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Live-Auktion läuft

Büste eines Jungen aus Alabaster und Bronze. H: 23 cm

Schätzw. 30 - 50 EUR

Live-Auktion läuft

ITALIAN SCHOOL (20th century) "Angel and nymph" - Fragment einer Marmorskulptur Mängel und Restaurierungen. Maße: 60 cm hoch

Schätzw. 525 - 700 EUR

Live-Auktion läuft

Männlicher Kopf aus Kalkstein. Nach klassischem Vorbild. Höhe: 30 cm

Kein Schätzwert

Do 23 Mai

Fine Portrait on panel of Juan Bautista de Muguiro, attributed to Francisco de Goya (1746-1828) - Aragonese School of the 19th century - Fine Portrait on panel of Juan Bautista de Muguiro, attributed to Francisco de Goya (1746-1828) - Aragonese School of the 19th century Oil on panel: 23 x 18 cm, measures with frame 32 x 26 cm. Muguiro, banker and merchant, perhaps exiled in Bordeaux due to the services rendered to King Joseph Bonaparte by his family firm, "J. Irivaren y sobrinos", later held important political positions in the Spain of Isabella II, being, for example, president of the Cortes and senator between 1836 and 1845. Goya, in the dedicatory inscription of the painting, defines himself as a "friend" of the portrayed, perhaps to thank him with that term, so generic in Castilian, for the efforts or aid received from him, who was also the banker of his son Javier. A few years earlier, Goya had thus dedicated "to his friend Arrieta", the portrait he gave to the doctor who saved his life during the illness that affected him in 1819. The artist presented Muguiro for posterity in his most prosaic and mercantile aspect, reading a recently opened letter and seated next to a desk covered with papers, on which shines a large green and gold porcelain inkwell. Goya in his old age condenses his technique in a few brushstrokes, given with sudden impulses of energy, which reveal the effort of his hand and his eyes, almost blind, although it has remained intact. Pérez Sánchez, Alfonso E., "Goya in the Prado. History of a singular collection", Goya. New Visions. Tribute to Enrique Lafuente Ferrari, Isabel García de la Rasilla and Francisco Calvo Serraller (eds.), Madrid, Fundación Amigos del Museo del Prado, 1987, pp. 307-322.

