen der Morgendämmerung empfängt. In seinen jungen Jahren arbeitet Gleizes im Atelier für Industriedesign seines Vaters in Paris. Nach dem Abitur geht er für vier Jahre in die Armee und beginnt dann seine Karriere als Maler, zunächst mit Landschaften. Seine ersten Werke sind dem Impressionismus zuzuordnen, wie z. B. "La Seine à Asnières", das 1902 in der Société Nationale des Beaux-Arts ausgestellt wird. Im folgenden Jahr nimmt er am ersten Salon d'Automne in Paris teil und kommt bald in Kontakt mit Fernand Léger, Robert Delaunay, Jean Metzinger und Heri Le Fauconnier. 1910 schloss er sich dem Kubismus an, zu dessen ersten und wichtigsten Theoretikern er zusammen mit Metzinger gehörte. Im selben Jahr stellt er auf dem Salon des Indépendants aus. Drei Jahre später nimmt er am Kollektiv der Armory Show in New York teil. Während des Krieges meldete er sich erneut zur Armee, und nach dem Krieg zog er nach New York. Er reiste auch nach Barcelona und auf die Bermudas, und 1916 hatte er seine erste Einzelausstellung in den Dalmau Galleries in Barcelona. Zwei Jahre später widmet er sich voll und ganz der Suche nach spirituellen Werten, die sich sowohl in seiner Malerei als auch in seinen Texten widerspiegeln werden. 1927 gründet er in Sablons Moly-Sabata eine utopische Gemeinschaft von Künstlern und Handwerkern, gewissermaßen eine Fortsetzung der Abbaye de Créteil, die er 1906 zusammen mit anderen Künstlern und Schriftstellern am Rande von Paris gegründet hatte. 1931 nimmt Gleizes am Komitee Abstraction-Création teil, das als Forum für die internationale nicht-figurative Kunst fungiert. Zu diesem Zeitpunkt spiegelt sein Werk die Stärkung seiner religiösen Überzeugungen wider und 1932 untersucht er in seinem Buch "La Forme et l'histoire" die keltische, romanische und orientalische Kunst. In diesen Jahren hält er Vorträge in Polen und Deutschland und wird für die Pariser Weltausstellung von 1937 als Wandmaler engagiert. Fast ein Jahrzehnt später, zwischen 1949 und 1950, arbeitet er an Illustrationen für Blaise Pascals Buch "Pensées sur l'homme et Dieu". 1951 wurde Gleizes zur Jury des Prix de Rome ernannt, und die französische Regierung verlieh ihm die Ehrenlegion. Als großer Erneuerer der religiösen Kunst schuf er 1951 sein letztes großes Werk, ein Fresko mit dem Titel "Eucharistie", das er für die Jesuitenkapelle in Chantilly malte. Albert Gleizes ist derzeit unter anderem in den Guggenheim-Museen in Venedig und New York, im Centre Georges Pompidou in Paris, in der Albright-Knox Gallery in Buffalo, im MoMA und im Metropolitan in New York, im National Museum of Western Art in Tokio, im Reina Sofia in Madrid, in der Tate Gallery und im Thyssen-Bornemisza vertreten.

Schätzw. 140 000 - 160 000 EUR

Los 29 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Suite Catalana". 1972. Aquatinta, Malerei und Collage auf Karton. Signiert und handschriftlich gewidmet. Es befindet sich im Archiv des Gesamtwerks von Tàpies, Bildnummer T-9685. Das beigefügte Zertifikat wurde von der Comissió Tàpies ausgestellt (Antoni Tàpies Barba, 2015). Maße: 80 x 105 cm; 100 x 124 cm (Rahmen). Diese Gravur mit Malerei und Collage ist Teil der Mappe "Suite Catalana", die Tàpies 1972, ein Jahr vor Francos Tod, anfertigte. Er gehört also in den Kontext der Verteidigung der katalanischen Kultur und Identität, als diese stark unterdrückt wurde. In dieser Aquatinta mit Farbe werden die vier Balken durch symbolisch "blutige" Fingerabdrücke ausgedrückt; das griechische Kreuz (ein weiteres allgegenwärtiges Element in Tàpies' Werk) symbolisiert den Triumph der Spiritualität und des Widerstands im Angesicht der institutionalisierten Gewalt. Die dicken schwarzen Striche nähern sich der Kalligrafie an. Für Tàpies gingen die Buchstaben über ihre Funktion, sinnvolle Worte zu bilden, hinaus, denn für ihn war die Grafik mit kryptischen Botschaften durchdrungen. Die "Suite Catalana" ist eine Serie von 34 Stichen, die Antoni Tàpies 1972 anfertigte und die von Editorial Gustavo Gili in Barcelona veröffentlicht wurde. Sie gilt als eines der wichtigsten und repräsentativsten Werke von Tàpies. Sie sind ein mutiger Kommentar zu den harten Realitäten des Lebens in Katalonien unter dem Franco-Regime. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 begann Tàpies, auf den Salones de Octubre in Barcelona sowie auf dem Salón de los Once in Madrid im Jahr 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Galerien Layetanas reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Bemerkenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse der menschlichen Existenz bedeutet. Das Werk von Tàpies wird international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 22 000 - 24 000 EUR

Los 30 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Roig y Negre V", 1985. Radierung Aquatinta und Carborundum, Kopie H.C.. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 96 x 123 cm; 117 x 147 cm (Rahmen). Leben und Tod (Rot und Schwarz) ziehen sich wie ein roter Faden durch die mit diesen beiden Farben betitelte Serie. Grafische Symbolik, Flecken und Textur sind in dieser Phase der extremen Introspektion (der achtziger Jahre) miteinander verbunden, die sich plastisch in die Konzeption der Bildfläche als Ganzes, als offenes Feld, ohne Grenzen oder Hierarchie, übersetzt. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 begann Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Galerien Layetanas reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum für moderne Kunst in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht, um eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Zustands darzustellen. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Grand Prix de Painting in Frankreich, die Wolf Foundation of the Arts (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 7 000 - 9 000 EUR

