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Mo 27 Mai

ALMO BONALDI (Carrara, Italien, 1890 - Toulon, Frankreich, 1966). "Allegorie der Musik", ca. 1910, Jugendstil. Kaminschirm aus Carrara-Marmor, geschnitzt, auf Sockel aus rot geädertem Marmor. Signiert und lokalisiert: A. BONALDI / CARRARA. Maße: 98,5 x 72,5 x 26,5 cm. Almo Bonaldi wurde in Carrara geboren und eröffnete 1924 eine Werkstatt für Marmorbildhauerei in seiner Heimatstadt. Der Wendepunkt für den Künstler kam 1930, als er für einen von der Akademie der Schönen Künste von Carrara organisierten Wettbewerb die großartige Skulptur eines jungen Zentauren vorstellte. Von diesem Zeitpunkt an war er in Toulon (Frankreich) tätig, wo er ein Marmorunternehmen eröffnete, das die Stadt mit Steinen für öffentliche Arbeiten versorgte. Dieser Paravent ist ein Zeugnis der extremen Virtuosität, die Bonaldi vor seiner Abreise nach Frankreich erreichte und die im zweiten Jahrzehnt des zwanzigsten Jahrhunderts entstand. In der Mitte des Bildes befindet sich ein Flachrelief mit einer allegorischen Szene, in der sich eine Nymphe, vielleicht Siringa, in Ekstase zu erheben scheint, während sie der Musik zweier Aulos lauscht, die von einem Faun und einer jungen Frau gespielt werden, die beide zu ihren Füßen liegen. Diese Hauptszene ist von einem üppigen Rahmen aus Akanthusblättern umgeben, flankiert von zwei kleinen Vögeln, die dem Rhythmus der Musik zu folgen scheinen, und oben drei singenden "Putten", die den Blasinstrumenten eine Stimme geben.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Mo 27 Mai

EMMANUEL HANNAUX (Metz, 1885 - Paris, 1934). "Weibliche Büste", 1904. Carrara-Marmor. Signiert und datiert. In perfektem Zustand. Maße: 65 x 42 x 30 cm. Runde Skulptur aus Carrara-Marmor, die eine weibliche Büste darstellt. Es handelt sich um eine junge Frau mit zu einem hohen Dutt gebundenem Haar. Die Dame zeigt ein ideales Gesicht mit symmetrischen Zügen, das eindeutig klassische Wurzeln hat, aber von einem malerischen Gesichtspunkt aus behandelt wird. Die Autorin bietet uns damit ein Bild von Ausdruckskraft und Dynamik. Was die technischen und formalen Aspekte betrifft, so beweist der Bildhauer eine große Beherrschung des Handwerks, eine Virtuosität, die sich besonders in Details wie den Haaren und den Gesichtszügen zeigt. Emmanuel Hannaux beginnt seine Ausbildung an der Industrieschule in Straßburg, kehrt aber bei Ausbruch des französisch-preußischen Krieges 1870 nach Metz zurück. Er setzt seine Studien an der Schule für Modellieren und Bildhauerei fort. 1876 zog er nach Paris, wo er an der Ecole des Beaux-Arts aufgenommen wurde und bei Dumont, Thomas und Bonassieux Unterricht erhielt. Auf dem Salon von 1889 erhielt Hannaux die dritte Medaille für seinen "Le Bûcheron"; im selben Jahr erhielt er die zweite Medaille für seine patriotische Gruppe "Le Drapeau", die sich heute im Museum von Draguignan befindet; und 1894 erhielt er die erste Medaille für seine "Orphée Mourant", die sich heute im Museum von Luxemburg befindet. Sein Werk befindet sich im Musée du Puy. Er fertigt Büsten für zahlreiche Persönlichkeiten an. Auf dem Salon von 1903 wird Hannaux mit der Ehrenmedaille ausgezeichnet.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Mo 27 Mai

FERDINANDO VICHI (Florenz, 1875 - 1945). "Rebecca". Weißer Carrara-Marmor. Präzise Restaurierung an zwei Fingern. Signiert und betitelt. Maße: 81 x 31 x 32 cm. Die weibliche Figur im klassischen und traditionellen Kanon nimmt einen leichten Kontrapost ein, der die subtile Silhouette ihrer gedrehten Glieder markiert. Die edle Haltung und die Harmonie der Gesichtszüge erinnern an eine griechisch-römische Figur, die eine besondere Synthese zwischen Tradition und Expressionismus darstellt, die durch die Erforschung der Rauheit des Materials erreicht wird, da die Künstlerin den Texturen große Aufmerksamkeit schenkt. Ferdinando Vichi gehörte zu der Gruppe talentierter toskanischer Bildhauer, die mit der Galerie Bazzanti in Florenz zusammenarbeiteten. Er arbeitete vor allem in seiner Heimatstadt, auf deren Salone er seine Werke bei zahlreichen Gelegenheiten präsentierte. Ende des 19. Jahrhunderts leitete er in Florenz eine Werkstatt für Alabasterbildhauerei. Seine Werke aus Marmor oder Alabaster zeugen von einer außergewöhnlichen technischen Meisterschaft, vor allem bei den weiblichen Figuren mit ihren geschwungenen Kurven und nachdenklichen Gesichtern. Wie viele andere Bildhauer des späten 19. Jahrhunderts ließ sich Vichi häufig von der moralischen Literatur inspirieren, unter anderem von der griechischen Mythologie. Im Laufe seiner Karriere arbeitete er an einer Vielzahl von Themen, darunter romantische Porträts, orientalische Themen und Kopien von Renaissance- und Barockwerken.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Mo 27 Mai

