11th July - Classics of the 19th & 20th century

Los 1 - VILHEM JACOB ROSENSTAND (Kopenhagen, 1838-1915). "Gasthaus innen". Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Es stellt einige Mängel in der goldenen Rahmen. Maße: 60 x 48 cm; 85 x 72 cm (Rahmen). In den Genre- und Tavernenszenen war Vilhem Rosenstand besonders geschickt und entwickelte großen Einfallsreichtum für die psychologische und anthropologische Erfassung. Dies zeigt sich in dieser Innenszene einer Taverne, in der das knisternde Feuer des Kamins eine warme und gemütliche Atmosphäre schafft. Zwei regional gekleidete Personen, deren Jacken mit Stickereien auf schwarzem Samt verziert sind und deren Beine in weite Unterhosen gehüllt sind, haben mit ihren buschigen Schnurrbärten ähnliche Gesichter, zeigen aber sehr unterschiedliche Haltungen. Der eine starrt geblendet auf die junge Frau, die auf dem Tisch sitzt, während sein Begleiter auf das Holz des Tisches schaut. Sie trägt einen Amethyststein auf der Brust, und ihr Busen wird durch den engen Pullover betont. Auf mehreren Plakaten an der Rückwand wird für lokale Konzerte geworben. Vilhelm Jacob Rosenstand war ein dänischer Maler und Illustrator. Sein bekanntestes Werk ist ein Wandgemälde, das den Festsaal der Universität von Kopenhagen schmückt. Der in Kopenhagen geborene Rosenstand besuchte ab 1858 die Königliche Dänische Akademie der Schönen Künste und wurde von seinem Lehrer Wilhelm Marstrand unterrichtet. Er studierte auch an der Schule von Léon Bonnat in Paris (1881-82)[2] 1861 stellte er erstmals in Charlottenborg mit Genrebillede fra Vendsyssel aus, bevor er 1864 als Leutnant im Zweiten Schleswigschen Krieg diente. Seine Kriegserfahrungen spiegeln sich in Werken wie Fra Saxarmen ved Dannevirke. Morgen efter Bustrup-Fægtningen, für das er 1865 den Neuhausener Preis (De Neuhausenske Præmier) erhielt. Im Jahr 1869 reiste er mit einem Stipendium der Akademie nach Rom, wo er mehrere Jahre verbrachte. Auf der Wiener Weltausstellung von 1873 erhielt er einen Preis für sein Werk En Campagnuol og hans Hustru. In Italien schuf er mehrere Genrebilder, darunter Ved Kirkedøren (An der Kirchentür, 1876), En Landsbyfrisør (Der Dorffriseur, 1878) und Forlegenhed (Schande, 1880). Von Rom zog er 1881 nach Paris, wo er Genrebilder mit Alltagsszenen malte, wie Udenfor et Brasserie i Paris. Moder og Søn ved Pousse-Caféen (Außerhalb einer Brasserie in Paris. Mutter und Kind im Café Pousse, 1882), für das er die Thorvaldsen-Medaille erhielt.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 2 - FRANCISCO PRADILLA ORTIZ (Villanueva de Gállego, Zaragoza, 1848 - Madrid, 1921). "Die Juweliere des Markusplatzes in Venedig, in der Abenddämmerung", 1877. Öl auf Karton. Signiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 17 x 27 cm; 36 x 46 cm (Rahmen). Francisco Pradilla beginnt seine Ausbildung als Lehrling von Mariano Pescador und in der Schule der Schönen Künste von San Luis de Zaragoza. Im Jahr 1868 setzt er sein Studium an der Kunstschule San Fernando in Madrid fort, wo er Schüler von Federico de Madrazo und Carlos de Haes ist. Im Jahr 1874 gewann er den Zeichenpreis der "Spanischen und Amerikanischen Aufklärung" und erhielt ein Stipendium für ein Studium in Rom, wo er dreiundzwanzig Jahre lang lebte, bis er 1897 zum Direktor des Prado ernannt wurde. Im Jahr 1878 nahm er an der Nationalen Ausstellung in Madrid teil und wurde mit der Ehrenmedaille ausgezeichnet, die er im selben Jahr auch bei der Weltausstellung in Paris erhielt. Infolge dieser Erfolge erhielt er zahlreiche Aufträge nicht nur aus Spanien und Frankreich, sondern auch aus Amerika und anderen europäischen Ländern. Er reist durch Spanien und interessiert sich dafür, Szenen lokaler Bräuche voller Anmut und Farbe festzuhalten. Seine Werke waren Teil von Ausstellungen und Wettbewerben in Städten auf der ganzen Welt, wie z. B. London, Paris, Berlin, Sao Paulo und Buenos Aires. Er war Direktor der Spanischen Akademie in Rom und Mitglied der Königlichen Akademien von San Fernando und San Luis, der Französischen Akademie und der Hispanic Society of New York. Er wurde unter anderem mit dem Kreuz von Isabella der Katholischen und der Ehrenlegion ausgezeichnet. Werke von Francisco Pradilla befinden sich u. a. im Prado-Museum, in den Museen der Schönen Künste von Bilbao, Buenos Aires, Havanna und São Paulo, im MACBA in Barcelona, in der Christchurch Art Gallery in Neuseeland und im Romantischen Museum in Madrid.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 3 - CARLES NADAL FARRERAS (Paris, 1917 - Sitges, Barcelona, 1998). "Innenszene". 1975. Gemischte Medien auf Papier. Signiert und datiert. Maße: 31 x 44 cm; 52 x 67 cm (Rahmen). Carles Nadal, Sohn des in Paris ansässigen Malers und Dekorateurs Santiago Nadal, lebt seit seiner Kindheit in Barcelona, wohin die Familie aufgrund einer Krankheit des Vaters umzieht. Im Alter von dreizehn Jahren beginnt er als Lehrling in einer Werkstatt für dekorative Malerei zu arbeiten. 1936 erhält er ein Stipendium der Stadtverwaltung von Barcelona, um an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi zu studieren. Bei Ausbruch des Bürgerkriegs wird er in die republikanische Armee eingezogen, mit der er an den Fronten von Aragon und Tremp kämpft. Anfang 1939 überquert er die französische Grenze und wird im Flüchtlingslager von Saint Cyprien interniert, wo er mehrere Monate lang bleibt. Es gelingt ihm, zu fliehen und die Grenze erneut zu überqueren, doch er wird verhaftet und in Figueras inhaftiert. Auf Bewährung kehrt er nach Barcelona zurück, wo er seine künstlerische Laufbahn fortsetzt und gleichzeitig als Dekorateur arbeitet und Bildende Kunst studiert. Im Jahr 1941 debütiert er in einer Kollektivausstellung in der Galerie Dalmau und erhält gute Kritiken. Er schließt sein Studium mit guten Noten ab und erwirbt die Anerkennung von Lehrern und Professoren, von denen einige zu Freunden und Mitarbeitern des jungen Nadal werden. Einer von ihnen, Luis Muntané, verschafft ihm 1944 seine erste Einzelausstellung in der Pinacoteca in Barcelona. Zwei Jahre später zieht er nach Paris, wiederum mit einem Stipendium der Stadtverwaltung von Barcelona. Dort arbeitet und stellt er mit der Gruppe Présence de l'Homme aus und nimmt auch an den Salons d'Automne teil. Später besucht er dank eines Stipendiums des französischen Staates die Pariser Schule der Schönen Künste. Im Jahr 1948 heiratet er Flore Joris und lässt sich in Brüssel nieder, wo er bis Mitte der siebziger Jahre bleibt. In Belgien entdeckt er, wie er selbst immer wieder sagt, das Licht und die Farbe. In diesen Jahren stellt er seine Werke in Spanien und Belgien sowie in Frankreich, Deutschland, Holland, der Schweiz, dem Vereinigten Königreich und den Vereinigten Staaten aus. Nadals Malerei ist postimpressionistisch, farbenprächtig und basiert auf der Suche nach der chromatischen Kraft als direktes Kommunikationsmittel. Zu seinen Auszeichnungen gehören der Grand Prix de Spa, Belgien, und seine Ernennung zum Mitglied der Royal Academy of London. Seine Werke sind im MACBA, im Museum von Spa in Belgien und im Königlichen Museum von Brüssel zu sehen.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 4 - CHARLES-CLEMENT CALDERON (Frankreich, 1870 - 1906). "Kanal von Venedig". Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Neu gefasst. Der Rahmen weist Verschlechterungen auf. Maße: 55 x 82 cm, 87 x 113 cm (Rahmen). Charles-Clément Calderón war ein Maler in Szenen von Venedig und seine Kanäle spezialisiert. Diese Tendenz war bei den europäischen Malern des XIX. Jahrhunderts sehr verbreitet, die nach Venedig reisten, um weiter zu studieren und ihre Ausbildung zu verbessern, und die in die Stadt verliebt waren. Charles-Clement Calderon war begeistert von dieser Perspektive Venedigs, die er in anderen Werken wiederholte, wobei er das Licht, die Position der Gondel und die Figuren zaghaft veränderte. Diese Art von Gemälden, die fast wie Fotografien wirken, die im Abstand von Sekunden aufgenommen wurden, sind die repräsentativsten und am meisten geschätzten seiner beruflichen Laufbahn. Der französische akademische Maler Charles Clement Calderon (1870-1906) war ein Assistent und Schüler des berühmten Malers Alexander Cabanel. Calderon nahm regelmäßig an den Ausstellungen des Pariser Salon des Arts teil, wo er die meisten seiner Werke ausstellte. Seine Gemälde von Venedig auf der Exposition Colonial wurden kurz vor seinem frühen Tod im Jahr 1906 hoch gelobt. Der Künstler, der viel reiste, besuchte Länder und Städte in Südeuropa, insbesondere Venedig. Es ist bekannt, dass er auf diesen Reisen eine große Anzahl von Mustern anfertigte, von denen jedoch nur wenige bis heute erhalten geblieben sind.

Schätzw. 8 000 - 8 500 EUR

Los 5 - ANTONIO CABA CASAMITJANA (Barcelona, 1837 - 1907). "Soldat", 1859. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 202 x 120 cm; 218 x 137 cm (Rahmen). Der in Barcelona geborene Maler und Dekorateur Antonio Caba begann sein Studium an der Schule der Schönen Künste in Barcelona, wo er von Gabriel Planella, Pablo Milà Fontanals und Claudio Lorenzale unterrichtet wurde. Dank einer Rente, die ihm 1863 von der Diputación de Barcelona gewährt wurde, setzte er seine Studien in Madrid fort. Dort war er ein Schüler von Federico de Madrazo. Später reiste er nach Rom und Paris und vertiefte seine Ausbildung als Schüler des Freskenmalers Carlos Ruiz Delaroche. Im Laufe seiner Karriere nahm Caba mit seinen Werken an zahlreichen offiziellen Ausstellungen teil und erhielt 1864 eine zweite Medaille auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste und 1888 eine Goldmedaille auf der Weltausstellung in Barcelona. Viele Jahre lang unterrichtete er, zunächst an der Llotja-Schule in Barcelona und später an den Akademien von San Fernando in Madrid und Sant Jordi in Barcelona, wo er u. a. den impressionistischen Maler Eliseu Meifrèn unterrichtete. In San Fernando war er Assistenzprofessor, und in Sant Jordi wurde er Professor und Direktor der Akademie. Seine Werke befinden sich heute im Prado-Museum, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, im Museum von L'Empordà, in der Stadtverwaltung von Perelada (Gerona) und in der Abtei von Montserrat sowie in verschiedenen Privatsammlungen.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 6 - JOSÉ ARPA PEREA (Carmona, 1858 - Sevilla, 1952). "Blumen". Öl auf Leinwand. Signiert und im unteren rechten Bereich gelegen. Maße: 61 x 74 cm; 74 x 84 cm (Rahmen). Dieses in Sevilla entstandene Werk gehört wahrscheinlich in die letzte Schaffensperiode des Künstlers, da die ästhetische Behandlung des Materials auf der Leinwand, die Verwendung von Öl und die strukturierte Oberfläche des Bildes sehr an die Qualitäten seiner Landschaften in den Vereinigten Staaten erinnern. Kompositorisch ist das Werk sehr interessant, da der Künstler eine Landschaft nachbildet, aber den Blickwinkel senkt und den Raum so verengt, dass ein klassisches Blumenstillleben entsteht, das das Hauptmotiv darstellt, aber in seiner eigenen Umgebung kontextualisiert wird. José Arpa Perea war ein spanischer Landschaftsmaler, der einen Großteil seiner Werke in Nordamerika schuf. Im Alter von zehn Jahren zog er von Carmona nach Sevilla, wo er ab 1876 seine Arbeit als Pinselmaler mit Abendkursen an der Kunstschule Santa Isabel de Hungría in Sevilla verband, wo er Eduardo Cano kennenlernte. Zwischen 1883 und 1886 lebte er in Rom, wo er aufgrund des geringen Stipendiums, das ihm die Provinzverwaltung von Sevilla gewährte, in großer Not lebte und historische Gemälde malte. Nach seiner Rückkehr nach Sevilla eröffnete er sein eigenes Atelier und erhielt Aufträge wie die Ausschmückung des Círculo Mercantil und des Casino Militar der Stadt. Auf einer Reise nach Marokko im Jahr 1895 entwickelte er seine orientalistische Seite weiter. Zwischen 1896 und 1910 lebte er in Mexiko und zog später wegen der mexikanischen Revolution nach San Antonio (Texas, USA), wo er eine Malerei-Akademie gründete und Aufträge erhielt. Seine wirtschaftliche Situation ermöglichte ihm häufige Reisen nach Spanien, mit langen Aufenthalten in Sevilla und Besuchen an der kantabrischen Küste. Er verbrachte mehr als 30 Jahre in dieser amerikanischen Stadt. Zeit seines Lebens stand er in regem Kontakt mit den Landschaftsmalern der bekannten Schule von Alcalá de Guadaira, und seine Werke sind in zahlreichen Städten in allen Ländern, in denen er lebte (Sevilla...), zu sehen und befinden sich in bedeutenden Privatsammlungen in der ganzen Welt und in wichtigen Institutionen wie dem Museum der Schönen Künste von Sevilla, dem Cajasol-Museum, dem Museum von Huelva, dem San Antonio Museum of Art (Vereinigte Staaten), dem Museo Universitario Casa de los Muñecos (Puebla, Mexiko) usw.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 7 - GEORGE OWEN WYNNE APPERLEY (Ventnor, Isle of Wight, England, 1884 - Tanger, Marokko, 1960). "Bacchante", 1942. Öl auf Leinwand. Weist Schäden am Rahmen auf. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 63,5 x 53,5 cm; 90 x 78 cm (Rahmen). Die Malerei von George Owen, hatte immer als Protagonist die Frau, in vielen Fällen war es andalusischen Frauen, obwohl er auch ausgiebig mit dem Genre des Aktes behandelt. In diesem Fall präsentiert uns der Autor ein idyllisches und zugleich sinnliches Bild, das eine halbnackte junge Frau inmitten der Natur zeigt. Mit einer hochmütigen Geste und einem halben Lächeln bedeckt die Frau ihren Körper mit einem Leopardenfell. Neben ihr befinden sich Weinblätter, die darauf hinweisen, dass es sich um die Darstellung einer Frau am Hof des Gottes Bacchus handelt, da beide Attribute auf die Ikonographie des Weingottes anspielen. Die Verwendung einer Bacchantin als Protagonistin offenbart eine unbekümmerte junge Frau, die sich dem Vergnügen hingibt, und folgt wiederum der Porträttradition, die im 18. Jahrhundert begann, in der die Damen des Hofes mit Attributen von Heiligen oder Göttinnen des klassischen Pantheons dargestellt wurden, obwohl der Künstler in diesem Fall weiter geht, auf der Suche nach dem, was in seinen Augen die Frau seiner Zeit symbolisiert. George Owen Wynne Apperley stammte aus einer aristokratischen walisischen Familie, die ihm eine komfortable wirtschaftliche Situation ermöglichte. Schon in jungen Jahren fühlte er sich zur Malerei hingezogen und schrieb sich gegen den Willen seiner Familie an der Herkomer Akademie ein. Seine Ausbildung wurde durch eine Reise nach Italien erweitert, wo er vom mediterranen Licht fasziniert war und Werke zu Genre- und Landschaftsthemen schuf. Nachdem er 1907 heimlich geheiratet hatte, zog er mit seiner Frau nach Lugano (Schweiz) und kehrte dann nach London zurück. 1914 reiste er nach Spanien und ließ sich zwei Jahre später dauerhaft in Madrid nieder, um ein Jahr später nach Granada zu gehen, wo er sich niederließ und einheimische Maler wie Francisco Soria Aedo und Lopez Mezquita kennenlernte. Als die Zweite Republik ausgerufen wurde, zog er nach Tanger (Marokko), wo er sich für neue orientalistische Themen interessierte und wo er auch starb. Sein Werk konnte in den verschiedenen Ländern, in denen er lebte, besichtigt werden. Besonders wichtig war eine Ausstellung im Jahr 1918, die von König Alfonso XIII. und Victoria Eugenia de Battemberg eröffnet wurde und durch die sein Ansehen stieg. Seine Werke befinden sich in bedeutenden Privatsammlungen und Institutionen wie dem Victoria & Albert Museum in London, dem Museum von Málaga, dem Palastkunstmuseum in Brüssel, dem Städtischen Museum der Schönen Künste von Tandil in Buenos Aires (Argentinien), dem Sydney Museum (Australien), usw. Es zeigt Schäden im Rahmen.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 8 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Odaliske". Aquarell auf Papier. Es hat leichte Rostflecken auf dem Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 49 x 26,5 cm; 77 x 56 cm (Rahmen). Ausgehend von den schönen und unerreichbaren Odalisken von Ingres, die mit ihrer blassen Haut und ihren eleganten Gesten immer an eine gefangene christliche Prinzessin und niemals an eine arabische Frau denken lassen, entwickeln die verschiedenen Bildschulen eine ganz neue Ikonographie, die auf phantastische Weise - denn vom Osten ist nichts bekannt - eine dem Abendland verbotene Welt voller Anziehungskraft wiedergeben will. Agrasot begann seine Ausbildung in seiner Heimatstadt Orihuela, wo er von der Diputación de Alicante ein Stipendium erhielt, um an der Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia zu studieren. Dort war er Schüler von Francisco Martínez Yago und gewann in seinen ersten Jahren Auszeichnungen wie die Goldmedaille auf der Provinzausstellung von Alicante im Jahr 1860. Im Jahr 1863 erhielt er eine neue Rente, diesmal für eine Reise nach Rom, wo er mit Rosales, Casado del Alisal und Fortuny in Kontakt kam. Mit letzterem verband ihn eine enge Freundschaft, und seine Malerei wurde durch den Stil des katalanischen Malers stark beeinflusst. Regelmäßig schickte er Bilder zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste, bei denen er 1864 den dritten und 1867 den zweiten Platz belegte. Agrasot blieb bis 1875 in Italien; nach dem Tod von Fortuny kehrte er nach Spanien zurück, wo er bereits ein anerkannter Maler war, Mitglied der Akademien von San Carlos und San Fernando, und nahm als Juror an mehreren Kunstausstellungen teil. 1886 erhielt er die Kunstmedaille auf der Weltausstellung in Philadelphia und 1888 die zweite Medaille auf der Internationalen Ausstellung in Barcelona. Agrasots Stil ist dem Realismus zuzuordnen, wobei er sich besonders für Genrethemen und den regionalen Costumbrismo interessiert. Er arbeitete aber auch an Aktdarstellungen, orientalischen Themen und Porträts. Er ist im Prado-Museum, im Museum der Schönen Künste in Valencia, im MUBAG in Gravina (Alicante) und in der Akademie von San Carlos in Valencia vertreten. Leichte Rostflecken auf dem Papier.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 9 - SEGUNDO MATILLA MARINA (Madrid, 1862 - Teià, Barcelona, 1937). "Ländliche Ansicht mit Charakter", 14.3.1931. Öl auf Karton. Unsigniert. Datiert. Es stellt einige Mängel in der Malerei und in der Pappe. Maße: 14,5 x 17 cm; 33 x 36 cm (Rahmen). Obwohl er in Madrid geboren wurde, hat Matilla seine Ausbildung und Karriere in Barcelona gemacht. Er studierte an der Schule der Schönen Künste in Barcelona unter der Leitung von Antonio Caba. Er nahm an zahlreichen Ausstellungen teil, unter anderem an der Internationalen Ausstellung von Barcelona 1891, 1894, 1896 und 1898 (1891 erhielt er eine lobende Erwähnung), an den Kunstausstellungen von Barcelona 1918 und 1919 und am Pariser Salon von 1897. Im selben Jahr erhielt er eine lobende Erwähnung auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste in Madrid. Zu seinen Einzelausstellungen gehören die im Salón Vilches in Madrid (1915) und in Barcelona in den Galerien Sala Parés (1914) und Pallarés (1942), letztere eine posthume Hommage. Mehrere seiner dort ausgestellten Werke wurden vom Museum für Moderne Kunst in Madrid angekauft, und viele andere wurden nach Amerika exportiert. Seine Landschaften des Empordà, Camprodón, Port de la Selva und Cadaqués waren bei Publikum und Kritikern ein großer Erfolg. Seine Werke befinden sich in verschiedenen Museen, wie dem bereits erwähnten Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid, dem Prado-Museum, dem Museum Pablo Gargallo in Saragossa und dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, sowie in bedeutenden internationalen Privatsammlungen.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 10 - JOAQUÍN TERRUELLA MATILLA (Barcelona, 1891 - 1957). "Passeig de Ronda", 1946. Öl auf Platte. Signiert in der rechten unteren Ecke. Größe: 25 x 34,5 cm; 35 x 44,5 cm (Rahmen). Joaquín Terruella, Neffe und Schüler von Segundo Matilla, war auch ein Schüler von Santiago Rusiñol. Mit diesem unternahm er 1923 eine Reise nach Italien und verbrachte auch einige Zeit in Aranjuez, wo er gemeinsam arbeitete. Er malte auch in Paris und Palma de Mallorca. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1916 in der heute nicht mehr existierenden Sala Goya in Barcelona. Von da an stellte er in Barcelona aus, vor allem in der Sala Parés (ab 1924), und zeigte seine impressionistischen Landschaften auch in Galerien in Paris (er stellte dort zum ersten Mal 1922 aus), Madrid, Palma, Saragossa, Bordeaux und Biarritz. Ab 1928 stellte er seine Werke in der Sala Gaspar in Barcelona aus, wo er bis 1952 blieb. Seine letzte Ausstellung fand 1956 in der Sala Busquets, ebenfalls in seiner Heimatstadt, statt. Seitdem waren seine Werke in verschiedenen Gruppen- und Sammelausstellungen zu sehen, wie zum Beispiel 1985 in der Sala Gothsland in Barcelona. 1993 stellte Ángeles Cortina in ihrer Galerie in Barcelona eine Reihe seiner Ölgemälde und Zeichnungen aus. Joaquín Terruella war im Grunde ein Landschaftsmaler im Gefolge des Impressionismus, der die katalanische Landschaft mit Zartheit und subtiler Transparenz wiedergab. Ein weiteres Lieblingsthema von Joaquín Terruella war der Stierkampf, und er arbeitete als Stierkampfillustrator für die Zeitschriften "El Día Gráfico" und "La Noche". Er malte auch Szenen von Zigeunern und Konzertcafés. Seine Werke befinden sich im Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona, im Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid und im Provinzmuseum von Lugo.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 11 - JOAQUÍM TERRUELLA MATILLA (Barcelona, 1891 - 1957). "Küstenlandschaft". Öl auf Karton. Signiert in der linken unteren Ecke. Größe: 24 x 27,5 cm; 41 x 45 cm (Rahmen). Joaquín Terruella, Neffe und Schüler von Segundo Matilla, war auch ein Schüler von Santiago Rusiñol. Mit diesem unternahm er 1923 eine Reise nach Italien und verbrachte auch einige Zeit in Aranjuez, wo er gemeinsam arbeitete. Er malte auch in Paris und Palma de Mallorca. Seine erste Einzelausstellung fand 1916 in der heute nicht mehr existierenden Galerie Goya in Barcelona statt. Von da an stellte er seine Werke in anderen Galerien Barcelonas wie Parés und Gaspar, aber auch in Paris, Madrid, Palma, Saragossa, Bordeaux und Biarritz aus. Seine letzte Ausstellung fand 1956 in der Sala Busquets in Barcelona statt. Seitdem waren seine Werke in verschiedenen Gruppen- und Sammelausstellungen zu sehen, wie zum Beispiel 1985 in der Sala Gothsland in Barcelona. 1993 stellte Ángeles Cortina in ihrer Galerie in Barcelona eine Reihe seiner Ölgemälde und Zeichnungen aus. Joaquín Terruella war im Grunde ein Landschaftsmaler im Gefolge des Impressionismus, der die katalanische Landschaft mit Zartheit und subtiler Transparenz wiedergab. Ein weiteres Lieblingsthema von Joaquín Terruella war der Stierkampf, und er arbeitete als Stierkampfillustrator für die Zeitschriften "El Día Gráfico" und "La Noche". Er malte auch Szenen von Zigeunern und Konzertcafés. Seine Werke werden im Museum für Zeitgenössische Kunst in Barcelona, im Museum für Zeitgenössische Kunst in Madrid und im Provinzialmuseum von Lugo aufbewahrt.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 12 - FRANCISCO LOZANO SANCHIS (Valencia, 1912 - 2000). "Landschaft", 1934. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Rückseitig datiert. Maße: 74 x 92 cm; 93 x 112 cm (Rahmen). Francisco Lozano, Maler, Lehrer und Mitglied der Königlichen Akademien der Schönen Künste von San Fernando und San Carlos, interessierte sich schon in seiner Jugend für die Malerei und begann im Alter von sechzehn Jahren seine Ausbildung an der Akademie von San Carlos in Valencia. Später setzte er seine Studien in der Malerresidenz von Alhambra fort und begann nach dem Bürgerkrieg, sich einen Namen zu machen. Seine Karriere nahm in den 1940er Jahren ihren Lauf, als er begann, regelmäßig in Madrid und anderen Städten auszustellen. In der Hauptstadt wurde er von Eugenio d'Ors empfangen, an dessen Seite er in der Galerie Estilo ausstellte und der ihn mit den künstlerischen und intellektuellen Kreisen Madrids in Kontakt brachte. Als Maler des Mittelmeerraums konzentrierte sich sein Werk von Anfang an auf die Landschaft, obwohl er sich vom anfänglichen Einfluss Sorollas zu einer persönlicheren Sprache entwickelte, die jedoch ebenso sensibel für Licht und Farbe ist. Sein Werk ist eine synthetische, geordnete und strenge Landschaft, ganz modern. Zwischen 1951 und 1952 reiste er mit einem Stipendium der französischen Regierung nach Paris, und nach seiner Rückkehr wurde seine Anerkennung mit dem ersten Preis der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste abgeschlossen. Im selben Jahr war er auch auf der Biennale von Venedig ein großer Erfolg. Von da an verband er seine künstlerische Tätigkeit mit einer Lehrtätigkeit an der Akademie San Carlos, wo er von 1955 bis 1977 einen Lehrauftrag innehatte. Gleichzeitig hatte er wichtige Ausstellungen in Spanien, Südamerika, den Vereinigten Staaten, Deutschland und dem Vereinigten Königreich sowie in anderen Ländern, vor allem im europäischen Mittelmeerraum. Lozano war Ehrenmitglied des Círculo de Bellas Artes (1952), Mitglied des valencianischen Kulturrates (1986) und Doktor honoris causa der Polytechnischen Universität Valencia (1994). 1993 wurde ihm eine große Retrospektive im IVAM gewidmet. Seine Werke befinden sich heute unter anderem in Museen wie dem Reina Sofía in Madrid, der Fundación Mendoza in Caracas, dem Camón Aznar in Zaragoza, dem IVAM in Valencia und dem Museum der Schönen Künste in Montevideo.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 13 - Spanische Schule, erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. Ohne Titel. Öl auf Leinwand. Rahmen mit Mangel an Polychromie und Anzeichen von alten Xylophagen. Es kann Paar mit dem Los 35246883 machen. Abmessungen: 40 x 31 cm; 50 x 42 cm (Rahmen). Das Bild ist mythologisch inspiriert und zeigt eine junge Frau, die eine Nymphe zu sein scheint, die ein leichtes Gewand hält, das an ihrer Taille befestigt ist und ihre Formen unterstreicht, ähnlich wie die griechische Bildhauerei die Körper mit der Technik der "nassen Tücher" bearbeitet. Stilistisch gehört das Werk zum Neoklassizismus, der die Ästhetik des zweiten Drittels des 19. Jahrhunderts prägte. In ästhetischer Hinsicht ist anzumerken, dass der Akademismus ein direktes Erbe des Klassizismus ist, daher die Vorliebe für Themen wie das hier dargestellte, das der Mythologie entnommen ist, wenn auch unter einem sinnlichen und dekorativen Gesichtspunkt, der weit von der Feierlichkeit der antiken klassischen Kunst entfernt ist. Dies erklärt auch seine Herangehensweise an das Thema, indem er die mythologischen Figuren auf eine völlig neue Art und Weise nachbildet. Dennoch können wir ein Schönheitsideal erkennen, das nicht auf der Realität beruht, auch wenn das Naturstudium des Malers unbestreitbar ist, sondern auf einem Idealismus, der sich auf die Realität durch die Summe seiner Erfahrungen stützt, d. h. auf eine ästhetische Sublimierung, die eine Schönheit widerspiegelt, die über die Realität hinausgeht.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 14 - Spanische Schule, erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. Ohne Titel. Öl auf Leinwand. Rahmen mit Mangel an Polychromie und Anzeichen von alten Xylophagen. Es kann Paar mit dem Los 35246882 machen. Abmessungen: 40 x 31 cm; 50 x 42 cm (Rahmen). Mythologische Szene, in der ein Satyr heimlich eine Nymphe betrachtet, die ihren Betrachter bemerkt zu haben scheint. Die bescheidene Geste der jungen Frau, die versucht, sich aus dem Wasser zu befreien, steht im Einklang mit der Haltung des Fauns, der seine Hände erhebt, als wolle er sich auf die junge Frau stürzen. In ästhetischer Hinsicht ist zu bemerken, dass der Akademismus ein direktes Erbe des Klassizismus ist, daher die Vorliebe für Themen wie das hier vorgestellte, das der Mythologie entnommen ist, wenn auch unter einem sinnlichen und dekorativen Gesichtspunkt, der weit von der Feierlichkeit der antiken klassischen Kunst entfernt ist. Dies erklärt auch seine Herangehensweise an das Thema, indem er die mythologischen Figuren auf eine völlig neue Art und Weise nachbildet. Dennoch können wir ein Schönheitsideal erkennen, das nicht auf der Realität beruht, auch wenn das Naturstudium des Malers unbestreitbar ist, sondern auf einem Idealismus, der sich auf die Realität durch die Summe seiner Erfahrungen stützt, d. h. auf eine ästhetische Sublimierung, die eine Schönheit widerspiegelt, die über die Realität hinausgeht.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 15 - GABINO REY SANTIAGO (Marín, Pontevedra, 1928 - Barcelona, 2006). "Blumen und Bücher". Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke. Mit Etikett auf der Rückseite des Sala Parés. Maße: 55 x 46 cm; 73 x 64 cm (Rahmen). Noch im Kindesalter, am Ende des Bürgerkriegs, zog Gabino Rey mit seiner Familie nach Barcelona. Als Schüler von Ramón Rogent begann er sehr früh, im Jugendsalon von 1943 auszustellen. Er nahm weiterhin an diesem Salon teil, wo er 1946 einen Preis gewann. In den vierziger Jahren erhielt er ein Stipendium der französischen Regierung und stellte in den Galerien Dalmau (1946) und Syra (1947) in Barcelona aus. Seit 1957 stellt er in der Sala Parés in Barcelona und in der Madrider Galerie El Cisne aus. Er wurde auf der III. Weltausstellung der Union of Art in Bilbao (1947) und 1980 mit dem Poussiel-Preis der Societé Nationale des Beaux Arts in Paris ausgezeichnet. Zusammen mit der Gruppe Sala Parés stellte er seine Werke nicht nur in Barcelona, sondern auch in Madrid, Alicante, Pontevedra und Lugo sowie in New York, Los Angeles und Paris aus. Er ist in den Museen von Lugo, Pontevedra, Marín und Sitges sowie in wichtigen institutionellen und privaten Sammlungen in Europa und Amerika vertreten. Sein Stil, der seine Wurzeln im Postimpressionismus hat, ist sehr locker gehalten. Gabino ist ein Maler, der die Materie liebt, den pastosen Pinselstrich, den er mit einer warmen und ausgewogenen Palette ausführt. Er hat Landschaften und Stillleben gemalt, aber er zeichnet sich vor allem als Porträtist aus, mit intimen und lyrischen Werken, in denen er das, was er von der katalanischen und galizischen Schule gelernt hat, vermischt.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 16 - JOSEP PUIGDENGOLAS BARELLA (Barcelona, 1906 - 1987). "Costa". Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Mit Etikett der Sala Parés auf der Rückseite. Maße: 53 x 62 cm; 69 x 76 cm (Rahmen). Josep Puigdengolas wurde in den Schulen für Kunst und Handwerk und La Lonja in Barcelona ausgebildet, um später seine Studien in El Paular und an der Königlichen Akademie von Florenz abzuschließen. Er war ein Schüler von Eliseo Meifrén und Joaquín Mir. Im Jahr 1951 wurde er zum Professor für Zeichnen an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi ernannt. Obwohl er sein Atelier in Barcelona hatte, malte er häufig in La Cerdanya und auf Mallorca, insbesondere in der Stadt Deià. Sein Werk, das sich durch einen leuchtenden Naturalismus auszeichnet, entstand im Gefolge von Mir und verschaffte ihm eine große Akzeptanz in der Öffentlichkeit. Er konzentrierte sich in seinem Werk auf Landschaften, aber er arbeitete auch an Porträts. Im Laufe seiner Karriere hatte er mehrere Einzelausstellungen, wie die im Salón Cano in Madrid im Jahr 1962, und nahm an Gruppenausstellungen und Wettbewerben wie der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste teil. Wenige Monate vor seinem Tod, im Januar 1987, fand seine letzte Ausstellung in der Sala Parés in Barcelona statt. Derzeit ist er unter anderem im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía und im MACBA in Barcelona vertreten.

