12th June - Private Collection: Visionaries of the 20th …

Los 1 - NIKI DE SAINT PHALLE (Neuilly-sur-Seine, Frankreich, 1930 - San Diego, Kalifornien, 2002). "Chat-Vase", 1986. Bemaltes Harz. Exemplar 31/50. Signiert, gerechtfertigt und auf dem Sockel gestempelt "R. Haligon Plastiques d'Art". Beigefügtes Zertifikat, unterzeichnet von der Galerie Guy Pieters. Maße: 32 x 40 x 22 cm. Skulptur-Vase von Niki de Saint Phalle, die eine schwarze Katze darstellt, die mit Flecken und Zeichnungen in lebhaften Farben übersät ist. Der bunte Schwanz schlängelt sich über ihren Bauch. Sie hat ein rotes Ohr und ein gelbes Ohr. Wie bei der französischen Künstlerin üblich, ist das Harz in fröhlichen Farben bemalt, die der Fantasie Tür und Tor öffnen und uns in ein neu erfundenes Bestiarium führen. Mit dieser Art von Figuren, wie auch mit ihren sinnlichen, kurvenreichen Frauen, lässt uns Saint Phalle in eine Natur eintauchen, die ihren eigenen Gesetzen unterliegt. Wahrhaft weibliche Gesetze, kraftvoll, kriegerisch und liebevoll zugleich. Ebenso werden katzenartige Attribute, vor allem im Zusammenhang mit der Magie, wieder aufgegriffen und tragen zu dem Optimismus bei, der in ihren Vorschlägen stets vorherrscht. Im "jardin des tarots" in der Toskana schuf De Saint Phalle monumentale Versionen von Katzen und anderen Schutztieren und Schutzgeistern. Niki de Saint Phalle war eine der bekanntesten Künstlerinnen der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts. Jahrhunderts. Um 1962 nahm sie an der Ausstellung "The Art of Assemblage" im Museum of Modern Art in New York teil. Ab 1964 schuf sie eine Reihe von Werken mit dem Titel "Nanas", die aus weiblichen Figuren mit üppigen Formen und lebhaften Farben bestehen. Diese Skulpturen zeigen einen Kontrast zwischen der spielerischen oder festlichen Dimension des Objekts und einer viel tragischeren, gewalttätigen und pornografischen Dimension. Diese Bilder stehen im Gegensatz zum konventionellen Kanon der weiblichen Schönheit. In den frühen 1960er Jahren schuf der Künstler die Shooting Paintings". Bei diesen Werken handelt es sich um mit Farbe gefüllte Polyethylenbeutel in Form einer menschlichen Figur, die mit weißer Kreide bedeckt ist. Das Bild entstand, nachdem er die Figur aus den Farbbeuteln herausgeschossen hatte. 1966 schuf er die größte Skulptur eines Frauenkörpers in der Kunstgeschichte, die ebenfalls zur Serie "Nanas" gehörte und deren Titel "Hon" (schwedisch "Sie") lautete. Eine Nana, die aufhört, Skulptur zu sein und zur Architektur wird. Sie wurde im Moderna Musset in Stockholm unter Geheimhaltung aufgestellt, da es sich um einen ziemlich revolutionären Akt in Anbetracht der Zeit, in der er sie schuf, handelte, so dass die Ausstellung wenige Tage nach der Eröffnung für die Öffentlichkeit geschlossen wurde. 1979 begann er mit dem Bau eines Skulpturenparks, "El jardín del tarot" auf Spanisch, in der Nähe von Capalbio, Italien. Zusammen mit ihrem Ehemann Jean Tinguely errichtete sie 1982 den "Fontaine Stravinsky" oder Brunnen der Automaten, der sich neben dem Centre Pompidou in Paris befindet. Viele von Saint Phalles Skulpturen haben große Dimensionen und werden im öffentlichen Raum ausgestellt. Die Niki Charitable Art Foundation unterhält eine Online-Karte und einen Katalog aller bestehenden öffentlichen Kunstwerke. Le Paradis Fantastique (Das phantastische Paradies, 1967), Moderna Museet, Stockholm, Schweiz (in Zusammenarbeit mit Tinguely). Golem (1971), Kiryat Hayovel, Jerusalem. Hannover Nanas (1973), zusammen mit dem Leibnizufer in Hannover, Deutschland. La Fontaine Stravinsky (Strawinsky-Brunnen oder Fontaine des automates, 1982) in der Nähe des Centre Pompidou, Paris (in Zusammenarbeit mit Tinguely) Sonnengott (1983), ein fantastisches geflügeltes Wesen neben dem University of California, San Diego Faculty Club als Teil der Stuart Collection of public art.

Schätzw. 50 000 - 60 000 EUR

Los 2 - KAREL APPEL (Niederlande, 1921 - Schweiz, 2006). Ohne Titel, 1966. Acryl und Ölstift auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Gerahmt mit Museumsglas. Beiliegendes Zertifikat unterzeichnet von Guy Pieters und Herrn Nieuwenhuizen-Segaar. Maße: 49 x 65,5 cm; 64,5 x 80 cm (Rahmen). Dieses Werk zeichnet sich durch die Gewalt der Geste und der Farbe, durch die materielle Vergangenheit und den echten primivistischen Anspruch aus. Wir sehen eine seltsame Kreatur mit drei Reptiliengesichtern, die uns mit Augen ansehen, deren furchterregender Aspekt durch die Verwendung einer bewusst naiven expressionistischen Sprache widerlegt wird. Es sind genau diese Elemente (Primitivismus, kindliche und naive Kunst, Ablehnung der zivilisatorischen Vernunft, die zum Krieg geführt hatte...), die diesen Nachkriegskünstler, Mitbegründer der Gruppe CoBrA, rechtfertigen. Appels Sprache, die mit der Abstraktion kokettiert, aber im Wesentlichen figurativ ist, basiert auf der Kombination von expressionistischer Aggressivität und kindlicher Einfachheit, die mit dem Surrealismus verbunden ist. Karel Appel war Maler, Bildhauer und Grafiker und gilt heute als der stärkste Künstler der Nachkriegsgeneration in seinem Land. Zusammen mit Corneille, Jorn und Alechinsku gründete er 1948 die internationale Gruppe CoBrA, die für die Entwicklung und Verbreitung des europäischen Automatismus in den 1940er und 1950er Jahren entscheidend war. Während der Besetzung Hollands durch die Nazis irrte Apple durch das Land, um nicht nach Deutschland geschickt zu werden. 1946 hatte er seine erste Einzelausstellung in Groningen, in der bereits die Handschrift Dubuffets, mit dem er später bestimmte theoretische Konzepte teilen sollte, zu erkennen war. Aus dem Jahr 1947 stammen seine ersten Skulpturen, die Pionierarbeit bei der Montage von Abfallmaterialien leisten. Einige Künstler, die die Strenge und das Sektierertum der surrealistischen Organisation ablehnten, gründeten die Gruppe CoBrA (Abkürzungen für Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam, Städte, aus denen Appel, Corneille und Constant stammten, die das Gründungsmanifest zusammen mit Jorn, Noiret und Dotremont unterzeichneten). Die CoBrA-Maler verfolgten eine eher spontane Arbeit, die sich auf lokale kulturelle Traditionen stützte und fantastische Bilder sammelte. Die Gruppe löste sich 1951 bald auf, aber einige ihrer Mitglieder, insbesondere Appel, Jorn und Alechinsky, hielten den Geist der Gruppe in den folgenden Jahrzehnten aufrecht. Ihre Malerei zeichnet sich durch eine große expressionistische Ladung aus, die mit den Figuren von Max Pechstein und Edward Munich, zwei der großen nordischen Expressionisten, verbunden ist. Sein Werk ist von dichtem Impasto und heftigen Farbspielen geprägt, die den unruhigen Charakter des nordischen Expressionismus kennzeichnen. Später entwickelte sich seine Sprache zu einer weicheren Linie, die sich dem Hand Edge Painting annäherte. Appel war ein unermüdlicher Künstler, der mehrere Sprachen erforschte: Skulptur, Keramik, Wandmalerei, Glasmalerei oder Gravur. Während seiner langen künstlerischen Laufbahn erhielt er zahlreiche Auszeichnungen und arbeitete mit Künstlern anderer Disziplinen wie dem Dichter Allen Ginsberg oder dem Choreografen Min Tanaka zusammen. Seine ersten Erfolge feierte er 1953 mit der Ausstellung im Palais des Beaux Arts in Brüssel und der Teilnahme an der Biennale von Sao Paulo (1959 kehrte er zurück und gewann den internationalen Preis für Malerei) sowie 1954, als er auf der Biennale von Venedig den UNESCO-Preis erhielt und in Paris und New York ausstellte. Appel ist unter anderem im Guggenheim Museum und im MoMA in New York, im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery in London, in der Albertina in Wien, im Thyssen-Bornemisza, in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig und im Museum der Schönen Künste in Dordrecht vertreten.

Schätzw. 45 000 - 55 000 EUR

Los 3 - DÄNEMARK (Belgien, 1950). "Kunst in Amerika, 1990. Mischtechnik (Zeitungspapier, Zeitschriftenpapier und Draht) auf Platte. Am unteren Rand signiert. Signiert und datiert auf der Rückseite. Beigefügtes Echtheitszertifikat mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 29 x 42 cm; 41 x 54 x 4 cm (Rahmen). Der Künstler selbst erklärt: "Wie viele Zeitungen und Zeitschriften werfen die Menschen jeden Tag weg? Wie viele ungelesene Meisterwerke stehen in ihren Bücherregalen? Wie viele Klausuren und alte Papiere verstauben auf den Dachböden der Schulen? Seit 50 Jahren verwandelt der belgische Künstler Denmark - Pseudonym Marc Robbroeckx - Tonnen von bedrucktem Papier in Kunst. Er schafft Skulpturen und Installationen aus Büchern, Zeitungen und Zeitschriften. Seine Hauptzutat ist immer Papier, geschnitten, gepresst, gestapelt oder gefaltet. Dänemark behauptet, dass jede Seite seiner Arbeit auf das kleinstmögliche Volumen gefaltet ist. Diese Verkleinerung der Oberfläche ist eine Metapher für die Suche des Künstlers nach der Essenz. Derzeit werden seine Arbeiten in einer Vielzahl von Ausstellungen in nationalen und internationalen Galerien und Museen präsentiert.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 4 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, Frankreich, 1941). "Drei unbestimmte Linien", 2009. Gemischte Medien auf Papier. Signiert, datiert und betitelt unten rechts. Maße: 137,5 x 110,5 cm; 153 x 125 cm (Rahmen). Mitte der siebziger Jahre begann Bernar Venet, die Linie in den Mittelpunkt seiner konzeptionellen Forschung zu stellen. Während eine Linie im wissenschaftlichen Kontext eine klar definierte geometrische Form ist, nutzte Bernar Venet diese einfache geometrische Form, um abweichende Konzepte zu demonstrieren. In seinen Skulpturen, Zeichnungen und Gemälden erforscht er die Linie als Träger divergierender Potenziale: Ordnung und Unordnung, Bestimmtes und Unbestimmtes? Indem sie sich bewegt, wird die Linie zu einer dreidimensionalen und instabilen Figur und zwingt den Betrachter, ihrem Verlauf auf der Suche nach dem Anfang und dem Ende zu folgen. Hinter dem chaotischen Erscheinungsbild der Formen, die Venet entwirft, verbergen sich strenge mathematische Studien. "Three Indeterminate Lines" existiert auch in einer skulpturalen Version. Der Konzeptkünstler Bernar Venet ist vor allem für seine präzisen und mathematisch strengen Skulpturen bekannt, die oft aus Stahl gefertigt sind. Auch Malerei, Collage und Kohle sind seine Ausdrucksmittel. Im Rahmen seiner künstlerischen Praxis hat er auch kontinuierlich mit anderen industriellen Materialien wie Kohle und Asphalt experimentiert. In den 1960er Jahren wurde Venet von den Arbeiten von Arman und den in Paris arbeitenden Neuen Realisten beeinflusst und begann, Skulpturen aus Karton herzustellen. Ein Besuch in New York im Jahr 1966 brachte ihn dem Minimalismus näher, und er teilte sich in der Folge ein Atelier mit Arman in Midtown Manhattan und verkehrte mit Künstlern wie Donald Judd und Sol LeWitt. In den folgenden Jahrzehnten verfeinerte der Künstler seinen unverwechselbaren Stil, und sein Werk spiegelt seine fortwährenden formalen künstlerischen Untersuchungen wider. Im Jahr 2005 wurde er zum Ritter der Ehrenlegion ernannt, und 2014 eröffnete er die Venet Foundation, ein Museum und Archiv für sein Werk. Im Jahr 2023 jährt sich der 60. Jahrestag von Venets bahnbrechendem Werk Tas de charbon (1963) aus Holzkohle, das den Beginn seiner akribischen Forschungspraxis einläutete. Bernar Venet wurde in Alpes-de-Haute-Provence geboren, lebt und arbeitet aber seit 1966 in New York. In seinem Werk hat er sich mit einer Vielzahl von Medien auseinandergesetzt - Skulptur, Malerei, Fotografie, Film, Performance, Musik und Design -, wobei er stets den Wunsch hegte, dass seine Werke Fragen aufwerfen und der Kunstwelt etwas Neues bringen sollten. Im Jahr 2011 stellte der Bildhauer monumentale Werke in den Gärten von Versailles1 und in der Domaine de Marly auf. Venets Werke befinden sich in den Sammlungen renommierter Museen wie dem Museum of Modern Art, New York; dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York; der National Gallery of Art, Washington; dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington und dem Museum of Contemporary Art, Chicago. Bis heute hat er mehr als 30 monumentale Werke und öffentliche Skulpturen in Städten auf der ganzen Welt installiert, darunter Paris, Berlin, Tokio und Denver. Er hat an der documenta 6 und der 56. Biennale von Venedig teilgenommen. Biennale in Venedig teilgenommen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, den Orden als Chevalier de la Légion d'Honneur und das International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Jüngste Ereignisse: 2021 Große Ausstellung "L'hypothèse de la gravité" im Louvre-Lens im Sommer und die RELIEFS-Ausstellung in der Galerie der Stadt Tuttlingen in Deutschland. Zahlreiche Veröffentlichungen in diesem Jahr, angefangen mit dem Katalog der Ausstellung im Louvre-Lens, der bei Skira erschienen ist, sowie Bücher über den Tas de charbon (Holzkohlenhaufen), eine Studie über Venets Arbeiten auf Papier (Dessins), ein Werkverzeichnis über das gesamte fotografische Schaffen des Künstlers und schließlich ein Buch über die Venet-Stiftung. Jahr 2022: eine fünfmonatige Retrospektive in der Kunsthalle Tempelhof in Berlin, die den Werdegang des Künstlers von 1961 bis 2021 anhand von Performances, Gemälden und Skulpturen auf 8.000 m2 zeigt. Ein Katalog zur Ausstellung erscheint bei éditions Dilecta. Veröffentlichung der Biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, von Catherine Francblin (éditions Gallimard), und eines Werkverzeichnisses über das fotografische Werk des Künstlers (éditions Marval-Rue Visconti), begleitet von fotografischen Abzügen in seiner Galerie. Die Ausstellung "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" im Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), kuratiert von Direktor Michaël Batalla, wird von Dichterlesungen und einer Konferenz begleitet. Ausstellung bei Waddington Custot (London) mit Venets Arbeiten zu Winkeln. Ausstellung bei Kasmin (New York), wo er das Stück Accident aufführt und zu dem ein Ausstellungskatalog (mit einem Text von Maurice Fréchuret) veröffentlicht wird. 2023 Ausstellungen in den drei Pariser Galerien von Perrotin, wo Venet neue Gemälde, GRIBS, Arbeiten auf Papier sowie eine Doppelinstallation von Arches auf dem Place Vendôme (kuratiert von Jérôme Sans) präsentiert, gefolgt von Vorträgen mit Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer und Catherine Francblin. Der Kohlenmeiler

Schätzw. 70 000 - 90 000 EUR

Los 5 - JAN FABRE (Antwerpen, Belgien, 1958). "De blikopener", 2017. Skulptur aus Silikonbronze. Exemplar 8/35. Signiert und nummeriert. Mit Stempel von Art Casting Belgium. Beigefügtes Zertifikat vom Künstler unterzeichnet. Maße: 108 x 45 x 30 cm; 178 cm (Höhe mit Sockel). Diese Skulptur gehört zu einer Reihe von realistisch ausgeführten Bronzestücken in polierter und glänzender Ausführung, bei denen die dargestellten Figuren, die oft die Züge des Künstlers selbst annehmen (wie in diesem Fall), Utensilien halten, die als metaphorische Attribute der Rolle des Künstlers fungieren. Die Figur trägt eine Anzugsjacke und hält in ihrer rechten Hand einen Dosenöffner. Das Objekt scheint auf die Rolle des Künstlers hinzuweisen, dessen Aufgabe es ist, die Realität zu durchdringen, "die Augen zu öffnen", die Welt zu perforieren und mit Vorurteilen zu brechen. "De Blikopener" wurde im Palazzo Merulana in Rom im Rahmen der Ausstellung "Jan Fabre. Der Rhythmus des Gehirns", kuratiert von Achille Bonita Oliva und Melania Rossi. Jan Fabre ist Dramatiker, Regisseur, Choreograph und bildender Künstler. Er studierte am Städtischen Institut für dekorative Künste in Antwerpen und an der Königlichen Akademie der Schönen Künste. Zwischen 1976 und 1980 schrieb er seine ersten Texte für das Theater. 1978 fertigte er während der Soloperformance My Body, My Blood, My Landscape Zeichnungen mit seinem eigenen Blut an. 1980 schuf er den "Bic-Art Room" als Opposition zur "Big Art"; er schloss sich für drei Tage und Nächte in einem weißen, mit Objekten gefüllten Kubus ein und zeichnete mit blauen Bic-Stiften. 1986 gründete er Troubleyn/Jan Fabre, ein Theaterensemble mit umfangreichen internationalen Projektionen. Seit 1998 ist er Mitglied der Königlichen Flämischen Akademie der Wissenschaften und Künste von Belgien und ist Kommandeur des Ordens von Leopold II. Im Jahr 2008 wurde der Engel der Metamorphose im Louvre-Museum ausgestellt, eine Ausstellung, die von Königin Paola von Belgien eröffnet wurde. Er schmückte die Decke des Spiegelsaals des Königlichen Palastes in Brüssel, die er Himmel der Lüste nannte und die aus 1600.000 Käfer-Elytren besteht, was weithin gelobt wurde. Außerdem schuf er Totem, die Skulptur eines riesigen Insekts, das von einem dreiundzwanzig Meter hohen Stahlturm durchbohrt wird, auf dem Ladeuzeplein in Leuven. Die Skulptur wurde 2005 anlässlich des 575-jährigen Bestehens der historischen Universitätsbibliothek von Leuven aufgestellt.

Schätzw. 100 000 - 120 000 EUR

Los 6 - KEITH HARING (Pennsylvania, 1958- New York, 1990). "Tanz", 24. April 1988. Tinte auf Papier. Einzigartiges Stück. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 77 x 111 cm; 95 x 130 cm (Rahmen). 1988 befand sich Keith Haring auf dem Höhepunkt seines Ruhms. In diesem Jahr gruppierten sich seine schematischen Figuren in tanzenden Familien, die manchmal organisch anmutende Türme bildeten (in der Serie "Growing" sind die Körper wie pflanzliche Formen miteinander verbunden), oder die Figuren waren horizontal ausgerichtet, winkten mit Armen und Beinen und hielten sich an den Schultern fest, wie in dieser wichtigen Originalzeichnung "Dance". Haring verkehrte in der Clubszene von Downtown Manhattan. Die tanzenden Figuren trinken aus diesem zeitgenössischen urbanen Umfeld und greifen gleichzeitig die hedonistische und animistische Tradition der Verschmelzung von tanzenden Körpern mit der Natur auf. Wir verweisen auf archaische Rituale und die dionysischen Tänze der Mänaden und Satyrn. Aber Haring muss auch an Matisse und seinen Chor der nackten Tänzerinnen gedacht haben, die die Rückkehr zu einem mythischen goldenen Zeitalter feiern. Tatsächlich erinnert Haring auch an eine Art primitive Reinheit und wählt einen synthetischen, vorklassischen Strich, mit dem er eine falsche Vorstellung von Fortschritt hinwegfegt. Mit dieser Kombination von Einflüssen und Vorbildern hat der Künstler einen eigenen Stil entwickelt, der ihn unsterblich machen sollte. Seine heiteren Figuren mit einfachen Strichen revolutionieren die Kunstwelt. Haring, der in den 1980er Jahren als Aushängeschild der urbanen Kunst gilt, begann seine unaufhaltsame Karriere, die ihn zum Warhol-Kollegen und Medien-Superstar werden ließ, mit seinen Arbeiten in der New Yorker U-Bahn. Die enorme Popularität von Harings urbanen Arbeiten bei der New Yorker Bevölkerung erregte sofort die Aufmerksamkeit des Kunstestablishments. So nahm Andy Warhol ihn in seinen Kreis auf, und der damals aufstrebende Galerist Tony Shafrazi organisierte 1982 eine durchschlagende Einzelausstellung für ihn, die den Grundstein für seinen unaufhaltsamen Erfolg legen sollte. Schon bald stellte er seine Werke in der Galerie des einflussreichen Leo Castelli aus und etablierte sich als professioneller Kunststar. Keith Haring war ein amerikanischer Künstler, dessen Pop Art und Graffiti in den 1980er Jahren aus der Straßenkultur von New York City hervorgingen. Seine Popularität verdankt Haring seinen spontanen Zeichnungen in der New Yorker U-Bahn mit Kreide auf schwarz-weißem Werbeflächenhintergrund. Nachdem er öffentliche Anerkennung erlangt hatte, schuf er großformatige Werke als Wandmalereien, die später oft politische und soziale Themen, insbesondere Homosexualität und AIDS, durch seine eigene Ikonographie aufgriffen. Heute befinden sich Harings Werke in großen privaten und öffentlichen Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art und das Whitney Museum of American Art in New York City, das Los Angeles County Museum of Art, das Art Institute of Chicago, das Bass Museum in Miami, das Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, das Ludwig Museum in Köln und das Stedelijk Museum in Amsterdam. Er schuf auch eine Vielzahl öffentlicher Werke, darunter die Krankenstation im Children's Village in Dobbs Ferry, New York, und die Männertoilette im zweiten Stock des Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center in Manhattan, die später in ein Büro umgewandelt wurde und als Keith Haring Room bekannt ist. Im Januar 2019 wurde eine Ausstellung mit dem Titel "Keith Haring New York" an der New York Law School im Hauptgebäude des Tribeca-Campus eröffnet.

Schätzw. 500 000 - 550 000 EUR

Los 7 - "Ben", BEN VAUTIER (Neapel, 1935). "J'ose le rose", 2011. Acryl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Beigefügtes Zertifikat mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 100 x 81 cm. Obwohl Ben Vautiers Werk verschiedene Formen und Ausdrucksweisen angenommen hat (Performance, Skulptur, Malerei...), sind es die mit einer charakteristischen Kalligrafie geschriebenen Textbotschaften, die die größte Resonanz gefunden haben. Es sind textbasierte Gemälde, die den Betrachter mit eindringlichen und provokativen Sätzen wie "Der Tod existiert nicht" direkt ansprechen. "Jose le rose", geschrieben auf einem leuchtend rosafarbenen Hintergrund, könnte unter anderem eine Anspielung auf Duchamp und sein Pseudonym "Rose Sélavy" sein, das wiederum ein Wortspiel mit "C'est la vie" ist. Er gilt als einer der Pioniere der Konzeptkunst und war neben seiner Tätigkeit als bildender Künstler auch ein Agitator und Kunstkritiker, der sich für soziale Gerechtigkeit und Multikulturalismus interessierte. Für ihn muss jede Kunst einen Schock bedeuten, eine intensive Emotion oder Reaktion hervorrufen. Benjamin Vautier wurde in Neapel geboren und zog 1949 mit seiner Mutter nach Südfrankreich. Im Jahr 1958 gab Vautier seine Stelle in einer Buchhandlung auf und eröffnete ein Schreibwaren- und Schallplattengeschäft. Von 1958 bis 1973 leitete er das Labor 32 (Le Magasin) und schuf damit einen salonartigen Treffpunkt, an dem neue Ideen diskutiert werden konnten. In dieser Zeit lernte Vautier Yves Klein, John Cage und George Macunias kennen und beteiligte sich an den Anfängen der Fluxus-Bewegung. In den 1960er Jahren reiste er nach New York, wo er an den Aktionen der Fluxus-Gruppe teilnahm. Sein Werk wird auch vom Konzeptualismus und Minimalismus geprägt, die für seine Auffassung von Kunst, die für ihn kein Zweck, sondern ein Mittel, eine Form der Kommunikation ist, von wesentlicher Bedeutung sind. Vautiers Fluxus-Arbeiten drehen sich darum, Kunst als eine Praxis zu definieren, die das Leben, die Objekte und die Philosophie vereint. "Was ist Kultur? Kultur ist ein Märchen, das wir geschaffen haben. Sie kann manipulativ sein", erklärte er. "Der Zweck der Kultur ist es, sowohl die Armen als auch die Reichen zu unterhalten". In den folgenden Jahrzehnten schuf der Künstler weitere Werke über das alltägliche Leben, während er sich gleichzeitig für die Rechte von Minderheiten in Frankreich einsetzte. Er lebt und arbeitet weiterhin in Nizza, Frankreich. Heute befinden sich Vautiers Werke u. a. in den Sammlungen des Museum of Modern Art in New York, des Walker Art Center in Minneapolis, des Centre George Pompidou in Paris und der National Gallery of Victoria in Melbourne.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 8 - WIM DELVOYE (Belgien, 1965). "Trophäe", 2011. Schwarz lackierte, vergoldete Bronze. Exemplar 2/3. Signiert und gerechtfertigt auf dem Sockel. Beigefügtes Zertifikat vom Künstler unterzeichnet. Maße: 50 x 108 x 32 cm. Die enge Beziehung von Wim Delvoye zu Tieren zeigt sich nicht nur in dem ausgeschriebenen Werk, das zwei kopulierende Rehe zeigt. Bereits 1994 tätowierte der belgische Künstler sieben Schweine, die er selbst in der Nähe von Peking aufgezogen hatte (es ist erwähnenswert, dass diese Aktion eine grundlegende Debatte über die Behandlung von Tieren und die ethischen Grenzen in der zeitgenössischen Kunst auslöste. Insbesondere löste sie einen Aufschrei von Tierschützern aus). Weitere Exemplare von "Trophy" (aus anderen Materialien und in anderen Maßen) wurden in Museen und Institutionen auf der ganzen Welt ausgestellt, so zum Beispiel im MUDAM in Luxemburg oder in der Ausstellung "Wim Delvoye au Louvre" in der französischen Kunstgalerie. Wim Delvoye ist ein belgischer neokonzeptioneller Künstler, der für seine originellen und oft schockierenden Projekte bekannt ist. Ein Großteil seines Werks konzentriert sich auf den Körper. Wie der Kritiker Robert Enright in der Kunstzeitschrift Border Crossings schrieb, "beteiligt sich Delvoye an einer Art, Kunst zu machen, die unser Verständnis davon, wie Schönheit geschaffen werden kann, neu ausrichtet." Wim Delvoye hat ein eklektisches Oeuvre, das sein Interesse an einer Reihe von Themen zeigt, von Körperfunktionen und Skatologie bis hin zur Funktion der Kunst in der heutigen Marktwirtschaft und zahlreichen Themen dazwischen. Er lebt und arbeitet in Gent (Belgien). Er wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Gent) ausgebildet. Bald darauf begann Delvoye, Tapeten zu übermalen, bestehende Muster zu kolorieren und den Wert des freien Ausdrucks in Frage zu stellen, der in der Kunstwelt jener Zeit schwang. Delvoye sieht sich selbst als Schöpfer von Konzepten. Nach 1990 haben Spezialisten unter der Leitung von Delvoye die meisten seiner Arbeiten ausgeführt. 1992 erhielt er internationale Anerkennung mit der Präsentation seines "Mosaiks" auf der Documenta IX, einer symmetrischen Ausstellung von Fliesen, die mit Fotos seiner eigenen Exkremente glasiert waren. Der Organisator der Documenta IX, Jan Hoet, sagte: "Wim Delvoyes Stärke liegt in seiner Fähigkeit, Konflikte zu erzeugen, indem er bildende Kunst und populäre Kunst miteinander verbindet und Ernsthaftigkeit gegen Ironie ausspielt." Drei seiner bekanntesten Projekte sind "Cloaca", "Art Farm" und eine Reihe von gotischen Werken. Delvoye ist vielleicht am bekanntesten für seine Verdauungsmaschine Cloaca, die er im Museum voor Hedendaagse Kunst in Antwerpen präsentierte, nachdem er sich acht Jahre lang mit Experten aus den Bereichen Sanitärtechnik und Gastroenterologie beraten hatte. In einer Ausstellung 2013 in New York zeigte Delvoye komplizierte lasergeschnittene Werke, die architektonische und figurative Referenzen mit Formen wie einem Möbiusband oder einem Rorschach-Tintenklecks kombinierten. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen in Museen in ganz Europa, darunter im Centre Georges Pompidou, Paris, und im MUHKA, Antwerpen (beide 2000), und war Teilnehmer der 48. Biennale von Venedig (1999) und der documenta IX (1997).

Schätzw. 60 000 - 70 000 EUR

Los 9 - PETER HALLEY (New York, 1953). "Das orangefarbene Gefängnis", 2013. Acryl, Day-Glo Acryl und Roll-a-Tex auf Leinwand. Beigefügtes Zertifikat vom Künstler signiert. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 91,4 x 91,4 cm. Mit "Orange prison" setzt Peter Halley seine Forschung über die Dualität zwischen Geometrie und Gefängnis fort. Dies war sein Lebensprojekt, sein großer Beitrag zur Geschichte der zeitgenössischen Kunst: die meisterhafte konzeptionelle und formale Wendung, die er der geometrischen Abstraktion gab. In den achtziger Jahren begann Halley, die geometrisch-abstrakte Kunst (in der minimalistischen Tradition von Donald Judd und Frank Stella) zu überarbeiten. In seiner Serie der Piped Cells führte er die Idee von Leitern ein, die Gefängniszellen miteinander verbinden, als Metaphern für die institutionelle Regulierung des Lebens. Es handelt sich um abstrakte Darstellungen der postindustriellen Landschaft, in denen die unsichtbare Geometrie, die der sozialen Welt zugrunde liegt, zum Ausdruck kommt. Halley lässt sich von Künstlern wie Piet Mondrian, Josef Albers und Donald Judd inspirieren, aber seine Anliegen sind entschieden zeitgenössisch: Seine Diagramme evozieren die Entfremdung von Gefängnissen, Stadtleben und Technologie. Er verwendet strukturierte Industriefarbe (Roll-a-Tex) und Day-Glo-Acrylfarbe (die bereits von Pop-Künstlern verwendet wurde), die dazu beiträgt, künstliches Licht zu erzeugen. Halley trägt seine fluoreszierenden Farben mit einer Rolle und nicht mit einem Pinsel auf, um keine Spuren der Hand des Künstlers zu hinterlassen. Halleys Werke haben bei Auktionen bis zu sechsstellige Preise erzielt und befinden sich in den Sammlungen des Art Institute of Chicago, des Museum of Modern Art, der Tate und des Centre Pompidou. Peter Halley ist einer der einflussreichsten Künstler der internationalen Szene. In den frühen 1980er Jahren wurde er mit seiner geometrischen Malerei in leuchtenden Taglilienfarben bekannt. Sein malerisches Schaffen wird oft mit Minimalismus, Neo-Geo und Neo-Konzeptualismus in Verbindung gebracht. Halley ist auch als Schriftsteller, Herausgeber und Lehrer bekannt. Er erwarb seinen BA an der Yale University und 1978 seinen MFA an der University of New Orleans. Halley stellte erstmals 1985 bei International with Monument aus, einer Galerie im East Village, NY, die er 1984 mit Jeff Koons, Ashley Bickerton und Meyer Vaisman gegründet hatte. Seitdem hatte er Ausstellungen in der Mary Boone Gallery, der Sonnabend Gallery, der Galerie Bruno Bischofberger, der Jablonka Galerie, der Galerie Thaddeus Ropac und den Waddington Galleries. Seine erste große Ausstellung fand 1992 im CAPC-Museum in Bordeaux statt. Halley ist auch ein bekannter Dozent, der am Art Institute of Chicago und an der American Academy in Rom Vorlesungen gehalten hat. Außerdem ist er Mitbegründer und Herausgeber des Index Magazine. Seine vom französischen Poststrukturalismus beeinflussten Abhandlungen über Kunst wurden in zwei Bänden veröffentlicht. Seit 2001 ist er Leiter der Studios für Malerei und Druckgrafik an der Yale School of Art. Seine Werke sind unter anderem im MoMA, im Guggenheim in NY, im San Francisco Museum of Modern Art und in der Tate Gallery zu sehen.

Schätzw. 60 000 - 70 000 EUR

Los 10 - SAM FRANCIS (San Mateo, Kalifornien, 1923 - Santa Monica, Kalifornien 1994). Ohne Titel, 1974. Acryl auf Papier. Signiert und datiert auf der Rückseite. Beigefügt ist eine Bescheinigung der Samuel Vanhoegaerden Gallery, aus der hervorgeht, dass das Werk bei der Sam Francis Foundation registriert ist. Maße: 46 x 46 cm; 59 x 59 cm (Rahmen). In den frühen siebziger Jahren widmete sich der kalifornische Maler Sam Francis dem Studium der Jung'schen Psychoanalyse und setzte seine eigenen Träume in Bildmaterial um. Das vorliegende Werk ist in dieser Linie der Schaffung unbewusster Bilder angesiedelt, die mit der Rolle aufgetragene Farbstreifen mit Tropfen und Spritzern von entzündetem Pigment kombinieren. Einige Kritiker nannten sie "Frischluftbilder", und sie wurden von einer darunter liegenden Matrix gebildet, die er als Wandteppich aus sich überlagernden Abdrücken und Tropfungen gestaltete. Franziskus war daran interessiert, dem Zufall und dem Automatismus der Gesten Raum zu geben, um den Puls der Seele auszudrücken. San Francis studierte von 1941 bis 1943 Botanik, Medizin und Psychologie an der UC Berkeley in Kalifornien und diente während des Zweiten Weltkriegs von 1943 bis 1945 in der United States Air Force, bevor er bei einem Flugzeugabsturz verletzt wurde. Er verbrachte mehrere Jahre im Krankenhaus und begann in dieser Zeit auf Drängen seines Freundes David Parks, eines Professors an der San Francisco School of Fine Arts, zu malen. Nach seiner Entlassung aus dem Krankenhaus kehrte er nach Berkeley zurück, diesmal um Kunst zu studieren. Sein Studium der Malerei und Kunstgeschichte dauerte von 1948 bis 1950. Francis' Frühwerk ist direkt von den abstrakten Expressionisten wie Rothko, Gorki und Still beeinflusst. In den 1950er Jahren hält er sich in Paris auf, wo er 1952 seine erste Einzelausstellung in der Galerie Nida Dausset hat. In den fünfziger und sechziger Jahren machte er wichtige Einzelausstellungen und nahm an Gruppenausstellungen in der Galerie Ribe Droite (Paris, 1955), Martha Jackson (New York, 1956), Gimpel Fils (London, 1957), der Ausstellung "New American Painting", die durch acht europäische Städte tourte (1958), der Documenta in Kassel (1959 und 1964) und der Kunsthalle in Bern und Düsseldorf teil. 1963 ließ er sich in Santa Monica, Kalifornien, nieder, und sechs Jahre später wurde er von der Universität Berkeley zum Doctor Honoris Causa ernannt. In dieser Zeit, zwischen 1960 und 1963, schuf er mehrere Werkserien, darunter die "Blue Balls"-Serie. Diese Werke, die überwiegend aus biomorphen blauen Formen und Tropfen bestehen, verweisen auf den Schmerz, den die Nierentuberkulose, an der er 1961 erkrankte, verursachte. Er malte weiter, vor allem in Los Angeles, aber auch in Tokio, wo er vor allem 1973-4 lebte. 1965 begann Francis mit einer Reihe von Gemälden, die sich durch große offene Leinwandflächen, minimale Farben und starke Linien auszeichneten. Sein Werk entwickelte sich weiter, nachdem er 1971 eine intensive jungianische Analyse bei Dr. James Kirsch begonnen hatte. Nach 1980 verschwand die formale Gitterstruktur allmählich aus Francis' Werk. Er war als Grafiker äußerst aktiv und schuf zahlreiche Radierungen, Lithografien und Monotypien, von denen viele in seiner eigenen Litho-Werkstatt in Santa Monica hergestellt wurden. 1984 gründete Francis The Lapis Press mit dem Ziel, ungewöhnliche und aktuelle Texte in visuell ansprechenden Formaten zu produzieren.

Schätzw. 45 000 - 55 000 EUR

Los 11 - DAVID HOCKNEY (Vereinigtes Königreich, 1937). "Mein Fenster". Giclée auf Papier. Ausgabe 217/250. 2010 enthüllte David Hockney eine fesselnde iPad-Kreation mit dem Titel "untitled No. 281, July 23, 2010". Auflage 2019. Maße: 56 x 43 cm. Innovativ bis zum Schluss, hat der renommierte britische Künstler David Hockney in den letzten Jahrzehnten das iPad als neues künstlerisches Medium entdeckt. In seinen Werken nimmt das Fenster einen wichtigen Platz ein, sei es, dass es physisch erscheint, wie in diesem Fall, oder dass er, auch wenn es nicht erscheint, die Landschaft malt, die er aus dem Fenster seines Hauses in der Normandie, Frankreich, betrachtet. Er hat sogar eine Publikation, die seine Zeichnungen mit dem iPad sammelt, "The Window" genannt. Hockney nutzte die Möglichkeiten des iPads, um Werke mit einer charakteristischen Lebendigkeit zu schaffen. Er verwendete dicke Linien und satte Farben, die an seine früheren Gemälde erinnerten. Zunächst nutzte Hockney das iPad, um zu zeichnen und Farben zu erkunden. Dann übertrug er diese digitalen Werke auf große Leinwände und erreichte damit eine neue Dimension. Das iPad bot Hockney ein praktisches und tragbares Werkzeug für den künstlerischen Ausdruck. Diese Freiheit ermöglichte ihm Experimente und eine spontanere Herangehensweise. Es sind Zeichnungen, die die Lebensfreude mit einer zeitgenössischen Sprache feiern. Hockneys iPad-Zeichnungen zeigen nicht nur seine Anpassungsfähigkeit als Künstler, sondern verdeutlichen auch das enorme kreative Potenzial des digitalen Mediums. Der multidisziplinäre britische Künstler David Hockney war in den 1960er Jahren eine Schlüsselfigur der britischen Pop-Art und gilt heute als einer der einflussreichsten britischen Pop-Künstler des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. 1963 gab er sein Solodebüt, und nur sieben Jahre später, 1970, widmete ihm die Whitechapel Gallery in London seine erste große Retrospektive. In jüngerer Zeit wurden ihm wichtige Ausstellungen gewidmet, wie etwa die Porträtausstellung in der National Portrait Gallery in London im Jahr 2006. Sein Werk wurde in der ganzen Welt ausgestellt und ist derzeit unter anderem in der Royal Collection, der Royal Academy, dem Victoria & Albert und dem British Museum in London, dem Museo Reina Sofia in Madrid, dem SMAK in Gent, dem J. Paul Getty in Los Angeles und dem Art Institute of Chicago vertreten.

