13th May - Contemporary Art

Lot 1 - VICTOR VASARELY (Pécs, Hongrie, 1908 - Paris, 1997). Sans titre, 1981. Collage de papier sur carton. La paternité de cette œuvre a été confirmée par Pierre Vasarely. Signé deux fois dans le coin inférieur droit, daté et dédicacé. Dimensions : 40 x 27 cm ; 60 x 47 cm (cadre). L'œuvre de Vasarely repose sur la découverte que la déformation d'une grille bidimensionnelle peut générer un paysage tridimensionnel abstrait, avec des élévations et des dépressions, où les carrés se transforment en losanges et les cercles en ellipses. Ainsi, l'effet illusionniste qui combine la convexité et la concavité avec la dilatation et la contraction, contient un symbolisme cosmique réfléchi, évoquant le rythme qui naît des étoiles, ainsi que la formation des galaxies par l'expansion de l'univers dans son ensemble. Considéré comme le père de l'Op Art, Victor Vasarely a commencé sa formation artistique à l'école Muheely, fondée à Budapest par un élève du Bauhaus. Il s'installe à Paris en 1930, où il crée ce qui est considéré aujourd'hui comme la première œuvre de l'Op Art, "Zebra" (1937). À Paris, il travaille comme graphiste pour des agences de publicité. Pendant cette période, son style artistique varie de l'expression figurative vers un type d'art abstrait constructif et géométrique, intéressé par la représentation de la perspective sans point de fuite.Entre 1936 et 1948, il participe régulièrement au Salon des Surindépendants et au Salon des Nouvelles Réalités. À partir de 1948, il expose régulièrement à la galerie Denise René. Dans les années cinquante, son travail aborde l'utilisation de nouveaux matériaux et supports tels que l'aluminium ou le verre. De même, il commence à réaliser des œuvres d'intégration à l'espace, comme Hommage à Malevitch. Dans les années soixante, il participe à de nombreuses expositions collectives, comme The Responsive Eye au Museum of Modern Art de New York, ainsi qu'à des expositions personnelles en Europe et en Amérique. Parmi les nombreuses récompenses qu'il a reçues tout au long de sa vie, on peut citer le prix Guggenheim (1964), les critiques d'art de Bruxelles et la médaille d'or de la Triennale de Milan. En 1970, il a également été nommé chevalier de l'ordre de la Légion d'honneur. Il est représenté dans les musées qui lui sont consacrés à Aix-en-Provence, Pécs et Budapest, mais aussi dans les plus importants centres d'art contemporain du monde, comme la Tate Gallery de Londres, le MoMA de New York, le Guggenheim de Venise ou le Reina Sofia de Madrid. La paternité de cette œuvre a été confirmée par Pierre Vasarely.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

Lot 2 - SONIA DELAUNAY (Odessa, 1885 - Paris, 1979). "Costume", 1922. Pinceau, plume et encre de Chine sur papier. Signé et daté en bas à droite. Dimensions : 31 x 25 cm ; 52 x 43 cm (cadre). Bibliographie - J. Damase, Sonia Delaunay, dessins en noir et blanc, Paris, 1978, p. 190 (illustré p. 112, avec des dimensions incorrectes et daté "1926"). - E. Morano, Sonia Delauna, Art into Fashion, New York, 1986, p. 59 (illustré). Avec son style synthétique caractéristique, Delaunay crée dans cette œuvre un dessin figuratif, mettant en scène une femme. L'œuvre, en particulier les vêtements de la protagoniste, rappelle certains motifs que l'artiste a réalisés sur toile dans les années 1920. Née Sonia Ilínichna Stern, Sonia Delaunay est plus connue sous son nom de femme, qu'elle a adopté après avoir épousé Robert Delaunay. Peintre et designer française d'origine ukrainienne, elle fut, avec son mari, l'une des principales représentantes de l'art abstrait, ainsi que la créatrice du simultanéisme. Elle grandit à Saint-Pétersbourg, au contact de la collection de peintures de l'école de Barbizon de son oncle et de la vie culturelle de la ville. En 1903, elle part en Allemagne pour parfaire sa formation, où elle découvre la peinture contemporaine et étudie le dessin avec Schmidt-Reuter. Deux ans plus tard, il s'installe à Paris et s'inscrit à l'Académie de la Palette, où il est également initié à la gravure par Grossman. Au cours de ces années, il se rapproche de l'avant-garde européenne par le biais de l'expressionnisme allemand, avec une œuvre qui révèle également des échos du post-impressionnisme. En 1908, il organise sa première exposition, présentant des œuvres de la période fauve qu'il vient d'initier. Deux ans plus tard, il épouse Delaunay, avec qui il partage des préoccupations esthétiques. Leur art s'oriente alors vers l'abstraction. L'artiste s'orientera ensuite vers les arts décoratifs, toujours avec un langage coloriste purement abstrait qui attirera l'attention de ses pairs mais aussi de la critique. Si, en 1912, elle revient à la peinture, sa renommée de designer est déjà établie dans toute l'Europe. Dès lors, elle participe fréquemment à d'importantes expositions européennes, telles que le Salon d'automne de Berlin ou le Salon des Indépendants à Paris. Pendant la Première Guerre mondiale, elle vit en Espagne et au Portugal, où elle développe une intense activité créatrice, notamment en collaborant avec le ballet de Diaghilev. En 1921, le couple revient à Paris, où Sonia Delaunay continue à travailler sur d'importants projets, tout en exposant ses œuvres en Europe et aux États-Unis. Reconnue dès les années cinquante, des compilations de son œuvre commencent à être publiées et, en 1958, une première rétrospective lui est consacrée à Bielefeld (Allemagne). En outre, en 1975, elle a été nommée officier de la Légion d'honneur française. Actuellement, Delaunay est représentée dans de grandes collections à travers le monde, notamment au MoMA de New York, à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, au Reina Sofia de Madrid, à l'Albertina de Vienne et à Haïfa en Israël.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 3 - JULIO LE PARC (Mendoza, Argentine, 1928). "Cercles par Déplacement" 2015. Acrylique, miroir et lithographie décalée, copie H.C. Publié par MAK Editions. Certificat d'authenticité joint. Dimensions : 9,4 x 8 x 6,7 cm. Cette sculpture d'op-art, conçue par l'artiste argentin Julio Le Parc en 1965, utilise un miroir et une face imprimée à l'intérieur et est fabriquée en plexiglas. Lorsque l'on regarde la sculpture sous un angle différent, les cercles changent de couleur. Elle a été produite en 2015. Artiste pluridisciplinaire encadré par l'art cinétique, Julio Le Parc a été formé à l'école des beaux-arts Prilidiano Peuyrredón de Buenos Aires, et en 1957, il commence à travailler dans le langage abstrait. L'année suivante, il s'installe à Paris grâce à une bourse du gouvernement français et y fonde le Groupe de Recherche d'Art Visuel, tout en rejoignant le groupe Nueva Tendencia. En 1966, il réalise sa première exposition personnelle à la Sage Gallery de Howard (New York) et, la même année, il remporte le premier prix de la Biennale de Venise. En 1967, il participe à une importante exposition collective au Musée d'art moderne de Paris et, en 1972, la première rétrospective de son œuvre a lieu à Düsseldorf. Son œuvre est actuellement représentée à la Tate Gallery de Londres, au Museo Nacional de Bellas Artes et à la Fundación Proa de Buenos Aires, à la bibliothèque Luis Ángel Arango de Colombie et au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C., entre autres collections publiques et privées.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 4 - JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). Sans titre, 1985. Technique mixte (peinture et collage) sur papier. Signé et daté dans la marge inférieure. Dimensions : 197 x 115 cm ; 207 x 126,5 cm (cadre). L'utilisation du collage liée à l'expérimentation et à l'abstraction lyrique gagne du terrain dans les peintures de Guinovart des années quatre-vingt. Il s'éloigne de l'informalisme de sa période précédente et s'approche d'une abstraction aux latences musicales et poétiques. Dans cette composition, cela s'exprime par des suggestions subtiles d'instruments à cordes et de signes calligraphiques. Josep Guinovart a été formé à l'Escuela de Maestros Pintores, à l'Escuela de Artes y Oficios et dans les classes de la FAD. Il expose individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert immédiatement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de la sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, le Museo Eusebio Sempere à Alicante, le Museo de Navarra à Tafalla, la Casa de las Américas à La Havane, le Bocchum Museum en Allemagne, le Museo de Bellas Artes à Long Island, New York, et le Museo Patio Herreriano à Valladolid.

Estim. 5 500 - 6 500 EUR

Lot 5 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelone, 1923 - 2009). "Escalade", 1974. Collage, acrylique et crayon gras sur toile. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 100 x 81 cm. Ràfols Casamada parlait de son besoin de "briser l'espace et de le recomposer au moyen de taches de couleur, de les distribuer presque au hasard et d'obtenir, au moyen de la couleur, qu'elles soient soutenues et reliées" (Témoignage d'un peintre, 1985). Le tableau présenté ici rend compte de cette recherche de purification intellectuelle. Ràfols Casamada soumet le tableau à un jeu de tension apparemment aléatoire entre le champ coloré, le vide, la tache et le geste. Dans cette toile, l'abstraction lyrique bat de l'aile malgré la base conceptuelle sous-jacente. Elle fait écho à une résolution heureuse entre complexité intellectuelle et simplicité plastique, entre transcendance et immanence. Peintre, pédagogue, écrivain et graphiste, Ràfols Casamada jouit aujourd'hui d'un grand prestige international. Il débute dans le monde du dessin et de la peinture avec son père, Albert Ràfols Cullerés. En 1942, il entreprend des études d'architecture, qu'il abandonne rapidement pour se consacrer aux arts plastiques. L'influence paternelle post-impressionniste et son cézannisme particulier marquent les œuvres présentées lors de sa première exposition, qui a lieu en 1946 aux galeries Pictòria de Barcelone, où il expose avec le groupe Els Vuit. Par la suite, il élaborera une abstraction poétique, amorphe dans sa configuration, libre et intelligente, fruit d'une lente gestation et basée sur des environnements, des thèmes, des objets ou des graphismes de la vie quotidienne. Ràfols Casamada travaille avec ces fragments de réalité, de vie, dans un processus de défiguration, jouant avec les connotations, les valeurs plastiques et la richesse visuelle des différentes lectures possibles, dans une tentative de fixer le caractère éphémère de la réalité. En 1950, il obtient une bourse pour voyager en France et s'installe à Paris jusqu'en 1954. C'est là qu'il se familiarise avec la peinture figurative post-cubiste, ainsi qu'avec les œuvres de Picasso, Matisse, Braque et Miró, entre autres. Ces influences s'ajoutent dans sa peinture à celle de l'expressionnisme abstrait américain, qui se développe à la même époque. À son retour à Barcelone, il s'engage dans sa propre voie artistique, avec un style caractérisé par l'élégance de la composition, basé sur des structures orthogonales combinées à un chromatisme émotif et lumineux. Après avoir entretenu une relation intéressante, dans les années 60 et 70, avec le néo-dada et le nouveau réalisme, son œuvre s'est concentrée sur des valeurs purement picturales : des champs de couleurs à l'harmonie expressive sur lesquels se détachent des lignes gestuelles au fusain. Il a reçu de nombreux prix, tels que le prix national des arts plastiques du ministère de la culture en 1980, le Creu de Sant Jordi en 1982 et le Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985, il a été nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres de France et est membre honoraire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid. En 2003, la Generalitat lui a décerné le prix national des arts visuels de Catalogne et, en 2009, deux mois avant sa mort, le Grup 62 lui a rendu hommage au musée national d'art de Catalogne. Son œuvre se trouve dans les plus grands musées du monde : le Reina Sofia de Madrid, le Guggenheim et le MOMA de New York, le Museum of Modern Art de Los Angeles, le musée Picasso en France, le Georges Pompidou à Paris, le British Museum et la Tate Gallery de Londres, entre autres.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 6 - NICK VEASEY (Londres, 1962). "La paix avec les marguerites". 2019. Impression C-tipe, copie 1/25. Signé et numéroté en bas à droite. Étiquette au dos. Dimensions : 75 x 59,4 cm ; 77 x 61,5 cm (cadre). Artiste et photographe initié à la photographie publicitaire, il est guidé par un modèle artistique étroitement lié à la science, puisqu'il crée des images et des photographies à partir de rayons X afin d'atteindre son objectif artistique, l'arrière-plan et les détails les plus profonds de chaque sujet. Objets, personnes, nature et animaux sont passés devant son objectif. L'artiste considère cette collection comme une déclaration contre la superficialité et une invitation à repenser notre perception de la réalité. Comme il l'indique sur son site web, "nous vivons dans un monde obsédé par la superficialité : "Nous vivons dans un monde obsédé par l'image. Ce à quoi nous ressemblons, ce à quoi nos vêtements, nos maisons, nos voitures ressemblent pour nous.... J'aime contrer cette obsession de l'apparence superficielle en utilisant les rayons X pour éplucher les couches et montrer ce qu'il y a sous la surface. Nous faisons tous des suppositions basées sur les aspects visuels externes de notre environnement et nous sommes attirés par les personnes et les formes qui sont esthétiquement agréables. J'aime remettre en question cette façon automatique de réagir à l'apparence physique en faisant ressortir la beauté intérieure, souvent surprenante. Cela nous amène également à réfléchir à la façon dont la société est de plus en plus contrôlée par la sécurité et la surveillance. Les points de contrôle des aéroports ou les entrées des palais de justice sont des exemples d'endroits où nos effets personnels sont passés aux rayons X. Pour Veasey, le fait de pouvoir créer de l'art avec des équipements et des technologies conçus pour "limiter notre liberté" est un mode de transgression. En 2009, il a commencé à exposer pour Maddox Fine Arts à Londres et a ensuite effectué une tournée en Europe, en Amérique du Nord et en Asie. Il a reçu de nombreux prix de photographie et de design, notamment les IPA Lucie Awards, AOP, Graphis, Communication Arts, Applied Arts, PX3 et D & AD awards, qui sont également nominés pour le IPA Lucie International Photographer of the Year 2008 (Photographe international de l'année 2008).

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 7 - KEITH HARING (Pennsylvanie, 1958- New York, 1990). "Autoportrait, 1987. Encre sur papier. L'œuvre porte l'étiquette de la galerie Tony Shafrazi et le numéro de stock 1435, exempté d'encadrement. Encadré avec un verre de musée. Signé et daté sur le côté droit. Dimensions : 26 x 32,5 cm ; 43 x 49 cm (cadre). Keith Haring s'est représenté à de nombreuses reprises, toujours avec ses lunettes emblématiques comme sceau d'identité. Dans ces autoportraits, l'artiste offre une vision de lui-même, non seulement physique mais aussi personnelle, révélant ainsi au spectateur l'opinion qu'il a de lui-même, comme on peut le voir dans l'autoportrait en sphinx. Dans ce cas particulier, il ne s'agit pas d'un seul autoportrait mais de deux, puisqu'il nous montre son propre buste peint par l'un de ses monigots emblématiques, qui sont un alter ego de l'artiste lui-même. Considéré comme la tête visible de l'art urbain dans les années 80, la carrière professionnelle imparable de Haring, qui l'a conduit à devenir le collègue de Warhol et une superstar des médias, a commencé avec son travail dans le métro de New York. L'énorme popularité du travail urbain de Haring auprès des New-Yorkais a immédiatement attiré l'attention de l'establishment artistique. Andy Warhol l'adopte dans son cercle et le galeriste Tony Shafrazi, alors débutant, organise pour lui une exposition solo retentissante en 1982, qui sera la rampe de lancement de son succès irrésistible. Il expose bientôt ses œuvres à la galerie de l'influent Leo Castelli et s'impose comme une star de l'art professionnel. Keith Haring est un artiste américain dont le pop art et les graffitis sont nés de la culture de la rue à New York dans les années 1980. L'œuvre de Haring a gagné en popularité grâce à ses dessins spontanés réalisés à la craie dans le métro de New York sur des fonds d'espaces publicitaires en noir et blanc. Par la suite, il a souvent abordé des questions politiques et sociales, en particulier l'homosexualité et le sida, à travers sa propre iconographie. Aujourd'hui, les œuvres de Haring sont réparties entre de grandes collections privées et publiques, notamment le Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Art à New York, le Los Angeles County Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Bass Museum à Miami, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Ludwig Museum à Cologne et le Stedelijk Museum à Amsterdam. Il a également créé une grande variété d'œuvres publiques, notamment l'infirmerie du Children's Village à Dobbs Ferry (New York) et la salle des hommes du deuxième étage du Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center à Manhattan, qui a ensuite été transformée en bureau et est connue sous le nom de Keith Haring Room. En janvier 2019, une exposition intitulée "Keith Haring New York" a été inaugurée à la New York Law School dans le bâtiment principal de son campus de Tribeca. L'œuvre porte l'étiquette de la Tony Shafrazi Gallery et le numéro de stock 1435, qui ne nécessite pas d'encadrement.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 8 - PIERRE ET GILLES (France, collaboration depuis 1976). "Glory Hole (Charley Huet)", 1994. Photographie peinte. Signée. Œuvre unique. Dimensions : 82 x 64 cm. Le duo d'artistes français Pierre et Gilles réalise des photographies provocantes dans lesquelles ils construisent à la main leurs propres scénographies et costumes. Il n'y a pas de retouche photographique. Au contraire, ils leur donnent une finition unique avec de la peinture. La culture gay et la pornographie sont les genres qu'ils explorent avec un esprit libéré et sarcastique. A cette occasion, ils recréent une prétendue scène d'un film porno mettant en scène Charley Huet. Pierre et Gilles sont deux artistes français, un couple sentimental et artistique. Ils réalisent des photographies uniques et très stylisées. Leurs œuvres comprennent des images tirées de l'histoire de l'art, de la culture populaire, de la religion et de la culture gay, y compris la pornographie (en particulier James Bidgood). La méthode de travail de ces deux artistes consiste à mettre en place des scénographies complexes, car ils n'utilisent pratiquement pas la post-production numérique après les prises de vue. Une partie de leur méthode de travail comprend des éclairages élaborés et des travaux scéniques, représentant les modèles entourés de mandorles florales qui font souvent référence à des œuvres religieuses du passé ou à des scénarios idylliques et imaginaires. Plus tard, ils travaillent les photographies avec de la peinture acrylique pour retoucher les images et leur donner une finition originale. Parmi ses thèmes de prédilection figurent les thèmes religieux et mythologiques, ainsi que les scènes homoérotiques (certains exemples font référence à l'océan et aux marins, ayant développé un livre sur ce sujet intitulé "Sailors and Sea"). Sans aucun doute, ses œuvres peuvent être incluses dans le mouvement kitsch exprimé de manière consciente, étant également influencées par le monde de la culture pop. Les célébrités photographiées par Pierre et Gilles comprennent : Amanda Lear (la couverture de son album de 1980, Diamonds for Breakfast, l'une de ses premières commandes), Lio, Khaled, Étienne Daho, Marie France, Mikado, Marc Almond, Leslie Winer, Marilyn Manson, Madonna, Kylie Minogue, Erasure, Deee-Lite, The Creatures, Nina Hagen et Coco Rosie (la couverture de son album de 2007, The Adventures of Ghosthorse and Stillborn) ; le mannequin Naomi Campbell, les actrices Tilda Swinton et Catherine Deneuve, les acteurs Jérémie Renier et Layke Anderson ainsi que les stylistes Jean-Paul Gaultier et Paloma Picasso. Son œuvre fait partie des collections du Centre Pompidou à Paris.

Estim. 90 000 - 100 000 EUR

Lot 9 - ANTONIO VIDAL FERNÁNDEZ (La Havane, 1928 - 2013) . Sans titre, vers 1960. Acrylique sur masonite. Signé dans le coin inférieur droit. Certificat joint délivré par la petite-fille de l'artiste, Anabelle Vidal B. Dimensions : 50,8 x 41 cm. Antonio Vidal était un peintre qui cultivait toutes les variantes de l'abstractionnisme : expressionnisme, informalisme, dripping,,,, de telle sorte que parfois les différents langages abstraits s'entremêlaient comme dans ce tableau où les lignes se transforment en vecteurs, les cercles en points énergétiques ou en trous noirs, et où le dripping coexiste avec le gesturalisme. Antonio Vidal Fernández était un important artiste cubain. Il était membre du groupe Los Once et membre fondateur de l'Union des écrivains et artistes de Cuba. Il a introduit l'expressionnisme abstrait dans l'île, mais il n'était pas un adepte du mouvement, il s'est tenu à l'écart des modes pour trouver sa propre voie. Diplômé de l'Académie Villate, il a reçu le prix national des arts plastiques en 1999. Parmi ses expositions personnelles, il convient de mentionner : En 1993, "Antonio Vidal 40 ans dans la plastique", peintures et dessins de petit format. Galerie d'art Galiano et Concordia, La Havane, Cuba. En 1953, il participe collectivement à Los 11. Peintres et sculpteurs. Lyceum, La Havane, Cuba. En 1963 et 1965, il participe à la première et à la deuxième Biennale américaine de gravure. Musée d'art contemporain, Université du Chili, Santiago du Chili. En 1966 et 1968, il participe à la 5e et 6e Biennale internationale de l'estampe. Musée d'art moderne, Tokyo, Japon. En 2000, "Tono a tono". Exposition d'art abstrait. Solidarity Hall, Habana Libre Tryp Hotel, La Havane, Cuba, entre autres. En 1973, son travail est récompensé par le deuxième prix de peinture. Salon des professeurs et instructeurs d'arts plastiques, École nationale d'art (ENA), La Havane, Cuba. En 1981, mention. Premier salon national du petit format, salon Lalo Carrasco, hôtel Habana Libre, La Havane. En 1999, Prix national des arts plastiques. Ministère de la culture. Fondateur du Taller Experimental de la Gráfica de La Habana, dans les années 1960, où il a développé un nombre considérable d'œuvres utilisant la technique de la lithographie. À cette époque, il réalise des œuvres pour des lieux publics, comme les mosaïques murales du théâtre Manuel Ascunce Domenech à Ciudad Escolar Libertad et du grand magasin La Época. Il a enseigné la peinture à l'École nationale d'art pendant deux décennies, dans les années 70, et dix ans plus tard, il a expérimenté la sculpture, mais comme une extension, un nouveau support pour ses créations sur toile ou sur papier. Il s'est également lancé dans la conception de couvertures de livres et de magazines ; en 1977, il a publié son carnet de croquis Antonio Vidal, édité par la rédaction de l'Union des écrivains et des artistes de Cuba. Une partie importante de son œuvre est conservée au Musée national des beaux-arts de La Havane, à Cuba. Vous trouverez ci-joint un certificat délivré par Anabelle Vidal B.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 10 - MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Majorque, 1957). "Crânes Papaie", 1999. Aquarelle sur papier. Signée et datée dans la partie inférieure. Dimensions : 56 x 76 cm ; 76 x 96 cm (cadre). Cette œuvre démontre des aspects totalement personnels de Barceló, impossibles à relier à ses influences ou à ses prédécesseurs, dont le plus remarquable est sa rupture avec la tradition grâce à sa recherche inlassable de nouvelles formules et à sa fascination pour les différents aspects de la nature. Cette aquarelle en est un exemple, puisque l'artiste part de la traditionnelle "vanité", mais sa technique et la tendance au tellurique nous rapprochent d'une image totalement organique qui ne transmet pas la fugacité de la vie, mais une conception cyclique de celle-ci. Dans ce travail, le Majorquin crée une œuvre d'une grande expressivité, fermement enracinée dans la nature et la tradition archaïque, qui révèle en même temps une modernité surprenante et brillante. Peintre et sculpteur, Barceló a commencé sa formation à l'École des arts et métiers de Palma de Majorque, où il a étudié entre 1972 et 1973. En 1974, il fait ses débuts individuels, à l'âge de dix-sept ans, à la galerie Picarol de Majorque. La même année, il s'installe à Barcelone, où il s'inscrit à l'école des beaux-arts Sant Jordi, et effectue son premier voyage à Paris. Dans la capitale française, il découvre les œuvres de Paul Klee, Fautrier, Wols et Dubuffet, ainsi que l'art brut, un style qui exercera une influence importante sur ses premières peintures. Pendant ces années, il lit beaucoup et s'enrichit d'ouvrages aussi divers que les écrits de Breton et des surréalistes, le "Manifeste blanc" de Lucio Fontana ou l'"Histoire sociale de la littérature et de l'art" d'Arnold Hauser. En 1976, il organise sa première exposition personnelle dans un musée : "Cadaverina 15" au Musée de Majorque, qui consiste en un montage de 225 boîtes en bois avec des couvercles en verre, contenant des matériaux organiques en décomposition. La même année, de retour à Majorque, il rejoint le groupe Taller Lunàtic et participe à ses événements sociaux, politiques et culturels. En 1977, il effectue un second voyage à Paris, et se rend également à Londres et à Amsterdam. La même année, il expose pour la première fois à Barcelone et rencontre Javier Mariscal, qui deviendra l'un de ses meilleurs amis dans cette ville. Avec lui et le photographe Antoni Catany, il participe, en tant que membre du groupe "Neón de Suro", à des expositions au Canada et en Californie, et collabore à la publication de la revue du même nom. C'est également en 1977 qu'il reçoit sa première commande picturale de grand format : une peinture murale pour la salle à manger d'un hôtel de Cala Millor, à Majorque. L'année suivante, à l'âge de 21 ans, il vend ses premières œuvres à quelques collectionneurs et galeries, et s'installe finalement à Barcelone. Sa reconnaissance internationale commence au début des années 80, donnant un coup de fouet définitif à sa carrière après sa participation à la Biennale de São Paulo (1981) et à la Documenta de Kassel (1982). En 1986, il reçoit le prix national des arts plastiques et, depuis lors, son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, tels que le prix Prince des Asturies pour les arts (2003) et le prix Sorolla de la Hispanic Society of America de New York (2007). Barceló est actuellement représenté dans les plus grands musées d'art du monde, tels que le MoMA de New York, le Centre Pompidou de Paris, le Guggenheim de Bilbao, etc.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 11 - CÉSAR MANRIQUE CABRERA (Lanzarote, 1919 - 1992). "Après la pluie", 1980. Technique mixte (avec ajout de matière) sur toile. Signé dans le coin inférieur droit. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 50 x 61 cm ; 70 x 81 cm (cadre). Peintre, sculpteur et architecte, Manrique s'est formé entre Lanzarote et Madrid, où il a étudié à l'École supérieure des beaux-arts de San Fernando. En 1942, il fait ses débuts individuels à Lanzarote et, dans les années cinquante, avec l'essor du surréalisme, il fonde la galerie Fernando Fe, la première galerie non figurative d'Espagne. Au cours de ces années, il réalise plusieurs peintures murales à Lanzarote et expose ses œuvres dans plusieurs pays. En 1964, il s'installe à New York où il expose, entre autres, à la galerie Catherine Viviano. Deux ans plus tard, il s'installe définitivement à Lanzarote où, avec l'architecte Fernando Higueras, il entreprend divers projets sur l'île. En 1992, quelques mois avant sa mort dans un accident de la route, la Fondation qui porte son nom est inaugurée à Lanzarote. Son œuvre artistique lui a valu des récompenses telles que la médaille d'or des beaux-arts (1980), le prix Goslarer Monchenhsus en Allemagne (1981), le prix Van D'Aheod aux Pays-Bas (1982) et le prix Fritz Schumacher à Hambourg (1989), entre autres. Il est actuellement représenté au Museo de Arte Abstracto Español et au Centro Atlántico de Arte Moderno, entre autres centres et collections. Dans son œuvre, tant picturale que sculpturale et surtout architecturale, Manrique dialogue avec les racines des îles Canaries, avec la culture guanche, avec ses constructions traditionnelles, son paysage, son folklore, son art préhispanique. Dans cette pièce, il rend hommage à tout cet héritage, dans une œuvre où la matière, qui fait référence à la terre, aux volcans, au feu qui a "construit" et défini l'île de Lanzarote, est un élément essentiel.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 12 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Série éveillée Jonas" 2007. Photographie numérique, copie AP 3/3. Signée au dos. Dimensions : 152,4 x 114,3 cm ; 154 x 116 cm (cadre). Avec sa série "Awakened", LaChapelle a donné une nouvelle orientation à son travail. Inspiré par le récit biblique, il prend des anonymes jouant le rôle de personnages bibliques (ici nous montrons la figure de Jonas), immergés dans l'eau, en état de lévitation. La beauté des éclairages, leurs expressions, l'apesanteur des vêtements, tout concourt à introduire le spectateur dans une dimension mystique accueillante. Ces œuvres confirment le lien profond de LaChapelle avec le transcendantal, avec la présence du divin dans le quotidien et avec l'idée du sublime. La carrière de LaChapelle a commencé de manière significative en 1982, lorsque Andy Warhol l'a incité à publier ses photographies "Interview". "Andy Warhol correspond parfaitement à son époque", déclare le photographe, "c'est sans aucun doute un grand artiste du XXe siècle. Il était très généreux et j'ai beaucoup appris de lui, mais nous appartenons à deux générations différentes et avons des idées différentes. L'art le plus précieux aujourd'hui est celui qui parvient à clarifier l'époque dans laquelle nous vivons, et c'est ce que j'essaie de faire." Les images loufoques, bizarres et fantastiques de David LaChapelle sont apparues sur les pages et les couvertures des magazines Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face et GQ, pour n'en citer que quelques-uns. Son style est unique et reconnaissable, il travaille avec des plans ouverts, des scènes fraîches et extrêmement colorées montrant son style pop-art. Ses photos sont méticuleuses et détaillées, travaillant l'aspect physique du personnage jusqu'à la caricature. "J'essaie de prendre des photos que je n'ai jamais vues auparavant", explique LaChapelle. Créatif talentueux, il joue avec des scènes fictives et grotesques, le plus souvent artificielles et dispose d'une excellente production, les images étant généralement au moment de la prise de vue, avec peu de post-production. On peut également voir dans son travail la critique de la société dans laquelle nous vivons, pleine d'excès et de vanité. Son attachement inconditionnel à l'originalité est légendaire dans le monde de la mode, du cinéma et de la publicité. LaChapelle a participé à des campagnes publicitaires pour divers clients, notamment L'Oréal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma et la campagne Got Milk ? David a photographié de nombreuses couvertures d'albums pour des artistes tels que Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna et Kylie Minogue. Son premier livre à succès, LaChapelle Land, a été publié en 1996 par Collaway Publishing, apportant dans son emballage extravagant une collection explosive de portraits de célébrités et de mannequins, dont Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore et Elton John. Le livre Hotel LaChapelle, également publié par Collaway en 1999, succède à ce premier ouvrage et présente des images fraîches aux couleurs inoubliables. LaChapelle continue de réaliser des photographies qui confrontent nos goûts visuels et jettent un regard neuf sur le paysage d'aujourd'hui.