Schätzw. 1 000 - 1 100 EUR

Los 17 - FRANCISCO LAMEYER Y BERENGUER (Puerto de Santa María, Cádiz, 1825-Madrid, 1877) zugeschrieben. "Maja mit Fächer. Öl auf Leinwand. Größe: 32 x 24 cm; 44,5 x 37 cm (Rahmen). In diesem Werk bietet uns der Maler ein Bild von großer plastischer Ausdruckskraft, mit einer einfachen Komposition, in der wir eine Frau mit Oberweite im Vordergrund vor einem neutralen Hintergrund sehen, der ihre Präsenz hervorhebt. Das Ergebnis besticht durch die wahrheitsgetreue und überzeugende Darstellung der Persönlichkeit der Frau: ein ruhiger Charakter mit einem traurigen Blick in den Augen. Ästhetisch erinnert das Werk stark an die Gemälde von Lameyer y Berenguer, der in El Puerto de Santa María geboren wurde, dessen Familie jedoch nach Madrid zog, als er noch ein Kind war. Sobald er alt genug war, begann er, mit dem Graveur von Vicente Castelló zu arbeiten. Später schrieb er für die von Castelló gegründete Zeitschrift El Siglo Pintoresco. 1841 trat er in die Königliche Akademie der Schönen Künste von San Fernando ein, wo er bei José de Madrazo studierte, dessen Sohn Luis kennenlernte und durch ihn mit der gesamten Familie Madrazo befreundet wurde. Zwei Jahre später trat er, getrieben von der Notwendigkeit, seine Familie zu unterstützen, als Verwaltungsoffizier in die spanische Marine ein. Obwohl ihn dies an der Fortsetzung seiner künstlerischen Karriere hinderte, arbeitete er in seiner Freizeit weiter und fertigte 125 Zeichnungen für Serafín Estébanez Calderóns Escenas Andaluzas (veröffentlicht 1847) an. Von 1854 bis 1859 hielt er sich auf den Philippinen auf, wo er eine Polizeistation leitete. Im Jahr 1860 kehrte er nach Spanien zurück. Im Jahr 1863 begleitete er Marià Fortuny (die er durch die Madrazos kennengelernt hatte) auf einer Reise nach Marokko, wo er Tanger und Tetouan besuchte. Das Land befand sich aufgrund des kurz zuvor ausgebrochenen spanisch-marokkanischen Krieges noch immer in Aufruhr. Dies diente ihm als Inspiration für sein bekanntestes Werk, Der Angriff der Mauren, das einen Überfall auf das jüdische Viertel von Tetouan im 18. Nach seiner Rückkehr nach Madrid richtete er sich ein Atelier ein und begann, nach seinen Skizzen zu malen. Von 1872 bis 1873 besuchte er Ägypten und Palästina. In Ägypten erwarb er mehrere Antiquitäten, die er an das Spanische Archäologische Nationalmuseum verkaufte, wodurch er sich finanziell etwas entlastete. Er lebte weiterhin in Madrid, reiste aber häufig nach Paris, was teilweise auf die politische Instabilität in Spanien zurückzuführen war, die zum Dritten Karlistenkrieg führte.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 18 - JULIO MOISÉS FERNÁNDEZ DE VILASANTE (Tarragona, 1888 - Kantabrien, 1968). "Weibliches Porträt", 1922. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Präsentiert auf dem Rückenetikett der Ausstellung 1923 in der Junta Municipal d'Exposicions d'Art. Maße: 110 x 93 cm; 131 x 115 cm (Rahmen). Julio Moisés Fernández de Villasante verbrachte seine Kindheit und Jugend in Galicien und Cádiz, der Stadt, an deren Kunsthochschule er sein Malereistudium begann. Dort gewann er mehrere Preise und erhielt Aufträge wie den zur Dekoration des Gran Teatro. Im Jahr 1912 zog er nach Barcelona und erhielt bei seiner ersten Teilnahme an einer nationalen Ausstellung der Schönen Künste eine dritte Medaille. Bei den Ausstellungen von 1915 und 1920 erhielt er einen zweiten und einen ersten Preis. Er wurde auch auf den Internationalen Ausstellungen von San Francisco (1915) und Panama (1916) ausgezeichnet. Seine Werke wurden während seines gesamten Lebens ausgestellt, so zum Beispiel bei verschiedenen Einzelausstellungen, die ihn in den 1930er Jahren nach Brasilien, Uruguay und Argentinien führten. Seit 1920 in Madrid ansässig, unterrichtete er mehrere Jahre lang, nachdem er 1923 eine Freie Kunstakademie gegründet hatte. Studenten wie Salvador Dalí besuchten sie, während er vom Königshaus gebeten wurde, S.M. König Alfonso XIII. und Königin Victoria Eugenia zu porträtieren. Das Thema seiner Arbeit war vor allem die Genremalerei und das Frauenporträt, eine Mischung aus Kostümierung und Folklore zu gleichen Teilen. So auch die Mujer con garrafa en la mano, die er 1945 zur Illustration des UEE-Kalenders signierte und mit der er, der ikonografischen Tradition der Sammlung folgend, seine eigene Vision des idealen Kanons weiblicher Schönheit beisteuerte. Sein Talent wurde mit seiner Ernennung zum Direktor der Schule der Schönen Künste im Jahr 1946 und zum Akademiker der Schule San Fernando in Madrid im Jahr 1947 anerkannt.

Schätzw. 1 500 - 1 900 EUR

Los 19 - MARCELINO DE UNCETA Y LÓPEZ (Zaragoza, 1835 - Madrid, 1905). "Das Gespräch". Öl auf Platte. Signiert in der linken unteren Ecke. Maße: 14 x 23 cm; 31,5 x 40 cm (Rahmen). Marcelino de Unceta gab seine militärische Laufbahn auf, um sich der Malerei zu widmen. Er besuchte die Schule der Schönen Künste in San Luis de Zaragoza. Später setzte er seine Studien an der Schule San Fernando in Madrid fort, wo er Schüler von Madrazo und Carlos Luis Ribera war. Er nahm als Historienmaler an den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste teil, und 1864 erwarb der Staat eines seiner Werke, "Ein Marokkaner, der ein Pferd trägt". Er war auch als Illustrator tätig, und unter seinen Werken sind die Lithographien hervorzuheben, die er für die "Historia de la villa y corte de Madrid" von Amador y Rada anfertigte, die 1860 zum ersten Mal veröffentlicht wurde. 1866 kehrte er nach Zaragoza zurück, wo er wichtige Aufträge wie die für die Basilika del Pilar und das Stadttheater ausführte. Später kehrte er nach Madrid zurück, wo er ein Porträt von Alfonso XII. malte und weiterhin an den Nationalausstellungen teilnahm. Er ist im Prado-Museum, im Museum der Schönen Künste von Zaragoza und in der Zentralen Universität von Barcelona vertreten.

Schätzw. 2 200 - 2 400 EUR

Los 20 - CECILIO PLÁ GALLARDO (Valencia, 1860 - Madrid, 1934). "Der Kreis der Irrenden", Reihe Kreis der Höllen, Dante. Öl auf Leinwand. Ohne Signatur. Maße: 90 x 112 cm; x 111,50 x 132,50 cm (Rahmen). Cecilio Pla beginnt seine Ausbildung an der Akademie der Schönen Künste von San Carlos in Valencia, um sie später an der Akademie von San Fernando in Madrid fortzusetzen, wo er Emilio Sala als Lehrer hat. Im Jahr 1880 unternimmt er eine Studienreise nach Rom und besucht Italien, Frankreich und Portugal. Von dort aus begann er, Werke zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste zu schicken und erhielt 1884 eine dritte Medaille für das Werk mit dem italienischen Thema "Der Dante: Kreis der Gierigen" und 1887 eine zweite Medaille für das religiöse Gemälde mit dem Titel "Begräbnis der Santa Leocadia". Im Jahr 1892 erhielt er erneut eine zweite Medaille für das realistische Gemälde mit dem Titel "Las doce (el almuerzo)" und die gleiche Auszeichnung im Jahr 1895 für die Szene eines Ehestreits in einem bürgerlichen Interieur, "Lazo de unión". Pla nahm sein ganzes Leben lang an den Nationalen Ausstellungen teil und erhielt 1910 die erste Medaille für das Gemälde "Zwei Generationen", das sich durch die verschiedenen Effekte des natürlichen Lichts auszeichnet, die die eigentliche Spezialität des Künstlers waren. Im selben Jahr 1910 ersetzte er seinen früheren Lehrer Emilio Sala in der Klasse für Farbästhetik und Bildverfahren an der Akademie von San Fernando, wo er unter anderem Juan Gris, Francisco Bores, Pancho Cossío und José María López Mezquita unterrichtete. Zu dieser Zeit veröffentlichte er seine "Cartilla de arte pictórico". Pla nahm auch an internationalen Wettbewerben teil und wurde auf der Weltausstellung in Paris im Jahr 1900 mit einer Ehrenmedaille ausgezeichnet. Im Jahr 1924 wurde er zum Akademiker von San Fernando ernannt. Er wechselte seine Lehrtätigkeit mit der Malerei ab und arbeitete auch als Illustrator für Publikationen wie "La Ilustración Española y Americana", "Blanco y Negro" und "La Esfera" mit. Er schuf auch Plakate, wie das für den Karneval des Círculo de Bellas Artes im Jahr 1892, und beteiligte sich an Wanddekorationen, darunter die Decke des Hotels der Infantin Isabel de Borbón, des Casinos von Madrid, des Círculo de Bellas Artes oder des Palastes der Herzöge von Denia. Er gilt als der bedeutendste Vertreter der valencianischen Malerei der Moderne, obwohl er verschiedene Tendenzen vertritt, vom Akademismus und Costumbrismo seiner Anfänge bis zum Wagnerismus und Luminismus seiner in Valencia gemalten Küstenansichten. Gegenwärtig ist Cecilio Pla im Prado-Museum, im Thyssen-Bornemisza-Museum, in den Museen der Schönen Künste von Valencia, Zaragoza, Santander und Bilbao, im Círculo de Bellas Artes von Madrid, im Rathaus von Valencia und in der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Carlos sowie in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen wie der Sammlung UEE vertreten. Im Jahr 1999 widmete ihm die Mapfre-Stiftung eine umfassende Retrospektive.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 21 - JOSÉ MIRABENT GATELL (Barcelona, 1831 - 1899). "Obst-Stillleben". Öl auf Karton. Signiert in der rechten unteren Ecke. Der Rahmen fehlt. Maße: 36 x 45 cm; 49 x 58 cm (Rahmen). José Mirabent studierte an der Schule von La Lonja in Barcelona, wo er Schüler von Pablo Milá Fontanals, Claudio Lorenzale und Segismundo Ribó war, von denen er den Einfluss der Nazarener-Ästhetik erhielt. Im Jahr 1855 trat er als Assistent in die genannte Schule ein und erhielt 1872 den Titel eines Professors für dekorative Malerei, Stoffe und Drucke. In seiner ersten Periode kann er als romantischer Maler betrachtet werden, der der nazarenischen Linie seiner Meister anhing, und er malte hauptsächlich Porträts und Stillleben mit Blumen und Früchten. Später spezialisierte er sich auf die Innendekoration, eine Tätigkeit, bei der seine Arbeiten für das Gran Teatro del Liceo und die Universität von Barcelona, das Balaguer-Museum in Vilanova i la Geltrú und die Madrider Kirchen Buen Suceso, Salesas Reales und das Kloster der Madres Reparadoras besonders hervorzuheben sind. Mit seinen Gemälden von Blumen und Früchten nahm er an den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste in Madrid teil und erhielt mehrere Preise: eine ehrenvolle Erwähnung bei den Ausstellungen von 1856 und 1858, eine dritte Medaille bei den Ausstellungen von 1860 und 1867 und eine Auszeichnung im Jahr 1871. Auf der Weltausstellung in Barcelona 1888 wurde er mit einer Goldmedaille ausgezeichnet. Als Porträtmaler porträtierte er u. a. Pablo Piferrer, Ramón Anglasells und Joaquín Rey Esteve. Im Jahr 1892 nahm er am Ersten Festival der Moderne teil. Er ist im MNAC, im Prado-Museum, im Museum für Moderne Kunst und im Romantischen Museum in Madrid, in der Königlichen Akademie Sant Jordi, im Ateneo und in der Galerie der berühmten Katalanen in Barcelona usw. zahlreich vertreten.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 22 - AGUSTÍN REDONDELA (Madrid, 1922 - 2015). "Der Olivenhain (Guadalajara)", 1978. Öl auf Leinwand. Präsentiert Etikett auf der Rückseite der Galerie Biosca (Madrid). Es hat Fehler in den Rahmen. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert, betitelt und befindet sich (Madrid) auf der Rückseite. Maße: 46 x 55 cm; 70 x 79 cm (Rahmen). In diesem Werk bietet uns Redondela eine nüchterne, typisch kastilische Landschaft, die von einer Atmosphäre von großer suggestiver Kraft beherrscht wird, die auf dem Kontrast zwischen den Tonalitäten des Vordergrunds und des Himmels beruht. Der Maler lässt die erzählerische Beschreibung der Landschaft beiseite und baut sie nur mit Hilfe der Farbe auf, die er sehr gut ausgearbeitet und studiert hat, sowie mit einer synthetischen, ausdrucksstarken und emphatischen Linie, die auf dicken schwarzen Strichen basiert. Guadalajara war ein wichtiger Schauplatz in der Malerei von Agustín Redondela und wurde zum Protagonisten vieler seiner Werke. Agustín González Alonso, der hauptsächlich als Autodidakt arbeitete und als einer der originellsten spanischen Landschaftsmaler des 20. Jahrhunderts gilt, wurde von seinem Vater, dem Maler und Bühnenbildner José González "Redondela", ausgebildet. Nach dem Bürgerkrieg besuchte er die Kunstgewerbeschule in Madrid bei dem Landschaftsmaler José Ordoñez und schickte 1945 zum ersten Mal ein Gemälde zur Nationalen Ausstellung der Schönen Künste, das mit dem Pseudonym Redondela" signiert war. Im selben Jahr hatte er seine erste persönliche Ausstellung in der Galerie Estilo in Madrid. Zu dieser Zeit kam er in Kontakt mit der Madrider Schule, und 1947 wurde er ausgewählt, um im Salón de los Once de la Academia Breve e Crítica de Arte de Eugenio d'Ors auszustellen. In den fünfziger Jahren erhielt Redondela ein Stipendium der Catherword Foundation in Philadelphia (1954), den Nationalen Malereipreis (1953) und die erste Medaille der Nationalen Ausstellung (1957). Im Laufe seiner Karriere verband er die Malerei mit dem Bühnenbild und arbeitete unter anderem für Theaterstücke von Jacinto Benavente, Joaquín Calvo Sotelo, Dodie Smith und Peter Ustinov. Er arbeitete auch als Illustrator, unter anderem für eine luxuriöse Ausgabe von Celas "Viaje a la Alcarria" im Jahr 1978. 1996 verlieh ihm die Real Academia de Bellas Artes de San Fernando den Preis José González de la Peña, und zwei Jahre später widmete ihm das Centro Cultural de la Villa de Madrid eine bedeutende anthologische Ausstellung. Gegenwärtig ist er unter anderem im Museum der Schönen Künste in La Coruña, im Museum der zeitgenössischen spanischen Landschaft in Priego de Córdoba, im Museum der Schönen Künste in Bilbao, im Museum Camón Aznar in Zaragoza, in den Museen von Buenos Aires, Caracas und Havanna sowie im Oswaldo Guayasamín House-Museum in Quito vertreten. Präsentiert Etikett auf der Rückseite der Galerie Biosca (Madrid). Es hat Fehler im Rahmen.

Schätzw. 2 400 - 2 800 EUR

Los 23 - RAMÓN MARTÍ ALSINA (Barcelona, 1826 - 1894). "Das Modell". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Ohne Signatur. Auf der Rückseite ist ein Etikett der Sala Parés in Barcelona angebracht. Es hat Flicken auf der Rückseite. Abmessungen: 182 x 89 cm. Mit den Füßen in ein Tuch gewickelt, das an den Beinen hinuntergleitet, ist das Modell nackt und ganzkörperlich zu sehen, aber es wendet den Kopf, als wolle es seine Identität verbergen, während es eine zweideutige Geste annimmt, die täuschend bescheiden wirkt. Martí Alsinas Frauen sind von großer fleischlicher Kraft, die hier durch den schwarzen Hintergrund und die natürliche Größe der Figur noch betont wird. Die Formgebung der Gliedmaßen ist meisterhaft, was der Anatomie eine skulpturale Kadenz verleiht, aber frei von jeglichem Idealismus ist, was sie lebendig, spontan und sinnlich macht. Das seidige Haar, die leuchtende Modellierung der Formen, die perfekte Rundung der Knie usw. zeugen von der Handschrift eines Meisters. Martí Alsina, der heute als die wichtigste Figur des spanischen Realismus gilt, wird in die europäische Avantgarde seiner Zeit eingeordnet. Er revolutionierte das spanische Kunstpanorama des 19. Jahrhunderts, war ein Pionier im Studium des Lebenszeichnens und der Schöpfer der modernen katalanischen Schule sowie der Meister einer ganzen Generation, mit Schülern von der Bedeutung von Vayreda, Urgell und Torrescassana. Er begann sein Studium der Philosophie und Literatur, das er bis 1848 abwechselnd mit Abendkursen an der Schule der Schönen Künste in Barcelona absolvierte. Nach Abschluss dieser ersten Ausbildung beschloss er, sich der Malerei zuzuwenden, und unternahm seine ersten Schritte in der Region Maresme, wo er seinen Lebensunterhalt mit Porträts im naturalistischen Stil und Landschaften "à plen air" zu verdienen begann. 1852 wurde er Lehrer für Linienzeichnen an der Escuela de la Lonja in Barcelona, und zwei Jahre später begann er, Figurenzeichnen zu unterrichten, eine Position, die er bis zur Thronbesteigung von Amadeo de Saboya innehatte. 1853 reiste er nach Paris, wo er den Louvre besuchte und sich mit den Werken von Horace Vernet, Eugène Delacroix und der französischen Romantik vertraut machte. Später lernte er das Werk von Gustave Courbet, dem größten Vertreter des Realismus, kennen. 1859 wurde er zum korrespondierenden Akademiemitglied der Akademie der Schönen Künste von Sant Jordi in Barcelona ernannt. Seine erste wichtige Ausstellung war die Allgemeine Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona im Jahr 1851. Von diesem Zeitpunkt an stellte er regelmäßig in Barcelona, Madrid und Paris aus und wurde 1889 zur Weltausstellung in der französischen Hauptstadt eingeladen. Unter seinen Preisen ragen die Medaillen hervor, die er bei den Nationalen Ausstellungen in Madrid erhielt: den dritten Platz im Jahr 1858 mit dem Werk "Letzter Tag von Numancia" und den zweiten Platz im Jahr 1860 mit seiner Landschaft. In seinen letzten Lebensjahren lebte er zurückgezogen und konzentrierte seine Bemühungen auf die Suche nach neuen Ausdrucksformen mit einem Pinselstrich, der dem Impressionismus nahe stand. Unter seinen Themen finden sich zahlreiche Landschaften und Seestücke, Stadtansichten (vor allem von Barcelona), Porträts und menschliche Figuren, Genreszenen, temperamentvolle weibliche Akte, Historienbilder und biblische Szenen. Nur selten widmete er sich dem Stillleben, obwohl er auch einige davon malte. Werke von Martí Alsina befinden sich im Prado-Museum, im Thyssen-Bornemisza-Museum, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, im Museum für Zeitgenössische Kunst von Barcelona, im Museum der Abtei von Montserrat und im Museum von l'Empordà in Figueras.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 24 - ERNEST SANTASUSAGNA SANTACREU (Barcelona, 1900 - Santa Coloma de Gramenet, Barcelona, 1964). "Venus des Spiegels". Öl auf Leinwand. Enthält Restaurierungen. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 65 x 80 cm; 93 x 109 cm (Rahmen). Dieses Werk zeugt von einer profunden Kenntnis des Werks des Barockmeisters Velázquez, neben einem privilegierten künstlerischen Impuls: die lebhaften rosafarbenen Fleischtöne des Modells, die Art der Ausbreitung des weißen Blattes, der gedruckte Materialsinn, die metallische Reflexion des Spiegels... sind Aspekte, die von einem würdigen Nachfolger im Gefolge von Velázquez zeugen. Mit äußerster Weisheit gelingt es ihm, dem sich wölbenden Körper taktile Qualitäten zu verleihen, ebenso wie dem kleinen Amor. Die Malerei von Santasusagna mit ihrer naturalistischen Sprache war immer der Aufwertung der weiblichen Sinnlichkeit gewidmet, in ihren Formen und ihrer Frische, aber ohne Idealisierung. In diesem Fall erreicht er dies durch diese fleischliche und realistische Venus, wie es auch im Interesse von Velázquez war, junge Frauen aus seiner Umgebung als Modelle zu nehmen, anstatt irreale Göttinnen darzustellen. Ernest Santasusgana begann seine Ausbildung an der Académie Baixas in Barcelona und setzte dann seine Studien an der Kunstgewerbeschule von La Lonja fort. Später wurde er Professor an dieser Schule, und als der Lehrbetrieb eingestellt wurde, übernahm er eine Professur an der Superior de Bellas Artes de San Jorge. Er war Mitglied des Real Círculo Artístico und gab 1928 sein Debüt in der Sala Parés. Von da an war er wiederholt im Saal der Pinacoteca vertreten und nahm unter anderem an den Salones de Otoño und den Frühjahrsausstellungen von Barcelona teil. Auf der Internationalen Ausstellung von Barcelona 1929 wurde er mit einer ehrenvollen Erwähnung ausgezeichnet, auf der Nationalen Ausstellung von Madrid 1941 mit einer dritten Medaille und auf der Nationalen Ausstellung von Barcelona 1944 mit dem Ehrenpreis. Außerdem wurde er zweimal vom Círculo Artístico ausgezeichnet. Außer in seiner Heimatstadt stellte Santasusagna seine Werke auch in Madrid, San Sebastian und Bilbao aus und nahm an Gruppenausstellungen in Ägypten, Brasilien, Argentinien und Italien sowie an den Biennalen von Venedig, Berlin und der spanischen zeitgenössischen Kunst in Buenos Aires teil. Er arbeitete auch als Plakatdesigner für Metro Goldwin Mayer. Seine Werke befinden sich in mehreren spanischen Museen sowie in vielen nationalen und ausländischen Sammlungen. Es werden Restaurierungen vorgestellt.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 25 - MANOLO HUGUÉ (Barcelona, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelona, 1945). "Ochsen im Stall", 1935-1936. Relief aus Terrakotta auf Holzsockel. Werk katalogisiert in dem Buch "Manolo. Bildhauerei, Malerei und Zeichnung", Montserrat Blanch, nº197, Seite 114. Provenienz: Sammlung Jacky J. Druker, Freund und Mäzen von Joan Brotat. Maße: 34 x 34 x 3 cm; 6 cm (Sockelhöhe). In dem von Montserrat Blanch verfassten Werkverzeichnis über Manolo Hugué sind mehrere Werke abgebildet (Vorzeichnungen, Flachreliefs in Terrakotta, aber auch in Stein), deren Thema Ochsen sind (im Allgemeinen paarweise dargestellt), zu denen auch das vorliegende Werk gehört. Es handelt sich um eine Produktion, die zwischen 1917 und 1923 entstanden ist, Jahre, in denen der Bildhauer der Terrakotta neue thematische und formale Vorschläge einhaucht. Zurück in Ceret, nach seiner Pariser Zeit, widmete er sich dem Studium von Kadenzen, Rhythmen, archaisch inspiriertem Essentialismus... eine Summe von Strategien, um aus der Stagnation auszubrechen und die bildhauerische Sprache zu erneuern, ohne den Dialog mit den Klassikern aufzugeben. In diesem Relief durchdringt eine ruhige Energie wie eine unsichtbare Kraft die Körper, die sich in den abgerundeten Profilen mit geometrischen Einschnitten abwechseln. Die Vorderbeine des liegenden Ochsen passen sich dem Winkel an und suchen eine gewisse konzeptionelle Spannung zwischen den Volumina und ihrer Einfassung in einer präzisen viereckigen Begrenzung. Damit ahmt er die in den Metopen entwickelte griechische Kunst nach. Die räumliche Andeutung ist kurz und synthetisch: einige schematische Elemente skizzieren die Idee eines Stalls. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, wurde an der Escuela de la Lonja in Barcelona ausgebildet. Er nimmt regelmäßig an den Treffen der "Els Quatre Gats" teil und schließt Freundschaft mit Picasso, Rusiñol, Mir und Nonell. Im Jahr 1900 zog er nach Paris, wo er zehn Jahre lang lebte. Dort nahm er seine Beziehung zu Picasso wieder auf und schloss Freundschaft mit anderen Theoretikern der Avantgarde wie Apollinaire, Modigliani, Braque und Derain. In der französischen Hauptstadt beschäftigte er sich mit der Gestaltung von Schmuck und kleinen Skulpturen, beeinflusst durch die Arbeit seines Freundes, des Bildhauers und Goldschmieds Paco Durrio. 1892 arbeitete er mit Torcuato Tasso an dekorativen Werken für die Feierlichkeiten zum hundertjährigen Jubiläum der Entdeckung Amerikas. Zwischen 1910 und 1917, als er sich ganz der Bildhauerei widmete, arbeitete er in Ceret, wo er eine heterogene Gruppe von Künstlern um sich scharte, unter denen Juan Gris, Joaquín Sunyer und wiederum Picasso hervorstachen. In diesen Jahren hatte er Ausstellungen in Barcelona, Paris und New York. Im Jahr 1932 wurde er zum Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Jorge in Barcelona ernannt. Das Wesentliche in Hugués Werk ist die Beziehung zur Natur, wobei er die menschliche Figur als integriertes Element in die Natur einbezieht. Dies ist ein Merkmal des noucentistischen Klassizismus, aber bei Hugué geht es über dessen begrenzte Ursprünge hinaus. Er stellte in der Regel Bauern dar, aber auch Stierkämpfer und Tänzer - wie hier zu sehen ist -, immer mit einer Detailgenauigkeit und einem Sinn für Texturen, die seine frühere Ausbildung als Goldschmied verraten. In seiner künstlerischen Produktion koexistieren die mediterrane Tradition, der griechische Klassizismus und Archaismus, die Kunst des alten Ägyptens und Mesopotamiens mit der europäischen Avantgarde, die er assimilierte und aus erster Hand kannte, insbesondere der Fauvismus und der Kubismus von Matisse. Werke von Hugué befinden sich unter anderem im MACBA, im Centre Georges Pompidou in Paris, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien und im Nationalmuseum und Kunstzentrum Reina Sofia.

Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

Los 26 - SEGUNDO MATILLA MARINA (Madrid, 1862 - Teià, Barcelona, 1937). "Küstenszene in Vilanova y la Geltrú". Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Befindet sich auf der Rückseite. Präsentiert Restaurierungen. Maße: 60 x 100 cm; 73,5 x 114,5 cm (Rahmen). Obwohl er in Madrid geboren wurde, wurde Matilla in Barcelona ausgebildet und entwickelte dort seine Karriere. Er studierte Bildende Kunst an der Lonja de Barcelona unter der Leitung von Antonio Caba. Er nahm an zahlreichen Ausstellungen teil, so an der Internationalen Ausstellung von Barcelona 1891, 1894, 1896 und 1898 (1891 erhielt er eine lobende Erwähnung), an den Kunstausstellungen derselben Stadt 1918 und 1919 und am Pariser Salon von 1897. Im selben Jahr erhielt er eine lobende Erwähnung auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste in Madrid. Zu seinen Einzelausstellungen gehören die im Salón Vilches in Madrid (1915) und in Barcelona in den Galerien Sala Parés (1914) und Pallarés (1942), letztere eine posthume Ehrung. Mehrere seiner dort ausgestellten Werke wurden vom Museum für Moderne Kunst in Madrid angekauft, und viele andere wurden nach Amerika exportiert. Mit seinen Landschaften des Empordà, von Camprodón, Port de la Selva und Cadaqués erlangte er großen Erfolg bei Publikum und Kritik. Seine Werke befinden sich in verschiedenen Museen, wie dem bereits erwähnten Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid, dem Prado-Museum, dem Museum Pablo Gargallo in Zaragoza und dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, sowie in bedeutenden internationalen Privatsammlungen.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 27 - JOSEP PUIGDENGOLAS BARELLA (Barcelona, 1906 - 1987). "Calatayud", 1957. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 73 x 92 cm. In diesem Werk demonstriert Puigdengolas seine absolute Beherrschung der Technik und der Erfassung der Landschaft in einem Bild, in dem es ihm gelingt, die naturalistische Darstellung, den persönlichen Ausdruck und die malerische Ordnung zu synthetisieren. Wir sehen einen sensiblen Pinselstrich, der den Raum erforscht und ihm Form und Wesen verleiht, indem er Volumen, Licht und Schatten schafft und eine mit großer Sensibilität eingefangene Atmosphäre definiert. Durch eine rein persönliche Sprache synthetisiert Puigdengolas die grundlegenden Elemente der Darstellung und der Ausdruckskraft der Malerei, was sich in der Intensität seiner Farben oder in der Strenge seiner kompositorischen Struktur zeigt. Josep Puigdengolas wurde an den Schulen für Kunsthandwerk und La Lonja in Barcelona ausgebildet und vervollständigte später seine Studien in El Paular und an der Königlichen Akademie von Florenz. Er war ein Schüler von Eliseo Meifrén und Joaquín Mir. Im Jahr 1951 wurde er zum Professor für Zeichnen an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi ernannt. Obwohl er sein Atelier in Barcelona hatte, malte er häufig in La Cerdanya und auf Mallorca, insbesondere in der Stadt Deià. Sein Werk, das sich durch einen leuchtenden Naturalismus auszeichnet, entstand in der Nachfolge von Mir und verschaffte ihm große Anerkennung beim Publikum. Er konzentrierte sich in seinem Werk auf Landschaften, arbeitete aber auch an Porträts. Im Laufe seiner Karriere hatte er mehrere Einzelausstellungen, wie die im Salón Cano in Madrid im Jahr 1962, und nahm an Gruppenausstellungen und Wettbewerben wie der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste teil. Wenige Monate vor seinem Tod, im Januar 1987, fand seine letzte Ausstellung in der Sala Parés in Barcelona statt. Derzeit ist er unter anderem im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía und im MACBA in Barcelona vertreten.

Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

Los 28 - JUAN RIBERA BERENGUER, (Valencia, 1935 - Valencia, 2016). "Alter Bahnhof von Aragon, Valencia". Öl auf Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 89 x 174 cm; 104 x 189 cm (Rahmen). Juan Ribera wurde an der Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia ausgebildet und war Gründungsmitglied von Künstlergruppen wie Parpalló, Arte Actual und Movimiento Artístico del Mediterráneo. Er war Teil der künstlerischen Avantgarde Valencias und Madrids und nahm an den Ausstellungen der Galerie Juan Mordó teil. Er stellte unter anderem in der Dirección General de Bellas Artes de Madrid (1969) und im Museo de la Ciudad de Valencia (1998) aus und nahm an bedeutenden Gruppenausstellungen teil, wie zum Beispiel im Museum für Moderne Kunst in Paris (1963), in der Ausstellung "Pintores figurativos de la España actual" (1964), die durch die Vereinigten Staaten tourte, und im IVAM in Valencia. Im Laufe seiner Karriere erhielt er Pensionen von der Diputación und dem Stadtrat von Valencia, der Casa Velázquez in Madrid und der March-Stiftung und wurde unter anderem mit dem Valencia-Preis auf der Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona (1960), der Diputación de Valencia auf der Nationalen Ausstellung in Madrid (1968), der Goldmedaille auf dem Salón de Marzo in Valencia (1977) und dem Archival-Preis für künstlerische Verdienste (1995) ausgezeichnet. Ribera ist im Museum San Pío V in Valencia, im Museum für zeitgenössische Kunst in Vilafamés, im Städtischen Museum und im Kreis der Schönen Künste in Madrid, im Museum von Springfield (Massachusetts), in der Kathedrale, in der Diputación, im Ateneo und im Museum der Stadt Valencia usw. vertreten.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 29 - PERE YSERN ALIÉ (Barcelona, 1875 - 1946). "Serra Tramontana, Mallorca", ca. 1920. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 54 x 65 cm. Pere Ysern Alié war Schüler von Pere Borrell del Caso in dessen Akademie, wo er zusammen mit Ramón Riera die Keimzelle der Gruppe "El Rovell de l'Ou" bildete. 1894 wurde er zum ersten Mal auf der Allgemeinen Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona ausgestellt, und 1896 reiste er nach Rom, wo er zwei Jahre lang blieb und seine Ausbildung bei Ramón Tusquets vervollständigte. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona im Jahr 1898 nahm er an der Städtischen Ausstellung der Schönen Künste teil. Im folgenden Jahr ließ er sich in Paris nieder, wo er 1900 auf dem Salon des Artistes Français ausstellte. Auch am Salon des Indépendants nahm er regelmäßig teil. Ein deutliches Zeichen für seinen internationalen Erfolg war seine Teilnahme an der Internationalen Ausstellung von Sankt Petersburg im Jahr 1901, wo der Zar von Russland eines seiner Bilder kaufte. Er ließ sich in Paris nieder und besuchte gelegentlich Barcelona, wo er 1901 und 1903 in der Sala Parés ausstellte und 1905 an der Kollektivausstellung der Vereinigung der katalanischen Maler und Bildhauer teilnahm. Im Jahr 1927 kehrte er nach Spanien zurück, und von da an nahm er ständig an Wettbewerben in Barcelona und Katalonien teil, und seine Malerei wurde schließlich auch in unserem Land geschätzt. Heute ist er vor allem im MACBA vertreten, aber auch im Musée du Luxembourg in Paris, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, in der Stiftung La Caixa und in verschiedenen Privatsammlungen.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 30 - GEORGES CALLOT (Paris, 1857-1903). "Die Fotografie". Tinte und Bleistift auf Papier. Signiert in der linken unteren Ecke. Maße: 23 x 18 cm; 36 x 30 cm (Rahmen). Georges Callot, der Genre-, Allegorie- und Aktmaler, absolvierte seine Ausbildung an der Schule für dekorative Künste und anschließend an der Schule der schönen Künste in Paris. Er nimmt 1877 zum ersten Mal am Salon teil. Im Jahr 1890 wurde er Mitglied der Société Nationale des Beaux-Arts. Heute befinden sich seine Werke in Museen wie dem Musée d'Orsay in Paris, in Châlons-en-Champagne oder dem Art Renewal Center.

Schätzw. 400 - 450 EUR

Los 31 - JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcelona, 1877 - 1957). "Elle quitte ses gants". Holzkohle und Gouache auf Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke. Arbeit veröffentlicht in: - "Ceinture Dorée" von Victorien du Saussay, 1907. - Katalog "Joan Cardona. Der Glamour der Belle Époque", Seite 170, n.417J. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 26 x 18,5 cm; 50 x 42 cm (Rahmen). Joan Cardona war eine unverzichtbare Figur der Belle-Époque-Ästhetik und trug dazu bei, die glamourösen Umgebungen des eleganten Paris des ausgehenden XIX Jahrhunderts zu definieren. Die Kritiker sprachen sogar vom "Cardona-Stil", um auf die Exklusivität seines Werks hinzuweisen. Von 1900, als er sich in Paris niederließ, bis 1914, als der Erste Weltkrieg ihn nach Barcelona zurückschickte, war er einer der bekanntesten Illustratoren der französischen Hauptstadt. Ausgebildet an der Escuela de Bellas Artes de la Lonja und an der Academia Baixeras in Barcelona, setzte er seine Studien in Paris fort, wo er sich mehrere Jahre niederließ. In der französischen Hauptstadt bildete er eine Gruppe mit den besten Illustratoren seiner Zeit, wie Cappiello, Sem, Steinlen und Roubille. Als Maler und Zeichner entwickelte er eine bedeutende Tätigkeit im Bereich der Illustration und arbeitete mit spanischen Zeitschriften wie "El Gato Negro" und "Hispania" sowie mit den französischen Zeitschriften "Le Rire" und "Simplicissimus" zusammen. Hervorzuheben ist seine Zusammenarbeit mit "Jugend", dem Flaggschiff der Wiener Moderne, dem Jugendstil. In seiner Pariser Zeit erlangte Cardona internationalen Ruhm dank seiner Federzeichnungen, die sich durch die Schärfe des Strichs und starke Ausdruckswerte auszeichnen. In seiner Malerei hingegen ordnet er die Linie der Farbe unter, mit warmen Tönen in seinen frühen Jahren und kalten Bereichen in seiner Reifezeit. In seinen Gemälden von großer Ausdruckskraft und dichtem Impasto steht die Frau im Mittelpunkt, die vor einem lebhaften, fast abstrakten Hintergrund dargestellt wird, in einem Stil, der ihn in die Nähe von Anglada Camarasa rückt. 1897 erhielt er einen Preis in dem von der Mariana-Akademie von Lleida organisierten Wettbewerb. Er stellte in Paris in den Salons d'Automne und der Societé Nationale aus und erhielt in beiden den Titel "societaire". Er nahm an den Internationalen Ausstellungen der Schönen Künste in Barcelona 1907 und 1929 teil. Er ist im Museum von Luxemburg in Paris vertreten.

Schätzw. 4 200 - 4 500 EUR

Los 32 - JOAN REBULL TORROJA (Reus, 1899 - Barcelona, 1981). "Weibliche Büste. Terrakotta-Skulptur auf Marmorsockel. Signiert. Es handelt sich um eine vorbereitende Studie für eine Skulptur, die heute im MNAC aufbewahrt wird, n. Inventar 010048000. Maße: 26 x 14 x 16 cm; 9 cm (Höhe des Sockels). Dieses Werk ist ein beredtes Beispiel für das persönlichste Werk von Joan Rebull, einem Künstler, der eine Sprache klassischer Wurzeln in der Ästhetik entwickelt, die auf den Prinzipien des Adels, der Schönheit und der Proportion basiert, die jedoch eine Idealisierung und eine Synthese der Formen nach der Avantgarde und nicht die Modelle der klassischen Antike verwendet. Wir haben es also mit einem ruhigen, ausgewogenen Porträt von gewissem unveränderlichem Charakter zu tun, archaisch und fast sakral in der Perfektion seiner Proportionen und strukturellen Linien, das eine Brücke zwischen den antiken Vorbildern und der avantgardistischen plastischen Forschung schlägt. Joan Rebull, der als der bedeutendste katalanische Bildhauer seiner Zeit gilt, begann seine Laufbahn in der Welt der Bildhauerei in seiner Heimatstadt bei dem Bildhauer Pau Figueres. Im Jahr 1915 zog er nach Barcelona, um seine künstlerische Ausbildung an der Schule der Schönen Künste von La Lonja zu beginnen, während er in der Werkstatt des Marmorkünstlers Bechini arbeitete. Im Jahr 1916 debütierte er mit einer Ausstellung im Centro de Lectura in Reus und gründete im darauffolgenden Jahr zusammen mit anderen Künstlern die Gruppe "Els Evolucionistes", die sich zum Ziel setzte, den katalanischen Noucentisme zu reproduzieren. Im Jahr 1921 reiste er nach London und Paris, wo ihn die antike Kunst in den dortigen Museen besonders beeindruckte. Zwischen 1926 und 1929 lebte er in der französischen Hauptstadt und nahm am Salon des Indépendants teil, obwohl er auch Werke zu Ausstellungen in Barcelona schickte. In Paris war er der erste Künstler, den der bekannte katalanische Kunsthändler Joan Merli einstellte. Nach seiner Rückkehr wurde er zum Präsidenten des neuen Salons von Montjuic (1932) und zum Mitglied der Akademie Sant Jordi (1934) ernannt, nahm an verschiedenen Ausstellungen in Madrid und Barcelona teil und gewann 1938 den Campeny-Preis auf dem Salon d'Automne in Barcelona. Nach dem Krieg ging er nach Paris ins Exil, wo er aktiv am künstlerischen Leben teilnahm und an der Ausstellung "Le Jeune Sculpture Française" sowie an den Salons d'Automne teilnahm. Er kehrte 1948 nach Barcelona zurück und gewann drei Jahre später einen großen Preis auf der I Bienal Hispanoamericana de Arte in Madrid. 1962 wurde er zum Professor an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi ernannt, und kurz vor seinem Tod wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Als Kind des noucentista-Perfektionismus und großer Zeichner arbeitet Rebull mit großer technischer Meisterschaft und Gewissheit über den zu beschreitenden Weg. Es handelt sich um eine direkte und antirhetorische Bildhauerei, die auf einer heiteren und essentiellen Vision der Realität beruht. Sein Stil kann als eine Wiederbegegnung mit der Quelle des Klassizismus definiert werden, von der er niemals die Folgen kopiert. Er ist unter anderem im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, im Nationalen Zentrum Reina Sofia, im Rathaus von Barcelona, im Kloster Montserrat und im Palau de la Música Catalana vertreten.

Schätzw. 3 200 - 3 500 EUR

Los 33 - ISMAEL SMITH MARÍ (Barcelona, 1886 - New York, 1972). "Weibliche Akte". Bleistift auf Papier. Signiert mit Stempel in der oberen linken Ecke. Präsentiert Rostflecken. Maße: 30 x 23 cm; 60 x 49,5 cm (Rahmen). Der Bildhauer, Zeichner und Graveur war einer der ersten Künstler, die von Eugenio D'Ors als Novecentistas bezeichnet wurden. Ausgebildet an der Schule La Lonja in Barcelona und an der Akademie Baixas, war er Schüler der Bildhauer Benlliure, Querol, Vallmitjana und Llimona. 1903 erhielt er einen Preis bei einem Wettbewerb für neue Künstler im Ateneo Barcelonés, 1906 stellte er in der Sala Parés aus. Er erhält die zweite und dritte Medaille der V. Internationalen Ausstellung der Schönen Künste von Barcelona 1907 und die zweite Medaille der VI. im Jahr 1911. Im Jahr 1910 reist er mit einem Stipendium des Stadtrats von Barcelona nach Paris. Zwischen 1913 und 1914 studiert er an der Nationalen Schule für dekorative Künste in der französischen Hauptstadt und unternimmt anschließend eine Reihe von Reisen nach England und in die Vereinigten Staaten, wo er zahlreiche Ausstellungen veranstaltet. Im Jahr 1918 ließ er sich dauerhaft in New York nieder, wo er mit der Hispanic Society zusammenarbeitete. Im Jahr 2005 widmete ihm die Palau Foundation eine Retrospektive. Die Matrizen seiner Stiche werden in der Graphischen Abteilung der Bibliothek von Katalonien und in der Calcografía Nacional in Madrid aufbewahrt. Viele seiner Drucke befinden sich auch im British Museum in London, und er ist auch im Museo Reina Sofía in Madrid, im Museo de Arte Contemporáneo in Barcelona, im MoMA in New York, in der Calcografía Nacional in Madrid und in der Biblioteca de Cataluña vertreten.

Schätzw. 400 - 450 EUR

Los 34 - FRANCISCO JAVIER GOSÉ ROVIRA (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915). "Dame mit Katze", 1913. Lithografisches Plakat. Estampes D'Art Devambez. Mit Stempel des Verlegers. In der Platte signiert. Werk katalogisiert in "Xavier Gosé, Il.lustrador de la modernitat", Ed. Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), 2015, Barcelona, S. 18. Sammlung: Monografies (Museu Nacional d'Art de Catalunya), 3. Präsentiert einige Schäden, Falten und seitliche Fehler des Papiers. Abmessungen: 50 x 35 cm. Javier Gosés Stil oszilliert zwischen Modernismus und französischem Art-déco und spiegelt das Leben der Pariser Gesellschaft wider. Inspiriert vom alltäglichen Leben der Café-Konzerte, der Prostituierten, der Pferderennen, der Sportler und des bekannten Montmartre, spiegelt sein Stil die Finesse und Zartheit der französischen Gesellschaft jener Zeit wider, obwohl er nicht frei ist von gewissen pikaresken Merkmalen des sorglosen Paris. Francisco Javier Gosé war ein wichtiger Zeichner und Maler in der Welt der Grafik und der Mode im Übergang vom 19. zum 20. Er studierte in Barcelona, wo er Assistent des Zeichners José Luis Pellicer war. Schon in jungen Jahren arbeitete er an Veröffentlichungen in Barcelona mit, von "La Esquella de la Torratxa", "La saeta", in denen seine Verbundenheit mit dem Modernismus deutlich wird, bis hin zu "Mundial Magazine" und "Fémina", wo sich bereits eine vorkubistische Linie abzeichnet. Seine erste Ausstellung fand im Els Quatre Gats statt. Während seiner Zeit in Barcelona porträtierte er das Proletariat, obwohl er im Jahr 1900 nach Paris reiste, wo er unter anderem mit "La vie Illustrée" und "Le frou-frou" zusammenarbeitete. Er stellte in den Galerien Parés und Dalmau in Barcelona, in der Galerie Vilches (Madrid), bei Georges Petit und Ritlinger (beide in Paris) aus. Bis zu diesem Zeitpunkt zeigen seine Werke einen satirischen und realistischen Blick auf die Bourgeoisie, die Snobs und die Prostituierten. Dieser Blick ändert sich jedoch 1907, als er eine stilisiertere, weniger realistische und weniger ironische Phase beginnt, vor allem aufgrund seiner Anfänge in der Welt der Mode, in der Gosé versucht, einen Trend in der weiblichen Gesellschaft zu setzen. Seine Zeit in Paris war der Wendepunkt in seinem Leben und in seinem künstlerischen Schaffen, denn die französische Hauptstadt war der Ort, an dem er seine Kenntnisse erweiterte und ein erfolgreicher Künstler wurde, der interessante Aufträge als Illustrator für die besten satirischen Zeitschriften erhielt. Ab 1910 arbeitet er mit deutschen Zeitschriften wie dem "Ulk" zusammen. 1914 brach der Erste Weltkrieg aus, ein Umstand, der ihn, zusammen mit seinen schweren gesundheitlichen Problemen, aus dem eleganten Pariser Umfeld vertrieb, und er zog in die Stadt Vichy, die für ihre Bäder berühmt war. Bald darauf zog Gosé zurück nach Barcelona und verbrachte die letzten Tage seines Lebens in Lleida. Unter den posthumen Ausstellungen ragen der Círculo Artístico im selben Jahr seines Todes, die Retrospektive in der Galerie Rovira (1970) und die Stiftung La Caixa (1984) heraus. Er ist u. a. in den Museen für moderne Kunst in Barcelona und Madrid vertreten.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Los 35 - FRANCISCO JAVIER GOSÉ ROVIRA (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915). "L'arbre de Mai. Robes simples pour l'eté". Pochoir, von Hand illuminiert, auf Velinpapier. Signiert. Staatliche Prüfung von L'Arbre de Mai-Revista La Gazette du Bon Ton 1914, nº5, S. 42. Maße: 19 x 34 cm; 26 x 40 cm (Passepartout). Javier Gosés Stil oszilliert zwischen Modernismus und französischem Art-déco und spiegelt das Leben der Pariser Gesellschaft wider. Inspiriert vom alltäglichen Leben in den Konzertcafés, den Prostituierten, den Pferderennen, den Sportlern und dem bekannten Montmartre, spiegelt sein Stil die Finesse und Zartheit der französischen Gesellschaft jener Zeit wider, obwohl er nicht frei ist von einem gewissen pikaresken Charakteristikum des sorglosen Paris. Francisco Javier Gosé war ein wichtiger Zeichner und Maler in der Welt der Grafik und der Mode im Übergang vom 19. zum 20. Er studierte in Barcelona, wo er Assistent des Zeichners José Luis Pellicer war. Schon in jungen Jahren arbeitete er an Veröffentlichungen in Barcelona mit, von "La Esquella de la Torratxa", "La saeta", in denen seine Verbundenheit mit dem Modernismus deutlich wird, bis hin zu "Mundial Magazine" und "Fémina", wo sich bereits eine vorkubistische Linie abzeichnet. Seine erste Ausstellung fand im Els Quatre Gats statt. Während seiner Zeit in Barcelona porträtierte er das Proletariat, obwohl er im Jahr 1900 nach Paris reiste, wo er unter anderem mit "La vie Illustrée" und "Le frou-frou" zusammenarbeitete. Er stellte in den Galerien Parés und Dalmau in Barcelona, in der Galerie Vilches (Madrid), bei Georges Petit und Ritlinger (beide in Paris) aus. Bis zu diesem Zeitpunkt zeigen seine Werke einen satirischen und realistischen Blick auf die Bourgeoisie, die Snobs und die Prostituierten. Dieser Blick ändert sich jedoch 1907, als er eine stilisiertere, weniger realistische und weniger ironische Phase beginnt, vor allem aufgrund seiner Anfänge in der Welt der Mode, in der Gosé versucht, einen Trend in der weiblichen Gesellschaft zu setzen. Seine Zeit in Paris war der Wendepunkt in seinem Leben und in seinem künstlerischen Schaffen, denn die französische Hauptstadt war der Ort, an dem er seine Kenntnisse erweiterte und ein erfolgreicher Künstler wurde, der interessante Aufträge als Illustrator für die besten satirischen Zeitschriften erhielt. Ab 1910 arbeitet er mit deutschen Zeitschriften wie dem "Ulk" zusammen. 1914 brach der Erste Weltkrieg aus, ein Umstand, der ihn, zusammen mit seinen schweren gesundheitlichen Problemen, aus dem eleganten Pariser Umfeld vertrieb, und er zog in die Stadt Vichy, die für ihre Bäder berühmt war. Bald darauf zog Gosé zurück nach Barcelona und verbrachte die letzten Tage seines Lebens in Lleida. Unter den posthumen Ausstellungen ragen der Círculo Artístico im selben Jahr seines Todes, die Retrospektive in der Galerie Rovira (1970) und die Stiftung La Caixa (1984) heraus. Er ist u. a. in den Museen für moderne Kunst in Barcelona und Madrid vertreten.

Schätzw. 1 500 - 1 600 EUR

Los 36 - FRANCISCO JAVIER GOSÉ ROVIRA (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915). "Dame mit Hund", 1913. Lithografisches Plakat. Estampes D'Art Devambez. Mit Stempel des Verlegers. In der Platte signiert. Werk katalogisiert in "Xavier Gosé, Il.lustrador de la modernitat", Ed. Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), 2015, Barcelona, S. 18. Sammlung: Monografies (Museu Nacional d'Art de Catalunya), 3. Präsentiert einige Schäden, Falten und seitliche Fehler des Papiers. Abmessungen: 50 x 35 cm. Javier Gosés Stil oszilliert zwischen Modernismus und französischem Art-déco und spiegelt das Leben der Pariser Gesellschaft wider. Inspiriert vom alltäglichen Leben der Café-Konzerte, der Prostituierten, der Pferderennen, der Sportler und des bekannten Montmartre, spiegelt sein Stil die Finesse und Zartheit der französischen Gesellschaft jener Zeit wider, obwohl er nicht frei ist von gewissen pikaresken Merkmalen des sorglosen Paris. Francisco Javier Gosé war ein wichtiger Zeichner und Maler in der Welt der Grafik und der Mode im Übergang vom 19. zum 20. Er studierte in Barcelona, wo er Assistent des Zeichners José Luis Pellicer war. Schon in jungen Jahren arbeitete er an Veröffentlichungen in Barcelona mit, von "La Esquella de la Torratxa", "La saeta", in denen seine Verbundenheit mit dem Modernismus deutlich wird, bis hin zu "Mundial Magazine" und "Fémina", wo sich bereits eine vorkubistische Linie abzeichnet. Seine erste Ausstellung fand im Els Quatre Gats statt. Während seiner Zeit in Barcelona porträtierte er das Proletariat, obwohl er im Jahr 1900 nach Paris reiste, wo er unter anderem mit "La vie Illustrée" und "Le frou-frou" zusammenarbeitete. Er stellte in den Galerien Parés und Dalmau in Barcelona, in der Galerie Vilches (Madrid), bei Georges Petit und Ritlinger (beide in Paris) aus. Bis zu diesem Zeitpunkt zeigen seine Werke einen satirischen und realistischen Blick auf die Bourgeoisie, die Snobs und die Prostituierten. Dieser Blick ändert sich jedoch 1907, als er eine stilisiertere, weniger realistische und weniger ironische Phase beginnt, vor allem aufgrund seiner Anfänge in der Welt der Mode, in der Gosé versucht, einen Trend in der weiblichen Gesellschaft zu setzen. Seine Zeit in Paris war der Wendepunkt in seinem Leben und in seinem künstlerischen Schaffen, denn die französische Hauptstadt war der Ort, an dem er seine Kenntnisse erweiterte und ein erfolgreicher Künstler wurde, der interessante Aufträge als Illustrator für die besten satirischen Zeitschriften erhielt. Ab 1910 arbeitet er mit deutschen Zeitschriften wie dem "Ulk" zusammen. 1914 brach der Erste Weltkrieg aus, ein Umstand, der ihn, zusammen mit seinen schweren gesundheitlichen Problemen, aus dem eleganten Pariser Umfeld vertrieb, und er zog in die Stadt Vichy, die für ihre Bäder berühmt war. Bald darauf zog Gosé zurück nach Barcelona und verbrachte die letzten Tage seines Lebens in Lleida. Unter den posthumen Ausstellungen ragen der Círculo Artístico im selben Jahr seines Todes, die Retrospektive in der Galerie Rovira (1970) und die Stiftung La Caixa (1984) heraus. Er ist u. a. in den Museen für moderne Kunst in Barcelona und Madrid vertreten.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Los 37 - LUIS GRANER ARRUFÍ (Barcelona, 1863 - 1929). "Kastanienbaum". Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Präsentiert craquelures. Abmessungen: 50 x 36 cm; 68 x 56 cm (Rahmen). Luis Graner wurde in der Schule von La Lonja in Barcelona ausgebildet, wo er Schüler von Benito Mercadé und Antonio Caba war. 1886 zog er dank eines Stipendiums der Diputación de Barcelona nach Paris. Während seines fünfjährigen Aufenthalts in der französischen Hauptstadt erhielt er zwei dritte Medaillen bei den Weltausstellungen von Barcelona (1888) und Paris (1889). Nachdem er sich 1891 wieder in Barcelona niedergelassen hatte, nahm er weiterhin an wichtigen internationalen Ausstellungen teil, wie zum Beispiel in Berlin (1891), München (1892) und Düsseldorf (1904). Er schickte auch Werke zu den Nationalen Kunstausstellungen und erhielt 1895 und 1897 eine dritte Medaille, 1901 eine zweite und 1904 eine Auszeichnung. Im selben Jahr richtete Graner die von Gaudí entworfene Sala Mercè ein, in der er seine "musikalischen Visionen" organisierte, Vorstellungen, die Poesie mit Musik, Szenografie mit Kino verbanden. Schließlich zog er, ruiniert, nach Amerika. Er kam 1910 in New York an und hatte im selben Jahr eine Einzelausstellung in der Edward Brandus Gallery. Der Erfolg dieser Ausstellung brachte Graner wichtige Aufträge ein, darunter das Porträt des Tycoons Carlos B. Alexander. Nach einem fünfmonatigen Aufenthalt in Barcelona reiste Graner erneut nach New York, sein letztes Ziel war Havanna. Im Jahr 1911 verließ er Kuba in Richtung New Orleans, und kurz darauf war er bereits in San Francisco. Dort eröffnete er im California Club eine Ausstellung mit sechsundsiebzig Gemälden, die größte Einzelausstellung, die je in der Stadt stattfand. In dieser Zeit malte er auch mehrere Wandteppiche für den Filmregisseur David W. Griffith. Noch vor Ende des Jahres kehrt er nach New York zurück, wo er erneut mit großem Erfolg Einzelausstellungen durchführt. Er malt weiterhin Porträts von wichtigen Persönlichkeiten des Landes, und 1912 hat er eine weitere wichtige Ausstellung, diesmal in den Ralston Galleries (New York). In den folgenden Jahren setzt er seine glänzende internationale Karriere in Brasilien und Chile fort, um schließlich in die Vereinigten Staaten zurückzukehren, wo er wegen des Ausbruchs des Ersten Weltkriegs in New York, New Orleans, Chicago und anderen Städten verbleibt, wobei er seine Bilder stets mit großem Erfolg ausstellt. In den zwanziger Jahren reist er nach Argentinien, Uruguay und Kuba, und schließlich wird er in New Orleans von einer schweren Krankheit niedergestreckt, die seinen Geist irreparabel beschädigt und auch sein Werk verändert, das die Kraft und Transzendenz seiner früheren Phasen verliert. Pleite und krank, ohne einen Markt für seine Bilder zu finden, kehrte er schließlich 1928, kurz vor seinem Tod, nach achtzehn glorreichen Jahren, die mit Entbehrungen endeten, nach Barcelona zurück. Im selben Jahr stellte er im Hotel Ritz und in den Galerien Layetanas in Barcelona in Einzelausstellungen aus, und Ende des Jahres fand eine bedeutende Retrospektive in der Sala Parés statt, bevor er im Mai 1929 im Alter von sechsundsechzig Jahren verstarb. Seine Werke befinden sich unter anderem im Prado-Museum, im MACBA von Barcelona, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, in der Hispanic Society of New York und im Balaguer-Museum von Vilanova i la Geltrú sowie in bedeutenden katalanischen Privatsammlungen.

Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

Los 38 - THÉODORE ROUSSEAU (Frankreich, 1812 - 1867) zugeschrieben. "Das Mähen". Öl auf Leinwand. Etikett signiert auf der Rückseite. Maße: 28 x 41 cm; 42,5 x 56 cm (Rahmen). Ein Schnitter trägt ein Heubündel auf dem Rücken und geht auf einen Wagen zu, der bereits mit gepresstem Stroh beladen ist. Ein Ochse bleibt in der Mitte des Weges stehen, ein anderer sucht Schatten unter den Heubergen. Hinter den Figuren ist der weite blaue Himmel mit Wolkenfetzen übersät. Die Pinselführung ist lebhaft und der Strich dick, wodurch eine impressionistische Sprache entsteht, die mit der der Schule von Barbizon vergleichbar ist. Théodore Rousseau, einer der Hauptvertreter der Schule von Barbizon, die sich durch eine realistische Sicht der Landschaft auszeichnete, teilte die Schwierigkeiten der romantischen Maler von 1830, einen Platz für seine Bilder im Pariser Salon zu erhalten. Nachdem er auf der Ausstellung von 1836 abgelehnt wurde, zog er sich nach Barbizon zurück und bildete zusammen mit anderen Künstlern wie Corot oder Millet die so genannte Schule von Barbizon. Dort widmete er sich der Landschaftsmalerei im Freien, wobei er die Natur ähnlich wie die niederländischen Meister des 17. Jahrhunderts darstellte und sich besonders auf atmosphärische und natürliche Phänomene konzentrierte. Erst im Jahr 1848 wurde sein Werk der Öffentlichkeit vorgestellt, als er schließlich in den Pariser Salon aufgenommen wurde. Noch im selben Jahr ließ er sich dauerhaft in Barbizon nieder, wo er den Rest seines Lebens verbringen sollte. Auf der Weltausstellung von 1853, auf der alle zuvor abgelehnten Gemälde Rousseaus zusammengeführt und ihm ein Saal gewidmet wurde, wurde er von Publikum und Kritikern als einer der besten Teilnehmer der Schau anerkannt. Seine Werke zeichnen sich durch ihren nüchternen Charakter aus, mit einem Hauch von erlesener Melancholie, der den Betrachter stark anzieht. Rousseau ist derzeit in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter im Louvre und im Orsay in Paris, in der Eremitage in St. Petersburg, in der National Gallery in London, im Rijksmuseum in Amsterdam, in der Frick Collection in New York, im Thyssen-Bornemisza in Madrid und in der Albertina in Wien, um nur einige zu nennen.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 39 - CHARLES-EMILE JACQUE (Frankreich, 1813 - 1894). "Das Ende des Tages". Öl auf Leinwand. Am unteren Rand signiert. Maße: 29 x 38,5 cm; 35 x 45 cm (Rahmen). Ein Bauer auf einem weißen Pferd steht im Mittelpunkt dieser Landschaftskomposition, die einen Sonnenuntergang in erdigen und ockerfarbenen Tönen zeigt. Die beiden Pferde trinken aus einem Teich, dessen ruhiges Wasser sanft plätschert und die silbernen Lichter des Himmels widerspiegelt. Charles-Emile Jacque war ein französischer Maler und Kupferstecher der Schule von Barbizon, der sich auf das Malen von Tieren spezialisiert hatte. Als er in der französischen Armee diente, lernte er das Stechen von Landkarten. Nach dem Militärdienst ging er nach England, wo er als Graveur für Le Charivari arbeitete. In der Malerei beschäftigte er sich hauptsächlich mit bäuerlichen Motiven: Hirten, Schafherden, Schweine und Szenen aus dem bäuerlichen Leben. Nach zwei Jahren im Ausland kehrte er nach Frankreich zurück und debütierte mit zwei Werken auf dem Pariser Salon von 1833, an dem er bis 1870 regelmäßig teilnahm. Sowohl für seine Radierungen als auch für seine Gemälde wurde er 1867 mit dem Orden der Ehrenlegion ausgezeichnet.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 40 - FILIPPO TOMMASO MARINETTI (Alexandria, Ägypten, 1876-Bellagio, Como, 1944). "Futurismus gegen Passatismus". London, 1914. Gemischte Medien auf Papier. Signiert und datiert. Mit Zeichnung auf der Rückseite von JOSÉ CAPUZ (1884-1964). Maße: 21 x 18 cm. Grafische Komposition von Marinetti, eine Originalzeichnung des Begründers des Futurismus (vielleicht eine Skizze für ein Plakat), auf deren Rückseite eine Zeichnung des Bildhauers José Capuz erscheint. Bezeichnenderweise in London datiert, dem Jahr des Ausbruchs des Ersten Weltkriegs. Bekannt als Begründer der futuristischen Bewegung, der ersten italienischen Avantgarde des 19. Jahrhunderts, die die Grundlage für Mussolinis Faschismus bildete. Marinetti war ein italienischer Dichter, Schriftsteller, Ideologe, Dramatiker und Herausgeber. Er entstammt der utopischen und symbolistischen Künstler- und Literatengemeinschaft Abbaye de Créteil, der er von 1907 bis 1908 angehörte. Sowohl als Dichter als auch als Politiker und Ideologe wurde er stark von Friedrich Nietzsche, Sorel, Giuseppe Mazzini und dem Dichter Gabriele D'Annunzio beeinflusst. Er ist der Verfasser des Futuristischen Manifests, das 1909 verfasst und veröffentlicht wurde, sowie des Faschistischen Manifests, das 1919 verfasst und veröffentlicht wurde. Er gilt als Vater des italienischen Faschismus, arbeitete eng mit Mussolini zusammen und inspirierte ihn stark. Im Jahr 1942 kämpfte er als Teil eines italienischen Expeditionskorps auf sowjetischem Gebiet und wurde in Stalingrad verwundet. Sein berühmtestes Gedicht ist "Die 5 Sterne". José Capuz, der hauptsächlich als Bildhauer, aber auch als Maler und Zeichner tätig war, wurde an den Königlichen Akademien der Schönen Künste von San Carlos in Valencia und San Fernando in Madrid ausgebildet. Er vertiefte seine Studien in der Werkstatt des Bildhauers Félix Granda und unternahm dank eines Stipendiums eine lange Reise, die ihn nach Rom, Florenz, Neapel und Paris führte. Seit 1927 Akademiker in San Fernando, ist er heute im Provinzmuseum von Jaen und in den Sammlungen verschiedener Bruderschaften sowie an öffentlichen Orten in verschiedenen spanischen Städten vertreten.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 41 - Kreis von JOHAN BARTHOLD JONGKIND (Lattrop, 1819 - um Grenoble, 1891). "Sonnenuntergang". Öl auf Platte. Maße: 25,5 x 33,5 cm; 34 x 41,5 cm (Rahmen). Gemälde mit Küstenthema, dargestellt in der magischen Stunde des Sonnenuntergangs. Die goldene Scheibe verschwindet hinter der Horizontlinie und verabschiedet sich mit einer feurigen Symphonie. An der Küste zeichnen sich Hütten und prekäre Häuser vor dem Meer ab. Das Gemälde ist von den nächtlichen Seestücken Johan Barthold Jongkinds inspiriert, die in einer vorimpressionistischen Sprache aufgelöst sind. Johan Barthold Jongkind war ein niederländischer Maler und Kupferstecher, der als einer der Vorläufer des Impressionismus gilt. Er studierte Kunst an der Schule von Den Haag unter der Leitung des romantischen Malers Andreas Schelfhout und malte seine ersten Bilder im Stil der traditionellen flämischen Malerei. 1846 ließ er sich in Paris nieder und wurde Schüler von Eugène Isabey, bis er 1855 aufgrund wirtschaftlicher Probleme gezwungen war, nach Holland zurückzukehren und sich in Rotterdam niederließ. Im April 1860 kehrte er nach Paris zurück und brachte von da an seine Vorliebe für die Marine während seiner Aufenthalte an der normannischen Küste in Le Havre, Sainte-Adresse (siehe Aquarell), Honfleur und Trouville zum Ausdruck. Dort lernt er Boudin und vor allem Monet kennen, der sich aufrichtig zu seiner Schuld gegenüber dem niederländischen Künstler bekennt: "Ihm verdanke ich die endgültige Ausbildung meiner Augen". Am Salon des Refusés 1863 nimmt er mit dem Gemälde Ruinen des Schlosses von Rosemont teil, das neben Manets umstrittenem Gemälde Le déjeuner sur l'herbe (Mittagessen im Gras) steht; beide befinden sich heute im Musée d'Orsay. Seine Landschaften der Normandie, der Kanäle und Strände der Nordsee, der Ufer der Seine, von Paris und später von Grenoble geben in fein nuancierten Tönen das Licht und die Atmosphäre dieser Orte wieder. Im Gegensatz zu den Impressionisten malte er seine Bilder im Atelier nach den Skizzen und Aquarellen, die er im Freien anfertigte. Manchmal wiederholte er ein und dasselbe Motiv unter verschiedenen Lichtverhältnissen oder zu verschiedenen Jahreszeiten (eine typisch impressionistische Idee, die später von seinem Freund Monet übernommen wurde). Er führte ein ungeordnetes Leben und starb schließlich mit psychischen Problemen (Melancholie, Paranoia) und als Alkoholiker in der Irrenanstalt von Saint-Égrève bei Grenoble. Laut Monet ist Jongkinds Werk, zusammen mit dem von Corot und Boudin, der Ursprung des Impressionismus.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 42 - MANUEL HUMBERT I ESTEVE (Barcelona, 1890 - 1975). "Landschaft". 1932. Öl auf Leinwand. Signiert in der linken unteren Ecke. Es gehörte zu der alten Sammlung von Raimond Maragall. Veröffentlicht in "33 peintres catalans", von Joan Merlí, 1937, S. 104. Maße: 38,5 x 55,5 cm. Der Stil von Manuel Humbert, der sich durch eine zurückhaltende und zarte Lyrik auszeichnet, kommt in dieser Landschaft, in der die Häuser und Gärten in die Natur integriert sind, auf einzigartige Weise zum Ausdruck. Humbert wurde in Barcelona an der Llotja-Schule ausgebildet und war auch Schüler von Francesc d'Assís Galí an dessen Akademie. Er wurde in der satirischen Wochenzeitung "Papitu" unter dem Pseudonym Isaac bekannt und arbeitete auch mit der Zeitschrift "Picarol" zusammen. Im Jahr 1915 hatte er seine erste Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien in Barcelona. Zwischen 1909 und 1939 lebte er zwischen Barcelona und Paris, wo er mit Picasso, Modigliani, Soutine und Kisling befreundet war. Er ist Gründungsmitglied der Gruppe Les Arts y els Artistes und arbeitet 1929 an der Dekoration des Palacio Nacional de Montjuic (heutiges Nationalmuseum für Kunst in Katalonien) mit. Als Freund von X. Nogués und J. Aragay schloss er sich der realistischen Seite des Noucentisme an und nahm an den Salones de los Once von 1944 und 1953 teil. Außerdem stellte er ab 1927 einzeln im Sala Parés aus. Er arbeitete undeutlich in Sanguiné, Gravur, Gouache und Öl. Er stellte in Barcelona, Madrid und Paris aus und wurde 1934 mit dem Nonell-Preis ausgezeichnet. Außerdem wurde er 1953 mit dem Großen Preis für Aquarellmalerei auf der Hispanoamerikanischen Biennale in Havanna ausgezeichnet. Manuel Humbert ist der Maler von Frauen in Interieurs mit nuancierter Beleuchtung, bekleidet, halb bekleidet oder nackt, jedoch immer mit einer gewissen Bescheidenheit, die den gepflegten und zurückhaltenden Charakter des Autors offenbart. Derzeit ist er unter anderem im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien sowie in verschiedenen Privatsammlungen vertreten.

Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

Los 43 - BENJAMIN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). "Epoche" 40er Jahre. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Das Werk wurde von Ramón Palencia bestätigt. Maße: 31 x 45 cm; 60 x 75 cm (Rahmen). In den vierziger Jahren erreicht die Malerei von Benjamín Palencia ihre volle Reife, als er es versteht, sich von den kubistischen Dogmen zu lösen und zu einer Figuration seiner eigenen Kultur zurückzukehren. Er fängt die Rauheit des bäuerlichen Lebens in der Nachkriegszeit ein, die kastilischen Dörfer, die Ecken, die einen unaufgeräumten und rauen Schein vermitteln, obwohl sie von Gefühlen durchdrungen sind. Benjamín Palencia, der zusammen mit dem Bildhauer Alberto Sánchez die Schule von Vallecas gründete, war einer der wichtigsten Erben der Poetik der kastilischen Landschaft, die für die Generation von '98 typisch war. Im Alter von nur fünfzehn Jahren verließ Palencia seine Heimatstadt und ließ sich in Madrid nieder, um seine Ausbildung durch häufige Besuche im Prado-Museum zu vertiefen, da er die offiziellen Lehren der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando stets ablehnte. 1925 nimmt er an der Ausstellung iberischer Künstler im Retiro-Palast in Madrid teil, und 1926 reist er zum ersten Mal nach Paris. Dort lernt er Picasso, Gargallo und Miró kennen und kommt mit der Technik der Collage in Berührung, die er später in seinem Werk anwenden wird, wobei er neue Materialien wie Sand oder Asche verwendet. Von diesem Pariser Aufenthalt an nimmt Palencias Werk einen surrealistischen Ton an, der sich in einer immer größeren Ausdrucksfreiheit äußert, die in seiner Reifezeit ihre Vollendung findet. Nach seiner Rückkehr nach Madrid gründet er die Vallecas-Schule (1927) und debütiert im Museum für Moderne Kunst (1928). Palencia wird nach und nach die Stillleben aufgeben, um die kastilische Landschaft wieder aufzugreifen und sie durch eine großartige Synthese zwischen Tradition und Avantgarde zu erfassen. Diese persönliche Ästhetik der Landschaft erreicht ihren Höhepunkt in der Schule von Vallecas, und nach einem brillanten surrealistischen Einfall in den frühen dreißiger Jahren bleibt Palencia bei Ausbruch des Bürgerkriegs in Madrid, wo er wie seine Altersgenossen eine tiefe Krise durchlebt. Nach dem Krieg, zwischen 1939 und 1940, nimmt seine Malerei eine radikale Wendung; er gibt die kubistischen und abstrakten Einflüsse und sogar die surrealistischen Aspekte auf, um eine Kunst mit starker chromatischer Wirkung zu schaffen, die mit dem Fauvismus verbunden ist. Palencia konzentriert sich auf seine Arbeit als Landschaftsmaler und nimmt 1942 die Erfahrungen der Vallecas-Schule zusammen mit den jungen Malern Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló und Francisco San José wieder auf. Sein Werk wird Bilder der kastilischen Landschaft mit ihren Bauern und Tieren sammeln; seine Malerei wird zu einem Zeugnis des Rauhen, Groben und Ländlichen, der subtilen Ausdruckskraft der kastilischen Nüchternheit. Bereits voll konsolidiert, erhält er 1943 die erste Medaille der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste und wird 1944 für die Teilnahme am Salón de los Once de Eugenio D'Ors in Madrid ausgewählt. Im folgenden Jahr wird ihm die Ehrenmedaille der Nationalen Ausstellung verliehen, auf die er jedoch verzichtet, um sie José Gutiérrez Solana zu überlassen, der wenige Tage vor der Entscheidung der Jury verstirbt. Von diesem Jahrzehnt an finden seine Ausstellungen in Kunstzentren und Galerien wie dem Círculo de Bellas Artes in Madrid oder der Galerie Estilo statt, und 1946 wird er erneut für den Salón de los Once ausgewählt. Er begann auch, an internationalen Ausstellungen teilzunehmen, wie z. B. an den Ausstellungen für zeitgenössische spanische Kunst, die 1947 in Buenos Aires, Rio de Janeiro und Sao Paulo stattfanden. Außerdem erhielt er den Großen Preis der Hispanoamerikanischen Biennale in Madrid (1951) und stellte im Museum für Moderne Kunst in Paris (1951), auf der Biennale von Venedig (1956), im Palast der Prinzessin von Paravinci in Rom (1965) usw. aus. 1973 wurde er zum Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando ernannt, und 1978 wurde er Mitglied der Akademie von San Jorge in Barcelona. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille für Verdienste um die schönen Künste ausgezeichnet. Benjamín Palencia ist derzeit unter anderem im Nationalmuseum Reina Sofía, im Patio Herreriano in Valladolid und in den Museen der Schönen Künste von Valencia und Albacete vertreten. Von Ramón Palencia geprüfte Arbeiten.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 44 - GUIDO GRIMANI (Italien, 1871-1933). "Küstenszene mit Fischern". Öl auf Leinwand. Signiert. Es präsentiert eine sichtbare Restaurierung auf der Rückseite. Maße: 38 x 62 cm; 63 x 76,5 cm, (Rahmen). Grimani wurde in Triest geboren. Er entwickelte eine Landschaftsmalerei, die der Romantik verpflichtet ist, aber bereits der Ästhetik der Dekadenz des ausgehenden Jahrhunderts nahe steht. Hier zeigen wir einen Sonnenuntergang an einem Fischerstrand, bei dem sich die Figuren als Silhouetten gegen das Licht abheben. Der orangefarbene Himmel fängt die letzten Strahlen einer schwachen, aber intensiven Sonne auf, und die Wellen brechen sich am Ufer in rhythmischen Kadenzen, die eine unendliche Anzahl von Reflexionen auf dem Sand wie in einem Spiegel glitzern lassen. Auf der Rückseite ist eine Restauration zu sehen.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 45 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Barcelona, 1996). "Straße der Pals, Gerona", 1973. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 56 x 46 cm; 74 x 64 cm (Rahmen). Sohn des Malers Ribera Blázquez, wurde er in der Akademie von San Fernando ausgebildet. In den dreißiger Jahren widmet er sich dem Plakat, und während des Bürgerkriegs arbeitet er als Werbezeichner. 1945 erhält er den Lehrstuhl für Zeichnen nach dem Leben in Ruhe an der Schule der Schönen Künste in Barcelona, deren Direktor er schließlich zwischen 1964 und 1972 wird. 1946 wurde er zum Ehrenmitglied der Spanischen Vereinigung der Maler und Bildhauer ernannt, und im folgenden Jahr erhielt er die gleiche Ernennung vom Círculo de Bellas Artes in Madrid, nachdem er den Preis des Ministeriums für Nationale Bildung beim Salón de Otoño in der Hauptstadt gewonnen hatte. Seit 1967 war er Akademiker in San Fernando und seit 1971 auch Mitglied der Akademie Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Er gewann mehrere Preise bei nationalen Wettbewerben, darunter die Goldmedaille des Nationalen Wettbewerbs von Madrid im Jahr 1950, und internationale Preise, darunter Goldmedaillen bei den Ausstellungen in Brüssel (1965) und Paris (1968).

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 46 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Barcelona, 1996). "Kapelle der Schmerzen, Madrid", 1973. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren Ecke. Maße: 46 x 55 cm; 65 x 73 cm (Rahmen). Sohn des Malers Ribera Blázquez, wurde er in der Akademie von San Fernando gebildet. In den dreißiger Jahren widmet er sich dem Plakat, und während des Bürgerkriegs arbeitet er als Werbezeichner. 1945 erhält er den Lehrstuhl für Zeichnen nach dem Leben in Ruhe an der Schule der Schönen Künste in Barcelona, deren Direktor er schließlich zwischen 1964 und 1972 wird. 1946 wurde er zum Ehrenmitglied der Spanischen Vereinigung der Maler und Bildhauer ernannt, und im folgenden Jahr erhielt er die gleiche Ernennung vom Círculo de Bellas Artes in Madrid, nachdem er den Preis des Ministeriums für Nationale Bildung beim Salón de Otoño in der Hauptstadt gewonnen hatte. Seit 1967 war er Akademiker in San Fernando und seit 1971 auch Mitglied der Akademie Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Er gewann mehrere Preise bei nationalen Wettbewerben, darunter die Goldmedaille des Nationalen Wettbewerbs von Madrid im Jahr 1950, und internationale Preise, darunter Goldmedaillen bei den Ausstellungen in Brüssel (1965) und Paris (1968).

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 47 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Málaga 1990). "Das Getränk", 1943. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 93 x 117 cm; 110 x 132 cm (Rahmen). Sohn des Malers Ribera Blázquez, wurde er in der Akademie von San Fernando ausgebildet. In den dreißiger Jahren widmet er sich dem Plakat, und während des Bürgerkriegs arbeitet er als Werbezeichner. 1945 erhält er den Lehrstuhl für Zeichnen nach dem Leben in Ruhe an der Schule der Schönen Künste in Barcelona, deren Direktor er schließlich zwischen 1964 und 1972 wird. 1946 wurde er zum Ehrenmitglied der Spanischen Vereinigung der Maler und Bildhauer ernannt, und im folgenden Jahr erhielt er die gleiche Ernennung vom Círculo de Bellas Artes in Madrid, nachdem er den Preis des Ministeriums für Nationale Bildung beim Salón de Otoño in der Hauptstadt gewonnen hatte. Seit 1967 war er Akademiker in San Fernando und seit 1971 auch Mitglied der Akademie Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Er gewann mehrere Preise bei nationalen Wettbewerben, darunter die Goldmedaille des Nationalen Wettbewerbs von Madrid im Jahr 1950, und internationale Preise, darunter Goldmedaillen bei den Ausstellungen in Brüssel (1965) und Paris (1968).

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 48 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Barcelona, 1996). "Jungfrau mit Kind", 1942. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 80 x 64 cm; 100 x 83 cm (Rahmen). Sohn des Malers Ribera Blázquez, wurde er in der Akademie von San Fernando ausgebildet. In den dreißiger Jahren widmet er sich dem Plakat, und während des Bürgerkriegs arbeitet er als Werbezeichner. 1945 erhält er den Lehrstuhl für Zeichnen nach dem Leben in Ruhe an der Schule der Schönen Künste in Barcelona, deren Direktor er schließlich zwischen 1964 und 1972 wird. 1946 wurde er zum Ehrenmitglied der Spanischen Vereinigung der Maler und Bildhauer ernannt, und im folgenden Jahr erhielt er die gleiche Ernennung vom Círculo de Bellas Artes in Madrid, nachdem er den Preis des Ministeriums für Nationale Bildung beim Salón de Otoño in der Hauptstadt gewonnen hatte. Seit 1967 war er Akademiker in San Fernando und seit 1971 auch Mitglied der Akademie Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Er gewann mehrere Preise bei nationalen Wettbewerben, darunter die Goldmedaille des Nationalen Wettbewerbs von Madrid im Jahr 1950, und internationale Preise, darunter Goldmedaillen bei den Ausstellungen in Brüssel (1965) und Paris (1968).

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 49 - ROMÁN RIBERA CIRERA (Barcelona, 1848 - 1935). "Szene des Casacón", ca. 1890. Öl auf Leinwand. Am unteren Rand signiert. Maße: 94 x 108 cm; 120 x 1333 cm (Rahmen). Flämisch Innenszene, in einer niederländischen oder belgischen Taverne des achtzehnten Jahrhunderts gesetzt. In dieser Art von Gemälden von casacón, Román Ribera zeigte eine bemerkenswerte Fähigkeit zu plamar mit verismo und literarischen Geschmack die Kleidung und die menschlichen Typen. Die kluge Verwendung von Glasuren in den Kristallgläsern und in der Glätte der Stoffe wird mit der naturalistischen Charakterisierung der Gesichter und Haltungen kombiniert. Ein junges Dienstmädchen mit Haube und zwei Männer in Trachten, einer von ihnen ein Trommler, bevölkern dieses spartanische Interieur, das mit warmen und einladenden Lichtern ausgestattet ist. Der katalanische Maler Román Ribera studierte Zeichnen an der Schule von La Lonja in Barcelona und Malerei an der Akademie von Pere Borrell. Zwischen 1873 und 1976 setzte er seine Studien in Rom fort und reiste und stellte in London aus. In der italienischen Hauptstadt besuchte er die Chigi-Akademie und widmete sich der Malerei, vermied aber die Ansteckung durch den akademischen Manierismus der römischen Schule. 1877 geht er nach Paris, unter der Leitung des Kunsthändlers Adolphe Goupil, der die Reproduktionsrechte für alle seine Werke erworben hat. Dort setzt er seine Ausbildung fort, wobei er diesmal direkt Szenen des Pariser Straßenlebens studiert. Ein Jahr später nimmt er an der Pariser Weltausstellung teil, wo er dank der drei von ihm präsentierten Werke einen entscheidenden Erfolg erzielt. Im Jahr 1881 nahm er an der Nationalen Ausstellung in Madrid teil, und zwar mit dem bereits erwähnten Werk mit barocker Kulisse. 1883 wurde er mit der Encomienda de Isabel la Católica ausgezeichnet. Nach zwölf Jahren in Paris kehrte er nach Barcelona zurück, wo er bereits im Centro de Acuarelistas (1885) und in der neu eröffneten Sala Parés ausgestellt hatte. Anschließend stellte er seine Werke im Kunst- und Literaturverein und in den Sälen Parés und Rovira sowie auf der Weltausstellung von 1888 und der Ausstellung der Schönen Künste von 1894 aus, wo er großen Erfolg bei Kritik und Publikum hatte und bald die Gunst des wohlhabenden katalanischen Bürgertums erlangte. Im Jahr 1893 nahm er mit zwei Gemälden an der vom Ateneo de Barcelona organisierten Ausstellung teil: "Inocencia" und "Incógnitca". Als Einzelperson stellte Cirera seine Werke regelmäßig im Saal Rovira aus, und als Gruppe war er Mitglied der Künstlerischen und Literarischen Gesellschaft Kataloniens. Er war Mitglied mehrerer offizieller Jurys und gehörte 1901 auch dem Museumsrat von Barcelona an. Im Jahr 1915 wurde er zum Verdienstmitglied des Künstlerkreises von Barcelona ernannt. Nach seiner Rückkehr nach Spanien fuhr Ribera fort, das Leben der Oberschicht, den Luxus ihrer Häuser, den Reichtum ihrer Festkleider usw. darzustellen, und wurde so zu einem treuen Porträtisten der katalanischen Großbourgeoisie der Restauration, wie er es bereits für die französische Bourgeoisie der Dritten Republik gewesen war. Er arbeitete hauptsächlich in Barcelona, reiste aber auch nach Madrid und stellte dort seine Werke aus. Sein Werk wird derzeit im MACBA in Barcelona, im Museu d'Art de Girona, im Museu de Montserrat, in der Biblioteca Víctor Balaguer und in verschiedenen bedeutenden Privatsammlungen aufbewahrt.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 50 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Málaga 1990). "Mutterschaft", 1974. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 160 x 230 cm; 180 x 248 cm (Rahmen). In diesem Gemälde von Gruppe, eine junge Mutter umgeben von ihren zahlreichen Kindern, die Gaben von Francisco Ribera mit dem Genre des Porträts sind offensichtlich gemacht. Sein Stil verbindet den romantischen Einfluss mit dem Naturalismus und den Themen, die für ihn zeitgenössisch sind. Als Sohn des Malers Ribera Blázquez studierte er an der Akademie von San Fernando. In den dreißiger Jahren arbeitete er als Plakatmaler, und während des Bürgerkriegs war er als Werbezeichner tätig. 1945 erhielt er den Lehrstuhl für Zeichnen nach dem Leben in Ruhe an der Hochschule der Schönen Künste in Barcelona, deren Direktor er schließlich zwischen 1964 und 1972 wurde. 1946 wurde er zum Ehrenmitglied der Spanischen Vereinigung der Maler und Bildhauer ernannt, und im folgenden Jahr erhielt er die gleiche Ernennung vom Círculo de Bellas Artes in Madrid, nachdem er den Preis des Ministeriums für Nationale Bildung beim Salón de Otoño in der Hauptstadt gewonnen hatte. Seit 1967 war er Akademiker in San Fernando und seit 1971 auch Mitglied der Akademie Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Er gewann mehrere Preise bei nationalen Wettbewerben, darunter die Goldmedaille des Nationalen Wettbewerbs von Madrid im Jahr 1950, und internationale Preise, darunter Goldmedaillen bei den Ausstellungen in Brüssel (1965) und Paris (1968).

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 51 - ANTONIO TORRES FUSTER (Tarragona, 1874 - Barcelona, 1945). "Weibliches Porträt. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Präsentiert einige Mangel in den Rahmen. Maße: 62 x 50 cm; 86 x 72 cm (Rahmen). Büste der Dame mit warmen Schattierungen, die die Konturen verwischen und so die rätselhafte Haltung der jungen Frau mit großen Augen und nachdenklichen Blick zu verbessern gelöst. Der Maler und Zeichner Antonio Torres Fuster hat sich auf das Genre Costumbrista spezialisiert, mit einer Vorliebe für die weibliche Figur, insbesondere für "Bailaoras", Zigeunerinnen und Cupletistas. Er nahm an verschiedenen kollektiven Ausstellungen und Kunstwettbewerben teil, wie den Ausstellungen von Barcelona 1894, 1896 und 1919 oder der Kunstausstellung in Vilafranca del Penedés 1926. Außerdem stellte er seine Werke auf der 17. außerordentlichen Jahresausstellung der Sala Parés im Jahr 1900 aus. Antonio Torres Fuster ist im Museum für Moderne Kunst von Tarragona sowie in bedeutenden spanischen Privatsammlungen vertreten.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 52 - JOSEP LLIMONA BRUGUERA (Barcelona, 1864 - 1934). "Modèstia", 1891. Polychromer Stuck. Signiert. Gestempelt Esteva & Cia, Barcelona. Werk katalogisiert in "Una passejada per l'obra de Josep Llimona, 150 anys", MEAM, 2015, S. 104. Maße: 42 x 34 x 15 cm. Die Skulptur "Modèstia" zeigt die persönlichsten Merkmale von Josep Llimona: den naturalistischen Idealismus, die Neigung zur freundlichen Seite der Realität und vor allem eine große Zartheit und Schönheit in seinen weiblichen Figuren, die immer schlank und unschuldig sind, umhüllt von einem Schleier des Geheimnisses. Josep Limona gilt als der bedeutendste katalanische Bildhauer des Modernismus. Ausgebildet an der Llotja-Schule in Barcelona, erhielt er 1880 eine Pension, um nach Rom zu gehen. Während seines Aufenthalts in Italien wurde er von der florentinischen Renaissance-Skulptur beeinflusst. Mit den Werken, die er von dort schickte, erhielt er Preise (Goldmedaille auf der Weltausstellung von Barcelona 1888) und erwarb sich großes Ansehen. Mit seinem Bruder Joan gründete er den Círculo Artístico de Sant Lluc, eine katalanische Künstlervereinigung mit religiösem Charakter (die beiden Brüder waren tiefgläubig). Gegen Mitte der 90er Jahre driftet sein Stil bereits in Richtung Modernismus. Er erhielt den Ehrenpreis der Internationalen Ausstellung der Schönen Künste, die 1907 in Barcelona stattfand. Ab 1900 konzentrierte er sich auf seine berühmten Frauenakte, und 1914 schuf er in Zusammenarbeit mit Gaudí seinen beeindruckenden "Auferstandenen Christus". Sein künstlerisches Genie zeigte sich auch in großen öffentlichen Denkmälern wie dem Reiterstandbild des Heiligen Jordi im Montjuic-Park in Barcelona sowie in Werken der Grabmalkunst, wie den Pantheons, die er für mehrere Friedhöfe schuf. Neben Ausstellungen in Barcelona und anderen katalanischen Städten stellte er seine Werke auch in Madrid, Brüssel, Paris, Buenos Aires und Rosario (Argentinien) aus. Von 1918 bis 1924 und erneut von 1931 bis zu seinem Tod im Jahr 1934 war er Präsident des Museumsrates von Barcelona. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem von den Regierungen Frankreichs und Italiens. Außerdem erhielt er 1932 die Goldmedaille der Stadt Barcelona in Anerkennung seiner außerordentlichen Verdienste um die Entwicklung des Museumswesens. Llimonas Werke werden unter anderem im Kloster von Montserrat, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien und im Museum Reina Sofia aufbewahrt.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 53 - Italienische Schule; nach Modellen von GIUSEPPE MAZZOLINI (Italien, 1806-1876), 19. Jahrhundert. "Mütterliche Fürsorge", 1865. Öl auf Leinwand. Neu aufgelegt. Es hat leichte Schäden, Übermalungen und Restaurierungen auf der Bildoberfläche und Schäden am Rahmen. Maße: 100 x 73 cm; 119 x 93 cm (Rahmen). Der akademische Maler Giuseppe Mazzolini ließ sich bei zahlreichen Gelegenheiten von den Meistern der Renaissance inspirieren. Das Kopieren von Klassikern war eine häufige Übung unter den Malern des Neoklassizismus. Oft, um sie an Reisende aus dem Ausland zu verkaufen. Dieses Gemälde wiederum wurde von einem Kopisten angefertigt. Zukünftige Künstler hatten die Möglichkeit, durch das Kopieren der Werke der großen Meister zu lernen. Obwohl dies im neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert eine weit verbreitete Praxis war, ist das Prado-Museum heute das einzige Museum in der Hauptstadt, das Kopisten nur in eingeschränktem Maße zulässt, damit sie den Durchgang der Besucher nicht stören können. Die Mutterschaft war im 19. Jahrhundert ein wiederkehrendes Thema, das in gewisser Weise auf einer Religiosität beruhte, die sich auf die Figur der Jungfrau mit dem Kind stützte. Die Darstellung der Mutterschaft sucht nach einem Thema mit freundlichem und süßem Charakter, in den meisten Fällen in einer warmen Atmosphäre, in der das Glück des Hauses geschätzt wird, wie im Fall dieses Gemäldes, wo die Behandlung von Licht und Farbe uns in die oben erwähnte Atmosphäre führt. Das Gemälde zeichnet sich durch seine realistische Ausführung aus, die sowohl in den Zügen der Protagonisten als auch in der Kleidung zu sehen ist, die das Stück in einen ästhetischen Trend von costumbrista Charakter einschreibt. Es stellt leichte Mängel, Übermalungen und Restaurierungen auf der Bildoberfläche und Schäden an den Rahmen.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 54 - Spanische Schule, nach MANUEL DOMÍNGUEZ SÁNCHEZ (Madrid, 1840- 1906); XIX Jahrhundert. "Seneca, nachdem er seine Adern geöffnet hat". Öl auf Platte. Maße: 23,5 x 36 cm; 40 x 51 cm (Rahmen). Dieses Werk folgt den Vorlagen des Gemäldes von Domínguez Sánchez, das sich in der Sammlung des Prado-Museums befindet. Das Museum beschreibt das Werk folgendermaßen: "Manuel Domínguez wählte eine Handlung aus dem antiken Rom, die jedoch in hohem Maße mit der hispanischen Welt verbunden ist, indem er den kordanischen Philosophen Lucius Annaeus Seneca (4-65 n. Chr.) zum Protagonisten macht, der Meister von Kaiser Nero war, der seinen Tod anordnete, weil er ihn beschuldigte, an der Verschwörung von Pison gegen ihn beteiligt gewesen zu sein. Seneca verhöhnte die Ausführung des kaiserlichen Befehls als Verachtung für Nero und beschloss, sich das Leben zu nehmen. Zu diesem Zweck öffnete er seine Adern und stieg in eine Badewanne, obwohl er schließlich durch das Einatmen der Dämpfe des Bades starb. Der Erfolg, den dieses Gemälde zu seiner Zeit hatte, beruhte im Wesentlichen auf der Modernität der strengen Monumentalität seiner Komposition sowie auf seiner eleganten Einfachheit in der Anordnung der Figuren mit klassischen Zügen, die sich in einem weiten Innenraum mit reicher und großartiger Architektur befinden". Die Figuren, aus denen sich das Gemälde zusammensetzt, weisen eine Harmonie auf, die sich auch in den Gesichtern widerspiegelt, die heiter sind, in den Haltungen und in der vom Maler gewählten Palette, die sehr lebendig ist, aber keine übermäßigen Akzente in der Farbgebung oder in den verwendeten Lichtquellen aufweist. Das historische Thema des Gemäldes ist in einer glorreichen Vergangenheit angesiedelt, die mit der Geschichte des Landes des Malers, Spanien, zusammenhängt, und kann mit dem malerischen Historismus des neunzehnten Jahrhunderts in Verbindung gebracht werden, der wichtigsten Strömung jener Zeit, die mit den Akademien der Schönen Künste verbunden war. Der Begriff "Historismus" wurde von dem deutschen Philosophen Karl Wilhelm Friedrich Schlegel geprägt. Was der Historismus ist und wie er praktiziert wird, hat im Laufe der Zeit unterschiedliche und voneinander abweichende Bedeutungen angenommen. Elemente des Historismus tauchen in den Schriften des französischen Essayisten Michel de Montaigne (1533-1592) und des italienischen Philosophen GB Vico (1668-1744) auf und wurden mit der Dialektik von Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), die im Europa des 19. Jahrhunderts einflussreich war, weiter entwickelt.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 55 - Katalanische Schule; XIX Jahrhundert. "Landschaft". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Maße: 133 x 228 cm. Die hier vorgestellte Arbeit zeigt eine bunte Landschaft, wo die costumbrismo und Landschaftsmalerei verschmelzen. Die intensive blaue Farbe vorherrschend in der gesamten Arbeit wird durch die Ocker und Grün des Ortes, aus Flecken von Farbe, die das Gefühl von Frische und Feuchtigkeit geben verbunden. Auf diese Weise wird eine Landschaft charakteristisch für Frühlingstage konfiguriert, wo die Brise kämmt die Bäume und streut am Horizont. Jahrhunderts entwickelte sich die katalanische Landschaftsmalerei zu einem völlig eigenständigen Genre, und es begann eine Phase, die als wahres goldenes Zeitalter der Erneuerung eines Themas anerkannt werden sollte, das bis dahin als bloße Begleitung der großen mythologischen und biblischen Themen in den Hintergrund gedrängt worden war. Die Landschaftsmalerei experimentierte mit den neuen künstlerischen Tendenzen, die im Laufe des 19. und 20. Jahrhunderts aufkamen, und entwickelte sich in einer kontinuierlichen Entwicklung, die durch den fortschreitenden Bruch mit den akademischen Konventionen zur schöpferischen Freiheit der sogenannten Moderne führte. Der französische Einfluss und die Nachfrage des neuen katalanischen Bürgertums, das im Sammeln von Kunst ein Zeichen von Prestige fand, um seinen neuen sozialen Status zu bekräftigen, führten zum Aufkommen des Realismus in Katalonien mit einem Aufschwung der Landschaftsmalerei. Die strenge Beobachtung der Realität und der naturalistische Ausdruck der umgebenden Welt wurden von Martí Alsina durch seine Reisen nach Paris importiert, wo er die Gelegenheit hatte, die Werke von Courbet und den Landschaftsmalern der Schule von Barbizon aus erster Hand zu sehen. Nach dieser ersten Annäherung an die europäischen Tendenzen werden wir sehen, wie sich ab den 70er Jahren eine spirituellere Auffassung der Landschaft herausbildet, die mit dem Aufkommen des Symbolismus gefestigt wird. Diese Strömung fand im Werk von Modest Urgell ihren wichtigsten Vorläufer, der seinen Landschaften einen emotionalen und melancholischen Anstrich verlieh.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 56 - Andalusische Schule; um 1890. "Zigeuner". Öl auf Leinwand. Signiert Rosales in der unteren linken Ecke. Es hat einen Zeitraum Rahmen mit Fehlern. Maße: 69 x 40 cm; 80 x 50 cm (Rahmen). Wir sehen in diesem Werk eine Szene von costumbrista Ansatz, mit einem jungen Zigeunermädchen in der Hauptrolle. Es ist eine Zusammensetzung, die das Porträt mit dem costumbrista Genre kombiniert, so in Mode in der spanischen Malerei des XIX Jahrhunderts und Anfang des XX Jahrhunderts. Die Frau ist im Brustformat dargestellt, in einer lässigen und natürlichen Haltung, mit leicht zerzaustem Haar, das im unteren Bereich mit einer Rose zusammengefasst ist. Die Klarheit des blauen Himmels kontrastiert mit der Helligkeit der Farbe, mit der der Künstler das Modell gestaltet hat, und hebt die Züge der jungen Frau hervor, deren Gesicht ein sanftes Lächeln andeutet. Die Costumbrismo-Malerei ist ein Genre, in dem volkstümliche Typen und Haltungen, Verhaltensweisen, Werte und Gewohnheiten, die einer bestimmten Bevölkerungsgruppe, Region oder Klasse gemeinsam sind, durch eine satirische, nostalgische oder erzählerische Beschreibung der Umgebungen, Bräuche, Kleidung, Feste und Unterhaltungen, Traditionen, Berufe und repräsentativen Typen einer Gesellschaft beschrieben werden. Die Idee des Costumbrismo entstand aus dem Versuch, die Realität zu verstehen, oder genauer gesagt, die Realität, die auf eine bestimmte Art und Weise verstanden wird, von einem bestimmten Standpunkt aus. Sie hat einen zeitlichen Rahmen mit Fehlern.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 57 - JOSEP CRUAÑAS FAGES (Maià de Montcal, Girona, 1942). "Venedig". 1988. Öl auf Leinwand. In der unteren Ecke signiert. Signiert, datiert und lokalisiert auf der Rückseite. Maße: 92 x 74 cm; 96,5 x 77,5 cm (Rahmen). Im Jahr 1972 hatte Josep Cruañas seine erste Einzelausstellung in Vic. Seitdem hat er seine Werke in Madrid, Girona, Palma de Mallorca, Tarragona und Sant Cugat del Vallès ausgestellt. Er war auch Mitglied der Gruppe Passeig de Gràcia, die der Galerie Comas angeschlossen war. Er ist als Landschaftsmaler bekannt, obwohl er auch Porträts und Stillleben gemalt hat. Er wurde bei verschiedenen Wettbewerben mit Preisen ausgezeichnet und 1996 zum emeritierten Mitglied des Real Círculo Artístico de Barcelona ernannt. Seine Werke befinden sich unter anderem im Museum der Diputació de Barcelona, im Museum von Bañolas, in der Pinacoteca Municipal Legado Francesc Galí de Palamós und im Nationalmuseum von Bulgarien sowie in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 1 600 - 1 800 EUR

