DROUOT
jeudi 11 juil. à : 10:30 (BST)

Art moderne et contemporain

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Donnington Priory RG14 2JE Newbury, Royaume-Uni
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Lot 13 - ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935), ANDREW CAVENDISH, 11TH DUKE OF DEVONSHIRE - ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935)ETREW CAVENDISH, 11e DUQUE DE DEVONSHIRE Plâtre peint 45 cm de haut Angela Conner et Andrew Cavendish, le 11e duc de Devonshire, sont devenus des amis proches après avoir été présentés par le beau-frère et dramaturge d'Angela Conner, John Osborne. Dès cette première rencontre, il est devenu un collectionneur passionné de ses œuvres, possédant à un moment donné plus de quarante de ses sculptures, y compris des bustes d'hommes politiques, de membres de la famille royale, d'écrivains et de célébrités britanniques de premier plan, ainsi que des sculptures de jardin de plus grande taille. Impressionné par son travail, Conner a ensuite été invité à réaliser des portraits du duc de Devonshire lui-même et de sa famille, qui ont été exposés en 1975 à la Chatsworth Theatre Gallery, aux côtés de tableaux de Lucian Freud. Cavendish était un aristocrate et un homme politique britannique, surtout connu pour ses contributions à la préservation et à la gestion de propriétés historiques et d'institutions culturelles en Angleterre. En plus d'avoir hérité et restauré Chatsworth House dans le Derbyshire, il a été président de l'Historic Houses Association et du Georgian Group, des organisations dédiées à la préservation des bâtiments et des paysages historiques en Angleterre. Il s'est également engagé activement dans la politique, en tant que membre du Parlement pendant près de vingt ans et en occupant divers postes au sein du gouvernement, notamment celui de ministre d'État chargé des relations avec le Commonwealth. C'est assez extraordinaire de savoir comment je l'ai rencontrée. J'étais allé au théâtre et [...] je me suis assis à côté d'une dame que je n'avais jamais rencontrée auparavant et qui m'a dit qu'elle était sculpteur et qu'elle commençait tout juste à sculpter. Elle avait fait une tête de Roy Strong et j'ai dit que j'aimerais aller la voir. [...] Et c'est ainsi que tout a commencé". Le duc de Devonshire, 3 janvier 2001, extrait d'un entretien avec Helen Dempsey. Provenance : Provenant directement du fonds d'atelier de l'artiste

Estim. 400 - 600 GBP

Lot 20 - ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935), PAUL MELLON - ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935)PAUL MELLON Plâtre peint40cm de haut Exécuté en 1986. Angela Conner avait la capacité de capturer non seulement le caractère de la personne, mais aussi d'encapsuler dans l'argile, la cire et le bronze des éléments de ce qui se trouve en dessous. Conner a exécuté ce buste lors d'une visite à New York. Le couple était assis dans une pièce en sous-sol, loin du tumulte et du chaos des rues de New York. Angela Conner se souvient que Paul Mellon l'a divertie tout au long de la séance en lui racontant des histoires drôles. L'une d'entre elles, qui reste gravée dans la mémoire de Conner, concerne une fois où Mellon chassait dans le Norfolk et le Licolnshire, il tombait si régulièrement de son cheval dans les fossés boueux les plus humides qu'il fut surnommé "The Water Mellon" (l'eau Mellon). Paul Mellon était un philanthrope et collectionneur d'art américain qui a constitué l'une des plus importantes et des plus vastes collections d'art du XXe siècle. Les intérêts de Mellon en matière de collection étaient très variés, couvrant l'art européen et américain de la Renaissance à l'ère moderne. Il avait une affinité particulière pour l'art britannique, en particulier pour la peinture britannique du XVIIIe siècle, notamment les œuvres d'artistes tels que J.M.W. Turner, George Stubbs et Thomas Gainsborough. Le dévouement de Mellon pour l'art britannique l'a amené à jouer un rôle essentiel dans la création du Yale Centre for British Art à New Haven, dans le Connecticut, qui abrite sa remarquable collection et sert de centre d'études et de recherches dans ce domaine. Un moulage de ce buste est actuellement exposé au Yale Centre for British Art et à la National Gallery of Art de Washington. Provenance : Provenant directement du fonds d'atelier de l'artiste