ANTONIO GIOVANNI LANZIROTTI (Neapel, 1839 - Palermo, 1921). "Die Lilien", ca. 1880. Skulptur aus gemeißeltem Marmor. Signiert: A. G. LANZIROTTI. Maße: 58 x 33 x 32,5 cm. Büste Skulptur, die die Modelle des achtzehnten Jahrhunderts Porträt folgt. Es ist notwendig, die Arbeit der floralen trepanning zu betonen, sowie der Schleife, die das Haar des Modells sammelt. Antonio Giovanni Lanzirotti ist der Künstler dieser bezaubernden Kreation. Auf seiner künstlerischen Reise zog Lanzirotti vom sonnigen Palermo in die reiche Kulturstadt Paris, wo er seine Kunst unter der Anleitung von Pollet perfektionierte. Sein Talent erregte die Aufmerksamkeit von Vittorio Emanuele II, der lebensgroße Skulpturen für den Palazzo Reale in Turin in Auftrag gab. Lanzirotti widmete sich nicht nur der Kunst, sondern engagierte sich auch als Patriot im Kampf für die Freiheit Italiens, was um 1870 zu seiner Inhaftierung führte. Nach seiner Freilassung kehrte er nach Paris zurück, wo er eines seiner bedeutendsten Werke, "Stella" (1880), präsentierte. Sein tiefes Wissen und seine Liebe zur Kunst führten ihn zum Kurator von Galerien und Museen im Königreich Italien, darunter der "Palazzo Ducale" in Urbino, die "Certosa di Pavia" und die "Galleria degli Uffizi" in Florenz. Lanzirottis Werke sind in der ganzen Welt berühmt, darunter "La Pensierosa", die im Louvre-Museum ausgestellt ist, und "La Griega". Die griechische Sklavin" schmückt den Louvre, und "Die griechische Sklavin" das Musée de Nice in Frankreich.

Schätzw. 6 500 - 7 000 EUR

Mo 27 Mai

JOSEP CAÑAS I CAÑAS (Banyeres del Penedés, 1905 - El Vendrell, 2001). Weibliche Büste. Weißer Marmor. Signiert auf der rechten Seite. Auf grünem Marmorsockel. Maße: 37 x 20 x 22 cm (Skulptur); 6 x 24 x 17 cm (Sockel). Als Autodidakt belegte Josep Cañas einige Kurse an der Kunstgewerbeschule in Villanueva y la Geltrú und kam bald in Kontakt mit Künstlern wie Damià Torrents und Joaquín Mir. Nach einem Aufenthalt in Sitges ließ sich Cañas 1925 in Barcelona nieder, wo er dem Círculo de Sant Lluc und dem Real Círculo Artístico beitrat und Mitglied des Vorstands des letzteren wurde. In diesen Jahren widmete er sich der Landschaftsmalerei und nahm 1927 an der Zweiten Kunstausstellung des Penedès in El Vendrell teil. Auch dem Theater widmete er sich in diesen Jahren, und 1927 wurde sein erstes Stück uraufgeführt. Zwei Jahre später nahm er erneut an der Penedès-Ausstellung teil. 1930 richtete er dank eines Stipendiums der Diputació de Tarragona sein erstes Atelier in Barcelona ein, und 1932 fand seine erste Einzelausstellung in der Sala Parés statt. Von diesem Zeitpunkt an stellte Cañas seine Werke regelmäßig im Salón de Montjuic aus. Im Jahr 1935 erhält er ein Reisestipendium der Generalitat, das es ihm ermöglicht, nach London zu reisen, um das British Museum zu besuchen, und später nach Paris. Nach seiner Rückkehr wird er 1937 zum Sekretär des Casal de Cultura de Cataluña ernannt, lehnt diese Ernennung jedoch ab, um an der Ebro-Front zu kämpfen. Dort nahm er jedoch nicht am Kampf teil, sondern widmete sich der Anfertigung der vom Generalstab in Auftrag gegebenen Modelle. Nach Kriegsende gewann er 1942 den Preis für Bildhauerei auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste, und das Museum für Moderne Kunst in Barcelona erwarb eines seiner Werke. Im folgenden Jahr arbeitet er mit Ignacio Zuloaga zusammen, und 1947 findet eine Ausstellung im Museum für Moderne Kunst in Madrid statt, bei der das Institut für hispanische Kultur eines seiner Werke erwirbt, um es nach Amerika zu bringen. Er schifft sich daraufhin ein und begleitet das Werk, das in Carmel, Kalifornien, installiert wird. In dieser Stadt wird er im folgenden Jahr eine Ausstellung der dort entstandenen Werke veranstalten. Anschließend reist er nach Mexiko, wo er mehrere Jahre bleibt und mehrere Ausstellungen seiner Werke zwischen Mexiko und New York veranstaltet. Im Jahr 1954 stellt er im Nationalen Museum für Anthropologie in Mexiko aus, und im folgenden Jahr verlässt er das Land, um an der Hispanoamerikanischen Biennale in Barcelona teilzunehmen, wo er einen eigenen Raum erhält. Nachdem er sich wieder in Spanien niedergelassen hatte, stellte er seine Werke weiterhin in renommierten Galerien wie dem Parés in Barcelona, dem O'Hana in London oder dem Museum für Moderne Kunst in Madrid aus und führte wichtige Aufträge für das Museum von Genf und andere bedeutende Kunden aus. 1957 gewann er eine Medaille auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste, und 1964 weihte er das Relief "La Sardana" im Retiro-Park in Madrid ein, das vom Casal Català dieser Stadt in Auftrag gegeben wurde. Seine öffentliche und offizielle Anerkennung wird immer größer, es werden Bücher mit seinen Werken veröffentlicht und er erhält Ehrungen wie das Kreuz von Sant Jordi der Generalitat de Catalunya im Jahr 1986 oder die Ernennung zum berühmten Sohn seiner Heimatstadt.