Los 58 - JOAQUÍN PEINADO (Ronda, Málaga, 1898 - Paris, 1975). "Weibliches Porträt", 1946. Bleistiftzeichnung auf Papier. Signiert und datiert. Maße: 31,5 x 25 cm; 67 x 58,5 cm (Rahmen). Joaquín Ruiz-Peinado Vallejo war ein kubistischer Maler, Nachfolger von Cézanne und geistiger Sohn von Picasso, er war einer der herausragendsten Vertreter der spanischen Schule von Paris. Er trat 1918 in die Schule der Schönen Künste San Fernando in Madrid ein und wurde in den folgenden Jahren Schüler von Cecilio Plá und Julio Romero de Torres. Er erhielt ein Stipendium für drei Jahre im Kloster Santa María de El Paular und gewann 1922 den Malereipreis von El Paular. Nach Beendigung seines Studiums ging er 1923 nach Paris, wo er sich dauerhaft niederließ. Dort nahm er an den Kursen der Akademien Ranson, Colarossi und La Grande Chaumière teil und begann sich für die kubistische Malerei zu interessieren, eine Ästhetik, die er in seinen Werken aufgreifen und beibehalten sollte. Außerdem stellt er 1924 seine Werke in den Salons des Indépendants, Surindépendants und d'Automne aus. Von der Seine-Stadt aus nahm er jedoch weiterhin am spanischen Kunstleben teil, indem er 1925 an der legendären Ersten Ausstellung der Gesellschaft der iberischen Künstler teilnahm und die Zeitschriften "Litoral", "Gallo" und "La Gaceta Literaria" sowie "La flor de California" (1928) von José María Hinojosa illustrierte. Außerdem gewann er 1926 den Malereipreis der Diputación de Málaga. Drei Jahre später, 1929, nahm er an zwei wichtigen Ausstellungen der spanischen Avantgarde teil: der Ausstellung von Gemälden und Skulpturen spanischer Residenten in Paris, im Botanischen Garten in Madrid und der Regionalen Ausstellung moderner Kunst in der Casa de los Tiros in Granada. Wie andere Künstler jener Zeit unterhielt er auch Beziehungen zur darstellenden Kunst und wirkte in den Filmen "Un perro andaluz" (1929) und "La edad de oro" (1930) seines Freundes Buñuel oder als Bühnenbildner und Zeichner für "Carmen" von Feyder (1925) mit. Ebenso nahm er 1926 zusammen mit Buñuel, Cossío, Viñes und Ángeles Ortiz an der Aufführung von "El retablo de Maese Pedro" von Falla in Amsterdam teil. Seine künstlerische Laufbahn führte ihn im Laufe der Zeit in eine herausragende Position innerhalb der Pariser Schule; er wurde Leiter der Sektion für Malerei der Union der spanischen Intellektuellen und später deren Vizepräsident, und die UNESCO ernannte ihn zum Delegierten der Sektion für spanische Maler der Pariser Schule. Außerdem war er 1946 einer der Organisatoren der Ausstellung "Kunst des republikanischen Spaniens. Spanische Künstler der Pariser Schule", die in Prag und aufgrund ihres großen Erfolgs später auch in Brünn stattfand. Von da an nahm er an zahlreichen internationalen Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen teil und reihte sich in die beste französische Kunst jener Zeit ein. Doch erst 1969 fand in Spanien eine Retrospektive seines Werks statt, die von der Dirección General de Bellas Artes organisiert und im Museo de Arte Español Contemporáneo in Madrid abgehalten wurde und ihm in unserem Land zu einer festen Größe verhalf. Noch im selben Jahr wurde er zum Mitglied der Königlichen Akademie von San Telmo in Málaga ernannt. Gegenwärtig ist sein Werk in dem nach ihm benannten Museum in Ronda, in der Sammlung der Unicaja und in vielen anderen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 59 - Französische Schule, zweite Hälfte des XIX Jahrhunderts. "Galante Szene mit Harlekin". Öl auf Leinwand. Signiert "Rousin" in der unteren rechten Ecke. Maße: 74 x 58 cm; 101 x 88 cm (Rahmen). Die Figuren der italienischen Commedia dell'Arte wurden in der europäischen Malerei des neunzehnten Jahrhunderts populär und fanden in jeder Region einen eigenen Ausdruck. Die französische Schule platzierte die Figuren oft in einer natürlichen Umgebung, wie hier auf der grünen Waldlichtung: Der Harlekin nimmt einen eleganten, verschlagenen Schritt an, während er Luchinda etwas ins aufmerksame Ohr zu flüstern scheint. Die junge Frau hingegen bleibt zurückhaltend und melancholisch. Eine dritte Figur taucht im Unterholz auf. Die stilistische Behandlung ist typisch für das galante und hedonistische Thema, was sich in der üppigen Glätte der Kleidung und ihrer Farbigkeit sowie in den aristokratischen Gesten zeigt. Die Landschaft wird mit schnellen, intuitiven Pinselstrichen wiedergegeben, die auf die bedeutende Entwicklung der französischen Landschaftsmalerei in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts vorwegnimmt. Die Baumkronen erhalten ein flauschiges Aussehen, umhüllt von subtilen Farbverschiebungen, die der Szene einen sehr lyrischen Charakter verleihen.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 60 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcelona, 1859 - 1940). "Landschaft. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 34 x 45 cm; 52 x 63 cm (Rahmen). Ein Tholos aus weißem Marmor ist neben einem himmelblauen, von Schaum gesäumten Meer skizziert, das sich zum Horizont hin öffnet und im Vordergrund eine üppige Wiese hinterlässt. Es handelt sich um eine Landschaft, die mit lebhaften Pinselstrichen und schnellen Bewegungen gemalt wurde, die für Meifréns Werk charakteristisch sind. Eliseo Meifrèn ist ein Maler von Landschaften und Meereslandschaften und gilt als einer der ersten Vertreter der impressionistischen Bewegung in Katalonien. Er begann seine künstlerische Ausbildung an der Schule der Schönen Künste in Barcelona, wo er Schüler von Antonio Caba und Ramón Martí Alsina war, mit denen er begann, romantische Landschaften im akademischen Stil zu schaffen. Nach Beendigung seines Studiums zog er 1878 nach Paris, um seine künstlerischen Kenntnisse zu vertiefen, und lernte dort aus erster Hand die Malerei "à plen air" kennen, die ihn in seinen Pariser Landschaften jener Jahre stark beeinflussen sollte. In Paris erlebte er auch den öffentlichen Beginn des Impressionismus. Ein Jahr später unternahm er eine Italienreise, auf der er Neapel, Florenz, Venedig und Rom besuchte; dort kam er in Kontakt mit dem katalanischen Künstlerkreis, der unter anderem aus Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés und Joan Llimona bestand. Im selben Jahr, 1879, nahm er an der Regionalen Ausstellung von Valencia teil und gewann eine Goldmedaille. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona gab er 1880 sein Einzeldebüt in der Sala Parés in Barcelona, wo er von da an regelmäßig ausstellen sollte. In diesen Jahren gehörte er zur Gruppe der Modernisten und besuchte Els Quatre Gats. 1883 kehrte er nach Paris zurück, wo er zahlreiche Zeichnungen und Aquarelle mit Stadtansichten und Cafés anfertigte, die bei der französischen Kritik und beim französischen Publikum großen Anklang fanden. Ende der achtziger Jahre kehrte er nach Barcelona zurück und stellte seine Werke weiterhin in der Sala Parés und im Centro de Acuarelistas aus. Außerdem war er 1888 Mitglied der Jury der Weltausstellung, die in Barcelona stattfand. 1890 kehrte er zum dritten Mal in die französische Hauptstadt zurück, wo er am Salon des Beaux-Arts und am Salon des Indépendants von 1892 teilnahm, zusammen mit Ramon Casas und Santiago Rusiñol, Künstlern, mit denen er ein Jahr zuvor die Malergruppe von Sitges gegründet hatte. In den folgenden Jahren nahm Meifrèn mit seinen Werken an zahlreichen offiziellen Ausstellungen und Wettbewerben teil, unter anderem an den Nationalen Ausstellungen von Madrid und Barcelona, und erhielt die dritte Medaille bei der Pariser Universal 1889 und 1899, die Silbermedaille bei der Brüsseler Universal 1910, den Großen Preis bei der Buenos Aires Universal im selben Jahr, die Ehrenmedaille bei der San Francisco International 1915 und den Großen Preis bei der San Diego International im folgenden Jahr. Außerdem wurde er 1935 mit dem Nonell-Preis von Barcelona ausgezeichnet. Im Jahr 1952 widmete ihm der Stadtrat von Barcelona eine Retrospektive im Palacio de la Virreina. Seine anfänglichen Landschaften, die sich durch ein akademisches und romantisches Konzept auszeichnen, entwickeln sich später zu einer impressionistischen Sprache; er gibt den römischen Prekiosismus auf und wendet eine Technik mit lockeren Pinselstrichen und einer klaren Palette an, in der sich die leuchtende Konzeption den symbolistischen Budgets nähert, die sich im Umfeld von Modesto Urgell befinden. Derzeit ist er unter anderem im Prado-Museum, dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, dem MACBA in Barcelona und dem Thyssen-Bornemisza vertreten.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 61 - CASIMIRO MARTÍNEZ TARRASSÓ (Sarrià, Barcelona, 1898 - Barcelona, 1980). "Zigeunerfamilie". Öl auf Táblex. Signiert in der oberen linken Ecke. Maße: 22 x 26,5 cm; 41,5 x 46,5 cm (Rahmen). Der einfach als Tarrassó bekannte Künstler wurde in der Schule La Lonja in Barcelona ausgebildet. Er schloss sein Studium in Paris ab, wo er aus erster Hand die Werke der Fauvisten kennenlernte, die zu dieser Zeit die Pariser Kunstszene erschütterten. Dieser Einfluss der Fauvisten wird in seinem Werk zeitlebens spürbar bleiben, etwa in Form von starken Farbkontrasten, der hohen und etwas übertriebenen Perspektive, dem absoluten Desinteresse an der menschlichen Figur, die nur skizzenhaft als Ergänzung zur Landschaft erscheint, und der Darstellung von Bäumen, die wie unter Strom stehen und gewundenen Neigungen unterworfen sind. Es sind diese formalen Merkmale, die seinen Werken eine eigene Vitalität verleihen und die Verbindung mit dem Referentiellen auf einen bloßen Vorwand reduzieren. Tarrassó steht in der Nachfolge der großen katalanischen Landschaftsmaler, insbesondere von Joaquín Mir, wenn auch mit einer deutlich differenzierten Persönlichkeit, die zum Teil auf den Einfluss des Fauvismus auf sein künstlerisches Denken zurückzuführen ist. Er pflegte das Stillleben und die katalanischen und mallorquinischen Landschaften. Seine erste Ausstellung fand 1928 in den Galerien Layetanas in Barcelona statt. Seitdem folgten nacheinander Ausstellungen in Barcelona, Madrid, Palma de Mallorca und Bilbao. Im Jahr 1935 besuchte er zum ersten Mal Mallorca, und ab 1940 hatte er dort ein Atelier, genauer gesagt in Palma, wo er lange Zeit lebte und den größten Teil seiner künstlerischen Produktion entwickelte. Nach dem Bürgerkrieg, in den vierziger Jahren, nahm Tarrassó an mehreren Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste in den Jahren 1942, 1943 und 1950 teil und veranstaltete zahlreiche persönliche Ausstellungen in Barcelona, in Galerien wie Augusta, Layetanas, Ars usw., darunter die Ausstellung mit Landschaften aus den Pyrenäen im Jahr 1948 und die Ausstellung mit großen Gemälden mallorquinischer Landschaften im Jahr 1949. Obwohl die Landschaft immer im Mittelpunkt seiner Produktion stand, schuf Tarrassó auch Werke wie die Wanddekoration der Kirche Santa Maria de Badalona. Auf Mallorca unternahm er auch ein einzigartiges Unterfangen, indem er seine Staffelei in den Höhlen von Campanet aufstellte, um die Stalaktiten und Stalagmiten der steinernen Höhlen festzuhalten. Dabei entstand eine Reihe von Werken, die er im Oktober 1948 in den Galerías Costa de Palma präsentierte. Im Laufe seiner Karriere erhielt Tarrassó den Preis von Pollença beim 1. Internationalen Malereiwettbewerb 1962, den Preis von Santiago Rusiñol 1972 und die Medaillen, die er bei verschiedenen Ausgaben der Herbstsalons von Palma de Mallorca erhielt: den ersten Preis 1967 und 1973 und den Ehrenpreis 1970. Das Werk von Tarrassó zeichnet sich durch die große Persönlichkeit seiner Farbgebung aus. Seine Besessenheit für den Chromatismus bestimmt eine zutiefst sensorische, vitalistische und intuitive Malerei. In vielen seiner Werke konzentriert sich der Maler vor allem darauf, ein Bild einzufangen, das die Fülle des Lebens neu und ohne Lösung der Kontinuität inszeniert, und kümmert sich mehr darum als um die Anforderungen der Komposition. So erscheinen in seinen Landschaften die Architekturen völlig integriert in einer harmonischen Natur, als einfache Farbflecken mit undefinierten Grenzen oder mit definierten, aber deformierten Grenzen. Auf diese Weise suggeriert Tarrassó die Anwesenheit des Menschen und verhindert gleichzeitig, dass der Betrachter sie als Eingriff oder Bruch mit dem natürlichen Ganzen wahrnimmt. Andererseits vermitteln die sehr hohen oder sehr niedrigen Perspektiven in Verbindung mit einer Kombination aus kontrahierten Farben, ohne Berg und Himmel, Himmel und Meer zu vermischen, ein Gefühl der Tiefe und manchmal sogar der Beklemmung, das den Betrachter dazu bringt, die Szene als ein autonomes Ganzes zu begreifen, unabhängig von den Details. Auf der anderen Seite ist auf formaler Ebene seine kraftvolle Ausführung in Verbindung mit dem dicken Spachtel zu erwähnen, die auf einen anderen katalanischen Meister der Landschaftsmalerei verweist, dem Tarrassó verpflichtet ist, Nicolás Raurich. Sein Werk befindet sich heute in verschiedenen nationalen und internationalen Privatsammlungen sowie im Museum und Kunstfonds von Porreras (Mallorca) und im Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Palma.

Schätzw. 1 800 - 2 200 EUR

Los 62 - JULIÁN GRAU SANTOS (Canfranc, Huesca, 1937). "Schrank und Blumen", 1991. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 73 x 60 cm; 92 x 78 cm (Rahmen). Er ist der Sohn von Emilio Grau Sala und Ángeles Santos Torroella und wird in Barcelona geboren. Im Jahr 1949 unternimmt er mehrere Reisen nach Paris, wo er die Gelegenheit hat, Werke von Sisley, Van Gogh und verschiedenen Impressionisten und Postimpressionisten aus erster Hand zu betrachten. Seine erste Einzelausstellung hat er 1957 in der Sala Libros in Zaragoza. Seitdem hatte er Einzelausstellungen in den Galerien Syra, Rovira und Vayreda in Barcelona, Alas, Abril, El Cisne, Collage und Biosca in Madrid, Justin Lester in Los Angeles, Art Roman in Tokio usw. Seit 1966 stellt er regelmäßig in der Sala Parés in Barcelona aus, und 1968 nahm er am Salon des Artistes Français im Grand Palais in Madrid teil. Sein Werk, das dem Expressionismus nahesteht und sich stark auf die Farbe stützt, zeichnet sich durch eine sehr ausgefeilte Technik und ein tiefes zeichnerisches Wissen aus. Er schuf auch zahlreiche Zeichnungen, die in verschiedenen Zeitungen und Zeitschriften veröffentlicht wurden. Zu seinen Auszeichnungen gehören der Preis La Rambla (Barcelona, 1961), die Medaille Ramón Rogent (Salón de Mayo, Barcelona, 1962), die Medaille der Ausstellung der Schönen Künste (Madrid, 1961), der III. Preis Sant Jordi und der Van-Gogh-Preis (Barcelona, 1963), die Medaille der Stadt Barcelona (1965), der Preis der Malerei-Biennale von Huesca (1976), die Medaille Condesa de Barcelona (Madrid, 1983) und die Ehrenmedaille des BMW-Wettbewerbs (Madrid, 1987). In den letzten Jahren hat er an den Messen ARCO in Madrid und ARTEXPO in Valencia, Barcelona, Basel, New York, Chicago, Miami und Hongkong teilgenommen. 1993 widmete ihm die Stiftung Mapfre Vida in Madrid eine retrospektive Ausstellung.

Schätzw. 1 500 - 1 600 EUR

Los 63 - JOSÉ MARÍA MARQUÉS GARCÍA (Tortosa, Tarragona, 1862 - Barcelona, 1936). "Der Brief". Holzkohle auf Papier. Signiert in der unteren Ecke. Maße: 58 x 39 cm; 75 x 56 cm (Rahmen). Der Sohn und Schüler von Manuel Marqués Carles und Vater des Malers José María Marqués Puig, José María Marqués García, widmete sich der Landschaft, dem Porträt und religiösen Szenen. Er begann seine Ausbildung an der Schule La Lonja in Barcelona und vertiefte seine Studien in Madrid, Paris und Rom. Er reiste durch Spanien, Italien, die Schweiz und Holland und hatte mehrere Einzel- und Gruppenausstellungen. Er nahm auch an Wettbewerben teil, vor allem an der Weltausstellung von Barcelona 1888, der Internationalen Ausstellung von London 1898, wo er eine Goldmedaille gewann, und der Internationalen Ausstellung von Barcelona 1929. Im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts wurde er von den Kritikern zu den bedeutendsten Namen seiner Zeit gezählt. Er schuf ein Werk mit dem Titel "Nuestra Señora de la Academia", das für die Bibliográfico-Mariana de Lérida bestimmt war, und dekorierte das berühmte Restaurant "Justin" in Barcelona. Seine Werke sind im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien und im Museum von Tortosa zu sehen.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 64 - MANOLO HUGUÉ (Barcelona, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelona, 1945). "Stierkampfarena". Aquarell auf Papier. Maße: 17 x 23 cm; 45 x 50 cm (Rahmen). Was wir Unbeweglichkeit nennen, ist nichts anderes als ein Grenzfall der Langsamkeit in der Bewegung, eine ideale Grenze, die die Natur nie erreicht. Das schrieb der französische Philosoph Henri Bergson, und genau dieses Prinzip wird von den Stierkämpfern von Manolo Hugué verwirklicht, deren Körperhaltung die dichte Spannung des Augenblicks in der Manege wiedergibt. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, wurde an der Escuela de la Lonja in Barcelona ausgebildet. Als regelmäßiger Teilnehmer an den Zusammenkünften der "Els Quatre Gats" schloss er Freundschaft mit Picasso, Rusiñol, Mir und Nonell. Im Jahr 1900 zog er nach Paris, wo er zehn Jahre lang lebte. Dort nahm er seine Beziehung zu Picasso wieder auf und schloss Freundschaft mit anderen Theoretikern der Avantgarde wie Apollinaire, Modigliani, Braque und Derain. In der französischen Hauptstadt beschäftigte er sich mit der Gestaltung von Schmuck und kleinen Skulpturen, beeinflusst durch die Arbeit seines Freundes, des Bildhauers und Goldschmieds Paco Durrio. 1892 arbeitete er mit Torcuato Tasso an dekorativen Werken für die Feierlichkeiten zum hundertjährigen Jubiläum der Entdeckung Amerikas. Zwischen 1910 und 1917, als er sich ganz der Bildhauerei widmete, arbeitete er in Ceret, wo er eine heterogene Gruppe von Künstlern um sich versammelte, unter denen Juan Gris, Joaquín Sunyer und wiederum Picasso hervorstachen. In diesen Jahren hatte er Ausstellungen in Barcelona, Paris und New York. Im Jahr 1932 wurde er zum Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Jorge in Barcelona ernannt. Das Wesentliche in Hugués Werk ist die Beziehung zur Natur, wobei er die menschliche Figur als integriertes Element in die Natur einbezieht. Dies ist ein Merkmal des noucentistischen Klassizismus, aber bei Hugué geht es über dessen begrenzte Ursprünge hinaus. Er stellte in der Regel Bauern dar, aber auch Stierkämpfer und Tänzer - wie hier zu sehen ist -, immer mit einer Detailgenauigkeit und einem Sinn für Texturen, die seine frühere Ausbildung als Goldschmied verraten. In seiner künstlerischen Produktion koexistieren die mediterrane Tradition, der griechische Klassizismus und Archaismus, die Kunst des alten Ägyptens und Mesopotamiens mit der europäischen Avantgarde, die er assimilierte und aus erster Hand kannte, insbesondere der Fauvismus und der Kubismus von Matisse. Werke von Hugué befinden sich unter anderem im MACBA, im Centre Georges Pompidou in Paris, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien und im Nationalmuseum und Kunstzentrum Reina Sofia.

Schätzw. 1 500 - 1 600 EUR

Los 65 - JOAN ABELLÓ PRAT (Mollet del Vallés, Barcelona, 1922 - Barcelona, 2008). "Landschaft". Gemischte Medien auf Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 49 x 63 cm; 70 x 84 cm (Rahmen). Der Maler und Graveur Joan Abelló begann seine Ausbildung als Autodidakt, wobei die Werke von Joaquín Mir in Mollet einen großen Einfluss auf seine ersten Bilder hatten. Danach studierte er an der Akademie Baixas und am Königlichen Künstlerkreis von Barcelona (1941) und wurde später Schüler von Pere Pruna, in dessen Atelier er zwei Jahre lang arbeitete (1944-46). Pruna lehrte ihn die Techniken der Wandmalerei und der Gravur, und im Atelier von Miracle erlernte er auch die Restaurierung. 1945 stellte er seine Werke zum ersten Mal in Barcelona aus, und im folgenden Jahr begann er im Atelier von Carlos Pellicer zu arbeiten, mit dem er vierzehn Jahre lang zusammenarbeitete. Seine Studien vervollständigte er mit Reisen u. a. nach London, Belgien, Paris und auf die Isle of Man. In den sechziger Jahren kehrte er in seine Heimatstadt zurück, wo er sich erneut für die Landschaften des Vallés und des Mittelmeers interessierte, ohne jedoch auf seine ausgedehnten Reisen durch Europa, Afrika, die Elfenbeinküste, Marokko und Brasilien zu verzichten. Als hervorragender Sammler schenkte er 1996 seine Kunstsammlung der Stadtverwaltung von Mollet, die drei Jahre später das Städtische Museum Joan Abelló gründete. An das Museum angeschlossen ist das Geburtshaus des Künstlers, das seit 2002 eine Restaurierungswerkstatt und ein Zentrum für künstlerische Studien beherbergt. Abelló begann seine Karriere mit einer gewissen impressionistischen Tendenz, um Ende der vierziger Jahre in den Postimpressionismus einzusteigen, ohne die Verbindung zu seiner ursprünglichen Sprache zu verlieren, immer mit einer Explosion von Farben, die mit heftigen Pinselstrichen aufgetragen wurden. Jahre später wird sich sein Stil weiterentwickeln, indem er unter dem Einfluss des Informalismus eine materialistischere Malerei praktiziert und seinen Expressionismus betont, ohne jemals die Figuration zu verlassen. Seit 1940, dem Jahr seiner ersten Ausstellung in seiner Heimatstadt, noch bevor er zum Studium nach Barcelona zog, stellte Abelló in Spanien, London, Paris, New York und Moskau aus. Im Jahr 2002 wurde er zum Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Sant Jordi ernannt. Er ist in dem Museum, das seinen Namen trägt, sowie im MACBA in Barcelona, in der Courtauld Collection in London, im Ashmolean Museum in Oxford, im Vatikanischen Museum, im Poldersmuseum in Belgien und im Francesc Galí Legacy vertreten.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 66 - JOAN ABELLÓ PRAT (Mollet del Vallés, Barcelona, 1922 - Barcelona, 2008). "A las puertas del establo", 1963. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der oberen linken Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 54 x 64,5 cm; 75 x 85 cm (Rahmen). Der Maler und Graveur Joan Abelló beginnt seine Ausbildung als Autodidakt, wobei die Werke von Joaquín Mir in Mollet einen großen Einfluss auf seine ersten Bilder haben. Danach studierte er an der Akademie Baixas und am Königlichen Künstlerkreis von Barcelona (1941) und wurde später Schüler von Pere Pruna, in dessen Atelier er zwei Jahre lang arbeitete (1944-46). Pruna lehrte ihn die Techniken der Wandmalerei und der Gravur, und im Atelier von Miracle erlernte er auch die Restaurierung. 1945 stellte er seine Werke zum ersten Mal in Barcelona aus, und im folgenden Jahr begann er im Atelier von Carlos Pellicer zu arbeiten, mit dem er vierzehn Jahre lang zusammenarbeitete. Seine Studien vervollständigte er mit Reisen u. a. nach London, Belgien, Paris und auf die Isle of Man. In den sechziger Jahren kehrte er in seine Heimatstadt zurück, wo er sich erneut für die Landschaften des Vallés und des Mittelmeers interessierte, ohne jedoch auf seine ausgedehnten Reisen durch Europa, Afrika, die Elfenbeinküste, Marokko und Brasilien zu verzichten. Als hervorragender Sammler schenkte er 1996 seine Kunstsammlung der Stadtverwaltung von Mollet, die drei Jahre später das Städtische Museum Joan Abelló gründete. An das Museum angeschlossen ist das Geburtshaus des Künstlers, das seit 2002 eine Restaurierungswerkstatt und ein Zentrum für künstlerische Studien beherbergt. Abelló begann seine Karriere mit einer gewissen impressionistischen Tendenz, um Ende der vierziger Jahre in den Postimpressionismus einzusteigen, ohne die Verbindung zu seiner ursprünglichen Sprache zu verlieren, immer mit einer Explosion von Farben, die mit heftigen Pinselstrichen aufgetragen wurden. Jahre später wird sich sein Stil weiterentwickeln, indem er unter dem Einfluss des Informalismus eine materialistischere Malerei praktiziert und seinen Expressionismus betont, ohne jemals die Figuration zu verlassen. Seit 1940, dem Jahr seiner ersten Ausstellung in seiner Heimatstadt, noch bevor er zum Studium nach Barcelona zog, stellte Abelló in Spanien, London, Paris, New York und Moskau aus. Im Jahr 2002 wurde er zum Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Sant Jordi ernannt. Er ist in dem Museum, das seinen Namen trägt, sowie im MACBA in Barcelona, in der Courtauld Collection in London, im Ashmolean Museum in Oxford, im Vatikanischen Museum, im Poldersmuseum in Belgien und im Francesc Galí Legacy vertreten.