Schätzw. 6 000 - 7 500 EUR

So 26 Mai

Simon Guillain (Paris, 1581-1658) zugeschrieben. Kopf von Ludwig XIII. als Kind, c. 1610 aus Kalkstein aus Tonnerre, in Rundhölzern gemeißelt. Der Kopf ist mit einer hohen, blumengeschmückten und ornamentierten Königskrone und einem Lorbeerkranz auf dem Haar gegürtet; das Gesicht hat volle Wangen, vorstehende Augäpfel, Augen mit gesäumten und vertieften Tränenkanälen, einen kleinen Mund mit lockeren Lippen; das halblange Haar bildet um das Gesicht herum eine Reihe von gewellten und gelockten Strähnen mit einer mit einem Trepan gebohrten Mitte. H. 43,5 B. 27,5 T. 28 cm. (einige Unfälle und Fehlstellen) Sockel. Gesamthöhe 60,5 cm. Provenienz: Ehemalige Sammlung Jacques Pouillon (1935-2011), Bildhauer und Antiquitätenhändler, Versailles. Simon Guillain zugeschrieben, ca. 1610. Ein großer geschnitzter Limestone-Kopf von König Ludwig XIII. als Kind. DER KOPF VON LOUIS XIII ALS KIND, von Laurence Fligny Das Schicksal Ludwigs des Dreizehnten Nach der Ermordung seines Vaters Heinrich IV. wurde der junge Ludwig am 17. Oktober 1610 im Alter von neun Jahren in Reims zum König gekrönt und nahm daraufhin den Namen Ludwig der Dreizehnte an. Von diesem Ereignis sind uns einige Stiche und Zeichnungen erhalten, darunter die von François Quesnel, die in der Bnf aufbewahrt wird, aber auch Jetons oder Medaillen. Andere Darstellungen des jungen Königs im gleichen Alter zeigen uns ein Kind mit prallen Wangen, wie auf dem Stich von Léonard Gaultier oder dem Gemälde von Pourbus im Palazzo Pitti. Neben den für den jungen Monarchen typischen "aufgedunsenen Wangen" finden sich auf diesem imposanten Steinkopf auch die hervorstehenden Augäpfel mit den dicken Augenlidern, ein weiteres körperliches Merkmal, das uns Porträts des erwachsenen Herrschers zeigen, wie die um 1643 entstandene Bronzebüste, die lange Jean Varin zugeschrieben wurde und nun Bordoni zugeschrieben wird. Ein Porträt zum Ruhme des Königs Keines dieser Bilder zeigt ihn jedoch mit beiden Kronen, der Königskrone und der Lorbeerkrone. Es handelt sich also um ein Bild zum Ruhme des jungen Ludwig XIII. im Alter seiner Krönung. Es ist schwer vorstellbar, zu welcher Art von Gedenkstätte dieser imposante, über vierzig Zentimeter hohe Kopf gehört haben könnte. Der Wunsch, eine solche Statue zu errichten, kann nur von einer hohen, machtnahen Behörde ausgegangen sein, wie der Regentschaft von Maria de' Medici oder dem Rat einer großen Provinzstadt. In den Archiven scheint jedoch nirgends ein ähnlicher Auftrag erwähnt zu werden. Der Kalkstein wurde von der Geologin Annie Blanc analysiert und ist ein "weißer mitritischer Kalkstein vom Typ des Steins von Tonnerre". Obwohl dieser Stein in Burgund und bis in die Champagne sehr häufig verwendet wurde, wurde er auch in Paris und der Pariser Region sowie in Versailles sowohl im 16. als auch im 17. und 18. Simon Guillain, ein versierter Bildhauer Für ein so bedeutendes Bildnis des jungen Königs musste sich der Auftraggeber an einen Künstler wenden, der ein gewisses Ansehen genoss oder eine ernsthafte Ausbildung erhalten hatte. Einige Namen von Bildhauern, die 1610 auf einen solchen Auftrag reagieren konnten, kommen einem in den Sinn: Barthélémy Tremblay (Louves-en-Parisis, ca. 1568 - Paris, 1636), Guillaume Bertelot (Le Havre, ca. 1583 - Paris, 1648) oder auch Simon Guillain (Paris, 1589 - Paris, 1658). Letzterer scheint jedoch am ehesten mit dem Autor dieser erstaunlichen Skulptur übereinstimmen zu können. Er wurde 1589 in Paris als Sohn und Schüler des Bildhauers Nicolas Guillain, genannt Cambrai, geboren, der 1639 in der Hauptstadt starb. Simon Guillain, der 1648 neben anderen Künstlern die Akademie gründete, ist insbesondere als Autor des königlichen Denkmals auf der Pont au Change bekannt, das zwischen 1639 und 1647 zu Ehren des jungen Ludwig XIV. errichtet wurde und den Herrscher - im Alter von neun Jahren - zwischen Ludwig XIII. und Anna von Österreich in Bronzestatuen darstellte, was als Höhepunkt seiner Karriere gilt. Alle diese Skulpturen befinden sich heute im Musée du Louvre. Es war nicht seine erste Darstellung dieses Königs. Zuvor hatte er bereits eine Fußstatue von Ludwig XIII. angefertigt, die das Tor des Gebäudes der Konsularrichter in der Rue du Cloître Saint-Merri schmückte, das kurz nach der Revolution abgerissen wurde. Diese Steinskulptur stellte ihn "mit unterwürfigen Löwen zu seinen Füßen dar, eine Anspielung auf seine Vorteile gegenüber Spanien". Ebenso ist bekannt, dass er auf dem Altarbild von Saint-Eustache den Heiligen Ludwig als Ludwig XIII. dargestellt hatte. Sein Ruf als großer Porträtmaler war ebenfalls gut etabliert, denn zahlreiche Auftraggeber hatten ihn zwischen 1620 und 1630 mit der Anfertigung der betenden Statuen mehrerer Gräber beauftragt. Insbesondere verdanken wir ihm die Marmorstatuen von Chrétienne Leclerc († 1628) und Charlotte-Catherine de la Tremoille († 1629), die beide im Louvre zu sehen sind (Inv. LP 414 und 400, Abb. f und g). Die Strähnen rund um das Gesicht der Letzteren, mit dem Toupet über der Fro