Estim. 400 - 600 GBP

Lot 60 - λ ALAN REYNOLDS (BRITISH 1926-2014), STRUCTURE: RED AND GREEN - λ ALAN REYNOLDS (BRITISH 1926-2014)STRUCTURE : RED AND GREENOil on board51 x 48cm (20 x 18¾ in.)Painted circa 1960.Provenance:Thomas Agnew & Sons Ltd, LondonChristened early in his career as the golden boy of Neo-Romanticism by Bryan Robertson, Alan Reynolds was held in international acclaim pour ses peintures magnifiquement exécutées de vergers du Kentish, de champs de houblon, de graminées et de têtes de cardère. Ses œuvres ont été achetées par la Tate Gallery de Londres, la National Gallery of Victoria de Melbourne et la Fleischman Collection de Pittsburgh. Avec des expositions à guichets fermés auprès d'institutions internationales et de collectionneurs respectés, Reynolds a choqué la scène artistique londonienne des années 1960 en devenant un artiste abstrait. Il expose pour la première fois ses œuvres non figuratives à la Redfern Gallery en 1960. Lors de cette exposition de transition, il utilise une palette de terre, qui rappelle ses paysages antérieurs, sur des formes géométriques et des constructions jumelées. Bien que cela ait été perçu comme un changement radical dans sa production, il s'agissait pour Reynolds d'une progression naturelle dans son œuvre et d'une chose à laquelle il avait déjà fait allusion en 1953 en parlant de la peinture comme d'un problème de résolution d'équations : tonales, linéaires, etc. Le sujet ou le motif doit être transformé et devenir un tout organique. La poésie n'est jamais absente de la nature, mais elle ne peut constituer à elle seule une œuvre d'art. Elle doit être réconciliée avec les éléments de conception et de composition. L'œuvre présentée ici parvient à synthétiser harmonieusement la nostalgie et les doctrines contemporaines dans un rare exemple de cette période où Reynolds passe pour la première fois à l'abstraction.

Estim. 10 000 - 15 000 GBP

Lot 87 - EUGENE BOUDIN (FRENCH 1824-1898), TROUVILLE, LE PORT, LE MATIN - EUGĖNE BOUDIN (FRANÇAIS 1824-1898)TROUVILLE, LE PORT, LE MATINHuile sur toileSigné (en bas à gauche)32 x 46cm (12½ x 18 in.)Peint en 1881. Provenance:Cyrus J. Lawrence, New YorkGaleries Durand-Ruel, New York (acquis auprès du précédent, 16 avril 1895)A.A. Crosby, New York (acquis auprès du précédent, 27 janvier 1904)Galeries Durand-Ruel, New York (acquis auprès du précédent, 5 janvier 1905)M. Henkel, New York (acquis auprès du précédent, 27 décembre 1905)Galeries Durand-Ruel, New York (acquis auprès du précédent, 15 août 1906)Coudray, Paris (sa vente, Hôtel Druout, Paris, 12 juin 1908, lot 7)Max Lévy, Paris (acquis lors de la vente précédente)Vente, Sotheby's, Londres, 1er juillet 1964, lot 67Acquis auprès du précédent par le propriétaire actuelLittérature:Robert Schmit, Eugène Boudin 1824-1898, Paris, 1973, vol. II, no. 1542 (illustré en noir et blanc)Cette oeuvre est enregistrée dans les Archives Eugène Boudin à la Galerie Brame & Lorenceau.La côte normande était un sujet de prédilection pour Eugène Boudin. Ayant grandi à Honfleur puis au Havre, il connaissait les nombreuses villes balnéaires qui devenaient de plus en plus populaires auprès des Parisiens à la mode désireux d'échapper à la ville surpeuplée. Les premières représentations de Trouville par Boudin datent du début des années 1860. Encouragé par son ami Johan Barthold Jongkind, il est l'un des premiers artistes à pratiquer la peinture en plein air et est reconnu par son ami de toujours, Claude Monet, comme ayant joué un rôle déterminant dans son développement précoce en tant qu'artiste. La présente œuvre, peinte en 1881, illustre l'approche de Boudin en matière de peinture de paysage, avec ses ciels sombres pleins d'énergie et de mouvement. Un extrait de son journal de 1856 montre que, même lorsqu'il était un jeune artiste en train d'affiner son art, le ciel était primordial pour lui : "Nager dans le ciel ouvert. Atteindre la tendresse des nuages. Suspendre ces masses au loin, très loin dans la brume grise, faire exploser le bleu. Je sens tout cela venir, poindre dans mes intentions. Quelle joie et quel tourment !" Corot était tellement impressionné par la capacité de Boudin à représenter le ciel qu'il l'appela "le roi des ciels". Sa préoccupation pour le ciel signifiait que, comme dans l'œuvre actuelle, il occupait souvent plus de la moitié de la composition. En faisant référence à l'heure du jour dans le titre de l'œuvre, Boudin révèle son intérêt constant pour les subtilités de la lumière et du temps à différents moments de la journée et en différentes saisons, notant souvent les conditions atmosphériques exactes au moment de la peinture.Contrairement aux nombreuses représentations de Trouville en tant que station balnéaire à la mode, l'œuvre présente appartient à un ensemble d'œuvres qui se concentrent sur le port, sans les groupes de visiteurs élégants qui sont souvent au centre de l'œuvre de l'artiste. Au contraire, Trouville, Le Port, Le Matin est une étude exemplaire du jeu de la lumière à travers les nuages sur l'eau, un exemple de la maturité du style impressionniste de Boudin.