Schätzw. 15 000 - 20 000 EUR

Los 12 - ANDY WARHOL (Pittsburgh, USA, 1928 - New York, USA, 1987). "Robert Mapplethorpe", 1983. Siebdruck auf Karton des Lenox Museums. Einzigartiges Stück. VF initialisiert (Vincent Fremont), gestempelt Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, nummeriert UP41.77 und gestempelt Estate of Andy Warhol. Mit Etikett der Galerie Jablonka Maruani Mercier. Beigefügtes Zertifikat der Galerie Maruani. Provenienz: Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, New York Ikon/Kay Richards Gallery, Santa Monica. Bibliographie: Frayda Feldman und Jorg Schellmann, Andy Warhol Prints, A Catalog Raisonné 1962-1987, München-NY 1997, S.225, no. IIIA.26, zwei weitere Beispiele in Farbe abgebildet. Maße: 102 x 102 cm; 130,5 x 128 cm (Rahmen). Im Gegensatz zu anderen prominenten Siebdrucken von Warhol ist das Porträt des Fotografen Robert Mapplethorpe eine Antwort auf die enge Verbindung zwischen den beiden Künstlern, die ein gemeinsames Umfeld und gemeinsame Interessen hatten. In gewisser Weise beeinflusste die Pop-Art-Ikone den jungen Fotografen. Sie lernten sich Anfang der siebziger Jahre kennen, und Mapplethorpe porträtierte auch Warhol und die Persönlichkeiten, die im Umfeld von The Factory verkehrten: Künstler, Komponisten und Models aus dem New Yorker Untergrund. Im Gegensatz zu den farbenfrohen Serigraphien wählt Warhol hier Grautöne als Anspielung auf das Schwarz-Weiß von Mapplethorpes erotischen Fotografien. Es handelt sich um ein einzigartiges Werk, das nicht wie andere Siebdrucke des Künstlers mit der Idee der mechanischen Serialität konzipiert wurde. Mapplethorpe, der vor allem durch seine umstrittenen Bilder in Erinnerung geblieben ist, hat die Grenzen der Fotografie sowohl bei der Wahl des Themas als auch bei der Technik überschritten. In den 1970er und 1980er Jahren erlangte er durch seine Fotografien von männlichen Akten und sexuell eindeutigen Bildern Berühmtheit. Mapplethorpe wurde schon früh in seiner Karriere von Warhol beeinflusst, und sein Umzug nach Manhattan im Jahr 1969 war ein weiterer Schritt, um sich mit Warhol anzufreunden und möglicherweise sogar seinen Lebensstil nachzuahmen. Auch als Mapplethorpe selbst in der New Yorker Kunstszene berühmt wurde, betrachtete er Warhol immer noch als einen der wichtigsten lebenden Künstler. Beide Künstler teilten ein starkes Interesse an Porträts, und während Warhol Dokumente von Berühmtheit und Glamour schuf, konzentrierte sich Mapplethorpe auf die Ästhetik des Körpers. Sie hatten auch eine ähnliche Herangehensweise an die Schaffung von Kunstwerken, wobei beide Künstler die kreative Kraft hinter der Kamera waren und das Studiopersonal an der Produktion der Kunstwerke arbeitete. Die Freundschaft zwischen den beiden entwickelte eine echte Intimität und führte zur Produktion gegenseitiger Kunstwerke. 1983 schuf Mapplethorpe vier Porträts von Andy Warhol (ein Exemplar davon befindet sich in der Sammlung der Tate Modern in London) und Warhol eine Serie von Siebdrucken des Fotografen, die Mapplethorpe als ultimatives Symbol seines eigenen Erfolgs betrachtete. Das vorliegende Werk ist Teil dieser Erzählung, die die beiden bahnbrechenden amerikanischen Ikonen zusammenbringt. Andy Warhol war ein amerikanischer bildender Künstler, Filmemacher und Musikproduzent, der eine entscheidende Rolle bei der Entstehung und Entwicklung der Pop Art spielte. Warhol galt seinerzeit als Guru der Moderne und war einer der einflussreichsten Künstler des 20. Der Sohn slowakischer Einwanderer begann sein Kunststudium am Carnegie Institute of Technology zwischen 1945 und 1949. Im letzten Jahr, als er sich bereits in New York niedergelassen hatte, begann er seine Karriere als Werbegrafiker für verschiedene Zeitschriften wie Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen und The New Yorker. Gleichzeitig malte er Leinwände, deren Thema auf einem Element oder Bild aus dem alltäglichen Umfeld, der Werbung oder Comics basierte. Bald stellte er in verschiedenen Galerien aus. Nach und nach entfernte er alle expressionistischen Züge aus seinen Werken, bis er das Werk auf eine serielle Wiederholung eines populären Elements aus der Massenkultur, der Konsumwelt oder den Medien reduzierte. Diese Entwicklung erreichte 1962 ihren höchsten Grad an Entpersönlichung, als er begann, ein mechanisches Siebdruckverfahren als Arbeitsmethode zu verwenden, mit dem er systematisch Mythen der zeitgenössischen Gesellschaft reproduzierte. Die repräsentativsten Beispiele dafür sind die Serien, die Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor oder Mao Tse-tung gewidmet sind, sowie seine berühmte Bearbeitung von Campbell's Suppendosen, alles Werke, die während des fruchtbaren Jahrzehnts der 1960er Jahre entstanden. Diese Aneignung, eine Konstante in den Werken der Vertreter der Pop Art, dehnt sich auf Kunstwerke mit universellem Charakter aus. Mit den Mitteln der Massenreproduktion gelang es ihm, die von ihm verwendeten Medienfetische ihrer üblichen Bezüge zu entkleiden und sie in stereotype Ikonen mit rein dekorativem Zweck zu verwandeln. 1963 gründete er die Factory, eine Werkstatt, in der sich zahlreiche Figuren der New Yorker Untergrundkultur um ihn scharten. Die Frivolität und Extravaganz, die seinen Lebensstil kennzeichnen, bilden schließlich eine kohärente Linie zwischen seinem Werk und seinem Lebensweg. Derzeit ist er in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst der Welt vertreten, wie dem MoMA, dem Met

Schätzw. 200 000 - 240 000 EUR

Los 13 - TOM WESSELMANN (Ohio, 1931 - New York, 2004). "Stillleben mit Blumen", 1988. Liquitex auf Papier. Signiert und datiert unten rechts. Beigefügt ist eine von Claire Wesselmann unterzeichnete Bescheinigung des Wesselmann-Nachlasses, aus der hervorgeht, dass es sich im Archiv befindet. Mit Stempel auf der Rückseite des Laurent Strou. von Paris. Der Schutz Methacrylat hat einige Kratzer. Abmessungen: 119 x 140 cm; 133 x 154 cm (Rahmen). So wie seine Aktbilder zu Pop-Art-Ikonen der sechziger Jahre wurden, greift Tom Wesselmann in seinen Blumenstillleben (die er vor allem in den achtziger Jahren schuf) die Kunstgeschichte auf ganz besondere Weise auf. Die Anspielungen auf Matisse und die fauve Kunst sind offensichtlich, während er das Erbe der Pop-Art radikalisiert. Er verwendet Primärfarben, um die Blumen auf ihre wesentlichen Formen herunterzubrechen. Die Verwendung eines unbeschwerten und naiven Stils im klassischen Genre des Stilllebens führt zu parteiischen Kommentaren über Dekorativismus und Kunst. Tom Wesselmann war ein amerikanischer Pop-Art-Maler. Er war einer der letzten großen amerikanischen Pop-Art-Meister, der vor allem für seine kühnen und auffälligen weiblichen Akte bekannt ist. Er schrieb sich 1951 für ein Psychologiestudium ein, wurde aber im folgenden Jahr zum Koreakrieg eingezogen. Dennoch wurde er schließlich in Fort Riley, Kansas, stationiert. Er zeichnete Comics über das Militärleben und variierte später seine Themen.2 Er verließ die Armee (1954), nahm sein Psychologiestudium wieder auf und machte 1956 seinen Abschluss. Zu diesem Zeitpunkt zog er nach New York, um sich dem Comic zu widmen. Er studierte bis 1959 an der Cooper Union School of Art and Architecture. Seine ersten Versuche als Maler, die unter dem Einfluss von Willem de Kooning standen, bewegten sich im abstrakten Expressionismus, der damals in Mode war. Im Jahr 1959 entstanden seine ersten abstrakten Collagen, doch schon bald interessierte er sich für die Figuration von Matisse, Van Gogh und Modigliani, und im folgenden Jahr malte er seine ersten figurativen Werke, darunter auch Landschaften. Seine erste Einzelausstellung fand 1961 in der Tanager Gallery in New York statt. Im selben Jahr begann er mit seinem umfangreichen Zyklus der Great American Nudes. Die ersten waren kleinformatige Collagen, aber die späteren wurden in Öl (Latin Oleum Oil) und mit Acrylfarben in großen Formaten ausgeführt. In einige von ihnen integrierte er reale Gegenstände. Eine Leinwand aus dieser Serie, Nude No. 1, 1970, hängt im Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid. Später entstanden Serien über Raucher sowie riesige Stillleben mit Elementen des täglichen Lebens, wie Haushaltsgeräte, Flaschen, Eiscreme. Er experimentierte mit Skulpturen, indem er ausgeschnittene Platten verwendete. Sein grafisches Werk ist umfangreich und umfasst mehrere Techniken (Lithografie, Serigrafie, Aquatinta). In den Jahren 1993-94 wurde ihm in Japan eine bedeutende Anthologie gewidmet. 1980 schrieb er eine Autobiografie unter dem Pseudonym Slim Stealingworth.

Schätzw. 240 000 - 260 000 EUR

Los 14 - ROBERT RAUSCHENBERG (Texas, USA, 1925 - Florida, USA, 2008). "Goat House (Passes)", 1988. Acryl und Siebdruckfarbe auf handgeschöpftem Papier. Signiert unten in der Mitte. Beigefügtes Zertifikat der Galerie Guy Pieters, aus dem hervorgeht, dass es bei der Robert Rauschenberg Foundation registriert ist. Mit Etiketten auf der Rückseite: - Ausstellung "New York auf Papier", Juni bis Oktober 1993, Galerie Beyeler Basel. - Ausstellung "Poesie in Bewegung", Juni-September 2007, Galerie Beyeler Basel. - M. Knoedler & Co. Abmessungen: 55 x 77 cm; 63,5 x 85 x 4 cm (Rahmen). Die 1980er Jahre markieren eine Periode der Transformation und des Experimentierens in Robert Rauschenbergs produktiver Karriere. Nach einer etablierten Karriere im Neo-Dadaismus und in der Pop Art begann der Künstler mit der Erforschung neuer Sprachen und widersetzte sich den Erwartungen mit Kombinationen von Techniken, die Malerei, Druckgrafik, Fotografie und Collage integrierten. Das Ergebnis ist ein visuelles und konzeptionelles Palimpsest, das in Werken wie "Goat House" unser Unterbewusstsein erschüttert und unsere Assoziationsfähigkeit anregt. In diesen Arbeiten experimentierte Rauschenberg mit fotografischen Übertragungen, indem er Bilder aus der Alltagswirklichkeit und der Presse in seine Werke einbezog und das Verhältnis zwischen dem Realen und dem Imaginären hinterfragte. Das Spalier des Hauses und das Gesicht eines afrikanischen Mannes fordern uns heraus und wecken unseren kritischen Sinn, aber der Künstler spielt mit Metaphern und Rätseln, ohne zu versuchen, eine geschlossene Idee zu vermitteln. Ebenso könnte die Anspielung auf die "Ziege" im Titel eine Anspielung auf sein emblematischstes Werk der fünfziger Jahre, "Monogram", sein, mit dem er seine schockierenden Kombinationsspiele einleitete. Robert Rauschenberg, Maler, Bildhauer und Grafiker, Pionier der Pop Art in seinen frühen Werken, arbeitete mit allen Medien, einschließlich Fotografie, Gravur und Performance. Er erhielt herausragende Auszeichnungen wie die National Medal of Art of the United States im Jahr 1993 und den Leonardo da Vinci World Award of Arts im Jahr 1995. Er begann seine Karriere in der Pharmazie und trat in die Armee ein, entschied sich aber schließlich, sich der Kunst zu widmen und seine Ausbildung am Kansas City Art Institute und an der Académie Julian in Paris zu vertiefen. Schließlich wird er sein Studium am Black Mountian College in North Carolina fortsetzen, wo er Josef Albers, einen der Gründer des Bauhauses, als Lehrer hatte. Zwischen 1949 und 1952 studiert Rauschenberg bei Vaclav Vytlacil und Morris Kantor an der Art Students League in New York, wo er Knox Martin und Cy Twombly kennenlernt. Im Laufe seiner Karriere veränderte sich Rauschenbergs Werk durch verschiedene Einflüsse, darunter Marcel Duchamp, erheblich. Er stellte seine Werke in führenden Galerien in den Vereinigten Staaten und Europa aus, beginnend mit seiner ersten Einzelausstellung im Jahr 1951. Anfang 1963 hatte er seine erste Retrospektive im Jüdischen Museum in New York, und im folgenden Jahr gewann er als erster amerikanischer Künstler den Großen Preis der Biennale von Venedig. In jüngerer Zeit hatte er Retrospektiven an prominenten Orten wie dem Solomon R. Guggenheim Museum in New York und Ausstellungen im MoMA in New York, dem Tinguely Museum in Basel und anderen. Derzeit ist er in den Guggenheim-Museen in New York, Berlin und Bilbao, im Art Institute of Chicago, im Metropolitan und im MoMA in New York, in der Tate Gallery in London und in anderen bedeutenden Sammlungen in aller Welt vertreten.

Schätzw. 100 000 - 120 000 EUR

Los 15 - MIMMO ROTELLA (Catanzaro, Italien, 1918 - Mailand, 2006). "Super Batman", 2003. Auf Leinwand aufgeklebte Décollage. Einzigartiges Werk. Signiert in der rechten unteren Ecke. Auf der Rückseite datiert und betitelt. Mit Etikett der Stiftung Mimmo Rotella. Das Centre Pompidou bewahrt eine andere Décollage desselben Films auf. Beigefügtes Zertifikat unterzeichnet von Guy Pieters, von der Galerie Pieters. Es hat Schäden im unteren Rand. Maße: 182 x 130 cm; 186 x 134 cm (Rahmen). Mit "Batman" beweist Mimmo Rotella einmal mehr seine unermüdliche Schaffenskraft und sein Engagement beim Experimentieren mit den neuen künstlerischen Sprachen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Der Italiener, der einst als Maler geometrischer Abstraktionen begann, demonstriert in dieser "Décollage" seinen künstlerischen Fortschritt und seinen ständigen Kontakt mit der ihn umgebenden Welt. Er verwendet Werbeplakate und alte Filmplakate, die er, nachdem er sie von den Wänden abgerissen hat, auf die Leinwand klebt, um halbabstrakte Kompositionen zu schaffen. Das für die Décollage gewählte Plakat stammt aus dem Film "Batman", einer Produktion von William Dozier mit Adam West (als Batman) und Burt Ward (in der Rolle seines Kumpels Robin) in den Hauptrollen. Mimmo Rotella ist ein multidisziplinärer Künstler, der mit so unterschiedlichen Techniken wie Malerei, Keramik, Tapisserie, Zeichnung, Grafik und Fotografie arbeitet. Er studierte an der Akademie der Schönen Künste in Rom und ging nach Kriegsende 1945 nach Rom, wo er mit der Avantgarde in Kontakt kam. Später zog er nach Paris und in die Vereinigten Staaten, und nach seiner Rückkehr nach Rom wandte er sich den Ausdrucksmöglichkeiten des Werbeplakats zu und entwickelte eine neue Technik, die Décollage. In Paris nahm er an den Erfahrungen des Noveau Rèalisme teil, und sein Interesse an der Poetik mechanischer Prozesse kam auch in der Schaffung von Mec-art zum Ausdruck, d. h. von Prozessen der seriellen Transkription des Bildes. Zurzeit ist er in Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Centre Georges Pompidou in Paris vertreten, neben vielen anderen.

Schätzw. 140 000 - 160 000 EUR

Los 16 - KAREL APPEL (Niederlande, 1921 - Schweiz, 2006). Ohne Titel, 1975. Acryl auf auf Leinwand aufgeklebtem Karton. Signiert in der unteren rechten Ecke. Beiliegendes Zertifikat unterzeichnet von Guy Pieters und Herrn Nieuwenhuizen-Segaar. Maße: 57 x 75,5 cm; 84 x 102 cm (Rahmen). Das Werk von Karel Appel zeichnete sich durch seine Farbgewalt und materielle Pastosität aus. Er schuf oft pseudo-menschliche oder mythologische Kreaturen wie die, mit der wir es zu tun haben, die als phobische Allegorien gelesen werden können. Der Primitivismus und die infantile oder naive Kunst werden von dem Künstler und seiner Gruppe CoBrA (die in den fünfziger Jahren gegründet wurde) wiederentdeckt, um die zivilisatorische Vernunft abzulehnen, die Europa in den Untergang geführt hatte. Appels Sprache basierte auf der Verbindung von expressionistischer Aggressivität und kindlicher Einfachheit in Verbindung mit dem Surrealismus. Er blieb immer innerhalb der Grenzen der Figuration. Karel Appel war Maler, Bildhauer und Grafiker und gilt heute als der lebendigste Künstler der Nachkriegsgeneration seines Landes. Zusammen mit Corneille, Jorn und Alechinsku gründete er 1948 die internationale Gruppe CoBrA, die für die Entwicklung und Verbreitung des europäischen Automatismus in den 1940er und 1950er Jahren entscheidend war. Während der Besetzung Hollands durch die Nazis irrte Apple durch das Land, um nicht nach Deutschland geschickt zu werden. 1946 hatte er seine erste Einzelausstellung in Groningen, in der bereits die Handschrift Dubuffets, mit dem er später bestimmte theoretische Konzepte teilen sollte, zu erkennen war. Seine ersten Skulpturen, die Pionierarbeit bei der Zusammenstellung von Abfallmaterialien leisten, stammen aus dem Jahr 1947. Einige Künstler, die die Strenge und das Sektierertum der surrealistischen Organisation ablehnten, gründeten die Gruppe CoBrA (Abkürzungen für Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam, Städte, aus denen Appel, Corneille und Constant stammten, die das Gründungsmanifest zusammen mit Jorn, Noiret und Dotremont unterzeichneten). Die CoBrA-Maler verfolgten eine eher spontane Arbeit, die sich auf lokale kulturelle Traditionen stützte und fantastische Bilder sammelte. Die Gruppe löste sich 1951 bald auf, aber einige ihrer Mitglieder, insbesondere Appel, Jorn und Alechinsky, hielten den Geist der Gruppe in den folgenden Jahrzehnten aufrecht. Ihre Malerei zeichnet sich durch eine große expressionistische Ladung aus, die mit den Figuren von Max Pechstein und Edward Munich, zwei der großen nordischen Expressionisten, verbunden ist. Sein Werk ist von dichtem Impasto und heftigen Farbspielen geprägt, die den unruhigen Charakter des nordischen Expressionismus kennzeichnen. Später entwickelte sich seine Sprache zu einer weicheren Linie, die sich dem Hand Edge Painting annäherte. Appel war ein unermüdlicher Künstler, der mehrere Sprachen erforschte: Skulptur, Keramik, Wandmalerei, Glasmalerei oder Gravur. Während seiner langen künstlerischen Laufbahn erhielt er zahlreiche Auszeichnungen und arbeitete mit Künstlern anderer Disziplinen wie dem Dichter Allen Ginsberg oder dem Choreografen Min Tanaka zusammen. Seine ersten Erfolge feierte er 1953 mit der Ausstellung im Palais des Beaux Arts in Brüssel und der Teilnahme an der Biennale von Sao Paulo (1959 kehrte er zurück und gewann den internationalen Preis für Malerei) sowie 1954, als er auf der Biennale von Venedig den UNESCO-Preis erhielt und in Paris und New York ausstellte. Appel ist unter anderem im Guggenheim Museum und im MoMA in New York, im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery in London, in der Albertina in Wien, im Thyssen-Bornemisza, in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig und im Museum der Schönen Künste in Dordrecht vertreten.

Schätzw. 40 000 - 50 000 EUR

Los 17 - PIERRE ALECHINSKY (Brüssel, 1927). "Vile Instinct", 1974. Acryl auf Papier, auf Leinwand aufgeklebt. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Beigefügtes Zertifikat, unterzeichnet vom Künstler und von Guy Pieters. Maße: 114 x 154 cm; 115,5 x 155,5 cm (Rahmen). Pierre Alechinsky hatte in den fünfziger Jahren mit Karel Appel und anderen Künstlern die Gruppe CoBrA gegründet. Der Wunsch, den Rationalismus und Purismus, der bestimmte Avantgarde-Strömungen beherrschte, zu überwinden, setzt sich in den Arbeiten fort, die Alechinsky in den folgenden Jahrzehnten entwickelt. Die Aggressivität der Geste, die feurige Palette, der heftige Strich und die Ablehnung des Realismus sind Suchbegriffe, denen Alechinsky in diesem Gemälde von 1974 treu bleibt. Der belgische Künstler wählte Titel, die sich auf Seelenzustände oder abstrakte Konzepte bezogen und die er mit der Symbolik der Farbe, der Textur und der ungestümen Geste in unterwerfende Kompositionen wie die hier vorliegende umsetzte. Der "niederträchtige Instinkt" wird so in einer zerreißenden Symphonie eingefangen, die uns von innen heraus aufwühlt. Pierre Alechinsky, Lithograph, Maler und Theoretiker, wurde an der École Nationale Supérieure d'Architecture et des Arts Décoratifs de la Cambre in Brüssel ausgebildet und zeigte sowohl Talent als auch Interesse für Illustration und Typographie. 1945 entdeckte er die Werke von Michaux, Dubuffet und den Surrealisten und schloss in dieser Zeit auch Freundschaft mit dem Kunstkritiker Jacques Putman. Er beginnt 1947 mit der Malerei und startet eine Karriere, in der sich bestimmte Merkmale des Expressionismus mit anderen des Surrealismus vermischen, beide begleitet von einem sehr persönlichen Stil. Ende der 1940er Jahre lernte er den Dichter Christian Dotremont kennen, der zu den Gründungsmitgliedern der Gruppe CoBrA (ein Akronym für Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam) gehörte. 1949 trat Alechinsky der Gruppe bei. Neben Alechinsky gehörten u. a. Karel Appel, Christian Dotremont und Asger Jorn zu dieser Gruppe. Er nahm auch an der ersten internationalen Ausstellung der Gruppe in Amsterdam teil und arbeitete an Gemälden mit Karel Appel und anderen Mitgliedern zusammen. Nach der Auflösung von CoBrA zog Alechinsky nach Paris, wo er im bekannten Atelier 17 mit der Druckgrafik experimentierte. Dort lernte er Giacometti, Bram van Velde und Victor Brauner kennen. 1954 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galerie Nina Dausset in Paris, wo er den Maler Walasse Ting kennenlernte, der einen wichtigen Einfluss auf ihn ausüben sollte. 1956 schuf er "Central Park", ein Acrylgemälde, das "Randbemerkungen" enthielt, ein Leitmotiv für einen Großteil seiner Produktion. Die erste Retrospektive seines Werks findet 1969 im Palais des Beaux-Arts in Brüssel statt. André Breton wählte dieses Werk 1966 für die internationale Ausstellung der surrealistischen Bewegung aus. Sein Werk wurde in Amsterdam, London, auf der Biennale von Venedig, in New York usw. ausgestellt und befindet sich in wichtigen Privatsammlungen und Institutionen wie der Marion Lefebre Collection in Los Angeles, der Galerie Leolong in Paris, dem Museo Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, dem MoMA usw.

Schätzw. 150 000 - 200 000 EUR

Los 18 - PIERRE ALECHINSKY (Brüssel, 1927). "Iran und Kaspisches Meer", 1980-1990. Acryl auf Papier, auf Leinwand aufgeklebt. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Signiert auf dem Keilrahmen. Beigefügtes, vom Künstler ausgestelltes und unterzeichnetes Zertifikat. Maße: 108 x 146 cm; 124 x 162 cm (Rahmen). Auf der Grundlage einer geografischen Karte, die sich auf das Gebiet des Iran und des Kaspischen Meeres konzentriert, entfaltet Alechinsky sein Imaginäres und greift in vereinfachter Weise in dieses ein, indem er bestimmte Zonen abgrenzt und andere figurativ "überflutet". Dieses Werk gehört zu seiner Serie von "Randbeobachtungen", kleinen Vignetten am Rande des Bildes, die zu einem Hauptmerkmal seiner Produktion werden. Die Serie lässt sich verstehen, wenn man bedenkt, dass sie aus einem Vokabular stammt, das mit dem Buchdruck zusammenhängt. "Die Graveure, die mit dem Stichel oder der Kaltnadel auf eine Kupferplatte zeichnen mussten, testeten ihr Werkzeug am Rand der Platte; indem sie sich gehen ließen, skizzierten sie oft ein kleines Bild. Was mich betrifft, so erklärt dies manchmal das, was im Mittelpunkt des Werks steht, manchmal begleitet es es, es gewinnt an Bedeutung...", erklärt der Künstler selbst. Er fährt fort: "Der Künstler ist sich dessen nicht bewusst, aber indem er die zentrale Figur mit anderen kleineren Zeichnungen einrahmt, schafft er ein authentisches bildnerisches Mittel, das die Grenze des Gemäldes annimmt und sie schützt, unseren Blick anzieht und ihn festhält". Der Lithograf, Maler und Theoretiker Pierre Alechinsky absolvierte seine Ausbildung an der École Nationale Supérieure d'Architecture et des Arts Décoratifs de la Cambre in Brüssel und zeigte dabei sowohl Begabung als auch Interesse für Illustration und Typografie. 1945 entdeckte er die Werke von Michaux, Dubuffet und den Surrealisten und schloss in dieser Zeit auch Freundschaft mit dem Kunstkritiker Jacques Putman. Er beginnt 1947 mit der Malerei und startet eine Karriere, in der sich bestimmte Merkmale des Expressionismus mit anderen des Surrealismus vermischen, beide begleitet von einem sehr persönlichen Stil. Ende der 1940er Jahre lernte er den Dichter Christian Dotremont kennen, der zu den Gründungsmitgliedern der Gruppe CoBrA (ein Akronym für Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam) gehörte. 1949 trat Alechinsky der Gruppe bei. Neben Alechinsky gehörten u. a. Karel Appel, Christian Dotremont und Asger Jorn zu dieser Gruppe. Er nahm auch an der ersten internationalen Ausstellung der Gruppe in Amsterdam teil und arbeitete an Gemälden mit Karel Appel und anderen Mitgliedern zusammen. Nach der Auflösung von CoBrA zog Alechinsky nach Paris, wo er im bekannten Atelier 17 mit der Druckgrafik experimentierte. Dort lernte er Giacometti, Bram van Velde und Victor Brauner kennen. 1954 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galerie Nina Dausset in Paris, wo er den Maler Walasse Ting kennenlernte, der einen wichtigen Einfluss auf ihn ausüben sollte. 1956 schuf er "Central Park", ein Acrylgemälde, das "Randbemerkungen" enthielt, ein Leitmotiv für einen Großteil seiner Produktion. Die erste Retrospektive seines Werks findet 1969 im Palais des Beaux-Arts in Brüssel statt. André Breton wählte dieses Werk 1966 für die internationale Ausstellung der surrealistischen Bewegung aus. Sein Werk wurde in Amsterdam, London, auf der Biennale von Venedig, in New York usw. ausgestellt und befindet sich in wichtigen Privatsammlungen und Institutionen wie der Marion Lefebre Collection in Los Angeles, der Galerie Leolong in Paris, dem Museo Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, dem MoMA usw.

Schätzw. 100 000 - 150 000 EUR

Los 19 - JEAN DUBUFFET (Le Havre, Frankreich, 1901 - Paris, Frankreich, 1985). "Mire G 66 (Kowloon)", 1983. Acryl auf Papier, auf Leinwand aufgeklebt. Signiert mit Initialen und datiert in der oberen linken Ecke. Mit Etikett auf der Rückseite von The Pace Gallery. Beigefügtes Zertifikat von der Guy Pieters Gallery ausgestellt. Maße: 68 x 100 cm; 92 x 124 cm (Rahmen). In der letzten Phase seines Lebens verzichtet Dubuffet auf jeden figurativen Bezug und verwendet gestische Linien, um die abstraktesten Aspekte des Denkens auszudrücken. In seiner Serie "Mire" macht er das bunte Gewirr zu seinem Hauptthema und analysiert, wie die Erfahrung aussehen würde, wenn der Geist die äußere Welt nicht in vorgefasste, wasserdichte Kategorien einteilen würde. Dieses Thema bildet das Rückgrat seiner gesamten Produktion und seines Engagements für die "Art Brut", deren Namen er selbst geprägt hat. Der Künstler sagt dazu: "Diese Gemälde sollten als Lernübungen für eine neue Form der Vision betrachtet werden: eine Vision, die sich von der irreführenden Nomenklatur befreit hat, mit der der Humanismus das sich verändernde, bewegliche Chaos des Universums zu analysieren und zu katalogisieren versucht". Obwohl "Mira G 132 (Kowloon)" keine erkennbaren Figuren zu enthalten scheint, zeigt sich bei näherem Hinsehen, dass an zahlreichen Stellen Gesichter angedeutet werden. Tatsächlich bezieht sich der Untertitel auf die belebte Hongkonger Stadt Kowloon. Der französische Maler und Bildhauer Jean Dubuffet ließ sich 1918 in Paris nieder, um an der Académie Julian Malerei zu studieren, brach das Studium jedoch nach sechs Monaten ab und wurde Autodidakt. 1924 gibt er die Malerei auf, weil er am Wert der Kunst zweifelt, und übernimmt das Geschäft seines Vaters, eines Weinhändlers, um seinen eigenen Weg zu gehen. In den dreißiger Jahren kehrt er jedoch zur Malerei zurück, obwohl er eine neue Schaffenspause einlegt, die bis 1942 andauert. Im Jahr 1944 hatte er seine erste Einzelausstellung, vier Jahre später näherte er sich dem Surrealismus und entwickelte sich 1954 zur Pataphysik. Nach der Lektüre von Hans Prinzhorns "Die Kunst der Geisteskranken" prägt Dubuffet den Begriff "art brut" (rohe Kunst) für die Kunst von Laien, die außerhalb der ästhetischen Normen arbeiten, wie Geisteskranke, Gefangene und Kinder. In der Tat wollte der Künstler eine Kunst schaffen, die frei von intellektuellen Bedenken ist, und manchmal erscheinen seine Werke primitiv und kindisch. Werke von Dubuffet befinden sich derzeit unter anderem im MoMA, im Guggenheim und im Metropolitan Museum in New York, im Art Institute of Chicago, im Centre Pompidou in Paris, in der Fondation de l'Hermitage in Lausanne, im Fukuoka Museum in Japan, im Kunstmuseum in Basel, im MACBA in Barcelona, im MNCARS in Madrid, in der Tate Gallery in London und in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig.

Schätzw. 350 000 - 400 000 EUR

Los 20 - SAM FRANCIS (San Mateo, Kalifornien, 1923 - Santa Monica, Kalifornien 1994). Ohne Titel, 1977. Acryl auf Papier. Rückseitig gesiegelt von The Sam Francis Estate. Beigefügtes Zertifikat von der Guy Pieters Gallery. Antireflexionsglas. Maße: 34 x 27 cm; 60 x 51,5 cm (Rahmen). Der an der Jung'schen Psychoanalyse interessierte kalifornische Maler Sam Francis entwickelte eine traumhafte Abstraktion, die in den siebziger Jahren besondere Bedeutung erlangte. Das vorliegende Werk ist in dieser Linie der Schaffung unbewusster Bilder angesiedelt, die mit einer Walze aufgetragene Farbstreifen (hier in Form von Klingen) mit Tropfen und Spritzern roter und blauer Pigmente kombinieren. Einige Kritiker nannten sie "Frischluftbilder", und sie wurden von einer darunter liegenden Matrix gebildet, die er mit Abdrücken und Tropfen überzog. Franziskus war daran interessiert, der Intuition und dem Automatismus der Gesten Raum zu geben, um den Puls der Seele auszudrücken. Franziskus studierte von 1941 bis 1943 Botanik, Medizin und Psychologie an der UC Berkeley in Kalifornien und diente während des Zweiten Weltkriegs von 1943 bis 1945 in der United States Air Force, bevor er bei einem Flugzeugabsturz verletzt wurde. Er verbrachte mehrere Jahre im Krankenhaus und begann in dieser Zeit auf Drängen seines Freundes David Parks, eines Professors an der San Francisco School of Fine Arts, zu malen. Nach seiner Entlassung aus dem Krankenhaus kehrte er nach Berkeley zurück, diesmal um Kunst zu studieren. Sein Studium der Malerei und Kunstgeschichte dauerte von 1948 bis 1950. Francis' Frühwerk ist direkt von den abstrakten Expressionisten wie Rothko, Gorki und Still beeinflusst. In den 1950er Jahren hält er sich in Paris auf, wo er 1952 seine erste Einzelausstellung in der Galerie Nida Dausset hat. In den fünfziger und sechziger Jahren machte er wichtige Einzelausstellungen und nahm an Gruppenausstellungen in der Galerie Ribe Droite (Paris, 1955), Martha Jackson (New York, 1956), Gimpel Fils (London, 1957), der Ausstellung "New American Painting", die durch acht europäische Städte tourte (1958), der Documenta in Kassel (1959 und 1964) und der Kunsthalle in Bern und Düsseldorf teil. 1963 ließ er sich in Santa Monica, Kalifornien, nieder, und sechs Jahre später wurde er von der Universität Berkeley zum Doctor Honoris Causa ernannt. In dieser Zeit, zwischen 1960 und 1963, schuf er mehrere Werkserien, darunter die "Blue Balls"-Serie. Diese Werke, die überwiegend aus biomorphen blauen Formen und Tropfen bestehen, verweisen auf den Schmerz, den die Nierentuberkulose, an der er 1961 erkrankte, verursachte. Er malte weiter, vor allem in Los Angeles, aber auch in Tokio, wo er vor allem 1973-4 lebte. 1965 begann Francis mit einer Reihe von Gemälden, die sich durch große offene Leinwandflächen, minimale Farben und starke Linien auszeichneten. Sein Werk entwickelte sich weiter, nachdem er 1971 eine intensive jungianische Analyse bei Dr. James Kirsch begonnen hatte. Nach 1980 verschwand die formale Gitterstruktur allmählich aus Francis' Werk. Er war als Grafiker äußerst aktiv und schuf zahlreiche Radierungen, Lithografien und Monotypien, von denen viele in seiner eigenen Litho-Werkstatt in Santa Monica hergestellt wurden. 1984 gründete Francis The Lapis Press mit dem Ziel, ungewöhnliche und aktuelle Texte in visuell ansprechenden Formaten zu produzieren.

Schätzw. 45 000 - 55 000 EUR

Los 21 - VICTOR VASARELY (Pécs, Ungarn, 1908 - Paris, 1997). "Llide-D", 1962-1968. Acrylgemälde auf Holz. Signiert im unteren Mittelrand. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Beiliegendes Zertifikat ausgestellt von Pierre Vasarely. Maße: 54 x 54 cm; 80 x 80 cm (Rahmen). Das Gemälde "Llide-D" gehört zur Sammlung "Ondulatoires", einer der emblematischen Serien von Victor Vasarely, die der französisch-ungarische Künstler, Vater der Op Art, in der Blütezeit seiner Karriere schuf. Die Serie "Ondulatoires" ist inspiriert vom Schwanken der Meereswellen und der Art und Weise, wie das Licht auf dem Wasser reflektiert wird. Sie ist ein paradigmatisches Beispiel für die kinetische Kunst, einen künstlerischen Stil, der die Wahrnehmung von Bewegung durch optische Täuschung erforscht und den Vasarely vertrat. Es stellt eine abstrakte Komposition von Linien dar, die sich nach außen öffnen und durch eine ausgeklügelte Kombination von Farbverschiebung und Liniendicke einen wellenförmigen Effekt erzeugen, wenn der Betrachter vor dem Werk geht. "Llide-D" suggeriert die hypnotische Ruhe der Erfahrung, das Meer bei Sonnenuntergang zu betrachten. Victor Vasarely, der als Vater der Op-Art gilt, begann seine künstlerische Ausbildung an der Muheely-Schule, die in Budapest von einem Bauhaus-Schüler gegründet wurde. Er ließ sich 1930 in Paris nieder, wo er das heute als erstes Op-Art-Werk geltende "Zebra" (1937) schuf. In Paris arbeitete er als Grafiker für Werbeagenturen. In dieser Zeit wandelte sich sein künstlerischer Stil vom figurativen Ausdruck hin zu einer Art konstruktiver und geometrischer abstrakter Kunst, die sich für die Darstellung der Perspektive ohne Fluchtpunkte interessierte. Zwischen 1936 und 1948 nahm er regelmäßig am Salon des Surindependents und am Salon des Nouvelles Réalités teil. Ab 1948 stellte er regelmäßig in der Galerie Denise René aus. In den fünfziger Jahren näherte sich sein Werk der Verwendung neuer Materialien und Träger wie Aluminium oder Glas. Ebenso begann er, Werke zu schaffen, die den Raum mit einbeziehen, wie z. B. die Hommage an Malewitsch. In den sechziger Jahren nahm er an zahlreichen Gruppenausstellungen teil, wie z. B. The Responsive Eye im Museum of Modern Art in New York, sowie an Einzelausstellungen in Europa und Amerika. Unter den zahlreichen Auszeichnungen, die er im Laufe seines Lebens erhielt, sind der Guggenheim-Preis (1964), der Preis der Brüsseler Kunstkritiker und die Goldmedaille der Mailänder Triennale hervorzuheben. Im Jahr 1970 wurde er außerdem zum Ritter des Ordens der Ehrenlegion ernannt. Er ist in den ihm gewidmeten Museen in Aix-en-Provence, Pécs und Budapest vertreten, aber auch in den wichtigsten Zentren der zeitgenössischen Kunst in der Welt, wie der Tate Gallery in London, dem MoMA in New York, dem Guggenheim in Venedig oder dem Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 75 000 - 95 000 EUR

Los 22 - NIKI DE SAINT PHALLE (Neuilly-sur-Seine, Frankreich, 1930 - San Diego, Kalifornien, 2002). "L'Oiseau Amoureaux", 2000. Bemaltes Harz. Exemplar 58/150. Signiert, gerechtfertigt und auf der Rückseite gestempelt (hinterer Korb). Beiliegendes Zertifikat unterzeichnet von Guy Pieters, Galerie Guy Pieters. Maße: 60 x 48 x 23 cm. "L'Oiseau Amoureux" ist eine emblematische Skulptur der französischen Künstlerin Niki de Saint Phalle. Sie stellt einen anthropomorphen Vogel dar, dessen Körper mit dem einer Frau vermischt ist, die ihre Brust umarmt. Diese Frau, die wie ein kleines Mädchen an dem großen Vogel hängt, stellt eine "Nana" dar, eines der ikonischsten und anklagendsten Werke der Künstlerin. Die aus Harz gefertigte und mit leuchtenden Farben bemalte Figur reiht sich in den Großteil von Saint Phalles Werk ein, das der Weiblichkeit gewidmet ist: ihre berühmten Nanas mit ihren imposanten Körpern, die manchmal zu bewohnbaren Architekturen werden, ihre Vogelfrauen, ihre Liebe zur Natur, usw. "L'Oiseau Amoureux" zelebriert die Ermächtigung der Frau, ein Thema, mit dem sich die Künstlerin in den 1960er Jahren zu beschäftigen begann. Er steht für die Freiheit des Fluges, die Freude (symbolisiert durch die Farben) und die Liebe (durch die Umarmung, die beide Körper miteinander verbindet, und durch die Fülle der weiblichen Kurven, die die korpulente Anatomie dieser Bildhauerin kennzeichnen). Der "Liebesvogel" ruft ein Gefühl der Befreiung und des Optimismus hervor. Durch die Betonung der Kurven wollte Saint Phalle die Stereotypen der weiblichen Schönheit in Frage stellen. Auch der Titel "L'Oiseau Amoureux" suggeriert die Idee einer leidenschaftlichen und verwandelnden Liebe, die den Menschen über die Grenzen der Welt erhebt. Es gibt mehrere Versionen von "L'Oiseau Amoureux" in verschiedenen Teilen der Welt, darunter Museen, öffentliche Gärten und private Sammlungen. Einige der bemerkenswertesten Standorte sind: Der Skulpturenpark in Oslo (Ekebergparken) und das Tinguely-Museum in Basel. Das Museum und sein Garten sind ihrem Ehemann Jean Tinguely und ihrem gemeinsamen Werk gewidmet und beherbergen zahlreiche Skulpturen von Saint Phalle, darunter ein großes "Oiseau". Niki de Saint Phalle war eine der bekanntesten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. 1964 begann sie, eine Serie von Werken mit dem Titel "Nanas" zu schaffen, die aus weiblichen Figuren mit üppigen Formen und leuchtenden Farben bestehen. Diese Skulpturen zeigen einen Kontrast zwischen der spielerischen oder festlichen Dimension des Objekts und einer viel tragischeren, gewalttätigen und pornografischen Dimension. In den frühen 1960er Jahren schuf die Künstlerin die Shooting Paintings. Im Jahr 1966 schuf sie die größte Skulptur eines Frauenkörpers in der Kunstgeschichte, die ebenfalls zur Serie der Nanas" gehörte und deren Titel Hon" (schwedisch: Sie") lautete. Eine Nana, die aufhört, Skulptur zu sein und zur Architektur wird. Sie wurde im Moderna Musset in Stockholm unter Geheimhaltung installiert, da es sich um einen ziemlich revolutionären Akt in Anbetracht der Zeit, in der er sie schuf, handelte, so dass die Ausstellung wenige Tage nach der Eröffnung für die Öffentlichkeit geschlossen wurde. 1979 begann er mit dem Bau eines Skulpturenparks, "The Tarot Garden", in der Nähe von Capalbio. Zusammen mit ihrem Ehemann Jean Tinguely baute sie 1982 den "Fontaine Stravinsky" oder Brunnen der Automaten, der sich neben dem Centre Pompidou in Paris befindet. Viele von Saint Phalles Skulpturen haben große Dimensionen und werden im öffentlichen Raum ausgestellt. Die Niki Charitable Art Foundation unterhält eine Online-Karte und einen Katalog aller ihrer bestehenden öffentlichen Kunstwerke. Le Paradis Fantastique (Das phantastische Paradies, 1967), Moderna Museet, Stockholm, Schweiz (in Zusammenarbeit mit Tinguely). Golem (1971), Kiryat Hayovel, Jerusalem. Hannover Nanas (1973), zusammen mit dem Leibnizufer in Hannover, Deutschland. La Fontaine Stravinsky (Strawinsky-Brunnen oder Fontaine des automates, 1982) in der Nähe des Centre Pompidou, Paris, Sonnengott (1983), ein fantastisches geflügeltes Wesen neben dem University of California, San Diego Faculty Club als Teil der Stuart Collection of public art.

Schätzw. 50 000 - 60 000 EUR

Los 23 - NIKI DE SAINT PHALLE (Neuilly-sur-Seine, Frankreich, 1930 - San Diego, Kalifornien, 2002). "Hundevase", 2000. Bemaltes Harz, Kopie 3/10. Signiert und gerechtfertigt. Sockel mit Inschrift "NA-2012-29". Beigefügtes Zertifikat unterzeichnet von Guy Pieters, Guy Pieters Gallery. Maße: 52,5 x 20 x 36 cm. Skulptur-Vase von Niki de Saint Phalle, die einen Hund darstellt, der auf seinen Hinterbeinen steht. Wie bei der französischen Künstlerin üblich, ist das Harz mit fröhlichen Farben bemalt, die der Fantasie Tür und Tor öffnen und uns in ein imaginäres Tierreich entführen: in diesem Fall ein Hund mit einer frei erfundenen Anatomie. Mit dieser Art von Figuren, wie auch mit seinen sinnlichen, kurvenreichen Frauen, lässt uns Saint Phalle in eine Natur eintauchen, die ihren eigenen Gesetzen unterliegt. Wahrhaft weibliche Gesetze, kraftvoll, kriegerisch und liebevoll zugleich. Auch hündische Attribute wie Treue und Freundschaft werden in diesem ikonischen Werk wieder aufgegriffen und tragen zu dem Optimismus bei, der in ihren Vorschlägen stets vorherrschte. Niki de Saint Phalle war eine der bekanntesten Künstlerinnen der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts. Jahrhunderts. 1962 nahm sie an der Ausstellung "The Art of Assemblage" im Museum of Modern Art in New York teil. Ab 1964 schuf sie eine Reihe von Werken mit dem Titel "Nanas", die aus weiblichen Figuren mit üppigen Formen und lebhaften Farben bestehen. Diese Skulpturen zeigen einen Kontrast zwischen der spielerischen oder festlichen Dimension des Objekts und einer viel tragischeren, gewalttätigen und pornografischen Dimension. Diese Bilder stehen im Gegensatz zum konventionellen Kanon der weiblichen Schönheit. In den frühen 1960er Jahren schuf der Künstler die Shooting Paintings". Bei diesen Werken handelt es sich um mit Farbe gefüllte Polyethylenbeutel in Form einer menschlichen Figur, die mit weißer Kreide bedeckt ist. Das Bild entstand, nachdem er die Figur aus den Farbbeuteln herausgeschossen hatte. 1966 schuf er die größte Skulptur eines Frauenkörpers in der Geschichte der Kunst, die ebenfalls zur Serie der Nanas" gehörte und deren Titel Hon" (schwedisch: Sie") lautete. Eine Nana, die aufhört, Skulptur zu sein und zur Architektur wird. Sie wurde im Moderna Musset in Stockholm unter Geheimhaltung installiert, da es sich um einen ziemlich revolutionären Akt in Anbetracht der Zeit, in der er sie schuf, handelte, so dass die Ausstellung wenige Tage nach der Eröffnung für die Öffentlichkeit geschlossen wurde. 1979 begann er mit dem Bau eines Skulpturenparks, "El jardín del tarot" auf Spanisch, in der Nähe von Capalbio, Italien. Zusammen mit ihrem Ehemann Jean Tinguely errichtete sie 1982 den "Fontaine Stravinsky" oder Brunnen der Automaten, der sich neben dem Centre Pompidou in Paris befindet. Viele von Saint Phalles Skulpturen haben große Dimensionen und werden im öffentlichen Raum ausgestellt. Die Niki Charitable Art Foundation unterhält eine Online-Karte und einen Katalog aller bestehenden öffentlichen Kunstwerke. Le Paradis Fantastique (Das phantastische Paradies, 1967), Moderna Museet, Stockholm, Schweiz (in Zusammenarbeit mit Tinguely). Golem (1971), Kiryat Hayovel, Jerusalem. Hannover Nanas (1973), zusammen mit dem Leibnizufer in Hannover, Deutschland. La Fontaine Stravinsky (Strawinsky-Brunnen oder Fontaine des automates, 1982) in der Nähe des Centre Pompidou, Paris (in Zusammenarbeit mit Tinguely) Sonnengott (1983), ein fantastisches geflügeltes Wesen neben dem University of California, San Diego Faculty Club als Teil der Stuart Collection of public art.