Los 31 - JOAN PONÇ BONET (Barcelona, 1927 - Saint-Paul, Frankreich, 1984). "Komposition", 1956. Öl auf Leinwand. Präsentiert Etikett auf der Rückseite der Galerie Dau al Set (Barcelona). Signiert, datiert und befindet sich (Brasilien) in der unteren rechten Ecke. Maße: 61,5 x 39,5 cm; 87 x 65 cm (Rahmen). 1953 kam Joan Ponç nach Brasilien und etablierte sich vollständig in der Kulturszene von Sao Paulo. In dem Jahr, in dem dieses Werk entstand, nahm er an der Ausstellung "50 anos de Paisagem Brasileira" teil. Dieses abstrakte Gemälde überrascht den Betrachter durch den Kontrast der Farben und die akribische Studie des Strichs. Der Ausdruck des Werkes wird durch die chromatische Palette unterstützt, da bei dem Autor immer die Farben der kalten Töne vorherrschen, die normalerweise mit einer anderen Farbe kontrastieren, wie in diesem Fall Rot und Weiß. Auf diese Weise bringt er Tiefe und mehr Dynamik in das Ergebnis. Der Maler und Zeichner wurde in Barcelona in der Werkstatt von Ramón Rogent und an der Akademie der plastischen Künste bei Ángel López-Obrero ausgebildet. Nachdem er sich in der Anonymität der Malerei und Zeichnung gewidmet hatte, fand 1946 seine erste Einzelausstellung in der Kunstgalerie von Bilbao statt, die seine endgültige Konsolidierung im nationalen Kunstpanorama bedeuten sollte. Im Jahr 1948 gründete er zusammen mit Tharrats, Puig, Cuixart, Tàpies und Brossa die Avantgardegruppe Dau al Set. Von Eugenio D'Ors ausgewählt, nahm er 1951 und 1952 am Salón de los Once de Madrid teil. Im Jahr 1952 nahm er an der Hispanoamerikanischen Biennale teil, und im folgenden Jahr verbrachte er einige Zeit in Paris, wo er Joan Miró kennenlernte und im Musée de la Villa ausstellen konnte. Auf dessen Empfehlung hin erhält Ponç Zugang zu brasilianischen Künstlerkreisen und lässt sich von 1953 bis 1962 in São Paulo nieder. Im Jahr 1954, dem Jahr der Auflösung von Dau al Set, veranstaltete er eine Ausstellung im Museum für Moderne Kunst der Stadt, die so erfolgreich war, dass die Organisation alle Werke erwarb. In Brasilien besuchte er den äquatorialen Dschungel, wo er von der Fauna, insbesondere den Insekten, beeindruckt war, die er in seine Bilder einbezog. 1955 gründete er mit Marc Aleu, Modest Cuixart, Jaume Guinovart, Jaume Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll. Nachdem er wegen einer Krankheit nach Katalonien zurückgekehrt ist, stellt er seine Werke in New York, Rio de Janeiro, Bonn, Paris, Frankfurt, Genf, Antibes und mehreren spanischen Städten aus. Im Jahr 1965 gewann er den Großen Preis der Internationalen Zeichnung auf der Biennale von São Paulo. Ponçs Gemälde zeigen phantasmagorische Bilder, die gleichzeitig schmerzhaft und gequält sind und in denen das Unterbewusstsein die Hauptrolle spielt. Für den Maler ist die Kunst nichts anderes als eine Einführung in das Mysterium und die Geheimnisse des Geistes. Er ist eher ein Zeichner als ein Maler, und sein Werk ist äußerst detailliert und akribisch. Ponçs Schaffen lässt sich in sechs Perioden unterteilen: die Dau al Set-Periode (1947), die brasilianische Periode (1958), die metaphysisch-geometrische Periode (1969), die Periode der metaphysischen Zeichen (1970), die Periode der Akupunktur (1971) und eine letzte Periode der Synthese (1972). In seinem Werk zeigt sich Ponç als Zauberkünstler, der die Kunst als Magie, als außergewöhnliche Kraft, als Zauberspruch, als etwas Übernatürliches begreift.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 32 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Plakat für die Ausstellung Skulpturen, Galerie Maeght, Paris, 1970". Lithographie auf Papier. Exemplar 93/150. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 79 x 59,5 cm; 95 x 75 cm (Rahmen). Lithographie für das Plakat der Ausstellung "Skulpturen" von Joan Miró im Jahr 1970 gefeiert, in der Galerie Maeght von Paris realisiert. Joan Miró wird in Barcelona geboren und debütiert 1918 in den Galerien Dalmau. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen. Diese Lithographie zeigt uns den essentialistischen Miró in seiner Suche nach minimalen und suggestiven Formen. Die auf wenige Farben beschränkte Palette, die auf flache und glänzende Oberflächen aufgetragen wird, evoziert die lyrische Verbindung von Mensch und Umwelt.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 33 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Monumentaler Aspekt". Kugelschreiber auf Papier. Beigefügtes Zertifikat von ADOM. Maße: 37,5 x 24 cm; 55 x 47 cm (Rahmen). Originalzeichnung von Joan Miró, mit blauem Kugelschreiber angefertigt, die mit einigen Anmerkungen einige seiner liebenswerten Figuren mit großen Augen darstellt. Joan Miró wird in Barcelona, zwischen der Escuela de la Lonja und der Academia Galí, ausgebildet. Bereits Anfang 1918 hatte er seine erste Ausstellung in den Dalmau-Galerien in Barcelona. 1920 zog er nach Paris und lernte Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort, unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler, reift sein Stil; er versucht, die surrealistische Poesie auf das Visuelle zu übertragen, basierend auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen. Von diesem Moment an entwickelt sich sein Stil zu ätherischeren Werken, in denen organische Formen und Figuren auf abstrakte Punkte, Linien und Farbflecken reduziert werden. 1924 unterzeichnete er das erste surrealistische Manifest, obwohl die Entwicklung seines Werks zu komplex ist, als dass man ihn einer bestimmten Orthodoxie zuordnen könnte. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 war sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwarb zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Weihe bedeutete. In den fünfziger Jahren experimentiert er mit anderen künstlerischen Medien, wie der Gravur, der Lithografie und der Keramik. Von 1956 bis zu seinem Tod im Jahr 1983 lebte er in Palma de Mallorca in einer Art innerem Exil, während sein internationaler Ruhm wuchs. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen wie die Großen Preise der Biennale von Venedig (1954) und der Guggenheim-Stiftung (1959), den Carnegie-Preis für Malerei (1966), die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya (1978) und der Schönen Künste (1980) und wurde von den Universitäten von Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Heute sind seine Werke in der 1975 eingeweihten Joan-Miró-Stiftung in Barcelona sowie in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst in der ganzen Welt zu sehen, darunter das Thyssen-Bornemisza, das MoMA in New York, das Reina Sofia Museum in Madrid, die National Gallery in Washington, das MNAM in Paris und die Albright-Knox Art Gallery in Buffalo.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 34 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Nu féminin", 1976. Holzkohle und Blei auf Papier. Signiert in der rechten unteren Ecke. Mit Stempel der Sammlung Perrot-Moure. Beiliegendes Zertifikat ausgestellt von Nicolas R. und Olivier M. Descharnes. Maße: 59,3 x 87,8 cm. In den Sommermonaten des Jahres 1976 gab Dalí jeden Dienstag einen Zeichenkurs in Figueras. In dem weiblichen Akt, den wir zeigen, erkennen die Experten Korrekturen und Ergänzungen seiner Urheberschaft an einer früheren Zeichnung einer seiner Schülerinnen. Eine junge Frau bedeckt im Liegen ihr Schambein mit der linken Hand und ahmt damit teilweise die archetypische Geste der Vanus pudica nach. Ihren nackten Oberkörper verdeckt sie jedoch nicht, und ihre langen Beine versuchen nicht, proportional zum Rest des Körpers zu sein. Im Gegenteil, sie zeigen eine unwirkliche und gewollte Länge, die manieristischen Charakter hat. Unter Dalís Hand werden die Körper elastisch und metamorph, denn selbst in scheinbar akademischen Studien gewinnen sie eine subtile, traumhafte Zartheit. In seinen frühen Jahren entdeckte Dalí die zeitgenössische Malerei bei einem Familienbesuch in Cadaqués, wo er die Familie von Ramon Pichot kennenlernte, einem Künstler, der regelmäßig nach Paris reiste. Auf Anraten von Pichot begann Dalí, bei Juan Núñez Malerei zu studieren. Im Jahr 1922 wohnte Dalí in der berühmten Residencia de Estudiantes in Madrid, um ein Studium der Schönen Künste an der Akademie San Fernando zu beginnen. Vor seiner Abschlussprüfung im Jahr 1926 wurde er jedoch von der Schule verwiesen, weil er behauptete, dass es dort niemanden gab, der ihn hätte prüfen können. Im selben Jahr reiste Dalí zum ersten Mal nach Paris. Dort lernte er Picasso kennen und legte einige formale Merkmale fest, die von da an für sein gesamtes Werk charakteristisch sein sollten. Seine Sprache nahm die Einflüsse vieler künstlerischer Stile auf, vom klassischen Akademismus bis hin zur bahnbrechenden Avantgarde. Zu dieser Zeit ließ sich der Maler einen auffälligen Schnurrbart wachsen, der dem von Velázquez nachempfunden war und für den Rest seines Lebens zu seinem persönlichen Markenzeichen werden sollte. 1929 arbeitete Dalí mit Luis Buñuel an dem Film "Ein andalusischer Hund" zusammen, in dem Szenen aus der surrealistischen Fantasie gezeigt wurden. Im August desselben Jahres lernte er seine Muse und spätere Frau Gala kennen. Während dieser Zeit stellte Dalí regelmäßig in Barcelona und Paris aus und schloss sich der surrealistischen Gruppe im Pariser Viertel Montparnasse an. Sein Werk beeinflusste die Richtung des Surrealismus in den folgenden zwei Jahren stark, und er wurde als Erfinder der paranoisch-kritischen Methode gefeiert, die den Zugang zum Unterbewusstsein erleichtern und kreative künstlerische Energien freisetzen sollte. Dank des Kunsthändlers Julian Levy landet der Maler 1934 in Amerika. Mit seiner ersten Einzelausstellung in New York wurde seine internationale Ausstrahlung endgültig gefestigt, und seither zeigt er seine Werke und hält Vorträge in der ganzen Welt. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von der Sammlung des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London.