Estim. 30 000 - 40 000 GBP

Lot 92 - WALTER RICHARD SICKERT (BRITISH 1860-1942), THE RIALTO BRIDGE - WALTER RICHARD SICKERT (BRITISH 1860-1942)LE PONT DE RIALTOHuile sur toileSignée (en bas à gauche)65,5 x 49,5cm (25¾ x 19¼ in.)Peinte vers 1901.Provenance : Gaston Bernheim, ParisJacques Rodriguez-Henriques, Paris Sale, Sotheby's, Londres, 1 mai 1991, lot 15Acquis de la vente ci-dessus par le propriétaire actuelLittérature : Wendy Baron, Sickert Paintings & Drawings, New Haven et Londres, 2006, p. 263, n° 165 (illustré)Sickert s'est rendu pour la première fois à Venise en 1894 avec sa femme Ellen. Bien qu'il n'y ait aucune trace de ses peintures pendant ce bref séjour, on sait qu'il l'a qualifiée de plus belle ville du monde et qu'elle l'a sans aucun doute captivé, puisqu'il devait y retourner pour des visites plus longues, l'inspirant pour peindre certaines de ses œuvres les plus importantes et les plus acclamées par la critique.En mai 1896, Sickert est retourné à Venise et a pris comme atelier un appartement situé au 940 Calle dei Frati, qu'il a gardé pendant toutes ses visites ultérieures. À quelques minutes de marche de l'Accademia et du Grand Canal, juste au nord des Zattere, Sickert visita et peignit les célèbres bâtiments et sites de Venise, revenant au même endroit à de nombreuses reprises pour répéter le processus à différents moments de la journée. En effet, la répétition est un élément clé de l'œuvre de Sickert en général, mais surtout dans ses vues de Venise et de Dieppe. À Venise, il a peint version après version de la façade et de la piazza de San Marco, de Santa Maria della Salute, du pont du Rialto et de la Scuola di San Marco. Son attachement à revisiter les mêmes lieux fait écho aux séries d'œuvres architecturales produites par les impressionnistes et, en particulier, peut être comparé à la série de peintures de Monet sur la cathédrale de Rouen. Cependant, contrairement aux impressionnistes, il n'est pas trop intéressé par l'enregistrement du passage du temps et de la lumière sur son sujet, mais plutôt par le fait de démêler de la nature l'illumination qui fait ressortir le plus clairement le caractère de chaque scène. (W. Sickert, French Pictures, Knoedler's Gallery, Burlington Magazine, juillet 1923, pp.39-40) Par conséquent, les peintures de Sickert étaient souvent exécutées dans son atelier à partir de dessins et de petites esquisses à l'huile. Il ne s'intéresse guère à l'effet des conditions atmosphériques changeantes. Il utilise plutôt cette répétition pour explorer les variations de couleurs et de tons, expérimentant le maniement de la peinture et les différentes réponses émotionnelles que ces variations provoquent.Les plus importants d'entre eux sont un petit nombre de tableaux représentant Venise à la tombée de la nuit. Elles rappellent les œuvres de son ancien professeur, James McNeill Whistler, qui a peint Londres et Venise la nuit, les qualifiant de Nocturnes ou de Symphonies. Whistler a utilisé des termes musicaux dans le titre afin de s'adresser directement aux sens du spectateur sans avoir besoin d'une narration ou d'un sujet. Cette synthèse de disciplines artistiques individuelles fait appel à une émotion plus profonde et plus viscérale que la simple esthétique. Bien que Sickert n'utilise pas le même langage que son maître, l'intention est très similaire. Dans la présente œuvre, Sickert dépeint le site unique du pont du Rialto depuis le Grand Canal, mais il n'explore pas la splendeur topographique de Canalettos ou la lumière fugace de Monet dansant sur l'eau et se reflétant sur les Palazzos ; il s'adresse directement aux sens du spectateur. Ce n'est pas Sickert qui enregistre son expérience devant le sujet, mais plutôt l'expérience de se tenir devant le tableau lui-même, et c'est ce qui rend cette œuvre aussi contemporaine aujourd'hui qu'elle l'était lorsqu'elle a été peinte il y a plus de 100 ans dans la plus belle ville du monde.