Schätzw. 55 000 - 65 000 EUR

Los 24 - YVES KLEIN (Nizza, 1928-Paris, 1962). "L'esclave mourant d'apres Michel-Ange, 1962. IKB Pigment. Exemplar 299/300. Gesamtauflage von 350 Exemplaren. Unter dem Sockel sind alle Exemplare mit einem Etikett versehen, auf dem die Nummer der Auflage, der Name des Verlegers und der Name der Person, die die Auflage gemacht hat, angegeben sind. Eine spezielle Vitrine wurde entworfen, um jede Ausgabe auf einem Plexiglassockel zu präsentieren, mit oder ohne Schutz. Anbei befindet sich ein von der Galerie Guy Pieters unterzeichnetes Zertifikat. Abmessungen: 60 x 16 x 16 cm. "Der sterbende Sklave", inspiriert von Michelangelos David, war das letzte Werk des 1962 verstorbenen Künstlers. Michelangelos 1513 geschaffene Skulptur war ursprünglich für das Grabmal von Papst Julius II. bestimmt, wurde aber 1542 endgültig aus dem Projekt gestrichen. Die Statue wurde daraufhin vom Künstler Roberto Strozzi angeboten und gelangte in die Sammlungen von Francesco I. Yves Klein wurde von der tragischen Kraft dieses grandiosen Werks von Michelangelo angezogen. Indem er es mit seinem "International Klein Blue" nachbildet, macht er es sich zu eigen und verleiht ihm eine neue Bedeutung: Er verwandelt den Albtraum der Sklaven in eine Utopie der Befreiung. Das patentierte ultramarinblaue Pigment "International Klein Blue" wurde von Yves Klein in den Jahren 1955-1960 nach langen Recherchen entwickelt: "Ich suchte nach einem Fixiermittel, das in der Lage war, jedes einzelne Pigmentkorn untereinander und dann mit dem Träger zu fixieren, ohne dass eines von ihnen verändert oder seiner autonomen Strahlungsmöglichkeiten beraubt wurde, während es sich gleichzeitig mit den anderen und mit dem Träger verband und so die farbige Masse, die Bildfläche, schuf". Yves Klein, ein Schlüsselkünstler der neodadaistischen Bewegung, wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren, obwohl er seine Karriere als Judoka begann. Von der Philosophie und Praxis des Judo tief beeindruckt, studierte er am Kodokan-Institut in Tokio, dessen Judoschule stark von der Zen-Philosophie beeinflusst ist. Ebenfalls von klein auf interessierte sich Klein für die christliche Religiosität des Rosenkreuzerordens und verband die Suche nach einem Zustand der Leere und der totalen Harmonie des Zen mit dem Ritual und der Immaterialität der Rosenkreuzer. Diese Aspekte werden für den Rest seines Lebens in seiner Persönlichkeit verankert bleiben und in seiner Kunst ihren Ausdruck finden. Klein beginnt in den 1950er Jahren zu malen und stellt sich 1955 auf dem Salon des Réalités Nouvelles in Paris mit dem monochromen "Ausdruck des Universums in der Farbe Mino Orange" als bildender Künstler vor. Der Salon lehnt sein Werk jedoch mit der Begründung ab, dass eine einzige Farbe nicht ausreicht, um ein Gemälde zu schaffen. In dieser ersten Phase fertigt Klein monochrome Werke an, wobei er eine Walze und keinen Pinsel verwendet, um jede Spur der Hand des Künstlers zu beseitigen. Die Farbe wird zum Protagonisten, als materialisierte Sensibilität, als Sinneswahrnehmung. Die wichtigste Farbe ist für ihn das Blau, dem der Künstler die abstraktesten Motive der greifbaren Natur, wie den Himmel und das Meer, zuordnet. In diesem Zusammenhang suchte Klein lange Zeit nach einem Blau, das die ursprüngliche Leuchtkraft des Pigments bewahrt, bis er auf IKB (International Klein Blue) kam. Dabei handelt es sich um ein tiefes Ultramarinblau, das der Künstler selbst entwickelt und patentiert hat. Im Laufe seiner Karriere stellte er seine Werke in Ausstellungen in Städten wie Mailand, Paris, Düsseldorf und London aus und erlangte schnell internationale Anerkennung. Er ging auch über die Malerei hinaus, indem er eine persönliche architektonische Idee vorschlug, bei der Wände durch Luftströme ersetzt wurden, oder mit Ausstellungen wie "Le Vide" (Paris, 1958), bei der er einen völlig leeren Raum präsentierte, den er selbst weiß bemalt hatte. Er hat auch herausragende Serien wie "Anthropometries", Körperabdrücke in Blau, Rosa oder Gold, und "Cosmogonies" geschaffen, in denen Klein die Spuren von Wind und Regen festhält. Werke von Yves Klein sind derzeit in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt zu sehen, darunter das MoMA, das Guggenheim und das Metropolitan Museum in New York, das Centre Pompidou in Paris, die Tate Gallery in London, das MUMOK in Wien, das Guggenheim in Bilbao, das MNCARS in Madrid, die Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea in Rom sowie weitere öffentliche und private Sammlungen.

Schätzw. 100 000 - 120 000 EUR

Los 25 - YVES KLEIN (Nizza, 1928-Paris, 1962). "Table d'or". Glas, Plexiglas, Stahl und Goldpigment. Beiliegendes Zertifikat, ausgestellt von der Galerie Guy Pieters. Maße: 37 x 125,5 x 100 cm. In den frühen sechziger Jahren versuchte Klein, in die Welt des Möbeldesigns einzutreten, indem er drei elegante Tische mit Füllungen aus auffälligen Materialien schuf, die dank der Transparenz des Methacrylats oder des Glases in einem grenzenlosen Raum zu schweben scheinen. Die Edition dieser Tische begann 1963, kurz nach seinem Tod, unter der Aufsicht seiner Witwe Rotraut Klein-Moquay, auf der Grundlage eines Klein-Entwurfs von 1961. Die drei Versionen unterscheiden sich durch ihre Farben, die am engsten mit dem Künstler verbunden sind: Klein-Blau, das besser als "Monopink" bekannte Rosa und das Goldgelb "Monogold". Jeder Tisch ist mit einem Kunststoffetikett versehen, das als Echtheitszertifikat mit der Referenznummerierung und dem Faksimile der Unterschrift von Rotraut Klein-Moquay dient. Die Leidenschaft für die Farbe Gold wird durch mehrere Auszüge aus "The Monochrome Adventure" (1960) deutlich, in denen Klein über den Einfluss der Arbeit im Old Brompton Road Framing Store und im Savage Studio, beide in London, berichtet. Orte, an denen ich "die Beleuchtung der Materie als eine zutiefst physische Qualität" beschreibe. Yves Klein, ein Schlüsselkünstler der neodadaistischen Bewegung, wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren, obwohl er seine Karriere als Judoka begann. Er fühlte sich stark von der Philosophie und Praxis des Judo angezogen und studierte am Kodokan-Institut in Tokio, dessen Judoschule stark von der Zen-Philosophie beeinflusst ist. Ebenfalls von klein auf interessierte sich Klein für die christliche Religiosität des Rosenkreuzerordens und verband die Suche nach einem Zustand der Leere und der totalen Harmonie des Zen mit dem Ritual und der Immaterialität der Rosenkreuzer. Diese Aspekte werden für den Rest seines Lebens in seiner Persönlichkeit verankert bleiben und in seiner Kunst ihren Ausdruck finden. Klein beginnt in den 1950er Jahren zu malen und präsentiert sich 1955 auf dem Salon des Réalités Nouvelles in Paris mit dem monochromen "Ausdruck des Universums in der Farbe Minium Orange" als bildender Künstler. Der Salon lehnt sein Werk jedoch mit der Begründung ab, dass eine einzige Farbe nicht ausreicht, um ein Gemälde zu schaffen. In dieser ersten Phase fertigt Klein monochrome Werke an, wobei er eine Walze und keinen Pinsel verwendet, um jede Spur der Hand des Künstlers zu beseitigen. Die Farbe wird zum Protagonisten, als materialisierte Sensibilität, als Sinneswahrnehmung. Die wichtigste Farbe ist für ihn das Blau, dem der Künstler die abstraktesten Motive der greifbaren Natur, wie den Himmel und das Meer, zuordnet. In diesem Zusammenhang suchte Klein lange Zeit nach einem Blau, das die ursprüngliche Leuchtkraft des Pigments bewahrt, bis er auf IKB (International Klein Blue) kam. Dabei handelt es sich um ein tiefes Ultramarinblau, das der Künstler selbst entwickelt und patentiert hat. Im Laufe seiner Karriere stellte er seine Werke in Ausstellungen in Städten wie Mailand, Paris, Düsseldorf und London aus und erlangte schnell internationale Anerkennung. Er ging auch über die Malerei hinaus, indem er eine persönliche architektonische Idee vorschlug, bei der Wände durch Luftströme ersetzt wurden, oder mit Ausstellungen wie "Le Vide" (Paris, 1958), bei der er einen völlig leeren Raum präsentierte, den er selbst weiß bemalt hatte. Er hat auch herausragende Serien wie "Anthropometries", Körperabdrücke in Blau, Rosa oder Gold, und "Cosmogonies" geschaffen, in denen Klein die Spuren von Wind und Regen einfängt. Werke von Yves Klein sind derzeit in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt zu sehen, darunter das MoMA, das Guggenheim und das Metropolitan Museum in New York, das Centre Pompidou in Paris, die Tate Gallery in London, das MUMOK in Wien, das Guggenheim in Bilbao, das MNCARS in Madrid, die Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea in Rom sowie weitere öffentliche und private Sammlungen.

Schätzw. 34 000 - 36 000 EUR

Los 26 - CHRISTIAN DOTREMONT (Belgien, 1922 - Buizingen, 1979). "Zyzzling aardvark", 1972. Tusche auf Papier. Signiert, datiert und betitelt in der linken unteren Ecke. Beigefügtes Zertifikat unterzeichnet von Samnuel Vanhoegaerden. Maße: 98 x 62 cm; 113 x 76,6 cm (Rahmen). Dieses Werk in chinesischer Tinte hat einen schwer zu übersetzenden Titel, der spielerisch und surrealistisch ist, wie im Allgemeinen das Werk von Christian Dotremont. Man könnte ihn mit "Brutzelnder Ameisenbär" übersetzen, und er enthält kryptische Bedeutungen. Es suggeriert auch eine seltsame, magische und erfundene Kalligrafie. Dotremont war ein visueller Dichter, der mit der Gruppe CoBrA verbunden war. Christian Dotremont wurde in Tervuren geboren. Der belgische Maler und Dichter war Gründungsmitglied der Surrealistischen Revolutionären Gruppe (1946). Er engagierte sich in der surrealistischen Bewegung mit dem Ziel, die vielfältigen Facetten der Kunst aufzuzeigen. Zusammen mit dem dänischen Künstler Asger Jorn war er auch einer der Gründer von CoBrA. Asger Jorn macht Dotremont mit der Galerie Birch bekannt, die von dem charismatischen Kunsthändler und Gründer der Galerie, Børge Birch, geleitet wird. Dotremont wird schnell zu einem persönlichen Freund von Birch und pflegt noch viele Jahre später, lange nach der Auflösung der Cobra-Gruppe, einen engen Kontakt zu der Kopenhagener Galerie. Als Künstler, der ständig mit der Kunst experimentiert, wird er für seine gemalten Gedichte bekannt, die er auf Französisch Peinture mots nennt und die er Logogramme nennt. Er definiert sie als etwas zwischen Bildern und Worten. Dotremont malte diese "Bilder von Worten und Worte von Bildern" sein ganzes Leben lang. Dotremont sorgte für den größten Skandal der CoBrA: Bei der Ausstellung der Gruppe im Stedelijk Museum in Amsterdam erregte er Aufmerksamkeit, indem er eine lange politische Rede zugunsten des Kommunismus hielt. Das niederländische Publikum fühlte sich durch diese harsche Sprache sofort provoziert. Nach dieser handfesten Schlägerei traten mehrere Mitglieder von CoBrA aus der Bewegung aus. Zusammenstöße und Streitigkeiten wie diese führten 1951 unweigerlich zur Auflösung der Gruppe. Dotremont stirbt am 20. August 1979 in Tervuren an Tuberkulose. Christian Dotremont ist in den folgenden öffentlichen dänischen Sammlungen vertreten: Museum Jorn in Silkeborg, Louisiana Museum of Modern Art, AROS, Sammlung Kastrupgaard, Randers Museum of Art, KUNSTEN in lborg, Horsens Museum of Art, Funen Museum of Art. Darüber hinaus ist Dotremont in zahlreichen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.

Schätzw. 50 000 - 60 000 EUR

Los 27 - JACQUES VILLEGLÉ (Quimper, 1926-Paris, 2022). "Johnny Scorpions", 1999. Décollage (zerrissene Plakate mit Marouflage) auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Beigefügtes Echtheitszertifikat vom Künstler und von Guy Pieters unterzeichnet. Maße: 220 x 170 cm; 229 x 179 cm (Rahmen). Jacques Villeglé erklärt, dass er 1969 in der Pariser U-Bahn seine "Décollage"-Sprache (der umgekehrte Prozess zur Collage, da sie durch Subtraktion funktioniert) mit Nachdruck entwickelte. An diesem Tag stieß er auf ein Plakat, das gegen den Besuch von Präsident Nixon protestierte. Das Graffiti hatte eine politische Typografie, die die Idee der Ablehnung verstärkte. Von diesem Zeitpunkt an entwickelte er seine politische Grafik. Doch schon in den fünfziger Jahren hatte er begonnen, sich städtische Plakate anzueignen. Er ahmte in seinen Werken die Risse nach, die Plakate im Laufe der Zeit durch anonyme Hände im Freien erleiden und die darunter liegenden Schichten freilegen. "Johnny Scorpions" setzt diesen Weg fort, indem er eine "Guerilla der Zeichen" praktiziert, ein Palimpsest von Botschaften, die ein neues, fragmentarisches und subversives Alphabet hervorbringen. Jacques Villeglé war ein prominentes Mitglied der Künstlergruppe Nouveau Réalisme. Er studierte an der Hochschule der Schönen Künste in Rennes, wo er Raymond Hains kennenlernte. Zwischen 1947 und 1949 studierte er Architektur in Nantes und ließ sich dann in Paris nieder. Er beginnt mit dem Sammeln von Objekten an den Stränden, vor allem in Saint-Malo (Drähte, Reste des Atlantikwalls...), mit denen er Skulpturen entwirft, aber ab 1949 sammelt er zerrissene Plakate und beginnt damit eine persönlichere Linie als "Guerilla-Plakatkünstler". Zu Beginn der fünfziger Jahre verkehrte der junge Künstler mit dissidenten Lyrikern (Bull Dog Brau, Guy Debord und Gil Wolman). 1954 lernt Villeglé den Lyriker und Dichter François Dufrêne kennen. 1958 schrieb er ein Manifest über die zerrissenen Plakate mit dem Titel "Kollektive Realitäten", ein Vorläufer des Manifests des Neuen Realismus. 1960, nach seiner Teilnahme an der ersten Pariser Biennale, schließt sich Jacques Villeglé der Gruppe der Neuen Realisten an und gehört zu den Gründungsmitgliedern (zusammen mit Martial Raysse, Yves Klein, Arman, Tinguely, Hains, Dufrêne, Spoerri...). Diese Bewegung dekretiert "neue Wahrnehmungsansätze für das Reale" und basiert, was Villeglé betrifft, auf einer Kunst, die frei von Technik und nahe an dem sein will, was man auf der Straße findet. Gemeinsam mit seinem Freund Raymond Hains, mit dem er den Film "Penelope" drehte, macht sich Villeglé die abstrakten und lyrischen Tränen der Stadt zu eigen, verleiht seinen Werken eine Dosis politischer Anfechtung und eignet sich politische und mediale Botschaften an, indem er deren Bedeutung dekonstruiert. Seine erste persönliche Ausstellung fand 1959 statt. Von diesem Zeitpunkt an wurden Villeglés Werke in mehr als hundert Einzelausstellungen (in Europa und den Vereinigten Staaten) und in zahlreichen Gruppenausstellungen (Salon des Jeunes in Paris, Salon Comparison, Salon Nika...) ausgestellt. Wichtige nationale Museen erwarben seine Werke, aber trotz des innovativen Aspekts seiner Vision musste Jacques Villeglé bis 1970 warten, um von seiner Kunst leben zu können, und erlangte erst Ende der siebziger Jahre öffentliche Anerkennung. Es sollte bis 1998 dauern, bis das Nationale Museum für Moderne Kunst eines seiner zerrissenen Plakate erwarb. 1971 widmet ihm die Stuttgarter Staatsgalerie die erste Museumsausstellung, die sich ausschließlich mit den "affiches lacérées" beschäftigt. Im selben Jahr nimmt er an der Restrospektive im Moderna Museet in Stockholm und im Krefelder Museum teil. In den Jahren 1976 und 1977 nimmt er an der Wanderausstellung Panorama der französischen Kunst 1960-1975 teil, die den Nahen Osten und Nordafrika bereist. In den folgenden fünf Jahren nimmt er an mehreren Ausstellungen im Centre Pompidou teil, darunter Paris-New York und Paris-Paris. 1977 wird die erste Ausgabe von Lacerée anonyme ou Urbi & Orbi herausgegeben. In den 1980er Jahren und bis heute hat er an mehr als 200 Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt teilgenommen und gleichzeitig seinen Werkkatalog herausgegeben. Außerdem erscheinen mehrere Monographien über sein Werk und seine Person sowie eine von Odile Felgine verfasste Biographie. Zwischen 2000 und 2010 fördert er verschiedene Street-Art-Aktivitäten und arbeitet mit ihnen zusammen; er wird von den wichtigsten Pariser Graffiti-Künstlern als Pionier und Wegbereiter ihrer Arbeit anerkannt.

Schätzw. 90 000 - 100 000 EUR

Los 28 - WALTER LEBLANC (Silly, Belgien, 1932 - Antwerpen, Belgien, 1986). "Torsion Mobilo-Static", 1963-1972. Polyvinylstreifen auf Karton montiert. Einzigartiges Werk. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Mit Inschriften. Beiliegend ein Zertifikat der Galerie Boon. Bibliographie: -Leblanc, N. "Walter Leblanc: catalogue raisonné", Ludion, Gent, 1997, n.562/PF 630. Maße: 27 x 27 cm; 40 x 40 cm (Rahmen). Walter Leblancs "Twists" waren sein großer Beitrag zur Kunstwelt, insbesondere im Bereich der optischen und kinetischen Kunst. Der belgische Künstler spannte und verdrehte Materialien wie gefärbte Baumwollfäden und Plastikbänder über einen traditionellen Träger, um einfache geometrische Formen und blitzartige Muster zu schaffen, die die Illusion von Bewegung hervorriefen. "Torsion Mobilo-Static" ist eines der erfolgreichsten Beispiele für diese einzigartige Technik, bei der das Verdrehen durch Licht, Bewegung und Vibration zu einem eigenständigen Bildelement wird. Er entwickelte Torsionen in zweidimensionalen und dreidimensionalen Werken und erweiterte damit die Begriffe Malerei und Skulptur. Walter Leblanc ist eine wichtige belgische Figur der europäischen Nachkriegskunst innerhalb des internationalen Neo-Avantgarde-Netzwerks der Nouvelle Tendance. Nach seinem Abschluss an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen wurde Leblanc Gründungsmitglied der Antwerpener Avantgarde-Gruppe G58. Die Ausstellung "Anti-Peinture" (1962), die er im G58-Hessenhuis kuratierte, diente als Manifest. Nach einer figurativen, abstrakten und später monochromen Periode verlässt Leblanc die Malerei für immer. Im Jahr 1959 begann er, "Zwirnen" als wichtiges Bildelement in sein Werk einzuführen. Diese Zwirne - aus Baumwoll-, Kunststoff- oder Metallfäden - ermöglichen es ihm, Bewegung, Licht und Vibration in seine Reliefs und Skulpturen zu bringen. Leblanc nahm aktiv an bahnbrechenden internationalen Ausstellungen wie Monochrome Malerei (1960, Leverkusen), The Responsive Eye (1965, MoMA, New York) und Serielle Formationen (1967, Frankfurt am Main) teil. 1964 erhielt er den renommierten Preis für junge belgische Kunst und 1970 nahm er an der 35. Biennale von Venedig teil. Von 1977 bis zu seinem frühen Tod 1986 war Leblanc Professor am Instituut voor Archite. 1984 sind Leblancs Werke in mehreren Museumsausstellungen zu sehen, darunter Vlamingen in Venetië im Dhondt-Dhaenens-Museum in Deurle, Géométrie de la matière in der Stiftung für zeitgenössische belgische Kunst und Surface sculpturale im Atelier 340 in Brüssel, die 1985 nach Warschau und 1986 nach Krakau gehen wird. Eine Einzelausstellung mit Frank Nietveld in Brasschaat. Die Provinz Antwerpen erwirbt ein Werk. 1985 wird die Sammlung Lenz im Museum Carolino-Augusteum in Salzburg zum ersten Mal öffentlich ausgestellt. Walter und Nicole verbringen den Sommer auf der Insel Naxos auf den Kykladen (Griechenland). Das Königliche Museum der Schönen Künste in Antwerpen erwirbt ein drittes Werk. Er schafft eine architektonische Installation für die Lobby der ABN Amro Bank in Brüssel. Am 14. Januar 1986 stirbt Walter Leblanc bei einem Autounfall auf dem Weg zum Brüsseler Museum für moderne Kunst, um die Beleuchtung der Gruppenausstellung Rapports Plan/Espace - Tussen Vlak en Ruimte fertigzustellen. 1989, drei Jahre nach Leblancs Tod, veranstalten drei Museen Retrospektivausstellungen zu seinem Werk: das Wilhelm-Hack-Museum in Ludwigshafen, das Josef-Albers-Museum in Bottrop, Deutschland, und das Salzburg Museum in Österreich.

Schätzw. 50 000 - 60 000 EUR

Los 29 - CHRISTO (Bulgarien, 1935- USA, 2020). "Over the River, Projekt für den Arkansas River, Staat Colorado", 2008. Zeichnung und Collage. Einzigartiges Werk. Signiert in der rechten unteren Ecke und auf der Rückseite. Betitelt und datiert in der rechten unteren Ecke. Beigefügtes Zertifikat von Guy Pieters, Guy Pieters Gallery, ausgestellt und vom Künstler unterzeichnet. Maße: 35,5 x 28 cm; 36,5 x 29 cm (Rahmen). "Over the River, Project For Arkansas River, State of Colorado" wurde 1992 ins Leben gerufen, als Christo, Jeanne Claude und ihr gesamtes Team 22.530 km (14.000 Meilen) reisten, um den perfekten Standort für die Realisierung zu finden. Während dieser Reisen untersuchten sie 89 Flüsse in insgesamt 7 Bundesstaaten und fanden 6 potenzielle Standorte, die für ihr ehrgeiziges Ziel geeignet waren. Nachdem sie alle 6 Standorte im Sommer 1996 erneut besucht hatten, wurde der Arkansas River in Colorado als Standort ausgewählt. Der endgültige Plan sah 9,5 km leuchtende silberne Stoffbahnen vor, die an acht verschiedenen Stellen entlang eines 67,6 km langen Abschnitts des Arkansas River zwischen Cañon City und Salida im südlichen Zentral-Colorado über das Wasser gehängt wurden. Auf bürokratischer Ebene erhielt Christo alle erforderlichen Genehmigungen auf Bundes-, Landes- und Kommunalebene für die Durchführung von Over The River im Jahr 2011, als das US-Innenministerium seine Entscheidung bekannt gab. Im Jahr 2012 reichte jedoch eine örtliche Gruppe, die sich gegen das temporäre Kunstwerk aussprach, Klage gegen Colorado State Parks vor einem Bundesgericht und gegen die US-Bundesregierung, Bureau of Land Management, vor einem US-Bundesgericht ein. Im Januar 2017 beschloss Christo, nachdem er das Projekt 20 Jahre lang verfolgt und fünf Jahre lang Rechtsstreitigkeiten ausgefochten hatte, es beiseite zu legen und seine gesamte Energie, Zeit und Ressourcen der Realisierung der Mastaba in den Vereinigten Arabischen Emiraten zu widmen. Als berühmtes Künstlerpaar des späten 20. Jahrhunderts gehören die verpackten Objekte von Christo und Jeanne-Claude zu den extremsten Beispielen der Konzeptkunst. Christo Valdimirov Javacheff studierte zwischen 1952 und 1956 an der Akademie der Schönen Künste in Sofia und verbrachte anschließend ein Jahr in Prag. Im Jahr 1957 floh Christo aus dem sozialistischen Staat und ließ sich in Wien nieder, von wo aus er nach Genf und schließlich nach Paris reiste. Sein Leben in Paris ist geprägt von wirtschaftlicher Entbehrung und sozialer Isolation, die durch seine Schwierigkeiten beim Erlernen der französischen Sprache noch verstärkt wird. Er verdiente sein Geld mit dem Malen von Porträts, was er mit Prostitution verglich. Im Januar 1958 fertigt Christo sein erstes "verpacktes Kunstwerk" an: Er bedeckt einen leeren Farbtopf mit einer in Acryl getränkten Leinwand. Christo und Jeanne-Claude lernen sich im November 1958 in Paris kennen. 1961 nahm er sein erstes Projekt mit großen Objekten in Angriff: die Verhüllung von Fässern im Kölner Hafen. 1962 wagen Christo und Jeanne-Claude ihr erstes monumentales Projekt, "Rideau de fer", als Statement gegen die Berliner Mauer. Das Werk bestand darin, die Visconti-Straße über dem Fluss mit Ölfässern zu sperren. Obwohl Christo zur gleichen Zeit seine erste Galerieausstellung hatte, war es das Visconti-Projekt, das ihn in Paris bekannt machte. 1964 ließ sich das Paar in New York nieder. Im Jahr 1968 nahmen sie an der Documenta 4 in Kassel teil, und 1969 unternahmen sie eines ihrer berühmtesten Projekte, die Umgestaltung der Little Bay Waterfront in Sydney, Australien. Seitdem haben sie zahlreiche Großprojekte in der ganzen Welt realisiert, darunter "Running fence" und "Wrapped walk ways" in den Vereinigten Staaten, "Pont Neuf" in Paris, "Umbrellas" in den Vereinigten Staaten und Japan sowie das Reichstagsgebäude in Deutschland.

Schätzw. 55 000 - 65 000 EUR

Los 30 - CHRISTO (Bulgarien, 1935- USA, 2020). "Die Mastaba, Projekt für die Vereinigten Arabischen Emirate", 2008. Zeichnung in Mischtechnik auf Papier. Einzigartiges Werk. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke und auch auf der Rückseite. Beiliegendes Zertifikat von Christo signiert. Maße: 21,5 x 28 cm; 22,5 x 29 cm (Rahmen). Das Projekt La Mastaba wurde 1977 von Christo und Jeanne Claude für die Liwa-Wüste, etwa 160 km südlich der Stadt Abu Dhabi, konzipiert. Obwohl es zu Lebzeiten der Künstler nicht verwirklicht werden konnte, ist es für eine postmortale Ausführung vorgesehen, die darin bestehen wird, die weltweit größte Mastaba" oder zeitgenössische Skulptur (in Bezug auf das Volumen) aus 410.000 bunten Fässern zu errichten, die ein farbenfrohes Mosaik bilden, das an die islamische Architektur erinnert (es sei daran erinnert, dass eine Mastaba eine Art altägyptisches Grabmal mit rechteckiger Grundfläche, flachem Dach und schrägen Seitenwänden ist, das aus Lehmziegeln oder Stein gebaut wurde). Die Mastaba wird 150 Meter hoch, 300 Meter lang an den senkrechten Wänden und 225 Meter breit an den um 60 Grad geneigten Wänden sein. Die Machbarkeit des gewaltigen Projekts wird dadurch untermauert, dass Christo und Jeanne-Claude in den Jahren 2007 und 2008 Ingenieurprofessoren der ETH Zürich, der University of Illinois at Urbana-Champaign in den USA, der Cambridge University im Vereinigten Königreich und der Hosei University in Tokio, Japan, mit der Ausarbeitung von Machbarkeitsstudien beauftragt haben. Letztendlich wurde das Konzept der Hosei-Universität als das technisch solideste und innovativste angesehen. Sobald die Genehmigung der Regierung vorliegt, wird die Bauzeit mindestens drei Jahre betragen. Das Projekt wird sich selbst finanzieren und nicht wie alle anderen Projekte des Künstlertandems auf staatliche Mittel angewiesen sein. Als berühmtes Künstlerpaar des späten 20. Jahrhunderts gehören die verpackten Objekte von Christo und Jeanne-Claude zu den extremsten Beispielen der Konzeptkunst. Christo Valdimirov Javacheff studierte zwischen 1952 und 1956 an der Akademie der Schönen Künste in Sofia und verbrachte anschließend ein Jahr in Prag. Im Jahr 1957 floh Christo aus dem sozialistischen Staat und ließ sich in Wien nieder, von wo aus er nach Genf und schließlich nach Paris reiste. Sein Leben in Paris ist geprägt von wirtschaftlicher Entbehrung und sozialer Isolation, die durch seine Schwierigkeiten beim Erlernen der französischen Sprache noch verstärkt wird. Sein Geld verdiente er mit dem Malen von Porträts, was er mit Prostitution verglich. Im Januar 1958 fertigt Christo sein erstes "verpacktes Kunstwerk" an, indem er ein leeres Farbgefäß mit einer in Acryl getränkten Leinwand bedeckt. Christo und Jeanne-Claude lernen sich im November 1958 in Paris kennen. 1961 nahm er sein erstes Projekt mit großen Objekten in Angriff: die Verhüllung von Fässern im Kölner Hafen. 1962 wagen Christo und Jeanne-Claude ihr erstes monumentales Projekt, "Rideau de fer", als Statement gegen die Berliner Mauer. Das Werk bestand darin, die Visconti-Straße über dem Fluss mit Ölfässern zu sperren. Obwohl Christo zur gleichen Zeit seine erste Galerieausstellung hatte, war es das Visconti-Projekt, das ihn in Paris bekannt machte. 1964 ließ sich das Paar in New York nieder. Im Jahr 1968 nahmen sie an der Documenta 4 in Kassel teil, und 1969 unternahmen sie eines ihrer berühmtesten Projekte, die Umgestaltung der Little Bay Waterfront in Sydney, Australien. Seitdem haben sie zahlreiche Großprojekte in der ganzen Welt realisiert, darunter "Running fence" und "Wrapped walk ways" in den Vereinigten Staaten, "Pont Neuf" in Paris, "Umbrellas" in den Vereinigten Staaten und Japan sowie das Reichstagsgebäude in Deutschland.

Schätzw. 100 000 - 110 000 EUR

Los 31 - CHRISTO (Bulgarien, 1935- USA, 2020). "Das verpackte Projekt der Pont Neuf für Paris", 1985. Gemischte Medien auf Papier. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke und auf der Rückseite. Beigefügtes, vom Künstler unterzeichnetes Zertifikat. Maße: 28 x 35 cm; 29 x 36 cm (Rahmen). Die "Wrapper" von Christo und Jeanne Claude haben in der Geschichte der zeitgenössischen Kunst eine besondere Rolle gespielt. Das Konzeptkünstlerpaar hatte die Idee, öffentliche Denkmäler zu verpacken, um das doppelte Spiel zu spielen, etwas sichtbar zu machen, indem man es versteckt: Statuen und emblematische Gebäude bleiben normalerweise unbemerkt, so dass Christo seit den siebziger Jahren plante, sie aufzugeben (die meisten von ihnen blieben nur als Projekte mit Plänen, Zeichnungen usw. erhalten) und sich für eine Art von Kunst zu entscheiden, die gleichzeitig großspurig und flüchtig ist. Am 22. September 1985 entrollten 300 Arbeiter 41.800 Quadratmeter eines seidigen, goldsandsteinfarbenen Polyamidgewebes über der berühmten Pont Neuf in Paris, die 14 Tage lang bedeckt blieb. Als berühmtes Künstlerpaar des späten 20. Jahrhunderts gehören die verhüllten Objekte von Christo und Jeanne-Claude zu den extremsten Beispielen der Konzeptkunst. Christo Valdimirov Javacheff studierte zwischen 1952 und 1956 an der Akademie der Schönen Künste in Sofia und verbrachte anschließend ein Jahr in Prag. Im Jahr 1957 floh Christo aus dem sozialistischen Staat und ließ sich in Wien nieder, von wo aus er nach Genf und schließlich nach Paris reiste. Sein Leben in Paris ist geprägt von wirtschaftlicher Entbehrung und sozialer Isolation, die durch seine Schwierigkeiten beim Erlernen der französischen Sprache noch verstärkt wird. Er verdiente sein Geld mit dem Malen von Porträts, was er mit Prostitution verglich. Im Januar 1958 fertigt Christo sein erstes "verpacktes Kunstwerk" an: Er bedeckt einen leeren Farbtopf mit einer in Acryl getränkten Leinwand. Christo und Jeanne-Claude lernen sich im November 1958 in Paris kennen. 1961 nahm er sein erstes Projekt mit großen Objekten in Angriff: die Verhüllung von Fässern im Kölner Hafen. 1962 wagen Christo und Jeanne-Claude ihr erstes monumentales Projekt, "Rideau de fer", als Statement gegen die Berliner Mauer. Das Werk bestand darin, die Visconti-Straße über dem Fluss mit Ölfässern zu sperren. Obwohl Christo zur gleichen Zeit seine erste Galerieausstellung hatte, war es das Visconti-Projekt, das ihn in Paris bekannt machte. 1964 ließ sich das Paar in New York nieder. Im Jahr 1968 nahmen sie an der Documenta 4 in Kassel teil, und 1969 unternahmen sie eines ihrer berühmtesten Projekte, die Umgestaltung der Little Bay Waterfront in Sydney, Australien. Seitdem haben sie zahlreiche Großprojekte in der ganzen Welt realisiert, darunter "Running fence" und "Wrapped walk ways" in den Vereinigten Staaten, "Pont Neuf" in Paris, "Umbrellas" in den Vereinigten Staaten und Japan sowie das Reichstagsgebäude in Deutschland.

Schätzw. 90 000 - 100 000 EUR

Los 32 - CHRISTO (Bulgarien, 1935- USA, 2020). "Eingewickelter Reichstag, Projekt für Berlin", 1995. Collage. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Auf der Rückseite signiert und datiert. Beigefügtes, von der Galerie Guy Pieters ausgestelltes und von Christo unterzeichnetes Zertifikat. Maße: 22 x 28,5 cm. Die "Wrapper" von Christo und Jeanne Claude haben in der Geschichte der zeitgenössischen Kunst eine besondere Rolle gespielt. Das Konzeptkünstlerpaar kam auf die Idee, öffentliche Denkmäler zu verpacken, um das doppelte Spiel zu spielen, etwas sichtbar zu machen, indem man es versteckt: Statuen und emblematische Gebäude bleiben normalerweise unbemerkt, so dass Christo in den siebziger Jahren plante, sie zurückzutreten (und die meisten von ihnen nur als Projekte mit Plänen, Zeichnungen usw. zu belassen) und sich für eine Art von Kunst zu entscheiden, die gleichzeitig großspurig und flüchtig ist. 1995, nach einem bis zu 70 Jahre dauernden Kampf, wurde die Stadt Berlin Zeuge eines der erstaunlichsten Projekte des künstlerischen Tandems: Der Reichstag wurde mit 100.000 Quadratmetern Polypropylen mit Aluminiumoberfläche und 15,6 km blauem Polypropylenseil umhüllt. Die Fassaden, Türme und das Dach wurden mit 70 maßgefertigten Stoffbahnen bespannt, doppelt so viel Stoff wie die Fläche des Gebäudes. Die Konstruktion blieb 14 Tage lang verhüllt, und alle Materialien wurden nach Abschluss des Projekts recycelt. Als berühmtes Künstlerpaar des späten 20. Jahrhunderts gehören die verhüllten Objekte von Christo und Jeanne-Claude zu den extremsten Beispielen der Konzeptkunst. Christo Valdimirov Javacheff studierte zwischen 1952 und 1956 an der Akademie der Schönen Künste in Sofia und verbrachte anschließend ein Jahr in Prag. Im Jahr 1957 floh Christo aus dem sozialistischen Staat und ließ sich in Wien nieder, von wo aus er nach Genf und schließlich nach Paris reiste. Sein Leben in Paris ist geprägt von wirtschaftlicher Entbehrung und sozialer Isolation, die durch seine Schwierigkeiten beim Erlernen der französischen Sprache noch verstärkt wird. Sein Geld verdiente er mit dem Malen von Porträts, was er mit Prostitution verglich. Im Januar 1958 fertigt Christo sein erstes "verpacktes Kunstwerk" an, indem er ein leeres Farbgefäß mit einer in Acryl getränkten Leinwand bedeckt. Christo und Jeanne-Claude lernen sich im November 1958 in Paris kennen. 1961 nahm er sein erstes Projekt mit großen Objekten in Angriff: die Verhüllung von Fässern im Kölner Hafen. 1962 wagen Christo und Jeanne-Claude ihr erstes monumentales Projekt, "Rideau de fer", als Statement gegen die Berliner Mauer. Das Werk bestand darin, die Visconti-Straße über dem Fluss mit Ölfässern zu sperren. Obwohl Christo zur gleichen Zeit seine erste Galerieausstellung hatte, war es das Visconti-Projekt, das ihn in Paris bekannt machte. 1964 ließ sich das Paar in New York nieder. Im Jahr 1968 nahmen sie an der Documenta 4 in Kassel teil, und 1969 unternahmen sie eines ihrer berühmtesten Projekte, die Umgestaltung der Little Bay Waterfront in Sydney, Australien. Seitdem haben sie zahlreiche Großprojekte in der ganzen Welt realisiert, darunter "Running fence" und "Wrapped walk ways" in den Vereinigten Staaten, "Pont Neuf" in Paris, "Umbrellas" in den Vereinigten Staaten und Japan sowie das Reichstagsgebäude in Deutschland.

Schätzw. 85 000 - 95 000 EUR

Los 33 - CHRISTO (Bulgarien, 1935- USA, 2020). "Der Triumphbogen von L'Etoile, eingewickelt (Place Charles de Gaulle Paris)". Collage. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Auf der Rückseite signiert und datiert. Beigefügtes Dokument, unterzeichnet von Christo im Jahr 2019. Maße: 28 x 22 cm; 29 x 23 cm (Rahmen). Der Tourist, der Ende September und Anfang Oktober 2021 das Glück hat, am Arc de Triomphe in Paris vorbeizuschlendern, wird höchstwahrscheinlich eine schockierende Überraschung erleben: Das ikonische Monument wurde von Christo und Jeanne-Claude mit 25.000 Quadratmetern silber-blauem, recycelbarem Polypropylen-Gewebe und mit 3.000 Metern rotem Seil umwickelt. Die Geschichte dieses Projekts geht auf das Jahr 1961 zurück, als Christo und Jeanne-Claude drei Jahre, nachdem sie sich in Paris kennengelernt hatten, begannen, Kunstwerke im öffentlichen Raum zu schaffen. Eines ihrer Projekte war die Verhüllung eines öffentlichen Gebäudes. Die Christo und Jeanne-Claude Stiftung selbst erklärt: "Als er in Paris ankam, mietete Christo ein kleines Zimmer in der Nähe des Arc de Triomphe und fühlte sich von da an von dem Monument angezogen. Von da an fühlte er sich zu dem Monument hingezogen. 1962 schuf er eine Fotomontage des verpackten Triumphbogens von der Avenue Foch aus gesehen und 1988 eine Collage. 60 Jahre später wurde das Projekt endlich verwirklicht". Die "Verhüllungen" von Christo und Jeanne Claude haben einen besonderen Einfluss auf die Geschichte der zeitgenössischen Kunst. Das Konzeptkünstlerpaar hatte die Idee, öffentliche Denkmäler zu verpacken, um das doppelte Spiel zu spielen, etwas sichtbar zu machen, indem man es versteckt: Statuen und emblematische Gebäude bleiben normalerweise unbemerkt, so dass Christo seit den siebziger Jahren plante, sie zurückzutreten (und die meisten von ihnen nur in Projekten, mit Plänen, Zeichnungen usw. zu belassen) und sich für eine Art von Kunst zu entscheiden, die gleichzeitig großspurig und flüchtig ist. Die verpackten Objekte von Christo und Jeanne-Claude, einem bekannten Künstlerpaar des späten 20. Jahrhunderts, gehören zu den extremsten Beispielen der Konzeptkunst. Christo Valdimirov Javacheff studierte zwischen 1952 und 1956 an der Akademie der Schönen Künste in Sofia und verbrachte anschließend ein Jahr in Prag. Im Jahr 1957 floh Christo aus dem sozialistischen Staat und ließ sich in Wien nieder, von wo aus er nach Genf und schließlich nach Paris reiste. Sein Leben in Paris ist geprägt von wirtschaftlicher Entbehrung und sozialer Isolation, die durch seine Schwierigkeiten beim Erlernen der französischen Sprache noch verstärkt wird. Sein Geld verdiente er mit dem Malen von Porträts, was er mit Prostitution verglich. Im Januar 1958 fertigt Christo sein erstes "verpacktes Kunstwerk" an, indem er ein leeres Farbgefäß mit einer in Acryl getränkten Leinwand bedeckt. Christo und Jeanne-Claude lernen sich im November 1958 in Paris kennen. 1961 nahm er sein erstes Projekt mit großen Objekten in Angriff: die Verhüllung von Fässern im Kölner Hafen. 1962 wagen Christo und Jeanne-Claude ihr erstes monumentales Projekt, "Rideau de fer", als Statement gegen die Berliner Mauer. Das Werk bestand darin, die Visconti-Straße über dem Fluss mit Ölfässern zu sperren. Obwohl Christo zur gleichen Zeit seine erste Galerieausstellung hatte, war es das Visconti-Projekt, das ihn in Paris bekannt machte. 1964 ließ sich das Paar in New York nieder. Im Jahr 1968 nahmen sie an der Documenta 4 in Kassel teil, und 1969 unternahmen sie eines ihrer berühmtesten Projekte, die Umgestaltung der Little Bay Waterfront in Sydney, Australien. Seitdem haben sie zahlreiche Großprojekte in der ganzen Welt realisiert, darunter "Running fence" und "Wrapped walk ways" in den Vereinigten Staaten, "Pont Neuf" in Paris, "Umbrellas" in den Vereinigten Staaten und Japan sowie das Reichstagsgebäude in Deutschland.