Schätzw. 2 400 - 3 000 EUR

Mo 27 Mai

Herma vom Mars. Römisch. 1.-2. Jahrhundert n. Chr. Marmor. Provenienz: Privatsammlung Dr. Angelo Bergamo, New Jersey, USA. Erworben in den 1970er Jahren von Harmer Rooke Galleries, New York. Privatsammlung, Westküste, USA. Erworben durch Vererbung. Erhaltungszustand: Sehr guter Zustand, sowohl der Figur als auch der Marmoroberfläche. Geringfügige Verluste an den Rändern der Ohren und des Bartes sowie an der Helmzier oben, mit einer kleinen Reparatur an einem Ohrrand. Auch die Nasenspitze ist verloren gegangen. Abmessungen: 22,3 x 12,8 x 7 cm. Diese Marmorbüste, die den Gott Mars darstellt, krönt eine rechteckige Säule, die gewöhnlich Herma genannt wird, zu Ehren von Hermes. Hermas stellte ursprünglich Hermes dar, aber in römischer Zeit ist es üblich, den Kriegsgott Mars darzustellen, der als kampferprobter, bärtiger junger Mann mit Helm und Federbusch zum Kampf bereit ist. Die Qualität der Schnitzerei lässt sich an den zarten Locken des Bartes, die auf tiefe Einschnitte reagieren, und an jedem der physiognomischen Details erkennen. In der römischen Mythologie hatte Mars viele Attribute, er war der Gott des Krieges, der männlichen Potenz, der Gewalt, der Leidenschaft, der Sexualität und der Tapferkeit. Er war auch der Schutzpatron der römischen Krieger, des Schreckens und des Sieges im Krieg, der Vollkommenheit und der Schönheit. Die Hermas waren Säulen, auf denen die Büste stand (in griechischer Zeit war es die des Gottes Hermes). Sie waren bei den Römern, die über eine gewisse Kaufkraft verfügten, sehr gefragt, um ihre Häuser und Villen zu schmücken. Sie wurden auch als Pfosten für Zierspaliere in Gärten verwendet, wobei sie in der Regel mit den Büsten von Philosophen oder großen Persönlichkeiten geschmückt wurden. Während der Kaiserzeit hatten die Hermas eher eine architektonische als eine religiöse Funktion.