Estim. 28 000 - 30 000 EUR

Lot 13 - JOSE SOLLA (La Havane, 1909). "Porte", 2003. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur. Dimensions : 38 x 46 cm ; 55 x 63 cm (cadre). La quasi-totalité de sa carrière artistique s'est déroulée en Amérique du Sud, où il vit depuis 1950, bien qu'il soit revenu en Galice dans les années quatre-vingt. Il a organisé plusieurs expositions qui ont confirmé qu'il était un peintre curieux, imaginatif, lyrique, parfois érotique, excellent connaisseur de la meilleure tradition européenne et de l'art indigène hispano-américain, qu'il a absorbé pour lui donner une expression très personnelle. José Solla a étudié à l'École supérieure des arts visuels Martín A. Malharro, avec le professeur Demetrio Urruchúa, maître de tant d'excellents artistes d'origine galicienne. Il a réalisé sa première exposition en 1964. Il a participé aux biennales de Pontevedra en 1973, 1974 et 1976. Lors de la deuxième édition internationale de cet important concours, il a remporté la médaille d'or. D'autres prix ont été remportés par Solla à Caserta, en Italie, et à Buenos Aires, Mar del Plata et Salta, en Argentine. L'exposition qui a confirmé son statut de peintre très personnel et accompli a eu lieu au centre culturel Caixavigo en 1990, dans le cadre de la série des grands artistes galiciens. Il est représenté dans des musées d'Amérique du Sud, du Brésil, du Mexique, du Chili, des États-Unis, d'Italie, ainsi que dans les musées de Pontevedra et de Vigo. Solla est à la fois lyrique et expressionniste. Ses paysages, généralement marins, plus des intuitions que des représentations, sont d'une exquise légèreté, dansants, d'une matière très fine et ressentie comme une peinture murale. Les compositions de figures, en revanche, sont baroques, bigarrées, avec une forte charge érotique et un univers de grotesque, bien sûr délibéré. Il s'appuie sur un dessin d'une grande fluidité, qui lui permet des complexités surprenantes, avec des échappées vers l'onirique. Des êtres imaginaires, inspirés des mythologies précolombiennes, peuplent des espaces idéaux et sont comme des transnations dans lesquelles le Galicien rêveur et évocateur que Solla porte en lui depuis son enfance, en regardant l'estuaire de Pontevedra, est enfin présent. C'est un aquarelliste consommé, d'un graphisme direct dans la tache, capable de créer des mondes idéaux dans lesquels il y a des oiseaux totémiques et des êtres ailés qui errent dans des espaces suggérés par une imagination débordante. Un peintre multiforme, incomparable, séduisant, d'un travail très bien fait, parce qu'il sait contenir le torrent de son imagination pour l'installer dans des zones différentes, où le grotesque s'humanise et l'humain déborde dans des mythologies imprévisibles.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 14 - MARCELLO TROTTER (Italie, 1977). "Ange noir", 2008. Technique mixte sur toile. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 162 x 120 cm. Dans cette œuvre, l'auteur utilise un langage abstrait, basé sur une géométrie irrégulière, avec un caractère organique à la fois dans ses contours et dans ses couleurs. Il s'agit d'un style ouvert, dont la caractéristique fondamentale est la conception de la surface picturale dans son ensemble, comme un champ ouvert, sans limites et sans hiérarchie. Ainsi, comme nous le voyons ici, les formes picturales sont le résultat d'une composition et d'une expérimentation réfléchies, avec une image de nature gestuelle, qui ne se limite pas à une composition mais la dépasse, indiquant au spectateur qu'il s'agit de formes, d'idées ou de suggestions qui dépassent les frontières du purement pictural.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

Lot 15 - PAT ANDREA (La Haye, Pays-Bas, 1942). "Lesbos". Fusain et crayons de couleur sur papier. Signé dans la marge inférieure. Dimensions : 48 x 39 cm ; 82,5 x 72,5 cm (cadre). Fils d'un artiste plasticien et d'une illustratrice, Pat Andrea a été formé à l'Académie royale des beaux-arts de La Haye. Avec les artistes Walter Nobbe et Peter Blokhuis, il a formé le groupe ABN, qui est devenu l'école de La Nouvelle Haye. En 1976, après sa première exposition à Paris, il se rend en Amérique latine, où il modifie considérablement sa manière de travailler, commençant à développer les compositions figuratives que nous connaissons, d'une force et d'une tension formelle supérieures à celles de ses œuvres précédentes. En 1977, Jean Clair l'invite à participer à l'exposition intitulée "Nouvelle subjectivité", qui a lieu au Festival d'automne à Paris. Il sera désormais connu comme un représentant de ce courant artistique qui s'inspire de la nouvelle figuration, du second expressionnisme allemand ou du surréalisme. Pat développe une œuvre dans laquelle il capte les horreurs et les phobies de la guerre entre le sexe masculin et le sexe féminin, mettant en scène des personnages ayant perdu leur équilibre psychologique et partagés entre tendresse et violence, le tout à travers un expressionnisme grotesque où prévalent les formes synthétiques et les aplats de couleurs. Entre 1983 et 1989, il combine ses séjours à Buenos Aires avec des périodes en Europe, notamment dans les villes de La Haye et de Paris. Dans les années 90, il expose à la galerie Balducci-Daverio à New York et, en 1998, il est nommé professeur à l'École nationale des beaux-arts de Paris, où il vit depuis avec sa famille.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 16 - RAMÓN HERREROS (Barcelone, 1947). "El lugar de la feliz llegada 2", 2007. Technique mixte sur toile. Signée, titrée et datée au dos. Dimensions : 150 x 150 cm. Cette œuvre est un pari, une provocation, pourtant, la femme, le nu, a été l'un des motifs traditionnels de la peinture classique. Il faudrait donc s'interroger sur les raisons qui ont poussé Herreros à revenir à ce thème. Ce tableau de Ramón Herreros est l'image du désir, une lueur à l'horizon qu'aucun geste ne saisit et qu'aucun mot ne définit. Ramón Herreros a étudié à l'école Massana de Barcelone, au Cercle de Sant Lluc et à l'Académie Tàrrega. Il a également fait partie de la première promotion de l'école de design EINA. En 1967, il forme Equip A avec Tornabell, Jubany et Morera, avec lesquels il travaille jusqu'au début des années soixante-dix. En 1982, il réalise sa première exposition personnelle à la galerie Ciento de Barcelone, où il continue d'exposer régulièrement. Depuis, il a présenté son travail à Madrid, Paris, Fribourg et dans d'autres villes européennes. En 1997, une grande exposition rétrospective lui a été consacrée au Palacio de Sobrellano, à Comillas. Il est actuellement représenté dans plusieurs musées et collections privées.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 17 - XAVIER CORBERÓ OLIVELLA (Barcelone, 1935). "Ocell. 1998 Marbre et pierre. Dimensions : 25 x 65 x 32 cm. Peintre et sculpteur descendant d'orfèvres, Xavier Corberó a été formé à l'école Massana de Barcelone, dont l'un des fondateurs avait été son père. Après une période d'études en Angleterre, où il suit les cours de la Central School of Arts and Crafts de Londres entre 1955 et 1959, il s'installe à New York. C'est dans cette ville américaine qu'il entre en contact avec les milieux surréalistes. Avant son voyage, il participe à la Biennale hispano-américaine de 1955 et, en 1959, il présente une exposition personnelle à Lausanne (Suisse), où il passe une période clé pour sa formation en travaillant à la fonderie Médicis. Pendant ses années d'études, il se familiarise avec le travail de Pablo Gargallo et d'Henry Moore, dont les œuvres ont grandement influencé la formation de son langage personnel. En 1963, il organise sa première exposition personnelle à Munich, où il reçoit la médaille d'or bavaroise. Il retourne en Espagne au milieu des années soixante et commence à travailler en 1970 à Esplugues de Llobregat, où il fonde en 1972 le Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas de Cataluña (Centre d'activités et de recherches artistiques de Catalogne). Actuellement, il alterne ses activités de sculpteur et de peintre avec celles de créateur de bijoux et de décorateur d'intérieur. Corberó a participé à plusieurs expositions collectives européennes et aux Salones de Mayo de Barcelone, où il a reçu les prix Manolo Hugué (1960) et Ramon Rogent (1961). Il a également exposé en Allemagne, aux États-Unis et au Japon. Entre 1966 et 1968, il a publié une série d'eaux-fortes et de lithographies. Au début des années 90, il a joué un rôle important en tant que conseiller du conseil municipal de Barcelone dans la sélection des œuvres d'artistes de renommée internationale à placer dans les rues et sur les places de la ville en vue des Jeux olympiques de 1992. Il a également été choisi pour dessiner les médailles olympiques. Cette même année 1992, la Generalitat de Catalunya lui a décerné la Croix de Sant Jordi. Corberó est représenté au MoMA de New York, au Stedelijk d'Amsterdam et au Victoria & Albert de Londres, entre autres collections importantes.

Estim. 1 600 - 1 800 EUR

Lot 18 - XAVIER CORBERÓ OLIVELLA (Barcelone, 1935). Sans titre. 1998 Marbre et pierre. Dimensions : 53 x 57 x 26 cm. Peintre et sculpteur descendant d'orfèvres, Xavier Corberó a été formé à l'école Massana de Barcelone, dont l'un des fondateurs avait été son père. Après une période d'études en Angleterre, où il suit les cours de la Central School of Arts and Crafts de Londres entre 1955 et 1959, il s'installe à New York. C'est dans cette ville américaine qu'il entre en contact avec les milieux surréalistes. Avant son voyage, il participe à la Biennale hispano-américaine de 1955 et, en 1959, il présente une exposition personnelle à Lausanne (Suisse), où il passe une période clé pour sa formation en travaillant à la fonderie Médicis. Pendant ses années d'études, il se familiarise avec le travail de Pablo Gargallo et d'Henry Moore, dont les œuvres ont grandement influencé la formation de son langage personnel. En 1963, il organise sa première exposition personnelle à Munich, où il reçoit la médaille d'or bavaroise. Il retourne en Espagne au milieu des années soixante et commence à travailler en 1970 à Esplugues de Llobregat, où il fonde en 1972 le Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas de Cataluña (Centre d'activités et de recherches artistiques de Catalogne). Actuellement, il alterne ses activités de sculpteur et de peintre avec celles de créateur de bijoux et de décorateur d'intérieur. Corberó a participé à plusieurs expositions collectives européennes et aux Salones de Mayo de Barcelone, où il a reçu les prix Manolo Hugué (1960) et Ramon Rogent (1961). Il a également exposé en Allemagne, aux États-Unis et au Japon. Entre 1966 et 1968, il a publié une série d'eaux-fortes et de lithographies. Au début des années 90, il a joué un rôle important en tant que conseiller du conseil municipal de Barcelone dans la sélection des œuvres d'artistes de renommée internationale à placer dans les rues et sur les places de la ville en vue des Jeux olympiques de 1992. Il a également été choisi pour dessiner les médailles olympiques. Cette même année 1992, la Generalitat de Catalunya lui a décerné la Croix de Sant Jordi. Corberó est représenté au MoMA de New York, au Stedelijk d'Amsterdam et au Victoria & Albert de Londres, entre autres collections importantes.

Estim. 1 600 - 1 800 EUR

Lot 19 - MANUEL SOLÀ MORENO (Barcelone, 1950). Sans titre. Sculpture en fer forgé et corde. Signé. Dimensions : 150 x 120 x 21 cm. Manuel Solà a été formé à l'école de La Lonja de Barcelone et, immédiatement après avoir terminé ses études, il a reçu le Xe prix de la jeune peinture de la salle Parés de Barcelone (1968). Il fait ses débuts individuels l'année suivante, avec deux expositions de peintures et de dessins au musée municipal de Mataró et à l'Ateneo Barcelonés. À cette époque, il reçoit la médaille d'argent au concours de peinture "El Correo Catalán" (1971). Il continue à exposer ses œuvres en Catalogne et, en 1976, il participe pour la première fois à une exposition collective à l'étranger, dans la ville française de Toulouse. La même année, il entre à l'Institut del Teatre de Barcelona pour approfondir sa formation. À partir des années 90, il participera à des expositions collectives hors d'Espagne et à des biennales comme celle d'Alexandrie, où il obtiendra le prix du jury (1999). Progressivement, il abandonnera la peinture et optera pour le langage sculptural, domaine dans lequel il réalisera plusieurs œuvres monumentales dans différentes régions d'Espagne. Il est représenté dans le Col-lecció Testimoni de La Caixa, parmi d'autres importantes collections d'art.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 20 - MANUEL SOLÀ MORENO (Barcelone, 1950). "Caixa d'estels". 1997. Sculpture en fer forgé, peinture, corde et bronze. Dimensions : 54 x 38 x 14 cm. Manuel Solà a été formé à l'école de La Lonja de Barcelone et, immédiatement après avoir terminé ses études, il a reçu le Xe prix de la jeune peinture de la salle Parés de Barcelone (1968). Il fait ses débuts individuels l'année suivante, avec deux expositions de peintures et de dessins au musée municipal de Mataró et à l'Ateneo Barcelonés. À cette époque, il reçoit la médaille d'argent au concours de peinture "El Correo Catalán" (1971). Il continue à exposer ses œuvres en Catalogne et, en 1976, il participe pour la première fois à une exposition collective à l'étranger, dans la ville française de Toulouse. La même année, il entre à l'Institut del Teatre de Barcelona pour approfondir sa formation. À partir des années 90, il participera à des expositions collectives hors d'Espagne et à des biennales comme celle d'Alexandrie, où il obtiendra le prix du jury (1999). Progressivement, il abandonnera la peinture et optera pour le langage sculptural, domaine dans lequel il réalisera plusieurs œuvres monumentales dans différentes régions d'Espagne. Il est représenté dans le Col-lecció Testimoni de La Caixa, parmi d'autres importantes collections d'art.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 21 - MICHAEL BEVILACQUA (USA, 1966). Sans titre.2008. Technique mixte sur carton. Signé au dos. Dimensions : 120 x 88 cm ; 137 x 105,5 cm (cadre). Bevilacqua vit et travaille à New York. Il a étudié à la Long Beach State University, au Santa Barbara City College et au Cambridge College of Art and Technology au Royaume-Uni. Le style de Bevilacqua est influencé par les peintures pop et color field. Il est connu pour combiner des cultures hautes et basses à travers des éléments de peinture, de dessin, de conception graphique, d'animation et de collage, tout en travaillant avec une palette saturée, couvrant ses toiles lustrées de logos et de gribouillis. Ses techniques mixtes servent de plateforme pour exposer ses préférences culturelles, telles que ses groupes, marques de vêtements et voitures de course préférés. Il a participé à de nombreuses expositions internationales, notamment des expositions personnelles à Pékin, Copenhague, Milan, Tokyo, Madrid, Paris, Barcelone et New York, ainsi que des expositions collectives au Palais de Tokyo, à Paris, à la Deste Foundation, à Athènes, au Phoenix Art Museum, à Phoenix, et au Aldrich Museum of Contemporary Art, à Ridgefield. Ses œuvres font partie de nombreuses collections, notamment la Mitsuni Collection, Tokyo, le San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, la Deste Foundation, Athènes, le Astrup Fearnley Museum, Oslo, le Whitney Museum of American Art, New York, et le Dallas Museum of Art, Dallas.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 22 - SONIA MENNA BARRETO (Sao Paulo, Brésil, 1953). "Ballon", 2023. Bronze polychrome. Exemplaire 2/50. Certificat d'authenticité joint. Signé et justifié. Dimensions : 21 x 18 cm ; 5 x 17 x 7 cm (bateau). Cette sculpture est présentée par l'artiste comme un jeu naïf, puisqu'un bateau est suspendu à un ballon. Malgré son aspect ludique et candide, l'œuvre éveille des valeurs plus profondes liées à l'enfance, à l'innocence et à l'apesanteur. Dans ses œuvres, il définit un espace peuplé d'une multitude de figures anthropo et zoomorphes, entourées d'objets quotidiens, sans respecter les principes les plus élémentaires de la perspective. Il en résulte des idéo-univers qui engloutissent le spectateur. En 1980, Sônia Menna Barreto commence à fréquenter l'atelier de l'artiste Luiz Portinari, frère de Cândido Portinari, au Centre artistique Cândido Portinari. C'est à cette époque qu'elle fait connaissance avec la vie artistique. Au contact des œuvres de Max Ernst, De Chirico, Magritte et Paul Delvaux, le travail de Sonia s'oriente vers le surréalisme. Cette phase a été décisive pour sa carrière, car elle a commencé à développer son côté intime et créatif, en résolvant elle-même les problèmes techniques et thématiques sans la supervision de professeurs. En octobre 2002, pour la première fois, une œuvre brésilienne est entrée dans la collection royale, appartenant à la famille royale britannique.

Estim. 1 600 - 1 800 EUR

Lot 23 - IRATXE ARTETA (Madrid, 1976). "Saphir", 2024. Huile sur toile. Certificat d'authenticité joint, délivré par l'artiste. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 100 x 100 cm ; 105 x 105 cm (cadre). Un coup de pinceau doux et vaporeux définit cette image conceptuelle, rappelant la qualité atmosphérique capturée par le maître Zóbel. L'auteur conserve une certaine vibration dans le trait, qui dénote la transmutation d'une réalité changeante, immergée dans une atmosphère tout à fait personnelle, qui se distingue par son lyrisme et son esthétique poétique sous la forme d'une synesthésie artistique. Iratxe Arteta a commencé sa carrière professionnelle en tant qu'illustratrice et peintre réaliste, mais c'est l'art abstrait qui lui a permis de transmettre la profondeur de son art et de son âme. C'est une artiste polyvalente et persévérante qui crée des œuvres d'une grande qualité artistique et d'une grande harmonie. Arteta est issue d'une famille de grands peintres tels que Félix Arteta et Aurelio Arteta, lauréat du prix national de peinture ; certaines de ses œuvres peuvent être admirées au musée Reina Sofía et au musée des beaux-arts de Bilbao. Dans ses expositions, vous pourrez admirer des œuvres qui reflètent l'amour d'Iratxe pour la peinture abstraite et la nature, avec des pièces subtiles, délicates et élégantes, parfois texturées, dans lesquelles la lumière joue un rôle important. Un certificat d'authenticité délivré par l'artiste est joint.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 24 - CARMEN CALVO (Valence, 1950). "C'était une mer intérieure où elle se terminait", 2004. Technique mixte et collage sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 76 x 56 cm ; 94 x 74 cm (cadre). Le caractère transgressif et en même temps plein d'une grande charge poétique de Carmen Calvo peut être apprécié dans chacune de ses œuvres qui renvoient à l'image d'ordre et d'accumulation associée à l'artiste. L'une des passions de l'artiste Carmen Calvo est de flâner dans les marchés aux puces et de feuilleter de vieux albums à la recherche de vieilles photographies pour intervenir, offrant ainsi une vision renouvelée des anciens clichés anonymes pris dans le passé. Des personnages inconnus, souvent dans des photographies de groupe, transforment leur identité par l'inclusion de masques et d'autres éléments surréalistes. Carmen Calvo a étudié à l'école des arts et métiers et à l'école des beaux-arts de Valence et a obtenu un diplôme en publicité en 1970. Elle élargit ensuite sa formation grâce à des bourses du ministère de la culture (1980), de la Casa de Velázquez à Madrid (1983-85) et du ministère des affaires étrangères pour sa résidence à Paris (1985-92). Au cours de ces années, Calvo a commencé à être reconnue, recevant des distinctions telles que le premier prix de peinture LaSalle Seiko de Barcelone (1985), le prix Alfons Roig de la Diputación Valenciana (1989), une bourse pour la première biennale Martínez Guerricabeitia de l'université de Valence (1989) et la sélection pour la XLVIIe biennale de Venise (1997). L'artiste a commencé à exposer en 1969, en participant à une exposition collective organisée au Círculo Universitario de Valencia. Elle a fait ses débuts individuels en 1976 à la galerie Temps de sa ville natale et, depuis lors, elle a exposé ses œuvres individuellement dans diverses villes d'Espagne et des États-Unis, ainsi que dans d'autres pays d'Europe, d'Amérique et d'Afrique. Les œuvres de Carmen Calvo se trouvent actuellement dans des institutions artistiques, des musées et des collections privées du monde entier, notamment au musée Guggenheim de New York, au Reina Sofia de Madrid, au Marugame Hirai de Kobe, au MACBA de Barcelone, au Fonds national d'art contemporain de Paris, à l'IVAM de Valence, à la collection de la Chase Manhattan Bank de New York, etc.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 25 - URBANO LUGRÍS VADILLO (Vigo, 1942-2018). "Vue de La Corogne". Huile sur carton. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 65 x 43 cm ; 70 x 50 cm (cadre). Urbano Lugris a commencé sa formation artistique sous l'influence de Nacho Viéitez, un homme dont l'objectif était d'encourager la pratique de la peinture dans les nouvelles générations. Il abandonne ses études de mercantiliste à La Corogne pour s'installer à Madrid en 1930, où il rejoint les Missions pédagogiques, avec lesquelles il parcourt plusieurs villes espagnoles en concevant des costumes et des décors pour le théâtre La Barraca. Pendant cette période, il rencontre Federico García Lorca et Rafael Alberti. Pendant la guerre civile, il participe en tant que volontaire à l'armée républicaine et part pour le front des Asturies. Après la fin de la guerre, en 1954, il fonde à La Corogne, avec ses amis Mariano Tudela et José Mª de Labra, la revue Atlántida, à laquelle il participe activement en écrivant des articles et des poèmes, en réalisant de nombreuses illustrations et en concevant la couverture. En 1965, il s'installe à Vigo, où il meurt le 23 décembre 1973. En 1997, la plus grande exposition consacrée à Urbano Lugrís, organisée par Rosario Sarmiento et Antón Patiño, s'est tenue au Círculo de Bellas Artes de Madrid et à l'Auditorio de Galicia de Santiago de Compostela. À l'occasion de cette exposition, un important livre-catalogue de l'exposition a été publié, ainsi qu'un fac-similé de la revue Atlántida. En 2007, le livre d'Antón Patiño Urbano Lugrís, "Viaje al corazón del océano" (Voyage au cœur de l'océan) a été publié. Lugrís était un peintre presque autodidacte dont l'œuvre picturale reflète une prédilection pour les thèmes marins, dépeints dans une atmosphère de caractère onirique et idéalisé. Ses tableaux sont presque toujours peints sur carton, dans des formats petits et moyens. Il a été influencé par son parrain, l'écrivain Francisco Tettamancy y Gastón, et par les concepts de la peinture métaphysique italienne, en particulier Carrá et Chirico, et du surréalisme français, les peintures de Tanguy et Magritte.

Estim. 2 400 - 3 200 EUR

Lot 26 - SOLEDAD PENALTA (Noia, La Corogne, 1943). "Torche. Le fer. Pièce unique. Signé. Dimensions : 194 cm (hauteur). Pièce sculpturale dont la partie supérieure est enflammée, à l'image d'une torche. Soledad Penalta est une sculptrice galicienne qui a une longue carrière d'exposition et de formation. Elle a commencé à l'école des métiers artistiques de La Corogne, qu'elle a complétée jusqu'en 1980 par des ateliers de sculpture céramique, de majolique et de grès à Barcelone, Gérone, Sargadelos (Lugo) ou Alicante, et par des cours au château de Soutomaior/Pontevedra et à Faenza/Italie, avec Emidio Galasi, au cours des dix années qui ont suivi. Dans son parcours plastique, l'apprentissage est une devise, jusqu'à ce qu'il trouve son expression la plus personnelle, en passant par des céramiques polychromes de dimensions notables sur des châssis métalliques, avec lesquelles il obtient ses premiers prix. C'est son expression toujours conceptuelle, pour montrer, déjà avec le fer et l'acier découpés, des allusions réalistes dans la sculpture monumentale et de taille moyenne, depuis les premières expositions à Noia, 1981, et celles qui ont suivi à La Corogne, Ateneo de Ourense, et Ferrol. Le déménagement de la famille dans le Minnesota (États-Unis), dans les années 1989-1991, a été un changement décisif. L'artiste a travaillé au Studio Art de l'université avec Wayne Potratz, Nick Legeros, Roger Junk et Andy Richars, et est revenu l'année suivante avec une bourse d'études pour poursuivre sa formation. Après avoir épuisé la voie de la céramique, elle se concentre sur le fer comme élément plastique préféré, un matériau avec lequel elle a défini son caractère, ce qui lui a valu le respect de la guilde. Les gardiens du parc de sculptures de la Tour d'Hercule (La Corogne) et l'œuvre de Praia Ladeira, Baiona, tous deux en acier cor-ten speak, un acier qui se plie ou s'étend suffisamment pour montrer des formes iconiques suggestives, comme on peut le voir à Malaga, La Corogne, Vigo, dans l'exposition itinérante de la Fondation CaixaGalicia dans les capitales galiciennes, les expositions collectives au Minnesota et les hommages (Fernando Mon, Laureano Álvarez) et les prix (Isaac Díz Pardo), participant avec une œuvre monumentale à "Galicia Terra Única", A Coruña, 1997.