Estim. 100 000 - 150 000 GBP

Lot 97 - DERWENT LEES (AUSTRALIAN 1884-1931), A TREE AMONGST DUNES - DERWENT LEES (AUSTRALIEN 1884-1931) A TREE AMONGST DUNESHuile sur panneauSigné et daté 1911 (en bas à droite)25.5 x 35cm (10 x 13¾ in.) Provenance : Vente, Sotheby's, Londres, 11 décembre 1968, lot 257 D'une collection privée À inclure dans le prochain catalogue raisonné de Derwent Lees par Lynn Davies, en cours de préparation par Lund Humphries, pour publication en 2025. Né en Tasmanie, en Australie, Lees s'installe à Londres en 1905 et étudie à la Slade School of Fine Art avec Henry Tonks et Frederick Brown. Entre 1910 et 1912, Lees passe le plus clair de son temps à peindre avec les artistes et amis Augustus John, Ambrose McEvoy et James Dickson Innes dans le nord du Pays de Galles et en Espagne. Pendant les mois d'hiver, ils se rendent à Collioure, un petit village de pêcheurs sur la Méditerranée dans le sud de la France, une plaque tournante pour les artistes au début du XXe siècle, populaire auprès de Picasso, Matisse, Derain et Braque. C'est là que Lees a été le seul artiste australien à s'initier au fauvisme, réalisant par la suite une série de paysages saisissants. Certaines de ses œuvres de cette époque sont aujourd'hui exposées à la Tate Gallery de Londres. En 1913, Lees épouse Edith, connue sous le nom de Lyndra, qui a souvent servi de modèle à John, mais qui est ensuite devenue le sujet des propres œuvres de Lee. Elle figure notamment dans une série d'œuvres réalisées à Aldbourne, Wilshire, qui la représentent dans la nature. La même année, trois de ses peintures ont fait l'objet d'une exposition internationale en tant que seul artiste australien représenté à l'Armory Show, qui s'est tenu à guichets fermés à New York, Chicago et Boston. Sa carrière artistique est écourtée par des problèmes de santé mentale, qui l'envoient à l'hôpital du Surrey jusqu'à sa mort en 1931. Mais cela n'a pas limité le succès de ses œuvres. Pendant cette période, la galerie Redfern a organisé une exposition rétrospective, et les galeries de Leeds et de Manchester ont acheté ses œuvres. Actuellement, ses œuvres appartiennent à de nombreuses collections publiques, dont la National Gallery Australia, la Glynn Vivian Art Gallery au Pays de Galles et la National Gallery of Victoria à Melbourne.