Schätzw. 24 000 - 26 000 EUR

Los 35 - MODEST CUIXART I TÀPIES (Barcelona, 1925 - Palafrugell, Girona, 2007). Ohne Titel, 1963. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 130 x 97 cm; 135 x 101 cm (Rahmen). Die Fondation Juan March weist darauf hin: "Ab 1958 greift (Cuixart) auf seine charakteristischen, metallisch schillernden Tropfen auf dunklen Hintergründen zurück, die sich zu einer Art Spatialismus entwickeln werden. Zu Beginn der 60er Jahre vermischt sich das Material und die Textur des Lyoner Informalismus mit der magischen und symbolischen Grafik von Dau al Set. Sein plastisches Interesse an der conditio humana führt dazu, dass sein Interesse an der Materie allmählich von einem intensiven Einbruch des Existenziellen abgelöst wird". Cuixart studierte zunächst Medizin, brach sein Studium jedoch bald ab, um sich der Malerei zu widmen, und trat in die Academia Libre de Pintura in Barcelona ein. Im Jahr 1948 beteiligte er sich an der Gründung der Gruppe Dau al Set, zusammen mit Brossa, Ponç, Tàpies und Tharrats, um nur einige zu nennen. Sein Werk, das sich mit dem plastischen Wert des Zeichens befasst, weist von Anfang an eine starke Verwandtschaft mit dem Surrealismus sowie eine große Sensibilität für die Ausdruckskraft der Farbe auf. Gegen 1955 taucht er in den materiellen Informalismus ein, was ihn dazu bringt, die "Grattage" in Werken mit einem gewissen orientalischen Touch zu verwenden. 1959 gewinnt er den ersten Preis der Biennale von São Paulo und stellt auf der Documenta in Kassel aus. Im folgenden Jahr nimmt er an einer Ausstellung spanischer Avantgarde-Kunst teil, die in der Tate Gallery in London und im Guggenheim Museum in New York gezeigt wird. 1962 führt Cuixart die Collage in sein Werk ein, die ihn allmählich in Richtung Pop-Art führen wird. Durch all diese Erfahrungen bereichert, kehrt er zur flächigen Malerei zurück und erreicht einen sehr persönlichen kritischen Realismus, der den Expressionismus mit einer dramatisch veränderten Figuration verbindet, wobei er stets die chromatischen Qualitäten schätzt. In den siebziger Jahren stellt er in zahlreichen nationalen und internationalen Hauptstädten aus, unter anderem in Paris, Madrid, São Paulo, Amsterdam, Tokio, Basel, Barcelona und Mailand. In den folgenden zehn Jahren befreit Cuixart seine Malerei allmählich von ihren aggressiven Aspekten, um ihr einen lyrischeren Ton zu verleihen. Außerdem nimmt er an einer Gruppenausstellung im UNESCO-Palast in Paris teil, erhält das Georgskreuz der Generalitat von Katalonien und das Kreuz von Isabella der Katholischen. 1988 findet eine anthologische Ausstellung in Japan statt, in den Städten Kobe und Tokio. Er arbeitet weiterhin mit überschwänglichen Farben und Formen und bringt wieder eine materiellere Figuration in sein Werk ein. Im Jahr 1998 wurde in Palafrugell eine Stiftung gegründet, die seinen Namen trägt, und im darauf folgenden Jahr wurde er vom Kulturministerium mit der Goldmedaille für Verdienste um die schönen Künste ausgezeichnet. Er ist im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, in der Tate Gallery in London, im Museo Nacional de Arte de Cataluña, im Museo de Arte Contemporáneo in Madrid, Barcelona und Saint-Etienne (Frankreich) vertreten, das Patio Herreriano in Valladolid, das Museo de Grabado Español Contemporáneo in Marbella, das Museo de Arte de la Universidad de São Paulo, das Museo de Arte Abstracto in Cuenca und das Museo del Ampurdán, neben vielen anderen.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 36 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). Ohne Titel, 1983. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der oberen linken Ecke. Maße: 134 x 108 cm. Castillos Werke sind Bilder, die von Fantasie und einem Sinn für Dekoration durchdrungen sind, der auf Matisse zurückgeht. Seine Malerei ist aus Formen aufgebaut, die sich im Raum mit Effekten von großer plastischer Originalität entfalten. Die Szene ist in eine rätselhafte Komposition integriert, in der verschiedene Realitätsebenen nebeneinander bestehen. Seit seiner Kindheit zeichnet Jorge Castillo leidenschaftlich gern, und im Alter von zehn Jahren fertigte er seine erste Kopie von Rubens mit Farbstiften an. Laut Castillo lehrte ihn Rubens' Malerei, den Kubismus von Braque und Picasso zu verstehen. Er hat in Argentinien, Spanien, Frankreich, Italien, Deutschland und den Vereinigten Staaten gelebt, und seit 2008 lebt er auf Ibiza. Er wuchs in Buenos Aires auf, wo er viele Stunden am Hafen verbrachte und sich außerdem der Malerei und dem Schreiben widmete. In diesen Jahren begann er, seine Bilder auszustellen, sogar im Salón de Mayo. Er veröffentlichte auch Gedichte und Kurzgeschichten in Zeitschriften. Im Alter von zweiundzwanzig Jahren beschloss er jedoch, seine Stadt zu verlassen und nach Paris zu gehen. Aus wirtschaftlichen Gründen ließ er sich jedoch in Spanien nieder, genauer gesagt in Madrid, wo er zwischen 1957 und 1963 sechs Jahre verbrachte, von denen er die ersten drei als Vagabund lebte. Der Kontakt mit Viola und Jorge Cela, die von seinen Zeichnungen beeindruckt waren, sollte jedoch sein Leben verändern. In diesen Jahren entschied er sich allmählich für die Technik der Gravur, die von nun an eines seiner wichtigsten Ausdrucksmittel sein sollte. Er begann, sich als Künstler zu profilieren, seine ersten Werke zu verkaufen und wichtige Kontakte zu knüpfen, unter dem Schutz von Luis González Robles, der ihn 1960 zur Biennale von São Paulo mitnahm. Dort überraschten seine Werke und erhielten lobende Kritiken, und in diesen Jahren stellte er auch in Madrid und Barcelona sowie in San Francisco, Lissabon, Pittsburgh und Tokio aus. Im Jahr 1964, dem Jahr seiner Teilnahme an der Biennale von Venedig, öffneten sich schließlich die Türen von Paris für ihn, dank des Vertrags, den er mit dem Kunsthändler André Schoeller unterzeichnete. Fast vier Jahre lang, bis 1967, ließ er sich in der französischen Hauptstadt nieder, wo er regelmäßig das Louvre-Museum besuchte und weiterhin immer erfolgreichere Ausstellungen veranstaltete. 1967 verließ Castillo Paris und zog nach Genf, da Schoeller seinen Vertrag an den Schweizer Jan Krugier, damals einer der wichtigsten Galeristen Europas, verkauft hatte. Die Stadt gefiel ihm jedoch nicht, und so ging er nach Boissano in Italien. Dort vertieft er sich in die klassische italienische Kunst, insbesondere die des Trecento und Quattrocento, und wird 1969 von der deutschen Regierung eingeladen, in Berlin zu arbeiten, wo er bis 1975 lebt. 1970 stellte er in der Nationalgalerie der deutschen Hauptstadt aus - die erste große Museumsausstellung, die einer bestimmten Periode seiner Karriere gewidmet war - und später in zahlreichen Berliner Galerien. Als er Berlin verließ, zog Castillo nach Barcelona, wo er inzwischen in Europa und Amerika ein anerkannter Maler war. Dort stellte er regelmäßig in der Galerie Joan Prats aus und lernte Salvador Dalí kennen. In diesen Jahren begann er, New York zu besuchen und ließ sich schließlich 1981 dort nieder, wo er bis 1992 blieb. Dort wurde er von der renommierten Marlborough Gallery eingestellt, und seine Erfolge hielten an. Im Laufe seiner Karriere wurde Castillo mit Preisen wie dem Internationalen Preis für Zeichnung (1964) und Malerei (1975) in Darmstadt, dem Preis der Stadt Pontevedra (1994) usw. ausgezeichnet.