Estim. 2 500 - 2 700 EUR

Lot 27 - TAKASHI MURAKAMI (Tokyo, 1962). "Fleurs, multivers. 2023. Sérigraphie, exemplaire 111/300. Signé et justifié. Dimensions : 71 cm de diamètre. Les compositions florales de Takashi Murakami sont devenues des icônes dans le monde de l'art contemporain. Inspirées simultanément par des éléments de l'art japonais traditionnel et de la culture pop occidentale, elles nous plongent dans des univers parallèles vibrants et ludiques ("mutliverses"). Takashi Murakami, l'un des artistes les plus influents de la génération japonaise de l'après-guerre, a suivi une formation à l'Université nationale des beaux-arts et de la musique de Tokyo, où il a obtenu un diplôme en Nihonga (peinture japonaise traditionnelle). En 1990, il est initié à l'art contemporain par son partenaire et ami Masato Nakamura et, en 1993, il crée son alter ego Mr. Il commence alors à être reconnu à l'intérieur et à l'extérieur du Japon pour sa synthèse particulière de l'art traditionnel japonais, des tendances contemporaines de son pays (anime, manga, etc.) et de la culture américaine, principalement la culture pop. Dans son œuvre, Murakami transmet une vision critique de la société japonaise actuelle, de l'héritage de la tradition culturelle du pays, de son évolution après la Seconde Guerre mondiale et de sa relation avec le monde occidental, en particulier avec les États-Unis. Sa trilogie d'expositions "Superflat" (2000, 2002 et 2005) a été présentée dans les plus grands centres d'art du monde, tels que la Parco Gallery à Tokyo, le MOCA à Los Angeles, la Fondation Cartier à Paris et la Serpentine Gallery à Londres. Entre 2008 et 2009, il a également fait l'objet d'expositions rétrospectives au MOCA, au Brooklyn Museum de New York, au Museum für Moderne Kunst de Francfort et au Guggenheim de Bilbao. Murakami est actuellement représenté dans les plus grands musées du monde, dont le MoMA de New York, le Museum of Fine Arts de Boston et bien d'autres.

Estim. 3 200 - 4 000 EUR

Lot 28 - CARLOS CRUZ DÍEZ (Caracas, 1923-2019). Sans titre, 1992, de la suite Olympic Centennial. Sérigraphie sur papier Vélin d'Arches 270 grammes, exemplaire 171/250. Signé, daté et justifié à la main. Dimensions : 63 x 90 cm. L'artiste franco-vénézuélien Carlos Cruz-Diez vit et travaille à Paris depuis 1960. Il est l'un des protagonistes les plus importants de l'art optique et cinétique, un courant artistique qui revendique "la conscience de l'instabilité du réel". Ses recherches le révèlent comme l'un des penseurs de la couleur au XXe siècle. Le discours plastique de Carlos Cruz-Diez gravite autour du phénomène chromatique conçu comme une réalité autonome qui évolue dans l'espace et le temps, sans l'aide d'une forme ou d'un support, dans un présent continu. Les œuvres de Carlos Cruz-Diez font partie de collections permanentes prestigieuses telles que celles du Museum of Modern Art (MoMA) de New York, de la Tate Modern de Londres, du Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, du Centre Pompidou de Paris, du Museum of Fine Arts de Houston et du Wallraf-Richartz Museum de Cologne, entre autres. La Suite olympique est composée de 50 lithographies et sérigraphies choisies pour représenter diverses tendances artistiques contemporaines. Elle a été publiée pour commémorer le premier centenaire de l'olympisme moderne. Les artistes choisis se définissent par divers mouvements et courants picturaux, depuis le conceptualisme et le minimalisme de "Ben" Vautier, l'abstraction lyrique de Yasse Tabuchi, la peinture d'Oleg Tselkov qui se concentre sur la figure humaine, intensément expressive et traitée avec des formes fortes et des couleurs intenses qui cherchent à refléter les conflits et la violence de son époque, et enfin l'œuvre d'André Arabis, clairement abstraite et géométrique.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 29 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelone, 1931 - 2005). Sans titre, 1989. Encre sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 45 x 33 cm ; 57 x 45 cm (cadre). Joan Hernández Pijuan commence sa formation à Barcelone, en fréquentant les écoles de la Lonja et des Beaux-Arts de Sant Jordi, pour la compléter ensuite à l'école des Beaux-Arts de Paris. Nommé professeur à la faculté des beaux-arts de Barcelone en 1981, Hernández Pijuan occupe une position unique parmi les artistes espagnols des dernières décennies. Il a commencé sa carrière en pratiquant un expressionnisme tragique à forte charge sociale et a formé à cette époque, avec les autres membres du groupe Sílex, ce que l'on appelle l'école de Barcelone. Dans les années soixante-dix, il simplifie son expression jusqu'à adopter une figuration géométrique et calculée, un style qu'il abandonne au cours de la décennie suivante pour se concentrer sur l'informalisme. Son activité d'exposition a été aussi vaste et diversifiée que sa propre création artistique. De son vivant, il a exposé individuellement dans plusieurs villes espagnoles ainsi qu'à Zurich, Milan, Johannesburg, Cologne, Genève, New York, Paris et Osaka, entre autres villes du monde. En 2003, une grande rétrospective lui a été consacrée au MACBA de Barcelone, qui a ensuite été présentée au Musée d'art et d'histoire de Neuchâtel (France), à la Konsthalle de Malmö (Suède) et à la Galleria Comunale d'Arte Moderna de Bologne (Italie). Hernández Pijuan a été doyen de la faculté des beaux-arts de l'université de Barcelone et, en 2000, il a été nommé membre de l'Académie royale de San Fernando à Madrid. En 1981, il a reçu le prix national des arts plastiques, en 1985 la croix de Sant Jordi et en 2004 le prix de la ville de Barcelone. Il a également reçu le prix de la direction générale des beaux-arts à l'exposition nationale d'Alicante en 1957, le premier prix de peinture "Peintres résidents" à Paris (1958), le prix "Malibor" à la biennale de gravure de Ljubljana (1965), la biennale internationale de gravure de Cracovie (1966) et le prix de la rédaction "Vijesnik u Srijedu" à Zagreb (1970). Hernández Pijuan est représenté au MACBA, au Musée espagnol d'art abstrait de Cuenca, au Musée Reina Sofía de Madrid, au Musée Patio Herreriano de Valladolid et au Musée basque d'art contemporain, ainsi que dans des centres étrangers tels que le Musée Guggenheim de New York, le Liaunig (Autriche), Le Musée d'Art Contemporain d'Helsinki et de Luxembourg, la Kulturstiftung de Bad Homburg (Autriche), la Yamaguchi Gallery d'Osaka (Japon), le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, la Galerie Nationale de Montréal, le Musée d'Art Moderne de Buenos Aires et le Musée Sztuki de Lodz (Pologne).

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 30 - PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Picador", 1952. Céramique émaillée avec oxyde noir et émail blanc. Édition de 500 exemplaires. Présente une inscription. "Édition Picasso". Cachets de Picasso et de Modoura sur le socle. Dimensions : 15,3 cm (diamètre). À partir de 1947, lorsque l'artiste réalise une grande production d'œuvres en céramique dans l'usine Madoura de Vallauris, dans le sud de la France, il se consacre exclusivement à cette technique pendant toute une décennie. En 1952, l'année où cette pièce a été conçue, Picasso a rencontré Jacqueline Roque, qui commençait à travailler dans le magasin de l'atelier de Modoura, marquant ainsi une nouvelle étape dans sa vie et son travail artistique. Créateur du cubisme avec Braque, Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "ElsQuatreGats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 31 - PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "La danse du Berger. 1959. Lithographie sur papier. Œuvre référencée dans : Christoph Czwiklitzer : "Pablo Picasso. Posters 1923-1973", Deutscher Taschenbuch Verlag, München 1981, nº 368. Signé et daté sur la plaque en haut à gauche. Dimensions : 59 x 41 cm ; 66 x 48 cm (cadre). Créateur du cubisme avec Braque, la peinture de Picasso a marqué un tournant dans l'histoire de l'art. Il commence ses études en 1895, à l'École provinciale des beaux-arts de Barcelone, et deux ans plus tard seulement, il présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Après plusieurs courts séjours à Paris, Picasso s'installe définitivement dans la capitale française en 1904. Après ses périodes bleue et rose, développées au début du siècle, le peintre commence ses expériences géométriques en 1906, lors d'un séjour à Lérida. Un an plus tard, il commence à peindre "Las señoritas de la calle Avinyó" et, en 1909, il entre en contact avec Braque et entame sa période cubiste. Au cours de la deuxième décennie, il développe sa période classique et crée ses célèbres décors pour les ballets russes de Diaghilev. En 1936, il est nommé directeur du musée du Prado par le gouvernement de la République espagnole et, un an plus tard, il peint "Guernica". La reconnaissance internationale définitive interviendra en 1939, à l'occasion de la rétrospective que lui consacre le MOMA de New York. Au cours des décennies suivantes, des expositions anthologiques lui seront consacrées dans le monde entier, à Rome, Milan, Paris, Cologne et New York, entre autres. Il est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 300 - 350 EUR

Lot 32 - "dEmo" ; ELADIO DE MORA (Mora, Toledo, 1960). "Rubber duck". Fibre de verre, polyester et résines. Signé sur la base. Dimensions : 50 x 40 x 40 cm. Sculpture ronde en forme de gros canard en caoutchouc. L'utilisation d'un objet quotidien, en augmentant considérablement sa taille et en l'élevant ainsi à la catégorie de l'art, rapproche le spectateur d'une esthétique kitsch très courante dans le pop art.L'un des grands représentants de l'art contemporain espagnol, Eladio de Mora a découvert sa vocation artistique dès l'enfance. Artiste fondamentalement autodidacte, son œuvre se situe entre le pop art et l'expressionnisme. Ses créations se caractérisent par des traits simplifiés et des couleurs pures, et sont réalisées dans des matériaux tels que le plastique, le polyester et certaines résines. Sous l'apparence presque enfantine de ses œuvres se cachent parfois des significations critiques ; il avoue rechercher un équilibre entre la rigueur et le sourire dans ses œuvres. Parmi ses œuvres les plus connues, on peut citer ses séries d'ours, de canards, de plongeurs et de ménines. En fait, ses sculptures sont souvent regroupées en familles, de sorte que la répétition renforce l'impact. De plus, la plupart de ses sculptures sont placées à l'extérieur, car Mora recherche avant tout une relation directe avec le public. Au début du XXIe siècle, il a commencé à se faire connaître par des expositions collectives et, en 2002, il a organisé ses premières expositions personnelles, tant en Espagne (galeries Azteca et Séller à Madrid, Espacio Líquido à Gijón) qu'à l'étranger (galerie Heyd à Hildritzhausen, en Allemagne). Depuis lors, il n'a cessé d'être présent sur la scène artistique, continuant à exposer individuellement, tout en participant à des foires d'art et à des expositions collectives. Ces dernières années, il a présenté ses œuvres dans le cadre d'expositions personnelles organisées dans des galeries et centres d'art espagnols et étrangers de premier plan, notamment la galerie Jorge Ontiveros à Madrid, la galerie Drissien à Munich, le musée Florencio de la Fuente à Valence, le musée d'art contemporain de Malaga, le centre d'art Juan Ismael à Madrid et le centre d'art Juan Ismael à Madrid, le Centro de Arte Juan Ismael à Fuerteventura, l'Espacio para el Arte Caja Madrid, l'Hotel Urban et le Centro de Arte Moderno également à Madrid, l'IVAM à Valence, le Museo MACAY à Mexico, la galerie Los Oficios et le Museo de Bellas Artes à La Havane, le Museo Arterra à Vienne et la Fundación Antonio Pérez à Cuenca. Il a également participé à d'importantes expositions collectives en Espagne, au Mexique, en Italie, au Portugal et en Allemagne. Il convient également de mentionner l'important travail de Mora en tant que créateur de trophées, notamment le "Women Together" à New York, le "Master Senior Comunidad de Madrid" ou les "Protagonistas del motor de El Mundo". Tout au long de sa carrière, il a reçu les prix "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) et "Aura" (Tolède, 2007), et a créé des monuments et des installations à Madrid, Logroño, La Havane, Vienne, Gijón, Málaga et Valence, entre autres. Mora est actuellement représenté à l'IVAM de Valence, au musée Arterra de Vienne, au musée d'art contemporain Domus Artium de Salamanque, au musée d'art verrier d'Alcorcón, au musée des beaux-arts de La Havane, au musée de l'œuvre graphique de San Clemente à Cuenca, à la fondation Antonio Pérez, à la fondation Antonio Saura, à la fondation Coca-Cola et au musée de l'art contemporain de la Havane, ainsi qu'à d'autres musées, la Fondation Coca-Cola et la Fondation Coca-Cola, les Fondations Antonio Saura et Coca-Cola, les conseils provinciaux de Cuenca et de Guadalajara, plusieurs conseils municipaux de Madrid et de Tolède, le département de la culture et du tourisme de la Communauté de Madrid, et la collection d'art contemporain de "El Mundo", parmi de nombreuses autres collections publiques et privées.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 33 - JAVIER AGUILERA (Vigo, 1968) "Il était une fois au Japon", 2008. Huile sur résine polychrome. Dimensions : 80 x 30 x 30 cm. Une femme orientale, entièrement nue à l'exception de ses bottes noires, porte deux sacs transparents contenant des produits de parfumerie. Ses cheveux ondulés et teints à l'occidentale, ainsi que sa lèvre opérée et ses seins anormalement gros pour une Japonaise, semblent nous parler des processus absurdes d'acculturation qui se produisent aujourd'hui en raison des caprices de la mode. Des absurdités que Javier Aguilera met en évidence dans ses sculptures hyperréalistes qui s'inspirent de la bande dessinée, de l'anime, du street art et, en général, de la vie dans la grande ville. Les sculptures de Javier Aguilera se distinguent au premier abord par leur virtuosité technique, mais elles contiennent un message beaucoup plus large qu'il n'y paraît. Utilisant le corps humain comme véhicule expressif et le symbolisme oriental contemporain, ses figures confrontent le spectateur au dilemme de la solitude. Une solitude qui, dans le contexte hyper-saturé d'aujourd'hui, se manifeste tantôt de manière dramatique, tantôt de manière ironique, en affichant ouvertement ses blessures. Des êtres battus, des anti-héros qui saignent, transpirent et mordent, nous interrogeant sur notre propre existence et notre rapport à l'autre.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 34 - JAVIER AGUILERA (Vigo, 1968) "Suicide girl", 2014. Résine polychrome. Pièce unique. Signée et datée sur la base. Dimensions : 20 x 15 x 9 cm. Les sculptures de Javier Aguilera se distinguent d'abord par leur virtuosité technique, mais elles renferment un message beaucoup plus large qu'elles ne le laissent paraître. Utilisant le corps humain comme véhicule expressif et le symbolisme oriental contemporain, ses figures confrontent le spectateur au dilemme de la solitude. Une solitude qui, dans le contexte hyper-saturé d'aujourd'hui, se manifeste tantôt de manière dramatique, tantôt de manière ironique, en affichant ouvertement ses blessures. Des êtres battus, des anti-héros qui saignent, transpirent et mordent, nous interrogeant sur notre propre existence et notre rapport à l'autre. La vie dans la grande ville, le street art, les animes, les jeux vidéo et les bandes dessinées jouent également un rôle fondamental dans la création de son univers particulier, un mélange d'influences qui confère à son imaginaire une énorme force narrative.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 35 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Fille au papillon". Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 55 x 65 cm, 76 x 87 cm (cadre). Connu sous son deuxième nom de famille ou sous le nom de "Ripo le bienheureux", Joan García Ripollés a découvert sa passion pour la peinture lorsque, très jeune et en pleine période d'après-guerre, il est entré dans un atelier de peinture industrielle. Dès lors, il se consacre à la peinture le soir, puis suit des cours de dessin au lycée Ribalta de Castellón. Après avoir fait ses débuts dans une exposition collective organisée en 1951 à la Caja de Ahorros de Castellón, sa carrière prend un tournant en 1954, à la suite d'un voyage à Paris où il établit des contacts avec les milieux artistiques de la ville. Cependant, il ne peut abandonner la peinture industrielle qu'en 1958, lorsqu'il entre à la galerie Drouand David à Paris, l'une des plus prestigieuses au monde. En 1962, il organise sa première grande exposition personnelle au MACBA et, en 1967, il se rend à New York, où il expose et vend l'ensemble de sa collection à The William Haber Art Collection. La même année, le marchand new-yorkais Leon Amiel, de la Larrouse Gallery, acquiert toutes ses œuvres, ce qui se reproduira lors de son voyage au Japon. À partir de ce moment, il entame une brillante carrière internationale qui l'a conduit dans le monde entier. Il a organisé des expositions personnelles non seulement en Espagne, à Paris et à New York, mais aussi au Mexique, en Hollande, en Belgique, en Italie, en Suisse, en Suède, dans plusieurs villes des États-Unis, en Allemagne et au Japon. Il est actuellement un artiste exclusif de The William Haber Art à New York et de la Galerie Drouand à Paris. En 2000, il a reçu le prix des arts de la Communauté valencienne. Ripollés se définit comme un "adulte immature" et, surtout, "insouciant, un peu espiègle et avec une certaine naïveté", des mots qui reflètent son esprit créatif exubérant, son caractère simple et extraverti et son âme d'enfant. Ripollés est aujourd'hui l'un des artistes espagnols les plus internationaux, mais aussi l'un des plus complets, puisqu'il a brillamment travaillé la peinture, la sculpture et la gravure. Il est représenté à l'IVAM, au MOMA de New York, au musée de l'université d'Alicante, au musée des beaux-arts de Séville et au MACBA.

Estim. 3 200 - 3 400 EUR

Lot 36 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Bull. Bronze. Exemplaire II/IV. Signé et numéroté sur la base. Dimensions : 30 x 66 x 22 cm. Connu sous son deuxième nom de famille ou sous le nom de "Ripo le bienheureux", Joan García Ripollés a découvert sa passion pour la peinture lorsque, très jeune et en pleine période d'après-guerre, il a commencé à travailler dans un atelier de peinture industrielle. Dès lors, il se consacre à la peinture le soir, puis suit des cours de dessin au lycée Ribalta de Castellón. Après avoir fait ses débuts dans une exposition collective organisée en 1951 à la Caja de Ahorros de Castellón, sa carrière prend un tournant en 1954, à la suite d'un voyage à Paris où il établit des contacts avec les milieux artistiques de la ville. Cependant, il ne peut abandonner la peinture industrielle qu'en 1958, lorsqu'il entre à la galerie Drouand David à Paris, l'une des plus prestigieuses au monde. En 1962, il organise sa première grande exposition personnelle au MACBA et, en 1967, il se rend à New York, où il expose et vend l'ensemble de sa collection à The William Haber Art Collection. La même année, le marchand new-yorkais Leon Amiel, de la Larrouse Gallery, acquiert toutes ses œuvres, ce qui se reproduira lors de son voyage au Japon. À partir de ce moment, il entame une brillante carrière internationale qui l'a conduit dans le monde entier. Il a organisé des expositions personnelles non seulement en Espagne, à Paris et à New York, mais aussi au Mexique, en Hollande, en Belgique, en Italie, en Suisse, en Suède, dans plusieurs villes des États-Unis, en Allemagne et au Japon. Il est actuellement un artiste exclusif de The William Haber Art à New York et de la Galerie Drouand à Paris. En 2000, il a reçu le prix des arts de la Communauté valencienne. Ripollés se définit comme un "adulte immature" et, surtout, "insouciant, un peu espiègle et avec une certaine naïveté", des mots qui reflètent son esprit créatif exubérant, son caractère simple et extraverti et son âme d'enfant. Ripollés est aujourd'hui l'un des artistes espagnols les plus internationaux, mais aussi l'un des plus complets, puisqu'il a brillamment travaillé la peinture, la sculpture et la gravure. Il est représenté à l'IVAM, au MOMA de New York, au musée de l'université d'Alicante, au musée des beaux-arts de Séville et au MACBA.