Schätzw. 10 000 - 15 000 EUR

Mo 27 Mai

ALMO BONALDI (Carrara, Italien, 1890 - Toulon, Frankreich, 1966). "Allegorie der Musik", ca. 1910, Jugendstil. Kaminschirm aus Carrara-Marmor, geschnitzt, auf Sockel aus rot geädertem Marmor. Signiert und lokalisiert: A. BONALDI / CARRARA. Maße: 98,5 x 72,5 x 26,5 cm. Almo Bonaldi wurde in Carrara geboren und eröffnete 1924 eine Werkstatt für Marmorbildhauerei in seiner Heimatstadt. Der Wendepunkt für den Künstler kam 1930, als er für einen von der Akademie der Schönen Künste von Carrara organisierten Wettbewerb die großartige Skulptur eines jungen Zentauren vorstellte. Von diesem Zeitpunkt an war er in Toulon (Frankreich) tätig, wo er ein Marmorunternehmen eröffnete, das die Stadt mit Steinen für öffentliche Arbeiten versorgte. Dieser Paravent ist ein Zeugnis der extremen Virtuosität, die Bonaldi vor seiner Abreise nach Frankreich erreichte und die im zweiten Jahrzehnt des zwanzigsten Jahrhunderts entstand. In der Mitte des Bildes befindet sich ein Flachrelief mit einer allegorischen Szene, in der sich eine Nymphe, vielleicht Siringa, in Ekstase zu erheben scheint, während sie der Musik zweier Aulos lauscht, die von einem Faun und einer jungen Frau gespielt werden, die beide zu ihren Füßen liegen. Diese Hauptszene ist von einem üppigen Rahmen aus Akanthusblättern umgeben, flankiert von zwei kleinen Vögeln, die dem Rhythmus der Musik zu folgen scheinen, und oben drei singenden "Putten", die den Blasinstrumenten eine Stimme geben.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Mo 27 Mai

EMMANUEL HANNAUX (Metz, 1885 - Paris, 1934). "Weibliche Büste", 1904. Carrara-Marmor. Signiert und datiert. In perfektem Zustand. Maße: 65 x 42 x 30 cm. Runde Skulptur aus Carrara-Marmor, die eine weibliche Büste darstellt. Es handelt sich um eine junge Frau mit zu einem hohen Dutt gebundenem Haar. Die Dame zeigt ein ideales Gesicht mit symmetrischen Zügen, das eindeutig klassische Wurzeln hat, aber von einem malerischen Gesichtspunkt aus behandelt wird. Die Autorin bietet uns damit ein Bild von Ausdruckskraft und Dynamik. Was die technischen und formalen Aspekte betrifft, so beweist der Bildhauer eine große Beherrschung des Handwerks, eine Virtuosität, die sich besonders in Details wie den Haaren und den Gesichtszügen zeigt. Emmanuel Hannaux beginnt seine Ausbildung an der Industrieschule in Straßburg, kehrt aber bei Ausbruch des französisch-preußischen Krieges 1870 nach Metz zurück. Er setzt seine Studien an der Schule für Modellieren und Bildhauerei fort. 1876 zog er nach Paris, wo er an der Ecole des Beaux-Arts aufgenommen wurde und bei Dumont, Thomas und Bonassieux Unterricht erhielt. Auf dem Salon von 1889 erhielt Hannaux die dritte Medaille für seinen "Le Bûcheron"; im selben Jahr erhielt er die zweite Medaille für seine patriotische Gruppe "Le Drapeau", die sich heute im Museum von Draguignan befindet; und 1894 erhielt er die erste Medaille für seine "Orphée Mourant", die sich heute im Museum von Luxemburg befindet. Sein Werk befindet sich im Musée du Puy. Er fertigt Büsten für zahlreiche Persönlichkeiten an. Auf dem Salon von 1903 wird Hannaux mit der Ehrenmedaille ausgezeichnet.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Mo 27 Mai