Schätzw. 4 500 - 5 000 EUR

Los 37 - JORGE CASTILLO (Pontevedra, 1933). Ohne Titel. Radierung. Exemplar 65/75. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 56 x 76 cm (Druck); 70 x 100 cm (Papier); 83 x 114 cm (Rahmen). Jorge Castillo, Sohn spanischer Emigranten in Argentinien, kehrt 1957 nach Spanien zurück. Er wird in die künstlerischen Kreise Madrids eingeführt, und 1958 beginnt er, seine Zeichnungen in der Galerie Biosca zu verkaufen. Nach und nach entscheidet er sich für die Technik des Kupferstichs, die schließlich zu seinem wichtigsten Ausdrucksmittel wird, auch wenn er sie mit der Malerei abwechselt. Im Jahr 1960 wurde er für die Biennale von São Paulo in Brasilien ausgewählt. Von da an stellte er seine Werke international aus, in Galerien und Museen in New York, San Francisco, Tokio, Paris, Lissabon, Turin, Hannover, Düsseldorf und Genf. Er nahm 1964 und 1976 an der Biennale von Venedig teil und hatte 1970 eine Einzelausstellung in der Nationalgalerie in Berlin, die erste große Museumsausstellung, die einem bestimmten Abschnitt seiner Karriere gewidmet war. Er erhielt Preise wie den Internationalen Preis für Zeichnung und Malerei in Darmstadt, den Preis der Stadt Pontevedra und den Preis Cultura Viva de las Artes Plásticas. Er ist unter anderem im Museum der Schönen Künste von Lausanne, in der Juan March Foundation, in den Nationalgalerien von Edinburgh und Berlin, in den Museen für Moderne Kunst von San Francisco und Vitoria, in der Kunsthalle von Bremen, in der Albertina von Wien, in der Spanischen Nationalbibliothek und im Guggenheim in New York vertreten.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 38 - JOAN ABELLÓ PRAT (Mollet del Vallés, Barcelona, 1922 - Barcelona, 2008). "Sportbar". Gemischte Medien auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Betitelt in der unteren linken Ecke. Maße: 82 x 100 cm; 95 x 115 cm (Rahmen). Der Maler und Graveur Joan Abelló beginnt seine Ausbildung als Autodidakt, wobei die Werke von Joaquín Mir in Mollet einen großen Einfluss auf seine ersten Bilder haben. Danach studierte er an der Akademie Baixas und am Königlichen Künstlerkreis von Barcelona (1941) und wurde später Schüler von Pere Pruna, in dessen Atelier er zwei Jahre lang arbeitete (1944-46). Pruna lehrte ihn die Techniken der Wandmalerei und der Gravur, und im Atelier von Miracle erlernte er auch die Restaurierung. 1945 stellte er seine Werke zum ersten Mal in Barcelona aus, und im folgenden Jahr begann er im Atelier von Carlos Pellicer zu arbeiten, mit dem er vierzehn Jahre lang zusammenarbeitete. Seine Studien vervollständigte er mit Reisen u. a. nach London, Belgien, Paris und auf die Isle of Man. In den sechziger Jahren kehrte er in seine Heimatstadt zurück, wo er sich erneut für die Landschaften des Vallés und des Mittelmeers interessierte, ohne jedoch auf seine ausgedehnten Reisen durch Europa, Afrika, die Elfenbeinküste, Marokko und Brasilien zu verzichten. Als hervorragender Sammler schenkte er 1996 seine Kunstsammlung der Stadtverwaltung von Mollet, die drei Jahre später das Städtische Museum Joan Abelló gründete. Dem Museum angegliedert ist das Geburtshaus des Künstlers, das seit 2002 eine Restaurierungswerkstatt und ein Zentrum für künstlerische Studien beherbergt. Seit 1940, dem Jahr seiner ersten Ausstellung in seiner Geburtsstadt, noch bevor er nach Barcelona zog, um dort zu studieren, hatte Abelló Ausstellungen in Spanien sowie in London, Paris, New York und Moskau. Im Jahr 2002 wurde er zum Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Sant Jordi ernannt. Er ist in dem Museum, das seinen Namen trägt, sowie im MACBA in Barcelona, in der Courtauld Collection in London, im Ashmolean Museum in Oxford, im Vatikanischen Museum, im Poldersmuseum in Belgien und im Francesc Galí Legacy vertreten.

Schätzw. 1 200 - 1 400 EUR

Los 39 - RAMÓN AGUILAR MORÉ (Barcelona, 1924 - 2015). "Zirkusszene". Gemischte Medien auf Platte. Signiert in der unteren linken Ecke. Maße: 34 x 51 cm; 58 x 75 cm (Rahmen). Zirkusszenen, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts so in Mode waren, wurden zu einem Schlüsselmotiv in der weiten Vorstellungswelt der damaligen Zeit. Große Meister wie Edgar Degas, George Seurat oder Henri de Toulouse-Lautrec widmeten sich diesem exzentrischen Spektakel und verewigten auf ihren Gemälden das unkonventionelle und freie Leben, das die Welt des Zirkus umgab, fernab von gesellschaftlichen Konventionen. Geboren in Barcelona, begann er seine Ausbildung als Schüler von Oleguer Junyent, bei dem er das Zeichnen lernte, obwohl er sich selbst als Autodidakt betrachtet. Zwischen 1945 und 1948 arbeitete er in seinem Atelier und fertigte in dieser Zeit auch zahlreiche Skizzen zu Varieté- und Ballett-Themen im Rigalt- und Liceo-Theater an. Seine erste Ausstellung fand 1949 in der Galerie Rovira in Barcelona statt, und seither hat er seine Werke kontinuierlich in verschiedenen Galerien in Barcelona und in den wichtigsten spanischen Städten ausgestellt. Er hat auch im Ausland ausgestellt, in der Omell Gallery in London, im Barbizon in Paris, im Palmer House in Chicago, im Forum und im Hotel Paris in Monte Carlo, aber auch auf der Arts and Culture in Genf, der Artexpo in New York, der Art Expo West in Los Angeles und dem Munster Circle in Luxemburg. In Barcelona hat sie ihre Präsenz in den Galerien Gaspar, Grifé & Escoda, Novell und Rusiñol bekräftigt. Die letztgenannte feierte 2007 ihr XXI-jähriges Bestehen mit einer Retrospektive des Malers. Außerhalb Barcelonas hat er seine Werke auch in renommierten Galerien ausgestellt, darunter Àgora 3 in Sitges, Alcolea in Madrid und Garbí in Valencia. Er hat zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter die Goldmedaille des Stadtrats von Palma de Mallorca, den Sant Jordi Preis der Diputació de Barcelona und die Miquel Carbonell und II Mediterranean Games Painting Awards. Aguilar Moré pflegt einen dekorativen Expressionismus, starke Arabesken und leuchtende Farben. Seine Werke befinden sich im Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid, im Museum der Schönen Künste und im Perrot-Moore-Museum in Cadaqués, im Provinzialrat von Barcelona, im Reina-Sofía-Museum in Athen, im Fons d'Art in Olot und in der Städtischen Kunstgalerie von Palamós.