Schätzw. 1 100 - 1 200 EUR

Los 67 - Katalanische Schule, ca. 1900. Colla del Safrà. "Das Waschhaus". Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 97 x 96 cm. Eine in Mantila gehüllte Frau sitzt auf einer Steintreppe und wählt die Wäsche aus, die sie zum Waschen vorbereitet. Eine zweite Wäscherin wendet uns den Rücken zu, während sie die Wäsche in einem großen Brunnenbecken einweicht. Diese hat eine große Waschküche, die sich in der Mitte eines Platzes mit Obstbäumen und Jasmin befindet. Oben, hinter einer Balustrade, sind weiß getünchte Häuser in verschiedenen Farben aufgereiht. Das Ganze ist von den warmen Lichtern des Sonnenuntergangs durchtränkt. Dieses Gemälde gehört zur katalanischen Schule der Colla del Safrà. So nannte sich eine Gruppe von Künstlern aus Barcelona, die aus Isidre Nonell, Joaquín Mir, Ricard Canals, Ramón Pichot, Juli Vallmitjana und Adrià Gual bestand. Sie wurde 1893 von Nonell gegründet und bestand bis 1896. Der Name der Gruppe würde als Safran-Gruppe oder Bande übersetzt werden, in Anspielung auf die gelbliche Farbe -azafranado- vieler seiner Gemälde. Die Gruppe hatte weder ein festgelegtes künstlerisches Programm noch eine feste Struktur. Vielmehr handelte es sich um eine Gruppe junger Leute mit einigen gemeinsamen Ideen, wie einer gewissen anarchischen Haltung und - im Bereich der Kunst - einem Interesse an der Pleinair-Malerei (Malerei unter freiem Himmel), einer Thematik, die sich oft um Randgruppen drehte, und einem sozialen Bewusstsein, das sie der Generation von '98 näher brachte.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 68 - CARME CORTÈS LLADÓ (Santa Coloma de Gramanet, 1892 - Mexiko-Stadt, 1979). "Stilleben mit Puppe", ca. 1930. Öl auf Leinwand. Signiert in der oberen rechten Ecke. Maße: 50 x 61 cm; 61 x 74 cm (Rahmen). Die Malerin Carme Cortès hat sich mit dem weiblichen Universum auseinandergesetzt und es in verschiedenen Genres behandelt: Porträt, Stillleben, Innenszenen... Das "Stillleben mit Puppe" ist Teil dieses Interesses, die weibliche Welt einzufangen, der sie den melancholischen Ton verleiht, der die Spielzeuge der Vergangenheit durchdringt. Davon zeugt die Sammlung von Gemälden der Autorin, die im MNAC (Museu d'Art Nacional de Catalunya, Barcelona) aufbewahrt wird. Carme Cortès i Lladó war eine spanische impressionistische Malerin. Am Ende des Bürgerkriegs ging sie nach Frankreich ins Exil und kam 1941 nach Mexiko, wo sie die Schule für plastische Künste an der Universidad Autónoma de Nuevo León gründete. Die Tochter von Antonia Lladó Cullell und Antoni Cortés Valls war mit dem republikanischen Politiker Jaume Aiguadé Miró, Abgeordneter der Cortes der Republik und Bürgermeister von Barcelona, verheiratet und war die Mutter der Malerin Carme Aguadé i Cortés. Sie begann ihr Musikstudium bei den Maestros Enrique Granados und Felip Pedrell und gab 1910 ihr erstes Konzert. Später studierte sie an der Escuela Superior de Bellas Artes unter der Leitung des Malers Francesc d'Assís Galí und widmete sich ganz der Malerei.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 69 - JOSEP MOMPOU I DENCAUSSE (Barcelona, 1888 - Vic, Barcelona, 1968). "Tossa de Mar", 1945. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Mit Etikett von Ramoneda und Barrachina. Maße: 50 x 61 cm; 61 x 74 cm (Rahmen). Sommerliche Menschen, Badeanzüge und Regenschirme funkeln in bunten Myriaden auf dem Sand. Mit schnellem und intuitivem Pinselstrich komponiert Josep Mompou eine lebhafte Sommersymphonie. Der Hügel ist unter einem klaren Himmel umrissen. Auf ihm schlängelt sich die Burgmauer durch das Gebüsch. Der in der Akademie von Joaquín Torres Canosa ausgebildete Maler war Mitglied des Círculo de Sant Lluc. Im Jahr 1907 nahm er an der Internationalen Ausstellung von Barcelona teil und organisierte im folgenden Jahr eine Einzelausstellung in den Galerien von Dalmau. Zwischen 1910 und 1911 arbeitete er mit der Zeitschrift "Papitu" zusammen, und 1917 nahm er an der Ausstellung frankophiler Künstler in den Galerien Dalmau teil, wo er später 1920 und 1925 zwei wichtige Einzelausstellungen veranstaltete. Zwischen 1926 und 1934 lebte er in Paris und organisierte dort mehrere Einzelausstellungen sowie aufeinanderfolgende Ausstellungen in der Sala Parés in Barcelona und 1946 in Madrid. Er nahm auch an zahlreichen Gruppenausstellungen in Europa und Amerika sowie an verschiedenen Salons in Paris und an den lateinamerikanischen Biennalen teil. Im Jahr 2009 widmete ihm die Stiftung Caixa de Cataluña eine große Anthologie in der La Pedrera. Er war Mitglied der Akademie Sant Jordi und ist unter anderem im Nationalen Zentrum Reina Sofia, in den Museen für Moderne Kunst in Havanna, Paris und Barcelona, im Stadtmuseum von Tossa de Mar, im Museum von Toledo (Ohio, Vereinigte Staaten) und in der Bibliothek von Katalonien vertreten.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 70 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcelona, 1859 - 1940). "Landschaft. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke. Maße: 70 x 36 cm; 84 x 50 cm (Rahmen). Eliseo Meifrèn bietet uns ein eindeutig impressionistisches Werk, mit einer rein chromatischen und leuchtenden Behandlung der Landschaft, die die akribische Beschreibung des natürlichen Modells beiseite lässt, um einen Eindruck der Natur zu erfassen, ein rein visuelles und völlig plastisches Bild, in dem der lockere, pastose und präzise Pinselstrich Formen, Räume und Volumen auf der Grundlage von nebeneinanderliegenden Farben konfiguriert. Die Formen verschwimmen und werden zu reinen Ausdrucksflecken; das bearbeitete und gedachte Licht gewinnt eine neue Bedeutung, und die Natur erhält eine neue atmosphärische Dimension, die über die reine Wiedergabe der Realität hinausgeht. Eliseo Meifrèn ist ein Maler von Landschaften und Meereslandschaften und gilt als einer der ersten Vertreter der impressionistischen Bewegung in Katalonien. Er begann seine künstlerische Ausbildung an der Schule der Schönen Künste in Barcelona, wo er Schüler von Antonio Caba und Ramón Martí Alsina war, mit denen er begann, romantische Landschaften im akademischen Stil zu schaffen. Nach Beendigung seines Studiums zog er 1878 nach Paris, um seine künstlerischen Kenntnisse zu vertiefen, und lernte dort aus erster Hand die Malerei "à plen air" kennen, die ihn in seinen Pariser Landschaften jener Jahre stark beeinflussen sollte. In Paris erlebte er auch den öffentlichen Beginn des Impressionismus. Ein Jahr später unternahm er eine Italienreise, auf der er Neapel, Florenz, Venedig und Rom besuchte; dort kam er in Kontakt mit dem katalanischen Künstlerkreis, der unter anderem aus Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés und Joan Llimona bestand. Im selben Jahr, 1879, nahm er an der Regionalen Ausstellung von Valencia teil und gewann eine Goldmedaille. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona gab er 1880 sein Einzeldebüt in der Sala Parés in Barcelona, wo er von da an regelmäßig ausstellen sollte. In diesen Jahren gehörte er zur Gruppe der Modernisten und besuchte Els Quatre Gats. 1883 kehrte er nach Paris zurück, wo er zahlreiche Zeichnungen und Aquarelle mit Stadtansichten und Cafés anfertigte, die bei der französischen Kritik und beim französischen Publikum großen Anklang fanden. Ende der achtziger Jahre kehrte er nach Barcelona zurück und stellte seine Werke weiterhin in der Sala Parés und im Centro de Acuarelistas aus. Außerdem war er 1888 Mitglied der Jury der Weltausstellung, die in Barcelona stattfand. 1890 kehrte er zum dritten Mal in die französische Hauptstadt zurück, wo er am Salon des Beaux-Arts und am Salon des Indépendants von 1892 teilnahm, zusammen mit Ramon Casas und Santiago Rusiñol, Künstlern, mit denen er ein Jahr zuvor die Malergruppe von Sitges gegründet hatte. In den folgenden Jahren nahm Meifrèn mit seinen Werken an zahlreichen offiziellen Ausstellungen und Wettbewerben teil, unter anderem an den Nationalen Ausstellungen von Madrid und Barcelona, und erhielt die dritte Medaille bei der Pariser Universal 1889 und 1899, die Silbermedaille bei der Brüsseler Universal 1910, den Großen Preis bei der Buenos Aires Universal im selben Jahr, die Ehrenmedaille bei der San Francisco International 1915 und den Großen Preis bei der San Diego International im folgenden Jahr. Außerdem wurde er 1935 mit dem Nonell-Preis von Barcelona ausgezeichnet. Im Jahr 1952 widmete ihm die Stadtverwaltung von Barcelona eine Retrospektive im Palacio de la Virreina. Derzeit ist er unter anderem im Prado-Museum, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, im MACBA in Barcelona und im Thyssen-Bornemisza vertreten.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 71 - JOAQUIM MIR TRINXET (Barcelona, 1873 - 1940). "Umgebung eines Bauernhauses", Mollet, um 1914. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Beigefügtes Zertifikat von D. Francesc Miralles. Maße: 40 x 65 cm; 50 x 75 cm (Rahmen). Mit kühnem und intuitivem Pinselstrich fängt Mir mit einer lebhaften mediterranen Palette das Treiben einiger Bauern vor einem großen Haus ein, das von Heuhaufen umgeben ist. Im Mittagslicht schnattern Gänse in einem großen offenen Gehege. Die Figuren sind in die überschwängliche Natur integriert und der blaue Himmel hallt auf dem bernsteinfarbenen Stroh wider. Durch eine rein persönliche Sprache synthetisiert Mir die Grundelemente, um die Szene erkennbar zu machen, mit einer besonderen kompositorischen Struktur, während er sie mit seiner Fantasie zum Schwingen bringt. In diesem Werk beweist Mir eine absolute technische und atmosphärische Beherrschung, die er in den Dienst einer fast animistischen Auffassung des natürlichen Elements stellt. Joaquín Mir studierte an der Escuela de Bellas Artes de San Jordi in Barcelona und in der Werkstatt des Malers Luis Graner. Sein Stil wurde auch von der Schule von Olot, der Heimatstadt seines Vaters, beeinflusst. 1893 schloss er sich mit Künstlern wie Isidro Nonell, Ricard Canals und Ramón Pichot der "Colla del Safrà" an, und in den letzten Jahren des Jahrhunderts gehörte er zum künstlerischen Umfeld der "Els Quatre Gats". Er schloss seine Ausbildung 1895 ab, als er eine Saison in Madrid verbrachte und Werke von Velázquez kopierte. In diesen Jahren nahm er an den Ausstellungen der Schönen Künste in Barcelona in den Jahren 1894, 1896 und 1898 teil. Er gewann eine zweite Medaille auf der Madrider Ausstellung von 1899 und zog noch im selben Jahr in die Hauptstadt, um sich um ein Stipendium in Rom zu bewerben. Als er nicht erfolgreich war, ging er mit Santiago Rusiñol nach Mallorca, eine Reise, die einen entscheidenden Wendepunkt in seiner Karriere darstellen sollte. Mir war von der mallorquinischen Landschaft geblendet, insbesondere von der Landschaft von Sa Calobra, die für ihn eine unerschöpfliche Inspirationsquelle darstellte. Im Jahr 1901 stellte er die Früchte dieser ersten mallorquinischen Periode in der Sala Parés in Barcelona aus und gewann erneut eine zweite Medaille auf der Nationalen Ausstellung. Nach einer Krankheit, die ihn zwang, nach Reus umzuziehen, gewann er 1907 die erste Medaille auf der Internationalen Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona. Nachdem er sich bereits als herausragende Persönlichkeit des katalanischen Panoramas etabliert hatte, erhielt er 1917 die endgültige Anerkennung auf nationaler Ebene, als er mit dem Nationalpreis der Schönen Künste ausgezeichnet wurde. Vier Jahre später heiratet er und lässt sich dauerhaft in Vilanova i la Geltrú nieder. Seine Erfolge folgen Schlag auf Schlag, und 1929 gewinnt er die erste Medaille auf der Internationalen Ausstellung in Barcelona. Im folgenden Jahr gewann er die Ehrenmedaille der Nationalen Ausstellung in Madrid, eine Auszeichnung, die er seit 1922 anstrebte. Obwohl er hauptsächlich ein einheimischer Maler war, hatte er Einzel- und Gruppenausstellungen in Washington, Paris, Pittsburg, New York, Philadelphia, Amsterdam, Buenos Aires und Venedig. Mir gilt heute als der bedeutendste Vertreter der spanischen postimpressionistischen Landschaftsmalerei. Seine Werke befinden sich unter anderem im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, im Prado-Museum, im Thyssen-Bornemisza-Museum und im Reina-Sofia-Museum in Madrid.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 72 - IGNACIO PINAZO CAMARLENCH (Valencia, 1849 - Godella, Valencia, 1916). "Junger Mann im Profil. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke. Maße: 66 x 51 cm; 97 x 71 cm (Rahmen). Pinazo wurde in eine bescheidene Familie hineingeboren und war von klein auf gezwungen, mit verschiedenen Beschäftigungen zum Unterhalt seines Hauses beizutragen. Er hatte erst die achte Klasse der Schule abgeschlossen, als seine Mutter an der Cholera starb, so dass er schon bald in verschiedenen Berufen arbeiten musste, darunter als Silberschmied, Fliesendekorateur, Bäcker, Vergolder und Fächermaler. Nach dem Tod seines Vaters lebte er bei seinem Großvater und trat 1864 in die Akademie der Schönen Künste von San Carlos ein, wo er Schüler von José Fernández Olmos war. Während dieser Zeit verdiente er seinen Lebensunterhalt als Hutmacher. Im Alter von einundzwanzig Jahren begann er seine künstlerische Ausbildung und hatte drei Jahre später in Barcelona seinen ersten Erfolg. Im Jahr 1871 nahm er zum ersten Mal an der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste teil. Er war zweimal in Rom, das erste Mal dank des Verkaufs eines Gemäldes im Jahr 1873 und das zweite Mal mit einem Stipendium zwischen 1876 und 1881. Dort beginnt er mit seinen großen Geschichtswerken, die sich von den Konventionen des Genres abheben. In seiner ersten Periode entwickelte er einen akademischen Stil, aber ab 1874 begann er eine intimere und impressionistischere Bildlinie. Als er nach Valencia zurückkehrte, gab er historische Themen auf und begann stattdessen, Familiensujets, Akte und Szenen aus dem Alltagsleben zu malen. So gilt er heute als Vorläufer von Joaquín Sorolla und Francisco Domingo, sowohl was die Themen als auch den Stil betrifft. Im Jahr 1884 verließ Pinazo Valencia vorübergehend wegen einer Choleraepidemie und ließ sich in dem Haus des Bankiers José Jaumandreu in Bétera nieder. Nach seiner Rückkehr im selben Jahr bis 1886 unterrichtete er an der Schule der Schönen Künste in Valencia. In diesen Jahren erhielt er zahlreiche Aufträge von der valencianischen Aristokratie und zählte prominente Persönlichkeiten wie die Marquise von Benicarló zu seinen Kunden. Pinazo nahm mit seinen Werken an den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste in Madrid teil und gewann 1881 und 1885 die Silbermedaille und 1897 und 1899 die Goldmedaille. 1896 wurde er zum Akademiker von San Carlos ernannt, und 1906 wird er auch zum Akademiker von San Fernando in Madrid ernannt. Im Jahr 1900 war er zusammen mit Antonio Fillol, Peris Brell, Ricardo Verde und Luis Beüt an der Dekoration des Treppenhauses des Palastes von Don José Ayora beteiligt. Für diese Jahre erhielt er eine königliche Medaille und 1912 widmete ihm die Stadt Valencia eine Straße. Nach seinem Tod im Jahr 1916 folgen die Gedenkveranstaltungen zu seinem Leben und Werk. Pinazo ist derzeit im Prado-Museum, im MACBA in Barcelona, im Museum und im Kreis der Schönen Künste in Valencia, in seinem Haus-Museum in Godella und in der Provinzialverwaltung von Valencia sowie in mehreren bedeutenden Privatsammlungen vertreten.

Schätzw. 2 000 - 2 200 EUR

Los 73 - JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcelona, 1877 - 1957). "Mutterschaft". Öl auf Leinwand. Signiert auf der Rückseite. Maße: 81 x 65 cm; 99 x 82,5 cm (Rahmen). Ausgebildet in der Schule der Schönen Künste der Lonja und in der Baixeras-Akademie in Barcelona, erweiterte er seine Studien in Paris, der Stadt, in der er sich für mehrere Jahre niederlassen wird. In der französischen Hauptstadt bildete er eine Gruppe mit den besten Illustratoren seiner Zeit, wie Cappiello, Sem, Steinlen und Roubille. Als Maler und Zeichner entwickelt er eine bedeutende Tätigkeit im Bereich der Illustration und arbeitet mit spanischen Zeitschriften wie "El Gato Negro" und "Hispania" sowie mit den französischen Zeitschriften "Le Rire" und "Simplicissimus" zusammen. Hervorzuheben ist seine Zusammenarbeit mit "Jugend", dem Flaggschiff der Wiener Moderne, dem Jugendstil. In seiner Pariser Zeit erlangte Cardona internationalen Ruhm dank seiner Federzeichnungen, die sich durch die Schärfe des Strichs und starke Ausdruckswerte auszeichnen. In seiner Malerei hingegen ordnet er die Linie der Farbe unter, mit warmen Tönen in seinen frühen Jahren und kalten Bereichen in seiner Reifezeit. In seinen Gemälden von großer Ausdruckskraft und dichtem Impasto steht die Frau im Mittelpunkt, die vor einem lebhaften, fast abstrakten Hintergrund dargestellt wird, in einem Stil, der ihn in die Nähe von Anglada Camarasa rückt. 1897 erhielt er einen Preis in dem von der Mariana-Akademie von Lleida organisierten Wettbewerb. Er stellte in Paris in den Salons d'Automne und der Societé Nationale aus und erhielt in beiden den Titel "societaire". Er nahm an den Internationalen Ausstellungen der Schönen Künste in Barcelona 1907 und 1929 teil. Er ist im Museum von Luxemburg in Paris vertreten.

Schätzw. 1 600 - 1 700 EUR

Los 74 - CASIMIRO MARTÍNEZ TARRASSÓ (Barcelona, 1898 - 1980). "Berglandschaft". Öl auf Tafelx. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 16 x 20 cm; 43 x 48 cm (Rahmen). In diesem Tablex fängt Tarrassó eine Landschaft ein, die mit seiner persönlichen Sprache, die auf Farbflecken des fauvistischen Erbes basiert, in die Tiefe geht. Der lebhafte Chromatismus ist die Antwort auf eine sorgfältige und durchdachte Studie, die auf der Gegenüberstellung von hauptsächlich kalten Tönen basiert, von denen einige heller und andere dunkler sind, um die dreidimensionale Konstruktion des Raums zu verstärken. Der einfach als Tarrassó bekannte Künstler wurde an der Escuela de La Lonja in Barcelona ausgebildet. Er schloss sein Studium in Paris ab, wo er aus erster Hand die Werke des Fauvismus kennenlernte, die die Pariser Kunstszene zu dieser Zeit erschütterten. Er war vor allem ein brillanter Landschaftsmaler, dessen Stil sich durch seine kräftigen und lebhaften, sehr leuchtenden Farben auszeichnet. Er trat in die Fußstapfen der großen katalanischen Landschaftsmaler, insbesondere Joaquín Mir, wenn auch mit einer deutlich differenzierten Persönlichkeit, die zum Teil auf den Einfluss des Fauvismus auf sein künstlerisches Denken zurückzuführen war. Er kultivierte das Stillleben und die katalanischen und mallorquinischen Landschaften. Seine erste Ausstellung fand 1928 in den Galerien Layetanas in Barcelona statt. Seitdem folgten nacheinander Ausstellungen in Barcelona, Madrid, Palma de Mallorca und Bilbao. 1935 besuchte er zum ersten Mal Mallorca, und ab 1940 hatte er dort ein Atelier, genauer gesagt in Palma, wo er lange Zeit lebte und den Großteil seiner künstlerischen Produktion entwickelte. Nach dem Bürgerkrieg, in den vierziger Jahren, nahm Tarrassó an mehreren Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste in den Jahren 1942, 1943 und 1950 teil und veranstaltete viele persönliche Ausstellungen in Barcelona, in Galerien wie Augusta, Layetanas, Ars, usw., darunter eine Ausstellung mit Landschaften der Pyrenäen im Jahr 1948 und eine mit großen Gemälden mallorquinischer Landschaften, die er 1949 präsentierte. Obwohl die Landschaft immer im Mittelpunkt seiner Produktion stand, schuf Tarrassó auch Werke wie die Wanddekoration der Kirche Santa Maria de Badalona. Auf Mallorca unternahm er auch ein einzigartiges Unterfangen, indem er seine Staffelei in den Höhlen von Campanet aufstellte, um die Stalaktiten und Stalagmiten der steinernen Höhlen festzuhalten. Dabei entstand eine Reihe von Werken, die er im Oktober 1948 in den Galerías Costa de Palma präsentierte. Im Laufe seiner Karriere erhielt Tarrassó den Preis von Pollença beim 1. Internationalen Malereiwettbewerb 1962, den Preis von Santiago Rusiñol 1972 und die Medaillen, die er bei verschiedenen Ausgaben der Herbstsalons von Palma de Mallorca erhielt: den ersten Preis 1967 und 1973 und den Ehrenpreis 1970. Das Werk von Tarrassó zeichnet sich durch die große Persönlichkeit seiner Farbgebung aus. Seine Besessenheit für den Chromatismus bestimmt eine zutiefst sensorische, vitalistische und intuitive Malerei. Tarrassó ist in verschiedenen nationalen und internationalen Privatsammlungen sowie im Museum und Kunstfonds von Porreras (Mallorca) und im Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Palma vertreten.

Schätzw. 550 - 600 EUR

Los 75 - JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcelona, 1877 - 1957). "Mutterschaft". Öl auf Leinwand. Signiert in der linken unteren Ecke und auf der Rückseite. Maße: 71 x 60 cm; 96 x 86 cm (Rahmen). Ausgebildet in der Schule der Schönen Künste der Lonja und in der Baixeras Akademie in Barcelona, verlängerte er seine Studien in Paris, Stadt, wo er sich für mehrere Jahre niederlassen wird. In der französischen Hauptstadt bildete er eine Gruppe mit den besten Illustratoren seiner Zeit, wie Cappiello, Sem, Steinlen und Roubille. Als Maler und Zeichner entwickelt er eine bedeutende Tätigkeit im Bereich der Illustration und arbeitet mit spanischen Zeitschriften wie "El Gato Negro" und "Hispania" sowie mit den französischen Zeitschriften "Le Rire" und "Simplicissimus" zusammen. Hervorzuheben ist seine Zusammenarbeit mit "Jugend", dem Flaggschiff der Wiener Moderne, dem Jugendstil. In seiner Pariser Zeit erlangte Cardona internationalen Ruhm dank seiner Federzeichnungen, die sich durch die Schärfe des Strichs und starke Ausdruckswerte auszeichnen. In seiner Malerei hingegen ordnet er die Linie der Farbe unter, mit warmen Tönen in seinen frühen Jahren und kalten Bereichen in seiner Reifezeit. In seinen Gemälden von großer Ausdruckskraft und dichtem Impasto steht die Frau im Mittelpunkt, die vor einem lebhaften, fast abstrakten Hintergrund dargestellt wird, in einem Stil, der ihn in die Nähe von Anglada Camarasa rückt. 1897 erhielt er einen Preis in dem von der Mariana-Akademie von Lleida organisierten Wettbewerb. Er stellte in Paris in den Salons d'Automne und der Societé Nationale aus und erhielt in beiden den Titel "societaire". Er nahm an den Internationalen Ausstellungen der Schönen Künste in Barcelona 1907 und 1929 teil. Er ist im Museum von Luxemburg in Paris vertreten.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 76 - JOAN MESTRE I BOSCH (Palma de Mallorca, 1826 - 1893). "Santa Cecilia", Barcelona, 1847. Öl auf Leinwand. Rissig. Mit Restaurierung auf der Rückseite und Inschrift. Es stellt Fehler in den Rahmen und in der Malerei. Maße: 87 x 68 cm; 108 x 91 cm (Rahmen). Joan Mestre i Bosch wurde zusammen mit Bartolomé Sureda an der Schule der Schönen Künste in Palma de Mallorca ausgebildet. Anschließend reiste er nach Barcelona, um seine Ausbildung an der dortigen Akademie der Schönen Künste zu vervollständigen, und verbrachte schließlich einige Zeit in Madrid, wo er sich dem Kopieren von Werken der großen Meister im Prado-Museum widmete. Nach seiner Rückkehr nach Mallorca übernahm er unentgeltlich den Lehrstuhl für Anatomie und Landschaftsmalerei bei der Sociedad Económica Mallorquina de Amigos del País (Mallorquinische Wirtschaftsgesellschaft der Freunde des Landes). Im Laufe seines Lebens stellte er seine Werke in verschiedenen offiziellen Ausstellungen aus, für die er mehrfach ausgezeichnet wurde, und malte auch religiöse Werke für mehrere Kirchen auf den Balearen. Außerdem war er Korrespondent der Akademie von San Fernando in Madrid und Ehrenkammermaler. Er war vor allem als Porträtist und Maler religiöser Themen bekannt und entwickelte einen Stil mit akademischer Grundlage, romantischen Wurzeln und einem klaren Bekenntnis zum Naturalismus, wenn auch mit einem eklektischen Realismus. Er war auch ein wichtiger Pädagoge, und seine Schüler wie Joan Bauzà, Antoni Ribas und Antoni Fuster sind von seinem Stil geprägt. Joan Mestre i Bosch ist derzeit in der Sammlung des Consell de Mallorca, der Sa Nostra, der Stiftung Yannick und Ben Jakober und des Museums von Mallorca sowie in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.

Schätzw. 2 500 - 2 800 EUR

Los 77 - JOAQUÍN MICHAVILA ASENSI (Alcora, Castellón, 1926 - Albalat de Taronchers, Valencia, 2016). "LLAC". Öl auf Leinwand. Signiert in der linken unteren Ecke. Maße: 73 x 95,50 cm; 93 x 112 cm (Rahmen). Joaquín Michavila, einer der Hauptvertreter der valencianischen Abstraktion, wurde an der Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia ausgebildet, deren Akademie er seit 1975 angehörte und deren Präsident er von 2003 bis 2007 war. Als Professor für Bildende Kunst wurde er mit der Auszeichnung für kulturelle Verdienste der Generalitat Valenciana (2001) und dem Preis für plastische Kunst der Generalitat Valenciana (2007) geehrt. Michavila zog 1932 nach Valencia, wo er bis 1966 lebte. Als herausragender Vertreter der valencianischen Avantgarde war Michavila seit ihrer Gründung Mitglied der Gruppen Los Siete, Parpalló und Artes del Arte. Er begann seine Karriere 1952 und suchte einige Jahre lang nach einer eigenen Sprache. Ab 1960 entwickelte er eine Sprache im Rahmen des Konstruktivismus, die sich nach und nach in einem zunehmend geometrischen Sinn entwickelte. Ein Jahrzehnt später wird er sich darauf konzentrieren, die Landschaften seiner Jugend durch Abstraktion zu evozieren, und um 1990 beginnt er, sich dem Tenebrismus zu nähern, mit Werken, die durch den Kontrast von Licht und Schatten gekennzeichnet sind. Zu Beginn des 21. Jahrhunderts beginnt Michavila eine neue Etappe mit einer Produktion von Acrylbildern unter dem Titel "Kontrapunkt", einem musikalischen Begriff, aus dem plastische Interpretationen von Meisterkomponisten der Avantgarde wie Schönberg, Luis de Pablo oder Paco Llàcer hervorgehen. Die letztgenannte Serie zeugt von einer gewissen existenziellen Dramatik, die sich aus dem vorangegangenen malerischen Tenebrismus ableitet, mit schwarzen Hintergründen, auf denen der Klang zur reinen Form wird, zur Klangschwingung ebenso wie zum Licht, und die eine Synästhesie hervorrufen sollen. Im Laufe seiner Karriere hatte Michavila Ausstellungen in ganz Spanien sowie in Rom, Florenz, Basel, Denver, São Paulo, New York und Wien. Er wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter 1996 der Alfonso-Roig-Preis der Diputación de Valencia und 1997 die Goldmedaille der Stadt Valencia sowie 1998 der Alcorí Distinguit. Im Februar 2016 widmete ihm die Universität von Valencia eine monografische Ausstellung, die eine Auswahl von dreißig repräsentativen Werken aus seiner gesamten Laufbahn zeigt.

Schätzw. 4 000 - 4 200 EUR

Los 78 - CARLOS RUANO LLOPIS (Alicante, 1879 - Mexiko-Stadt, 1950) Ohne Titel. Öl auf Leinwand. Signiert in der linken unteren Ecke. Maße: 42,5 x 70,5 cm; 66 x 94 cm (Rahmen). Dramatische und dynamische Szene, deutlich von den Stichen des Stierkampfes Thema der eigenen Goya beeinflusst, mit einem lockeren und schnellen Pinselstrich, sehr saftig, die die Zeichnung ignoriert und konstruiert die Formen, die Volumina und die Räume durch die chromatische Arbeit erfasst. Es hebt auch die Beleuchtung, sehr effektiv und kontrastreich, die unsere Aufmerksamkeit auf die Zeichen im Vordergrund konzentriert, so dass der Rest in einem nuancierten Zwielicht, die den dramatischen Charakter der Szene verstärkt gehüllt. Der an der Kunstschule von San Carlos ausgebildete Maler und Plakatmaler gewann 1909 die Goldmedaille auf der Regionalausstellung von Valencia. Im Jahr 1912 schuf er das erste seiner berühmten Stierkampfplakate. Er stellte in Valencia, Madrid, Bilbao, Marseille und Paris aus und arbeitete mit "La Esfera", "Mundo Gráfico", "El Mercantil Valenciano", etc. zusammen. Im Jahr 1934 ließ er sich dauerhaft in Mexiko nieder und förderte seine internationale Karriere mit persönlichen Ausstellungen in Mexiko (1938, 1949), Caracas (1949), New York (1945) und Philadelphia. Er gilt heute als der beste Stierkampfplakatkünstler, ein Genre, für das er einen Prototyp schuf, der bis heute Bestand hat.