Estim. 10 000 - 15 000 GBP

Lot 98 - DERWENT LEES (AUSTRALIAN 1884-1931), COLLIOURE - DERWENT LEES (AUSTRALIEN 1884-1931) COLLIOURE Huile sur panneauSigné et daté 12 (en bas à droite)25 x 35,5cm (9¾ x 13¾ in.)Provenance:Redfern Gallery, LondresThomas Agnew & Sons Ltd, LondresCollection privée Exposé:Sherborne, Sherborne House, Going Modern - Being British, 2004, cat. no. 26Né en Tasmanie, Australie, Lees s'installe à Londres en 1905 et étudie à la Slade School of Fine Art avec Henry Tonks et Frederick Brown. Entre 1910 et 1912, Lees passe le plus clair de son temps à peindre avec les artistes et amis Augustus John, Ambrose McEvoy et James Dickson Innes dans le nord du Pays de Galles et en Espagne. Pendant les mois d'hiver, ils se rendent à Collioure, un petit village de pêcheurs sur la Méditerranée dans le sud de la France, une plaque tournante pour les artistes au début du XXe siècle, populaire auprès de Picasso, Matisse, Derain et Braque. C'est là que Lees a été le seul artiste australien à s'initier au fauvisme, réalisant par la suite une série de paysages saisissants. Certaines de ses œuvres de cette époque sont aujourd'hui exposées à la Tate Gallery de Londres. En 1913, Lees épouse Edith, connue sous le nom de Lyndra, qui a souvent servi de modèle à John, mais qui est ensuite devenue le sujet des propres œuvres de Lee. Elle figure notamment dans une série d'œuvres réalisées à Aldbourne, Wilshire, qui la représentent dans la nature. La même année, trois de ses peintures ont fait l'objet d'une exposition internationale en tant que seul artiste australien représenté à l'Armory Show, qui s'est tenu à guichets fermés à New York, Chicago et Boston. Sa carrière artistique est écourtée par des problèmes de santé mentale, qui l'envoient à l'hôpital du Surrey jusqu'à sa mort en 1931. Mais cela n'a pas limité le succès de ses œuvres. Pendant cette période, la galerie Redfern a organisé une exposition rétrospective, et les galeries de Leeds et de Manchester ont acheté ses œuvres. Actuellement, ses œuvres appartiennent à de nombreuses collections publiques, dont la National Gallery Australia, la Glynn Vivian Art Gallery au Pays de Galles et la National Gallery of Victoria à Melbourne.