Schätzw. 450 - 500 EUR

Los 40 - JOSE LUIS FLORIT RODERO (Madrid, 1909 - Paris, 2000). "Spaziergang zu Pferde". Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke. Maße: 44 x 45 cm; 70 x 78 cm (Rahmen). José Luis Florit, Maler, Zeichner und Illustrator, beginnt seine Studien zwischen Olot und Figueras unter der Leitung des Malers Juan Núñez. Nach dieser ersten Zeit lässt er sich in Madrid nieder, wo er an der Schule San Fernando Bildende Kunst studiert. Um seine Ausbildung zu vervollständigen, geht er 1935 nach Paris, wo er mit den verschiedenen Avantgarden in Kontakt kommt, aber immer einen sehr persönlichen Stil beibehält. Nach seiner Rückkehr ließ er sich in Barcelona nieder. Er war Gründungsmitglied der Gruppe Artists in Action und veranstaltete mehrere Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen. Unter anderem im Museum für Moderne Kunst in Madrid (1935) und auf der Biennale von Venedig. Er nahm auch an den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste teil und wurde 1934 mit einer Medaille ausgezeichnet. Er ist im Museum für Moderne Kunst in Madrid vertreten.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 41 - MIQUEL VILÀ (Barcelona, 1940). "Ibiza", 1942. Öl auf Karton. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 22 x 30 cm; 43 x 52 cm (Rahmen). Miquel Vilá, ein Maler mit einer Vorliebe für das Viertel Poblenou in Barcelona, wurde an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi ausgebildet und setzte seine Studien am Konservatorium der Künste des Buches in Barcelona fort. Derzeit werden seine Werke im Museum of Modern Art in New York sowie im Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid aufbewahrt. Stilistisch zeichnet sich Vilá durch seine ausdrucksstarke Pinselführung aus, mit der er die Werkstätten und die industrielle und grenzenlose Geografie des Viertels Poblenou einfing. Derzeit lebt und arbeitet er in Barcelona und auf Menorca.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 42 - PASCUAL BUENO FERRER (Barcelona, 1930) "Der Brei". Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 55 x 46 cm; 83 x 73 cm (Rahmen). Pascual Bueno gewinnt 1948 seinen ersten Malereipreis, eine Tatsache, die ihn dazu anspornt, sich ganz seiner Berufung zu widmen. Im Jahr 1956 gewinnt er den ersten Preis in einem Wettbewerb des Kunstmuseums von Barcelona, und im selben Jahr erhält er die Masriera-Silbermedaille für Landschaft der Königlichen Akademie der Schönen Künste von St. Georg in Barcelona und einen Preis der Diputació de Barcelona, der in einem Stipendium für seine weitere Ausbildung in Paris besteht. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona gibt er sein Einzeldebüt und beginnt eine intensive Ausstellungstätigkeit, die ihn zu Ausstellungen in Madrid, Bilbao und Valencia sowie in Barcelona führen wird. 1957 tritt er in die Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi in Barcelona ein und erwirbt den Titel eines Professors für Zeichnung und Malerei und Jahre später den Titel eines Bachelor of Arts. Er nimmt weiterhin an Wettbewerben teil und erhält Auszeichnungen: zweiter Preis für das Gemälde Arenys de Mar (1958), erste Ehrenerwähnung in der Biennale von Montblanc (1959), erster nationaler Preis im Wettbewerb für künstlerische Orientierung und Malerei von Madrid (1959) und Goldmedaille für Landschaft der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Barcelona (1960). Im Jahr 1968 hatte er seine erste persönliche Ausstellung in den Vereinigten Staaten, insbesondere in den Galerien Lido (Kalifornien) und Park Bennet (New York), wo er auch in Zukunft ausstellen sollte. Seit mehreren Jahren werden seine Bilder jedoch von den renommiertesten Künstlern verkauft und sind in den besten Sammlungen Europas und Amerikas vertreten. Er nahm an Gruppenausstellungen in der Schweiz (1956), in Madrid (1964) und im Museum of Modern Art in New York sowie an der Salzburger Biennale teil. Seine Werke befinden sich im Museum Montecantini (Florenz), im Grand Central Moderns (New York), im College Oakland (Kalifornien), in der Diputación de Barcelona, in der Estrada Saladich Foundation und im Museum für zeitgenössische Kunst von Montevideo (Uruguay) sowie in verschiedenen spanischen Sammlungen.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 43 - JORDI CURÓS I VENTURA (Olot, Girona, 1930-Barcelona, 2017). "Vase mit Blumen". 1952. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 72 x 60 cm. Ausgebildet an der Kunstgewerbeschule von Olot, reiste Jordi Curós mit einem Stipendium des Institut Français von Barcelona nach Paris. Er gehörte zur Gruppe der Sala Parés, wo er zwischen 1965 und 1989 mehrmals ausstellte, und erhielt 1967 den Ynglada-Guillot-Zeichenpreis. Er ist im MACBA, im Historischen Archiv der Stadt Barcelona, im Zabaleta-Museum in Jaén, im Museum für Moderne Kunst in Olot, im Balaguer-Museum in Vilanova i la Geltrú, im Museum für Malerei in Sant Pol, im Provinzialrat von Girona, in den Provinzmuseen von Pontevedra und Lugo, im Stadtmuseum von Badalona, im Camón-Aznar-Museum in Zaragoza und im Museum von Empordà vertreten.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 44 - EUGÈNE BAUDIN (Frankreich, 1853 - 1918). "Landschaft mit Figur". Öl auf Platte. Signiert. Es präsentiert die rissige Oberfläche. Maße: 20 x 34 cm; 44 x 58 cm (Rahmen). Eine einsame Bäuerin schreitet auf einem Weg, der das Bild diagonal durchquert, auf uns zu. Zu ihrer Linken bietet eine Gruppe alter Boote, die auf dem Trockenen liegen, ein melancholisches Bild. Im Hintergrund sind die ersten Häuser des Dorfes zu sehen und auf der anderen Seite große, belaubte Bäume. Eugène Baudin war Politiker und Jugendstil-Keramiker, malte aber auch Landschaften, Blumen und figürliche Motive. Eugène Baudin widmet sich ab 1898, dem Jahr seines Rückzugs aus dem politischen Leben, ganz der Kunst. Er beginnt zunächst in Paris zu arbeiten, zieht dann aber an die bretonische Küste und schließlich nach Monaco (1906). Er nahm 1900 an der Weltausstellung in Paris und 1904 an der Weltausstellung in St. Louis (USA) teil.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 45 - JOSÉ MARÍA MALLOL SUAZO (Barcelona, 1910 - 1986). "Amsterdam". Öl auf Leinwand. In der unteren Ecke signiert. Präsentiert auf der Rückseite Etikett des Raumes Parés (Barcelona). Abmessungen: 23 x 27 cm; 27 x 51 cm (Rahmen). Mallol Suazo wurde in einer sehr religiösen Familie geboren und besuchte die Schule La Lonja in Barcelona, wo er zwischen 1929 und 1935 Schüler von Félix Mestres und Ramón Calsina war. Er war sowohl Karikaturist als auch Maler und veröffentlichte humorvolle Illustrationen in den Zeitschriften "En Patufet", "Virolet" und "L'Esquitx", mit denen er seit seiner Studienzeit zusammenarbeitete. Eine angeborene Missbildung seiner Füße, die ihm das Gehen erschwerte, hinderte ihn an der Entwicklung des Landschaftsthemas, da er sich nicht bewegen konnte, um die Kopie nach dem Leben zu machen. Deshalb entschied er sich für andere Themen, wie Stillleben oder Porträts. Die erste Ausstellung seiner Werke fand 1936 auf dem Salon für zeitgenössische Kunst in Barcelona statt, wenige Monate vor Ausbruch des Bürgerkriegs. Im selben Jahr wurde er auf der Frühjahrsausstellung in Barcelona mit einem Preis ausgezeichnet. Der Krieg zwingt seine Familie, sich zu zerstreuen, aber Mallol bleibt in Barcelona, wo er sich ganz der Malerei widmet und 1938 den von der Sala Tardor verliehenen Nonell-Preis für Malerei erhält. Im Jahr 1945 wurde er Mitglied der Künstlergruppe der Sala Parés, einer Galerie, in der er den Sammler Josep Omar Gelpi kennenlernte, der fortan sein Kunsthändler wurde. Er galt als einer der vielversprechendsten jungen katalanischen Maler und nahm 1953 mit einem Akt an der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona teil. 1959 besuchte er zum ersten Mal Brasilien, das Land, aus dem seine Frau stammte und in das er im Laufe seines Lebens noch mehrmals reisen sollte. Weit entfernt vom Gefühl des "Risikos und des Abenteuers" im plastischen Sinne, ließ sich Mallol nicht von den vorherrschenden künstlerischen Strömungen mitreißen und blieb stets seiner eigenen realistisch-poetischen Sprache treu. 1987, ein Jahr nach seinem Tod, widmet ihm die Sala Parés eine große Hommage-Ausstellung, eine Anthologie seines Werks. Mallol ist im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, im Museum von Valls, im Museum Deu Font in El Vendrell, im Historischen Archiv der Stadt Barcelona und in der Abtei von Montserrat sowie in wichtigen Sammlungen wie der Caixa Terrassa, der Caixa de Catalunya, Marta María Millet und Modest Rodríguez Cruells vertreten.

Schätzw. 400 - 450 EUR

Los 46 - RAMÓN AGUILAR MORÉ (Barcelona, 1924 - 2015). "Stilleben". Öl auf Platte. Signiert in der oberen rechten Ecke. Maße: 25 x 34 cm; 33,5 x 43,5 cm (Rahmen). Geboren in Barcelona, begann er seine Ausbildung als Schüler von Oleguer Junyent, bei dem er das Zeichnen lernte, obwohl er sich selbst als Autodidakt betrachtet. Zwischen 1945 und 1948 arbeitet er in seinem Atelier und fertigt in dieser Zeit auch zahlreiche Skizzen zu Varieté- und Ballett-Themen im Rigalt- und Liceo-Theater an. Seine erste Ausstellung fand 1949 in der Galerie Rovira in Barcelona statt, und seither hat er seine Werke kontinuierlich in verschiedenen Galerien in Barcelona und in den wichtigsten spanischen Städten ausgestellt. Er hat auch im Ausland ausgestellt, in der Omell Gallery in London, im Barbizon in Paris, im Palmer House in Chicago, im Forum und im Hotel Paris in Monte Carlo, aber auch auf der Arts and Culture in Genf, der Artexpo in New York, der Art Expo West in Los Angeles und dem Munster Circle in Luxemburg. In Barcelona hat sie ihre Präsenz in den Galerien Gaspar, Grifé & Escoda, Novell und Rusiñol bekräftigt. Die letztgenannte feierte 2007 ihr XXI-jähriges Bestehen mit einer Retrospektive des Malers. Außerhalb Barcelonas hat er seine Werke auch in renommierten Galerien ausgestellt, darunter Àgora 3 in Sitges, Alcolea in Madrid und Garbí in Valencia. Er hat zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter die Goldmedaille des Stadtrats von Palma de Mallorca, den Sant Jordi Preis der Diputació de Barcelona und die Miquel Carbonell und II Mediterranean Games Painting Awards. Aguilar Moré pflegt einen dekorativen Expressionismus, starke Arabesken und leuchtende Farben. Seine Werke befinden sich im Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid, im Museum der Schönen Künste und im Perrot-Moore-Museum in Cadaqués, im Provinzialrat von Barcelona, im Reina-Sofía-Museum in Athen, im Fons d'Art in Olot und in der Städtischen Kunstgalerie von Palamós.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 47 - JEAN BAPTISTE ÉDOUARD DETAILLE (Frankreich, 1848-1912). "Les victimes du Devoir". Photogravüre. Herausgegeben von Goupil & Cie. Maße: 54 x 46 cm; 61 x 53 cm (Rahmen). Dieser von Goupil & Cie. herausgegebene Stich basiert auf dem Gemälde Les Victimes du Devoir" des Künstlers Édouard Detaille. Der französische akademische Maler und Militärmaler war bekannt für seine Präzision und realistische Detailtreue. Er galt als der "halboffizielle Künstler der französischen Armee". Detaille wurde in Paris geboren und wuchs in der Picardie auf. Er stammte aus einer wohlhabenden Militärfamilie; sein Großvater war der Waffenlieferant Napoleons gewesen. Als Amateurkünstler, der mit mehreren Sammlern und Malern, darunter Horace Vernet, befreundet war, förderte Detailles Vater die künstlerischen Bestrebungen seines Sohnes. Im Alter von siebzehn Jahren begann er seine künstlerischen Studien bei dem berühmten Militärmaler Jean-Louis-Ernest Meissonier, zu dem er ursprünglich gekommen war, um den berühmten Alexandre Cabanel kennenzulernen, doch Meissonier beschloss, Detaille selbst zu unterrichten. Meissonier beeinflusste seinen Stil stark, und er war es, der Detaille eine Wertschätzung für Genauigkeit und Präzision vermittelte. Detaille gab sein Debüt als Künstler auf dem Salon, der offiziellen Kunstausstellung der Académie des Beaux-Arts von 1867, mit einem Gemälde aus Meissoniers Atelier.