Schätzw. 120 000 - 140 000 EUR

Los 34 - CHRISTO (Bulgarien, 1935- USA, 2020). "Die Mastaba, Projekt für London", 2018. Collage. Einzigartiges Stück. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Auf der Rückseite signiert und datiert. Maße: 22,5 x 29 x 3 cm. 7.506 Fässer wurden horizontal auf einer schwimmenden Plattform auf dem Serpentine Lake im Londoner Hyde Park gestapelt. Das Projekt, das 2018 stattfand und temporär war, wurde "Mastaba" genannt, weil die Superstruktur die Form einer Mastaba (Grabmal mit rechteckiger Grundfläche, flachem Dach und schrägen Seitenwänden, das im alten Ägypten aus Lehmziegeln oder Stein gebaut wurde) hatte. Die riesige Skulptur mit einem Gesamtgewicht von 600 Tonnen war mit 32 Ankern auf dem Seegrund verankert. Ihre Grundfläche nahm etwa 1 % der gesamten Seeoberfläche ein. Wie alle Projekte des Künstlertandems wurde auch dieses vollständig durch den Verkauf von Originalwerken von Christo finanziert, wie das, für das wir jetzt bieten. Als berühmtes Künstlerpaar des späten 20. Jahrhunderts gehören die verpackten Objekte von Christo und Jeanne-Claude zu den extremsten Beispielen der Konzeptkunst. Christo Valdimirov Javacheff studierte von 1952 bis 1956 an der Akademie der Schönen Künste in Sofia und verbrachte anschließend ein Jahr in Prag. Im Jahr 1957 floh Christo aus dem sozialistischen Staat und ließ sich in Wien nieder, von wo aus er nach Genf und schließlich nach Paris reiste. Sein Leben in Paris ist geprägt von wirtschaftlicher Entbehrung und sozialer Isolation, die durch seine Schwierigkeiten beim Erlernen der französischen Sprache noch verstärkt wird. Sein Geld verdiente er mit dem Malen von Porträts, was er mit Prostitution verglich. Im Januar 1958 fertigt Christo sein erstes "verpacktes Kunstwerk" an, indem er ein leeres Farbgefäß mit einer in Acryl getränkten Leinwand bedeckt. Christo und Jeanne-Claude lernen sich im November 1958 in Paris kennen. 1961 nahm er sein erstes Projekt mit großen Objekten in Angriff: die Verhüllung von Fässern im Kölner Hafen. 1962 wagen Christo und Jeanne-Claude ihr erstes monumentales Projekt, "Rideau de fer", als Statement gegen die Berliner Mauer. Das Werk bestand darin, die Visconti-Straße über dem Fluss mit Ölfässern zu sperren. Obwohl Christo zur gleichen Zeit seine erste Galerieausstellung hatte, war es das Visconti-Projekt, das ihn in Paris bekannt machte. 1964 ließ sich das Paar in New York nieder. Im Jahr 1968 nahmen sie an der Documenta 4 in Kassel teil, und 1969 unternahmen sie eines ihrer berühmtesten Projekte, die Umgestaltung der Little Bay Waterfront in Sydney, Australien. Seitdem haben sie zahlreiche Großprojekte in der ganzen Welt realisiert, darunter "Running fence" und "Wrapped walk ways" in den Vereinigten Staaten, "Pont Neuf" in Paris, "Umbrellas" in den Vereinigten Staaten und Japan sowie das Reichstagsgebäude in Deutschland.

Schätzw. 110 000 - 120 000 EUR

Los 35 - CHRISTO (Bulgarien, 1935- USA, 2020). "Die schwimmenden Stege, Projekt für den Iseosee, Italien, 2016. Collage. Einzigartiges Stück. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Auf der Rückseite signiert und datiert. Beigefügtes Zertifikat der Galerie Guy Pieters mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 29,5 x 22 x 3 cm. Eines der auffälligsten Projekte von Christo und Jeanne-Claude in Italien war das auf dem Iseosee (etwa 100 km östlich von Mailand), bei dem sie 100.000 Quadratmeter leuchtend gelben Stoff anbrachten, der mit den Wellen schwamm und sich bewegte. Das Projekt mit dem Namen "The Floating Piers" wurde von dem Künstlertandem selbst finanziert und war absolut kostenlos und öffentlich zugänglich. "Diejenigen, die The Floating Piers erlebten, hatten das Gefühl, auf dem Wasser zu gehen, oder vielleicht auf dem Rücken eines Wals", sagte Christo. "Das Licht und das Wasser verwandelten den leuchtend gelben Stoff im Laufe von sechzehn Tagen in Rot- und Goldtöne". Die schwimmenden Piers wurden von Christo und Jeanne-Claude erstmals 1970 entworfen. Es war Christos erstes Großprojekt seit der Realisierung von The Gates durch Christo und Jeanne-Claude im Jahr 2005 und seit dem Tod von Jeanne-Claude im Jahr 2009. Als anerkanntes Künstlerpaar des späten 20. Jahrhunderts gehören die verpackten Objekte von Christo und Jeanne-Claude zu den extremsten Beispielen der Konzeptkunst. Christo Valdimirov Javacheff studierte zwischen 1952 und 1956 an der Akademie der Schönen Künste in Sofia und verbrachte anschließend ein Jahr in Prag. Im Jahr 1957 floh Christo aus dem sozialistischen Staat und ließ sich in Wien nieder, von wo aus er nach Genf und schließlich nach Paris reiste. Sein Leben in Paris ist geprägt von wirtschaftlicher Entbehrung und sozialer Isolation, die durch seine Schwierigkeiten beim Erlernen der französischen Sprache noch verstärkt wird. Er verdiente sein Geld mit dem Malen von Porträts, was er mit Prostitution verglich. Im Januar 1958 fertigt Christo sein erstes "verpacktes Kunstwerk" an; er bedeckt einen leeren Farbtopf mit einer in Acryl getränkten Leinwand. Christo und Jeanne-Claude lernen sich im November 1958 in Paris kennen. 1961 nahm er sein erstes Projekt mit großen Objekten in Angriff: die Verhüllung von Fässern im Kölner Hafen. 1962 wagen Christo und Jeanne-Claude ihr erstes monumentales Projekt, "Rideau de fer", als Statement gegen die Berliner Mauer. Das Werk bestand darin, die Visconti-Straße über dem Fluss mit Ölfässern zu sperren. Obwohl Christo zur gleichen Zeit seine erste Galerieausstellung hatte, war es das Visconti-Projekt, das ihn in Paris bekannt machte. 1964 ließ sich das Paar in New York nieder. Im Jahr 1968 nahmen sie an der Documenta 4 in Kassel teil, und 1969 unternahmen sie eines ihrer berühmtesten Projekte, die Umgestaltung der Little Bay Waterfront in Sydney, Australien. Seitdem haben sie zahlreiche Großprojekte in der ganzen Welt realisiert, darunter "Running fence" und "Wrapped walk ways" in den Vereinigten Staaten, "Pont Neuf" in Paris, "Umbrellas" in den Vereinigten Staaten und Japan sowie das Reichstagsgebäude in Deutschland.

Schätzw. 130 000 - 150 000 EUR

Los 36 - CHRISTO (Bulgarien, 1935- USA, 2020). "The Gates, Projekt für den Central Park New York City", 2001. Collage auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Auf der Rückseite signiert und datiert. Beigefügtes Zertifikat, unterzeichnet von Christo im Jahr 2012. Maße: 36 x 56 cm; 36 x 57 x 3 cm (Rahmen). Der Central Park war der perfekte Ort für die Installation von "The Gates", einem Projekt von Christo und Jeanne-Claude, das aus 7.503 safranfarbenen Tafeln besteht, die auf Stahlsockeln entlang eines Teils des Parks angebracht wurden. Für die Installation wurden keine Löcher in den Boden gebohrt, und das gesamte Projekt wurde von dem Künstlertandem selbst finanziert (wie jeder einzelne Entwurf von Christo und Jeanne-Claude). Für die New Yorker, die auf den Gehwegen durch The Gates gingen, "war der safranfarbene Stoff eine goldene Decke, die warme Schatten warf. Von den den Central Park umgebenden Gebäuden aus gesehen, sahen die Gates wie ein goldener Fluss aus, der zwischen den kahlen Ästen der Bäume auftauchte und verschwand und die Form der sich schlängelnden Wege hervorhob", so die Stiftung selbst. Als berühmtes Künstlerpaar des späten 20. Jahrhunderts gehören die verpackten Objekte von Christo und Jeanne-Claude zu den extremsten Beispielen der Konzeptkunst. Christo Valdimirov Javacheff studierte zwischen 1952 und 1956 an der Akademie der Schönen Künste in Sofia und verbrachte anschließend ein Jahr in Prag. Im Jahr 1957 floh Christo aus dem sozialistischen Staat und ließ sich in Wien nieder, von wo aus er nach Genf und schließlich nach Paris reiste. Sein Leben in Paris ist geprägt von wirtschaftlicher Entbehrung und sozialer Isolation, die durch seine Schwierigkeiten beim Erlernen der französischen Sprache noch verstärkt wird. Er verdiente sein Geld mit dem Malen von Porträts, was er mit Prostitution verglich. Im Januar 1958 fertigt Christo sein erstes "verpacktes Kunstwerk" an: Er bedeckt einen leeren Farbtopf mit einer in Acryl getränkten Leinwand. Christo und Jeanne-Claude lernen sich im November 1958 in Paris kennen. 1961 nahm er sein erstes Projekt mit großen Objekten in Angriff: die Verhüllung von Fässern im Kölner Hafen. 1962 wagen Christo und Jeanne-Claude ihr erstes monumentales Projekt, "Rideau de fer", als Statement gegen die Berliner Mauer. Das Werk bestand darin, die Visconti-Straße über dem Fluss mit Ölfässern zu sperren. Obwohl Christo zur gleichen Zeit seine erste Galerieausstellung hatte, war es das Visconti-Projekt, das ihn in Paris bekannt machte. 1964 ließ sich das Paar in New York nieder. Im Jahr 1968 nahmen sie an der Documenta 4 in Kassel teil, und 1969 unternahmen sie eines ihrer berühmtesten Projekte, die Umgestaltung der Little Bay Waterfront in Sydney, Australien. Seitdem haben sie zahlreiche Großprojekte in der ganzen Welt realisiert, darunter "Running fence" und "Wrapped walk ways" in den Vereinigten Staaten, "Pont Neuf" in Paris, "Umbrellas" in den Vereinigten Staaten und Japan sowie das Reichstagsgebäude in Deutschland.

Schätzw. 130 000 - 150 000 EUR

Los 37 - CHRISTO (Bulgarien, 1935- USA, 2020). "Over the River, Projekt für den Arkansas River, Staat Colorado", 2011. Satz von zwei Zeichnungen - Collage (Ref. 80A und Ref. 80B). Wird als Einzelstück betrachtet. Einzigartiges Werk. Mit Erklärung auf der Rückseite. Signiert in der rechten unteren Ecke des oberen Teils (ref. 80A) und datiert. Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Guy Pieters, Guy Pieters Gallery und vom Künstler unterzeichnet. Maße: 39,5 x 244 cm (oberer Teil oder Nr. 80A) und 108 x 244 cm (unterer Teil oder Nr. 80B). "Over the River, Project For Arkansas River, State of Colorado" wurde 1992 ins Leben gerufen, als Christo, Jeanne Claude und ihr gesamtes Team 22.530 km (14.000 Meilen) auf der Suche nach dem perfekten Standort für die Realisierung zurücklegten. Während dieser Reisen untersuchten sie 89 Flüsse in insgesamt 7 Bundesstaaten und fanden 6 potenzielle Standorte, die für ihr ehrgeiziges Ziel geeignet waren. Nachdem sie alle 6 Standorte im Sommer 1996 erneut besucht hatten, wurde der Arkansas River in Colorado als Standort ausgewählt. Der endgültige Plan sah 9,5 km leuchtende silberne Stoffbahnen vor, die an acht verschiedenen Stellen entlang eines 67,6 km langen Abschnitts des Arkansas River zwischen Cañon City und Salida im südlichen Zentral-Colorado über das Wasser gehängt wurden. Auf bürokratischer Ebene erhielt Christo alle erforderlichen Genehmigungen auf Bundes-, Landes- und Kommunalebene für die Durchführung von Over The River im Jahr 2011, als das US-Innenministerium seine Entscheidung bekannt gab. Im Jahr 2012 reichte jedoch eine örtliche Gruppe, die sich gegen dieses temporäre Kunstwerk aussprach, Klage gegen Colorado State Parks vor einem Bundesgericht und gegen die US-Bundesregierung, das Bureau of Land Management, vor einem US-Bundesgericht ein. Im Januar 2017 beschloss Christo, nachdem er das Projekt 20 Jahre lang verfolgt und fünf Jahre lang Rechtsstreitigkeiten ausgefochten hatte, es beiseite zu legen und seine gesamte Energie, Zeit und Ressourcen der Realisierung der Mastaba in den Vereinigten Arabischen Emiraten zu widmen. Als berühmtes Künstlerpaar des späten 20. Jahrhunderts gehören die verpackten Objekte von Christo und Jeanne-Claude zu den extremsten Beispielen der Konzeptkunst. Christo Valdimirov Javacheff studierte zwischen 1952 und 1956 an der Akademie der Schönen Künste in Sofia und verbrachte anschließend ein Jahr in Prag. Im Jahr 1957 floh Christo aus dem sozialistischen Staat und ließ sich in Wien nieder, von wo aus er nach Genf und schließlich nach Paris reiste. Sein Leben in Paris ist geprägt von wirtschaftlicher Entbehrung und sozialer Isolation, die durch seine Schwierigkeiten beim Erlernen der französischen Sprache noch verstärkt wird. Er verdiente sein Geld mit dem Malen von Porträts, was er mit Prostitution verglich. Im Januar 1958 fertigt Christo sein erstes "verpacktes Kunstwerk" an; er bedeckt einen leeren Farbtopf mit einer in Acryl getränkten Leinwand. Christo und Jeanne-Claude lernen sich im November 1958 in Paris kennen. 1961 nahm er sein erstes Projekt mit großen Objekten in Angriff: die Verhüllung von Fässern im Kölner Hafen. 1962 wagen Christo und Jeanne-Claude ihr erstes monumentales Projekt, "Rideau de fer", als Statement gegen die Berliner Mauer. Das Werk bestand darin, die Visconti-Straße über dem Fluss mit Ölfässern zu sperren. Obwohl Christo zur gleichen Zeit seine erste Galerieausstellung hatte, war es das Visconti-Projekt, das ihn in Paris bekannt machte. 1964 ließ sich das Paar in New York nieder. Im Jahr 1968 nahmen sie an der Documenta 4 in Kassel teil, und 1969 unternahmen sie eines ihrer berühmtesten Projekte, die Umgestaltung der Little Bay Waterfront in Sydney, Australien. Seitdem haben sie zahlreiche Großprojekte in der ganzen Welt realisiert, darunter "Running fence" und "Wrapped walk ways" in den Vereinigten Staaten, "Pont Neuf" in Paris, "Umbrellas" in den Vereinigten Staaten und Japan sowie das Reichstagsgebäude in Deutschland.

Schätzw. 400 000 - 450 000 EUR

Los 38 - BERT VREDEGOOR (Niederlande, 1956). "Sacred Ground 5", 2003. Sprühdruck auf Samt. Diptychon. Kopie 5/10. Das Werk ist in der Mitte vertikal zweigeteilt. Auf der Rückseite handschriftlich signiert, datiert, betitelt und gerechtfertigt. Maße: 180 x 170 cm. Samt ist für Bert Vredegoor ein wesentliches und bestimmendes Material, die treibende Kraft für viele seiner wichtigsten Serien. Dies ist der Fall bei der Arbeit "Sacred Ground 5" in tender, bei der der belgische Künstler den schwarzen Samt mit Chlorlösungen in verschiedenen Konzentrationen gebleicht hat, um das Bild einer aus Eisen geschmiedeten gotischen Tür zu schaffen, die von unten durch ein schwaches goldenes Licht beleuchtet wird. Das Ergebnis ist eine goldgelbe (manchmal auch rote) Färbung, die vom dunklen Hintergrund aus beleuchtet wird. Mit diesem chemischen Verfahren gelingt es Vredegoor, im wörtlichen und übertragenen Sinne Licht in der Dunkelheit zu schaffen. In den Worten des Künstlers: "Diese Werke sind intim, kontemplativ, inspirieren Ruhe und verweisen auf mystische und religiöse Wahrnehmungen. Die Magie des goldenen Lichts wird durch einen einzigartigen und dauerhaften Prozess eingefangen und bewahrt." Ausgebildet an der Akademie für Kunst und Design in Arnheim (Niederlande), experimentiert Vredegoor mit verschiedenen Techniken und Materialien, was ihre Kunst einzigartig und unverwechselbar macht.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 39 - ROBERT COMBAS (Lyon, 1957). "Ein Kuss in Maxigröße", 2011. Acryl auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Signiert und beschriftet auf der Rückseite. Beigefügtes Echtheitszertifikat ausgestellt und unterzeichnet von Robert Combas. Maße: 139 x 193 cm; 143 x 197 cm (Rahmen). Mit "Ein Kuss im Maxiformat" demonstriert Robert Combas seine klare Zugehörigkeit zur Bewegung der Freien Figuration, "einer Malerei, die weder ihre primitiven Instinkte noch ihren Willen zur Kultur verleugnet", wie Combas selbst sagt, die ihre Wurzeln im Fauvismus und Expressionismus hat und eine Verbindung mit der neoexpressionistischen Bewegung und der Graffitikunst herstellt, indem sie sich gegen Minimalismus und Konzeptkunst abgrenzt. Die Kombination aus dicken Linien und leuchtenden Farben erinnert an Art Brut und die Gruppe CoBrA, aber auch an die Sprache von Keith Haring, die Underground-Kultur und Comics. Es ist ein frenetisches und revolutionäres Gemälde, aggressiv und aufschlussreich, das in der Lage ist, die Sinne derjenigen zu verändern, die es betrachten. Der französische Maler und Bildhauer Robert Combas wurde an der Schule der Schönen Künste in der Stadt Sete im Südosten Frankreichs ausgebildet und hatte 1980 seine erste Einzelausstellung. Er gilt als Mitbegründer der freien Figuration, einer Bewegung, die 1980 in Paris als Reaktion auf den Minimalismus und die Konzeptkunst entstand, die sich zu dieser Zeit in der französischen Hauptstadt etablierten. So werden Combas' Werke zu einer Kritik an der Gesellschaft im Allgemeinen, und zwar durch einen intensiven Stil, der auf der Verwendung kräftiger, lebendiger und leidenschaftlicher Farben beruht, die keinen Zentimeter der Leinwand frei lassen und die von ihm dargestellten Figuren schwarz umreißen. Weitere Gründungsmitglieder der Figuration Libre sind Rémy Blanchard, François Boisrond und Hervé Di Rosa. Combas stellte 1983 in der Leo Castelli Gallery in New York zusammen mit Keith Haring aus. In der Folgezeit waren seine Werke Gegenstand zahlreicher Retrospektiven in Frankreich und im Ausland: ARCA in Marseille (1984), CAPC in Bordeaux, Stedelijk Museum in Amsterdam (1987), Taipei Museum of Fine Arts in Taiwan (1990), Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1993), Musée Paul-Valéry in Sète (2000), Seoul Museum of Art, in Seoul (2006 ), Fondation Mudima in Mailand (2009), MAC in Lyon (2012) und Grimaldi Forum in Monaco (2016). Der Künstler lebt und arbeitet seit 1981 in Paris.

Schätzw. 60 000 - 70 000 EUR

Los 40 - ROBERT COMBAS (Lyon, 1957). "Menschliche Drachen verewigt", 2011. Acryl auf Leinwand. Rückseitig signiert und datiert. Signiert und beschriftet auf der Rückseite. Beigefügtes Echtheitszertifikat ausgestellt und unterzeichnet von Robert Combas. Maße: 139 x 193 cm; 143 x 198 cm (Rahmen). In "Immortalized Human Dragons" zeigt Robert Combas seine klare Zugehörigkeit zur Bewegung der Freien Figuration, "einer Malerei, die weder ihre primitiven Instinkte noch ihren Willen zur Kultur verleugnet", wie Combas selbst sagt, die ihre Wurzeln im Fauvismus und Expressionismus hat und eine Verbindung zur neoexpressionistischen Bewegung und zur Graffitikunst herstellt, indem sie sich gegen Minimalismus und Konzeptkunst abgrenzt. Die Kombination aus dicken Linien und leuchtenden Farben lässt an Art Brut und die Gruppe CoBrA denken, aber auch an die Sprache von Keith Haring, die Underground-Kultur und Comics. Es ist ein frenetisches und revolutionäres Gemälde, aggressiv und aufschlussreich, das in der Lage ist, die Sinne derjenigen zu verändern, die es betrachten. Der französische Maler und Bildhauer Robert Combas wurde an der Schule der Schönen Künste in der Stadt Sete im Südosten Frankreichs ausgebildet und hatte 1980 seine erste Einzelausstellung. Er gilt als Mitbegründer der freien Figuration, einer Bewegung, die 1980 in Paris als Reaktion auf den Minimalismus und die Konzeptkunst entstand, die sich zu dieser Zeit in der französischen Hauptstadt etablierten. So werden Combas' Werke zu einer Kritik an der Gesellschaft im Allgemeinen, und zwar durch einen intensiven Stil, der auf der Verwendung kräftiger, lebendiger und leidenschaftlicher Farben beruht, die keinen Zentimeter der Leinwand frei lassen und die von ihm dargestellten Figuren schwarz umreißen. Weitere Gründungsmitglieder der Figuration Libre sind Rémy Blanchard, François Boisrond und Hervé Di Rosa. Combas stellte 1983 in der Leo Castelli Gallery in New York zusammen mit Keith Haring aus. In der Folgezeit waren seine Werke Gegenstand zahlreicher Retrospektiven in Frankreich und im Ausland: ARCA in Marseille (1984), CAPC in Bordeaux, Stedelijk Museum in Amsterdam (1987), Taipei Museum of Fine Arts in Taiwan (1990), Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1993), Musée Paul-Valéry in Sète (2000), Seoul Museum of Art, in Seoul (2006 ), Fondation Mudima in Mailand (2009), MAC in Lyon (2012) und Grimaldi Forum in Monaco (2016). Der Künstler lebt und arbeitet seit 1981 in Paris.

Schätzw. 60 000 - 70 000 EUR

Los 41 - PETER HALLEY (New York, 1953). "Wiederbelebung", 2012. Acryl, Day-Glo Acryl und Roll-a-Tex auf Leinwand. Beigefügtes, vom Künstler signiertes Zertifikat. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 170 x 141 cm; 174 x 145 x 13,5 cm (Rahmen). In "Revival" führt Peter Halley seine in den achtziger Jahren begonnenen Überlegungen (als prominenteste Figur der Neo-Geo-Bewegung) zu ihrem Höhepunkt. Er verfeinert seine Untersuchungen zur Geometrie als Träger verborgener und kritischer Bedeutungen in Bezug auf Machtstrukturen und soziale Zwangsdynamiken. Bänder und Rechtecke erwecken den Eindruck von Ordnung und Starrheit, während fluoreszierende Farben (intensive gelbe und rote Bänder) den Eindruck einer gewissen latenten Gewalt und visuellen Energie vermitteln sollen. Peter Halleys "Revival" ist eine kühne und provokative Erkundung der geometrischen Abstraktion, der Farbtheorie und der Beziehung zwischen Kunst und Gesellschaft. Dies war sein Lebensprojekt, sein großer Beitrag zur Geschichte der zeitgenössischen Kunst: die meisterhafte konzeptionelle und formale Wendung, die er der geometrischen Abstraktion gab. In den achtziger Jahren begann Halley, die geometrisch-abstrakte Kunst (in der minimalistischen Tradition von Donald Judd und Frank Stella) zu überarbeiten. In seiner Serie der "Plumbed Cells" führte er die Idee von Leitern ein, die Gefängniszellen miteinander verbinden, als Metapher für die institutionelle Regulierung des Lebens. Es handelt sich um abstrakte Darstellungen der postindustriellen Landschaft, die die unsichtbare Geometrie, die der sozialen Welt zugrunde liegt, zum Ausdruck bringen. Halley lässt sich von Künstlern wie Piet Mondrian, Josef Albers und Donald Judd inspirieren, aber seine Anliegen sind entschieden zeitgenössisch: Seine Diagramme evozieren die Entfremdung durch Konsum, Stadtleben und Technologie. Er verwendet strukturierte Industriefarbe (Roll-a-Tex) und Day-Glo-Acrylfarbe (die bereits von Pop-Künstlern verwendet wurde), die dazu beiträgt, künstliches Licht zu erzeugen. Halley trägt seine fluoreszierenden Farben mit einer Walze und nicht mit einem Pinsel auf, um keine Spuren der Hand des Künstlers zu hinterlassen. Halleys Werke haben bei Auktionen bis zu sechsstellige Preise erzielt und befinden sich in den Sammlungen des Art Institute of Chicago, des Museum of Modern Art, der Tate und des Centre Pompidou. Peter Halley ist einer der einflussreichsten Künstler der internationalen Szene. In den frühen 1980er Jahren wurde er mit seiner geometrischen Malerei in leuchtenden Taglilienfarben bekannt. Sein malerisches Schaffen wird oft mit Minimalismus, Neo-Geo und Neo-Konzeptualismus in Verbindung gebracht. Halley ist auch als Schriftsteller, Herausgeber und Lehrer bekannt. Er erwarb seinen BA an der Yale University und 1978 seinen MFA an der University of New Orleans. Halley stellte erstmals 1985 bei International with Monument aus, einer Galerie im East Village, NY, die er 1984 mit Jeff Koons, Ashley Bickerton und Meyer Vaisman gegründet hatte. Seitdem hatte er Ausstellungen in der Mary Boone Gallery, der Sonnabend Gallery, der Galerie Bruno Bischofberger, der Jablonka Galerie, der Galerie Thaddeus Ropac und den Waddington Galleries. Seine erste große Ausstellung fand 1992 im CAPC-Museum in Bordeaux statt. Halley ist auch ein bekannter Dozent, der am Art Institute of Chicago und an der American Academy in Rom Vorlesungen gehalten hat. Außerdem ist er Mitbegründer und Herausgeber des Index Magazine. Seine vom französischen Poststrukturalismus beeinflussten Abhandlungen über Kunst wurden in zwei Bänden veröffentlicht. Seit 2001 ist er Leiter der Studios für Malerei und Druckgrafik an der Yale School of Art. Seine Werke sind unter anderem im MoMA, im Guggenheim in NY, im San Francisco Museum of Modern Art und in der Tate Gallery zu sehen.

Schätzw. 120 000 - 140 000 EUR

Los 42 - PETER HALLEY (New York, 1953). "Epic", 2013. Acryl, Day-Glo Acryl und Roll-a-Tex auf Leinwand. Signiert und datiert auf der Rückseite. Beigefügtes Zertifikat vom Künstler unterzeichnet. Maße: 170 x 141 cm; 174 x 145 x 13,5 cm (Rahmen). In "Epic" setzt Peter Halley seine Forschungen zur Geometrie als Träger verborgener Bedeutungen im Zusammenhang mit Machtstrukturen und sozialer Zwangsdynamik fort. Bänder und Rechtecke schaffen ein Gefühl von Ordnung und Starrheit, während fluoreszierende Farben ein Gefühl von latenter Gewalt und visueller Energie vermitteln sollen. Peter Halleys "Epic"-Serie ist eine kühne und provokative Erforschung der geometrischen Abstraktion, der Farbtheorie und der Beziehung zwischen Kunst und Gesellschaft. Dies war sein Lebensprojekt, sein großer Beitrag zur Geschichte der zeitgenössischen Kunst: die meisterhafte konzeptionelle und formale Wendung, die er der geometrischen Abstraktion gab. In den achtziger Jahren begann Halley, die geometrisch-abstrakte Kunst (in der minimalistischen Tradition von Donald Judd und Frank Stella) zu überarbeiten. In seiner Serie der "Plumbed Cells" führte er die Idee von Leitern ein, die Gefängniszellen miteinander verbinden, als Metapher für die institutionelle Regulierung des Lebens. Es handelt sich um abstrakte Darstellungen der postindustriellen Landschaft, die die unsichtbare Geometrie, die der sozialen Welt zugrunde liegt, zum Ausdruck bringen. Halley lässt sich von Künstlern wie Piet Mondrian, Josef Albers und Donald Judd inspirieren, aber seine Anliegen sind entschieden zeitgenössisch: Seine Diagramme evozieren die Entfremdung durch Konsum, Stadtleben und Technologie. Er verwendet strukturierte Industriefarbe (Roll-a-Tex) und Day-Glo-Acrylfarbe (die bereits von Pop-Künstlern verwendet wurde), die dazu beiträgt, künstliches Licht zu erzeugen. Halley trägt seine fluoreszierenden Farben mit einer Walze und nicht mit einem Pinsel auf, um keine Spuren der Hand des Künstlers zu hinterlassen. Halleys Werke haben bei Auktionen bis zu sechsstellige Preise erzielt und befinden sich in den Sammlungen des Art Institute of Chicago, des Museum of Modern Art, der Tate und des Centre Pompidou. Peter Halley ist einer der einflussreichsten Künstler der internationalen Szene. In den frühen 1980er Jahren wurde er mit seiner geometrischen Malerei in leuchtenden Taglilienfarben bekannt. Sein malerisches Schaffen wird oft mit Minimalismus, Neo-Geo und Neo-Konzeptualismus in Verbindung gebracht. Halley ist auch als Schriftsteller, Herausgeber und Lehrer bekannt. Er erwarb seinen BA an der Yale University und 1978 seinen MFA an der University of New Orleans. Halley stellte erstmals 1985 bei International with Monument aus, einer Galerie im East Village, NY, die er 1984 mit Jeff Koons, Ashley Bickerton und Meyer Vaisman gegründet hatte. Seitdem hatte er Ausstellungen in der Mary Boone Gallery, der Sonnabend Gallery, der Galerie Bruno Bischofberger, der Jablonka Galerie, der Galerie Thaddeus Ropac und den Waddington Galleries. Seine erste große Ausstellung fand 1992 im CAPC-Museum in Bordeaux statt. Halley ist auch ein bekannter Dozent, der am Art Institute of Chicago und an der American Academy in Rom Vorlesungen gehalten hat. Außerdem ist er Mitbegründer und Herausgeber des Index Magazine. Seine vom französischen Poststrukturalismus beeinflussten Abhandlungen über Kunst wurden in zwei Bänden veröffentlicht. Seit 2001 ist er Leiter der Studios für Malerei und Druckgrafik an der Yale School of Art. Seine Werke sind unter anderem im MoMA, im Guggenheim in NY, im San Francisco Museum of Modern Art und in der Tate Gallery zu sehen.

Schätzw. 120 000 - 140 000 EUR

Los 43 - JOSE MARIA SICILIA (Madrid, 1954). "El instante", 2013. Tinte auf Japanpapier. Beigefügtes Echtheitszertifikat mit Unterschrift des Künstlers. Signiert mit Initialen und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 210 x 151 cm; 224 x 163,5 x 163,5 x 5,5 cm (Rahmen). Das Museum Reina Sofia in Madrid beherbergt in seiner Sammlung ein Triptychon mit dem Titel "Der Augenblick", das nur ein Jahr vor dem vorliegenden Gemälde entstand. Die Verwendung desselben Titels verdeutlicht Sicilias Interesse an der Zeit, ihrer Flüchtigkeit und Variabilität, wenn es darum geht, sie zu verstehen und zu bewohnen. Es ist dieses Konzept, das Sicilia in eine visuelle Poesie verwandelt, die scheinbar zufällig und willkürlich ist, aber durch strenge Regeln gefestigt wird, die manchmal für das menschliche Auge nicht wahrnehmbar sind. Die Bewegung folgt in diesem Bild einer Vielzahl von Formen und Farben, die in einer weißen Unermesslichkeit schweben. Wenn wir die Worte des Künstlers selbst zu dem Triptychon im Reina Sofia Museum heranziehen, können wir diese vom Künstler vorgeschlagene lyrische Landschaft verstehen: "Dieses Werk besteht aus Übersetzungen von Vogelgesängen durch Computerprogramme. Der Gesang der Vögel ist der Augenblick, ein Ort, von dem niemand zurückkehrt, an dem es weder Vergangenheit noch Zukunft gibt. Dieser Augenblick ist eine Fülle, in der wir wissen, dass wir existieren, er nährt uns und frisst uns gleichzeitig auf. Der Augenblick bedeutet, in der Zeit das zu berühren, was nicht Zeit ist. Sicilia begann sein Studium an der Hochschule der Schönen Künste in Madrid, das er jedoch 1980 abbrach, um nach Paris zu ziehen. Zwei Jahre später präsentiert er seine erste Einzelausstellung in einem Stil, der dem damals in Europa angesagten Neoexpressionismus entspricht. In der Folgezeit werden die verschiedenen Gegenstände des Alltags zu den Protagonisten seiner Werke. Staubsauger, Bügeleisen, Scheren, Eimer usw. stehen im Mittelpunkt einer neuen Sprache, in der Sicilia der Behandlung von Texturen eine größere und fortschrittliche Bedeutung einräumt. Sein Werk ist in Serien zu Stillleben, Landschaften und, am bekanntesten, zu den Vierteln Bastille und Aligre gegliedert, wo er selbst lebt und arbeitet. Mitte der achtziger Jahre erreichte sein Werk eine große nationale und internationale Ausstrahlung. 1986 stellte er in der Blum Helman Gallery in New York eine Gruppe von Werken vor, die eine starke Entschlackung des bisherigen Stils hin zu einer abstrakten Malerei zeigten, in der er nach und nach jeden formalen Bezug eliminierte. Dieser neue Stil spiegelt sich in den Serien "Tulpen" und "Blumen" wider. In den neunziger Jahren wirkt sich diese reduktionistische Ästhetik auf die Farbpalette aus, wobei die Formen durch die Reflexion des Lichts auf der Oberfläche angedeutet werden. Eine neue Materialbehandlung von subtiler poetischer Resonanz, basierend auf Wachsen, die florale Themen leicht transparent werden lassen, bringt die Farbe zurück in ein bereits vollständig geweihtes Werk. José María Sicilia wurde mit dem Nationalpreis für plastische Kunst (1989) ausgezeichnet und ist unter anderem im Reina Sofía Museum in Madrid, im MOMA und im Guggenheim in New York sowie im CAPC in Bordeaux vertreten.

Schätzw. 30 000 - 35 000 EUR

Los 44 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, Frankreich, 1941). "Zufällige Kombination von Punkten", 2013. Collage und Graphit auf Papier. Signiert, datiert und betitelt in der unteren rechten Ecke. Beigefügtes Zertifikat von der Galerie Guy Pieters ausgestellt. Maße: 105 x 75 cm; 117 x 86,5 cm (Rahmen). Linien und Punkte sind das Rückgrat der emblematischsten Vorschläge von Bernar Venet. Die Zufälligkeit, auf die sich der Titel dieses Werks bezieht, verweist auf das Interesse der Künstlerin, den mathematischen und sozialen Determinismus in Frage zu stellen und Unvorhersehbarkeit und kreatives Chaos einzuführen. Ihren Werken liegt jedoch ein strukturierter Plan zugrunde, mit dem sie das unauflösbare Paradox zwischen den beiden Prinzipien Zufall und Determination, Ordnung und Unordnung unterstreichen will. Kosmos und Chaos sind das Yin und Yang der Schöpfung. Dieses besondere Stück wurde mit der experimentellen und aleatorischen Musik von John Cage in Verbindung gebracht. Der Konzeptkünstler Bernar Venet ist vor allem für seine präzisen und mathematisch strengen Skulpturen bekannt, die oft aus Stahl bestehen. Auch Malerei, Collage und Kohle sind seine Ausdrucksmittel. Im Rahmen seiner künstlerischen Praxis hat er auch kontinuierlich mit anderen industriellen Materialien wie Kohle und Asphalt experimentiert. In den 1960er Jahren wurde Venet von den Arbeiten von Arman und den in Paris arbeitenden Neuen Realisten beeinflusst und begann, Skulpturen aus Karton herzustellen. Ein Besuch in New York im Jahr 1966 brachte ihn dem Minimalismus näher, und er teilte sich in der Folge ein Atelier mit Arman in Midtown Manhattan und verkehrte mit Künstlern wie Donald Judd und Sol LeWitt. In den folgenden Jahrzehnten verfeinerte der Künstler seinen unverwechselbaren Stil, und sein Werk spiegelt seine fortwährenden formalen künstlerischen Untersuchungen wider. Im Jahr 2005 wurde er zum Ritter der Ehrenlegion ernannt, und 2014 eröffnete er die Venet Foundation, ein Museum und Archiv für sein Werk. Im Jahr 2023 jährt sich der 60. Jahrestag von Venets bahnbrechendem Werk Tas de charbon (1963) aus Holzkohle, das den Beginn seiner akribischen Forschungspraxis einläutete. Bernar Venet wurde in Alpes-de-Haute-Provence geboren, lebt und arbeitet aber seit 1966 in New York. In seinem Werk hat er sich mit einer Vielzahl von Medien auseinandergesetzt - Skulptur, Malerei, Fotografie, Film, Performance, Musik und Design -, wobei er stets den Wunsch hegte, dass seine Werke Fragen aufwerfen und der Kunstwelt etwas Neues bringen sollten. Im Jahr 2011 stellte der Bildhauer monumentale Werke in den Gärten von Versailles1 und in der Domaine de Marly auf. Venets Werke befinden sich in den Sammlungen renommierter Museen wie dem Museum of Modern Art, New York; dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York; der National Gallery of Art, Washington; dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington und dem Museum of Contemporary Art, Chicago. Bis heute hat er mehr als 30 monumentale Werke und öffentliche Skulpturen in Städten auf der ganzen Welt installiert, darunter Paris, Berlin, Tokio und Denver. Er hat an der documenta 6 und der 56. Biennale von Venedig teilgenommen. Biennale in Venedig teilgenommen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, den Orden als Chevalier de la Légion d'Honneur und das International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Jüngste Ereignisse: 2021 Große Ausstellung "L'hypothèse de la gravité" im Louvre-Lens im Sommer und die RELIEFS-Ausstellung in der Galerie der Stadt Tuttlingen in Deutschland. Zahlreiche Veröffentlichungen in diesem Jahr, angefangen mit dem Katalog der Ausstellung im Louvre-Lens, der bei Skira erschienen ist, sowie Bücher über den Tas de charbon (Holzkohlenhaufen), eine Studie über Venets Arbeiten auf Papier (Dessins), ein Werkverzeichnis über das gesamte fotografische Schaffen des Künstlers und schließlich ein Buch über die Venet-Stiftung. Jahr 2022: eine fünfmonatige Retrospektive in der Kunsthalle Tempelhof in Berlin, die den Werdegang des Künstlers von 1961 bis 2021 anhand von Performances, Gemälden und Skulpturen auf 8.000 m2 zeigt. Ein Katalog zur Ausstellung erscheint bei éditions Dilecta. Veröffentlichung der Biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, von Catherine Francblin (éditions Gallimard), und eines Werkverzeichnisses über das fotografische Werk des Künstlers (éditions Marval-Rue Visconti), begleitet von fotografischen Abzügen in seiner Galerie. Die Ausstellung "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" im Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), kuratiert von Direktor Michaël Batalla, wird von Dichterlesungen und einer Konferenz begleitet. Ausstellung bei Waddington Custot (London) mit Venets Arbeiten zu Winkeln. Ausstellung bei Kasmin (New York), wo er das Stück Accident aufführt und zu dem ein Ausstellungskatalog (mit einem Text von Maurice Fréchuret) veröffentlicht wird. 2023 Ausstellungen in den drei Pariser Galerien von Perrotin, wo Venet neue Gemälde, GRIBS, Arbeiten auf Papier sowie eine Doppelinstallation von Arches auf der Place Vendôme (kuratiert von Jérôme Sans) präsentiert, gefolgt von Vorträgen mit Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer und Catherine Francblin. The Coal Pile (1963) feiert sein 60-jähriges Bestehen mit vier Präsentationen von

Schätzw. 35 000 - 45 000 EUR

Los 45 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, Frankreich, 1941). "80,5º ARC x15", 2003. Schwarz patinierter Stahl. Betitelt auf der Vorderseite einer Seite. Beigefügtes, vom Künstler signiertes Zertifikat Maße: 31 x 121 x 41 cm; 41 cm (Höhe mit Sockel). Venets Werk wird als selbstreferentiell anerkannt, wobei die Linien, Winkel und Kurven jeglicher symbolischer Anspielung oder dekorativer Elemente beraubt sind. Stattdessen funktionieren die Werke als irreduzible Monolithen, die die Wahrnehmung der Orte, an denen sie stehen, beeinflussen. Diese Eigenschaften sind in diesem Werk aus Stahl (einem seiner bevorzugten Materialien) offensichtlich. Es handelt sich um eine informelle Skulptur, die jedoch das Ergebnis einer präzisen und strengen Untersuchung der Materialien und des Gleichgewichts ist, das durch das visuelle Gleichgewicht der Linienbalken erreicht wird. In seinen Skulpturen, Zeichnungen und Gemälden erforscht er die Linie als Träger divergierender Möglichkeiten: Ordnung und Unordnung, das Bestimmte und das Unbestimmte? In seinen Spuren wird die Linie zu einer dreidimensionalen und instabilen Figur und zwingt den Betrachter, ihrem Verlauf auf der Suche nach dem Anfang und dem Ende zu folgen. Der Konzeptkünstler Bernar Venet ist vor allem für seine mathematisch präzisen, oft aus Stahl gefertigten Skulpturen bekannt. Im Rahmen seiner künstlerischen Praxis hat er auch kontinuierlich mit anderen industriellen Materialien wie Kohle und Asphalt experimentiert. In den 1960er Jahren wurde Venet von den Arbeiten von Arman und den in Paris arbeitenden Neuen Realisten beeinflusst und begann, Skulpturen aus Karton herzustellen. Ein Besuch in New York im Jahr 1966 brachte ihn dem Minimalismus näher, und er teilte sich in der Folge ein Atelier mit Arman in Midtown Manhattan und kam mit Künstlern wie Donald Judd und Sol LeWitt in Kontakt. In den folgenden Jahrzehnten verfeinerte der Künstler seinen unverwechselbaren Stil, und sein Werk spiegelt seine fortwährenden formalen künstlerischen Untersuchungen wider. Im Jahr 2005 wurde er zum Ritter der Ehrenlegion ernannt, und 2014 eröffnete er die Venet Foundation, ein Museum und Archiv für sein Werk. Im Jahr 2023 jährt sich der 60. Jahrestag von Venets bahnbrechendem Werk Tas de charbon (1963) aus Holzkohle, das den Beginn seiner akribischen Forschungspraxis einläutete. Bernar Venet wurde in Alpes-de-Haute-Provence geboren, lebt und arbeitet aber seit 1966 in New York. In seinem Werk hat er sich mit einer Vielzahl von Medien auseinandergesetzt - Skulptur, Malerei, Fotografie, Film, Performance, Musik und Design -, wobei er stets den Wunsch hegte, dass seine Werke Fragen aufwerfen und der Kunstwelt etwas Neues bringen sollten. Im Jahr 2011 stellte der Bildhauer monumentale Werke in den Gärten von Versailles1 und in der Domaine de Marly auf. Venets Werke befinden sich in den Sammlungen renommierter Museen wie dem Museum of Modern Art, New York; dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York; der National Gallery of Art, Washington; dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington und dem Museum of Contemporary Art, Chicago. Bis heute hat er mehr als 30 monumentale Werke und öffentliche Skulpturen in Städten auf der ganzen Welt installiert, darunter Paris, Berlin, Tokio und Denver. Er hat an der documenta 6 und der 56. Biennale von Venedig teilgenommen. Biennale in Venedig teilgenommen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, den Orden als Chevalier de la Légion d'Honneur und das International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Jüngste Ereignisse: 2021 Große Ausstellung "L'hypothèse de la gravité" im Louvre-Lens im Sommer und die RELIEFS-Ausstellung in der Galerie der Stadt Tuttlingen in Deutschland. Zahlreiche Veröffentlichungen in diesem Jahr, angefangen mit dem Katalog der Ausstellung im Louvre-Lens, der bei Skira erschienen ist, sowie Bücher über den Tas de charbon (Holzkohlenhaufen), eine Studie über Venets Arbeiten auf Papier (Dessins), ein Werkverzeichnis über das gesamte fotografische Schaffen des Künstlers und schließlich ein Buch über die Venet-Stiftung. Jahr 2022: eine fünfmonatige Retrospektive in der Kunsthalle Tempelhof in Berlin, die den Werdegang des Künstlers von 1961 bis 2021 anhand von Performances, Gemälden und Skulpturen auf 8.000 m2 zeigt. Ein Katalog zur Ausstellung erscheint bei éditions Dilecta. Veröffentlichung der Biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, von Catherine Francblin (éditions Gallimard), und eines Werkverzeichnisses über das fotografische Werk des Künstlers (éditions Marval-Rue Visconti), begleitet von fotografischen Abzügen in seiner Galerie. Die Ausstellung "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" im Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), kuratiert von Direktor Michaël Batalla, wird von Dichterlesungen und einer Konferenz begleitet. Ausstellung bei Waddington Custot (London) mit Venets Arbeiten zu Winkeln. Ausstellung bei Kasmin (New York), wo er das Stück Accident aufführt und zu dem ein Ausstellungskatalog (mit einem Text von Maurice Fréchuret) veröffentlicht wird. 2023 Ausstellungen in den drei Pariser Galerien von Perrotin, wo Venet neue Gemälde, GRIBS, Arbeiten auf Papier sowie eine Doppelinstallation von Arches am Place Vendôme (kuratiert von Jérôme Sans) präsentiert, gefolgt von Vorträgen mit Thierry Raspail, Philippe Pigu