FERDINANDO VICHI (Florenz, 1875 - 1945). "Rebecca". Weißer Carrara-Marmor. Präzise Restaurierung an zwei Fingern. Signiert und betitelt. Maße: 81 x 31 x 32 cm. Die weibliche Figur im klassischen und traditionellen Kanon nimmt einen leichten Kontrapost ein, der die subtile Silhouette ihrer gedrehten Glieder markiert. Die edle Haltung und die Harmonie der Gesichtszüge erinnern an eine griechisch-römische Figur, die eine besondere Synthese zwischen Tradition und Expressionismus darstellt, die durch die Erforschung der Rauheit des Materials erreicht wird, da die Künstlerin den Texturen große Aufmerksamkeit schenkt. Ferdinando Vichi gehörte zu der Gruppe talentierter toskanischer Bildhauer, die mit der Galerie Bazzanti in Florenz zusammenarbeiteten. Er arbeitete vor allem in seiner Heimatstadt, auf deren Salone er seine Werke bei zahlreichen Gelegenheiten präsentierte. Ende des 19. Jahrhunderts leitete er in Florenz eine Werkstatt für Alabasterbildhauerei. Seine Werke aus Marmor oder Alabaster zeugen von einer außergewöhnlichen technischen Meisterschaft, vor allem bei den weiblichen Figuren mit ihren geschwungenen Kurven und nachdenklichen Gesichtern. Wie viele andere Bildhauer des späten 19. Jahrhunderts ließ sich Vichi häufig von der moralischen Literatur inspirieren, unter anderem von der griechischen Mythologie. Im Laufe seiner Karriere arbeitete er an einer Vielzahl von Themen, darunter romantische Porträts, orientalische Themen und Kopien von Renaissance- und Barockwerken.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Mo 27 Mai

ANTONIO GIOVANNI LANZIROTTI (Neapel, 1839 - Palermo, 1921). "Die Lilien", ca. 1880. Skulptur aus gemeißeltem Marmor. Signiert: A. G. LANZIROTTI. Maße: 58 x 33 x 32,5 cm. Büste Skulptur, die die Modelle des achtzehnten Jahrhunderts Porträt folgt. Es ist notwendig, die Arbeit der floralen trepanning zu betonen, sowie der Schleife, die das Haar des Modells sammelt. Antonio Giovanni Lanzirotti ist der Künstler dieser bezaubernden Kreation. Auf seiner künstlerischen Reise zog Lanzirotti vom sonnigen Palermo in die reiche Kulturstadt Paris, wo er seine Kunst unter der Anleitung von Pollet perfektionierte. Sein Talent erregte die Aufmerksamkeit von Vittorio Emanuele II, der lebensgroße Skulpturen für den Palazzo Reale in Turin in Auftrag gab. Lanzirotti widmete sich nicht nur der Kunst, sondern engagierte sich auch als Patriot im Kampf für die Freiheit Italiens, was um 1870 zu seiner Inhaftierung führte. Nach seiner Freilassung kehrte er nach Paris zurück, wo er eines seiner bedeutendsten Werke, "Stella" (1880), präsentierte. Sein tiefes Wissen und seine Liebe zur Kunst führten ihn zum Kurator von Galerien und Museen im Königreich Italien, darunter der "Palazzo Ducale" in Urbino, die "Certosa di Pavia" und die "Galleria degli Uffizi" in Florenz. Lanzirottis Werke sind in der ganzen Welt berühmt, darunter "La Pensierosa", die im Louvre-Museum ausgestellt ist, und "La Griega". Die griechische Sklavin" schmückt den Louvre, und "Die griechische Sklavin" das Musée de Nice in Frankreich.