Schätzw. 150 - 200 EUR

Los 48 - DIDIER LOURENÇO (Barcelona, 1968). Ohne Titel. Öl auf Leinwand. Signiert im unteren linken Bereich. Maße: 70 x 70 cm; 83 x 83 cm (Rahmen). Didier Lourenço arbeitete zunächst in der Lithografiewerkstatt seines Vaters, wo er das Lithografiehandwerk erlernte. Anfang der neunziger Jahre begann er, sich im Bereich der Malerei einen Namen zu machen, und gewann 1991 den zweiten Preis im XXXIII Wettbewerb für junge Malerei der Sala Parés in Barcelona. Im darauffolgenden Jahr gewann er den Talens-Preis und den Joan Font de Premià de Mar. 1988 debütierte er in der Sala Hemisferi Sud in Vilassar de Dalt, Barcelona, und stellte seitdem in Galerien in Barcelona und anderen katalanischen Städten persönlich aus. Er hat auch an zahlreichen Gruppenausstellungen teilgenommen, unter anderem an den "Recontres Atlàntiques de l'Art" in Guerande (Frankreich). Im Jahr 2000 wurde sein Werk von einem renommierten Verlag und Plakatverlag in die ganze Welt getragen. Diese weltweite Präsenz weckte schnell das Interesse von Galerien, die seine originellen Werke präsentieren wollten. Didier hatte Einzelausstellungen in New York, Seattle, Los Angeles, Hongkong, Puerto Rico, New Orleans, Nashville, Südafrika, Las Vegas, Miami, Singapur und in vielen anderen Städten. Sein Stil, nah und alltäglich, zeigt Szenen des täglichen Lebens durch einen farbenfrohen und gefühlvollen Pinselstrich: Frauen auf Fahrrädern, Spaziergänger auf der Straße, Figuren in Innenräumen usw. sind einige der Bilder, die seine künstlerische Bildsprache ausmachen.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 49 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) "Le front de Minerve" (Serie "Don Quichotte"), Lithographie, Exemplar 57/300. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 69 x 50 cm; 88 x 69 cm (Rahmen). Der Maler und Bildhauer Salvador Dalí war einer der bedeutendsten Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, einer wesentlichen Verbindung des Realen mit dem Imaginären. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von den Sammlungen des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), des Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder des Dalí Universe in London.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 50 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) "L'art d'aimer, D'Ovide". Lithographie, Kopie E/A. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 54 x 74 cm; 73 x 92 cm (Rahmen). Der Maler und Bildhauer Salvador Dalí war einer der bedeutendsten Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, einer wesentlichen Verbindung des Realen mit dem Imaginären. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von den Sammlungen des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), des Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder des Dalí Universe in London.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 51 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) "Die Morgendämmerung". Lithographie, Kopie 36/300. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Werk aus der Serie "Don Quijote de la Mancha". Maße: 68 x 51 cm; 35,5 x 27 cm (Rahmen). Der Maler und Bildhauer Salvador Dalí war einer der größten Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, einer wesentlichen Verbindung des Realen mit dem Imaginären. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von den Sammlungen des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), des Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder des Dalí Universe in London.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 52 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) Gehört zu der Serie "La Conquête du Cosmos I". 1974 Lithographie, Exemplar 159/195. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 84 x 59 cm; 106 x 78 cm (Rahmen). Der Maler und Bildhauer Salvador Dalí war einer der bedeutendsten Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, einer wesentlichen Verbindung des Realen mit dem Imaginären. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von den Sammlungen des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), des Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder des Dalí Universe in London.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 53 - KAREL APPEL (Niederlande, 1921 - Schweiz, 2006). "Versilberter Kuss". 1978. Lithographie, Exemplar 48/128. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 75 x 103 cm; 80 x 110 cm (Rahmen). Karel Appel war ein Maler, Bildhauer und Grafiker. Er gilt heute als der lebendigste Künstler der Nachkriegsgeneration seines Landes. Im Jahr 1948 gründete er zusammen mit Corneille, Jorn und Alechinsku die internationale Gruppe CoBrA, die für die Entwicklung und Verbreitung des europäischen Automatismus in den 1940er und 1950er Jahren entscheidend war. Während der Besetzung Hollands durch die Nazis irrte Apple durch das Land, um nicht nach Deutschland geschickt zu werden. 1946 hatte er seine erste Einzelausstellung in Groningen, in der bereits die Handschrift Dubuffets, mit dem er später bestimmte theoretische Konzepte teilen sollte, zu erkennen war. Aus dem Jahr 1947 stammen seine ersten Skulpturen, die Pionierarbeit bei der Montage von Abfallmaterialien leisten. Einige Künstler, die die Strenge und das Sektierertum der surrealistischen Organisation ablehnten, gründeten die Gruppe CoBrA (Abkürzungen für Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam, Städte, aus denen Appel, Corneille und Constant stammten, die das Gründungsmanifest zusammen mit Jorn, Noiret und Dotremont unterzeichneten). Die CoBrA-Maler verfolgten eine eher spontane Arbeit, die sich auf lokale kulturelle Traditionen stützte und fantastische Bilder sammelte. Die Gruppe löste sich 1951 bald auf, aber einige ihrer Mitglieder, insbesondere Appel, Jorn und Alechinsky, hielten den Geist der Gruppe in den folgenden Jahrzehnten aufrecht. Ihre Malerei zeichnet sich durch eine große expressionistische Ladung aus, die mit den Figuren von Max Pechstein und Edward Munich, zwei der großen nordischen Expressionisten, verbunden ist. Sein Werk ist von dichtem Impasto und heftigen Farbspielen geprägt, die den unruhigen Charakter des nordischen Expressionismus kennzeichnen. Später entwickelte sich seine Sprache zu einer weicheren Linie, die sich dem Hand Edge Painting annäherte. Appel war ein unermüdlicher Künstler, der mehrere Sprachen erforschte: Skulptur, Keramik, Wandmalerei, Glasmalerei oder Gravur. Während seiner langen künstlerischen Laufbahn erhielt er zahlreiche Auszeichnungen und arbeitete mit Künstlern anderer Disziplinen wie dem Dichter Allen Ginsberg oder dem Choreografen Min Tanaka zusammen. Seine ersten Erfolge feierte er 1953 mit der Ausstellung im Palais des Beaux Arts in Brüssel und der Teilnahme an der Biennale von Sao Paulo (1959 kehrte er zurück und gewann den internationalen Preis für Malerei) sowie 1954, als er auf der Biennale von Venedig den UNESCO-Preis erhielt und in Paris und New York ausstellte. Appel ist unter anderem im Guggenheim Museum und im MoMA in New York, im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery in London, in der Albertina in Wien, im Thyssen-Bornemisza, in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig und im Museum der Schönen Künste in Dordrecht vertreten.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 54 - KAREL APPEL (Niederlande, 1921 - Schweiz, 2006). "Singende Hände". Lithographie auf Papier. Exemplar 61/100. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 107 x 75 cm; 124 x 94 cm (Rahmen). Singende Hände ist eine Serie des Künstlers aus dem Jahr 1978, in der er immer wieder dieselbe Figur als Protagonist zeigt, einen Mann, der Gitarre spielt. Dieses Porträt wird in der gesamten Serie wiederholt und variiert nur in der vom Autor gewählten Farbpalette. Das Werk von Karel Appel zeichnet sich durch seine chromatische Gewalt und seine materielle Vergangenheit aus. Er schuf oft pseudo-menschliche oder mythologische Kreaturen wie die, mit der wir es zu tun haben, die als phobische Allegorien gelesen werden können. Der Primitivismus und die infantile oder naive Kunst werden von dem Künstler und seiner Gruppe CoBrA (die in den fünfziger Jahren gegründet wurde) wiederbelebt, um die zivilisatorische Vernunft abzulehnen, die Europa in den Untergang geführt hatte. Appels Sprache basierte auf der Verbindung von expressionistischer Aggressivität und kindlicher Einfachheit in Verbindung mit dem Surrealismus. Er blieb immer innerhalb der Grenzen der Figuration. Karel Appel war Maler, Bildhauer und Grafiker und gilt heute als der lebendigste Künstler der Nachkriegsgeneration seines Landes. Zusammen mit Corneille, Jorn und Alechinsku gründete er 1948 die internationale Gruppe CoBrA, die für die Entwicklung und Verbreitung des europäischen Automatismus in den 1940er und 1950er Jahren entscheidend war. Während der Besetzung Hollands durch die Nazis irrte Apple durch das Land, um nicht nach Deutschland geschickt zu werden. 