Schätzw. 65 000 - 70 000 EUR

Los 46 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, Frankreich, 1941). "8 akute ungleiche Winkel", 2015. Patinierter Stahl. Betitelt auf einem der Beine. Beigefügtes Zertifikat mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 107 x 35 x 20 cm. In "Unequal Acute Angles" hebt Bernar Venet seinen ununterbrochenen Dialog mit der minimalistischen Tradition auf eine neue Ebene. Er erforscht die Linie (sein Hauptthema seit den siebziger Jahren), die sich mit Hilfe von Stahlstäben, die eine Vielzahl von spitzen Winkeln (von weniger als 90 Grad) bilden, durch den Raum bewegt. Stahl ist sein bevorzugtes Material wegen seines industriellen Aspekts und seiner Solidität. Der Zufall greift in das Ergebnis der Winkel ein und führt ein Element der Unvorhersehbarkeit ein, das die zugrunde liegenden Vorstellungen von Ordnung in Frage stellt. Die Skulptur lädt den Betrachter ein, die Beziehung zwischen den Teilen und dem Ganzen sowie das Wechselspiel zwischen Stabilität und Bewegung, zwischen voll und leer, zwischen Spontaneität und Determinismus zu betrachten. Mitte der siebziger Jahre begann Venet, die Linie in den Mittelpunkt seiner konzeptionellen Forschung zu stellen. Während eine Linie im wissenschaftlichen Kontext eine klar definierte geometrische Form ist, nutzte Bernar Venet diese einfache geometrische Form, um divergierende Konzepte zu demonstrieren. Der Konzeptkünstler Bernar Venet ist vor allem für seine präzisen und mathematisch strengen Skulpturen bekannt, die oft aus Stahl bestehen. Auch Malerei, Collage und Kohle sind seine Ausdrucksmittel. Im Rahmen seiner künstlerischen Praxis hat er auch kontinuierlich mit anderen industriellen Materialien wie Kohle und Asphalt experimentiert. In den 1960er Jahren wurde Venet von den Arbeiten von Arman und den in Paris arbeitenden Neuen Realisten beeinflusst und begann, Skulpturen aus Karton herzustellen. Ein Besuch in New York im Jahr 1966 brachte ihn dem Minimalismus näher, und er teilte sich in der Folge ein Atelier mit Arman in Midtown Manhattan und verkehrte mit Künstlern wie Donald Judd und Sol LeWitt. In den folgenden Jahrzehnten verfeinerte der Künstler seinen unverwechselbaren Stil, und sein Werk spiegelt seine fortwährenden formalen künstlerischen Untersuchungen wider. Im Jahr 2005 wurde er zum Ritter der Ehrenlegion ernannt, und 2014 eröffnete er die Venet Foundation, ein Museum und Archiv für sein Werk. Im Jahr 2023 jährt sich der 60. Jahrestag von Venets bahnbrechendem Werk Tas de charbon (1963) aus Holzkohle, das den Beginn seiner akribischen Forschungspraxis einläutete. Bernar Venet wurde in Alpes-de-Haute-Provence geboren, lebt und arbeitet aber seit 1966 in New York. In seinem Werk hat er sich mit einer Vielzahl von Medien auseinandergesetzt - Skulptur, Malerei, Fotografie, Film, Performance, Musik und Design -, wobei er stets den Wunsch hegte, dass seine Werke Fragen aufwerfen und der Kunstwelt etwas Neues bringen sollten. Im Jahr 2011 stellte der Bildhauer monumentale Werke in den Gärten von Versailles1 und in der Domaine de Marly auf. Venets Werke befinden sich in den Sammlungen renommierter Museen wie dem Museum of Modern Art, New York; dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York; der National Gallery of Art, Washington; dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington und dem Museum of Contemporary Art, Chicago. Bis heute hat er mehr als 30 monumentale Werke und öffentliche Skulpturen in Städten auf der ganzen Welt installiert, darunter Paris, Berlin, Tokio und Denver. Er hat an der documenta 6 und der 56. Biennale von Venedig teilgenommen. Biennale in Venedig teilgenommen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, den Orden als Chevalier de la Légion d'Honneur und das International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Jüngste Ereignisse: 2021 Große Ausstellung "L'hypothèse de la gravité" im Louvre-Lens im Sommer und die RELIEFS-Ausstellung in der Galerie der Stadt Tuttlingen in Deutschland. Zahlreiche Veröffentlichungen in diesem Jahr, angefangen mit dem Katalog der Ausstellung im Louvre-Lens, der bei Skira erschienen ist, sowie Bücher über den Tas de charbon (Holzkohlenhaufen), eine Studie über Venets Arbeiten auf Papier (Dessins), ein Werkverzeichnis über das gesamte fotografische Schaffen des Künstlers und schließlich ein Buch über die Venet-Stiftung. Jahr 2022: eine fünfmonatige Retrospektive in der Kunsthalle Tempelhof in Berlin, die den Werdegang des Künstlers von 1961 bis 2021 anhand von Performances, Gemälden und Skulpturen auf 8.000 m2 zeigt. Ein Katalog zur Ausstellung erscheint bei éditions Dilecta. Veröffentlichung der Biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, von Catherine Francblin (éditions Gallimard), und eines Werkverzeichnisses über das fotografische Werk des Künstlers (éditions Marval-Rue Visconti), begleitet von fotografischen Abzügen in seiner Galerie. Die Ausstellung "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" im Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), kuratiert von Direktor Michaël Batalla, wird von Dichterlesungen und einer Konferenz begleitet. Ausstellung bei Waddington Custot (London) mit Venets Arbeiten zu Winkeln. Ausstellung bei Kasmin (New York), wo er das Stück Accident aufführt und zu dem ein Ausstellungskatalog (mit einem Text von Maurice Fréchuret) veröffentlicht wird. 2023 Ausstellungen in den drei Pariser Galerien von Perrotin, wo Venet neue Werke präsentiert.

Schätzw. 120 000 - 140 000 EUR

Los 47 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, Frankreich, 1941). "223,5º Bogen x 4", 2005. Cortenstahl. Einzigartiges Stück. Rechts unten betitelt. Beiliegendes Zertifikat des Ateliers Bernar Venet mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 219 x 222 x 32 cm. Monumentale Skulptur von Bernar Venet, die zu seiner bekannten Serie "Bögen" gehört. Venets Werk wird als selbstreferentiell anerkannt, wobei die Linien, Winkel und Kurven jeglicher symbolischer Anspielung oder dekorativer Elemente beraubt sind. Stattdessen fungieren die Werke als irreduzible Monolithen, die die Wahrnehmung der Orte, an denen sie sich befinden, beeinflussen. Diese Eigenschaften sind in diesem Werk aus Stahl (einem seiner bevorzugten Materialien) offensichtlich. Es handelt sich um eine informelle Skulptur, die jedoch das Ergebnis einer präzisen und strengen Untersuchung der Materialien und des Gleichgewichts ist, das durch das visuelle Gleichgewicht der Linienbalken erreicht wird. In seinen Skulpturen, Zeichnungen und Gemälden erforscht er die Linie als Träger divergierender Möglichkeiten: Ordnung und Unordnung, das Bestimmte und das Unbestimmte? In seinen Spuren wird die Linie zu einer dreidimensionalen und instabilen Figur und zwingt den Betrachter, ihrem Verlauf auf der Suche nach dem Anfang und dem Ende zu folgen. Der Konzeptkünstler Bernar Venet ist vor allem für seine präzisen und mathematisch strengen, oft aus Stahl gefertigten Skulpturen bekannt. Auch Malerei, Collage und Kohle sind seine Ausdrucksmittel. Im Rahmen seiner künstlerischen Praxis hat er auch kontinuierlich mit anderen industriellen Materialien wie Kohle und Asphalt experimentiert. In den 1960er Jahren wurde Venet von den Arbeiten von Arman und den in Paris arbeitenden Neuen Realisten beeinflusst und begann, Skulpturen aus Karton herzustellen. Ein Besuch in New York im Jahr 1966 brachte ihn dem Minimalismus näher, und er teilte sich in der Folge ein Atelier mit Arman in Midtown Manhattan und verkehrte mit Künstlern wie Donald Judd und Sol LeWitt. In den folgenden Jahrzehnten verfeinerte der Künstler seinen unverwechselbaren Stil, und sein Werk spiegelt seine fortwährenden formalen künstlerischen Untersuchungen wider. Im Jahr 2005 wurde er zum Ritter der Ehrenlegion ernannt, und 2014 eröffnete er die Venet Foundation, ein Museum und Archiv für sein Werk. Im Jahr 2023 jährt sich der 60. Jahrestag von Venets bahnbrechendem Werk Tas de charbon (1963) aus Holzkohle, das den Beginn seiner akribischen Forschungspraxis einläutete. Bernar Venet wurde in Alpes-de-Haute-Provence geboren, lebt und arbeitet aber seit 1966 in New York. In seinem Werk hat er sich mit einer Vielzahl von Medien auseinandergesetzt - Skulptur, Malerei, Fotografie, Film, Performance, Musik und Design -, wobei er stets den Wunsch hegte, dass seine Werke Fragen aufwerfen und der Kunstwelt etwas Neues bringen sollten. Im Jahr 2011 stellte der Bildhauer monumentale Werke in den Gärten von Versailles1 und in der Domaine de Marly auf. Venets Werke befinden sich in den Sammlungen renommierter Museen wie dem Museum of Modern Art, New York; dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York; der National Gallery of Art, Washington; dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington und dem Museum of Contemporary Art, Chicago. Bis heute hat er mehr als 30 monumentale Werke und öffentliche Skulpturen in Städten auf der ganzen Welt installiert, darunter Paris, Berlin, Tokio und Denver. Er hat an der documenta 6 und der 56. Biennale von Venedig teilgenommen. Biennale in Venedig teilgenommen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, den Orden als Chevalier de la Légion d'Honneur und das International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Jüngste Ereignisse: 2021 Große Ausstellung "L'hypothèse de la gravité" im Louvre-Lens im Sommer und die RELIEFS-Ausstellung in der Galerie der Stadt Tuttlingen in Deutschland. Zahlreiche Veröffentlichungen in diesem Jahr, angefangen mit dem Katalog der Ausstellung im Louvre-Lens, der bei Skira erschienen ist, sowie Bücher über den Tas de charbon (Holzkohlenhaufen), eine Studie über Venets Arbeiten auf Papier (Dessins), ein Werkverzeichnis über das gesamte fotografische Schaffen des Künstlers und schließlich ein Buch über die Venet-Stiftung. Jahr 2022: eine fünfmonatige Retrospektive in der Kunsthalle Tempelhof in Berlin, die den Werdegang des Künstlers von 1961 bis 2021 anhand von Performances, Gemälden und Skulpturen auf 8.000 m2 zeigt. Ein Katalog zur Ausstellung erscheint bei éditions Dilecta. Veröffentlichung der Biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, von Catherine Francblin (éditions Gallimard), und eines Werkverzeichnisses über das fotografische Werk des Künstlers (éditions Marval-Rue Visconti), begleitet von fotografischen Abzügen in seiner Galerie. Die Ausstellung "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" im Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), kuratiert von Direktor Michaël Batalla, wird von Dichterlesungen und einer Konferenz begleitet. Ausstellung bei Waddington Custot (London) mit Venets Arbeiten zu Winkeln. Ausstellung bei Kasmin (New York), wo er das Stück Accident aufführt und zu dem ein Ausstellungskatalog (mit einem Text von Maurice Fréchuret) veröffentlicht wird. 2023 Ausstellungen in den drei Pariser Galerien von Perrotin, wo Venet neue Gemälde präsentiert, GRIB

Schätzw. 350 000 - 400 000 EUR

Los 48 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, Frankreich, 1941). "Punkt 6 cm", 1994-2009. Satz von drei Stücken aus gewachstem Stahl, mit einer Lötlampe geschnitten. Beigefügtes Zertifikat des Bernar Venet Studio Archives mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 3,5 x 6 x 6 cm. Mit diesem skulpturalen Ensemble, das aus drei unabhängigen Teilen aus gewachstem Stahl besteht, hinterfragt Bernar Venet die Prinzipien des Zufalls und definiert gleichzeitig heterogene Räume, die sowohl als dreidimensionale Skulpturen als auch als Frontalflächen von unendlicher Größe gelesen werden können. "Point" wurde ausgewählt, um den Katalog der Ausstellung "L'hypothèse du point" von Bernar Venet zu illustrieren, die im Frühjahr 2014 im Espace Jacques Villeglé in Saint-Gratien stattfand. Dies zeigt die Bedeutung dieses Werks für die konzeptionelle Entwicklung seiner künstlerischen Laufbahn. In diesem besonderen Werk schafft der Künstler eine doppelte Bestätigung oder Bekräftigung, nicht nur durch die Form, sondern auch durch Worte. So wie Magritte mit dem Betrachter spielte, indem er ihm sagte, dass es sich nicht um eine Pfeife handele, lässt Venet keinen Zweifel an der Form und der Idee des Punktes aufkommen. Venet manipuliert die physischen und materiellen Aspekte seiner Werke, um den Geist des Betrachters auf ein immaterielles geistiges Konzept zu lenken. Venet vermeidet komplizierte Bedeutungsebenen und Symbolik; stattdessen strebt er in seinem Werk eine Monosemie an. Bernar Venet wurde in Alpes-de-Haute-Provence geboren, lebt und arbeitet aber seit 1966 in New York. In seinem Werk hat er sich mit einer Vielzahl von Medien auseinandergesetzt - Skulptur, Malerei, Fotografie, Film, Performance, Musik und Design -, wobei er stets den Wunsch hegte, dass seine Werke Fragen aufwerfen und etwas Neues in die Kunstwelt bringen sollten. Im Jahr 2011 stellte der Bildhauer monumentale Werke in den Gärten von Versailles1 und in der Domaine de Marly auf. Venets Werke befinden sich in den Sammlungen renommierter Museen wie dem Museum of Modern Art, New York; dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York; der National Gallery of Art, Washington; dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington und dem Museum of Contemporary Art, Chicago. Bis heute hat er mehr als 30 monumentale Werke und öffentliche Skulpturen in Städten auf der ganzen Welt installiert, darunter Paris, Berlin, Tokio und Denver. Er hat an der documenta 6 und der 56. Biennale von Venedig teilgenommen. Biennale in Venedig teilgenommen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, den Orden als Chevalier de la Légion d'Honneur und das International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Jüngste Ereignisse: 2021 Große Ausstellung "L'hypothèse de la gravité" im Louvre-Lens im Sommer und die RELIEFS-Ausstellung in der Galerie der Stadt Tuttlingen in Deutschland. Zahlreiche Veröffentlichungen in diesem Jahr, angefangen mit dem Katalog der Ausstellung im Louvre-Lens, der bei Skira erschienen ist, sowie Bücher über den Tas de charbon (Holzkohlenhaufen), eine Studie über Venets Arbeiten auf Papier (Dessins), ein Werkverzeichnis über das gesamte fotografische Schaffen des Künstlers und schließlich ein Buch über die Venet-Stiftung. Jahr 2022: eine fünfmonatige Retrospektive in der Kunsthalle Tempelhof in Berlin, die den Werdegang des Künstlers von 1961 bis 2021 anhand von Performances, Gemälden und Skulpturen auf 8.000 m2 zeigt. Ein Katalog zur Ausstellung erscheint bei éditions Dilecta. Veröffentlichung der Biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, von Catherine Francblin (éditions Gallimard), und eines Werkverzeichnisses über das fotografische Werk des Künstlers (éditions Marval-Rue Visconti), begleitet von fotografischen Abzügen in seiner Galerie. Die Ausstellung "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" im Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), kuratiert von Direktor Michaël Batalla, wird von Dichterlesungen und einer Konferenz begleitet. Ausstellung bei Waddington Custot (London) mit Venets Arbeiten zu Winkeln. Ausstellung bei Kasmin (New York), wo er das Stück Accident aufführt und zu dem ein Ausstellungskatalog (mit einem Text von Maurice Fréchuret) veröffentlicht wird. 2023 Ausstellungen in den drei Pariser Galerien von Perrotin, wo Venet neue Gemälde, GRIBS, Arbeiten auf Papier sowie eine Doppelinstallation von Arches auf der Place Vendôme (kuratiert von Jérôme Sans) präsentiert, gefolgt von Vorträgen mit Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer und Catherine Francblin. Der Kohlenmeiler (1963) feiert sein 60-jähriges Bestehen mit vier Präsentationen in Frankreich: im 109 in Nizza (mit einer Ausstellung, die die Werke des Künstlers ab 1963 zeigt), im Musée Fabre in Montpellier, im Château de Montsoreau im Loire-Tal (wo auch die konzeptionelle Periode des Künstlers gezeigt wird), in der Verrière de Meisenthal (neben zwei imposanten Skulpturen) und schließlich in Luxemburg bei Ceysson & Bénétière. In der Fondation Venet empfängt eine beeindruckende Installation die Sommerbesucher: eine große Skulptur mit einer 6 Meter hohen U-Bahn-Struktur (in Zusammenarbeit mit dem Architekten Charles Berthier).

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 49 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, Frankreich, 1941). "Punkt 12 cm", 1994-2009. Gewachster Stahl, mit einer Lötlampe geschnitten. Beigefügtes Zertifikat des Bernar Venet Studio Archives mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 7 x 12 x 12 cm. Dieses Werk, auf dessen oberer Fläche "point" steht, wurde ausgewählt, um den Katalog der Ausstellung "L'hypothèse du point" von Bernar Venet zu illustrieren, die im Frühjahr 2014 im Espace Jacques Villeglé in Saint-Gratien stattfand. Für die Ausstellung schuf Bernar Venet eine Reihe großer Skulpturen, Punkte, die auf den ersten Blick unproportioniert erscheinen, aber den Maßstab in Frage stellen und uns daran erinnern, dass sie vom Himmel aus gesehen wieder der kleinste denkbare Teil des Raums sind. Linien und Punkte sind das Rückgrat der emblematischsten Vorschläge von Bernar Venet. Die Zufälligkeit, auf die sich der Titel dieses Werks bezieht, verweist auf das Interesse der Künstlerin, den mathematischen und sozialen Determinismus in Frage zu stellen und Unvorhersehbarkeit und kreatives Chaos einzuführen. Ihren Werken liegt jedoch ein strukturierter Plan zugrunde, mit dem sie das unauflösbare Paradox zwischen den beiden Prinzipien Zufall und Determination, Ordnung und Unordnung unterstreichen will. Kosmos und Chaos sind das Yin und Yang der Schöpfung. Bernar Venet wurde in Alpes-de-Haute-Provence geboren, lebt und arbeitet aber seit 1966 in New York. In seinem Werk hat er sich mit einer Vielzahl von Medien auseinandergesetzt - Skulptur, Malerei, Fotografie, Film, Performance, Musik und Design -, aber immer mit dem Wunsch, dass seine Werke Fragen aufwerfen und etwas Neues in die Kunstwelt bringen. Im Jahr 2011 stellte der Bildhauer monumentale Werke in den Gärten von Versailles1 und in der Domaine de Marly auf. Venets Werke befinden sich in den Sammlungen renommierter Museen wie dem Museum of Modern Art, New York; dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York; der National Gallery of Art, Washington; dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington und dem Museum of Contemporary Art, Chicago. Bis heute hat er mehr als 30 monumentale Werke und öffentliche Skulpturen in Städten auf der ganzen Welt installiert, darunter Paris, Berlin, Tokio und Denver. Er hat an der documenta 6 und der 56. Biennale von Venedig teilgenommen. Biennale in Venedig teilgenommen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, den Orden als Chevalier de la Légion d'Honneur und das International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Jüngste Ereignisse: 2021 Große Ausstellung "L'hypothèse de la gravité" im Louvre-Lens im Sommer und die RELIEFS-Ausstellung in der Galerie der Stadt Tuttlingen in Deutschland. Zahlreiche Veröffentlichungen in diesem Jahr, angefangen mit dem Katalog der Ausstellung im Louvre-Lens, der bei Skira erschienen ist, sowie Bücher über den Tas de charbon (Holzkohlenhaufen), eine Studie über Venets Arbeiten auf Papier (Dessins), ein Werkverzeichnis über das gesamte fotografische Schaffen des Künstlers und schließlich ein Buch über die Venet-Stiftung. Jahr 2022: eine fünfmonatige Retrospektive in der Kunsthalle Tempelhof in Berlin, die den Werdegang des Künstlers von 1961 bis 2021 anhand von Performances, Gemälden und Skulpturen auf 8.000 m2 zeigt. Ein Katalog zur Ausstellung erscheint bei éditions Dilecta. Veröffentlichung der Biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, von Catherine Francblin (éditions Gallimard), und eines Werkverzeichnisses über das fotografische Werk des Künstlers (éditions Marval-Rue Visconti), begleitet von fotografischen Abzügen in seiner Galerie. Die Ausstellung "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" im Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), kuratiert von Direktor Michaël Batalla, wird von Dichterlesungen und einer Konferenz begleitet. Ausstellung bei Waddington Custot (London) mit Venets Arbeiten zu Winkeln. Ausstellung bei Kasmin (New York), wo er das Stück Accident aufführt und zu dem ein Ausstellungskatalog (mit einem Text von Maurice Fréchuret) veröffentlicht wird. 2023 Ausstellungen in den drei Pariser Galerien von Perrotin, wo Venet neue Gemälde, GRIBS, Arbeiten auf Papier sowie eine Doppelinstallation von Arches auf der Place Vendôme (kuratiert von Jérôme Sans) präsentiert, gefolgt von Vorträgen mit Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer und Catherine Francblin. Der Kohlenmeiler (1963) feiert sein 60-jähriges Bestehen mit vier Präsentationen in Frankreich: im 109 in Nizza (mit einer Ausstellung, die die Werke des Künstlers ab 1963 zeigt), im Musée Fabre in Montpellier, im Château de Montsoreau im Loire-Tal (wo auch die konzeptionelle Periode des Künstlers gezeigt wird), in der Verrière de Meisenthal (neben zwei imposanten Skulpturen) und schließlich in Luxemburg bei Ceysson & Bénétière. In der Fondation Venet empfängt eine beeindruckende Installation die Sommerbesucher: eine große Skulptur mit einer 6 Meter hohen U-Bahn-Struktur (in Zusammenarbeit mit dem Architekten Charles Berthier).

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 50 - BERNAR VENET (Château-Arnoux-Saint-Auban, Frankreich, 1941). "Point 18 cm", 1994-2009. Satz von zwei Stücken aus gewachstem Stahl, die mit einer Lötlampe geschnitten wurden. Beigefügtes Zertifikat des Bernar Venet Studio Archives mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 10 x 18 cm. Dieses Werk, bestehend aus zwei gewachsten Stahlskulpturen, auf deren oberem Teil "point" zu lesen ist, wurde ausgewählt, um den Katalog von Bernar Venets Ausstellung "L'hypothèse du point" zu illustrieren, die im Frühjahr 2014 im Espace Jacques Villeglé in Saint-Gratien stattfand. Für die Ausstellung schuf Bernar Venet eine Reihe großer Skulpturen, Punkte, die auf den ersten Blick unproportioniert erscheinen, aber den Maßstab in Frage stellen und uns daran erinnern, dass sie vom Himmel aus gesehen wieder der kleinste denkbare Teil des Raums sind. Dies war das erste Mal, dass eine Ausstellung und ein Katalog ganz den Punkten und ihren Variationen gewidmet waren, den Hauptwerken im Schaffen von Bernar Venet. In diesem besonderen Werk schafft der Künstler eine doppelte Bestätigung oder Bekräftigung, nicht nur durch die Form, sondern auch durch die Worte. So wie Magritte mit dem Betrachter spielte, indem er ihm sagte, dass es sich nicht um eine Pfeife handele, lässt Venet keinen Zweifel an der Form und der Idee des Punktes aufkommen. Bernar Venet wurde in Alpes-de-Haute-Provence geboren, lebt und arbeitet aber seit 1966 in New York. In seinem Werk hat er sich mit einer Vielzahl von Medien auseinandergesetzt - Skulptur, Malerei, Fotografie, Film, Performance, Musik und Design - und dabei stets den Wunsch beibehalten, dass seine Werke Fragen aufwerfen und etwas Neues in die Kunstwelt bringen. Im Jahr 2011 stellte der Bildhauer monumentale Werke in den Gärten von Versailles1 und in der Domaine de Marly auf. Venets Werke befinden sich in den Sammlungen renommierter Museen wie dem Museum of Modern Art, New York; dem Solomon R. Guggenheim Museum, New York; der National Gallery of Art, Washington; dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garde, Washington und dem Museum of Contemporary Art, Chicago. Bis heute hat er mehr als 30 monumentale Werke und öffentliche Skulpturen in Städten auf der ganzen Welt installiert, darunter Paris, Berlin, Tokio und Denver. Er hat an der documenta 6 und der 56. Biennale von Venedig teilgenommen. Biennale in Venedig teilgenommen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Grand Prix des Arts de la Ville de Paris, den Orden als Chevalier de la Légion d'Honneur und das International Sculpture Center's 2016 Lifetime Achievement. Jüngste Ereignisse: 2021 Große Ausstellung "L'hypothèse de la gravité" im Louvre-Lens im Sommer und die RELIEFS-Ausstellung in der Galerie der Stadt Tuttlingen in Deutschland. Zahlreiche Veröffentlichungen in diesem Jahr, angefangen mit dem Katalog der Ausstellung im Louvre-Lens, der bei Skira erschienen ist, sowie Bücher über den Tas de charbon (Holzkohlenhaufen), eine Studie über Venets Arbeiten auf Papier (Dessins), ein Werkverzeichnis über das gesamte fotografische Schaffen des Künstlers und schließlich ein Buch über die Venet-Stiftung. Jahr 2022: eine fünfmonatige Retrospektive in der Kunsthalle Tempelhof in Berlin, die den Werdegang des Künstlers von 1961 bis 2021 anhand von Performances, Gemälden und Skulpturen auf 8.000 m2 zeigt. Ein Katalog zur Ausstellung erscheint bei éditions Dilecta. Veröffentlichung der Biographie Bernar Venet. Toute une vie pour l'art, von Catherine Francblin (éditions Gallimard), und eines Werkverzeichnisses über das fotografische Werk des Künstlers (éditions Marval-Rue Visconti), begleitet von fotografischen Abzügen in seiner Galerie. Die Ausstellung "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier" im Centre International de Poésie de Marseille (CIPM), kuratiert von Direktor Michaël Batalla, wird von Dichterlesungen und einer Konferenz begleitet. Ausstellung bei Waddington Custot (London) mit Venets Arbeiten zu Winkeln. Ausstellung bei Kasmin (New York), wo er das Stück Accident aufführt und zu dem ein Ausstellungskatalog (mit einem Text von Maurice Fréchuret) veröffentlicht wird. 2023 Ausstellungen in den drei Pariser Galerien von Perrotin, wo Venet neue Gemälde, GRIBS, Arbeiten auf Papier sowie eine Doppelinstallation von Arches auf der Place Vendôme (kuratiert von Jérôme Sans) präsentiert, gefolgt von Vorträgen mit Thierry Raspail, Philippe Piguet, Guy Boyer und Catherine Francblin. Der Kohlenmeiler (1963) feiert sein 60-jähriges Bestehen mit vier Präsentationen in Frankreich: im 109 in Nizza (mit einer Ausstellung, die die Werke des Künstlers ab 1963 zeigt), im Musée Fabre in Montpellier, im Château de Montsoreau im Loire-Tal (wo auch die konzeptionelle Periode des Künstlers gezeigt wird), in der Verrière de Meisenthal (neben zwei imposanten Skulpturen) und schließlich in Luxemburg bei Ceysson & Bénétière. In der Fondation Venet empfängt eine beeindruckende Installation die Sommerbesucher: eine große Skulptur mit einer 6 Meter hohen U-Bahn-Struktur (in Zusammenarbeit mit dem Architekten Charles Berthier).

Schätzw. 25 000 - 30 000 EUR

Los 51 - DAMIEN HIRST (Bristol, UK, 1965). "Rhodotorulasäure", 2011-2012. Holzschnitt, Kopie 26/55. Signiert in der unteren rechten Ecke. Verso gerechtfertigt. Verso Einrahmungsetikett. Maße: 16 x 15,5 cm; 22 x 22 cm (Rahmen). Die Radierung "Rhodotorulic Acid" gehört zu Damien Hirsts bekannter Serie "Spot Prints". Sie zeigt einen einzelnen Farbfleck, der sorgfältig auf einem weißen Hintergrund platziert ist. Das essentialistische Erscheinungsbild des Werks verkörpert Schlüsselaspekte von Hirsts künstlerischem Ansatz: wissenschaftliche Bezüge, Minimalismus, Serialität und Zufälligkeit. Die kreisförmige Form erinnert an Unendlichkeit und Ewigkeit, an Leben und Tod als Teil desselben Zyklus. Zugleich verweisen sie auf Zellen und ihre Mutationen. Außerdem bezieht sich der Titel auf eine echte organische Verbindung, ein rotes Pigment, das von einem Pilz produziert wird. Diese Verbindung mit der Wissenschaft und der Natur ist ein Markenzeichen von Hirsts Werk, der häufig die Beziehung zwischen der Kunst und der natürlichen Welt, dem Mikro- und dem Makrobereich sowie Träume von Unsterblichkeit erforscht. Damien Hirst wurde am 7. Juni 1965 in Bristol in einer wirtschaftlich schwierigen Vorstadtumgebung geboren. Seinen leiblichen Vater hat er nie kennen gelernt, und seine Mutter heiratete einen Autoverkäufer, der sie verließ, als Hirst 13 Jahre alt war. Seine Mutter, eine Amateurkünstlerin und gläubige Christin, kümmerte sich um ihn, aber da sein Vater ihn verlassen hatte, musste er von der Pike auf erzogen werden, was vielleicht der Hauptgrund dafür ist, dass Damien Hirst behauptet, Kunst habe keine Klasse. Er studierte an der Universität von Leed und arbeitete gleichzeitig in der örtlichen Leichenhalle, die er später verließ, um nach London zu ziehen. Während dieser Zeit arbeitete er auf dem Bau und bewarb sich an verschiedenen Kunstschulen wie St. Martins oder der Fakultät von Wales. Schließlich wurde er am Golsdmiths College angenommen, das zur gleichen Zeit und aufgrund der wirtschaftlichen Rezession in England eine Schule war, die begabte Studenten und kreative Dozenten anzog. Während des Studiums finanzierte Hirst seine Ausgaben durch die Arbeit an Telefonumfragen, was direkt auf seine Fähigkeit zurückzuführen ist, am Telefon jede Emotion vorzutäuschen. Während seines Studiums arbeitete er auch bei McDonald's und in Teilzeit in der Galerie Anthony D'Ofray, wo er die Mechanismen des Kunstmarktes kennenlernte. Bereits in seinem zweiten Studienjahr übernahm Hirst die Rolle des Künstlers und Kurators und schaffte es, eine Ausstellung zu machen, die den Kurs der britischen Kunst verändern sollte, es war seine erste Einzelausstellung mit nur 26 Jahren. Vier Jahre später, 1995, erhielt er seine zweite Nominierung für den Turner Prize für Mother and Child. Im Alter von 32 Jahren bot ihm die Larry Gagosian Gallery eine große Retrospektive an, woraufhin er erklärte, er habe keinen Platz mehr, um auszustellen, er habe alles und zu schnell gemacht. So tauften ihn die Medien bald auf den Namen Hooligan-Genie. Obwohl er im Alter von 40 Jahren zum Millionär wurde, wurde Hirsts Überempfindlichkeit verdächtig; eingehüllt in eine Aura von Romantik, ließ er die Revolutionierung der Kunstwelt leicht aussehen. Damien Hirsts Werke befinden sich unter anderem im MoMA in New York, in der Tate Gallery und im Victoria & Albert Museum in London, im Palazzo Gras in Venedig, im Kunstmuseum Wolfsburg (Deutschland), im Hirshhorn in Washington D.C. und in der Neuen Galerie in Graz (Österreich), sowie in anderen wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 52 - DAMIEN HIRST (Bristol, UK, 1965). "Ala-Met", 2011-2012. Holzschnitt, Exemplar 44/55. Signiert in der rechten unteren Ecke. Verso gerechtfertigt. Verso mit Rahmungsetikett. Maße: 79 x 73 cm; 87 x 70 cm (Rahmen). "Ala-Met" ist ein Holzschnitt von Damien Hirst, der zu seiner Serie "40 Woodcut Spots" aus dem Jahr 2011 gehört. Es zeichnet sich durch seinen Minimalismus und sein visuelles Spiel mit Wiederholungen und Farben aus. Vom Konzept her ist es ein ironischer und zugleich tiefgründiger Kommentar zur Pharmaindustrie, zum massiven Einsatz von Pillen aller Farben, die uns von jeder Art von Krankheit befreien sollen, usw. Diese Verbindung zwischen Wissenschaft und minimaler Abstraktion ist ein Markenzeichen von Hirsts Werk, der oft Themen erforscht, die mit menschlicher Eitelkeit und unseren kindischen Träumen von Unsterblichkeit zusammenhängen. Für die ursprüngliche Serie der pharmazeutischen Gemälde erfand Hirst ein Raster mit einer einzigen Regel: In jedem Werk durften alle Farben nur einmal verwendet werden. Damien Hirst wurde am 7. Juni 1965 in Bristol in einer wirtschaftlich schwierigen Vorstadtumgebung geboren. Seinen leiblichen Vater hat er nie kennen gelernt, und seine Mutter heiratete einen Autoverkäufer, der sie verließ, als Hirst 13 Jahre alt war. Seine Mutter, eine Amateurkünstlerin und gläubige Christin, kümmerte sich um ihn, aber da sein Vater ihn verlassen hatte, musste er von der Pike auf erzogen werden, was vielleicht der Hauptgrund dafür ist, dass Damien Hirst behauptet, Kunst sei klassenlos. Er studierte an der Universität von Leed und arbeitete gleichzeitig in der örtlichen Leichenhalle, die er später verließ, um nach London zu ziehen. Während dieser Zeit arbeitete er auf dem Bau und bewarb sich an verschiedenen Kunstschulen wie St. Martins oder der Fakultät von Wales. Schließlich wurde er am Golsdmiths College angenommen, das zur gleichen Zeit und aufgrund der wirtschaftlichen Rezession in England eine Schule war, die begabte Studenten und kreative Dozenten anzog. Während des Studiums finanzierte Hirst seine Ausgaben durch die Arbeit an Telefonumfragen, was direkt auf seine Fähigkeit zurückzuführen ist, am Telefon jede Emotion vorzutäuschen. Während seines Studiums arbeitete er auch bei McDonald's und in Teilzeit in der Galerie Anthony D'Ofray, wo er die Mechanismen des Kunstmarktes kennenlernte. Bereits in seinem zweiten Studienjahr übernahm Hirst die Rolle des Künstlers und Kurators und schaffte es, eine Ausstellung zu machen, die den Kurs der britischen Kunst verändern sollte, es war seine erste Einzelausstellung mit nur 26 Jahren. Vier Jahre später, 1995, erhielt er seine zweite Nominierung für den Turner Prize für Mother and Child. Im Alter von 32 Jahren bot ihm die Larry Gagosian Gallery eine große Retrospektive an, woraufhin er erklärte, er habe keinen Platz mehr, um auszustellen, er habe alles und zu schnell gemacht. So tauften ihn die Medien bald auf den Namen Hooligan-Genie. Obwohl er im Alter von 40 Jahren zum Millionär wurde, wurde Hirsts Überempfindlichkeit verdächtig; eingehüllt in eine Aura von Romantik, ließ er die Revolutionierung der Kunstwelt leicht aussehen. Damien Hirsts Werke befinden sich unter anderem im MoMA in New York, in der Tate Gallery und im Victoria & Albert Museum in London, im Palazzo Gras in Venedig, im Kunstmuseum Wolfsburg (Deutschland), im Hirshhorn in Washington D.C. und in der Neuen Galerie in Graz (Österreich), sowie in anderen wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 53 - DAMIEN HIRST (Bristol, UK, 1965). "Ethylamin", 2011-2012. Holzschnitt, Exemplar 26/55. Signiert in der rechten unteren Ecke. Auf der Rückseite gerechtfertigt. Maße: 29 x 43 cm; 36 x 50 cm (Rahmen). Von Beginn seiner Karriere an interessierte sich Hirst für die Möglichkeiten der Druckgrafik und des Multiple-Imaging, mit der Absicht, das minimalistische Erbe zu überwinden und die heißesten zeitgenössischen Themen ins Rampenlicht zu rücken. Die Fleckenbilder, die er 1988 erstmals vorstellte, boten ein natürliches Thema für die Druckgrafik. Für die ursprüngliche Serie der pharmazeutischen Gemälde erfand Hirst ein Raster mit einer einzigen Regel: In jedem Werk durften alle Farben nur einmal verwendet werden. Als Radierungen verführen die Flecken durch die Überschwänglichkeit ihrer Farben, obwohl das Verfahren selbst technisch anspruchsvoll und aufwändig ist, da jeder Fleck vor dem Druck einzeln eingefärbt werden muss. Die Titel der einzelnen Flecken stammen von Chemikalien, die in der pharmazeutischen Industrie verwendet werden. Der Grundgedanke dieser Serie ist ein kritischer Kommentar zu der Rolle, die die Wissenschaft als neuer Gott übernommen hat, der uns ewige Jugend und Gesundheit verspricht. Das essentialistische Erscheinungsbild der Drucke in der "Spot Prints"-Serie verkörpert Schlüsselaspekte von Hirsts künstlerischem Ansatz: wissenschaftliche Referenzen, Minimalismus, Serialität und Zufälligkeit. Die kreisförmige Form erinnert an Unendlichkeit und Ewigkeit, an Leben und Tod als Teil desselben Zyklus. Damien Hirst wurde am 7. Juni 1965 in Bristol geboren, in einer Vorstadt mit wirtschaftlichen Problemen. Seinen leiblichen Vater hat er nie kennen gelernt, und seine Mutter heiratete einen Autoverkäufer, der sie verließ, als Hirst 13 Jahre alt war. Seine Mutter, eine Amateurkünstlerin und gläubige Christin, kümmerte sich um ihn, aber da sein Vater ihn verlassen hatte, musste er von der Pike auf erzogen werden, was vielleicht der Hauptgrund dafür ist, dass Damien Hirst behauptet, Kunst sei klassenlos. Er studierte an der Universität von Leed und arbeitete gleichzeitig in der örtlichen Leichenhalle, die er später verließ, um nach London zu ziehen. Während dieser Zeit arbeitete er auf dem Bau und bewarb sich an verschiedenen Kunstschulen wie St. Martins oder der Fakultät von Wales. Schließlich wurde er am Golsdmiths College angenommen, das zur gleichen Zeit und aufgrund der wirtschaftlichen Rezession in England eine Schule war, die begabte Studenten und kreative Dozenten anzog. Während des Studiums finanzierte Hirst seine Ausgaben durch die Arbeit an Telefonumfragen, was direkt auf seine Fähigkeit zurückzuführen ist, am Telefon jede Emotion vorzutäuschen. Während seines Studiums arbeitete er auch bei McDonald's und in Teilzeit in der Galerie Anthony D'Ofray, wo er die Mechanismen des Kunstmarktes kennenlernte. Bereits in seinem zweiten Studienjahr übernahm Hirst die Rolle des Künstlers und Kurators und schaffte es, eine Ausstellung zu machen, die den Kurs der britischen Kunst verändern sollte, es war seine erste Einzelausstellung mit nur 26 Jahren. Vier Jahre später, 1995, erhielt er seine zweite Nominierung für den Turner Prize für Mother and Child. Im Alter von 32 Jahren bot ihm die Larry Gagosian Gallery eine große Retrospektive an, woraufhin er erklärte, er habe keinen Platz mehr, um auszustellen, er habe alles und zu schnell gemacht. So tauften ihn die Medien bald auf den Namen Hooligan-Genie. Obwohl er im Alter von 40 Jahren zum Millionär wurde, wurde Hirsts Überempfindlichkeit verdächtig; eingehüllt in eine Aura von Romantik, ließ er die Revolutionierung der Kunstwelt leicht aussehen. Damien Hirsts Werke befinden sich unter anderem im MoMA in New York, in der Tate Gallery und im Victoria & Albert Museum in London, im Palazzo Gras in Venedig, im Kunstmuseum Wolfsburg (Deutschland), im Hirshhorn in Washington D.C. und in der Neuen Galerie in Graz (Österreich), sowie in anderen wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 20 000 - 22 000 EUR

Los 54 - CHRISTOPHER MAKOS (Lowell, Massachusetts, USA, 1948). "Basquiat". Fotografie, Kopie 38/250. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 48 x 37,5 cm; 60 x 50 cm (Rahmen). Christopher Makos lernte Basquiat in den frühen 1980er Jahren durch Warhol kennen. Makos verkehrte zu dieser Zeit in den alternativen und fortschrittlichen Kreisen New Yorks. Mit diesem Porträt hinterlässt Makos der Nachwelt ein unsterbliches Bild vom Höhepunkt des kurzen Lebens des großen New Yorker Graffiti-Künstlers. Makos verstand es, das Wesen der von ihm porträtierten Menschen einzufangen, von denen die meisten wichtige Persönlichkeiten der damaligen Gesellschaft waren, wie Truman Capote, Liz Taylor, John Lennon und Mick Jagger. Er nahm die Bilder in der Regel in seinem Atelier auf, wobei er die Personen stark in den Vordergrund stellte und ihr Wesen einfing. Christopher Makos ist unter anderem dafür bekannt, dass er Warhol in das Polaroid-Universum eingeführt hat. Er ist eine legendäre Figur in New York. Obwohl er in Massachusetts geboren wurde, wuchs er in Kalifornien auf und ließ sich dann in den 1960er Jahren in New York City nieder. Er ging nach Europa, nach Paris, um Architektur zu studieren, aber der Kontakt mit Man Ray führte ihn zur Fotografie. Zurück in den Vereinigten Staaten ließ er sich in New York, im West Village, nieder. Er arbeitete eng mit Andy Warhol zusammen, dem er den Umgang mit seiner ersten Kamera beibrachte. Er brachte Warhol auch mit den Arbeiten von Jean-Michel Basquiat und Keith Haring in Kontakt. Warhol nannte Makos "den modernsten Fotografen der Vereinigten Staaten". Makos' enge Freundschaft mit Warhol und ihre ausgedehnten gemeinsamen Reisen sind in Makos' Buch Warhol: A Photographic Memoir (New American Library) festgehalten. Makos' Werke befinden sich in den ständigen Sammlungen von mehr als hundert Museen, wurden in Galerien und Museen in den Vereinigten Staaten, Europa und Japan ausgestellt und sind in zahlreichen Publikationen auf der ganzen Welt erschienen, darunter Interview, Rolling Stone, House & Garden, Connoisseur, New York Magazine, Esquire, Genre und People. Einige Sammler wie Malcolm Forbes, Pedro Almodovar oder Gianni Versace besitzen seine Werke.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 55 - GILBERT & GEORGE; GILBERT PROESCH (Italien, 1943) und GEORGE PASSMORE (Großbritannien, 1942). "Dieb", 2011, Serie "London Pictures". 4 Teile, montiert auf einer Holzplatte mit Schienen, die Teil des Sets sind. Einzigartiges Stück. Rückseite mit Etiketten mit Titel, Datum, Position und Pflegeanleitung. Tafel #4 ist in der rechten unteren Ecke signiert und datiert. Beigefügtes Zertifikat von Jean Bernier & Marina Eliades, aus dem hervorgeht, dass das Werk 2012 in der Galerie Bernier/Eliades in Athen ausgestellt wurde. Maße: 76 x 73,5 cm (jede Tafel); 151 x 127 cm (insgesamt). Dieb, Sex, Bombe, Banken, erstochen... das sind die Schlüsselwörter, die das brillante Duo Gilbert und George in den verschiedenen Serien, die zu "London Pictures" gehören, in Blutrot hervorhebt und nach Themen gruppiert. Auffällige Farben für Boulevardausdrücke bilden ein sich wiederholendes Muster, an dessen Rändern die Bildnisse der beiden Künstler als ahnungslose Testimonials erscheinen. Sie bilden ein Wandbild aus fragmentarischen Nachrichten, ein Mosaik aus Skandalen und Sorgen unserer Gesellschaft. Die Serie entstand durch das Sortieren und Klassifizieren von fast 4.000 Zeitungsschlagzeilen-Plakaten, die von den Künstlern über mehrere Jahre hinweg gestohlen wurden. Michael Bracewell schreibt über "London Pictures": "Direkt aus dem Alltagsleben einer Großstadt entnommen, erlauben die London Pinctures der zeitgenössischen Gesellschaft, ihre eigene Geschichte in ihrer eigenen Sprache zu erzählen. In der urbanen Landschaft dieses moralischen Audits scheinen Gilbert & George als Geister und Seher durchzugehen, abwechselnd wachsam und abgelenkt, als ob ihre Geister genau die Straßen und Gebäude heimsuchen, die diese Bilder abbilden. Sie scheinen einen großen visuellen Roman zu bilden, der ohne Wertung die unerbittliche Weitergabe des urbanen Dramas in all seinen Abstufungen von Hoffnung und Leid offenbart." Gilbert und George ist ein britisches Künstlerpaar, bestehend aus Gilbert Proesch und George Passmore, die ihre Arbeit in den Bereichen Konzeptkunst, Performance und Körperkunst entwickelt haben und vor allem als "lebende Skulpturen" bekannt sind. Sie lernten sich als Studenten an der St. Martin's School of Art in London kennen und leben seit 1968 zusammen und arbeiten professionell als Künstlerduo. Eines ihrer ersten Werke war The Singing Sculpture (1969), in dem das Künstlerpaar tanzte und Underneath the Arches, einen Musical-Hit aus den 1930er Jahren, sang. Seitdem haben sie sich einen soliden Ruf als lebende Skulpturen erworben, die sich selbst in Kunstwerke verwandeln und für unterschiedliche Zeiträume öffentlich ausgestellt werden. In der Regel sind sie tadellos in Anzug und Krawatte gekleidet und nehmen verschiedene Haltungen ein, in denen sie unbeweglich bleiben, obwohl sie sich manchmal auch bewegen oder einen Text lesen, und manchmal treten sie in Versammlungen oder Installationen verschiedener Art auf. Neben ihrer "skulpturalen" Seite produzieren Gilbert und George auch bildnerische Werke, Collagen und Fotomontagen, in denen sie sich selbst und verschiedene Elemente ihrer unmittelbaren Umgebung darstellen, mit Verweisen auf die urbane Kultur und einer starken rachsüchtigen Komponente, in denen sie Themen wie Sex, Rasse, Tod und AIDS, Religion oder Politik ansprechen und oft die britische Regierung und die etablierte Macht kritisieren. In diesem Sinne ist ihre produktivste und ehrgeizigste Serie die der Jack Freak Pictures, in der die rot-weiß-blauen Farben der britischen Flagge eine ständige Präsenz haben. Gilbert und George haben in einigen der besten Museen und Galerien der Welt ausgestellt, z. B. im Stedelijk van Abbemuseum in Eindhoven (1980), in der Hayward Gallery in London (1987), in der Tate Modern (2007), usw. Sie haben mehrmals an der Documenta in Kassel teilgenommen (5, 6 und 7), und 2005 vertraten sie ihr Land auf der Biennale von Venedig. Im Jahr 1986 wurden sie mit dem Turner-Preis ausgezeichnet.