Estim. 3 200 - 3 400 EUR

Lot 37 - CRISTINA GARCÍA RODERO (Puertollano, Ciudad Real, 1949). "Sous la pluie, Géorgie" 1998. Photographie n/b, copie 5/7. Signée, titrée et datée au dos. Étiquette de la galerie Juana de Aizpuru. Dimensions : 53 x 81 cm ; 86,5 x 114 cm (cadre). Cristina García Rodero est membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando et la première personne de nationalité espagnole à rejoindre la prestigieuse agence Magnum. Elle est la première femme à être nommée docteur honoris causa à l'université de Castille-La Manche (14 novembre 2018). Elle a organisé de nombreuses expositions, en solo et en groupe, dans différents pays. Sa première exposition individuelle a eu lieu au Mexique sous le titre Fiestas Tradicionales en España. Son exposition intitulée España oculta (Espagne cachée) a été présentée dans de nombreux lieux : Museo de Arte Contemporáneo à Madrid, Encuentros fotográficos de Arlés, Carcassonne et Braga, Fotofest'90 à Houston, Photographers' Gallery à Londres, Diaframma à Milan, Photokina à Cologne, Zentrum fur Audiovisuelle Medien à Sttutgart, Münchner Stadtmuseum à Munich, Museo Álvarez Bravo à Oaxaca, Museo de Bellas Artes à Caracas et Médiathèque Centre Jean Renoir à Dieppe, entre autres.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 38 - MARK LAITA (Détroit, 1960). "County Fair Livestock Show Contestant, Sara Von Berger, Salina, Kansas, August 8, 2003 / Cajun Man with Alligator, Charles Olivier, Loreauville, Louisiana, 2003". Ed.2/6. Photographies N&B sur papier photographique montées sur aluminium. Signées, datées et titrées au dos. Dimensions 102 x 81 cm chacune. 116,5 x 179 cm (cadre). Mark Laita est un merveilleux photographe américain qui, après plusieurs années consacrées à la photographie commerciale, a présenté ces dernières années une série de livres avec son travail personnel. Parmi ceux-ci, j'ai sélectionné un échantillon de deux des plus intéressants : "Created Equal", de 2010, et "Serpentine", de cette année. Il a réalisé des travaux commerciaux primés pour des clients tels qu'Adidas, Apple et Mercedes-Benz. Le premier livre d'œuvres non commerciales de Laita, Created Equal, est le résultat d'un projet de huit ans à travers le pays, présentant des portraits 8×10 en noir et blanc d'Américains issus d'un large éventail de cultures, de professions et de milieux. Son travail a été exposé dans des galeries aux États-Unis et en Europe.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 39 - MARK LAITA (Détroit, 1960). "Policier/Hang", 2005/1999. Deux photographies numériques. Diptyque, éd. 1/3. Signée, titrée et datée au dos. Tampon au dos. Œuvre publiée. Dimensions : 145 x 116 cm ; 162 x 130 cm (cadre), chacun. Mark Laita est un merveilleux photographe américain qui, après plusieurs années consacrées à la photographie commerciale, a présenté ces dernières années une série de livres de son travail personnel. Parmi ceux-ci, j'ai sélectionné un échantillon de deux des plus intéressants : "Created Equal", de 2010, et "Serpentine", de cette année. Il a réalisé des travaux commerciaux primés pour des clients tels qu'Adidas, Apple et Mercedes-Benz. Le premier livre d'œuvres non commerciales de Laita, Created Equal, est le résultat d'un projet de huit ans à travers le pays, présentant des portraits 8×10 en noir et blanc d'Américains issus d'un large éventail de cultures, de professions et de milieux. Son travail a été exposé dans des galeries aux États-Unis et en Europe.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 40 - MARK LAITA (Détroit, 1960). "Jeune homme avec Boom Box, Billy Monroe", Venice, Californie, 26 avril 1999. "Sunbather, Joey Caveseno", Coney Island, New York, 3 août 2002. Photographies N&B sur papier photographique montées sur aluminium. Exemplaire nº 20. Dimensions : 50 x 40 cm (chaque) ; 65,5 x 96 cm (cadre). Mark Laita est un photographe américain qui, après plusieurs années consacrées à la photographie commerciale, a présenté ces dernières années une série de livres avec son travail personnel. Parmi ceux-ci, j'ai sélectionné un échantillon de deux des plus intéressants : "Created Equal", de 2010, et "Serpentine", de cette année. Il a réalisé des travaux commerciaux primés pour des clients tels qu'Adidas, Apple et Mercedes-Benz. Le premier livre d'œuvres non commerciales de Laita, Created Equal, est le résultat d'un projet de huit ans à travers le pays, présentant des portraits 8×10 en noir et blanc d'Américains issus d'un large éventail de cultures, de professions et de milieux. Son travail a été exposé dans des galeries aux États-Unis et en Europe.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 41 - LEOPOLDO NÓVOA GARCÍA (Pontevedra, 1919 - Paris, 2012) "Quadrangle en relief, 1992. Technique mixte sur toile. Le montage et l'encadrement ont été réalisés par l'auteur. Présente l'étiquette au dos de la galerie Alameda (Vigo). Signé dans le coin inférieur droit. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 61 x 82 cm ; 63 x 83 cm (cadre). Dans cette œuvre, l'auteur utilise un langage abstrait, basé sur une géométrie irrégulière, avec un caractère organique à la fois dans sa disposition et dans ses couleurs. Il s'agit d'un style ouvert, dont la caractéristique fondamentale est la conception de la surface picturale dans son ensemble, comme un champ ouvert, sans limites et sans hiérarchie. Ainsi, comme nous le voyons ici, les formes picturales sont le résultat d'une composition et d'une expérimentation réfléchies, avec une image à caractère gestuel, ne se limitent pas à une composition mais vont au-delà, indiquant au spectateur qu'il s'agit de formes, d'idées ou de suggestions qui dépassent les limites du purement pictural. Peintre et sculpteur de mère galicienne et de père uruguayen, Leopoldo Nóvoa émigre en Uruguay en 1938, où il se lie avec Joaquín Torres García. Installé à Montevideo, où il fonde la revue culturelle "Apex", il est également un grand ami de Jorge Oteiza et, une fois installé à Buenos Aires (1948-1957), de Lucio Fontana, qui exerce une influence notable sur son œuvre. Il quitte finalement l'Amérique en 1965 pour s'installer à Paris avec Michel Tapié, qui avait été impressionné par sa peinture murale du stade Luis Tróccoli à Montevideo. À Paris, il rencontre Julio Cortázar, qui écrit une histoire sur son travail. Il fonde également, avec d'autres peintres uruguayens et argentins de renom, l'Espacio Latinoamericano. Cependant, sa première exposition n'a lieu qu'en 1964. Elle a lieu dans la galerie d'Edouard Loeb, avec qui il collaborera pendant de nombreuses années. Son œuvre, qui va du dessin à la peinture en passant par la peinture murale et la pyrogravure, évoque de manière abstraite ses souvenirs de Galice, avec un langage qui fait référence à l'expressionnisme abstrait et à l'informalisme. Nóvoa a reçu des prix tels que la médaille Castelao (1993), le prix de la ville de Pontevedra (1997) et le Premio da Crítica Galicia (2002). Il est actuellement représenté dans les collections Abanca et Caixanova, entre autres.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 42 - ROGELIO PUENTE (Cuba, 1936-1996). Intérieur depuis la fenêtre. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 37 x 55 cm ; 53 x 70 cm (cadre) : 37 x 55 cm ; 53 x 70 cm (cadre). Dans un magistral jeu de reflets, Rogelio Puente fait preuve d'une habile et intelligente superposition de réalités et de projections. À travers la vitre, nous voyons une étagère avec des pièces de porcelaine et d'autres objets provenant de l'intérieur d'un magasin d'antiquités, des tableaux adossés à une sculpture d'un torchero angelote jouant entre le réel et le représenté, tandis que les façades des bâtiments adjacents nous font douter qu'elles se reflètent sur la lune de verre ou qu'elles se trouvent en fait sur le même trottoir. En outre, parallèlement à cette aventure néo-baroque ludique, Puente décrit chaque détail, chaque qualité tactile, avec un empressement précieux, en mettant à profit ses compétences en matière de dessin, de glacis et de traitement des matériaux. Rogelio Puente Díaz de la Rocha est né à La Havane dans une riche famille espagnole installée à Cuba. Sa formation académique impeccable s'est déroulée dans ce pays des Caraïbes, au Canada et aux États-Unis. À l'âge de quatorze ans, il s'installe définitivement en Espagne avec sa famille, à La Corogne, où il poursuit ses études. Il a étudié le droit à Saint-Jacques-de-Compostelle et a ensuite terminé ses études en Angleterre. Il s'installe ensuite à Madrid et c'est là, en se délectant des chefs-d'œuvre que le musée du Prado lui dévoile, que ses intérêts artistiques s'affirment et qu'il commence à réfléchir sérieusement aux solutions plastiques que requièrent ses propositions picturales. Il voyage en Italie et en France à la recherche de nouvelles références artistiques, tant classiques que contemporaines. Il étudie les deux premières années d'architecture et, plus tard, les quatre années d'arts décoratifs. À partir de 1976, il entame une carrière fructueuse d'expositions et de prix artistiques, en commençant par sa participation à la Biennale de Pontevedra, qui a lieu la même année. Il collabore à l'exposition nationale de peinture de Bilbao et au Circulo de Bellas Artes de Madrid. Il a exposé dans diverses galeries en Galice et dans différents pays d'Amérique comme le Brésil, le Mexique, la République dominicaine et l'Argentine, ainsi qu'en France et à New York.Rogelio Puente est un évocateur d'atmosphères et un magnifique portraitiste. Doté d'une personnalité sereine et solide, il a fidèlement et dignement maintenu une ligne réaliste, tout en sachant qu'il vivait à l'époque de l'éveil de la peinture galicienne aux innovations formelles et à un art plus conceptuel et engagé.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 43 - CARLOS MENSA CORCHETE, (Barcelone, 1936-1982). "Portrait de femme, 1972. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Avec les étiquettes de Sala Pelaires (Palma de Mallorca) et Galería Iolás-Velasco (Madrid) au dos. Reproduit dans : BENEYTO, Antonio. Mensa. Artistes espagnols contemporains. Direction générale des beaux-arts Ministère de l'éducation et des sciences. Bilbao, 1977 (avec le titre "Dorso")/et Catalogue de l'exposition de l'artiste à la Sala Pelaires, avec un texte de Mario Vargas Llosa (page 13). Dimensions : 100 x 81 cm ; 112,5 x 93 cm (cadre). De par sa date de création, la présente œuvre s'insère déjà dans la phase la plus connue de l'œuvre de Carlos Mensa : les années 70 ont signifié dans sa carrière la rencontre, enfin définitive, avec sa propre langue, très particulière, et son expansion internationale définitive, surtout en Italie, ainsi que l'intérêt croissant qu'il a suscité auprès du grand public et de la critique. Carlos Mensa est un peintre autodidacte du XXe siècle dans les trois domaines pour lesquels il est reconnu : la peinture, le dessin et la sculpture (à l'exception de quelques cours comme celui qu'il a suivi au Cercle royal artistique de Barcelone vers le milieu du siècle, ou la bourse qui lui a permis d'aller à Paris en 1966). Après avoir traversé la guerre civile, il revient à Barcelone en 1950, pour se consacrer à la peinture sept ans plus tard, après avoir vu une exposition et sous l'impression que lui ont laissée, surtout, les œuvres de Giorgio de Chirico. Fondateur du Grupo Síntesis avec Teo Asensio et Enrique Maas en 1961, il décide deux ans plus tard de se consacrer exclusivement à la peinture. Il s'est toujours distingué par son style particulier, totalement étranger aux modes de chaque époque mais influencé par l'avant-garde voulue par l'artiste, de sorte qu'il n'est pas en marge de la modernité. Sa perfection technique est également souvent mentionnée, avec laquelle il présente des œuvres qui peuvent être liées à certains éléments de l'expressionnisme, du réalisme, du surréalisme, à certains artistes ou à des œuvres importantes du passé et, souvent, à une critique féroce, à la recherche constante de l'absurde et du corrosif, à la recherche de situations d'impact presque toujours extrêmes et quelque peu risquées, presque comme des allégories en images, ou des métaphores visuelles. Son œuvre a été exposée à Milan, Paris, Rome, Palma de Majorque, Brême, Madrid, Barcelone, etc., et est conservée dans plusieurs collections privées et dans des institutions remarquables telles que le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofái de Madrid, le Museo d'Arte Constantino Barbella, le Musei Palazzo d'Avalos, le Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, etc.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 44 - ADD FUEL (Portugal, 1980). Sans titre.2020. Encre gel sur céramique, superposée. Pièce unique. Signée et datée au dos. Dimensions : 75,5 x 75,5 cm ; 82,5 x 82,5 cm (cadre). Add Fuel est l'artiste visuel et illustrateur portugais Diogo Machado. Diplômé en design graphique à l'IADE (Institut des arts visuels, du design et du marketing) de Lisbonne, il a travaillé quelques années dans des studios de design au Portugal, puis a effectué un séjour de huit mois à Munich (Allemagne). Depuis 2007, il se consacre exclusivement à son travail artistique. Sous le nom complet de Add Fuel to the Fire, il a d'abord créé un univers visuel sombre mais exubérant, peuplé de créatures visqueuses, excentriques et joyeuses, influencé par une variété d'intérêts allant des jeux vidéo aux bandes dessinées, en passant par l'animation, la science-fiction, les films de série B à petit budget, les jouets de créateurs et la culture visuelle urbaine. En 2008, fasciné par les possibilités esthétiques des motifs symétriques et des tessellations, il a raccourci son nom et a commencé à se concentrer sur le travail et la réinterprétation du langage de la conception traditionnelle des carreaux, et plus particulièrement des carreaux de céramique portugais émaillés à l'étain. Mélangeant sans effort ces deux langages visuels apparemment inconciliables, sa pratique actuelle cherche à combiner des éléments décoratifs traditionnels avec des références visuelles contemporaines dans de nouvelles formes qui révèlent une complexité impressionnante et une attention magistrale aux détails. Si, à première vue, son travail sous forme de panneaux de carreaux de petite et moyenne taille, de peintures murales au pochoir à grande échelle et d'éditions imprimées peut sembler être un simple pastiche du formalisme classique, un examen plus approfondi récompense le spectateur d'un monde chaotique de motifs et de personnages indubitablement originaux, débordant d'ironie et d'humour. Créant l'équilibre et l'harmonie à partir de répétitions symétriques, d'une accumulation de couches et de techniques d'illusion visuelle telles que le trompe-l'œil, ses compositions à motifs multicouches produisent un rythme poétique qui joue avec la perception du spectateur et les (multiples) possibilités d'interprétation. Explorant un large éventail de techniques manuelles et numériques dans les domaines du dessin, de la peinture, de la céramique et de la gravure, sa pratique exprime un dialogue sophistiqué entre l'ancien et le nouveau, entre le patrimoine et la modernité. Outre les nombreuses interventions d'art public qu'il a réalisées dans plusieurs pays, il a également exposé son travail dans le cadre d'expositions individuelles et collectives dans des galeries réputées, telles que Underdogs Gallery (Lisbonne, 2017 et 2014), Saatchi Gallery (Londres, 2017), Nuart Gallery (Stavanger, 2017), ABV Gallery (Atlanta, 2017), Colab Gallery (Weil am Rhein, 2015), Galerie SOON (Zurich, 2013) et Pure Evil Gallery (Londres, 2012), ainsi que lors d'événements d'art urbain de premier plan tels que Nuart Festival (Aberdeen, 2017 ; Stavanger, 2016), PUBLIC'16 (Perth et Albany, 2016), Sacramento Mural Fest (Sacramento, 2016), Forgotten Project (Rome, 2015), Djerbahood (Djerba, 2014) et Tour Paris 13 (Paris, 2013), entre autres.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 45 - EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Biscaye, 1938 - Madrid, 2003). "Los amates", 1992. Technique mixte, gouache, acrylique et pastel sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 130 x 122 cm ; 133 x 125 cm (cadre). Peintre et sculpteur, l'un des meilleurs représentants du pop art en Espagne, Eduardo Úrculo commence à peindre dès l'enfance, sans aucune formation artistique, et publie en 1957 ses premières bandes illustrées dans le journal d'Oviedo "La Nueva España". Peu après, il s'installe à Madrid et commence à suivre des cours au Círculo de Bellas Artes. Pendant ces années, il gagne sa vie comme illustrateur et décorateur, et cultive une peinture marquée par l'expressionnisme social. En 1959, il se rend à Paris, où il poursuit sa formation à l'Académie de la Grande Chaumière. Dans la capitale française, il travaille comme graphiste et rencontre Eduardo Westerdahl, dont l'influence fait évoluer sa peinture vers l'abstraction. Cependant, quatre ans plus tard, il revient à la figuration et à la critique sociale. En 1967, il effectue un voyage en Europe du Nord et c'est à cette occasion qu'il entre pour la première fois en contact avec le pop américain. Dès lors, l'œuvre d'Úrculo sera marquée par un réalisme basé sur des couleurs très vives et, jusque dans les années soixante-dix, par des thèmes érotiques, satiriques et critiques. Dans les années 80, il vit à New York, où il réalise d'importants projets. En 1992, il revient à Paris. Dans cette dernière période, il ajoute à son répertoire le thème du voyageur confronté à la grande ville moderne, variante ironique de la figure du romantique submergé par le paysage. Cette évolution formelle est visible à travers les nombreuses expositions individuelles qu'il a organisées à travers le monde depuis 1959, ainsi que dans des anthologies (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, et Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000). Úrculo est actuellement présent dans de nombreux musées et collections d'art moderne, parmi lesquels le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Galleria Nazionale d'Arte Moderno de Rome, la Biblioteca Nacional de Madrid, le Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, les collections AENA, Testimoni et Fundesco, le Museo del Dibujo Castillo de Larrés, le Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés et d'autres encore.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 46 - EDUARDO ARROYO (Madrid, 1937-2018). "Personnage avec chapeau", 1982. Aquarelle et encre sur papier. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 30 x 19 cm ; 33 x 23 cm (cadre). Peintre, sculpteur et graveur, Arroyo est une figure importante du mouvement néo-figurativiste. Après avoir commencé sa carrière dans le journalisme, il a commencé à peindre à la fin des années cinquante et a participé pour la première fois au Salón de Pintura Joven en 1960. Au début des années soixante, son vocabulaire plastique évolue sous l'influence nord-américaine du pop art et, en 1964, sa rupture avec l'art informel est définitive. En 1982, il reçoit le prix national des arts plastiques et des expositions anthologiques lui sont consacrées à la Bibliothèque nationale de Madrid et au Centre Pompidou à Paris. Actuellement, Arroyo est représenté au Museo Nacional Reina Sofía de Madrid, au Patio Herreriano de Valladolid, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C. et au Museo de Arte Moderno de Lille (France), entre autres.

Estim. 1 200 - 1 400 EUR

Lot 47 - EDUARDO ARROYO (Madrid, 1937-2018). "Chaussures, cigares et cigares", 1977. Collage sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 40 x 50 cm ; 49 x 58 cm (cadre). Peintre, sculpteur et graveur, Arroyo est une figure importante du mouvement néo-figurativiste. Après avoir commencé sa carrière dans le journalisme, il a commencé à peindre à la fin des années cinquante et a participé pour la première fois au Salón de Pintura Joven en 1960. Au début des années soixante, son vocabulaire plastique évolue sous l'influence nord-américaine du pop art et, en 1964, sa rupture avec l'art informel est définitive. En 1982, il reçoit le prix national des arts plastiques et des expositions anthologiques lui sont consacrées à la Bibliothèque nationale de Madrid et au Centre Pompidou à Paris. Actuellement, Arroyo est représenté au Museo Nacional Reina Sofía de Madrid, au Patio Herreriano de Valladolid, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C. et au Museo de Arte Moderno de Lille (France), entre autres.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 48 - MANOLO VALDÉS (Valence, 1942). "Las Meninas", 1984. Tapis conçu par l'artiste. Laine vierge. 100% pure. Exemplaire 82/125. Il porte une étiquette au dos et une signature manuscrite. Dimensions : 170 x 240 cm. Manolo Valdés a réalisé au cours de sa carrière des dessins exclusifs pour la réalisation de tapis, même en collaborant avec la Manufacture royale de tapisseries. Dans ce cas particulier, le tapis, qui fait partie d'une série de 125 exemplaires, présente le dessin de l'artiste valencien, recréé en laine vierge. L'œuvre présente le style personnel et irrévérencieux de Valdés, qui réinterprète les mythes en s'inspirant de figures telles que Picasso et Velázquez, qui, dans cette œuvre, se manifestent à travers la figure de la Menina. Bien que la composition et l'esthétique soient proches de l'œuvre "Danses pour la peur" de Paul Klee. Manolo Valdés a introduit en Espagne une forme d'expression artistique qui combine l'engagement politique et social avec l'humour et l'ironie. Il commence sa formation en 1957, lorsqu'il entre à l'école des beaux-arts San Carlos de Valence. Cependant, deux ans plus tard, il abandonne ses études pour se consacrer pleinement à la peinture. En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica, avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu'à la mort de ce dernier en 1981, bien que Toledo ait quitté le groupe deux ans après sa fondation. Depuis lors, il s'est installé à New York, où il réside actuellement et où il a continué à expérimenter de nouvelles formes d'expression, notamment la sculpture. Parmi les nombreux prix que Manolo Valdés a reçus, citons le Lissone et le Biella de Milan, la médaille d'argent de la IIe Biennale internationale de gravures de Tokyo, le prix du Bridgestone Art Museum de Lisbonne, le prix national des arts plastiques, la médaille du Festival international des artistes plasticiens de Bagdad, la décoration de l'ordre d'Andres Bello au Venezuela, le prix du Conseil national de Monaco, la médaille d'or du mérite des beaux-arts, le prix de l'Association espagnole des critiques d'art et le prix du meilleur artiste graveur, entre autres. Sur le plan formel, Valdés crée une œuvre de grand format dans laquelle les lumières et les couleurs expriment des valeurs tactiles, grâce au traitement des matériaux. Son travail oblige le spectateur à plonger dans sa mémoire et à rechercher des images significatives de l'histoire de l'art. Il est représenté dans certains des plus grands musées du monde, tels que le Reina Sofía de Madrid, le Metropolitan, le MoMA et le Guggenheim de New York, le Centre Georges Pompidou et le Fons National d'Arts Plastiques de Paris, la Kusnthalle de Hambourg, le Kunstmuseum de Berlin et le Museo de Bellas Artes de Bilbao, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 49 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelone, 1923 - 2009). "Transparence", 2004. Acrylique sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 146 x 97 cm. Ràfols Casamada a parlé de son besoin de "briser l'espace et de le recomposer au moyen de taches de couleur, de les distribuer presque au hasard et d'obtenir, au moyen de la couleur, qu'elles soient soutenues et reliées" (Témoignage d'un peintre, 1985). Le tableau présenté ici rend compte de cette recherche de purification intellectuelle. Ràfols Casamada soumet le tableau à un jeu de tension apparemment aléatoire entre le champ coloré, le vide, la tache et le geste. Dans cette toile, l'abstraction lyrique bat de l'aile malgré la base conceptuelle sous-jacente. Elle fait écho à une résolution heureuse entre complexité intellectuelle et simplicité plastique, entre transcendance et immanence. Peintre, pédagogue, écrivain et graphiste, Ràfols Casamada jouit aujourd'hui d'un grand prestige international. Il débute dans le monde du dessin et de la peinture avec son père, Albert Ràfols Cullerés. En 1942, il entreprend des études d'architecture, qu'il abandonne rapidement pour se consacrer aux arts plastiques. L'influence paternelle post-impressionniste et son cézannisme particulier marquent les œuvres présentées lors de sa première exposition, qui a lieu en 1946 aux galeries Pictòria de Barcelone, où il expose avec le groupe Els Vuit. Par la suite, il élaborera une abstraction poétique, amorphe dans sa configuration, libre et intelligente, fruit d'une lente gestation et basée sur des environnements, des thèmes, des objets ou des graphismes de la vie quotidienne. Ràfols Casamada travaille avec ces fragments de réalité, de vie, dans un processus de défiguration, jouant avec les connotations, les valeurs plastiques et la richesse visuelle des différentes lectures possibles, dans une tentative de fixer le caractère éphémère de la réalité. En 1950, il obtient une bourse pour voyager en France et s'installe à Paris jusqu'en 1954. C'est là qu'il se familiarise avec la peinture figurative post-cubiste, ainsi qu'avec les œuvres de Picasso, Matisse, Braque et Miró, entre autres. Ces influences s'ajoutent dans sa peinture à celle de l'expressionnisme abstrait américain, qui se développe à la même époque. À son retour à Barcelone, il s'engage dans sa propre voie artistique, avec un style caractérisé par l'élégance de la composition, basé sur des structures orthogonales combinées à un chromatisme émotif et lumineux. Après avoir entretenu une relation intéressante, dans les années 60 et 70, avec le néo-dada et le nouveau réalisme, son œuvre s'est concentrée sur des valeurs purement picturales : des champs de couleurs à l'harmonie expressive sur lesquels se détachent des lignes gestuelles au fusain. Il a reçu de nombreux prix, tels que le prix national des arts plastiques du ministère de la culture en 1980, le Creu de Sant Jordi en 1982 et le Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985, il a été nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres de France et est membre honoraire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid. En 2003, la Generalitat lui a décerné le prix national des arts visuels de Catalogne et, en 2009, deux mois avant sa mort, le Grup 62 lui a rendu hommage au musée national d'art de Catalogne. Son œuvre se trouve dans les plus grands musées du monde : le Reina Sofia de Madrid, le Guggenheim et le MOMA de New York, le Museum of Modern Art de Los Angeles, le musée Picasso en France, le Georges Pompidou à Paris, le British Museum et la Tate Gallery de Londres, entre autres.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 50 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelone, 1923 - 2009). "Reflex", 1974. Acrylique sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit et au dos. Dimensions : 100 x 81 cm ; 102,5 x 83,5 cm (cadre). Ràfols Casamada a parlé de son besoin de "briser l'espace et de le recomposer au moyen de taches de couleur, de les distribuer presque au hasard et d'obtenir, au moyen de la couleur, qu'elles soient soutenues et reliées" (Témoignage d'un peintre, 1985). Le tableau présenté ici rend compte de cette recherche de purification intellectuelle. Ràfols Casamada soumet le tableau à un jeu de tension apparemment aléatoire entre le champ coloré, le vide, la tache et le geste. Dans cette toile, l'abstraction lyrique bat de l'aile malgré la base conceptuelle sous-jacente. Elle fait écho à une résolution heureuse entre complexité intellectuelle et simplicité plastique, entre transcendance et immanence. Peintre, pédagogue, écrivain et graphiste, Ràfols Casamada jouit aujourd'hui d'un grand prestige international. Il débute dans le monde du dessin et de la peinture avec son père, Albert Ràfols Cullerés. En 1942, il entreprend des études d'architecture, qu'il abandonne rapidement pour se consacrer aux arts plastiques. L'influence paternelle post-impressionniste et son cézannisme particulier marquent les œuvres présentées lors de sa première exposition, qui a lieu en 1946 aux galeries Pictòria de Barcelone, où il expose avec le groupe Els Vuit. Par la suite, il élaborera une abstraction poétique, amorphe dans sa configuration, libre et intelligente, fruit d'une lente gestation et basée sur des environnements, des thèmes, des objets ou des graphismes de la vie quotidienne. Ràfols Casamada travaille avec ces fragments de réalité, de vie, dans un processus de défiguration, jouant avec les connotations, les valeurs plastiques et la richesse visuelle des différentes lectures possibles, dans une tentative de fixer le caractère éphémère de la réalité. En 1950, il obtient une bourse pour voyager en France et s'installe à Paris jusqu'en 1954. C'est là qu'il se familiarise avec la peinture figurative post-cubiste, ainsi qu'avec les œuvres de Picasso, Matisse, Braque et Miró, entre autres. Ces influences s'ajoutent dans sa peinture à celle de l'expressionnisme abstrait américain, qui se développe à la même époque. À son retour à Barcelone, il s'engage dans sa propre voie artistique, avec un style caractérisé par l'élégance de la composition, basé sur des structures orthogonales combinées à un chromatisme émotif et lumineux. Après avoir entretenu une relation intéressante, dans les années 60 et 70, avec le néo-dada et le nouveau réalisme, son œuvre s'est concentrée sur des valeurs purement picturales : des champs de couleurs à l'harmonie expressive sur lesquels se détachent des lignes gestuelles au fusain. Il a reçu de nombreux prix, tels que le prix national des arts plastiques du ministère de la culture en 1980, le Creu de Sant Jordi en 1982 et le Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985, il a été nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres de France et est membre honoraire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid. En 2003, la Generalitat lui a décerné le prix national des arts visuels de Catalogne et, en 2009, deux mois avant sa mort, le Grup 62 lui a rendu hommage au musée national d'art de Catalogne. Son œuvre se trouve dans les plus grands musées du monde : le Reina Sofia de Madrid, le Guggenheim et le MOMA de New York, le Museum of Modern Art de Los Angeles, le musée Picasso en France, le Georges Pompidou à Paris, le British Museum et la Tate Gallery de Londres, entre autres.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 51 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelone, 1923 - 2009). "Casa solitària", 2000. Acrylique sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 73 x 93 cm. Ràfols Casamada parlait de son besoin de "briser l'espace et de le recomposer au moyen de taches de couleur, de les distribuer presque au hasard et d'obtenir, au moyen de la couleur, qu'elles soient soutenues et reliées" (Témoignage d'un peintre, 1985). Le tableau présenté ici rend compte de cette recherche de purification intellectuelle. Ràfols Casamada soumet le tableau à un jeu de tension apparemment aléatoire entre le champ coloré, le vide, la tache et le geste. Dans cette toile, l'abstraction lyrique bat de l'aile malgré la base conceptuelle sous-jacente. Elle fait écho à une résolution heureuse entre complexité intellectuelle et simplicité plastique, entre transcendance et immanence. Peintre, pédagogue, écrivain et graphiste, Ràfols Casamada jouit aujourd'hui d'un grand prestige international. Il débute dans le monde du dessin et de la peinture avec son père, Albert Ràfols Cullerés. En 1942, il entreprend des études d'architecture, qu'il abandonne rapidement pour se consacrer aux arts plastiques. L'influence paternelle post-impressionniste et son cézannisme particulier marquent les œuvres présentées lors de sa première exposition, qui a lieu en 1946 aux galeries Pictòria de Barcelone, où il expose avec le groupe Els Vuit. Par la suite, il élaborera une abstraction poétique, amorphe dans sa configuration, libre et intelligente, fruit d'une lente gestation et basée sur des environnements, des thèmes, des objets ou des graphismes de la vie quotidienne. Ràfols Casamada travaille avec ces fragments de réalité, de vie, dans un processus de défiguration, jouant avec les connotations, les valeurs plastiques et la richesse visuelle des différentes lectures possibles, dans une tentative de fixer le caractère éphémère de la réalité. En 1950, il obtient une bourse pour voyager en France et s'installe à Paris jusqu'en 1954. C'est là qu'il se familiarise avec la peinture figurative post-cubiste, ainsi qu'avec les œuvres de Picasso, Matisse, Braque et Miró, entre autres. Ces influences s'ajoutent dans sa peinture à celle de l'expressionnisme abstrait américain, qui se développe à la même époque. À son retour à Barcelone, il s'engage dans sa propre voie artistique, avec un style caractérisé par l'élégance de la composition, basé sur des structures orthogonales combinées à un chromatisme émotif et lumineux. Après avoir entretenu une relation intéressante, dans les années 60 et 70, avec le néo-dada et le nouveau réalisme, son œuvre s'est concentrée sur des valeurs purement picturales : des champs de couleurs à l'harmonie expressive sur lesquels se détachent des lignes gestuelles au fusain. Il a reçu de nombreux prix, tels que le prix national des arts plastiques du ministère de la culture en 1980, le Creu de Sant Jordi en 1982 et le Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985, il a été nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres de France et est membre honoraire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid. En 2003, la Generalitat lui a décerné le prix national des arts visuels de Catalogne et, en 2009, deux mois avant sa mort, le Grup 62 lui a rendu hommage au musée national d'art de Catalogne. Son œuvre se trouve dans les plus grands musées du monde : le Reina Sofia de Madrid, le Guggenheim et le MOMA de New York, le Museum of Modern Art de Los Angeles, le musée Picasso en France, le Georges Pompidou à Paris, le British Museum et la Tate Gallery de Londres, entre autres.