1946 hatte er seine erste Einzelausstellung in Groningen, in der bereits die Handschrift Dubuffets, mit dem er später bestimmte theoretische Konzepte teilen sollte, zu erkennen war. Aus dem Jahr 1947 stammen seine ersten Skulpturen, die Pionierarbeit bei der Montage von Abfallmaterialien leisten. Einige Künstler, die die Strenge und das Sektierertum der surrealistischen Organisation ablehnten, gründeten die Gruppe CoBrA (Abkürzungen für Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam, Städte, aus denen Appel, Corneille und Constant stammten, die das Gründungsmanifest zusammen mit Jorn, Noiret und Dotremont unterzeichneten). Die CoBrA-Maler verfolgten eine eher spontane Arbeit, die sich auf lokale kulturelle Traditionen stützte und fantastische Bilder sammelte. Die Gruppe löste sich 1951 bald auf, aber einige ihrer Mitglieder, insbesondere Appel, Jorn und Alechinsky, hielten den Geist der Gruppe in den folgenden Jahrzehnten aufrecht. Ihre Malerei zeichnet sich durch eine große expressionistische Ladung aus, die mit den Figuren von Max Pechstein und Edward Munich, zwei der großen nordischen Expressionisten, verbunden ist. Sein Werk ist von dichtem Impasto und heftigen Farbspielen geprägt, die den unruhigen Charakter des nordischen Expressionismus kennzeichnen. Später entwickelte sich seine Sprache zu einer weicheren Linie, die sich dem Hand Edge Painting annäherte. Appel war ein unermüdlicher Künstler, der mehrere Sprachen erforschte: Skulptur, Keramik, Wandmalerei, Glasmalerei oder Gravur. Während seiner langen künstlerischen Laufbahn erhielt er zahlreiche Auszeichnungen und arbeitete mit Künstlern anderer Disziplinen wie dem Dichter Allen Ginsberg oder dem Choreografen Min Tanaka zusammen. Seine ersten Erfolge feierte er 1953 mit der Ausstellung im Palais des Beaux Arts in Brüssel und der Teilnahme an der Biennale von Sao Paulo (1959 kehrte er zurück und gewann den internationalen Preis für Malerei) sowie 1954, als er auf der Biennale von Venedig den UNESCO-Preis erhielt und in Paris und New York ausstellte. Appel ist unter anderem im Guggenheim Museum und im MoMA in New York, im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery in London, in der Albertina in Wien, im Thyssen-Bornemisza, in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig und im Museum der Schönen Künste in Dordrecht vertreten.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 55 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). Ohne Titel. Radierung, Kopie 12/35. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 77 x 57 cm; 93 x 73 cm (Rahmen). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Figuren der zeitgenössischen spanischen Kunst. Clavé, der in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona ausgebildet wurde, widmete sich zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 56 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Hommage an die Pfeife", 1977. Lithographie, Kopie 55/75. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 76 x 56 cm; 93 x 73 cm (Rahmen). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Clavé, der in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona ausgebildet wurde, widmete sich zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 57 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Don Felipe", 1965. Lithographie, Exemplar 43/60. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 75 x 56,5 cm. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé in einer ersten Periode dem Werbegrafismus, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 58 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). Ohne Titel, ca. 1970. Lithographie, Kopie P.A. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 56,5 x 76,5 cm. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé in einer ersten Periode dem Werbegrafismus, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 59 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "C'est du roi que je parle", 1976. Lithographie, Exemplar 45/75 Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 76,5 x 56,5 cm. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona, widmet sich Clavé in einer ersten Periode der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 60 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "D'aprés Rembrandt III". 1966. Radierung, Kopie E.A. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Präsentiert Rostflecken. Maße: 29,5 x 39,5 cm; 50 x 60 cm (Rahmen). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Figuren der spanischen Gegenwartskunst. Clavé wurde in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona ausgebildet und widmete sich in einer ersten Phase der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 61 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Hommage an El Greco. Cadre Noir", 1965. Lithographie, Exemplar 25/40. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 65 x 50,5 cm. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Figuren der spanischen Gegenwartskunst. Ausgebildet in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé in einer ersten Periode dem Werbegrafismus, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 62 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Poisson, 1959. Lithographie, Kopie 11/100. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 56,5 x 76 cm. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona, widmet sich Clavé in einer ersten Periode der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 63 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). Ohne Titel. 1990. Radierung, Kopie 9/25 Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 24,5 x 32 cm; 50 x 66 cm (Rahmen). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Clavé wurde in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona ausgebildet und widmete sich in einer ersten Phase der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 64 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Pochoirs", 1969. Lithographie, Exemplar 27/45 Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 76,5 x 56,5 cm. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona, widmet sich Clavé in einer ersten Periode der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 65 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "D'aprés Rembrandt III". 1966. Radierung, Kopie E.A. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Präsentiert Rostflecken. Maße: 39,5 x 29,5 cm; 66 x 50 cm (Rahmen). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Figuren der zeitgenössischen spanischen Kunst. Clavé wurde in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona ausgebildet und widmete sich in einer ersten Phase der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 66 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). Ohne Titel. 1966. Lithographie, Kopie H.C. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Herausgegeben von Sala Gaspar, Barcelona. Maße: 66 × 50 cm. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Figuren der spanischen Gegenwartskunst. Clavé wurde in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona ausgebildet und widmete sich in einer ersten Phase der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 67 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Guerrier noir", 1970. Kupferstich, Kopie 68/75 Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 60 x 39,5 cm; 76 x 57 cm (Rahmen). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Figuren der spanischen Gegenwartskunst. Gebildet in der Schule der Schönen Künste von San Jordi von Barcelona, widmet sich Clavé in einer ersten Periode der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 68 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "La Fiesta (Spanien). Fußball-Weltmeisterschaft", 1982. Lithografisches Plakat. In der Platte signiert. Maße: 95,5 x 60,5 cm. 1982, anlässlich der Feierlichkeiten zur Fußballweltmeisterschaft in Spanien, beauftragte der Verband mehrere Künstler, das Ereignis zu verewigen. Miró gestaltete das offizielle Bild dieses Turniers und machte es zu einem internationalen Symbol. Joan Miró wurde in Barcelona ausgebildet und debütierte 1918 in den Galerien Dalmau. 1920 zog er nach Paris und lernte Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie auf das Visuelle zu übertragen, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen. Diese Lithographie zeigt uns den essentialistischen Miró in seiner Suche nach minimalen und suggestiven Formen. Die auf wenige Farben beschränkte Palette, die auf flache und glänzende Oberflächen aufgetragen wird, evoziert die lyrische Verbindung von Mensch und Umwelt.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 69 - JOAN MIRÓ I FERRÁ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). Gehört zu der Serie "Sprichwörter à la main", 1970. Lithographie, Exemplar 96/100. Mit Bleistift monogrammiert und gerechtfertigt. Maße: 62 x 82 cm (gefaltet); 75 x 95 cm (offen). Joan Miró wird in Barcelona, zwischen der Schule des Fischmarktes und der Galí-Akademie, ausgebildet. Bereits Anfang 1918 hat er seine erste Ausstellung in den Dalmau-Galerien von Barcelona. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort, unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler, reift sein Stil; er versucht, die surrealistische Poesie auf das Visuelle zu übertragen, basierend auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen. Von diesem Moment an entwickelt sich sein Stil zu ätherischeren Werken, in denen organische Formen und Figuren auf abstrakte Punkte, Linien und Farbflecken reduziert werden. 1924 unterzeichnete er das erste surrealistische Manifest, obwohl die Entwicklung seines Werks zu komplex ist, als dass man ihn einer bestimmten Orthodoxie zuordnen könnte. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 war sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwarb zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Weihe sein sollte. In den fünfziger Jahren experimentierte er mit anderen künstlerischen Medien, wie der Gravur, der Lithografie und der Keramik. Von 1956 bis zu seinem Tod im Jahr 1983 lebte er in Palma de Mallorca in einer Art innerem Exil, während sein internationaler Ruhm wuchs. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen wie die Großen Preise der Biennale von Venedig (1954) und der Guggenheim-Stiftung (1959), den Carnegie-Preis für Malerei (1966), die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya (1978) und der Schönen Künste (1980) und wurde von den Universitäten von Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Heute sind seine Werke in der 1975 eingeweihten Joan-Miró-Stiftung in Barcelona sowie in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst in der ganzen Welt zu sehen, darunter das Thyssen-Bornemisza, das MoMA in New York, das Reina Sofia Museum in Madrid, die National Gallery in Washington, das MNAM in Paris und die Albright-Knox Art Gallery in Buffalo.