Schätzw. 65 000 - 75 000 EUR

Los 56 - JEAN MICHEL FOLON (Belgien, 1934 - Monaco, 2005). "Quarante et unième pensée", 2002, Empire State Building. Skulptur aus patinierter Bronze. Exemplarisch 1/8. Signiert auf der Oberseite des Sockels. Beiliegendes Zertifikat von der Fondation Folon ausgestellt. Maße: 200 x 40 x 35 cm. In dieser Skulptur schafft Folon eine anonyme Figur, die in einer undefinierten und absurden Welt verloren scheint. Sein Kopf wird von einem amerikanischen Wolkenkratzer verdeckt, genauer gesagt vom Empire State Building, was den entfremdeten Protagonisten daran hindert, das Geschehen um ihn herum zu beobachten und zu verstehen. Der belgische Maler, Illustrator und Bildhauer Jean-Michel Folon studierte Architektur am Institut Saint-Luc in Brüssel und hatte 1969 seine erste Einzelausstellung mit Aquarellen in der Lefebre Gallery in New York. Im folgenden Jahr stellte er in Tokio und Mailand aus und nahm an der Biennale von Venedig teil. Er ist bereits international anerkannt und nimmt an herausragenden Wettbewerben wie der Biennale von São Paulo 1973 teil, wo er den Großen Preis für Malerei gewinnt. Im Laufe seiner Karriere arbeitete Folon mit verschiedenen Illustrationstechniken, aber auch mit Gravur, Siebdruck, Mosaik und emailliertem Glas. Er schuf auch zahlreiche Plakate, viele davon für humanitäre Zwecke. Bedeutende Museen haben ihm Ausstellungen gewidmet, darunter das Museum für dekorative Künste in Paris (1971), das Boymans van Beuningen Museum in Rotterdam (1976), das Institute of Contemporary Arts in London (1977), das Metropolitan Museum in New York (1990) und das Bunkamura Museum in Tokio (1995), um nur einige zu nennen. Derzeit ist er in öffentlichen und privaten Sammlungen auf der ganzen Welt vertreten.

Schätzw. 90 000 - 100 000 EUR

Los 57 - WILLIAM SWEETLOVE (Ostende, Belgien, 1949). "Geklonter hellblauer Hase mit Rucksack", 2010. Kunstharz, blau bemalt. Exemplarisch 1/33. Signiert auf einem der Beine. Zertifikat beigefügt. Maße: 140 x 100 x 65 cm. Runde Skulptur, die einen monumentalen Hasen mit einem Rucksack auf dem Rücken darstellt und mit einer abschließenden blauen Patina versehen ist. Die Ausdruckskraft dieses Werks erschließt sich dem Betrachter durch eine Sprache mit Kitschcharakter, die in der Ästhetik des Post-Pop sehr häufig vorkommt. Dabei geht der Künstler von einem wiedererkennbaren Bild aus, das er in seinem persönlichen Stil neu interpretiert und so eine Resignation des Werks bewirkt. Sowohl die Farbe, die Monumentalisierung als auch das Material, Kunstharz, bringen uns die Idee der Massenproduktion, der Industrialisierung und der Kommerzialisierung näher und verwischen so die Grenze zwischen Kunst und Massenproduktion. Die Grenze zwischen Hoch- und Niedrigkultur und wie der wachsende Konsumismus der Gesellschaft diese Grenze verwischt. William Sweetlove greift auf das Oberflächliche zurück, indem er mit einer Reihe von Variationen desselben Themas eine Reibung zwischen dem Künstlichen und dem Substanziellen schafft und die Grenzen zwischen Spielzeug und Kunstwerk völlig verwischt. Der aus Belgien stammende William Sweetlove ist für seine dem Dadaismus und Surrealismus nahestehenden Werke bekannt. Seine Werke wurden als Pop Art klassifiziert, humorvolle Skulpturen, die auf den ersten Blick "kitschig" erscheinen mögen. Bei näherer Betrachtung erweist sich seine Kunst jedoch als kreatives Gegenmittel gegen die Überproduktion und den Überkonsum unserer Gesellschaft. Mit seinen geklonten Tieren will William Sweetlove ein größeres ökologisches Bewusstsein wecken und uns zum Nachdenken über die Folgen des Klimawandels anregen, der die Menschheit herausfordert. Aus seiner Faszination für Fossilien entwickelte Sweetlove das Bedürfnis, durch seine Kunst zu forschen. William Sweetlove hat auf Kunstmessen, in Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt. Seine Werke befinden sich in mehreren privaten Kunstsammlungen. Mit der italienischen Gruppe Cracking Art, deren Name sich auf die Türme bezieht, die bei der Ölraffination verwendet werden, hat er weltweit an verschiedenen künstlerischen Manifestationen teilgenommen. Diese Gruppe ist für ihre großen Plastikskulpturen bekannt, die als Kritik am Konsum der heutigen Gesellschaft entstanden sind. Die Entdeckung und Kommerzialisierung von Polyester inspiriert Sweetlove dazu, alle möglichen Alltagsgegenstände zu schaffen, um sie für die Zukunft zu bewahren. Er stellt Kunstobjekte aus Brot, Gemüse und modischer Kleidung her, die allesamt die Vergänglichkeit symbolisieren. Er macht auch Fotos von sich selbst und vor allem von seiner Großmutter, die wie jede Schauspielerin alle möglichen Szenen darstellt, die sie zum ersten Mal in ihrem Leben spielt. Später wurden die Abzüge mit Kunstharz beschmiert und in Holzkisten vergraben. Zehn Jahre später wurden sie von Archäologen ausgegraben.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 58 - WILLIAM SWEETLOVE (Ostende, Belgien, 1949). "Blaues Kaninchen". Kunstharz, blau bemalt. Abmessungen: 2,20 x 2 x 1 m. Runde Skulptur, die ein monumentales Kaninchen mit einer abschließenden Patina aus leuchtendem Blau darstellt. Die Ausdruckskraft dieses Werks erschließt sich dem Betrachter durch eine Sprache mit Kitschcharakter, die in der Ästhetik des Post-Pop sehr häufig vorkommt. Dabei geht der Künstler von einem wiedererkennbaren Bild aus, das er in seinem persönlichen Stil neu interpretiert und so eine Resignation des Werks bewirkt. Sowohl die Farbe, die Monumentalisierung als auch das Material, Kunstharz, bringen uns die Idee der Massenproduktion, der Industrialisierung und der Kommerzialisierung näher und verwischen so die Grenze zwischen Kunst und Massenproduktion. Die Grenze zwischen Hoch- und Niedrigkultur und wie der wachsende Konsumismus der Gesellschaft diese Grenze verwischt. William Sweetlove greift auf das Oberflächliche zurück, indem er mit einer Reihe von Variationen desselben Themas eine Reibung zwischen dem Künstlichen und dem Substanziellen schafft und die Grenzen zwischen Spielzeug und Kunstwerk völlig verwischt. Der aus Belgien stammende William Sweetlove ist für seine dem Dadaismus und Surrealismus nahestehenden Werke bekannt. Seine Werke wurden als Pop Art klassifiziert, humorvolle Skulpturen, die auf den ersten Blick "kitschig" erscheinen mögen. Bei näherer Betrachtung erweist sich seine Kunst jedoch als kreatives Gegenmittel gegen die Überproduktion und den Überkonsum unserer Gesellschaft. Mit seinen geklonten Tieren will William Sweetlove ein größeres ökologisches Bewusstsein wecken und uns zum Nachdenken über die Folgen des Klimawandels anregen, der die Menschheit herausfordert. Aus seiner Faszination für Fossilien entwickelte Sweetlove das Bedürfnis, durch seine Kunst zu forschen. William Sweetlove hat auf Kunstmessen, in Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt. Seine Werke befinden sich in mehreren privaten Kunstsammlungen. Mit der italienischen Gruppe Cracking Art, deren Name sich auf die Türme bezieht, die bei der Ölraffination verwendet werden, hat er weltweit an verschiedenen künstlerischen Manifestationen teilgenommen. Diese Gruppe ist für ihre großen Plastikskulpturen bekannt, die als Kritik am Konsum der heutigen Gesellschaft entstanden sind. Die Entdeckung und Kommerzialisierung von Polyester inspiriert Sweetlove dazu, alle möglichen Alltagsgegenstände zu schaffen, um sie für die Zukunft zu bewahren. Er stellt Kunstobjekte aus Brot, Gemüse und modischer Kleidung her, die allesamt die Vergänglichkeit symbolisieren. Er macht auch Fotos von sich selbst und vor allem von seiner Großmutter, die wie jede Schauspielerin alle möglichen Szenen darstellt, die sie zum ersten Mal in ihrem Leben spielt. Später wurden die Abzüge mit Kunstharz beschmiert und in Holzkisten vergraben. Zehn Jahre später wurden sie von Archäologen ausgegraben.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 59 - WILLIAM SWEETLOVE (Ostende, Belgien, 1949). "Rotes Kaninchen". Rot lackiertes Kunstharz. Maße: 2 x 2,30 x 1 m. Runde Skulptur, die ein monumentales Kaninchen mit einer abschließenden leuchtend roten Patina darstellt. Die Ausdruckskraft dieses Werks zeigt sich dem Betrachter durch eine Sprache mit Kitschcharakter, die in der Ästhetik des Post-Pop sehr häufig vorkommt. Dabei geht der Künstler von einem wiedererkennbaren Bild aus, das er in seinem persönlichen Stil neu interpretiert und so eine Resignation des Werks bewirkt. Sowohl die Farbe, die Monumentalisierung als auch das Material, Kunstharz, bringen uns die Idee der Massenproduktion, der Industrialisierung und der Kommerzialisierung näher und verwischen so die Grenze zwischen Kunst und Massenproduktion. Die Grenze zwischen Hoch- und Niedrigkultur und wie der wachsende Konsumismus der Gesellschaft diese Grenze verwischt. William Sweetlove greift auf das Oberflächliche zurück, indem er mit einer Reihe von Variationen desselben Themas eine Reibung zwischen dem Künstlichen und dem Substanziellen schafft und die Grenzen zwischen Spielzeug und Kunstwerk völlig verwischt. Der aus Belgien stammende William Sweetlove ist für seine dem Dadaismus und Surrealismus nahestehenden Werke bekannt. Seine Werke wurden als Pop Art klassifiziert, humorvolle Skulpturen, die auf den ersten Blick "kitschig" erscheinen mögen. Bei näherer Betrachtung erweist sich seine Kunst jedoch als kreatives Gegenmittel gegen die Überproduktion und den Überkonsum unserer Gesellschaft. Mit seinen geklonten Tieren will William Sweetlove ein größeres ökologisches Bewusstsein wecken und uns zum Nachdenken über die Folgen des Klimawandels anregen, der die Menschheit herausfordert. Aus seiner Faszination für Fossilien entwickelte Sweetlove das Bedürfnis, durch seine Kunst zu forschen. William Sweetlove hat auf Kunstmessen, in Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt. Seine Werke befinden sich in mehreren privaten Kunstsammlungen. Mit der italienischen Gruppe Cracking Art, deren Name sich auf die Türme bezieht, die bei der Ölraffination verwendet werden, hat er weltweit an verschiedenen künstlerischen Manifestationen teilgenommen. Diese Gruppe ist für ihre großen Plastikskulpturen bekannt, die als Kritik am Konsum der heutigen Gesellschaft entstanden sind. Die Entdeckung und Kommerzialisierung von Polyester inspiriert Sweetlove dazu, alle möglichen Alltagsgegenstände zu schaffen, um sie für die Zukunft zu bewahren. Er stellt Kunstobjekte aus Brot, Gemüse und modischer Kleidung her, die allesamt die Vergänglichkeit symbolisieren. Er macht auch Fotos von sich selbst und vor allem von seiner Großmutter, die wie jede Schauspielerin alle möglichen Szenen darstellt, die sie zum ersten Mal in ihrem Leben spielt. Später wurden die Abzüge mit Kunstharz beschmiert und in Holzkisten vergraben. Zehn Jahre später wurden sie von Archäologen ausgegraben.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 60 - DÄNEMARK (Belgien, 1950). "Gefälschte Bibliothek" 8.01.14. Arbeitstitel: Mirror", 2014. Spiegel mit Büchern. Beigefügtes Zertifikat, signiert von Guy Pieters. Abmessungen: 95 x 43 x 2,5 cm. Mit seinen Assemblage-Skulpturen wie der hier gezeigten setzt sich Denmark visuell und konzeptionell mit der Informationsflut und dem flüchtigen und labilen Charakter von Nachrichten auseinander. Der Künstler selbst schreibt: "Wie viele Zeitungen und Zeitschriften werfen die Menschen jeden Tag weg? Wie viele ungelesene Meisterwerke stehen in ihren Bücherregalen? Wie viele alte Klausuren und Papiere verstauben auf den Dachböden der Schulen?" Seit 50 Jahren verwandelt der belgische Künstler Denmark - Pseudonym Marc Robbroeckx - Tonnen von bedrucktem Papier in Kunst. Er schafft Skulpturen und Installationen aus Büchern, Zeitungen und Zeitschriften. Seine Hauptzutat ist immer Papier, geschnitten, gepresst, gestapelt oder gefaltet. Dänemark behauptet, dass jede Seite seiner Arbeit auf das kleinstmögliche Volumen gefaltet ist. Diese Verkleinerung der Oberfläche ist eine Metapher für die Suche des Künstlers nach der Essenz. Denmark, Pseudonym von Marc Robbroeckx, ist ein belgischer Künstler, der für seine Gemälde, Skulpturen und Installationen bekannt ist, in denen er häufig Zeitungen und andere Medien verwendet. Sein Debüt in der Kunstwelt gab er 1968. Seine künstlerische Karriere gewann in den späten siebziger und achtziger Jahren an Schwung. Der Name "Denmark" ist ein Akronym für "Pan American Airlines and Company" und spiegelt seine frühe Faszination für Reisen und Medien wider. Die innovative Verwendung von recycelten Materialien und seine provokanten Kommentare zur zeitgenössischen Gesellschaft haben ihn zu einer bedeutenden Figur in der belgischen Kunst von heute gemacht. Dänens Werke wurden in zahlreichen internationalen Galerien und Museen ausgestellt, darunter auch im Design Museum in Brüssel. Der Rekordpreis für ein Werk von Denmark bei einer Auktion war 73.958 $ für "Dead Letters (B.13.78)" im Jahr 2022.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 61 - DÄNEMARK (Belgien, 1950). "Gefälschte Bibliothek 7.01.14. Arbeitstitel: Mirror", 2014. Spiegel mit Büchern. Beigefügtes Zertifikat, signiert von Guy Pieters. Abmessungen: 95 x 43 x 2,5 cm. Mit seinen Assemblage-Skulpturen wie der hier gezeigten setzt sich Denmark visuell und konzeptionell mit der Informationsflut und dem flüchtigen und labilen Charakter von Nachrichten auseinander. Der Künstler selbst schreibt: "Wie viele Zeitungen und Zeitschriften werfen die Menschen jeden Tag weg? Wie viele ungelesene Meisterwerke stehen in ihren Bücherregalen? Wie viele alte Klausuren und Papiere verstauben auf den Dachböden der Schulen?" Seit 50 Jahren verwandelt der belgische Künstler Denmark - Pseudonym Marc Robbroeckx - Tonnen von bedrucktem Papier in Kunst. Er schafft Skulpturen und Installationen aus Büchern, Zeitungen und Zeitschriften. Seine Hauptzutat ist immer Papier, geschnitten, gepresst, gestapelt oder gefaltet. Dänemark behauptet, dass jede Seite seiner Arbeit auf das kleinstmögliche Volumen gefaltet ist. Diese Verkleinerung der Oberfläche ist eine Metapher für die Suche des Künstlers nach der Essenz. Denmark, Pseudonym von Marc Robbroeckx, ist ein belgischer Künstler, der für seine Gemälde, Skulpturen und Installationen bekannt ist, in denen er häufig Zeitungen und andere Medien verwendet. Sein Debüt in der Kunstwelt gab er 1968. Seine künstlerische Karriere gewann in den späten siebziger und achtziger Jahren an Schwung. Der Name "Denmark" ist ein Akronym für "Pan American Airlines and Company" und spiegelt seine frühe Faszination für Reisen und Medien wider. Die innovative Verwendung von recycelten Materialien und seine provokanten Kommentare zur zeitgenössischen Gesellschaft haben ihn zu einer bedeutenden Figur in der belgischen Kunst von heute gemacht. Dänens Werke wurden in zahlreichen internationalen Galerien und Museen ausgestellt, darunter auch im Design Museum in Brüssel. Der Rekordpreis für ein Werk von Denmark bei einer Auktion war 73.958 $ für "Dead Letters (B.13.78)" im Jahr 2022.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 62 - DÄNEMARK (Belgien, 1950). "Horizontaal versneden boeken ingewerkt in stukken plank", 1998. Holz und Papier. Satz von 9 Stück. Eines ist auf der Rückseite signiert und datiert. Jedes Stück ist nummeriert. Maße: 45 cm (Höhe). 14 cm (Breite Stück 1); 9,5 cm (Breite Stück 2); 16 cm (Breite Stück 3); 12,5 cm (Breite Stück 4); 17 cm (Breite Stück 5); 17,5 cm (Breite Stück 6); 18 cm (Breite Stück 7); 15,5 cm (Breite Stück 8) und 16,5 cm (Breite Stück 9). Die Werke von "Denmark" symbolisieren die Folgen unserer Kultur der Verschwendung und schlagen einen Weg vor, mit der unaufhörlichen Informationsflut fertig zu werden. Indem er Druckerzeugnisse in Kunst verwandelt, kombiniert er traditionelle Formen der Konservierung mit Formen der Entsorgung wie Sprühen, Schneiden und Verbrennen. Seit den frühen 1970er Jahren zerschneidet, seziert und (re)montiert "Denmark" Bücher, Zeitschriften und Zeitungen. Seine "Archivinstallationen" sind eine kritische Reaktion auf die Informationsflut, mit der wir täglich konfrontiert werden. Der Künstler selbst schreibt: "Wie viele Zeitungen und Zeitschriften werfen die Menschen jeden Tag weg? Wie viele ungelesene Meisterwerke stehen in ihren Bücherregalen? Wie viele alte Klausuren und Papiere verstauben auf den Dachböden der Schulen?" Seit 50 Jahren verwandelt der belgische Künstler Denmark - Pseudonym Marc Robbroeckx - Tonnen von bedrucktem Papier in Kunst. Er schafft Skulpturen und Installationen aus Büchern, Zeitungen und Zeitschriften. Seine Hauptzutat ist immer Papier, geschnitten, gepresst, gestapelt oder gefaltet. Dänemark behauptet, dass jede Seite seiner Arbeit auf das kleinstmögliche Volumen gefaltet ist. Diese Verkleinerung der Oberfläche ist eine Metapher für die Suche des Künstlers nach der Essenz. Denmark, Pseudonym von Marc Robbroeckx, ist ein belgischer Künstler, der für seine Gemälde, Skulpturen und Installationen bekannt ist, in denen er häufig Zeitungen und andere Medien verwendet. Im Jahr 1972 schloss er sein Studium der Kunstgeschichte und Archäologie an der Universität Gent ab. Sein Debüt in der Kunstwelt gab er 1968. 1977 erhielt er für seine Zeitungsausschnitte den Preis des Wettbewerbs für junge belgische Malerei (Brüssel, Palast der schönen Künste). In den späten siebziger und achtziger Jahren gewann seine künstlerische Karriere an Schwung. Der Name "Denmark" ist ein Akronym für "Pan American Airlines and Company" und spiegelt seine frühe Faszination für Reisen und Medien wider. Die innovative Verwendung von recycelten Materialien und seine provokanten Kommentare zur zeitgenössischen Gesellschaft haben ihn zu einer bemerkenswerten Figur in der heutigen belgischen Kunst gemacht. Dänemarks Werke wurden in zahlreichen internationalen Galerien und Museen ausgestellt, unter anderem im Design Museum in Brüssel. Der Rekordpreis für ein Werk von Denmark bei einer Auktion war 73.958 $ für "Dead Letters (B.13.78)" im Jahr 2022. Derzeit befinden sich seine Werke in zahlreichen Sammlungen von großer künstlerischer Bedeutung, darunter das Kunstmuseum Ahlen, das Antwerpener M HKA, das Museum für zeitgenössische Kunst, das belgische Kunstzentrum Phillip Ingrid, das Museum Bremen Weserburg, die Königlichen Museen der Schönen Künste Brüssel, das Museum für zeitgenössische Kunst Eupen Eupen, die Bibliothek Genk, das Museum Gent Dr. Guislain, Städtisches Museum von Gent Dr. Guislain, Städtisches Museum von Gent Dr. Guislain, Städtisches Museum von Gent Dr. Guislain, Städtisches Museum von Gent Dr. Guislain, Städtisches Museum von Gent Dr. Guislain, Städtisches Museum von Gent Dr. Guislain. Guislain, das Städtische Museum für Zeitgenössische Kunst in Gent, das Museum von Ixelles, die Zentralbibliothek von Leuven, die Madrider Sammlung für Zeitgenössische Kunst der ARCO-Stiftung und die Bibliothèque Nationale de Paris, um nur einige zu nennen.

Schätzw. 26 000 - 28 000 EUR

Los 63 - JAN FABRE (Antwerpen, Belgien, 1958). "C'ôte D'Ôr, Eine Hommage an Begian Congo", 2010. Collage (Juwelenkäferflügel) auf Holz. Beigefügtes Zertifikat, unterzeichnet von Guy Pieters. Maße: 218 x 165 cm; 228 x 175 x 8 cm (Rahmen). "Gold Coast" verweist uns auf einen edenischen und unwirklichen Ort, der von einem Elefanten bewacht wird, einem Tier, das in allen Kulturen mit Glück verbunden ist. Jan Fabre hat Käferflügel verwendet, um einen unterwürfigen Wandteppich zu schaffen. Käferflügel sind ein wiederkehrendes Motiv in Fabres Werk. Sie symbolisieren Ideen, die mit Metamorphose, spiritueller Transformation, Schönheit und der Vergänglichkeit des Lebens verbunden sind. Was das Thema Eden anbelangt, so spricht der Künstler oft mit einer Vielzahl von Worten von der Möglichkeit der Utopie. Jan Fabre ist Dramatiker, Regisseur, Choreograph und bildender Künstler. Er studierte am Städtischen Institut für dekorative Künste in Antwerpen und an der Königlichen Akademie der Schönen Künste. Zwischen 1976 und 1980 schrieb er seine ersten Texte für das Theater. 1978 fertigte er während der Soloperformance My Body, My Blood, My Landscape Zeichnungen mit seinem eigenen Blut an. 1980 schuf er den "Bic-Art Room" als Opposition zur "Big Art"; er schloss sich für drei Tage und Nächte in einem weißen, mit Objekten gefüllten Kubus ein und zeichnete mit blauen Bic-Stiften. 1986 gründete er Troubleyn/Jan Fabre, ein Theaterensemble mit umfangreichen internationalen Projektionen. Seit 1998 ist er Mitglied der Königlichen Flämischen Akademie der Wissenschaften und Künste von Belgien und ist Kommandeur des Ordens von Leopold II. Im Jahr 2008 wurde der Engel der Metamorphose im Louvre-Museum ausgestellt, eine Ausstellung, die von Königin Paola von Belgien eröffnet wurde. Er schmückte die Decke des Spiegelsaals des Königlichen Palastes in Brüssel, die er Himmel der Freuden nannte und die aus 1600.000 Käfer-Elytren besteht, was weithin gelobt wurde. Außerdem schuf er Totem, die Skulptur eines riesigen Insekts, das von einem dreiundzwanzig Meter hohen Stahlturm durchbohrt wird, auf dem Ladeuzeplein in Leuven. Die Skulptur wurde 2005 anlässlich des 575-jährigen Bestehens der historischen Universitätsbibliothek von Leuven aufgestellt.

Schätzw. 180 000 - 200 000 EUR

Los 64 - JAN FABRE (Antwerpen, Belgien, 1958). "De man die de wolken meet", 1998. Skulptur aus Bronze. Exemplarisches M. P. 7/8. Signiert und nummeriert auf dem Lineal. Stempel von Art Casting Belgium. Beigefügtes Zertifikat vom Künstler unterzeichnet. Maße: 298 x 120 x 80 cm. "Der Mann, der die Wolken misst" ist ein monumentales Werk, das vor Poesie nur so strotzt. Es führt auch zu biografischen Überlegungen über den Künstler selbst. Die Figur, die "die Wolken misst" (die auf unmöglichen Unternehmungen besteht), ist vom Bruder des Künstlers inspiriert, der zu früh verstarb. Die Gesichtszüge stimmen mit denen des Künstlers überein, so dass das Selbstporträt in gewisser Weise mit der Identität seines Bruders verschmilzt. Diese Skulptur war auf der Biennale von Venedig, Ausgabe 2019, zu sehen. Sie war von der Accademia-Brücke neben dem Canal Grande aus zu sehen. Die erste Version schuf er 1998, eine lebensgroße realistische Skulptur aus polierter und glänzender Bronze, die einen Mann zeigt, der auf einer Leiter steht und mit einem Lineal in der Hand die Wolken misst. Diese Skulptur ist nicht nur eine Hommage an den verträumten Charakter seines Bruders, sondern drückt auch das Gefühl aus, das Unaussprechliche beherrschen zu wollen, das jedem Künstler innewohnt. Fabre erklärte in einem Interview: "Die Figur symbolisiert mein Handwerk. Der Versuch des Künstlers, die Dinge zu kontrollieren, aber es läuft nie wie geplant. Der Künstler misst: Er stellt Verbindungen her - mentale, physische, politische und philosophische Beziehungen. Ich messe ständig diese Art von Beziehungen, das ist meine Pflicht als Künstler". Letztlich bezieht sich der Titel auch auf den Vogelmann von Alcatraz, der in dem auf seinem Leben basierenden Film, gespielt von Burt Lancaster, nach seiner Entlassung aus dem Gefängnis erklärt: "Jetzt werde ich die Wolken messen". Jan Fabre ist Dramatiker, Regisseur, Choreograph und bildender Künstler. Er studierte am Städtischen Institut für dekorative Künste in Antwerpen und an der Königlichen Akademie der Schönen Künste. Zwischen 1976 und 1980 schrieb er seine ersten Texte für das Theater. 1978 fertigte er während der Soloperformance My Body, My Blood, My Landscape Zeichnungen mit seinem eigenen Blut an. 1980 schuf er den "Bic-Art Room" als Opposition zur "Big Art"; er schloss sich für drei Tage und Nächte in einem weißen, mit Objekten gefüllten Kubus ein und zeichnete mit blauen Bic-Stiften. 1986 gründete er Troubleyn/Jan Fabre, ein Theaterensemble mit umfangreichen internationalen Projektionen. Seit 1998 ist er Mitglied der Königlichen Flämischen Akademie der Wissenschaften und Künste von Belgien und ist Kommandeur des Ordens von Leopold II. Im Jahr 2008 wurde der Engel der Metamorphose im Louvre-Museum ausgestellt, eine Ausstellung, die von Königin Paola von Belgien eröffnet wurde. Er schmückte die Decke des Spiegelsaals des Königlichen Palastes in Brüssel, die er Himmel der Lüste nannte und die aus 1600.000 Käfer-Elytren besteht, was weithin gelobt wurde. Außerdem schuf er Totem, die Skulptur eines riesigen Insekts, das von einem dreiundzwanzig Meter hohen Stahlturm durchbohrt wird, auf dem Ladeuzeplein in Leuven. Die Skulptur wurde 2005 anlässlich des 575-jährigen Bestehens der historischen Universitätsbibliothek von Leuven aufgestellt.

Schätzw. 400 000 - 450 000 EUR

Los 65 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Wiedergeburt der Venus", 2009. Inktjet-Druck auf Dibond. Auflage 3/3 + 2 A.P. Mit Etiketten auf der Rückseite von David Lachapelle Studio und Maruani Mercier Gallery. Beiliegendes Zertifikat ausgestellt von der Galerie Maruani Mercier. Maße: 153 x 118 cm; 164 x 128,5 x 6,5 cm (Rahmen). Mit seiner "Renaissance der Venus" interpretiert David LaChapelle Botticellis "Geburt der Venus" in einer modernen und ironischen Tonart neu. Einige Elemente bleiben erhalten, werden aber mit Humor und Witz neu kombiniert, um andere Lesarten zu ermöglichen. Die große Muschel, auf der die Aphrodite der Renaissance schwebte, wird verkleinert, um von der linken Hand einer kleineren Göttin gehalten zu werden ("Nike", das Zeichen des Schuhs ist auf dem Fuß der geschlechtslosen Nymphe eingeprägt), die die Muschel nimmt und Venus' Scham bedeckt. Damit wird die Haltung der Venus pudica nachgeahmt. Rechts von der Liebesgöttin erzeugt ein exotischer Zephyr mit einem Muschelhorn die Brise, die den magischen Moment der Genese einleitet. Die Gruppe versammelt sich in einer Landschaft, die vor Grün und leuchtenden Farben nur so strotzt. LaChapelle war von der Schönheit ebenso fasziniert wie die großen Maler der Renaissance und hat sein Leben der Neudefinition dieser Ideale der Schönheit und des Begehrens gewidmet, die vielfältig und polymorph werden. LaChapelles Karriere begann 1982, als Andy Warhol ihn dazu aufforderte, seine "Interview"-Fotografien zu veröffentlichen. "Andy Warhol entspricht perfekt seiner Zeit", sagt der Fotograf, "er ist zweifellos ein großer Künstler des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er war sehr großzügig und ich habe viel von ihm gelernt, aber wir gehören zwei verschiedenen Generationen an und haben unterschiedliche Vorstellungen. Die wertvollste Kunst ist heute diejenige, die es schafft, die Zeit, in der wir leben, zu verdeutlichen, und das ist es, was ich zu tun versuche." David LaChapelles verrückte, bizarre und fantastische Bilder sind auf den Seiten und Titelseiten der Zeitschriften Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face und GQ erschienen, um nur einige zu nennen. Sein Stil ist einzigartig und wiedererkennbar, er arbeitet mit offenen Aufnahmen, frischen und extrem farbigen Szenen, die seinen Pop-Art-Stil zeigen. Seine Aufnahmen zeichnen sich durch eine akribische und detaillierte Arbeit aus, die den physischen Aspekt des Charakters fast bis zur Karikatur einbezieht. "Ich versuche, Bilder zu machen, die ich noch nie gesehen habe", sagt LaChapelle. Er ist ein begabter Kreativer, der mit fiktiven und grotesken Szenen spielt, die meist künstlich sind, und verfügt über eine exzellente Inszenierung, die Bilder sind in der Regel zum Zeitpunkt der Aufnahme, mit wenig Nachbearbeitung. Wir können in seinem Werk auch die Kritik an der Gesellschaft sehen, in der wir voller Exzesse und Eitelkeiten leben. Seine bedingungslose Hingabe an die Originalität ist in der Welt der Mode, des Films und der Werbung legendär. LaChapelle hat an Werbekampagnen für eine Vielzahl von Kunden teilgenommen, darunter L'Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma und die Kampagne Got Milk? David hat zahlreiche Albumcover für Künstler wie Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna und Kylie Minogue fotografiert. Sein erfolgreiches erstes Buch, LaChapelle Land, wurde 1996 von Collaway Publishing veröffentlicht und enthielt in seiner extravaganten Verpackung eine explosive Sammlung von Porträts berühmter Persönlichkeiten und Models, darunter Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore und Elton John. Der Nachfolger dieses Debüts war das Buch Hotel LaChapelle, das 1999 ebenfalls bei Collaway erschien und frische Bilder mit unvergesslichen Farben zeigt. LaChapelle produziert weiterhin Fotografien, die unseren visuellen Geschmack konfrontieren und einen frischen Blick auf die heutige Landschaft werfen.

Schätzw. 80 000 - 90 000 EUR

Los 66 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Seismische Verschiebung", 2012. Chromogener Druck auf Dibond, Kopie 4/5. Beiliegendes Zertifikat unterzeichnet von David Lachapelle Studio. Maße: 90 x 220 cm; 100 x 230 x 6 cm (Rahmen). "Seismic Shift" ist ein ätzender Blick auf den aktuellen Zustand der Kunstwelt und des Kunstmarkts, der sich auf Themen wie Vergänglichkeit, Dekadenz und Konsumismus bezieht. Die Fotografie zeigt ein teilweise zerstörtes Museum für zeitgenössische Kunst mit stark beschädigten ikonischen Werken von Künstlern wie Jeff Koons, Andy Warhol, Damien Hirst und Takashi Murakami. Diese Künstler stehen für die exorbitanten Preise des heutigen Kunstmarktes, die der globalen Nachfrage von Milliardären entsprechen, für die Kunst eine Marke ist. "Seismic Shift" wirft kritische Fragen über die begrenzte Lebensdauer eines Kunstwerkes auf. Es gilt als eines der herausragendsten Werke von LaChapelle. LaChapelles Karriere begann maßgeblich im Jahr 1982, als Andy Warhol ihn dazu veranlasste, seine "Interview"-Fotografien zu veröffentlichen. "Andy Warhol entspricht perfekt seiner Zeit", sagt der Fotograf, "er ist sicherlich ein großer Künstler des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er war sehr großzügig und ich habe viel von ihm gelernt, aber wir gehören zwei verschiedenen Generationen an und haben unterschiedliche Vorstellungen. Die wertvollste Kunst ist heute diejenige, die es schafft, die Zeit, in der wir leben, zu verdeutlichen, und das ist es, was ich zu tun versuche." David LaChapelles verrückte, bizarre und fantastische Bilder sind auf den Seiten und Titelseiten der Zeitschriften Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face und GQ erschienen, um nur einige zu nennen. Sein Stil ist einzigartig und wiedererkennbar, er arbeitet mit offenen Aufnahmen, frischen und extrem farbigen Szenen, die seinen Pop-Art-Stil zeigen. Seine Aufnahmen zeichnen sich durch eine akribische und detaillierte Arbeit aus, die den physischen Aspekt des Charakters fast bis zur Karikatur einbezieht. "Ich versuche, Bilder zu machen, die ich noch nie gesehen habe", sagt LaChapelle. Er ist ein begabter Kreativer, der mit fiktiven und grotesken Szenen spielt, die meist künstlich sind, und verfügt über eine exzellente Inszenierung, die Bilder sind in der Regel zum Zeitpunkt der Aufnahme, mit wenig Nachbearbeitung. Wir können in seinem Werk auch die Kritik an der Gesellschaft sehen, in der wir voller Exzesse und Eitelkeiten leben. Seine bedingungslose Hingabe an die Originalität ist in der Welt der Mode, des Films und der Werbung legendär. LaChapelle hat an Werbekampagnen für eine Vielzahl von Kunden teilgenommen, darunter L'Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma und die Kampagne Got Milk? David hat zahlreiche Albumcover für Künstler wie Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna und Kylie Minogue fotografiert. Sein erfolgreiches erstes Buch, LaChapelle Land, wurde 1996 von Collaway Publishing veröffentlicht und enthielt in seiner extravaganten Verpackung eine explosive Sammlung von Porträts berühmter Persönlichkeiten und Models, darunter Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore und Elton John. Der Nachfolger dieses Debüts war das Buch Hotel LaChapelle, das 1999 ebenfalls bei Collaway erschien und frische Bilder mit unvergesslichen Farben zeigt. LaChapelle schafft weiterhin Fotografien, die unseren visuellen Geschmack konfrontieren und einen frischen Blick auf die heutige Landschaft werfen.