Schätzw. 25 000 - 35 000 EUR

Di 28 Mai

Sarkophagfragment; Römisches Reich, 3. Jahrhundert n. Chr. Alabaster. Maße: 56 x 24 cm. Fragment eines römischen Sarkophags im orientalischen Stil, der zur Hälfte aus Alabaster geschnitzt ist und in das 3. Jh. n. Chr. datiert wird. Er stellt eine nackte, stehende weibliche Figur dar, die den linken Arm angewinkelt auf die Hüfte stützt und den linken Arm zur Seite ausstreckt. Zu den Füßen der Figur steht ein Gefäß mit einem balusterartigen Körper. Die Frau scheint auf einem architektonischen Sockel zu stehen, der von geraden Kragsteinen getragen wird und an ein klassisches Gebälk erinnert. Die Komposition wird von einem oberen Fries mit der Reliefdarstellung eines phantastischen Tieres im Profil gekrönt. Es handelt sich um ein hybrides Tier mit den Flügeln und dem Hinterteil eines Löwen, das in einer ausdrucksstarken Position mit nach hinten gewandtem Kopf dargestellt ist, dank des stilisierten Schlangenhalses, der eine elegante Kurve beschreibt. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Allerdings orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer Skulpturen an griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurden. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Kurz darauf, im Jahr 133 v. Chr., erbte das Imperium das Königreich Pergamon, in dem es eine ursprüngliche und blühende Schule hellenistischer Bildhauerei gab. Der riesige Pergamonaltar, der "Gallus, der Selbstmord begeht" oder die dramatische Gruppe "Laokoon und seine Söhne" sind drei der wichtigsten Werke dieser hellenistischen Schule. Nach der Eroberung Griechenlands im Jahr 146 v. Chr. ließen sich die meisten griechischen Künstler in Rom nieder, und viele von ihnen widmeten sich der Anfertigung von Kopien griechischer Skulpturen, die damals in der Hauptstadt des Reiches sehr in Mode waren. So entstanden zahlreiche Kopien von Praxiteles, Lysippus und klassischen Werken aus dem 5. Jahrhundert v. Chr., aus denen die neoasiatische Schule Roms hervorging, die erste neoklassische Bewegung der Kunstgeschichte. Zwischen dem Ende des 2. Jahrhunderts v. Chr. und dem Beginn des 1. Jahrhunderts v. Chr. kam es jedoch zu einer Veränderung dieser puristischen griechischen Tendenz, die in der Schaffung einer nationalen Bildhauerschule in Rom gipfelte, aus der Werke wie der Aenobarbus-Altar hervorgingen, der bereits ein typisch römisches Erzählkonzept einführte, das zu einer Chronik des täglichen Lebens und gleichzeitig des Erfolgs des politischen Modells werden sollte. Diese Schule wird der Vorläufer der großen kaiserlichen Kunst des Augustus sein, in dessen Amtszeit Rom zur einflussreichsten Stadt des Reiches und auch zum neuen Zentrum der hellenistischen Kultur wurde, wie es zuvor Pergamon und Alexandria gewesen waren, die eine große Zahl griechischer Künstler und Handwerker anzogen. In der augusteischen Ära trug Rom zur Kontinuität und Erneuerung einer Tradition bei, die sich bereits seit Jahrhunderten eines hohen Ansehens erfreute und den Charakter der gesamten Kunst in der Region bestimmt hatte. In dieser neuen Phase werden die griechische Ästhetik und Technik auf die Themen des neuen Roms angewandt. Nach der Idealisierung der augusteischen Epoche, dem Realismus der flavischen Epoche und dem darauf folgenden Barockstil des zweiten und dritten Jahrhunderts neigte die römische Bildhauerei, die durch das Christentum geprägt war, dazu, sich zu entmenschlichen, idealer und symbolischer zu werden. Das Bemühen um Realismus ging verloren, und es gab eine Tendenz zur Schematisierung, die das Ideal, die Seele oder das Göttliche und nicht den menschlichen Aspekt der Figuren zu erfassen suchte. Entsprechend dieser neuen Ästhetik erhält die Schnitzerei eine große Härte, und die Figuren bekommen einen edlen Hieratismus.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Di 28 Mai

Fragment einer griechischen Stele, 4. Jahrhundert v. Chr. Gehärteter Kalkstein. Maße: 31 x 34 cm. Fragment einer griechischen Grabstele aus dem 4. Jahrhundert v. Chr., die in Kalkstein gehauen ist und zwei sitzende Figuren, einen Mann und eine Frau, darstellt. Wahrscheinlich handelt es sich um eine Darstellung des verstorbenen Paares, obwohl eine dritte Figur zu sehen ist, die ihren Arm auf die Schultern der männlichen Figur legt. Beide Figuren sind in Tuniken gekleidet, die Frau mit einem Schleier über dem Kopf und der Mann mit einem Mantel. Sie sind in einer ruhigen und ausgeglichenen, aber naturalistischen Haltung dargestellt, die den Fortschritt in Richtung Realismus und Ausdruckskraft der griechischen Bildhauerei der hellenistischen Zeit zeigt. Die hellenistische Bildhauerei stellt die letzte Periode in der Entwicklung der griechischen Bildhauerei dar und entwickelte sich in der Zeit zwischen dem Tod Alexanders des Großen im Jahr 323 v. Chr. und der Eroberung Ägyptens durch die Römer zwischen 30 und 31 v. Chr. Es handelt sich um eine eklektische, säkulare und historisierende Sprache, die vom Erbe der klassischen Bildhauerei der vorangegangenen Periode ausgeht und zu der neue orientalische Einflüsse hinzukommen. Sie bedeutete auch eine Verbesserung der Darstellung der Anatomie und der emotionalen Ausdruckskraft des Menschen sowie einen grundlegenden Wandel in der Ästhetik, die das Ideal hinter sich lässt, um das Individuum darzustellen und vom Allgemeinen zum Besonderen überzugehen. So wird das frühere ethische und pädagogische Ideal zugunsten einer neuen Betonung der alltäglichen menschlichen Aspekte in einer Kunst aufgegeben, deren Hauptzweck die Ästhetik ist, auch wenn sie gelegentlich auch propagandistisch sein wird. Dieses neue Interesse am Menschen und seinem Innenleben, seinen Emotionen, Problemen und Sehnsüchten, führt zu einem realistischen Stil, der das Dramatische, das Prosaische und die Bewegung betonen muss. Außerdem bringt der Hellenismus die ersten individualisierten und plausiblen Porträts der westlichen Kunst hervor. Die Thematik wird auch auf Darstellungen des Alters und der Kindheit, kleinerer nicht-olympischer Gottheiten und Nebenfiguren aus der Mythologie sowie volkstümlicher Figuren bei ihrer täglichen Arbeit erweitert.