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 70 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Barcelona 82" Lithografisches Plakat. Signiert. Maße: 95 x 60 cm; 96 x 61 cm (Rahmen). Tapiés' Plakat konzentriert sich auf das Thema der WM 82 und spielt mit einer alten Zeitung, einem kickbereiten Fuß und einem durchgestrichenen Ball auf das an, was von der Party übrig bleibt. All dies mit einer symbolischen grafischen Darstellung von Barcelona. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Er widmet sich nach und nach immer intensiver dem Zeichnen und Malen und gibt schließlich sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. 1948 ist er Mitbegründer von "Dau al Set" und beginnt, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der Galerie von Martha Jackson in New York. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Er wurde mit Preisen wie dem Prinz-von-Asturien-Preis, dem Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, dem Nationalen Kulturpreis, dem Grand Prix de Painting von Frankreich usw. ausgezeichnet. Anthologien wurden ihm in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 71 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). Ohne Titel. Enthalten in "Llambrec Material", 1975. Lithographie, Kopie P.A. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Werk veröffentlicht in "Tàpies. Grafisches Werk. 1973 - 1978", von Mariuccia Galfetti, nº 539 (Barcelona; Gustavo Gili, 1990). Maße: 76 x 54,5 cm. Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Er widmet sich nach und nach immer intensiver dem Zeichnen und Malen und gibt schließlich sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. Durch seine Einzelausstellung 1953 in der New Yorker Galerie von Martha Jackson wird seine internationale Ausstrahlung verstärkt. Er wird mit Preisen wie dem Prinz-von-Asturien-Preis, dem Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, dem Nationalen Kulturpreis, dem Großen Preis der Malerei Frankreichs usw. ausgezeichnet, und ihm werden Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der Stiftung, die seinen Namen trägt, in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 72 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Lithographie, Kopie P.A. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Sala Gaspar Verlag, Damià Caus Drucker, Barcelona. Das Werk wurde in "Tàpies. Grafisches Werk. 1973 - 1978", von Mariuccia Galfetti (Barcelona; Gustavo Gili, 1990), nº 493, S. 115. Maße: 100 x 69 cm. Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Er widmet sich nach und nach immer intensiver dem Zeichnen und Malen und gibt schließlich sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. Durch seine Einzelausstellung 1953 in der New Yorker Galerie von Martha Jackson wird seine internationale Ausstrahlung verstärkt. Er wird mit Preisen wie dem Prinz-von-Asturien-Preis, dem Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, dem Nationalen Kulturpreis, dem Großen Preis der Malerei Frankreichs usw. ausgezeichnet, und ihm werden Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der Stiftung, die seinen Namen trägt, in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 73 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Lithographie, Kopie P.A. Verlag Sala Gaspar, Druckerei Damià Caus, Barcelona. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Das Werk wurde in "Tàpies. Grafisches Werk. 1973 - 1978", von Mariuccia Galfetti, nº 488 (Barcelona; Gustavo Gili, 1990). Maße: 100 x 69 cm. Es gehört zu dem Album "Als mestres de Catalunya", das aus acht Lithografien und einem Siebdruck besteht, einschließlich des Titelbildes, herausgegeben von Sala Gaspar in Barcelona und gedruckt von Damià Caus (Barcelona, Lithografien) und Alexandre Tornabell (Gerona, Siebdruck). Auf Guarro-Papier mit dem Wasserzeichen des Verlegers und auf Kraftpapier für den Siebdruck der äußeren Umhüllung des Albums. Das Album enthält außerdem, separat gedruckt, zwei Gedichte von Joan Brossa. Tàpies wurde während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit in die Kunst eingeführt. Er widmete sich nach und nach immer intensiver dem Zeichnen und Malen und gab schließlich sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 begann er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. Durch seine Einzelausstellung 1953 in der New Yorker Galerie von Martha Jackson wird seine internationale Ausstrahlung verstärkt. Er erhält Preise wie den Prinz-von-Asturien-Preis, den Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis der Malerei Frankreichs usw., und ihm werden Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 74 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catanlunya". Lithographie, Kopie P.A. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 100 x 70 cm. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum für moderne Kunst in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht, um eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Zustands darzustellen. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Grand Prix de Painting in Frankreich, die Wolf Foundation of the Arts (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 75 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catanlunya". Lithographie. Exemplar P.A. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 100 x 70 cm. Dieses Werk gehört zu dem Album "Als mestres de Catalunya", das aus acht Lithografien und einem Siebdruck besteht, darunter das Titelbild, herausgegeben von Sala Gaspar in Barcelona und gedruckt von Damià Caus (Barcelona, Lithografien) und Alexandre Tornabell (Gerona, Siebdruck). Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum für moderne Kunst in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht, um eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Zustands darzustellen. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Grand Prix de Painting in Frankreich, die Wolf Foundation of the Arts (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 76 - ANTONI TÁPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catalunya", 1973. Lithografie auf Papier. Exemplarisches P.A. Herausgegeben von Sala Gaspar. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 78 x 60 cm. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum für moderne Kunst in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht, um eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Zustands darzustellen. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Grand Prix de Painting in Frankreich, die Wolf Foundation of the Arts (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 77 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catanlunya". Lithographie, Kopie P.A. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 100 x 69 cm. Dieses Werk gehört zu dem Album "Als mestres de Catalunya", das aus acht Lithografien und einem Siebdruck besteht, einschließlich des Titelbildes, herausgegeben von Sala Gaspar in Barcelona und gedruckt von Damià Caus (Barcelona, Lithografien) und Alexandre Tornabell (Gerona, Siebdruck). Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum für moderne Kunst in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht, um eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Zustands darzustellen. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Grand Prix de Painting in Frankreich, die Wolf Foundation of the Arts (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 78 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Lithographie Verlag Sala Gaspar, Druckerei Damià Caus, Barcelona. Von Hand signiert und gewidmet. Das Werk wurde in "Tàpies. Grafisches Werk. 1973 - 1978", von Mariuccia Galfetti, nº 488 (Barcelona; Gustavo Gili, 1990). Maße: 100 x 69 cm. Es gehört zu dem Album "Als mestres de Catalunya", das aus acht Lithografien und einem Siebdruck besteht, einschließlich des Titelbildes, herausgegeben von Sala Gaspar in Barcelona und gedruckt von Damià Caus (Barcelona, Lithografien) und Alexandre Tornabell (Gerona, Siebdruck). Auf Guarro-Papier mit dem Wasserzeichen des Verlegers und auf Kraftpapier für den Siebdruck der äußeren Umhüllung des Albums. Das Album enthält außerdem, separat gedruckt, zwei Gedichte von Joan Brossa. Tàpies wurde während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit in die Kunst eingeführt. Er widmete sich nach und nach immer intensiver dem Zeichnen und Malen und gab schließlich sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 begann er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. Durch seine Einzelausstellung 1953 in der New Yorker Galerie von Martha Jackson wird seine internationale Ausstrahlung verstärkt. Er erhält Preise wie den Prinz-von-Asturien-Preis, den Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis der Malerei Frankreichs usw., und ihm werden Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der Stiftung, die seinen Namen trägt, in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 200 - 1 400 EUR

Los 79 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Lithographie, Kopie P.A. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 100 x 70 cm. Gehört zu dem Album "Als mestres de Catalunya", bestehend aus acht Lithografien und einem Siebdruck, einschließlich des Titelbildes, herausgegeben von Sala Gaspar in Barcelona und gedruckt von Damià Caus (Barcelona, Lithografien) und Alexandre Tornabell (Girona, Siebdruck). Auf Guarro-Papier mit dem Wasserzeichen des Verlegers und auf Kraftpapier für die Siebdrucke der äußeren Umschläge des Albums. Das Album enthält außerdem, separat gedruckt, zwei Gedichte von Joan Brossa.

Schätzw. 600 - 700 EUR

25. Juni - Privatsammlung; Der Weg in die Moderne

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