Schätzw. 40 000 - 45 000 EUR

Los 67 - MATT HENRY (England, 1978). "Alabama's Here - Twin Palms", 2017. Archivalischer Pigmentdruck, Exemplar 1/6. Museumsglas. Maße: 50 x 76 cm; 55,5 x 81 cm (Rahmen). Matt Henry zeigt Erzählungen von filmischer Ästhetik in Farbe aus einer Reihe von inszenierten Fotografien, die von den 1960er Jahren in Amerika inspiriert sind. In den Worten des Künstlers: "Ich erinnere mich an diese Ära als eine Neugier auf magische Wesen, die in den Wiederholungen der Fernsehsendungen an den Tagen, an denen ich nicht in der Schule war, herumtänzelten und leuchteten ... Die Inszenierung fotografischer Erzählungen ähnelt sehr dem Psychodrama; eine Art, die Tugenden und Hoffnungen, die Fehler und Ängste zu erforschen, die uns nahe an die Ufer der Utopie bringen und uns dann grausam zurückziehen. Reimagine bedeutet, aus der Geschichte herauszutreten und in die Potenzialität hineinzugehen, und genau hier existieren meine Fotografien, nicht als Totenmasken einer verlorenen Ära, sondern als erzählerische Brücken zu einer neuen Ära. Britischer Fotograf, lebt und arbeitet in Brighton. Er schloss sein Studium der Politikwissenschaften in Nottingham ab und wandte sich danach der Fotokunst zu. Im Jahr 2014 schloss er einen MA in Fotografie an der Universität von Brighton ab. Auswahl der letzten Einzelausstellungen: 2025 "Palms", Polka Galerie, Paris, Frankreich 2018 "Southern Gothic and other Tales", Polka Galerie, Paris, Frankreich 2016 "The Journey", Polka Galerie, Paris, Frankreich. Aktuelle Gruppenausstellungen: 2023 'Photography: Real and Imagined", NGV, Melbourne, Australien 2023 "Esprit Pop es-tu là?", Franciscaines de Deauville, Frankreich. Wir das Volk", The Billboard Creative, Los Angeles CA, USA. Offene Künstlerhäuser", Brighton und Hove, UK. 2020 "No Dead Artists", Jonathan Ferrara Gallery, New Orleans LA, USA "The Days that Follow", Polka Galerie, Paris, Frankreich 2017 "Bling Bling Baby!", NRW-Forum, Düsseldorf, Deutschland. Paris Photo, Das Grand Palais, Paris, Frankreich. Photo London, Somerset House, London, UK. Sammlungen: Nationale Galerie von Victoria (NGV), Melbourne, Australien. Sammlung Sondra Gilman und Celso Gonzalez-Falla, New York, USA.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 68 - DIDIER FIÚZA FAUSTINO (Chennevières-sur-Marne, Frankreich, 1968). "Fairy tales", 2012. Weiße Melaminplatte und Acrylbox, Kopie 2/3. Provenienz: Galerie Michel Rein. Maße: 170 x 130 x 12,5 cm. In dieser Arbeit aus dem Jahr 2012 zeigt sich die multidisziplinäre Ausbildung des französischen Künstlers, dessen Werk sich häufig einer Einordnung in die Bereiche Skulptur, Malerei, Installation oder Design widersetzt. Die Buchstaben von "Fairy Tale" wurden ausgeschnitten und auf einer weißen Fläche umrissen, so dass eine Lücke der visuellen Unsicherheit entsteht. Die Figuren fallen strategisch auf den Boden, verfallen, als ob sie uns die Schwierigkeit der Aufrechterhaltung der Illusion von Kindheit während des Erwachsenwerdens zu verstehen geben. Didier Fiúza Faustino ist ein französisch-portugiesischer Künstler-Architekt, der sich mit der Beziehung zwischen Körper und Raum beschäftigt. An der Schnittstelle zwischen Kunst und Architektur ist seine Praxis sehr vielseitig und reicht von Installationen bis zu Experimenten, von der Schaffung subversiver visueller Kunstwerke bis zu multisensorischen Räumen. Ihre Projekte zeichnen sich durch ihre kritische Perspektive und ihre Fähigkeit aus, dem individuellen und kollektiven Körper neue Erfahrungen zu bieten. Mit Mésarchitecture (2002) in Paris und seinem Büro in Lissabon (2018) entwickelt er Projekte verschiedener Größenordnungen: Interventionen im öffentlichen Raum, mobile Architekturen sowie Innenraum- und Gebäudegestaltungen, unter anderem für das Atelier des französischen Künstlers Jean-Luc Moulène. Mehrere Projekte und Werke sind Teil der Sammlung wichtiger Institutionen: MoMA, Fondation Calouste Gulbenkian, Fundação Serralves, Fonds National d'Art Contemporain, Musée National d'Art Moderne / Centre Georges Pompidou, MAXXI, MAAT, FRACs Centre - Val de Loire et Grand Large - Hauts de France. Er wird von den Galerien Michel Rein Paris / Brüssel und Filomena Soares, Lissabon, vertreten.

Schätzw. 10 000 - 15 000 EUR

Los 69 - LUC DRATWA (Belgien, 1958). "Door One", "Subway Series". Fotografieren. Maße: 210 x 150 cm. Fenster und Glastüren (in diesem Fall der U-Bahn) sind die Lieblingsthemen von Luc Dratwa, Fotografien mit einer wichtigen malerischen Prägung, die die technischen Möglichkeiten bis an die Grenze ausreizen. Dratwa denkt auch über die klassische Metapher (aus der Renaissance) der Malerei als Fenster nach, die er auf den Bereich der Fotografie überträgt. Der belgische Fotograf Luc Dratwa ist Autodidakt. Seine Arbeiten sind auf internationalen Messen und Ausstellungen zu sehen. Er lebt und arbeitet derzeit in Brüssel. Er arbeitete als Chefredakteur für die Design- und Architekturzeitschrift "Domino"; schon in jungen Jahren zeigte er eine Leidenschaft für die Kunst; zunächst fühlte er sich zur Malerei hingezogen, später wandte er sich der Fotografie zu, die sich bald als sein bevorzugtes künstlerisches Medium erwies. Die Malerei lehrte ihn die Bedeutung der Farben und die grafische Qualität der Komposition. Für ihn offenbart eine Fotografie den Fotografen. Luc Dratwa wartete also viele Jahre, bevor er den Schritt in die Fotografie wagte, als er endlich das Gefühl hatte, die nötige Strenge und Perfektion zu erreichen, nach der er lange gesucht hatte. Von diesem Moment an begann er seine Karriere als Fotograf. Alle Themen, die er erforscht, sind in erster Linie eine Erzählung, die er auf Fotopapier überträgt. Seit 2009 ist die Stadt, insbesondere New York, sein Lieblingsthema. Ihre vielen Facetten bieten ihm unendliche Möglichkeiten, seiner kreativen Phantasie freien Lauf zu lassen. Seine Vision des Fotografen beschränkt sich nicht auf das Klicken eines Auslösers; Luc Dratwa legt großen Wert darauf, seine Werke in ihrer Gesamtheit zu betrachten. Jedes Detail wird vom Fotografen sorgfältig bedacht und geplant, von der Aufnahme bis zum Abzug, vom Rahmen bis zum Papier. Ein spürbarer Perfektionismus in jeder seiner Kreationen, bei dem nichts dem Zufall überlassen wird. Von Paris bis Bangkok, über New York, Amsterdam und sogar Singapur ist Luc Dratwa in der ganzen Welt vertreten und hat auch an renommierten Messen für zeitgenössische Kunst wie der Art Paris, der Art Lille und der Art India teilgenommen, wo er große Erfolge feiern konnte.

Schätzw. 14 000 - 16 000 EUR

Los 70 - PANAMARENKO (Antwerpen, Belgien, 1940-Brakel, Belgien, 2019). "Prova car", 2004. Farboffsetdruck mit Collage, P.A. Kopie. Signiert und gerechtfertigt in der rechten unteren Ecke. Beigefügtes Verkaufsdokument der Winwood Gallery. Maße: 94 x 71 cm; 95 x 72 x 4,5 cm (Rahmen). "Prova-car" ist eine Art poetische Version eines Formel-1-Rennwagens, den Panamarenko im Jahr 2004 anfertigte. Wie ein zeitgenössischer Leonardo Da Vinci hat der berühmte belgische Künstler Panamarenko phantastische Flug- und Bodenkonstruktionen entwickelt. Panamarenko studierte an der Antwerpener Akademie. Vor 1968 war seine Kunst von der Pop Art inspiriert, und er interessierte sich schon früh für die bemannte Luftfahrt. Dieses Interesse spiegelt sich auch in seinem Namen wider. Er soll ein Akronym für "Pan American Airlines and Company" sein. Ab 1970 entwickelte er seine ersten Modelle von Phantasiefahrzeugen, Flugzeugen, Ballons oder Hubschraubern. Viele seiner Skulpturen sind moderne Versionen des Mythos von Ikarus. Im Jahr 1965 organisiert Panamarenko das erste Happening in Antwerpen. Zwei Jahre nach seinem Debüt als Künstler, 1967, veranstaltet Panamarenko seine erste Ausstellung in Antwerpen in der Galerie Wide White Space und beginnt mit dem Bau seines ersten Flugzeugs. 1990, als Bildhauer bereits gefestigt, präsentiert er seinen ersten Archaeopterix (intelligentes Huhn), der aus dem Modell eines prähistorischen Vogels entstanden ist. 1972 ist er auf der Documenta in Kassel vertreten. In den Jahren 1973 und 1978 hat er eine große Einzelausstellung im Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris bzw. in der Neuen Nationalgalerie in Berlin. In seiner ersten Ausstellung in Spanien, in der Fondation Miró (1984), zeigt er sein Modellflugzeug, eine poetische Referenz an die Kunst und die Wissenschaft, die den ästhetischen Horizont von Leonardo da Vinci ausmachten. 2005 erhält er eine Einladung des Bürgermeisters von Antwerpen zum Rathaussalon, wo er anlässlich seines 65. 2006: Die offizielle belgische Zeitung veröffentlicht einen Artikel über das Panamarenko-Kollektiv, eine gemeinnützige Vereinigung, die das Werk des Künstlers fördert. 2007: Der Künstler schenkt dem Museum für zeitgenössische Kunst Antwerpen (M HKA) sein historisches Familienhaus mit dem Atelier und allen darin befindlichen Objekten und Werken. Das Museum arbeitet mit dem Panamarenko-Kollektiv zusammen, um es als Museumshaus oder besuchbaren Kunstraum einzurichten und der zeitgenössischen flämischen Kultur einen Impuls zu geben. Am 24. April 2009 benannte die Fluggesellschaft VLM eines ihrer Fokker 50-Flugzeuge nach ihm.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 71 - DELPHINE BOËL; Delfina von Sachsen-Coburg (Uccle, Belgien, 1968). "Never Give Up - Schwarz und Rot", 2020. Tusche und Glitter auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Beigefügtes Echtheitszertifikat mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 75,5 x 39,5 cm; 87,5 x 52 cm (Rahmen). "Niemals aufgeben" ist ein Satz, der in Boëls Werk immer wieder auftaucht. Tatsächlich widmete ihr das Musee d'Ixelles in der belgischen Hauptstadt 2017 eine retrospektive Ausstellung mit dem Titel "Delphine Never Give Up", was die Relevanz dieser Worte für die Autorin verdeutlicht. In einem Interview mit dem Vanguard sagte Delphine Boël: "Ich sehe Wörter und Buchstaben nicht wie alle anderen. Ich sehe sie als Zeichnungen und bin mir ihrer Wirkung auf den Menschen bewusst. Worte können einen glücklich machen oder zerstören, sie gehören zu den mächtigsten Dingen, die es gibt". In ihren Zeichnungen und Collagen erforscht Delphine Boël, ebenso wie in ihren Installationen und Skulpturen, chromatische und kompositorische Formeln, um den festlichsten und hedonistischsten Teil des Betrachters anzusprechen. Sie möchte eine positive Botschaft übermitteln, indem sie die Friedensaufrufe der sechziger Jahre wieder aufgreift und so den Optimismus und die Unschuld von damals wieder aufleben lässt. Delphine Boël ist eine belgische Prinzessin und Bildhauerin. Sie ist die außereheliche Tochter von König Albert II. von Belgien und Baronin Sibylla de Selys Longchamps. Sie wurde an der Chelsea School of Art in London ausgebildet (1991). Er hat an zahlreichen internationalen Ausstellungen und Veranstaltungen teilgenommen. Auswahl der jüngsten Einzelausstellungen: 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgien 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was Was" Linda and Guy Pieters Foundation, St. Tropez, Frankreich. 2021 "Ich liebe dich. No More Blabla." Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2020 "Attitude" Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2017 "NEVER GIVE UP" Museum von Ixelles, Brüssel, Belgien "Obsessed with Love" WM Gallery, Antwerpen, Belgien. Delphine hat eine Vielzahl von Techniken praktiziert und definiert sich selbst als Farbkünstlerin. In Malerei, Video, Skulptur und Neon sind ihre Werke lebendig, verspielt und extravagant. Gruppenausstellungen und Messen: 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Boghossian Foundation, Brüssel, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Niederlande. Besonderer Gastkünstler, Aardenburg Biennale, Aardenburg, Niederlande. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Sammlung Diane Venet, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Brüssel. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, Frankreich 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Brüssel, Belgien. ART PARIS, Grand Palais, vertreten durch The Belgian Gallery.

Schätzw. 14 000 - 16 000 EUR

Los 72 - DELPHINE BOËL; Delfina von Sachsen-Coburg (Uccle, Belgien, 1968). "Weltwirtschaft - Sonderbericht - Schwindendes Interesse", 2013. Mischtechnik auf Zeitungspapier. Einzigartiges Werk. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Auf der Rückseite betitelt, signiert und datiert. Mit Espace-art22-Etikett auf der Rückseite. Maße: 52 x 31 cm; 67 x 44 cm (Rahmen). In der Sprache von Delhphine Böel sind Titel, Texte und Wörter von enormer Bedeutung und Aussagekraft. Für die belgische Künstlerin, die aus einer außerehelichen Affäre des emeritierten belgischen Königs Albert II. hervorging, war die Onomatopoesie "bla-bla-bla-bla" zunächst eine Anspielung auf Klatsch und Tratsch im Volk. Im Jahr 2020 erhielt es jedoch eine neue Bedeutung: Bevor er seinen Vater verklagte, malte er ein Werk mit den Worten "Blah, blah, blah, blah, blah" mit dem Titel "Meine Pflicht zu schweigen". Seitdem ist die Konjunktion "Blah, blah, blah, blah" zu einem festen Bestandteil ihrer Produktion geworden. Delphine Boël ist seit 2020 eine offiziell anerkannte Prinzessin und eine belgische Bildhauerin. Sie ist die außereheliche Tochter von König Albert II. von Belgien und Baronin Sibylle de Selys Longchamps. Sie wurde an der Chelsea School of Art in London ausgebildet (1991). Er hat an zahlreichen internationalen Ausstellungen und Veranstaltungen teilgenommen. Auswahl der jüngsten Einzelausstellungen: 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgien 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was Was" Linda and Guy Pieters Foundation, St. Tropez, Frankreich. 2021 "Ich liebe dich. No More Blabla." Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2020 "Attitude" Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2017 "NEVER GIVE UP" Museum von Ixelles, Brüssel, Belgien "Obsessed with Love" WM Gallery, Antwerpen, Belgien. Delphine hat eine Vielzahl von Techniken praktiziert und definiert sich selbst als Farbkünstlerin. In Malerei, Video, Skulptur und Neon sind ihre Werke lebendig, verspielt und extravagant. Gruppenausstellungen und Messen: 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Boghossian Foundation, Brüssel, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Niederlande. Besonderer Gastkünstler, Aardenburg Biennale, Aardenburg, Niederlande. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Sammlung Diane Venet, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Brüssel. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, Frankreich 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Brüssel, Belgien. ART PARIS, Grand Palais, vertreten durch The Belgian Gallery.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 73 - DELPHINE BOËL; Delphine von Sachsen-Coburg (Uccle, Belgien, 1968). "Weltnachrichten verschönert Seite 6", 2013. Mischtechnik auf Zeitungspapier. Einzigartiges Werk. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Auf der Rückseite betitelt, signiert und datiert. Mit Espace-art22-Etikett auf der Rückseite. Maße: 55 x 35,5 cm; 67 x 47 cm (Rahmen). In der Sprache von Delhphine Böel sind Titel, Texte und Wörter von enormer Bedeutung und Aussagekraft. Für die belgische Künstlerin, die aus einer außerehelichen Affäre mit dem emeritierten belgischen König Albert II. hervorging, war das Lautmalerische "bla-bla-bla-bla" zunächst eine Anspielung auf Klatsch und Tratsch im Volk. Im Jahr 2020 erhielt es jedoch eine neue Bedeutung: Bevor er seinen Vater verklagte, malte er ein Werk mit den Worten "Blah, blah, blah, blah, blah" mit dem Titel "Meine Pflicht zu schweigen". Seitdem ist die Konjunktion "Blah, blah, blah, blah" zu einem festen Bestandteil ihrer Produktion geworden. Delphine Boël ist seit 2020 eine offiziell anerkannte Prinzessin und eine belgische Bildhauerin. Sie ist die außereheliche Tochter von König Albert II. von Belgien und Baronin Sibylle de Selys Longchamps. Sie wurde an der Chelsea School of Art in London ausgebildet (1991). Er hat an zahlreichen internationalen Ausstellungen und Veranstaltungen teilgenommen. Auswahl der jüngsten Einzelausstellungen: 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgien 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was Was" Linda and Guy Pieters Foundation, St. Tropez, Frankreich. 2021 "Ich liebe dich. No More Blabla." Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2020 "Attitude" Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2017 "NEVER GIVE UP" Museum von Ixelles, Brüssel, Belgien "Obsessed with Love" WM Gallery, Antwerpen, Belgien. Delphine hat eine Vielzahl von Techniken praktiziert und definiert sich selbst als Farbkünstlerin. In Malerei, Video, Skulptur und Neon sind ihre Werke lebendig, verspielt und extravagant. Gruppenausstellungen und Messen: 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Boghossian Foundation, Brüssel, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Niederlande. Besonderer Gastkünstler, Aardenburg Biennale, Aardenburg, Niederlande. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Sammlung Diane Venet, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Brüssel. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, Frankreich 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Brüssel, Belgien. ART PARIS, Grand Palais, vertreten durch The Belgian Gallery.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 74 - DELPHINE BOËL; Delfina von Sachsen-Coburg (Uccle, Belgien, 1968). "Bla Bla Bla", 2013. Neonlicht. Exemplarisch 1/7. Maße: 18 x 60 x 14,4 cm. In der Sprache von Delhphine Böel sind Titel, Texte und Wörter von enormer Bedeutung und Aussagekraft. Für die belgische Künstlerin, die aus einer außerehelichen Affäre des emeritierten Königs Albert II. von Belgien hervorging, spielte die Onomatopoesie "bla-bla-bla-bla" zunächst auf den Klatsch und Tratsch des Volkes an. Im Jahr 2020 erhielt es jedoch eine neue Bedeutung: Bevor er seinen Vater verklagte, malte er ein Werk mit den Worten "Blah, blah, blah, blah, blah" mit dem Titel "Meine Pflicht zu schweigen". Seitdem ist die Konjunktion "Blah, blah, blah, blah" zu einem festen Bestandteil ihrer Produktion geworden. Delphine Boël ist seit 2020 eine offiziell anerkannte Prinzessin und eine belgische Bildhauerin. Sie ist die außereheliche Tochter von König Albert II. von Belgien und Baronin Sibylle de Selys Longchamps. Sie wurde an der Chelsea School of Art in London ausgebildet (1991). Er hat an zahlreichen internationalen Ausstellungen und Veranstaltungen teilgenommen. Auswahl der jüngsten Einzelausstellungen: 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgien 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was Was" Linda and Guy Pieters Foundation, St. Tropez, Frankreich. 2021 "Ich liebe dich. No More Blabla." Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2020 "Attitude" Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2017 "NEVER GIVE UP" Museum von Ixelles, Brüssel, Belgien "Obsessed with Love" WM Gallery, Antwerpen, Belgien. Delphine hat eine Vielzahl von Techniken praktiziert und definiert sich selbst als Farbkünstlerin. In Malerei, Video, Skulptur und Neon sind ihre Werke lebendig, verspielt und extravagant. Gruppenausstellungen und Messen: 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Boghossian Foundation, Brüssel, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Niederlande. Besonderer Gastkünstler, Aardenburg Biennale, Aardenburg, Niederlande. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Sammlung Diane Venet, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Brüssel. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, Frankreich 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Brüssel, Belgien. ART PARIS, Grand Palais, vertreten durch The Belgian Gallery.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 75 - DELPHINE BOËL; Delphine von Sachsen-Coburg (Uccle, Belgien, 1968). "New York Times - Liebe besiegt Hass", 2018. Mischtechnik auf Zeitungspapier. Einzigartiges Werk. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Mit Art22 Gallery-Etikett auf der Rückseite. Maße: 67 x 45 cm; 69 x 47 cm (Rahmen). In der Sprache von Delhphine Böel sind Titel, Texte und Worte von enormer Bedeutung und Aussagekraft. Für die belgische Künstlerin, die aus einer außerehelichen Affäre mit dem emeritierten König Albert II. von Belgien hervorging, ist die Liebe die universelle Sprache. Delphine Boël ist seit 2020 eine offiziell anerkannte Prinzessin und eine belgische Bildhauerin. Sie ist die außereheliche Tochter von König Albert II. von Belgien und Baronin Sibylle de Selys Longchamps. Sie wurde an der Chelsea School of Art in London ausgebildet (1991). Er hat an zahlreichen internationalen Ausstellungen und Veranstaltungen teilgenommen. Auswahl der jüngsten Einzelausstellungen: 2023 "Love Imperfection" Bicester Collection, Maasmechelen Village, Belgien 2022 "What Is to Come Is Better Than What Was Was" Linda and Guy Pieters Foundation, St. Tropez, Frankreich. 2021 "Ich liebe dich. No More Blabla." Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2020 "Attitude" Guy Pieters Galerie, Knokke, Belgien 2017 "NEVER GIVE UP" Museum von Ixelles, Brüssel, Belgien "Obsessed with Love" WM Gallery, Antwerpen, Belgien. Delphine hat eine Vielzahl von Techniken praktiziert und definiert sich selbst als Farbkünstlerin. In Malerei, Video, Skulptur und Neon sind ihre Werke lebendig, verspielt und extravagant. Gruppenausstellungen und Messen: 2023 ORNAMENTUM - Artists' Jewellery Collection of Diane Venet, Boghossian Foundation, Brüssel, 2022 "If Cloths Could Talk" Markiezenhof Museum, Bergen Op Zoom, Niederlande. Besonderer Gastkünstler, Aardenburg Biennale, Aardenburg, Niederlande. 2021 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Sammlung Diane Venet, Grimaldi Forum, Monaco "Come What May" Aeroplastics, Brüssel. 2020 "Claire-Obscure" Galerie Paul Janssen, St. Tropez, Frankreich 2019 "Habiter L'intime" Fondation Thalie, Brüssel, Belgien. ART PARIS, Grand Palais, vertreten durch The Belgian Gallery.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 76 - KOEN VANMECHELEN (Sint-Truiden, Belgien, 1965). "Face off", 2013. Marmorskulptur. Einzigartiges Werk. Beiliegendes Zertifikat signiert von Guy Pieters. Maße: 120 x 45 x 45 cm. In "Face off" gibt uns der belgische Künstler Koen Vanmechelen ein allegorisches Bild der modernen Zeit, indem er auf die klassische Kunst zurückgreift. Eine Gorgone aus Marmor (die griechische Göttin Medusa) mit einem Kopf voller Schlangen und den Schädeln mutierter Hühner stellt sich selbst dar, indem sie in einen Spiegel schaut. Es ist das "Gesicht zu Gesicht" des Monsters, das mit seinem Blick versteinert. Wie das Gift der Medusa und ihrer Schlangen, die in der Mythologie die Macht hatten, Tote wiederzuerwecken. Medusa ist somit eine Metapher für die Fähigkeit, zu töten und Leben zu schenken. Koen Vanmechelen ist ein Konzeptkünstler belgischer Herkunft. Er begann seine Karriere in den frühen 1990er Jahren. Sein Werk konzentriert sich auf die biokulturelle Vielfalt. Zu diesem Thema hat Vanmechelen auch mit Wissenschaftlern aus verschiedenen Disziplinen zusammengearbeitet. Diese grenzüberschreitenden Projekte brachten ihm 2010 die Ehrendoktorwürde der Universität Hasselt und 2013 den Goldenen Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica ein.Koen Vanmechelen ist vor allem für sein The Cosmopolitan Chicken Project oder (CCP) bekannt, ein einzigartiges Kunstprojekt, das er Ende der 1990er Jahre ins Leben rief. Im Mittelpunkt dieses Projekts steht das Huhn, genauer gesagt die Kreuzung nationaler Hühnerrassen, um sie in "kosmopolitische Hühner" zu verwandeln. Im Jahr 2018 wurde im Serlachius Museum in Finnland die 22. Generation dieses globalen Projekts geboren: das dänische Malinois, eine Kreuzung zwischen einer finnischen Rasse und dem dänischen Malinois (CCP21), das ein Jahr zuvor auf der dänischen Biennale geschlüpft war. Die verschiedenen kosmopolitischen Hühner tragen Gene aus Belgien, Frankreich, England, den Vereinigten Staaten, Deutschland, den Niederlanden, Mexiko, Thailand, Brasilien, der Türkei, Kuba, Italien, Russland, China, Ägypten, Senegal, Slowenien, Österreich, Indonesien und Dänemark in sich. Die biokulturelle Vielfalt und die daraus resultierende Interaktion zwischen Kunst und Wissenschaft sind das Hauptthema seiner Arbeit. Vanmechelen arbeitet häufig mit Wissenschaftlern und Experten aus verschiedenen Disziplinen zusammen, darunter Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten und Marleen Temmerman. Er nutzt innovative Technologien wie 3D-Scannen, Morphometrie, 3D-Druck und interaktive Visualisierungstechniken. Sein Werk ist multimedial und reicht von ausdrucksstarken Gemälden und Zeichnungen bis hin zu Fotografie, Video, Installationen, Glasarbeiten und Holzskulpturen. Der rote Faden, der immer wieder auftaucht, ist das Huhn und das Ei. Im Laufe der Jahre sind diese Objekte zu Symbolen geworden, die wissenschaftliche, politische, philosophische und ethische Fragen miteinander verbinden. Im Laufe seiner fruchtbaren Karriere hatte er Einzel- und Gruppenausstellungen u. a. in der National Gallery (London), im Victoria and Albert Museum (London), im Museum Kunstpalast (Düsseldorf), im Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), im Macro (Rom), im MAD Museum (NY), im Slot Belvedere (Wien), im ZKM (Karlsruhe) und im Puschkin Museum (Moskau). Neben der Biennale von Venedig wurden seine Arbeiten auch auf den Biennalen von Moskau, Dakar, Havanna und Posen, der Weltausstellung 2010 in Shanghai, der Triennale von Guangzhou, der Manifesta 9 und der dOCUMENTA (13) ausgestellt.

Schätzw. 70 000 - 80 000 EUR

Los 77 - KOEN VANMECHELEN (Sint-Truiden, Belgien, 1965). "Therianthropy", 2018. Skulptur aus Servalkatzen-Taxidermie, Truthahnflügel-Taxidermie, Glas und Stahl. Einzigartiges Werk. . Beigefügtes Zertifikat vom Künstler signiert. Maße: 105 x 115 x 106 cm. In seiner Serie Therianthropy beschäftigt sich Vanmechelen mit einer künstlichen Kreuzung, die zwei hypnotisierende Körper zeigt, die ineinander verschlungen sind und die Transparenz des Lebens tragen. Ein Hybrid, der durch einen Unfall in der Zeit geboren und in einem Nest aufgezogen wurde, das von der Vergangenheit geformt wurde. Dieses Werk ist von den Wunderkammern des 16. Jahrhunderts inspiriert, einer Quelle der Gelehrsamkeit, um den Aufbau der Welt und der Natur zu verstehen, aber auch ein prestigeträchtiger Raum, in dem die kostbarsten Schätze der Sammler ausgestellt wurden. Zu dieser Zeit war die Phantasie sehr fruchtbar und die Schränke mit den Gegenständen wurden traditionell nach ihrer Beschaffenheit geordnet. Im Jahr 2021 wählte die Kuratorin Els Wuyts drei Werke Vanmechelens für die Ausstellung "A Soft Gentle Breeze" aus, darunter Therianthropy, die zusammen den so genannten Kreis des Lebens bildeten. Koen Vanmechelen ist ein Konzeptkünstler belgischer Herkunft. Er begann seine Karriere in den frühen 1990er Jahren. Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht die biokulturelle Vielfalt. Zu diesem Thema hat Vanmechelen auch mit Wissenschaftlern aus verschiedenen Disziplinen zusammengearbeitet. Diese grenzüberschreitenden Projekte brachten ihm 2010 die Ehrendoktorwürde der Universität Hasselt und 2013 den Goldenen Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica ein.Koen Vanmechelen ist vor allem für sein The Cosmopolitan Chicken Project oder (CCP) bekannt, ein einzigartiges Kunstprojekt, das er Ende der 1990er Jahre ins Leben rief. Im Mittelpunkt dieses Projekts steht das Huhn, genauer gesagt die Kreuzung nationaler Hühnerrassen, um sie in "kosmopolitische Hühner" zu verwandeln. Im Jahr 2018 wurde im Serlachius Museum in Finnland die 22. Generation dieses globalen Projekts geboren: das dänische Malinois, eine Kreuzung zwischen einer finnischen Rasse und dem dänischen Malinois (CCP21), das ein Jahr zuvor auf der dänischen Biennale geschlüpft war. Die verschiedenen kosmopolitischen Hühner tragen Gene aus Belgien, Frankreich, England, den Vereinigten Staaten, Deutschland, den Niederlanden, Mexiko, Thailand, Brasilien, der Türkei, Kuba, Italien, Russland, China, Ägypten, Senegal, Slowenien, Österreich, Indonesien und Dänemark in sich. Die biokulturelle Vielfalt und die daraus resultierende Interaktion zwischen Kunst und Wissenschaft sind das Hauptthema seiner Arbeit. Vanmechelen arbeitet häufig mit Wissenschaftlern und Experten aus verschiedenen Disziplinen zusammen, darunter Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten und Marleen Temmerman. Er nutzt innovative Technologien wie 3D-Scannen, Morphometrie, 3D-Druck und interaktive Visualisierungstechniken. Sein Werk ist multimedial und reicht von ausdrucksstarken Gemälden und Zeichnungen bis hin zu Fotografie, Video, Installationen, Glasarbeiten und Holzskulpturen. Der rote Faden, der immer wieder auftaucht, ist das Huhn und das Ei. Im Laufe der Jahre sind diese Objekte zu Symbolen geworden, die wissenschaftliche, politische, philosophische und ethische Fragen miteinander verbinden. Im Laufe seiner fruchtbaren Karriere hatte er Einzel- und Gruppenausstellungen u. a. in der National Gallery (London), im Victoria and Albert Museum (London), im Museum Kunstpalast (Düsseldorf), im Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), im Macro (Rom), im MAD Museum (NY), im Slot Belvedere (Wien), im ZKM (Karlsruhe) und im Puschkin Museum (Moskau). Neben der Biennale von Venedig wurden seine Arbeiten auf den Biennalen von Moskau, Dakar, Havanna und Poznan, der Weltausstellung 2010 in Shanghai, der Triennale von Guangzhou, der Manifesta 9 und der dOCUMENTA (13) ausgestellt.

Schätzw. 90 000 - 100 000 EUR

Los 78 - KOEN VANMECHELEN (Sint-Truiden, Belgien, 1965). "Mechelse Bresse C.C.P.", 2012. Skulptur in Taxidermie der Henne, Holzsockel und zwei Fotografien (Hahn und Henne, Vater und Mutter der Henne in der Skulptur). Einzigartiges Stück. Beigefügtes Zertifikat vom Künstler unterzeichnet. Maße: 52 x 48 x 22 cm (Henne); 62 x 56,5 x 36,5 cm (Hühnerurne); 30 x 30 cm (jede der beiden Fotografien). Der Künstler Koen Vanmechelen ist schon sein ganzes Leben lang von Hühnern und Eiern fasziniert. Schon als Kind baute er Käfige und Volieren und hatte einen Brutkasten in seinem Zimmer. Dann wurde ihm klar, dass das Haushuhn seinen Käfig im Inneren hat. Das Ei ist sein Gefängnis. Das Küken, das die Eierschale durchbricht, ist ein Symbol der Befreiung. Dieses Werk gehört zum "The Cosmopolitan Chicken Project (CCP, 1999)", einer globalen, transdisziplinären und zeitübergreifenden Untersuchung der Themen biokulturelle Vielfalt und Identität durch das Zusammenspiel von Kunst, Wissenschaft und Schönheit. Im CCP kreuzt der Künstler Koen Vanmechelen Hühnerrassen aus verschiedenen Ländern. Sein Ziel ist es, ein kosmopolitisches Huhn zu schaffen, das die Gene aller Hühnerrassen der Welt in sich trägt. Das Huhn ist viel mehr als ein einfaches Haustier, es ist eine Kunst für sich. Es dient als Metapher für das menschliche Tier und seine Beziehung zur biologischen und kulturellen Vielfalt des Planeten. Während einheimische Rassen, die vom ursprünglichen Huhn (dem Roten Dschungelhuhn) abstammen, evolutionäre Sackgassen sind (sie sind so geformt, dass sie die typischen kulturellen Merkmale ihrer Gemeinschaft widerspiegeln), sind Vanmechelen-Kreuzungen Lösungen. Viele Jahre der Kreuzung haben gezeigt, dass jede nachfolgende Generation widerstandsfähiger ist, länger lebt, weniger anfällig für Krankheiten ist und ein weniger aggressives Verhalten zeigt. Genetische Vielfalt ist unerlässlich, zeigt das Cosmopolitan Chicken Research Project (CC®P), das die verschiedenen kosmopolitischen Hühner untersucht. Im Jahr 2000 präsentierte Vanmechelen seine erste Kreuzung", das Mechelse Bresse, eine Kreuzung" aus dem belgischen Mechelse Koekoek und dem französischen Poulet de Bresse. Bis heute sind einundzwanzig reine Rassen in den CCP aufgenommen worden. Koen Vanmechelen ist ein Konzeptkünstler belgischer Herkunft. Er begann seine Karriere in den frühen 1990er Jahren. Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht die biokulturelle Vielfalt. Zu diesem Thema hat Vanmechelen auch mit Wissenschaftlern aus verschiedenen Disziplinen zusammengearbeitet. Diese grenzüberschreitenden Projekte brachten ihm 2010 die Ehrendoktorwürde der Universität Hasselt und 2013 den Goldenen Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica ein.Koen Vanmechelen ist vor allem für sein The Cosmopolitan Chicken Project oder (CCP) bekannt. Vanmechelen arbeitet häufig mit Wissenschaftlern und Experten aus verschiedenen Disziplinen zusammen, wie Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten und Marleen Temmerman. Er nutzt innovative Technologien wie 3D-Scannen, Morphometrie, 3D-Druck und interaktive Visualisierungstechniken. Sein Werk ist multimedial und reicht von ausdrucksstarken Gemälden und Zeichnungen bis hin zu Fotografie, Video, Installationen, Glasarbeiten und Holzskulpturen. Der rote Faden, der immer wieder auftaucht, ist das Huhn und das Ei. Im Laufe der Jahre sind diese Objekte zu Symbolen geworden, die wissenschaftliche, politische, philosophische und ethische Fragen miteinander verbinden. Im Laufe seiner fruchtbaren Karriere hatte er Einzel- und Gruppenausstellungen u. a. in der National Gallery (London), im Victoria and Albert Museum (London), im Museum Kunstpalast (Düsseldorf), im Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), im Macro (Rom), im MAD Museum (NY), im Slot Belvedere (Wien), im ZKM (Karlsruhe) und im Puschkin Museum (Moskau). Neben der Biennale von Venedig wurden seine Arbeiten auch auf den Biennalen von Moskau, Dakar, Havanna und Posen, der Weltausstellung 2010 in Shanghai, der Triennale von Guangzhou, der Manifesta 9 und der dOCUMENTA (13) ausgestellt.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 79 - KOEN VANMECHELEN (Sint-Truiden, Belgien, 1965). "Kitovu", 2016. Gemischte Medien (Neon, Hörner, Kuhfell, Seile und andere Materialien) in Plexiglasurne. Einzigartiges Stück. Beiliegendes Zertifikat des Künstlers. Maße: 64 x 76 x 33 cm (Urne). Osotwa (Kitovu) bedeutet "Nabelschnur" in der Sprache der Massai. Dieses Werk mit dem Titel Osotwa steht im Zusammenhang mit dem gemeinsamen Projekt von Koen Vanmechelen und Labiomista. Es ist das Ergebnis der Zusammenarbeit des Künstlers mit der Stadt Genk. Eine experimentelle Idee, die aus einer gemeinsamen Vision des Potenzials von Identität und Vielfalt entstanden ist. Als Teil des transdisziplinären Teams hat Koen Vanmechelen einer Gruppe von Menschen und einem Kunstwerk mehrere Themen zugewiesen, als Instrument zur Reflexion und Neugruppierung und als Quelle der Inspiration. Dieses Werk ist der untrennbare Teil der Schlussfolgerungen der zweiten Arbeitsgruppe, deren Diskussion sich um die Freiheit drehte. Koen Vanmechelen ist ein Konzeptkünstler belgischer Herkunft. Er begann seine Karriere in den frühen 1990er Jahren. Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht die biokulturelle Vielfalt. Zu diesem Thema hat Vanmechelen auch mit Wissenschaftlern aus verschiedenen Disziplinen zusammengearbeitet. Diese grenzüberschreitenden Projekte brachten ihm 2010 die Ehrendoktorwürde der Universität Hasselt und 2013 den Goldenen Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica ein.Koen Vanmechelen ist vor allem für sein The Cosmopolitan Chicken Project oder (CCP) bekannt, ein einzigartiges Kunstprojekt, das er Ende der 1990er Jahre ins Leben rief. Im Mittelpunkt dieses Projekts steht das Huhn, genauer gesagt die Kreuzung nationaler Hühnerrassen, um sie in "kosmopolitische Hühner" zu verwandeln. Im Jahr 2018 wurde im Serlachius Museum in Finnland die 22. Generation dieses globalen Projekts geboren: das dänische Malinois, eine Kreuzung zwischen einer finnischen Rasse und dem dänischen Malinois (CCP21), das ein Jahr zuvor auf der dänischen Biennale geschlüpft war. Die verschiedenen kosmopolitischen Hühner tragen Gene aus Belgien, Frankreich, England, den Vereinigten Staaten, Deutschland, den Niederlanden, Mexiko, Thailand, Brasilien, der Türkei, Kuba, Italien, Russland, China, Ägypten, Senegal, Slowenien, Österreich, Indonesien und Dänemark in sich. Die biokulturelle Vielfalt und die daraus resultierende Interaktion zwischen Kunst und Wissenschaft sind das Hauptthema seiner Arbeit. Vanmechelen arbeitet häufig mit Wissenschaftlern und Experten aus verschiedenen Disziplinen zusammen, darunter Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten und Marleen Temmerman. Er nutzt innovative Technologien wie 3D-Scannen, Morphometrie, 3D-Druck und interaktive Visualisierungstechniken. Sein Werk ist multimedial und reicht von ausdrucksstarken Gemälden und Zeichnungen bis hin zu Fotografie, Video, Installationen, Glasarbeiten und Holzskulpturen. Der rote Faden, der immer wieder auftaucht, ist das Huhn und das Ei. Im Laufe der Jahre sind diese Objekte zu Symbolen geworden, die wissenschaftliche, politische, philosophische und ethische Fragen miteinander verbinden. Im Laufe seiner fruchtbaren Karriere hatte er Einzel- und Gruppenausstellungen u. a. in der National Gallery (London), im Victoria and Albert Museum (London), im Museum Kunstpalast (Düsseldorf), im Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), im Macro (Rom), im MAD Museum (NY), im Slot Belvedere (Wien), im ZKM (Karlsruhe) und im Puschkin Museum (Moskau). Neben der Biennale von Venedig wurden seine Arbeiten auch auf den Biennalen von Moskau, Dakar, Havanna und Posen, der Weltausstellung 2010 in Shanghai, der Triennale von Guangzhou, der Manifesta 9 und der dOCUMENTA (13) ausgestellt.