Estim. 7 500 - 8 000 EUR

Lot 52 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelone, 1923 - 2009). "Signes", 1990. Acrylique sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 89 x 116 cm. Ràfols Casamada parlait de son besoin de "briser l'espace et de le recomposer au moyen de taches de couleur, de les distribuer presque au hasard et d'obtenir, au moyen de la couleur, qu'elles soient soutenues et reliées" (Témoignage d'un peintre, 1985). Le tableau présenté ici rend compte de cette recherche de purification intellectuelle. Ràfols Casamada soumet le tableau à un jeu de tension apparemment aléatoire entre le champ coloré, le vide, la tache et le geste. Dans cette toile, l'abstraction lyrique bat de l'aile malgré la base conceptuelle sous-jacente. Elle fait écho à une résolution heureuse entre complexité intellectuelle et simplicité plastique, entre transcendance et immanence. Peintre, pédagogue, écrivain et graphiste, Ràfols Casamada jouit aujourd'hui d'un grand prestige international. Il débute dans le monde du dessin et de la peinture avec son père, Albert Ràfols Cullerés. En 1942, il entreprend des études d'architecture, qu'il abandonne rapidement pour se consacrer aux arts plastiques. L'influence paternelle post-impressionniste et son cézannisme particulier marquent les œuvres présentées lors de sa première exposition, qui a lieu en 1946 aux galeries Pictòria de Barcelone, où il expose avec le groupe Els Vuit. Par la suite, il élaborera une abstraction poétique, amorphe dans sa configuration, libre et intelligente, fruit d'une lente gestation et basée sur des environnements, des thèmes, des objets ou des graphismes de la vie quotidienne. Ràfols Casamada travaille avec ces fragments de réalité, de vie, dans un processus de défiguration, jouant avec les connotations, les valeurs plastiques et la richesse visuelle des différentes lectures possibles, dans une tentative de fixer le caractère éphémère de la réalité. En 1950, il obtient une bourse pour voyager en France et s'installe à Paris jusqu'en 1954. C'est là qu'il se familiarise avec la peinture figurative post-cubiste, ainsi qu'avec les œuvres de Picasso, Matisse, Braque et Miró, entre autres. Ces influences s'ajoutent dans sa peinture à celle de l'expressionnisme abstrait américain, qui se développe à la même époque. À son retour à Barcelone, il s'engage dans sa propre voie artistique, avec un style caractérisé par l'élégance de la composition, basé sur des structures orthogonales combinées à un chromatisme émotif et lumineux. Après avoir entretenu une relation intéressante, dans les années 60 et 70, avec le néo-dada et le nouveau réalisme, son œuvre s'est concentrée sur des valeurs purement picturales : des champs de couleurs à l'harmonie expressive sur lesquels se détachent des lignes gestuelles au fusain. Il a reçu de nombreux prix, tels que le prix national des arts plastiques du ministère de la culture en 1980, le Creu de Sant Jordi en 1982 et le Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985, il a été nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres de France et est membre honoraire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid. En 2003, la Generalitat lui a décerné le prix national des arts visuels de Catalogne et, en 2009, deux mois avant sa mort, le Grup 62 lui a rendu hommage au musée national d'art de Catalogne. Son œuvre se trouve dans les plus grands musées du monde : le Reina Sofia de Madrid, le Guggenheim et le MOMA de New York, le Museum of Modern Art de Los Angeles, le musée Picasso en France, le Georges Pompidou à Paris, le British Museum et la Tate Gallery de Londres, entre autres.

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

Lot 53 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Signes", 1986. Technique mixte (encre et acrylique) et collage sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Provenance : Galerie CRG, New York. Dimensions : 70 x 59 cm ; 87 x 75 cm (cadre). Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'Escuela de Bellas Artes de San Jordi à Barcelone, Clavé se consacre d'abord au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

Lot 54 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Suite Catalana, Las estampas de la cometa". Gravure à l'aquatinte, exemplaire 3/75. Editorial Gustavo Gili, S.A., Barcelone, 1972. Signé et justifié à la main. Dimensions : 77 x 101 cm. Antoni Tàpies débute dans l'art pendant la longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Progressivement, il se consacrera avec plus d'intensité au dessin et à la peinture, et finalement il abandonne ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau aux Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il fait une exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, se déroulent dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années soixante-dix, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 55 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Infromal", 1987. Aquatinte et carborundum dans diverses encres (3 gris, noir, beige, blanc), exemplaire H.C. Signé et justifié à la main. Dimensions : 82 x 69 cm ; 87 x 173,5 cm (cadre). La croix et le chiffre 8, deux motifs récurrents dans l'œuvre de Tàpies, symboles respectivement de la spiritualité et de l'infini, réapparaissent dans cette gravure avec différentes encres. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, sont organisées dans le monde entier, dans des galeries et des musées prestigieux tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 56 - JORDI TEIXIDOR (Valence, 1941). Sans titre, 1978. Huile, gouache et crayon sur papier. Signé au crayon dans la partie centrale inférieure. Dimensions : 63 x 49,5 cm ; 71 x 56,5 x cm (cadre). Cette œuvre a été réalisée un an avant que Teixidor ne s'installe à New York (1979-1982), même si auparavant, en 1973, il s'était déjà rendu dans la ville américaine qui a eu un impact direct sur le développement de son œuvre. L'influence d'auteurs tels que Rothko, Reinhardt et Barnett Newman a influencé le goût de Teixidor pour la purification formelle du style, visible dans ce tableau où l'on peut également apprécier des échos de la peinture d'Agnes Martin. Jordi Teixidor a été formé à l'Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia entre 1959 et 1964. Il a notamment été élu académicien de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid et a reçu le prix national des arts plastiques en 2014. L'un des plus prestigieux artistes abstraits espagnols, Teixidor a exposé individuellement et collectivement en Europe et en Amérique principalement (Barcelone, Valence, Madrid, Grenade, Séville, Saint-Sébastien, Vallauris en France, Düsseldorf, San Francisco, Mexico, New York, Santiago du Chili, etc.), mais aussi dans d'autres villes comme Moscou. En 1997, le Santa Monica Center et le musée Guggenheim de New York lui ont consacré une importante rétrospective. Actuellement, son œuvre est conservée dans de nombreuses collections privées à travers le monde ainsi que dans d'importantes institutions (Musée Guggenheim à New York, Musée national Centre d'art Reina Sofía à Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando dans la même ville, Museo Patio Herreriano à Valladolid), Coca-Cola Foundation, Chase Manhattan Bank à New York, Fundación Juan March à Madrid, San Francisco Museum of Modern Art en Californie, Museo Salvador Allende à Santiago du Chili et Berkeley Art Museum of the University of California aux États-Unis, entre autres).

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 57 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Vogels", 1970, période berlinoise. Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Avec étiquette au dos de la galerie Levy. Dimensions : 150 x 150 cm. Il s'agit d'une peinture de la Levy Gallery. Il s'agit de l'une des œuvres les plus intéressantes de Jorge Castillo, car elle a été réalisée pendant le processus de transition de Berlin à New York. C'est sa première œuvre dans laquelle apparaissent les gratte-ciel new-yorkais qu'il reproduira plus tard dans ses œuvres. Il s'agit de l'une des œuvres les plus intéressantes de Jorge Castillo, car elle a été réalisée pendant le processus de transition de Berlin à New York. Depuis son enfance, Jorge Castillo se passionne pour le dessin et, à l'âge de dix ans, il réalise sa première copie de Rubens avec des crayons de couleur. Selon lui, la peinture de Rubens lui a permis de comprendre le cubisme de Braque et de Picasso. Sa famille a émigré à Buenos Aires l'année de la naissance du peintre, mais il est revenu en Europe en 1955. Il tente d'aller à Paris, mais faute de moyens financiers, il s'installe en Espagne. Après être passé par Vigo, il s'installe à Madrid en 1955, où il entre rapidement en contact avec le critique d'art José María Moreno Galván, qui admire son travail et l'introduit dans les cercles artistiques madrilènes. En 1958, il commence à vendre ses dessins à la galerie Biosca, et le peintre Antonio Saura lui-même en achète plusieurs. L'année suivante, il expose ses œuvres sur papier et ses aquarelles à la galerie Altamira de Madrid. Peu à peu, il opte pour la technique de la gravure, qui deviendra finalement son principal moyen d'expression, même s'il l'alterne avec la peinture. En 1960, il est sélectionné pour la Biennale de São Paulo au Brésil. Dès lors, il expose ses œuvres au niveau international, dans des galeries et des musées à New York, San Francisco, Tokyo, Paris, Lisbonne, Turin, Hanovre, Düsseldorf et Genève. Il participe à la Biennale de Venise en 1964 et 1976, et en 1970, il présente une exposition personnelle à la Nationalgalerie de Berlin, la première grande exposition muséale consacrée à une période spécifique de sa carrière. Il a remporté des prix tels que les prix internationaux de dessin (1964) et de peinture (1975) à Darmstadt, la Ciudad de Pontevedra (1994) et la Cultura Viva de las Artes Plásticas (2006). Il vit et travaille actuellement à Soho, à New York. Les œuvres de Jorge Castillo sont exposées au Musée des beaux-arts de Lausanne, à la Fondation Juan March, aux galeries nationales d'Édimbourg et de Berlin, aux musées d'art moderne de San Francisco et de Vitoria, à la Kunsthalle de Brême, à l'Albertina de Vienne, à la Bibliothèque nationale d'Espagne et au Guggenheim de New York, entre autres.

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

Lot 58 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). Sans titre. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 65 x 54 cm. Fils d'émigrés espagnols en Argentine, Jorge Castillo retourne en Espagne en 1957. Il est introduit dans les cercles artistiques de Madrid et, en 1958, il commence à vendre ses dessins à la galerie Biosca. Peu à peu, il opte pour la technique de la gravure, qui devient son principal moyen d'expression, bien qu'il l'alterne avec la peinture. En 1960, il est sélectionné pour la Biennale de São Paulo au Brésil. Dès lors, il expose au niveau international, dans des galeries et des musées à New York, San Francisco, Tokyo, Paris, Lisbonne, Turin, Hanovre, Düsseldorf et Genève. Il a participé à la Biennale de Venise en 1964 et 1976 et, en 1970, il a organisé une exposition personnelle à la Nationalgalerie de Berlin, la première grande exposition muséale consacrée à une période spécifique de sa carrière. Il a remporté des prix tels que le prix international de dessin et de peinture de Darmstadt, le prix de la ville de Pontevedra et le prix Cultura Viva de las Artes Plásticas. Il est représenté au musée des beaux-arts de Lausanne, à la fondation Juan March, aux galeries nationales d'Édimbourg et de Berlin, aux musées d'art moderne de San Francisco et de Vitoria, à la Kunsthalle de Brême, à l'Albertina de Vienne, à la bibliothèque nationale d'Espagne et au Guggenheim de New York, entre autres.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 59 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Still the night", 2012 Acrylique sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Datée et titrée au dos. Dimensions : 65 x 54 cm. Fils d'émigrés espagnols en Argentine, Jorge Castillo retourne en Espagne en 1957. Il est introduit dans les cercles artistiques de Madrid et, en 1958, il commence à vendre ses dessins à la galerie Biosca. Peu à peu, il opte pour la technique de la gravure, qui devient son principal moyen d'expression, bien qu'il l'alterne avec la peinture. En 1960, il est sélectionné pour la Biennale de São Paulo au Brésil. Dès lors, il expose au niveau international, dans des galeries et des musées à New York, San Francisco, Tokyo, Paris, Lisbonne, Turin, Hanovre, Düsseldorf et Genève. Il a participé à la Biennale de Venise en 1964 et 1976 et, en 1970, il a organisé une exposition personnelle à la Nationalgalerie de Berlin, la première grande exposition muséale consacrée à une période spécifique de sa carrière. Il a remporté des prix tels que le prix international de dessin et de peinture de Darmstadt, le prix de la ville de Pontevedra et le prix Cultura Viva de las Artes Plásticas. Il est représenté au musée des beaux-arts de Lausanne, à la fondation Juan March, aux galeries nationales d'Édimbourg et de Berlin, aux musées d'art moderne de San Francisco et de Vitoria, à la Kunsthalle de Brême, à l'Albertina de Vienne, à la bibliothèque nationale d'Espagne et au Guggenheim de New York, entre autres.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 60 - JOSEP MARIA RIERA I ARAGÓ (Barcelone, 1954). Sans titre, 1998. Technique mixte sur papier. Signé et daté dans la marge inférieure. Dimensions : 122 x 67 cm ; 135 x 89,5 cm (cadre). Peintre et sculpteur, Josep Riera i Aragó a été formé à l'École supérieure des beaux-arts de Barcelone. Il a fait ses débuts individuels en 1981, à la galerie Artema de Barcelone. Deux ans plus tard, il participe au Salón de Otoño de la même ville. Depuis, il a exposé ses œuvres dans le monde entier, dans d'excellentes galeries en Espagne, au Mexique, en Hollande, en Israël, en Allemagne, en Belgique, en France, au Luxembourg, en Suisse, en Colombie et aux États-Unis. Ses expositions personnelles ont eu lieu, entre autres, au Musée de Ceret (France, 1989), à la Bibliothèque nationale de Paris (1993), au Musée d'art moderne d'Ostende (Belgique, 1997), à la Joan Prats Gallery de New York (1998), à la Tassende Gallery de Los Angeles (2003) et au Musée d'Alost en Belgique (2006). Depuis 1983, Riera i Aragó développe son discours plastique autour du machinisme, avec un langage symbolique marqué par un intérêt pour les transports aériens et maritimes, qu'il contemple décontextualisés, séparés de leur fonction d'origine. Parallèlement, son langage plastique s'est enrichi de l'approfondissement du dialogue ligne/plan et vide/plein. Jamais répétitive, chaque "machine" qu'il crée évoque, sans pathos ni condescendance, une vision claire et globale de l'humanité. Avec un vocabulaire visuel limité à des formes simples rappelant les zeppelins, les sous-marins ou les avions, Riera i Aragó développe une iconographie fertile et chargée de sens qui, dotée d'une ironie évidente, parle de l'insouciance absurde des créations de l'homme et de la justice poétique qui résulte lorsque ces créations se retournent contre lui. Son œuvre doit être comprise comme une histoire globale, liée à des langages aussi disparates que l'astronomie, la botanique, les mathématiques ou le mysticisme, et qui offre au spectateur la possibilité d'entrer dans un univers particulier d'un grand lyrisme, où la réalité et la fiction ne sont plus des catégories opposées. Riera i Aragó est actuellement représenté au musée d'art contemporain de Barcelone, aux fondations Joan Miró, La Caixa et Vicent Van Gogh, au musée d'art moderne de Luxembourg, au musée Rufino Tamayo au Mexique, aux musées Ceret et Reattu à Arles, en France, au musée Otani au Japon et au musée Heilbronn en Allemagne, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 61 - JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). Sans titre, vers 1980. Technique mixte (peinture et collage) sur papier. Signé et daté dans la marge inférieure. Dimensions : 226 x 116 cm ; 236 x 126 cm (cadre). Ce tableau date probablement des années quatre-vingt, une période particulièrement expérimentale dans la production de Guinovart. L'utilisation du collage et de l'abstraction poétique est caractéristique de cette période, de même que la préférence pour les tons terre de sienne, bruns et marrons. L'œuvre comporte de subtils traits synthétiques qui semblent rendre hommage aux créatures post-cubistes de Picasso et, en même temps, la composition (qui laisse la partie supérieure vide) fait indirectement référence au chien enterré de Goya. Josep Guinovart a été formé à l'Escuela de Maestros Pintores, à l'Escuela de Artes y Oficios et dans les classes de la FAD. Il a exposé individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert immédiatement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de la sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, le Museo Eusebio Sempere à Alicante, le Museo de Navarra à Tafalla, la Casa de las Américas à La Havane, le Bocchum Museum en Allemagne, le Museo de Bellas Artes à Long Island, New York, et le Museo Patio Herreriano à Valladolid.

Estim. 5 500 - 6 500 EUR

Lot 62 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelone, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Entrée du souk", 1987. Huile sur toile. Avec l'étiquette de la galerie Dau Al Set au dos. Signée au crayon dans le coin inférieur droit. Dimensions : 81 x 100 cm ; 102 x 123 cm (cadre). Peintre, dessinateur, photographe et graveur de formation autodidacte, Lluís Claramunt a passé sa vie entre Barcelone, Madrid, Séville, Bilbao et Marrakech, et a développé une œuvre influencée par Isidre Nonell et marquée par un expressionnisme à ses débuts, qui disparaîtra progressivement jusqu'à devenir une calligraphie minimale. Depuis les années soixante-dix, il a organisé des expositions personnelles dans des galeries importantes telles que Dau al Set à Barcelone, Quatre Gats à Palma de Majorque, Juana de Aizpuru à Séville ou Buades à Madrid, et a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également réalisé des expositions personnelles à New York, Amsterdam, Graz (Autriche) et Lisbonne. De même, en 2012, son travail a été présenté dans l'exposition individuelle "El viatge vertical", qui s'est tenue au MACBA de Barcelone. Il est actuellement représenté dans ce musée, à la Fundació Vila Casas, dans la collection La Caixa, au Museo de Bellas Artes de Álava, à l'Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, au Consejo Superior de Deportes et au Ministerio de Cultura de la même ville, ainsi qu'à la Colección Caja Madrid. Récemment, Claramunt a exposé dans la prestigieuse galerie Marc Domenech à Barcelone, qui a consacré son exposition "Luis Claramunt. Años 80" entièrement consacrée à l'œuvre de l'artiste. L'exposition, qui s'est tenue en mai 2016, a présenté plus de soixante-dix œuvres qui ont démontré la prédilection de l'artiste pour les espaces urbains, représentés à travers une palette totalement expressionniste dans laquelle prédomine une palette dynamique et vibrante.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

Lot 63 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelone, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000) Sans titre. Huile sur toile. Signée en haut à gauche. Dimensions : 100 x 84 cm ; 101 x 85 cm (cadre). Peintre, dessinateur, photographe et graveur de formation autodidacte, Lluís Claramunt a passé sa vie entre Barcelone, Madrid, Séville, Bilbao et Marrakech, et a développé une œuvre influencée par Isidre Nonell et marquée par un expressionnisme à ses débuts, qui disparaîtra progressivement jusqu'à se transformer en une calligraphie minimale. Depuis les années soixante-dix, il a organisé des expositions personnelles dans des galeries importantes telles que Dau al Set à Barcelone, Quatre Gats à Palma de Majorque, Juana de Aizpuru à Séville ou Buades à Madrid, et a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également réalisé des expositions personnelles à New York, Amsterdam, Graz (Autriche) et Lisbonne. De même, en 2012, son travail a été présenté dans l'exposition individuelle "El viatge vertical", qui s'est tenue au MACBA de Barcelone. Il est actuellement représenté dans ce musée, à la Fundació Vila Casas, dans la collection La Caixa, au Museo de Bellas Artes de Álava, à l'Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, au Consejo Superior de Deportes et au Ministerio de Cultura de la même ville, ainsi qu'à la Colección Caja Madrid. Récemment, Claramunt a exposé dans la prestigieuse galerie Marc Domenech à Barcelone, qui a consacré son exposition "Luis Claramunt. Años 80" entièrement consacrée à l'œuvre de l'artiste. L'exposition, qui s'est tenue en mai 2016, a présenté plus de soixante-dix œuvres qui ont démontré la prédilection de l'artiste pour les espaces urbains, représentés à travers une palette totalement expressionniste dans laquelle prédomine une palette dynamique et vibrante.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 64 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelone, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000) Sans titre. Huile sur toile. Elle présente des traces d'usure et de salissure sur la surface picturale. Signée en haut à droite. Dimensions : 100 x 82 cm ; 101 x 83 cm (cadre). Peintre, dessinateur, photographe et graveur de formation autodidacte, Lluís Claramunt a passé sa vie entre Barcelone, Madrid, Séville, Bilbao et Marrakech, et a développé une œuvre influencée par Isidre Nonell et marquée par un expressionnisme à ses débuts, qui disparaîtra progressivement jusqu'à se transformer en une calligraphie minimale. Depuis les années soixante-dix, il a organisé des expositions personnelles dans des galeries importantes telles que Dau al Set à Barcelone, Quatre Gats à Palma de Majorque, Juana de Aizpuru à Séville ou Buades à Madrid, et a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également réalisé des expositions personnelles à New York, Amsterdam, Graz (Autriche) et Lisbonne. De même, en 2012, son travail a été présenté dans l'exposition individuelle "El viatge vertical", qui s'est tenue au MACBA de Barcelone. Il est actuellement représenté dans ce musée, à la Fundació Vila Casas, dans la collection La Caixa, au Museo de Bellas Artes de Álava, à l'Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, au Consejo Superior de Deportes et au Ministerio de Cultura de la même ville, ainsi qu'à la Colección Caja Madrid. Récemment, Claramunt a exposé dans la prestigieuse galerie Marc Domenech à Barcelone, qui a consacré son exposition "Luis Claramunt. Años 80" entièrement consacrée à l'œuvre de l'artiste. L'exposition, qui s'est tenue en mai 2016, a présenté plus de soixante-dix œuvres qui ont démontré la prédilection de l'artiste pour les espaces urbains, représentés à travers une palette totalement expressionniste dans laquelle prédomine une palette dynamique et vibrante. Elle présente une usure et des salissures sur la surface picturale.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 65 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). Sans titre. Aquarelle et huile sur papier. Signé et tamponné. Dimensions : 40 x 50 cm ; 58 x 68 cm (cadre). Né et formé à Madrid, il est l'un des membres fondateurs du groupe El Paso. En 1954, il présente sa première exposition individuelle, avec des œuvres non figuratives, à la galerie Buchholz de Madrid. À partir de ce moment, Feito expose régulièrement dans les villes les plus importantes du monde, telles que Paris, Milan, New York, Helsinki, Tokyo et Rome. Nommé professeur à l'école des beaux-arts de San Fernando en 1954, il quitte l'enseignement deux ans plus tard et se rend à Paris avec une bourse pour étudier les mouvements d'avant-garde actuels. Durant cette période, il est influencé par l'automatisme et le "matter painting". En 1962, il devient membre fondateur du groupe El Paso, avec lequel il avait perdu le contact pendant ses années à Paris. Ses premières œuvres s'inscrivent dans la peinture figurative, pour ensuite passer par une phase d'expérimentation du cubisme, et enfin entrer pleinement dans l'abstraction. Au début, il n'utilisait que le noir, l'ocre et le blanc, mais lorsqu'il a découvert le potentiel de la lumière, il a commencé à utiliser des couleurs plus vives et des plans lisses. Il évolue vers l'utilisation du rouge comme contrepoint dans ses compositions (à partir de 1962) et, en général, de couleurs plus intenses. Dans sa phase abstraite, qui comprend les années 1970, Feito montre une nette tendance à la simplification, le cercle prédominant dans ses compositions en tant que forme géométrique. L'influence de l'art japonais est peut-être perceptible dans sa préférence pour les grandes bandes noires. La plupart de ses œuvres n'ayant pas de titre, on les reconnaît généralement au numéro qui leur a été attribué. Il a notamment été nommé officier de l'ordre des Arts et des Lettres de France en 1985. En 1998, il a reçu la médaille d'or des beaux-arts de Madrid et a été nommé membre titulaire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 2000, il a reçu le prix de l'Association espagnole des critiques d'art au salon Estampa, en 2002 le grand prix AECA du meilleur artiste international à ARCO, en 2003 le prix de l'artiste le plus pertinent à la foire d'art d'Osaka (Japon), en 2004 le prix de la culture des arts plastiques de la communauté de Madrid, en 2005 le prix Francisco Tomás Prieto de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, et en 2008 le prix de la fondation Jorge Alió et le grand prix de l'art contemporain espagnol CESMAI. Luis Feito est représenté dans les plus grands musées du monde, parmi lesquels la Galerie d'art moderne de Rome, le Guggenheim, le MoMA et la Chase Manhattan Bank de New York, les musées d'art moderne de Tokyo, Paris, Rio de Janeiro et Montréal, le Lissone en Italie, etc.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 66 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). "Guadarrama II". 2004. Monotype sur toile, copie E/U. Signé et justifié à la main. Dimensions : 140 x 100 cm. Né à Madrid où il a fait ses études, il est l'un des membres fondateurs du groupe El Paso. En 1954, il réalise sa première exposition individuelle, avec des œuvres à tendance non figurative, à la galerie Buchholz de Madrid. À partir de ce moment, Feito exposera régulièrement dans les villes les plus importantes du monde, telles que Paris, Milan, New York, Helsinki, Tokyo ou Rome. Nommé professeur à l'école des beaux-arts de San Fernando en 1954, il abandonne l'enseignement deux ans plus tard et se rend à Paris avec une bourse, afin d'étudier les mouvements d'avant-garde actuels. C'est à cette époque qu'il reçoit les influences de l'automatisme et de la peinture matérielle. En 1962, il devient membre fondateur du groupe El Paso, avec lequel il avait perdu le contact pendant ses années à Paris. Ses premières œuvres s'inscrivent dans le cadre de la peinture figurative, puis il traverse une phase d'expérimentation du cubisme, pour finalement plonger pleinement dans l'abstraction. Au début, il n'utilisait que du noir, de l'ocre et du blanc, mais en découvrant le potentiel de la lumière, il a commencé à utiliser des couleurs plus vives et des plans lisses. Il a évolué vers l'utilisation du rouge comme contrepoint dans ses compositions (depuis 1962) et, en général, vers des couleurs plus intenses. Dans sa phase abstraite, qui comprend les années 1970, Feito montre une nette tendance à la simplification, avec le cercle comme forme géométrique prédominante dans ses compositions. L'influence de l'art japonais est peut-être perceptible dans sa préférence pour les grandes bandes noires. La plupart de ses œuvres n'ont pas de titre et sont donc généralement reconnues grâce à la numérotation qui leur est attribuée. Parmi les récompenses qu'il a reçues, on peut citer sa nomination en tant qu'officier de l'ordre des Arts et des Lettres de France en 1985. En 1998, il a reçu la médaille d'or des beaux-arts de Madrid et a été nommé membre titulaire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 2000, il a reçu le prix de l'Association espagnole des critiques d'art au salon Estampa, en 2002 le grand prix AECA du meilleur artiste international à ARCO, en 2003 le prix de l'artiste le plus pertinent à la foire d'art d'Osaka (Japon), en 2004 le prix de la culture des arts plastiques de la Communauté de Madrid, en 2005 le prix Francisco Tomás Prieto de la fabrique nationale de monnaies et de timbres, et en 2008 le prix de la fondation Jorge Alió et le grand prix de l'art contemporain espagnol CESMAI. Luis Feito est représenté dans les plus grands musées du monde, parmi lesquels la Galerie d'art moderne de Rome, le Guggenheim, le MoMA et la Chase Manhattan Bank de New York, les musées d'art moderne de Tokyo, Paris, Rio de Janeiro et Montréal, Lissone en Italie, etc.