Schätzw. 3 200 - 3 500 EUR

Di 28 Mai

Weibliche Büste; Rom, 2. Jahrhundert n. Chr. Marmor. Sie zeigt oberflächliche Abnutzung, Erosion und Materialverluste. Maße: 22 x 15 x 13 cm. Römische Büste einer jungen Frau aus weißem Marmor. Das Stück hat ein heiteres Gesicht mit mandelförmigen Augen mit ausdrucksvollem Blick und leicht geschürzten Lippen sowie eine Hochfrisur mit gewelltem Haar, mit einem Umhang oder Schal auf dem Kopf. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Dennoch orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an den griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurden. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Kurz darauf, im Jahr 133 v. Chr., erbte das Imperium das Königreich Pergamon, in dem es eine ursprüngliche und blühende Schule hellenistischer Bildhauerei gab. Der riesige Pergamonaltar, der "Gallus, der Selbstmord begeht" oder die dramatische Gruppe "Laokoon und seine Söhne" sind drei der wichtigsten Werke dieser hellenistischen Schule. Nach der Eroberung Griechenlands im Jahr 146 v. Chr. ließen sich die meisten griechischen Künstler in Rom nieder, und viele von ihnen widmeten sich der Herstellung von Kopien griechischer Skulpturen, was damals in der Hauptstadt des Reiches sehr in Mode war. Sie weist Oberflächenabnutzung, Erosion und Materialverluste auf.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Di 28 Mai

Priapus. Hellenismus, Griechenland, 2. bis 1. Jahrhundert v. Chr. Marmor. Provenienz: Privatsammlung, London, erworben zwischen den 1960er und 1980er Jahren. Guter Erhaltungszustand, keine Restaurierungen. Die Figur hat den linken Unterarm und den unteren Teil der Beine verloren. Maße: 24 cm hoch. Diese Skulptur vollständig aus Marmor stellt Priapus, in runder Masse geschnitzt. Er war ein kleiner Gott, eine ländliche Gottheit der Fruchtbarkeit. Sein Hauptattribut ist ein großer erigierter Phallus, Symbol der befruchtenden Kraft der Natur. Hier ist er lächelnd dargestellt und in eine offene Tunika gehüllt, die über seine Schultern gleitet und seine Genitalien freilegt. Während der hellenistischen Periode erlebte die griechische Bildhauerei einen großen Wandel, der sich besonders in der Darstellung von Emotionen bemerkbar machte. Dies kommt in dem lachenden Antlitz unseres Priapus wunderbar zum Ausdruck. Die hellenistische Bildhauerei stellt die letzte Periode in der Entwicklung der griechischen Bildhauerei dar und entwickelte sich in der Zeit zwischen dem Tod Alexanders des Großen im Jahr 323 v. Chr. und der Eroberung Ägyptens durch die Römer zwischen 30 und 31 v. Chr. Sie ist eine eklektische, säkulare und historisierende Sprache, die vom Erbe der klassischen Bildhauerei der vorangegangenen Periode ausgeht und zu der neue orientalische Einflüsse hinzukommen. Sie bedeutete auch eine Verbesserung der Darstellung der Anatomie und der emotionalen Ausdruckskraft des Menschen sowie einen grundlegenden Wandel in der Ästhetik, die das Ideal hinter sich lässt, um das Individuum darzustellen und vom Allgemeinen zum Besonderen überzugehen. So wird das frühere ethische und pädagogische Ideal zugunsten einer neuen Betonung der alltäglichen menschlichen Aspekte in einer Kunst aufgegeben, deren Hauptzweck die Ästhetik ist, auch wenn sie gelegentlich auch propagandistisch sein wird. Dieses neue Interesse am Menschen und seinem Innenleben, seinen Emotionen, Problemen und Sehnsüchten, führt zu einem realistischen Stil, der das Dramatische, das Prosaische und die Bewegung betonen muss. Außerdem bringt der Hellenismus die ersten individualisierten und plausiblen Porträts der westlichen Kunst hervor. Die Thematik wird auch auf Darstellungen des Alters und der Kindheit, kleinerer nicht-olympischer Gottheiten und Nebenfiguren aus der Mythologie sowie volkstümlicher Figuren bei ihrer täglichen Arbeit erweitert. Guter Erhaltungszustand, ohne Restaurierungen. Sie hat den linken Unterarm und den unteren Teil der Beine verloren.