Schätzw. 1 700 - 1 900 EUR

Los 79 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909). "Ansicht von Venedig. Aquarell auf Papier. Signiert und befindet sich in Venedig. Maße: 46 x 25 cm; 82,5 x 59,5 cm (Rahmen). Es ist ein Gemälde in der Tradition der venezianischen vedutismo gerahmt, deren Geschichte beginnt im achtzehnten Jahrhundert, obwohl es Vorläufer aus der zweiten Hälfte des fünfzehnten Jahrhunderts hat. Die Stadt, die damals aufgrund ihrer Handelskontakte als Königin des Mittelmeers galt, war stolz auf ihre Macht und verstärkte sie durch eine wahre visuelle Propaganda. Mit der präzisen und idealisierten Darstellung des Schauplatzes so vieler historischer und legendärer Episoden wurde ein Mythos gefestigt, der für die Ewigkeit bestimmt war, auch wenn im 18. Jahrhundert nur noch einige wackelige Fundamente übrig blieben, um ihn zu stützen. Der in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Alicante lebende Maler Ricardo Navarrete, Bruder des Kupferstechers Federico Navarrete, beschäftigte sich in seinem Werk mit einer Vielzahl von Themen, wobei er sich besonders in der Porträt-, Geschichts- und Brauchtumsmalerei hervortat. Er begann seine Ausbildung an der Akademie der Schönen Künste von San Carlos in Valencia und wechselte dann an die Akademie von San Fernando in Madrid. Als hervorragender Student erhielt er Stipendien für Rom und Venedig, und während seines Aufenthalts in Italien begann er, Werke zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste zu schicken. So erhielt er 1864 eine ehrenvolle Erwähnung, und drei Jahre später wurde ihm für sein Werk "Capuchinos en el coro" (Kapuziner im Chor) eine dritte Medaille verliehen. Navarrete ließ sich dank des Mäzenatentums von José María Olmos in Venedig nieder und widmete sich dort der Malerei von Themen der Stadtgeschichte und kleinen venezianischen Genrebildern, die zu seiner Zeit sehr bewundert wurden. Er nahm weiterhin an offiziellen Wettbewerben teil und wurde 1873 auf der Internationalen Ausstellung in Wien mit einer Goldmedaille ausgezeichnet. Im selben Jahr malte er ein bemerkenswertes Porträt des Schriftstellers Enrique Pérez Escrich, das als posthume Hommage auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste im Jahr 1897, dem Todesjahr des Schriftstellers, präsentiert wurde. 1884 kehrte Navarrete nach Spanien zurück und nahm einen Lehrauftrag an der Hochschule der Schönen Künste in Sevilla an, von wo aus er später nach Barcelona und Madrid weiterzog. Er war auch Mitglied der Akademie der Schönen Künste von Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Werke von Ricardo Navarrete befinden sich heute im Prado-Museum, im Stadtmuseum von Játiva, im Museum von Almería, in der Provinzverwaltung von Zamora, im Rathaus von Irún, in der Stadtverwaltung von Vitoria und in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 80 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909). "Ansicht von Venedig. Aquarell auf Papier. Signiert und befindet sich in Venedig. Maße: 46 x 25 cm; 82,5 x 59,5 cm (Rahmen). Es ist ein Gemälde in der Tradition der venezianischen vedutismo gerahmt, deren Geschichte beginnt im achtzehnten Jahrhundert, obwohl es Vorläufer aus der zweiten Hälfte des fünfzehnten Jahrhunderts hat. Die Stadt, die damals aufgrund ihrer Handelskontakte als Königin des Mittelmeers galt, war stolz auf ihre Macht und verstärkte sie durch eine wahre visuelle Propaganda. Mit der präzisen und idealisierten Darstellung des Schauplatzes so vieler historischer und legendärer Episoden wurde ein Mythos gefestigt, der für die Ewigkeit bestimmt war, auch wenn im 18. Jahrhundert nur noch einige wackelige Fundamente übrig blieben, um ihn zu stützen. Der in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Alicante lebende Maler Ricardo Navarrete, Bruder des Kupferstechers Federico Navarrete, beschäftigte sich in seinem Werk mit einer Vielzahl von Themen, wobei er sich besonders in der Porträt-, Geschichts- und Brauchtumsmalerei hervortat. Er begann seine Ausbildung an der Akademie der Schönen Künste von San Carlos in Valencia und wechselte dann an die Akademie von San Fernando in Madrid. Als hervorragender Student erhielt er Stipendien für Rom und Venedig, und während seines Aufenthalts in Italien begann er, Werke zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste zu schicken. So erhielt er 1864 eine ehrenvolle Erwähnung, und drei Jahre später wurde ihm für sein Werk "Capuchinos en el coro" (Kapuziner im Chor) eine dritte Medaille verliehen. Navarrete ließ sich dank des Mäzenatentums von José María Olmos in Venedig nieder und widmete sich dort der Malerei von Themen der Stadtgeschichte und kleinen venezianischen Genrebildern, die zu seiner Zeit sehr bewundert wurden. Er nahm weiterhin an offiziellen Wettbewerben teil und wurde 1873 auf der Internationalen Ausstellung in Wien mit einer Goldmedaille ausgezeichnet. Im selben Jahr malte er ein bemerkenswertes Porträt des Schriftstellers Enrique Pérez Escrich, das als posthume Hommage auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste im Jahr 1897, dem Todesjahr des Schriftstellers, präsentiert wurde. 1884 kehrte Navarrete nach Spanien zurück und nahm einen Lehrauftrag an der Hochschule der Schönen Künste in Sevilla an, von wo aus er später nach Barcelona und Madrid weiterzog. Er war auch Mitglied der Akademie der Schönen Künste von Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Werke von Ricardo Navarrete befinden sich heute im Prado-Museum, im Stadtmuseum von Játiva, im Museum von Almería, in der Provinzverwaltung von Zamora, im Rathaus von Irún, in der Stadtverwaltung von Vitoria und in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Los 81 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909) "Marina". Aquarell auf Papier. Es hat leichte Rostflecken. Signiert in der unteren linken Ecke. Maße: 25 x 44 cm; 33,5 x 53 cm (Rahmen). Maler aus Alicante der zweiten Hälfte des XIX Jahrhunderts, Bruder des Kupferstechers Federico Navarrete, Ricardo näherte sich eine breite Palette von Themen in seinem Werk, vor allem in das Porträt, die Malerei der Geschichte und der einen der Bräuche. Er begann seine Ausbildung an der Akademie der Schönen Künste von San Carlos in Valencia und wechselte dann an die Akademie von San Fernando in Madrid. Als hervorragender Student erhielt er Stipendien für Rom und Venedig, und während seines Aufenthalts in Italien begann er, Werke zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste zu schicken. So erhielt er 1864 eine ehrenvolle Erwähnung, und drei Jahre später wurde ihm für sein Werk "Capuchinos en el coro" (Kapuziner im Chor) eine dritte Medaille verliehen. Navarrete ließ sich dank des Mäzenatentums von José María Olmos in Venedig nieder und widmete sich dort der Malerei von Themen der Stadtgeschichte und kleinen venezianischen Genrebildern, die zu seiner Zeit sehr bewundert wurden. Er nimmt weiterhin an offiziellen Wettbewerben teil und wird 1873 auf der Internationalen Ausstellung in Wien mit einer Goldmedaille ausgezeichnet. Im selben Jahr malte er ein bemerkenswertes Porträt des Schriftstellers Enrique Pérez Escrich, das als posthume Hommage auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste im Jahr 1897, dem Todesjahr des Schriftstellers, präsentiert wurde. 1884 kehrte Navarrete nach Spanien zurück und nahm einen Lehrauftrag an der Hochschule der Schönen Künste in Sevilla an, von wo aus er später nach Barcelona und Madrid weiterzog. Er war auch Mitglied der Akademie der Schönen Künste von Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Derzeit befinden sich Werke von Ricardo Navarrete im Prado-Museum, im Stadtmuseum von Játiva, im Museum von Almería, in der Provinzverwaltung von Zamora, in der Stadtverwaltung von Irún, in der Stadtverwaltung von Vitoria und in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen. Leichte Rostflecken.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 82 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Orientalisches Porträt". Aquarell auf Papier. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 37,5 x 29 cm; 63 x 54 cm (Rahmen). Agrasot begann seine Ausbildung in seiner Heimatstadt Orihuela, wo er von der Diputación de Alicante ein Stipendium erhielt, um an der Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia zu studieren. Dort war er Schüler von Francisco Martínez Yago und gewann in seinen ersten Jahren Auszeichnungen wie die Goldmedaille auf der Provinzausstellung von Alicante im Jahr 1860. Im Jahr 1863 erhielt er eine neue Rente, diesmal für eine Reise nach Rom, wo er mit Rosales, Casado del Alisal und Fortuny in Kontakt kam. Mit letzterem verband ihn eine enge Freundschaft, und seine Malerei wurde durch den Stil des katalanischen Malers stark beeinflusst. Regelmäßig schickte er Bilder zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste, bei denen er 1864 den dritten und 1867 den zweiten Platz belegte. Agrasot blieb bis 1875 in Italien; nach dem Tod von Fortuny kehrte er nach Spanien zurück, wo er bereits ein anerkannter Maler war, Mitglied der Akademien von San Carlos und San Fernando, und nahm als Juror an mehreren Kunstausstellungen teil. 1886 erhielt er die Kunstmedaille auf der Weltausstellung in Philadelphia und 1888 die zweite Medaille auf der Internationalen Ausstellung in Barcelona. Agrasots Stil ist dem Realismus zuzuordnen, wobei er sich besonders für Genrethemen und den regionalen Costumbrismo interessiert. Er arbeitete aber auch an Aktdarstellungen, orientalischen Themen und Porträts. Er ist im Prado-Museum, im Museum der Schönen Künste in Valencia, im MUBAG in Gravina (Alicante) und in der Akademie von San Carlos in Valencia vertreten.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 83 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909) "Marina". Aquarell auf Papier. Es hat leichte Rostflecken. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 25 x 44 cm; 33,5 x 53 cm (Rahmen). Maler aus Alicante der zweiten Hälfte des XIX Jahrhunderts, Bruder des Kupferstechers Federico Navarrete, Ricardo näherte sich eine breite Palette von Themen in seinem Werk, vor allem in das Porträt, die Malerei der Geschichte und der einen der Bräuche. Er begann seine Ausbildung an der Akademie der Schönen Künste von San Carlos in Valencia und wechselte dann an die Akademie von San Fernando in Madrid. Als hervorragender Student erhielt er Stipendien für Rom und Venedig, und während seines Aufenthalts in Italien begann er, Werke zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste zu schicken. So erhielt er 1864 eine ehrenvolle Erwähnung, und drei Jahre später wurde ihm für sein Werk "Capuchinos en el coro" (Kapuziner im Chor) eine dritte Medaille verliehen. Navarrete ließ sich dank des Mäzenatentums von José María Olmos in Venedig nieder und widmete sich dort der Malerei von Themen der Stadtgeschichte und kleinen venezianischen Genrebildern, die zu seiner Zeit sehr bewundert wurden. Er nahm weiterhin an offiziellen Wettbewerben teil und wurde 1873 auf der Internationalen Ausstellung in Wien mit einer Goldmedaille ausgezeichnet. Im selben Jahr malte er ein bemerkenswertes Porträt des Schriftstellers Enrique Pérez Escrich, das als posthume Hommage auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste im Jahr 1897, dem Todesjahr des Schriftstellers, präsentiert wurde. 1884 kehrte Navarrete nach Spanien zurück und nahm einen Lehrauftrag an der Hochschule der Schönen Künste in Sevilla an, von wo aus er später nach Barcelona und Madrid weiterzog. Er war auch Mitglied der Akademie der Schönen Künste von Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Derzeit befinden sich Werke von Ricardo Navarrete im Prado-Museum, im Stadtmuseum von Játiva, im Museum von Almería, in der Provinzverwaltung von Zamora, in der Stadtverwaltung von Irún, in der Stadtverwaltung von Vitoria und in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen. Leichte Rostflecken.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 84 - JUAN PABLO SALINAS TERUEL (Madrid, 1871 - Rom, 1946). "Orientalische Szene". Aquarell auf Papier. Präsentiert Etikett auf der Rückseite der Galerie D'Arte, Italien. Signiert und befindet sich (Rom) in der unteren linken Ecke. Maße. 68 x 39 cm; 93 x 65 cm (Rahmen). In diesem in Rom entstandenen Werk stellt der Autor eine Szene von großer Rohheit dar, in der er einen mit Ketten gefesselten Mann porträtiert. Sowohl sein Turban als auch seine Kleidung versetzen uns in die orientalische Welt. Ein Trend, der im 19. Jahrhundert als Folge des romantischen Geistes der Flucht in Zeit und Raum entstand. Die ersten Orientalisten versuchten, das Verlorene, das Unerreichbare in einer dramatischen Reise zu reflektieren, die von Anfang an zum Scheitern verurteilt war. Wie Flaubert in "Salambo" malten die Maler detaillierte Porträts des Orients und imaginärer Vergangenheiten, die millimetergenau nachgebildet, aber letztlich unbekannt und idealisiert waren. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entdeckten jedoch viele der Maler, die auf der Suche nach dieser erfundenen Realität in den Nahen Osten reisten, ein anderes und neues Land, das sich mit seinen Eigenheiten von den Klischees und Vorurteilen der Europäer abhob. So lässt diese neue orientalistische Schule die schönen Odalisken, die Harems und die Sklavenmärkte hinter sich, um nichts anderes zu malen als das, was sie sehen, den wirklichen Orient in seiner ganzen alltäglichen Dimension. Juan Pablo Salinas begann seine künstlerische Ausbildung an der Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid, auch wenn seine Zeit in den Klassenzimmern wahrscheinlich nur von kurzer Dauer war. Er wird 1885 bekannt, dem Jahr, in dem er an der von der Schriftsteller- und Künstlervereinigung organisierten Ausstellung und an der Aragonesischen Ausstellung teilnimmt und in beiden mit einer Medaille dritter Klasse ausgezeichnet wird. Um 1886 zog er nach Rom, um seine Studien dank eines Stipendiums der Diputación Provincial de Zaragoza fortzusetzen. Dort besuchte er den Internationalen Zirkel der Schönen Künste sowie die Abendkurse der Akademie Chigi. Er schloss sich auch der spanischen Künstlerkolonie an, die in der Stadt ansässig war, und arbeitete mit seinem Bruder, dem Maler Agustín Salinas, der seit 1883 in Rom lebte. Beide Brüder nehmen an der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste 1887 in Madrid teil; Juan Pablo schickt "Mark Anton und Kleopatra", ein klassisches Thema. Wie sein Bruder, sein wahrer Meister, stellte Salinas auch mittelalterliche Themen mit bemerkenswertem toskanischem Einfluss nach, mit Werken wie "Romeo und Julia" oder "Szene aus dem Dekameron". Sein Stil entwickelte sich in Richtung Costumbrismo, mit besonderem Augenmerk auf populäre spanische und italienische Szenen, wie "Una boda en Aragón" (Eine Hochzeit in Aragón), "Regreso de los vendimiadores" (Rückkehr der Weinleser) und andere Werke. Seine Karriere blieb eng mit der seines Bruders verbunden, bis er auf einer Reise nach Paris das Werk von Ernest Meissonier kennenlernte, dessen Einfluss ihn dazu brachte, sich auf das Genre der Casacons zu konzentrieren, mit denen er in Frankreich, Italien, Mitteleuropa, Russland und Amerika große Verkaufserfolge erzielte. In diesen Jahren stellte er in den Salons Roger aus und begann seine berühmten Kompositionen der Atmosphäre des 18. Jahrhunderts, in denen Figuren in der Mode der Zeit gekleidet erscheinen im Rahmen der luxuriösen Interieurs, akribisch detailliert durch eine kostbare Technik, die in der bunten Beschreibung von Kleidung und Spitzen, sondern vor allem in der meisterhaften Behandlung der weiblichen Fleischtöne, absichtlich sinnlich wiedergegeben wird. In dieser Phase schuf Salinas auch mehrere Serien für die Dekoration großer Salons. Neben diesen Themen malte er auch orientalische Szenen und Kircheninterieurs. In der letzten Phase seiner Karriere nimmt die Detailgenauigkeit ab, die Bilder werden lockerer und weniger beschreibend. Juan Pablo Salinas ist derzeit im Prado-Museum (sein Werk ist im Museum der Schönen Künste von Asturien in Oviedo hinterlegt), in der Sammlung Bellver in Sevilla und in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 85 - VICENTE POVEDA Y JUAN (Alicante 1857 - Rom, 1935). "Männliches Porträt". Aquarell auf Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke und befindet sich in Rom. Maße: 31 x 22, 5 cm; 46 x 37 cm (Rahmen). Interieurszene, in der ein Mann beim gemütlichen Lesen dargestellt ist. Seine Haltung, auf einem Stuhl sitzend, ist so entspannt, dass es scheint, als ob der Betrachter heimlich in dieses prächtige Interieur eintritt. Dieses Genre von Gemälden, "de casacones" genannt, war im 19. Jahrhundert eines der gefragtesten beim Publikum. Es handelte sich um Genreszenen, die im siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert spielten, und ihr Name leitet sich von den Jacken ab, die die männlichen Protagonisten trugen. Vicente Poveda begann seine Ausbildung in seiner Heimatstadt. Später erhielt er jedoch ein Stipendium für die Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Später zog er nach Rom, um seine akademische Ausbildung fortzusetzen. Dort schloss er sich dem Kreis von Künstlern wie Vicente March, Pedro Serrano, Gabriel Puig Roda und Manuel Muñoz an. Von diesem Moment an richtete er sein Atelier in Rom ein, wo er seine gesamte Karriere entwickelte.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 86 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909) "Marina". Aquarell auf Papier. Signiert im unteren linken Bereich. Maße: 25 x 44 cm; 33,5 x 53 cm (Rahmen). Maler aus Alicante der zweiten Hälfte des XIX Jahrhunderts, Bruder des Kupferstechers Federico Navarrete, Ricardo näherte sich eine breite Palette von Themen in seinem Werk, vor allem in das Porträt, die Malerei der Geschichte und der einen von Bräuchen. Er begann seine Ausbildung an der Akademie der Schönen Künste von San Carlos in Valencia und wechselte dann an die Akademie von San Fernando in Madrid. Als hervorragender Student erhielt er Stipendien für Rom und Venedig, und während seines Aufenthalts in Italien begann er, Werke zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste zu schicken. So erhielt er 1864 eine ehrenvolle Erwähnung, und drei Jahre später wurde ihm für sein Werk "Capuchinos en el coro" (Kapuziner im Chor) eine dritte Medaille verliehen. Navarrete ließ sich dank des Mäzenatentums von José María Olmos in Venedig nieder und widmete sich dort der Malerei von Themen der Stadtgeschichte und kleinen venezianischen Genrebildern, die zu seiner Zeit sehr bewundert wurden. Er nimmt weiterhin an offiziellen Wettbewerben teil und wird 1873 auf der Internationalen Ausstellung in Wien mit einer Goldmedaille ausgezeichnet. Im selben Jahr malte er ein bemerkenswertes Porträt des Schriftstellers Enrique Pérez Escrich, das als posthume Hommage auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste im Jahr 1897, dem Todesjahr des Schriftstellers, präsentiert wurde. 1884 kehrte Navarrete nach Spanien zurück und nahm einen Lehrauftrag an der Hochschule der Schönen Künste in Sevilla an, von wo aus er später nach Barcelona und Madrid weiterzog. Er war auch Mitglied der Akademie der Schönen Künste von Santa Isabel de Hungría in Sevilla. Derzeit befinden sich Werke von Ricardo Navarrete im Prado-Museum, im Stadtmuseum von Játiva, im Museum von Almería, in der Provinzverwaltung von Zamora, in der Stadtverwaltung von Irún, in der Stadtverwaltung von Vitoria und in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 87 - JOSÉ MARÍA SERT BADIA (Barcelona, 1874 - 1945). Ohne Titel, Skizze für den Salon of the Bucraneans im Kent House, London, 1913. Öl auf Platte. Präsentiert Xylophagen im Rahmen. Größe: 42 x 53 cm; 44 x 55 cm (Rahmen). Bei dem hier vorgestellten Werk handelt es sich um eine Skizze in Öl auf Tafel, die Sert 1913 im Rahmen des Ausstattungsprojekts für die Londoner Residenz von Sir Saxton Noble, bekannt als Kent House, anfertigte. Die Gemälde waren für die Ausschmückung zweier aneinandergrenzender Räume bestimmt, die durch einen ionischen Säulengang getrennt waren und von denen einer als Musikzimmer und der andere als Ballsaal genutzt wurde. Laut dem Buch "José María Sert: His Life and Work" von Alberto del Castillo sollte dieses Werk das Kaminzimmer schmücken (das dem Musikzimmer entsprechen sollte). Er stellt fest, dass "die Dekoration des angrenzenden Raums, des Kaminzimmers, wie eine Reise in ein Traumland ist". Er fährt fort: "Die Tafel auf der rechten Seite - die dem letzten Werk der ausgeschriebenen Arbeit entsprechen würde - stellt einen fantastischen Hafen des Orients dar und erinnert an die parnassische Poesie. Ein Vordergrund mit farbigem Ziegelpflaster, ein Kanal voller Boote im Hintergrund, das ist ein venezianisches Thema im Stil von Bellini oder Carpaccio, dem Tiepolo noch in seiner Einschiffung der Kleopatra folgte". Ausgebildet bei Benito Mercadé und Pere Borrell, war er Mitglied des Círculo Artístico de Sant Lluc und später Schüler von A. de Riquer. Im Jahr 1900 erhielt er von Torras i Bages den Auftrag, eine große Wanddekoration für die Kathedrale von Vic zu malen, wofür er 1905 und 1907 in Barcelona und Paris Skizzen und vorbereitende Gemälde präsentierte, von denen dieses Werk ein Beispiel ist. Durch seine Ausstellungen im Ausland erlangte er bald ein außerordentliches Ansehen bei der französischen und englischen Aristokratie, für die er prächtige Dekorationen anfertigte. Im Jahr 1908 dekorierte er die Sala de los Pasos Perdidos des Justizpalastes in Barcelona, und 1910 stellte er die Wanddekoration des Ballsaals des Marquis von Alella (Barcelona) auf dem Salon d'Automne in Paris vor und dekorierte das Musikzimmer der Prinzessin von Polignac in Paris. Zwei Jahre später stellte er eine bedeutende Gruppe von Werken im Salon der französischen Hauptstadt aus. In den folgenden Jahren arbeitete er für Königin Victoria Eugenia (Santander) und für Robert Rotschild (Chantilly) und hatte Einzelausstellungen in London in der Agnew Gallery. 1920 heiratet er in Paris Maria Godebska, "Misia", eine Muse der Pariser Kunstszene. Er malt neue Wandgemälde für bedeutende Häuser in der Park Lane (England), Buenos Aires, Palm Beach und Paris, und 1926 stellt er unter großen Erwartungen seine Werke für die Kathedrale von Vic im Jeu de Paume in Paris aus. Mit der Unterstützung seines Freundes und Mäzens Francesc Cambó vollendete er 1927 den Hauptteil der Dekoration der Kathedrale, die zwischen 1928 und 1929 mit dem Bau der Lünetten abgeschlossen wurde. 1930 wurde er Mitglied der Akademie von San Fernando, und in den folgenden Jahren arbeitete er in der ganzen Welt und schuf bedeutende Wandgemälde wie die im Waldorf Astoria in New York, in der Kapelle des Palacio de Liria in Madrid und in der Ratskammer des Völkerbundes in Genf. Er war der bedeutendste Dekorationsmaler seiner Zeit, und sein Stil zeichnete sich durch eine große Vorstellungskraft im Dienste einer rhetorischen Sprache aus, die vom Orientalismus und dem Expressionismus Goyas beeinflusst war, mit einer Chromatik, die fast ausschließlich auf Gold- und Sepiatönen beruhte.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 88 - JOSÉ MARÍA SERT (Barcelona, 1874 - 1945). "Pueblo de libertad" und "Pueblo de comerciantes", 1932-1934. Skizze für das Auditorium des Museums San Telmo in San Sebastián. Öl auf Platte. Die endgültigen Tafeln, veröffentlicht in "José María Sert. Sein Leben und Werk", Alberto del Castillo, S. 215 und 218. Maße: 74,5 x 53,5 cm. Dieses Gemälde zeigt zwei Szenen. Zum einen das "Volk der Freiheit", das den Guernica-Baum zeigt, das Symbol der Freiheiten von Vasconia, der sich mit seinen trockenen Ästen vor dem Peristyl der Casa de las Juntas erhebt. Alberto del Castillo erklärt, dass "die Figur der Freiheit durch die Luft fliegt, in der Mitte einer funkelnden Aureole, die von den Strahlen des Ruhmes zerfurcht wird". Am Fuße der alten Eiche symbolisiert ein großes aufgeschlagenes Buch die Charta von Bizkaia, während "Pueblo de comerciantes" die Szene darstellt, die der Real Compañía Guipuzkoana de Caracas gewidmet ist, einer Einrichtung, die der Provinz im 17. Dieses Werk verherrlicht die Basken als ein Volk von Kaufleuten. Beide Kompositionen wurden für die Dekoration des großen Saals des Museums des ehemaligen Klosters San Telmo in San Sebastián gemalt, eine der farbenprächtigsten Dekorationen im Leben des Malers. Sert wurde bei Benito Mercadé und Pere Borrell ausgebildet und war Mitglied des Círculo Artístico de Sant Lluc. Im Jahr 1908 dekorierte er die Sala dels Pasos Perdus im Justizpalast von Barcelona, und 1910 stellte er die Wanddekoration des Ballsaals des Marquis von Alella (Barcelona) auf dem Salon d'Automne in Paris vor und dekorierte das Musikzimmer der Prinzessin von Polignac in Paris. In den folgenden Jahren arbeitete er für Königin Victoria Eugenia (Santander) und für Robert Rotschild (Chantilly). Er malt neue Wandgemälde für bedeutende Häuser in Park Lane (England), Buenos Aires, Palm Beach und Paris, und 1926 stellt er unter großen Erwartungen seine Werke für die Kathedrale von Vic im Jeu de Paume in Paris aus. Mit der Unterstützung seines Freundes und Mäzens Francesc Cambó vollendete er 1927 den größten Teil der Dekoration der Kathedrale, die zwischen 1928 und 1929 mit dem Bau der Lünetten abgeschlossen wurde. 1930 wurde er zum Mitglied der Akademie von San Fernando ernannt. In den folgenden Jahren arbeitete er in der ganzen Welt und schuf bedeutende Wandgemälde wie die im Waldorf Astoria.

Schätzw. 7 000 - 9 000 EUR

Los 89 - ANTONIO REYNA MANESCAU (Coín, Málaga, 1859 - Rom, 1937). "Kanal von Venedig". Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 35 x 75 cm; 48,5 x 89 cm (Rahmen). Die venezianischen Ansichten von Antonio Reyna brachten das Genre der Veduten auf den höchsten Grad der Kunstfertigkeit. In dieser Stadtlandschaft haben wir es mit einem herausragenden Vertreter seiner Fähigkeit zu tun, den "genius loci" des Ortes, das lokale Flair, zu beschwören. An jedem beliebigen Morgen ist die kopfsteingepflasterte Promenade am Kanal voller Passanten, geschäftiger Frauen, von denen die eine Wasser aus dem Brunnen trinkt, während die andere im Gemüseladen unter der gestreiften Markise einkauft.... Mit einer lebhaften und farbenfrohen Sprache, mit einem kühnen impressionistischen Pinselstrich, entfaltet Reyna ein großartiges Panorama, das bis zu den Häusern reicht, die sich frei hinter der Brücke drängen. Antonio Reyna, der heute als einer der bedeutendsten andalusischen Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts gilt, begann seine Ausbildung an der Schule der Schönen Künste in Málaga, wo seine Lehrer Joaquín Martínez de la Vega und Bernardo Ferrándiz waren. Schon in jungen Jahren stellte er seine Werke regelmäßig aus und zeichnete sich in der lokalen Kunstszene durch seine farbenfrohen, attraktiven Kompositionen und die Leichtigkeit seines Pinselstrichs aus. 1882 erhielt er von der Diputación de Málaga ein Stipendium, um seine Studien in Italien fortzusetzen. Nach seiner Reise nach Italien wurde Rom zu Reynas Wohnsitz, und er blieb dort für immer. In Rom verkehrte er wie viele andere Spanier mit Villegas, und in gewissem Maße von den Werken dieses Malers beeinflusst, arbeitete Reyna an einigen orientalischen und "casacón"-Themen, letztere von exquisiter Ausführung und raffinierter Farbvielfalt. Gleichzeitig nahm er als Mitglied der spanischen Kolonie an den Versammlungen des Café Greco teil. Obwohl er seinen gewöhnlichen Wohnsitz in der italienischen Hauptstadt hatte, reiste der Künstler mehrmals nach Venedig, von wo aus er 1885 eine Ansicht des Canal Grande malte und 1887 eine Fülle von Vedutenbildern der Stadt schuf. Seine Malerei, die von einer gewissen Pittoreske geprägt ist, konzentriert sich auf die Darstellung von Stadtlandschaften in kleinen Formaten, die er immer wieder mit minimalen Variationen wiederholt. Venedig war zu dieser Zeit einer der Hauptanziehungspunkte für die Spanier dank des Einflusses des Meisters Fortuny und des Gewichts der venezianischen Produktion von Villegas, wobei auch die Wirkung der Sommeraufenthalte von Martin Rico hinzukam, dessen wertvolle Landschaften an Reyna weitergegeben wurden. Im Jahr 1887 erhielt er für ein fehlendes, großformatiges Gemälde mit dem Titel "Floralia" eine Medaille dritter Klasse auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste, die damals als das beste Gemälde des Malers angesehen wurde. 1910, anlässlich des Todes seiner Mutter, verbrachte Reyna einige Zeit in seiner Heimatstadt. Dort wurde er zu einem weiteren seiner berühmtesten Gemälde inspiriert, dem Gemälde "Rancho Andaluz", das er im folgenden Jahr auf der Internationalen Kunstausstellung in Rom ausstellte. Einige Jahre zuvor, im Jahr 1895, hatte ihm die Königin Maria Cristina das Ritterkreuz des Ordens von Carlos III. verliehen, was er mit der Verwirklichung einiger Übertüren in Verbindung brachte, die später in den Besitz des Ateneo von Madrid übergingen, obwohl sie sich offenbar nicht mehr dort befinden. Reyna exportierte seine Werke auch nach London, insbesondere seine venezianischen Ansichten. Er stellte auch regelmäßig in Rom aus, wo er unter anderem zwei Porträts von Papst Benedikt XV. zeigte, die seine Kompetenz in diesem Genre belegen. In seiner Malerei, die für die damalige Zeit sicherlich eine Neuheit darstellte, bewies der Maler stets sein zeichnerisches Geschick sowie eine angeborene Fähigkeit zur Komposition, die sich durch die Kühnheit seines Pinselstrichs und einen großen Farbreichtum auszeichnete.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Los 90 - JOSÉ MONGRELL TORRENT (Valencia, 1870 - Barcelona, 1937). "Warten auf den Fischfang", 1921. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Es hat einen kleinen Fleck in der Mitte des rechten Bereichs. Maße: 130 x 104 cm; 148 x 120 cm (Rahmen). José Mongrell studierte an der Schule der Schönen Künste San Carlos in Valencia, wo er Schüler von Ignacio Pinazo und Joaquín Sorolla war. Durch die Teilnahme an zahlreichen Wettbewerben und Ausstellungen in Madrid und Barcelona erlangte er künstlerisches Renommee. Im Jahr 1897 schuf er mit großem Erfolg das Stierkampfplakat für die Feria de San Jaime in Valencia, und sein Plakat für die Juli-Messe von Valencia im Jahr 1912 wurde 1971 anlässlich des hundertjährigen Jubiläums dieser Feierlichkeiten neu aufgelegt. Er erhält einen Lehrauftrag an der Schule der Schönen Künste San Jorge in Barcelona, wo er den Rest seines Lebens verbringt. Besonders erwähnenswert aus dieser Zeit sind seine Arbeiten für den Palast der Generalitat de Catalunya, für die Diputació de Barcelona, sowie sein Porträt von König Alfonso XIII. Er schuf auch Mosaike im Jugendstil, wie die für den großen Bogen des Mercado de Colón und die Fassade der Estación del Norte, beide in Barcelona. Mongrell widmete sich Genreszenen, Porträts und Landschaften. Er war ein Meister darin, den Augenblick einzufangen und seinen Szenen durch leuchtende, naturalistische Farben und Licht Dynamik und Lebendigkeit zu verleihen. Traditionell wird Mongrell als Schüler von Sorolla bezeichnet, doch er lernte von dem Meister nur das, was ihm half, seine Kunst zu erweitern. Der Maler entwickelte sein Werk zwischen Regionalismus und Modernismus, aber auch ein gewisser französisch geprägter Symbolismus ist in seinem Werk zu erkennen. Mongrell zeichnete sich dadurch aus, dass er den Inhalt betonte und dem Bild eine Bedeutung zuwies, die über die reine Erscheinung hinausging. In einer Zeit, in der große, idealistische und dramatische Geschichtskompositionen vorherrschten, entwickelte Mongrell einen Malstil, der darauf abzielte, die Vergangenheit und die Gegenwart aus einer alltäglichen, sanften und malerischen Perspektive darzustellen, im Allgemeinen weit entfernt von der Großspurigkeit und Theatralik der akademischen Geschichtsmalerei. Trotz seiner technischen Beherrschung verfällt Mongrell nicht wie andere in einen raffinierten Manierismus im Dienste eines belanglosen Themas, sondern entwickelt eine ganz persönliche Sprache, die sich durch Dynamik und Ausdrucksfreiheit auszeichnet. José Mongrell ist derzeit unter anderem im Museo de Bellas Artes San Pío V und im Museo Nacional de Cerámica y de Artes Suntuarias González Martí in Valencia, im Museo de Bellas Artes in Asturien, Badajoz und Pontevedra, im Museo Nacional de Arte de Cataluña, im Rijksmuseum in Amsterdam, im Museo de La Habana und im Museo de Bellas Artes in Buenos Aires vertreten. Die Beherrschung des Luminismus von Mongrell, einem Schlüsselmaler für das Verständnis des valencianischen Impressionismus, wird in dem vorliegenden Gemälde deutlich. Der Künstler stellt uns hier eines seiner Lieblingsthemen vor, die Costumbrista, die eine Küstenlandschaft mit alltäglichen Szenen des täglichen Lebens verbindet, mit zwei volkstümlichen Frauen, die mit einer Würde dargestellt sind, die sie auf eine Stufe mit den antiken klassischen Helden stellt. Dies wird in dem vorliegenden Werk deutlich, in dem unser Blick unweigerlich von dem magnetischen Ausdruck einer Mutter und einer Tochter gefangen genommen wird, die in Mongrells bescheidenem Stil dargestellt sind. Die Mutter, gekleidet in der Tracht der valencianischen Fischer, blickt in die Ferne und wartet auf den Fang, während die Tochter im Boot sitzt und auf die Anweisungen ihrer Mutter wartet. Die Figuren stehen im Vordergrund, nehmen den größten Teil der Bildfläche ein und heben sich von einer prächtig gearbeiteten Strandlandschaft ab, deren Farbtöne die Farben der Kleidung der Figuren widerzuspiegeln scheinen.