Schätzw. 6 500 - 7 000 EUR

Mo 27 Mai

JOSEP CAÑAS I CAÑAS (Banyeres del Penedés, 1905 - El Vendrell, 2001). Weibliche Büste. Weißer Marmor. Signiert auf der rechten Seite. Auf grünem Marmorsockel. Maße: 37 x 20 x 22 cm (Skulptur); 6 x 24 x 17 cm (Sockel). Als Autodidakt belegte Josep Cañas einige Kurse an der Kunstgewerbeschule in Villanueva y la Geltrú und kam bald in Kontakt mit Künstlern wie Damià Torrents und Joaquín Mir. Nach einem Aufenthalt in Sitges ließ sich Cañas 1925 in Barcelona nieder, wo er dem Círculo de Sant Lluc und dem Real Círculo Artístico beitrat und Mitglied des Vorstands des letzteren wurde. In diesen Jahren widmete er sich der Landschaftsmalerei und nahm 1927 an der Zweiten Kunstausstellung des Penedès in El Vendrell teil. Auch dem Theater widmete er sich in diesen Jahren, und 1927 wurde sein erstes Stück uraufgeführt. Zwei Jahre später nahm er erneut an der Penedès-Ausstellung teil. 1930 richtete er dank eines Stipendiums der Diputació de Tarragona sein erstes Atelier in Barcelona ein, und 1932 fand seine erste Einzelausstellung in der Sala Parés statt. Von diesem Zeitpunkt an stellte Cañas seine Werke regelmäßig im Salón de Montjuic aus. Im Jahr 1935 erhält er ein Reisestipendium der Generalitat, das es ihm ermöglicht, nach London zu reisen, um das British Museum zu besuchen, und später nach Paris. Nach seiner Rückkehr wird er 1937 zum Sekretär des Casal de Cultura de Cataluña ernannt, lehnt diese Ernennung jedoch ab, um an der Ebro-Front zu kämpfen. Dort nahm er jedoch nicht am Kampf teil, sondern widmete sich der Anfertigung der vom Generalstab in Auftrag gegebenen Modelle. Nach Kriegsende gewann er 1942 den Preis für Bildhauerei auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste, und das Museum für Moderne Kunst in Barcelona erwarb eines seiner Werke. Im folgenden Jahr arbeitet er mit Ignacio Zuloaga zusammen, und 1947 findet eine Ausstellung im Museum für Moderne Kunst in Madrid statt, bei der das Institut für hispanische Kultur eines seiner Werke erwirbt, um es nach Amerika zu bringen. Er schifft sich daraufhin ein und begleitet das Werk, das in Carmel, Kalifornien, installiert wird. In dieser Stadt wird er im folgenden Jahr eine Ausstellung der dort entstandenen Werke veranstalten. Anschließend reist er nach Mexiko, wo er mehrere Jahre bleibt und mehrere Ausstellungen seiner Werke zwischen Mexiko und New York veranstaltet. Im Jahr 1954 stellt er im Nationalen Museum für Anthropologie in Mexiko aus, und im folgenden Jahr verlässt er das Land, um an der Hispanoamerikanischen Biennale in Barcelona teilzunehmen, wo er einen eigenen Raum erhält. Nachdem er sich wieder in Spanien niedergelassen hatte, stellte er seine Werke weiterhin in renommierten Galerien wie dem Parés in Barcelona, dem O'Hana in London oder dem Museum für Moderne Kunst in Madrid aus und führte wichtige Aufträge für das Museum von Genf und andere bedeutende Kunden aus. 1957 gewann er eine Medaille auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste, und 1964 weihte er das Relief "La Sardana" im Retiro-Park in Madrid ein, das vom Casal Català dieser Stadt in Auftrag gegeben wurde. Seine öffentliche und offizielle Anerkennung wird immer größer, es werden Bücher mit seinen Werken veröffentlicht und er erhält Ehrungen wie das Kreuz von Sant Jordi der Generalitat de Catalunya im Jahr 1986 oder die Ernennung zum berühmten Sohn seiner Heimatstadt.

Schätzw. 2 400 - 3 000 EUR

Mo 27 Mai

Herma vom Mars. Römisch. 1.-2. Jahrhundert n. Chr. Marmor. Provenienz: Privatsammlung Dr. Angelo Bergamo, New Jersey, USA. Erworben in den 1970er Jahren von Harmer Rooke Galleries, New York. Privatsammlung, Westküste, USA. Erworben durch Vererbung. Erhaltungszustand: Sehr guter Zustand, sowohl der Figur als auch der Marmoroberfläche. Geringfügige Verluste an den Rändern der Ohren und des Bartes sowie an der Helmzier oben, mit einer kleinen Reparatur an einem Ohrrand. Auch die Nasenspitze ist verloren gegangen. Abmessungen: 22,3 x 12,8 x 7 cm. Diese Marmorbüste, die den Gott Mars darstellt, krönt eine rechteckige Säule, die gewöhnlich Herma genannt wird, zu Ehren von Hermes. Hermas stellte ursprünglich Hermes dar, aber in römischer Zeit ist es üblich, den Kriegsgott Mars darzustellen, der als kampferprobter, bärtiger junger Mann mit Helm und Federbusch zum Kampf bereit ist. Die Qualität der Schnitzerei lässt sich an den zarten Locken des Bartes, die auf tiefe Einschnitte reagieren, und an jedem der physiognomischen Details erkennen. In der römischen Mythologie hatte Mars viele Attribute, er war der Gott des Krieges, der männlichen Potenz, der Gewalt, der Leidenschaft, der Sexualität und der Tapferkeit. Er war auch der Schutzpatron der römischen Krieger, des Schreckens und des Sieges im Krieg, der Vollkommenheit und der Schönheit. Die Hermas waren Säulen, auf denen die Büste stand (in griechischer Zeit war es die des Gottes Hermes). Sie waren bei den Römern, die über eine gewisse Kaufkraft verfügten, sehr gefragt, um ihre Häuser und Villen zu schmücken. Sie wurden auch als Pfosten für Zierspaliere in Gärten verwendet, wobei sie in der Regel mit den Büsten von Philosophen oder großen Persönlichkeiten geschmückt wurden. Während der Kaiserzeit hatten die Hermas eher eine architektonische als eine religiöse Funktion.