Schätzw. 14 000 - 18 000 EUR

Di 28 Mai

Figur des Silvanus; Römisches Reich, 2. Jahrhundert nach Christus. Marmor. Provenienz: Privatsammlung, Los Angeles, USA, Mitte der 1990er Jahre bei Quatrain Inc; Privatsammlung, London, erworben in New York, 2015; Privatsammlung, Madrid. In gutem Erhaltungszustand. Sie hat die Hälfte ihres Kopfes, den unteren Teil ihrer Beine und den Zypressenstamm, den sie in ihrer rechten Hand hielt, verloren. Maße: 46 cm. Römische Marmorskulptur, die Silvanus darstellt, einen Schutzgeist der Felder und Wälder. Was die Wälder betrifft, so wachte er vor allem über die Pflanzungen und erfreute sich an den wild wachsenden Bäumen, weshalb er (wie hier) mit dem Stamm einer Zypresse dargestellt wird. Zu diesem Baum wird jedoch die folgende Geschichte erzählt: Silvanus war in den jungen Cipariso verliebt. Glücklicherweise tötete er einmal versehentlich ein Reh, das ihm gehörte. Cipariso starb vor Kummer und wurde in eine Zypresse verwandelt. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei: das Porträt und das historische Relief, die in der griechischen Welt nicht existierten. Allerdings orientierten sie sich in der Bildhauerei weitgehend an griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurden. Nach den ersten Kontakten mit dem klassischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ablöste. Kurz darauf, im Jahr 133 v. Chr., erbte das Imperium das Königreich Pergamon, in dem eine originelle und blühende Schule hellenistischer Bildhauerei existierte. Der riesige Pergamonaltar, der "Gallus, der Selbstmord begeht" oder die dramatische Gruppe "Laokoon und seine Söhne" sind drei der wichtigsten Werke dieser hellenistischen Schule. Nach der Eroberung Griechenlands im Jahr 146 v. Chr. ließen sich die meisten griechischen Künstler in Rom nieder, und viele von ihnen widmeten sich der Anfertigung von Kopien griechischer Skulpturen, die damals in der Hauptstadt des Imperiums sehr in Mode waren. So entstanden zahlreiche Kopien von Praxiteles, Lysippus und klassischen Werken aus dem 5. Jahrhundert v. Chr., aus denen die neoasiatische Schule Roms hervorging, die erste neoklassische Bewegung der Kunstgeschichte. Zwischen dem Ende des 2. Jahrhunderts v. Chr. und dem Beginn des 1. Jahrhunderts v. Chr. vollzog sich jedoch ein Wandel in dieser puristischen griechischen Strömung, der in der Schaffung einer nationalen Bildhauerschule in Rom gipfelte, die Werke wie den Aenobarbus-Altar hervorbrachte, der ein typisch römisches Erzählkonzept einführte, das zu einer Chronik des Alltagslebens und gleichzeitig des Erfolgs des politischen Modells wurde. Diese Schule sollte der Vorläufer der großen kaiserlichen Kunst des Augustus sein, unter dessen Herrschaft Rom zur einflussreichsten Stadt des Reiches und auch zum neuen Zentrum der hellenistischen Kultur wurde, wie zuvor Pergamon und Alexandria, die zahlreiche griechische Künstler und Handwerker anzogen. In der augusteischen Ära trug Rom zur Kontinuität und Erneuerung einer Tradition bei, die sich bereits seit Jahrhunderten eines hohen Ansehens erfreute und die den Charakter der gesamten Kunst in der Region bestimmt hatte. In dieser neuen Phase wurden die griechische Ästhetik und Technik auf die Themen des neuen Roms angewandt. Nach der Idealisierung der augusteischen Zeit, dem Realismus der flavischen Epoche und dem darauf folgenden Barockstil des 2. und 3. Jahrhunderts neigte die römische Bildhauerei, geprägt von der Präsenz des Christentums, dazu, sich zu entmenschlichen, indem sie idealer und symbolischer wurde. Das Bemühen um Realismus ging verloren, und es gab eine Tendenz zur Schematisierung, die eher das Ideal, die Seele oder das Göttliche als den menschlichen Aspekt der Figuren erfassen wollte. Im Einklang mit dieser neuen Ästhetik wurde die Schnitzerei sehr hart und die Figuren erhielten eine realistischere und symbolische Qualität.

Schätzw. 28 000 - 30 000 EUR

Di 28 Mai

Vase; Ägypten, Frühe Dynastien, 2920-2575 v. Chr. Alabaster. Vorhanden, Restaurierungen in der Bruchlinie, leichte Fehlstellen und Einstich an der Lippe. Maße: 8,5 x 7,5 cm. Zylindrische Vase aus Alabaster mit rundem Sockel, hohem und ausgestelltem Körper und flachem Rand. Flacher Rand. Im alten Ägypten galten Alabasterschalen als Luxusartikel, die nur in königlichen Gräbern und in den Gräbern der höchsten Ränge zu finden waren. Chronologisch gesehen tauchen sie zu Beginn des dritten Jahrtausends v. Chr. auf und sind am Ende der zweiten Dynastie häufiger zu finden. Die Kunst des Schnitzens von Steingefäßen erreichte ihren Höhepunkt bereits in der frühdynastischen Zeit und im Alten Reich. Die Steingefäße dienten hauptsächlich zur Aufbewahrung von Lebensmitteln, Salben und kosmetischen Ölen. Dank der Dicke und Undurchlässigkeit ihrer Wände ermöglichten sie eine gute Konservierung der Produkte. Sie wurden nicht nur im täglichen Leben verwendet, sondern spielten auch eine wichtige Rolle bei religiösen Aktivitäten: Opfergaben in Tempeln, tägliches Salben von Statuen und Kultgegenständen und in der Welt der Bestattungen, bei der Vorbereitung von Mumien, sowie im Glauben an die verjüngende und regenerierende Wirkung dieser Substanzen. Es ist daher nicht verwunderlich, dass eine große Anzahl von Steingefäßen regelmäßig in Gräbern und Grabanlagen deponiert wurde. Bruch, leichte Beschädigung und ein Einstich in der Lippe.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Mi 29 Mai