Estim. 1 700 - 1 800 EUR

Lot 67 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). Sans titre, 1977. Encre sur papier. Signé, daté et dédié "à mon ami Martí". Dimensions : 29,5 x 19 cm ; 40 x 30 cm (cadre). Dans ce dessin original de Dalí, daté de 1977, on reconnaît saint Georges à cheval armé, car Dalí a réinventé l'iconographie de ce saint en le plaçant dans des paysages de l'Empordà ou dans des décors qui renvoient à des déserts mystiques comme celui qui inspire cette composition. En d'autres occasions, il a réinterprété le thème de Saint-Georges et du dragon en langage sculptural. Dalí souhaitait représenter la dualité entre la vie et la mort, entre l'éphémère et l'éternel, les forces obscures de la nuit et celles du jour, le sommeil et la raison. C'est pourquoi il choisit des figures emblématiques comme Saint-Georges ou Don Quichotte, auquel il consacre d'ailleurs d'innombrables dessins. Salvador Dalí a été l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années 20 et 30, étant reconnue comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rendait régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Sa première exposition individuelle à New York consolide définitivement sa projection internationale et, depuis lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 68 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Gérone, 1904 - 1989) "La comtesse DuBarry. 1977. Encre sur carton. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Certificat ci-joint délivré par la Fondation Gala-Dalí. Dimensions : 28 x 21 cm (papier) ; 35,5 x 27 cm. La maison de foie gras Comtesse du Barry a peut-être commandé ce dessin à Dalí pour faire la publicité de son produit. La légendaire marque de foie gras a choisi ce nom en hommage à la dame de la cour de Louis XV, dernière maîtresse du roi, dont le nom est associé à cet aliment gastronomique à base de foie de canard, l'animal qui accompagne la dame dans le dessin de Dalí. Peintre et sculpteur, Salvador Dalí a été l'un des principaux représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme durant les années vingt et trente, étant reconnu comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 4 500 - 6 000 EUR

Lot 69 - LUIS SEOANE LÓPEZ (Buenos Aires, 1910 - La Corogne, 1979). "Nature morte". 1969. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Provenance : Collection José María Moreno Galván. Dimensions : 30 x 40 cm ; 33 x 43 cm (cadre). Scène d'intérieur dans laquelle l'artiste arrange un sujet récurrent dans l'histoire de l'art comme c'est le cas de la nature morte. Cependant, il expose ce genre d'un point de vue moderne où l'artiste joue avec la juxtaposition de formes élémentaires et une gamme de couleurs saturées appliquées dans des plans qui sont dilués et indépendants des objets et du réalisme. Dessinateur, peintre, graveur et écrivain, Luis Seoane a fait ses études à La Corogne, où il a travaillé comme avocat et a été membre du Partigo Galeguista. En 1936, il s'est installé à Buenos Aires. Dans sa jeunesse, il a participé à l'activité politique et culturelle des étudiants de La Corogne et, selon l'historien et journaliste Carlos Fernández Santander, Seoane pourrait être l'auteur qui, sous le pseudonyme de Hernán Quijano, a écrit "Galicia Mártir. Épisodes de la terreur blanche dans les provinces galiciennes", un livre publié à Paris et en Argentine en 1938. En 1932, il est diplômé en droit et en sciences sociales à Saint-Jacques-de-Compostelle, et c'est au cours de ces années qu'il commence sa carrière dans différents domaines. Ainsi, entre 1927 et 1933, il milite dans des partis républicains et autonomistes de gauche, illustre des livres et des revues et réalise ses premières expositions. En 1934, il revient de Santiago à La Corogne et commence à travailler comme avocat, tout en partageant des réunions avec Huici, Cebreiro, Fernández Mazas, Del Valle, Julio J. Casal, Francisco Miguel et d'autres. La même année, il adhère au Partido Galeguista. Deux ans plus tard, il participe à la campagne en faveur du statut d'autonomie, mais lorsque la guerre éclate, il est contraint de fuir vers la capitale argentine. Une fois installé à Buenos Aires, il reste en contact avec d'autres compatriotes exilés du régime franquiste, parmi lesquels le peintre Leopoldo Nóvoa et l'activiste María Miramontes. En 1937, il y publie son premier livre, "Trece estampas de la traición". Trois ans plus tard, il fonde les collections "Hórreo" et "Dorna" chez EMECÉ Editores, et en 1943, il crée la revue "Correo Literario" et Editorial Nova. Deux ans plus tard, son "Homenaje a la Torre de Hércules" (Hommage à la Tour d'Hercule) est récompensé à New York. En 1948, il fonde la maison d'édition Botella al Mar et, l'année suivante, il effectue un voyage en Europe et expose à Londres. Entre 1952 et 1962, il expose à New York, fonde la revue "Galicia Emigrante" et la maison d'édition Citania, et reçoit des prix tels que la médaille de l'Exposition universelle de Bruxelles, la médaille du Sénat de la nation argentine (1958) ou le prix Palanza (1962). Parallèlement, il travaille pour la galerie Gordons de Buenos Aires, dirigée par Roberto Mackintosh, expert et connaisseur de son œuvre. Dans les dernières décennies de sa vie, il alterne sa résidence en Amérique avec des voyages en Galice et, en 1977, il publie la première édition complète de son œuvre poétique. Entre 1963 et 1979, il a organisé des expositions en Espagne, en Allemagne, en Italie, en Suisse, au Brésil et dans d'autres pays. En 1994, la Journée des lettres galiciennes lui a été consacrée et, en 2003, le Centre galicien d'art contemporain de Saint-Jacques-de-Compostelle lui a consacré une importante exposition rétrospective, qui a ensuite été présentée au Musée d'art moderne de Buenos Aires. Il est actuellement représenté dans la collection Caixanova, entre autres.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 70 - TAKASHI MURAKAMI (Tokyo, 1962). "Objets de collection Kaikai et Kiki, 2018. Vinyle. Édition limitée à 80 exemplaires. De Takashi Murakami pour le teint. Dans leur boîte d'origine. Dimensions : 22 x 15 x 9 cm (Kaikai) ; 19 x 14 x 9 x 9 cm (Kiki) ; 28 x 19 x 13 cm (boîte x2). Kaikai et Kiki sont deux des grandes icônes du célèbre artiste japonais Takashi Murakami. Ils représentent deux gardiens spirituels, qui ont pris forme à partir de 2000. Ils apparaissent souvent sous forme de sculptures, comme ici, mais ont également joué dans des films d'animation. Kaikai, souriante et amicale, est blanche avec des oreilles de lapin et affiche une bonne humeur évidente, tandis que son homologue malveillant, Kiki, a un corps rose, de petites oreilles, trois yeux et un sourire malicieux accentué par ses crocs de vampire. Son nom Kaikai Kiki est inscrit sur ses oreilles en caractères japonais, ce qui peut se traduire par "surnaturel, bizarre". Il fait référence à une expression japonaise apparue au XVIe siècle pour décrire les œuvres du peintre Kano Eitoku, créateur du style Kano, dont l'esthétique était un mélange de bizarrerie et de raffinement, de grotesque et de délicatesse. Murakami a également fondé KaiKai and Kiki Co. en 2001, qui a repris le travail de l'usine Hiropon, fondée en 1996. Ses objectifs en tant qu'entreprise sont basés sur le soutien à la production et à la promotion d'œuvres d'art, la gestion et le soutien de jeunes artistes et la diffusion de leur travail. L'utilisation de "héros" ou de personnages de bandes dessinées ou de la culture urbaine comme protagonistes de son art sont des héritiers du pop-art. Cependant, Murakami offre une nouvelle perspective sur ce que l'on appelle le pop. Il apporte une vision radicalement nouvelle en jouant avec des éléments de la culture orientale. Il a réussi à introduire ses propres idiosyncrasies sur le marché occidental en incorporant de petits éléments dynamiques et reconnaissables qui peuvent être assimilés par les deux cultures apparemment si différentes. Murakami est l'un des artistes les plus influents de la génération japonaise de l'après-guerre. Takashi Murakami a été formé à l'Université nationale des beaux-arts et de la musique de Tokyo, où il a obtenu un diplôme en Nihonga (peinture japonaise traditionnelle). En 1990, il est initié à l'art contemporain par son partenaire et ami Masato Nakamura et, en 1993, il crée son alter ego Mr. Il commence alors à être reconnu à l'intérieur et à l'extérieur du Japon pour sa synthèse particulière entre l'art traditionnel japonais, les courants contemporains de son pays (anime, manga...) et la culture américaine, principalement le courant pop. Dans son œuvre, Murakami transmet une vision critique de la société japonaise actuelle, de l'héritage de la tradition culturelle du pays, de son évolution après la Seconde Guerre mondiale et de sa relation avec le monde occidental, en particulier avec les États-Unis. Dans ses écrits, il a inventé le terme "Superflat" pour définir son style artistique personnel, un terme qui correspond à une œuvre caractérisée par la bidimensionnalité et qui critique également la structure même de l'art, brouillant les frontières entre la haute et la basse culture. En fait, sa production couvre de multiples formes d'art, de la peinture et de la sculpture au design industriel, en passant par les dessins animés, la mode et d'autres médias de la culture populaire et les objets de merchandising. Sa trilogie d'expositions "Superflat" (2000, 2002 et 2005) a été présentée dans d'importants centres d'art du monde entier, tels que la Parco Gallery à Tokyo, le MOCA à Los Angeles, la Fondation Cartier à Paris ou la Serpentine Gallery à Londres. En outre, entre 2008 et 2009, des expositions rétrospectives ont été organisées au MOCA, au Brooklyn Museum de New York et au Museum für Moderne Kunst de Francfort.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 71 - JAVIER TERCERO (Valdepeñas, Ciudad Real, 1970). Sans titre. Série Cyclic Universes V, 2022. Acrylique et aérosol sur toile. Catalogue joint de l'auteur. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 181 x 120 cm. Javier Tercero, Valdepeñas, a étudié le dessin technique et les arts plastiques, avec une spécialisation en "photographie artistique", à l'EASDAL de Tomelloso (C. Real). Il a présenté des expositions individuelles dans les lieux suivants Centre culturel "Cecilio Muñoz Fillol", Musée municipal et Centre d'exposition La Confianza de Valdepeñas ; Hall d'exposition-Primavera-Casa del Reloj, Madrid ; Centro de las Artes, Alcorcón (Madrid) ; IES Ramón Giraldo de Villanueva de los Infantes et EASDAL Antonio López, Tomelloso. Il a également participé à d'autres travaux collectifs, dont voici quelques exemples : IXe concours national Gregorio Prieto, Valdepeñas et musée de la ville de Madrid ; Xe concours d'arts plastiques Ángel Andrade de Ciudad Real ; LXIIe exposition nationale d'arts plastiques de Valdepeñas ; VIe concours Art et énergie Union Fenosa ; IXe concours national Vela Zanetti (Burgos) ; galerie Paloma Sanz (Madrid) ; concours international de photographie PHOCO ; prix Jesús Bárcenas de peinture musée municipal de Valdepeñas et López Villaseñor de Ciudad Real. Ses œuvres font partie de nombreuses collections d'une grande importance artistique, parmi lesquelles la collection de la Junta de Comunidades de Castilla la Mancha, la collection de l'Institut Fernando Zóbel. Cuenca, le conseil provincial de Ciudad Real, le conseil municipal de Manzanares, la collection d'art contemporain de l'UNION FENOSA. Museo de Pintura Hispanoamericana de Palacio de Losada et le conseil municipal de Torrelavega, Cantabrie. Parmi de nombreuses autres collections. Le catalogue de l'auteur est joint.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 72 - JAVIER TERCERO (Valdepeñas, Ciudad Real, 1970). Sans titre. Série Cyclic Universes V, 2022. Acrylique et aérosol sur toile. Catalogue joint de l'auteur. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 181 x 120 cm. Javier Tercero, Valdepeñas, a étudié le dessin technique et les arts plastiques, avec une spécialisation en "photographie artistique", à l'EASDAL de Tomelloso (C. Real). Il a présenté des expositions individuelles dans les lieux suivants Centre culturel "Cecilio Muñoz Fillol", Musée municipal et Centre d'exposition La Confianza de Valdepeñas ; Hall d'exposition-Primavera-Casa del Reloj, Madrid ; Centro de las Artes, Alcorcón (Madrid) ; IES Ramón Giraldo de Villanueva de los Infantes et EASDAL Antonio López, Tomelloso. Il a également participé à d'autres travaux collectifs, dont voici quelques exemples : IXe concours national Gregorio Prieto, Valdepeñas et musée de la ville de Madrid ; Xe concours d'arts plastiques Ángel Andrade de Ciudad Real ; LXIIe exposition nationale d'arts plastiques de Valdepeñas ; VIe concours Art et énergie Union Fenosa ; IXe concours national Vela Zanetti (Burgos) ; galerie Paloma Sanz (Madrid) ; concours international de photographie PHOCO ; prix Jesús Bárcenas de peinture musée municipal de Valdepeñas et López Villaseñor de Ciudad Real. Ses œuvres font partie de nombreuses collections d'une grande importance artistique, parmi lesquelles la collection de la Junta de Comunidades de Castilla la Mancha, la collection de l'Institut Fernando Zóbel. Cuenca, le conseil provincial de Ciudad Real, le conseil municipal de Manzanares, la collection d'art contemporain de l'UNION FENOSA. Museo de Pintura Hispanoamericana de Palacio de Losada et le conseil municipal de Torrelavega, Cantabrie. Parmi de nombreuses autres collections. Le catalogue de l'auteur est joint.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 73 - SILVIA GOYTÍA (Buenos Aires, Argentine, 1958). "La structure inconnue", 2014. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 100 x 100 cm. Selon les propres termes de l'artiste, sa peinture "s'inspire des slogans du constructivisme, d'abord "américaniste" puis plus géométrique". Bien qu'elle ait d'abord décidé d'étudier le droit, elle a suivi un cours de troisième cycle en sculpture à l'École nationale de Buenos Aires Prilidiano Pueyrredón et a suivi une formation de professeur de beaux-arts dans la même école. Il a poursuivi sa formation artistique dans les ateliers d'artistes renommés tels que Rnesto Pesce, Adolfo Nigro, Alberto Delmonte, Jorge Gamarra et Julian Agosta. Tout au long de sa carrière, il a participé à de nombreuses expositions collectives et individuelles au niveau international, notamment à la galerie d'art Settemari. Punta del Este, Uruguay, la Forma Art Gallery, le British Art Council, la Cremolatta Gallery à Miami, la San Diego Art Fair (USA), la Sala Dalmau à Barcelone et le Musée d'art américain d'Uruguay, entre autres. En outre, tout au long de sa carrière, elle a reçu de nombreux prix tels que le premier prix de la Bibliothèque nationale, le premier prix du salon SAAP du musée d'art moderne et le premier prix de sculpture du salon des artistes plasticiens de San Isidro, entre autres.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 74 - SILVIA GOYTÍA (Buenos Aires, Argentine, 1958). "Structure minérale", 2014. Huile sur toile. Signée dans la zone médiane inférieure. Datée et titrée au dos. Dimensions : 100 x 120 cm. Selon les propres termes de l'artiste, sa peinture "s'inspire des slogans du constructivisme, d'abord "américaniste", puis plus géométrique". Dans cette œuvre, l'auteur utilise un langage abstrait, basé sur une géométrie irrégulière, avec un caractère organique à la fois dans sa disposition et dans ses couleurs. Il s'agit d'un style ouvert, dont la caractéristique fondamentale est la conception de la surface picturale dans son ensemble, comme un champ ouvert, sans limites et sans hiérarchie. Ainsi, comme nous le voyons ici, les formes picturales sont le résultat d'une composition et d'une expérimentation réfléchies, avec une image à caractère gestuel, ne se limitent pas à une composition mais vont au-delà, indiquant au spectateur qu'il s'agit de formes, d'idées ou de suggestions qui dépassent les limites du purement pictural. Bien qu'il ait d'abord décidé d'étudier le droit, il a suivi un cours de troisième cycle en sculpture à l'École nationale de Buenos Aires Prilidiano Pueyrredón et a suivi une formation de professeur d'arts plastiques dans la même école. Il a poursuivi sa formation artistique dans les ateliers d'artistes renommés tels que Rnesto Pesce, Adolfo Nigro, Alberto Delmonte, Jorge Gamarra et Julian Agosta. Tout au long de sa carrière, il a participé à de nombreuses expositions collectives et individuelles au niveau international, notamment à la galerie d'art Settemari. Punta del Este, Uruguay, la Forma Art Gallery, le British Art Council, la Cremolatta Gallery à Miami, la San Diego Art Fair (USA), la Sala Dalmau à Barcelone et le Musée d'art américain d'Uruguay, entre autres. En outre, tout au long de sa carrière, elle a reçu de nombreux prix tels que le premier prix de la Bibliothèque nationale, le premier prix du salon SAAP du musée d'art moderne et le premier prix de sculpture du salon des artistes plasticiens de San Isidro, entre autres.

Estim. 4 500 - 5 500 EUR

Lot 75 - EUGENIO MERINO, (Madrid, 1975). "Deadball", 2011. Bronze patiné. Dimensions : 27 x 19 x 27 cm. Nous voyons ici un crâne surdéveloppé, qui prend la forme d'un ballon de football. S'inspirant, avec son sarcasme habituel, de l'élongation crânienne pratiquée par les classes oligarchiques des cultures les plus anciennes (comme on peut le voir dans les fossiles de Paracas), Eugenio Merino glisse ici un commentaire sarcastique sur le reformatage mental que le football a transformé en une grande entreprise de technocrates et de millionnaires. Eugenio Merino est surtout connu pour la controverse qu'il crée avec ses œuvres : du "Jaffar suicida" de l'exposition "Mondolirondo" en 2006, à l'installation "Starway to heaven", en passant par "Always Franco" (présenté à ARCO) ou "For the Love of Go(l)d". Il a commencé à travailler dans le domaine de la peinture, avec des œuvres de moindre contenu que celles d'aujourd'hui (selon ses propres dires, le tournant dans sa carrière est dû à l'ennui des mêmes processus et au fait de ne rien ressentir en tant que spectateur de ses propres œuvres). Il présente son travail politique, typique d'un créateur qui, conditionné par son époque, transfère son idéologie sociale à ses mains et, de là, à l'œuvre sculpturale qui éclabousse le spectateur (comme il se doit). Diplômé en beaux-arts de l'université Complutense de Madrid, il a présenté des expositions individuelles à la galerie Unix (Houston, États-Unis), à Unix Fine Arts (New York, États-Unis), à ADN Galería (Barcelone, Espagne), à la galerie Jerome Zodo (Milan, Italie) et à Louis 21 (Madrid, Espagne), entre autres. Il a réalisé de nombreuses expositions individuelles et collectives et a participé à diverses foires d'art, telles que Volta NY, Volta Basel, ARCO (Madrid), Art Brussels, FIAC (Paris), etc. Art Brussels, FIAC (Paris), Armory Show, Arte Fiera (Bologne), Art BO (Bogota), MACO (Mexique), Art Wynwood (Miami) et a exposé au musée MOCA à Taipei et au BPS22 à Charleroi (Belgique).

Estim. 5 500 - 6 500 EUR

Lot 76 - ARNO BREKER (Elberfeld, Allemagne, 1900-Düsseldorf, Allemagne, 1991) & SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904-1989). "Dalí-Morphosis", 1974-1975. Bronze patiné et doré. Base en marbre. Signé par Arno Breker. Expositions : - Hommage à Salvador Dalí", Schloss Nörvenich, Allemagne, inaugurée par Philippe VI, alors prince, 1991. - Centenaire de la naissance de Salvador Dalí", 2004, sous le patronage de S.M. Juan Carlos I et de la Reine Sofia d'Espagne. Dimensions : 28 x 15,5 x 15 cm (sans la base) ; 36 cm (hauteur avec la base). En 1974, Salvador Dalí invite Arno Breker, sculpteur allemand pour lequel il éprouve une grande admiration, à l'inauguration du Musée Dalí de Figueras, en Espagne. L'Allemand y expose un buste en marbre de Jean Cocteau que Dalí lui-même avait demandé, et raconte l'expérience comme suit : "Après son discours, il a lui-même guidé les invités à travers le musée. Lorsque nous sommes arrivés dans la salle où se trouvait le buste, il a demandé : "Où est Breker ?". Ils m'ont cherché et je me suis approché de lui. La conversation de Dalí s'est tournée vers moi. Devant le public, il m'a serré dans ses bras et m'a remercié d'avoir offert le buste de Cocteau au musée. D'un moment à l'autre, ils m'ont pris le buste. Mais Dalí l'a fait avec un tel charme que je n'ai pas pu dire non". (extrait du livre Schriften d'Arno Breker). L'année suivante, et suite à l'harmonie entre les deux artistes lors de la rencontre, ils entament une collaboration qui aboutit à la réalisation de 10 sculptures uniques et inédites. À cette fin, Breker réalise des portraits exceptionnels de l'artiste de Figueras, sur lesquels Dalí lui-même interviendra par la suite, leur apportant sa touche surréaliste inimitable. Peintre et sculpteur, Salvador Dalí a été l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années 20 et 30. Il est considéré comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres. Arno Breker entre à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf en 1920. En 1927, il s'installe à Paris, où il se familiarise avec les œuvres de Rodin et de Charles Despiau. En 1931, il se rend à Rome. Lors d'un voyage à Florence, il voit le David de Michel-Ange, ce qui signifie pour lui "comme un appel cosmique, comme un ordre, du pur occultisme" pour se consacrer à une sculpture réaliste et harmonieuse. En 1936, à l'occasion des Jeux olympiques de Berlin, il reçoit la commande de trois statues pour le stade. En 1938, il reçoit la commande de deux statues monumentales pour l'entrée de la Nouvelle Chancellerie, qui marqueront le destin de son œuvre. Une semaine plus tard, lorsqu'il présente le projet du Porteur de flambeau et du Porteur d'épée, Adolf Hitler est séduit par les dessins, ce qui marque le début de la période la plus fructueuse de la carrière de Breker, qui devient le sculpteur officiel du régime. Jusqu'en 1945, il sculpte pour les places et les avenues de la capitale du Troisième Reich. Cependant, pendant la Seconde Guerre mondiale, pas même un quart de ses œuvres n'a été épargné par les bombardements ennemis et le vandalisme des troupes d'invasion. Après la Seconde Guerre mondiale, Breker a continué à se consacrer à la fois à l'architecture et à la sculpture, comme en témoignent le bâtiment construit à Cologne pour une compagnie d'assurance en 1955 ou la statue équestre de Mohammed V, roi du Maroc. Salvador Dalí, Ezra Pound, l'athlète Ulrike Meyfarth et le baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza sont quelques-uns des visages célèbres représentés par ce sculpteur.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 77 - JAMES RIELLY (Pays de Galles, 1956). "Avec ou sans Dieu de notre côté", 2017. Acrylique sur toile. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 125 x 104,5 cm. James Rielly est né au Pays de Galles en 1956. Il vit et travaille actuellement entre Paris et le sud de la France. Les œuvres très caractéristiques du peintre britannique James Rielly se concentrent sur les clichés, les idéologies et les métaphores des enfants. En créant des portraits subversifs et parfois surréalistes de jeunes écoliers aux yeux brillants, Rielly aborde les notions de tension sociale et de tradition picturale. Ses séries les plus connues sont Casual Influences (2000) et Sensible Ways (96-97), qui consistent en des portraits à grande échelle inspirés d'histoires et d'images tirées d'articles de journaux locaux. En mettant en évidence certaines caractéristiques et certains rôles chez les enfants, les œuvres de Rielly soulignent la nature dysfonctionnelle des adultes. Depuis 1983, Rielly a présenté ses peintures dans un certain nombre d'expositions individuelles, notamment au Musée des beaux-arts de Nantes (France), à la Spencer Brownstone Gallery (New York), au Fond régional d'art contemporain Auvergne (Clermont-Ferrand), au Centro de Arte de Salamanca (CASA) (Salamanque, Espagne), au Centre d'art Neuchâtel (Suisse) et à Scott White Contemporary Art (La Jolla, Californie), parmi beaucoup d'autres. En 1995, il a reçu une bourse MOMART à la Tate Gallery et en 1997, il a été sélectionné pour le Jerwood Prize. Depuis 2006, il est professeur de peinture à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (France).