Schätzw. 25 000 - 35 000 EUR

Di 28 Mai

Sarkophagfragment; Römisches Reich, 3. Jahrhundert n. Chr. Alabaster. Maße: 56 x 24 cm. Fragment eines römischen Sarkophags im orientalischen Stil, der zur Hälfte aus Alabaster geschnitzt ist und in das 3. Jh. n. Chr. datiert wird. Er stellt eine nackte, stehende weibliche Figur dar, die den linken Arm angewinkelt auf die Hüfte stützt und den linken Arm zur Seite ausstreckt. Zu den Füßen der Figur steht ein Gefäß mit einem balusterartigen Körper. Die Frau scheint auf einem architektonischen Sockel zu stehen, der von geraden Kragsteinen getragen wird und an ein klassisches Gebälk erinnert. Die Komposition wird von einem oberen Fries mit der Reliefdarstellung eines phantastischen Tieres im Profil gekrönt. Es handelt sich um ein hybrides Tier mit den Flügeln und dem Hinterteil eines Löwen, das in einer ausdrucksstarken Position mit nach hinten gewandtem Kopf dargestellt ist, dank des stilisierten Schlangenhalses, der eine elegante Kurve beschreibt. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Allerdings orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer Skulpturen an griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurden. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Kurz darauf, im Jahr 133 v. Chr., erbte das Imperium das Königreich Pergamon, in dem es eine ursprüngliche und blühende Schule hellenistischer Bildhauerei gab. Der riesige Pergamonaltar, der "Gallus, der Selbstmord begeht" oder die dramatische Gruppe "Laokoon und seine Söhne" sind drei der wichtigsten Werke dieser hellenistischen Schule. Nach der Eroberung Griechenlands im Jahr 146 v. Chr. ließen sich die meisten griechischen Künstler in Rom nieder, und viele von ihnen widmeten sich der Anfertigung von Kopien griechischer Skulpturen, die damals in der Hauptstadt des Reiches sehr in Mode waren. So entstanden zahlreiche Kopien von Praxiteles, Lysippus und klassischen Werken aus dem 5. Jahrhundert v. Chr., aus denen die neoasiatische Schule Roms hervorging, die erste neoklassische Bewegung der Kunstgeschichte. Zwischen dem Ende des 2. Jahrhunderts v. Chr. und dem Beginn des 1. Jahrhunderts v. Chr. kam es jedoch zu einer Veränderung dieser puristischen griechischen Tendenz, die in der Schaffung einer nationalen Bildhauerschule in Rom gipfelte, aus der Werke wie der Aenobarbus-Altar hervorgingen, der bereits ein typisch römisches Erzählkonzept einführte, das zu einer Chronik des täglichen Lebens und gleichzeitig des Erfolgs des politischen Modells werden sollte. Diese Schule wird der Vorläufer der großen kaiserlichen Kunst des Augustus sein, in dessen Amtszeit Rom zur einflussreichsten Stadt des Reiches und auch zum neuen Zentrum der hellenistischen Kultur wurde, wie es zuvor Pergamon und Alexandria gewesen waren, die eine große Zahl griechischer Künstler und Handwerker anzogen. In der augusteischen Ära trug Rom zur Kontinuität und Erneuerung einer Tradition bei, die sich bereits seit Jahrhunderten eines hohen Ansehens erfreute und den Charakter der gesamten Kunst in der Region bestimmt hatte. In dieser neuen Phase werden die griechische Ästhetik und Technik auf die Themen des neuen Roms angewandt. Nach der Idealisierung der augusteischen Epoche, dem Realismus der flavischen Epoche und dem darauf folgenden Barockstil des zweiten und dritten Jahrhunderts neigte die römische Bildhauerei, die durch das Christentum geprägt war, dazu, sich zu entmenschlichen, idealer und symbolischer zu werden. Das Bemühen um Realismus ging verloren, und es gab eine Tendenz zur Schematisierung, die das Ideal, die Seele oder das Göttliche und nicht den menschlichen Aspekt der Figuren zu erfassen suchte. Entsprechend dieser neuen Ästhetik erhält die Schnitzerei eine große Härte, und die Figuren bekommen einen edlen Hieratismus.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Di 28 Mai