Spanische Schule des 16. Jahrhunderts. Kreis von ALONSO BERRUGUETE (Paredes de Nava, ca. 1490-Toledo, 1561). "Männliche Büste". Alabaster. Maße: 22 x 16 x 16 cm. Das gealterte und auslaufende Gesicht dieser männlichen Büste lässt vermuten, dass wir vor der Darstellung eines Apostels oder eines Heiligen während seines Martyriums stehen. Die Figur ist mit Dramatik und tiefem Mystizismus dargestellt. Der Blick fokussiert unsere Aufmerksamkeit und wird mit einer Wahrhaftigkeit wiedergegeben, die für eine sorgfältige Studie des Natürlichen typisch ist. Die Morphologie, der Ausdruck und die Art und Weise, wie die Figur behandelt wird, erlauben es uns, sie dem Umkreis von Alonso Berruguete zuzuordnen, spanischer Bildhauer und Maler, Sohn des Malers Pedro Berruguete und einer der grundlegenden Vertreter der spanischen Bildhauerei der Renaissance, die sogar die neue manieristische, intellektualisierte und abstrakte Ableitung des italienischen Cinquecento vorantrieb, fast zur gleichen Zeit, als sie in Italien entstand. Ab 1507 hielt er sich in Italien auf, um seine Kenntnisse der Malerei zu erweitern, vor allem in Florenz, wo er um 1512 angekommen sein muss. Die langen Jahre seines Aufenthalts in Italien ermöglichten es ihm, die Meister des Quattrocento und die Vorbilder der klassischen griechisch-lateinischen Bildhauerei eingehend kennen zu lernen. Im Jahr 1523 ließ er sich in Valladolid nieder, wo er seine Werkstatt gründete und sich der Schnitzerei von Altarbildern widmete.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Mi 29 Mai

POMPEO MARCHESI - (Saltrio, 1783 - Mailand, 1858) Büste eines Mannes Marmor Signiert und datiert in der Umrandung P. Marchesi f. Mailand 1828 Kleine Mängel, wenige Absplitterungen und Fehlstellen, leichte Kratzer H. cm 51 (Gesamthöhe cm 64), B. cm 49, T. cm 40 EINE MARMORBÜSTE VON POMPEO MARCHESI; KLEINE DEFEKTE, EINIGE ABPLATZUNGEN UND FEHLSTELLEN, LEICHTE KRATZER Pompeo Marchesi, einer der bedeutendsten Vertreter des lombardischen Neoklassizismus, zog nach seinem Studium in Brera 1804 nach Rom, wo er seine Fähigkeiten an der Akademie unter der Leitung von Antonio Canova vervollkommnete. Nach Mailand zurückgekehrt, war er zwischen 1810 und 1858 (seinem Todesjahr) an zwei großen Baustellen beteiligt: an der Fabbrica del Duomo, wo er unter anderem die berühmten Skulpturen der Heiligen Philippus, Ambrosius und Ezechiel schuf, und in denselben Jahren (ab 1813) am Arco della Pace. Er ist auch für seine Porträts bekannt und schuf die Büsten von Carlo Porta (1822), Giuseppe Longhi (1834) und das Denkmal für Cesare Beccaria (1837) für Brera. Aus diesen Jahren stammt auch unsere Büste, die, wenn auch nicht mit Sicherheit, in der Togato-Marmorbüste identifiziert werden konnte, die Marchesi 1829 in der Mailänder Universität ausstellte und die vielleicht das Bildnis des 1826 verstorbenen Rechtsanwalts Rocco Marliani darstellte. Wir danken Prof. Omar Cucciniello, Konservator des GAM, für die historischen Informationen Bibliografie der Referenzen A. Panzetta, Dizionario degli scultori italiani dell'Ottocento, Turin 1990, S. 101-102 S. Grandesso, La scultura, herausgegeben von, in L'Ottocento in Italia. Le arti sorelle. Il Romanticismo, 1815-1848, Mailand 2006, S. 185-187 O. Cucciniello, Neoklassische Romantik. Pompeo Marchesi scultore collezionista, Ausstellung kuratiert von, Mailand Villa Reale 1. März ; 18. Juni 2023, Rom 2023, ad vocem

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Mi 29 Mai

SCULTORE NEOCLASSICO - Elisa Baciocchi (Ajaccio, 1777 - Villa Vicentina, 1820) Marmorbüste Auf der Vorderseite bezeichnet Elisa Macken, Kratzer, kleine Absplitterungen H 61 cm, B 42 cm, T 24 cm BÜSTE EINES NEOKLASSIZISTISCHEN BILDHAUERS; FEHLSTELLEN, KRATZER, KLEINE ABSPLITTERUNGEN Es gibt zahlreiche bildhauerische Werke, die Elisa Baciocchi, die Schwester von Napoleon Bonaparte, Prinzessin von Lucca und Piombino, darstellen - berühmt ist die prachtvolle Büste von Lorenzo Bartolini aus dem Jahr 1808 (Musée du Blois). Von diesem Modell wurden mehrere Repliken angefertigt, vielleicht unter dem Einfluss des Prototyps (1805) von Joseph Chinard (1756-1813) aus Lyon, der sich heute in der Villa Marlia in Lucca befindet. Aus jenen Jahren und wiederum von Bartolini stammen die Varianten, die sich heute im Palazzo degli Alberti in Prato, im Napoleonischen Museum in Rom, im Opificio delle Pietre Dure in Florenz und in Bologna (Fondazione Cassa di Risparmio) und in München befinden. Siehe aber auch den Marmor von François Joseph Bosio (Fürstentum Monaco, 1768 - Paris, 1845), auf dem verso BARTOLINI DIREXIT. BOSIO, der, wie der unsere und einige der genannten, auf der Vorderseite den Namen des Bildnisses trägt. Referenz-Bibliographie: A. M. Giusti, Arte e Manifattura di corte a Firenze, dal tramonto dei Medici all'Impero (1732-1815), Ausstellungskatalog, herausgegeben von, Firenze Palazzina della Meridiana 16 Mai - 5 November 2006, Livorno 2006, S. 251, Nr. 169