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

Lot 78 - FRANCIS BACON (Dublin, 1909 - Madrid, 1992). Panneau droit du "Triptyque 1974-1977". 1981. Gravure à l'eau-forte et à l'aquatinte sur papier Guarro, exemplaire A.P 11/15. Éditeur de Polígrafa, Barcelone. Signé et justifié au crayon. Dimensions : 39 x 29,5 cm (empreinte) ; 65 x 50 cm (papier) ; 68,5 x 53,5 cm (cadre). Gravure de Francis Bacon d'après le panneau droit du triptyque qu'il a réalisé après la mort de son amant George Dyer, qui s'est suicidé dans un hôtel parisien en 1971. En 2008, le triptyque a failli battre le record de l'artiste lorsqu'il a été vendu à Londres pour 26,3 millions de livres. Il s'agit de l'un des "triptyques noirs" exécutés par Bacon après le suicide de Dyer. Le parapluie noir comme symbole inquiétant était déjà présent dans les œuvres précédentes de l'artiste, mais dans ce triptyque, les références littéraires ou artistiques sont diluées, ce qui rend la lecture plus complexe. Il s'agit d'une œuvre subjuguante. Peintre anglo-irlandais né à Dublin dans une famille britannique, Francis Bacon est un artiste clé dans le développement de l'art du XXe siècle en raison de son imagerie brute, choquante et chargée de plasticité. Il a passé son enfance entre l'Irlande et l'Angleterre et, à la puberté, son père l'a exclu de sa famille en raison de ses tendances homosexuelles. En 1925, il est envoyé à Berlin avec un ami de la famille, qu'il finit par séduire. Entre 1927 et 1928, il vit entre Berlin et Paris, et c'est au cours de ces années qu'il découvre le "Massacre des Innocents" de Poussin, œuvre qui éveille en lui un intérêt pour le cri et la bouche. C'est au cours de ces années qu'il décide de devenir peintre, après avoir visité une exposition comprenant plusieurs œuvres de Picasso. Il retourne à Londres et commence sa formation artistique avec l'Australien Roy de Maistre, études qu'il complète de manière autodidacte. Mais ce n'est qu'au milieu des années 1940 (vers 1944) que son triptyque "Trois études pour des figures au pied d'une crucifixion" marque le point de départ de sa carrière artistique. Cette œuvre, considérée comme l'une des plus originales et des plus dérangeantes de l'art du XXe siècle, marque le début de la maturité artistique de Bacon, dont l'œuvre se concentrera dès lors sur le thème de la vie dans la mort et de la mort dans la vie, reflétant son propre caractère autodestructeur. À partir de ce moment-là, son œuvre sera également caractérisée par des figures humaines exposées et vulnérables, expression de "la solitude, de la violence et de la dégradation", selon ses propres termes. La reconnaissance de son travail de maturité est presque immédiate et, en 1949, le MoMA de New York acquiert l'une de ses œuvres. Déjà bien ancré sur la scène artistique internationale, il présente en 1955 sa première rétrospective à l'Institute of Contemporary Arts de Londres. En 1959, il présente une exposition individuelle dans le cadre de la Biennale de São Paulo et, en 1962, une nouvelle rétrospective lui est consacrée, cette fois à la Tate Gallery de Londres. Au cours des années suivantes, Bacon a organisé d'importantes expositions de son œuvre au Guggenheim Museum de New York (1963), au Grand Palais de Paris (1971) et au Metropolitan de New York (1975), ainsi que des rétrospectives au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C., au Los Angeles County Museum of Art, au MoMA de New York et au Musée national d'art moderne de Paris. Plus récemment, la grande rétrospective de l'œuvre de Bacon organisée par la Tate Britain en 2008 a été la plus importante à ce jour. Bacon est actuellement représenté dans les plus grands musées du monde, notamment le MoMA et le Guggenheim de New York, l'Art Institute of Chicago, le MUMOK et l'Albertina de Vienne, le Reina Sofia et le Thyssen-Bornemisza de Madrid, le SMAK de Gand et la Tate Gallery de Londres.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 79 - WILFREDO LAM (Sagua La Grande, Cuba, 1902 - Paris, 1982). Sans titre, 1966. Encre sur papier. Certificat ci-joint délivré par la Fondation Wilfredo Lam. Signé dans le coin supérieur gauche. Daté et localisé (Paris), en bas à droite. Dimensions : 29,5 x 40 cm ; 48 x 59 cm (cadre). Cette œuvre permet d'apprécier le langage artistique développé par Wilfredo Lam, traduit par une série de personnages et d'éléments esthétiques qui sont devenus sa propre iconographie. Dans les années quarante, Lam a commencé une activité artistique basée sur les racines d'un peuple qui, selon le peintre, devait retrouver sa dignité. Les références autochtones se fondent ainsi avec le langage formel appris en Europe pour produire des œuvres où apparaissent déjà les personnages du panthéon yoruba qui peupleront une grande partie de sa production postérieure. Wifredo Lam a été formé à La Havane, où il a étudié à l'École des beaux-arts. Il fait ses débuts individuels au début des années 1920, avec une exposition au salon de l'Association des peintres et sculpteurs de la capitale cubaine. En 1923, il s'installe à Madrid, grâce à une bourse de la mairie de Sagua La Grande, où il poursuit sa formation dans l'atelier de Fernando Alvarez de Sotomayor, directeur du musée du Prado et reconnu pour avoir été le professeur de Salvador Dali. Parallèlement, il fréquente l'Academia Libre del Pasaje de la Alhambra et visite le Prado, où ses préférences vont vers les œuvres de Bosch, Brueghel et Goya. Peu à peu, sa peinture adopte un langage moderne qui combine une structure géométrique avec une certaine veine surréaliste. En 1938, il se rend à Paris, muni d'une lettre de recommandation pour Picasso écrite par Manolo Hugué. Lam, qui avait eu l'occasion d'assister à l'exposition Picasso à Madrid en 1936, définit cette expérience comme "un choc". En 1939, il réalise sa première exposition personnelle à Paris, avec Pierre Loeb. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Lam reste dans les Caraïbes, en contact avec des représentants de l'avant-garde comme Masson et Breton, qui, fasciné par l'œuvre picturale du Cubain, lui demande d'illustrer son poème "Fata Morgana" (1940). De retour à Cuba, Lam entame une activité artistique basée sur les racines d'un peuple qui, selon le peintre, doit retrouver sa dignité. Ainsi, les références autochtones se fondent avec le langage formel appris en Europe pour produire des œuvres où apparaissent déjà les personnages du panthéon yoruba qui peupleront une grande partie de sa production postérieure. Dans la seconde moitié des années quarante, Lam alterne sa résidence entre Cuba, New York et Paris, où il s'installe en 1952. Son prestige international s'accroît progressivement et il expose périodiquement dans des galeries telles que la Pierre Matisse Gallery à New York. Il voyage intensément au cours des années suivantes et, en 1960, il s'installe à Albisola Mare, sur la côte italienne. En 1961, il reçoit le prix international Guggenheim et, entre 1966 et 1967, de multiples rétrospectives de son œuvre sont organisées à la Kunsthalle de Bâle, à la Kestner-Gessellschaft de Hanovre, au Stedelijk Museum d'Amsterdam, au Museum of Modern Art de Stockholm et au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. Wifredo Lam est représenté au Guggenheim et au MoMA de New York, au Museo Patio Herreriano de Valladolid, à la Tate Gallery de Londres et au Museo Thyssen-Bornemisza, entre autres. Un certificat délivré par la Fondation Wilfredo Lam est joint à la présente.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 80 - TINA BERNING (Allemagne, 1969) et MICHELANGELO DI BATTISTA (Italie). "Valerie" 2016. Acrylique et fusain sur impression Ditone. Pièce unique. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 81 x 160 cm ; 89 x 169,5 cm (cadre). Tina Berning est une artiste et illustratrice basée à Berlin. Après avoir travaillé comme graphiste pendant plusieurs années, Tina Berning s'est concentrée sur le dessin et l'illustration en 2000. Depuis, ses illustrations primées sont publiées dans le monde entier et figurent dans de nombreuses anthologies renommées. Les illustrations de Tina Berning ont paru dans des publications telles que le New York Times, Playboy (États-Unis et Allemagne), Vogue (Italie, Nippon, Allemagne), Die Zeit, Süddeutsche Zeitung et Architectural Digest. Sa passion précoce pour l'illustration éditoriale l'a conduite à une contemplation intense de la figure humaine. Refléter le rôle de la femme dans les médias est l'un des thèmes centraux de son travail artistique. Son travail d'artiste est régulièrement présenté dans le cadre d'expositions individuelles aux États-Unis, en Allemagne, au Japon, aux Pays-Bas et au Canada. L'Italien Michelangelo Di Battista a suivi sa formation artistique formelle à Milan, après quoi il a décidé de se rendre à New York et de s'inscrire à la prestigieuse School of Visual Arts, où il s'est formé à la photographie et à l'imagerie. Ce choix semblait naturel pour lui, qui cite sa mère, peintre, comme une influence majeure qui, avec son père, architecte, l'a encouragé et inspiré à poursuivre une carrière dans le monde de la mode et de l'art. Cela fait 20 ans qu'il a commencé sa carrière dans le monde de la mode. Michelangelo Di Battista vit à Londres et voyage dans le monde entier pour ses nombreuses commandes dans le domaine de la mode et de la publicité. Le dévouement et la passion de Michelangelo Di Battista pour son métier ont attiré certains des noms les plus prestigieux de l'industrie de la mode et de la beauté, notamment Versace, Etro, Blumarine, Moschino, Guerlain, Shiseido, Maybelline, Clarins, L'Oreal, Prescriptives, Aveda, Givenchy, Nina Ricci, Lacoste, Tod's et Hugo Boss, pour n'en citer que quelques-uns. Elle a collaboré avec certaines des publications les plus importantes au monde, telles que Vogue Italia, Vogue Germany, Vogue Japan, Vogue China et Harpers Bazaar. Les actrices et artistes hollywoodiennes telles que Natalie Portman, Gwyneth Paltrow, Julianne Moore, Jennifer Aniston, Scarlet Johansson, Hilary Swank, Cameron Diaz, Jennifer Lopez, Kristen Stewart, Beyonce, Rhianna et Gwen Stefani adorent être photographiées par Michelangelo Di Battista, car il donne aux femmes un air séduisant et mystérieux et capture un moment de tranquillité en chacune d'elles, leur donnant un air radieux. En 2010, Michelangelo Di Battista a présenté une grande exposition personnelle à la célèbre galerie Camera Work de Berlin, en collaboration avec l'artiste Tina Berning. Les portraits de femmes réalisés par Michelangelo Di Battista (dont les top-modèles Claudia Schiffer, Amber Valetta et Julia Stegner), ainsi que les applications de Tina Berning, ont brouillé les frontières entre la photographie de mode, le dessin et la peinture.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 81 - SANDÚ DARIE (Roman, Roumanie, 1908 - La Havane, Cuba, 1991). Sans titre, vers 1960. Acrylique sur bois, avec relief. Signé en bas. Certificat ci-joint délivré par Pedro de Oraá. Dimensions : 45,5 x 76 cm. Les œuvres avant-gardistes de Sandú Darie sont inclassables, car elles oscillent entre la peinture et la sculpture, tout en essayant d'éliminer les limites entre l'art et l'artisanat. C'est ce que montre cette jolie pièce où le rouge et le noir sur le blanc prennent du relief, suggérant un langage pictographique imaginaire. Malgré l'influence de Mondrian (voir l'œuvre Broadway Boogie-Woogie de 1949), les pièces de Darie complexifient l'intégration des plans, leur imprimant un rythme particulier, au-delà du minimalisme formel proposé par Mondrian. Artiste pluridisciplinaire, il a travaillé dans différents domaines du champ artistique, parmi lesquels se distinguent la sculpture, la peinture, le dessin, la céramique, la scénographie et la conception de costumes de théâtre. Il commence sa formation académique à Paris en 1926 dans le domaine universitaire du droit. Cependant, son intérêt pour l'art et l'atmosphère artistique de Paros ont permis à Saurdu Darie d'entrer dans le monde de l'art de manière autodidacte. Pendant cette période, l'artiste combine sa formation en France avec sa participation à des revues et journaux progressistes en Roumanie et en France, dans lesquels il réalise des dessins humoristiques. En 1940, il s'engage comme volontaire dans l'armée française et arrive un an plus tard à Cuba. Sur l'île, il commence à réaliser des dessins d'humour qui acquièrent une grande réputation et font de lui un artiste de référence depuis 1942. À partir de 1949, année de sa première exposition à New York, il entame une relation artistique avec Gyula Kosice, fondateur du groupe "Arte Madí", participant ainsi aux expositions de ce groupe et à la publication d'articles dans la revue du groupe. Entre 1958 et 1961, il fait partie du célèbre groupe d'artistes "Diez Pintores Concretos" et, en 1964, il réalise avec Enrique Pineda Barnet le documentaire "Cosmorama. Spatial Poem No. 1", une étude expérimentale des formes et des structures en mouvement. Dans les années 70, sa production a suivi une ligne de projets pour des environnements architecturaux urbains utilisant l'art cinétique comme langage. En 1982, il a été juré du Salón Paisaje '82, Museo Nacional de Bellas Artes, La Havane, et en 1988, juré du III Salón de Premiados, Museo Nacional de Bellas Artes, La Havane, Cuba.Sandú Daire Laver est l'une des figures les plus remarquables de l'art cubain. Il est l'un des principaux précurseurs de l'abstraction dans ses aspects lyriques et géométriques. Un exemple de son expérience de l'abstraction géométrique est cette œuvre plastique qui, par ses caractéristiques formelles et structurelles, a pu être exécutée dans les années 50. En plus d'être l'un des plus grands représentants de l'art cinétique. Parmi ses nombreuses reconnaissances, il faut souligner la mention honorifique du VIIII Salón de Pintura y Escultura del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana en 1956 et sa nomination en tant que membre honoraire de l'Académie royale des beaux-arts de La Haye (Hollande) en 1975, Ses œuvres sont exposées au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía à Madrid, dans de nombreuses collections privées à travers le monde, ainsi que dans des institutions telles que la Casa de las Américas à La Hanana (Cuba) et le MoMA à New York, entre autres. Vous trouverez ci-joint un certificat délivré par Pedro de Oraá.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 82 - DALILA GONÇALVES (Castelo de Paiva, Portugal, 1982). "Mémoire agenouillée", 2012. Céramique, carrelage et béton. Pièce unique. Œuvre exposée à:-Kubic Gallery, "Dalila Gonçalves. Procedere é Processo", Porto 2012." Dimensions : 30 x 50 x 100 cm. "Kneaned Memory" est l'une des propositions les plus représentatives de l'artiste portugaise Dalila Gonçalves. Dans cette œuvre, elle réfléchit à la coexistence entre l'artisanat traditionnel et l'art contemporain au moyen de pierres de ciment sur lesquelles elle ajuste des pièces de céramique peintes à la manière traditionnelle portugaise. L'exposition a été présentée sous la forme d'une installation sur la place Blackenberge (Belgique) lors de la Triennale de Beaufort 2012. "Kneaned Memory" a voyagé dans différentes villes du monde, établissant des dialogues interculturels. À partir du jeu expérimental, de la perméabilité des matériaux et des processus de la pratique artistique, Dalila explore la relation entre la mémoire et l'oubli. Dalila Gonçalves vit et travaille à Porto. Elle est titulaire d'un diplôme en beaux-arts-peinture (2005). Elle est titulaire d'un master en enseignement des arts visuels (2009) délivré par la FBAUP et la FPCEUP (Université de Porto 2009). En 2008, elle a été sélectionnée pour la deuxième édition du cours de photographie du programme Gulbenkian de créativité et de création artistique. Entre 2010 et 2011, elle a travaillé à Barcelone dans l'atelier de l'artiste Ignasi Aballí en tant que boursière du programme Inov-art. Elle a été artiste en résidence dans le cadre du programme KulturKontakt, à Vienne, en Autriche (2017) ; de la résidence Inclusartiz, à Rio de Janeiro (2014) ; de la résidence Pivô- Arte e Pesquisa, à São Paulo (2018) ; de la fondation Marso, à Mexico DF 2020, entre autres. Elle expose régulièrement dans des institutions et des galeries dans différents pays d'Europe et d'Amérique du Sud. Des pays où elle est représentée dans des collections publiques et privées. Elle a présenté son travail, entre autres foires, à Arco Madrid (projet solitaire) ; Zona MACO, Mexique (projet solitaire) ; ArcoLisboa ; ArteRio et SPArte (projet solitaire) Brésil ; ArtBO, Colombie ; ArtLima-Pérou ; Vienna Artfair, Autriche ; Artissima, Italie ou Untitled Miami (USA). Selon l'artiste, "dans mon travail, il y a un processus de dissection, de découverte d'objets, de matériaux, de matières dans toutes leurs couches jusqu'à ce que je parvienne à les voir de l'intérieur. Je parle d'un défrichage tantôt de leur plasticité, tantôt de leur histoire, tantôt de leur fonction, tantôt de tout cela à la fois. Souvent, je le fais à travers un processus de réorganisation poétique des processus de collecte, de systématisation et d'inventaire des matériaux quotidiens et des matériaux altérés par des processus industriels, naturels, chronologiques et atmosphériques - je souligne leurs singularités, ce qui les caractérise et les rend uniques. Parfois, je les fige isolément dans un état spécifique du processus d'analyse ; d'autres fois, dans une sorte de jeu expérimental, en les mettant en dialogue avec d'autres objets, je crée des récits qui peuvent être documentaires ou fictifs".

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 83 - "SIXEART (Badalona, Barcelone, 1975). "Études d'un chien au chômage", 2010. Technique mixte sur toile. Signé dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 100 x 73 cm ; 104 x 77 cm (cadre). Sixeart ou Sixe Art, Sergio Hidalgo Paredes, est un artiste autodidacte multidisciplinaire. Il a commencé sa carrière artistique dans les années 80 en peignant des graffitis dans les rues de Barcelone. Dix ans plus tard, au milieu des années 90, il a commencé à expérimenter la sculpture et la peinture, jusqu'à ce qu'en 1998 il sente le besoin d'ouvrir son propre studio, ce qui lui a permis de se définir en tant qu'artiste visuel. Sixeart exprime avec son travail un univers qui lui est propre à travers différentes disciplines ; depuis ses débuts, son langage artistique a évolué pour devenir ce qu'il est aujourd'hui : un univers abstrait de couleurs doté de formes et de symbologies, qui respire la simplicité et la complexité en même temps. Son œuvre picturale est un mélange équilibré de figuratif et d'abstrait, extrêmement riche en sensibilité. Sixeart part de ses expériences dans le paysage urbain comme principal stimulus créatif ; ses journées dans sa ville, Barcelone, la mélancolie de la ville, ses préoccupations sur l'évolution et ses conséquences, les manipulations génétiques, un romantisme pour le monde qui est laissé derrière, les images qui se perdent dans le temps... tout cela configure son univers plastique personnel. Cet artiste fait partie de l'Equipo Plástico, avec Nuria Mora, Nano4814 et Eltono. Depuis 2000, il a exposé en Espagne, en Allemagne, en France, en Italie, aux États-Unis, en Belgique, au Danemark, en Angleterre, au Brésil, au Pérou et au Mexique. Parmi ses dernières expositions figurent "New World - Intercontinental Transmutation" (A.L.I.C.E. Gallery, Bruxelles, 2010), "From Chillida to Sixeart" (Mayoral Gallery, Barcelone, 2009), "Warriors" (N2 Gallery, Barcelone, 2009). En 2008, il a également exposé avec Blu, Faile, JR, Nunca et Os Gémeos à la Tate Modern de Londres, dans le cadre de l'exposition "Street Art".

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 84 - JUAN CORTÉS AMAYA (Santa Coloma, Barcelone 2009). "Ensueño", 2020. Acrylique sur toile, Certificat joint délivré par l'artiste. Signé dans la partie inférieure du milieu. Titré et daté au dos. Dimensions : 100 x 100 cm ; 106 x 106 cm (cadre). Très jeune, il a déjà exposé dans des foires internationales, des galeries et des musées, ainsi qu'à Monaco, en Italie, à Melilla, à Madrid, à Badalona et à Barcelone, cette dernière fois à la Casa Seat. Ses œuvres font déjà partie de collections privées de personnes célèbres telles que le footballeur Samu Catillejo, le chanteur Diego el Cigala, l'acteur Moreno Borja, le chanteur Rasel, le danseur Rafael Amargo, le chanteur Nani Cortes et de grands hommes d'affaires. Originaire de Santa Coloma de Gramanet, à Barcelone, cet enfant prodige a peint sa première œuvre à l'âge de 6 ans. À 10 ans, Juanito a perfectionné sa technique et continue de produire des œuvres picturales de type "action painting", qui sont exposées pour la première fois dans une galerie d'art à Madrid et seront bientôt présentées à nouveau au public espagnol à Séville et voyageront vers le continent américain pour être exposées à New York City. Très jeune, il a déjà participé à plusieurs expositions. Expositions de groupe : Spectrum, du 12 au 29 septembre 2018 à Santana Art Galler. Miradas creativas" du 4 au 20 octobre 2018 à la Santana Art Gallery. Navidarte" du 21 décembre 2018 au 5 janvier 2019 à la Santana Art Gallery. Festival international d'art" du 21 mars au 5 avril 2019 à la Santana Art Gallery. Exposition d'ouverture internationale (deuxième partie) du 3 au 16 juillet 2019 à la galerie d'art OCCO.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 85 - TANIA FONT (Palamós, Catalogne, 1978). "En déconstruction XV". Ciment, fer, bois, papier et différentes patines. Signée au dos. Dimensions : 70 x 64 x 40 cm. Tania Font explore dans son travail le manque de communication. Les impacts de la réalité (bruits, phénomènes climatologiques, impacts sentimentaux ou vitaux) dans l'esprit des individus à travers le regard subjectif, l'expérience personnelle racontée avec le volume au lieu du texte ou des mots. Tania Font est diplômée en Beaux-Arts, spécialisée en dessin à la Faculté des Beaux-Arts de San Jordi à Barcelone, formation qu'elle a complétée par de nombreux cours de création numérique, de bijouterie et de techniques céramiques. Elle s'est également formée auprès du peintre Manel Alcántara et du sculpteur Rodrigo Gordo, entre autres. Elle est entrée en contact avec l'art au Círculo Artístico de Palamós, où elle a commencé à travailler le dessin en tant qu'élève d'Eduard de Cabrera. Elle a été l'élève du peintre paysagiste Isidre Vilaseca. Sa première exposition collective a eu lieu à la galerie Patrick Domken à Cadaqués. Elle a été résidente de l'usine de création Nau Bostik. Il a collaboré à l'exposition monographique de Josep Clarà au Musée Can Mario de la Fondation Vila Casas en 2020. Il a également participé à des foires telles que Estampa, Volta Art Fair Basel, Art Montpellier.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 86 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). "Invisibles I". Gravure. Édition Barberá, Barcelone. Avec cachet. Signé et dédicacé. Le papier présente des plis. Dimensions : 100 x 71 cm. Jaume Plensa a étudié à l'école de la Llotja et à l'école supérieure des beaux-arts de Sant Jordi, toutes deux à Barcelone. Il excelle dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu le titre de docteur honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 87 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). "Océan Atlantique", 2001. Crayon gras sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 98 x 61 cm ; 101 x 63,5 cm (cadre). Dans cette œuvre de Jaume Plensa, le globe terrestre prend l'apparence d'un visage humain. Ses yeux regardent vers le haut, comme pour nous dire qu'il existe quelque chose au-delà de ce que nous connaissons, un univers inconnu, énigmatique et insondable pour l'être humain. Jaume Plensa a étudié à la Escuela de La Llotja et au Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, tous deux à Barcelone. Il excelle dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu le titre de docteur honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 88 - JOSÉ MANUEL BROTO (Saragosse, 1949). Sans titre, 1989. Acrylique et collage sur toile. Signé et daté au dos. Dimensions : 146 x 144 cm : 146 x 144 cm. Peintre aragonais qui a participé à la nouvelle abstraction des années 1970, et l'une des figures les plus significatives de la peinture espagnole contemporaine, José Manuel Broto a étudié à l'École des arts et métiers de Saragosse, et a exposé ses œuvres pour la première fois en 1968 (galerie Galdeano), montrant un style dans la lignée du constructivisme. En 1972, il s'installe à Barcelone, où il fonde le groupe Trama avec Javier Rubio, Xavier Grau et Gonzalo Tena. Avec ce groupe, il présente son travail en 1976 à la galerie Maeght de Barcelone, avec le soutien d'Antonio Tàpies. Trama publie également une revue d'art du même nom, dont seulement deux numéros paraissent (1976-1977). Cependant, après la dissolution du groupe, Broto s'oriente vers un langage proche de l'expressionnisme abstrait, qui incorpore dans son œuvre un paysage naturel primitif. Il présente ces nouvelles œuvres lors de sa première exposition personnelle à Paris, en 1984, à la galerie Adrien Maeght. L'année suivante, il quitte Barcelone et s'installe dans la capitale française, où il passe dix ans et coïncide avec d'autres artistes espagnols tels que Barceló, Campano et Sicilia. Pendant sa période parisienne, Broto remplace les thèmes romantiques par des formes plus austères et abstraites, et son œuvre se remplit de formes organiques liées à la tradition ascétique et mystique. Au milieu des années 1980, il retourne en Espagne et s'installe cette fois à Majorque. Artiste déjà mûr, il pratique une néo-abstraction directement liée à l'école catalane des années soixante-dix, influencée à l'origine par les principes esthétiques et plastiques du groupe français Soporte/Superficie qui, en 1966, appelait à un retour à la peinture après le désordre produit par les mouvements conceptuels. À partir de 1998, sa gamme de thèmes s'est élargie aux figures spatiales, aux transparences, aux formes atmosphériques, etc., combinées à un traitement coloré et à une structure rigoureuse. Tout au long de sa carrière, Broto a organisé de nombreuses expositions et a reçu le prix national des arts plastiques (1995), le prix ARCO de l'association des critiques (1997) et le prix Goya de gravure d'Aragon (2003). En 1995, le musée Reina Sofía de Madrid lui a consacré une rétrospective. Il est actuellement représenté au Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, au FRAC (Midi-Pyrénées, France), à la Chase Manhattan Bank Collection de New York, à la Juan March Foundation, à la Reina Sofía, au Metropolitan Museum de New York, au Fond National d'Art Contemporain de Paris, à la Kampo Collection de Tokyo, à l'Institut d'Art Contemporain de Paris, à l'Institut d'Art Contemporain de Paris, à l'Institut d'Art Contemporain de Paris, la Kampo Collection à Tokyo, la Fondation Tàpies à Barcelone, la DOVE Collection à Zurich, l'Ateneum à Helsinki, la Peter Stuyvesant Foundation à Amsterdam, le Maeght en France, La Caixa à Barcelone, le Preussag à Hanovre et l'IVAM à Valence.

Estim. 9 000 - 11 000 EUR

Lot 89 - JOSÉ MANUEL BROTO (Saragosse, 1949). Sans titre, 1986. Acrylique sur toile. Signée, datée et localisée (Paris) au dos. Dimensions : 95 x 130 cm ; 97 x 132 cm (cadre). Avec une image à caractère gestuel, l'auteur ne se limite pas à une composition mais va plus loin, indiquant au spectateur qu'il s'agit de formes, d'idées ou de suggestions qui dépassent les frontières du purement pictural, un trait gestuel associé à la couleur en tant que valeur plastique de la substance. À la fin des années quatre-vingt, l'œuvre de Broto se caractérise par sa préférence pour les grands formats, dans lesquels il fait dialoguer des formes diffuses et organiques avec des éléments géométriques, comme on peut le voir dans cette œuvre où différents éléments semblent cohabiter dans un espace indéterminé et inconcret. Peintre aragonais inscrit dans la nouvelle abstraction des années soixante-dix, il est considéré comme l'une des figures les plus significatives de la peinture espagnole contemporaine. José Manuel Broto a étudié à l'École des arts et métiers de Saragosse et a exposé ses œuvres pour la première fois en 1968, dans un style proche du constructivisme. En 1972, il s'installe à Barcelone, où il fonde le groupe Trama. Cependant, après la dissolution du groupe, Broto s'oriente vers un langage proche de l'expressionnisme abstrait, incorporant dans son œuvre un paysage de nature primitive. Il a présenté ces nouvelles œuvres lors de sa première exposition personnelle à Paris, qui s'est tenue en 1984 à la galerie Adrien Maeght. Depuis 1985, il vit et travaille à Paris. Installé à Paris, il dépasse rapidement le soi-disant "impressionnisme abstrait" du début des années 80 et se libère des éléments qui, après son voyage en Italie (1982), s'ajoutent à son répertoire iconographique et chromatique, donnant naissance à une série de tableaux à la tonalité nettement romantique. Après dix ans passés dans la capitale française, au cours desquels il coïncide avec d'autres artistes espagnols tels que Barceló, Campano et Sicilia, il s'installe à Majorque. Avec l'utilisation de grands formats, l'étape suivante de son œuvre est la récupération d'une abstraction à fort contenu chromatique et l'avancée dans la définition spatiale de ses toiles, comme le montrent Capricho (1987) et La misión (1988). Il a reçu le prix national des arts plastiques (1995), le prix ARCO de l'association des critiques en 1997 et le prix Goya de gravure d'Aragon en 2003. En 1995, le musée Reina Sofía de Madrid lui a consacré une rétrospective. Il est actuellement représenté au Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, au FRAC (Midi-Pyrénées, France), à la Chase Manhattan Bank Collection de New York, à la Juan March Foundation, à la Reina Sofía, au Metropolitan Museum de New York, au Fond National d'Art Contemporain de Paris, à la Kampo Collection de Tokyo, à l'Institut d'Art Contemporain de Paris, à l'Institut d'Art Contemporain de Paris, à l'Institut d'Art Contemporain de Paris, la Kampo Collection à Tokyo, la Fondation Tàpies à Barcelone, la DOVE Collection à Zurich, l'Ateneum à Helsinki, la Peter Stuyvesant Foundation à Amsterdam, le Maeght en France, la La Caixa Collection à Barcelone, le Preussag à Hanovre et l'IVAM à Valence.