Fragment einer griechischen Stele, 4. Jahrhundert v. Chr. Gehärteter Kalkstein. Maße: 31 x 34 cm. Fragment einer griechischen Grabstele aus dem 4. Jahrhundert v. Chr., die in Kalkstein gehauen ist und zwei sitzende Figuren, einen Mann und eine Frau, darstellt. Wahrscheinlich handelt es sich um eine Darstellung des verstorbenen Paares, obwohl eine dritte Figur zu sehen ist, die ihren Arm auf die Schultern der männlichen Figur legt. Beide Figuren sind in Tuniken gekleidet, die Frau mit einem Schleier über dem Kopf und der Mann mit einem Mantel. Sie sind in einer ruhigen und ausgeglichenen, aber naturalistischen Haltung dargestellt, die den Fortschritt in Richtung Realismus und Ausdruckskraft der griechischen Bildhauerei der hellenistischen Zeit zeigt. Die hellenistische Bildhauerei stellt die letzte Periode in der Entwicklung der griechischen Bildhauerei dar und entwickelte sich in der Zeit zwischen dem Tod Alexanders des Großen im Jahr 323 v. Chr. und der Eroberung Ägyptens durch die Römer zwischen 30 und 31 v. Chr. Es handelt sich um eine eklektische, säkulare und historisierende Sprache, die vom Erbe der klassischen Bildhauerei der vorangegangenen Periode ausgeht und zu der neue orientalische Einflüsse hinzukommen. Sie bedeutete auch eine Verbesserung der Darstellung der Anatomie und der emotionalen Ausdruckskraft des Menschen sowie einen grundlegenden Wandel in der Ästhetik, die das Ideal hinter sich lässt, um das Individuum darzustellen und vom Allgemeinen zum Besonderen überzugehen. So wird das frühere ethische und pädagogische Ideal zugunsten einer neuen Betonung der alltäglichen menschlichen Aspekte in einer Kunst aufgegeben, deren Hauptzweck die Ästhetik ist, auch wenn sie gelegentlich auch propagandistisch sein wird. Dieses neue Interesse am Menschen und seinem Innenleben, seinen Emotionen, Problemen und Sehnsüchten, führt zu einem realistischen Stil, der das Dramatische, das Prosaische und die Bewegung betonen muss. Außerdem bringt der Hellenismus die ersten individualisierten und plausiblen Porträts der westlichen Kunst hervor. Die Thematik wird auch auf Darstellungen des Alters und der Kindheit, kleinerer nicht-olympischer Gottheiten und Nebenfiguren aus der Mythologie sowie volkstümlicher Figuren bei ihrer täglichen Arbeit erweitert.

Schätzw. 3 200 - 3 500 EUR

Di 28 Mai

Weibliche Büste; Rom, 2. Jahrhundert n. Chr. Marmor. Sie zeigt oberflächliche Abnutzung, Erosion und Materialverluste. Maße: 22 x 15 x 13 cm. Römische Büste einer jungen Frau aus weißem Marmor. Das Stück hat ein heiteres Gesicht mit mandelförmigen Augen mit ausdrucksvollem Blick und leicht geschürzten Lippen sowie eine Hochfrisur mit gewelltem Haar, mit einem Umhang oder Schal auf dem Kopf. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Dennoch orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an den griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurden. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Kurz darauf, im Jahr 133 v. Chr., erbte das Imperium das Königreich Pergamon, in dem es eine ursprüngliche und blühende Schule hellenistischer Bildhauerei gab. Der riesige Pergamonaltar, der "Gallus, der Selbstmord begeht" oder die dramatische Gruppe "Laokoon und seine Söhne" sind drei der wichtigsten Werke dieser hellenistischen Schule. Nach der Eroberung Griechenlands im Jahr 146 v. Chr. ließen sich die meisten griechischen Künstler in Rom nieder, und viele von ihnen widmeten sich der Herstellung von Kopien griechischer Skulpturen, was damals in der Hauptstadt des Reiches sehr in Mode war. Sie weist Oberflächenabnutzung, Erosion und Materialverluste auf.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR
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