Schätzw. 24 000 - 26 000 EUR

Los 91 - JOAQUÍN SOROLLA Y BASTIDA (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923). "Paisaje de sierra", ca. 1887-1889. Öl auf Platte. Wir danken Blanca Pons Sorolla für ihre Hilfe bei der Begutachtung des Werks. Das Werk wird demnächst in den Werkkatalog des Künstlers aufgenommen (Nr. BPS-3860). Abmessungen: 14 x 11 cm; 47 x 43 cm (Rahmen). Dieses Gemälde gehört zu einer bahnbrechenden Periode in Sorollas Schaffen, insbesondere zu der Zeit, in der er sich in Rom aufhielt, einer Schlüsselperiode für seine Ausbildung. Wir können in dieser meisterhaft gelösten intimen Landschaft erkennen, wo der Künstler bereits einen lockeren und lebendigen Pinselstrich definiert, der ihn zur vollen und gerechten Anerkennung seiner unverwechselbaren Technik führen wird. Die Ausdruckskraft ist maximal dank der geschickten Kombination von schnellen und gebrochenen Pinselstrichen mit einer Palette von Ocker- und Brauntönen, die in klugem Kontrast zu den hellen Fleischtönen und dem drapierten Weiß stehen. Schon in seiner Schulzeit zeigte Joaquín Sorolla seine Vorliebe für das Zeichnen und Malen und besuchte nachmittags den Zeichenunterricht des Bildhauers Cayetano Capuz an der Handwerkerschule. Nach Abschluss seiner Vorstudien an der Escuela Normal Superior wurde er 1879 an der renommierten Escuela de Bellas Artes de San Carlos in Valencia aufgenommen. Während seiner Besuche in Madrid in den Jahren 1881 und 1882 kopierte er im Prado-Museum Gemälde von Velázquez, Ribera und El Greco. Zwei Jahre später errang er mit einem Historiengemälde einen großen Erfolg auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste, was ihn dazu veranlasste, sich um ein Stipendium für ein Studium an der Spanischen Akademie der Schönen Künste in Rom zu bewerben. Nachdem er sein Ziel erreicht hatte, brach Sorolla 1885 nach Rom auf und hielt sich zuvor mehrere Monate in Paris auf. In der französischen Hauptstadt war er beeindruckt von den Gemälden der Realisten und der Maler, die im Freien arbeiteten. Am Ende seiner Jahre in Rom kehrte er 1889 nach Valencia zurück und ließ sich im folgenden Jahr in Madrid nieder. 1892 zeigt Sorolla ein neues Interesse an seiner Kunst, indem er sich für soziale Probleme interessiert, indem er die traurige Szene von "¡Otra Margarita!" malt, die mit einer Medaille erster Klasse beim Nationalen und im folgenden Jahr beim Internationalen Wettbewerb in Chicago ausgezeichnet wird. Diese Sensibilität bleibt in seinem Werk bis zum Ende des Jahrzehnts erhalten, bei seinen Auftritten an der valencianischen Küste. Allmählich wird der valencianische Meister jedoch die Themen der unglücklichen Kinder aufgeben, die wir in "Triste herencia" sehen, das 1900 auf der Weltausstellung in Paris und ein Jahr später auf der Nationalen Ausstellung in Madrid ausgezeichnet worden war. Ermutigt durch den Erfolg seiner prächtigen Bilder des Mittelmeers und angeregt durch seine Liebe zum Licht und zum Leben an den sonnigen Stränden, konzentrierte er sich in seinen Werken auf diese fröhlicheren und angenehmeren Szenen, mit denen er internationalen Ruhm erlangen sollte. Im Jahr 1906 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galerie George Petit in Paris, wo er auch seine Fähigkeiten als Porträtist unter Beweis stellte. Der amerikanische Archer Milton Huntington, der von der Ausstellung des Künstlers in der Londoner Grafton Gallery beeindruckt war, bemühte sich 1908 darum, zwei seiner Werke für seine Hispanic Society zu erwerben. Ein Jahr später lud er Sorolla selbst ein, in seiner Institution auszustellen, was 1909 zu einer Ausstellung führte, die ein großer Erfolg wurde. Die Beziehung zwischen Huntington und Sorolla führte zum wichtigsten Auftrag im Leben des Malers: die Schaffung der riesigen Leinwände, die an den Wänden der Hispanic Society die Regionen Spaniens illustrieren sollten. In dem Bestreben, das Wesen der Länder und Menschen seines Landes zu erfassen, reist Sorolla zwischen 1911 und 1919 durch ganz Spanien und stellt weiterhin aus. Nach einem Anfall von halbseitiger Lähmung im Jahr 1921 starb Sorolla zwei Jahre später, ohne seine große "Vision von Spanien" gesehen zu haben, die erst 1926 installiert werden sollte. Derzeit sind seine Werke im Prado-Museum und in dem nach ihm benannten Museum in Madrid, im Metropolitan Museum in New York, im Orsay-Museum in Paris, im J. Paul Getty-Museum in Los Angeles, in den Museen der Schönen Künste in Bilbao und Valencia, in der National Portrait Gallery in London und in vielen anderen Museen zu sehen. Wir danken Blanca Pons Sorolla für ihre Hilfe bei der fachlichen Analyse des Werks. Das Werk wird demnächst in den Werkkatalog des Künstlers aufgenommen (Nr. BPS-3860).

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 92 - Französische Schule; zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts. "Stillleben". Öl auf Leinwand. Sie präsentieren Restaurierungen. Maße: 70 x 95 cm (x2). Inspiriert von der traditionellen Gattung der Stillleben, versammeln sich die vorliegenden Bilder in einer klassischen Komposition, die auf einer pyramidenförmigen Struktur basiert, wobei sich die meisten Elemente im Vordergrund befinden und für den Betrachter vollständig sichtbar sind. Die Werke zeichnen sich durch die Fülle an Lebensmitteln aus, die in einem Fall Feigen, Birnen, einen Kürbis, Hühner und Eier umfassen, während das andere Bild unter anderem Brot, Fleisch und eine Konservendose zeigt. In einem der Fälle präsentiert der Künstler eine beleuchtete Szene mit einem neutralen Hintergrund, der das Volumen der Lebensmittel hervorhebt, die auf eine sorgfältige Art und Weise eingefangen wurden, wobei er besonders auf die Qualitäten eines jeden von ihnen achtet, wie man an der Behandlung des Porzellans der Suppenterrine oder am Glanz des Metallbestecks sehen kann. Ein wichtiges Hilfsmittel ist die Anordnung des Tischtuchs, das einen Teil des Tisches unbedeckt lässt, während der andere Teil von einem zarten weißen Tischtuch bedeckt ist, auf dem die Schatten der Szene ruhen. Die Werke, die durch einen lockeren Pinselstrich definiert sind, verlieren, wie bereits erwähnt, nicht das Wesen der realistischen Malerei. Diese Koexistenz beider Malstile ist jedoch typisch für das 19. Jahrhundert, eine Zeit, in der sich die beiden Strömungen aufgrund der großen künstlerischen Entwicklung der französischen Schule vereinten und überlappten. Das Stillleben steht in der Hierarchie der Gattungen in der Kunstgeschichte auf der untersten Stufe, erfreut sich aber bei den Käufern zunehmender Beliebtheit. Neben dem eigenständigen Thema des Stilllebens wurden auch andere Themen der Malerei aufgegriffen, indem prominente, meist symbolische Elemente und Bilder verwendet wurden, die eine Vielzahl von Elementen aus der Natur aufgriffen, um scheinbar einen Ausschnitt des Lebens wiederzugeben. Sie präsentiert Restaurierungen.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 93 - PERE PRUNA OCERANS (Barcelona, 1904 - 1977). "Oneirische Szene". Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 54 x 73 cm; 68 x 87 cm (Rahmen). Diesmal lässt uns Pere Pruna in eine rätselhafte Szene eintauchen, in der ein geflügeltes Mädchen mit zwei Stieren zu sehen ist. Der eine Stier neigt seinen Kopf und wir spüren die Intensität seines Blicks. Eine andere Figur hebt sich als Silhouette vom Horizont ab. Die Szene lässt mehrere Interpretationen zu, die sich alle auf das Leben und den Tod beziehen, auf die tellurische Kraft, die sich in dem instinktiven Tier materialisiert, und auf die Spiritualität, die sich in der Engelsfigur konkretisiert. Pere Pruna ist hauptsächlich Autodidakt und hat seine Ausbildung an der Schule der Schönen Künste in Barcelona absolviert. Nachdem er bereits in jungen Jahren begonnen hatte, in Barcelona auszustellen, reiste er 1921 nach Paris, wo er von Picasso unterstützt und angeleitet wurde. In der französischen Hauptstadt hatte er eine erfolgreiche Einzelausstellung in der Galerie Percier und kam in Kontakt mit Intellektuellen wie Cocteau, Drieu la Rochelle, Max Jacob und anderen, mit denen er 1924 die Zeitschrift "Philosophie" gründete. Serge Diaghilew, der eine seiner Ausstellungen besuchte, schlug ihn auch vor, die Bühnenbilder und Kostüme für das Ballett "Les matelots" im Jahr 1925 zu entwerfen. Seitdem arbeitete er auch an anderen musikalischen Werken wie "La vie de Polichinele" (1934) und "Oriane" (1938), um nur einige zu nennen. 1928 erhielt er den zweiten absoluten Preis in der Ausstellung des Carnegie-Instituts in Pittsburg und später, nach seiner Rückkehr nach Barcelona, weitere Auszeichnungen wie den Wettbewerb "Montserrat aus der Sicht der katalanischen Künstler" (1931) oder den Nonell-Preis (1936). Letzterer wurde von einer Kontroverse begleitet, weil Pruna ihn für sein Ölgemälde "El vi de Chios" erhielt, für das er ein in einer Pariser Pornozeitschrift veröffentlichtes Foto als Vorlage verwendete. Angesichts des Aufruhrs, der dadurch ausgelöst wurde, verzichtete Pruna auf den Preis, aber die Jury bestätigte ihre Entscheidung. Nach dem Ausbruch des Bürgerkriegs lässt sich Pruna in Paris nieder und setzt seine internationale Ausstellungstätigkeit fort. 1937 organisiert er eine Ausstellung in London. Gleichzeitig arbeitete er für die Propagandadienste von Ridruejo und schuf Werke wie das Plakat zur Verkündung der Arbeiterbewegung. Eugenio d'Ors, der Nationale Leiter der Schönen Künste, machte ihn mit der spanischen Vertretung auf der Biennale in Venedig 1938 bekannt. Nach dem Krieg kombinierte er Ausstellungen mit Staffelei-Malerei mit Wandmalerei, ein Genre, in dem seine Arbeit im Kloster Montserrat besonders gefeiert wurde. 1965 wurde er mit dem Preis der Stadt Barcelona ausgezeichnet, und drei Jahre später wurde er zum Akademiker der Far de Sant Cristòfor ernannt. Pere Pruna ist derzeit u. a. im Museum von Montserrat vertreten, wo es einen Raum mit seinem Namen gibt, sowie im MACBA in Barcelona und im Maricel-Museum in Sitges.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 94 - MONTSERRAT GUDIOL COROMINAS (Barcelona, 1933 - 2015). "Der Rosenkranz". Öl auf Karton. Am unteren Rand signiert. Maße: 80 x 40 cm; 96,5 x 57 cm (Rahmen). Gudiol gelingt es in dieser Szene, mit einem Grisaille-Effekt das zarte Oval zweier Figuren zu umreißen, deren Züge und stilisierte Silhouette Melancholie ausstrahlen. Montserrat Gudiol begann ihre künstlerische Laufbahn im Familienatelier für die Restaurierung mittelalterlicher Gemälde. Seit 1950 widmet sie sich der Malerei auf Tafel und Papier. Im selben Jahr hatte sie ihre erste Einzelausstellung im Casino von Ripoll (Girona). Im Jahr 1953 nimmt sie an der Kollektivausstellung "Aktuelles Porträt" des Künstlerkreises von Barcelona teil, und im folgenden Jahr debütiert sie im Ausland mit einer Einzelausstellung von Zeichnungen im Museum von Miami (Vereinigte Staaten). Im selben Jahr nimmt sie an der Kollektivausstellung "Pintura femenina" (C.I.C.F. von Barcelona) teil, sie erhält den Ersten Preis der Diputación de Barcelona und den Zweiten Preis San Jorge der gleichen Einrichtung. 1960 nimmt sie an der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona teil, wo sie eine dritte Medaille erhält, und nimmt auch an der Internationalen Zeichnungsausstellung der Stiftung Ynglada Guillot (Barcelona) teil, wo sie den ersten Preis erhält. 1962 hat sie eine bedeutende Einzelausstellung in der Sala Gaspar in Barcelona (eine Galerie, in der sie von da an immer wieder präsent ist), und im selben Jahr nimmt sie an einer Gemeinschaftsausstellung im Casón del Buen Retiro in Madrid teil. Seitdem hat er weiterhin Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen teilgenommen, sowohl in Spanien als auch in Deutschland, Südafrika, der Tschechischen Republik, China, Frankreich, Japan, den Vereinigten Staaten, Russland und Kanada. Zu seinen Einzelausstellungen zählen die Pieter Wenning Gallery in Johannesburg (1967), die Tamenaga Gallery in Tokio (1974), Au Molin de Vauboyen in Paris (1978), die Ausstellungshalle der Union der Maler der UdSSR in Moskau (1979), die Dreiseitel Gallery in Köln (1981) und die Walton-Gilbert Gallery in San Francisco (1984). 1980 schuf sie ein wichtiges Monumentalwerk für die Abtei von Montserrat, eine Darstellung des Heiligen Benedikt. Benedikt. 1981 wurde sie als erste Frau in die Königliche Katalanische Akademie der Schönen Künste von Sant Jordi aufgenommen, und 1998 verlieh ihr die Generalitat de Catalunya das Kreuz von Sant Jordi. Mit einer persönlichen und aufrichtigen Sprache, fernab von Moden oder vorgefassten Stilen, schafft Gudiol Werke, die sich durch ein Thema und eine Atmosphäre auszeichnen und eine ausgeprägte Vorliebe für Fantasie und Introspektion zeigen. Seine Farben und Figuren bilden eine geheimnisvolle Welt, die von stilisierten und blinden Figuren und Szenen der Mutterschaft bevölkert wird. Ihre Ölgemälde und Zeichnungen vermitteln die starke Persönlichkeit der Autorin sowie ihre Vorstellung von einer wahren Kunst. Gudiol setzt sich mit den extremen Problemen des Menschen auseinander, mit Kompositionen, die sich durch eine tiefe, geheimnisvolle und beunruhigende Stille auszeichnen, in der Zuneigung und Emotionen mit der Angst und den Ängsten des Menschen in einen Dialog treten. Derzeit ist sie im MACBA, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes de Bilbao, in den Museen für moderne Kunst in Johannesburg, San Diego, Miami und Flint (USA), in der Joseph Cantor Foundation in Indianapolis (USA), im Internationalen Olympischen Komitee in Lausanne (Schweiz), im Kloster von Montserrat und in der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Sant Jordi vertreten.

Schätzw. 3 400 - 4 000 EUR

Los 95 - RAMÓN MARTÍN DURBAN (Zaragoza, 1904 - Caracas, 1968). "Porträt von Concha Piquer. Öl auf Leinwand. Es stellt Schäden durch Xylophagen in den Keilrahmen verursacht. Maße: 212 x 151 cm; 247 x 188 cm (Rahmen). Porträt der folkloristischen Concha Piquer (Valencia, 1906 - Madrid, 1990). Das Werk zeigt uns eine Concha, die in einem großartigen Kostüm steht und fast die Hauptrolle in der Szene spielt. Die Protagonistin blickt den Betrachter nicht an, sondern richtet ihren Blick in die Ferne und schafft so eine gewisse Distanz zum Betrachter, der durch ihr Lächeln freundlich gestimmt wird. Laut dem "Diccionario antológico de artistas aragoneses, 1947-1978" war Ramón Martín Durbán Maler, Wanddekorateur, Plakatgestalter und Grafikillustrator. Sein künstlerisches Schaffen wurde wichtig, nachdem er sich in Barcelona niedergelassen hatte, wo er aktiv an der künstlerischen Vorbereitung der Internationalen Ausstellung der Schönen Künste von 1929 mitwirkte und später, in den Jahren des Bürgerkriegs, mehrere Plakate für die Regierung der Generalitat entwarf. Seine künstlerische Ausbildung begann er in Zaragoza bei dem Bildhauer und Dekorateur Cubero und an der Zeichenakademie von Abel Bueno. Er nahm an der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste von 1932, an den Aragonesischen Kunstsalons von Zaragoza und an den Herbst- und Frühlingssalons von Madrid und Barcelona teil. Er ging ins Exil nach Venezuela, wo er an der Kunstgewerbeschule in Caracas Porträtmalerei unterrichtete und eine rege Tätigkeit als Wandmaler entwickelte. Präsentiert Schäden durch xylophagous in den Keilrahmen verursacht.

Schätzw. 3 200 - 3 500 EUR

Los 96 - DARÍO DE REGOYOS (Asturien, 1857 - Barcelona, 1913). "Wald". ca.1897 Öl auf Leinwand, auf Karton aufgeklebt. Signiert in der rechten unteren Ecke. Das Werk wird in den nächsten Werkkatalog des Künstlers aufgenommen werden. Es befand sich im Besitz des Zeichners Manuel Feliú. Wir danken Herrn Juan San Nicolás für seine Hilfe bei der Katalogisierung des Werks. Auf Wunsch und auf Kosten des Käufers kann ein Echtheitszertifikat beigefügt werden. Abmessungen: 18 x 18 cm; 30 x 30 cm (Rahmen). Neben einer schmalen Sandstraße wachsen Bäume mit belaubten Kronen. In der Ferne ist eine römische Brücke zu erkennen. In dieser Landschaft verwendet Regoyos einen saftigen Pinselstrich, reich an Schattierungen, die von Smaragdgrün bis Zitronengrün reichen. Mit subtilem Schillern übersetzt er das Spiel des Lichts, das die Äste filtert und mit Geschick und poetischer Weisheit auf das Gras projiziert wird. Durch kleine Berührungen des Pinsels enthüllt Regoyos eine Komposition, in der sich die farbenfrohe und schattige Atmosphäre dieses Ortes getreu widerspiegelt. Regoyos war einer der impressionistischen Meister im Einfangen des flüchtigen Lichts. Er wurde an der Akademie der Schönen Künste San Fernando in Madrid ausgebildet, wo er Landschaftsmalerei bei dem belgischen Künstler Carlos de Haes studierte. Zu diesem Zeitpunkt begann sich das Wissen des asturischen Künstlers in Richtung der belgischen Landschaftstendenzen zu erweitern, ein Geschmack und Interesse, das er durch eine Reise nach Belgien im Jahr 1879 entwickelte. Der Aufenthalt in Brüssel war für Regoyos sehr bereichernd, denn er besuchte die Königliche Akademie der Schönen Künste in Brüssel als Student. Der Akademismus, der in dieser Institution herrschte, veranlasste den Künstler jedoch, sie zu verlassen, und er wandte sich an den ehemaligen Lehrer von Carlos de Haes, Joseph Quinaux, um sich neue Techniken anzueignen. Seine Anerkennung stieg dank seiner Dynamik und seines künstlerischen Könnens, was ihm die Aufnahme in den berühmten Kreis der XX (1883-1894) ermöglichte. Man kann sagen, dass Regoyos' künstlerische Karriere von da an zu reifen begann. Im Jahr 1886 entwickelt der asturische Künstler eine pointillistische Phase, die durch die Teilnahme von George Seurat an einer der Ausstellungen des Kreises der XX gefördert wird. Die Aufregung und die Wirkung, die Seurats Behandlung hervorrief, führte zur Gründung einer pointillistischen Gruppe, an der Darío de Regoyos teilnahm. Diese innovative Bewegung zog französische Impressionisten wie Paul Signac an, ein weiterer Bezugspunkt für die künstlerische Technik von Regoyos. Nach der Auflösung von Los XX im Jahr 1893 beschloss Regoyos, nach Spanien zurückzukehren, wo das künstlerische Panorama begrenzt war, da die neuen Tendenzen aus Frankreich noch nicht angekommen waren. Man könnte sagen, dass dies das Ende seiner Lehrzeit war, in der er zum Lehrer von Künstlern wurde, die sich vom "sorollismo", der in der Landschaftsmalerei verwurzelt war, lösten, und sie ermutigte, seine Ideen über die Medien der Zeit zu verbreiten. Die Ausstellungskarriere des asturischen Künstlers erstreckte sich über zahlreiche Städte wie Bilbao, Frankfurt, Berlin, Den Haag, Venedig, Bayonne, San Sebastian, London, Mexiko-Stadt, Bordeaux und Buenos Aires, um nur einige zu nennen. Er ist auch in Institutionen wie dem Prado-Museum, dem Thyssen-Bornemisza, dem Museo Nacional de Arte de Cataluña in Barcelona, dem Museo de Bellas Artes in Bilbao und der Sammlung Gerstenmaier vertreten, neben vielen anderen Museen und Institutionen.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 97 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Odaliske". Aquarell auf Papier. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 35 x 26 cm; 62 x 54 cm (Rahmen). Agrasot begann seine Ausbildung in seiner Heimatstadt Orihuela, wo er von der Diputación de Alicante ein Stipendium erhielt, um an der Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia zu studieren. Dort war er Schüler von Francisco Martínez Yago und gewann in seinen ersten Jahren Auszeichnungen wie die Goldmedaille auf der Provinzausstellung von Alicante im Jahr 1860. Im Jahr 1863 erhielt er eine neue Rente, diesmal für eine Reise nach Rom, wo er mit Rosales, Casado del Alisal und Fortuny in Kontakt kam. Mit letzterem verband ihn eine enge Freundschaft, und seine Malerei wurde durch den Stil des katalanischen Malers stark beeinflusst. Regelmäßig schickte er Bilder zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste, bei denen er 1864 den dritten und 1867 den zweiten Platz belegte. Agrasot blieb bis 1875 in Italien; nach dem Tod von Fortuny kehrte er nach Spanien zurück, wo er bereits ein anerkannter Maler war, Mitglied der Akademien von San Carlos und San Fernando, und nahm als Juror an mehreren Kunstausstellungen teil. 1886 erhielt er die Kunstmedaille auf der Weltausstellung in Philadelphia und 1888 die zweite Medaille auf der Internationalen Ausstellung in Barcelona. Agrasots Stil ist dem Realismus zuzuordnen, wobei er sich besonders für Genrethemen und den regionalen Costumbrismo interessiert. Er arbeitete aber auch an Aktdarstellungen, orientalischen Themen und Porträts. Er ist im Prado-Museum, im Museum der Schönen Künste in Valencia, im MUBAG in Gravina (Alicante) und in der Akademie von San Carlos in Valencia vertreten.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 98 - JOSÉ BENLLIURE GIL (Valencia, 1855 - 1937). Ohne Titel. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 41,5 x 52 cm; 70 x 81 cm (Rahmen). In diesem Gruppenporträt ist jeder der Kostümbildner mit einer eigenen Persönlichkeit ausgestattet worden. Psychologische Tiefe und akribischer Verismus kennzeichnen dieses Werk. Die Personen stehen im Vordergrund, vor einem neutralen Hintergrund, der die Figuren hervorhebt. Ein alter Mann, der niedergeschlagen wirkt, während das Kind fröhlich singt, wird so zu einer Metapher für das Leben und die verschiedenen Lebensabschnitte. José Benlliure begann seine künstlerischen Studien bei Francisco Domingo in Valencia und setzte dann seine Ausbildung in Madrid fort, wo er sich 1869 niederließ. Schon in jungen Jahren genoss er die Gunst des Königs von Savoyen. 1879 zog er nach Rom, wo er von dem bedeutenden Kunsthändler Martin Colnaghi entdeckt wurde, der seine Studien in der Stadt finanzierte. 1897 unternimmt er mehrere Reisen nach Tanger, Algerien und Marokko, wo er sich der Alltagswelt der besuchten Orte durch eine realistische, leuchtende und lockere Malerei nähert. Ab 1900 stellt er in seinen Werken populäre Themen dar. Er nimmt an den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste teil und erhält dritte Medaillen in den Jahren 1876 und 1878 sowie eine erste in der Ausstellung von 1887. Er gehörte den Akademien von San Fernando (Madrid), San Lucas (Rom), San Carlos (Valencia), Brera (Mailand) und München an. Zwischen 1904 und 1912 leitete er die Spanische Akademie in Rom. Der größte Teil seines Werks wird in Valencia in seinem Hausmuseum und im Museum der Schönen Künste San Pío V. aufbewahrt. Außerdem ist er u. a. im Prado-Museum, im Thyssen-Bornemisza und im Palast Karls V. in Granada vertreten.

Schätzw. 4 200 - 4 500 EUR

Los 99 - PLÁCIDO FRANCÉS Y PASCUAL (Alcoy, 1834 - Madrid, 1902). "Musketier. Öl auf Platte. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 20 x 15,5 cm; 42 x 36 cm (Rahmen). Die Porträts und Szenen von Musketieren waren bei der bürgerlichen Klientel des 19. Jahrhunderts sehr beliebt, und zwar in einem Kontext, der noch von der Romantik geprägt war, die in der idealisierten Nachbildung der Vergangenheit eine Flucht aus der alltäglichen Realität suchte. Zahlreiche Maler jener Zeit arbeiteten in diesem Sinne und versuchten, mit größtmöglichem Wahrheitsgehalt Szenen der Vergangenheit darzustellen, die mit präziser Detailgenauigkeit und in einer akademisch geprägten Sprache wiedergegeben wurden. Diese Art von Szenen mit Musketieren gehören zum Genre der Casacón-Malerei, Szenen, die mit einem besonderen erzählerischen und beschreibenden Eifer gemalt wurden und die in Spanien vor allem auf Velázquez und seine Zeitgenossen zurückgehen. Er wurde in Alcoy geboren und begann seine künstlerische Ausbildung in Valencia an der Akademie von San Carlos de Valencia, zog aber 1854 nach Madrid, um seine Studien zu vervollständigen. Dort schrieb er sich als Student an der Akademie San Fernando in Madrid ein und wurde 1861 zum Professor an der Schule der Schönen Künste in Valencia und später der Künste und Industrien in Madrid ernannt. Im Jahr 1882 wurde ihm das Kreuz von Carlos III. verliehen. Antonio Cortina Farinós war einer seiner bekanntesten Schüler. Im Jahr 1862 schuf er Dekorationen für den "Palacio del Marqués de Dos Aguas" in Valencia. Vier Jahre später malte er für den Ballsaal des Palastes Venusmedaillons an der Decke mit Putten und Cherubinen. Er arbeitete auch an den Palästen des Herzogs von Santoña und des Markgrafen von Larios. Im Jahr 1870 zog er nach Madrid, wo er zu den Gründern des Círculo de Bellas Artes und der Asociación de Acuarelistas de Madrid gehörte. Außerdem wurde er Professor an der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando und begann, seine Werke auf der jährlichen Nationalen Ausstellung der Schönen Künste auszustellen, wo er 1871, 1890 und 1892 Medaillen gewann. Seine Illustrationen erschienen häufig in der Zeitschrift Blanco y Negro. Er starb in Madrid im Alter von 68 Jahren. Zwei seiner Kinder waren ebenfalls Maler: Fernanda Francés y Arribas (1862-1939), die sich auf die Blumenmalerei spezialisierte, und Juan Francés Mexía (1873-1954). Sein Cousin war der Maler Emilio Sala, der ebenfalls zu seinen Schülern gehörte.

Schätzw. 1 400 - 1 700 EUR

Los 100 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Religiöse Szene". Öl auf Leinwand. Signiert in der linken unteren Ecke. Maße: 37,5 x 23,5 cm; 62 x 48 cm (Rahmen). In diesem Werk sehen wir ein Thema, das dem Geschmack des spanischen Bürgertums in der zweiten Hälfte des XIX. und zu Beginn des XX. Jahrhunderts sehr entgegenkam: die heiteren und erzählenden Costumbrista-Szenen mit schelmischen Ministranten. Meistens wurden diese Szenen so dargestellt, wie wir sie hier sehen, mit einer präzisen und anschaulichen Zeichnung und einer besonderen Liebe zum Detail, sowohl in Gestik, Mimik und Kleidung als auch in der die Knaben umgebenden Szenerie, in der Regel Innenräume wie der hier abgebildete, eine reich verzierte Abhängigkeit des Tempels. Agrasot begann seine Ausbildung in seiner Heimatstadt Orihuela, wo er von der Diputación de Alicante ein Stipendium erhielt, um an der Escuela de Bellas Artes de San Carlos in Valencia zu studieren. Dort war er Schüler von Francisco Martínez Yago und gewann in seinen ersten Jahren Auszeichnungen wie die Goldmedaille auf der Provinzausstellung von Alicante im Jahr 1860. Im Jahr 1863 erhielt er eine neue Rente, diesmal für eine Reise nach Rom, wo er mit Rosales, Casado del Alisal und Fortuny in Kontakt kam. Mit letzterem verband ihn eine enge Freundschaft, und seine Malerei wurde durch den Stil des katalanischen Malers stark beeinflusst. Regelmäßig schickte er Bilder zu den Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste, bei denen er 1864 den dritten und 1867 den zweiten Platz belegte. Agrasot blieb bis 1875 in Italien; nach dem Tod von Fortuny kehrte er nach Spanien zurück, wo er bereits ein anerkannter Maler war, Mitglied der Akademien von San Carlos und San Fernando, und nahm als Juror an mehreren Kunstausstellungen teil. 1886 erhielt er die Kunstmedaille auf der Weltausstellung in Philadelphia und 1888 die zweite Medaille auf der Internationalen Ausstellung in Barcelona. Agrasots Stil ist dem Realismus zuzuordnen, wobei er sich besonders für Genrethemen und den regionalen Costumbrismo interessiert. Er arbeitete aber auch an Aktdarstellungen, orientalischen Themen und Porträts. Er ist im Prado-Museum, im Museum der Schönen Künste in Valencia, im MUBAG in Gravina (Alicante) und in der Akademie von San Carlos in Valencia vertreten.

Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

11. Juli - Klassiker des 19. Und 20. Jahrhunderts

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