Estim. 13 000 - 14 000 EUR

Lot 90 - ADRIAN SCHIESS (Suisse, 1959). "Printemps. 2000. Huile et matériaux sur toile. Dimensions : 30 x 50 cm. Dans une grande partie de ses œuvres, Schiess sauve la couleur de la limite formelle, ce qui prend une importance particulière dans "Printemps", où il tire parti de la rugosité aléatoire de la surface, évoquant par la couleur et la matière la surface des fonds marins, bien qu'il puisse également s'agir des vagues de l'océan un jour de printemps, avec leur bleu céruléen caractéristique. Schiess a expérimenté toutes sortes de textures, étudiant les effets perceptifs à travers la coulée de matière picturale. À travers les titres, Schiess suggère des paysages, cachés derrière l'apparence abstraite. L'artiste affirme que ses œuvres ne peuvent être définies ni comme des peintures ni comme des sculptures. Il lui arrive même de les exposer au sol plutôt qu'au mur. C'est un travail qui naît du dialogue avec chaque visiteur : "Je ne considère pas les panneaux comme des objets picturaux. Ce sont des choses à côté d'autres choses. Ce sont des peintures dont les surfaces brillantes reflètent la réalité", explique l'artiste. Adrian Schiess, né à Zurich, vit et travaille à Mouans-Sartoux, en France. Son travail flirte avec des formats variés (photographie, toile, panneaux colorés réfléchissants...) mais avec un seul objectif : traiter de l'apparence du réel. Au sein de l'art contemporain, elles témoignent d'un engagement en faveur de l'abstraction qui, selon Adrian Schiess, est le seul moyen de montrer ce qui n'est soumis à aucune détermination extrinsèque propre. Schiess a présenté des expositions personnelles au Fonds régional d'art contemporain PACA, à Marseille, en France, au Bündner Kunstmuseum, à Coire, en Suisse, au Musée d'art moderne de Saint-Étienne, en France, à Indianapolis, aux États-Unis, et au Musée d'art moderne de Saint-Étienne, en France. Etienne, France, Indianapolis Museum of Art, Indiana, Städtische Galerie Nordhorn, Allemagne, Villa Merkel, Galerien der Stadt Esslingen, Kunstmuseum Solothurn, Suisse, Fundación la Caixa, Barcelone, Neues Museum, Staatliches Museum für Kunst und Design, Nürnberg, Kunsthaus Bregenz, FRAC Bourgogne, Dijon, France, Neue Galerie am Landesmuseum Johanneum, Graz, The New York Kunsthalle, New York, Kunsthalle Zurich, Suisse, ainsi que de nombreuses expositions institutionnelles de groupe dans le monde entier.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 91 - MIQUEL MONT (Barcelone, 1963). "Peau XXVIII. Paris, 2003. Acrylique et gel sur contreplaqué. Signé, daté, titré et situé au dos. Œuvre reproduite sur le site de l'artiste. Provenance : Importante collection espagnole. Dimensions : 200 x 200 cm. Ce tableau appartient à la série des "Peaux", que Miquel Mont définit lui-même comme suit : "Un support pictural (contreplaqué, toile,...) est perforé à intervalles réguliers selon une trame. Cette trame est décentrée ou décalée par rapport aux limites du support. Elle est recouverte de plusieurs couches de peinture épaisse et dense jusqu'à ce que les trous de la trame soient comblés ou aplanis". La peinture de Miquel Mont s'appuie sur les théories de la perception picturale, notamment celles qui mettent en dialogue l'œuvre et l'espace, la représentation et le support. Dans ses expositions, les œuvres "habitent" le mur, échappant à leur fonction traditionnelle de tableau. Miquel Mont a commencé à peindre dans les années 1980. À la fin de cette décennie, il s'installe à Paris, où il travaille et vit depuis lors. Depuis lors et jusqu'à la fin des années 1990, ses œuvres sont travaillées de manière si dense qu'elles finissent par devenir des objets tridimensionnels. Depuis 2000, il combine son travail artistique avec l'enseignement. Il enseigne actuellement à l'École supérieure d'art et de design TALM-Tours et à l'École nationale supérieure d'architecture de Paris-Belleville. Il a exposé dans toute l'Espagne, par exemple au Centre d'Art la Panera, ou en France, dans des espaces tels que la Galerie Aline Vidal ou le FRAC Alsace, mais aussi en Autriche. Dans le même ordre d'idées, ses œuvres figurent dans de nombreuses collections, telles que la collection "la Caixa", le musée des beaux-arts d'Alava ou le Mumok. Dans ses œuvres, les matériaux industriels sont présentés nus, montrant leur rugosité et l'économie de moyens qui caractérise le travail de l'artiste. Le méthacrylate ou le bois deviennent des outils qui brisent les cadres de présentation pour s'étendre et dialoguer avec l'espace où ils sont présentés. Sélection d'expositions individuelles : 2019 Galerie HUS, ESADHaR, Rouen, France Horizontal, Miquel Mont Guillermo Mora, La Fragua, Tabacalera, Madrid -Mal Tiempo, Galeria Trinta, Santiago de Compostela. 2018 Traces et affects, Artothèque de Vitré, France 2017 Lo peor, lo peor de todo, Galeria Altxerri, Donostia 2016 La economía dicta todo, Formato Cómodo, Madrid 2015 Fundació Suñol, Barcelona. Sélection d'expositions collectives : 2019 La Ronde, Musée des Beaux-Arts de Rouen, France. 2018 De(s)rives, un parcours à l'île Saint Louis, Galerie Aline Vidal, Paris, France 2016 Abbaye St André, Centre d'art Contemporain, Meymac, France. 2014 Le Mur, collection Antoine de Galbert, La maison Rouge, Paris, France 2013 Une promesse de changement, commissaire Alain Coulange, Belfort, France.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 92 - KENDELL GEERS (Afrique du Sud, 1968). "Mutus Liber, 2016. Encre de Chine et gesso. Dimensions : 50 x 15 x 15 cm. Cette sculpture s'inspire d'un fétiche africain, que Kendell Geers imprègne d'une charge politique notoire en combinant l'apprêt blanc et l'encre noire, faisant allusion aux larmes silencieuses versées depuis des décennies en Afrique, en raison de la souffrance des indigènes causée par les pratiques coloniales dans les différents pays du continent, mais surtout, faisant référence à l'apartheid en Afrique du Sud, le pays d'origine de l'auteur. Sur le plan esthétique et conceptuel, dans l'œuvre de Geers, les pratiques animistes africaines fusionnent avec les traditions européennes d'avant-garde. Les titres de ses sculptures appartenant à la série "Mutus Liber", qui signifie "Livre muet", sont suffisamment explicites. Kendell Geers se décrit comme un "AniMystikAKtivist", qui tisse des liens entre diverses traditions afro-européennes, la spiritualité, l'activisme et le mysticisme. Geers est né à Germiston (Afrique du Sud) et vit et travaille actuellement à Bruxelles. À l'âge de quinze ans, il s'est enfui de chez lui pour rejoindre le mouvement anti-apartheid, et a finalement fui le pays pour Londres, puis New York. Lors de la Biennale de Venise de 1993, elle a officiellement changé sa date de naissance pour mai 1968, une année charnière dans l'histoire mondiale en matière de protestation politique et d'égalité. Cet acte représente le rejet par Geers de l'héritage culturel qui a façonné son éducation et sa renaissance en tant qu'artiste et activiste. Les peintures, sculptures et interventions de Geers, qui couvrent un large éventail de médias, utilisent des jeux de mots et des motifs en couches denses pour exposer les structures idéologiques. S'appuyant sur des références diverses - histoire de l'art, linguistique, poésie, protestation et jeu - ses œuvres remettent en question la valeur artistique et se moquent des notions d'originalité. Son travail révèle un humour acéré, combinant l'énergie brute du punk avec la philosophie spirituelle de poètes tels qu'Arthur Rimbaud, William Blake et William S. Burroughs. L'art peut "changer le monde, perception par perception". Geers a exposé à la Triennale de Setouchi 2022 et aux Triennales de Bruges et de Courtrai 2021 en Belgique. Love, By Any Means Necessary", la sixième exposition personnelle de l'artiste à la Stephen Friedman Gallery, a ouvert ses portes en février 2020. Une grande rétrospective de son œuvre, organisée par Okwui Enwezor, a eu lieu à la Haus der Kunst de Munich en 2013. Il a participé à la Documenta 14 en 2017 et à la Documenta 11 en 2002 à Kassel, en Allemagne. Les œuvres de Geers ont été présentées à la Biennale de Venise en 2019, 2007 et 1993. Quelques œuvres dans les collections publiques : "Brick" 1988, Johannesburg Art Gallery, Johannesburg, Afrique du Sud "T.W. (I.N.R.I.)" 1994, Centre Pompidou, France, Paris, France. 1994, Centre Pompidou, Paris, France. "T.W. (Scream)" 1999, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gand, "Akropolis Redux (The Directors Cut)" 2004, Musée national d'art contemporain, Athènes, Grèce. "Monument à l'anarchiste inconnu" 2007, Collection BPS22, Charleroi, Belgique. "Mutus Liber 953" 2014, Musée d'art contemporain, Anvers, Belgique.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 93 - BERNARDÍ ROIG (Palma de Mallorca, 1965). Sans titre, vers 2010. Résine polyester, lumière. Sculpture-installation. Dimensions : 28 x 22 cm (tête). Cette pièce fait partie de l'une des séries de sculptures les plus emblématiques de Bernardí Roig : des figures ou des têtes à corps entier dont la couleur blanche renvoie à l'absence (à la présence fantomatique) ; et la lumière fluorescente comme symbole de la cécité humaine, des déficits de la mémoire historique et de la crise de l'identité collective. Le visage présente des traits réalistes, presque naturalistes, car l'auteur s'appuie toujours sur des personnes réelles, sur des amis qu'il prend pour modèles. Bernardí Roig est considéré comme l'un des artistes espagnols contemporains les plus importants sur la scène internationale, ayant exposé dans de nombreuses galeries, musées et institutions dans le monde entier. Sa production comprend des peintures, des installations, des vidéos et même des essais. Il a reçu des prix importants tels que le prix spécial de la Fundació Pilar i Joan Miró, le prix Sotheby's, la Biennale d'Égypte en 2001 ou le prix officiel de la XXIe Biennale internationale d'art graphique de Slovénie. Depuis le milieu des années 90, il a organisé des expositions individuelles dans des galeries, musées et centres d'art de premier plan, tels que la Fondation Miró (1995), la salle Totem il Cannale à Venise (1996), le Musée d'art contemporain et de design de San José au Costa Rica (1997), la Fondation Ludwig à La Havane (1999), le musée Jacobo Borges au Venezuela (2000), le musée des beaux-arts d'Oviedo (2000), la galerie Max Estrella à Madrid (2000), la galerie Adriana Schmidt à Cologne (2000), la galerie Claire Oliver à New York (2002) et le musée Ludwigsburg à Stuttgart (2002). Il a également participé à la Biennale de Venise (2001), à la Biennale d'Égypte (2001) et à la foire Arco de Madrid. Il est actuellement représenté par les fondations AENA, Miró et La Caixa, les musées Jacobo Borges et Sofía Imber au Venezuela, le ministère de la culture de Majorque, le musée Saikade au Japon, la collection Gille en Belgique, la fondation Ludwig à Cuba et le musée d'art contemporain du Costa Rica.

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

Lot 94 - GEORGES ROUSSE (Paris, 1947). "Luxembourg : Fers à Bétons", 2004. Impression sur aluminium, exemplaire 1/5. Signé et titré au verso. Étiquette avec cachet au dos. Dimensions : 160 x 125 cm ; 165 x 132 cm (cadre). Le travail de Georges Rousse se caractérise, depuis le début des années quatre-vingt, par les relations qu'il établit entre la photographie, la peinture, la sculpture et l'architecture. Son intérêt pour les lieux abandonnés, démantelés et en ruine, ainsi que pour ce que ces espaces révèlent de la culture qui les a générés, l'a conduit, en 1986, à s'installer pour un temps dans l'ancien hôpital psychiatrique Van Gogh, dans la ville française d'Arles. Le résultat de ce séjour est la série Arles, point de départ de l'exposition du MACBA. Son travail est un exemple très significatif de l'importance que la photographie a acquise tout au long des années 80 et une preuve supplémentaire de la valeur de l'appareil photographique en tant qu'outil de création contemporaine. Brisant les restrictions habituelles entre les médias artistiques, son travail unique a rapidement marqué le monde de l'art contemporain. Depuis sa première exposition à Paris, à la Galerie de France en 1981, Georges Rousse n'a cessé de réaliser ses installations et de montrer ses photographies dans le monde entier, en Europe, en Asie (Japon, Corée, Chine, Népal), aux États-Unis, au Québec et en Amérique latine. Il a participé à de nombreuses biennales (Paris, Venise, Sydney) et a reçu de nombreux prix prestigieux : 1983 : Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987 : Villa Medicis, Rome 1988 : International Center of Photography Award, New York 1989 : Prix du dessin Salon de Montrouge 1992 : Bourse Romain Roland, Calcutta 1993 : Grand Prix National de Photographie 2008 : Succède à Sol LeWitt comme membre associé de l'Académie royale de Belgique. Il est représenté par plusieurs galeries européennes et ses œuvres font partie de nombreuses collections importantes dans le monde entier. Étiquette avec cachet au dos.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

Lot 95 - TERRY HAGGERTY (Londres, 1970). "Stroke, New York, 2008. Acrylique sur toile. Signée, datée, localisée et titrée au dos. Dimensions : 183 x 164 cm. Les peintures de Terry Haggerty combinent de manière inédite les approches phénoménologiques de l'Op Art et du Minimalisme. Il y intercale des lignes monochromes qui, en contrepoint du blanc et grâce à une douce courbure, créent la perception illusoire de la tridimensionnalité, donnant une sensation de volume et de profondeur. Techniquement, sa production se distingue par la précision de son travail manuel, avec des formes mesurées, méticuleuses et calibrées. Selon les propres déclarations de l'artiste à propos de ses œuvres exposées à l'espace Ivorypress de Madrid, "je me concentre beaucoup sur l'espace et je trompe le spectateur ; j'essaie de le faire lutter pour maintenir l'horizontalité de l'objet et finir par accepter qu'une pièce qui semble être repliée sur elle-même et flotter dans l'air est en réalité un élément plat fait de bois", Formé à l'école d'art de Cheltenham, Terry Haggerty jouit d'une réputation de longue date. Il a exposé dans de nombreuses galeries et musées du monde entier, dont Sikkema Jenkins, New York ; Max Hetzler, Berlin ; Hammer Museum, Los Angeles ; Aldrich Museum, Connecticut ; et PS1, Long Island City. Il a notamment réalisé des dessins muraux pour le stade des Cowboys de Dallas, le Munich Re de Londres et des collections privées aux États-Unis et en Allemagne. Haggerty a également reçu plusieurs prix, dont le For-Site foundation Award (2009), le John Anson Kittredge Award (2003) et le Natwest Art Prize (1999). Il est actuellement représenté dans les collections suivantes : Collection Charles Schwab & Co, Inc Corporate Headquarters, San Francisco, CA Collection Hoofddorp cultural center, Haarlemmermeer, Pays-Bas Collection KKR, Menlo Park, CA Munich Re Art Collection, Londres, Royaume-Uni Collection Paul & Stacy Jacobs, San Diego, CA Sammlung Haubrok, Düsseldorf, Allemagne The Art Collection Cowboys Stadium, Arlington, TX Haggerty vit et travaille actuellement à Berlin. Ses œuvres ont été largement exposées dans des galeries et des musées du monde entier, notamment lors de présentations individuelles au Norton Museum of Art, West Palm Beach, FL, au Modern Art Museum of Fort Worth et au Hammer Museum, Los Angeles.

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 96 - LOLÓ SOLDEVILLA" ; Dolores Soldevilla Nieto (Pinar del Río, Cuba 1901-Havana, 1971). "Marin avec un bateau", vers 1954. Sculpture mobile en métal (bronze, fer et aluminium), On trouvera ci-joint un certificat délivré par Doña Martha Flora Carranza Barba, petite-fille de l'artiste. Présente le cachet et la signature de l'artiste. Dimensions : 83,3 x 50 x 18 cm. Loló Soledevilla a été la première personne à Cuba, et l'une des premières en Amérique latine, à présenter des sculptures totalement interactives. Dans ce cas, l'œuvre est présentée par l'artiste comme un collage métallique dont chaque élément a un mouvement indépendant, ce qui permet au spectateur d'interagir avec l'œuvre d'un point de vue ludique, une caractéristique fréquente dans l'œuvre sculpturale de Soldevilla, qui souhaitait que les spectateurs de ses œuvres puissent accéder à ses pièces d'une manière personnelle, intervenant ainsi dans le processus créatif. Dans ce cas particulier, l'auteur part de la figuration, créant un bateau grâce à l'utilisation de métaux forgés et assemblés, exaltant ainsi les valeurs de la tradition artisanale et de sa culture. Sa carrière artistique a toujours été marquée par l'expérimentation, non seulement stylistique mais aussi technique, et elle a réalisé des œuvres dans différents médias tels que la sculpture, la gravure et le dessin. Sa carrière artistique débute en 1948, influencée par son amitié avec Wifredo Lam, qui l'encourage et le soutient dans ses débuts dans le monde de la peinture. En 1949, il s'installe à Paris, où il étudie à l'Académie de la Grande Chaumière, tout en effectuant de fréquents voyages et expositions à Cuba pour y présenter son travail. En 1951, elle rejoint l'atelier de Dewasne et Pillet, où elle reste deux ans, et suit un cours sur les techniques de l'estampe par Hayter et Cochet, maintenant et encourageant les échanges créatifs avec l'École de Paris. Liée au Mouvement du 26 juillet, elle est contrainte de vivre dans la clandestinité, puisque pendant la période prérévolutionnaire, elle collabore à Diario de la Marina, Carteles, Información, El País, Avance, Porvenir, Tiempo en Cuba et Survey, ainsi qu'aux publications parisiennes Combat et Arts. Après le triomphe révolutionnaire de 1959, elle rejoint le journal Revolución en tant que rédactrice et, au cours de l'année académique 1960-1961, elle s'établit comme professeur d'arts plastiques à l'école d'architecture de l'université de La Havane. Dès lors, Dolores Soldevilla combine sa carrière artistique avec son travail d'enseignante à l'école d'architecture de l'université et au journal Granma. Grâce à ses approches esthétiques, le Grupo Espacio a vu le jour et elle a fait partie du groupe Diez Pintores Concretos ; elle a été membre de l'UPEC et de l'UNEAC et a collaboré avec Bohemia. Au cours de sa vie, son œuvre a été exposée dans d'importants espaces artistiques tels que le Palacio de Bellas Artes à Cuba, à Caracas (Venezuela), à Paris, à Valence, à Valladolid (Espagne), en Tchécoslovaquie, etc. Aujourd'hui, son œuvre est conservée dans de nombreuses collections privées du monde entier et dans des institutions telles que le Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba (où se trouve la principale collection).

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 97 - MARK JENKINS (Virginie, 1970). "Tel père, tel fils", 2017. Paire de sculptures en techniques mixtes. Mesures : 180 x 90 x 50 cm (la plus grande). "Tel père, tel fils" pourrait être le titre alternatif de "Tel père, tel fils", une paire de sculptures hyperréalistes représentant un garçon et un homme qui cachent leur identité derrière une cagoule, portant des vêtements décontractés et tenant dans une main une barre de métal. La couleur noire qui recouvre les personnages les transforme en ombres métaphoriques, en projections mentales des peurs collectives qui nous saisissent dans les villes. Mark Jenkins s'est fait connaître et reconnaître pour ce type de personnages de rue (vagabonds, cagoulés, suspects par leur apparence ou par leurs postures étranges) qu'il plaçait dans l'espace public sans préavis et qui, à de nombreuses reprises, ont fait intervenir la police, les pompiers ou les ambulances. Mark Jenkins est un artiste américain qui crée des installations sculpturales de rue. Il utilise la "rue comme une scène", où ses sculptures interagissent avec l'environnement, y compris avec les passants qui deviennent involontairement des acteurs. Ses installations attirent souvent l'attention de la police. Son travail a été décrit comme fantaisiste, macabre, choquant et situationniste. Jenkins cite Juan Muñoz comme sa première source d'inspiration. En plus de créer des œuvres d'art, il enseigne ses techniques de sculpture et ses pratiques d'installation dans le cadre d'ateliers. Il vit actuellement à Washington, DC. En 2005, il commence à travailler avec Sandra Fernandez sur le Storker Project, une série dans laquelle des moulages transparents de bébés-jouets sont installés dans différentes villes pour interagir avec l'environnement qui les entoure[10]. Jenkins et Fernandez ont ensuite créé d'autres installations avec des animaux en ruban : des chiens jouant dans les ordures, des girafes grignotant les sacs en plastique des arbres et des canards nageant dans les fossés. D'autres projets en plein air explorant l'interférence culturelle incluent Meterpops, Traffic-Go-Round et Signs of Spring. En 2006, Jenkins a commencé la série Embed. Des moulages de ruban adhésif ont été remplis de papier journal et de ciment, puis habillés pour créer des duplicatas sculpturaux hyperréalistes de lui-même et de Fernandez. Ces nouvelles installations sculpturales très réalistes ont semé la confusion et poussé certains passants à appeler le 911, ce qui a entraîné l'arrivée sur les lieux de la police et, parfois, des unités de secours. En 2008, Jenkins a collaboré avec Greenpeace à une campagne de sensibilisation, Plight of the Polar Bears, pour attirer l'attention sur la fonte des calottes glaciaires de l'Arctique. Jenkins a créé des personnages réalistes qui ressemblaient à des sans-abri, mais avec des têtes d'ours polaires empaillées. Jenkins a participé à des événements d'art public tels que Interference (Barcelone, 2008), BELEF (Belgrade, 2009), Dublin Contemporary 2011, Inside Out (Southeastern Center for Contemporary Art, Winston-Salem, 2009), Living Layers (Rome, 2012), Les Vraisemblables (Nuit Blanche, Paris, 2014), Passages Insolites (Ex Muro, Québec, 2021) Embed Bodies (Un Été au Havre, Le Havre, 2022). Dans le domaine des intérieurs, Jenkins a exposé internationalement dans des galeries et des musées, tout en poursuivant sa série Embed dans des lieux publics tels que des cafés, des écoles et des halls d'entrée d'immeubles. Parmi les expositions personnelles, citons Glazed Paradise à Diesel Gallery (Tokyo, 2008), Meaning is Overrated à Carmichael Gallery (Los Angeles, 2009), Terrible Horrible à Ruttkowski, Gallery (Cologne, 2014), Moment of Impact à Lazarides Gallery (Londres, 2015), et Remix à L'Arsenal (Montréal, 2016). En 2018, Jenkins et Fernandez ont créé Project84, à Londres, en Angleterre. L'œuvre a été conçue pour sensibiliser au suicide des hommes adultes. Sur le plan commercial, Jenkins a collaboré avec la marque de mode Balenciaga.

Estim. 20 000 - 22 000 EUR

Lot 98 - XAVIER MASCARÓ (Paris, 1965). "Guerrier" 2014. Fonte. Dimensions : 164 x 60 x 60 cm. Xavier Mascaró a développé un large corpus de guerriers et de gardiens qui ont été vus dans l'espace public de nombreuses villes et dans des expositions internationales. Des armées de gardiens ont été vues sur le Paseo del Prado à Madrid (2010) ou devant le musée Can Framis à Barcelone (sculptures offertes à la ville par la Fundació Vila Casas). Mais, contrairement à ces guerriers assis dans une attitude de méditation, le "guerrier" représenté ici avance une jambe dans une attitude de marche, comme si le fantôme antique qui portait autrefois l'armure complète prenait vie. Marcaró imprime une patine sur le matériau avec laquelle il simule la rouille d'une antiquité mystérieuse, provenant peut-être d'une civilisation inconnue ou d'une épave sauvée du fond de la mer. Dans ce guerrier saisissant, comme dans le reste de sa production, Mascaró dialogue avec le patrimoine de la culture matérielle. L'utilisation particulière du fer confère à ses créations totémiques un caractère inquiétant qui nous amène à réfléchir sur la mémoire et l'histoire. Xavier Mascaró est un sculpteur et peintre espagnol né à Paris, d'origine française, roumaine et catalane. Il a vécu à Madrid, New York, Londres et Mexico. En 2002, il a reçu une bourse pour étudier à l'Académie espagnole de Rome. Il vit et travaille actuellement dans ses ateliers de Mexico et de Lisbonne. Il jouit d'une grande reconnaissance de la part des critiques et du public, ayant exposé dans les principaux centres d'art de Paris, Caracas, Vienne, Monte Carlo, Cartagena de Indias, Madrid, New York et Londres, Londres, Madrid, Séville, dans des lieux aussi reconnus (aussi bien dans les galeries et les musées que dans les espaces publics) que la Saatchi Gallery (Londres), le Palais royal (Paris), le Kunsthistorische Museum (Vienne), Warehouse 421 (Abu Dhabi), la Marlborough Gallery (New York et Madrid), le Paseo de Recoletos et le Paseo del Prado (Madrid) et le Museo del Templo Mayor et le Centre culturel d'Espagne (Mexico). En 2014, il a présenté une exposition personnelle à la Saatchi Gallery de Londres. Mascaró est l'un des sculpteurs espagnols contemporains les plus présents sur la scène internationale. "L'œuvre de Mascaró renvoie à l'humain à travers l'intemporel, à ce qui reste de ce que nous avons été, ou à ce que nous reconnaissons de ce que nous sommes dans notre lointain passé. Son projet artistique nous transporte formellement dans le passé, tout en proposant une multiplicité de lectures qui nous confrontent au présent", comme le décrit le musée Wurt, qui a récemment consacré une exposition à l'artiste.

Estim. 20 000 - 22 000 EUR

Lot 99 - MIGUEL ÁNGEL CAMPANO (Madrid, 1948 - 2018). Sans titre. Ensemble de 62 peintures à l'huile sur toile. Signées et numérotées au dos. Dimensions : 30 x 21 cm (chacune). Comme le montre cet ensemble de 62 toiles, à partir des années 90, l'œuvre de Campano a subi différents processus de dépouillement : d'une part, les références à la tradition ont été supprimées et, d'autre part, la couleur a été exclue de sa peinture, ne travaillant que le noir sur la toile nue. La géométrie, quant à elle, devient un aspect essentiel de sa production. Miguel Ángel Campano est l'un des référents de ce que l'on appelle la rénovation de la peinture espagnole, qui a eu lieu dans les années 80 et à laquelle ont également participé Ferrán García Sevilla, José Manuel Broto, José María Sicilia et Miquel Barceló. Dans les années 70, il s'installe à Paris grâce à une bourse d'études ; l'année prévue se transforme en un séjour de plus de dix ans, où il vit et développe sa brillante carrière picturale. Il s'installe ensuite à Majorque. En 1980, il fait partie de l'exposition Madrid DF, au musée municipal de Madrid, avec plusieurs artistes dont ceux qui l'accompagnent aujourd'hui au palais de Velázquez, à l'exception de García Sevilla. Cinq ans plus tard, il est sélectionné, avec d'autres artistes de sa génération, alors tous jeunes peintres, comme Miquel Barceló, qui était déjà une figure remarquable, et José María Sicilia, pour une exposition collective à New York. En 1996, il reçoit le prix national des arts plastiques. Il vient de subir une grave attaque cérébrale et est opéré à Madrid. Cela l'oblige à passer plusieurs mois sans peindre. Il peint alors "uniquement en noir", une couleur très symbolique selon ses propres dires. Trois ans plus tard, le musée Reina Sofia organise dans ce même Palacio de Velazquez une exposition consacrée à son travail récent, celui des années 90. Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées, comme le British Museum à Londres, le Centre Pompidou à Paris et le Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía à Madrid.

Estim. 60 000 - 70 000 EUR

Lot 100 - JOSE MARIA SICILIA (Madrid, 1954). Sans titre, 2000. Technique mixte (huile et cire) sur bois. Signé au dos. Daté et localisé (Soller). Provenance : Galerie Joan Prats à Barcelone. Dimensions : 252 x 160 cm ; 252 x 162 cm (cadre). Lumière et obscurité, chaos et cosmos, ordre et hasard, sont l'avers et le revers de la philosophie vitale et artistique de José María Sicilia. Dans cette composition de grand format, la latence cosmique et la lumière mystique sont suggérées par l'utilisation de la cire (que Sicilia a toujours comprise dans sa symbolique plastique de la trace, de la poésie, de l'éphémère et de la mémoire) sur un fond sombre comme le ciel nocturne. Sicilia commence ses études à l'École des beaux-arts de Madrid, qu'elle abandonne en 1980 pour s'installer à Paris. Deux ans plus tard, il présente sa première exposition personnelle, dans un style en phase avec le néo-expressionnisme alors en vogue en Europe. C'est au milieu des années quatre-vingt que son œuvre atteint une grande projection nationale et internationale. En 1986, il présente à la Blum Helman Gallery de New York un ensemble d'œuvres qui témoigne d'une forte épuration du style précédent, vers une peinture abstraite dans laquelle il élimine progressivement toute référence formelle. Dans les années quatre-vingt-dix, cette esthétique réductionniste affectera la gamme chromatique, laissant les formes suggérées par la réflexion de la lumière sur la surface. Un nouveau traitement matériel à la résonance poétique subtile, à base de cires qui laissent les thèmes floraux légèrement transparents, ramène la couleur dans une œuvre déjà pleinement consacrée. José María Sicilia a reçu le Premio Nacional de Artes Plásticas (1989), et est représentée au Musée Reina Sofía de Madrid, au MOMA et au Guggenheim de New York et au CAPC de Bordeaux, parmi de nombreux autres centres d'art et musées.

Estim. 60 000 - 70 000 EUR

13 mai - Art contemporain

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