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Do 30 Mai

BERTEL THORWALDSEN, Nachfolger von (Kopenhagen 1770 - 1844) Schlafender Amor Skulptur aus weißem Marmor, 38 x 55 x 34,5 cm Unsigniert Sockel aus grau geädertem Marmor URSPRUNG Römische Familie Diese schöne Skulptur stellt den schlafenden Amor dar, der seinen Köcher und seinen Bogen fest umklammert hält, während er sich von seiner Tätigkeit ausruht. Die Komposition des schlafenden Amors, von der einige leicht abweichende Repliken in Florenz im Palazzo Pitti, in Mailand im Castello Sforzesco und in Turin im Palazzo Reale und in der Palazzina di Caccia di Stupinigi bekannt sind, wird gewöhnlich dem Bildhauer François Duquesnoy aus dem 17. Jahrhundert zugeschrieben, während in letzter Zeit ein Exemplar auf dem Antiquitätenmarkt Giovacchino Fortini (1670-1736) zugeschrieben wird. Die Wertschätzung dieses Skulpturenmodells in Europa noch im 19. Jahrhundert wird durch das in Helsinki im Sinebrychoff-Museum aufbewahrte Exemplar belegt, das apokryph dem dänischen Bildhauer Bertel Thorvaldsen zugeschrieben wird. Auch die vorliegende Skulptur ist ein Geschenk der römischen Adelsfamilie und wird traditionell Thorvaldsen zugeschrieben, der seit jeher als wahrscheinlicher Ausführender des Werks gilt. BIBLIOGRAPHIE Geister, Amoretten, Genien und Cherubim. Allegorie e decorazione di putti dal Barocco al Neoclassico, Ausstellungskatalog, herausgegeben von V. Natale, Museo di Arti Decorative Accorsi-Ometto, 19. Februar - 5. Juni 2016, Turin 2016, S. 38 - 39

Schätzw. 8 000 - 12 000 EUR

Do 30 Mai

MARCELLO BALDARI, IN ARTE MARS - Turin, 1987 Unbewußtes Bewußtsein Das Los umfasst: Marmorskulptur / Marmorskulptur 60 x 30 x 25 cm Nicht-fungibler Token / 3D Video Künstler: Marcello Baldari ist ein 3D-Künstler aus Turin. Seit 2013 hat er beschlossen, sich auf seinen eigenen künstlerischen Stil zu konzentrieren, indem er zwei große Leidenschaften miteinander verbindet: die digitale Bildhauerei und die Konzeptkunst. Diese beiden Welten, die sich vermischen und gegenseitig kontaminieren, haben seine persönliche Technik hervorgebracht, die er Polysketch nennt und die sich durch extreme Dynamik und ein Gefühl der Bewegung in den Augen des Betrachters auszeichnet. Künstler: Marcello Baldari ist ein 3D-Künstler aus Turin. Im Jahr 2013 beschloss er, sich auf seinen eigenen künstlerischen Stil zu konzentrieren und zwei große Leidenschaften miteinander zu verbinden: die digitale Bildhauerei und die Konzeptkunst. Diese beiden Welten, die sich vermischen und gegenseitig verunreinigen, haben seine persönliche Technik hervorgebracht, die er Polysketch nennt und die sich durch eine extreme Dynamik und ein Gefühl der Bewegung in den Augen des Betrachters auszeichnet. Die Oper: Das Werk mit dem Titel "Unbewusstes Bewusstsein" ist die erste vom Künstler geschaffene Marmorskulptur: Sie fängt den Geist eines Kriegers ein, der in Marmor geformt und verewigt wurde. Das Werk zeigt den Moment, in dem die Dargestellte Klarheit in ihren Gedanken findet und sich im Einklang mit ihrer Bestimmung fühlt. Das ruhige Gesicht der Frau vermittelt ein Gefühl der Sicherheit, so als ob sie sich endlich ihres wahren Wesens bewusst geworden wäre. Mit der Marmorskulptur hat der Künstler ein emotionales Porträt der Selbstverwirklichung und des Bewusstseins geschaffen. Das Werk: Das Werk mit dem Titel "Bewusstes Bewusstsein" ist die erste von der Künstlerin geschaffene Marmorskulptur: Sie fängt den Geist eines Kriegers ein, der in Marmor geformt und verewigt wurde. Das Werk zeigt den Moment, in dem die Person Klarheit in ihren Gedanken findet und sich im Einklang mit ihrer Bestimmung fühlt. Das ruhige Gesicht der Frau vermittelt ein Gefühl der Sicherheit, so als ob sie sich endlich ihres wahren Wesens bewusst geworden wäre. Mit der Marmorskulptur hat der Künstler ein emotionales Porträt der Selbstverwirklichung und des Bewusstseins geschaffen.

Schätzw. 7 000 - 12 000 EUR
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