Estim. 12 000 - 18 000 GBP

Lot 99 - DERWENT LEES (AUSTRALIAN 1884-1931, ALDBOURNE, WILTSHIRE - DERWENT LEES (AUSTRALIEN 1884-1931) ALDBOURNE, WILTSHIREHuile sur panneauSigné (en bas à gauche) 40 x 51cm (15½ x 20 in.)Peint vers 1910.Provenance:The Redfern Gallery, LondresCollection privée, Lord Ivor Spencer-Churchill (acquise auprès de ce dernier le 7 avril 1930)Thomas Agnew & Sons Ltd..., LondonFrom a Private Collection Né en Tasmanie, Australie, Lees s'installe à Londres en 1905 et étudie à la Slade School of Fine Art avec Henry Tonks et Frederick Brown. Entre 1910 et 1912, Lees passe la plupart de son temps à peindre avec les artistes et amis Augustus John, Ambrose McEvoy et James Dickson Innes dans le nord du Pays de Galles et en Espagne. Pendant les mois d'hiver, ils se rendent à Collioure, un petit village de pêcheurs sur la Méditerranée dans le sud de la France, une plaque tournante pour les artistes au début du XXe siècle, populaire auprès de Picasso, Matisse, Derain et Braque. C'est là que Lees a été le seul artiste australien à s'initier au fauvisme, réalisant par la suite une série de paysages saisissants. Certaines de ses œuvres de cette époque sont aujourd'hui exposées à la Tate Gallery de Londres. En 1913, Lees épouse Edith, connue sous le nom de Lyndra, qui a souvent servi de modèle à John, mais qui est ensuite devenue le sujet des propres œuvres de Lee. Elle figure notamment dans une série d'œuvres réalisées à Aldbourne, Wilshire, qui la représentent dans la nature. La même année, trois de ses peintures ont fait l'objet d'une exposition internationale en tant que seul artiste australien représenté à l'Amory Show, qui s'est tenu à guichets fermés à New York, Chicago et Boston. Sa carrière artistique est écourtée par des problèmes de santé mentale, qui l'envoient à l'hôpital du Surrey jusqu'à sa mort en 1931. Mais cela n'a pas limité le succès de ses œuvres. Pendant cette période, la galerie Redfern a organisé une exposition rétrospective, et les galeries de Leeds et de Manchester ont acheté ses œuvres. Actuellement, ses œuvres appartiennent à de nombreuses collections publiques, dont la National Gallery Australia, la Glynn Vivian Art Gallery au Pays de Galles et la National Gallery of Victoria à Melbourne.

Estim. 8 000 - 12 000 GBP

Lot 100 - DERWENT LEES (AUSTRALIAN 1884-1931), MOUNTAIN LANDSCAPE - DERWENT LEES (AUSTRALIEN 1884-1931) PAYSAGE DE MONTAGNE Huile sur panneau 25 x 35.5cm (9¾ x 13¾ in.) Provenance : Collection privée, vente Arthur Crossland, Sotheby's, Londres, 11 décembre 1968, lot 258. D'une collection privée À inclure dans le prochain catalogue raisonné de Derwent Lees par Lynn Davies, en cours de préparation par Lund Humphries, pour publication en 2025. Né en Tasmanie, en Australie, Lees s'installe à Londres en 1905 et étudie à la Slade School of Fine Art avec Henry Tonks et Frederick Brown. Entre 1910 et 1912, Lees passe le plus clair de son temps à peindre avec les artistes et amis Augustus John, Ambrose McEvoy et James Dickson Innes dans le nord du Pays de Galles et en Espagne. Pendant les mois d'hiver, ils se rendent à Collioure, un petit village de pêcheurs sur la Méditerranée dans le sud de la France, une plaque tournante pour les artistes au début du XXe siècle, populaire auprès de Picasso, Matisse, Derain et Braque. C'est là que Lees a été le seul artiste australien à s'initier au fauvisme, réalisant par la suite une série de paysages saisissants. Certaines de ses œuvres de cette époque sont aujourd'hui exposées à la Tate Gallery de Londres. En 1913, Lees épouse Edith, connue sous le nom de Lyndra, qui a souvent servi de modèle à John, mais qui est ensuite devenue le sujet des propres œuvres de Lee. Elle figure notamment dans une série d'œuvres réalisées à Aldbourne, Wilshire, qui la représentent dans la nature. La même année, trois de ses peintures ont fait l'objet d'une exposition internationale en tant que seul artiste australien représenté à l'Amory Show, qui s'est tenu à guichets fermés à New York, Chicago et Boston. Sa carrière artistique est écourtée par des problèmes de santé mentale, qui l'envoient à l'hôpital du Surrey jusqu'à sa mort en 1931. Mais cela n'a pas limité le succès de ses œuvres. Pendant cette période, la galerie Redfern a organisé une exposition rétrospective, et les galeries de Leeds et de Manchester ont acheté ses œuvres. Actuellement, ses œuvres appartiennent à de nombreuses collections publiques, dont la National Gallery Australia, la Glynn Vivian Art Gallery au Pays de Galles et la National Gallery of Victoria à Melbourne.

Estim. 10 000 - 15 000 GBP