Schätzw. 35 000 - 40 000 EUR

Los 80 - KOEN VANMECHELEN (Sint-Truiden, Belgien, 1965). "Mechelse Silky C.C.P.", 2012. Taxidermie-Skulptur einer japanischen Henne, Holzsockel und zwei Fotografien (Hahn und Henne, Vater und Mutter der Henne in der Skulptur). Einzigartiges Stück. Beigefügtes Zertifikat mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 34 x 30 x 16 cm (Henne); 47 x 36,5 x 29 cm (Urne der Henne); 30 x 30 cm (jede der beiden Fotografien). Der Künstler Koen Vanmechelen ist schon sein ganzes Leben lang von Hühnern und Eiern fasziniert. Schon als Kind baute er Käfige und Volieren und hatte einen Brutkasten in seinem Zimmer. Dann wurde ihm klar, dass das Haushuhn seinen Käfig im Inneren hat. Das Ei ist sein Gefängnis. Das Küken, das die Eierschale durchbricht, ist ein Symbol der Befreiung. Dieses Werk gehört zum "The Cosmopolitan Chicken Project (CCP, 1999)", einer globalen, transdisziplinären und zeitübergreifenden Untersuchung der Themen biokulturelle Vielfalt und Identität durch das Zusammenspiel von Kunst, Wissenschaft und Schönheit. Im CCP kreuzt der Künstler Koen Vanmechelen Hühnerrassen aus verschiedenen Ländern. Sein Ziel ist es, ein kosmopolitisches Huhn zu schaffen, das die Gene aller Hühnerrassen der Welt in sich trägt. Das Huhn ist viel mehr als ein einfaches Haustier, es ist eine Kunst für sich. Es dient als Metapher für das menschliche Tier und seine Beziehung zur biologischen und kulturellen Vielfalt des Planeten. Während einheimische Rassen, die vom ursprünglichen Huhn (dem Roten Dschungelhuhn) abstammen, evolutionäre Sackgassen sind (sie sind so geformt, dass sie die typischen kulturellen Merkmale ihrer Gemeinschaft widerspiegeln), sind Vanmechelen-Kreuzungen Lösungen. Viele Jahre der Kreuzung haben gezeigt, dass jede nachfolgende Generation widerstandsfähiger ist, länger lebt, weniger anfällig für Krankheiten ist und ein weniger aggressives Verhalten zeigt. Genetische Vielfalt ist unerlässlich, zeigt das Cosmopolitan Chicken Research Project (CC®P), das die verschiedenen kosmopolitischen Hühner untersucht. Im Jahr 2000 stellte Vanmechelen seine erste "Kreuzung" vor, das Mechelse Bresse, eine "Kreuzung" aus dem belgischen Mechelse Koekoek und dem französischen Poulet de Bresse. Bis heute sind einundzwanzig reine Rassen in den CCP aufgenommen worden. Koen Vanmechelen ist ein Konzeptkünstler belgischer Herkunft. Er begann seine Karriere in den frühen 1990er Jahren. Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht die biokulturelle Vielfalt. Zu diesem Thema hat Vanmechelen auch mit Wissenschaftlern aus verschiedenen Disziplinen zusammengearbeitet. Diese grenzüberschreitenden Projekte brachten ihm 2010 die Ehrendoktorwürde der Universität Hasselt und 2013 den Goldenen Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica ein.Koen Vanmechelen ist vor allem für sein The Cosmopolitan Chicken Project oder (CCP) bekannt. Vanmechelen arbeitet häufig mit Wissenschaftlern und Experten aus verschiedenen Disziplinen zusammen, wie Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten und Marleen Temmerman. Er nutzt innovative Technologien wie 3D-Scannen, Morphometrie, 3D-Druck und interaktive Visualisierungstechniken. Sein Werk ist multimedial und reicht von ausdrucksstarken Gemälden und Zeichnungen bis hin zu Fotografie, Video, Installationen, Glasarbeiten und Holzskulpturen. Der rote Faden, der immer wieder auftaucht, ist das Huhn und das Ei. Im Laufe der Jahre sind diese Objekte zu Symbolen geworden, die wissenschaftliche, politische, philosophische und ethische Fragen miteinander verbinden. Im Laufe seiner fruchtbaren Karriere hatte er Einzel- und Gruppenausstellungen u. a. in der National Gallery (London), im Victoria and Albert Museum (London), im Museum Kunstpalast (Düsseldorf), im Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), im Macro (Rom), im MAD Museum (NY), im Slot Belvedere (Wien), im ZKM (Karlsruhe) und im Puschkin Museum (Moskau). Neben der Biennale von Venedig wurden seine Arbeiten auf den Biennalen von Moskau, Dakar, Havanna und Poznan, der Weltausstellung 2010 in Shanghai, der Triennale von Guangzhou, der Manifesta 9 und der dOCUMENTA (13) ausgestellt.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 81 - FRANCO DEFRANCESCA (Toronto, 1967). “Mauvemind-Targets”, 2016-2017. Pigmentierter Druck auf Platte und Sperrholz mit Epoxidharzbeschichtung. Einzigartiges Stück. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 76,5 x 76,5 x 6 cm. DeFrancescas minimalistisches Werk steht in der Tradition der geometrischen Bewegungen des letzten Drittels des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Mit ihrer polierten Oberfläche und ihren leuchtenden Farben verweisen diese fast hypnotischen Ziele auf das Industriedesign und verweisen schräg auf das Städtische. Er untersucht die Verbindungen zwischen Kunst, Erinnerung, Geschichte und Technologie und nutzt das digitale Bild als Medium, um sich im Grenzbereich zwischen Fotografie und Malerei zu bewegen. Durch die Vermischung von Fotografie und Malerei sind diese multimedialen Kunstwerke eine Reflexion über die zeitgenössische visuelle Kultur, die von Minimalismus, Modernismus, Technologie und Futurismus fasziniert ist. DeFrancescas Werke betonen visuelle, zeitliche und räumliche Qualitäten in Kombination mit dem Physischen und Taktilen. Mit einem ausgeprägten Sinn für handwerkliches Können und einer gewissen Ehrfurcht vor Materialien und Prozessen wird das abstrakte Bild in einen freiliegenden Träger aus geschichtetem Sperrholz integriert und dann unter kristallinem Harz eingekapselt, wodurch ein "Objekt der Begierde" entsteht. Der in Toronto geborene und an der OCAD und der University of Guelph ausgebildete Künstler hat in Kanada und den Vereinigten Staaten ausgestellt, und seine Werke befinden sich in Firmensammlungen und öffentlichen Sammlungen auf der ganzen Welt, z. B. in der Sammlung von Cenovus Energy Inc. Jüngste Einzelausstellungen: 2021 Franco DeFrancesca: Re-Evolver, Newzones. Gallery of Contemporary Art, Calgary, AB,.Canada 2018 Franco DeFrancesca, Galerie de Bellefeuille, Toronto, ON, Canada 2017 Sunscreen - Group Show, Newzones, Calgary, AB " Spin Cycle Matrix",. Newzones, Calgary, AB, Galerie de Bellefeuille, Montreal, QC Colour Break, Oeno Gallery, Bloomfield, ON. perception, Newzones, Calgary, AB. "Neue Arbeit", Oeno Gallery, Bloomfield, ON.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 82 - FRANCO DEFRANCESCA (Toronto, 1967). "Neostrata-Targets", 2016. Pigmentierter Druck auf Platte und Sperrholz mit Epoxidharzbeschichtung. Verso signiert, datiert und betitelt. Maße: 76,5 x 76,5 x 6 cm. DeFrancescas minimalistisches Werk steht in der Tradition der geometrischen Bewegungen des letzten Drittels des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Mit ihrer polierten Oberfläche und ihren leuchtenden Farben verweisen diese fast hypnotischen Ziele auf das Industriedesign und verweisen schräg auf das Städtische. Er untersucht die Verbindungen zwischen Kunst, Erinnerung, Geschichte und Technologie und nutzt das digitale Bild als Medium, um sich im Grenzbereich zwischen Fotografie und Malerei zu bewegen. Durch die Vermischung von Fotografie und Malerei sind diese multimedialen Kunstwerke eine Reflexion über die zeitgenössische visuelle Kultur, die von Minimalismus, Modernismus, Technologie und Futurismus fasziniert ist. DeFrancescas Werke betonen visuelle, zeitliche und räumliche Qualitäten in Kombination mit dem Physischen und Taktilen. Mit einem ausgeprägten Sinn für handwerkliches Können und einer gewissen Ehrfurcht vor Materialien und Prozessen wird das abstrakte Bild in einen freiliegenden Träger aus geschichtetem Sperrholz integriert und dann unter kristallinem Harz eingekapselt, wodurch ein "Objekt der Begierde" entsteht. Der in Toronto geborene und an der OCAD und der University of Guelph ausgebildete Künstler hat in Kanada und den Vereinigten Staaten ausgestellt, und seine Werke befinden sich in Firmensammlungen und öffentlichen Sammlungen auf der ganzen Welt, z. B. in der Sammlung von Cenovus Energy Inc. Jüngste Einzelausstellungen: 2021 Franco DeFrancesca: Re-Evolver, Newzones. Gallery of Contemporary Art, Calgary, AB,.Canada 2018 Franco DeFrancesca, Galerie de Bellefeuille, Toronto, ON, Canada 2017 Sunscreen - Group Show, Newzones, Calgary, AB " Spin Cycle Matrix",. Newzones, Calgary, AB, Galerie de Bellefeuille, Montreal, QC Colour Break, Oeno Gallery, Bloomfield, ON. perception, Newzones, Calgary, AB. "Neue Arbeit", Oeno Gallery, Bloomfield, ON.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 83 - LORI HERSBERGER (Basel, Schweiz, 1964). "Instant karma nº26", 2013. Skulptur aus hochglanzpoliertem Edelstahl. Einzigartiges Stück. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite (unten). Beiliegendes, vom Studio Lori Hersberger ausgestelltes und von der Künstlerin unterzeichnetes Zertifikat. Maße: 80 x 60 x 20 cm. Lori Hersbergers elegante Arbeiten betonen den Gegensatz zwischen der Welt der Illusion und der Welt der Realität und spielen gleichzeitig auf den gemeinsamen Raum an, den sie teilen. Die Verwendung von verspiegeltem Stahl unterstreicht ihr Interesse an der Erforschung der Plastizität dieser Zwischenzone: zwischen Illusion und Realität, zwischen Malerei und Skulptur, zwischen industriellen Prozessen und handwerklicher Verarbeitung... Ihre undogmatische Wahl der Materialien und Ausdrucksmittel ist zum Markenzeichen ihrer Produktion geworden. Ein konstantes Element in seinen Werken ist die Auseinandersetzung mit der Avantgardekunst der Nachkriegszeit, mit Hard-Edge, Minimalismus, Land Art und Pop-Trends, was in dieser reflektierenden Skulptur deutlich wird. Die Schweizer Künstlerin Lori Hersberger lebt und arbeitet in Zürich. Sie wurde in Basel geboren und studierte Videokunst und Bildhauerei an der Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel. Anfang der neunziger Jahre begann sie Environments und Installationen zu schaffen, zunächst in Kombination mit Video, später mit verschiedenen Medien wie Spiegelglas, Malerei mit fluoreszierender Farbe, Neonlicht und verchromtem Stahl. Er bewegte sich schnell in einem breiten Spektrum unterschiedlicher und scheinbar unvereinbarer Medien und Themen. Seine Arbeiten zeichnen sich durch eine direkte künstlerische Sprache und, obwohl viele einen starken affirmativen Eindruck auslösen, ein subversives Potenzial aus. In verschiedenen Installationen sowie in ihrer Malerei und ihren Skulpturen setzt sie sich mit Themen wie hybrider Emotionalität und der doppelten semantischen Natur von Phänomenen wie dem Phantasmagorischen auseinander. Ab dem Jahr 2000 erweiterte Lori Hersberger ihr künstlerisches Schaffen um die abstrakte Malerei und versteht sich seither ausschließlich als Malerin und Bildhauerin. Sie als Installationskünstlerin zu bezeichnen, ist ebenso unangemessen wie sie ausschließlich als Malerin zu kategorisieren, da sie seit Beginn ihrer Karriere eine Art Perspektivismus betreibt, der sich in der experimentellen Erkundung mehrerer Genres ausdrückt. Lori Hersberger hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Swiss Art Award (1999 und 2000) und den Manor Kunstpreis Basel (2001). Ihre Werke wurden in zahlreichen Institutionen und Museen ausgestellt, darunter das MAC Museum für zeitgenössische Kunst in Lyon, wo sie 2008 in ihrer bisher größten Einzelausstellung mit dem Titel Lori Hersberger - Phantom Studies verformte Stahlskulpturen sowie raumgreifende Installationen mit Neonlicht und verspiegeltem Glas präsentierte, oder in weiteren Einzelausstellungen, unter anderem 2003 im Kunsthaus Zürich. Darüber hinaus stellte er u.a. im Museum für Gegenwartskunst in Basel, im MMKK Museum für Moderne Kunst Kärnten in Klagenfurt, in der Kunsthalle Giessen, der Kunsthalle Basel und dem Swiss Institute in New York aus. Biennale von Venedig, in der Kunsthalle Wien, im ZKM Museum für Gegenwartskunst in Karlsruhe, im SMAK Stedelijk Museum of Contemporary Art in Gent, im Kunstmuseum Luzern und im Kunstmuseum St. Gallen. Seine Werke befinden sich in zahlreichen Sammlungen in der Schweiz, in Europa und in den Vereinigten Staaten und sind Teil mehrerer Installationen im öffentlichen Raum.

Schätzw. 30 000 - 40 000 EUR

Los 84 - LORI HERSBERGER (Basel, Schweiz, 1964). "Instant karma nº25", 2013. Skulptur aus hochglanzpoliertem Edelstahl mit roter Beschichtung. Einzigartiges Stück. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Beiliegendes, vom Studio Lori Hersberger ausgestelltes und von der Künstlerin unterzeichnetes Zertifikat. Maße: 80 x 60 x 20 cm. Lori Hersbergers elegante Arbeiten betonen den Gegensatz zwischen der Welt der Illusion und der Welt der Realität und spielen gleichzeitig auf den gemeinsamen Raum an, den sie teilen. Die Verwendung von verspiegeltem Stahl unterstreicht ihr Interesse an der Erforschung der Plastizität dieser Zwischenzone: zwischen Illusion und Realität, zwischen Malerei und Skulptur, zwischen industriellen Prozessen und handwerklicher Verarbeitung... Ihre undogmatische Wahl der Materialien und Ausdrucksmittel ist zum Markenzeichen ihrer Produktion geworden. Ein konstantes Element in seinen Werken ist die Auseinandersetzung mit der Avantgardekunst der Nachkriegszeit, mit Hard-Edge, Minimalismus, Land Art und Pop-Trends, was in dieser reflektierenden Skulptur deutlich wird. Die Schweizer Künstlerin Lori Hersberger lebt und arbeitet in Zürich. Sie wurde in Basel geboren und studierte Videokunst und Bildhauerei an der Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel. Anfang der neunziger Jahre begann sie Environments und Installationen zu schaffen, zunächst in Kombination mit Video, später mit verschiedenen Medien wie Spiegelglas, Malerei mit fluoreszierender Farbe, Neonlicht und verchromtem Stahl. Er bewegte sich schnell in einem breiten Spektrum unterschiedlicher und scheinbar unvereinbarer Medien und Themen. Seine Arbeiten zeichnen sich durch eine direkte künstlerische Sprache und, obwohl viele einen starken affirmativen Eindruck auslösen, ein subversives Potenzial aus. In verschiedenen Installationen sowie in ihrer Malerei und ihren Skulpturen setzt sie sich mit Themen wie hybrider Emotionalität und der doppelten semantischen Natur von Phänomenen wie dem Phantasmagorischen auseinander. Ab dem Jahr 2000 erweiterte Lori Hersberger ihr künstlerisches Schaffen um die abstrakte Malerei und versteht sich seither ausschließlich als Malerin und Bildhauerin. Sie als Installationskünstlerin zu bezeichnen, ist ebenso unangemessen wie sie ausschließlich als Malerin zu kategorisieren, da sie seit Beginn ihrer Karriere eine Art Perspektivismus betreibt, der sich in der experimentellen Erkundung mehrerer Genres ausdrückt. Lori Hersberger hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Swiss Art Award (1999 und 2000) und den Manor Kunstpreis Basel (2001). Ihre Werke wurden in zahlreichen Institutionen und Museen ausgestellt, darunter das MAC Museum für zeitgenössische Kunst in Lyon, wo sie 2008 in ihrer bisher größten Einzelausstellung mit dem Titel Lori Hersberger - Phantom Studies verformte Stahlskulpturen sowie raumgreifende Installationen mit Neonlicht und verspiegeltem Glas präsentierte, oder in weiteren Einzelausstellungen, unter anderem 2003 im Kunsthaus Zürich. Darüber hinaus stellte er u.a. im Museum für Gegenwartskunst in Basel, im MMKK Museum für Moderne Kunst Kärnten in Klagenfurt, in der Kunsthalle Giessen, der Kunsthalle Basel und dem Swiss Institute in New York aus. Biennale von Venedig, in der Kunsthalle Wien, im ZKM Museum für Gegenwartskunst in Karlsruhe, im SMAK Stedelijk Museum of Contemporary Art in Gent, im Kunstmuseum Luzern und im Kunstmuseum St. Gallen. Seine Werke befinden sich in zahlreichen Sammlungen in der Schweiz, in Europa und in den Vereinigten Staaten und sind Teil mehrerer Installationen im öffentlichen Raum.

Schätzw. 30 000 - 40 000 EUR

Los 85 - SLATER BRADLEY (San Francisco, Kalifornien, 1975). "Perfekte Empathie (Alina Melancholina), 2012. Zerknitterter Schwarz-Weiß-Faserdruck und silberner Markierstift. Einzigartiges Werk. Beiliegendes Zertifikat vom Künstler signiert. Maße: 200 x 145 x 11 cm. Ausgehend von intimen Erfahrungen erforscht Slater Bradley in einem Foto- und Videokorpus mit Alina in der Hauptrolle die universelle Erzählung der verlorenen Liebe. In einem brillanten Spiegelspiel zwischen Realität und Fiktion wird Alina filmischen Figuren gleichgestellt, wie der Traumfrau in Chris Markers "La Jetée" oder der geheimnisvollen Protagonistin in Hitchcocks "Vertigo". Bradley erreicht das Bild der idealisierten und unerreichbaren Frau, die sie verkörpern, indem er die Hintergründe mit akribischen Techniken manipuliert und zeitlose Qualitäten erzielt. Slater Bradley machte 1998 seinen Abschluss an der University of California in Los Angeles. Bradleys Fotoserie Don't Let Me Disappear (1997-2003), benannt nach einem Satz aus Holden Caulfields Catcher in the Rye, ist voll von autobiografischen Bezügen, persönlichen Symbolen sowie künstlerischen und musikalischen Einflüssen. In JFK Jr. (1999) folgt die Kamera voyeuristisch einer jungen Frau, die wartet, bis sie an der Reihe ist, eine Blume zum Gedenken an John F. Kennedy Jr. und Carolyn Bessette Kennedy niederzulegen; die Trauernde bemerkt den Blick des Filmemachers erst in der letzten Einstellung. In dem Video I Was Rooting For You (Butterfly Catcher at Home) (2000) vergleicht Bradley seine Kunst mit dem Sammeln von Schmetterlingen. In The Laurel Tree (Beach) (2000) rezitiert die Schauspielerin Chloë Sevigny eine Passage über Kunst aus Thomas Manns Roman Tonio Krögor. Female Gargoyle (2000) zeigt eine Frau, die unsicher am Sims eines Gebäudes steht. Das Video Theory and Observation (2002) reflektiert die Beziehung zwischen Vernunft und Glaube anhand von Bildern eines Chors, der in der Kathedrale von Notre Dame singt, und Auszügen aus Stephen Hawkings A Brief History of Time. Für "The Doppelganger Trilogy" (2001-04) inszenierte Bradley Konzerte dreier gefallener Helden der Popmusikwelt - Ian Curtis von Joy Division, Kurt Cobain von Nirvana und Michael Jackson - die von seinem realen Doppelgänger Benjamin Brock aufgeführt wurden. Seit der Künstler Brock 1999 in einem Nachtclub kennenlernte, hat er ihn in seinen Fotografien, Videos und Zeichnungen immer wieder in verschiedenen Gestalten auftreten lassen und dabei über komplizierte Vorstellungen von doppelten und ausgelöschten Identitäten reflektiert. In dem Video The Year of the Doppelganger (2005) schlüpft Bradley in die Rolle eines abgemagerten Rockmusikers, der so intensiv Schlagzeug spielt, dass er nicht bemerkt, dass sein Fußballplatz leer ist und für das Training der Mannschaft missbraucht wird. In Uncharted Settlements (2005) sind Bradley, Brock und eine Vielzahl von Fans unter ihren Star-Wars-Kostümen nicht wiederzuerkennen, eine Situation, die sowohl von Anonymität als auch von Gemeinschaft geprägt ist. Der Film My Conclusion/My Necessity (2005-06) führt über den Pariser Friedhof Père-Lachaise und zeigt eine junge Frau, die dem Grabstein von Oscar Wilde einen Lippenstiftkuss aufdrückt. In Dark Night of the Soul (2005-06), der an Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey (2001: Odyssee im Weltraum) erinnert, wandert Brock in einem Astronautenanzug zu den Klängen von Beethovens "Mondscheinsonate" durch das New Yorker Museum für Naturgeschichte. Bradley hat an Einzelausstellungen teilgenommen, unter anderem im P.S.1 Contemporary Art Center in New York (2000), im Solomon R. Guggenheim Museum in New York (2005), im Berkeley Art Museum und Pacific Film Archive (2005) und im Contemporary Art Museum in St. Louis (2007). Seine Arbeiten waren auch in wichtigen Gruppenausstellungen zu sehen, wie der Whitney Biennale (2004), Video-Musik-Video im Museo Reina Sofia in Madrid (2005) und Sympathy for the Devil: Kunst und Rock and Roll seit 1967 im Museum of Contemporary Art in Chicago (2007). Im Jahr 2005 wurde er mit dem Louis Comfort Tiffany Foundation Video Award ausgezeichnet. Bradley lebt und arbeitet in New York.

Schätzw. 45 000 - 50 000 EUR

Los 86 - WIM DELVOYE (Belgien, 1965). "Studien für Super Cloaca- Studie #126", 2002. Gemischte Medien auf Papier. Einzigartiges Werk. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Gestempelt "Super Cloaca". Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Guy Pieters, Guy Pieters Gallery. Maße: 50 x 54 cm; 69 x 72,5 cm (Rahmen). "Cloaca" war Wil Delvoyes umstrittenstes und revolutionärstes Projekt. Es war das Ergebnis einer dreijährigen Zusammenarbeit mit Wissenschaftlern der Universität Antwerpen, deren gemeinsames Ziel es war, das menschliche Verdauungssystem so genau wie möglich nachzubilden. Es bestand in der Realisierung einer großen Maschine aus chemischen Bechergläsern, elektrischen Pumpen und Plastikschläuchen, die auf einer Reihe von sieben Tischen aus rostfreiem Stahl angeordnet waren und in der Lage waren, Nahrung in Fäkalien zu verwandeln. Die Installation wurde im Rahmen der retrospektiven Ausstellung "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" im Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain gezeigt. Die riesige Maschine wurde am 13. Oktober (Museumsnacht) in Betrieb genommen und zweimal täglich über einen großen Trichter gespeist, zu dem man über eine Leiter gelangt. Bei der Eröffnung des Werks kletterte Delvoye selbst auf die Leiter, um das saftige, völlig echte Essen zum ersten Mal in den Trichter zu schütten. Im Inneren funktionierte die Maschine wie ein Magen: Das Essen wurde von einem Müllschlucker zerkleinert, bevor es eine 27-stündige Verdauungsreise durch sechs Glaswannen antrat, die durch Schläuche, Pumpen und verschiedene elektronische Komponenten verbunden waren, die den Magen, die Bauchspeicheldrüse sowie den Dünn- und Dickdarm des Abwasserkanals darstellten. Die "verdaute" Nahrung wurde ständig auf einer präzisen Temperatur von 37,2 Grad Celsius gehalten, und jedes von Cloacas "Organen" war mit Enzymen, Bakterien und Säuren gefüllt. Mit "Cloaca" zwang Wil Delvoye den Betrachter, sich unseres gesellschaftlichen Unbehagens gegenüber solchen als skatologisch angesehenen Funktionen bewusst zu werden, die wir unbedingt aus den Augen und aus der Gesellschaft heraushalten wollen. Wim Delvoye ist ein belgischer neokonzeptioneller Künstler, der für seine originellen und oft schockierenden Projekte bekannt ist. Ein Großteil seiner Arbeit konzentriert sich auf den Körper. Wie der Kritiker Robert Enright in der Kunstzeitschrift Border Crossings schrieb, "geht Delvoye einen Weg, Kunst zu machen, der unser Verständnis davon, wie Schönheit geschaffen werden kann, neu ausrichtet". Wim Delvoye hat ein eklektisches Oeuvre, das sein Interesse an einer Reihe von Themen zeigt, von Körperfunktionen und Skatologie bis hin zur Funktion der Kunst in der heutigen Marktwirtschaft und zahlreichen Themen dazwischen. Er lebt und arbeitet in Gent (Belgien). Er wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Gent) ausgebildet. Bald darauf begann Delvoye, Tapeten zu übermalen, bestehende Muster zu kolorieren und den Wert des freien Ausdrucks in Frage zu stellen, der in der Kunstwelt jener Zeit schwang. Delvoye sieht sich selbst als Schöpfer von Konzepten. Nach 1990 haben Spezialisten unter der Leitung von Delvoye die meisten seiner Arbeiten ausgeführt. 1992 erhielt er internationale Anerkennung mit der Präsentation seines "Mosaiks" auf der Documenta IX, einer symmetrischen Ausstellung von Fliesen, die mit Fotos seiner eigenen Exkremente glasiert waren. Der Organisator der Documenta IX, Jan Hoet, sagte: "Wim Delvoyes Stärke liegt in seiner Fähigkeit, Konflikte zu erzeugen, indem er bildende Kunst und populäre Kunst kombiniert und Ernsthaftigkeit gegen Ironie ausspielt." Drei seiner bekanntesten Projekte sind "Cloaca", "Art Farm" und eine Reihe von gotischen Werken. Delvoye ist vielleicht am bekanntesten für seine Verdauungsmaschine Cloaca, die er im Museum voor Hedendaagse Kunst in Antwerpen präsentierte, nachdem er sich acht Jahre lang mit Experten aus den Bereichen Sanitärtechnik und Gastroenterologie beraten hatte. In einer Ausstellung 2013 in New York zeigte Delvoye komplizierte lasergeschnittene Werke, die architektonische und figurative Referenzen mit Formen wie einem Möbiusband oder einem Rorschach-Tintenklecks kombinierten. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen in Museen in ganz Europa, darunter im Centre Georges Pompidou, Paris, und im MUHKA, Antwerpen (beide 2000), und war Teilnehmer der 48. Biennale von Venedig (1999) und der documenta IX (1997).

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 87 - WIM DELVOYE (Belgien, 1965). "Rohr 3", 2000. C-Print , Exemplar 3/6. Rückseitig signiert, betitelt, serialisiert und datiert. Mit Exclusive Art Presentation Rahmen. Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Guy Pieters, Guy Pieters Gallery. Maße: 125 x 100 cm; 135 x 109,5 cm (Rahmen). Wim Delvoye fertigte die ersten Röntgenbilder 1998 an, aber sein Interesse an Wissenschaft, Medizin, dem menschlichen Körper und Röntgenapparaten veranlasste den belgischen Künstler, sie 2001, unmittelbar nach der Fertigstellung seines bekannten Werks "Cloaca", wieder aufzunehmen. Von all seinen Röntgenserien sind die bekanntesten die mit sexuellen Themen. Für ihre Realisierung versammelte Delvoye eine Gruppe von Freunden, die er bat, ihre Körper mit kleinen Mengen Barium zu bedecken (eine Flüssigkeit, die die Sichtbarkeit in Röntgenbildern verbessert) und sexuelle Handlungen zu vollziehen, mit einer Vorliebe für Fellatio, in Krankenhäusern, in denen er die notwendige Ausrüstung für Röntgenaufnahmen benutzen durfte. Wim Delvoye ist ein belgischer neokonzeptioneller Künstler, der für seine originellen und oft schockierenden Projekte bekannt ist. Ein Großteil seiner Arbeit konzentriert sich auf den Körper. Wie der Kritiker Robert Enright in der Kunstzeitschrift Border Crossings schrieb, "geht Delvoye einen Weg, Kunst zu machen, der unser Verständnis davon, wie Schönheit geschaffen werden kann, neu ausrichtet". Wim Delvoye hat ein eklektisches Oeuvre, das sein Interesse an einer Reihe von Themen zeigt, von Körperfunktionen und Skatologie bis hin zur Funktion der Kunst in der heutigen Marktwirtschaft und zahlreichen Themen dazwischen. Er lebt und arbeitet in Gent (Belgien). Er wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Gent) ausgebildet. Bald darauf begann Delvoye, Tapeten zu übermalen, bestehende Muster zu kolorieren und den Wert des freien Ausdrucks in Frage zu stellen, der in der Kunstwelt jener Zeit schwang. Delvoye sieht sich selbst als Schöpfer von Konzepten. Nach 1990 haben Spezialisten unter der Leitung von Delvoye die meisten seiner Arbeiten ausgeführt. 1992 erhielt er internationale Anerkennung mit der Präsentation seines "Mosaiks" auf der Documenta IX, einer symmetrischen Ausstellung von Fliesen, die mit Fotos seiner eigenen Exkremente glasiert waren. Der Organisator der Documenta IX, Jan Hoet, sagte: "Wim Delvoyes Stärke liegt in seiner Fähigkeit, Konflikte zu erzeugen, indem er bildende Kunst und populäre Kunst miteinander verbindet und Ernsthaftigkeit gegen Ironie ausspielt." Drei seiner bekanntesten Projekte sind "Cloaca", "Art Farm" und eine Reihe von gotischen Werken. Delvoye ist vielleicht am bekanntesten für seine Verdauungsmaschine Cloaca, die er im Museum voor Hedendaagse Kunst in Antwerpen präsentierte, nachdem er sich acht Jahre lang mit Experten aus den Bereichen Sanitärtechnik und Gastroenterologie beraten hatte. In einer Ausstellung 2013 in New York zeigte Delvoye komplizierte lasergeschnittene Werke, die architektonische und figurative Referenzen mit Formen wie einem Möbiusband oder einem Rorschach-Tintenklecks kombinierten. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen in Museen in ganz Europa, darunter im Centre Georges Pompidou, Paris, und im MUHKA, Antwerpen (beide 2000), und war Teilnehmer der 48. Biennale von Venedig (1999) und der documenta IX (1997).

Schätzw. 20 000 - 24 000 EUR

Los 88 - WIM DELVOYE (Belgien, 1965). "Studien für Cloaca Original- Studie #50", 2001. Gemischte Medien auf Papier. Einzigartiges Werk. Signiert, datiert und betitelt in der rechten unteren Ecke. Mit "Cloaca"-Stempel in der rechten unteren Ecke. Beiliegendes Zertifikat ausgestellt von Guy Pieters, Guy Pieters Gallery. Maße: 23,5 x 46 cm; 40,5 x 63,5 cm (Rahmen). "Cloaca" war Wil Delvoyes umstrittenstes und revolutionärstes Projekt, das Ergebnis einer dreijährigen Zusammenarbeit mit Wissenschaftlern der Universität Antwerpen, deren gemeinsames Ziel es war, das menschliche Verdauungssystem so genau wie möglich nachzubilden. Es bestand in der Realisierung einer großen Maschine aus chemischen Bechergläsern, elektrischen Pumpen und Plastikschläuchen, die auf einer Reihe von sieben Tischen aus rostfreiem Stahl angeordnet waren und in der Lage waren, Nahrung in Fäkalien zu verwandeln. Die Installation wurde im Rahmen der retrospektiven Ausstellung "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" im Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain gezeigt. Die riesige Maschine wurde am 13. Oktober (Museumsnacht) in Betrieb genommen und zweimal täglich über einen großen Trichter gespeist, zu dem man über eine Leiter gelangt. Bei der Eröffnung des Werks kletterte Delvoye selbst auf die Leiter, um das saftige, völlig echte Essen zum ersten Mal in den Trichter zu schütten. Im Inneren funktionierte die Maschine wie ein Magen: Das Essen wurde von einem Müllschlucker zerkleinert, bevor es eine 27-stündige Verdauungsreise durch sechs Glaswannen antrat, die durch Schläuche, Pumpen und verschiedene elektronische Komponenten verbunden waren, die den Magen, die Bauchspeicheldrüse sowie den Dünn- und Dickdarm des Abwasserkanals darstellten. Die "verdaute" Nahrung wurde ständig auf einer präzisen Temperatur von 37,2 Grad Celsius gehalten, und jedes von Cloacas "Organen" war mit Enzymen, Bakterien und Säuren gefüllt. Mit "Cloaca" zwang Wil Delvoye den Betrachter, sich unseres gesellschaftlichen Unbehagens gegenüber solchen als skatologisch angesehenen Funktionen bewusst zu werden, die wir unbedingt aus den Augen und aus der Gesellschaft heraushalten wollen. Wim Delvoye ist ein belgischer neokonzeptioneller Künstler, der für seine originellen und oft schockierenden Projekte bekannt ist. Ein Großteil seiner Arbeit konzentriert sich auf den Körper. Der Kritiker Robert Enright schrieb in der Kunstzeitschrift Border Crossings: "Delvoye macht Kunst auf eine Weise, die unser Verständnis davon, wie Schönheit geschaffen werden kann, neu ausrichtet." Wim Delvoye hat ein eklektisches Oeuvre, das sein Interesse an einer Reihe von Themen zeigt, von Körperfunktionen und Skatologie bis hin zur Funktion der Kunst in der heutigen Marktwirtschaft und zahlreichen Themen dazwischen. Er lebt und arbeitet in Gent (Belgien). Er wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Gent) ausgebildet. Bald darauf begann Delvoye, Tapeten zu übermalen, bestehende Muster zu kolorieren und den Wert des freien Ausdrucks in Frage zu stellen, der in der Kunstwelt jener Zeit schwang. Delvoye sieht sich selbst als Schöpfer von Konzepten. Nach 1990 haben Spezialisten unter der Leitung von Delvoye die meisten seiner Arbeiten ausgeführt. 1992 erhielt er internationale Anerkennung mit der Präsentation seines "Mosaiks" auf der Documenta IX, einer symmetrischen Ausstellung von Fliesen, die mit Fotos seiner eigenen Exkremente glasiert waren. Der Organisator der Documenta IX, Jan Hoet, sagte: "Wim Delvoyes Stärke liegt in seiner Fähigkeit, Konflikte zu erzeugen, indem er bildende Kunst und populäre Kunst kombiniert und Ernsthaftigkeit gegen Ironie ausspielt." Drei seiner bekanntesten Projekte sind "Cloaca", "Art Farm" und eine Reihe von gotischen Werken. Delvoye ist vielleicht am bekanntesten für seine Verdauungsmaschine Cloaca, die er im Museum voor Hedendaagse Kunst in Antwerpen präsentierte, nachdem er sich acht Jahre lang mit Experten aus den Bereichen Sanitärtechnik und Gastroenterologie beraten hatte. In einer Ausstellung 2013 in New York zeigte Delvoye komplizierte lasergeschnittene Werke, die architektonische und figurative Referenzen mit Formen wie einem Möbiusband oder einem Rorschach-Tintenklecks kombinierten. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen in Museen in ganz Europa, darunter im Centre Georges Pompidou, Paris, und im MUHKA, Antwerpen (beide 2000), und war Teilnehmer der 48. Biennale von Venedig (1999) und der documenta IX (1997).

Schätzw. 9 000 - 11 000 EUR

Los 89 - WIM DELVOYE (Belgien, 1965). "Fick 1", 2000-2001. C-Print , Kopie E.A. Beigefügtes Zertifikat auf der Rückseite mit Unterschrift des Künstlers. Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Guy Pieters, Guy Pieters Gallery. Maße: 125 x 100 cm; 135 x 110 cm. Wim Delvoye fertigte die ersten Röntgenbilder 1998 an, aber sein Interesse an der Wissenschaft, der Medizin, dem menschlichen Körper und den Röntgenapparaten veranlasste den belgischen Künstler, sie 2001, unmittelbar nach der Fertigstellung seines bekannten Werks "Cloaca", wieder aufzunehmen. Von all seinen Röntgenserien sind die bekanntesten die mit sexuellen Themen. Für ihre Realisierung versammelte Delvoye eine Gruppe von Freunden, die er bat, ihre Körper mit kleinen Mengen Barium zu bedecken (eine Flüssigkeit, die die Sichtbarkeit in Röntgenbildern verstärkt) und sexuelle Handlungen zu vollziehen, mit einer Vorliebe für Fellatio, in Krankenhäusern, in denen er die notwendigen Geräte zur Anfertigung von Röntgenaufnahmen benutzen durfte. Wim Delvoye ist ein belgischer neokonzeptioneller Künstler, der für seine einfallsreichen und oft schockierenden Projekte bekannt ist. Ein Großteil seiner Arbeit konzentriert sich auf den Körper. Wie der Kritiker Robert Enright in der Kunstzeitschrift Border Crossings schrieb, "geht Delvoye einen Weg, Kunst zu machen, der unser Verständnis davon, wie Schönheit geschaffen werden kann, neu ausrichtet". Wim Delvoye hat ein eklektisches Oeuvre, das sein Interesse an einer Reihe von Themen zeigt, von Körperfunktionen und Skatologie bis hin zur Funktion der Kunst in der heutigen Marktwirtschaft und zahlreichen Themen dazwischen. Er lebt und arbeitet in Gent (Belgien). Er wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Gent) ausgebildet. Bald darauf begann Delvoye, Tapeten zu übermalen, bestehende Muster zu kolorieren und den Wert des freien Ausdrucks in Frage zu stellen, der in der Kunstwelt jener Zeit schwang. Delvoye sieht sich selbst als Schöpfer von Konzepten. Nach 1990 haben Spezialisten unter der Leitung von Delvoye die meisten seiner Arbeiten ausgeführt. 1992 erhielt er internationale Anerkennung mit der Präsentation seines "Mosaiks" auf der Documenta IX, einer symmetrischen Ausstellung von Fliesen, die mit Fotos seiner eigenen Exkremente glasiert waren. Der Organisator der Documenta IX, Jan Hoet, sagte: "Wim Delvoyes Stärke liegt in seiner Fähigkeit, Konflikte zu erzeugen, indem er bildende Kunst und populäre Kunst miteinander verbindet und Ernsthaftigkeit gegen Ironie ausspielt." Drei seiner bekanntesten Projekte sind "Cloaca", "Art Farm" und eine Reihe von gotischen Werken. Delvoye ist vielleicht am bekanntesten für seine Verdauungsmaschine Cloaca, die er im Museum voor Hedendaagse Kunst in Antwerpen präsentierte, nachdem er sich acht Jahre lang mit Experten aus den Bereichen Sanitärtechnik und Gastroenterologie beraten hatte. In einer Ausstellung 2013 in New York zeigte Delvoye komplizierte lasergeschnittene Werke, die architektonische und figurative Referenzen mit Formen wie einem Möbiusband oder einem Rorschach-Tintenklecks kombinierten. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen in Museen in ganz Europa, darunter im Centre Georges Pompidou, Paris, und im MUHKA, Antwerpen (beide 2000), und war Teilnehmer der 48. Biennale von Venedig (1999) und der documenta IX (1997).

Schätzw. 20 000 - 24 000 EUR

Los 90 - WIM DELVOYE (Belgien, 1965). "Studien für Cloaca Original Study #32", 1997-2001. Gemischte Medien auf Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke. Beigefügtes Zertifikat von Guy Pieters unterzeichnet. Maße: 62 x 43 cm; 78,5 x 61 cm (Rahmen). "Cloaca" war Wil Delvoyes umstrittenstes und revolutionärstes Projekt, das Ergebnis einer dreijährigen Zusammenarbeit mit Wissenschaftlern der Universität Antwerpen, deren gemeinsames Ziel es war, das menschliche Verdauungssystem so genau wie möglich nachzubilden. Es bestand in der Realisierung einer großen Maschine aus chemischen Bechergläsern, elektrischen Pumpen und Plastikschläuchen, die auf einer Reihe von sieben Tischen aus rostfreiem Stahl angeordnet waren und in der Lage waren, Nahrung in Fäkalien zu verwandeln. Die Installation wurde im Rahmen der retrospektiven Ausstellung "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" im Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain gezeigt. Die riesige Maschine wurde am 13. Oktober (Museumsnacht) in Betrieb genommen und zweimal täglich über einen großen Trichter gespeist, zu dem man über eine Leiter gelangt. Bei der Eröffnung des Werks kletterte Delvoye selbst auf die Leiter, um das saftige, völlig echte Essen zum ersten Mal in den Trichter zu schütten. Im Inneren funktionierte die Maschine wie ein Magen: Das Essen wurde von einem Müllschlucker zerkleinert, bevor es eine 27-stündige Verdauungsreise durch sechs Glaswannen antrat, die durch Schläuche, Pumpen und verschiedene elektronische Komponenten verbunden waren, die den Magen, die Bauchspeicheldrüse sowie den Dünn- und Dickdarm des Abwasserkanals darstellten. Die "verdaute" Nahrung wurde ständig auf einer präzisen Temperatur von 37,2 Grad Celsius gehalten und jedes der "Organe" von Cloaca war mit Enzymen, Bakterien und Säuren gefüllt. Mit "Cloaca" zwang Wil Delvoye den Betrachter, sich unseres gesellschaftlichen Unbehagens gegenüber solchen Funktionen bewusst zu werden, die als skatologisch gelten und die wir unbedingt aus den Augen und aus der Gesellschaft heraushalten wollen. In ähnlicher Weise kann "Sewer" als Kommentar zur Konsumgesellschaft gelesen werden. Die Maschine, die nahrhafte Lebensmittel in Abfall verwandelt, steht für die zyklische und oft absurde Natur der kapitalistischen Wirtschaft. Wim Delvoye ist ein belgischer Neo-Konzeptkünstler, der für seine einfallsreichen und oft schockierenden Projekte bekannt ist. Ein Großteil seiner Arbeit konzentriert sich auf den Körper. Wie der Kritiker Robert Enright in der Kunstzeitschrift Border Crossings schrieb, "geht Delvoye einen Weg, Kunst zu machen, der unser Verständnis davon, wie Schönheit geschaffen werden kann, neu ausrichtet". Wim Delvoye hat ein eklektisches Oeuvre, das sein Interesse an einer Reihe von Themen zeigt, von Körperfunktionen und Skatologie bis hin zur Funktion der Kunst in der heutigen Marktwirtschaft und zahlreichen Themen dazwischen. Er lebt und arbeitet in Gent (Belgien). Er wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Gent) ausgebildet. Bald darauf begann Delvoye, Tapeten zu übermalen, bestehende Muster zu kolorieren und den Wert des freien Ausdrucks in Frage zu stellen, der in der Kunstwelt jener Zeit schwang. Delvoye sieht sich selbst als Schöpfer von Konzepten. Nach 1990 haben Spezialisten unter der Leitung von Delvoye die meisten seiner Arbeiten ausgeführt. 1992 erhielt er internationale Anerkennung mit der Präsentation seines "Mosaiks" auf der Documenta IX, einer symmetrischen Ausstellung von Fliesen, die mit Fotos seiner eigenen Exkremente glasiert waren. Der Organisator der Documenta IX, Jan Hoet, sagte: "Wim Delvoyes Stärke liegt in seiner Fähigkeit, Konflikte zu erzeugen, indem er bildende Kunst und populäre Kunst kombiniert und Ernsthaftigkeit gegen Ironie ausspielt." Drei seiner bekanntesten Projekte sind "Cloaca", "Art Farm" und eine Reihe von gotischen Werken. Delvoye ist vielleicht am bekanntesten für seine Verdauungsmaschine Cloaca, die er im Museum voor Hedendaagse Kunst in Antwerpen präsentierte, nachdem er sich acht Jahre lang mit Experten aus den Bereichen Sanitärtechnik und Gastroenterologie beraten hatte. In einer Ausstellung 2013 in New York zeigte Delvoye komplizierte lasergeschnittene Werke, die architektonische und figurative Referenzen mit Formen wie einem Möbiusband oder einem Rorschach-Tintenklecks kombinierten. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen in Museen in ganz Europa, darunter im Centre Georges Pompidou, Paris, und im MUHKA, Antwerpen (beide 2000), und war Teilnehmer der 48. Biennale von Venedig (1999) und der documenta IX (1997).

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 91 - WIM DELVOYE (Belgien, 1965). "Studien für Cloaca nº5- Studie #161", 2001. Gemischte Medien auf Papier. Einzigartiges Werk. Mit "Cloaca"-Stempeln in der rechten unteren Ecke. Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Guy Pieters, Guy Pieters Gallery. Maße: 24 x 46 cm; 40,5 x 63,5 cm (Rahmen). "Cloaca" war Wil Delvoyes umstrittenstes und revolutionärstes Projekt, das Ergebnis einer dreijährigen Zusammenarbeit mit Wissenschaftlern der Universität Antwerpen, deren gemeinsames Ziel es war, das menschliche Verdauungssystem so genau wie möglich nachzubilden. Es bestand in der Realisierung einer großen Maschine aus chemischen Bechergläsern, elektrischen Pumpen und Plastikschläuchen, die auf einer Reihe von sieben Tischen aus rostfreiem Stahl angeordnet waren und in der Lage waren, Nahrung in Fäkalien zu verwandeln. Die Installation wurde im Rahmen der retrospektiven Ausstellung "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" im Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain gezeigt. Die riesige Maschine wurde am 13. Oktober (Museumsnacht) in Betrieb genommen und zweimal täglich über einen großen Trichter gespeist, zu dem man über eine Leiter hinaufsteigen musste. Bei der Eröffnung des Werks kletterte Delvoye selbst auf die Leiter, um das saftige, völlig echte Essen zum ersten Mal in den Trichter zu schütten. Im Inneren funktionierte die Maschine wie ein Magen: Das Essen wurde von einem Müllschlucker zerkleinert, bevor es eine 27-stündige Verdauungsreise durch sechs Glaswannen antrat, die durch Schläuche, Pumpen und verschiedene elektronische Komponenten verbunden waren, die den Magen, die Bauchspeicheldrüse sowie den Dünn- und Dickdarm des Abwasserkanals darstellten. Die "verdaute" Nahrung wurde ständig auf einer präzisen Temperatur von 37,2 Grad Celsius gehalten, und jedes von Cloacas "Organen" war mit Enzymen, Bakterien und Säuren gefüllt. Mit "Cloaca" zwang Wil Delvoye den Betrachter, sich unseres gesellschaftlichen Unbehagens gegenüber solchen als skatologisch angesehenen Funktionen bewusst zu werden, die wir unbedingt aus den Augen und aus der Gesellschaft heraushalten wollen. Wim Delvoye ist ein belgischer neokonzeptioneller Künstler, der für seine originellen und oft schockierenden Projekte bekannt ist. Ein Großteil seiner Arbeit konzentriert sich auf den Körper. Der Kritiker Robert Enright schrieb in der Kunstzeitschrift Border Crossings: "Delvoye macht Kunst auf eine Weise, die unser Verständnis davon, wie Schönheit geschaffen werden kann, neu ausrichtet." Wim Delvoye hat ein eklektisches Oeuvre, das sein Interesse an einer Reihe von Themen zeigt, von Körperfunktionen und Skatologie bis hin zur Funktion der Kunst in der heutigen Marktwirtschaft und zahlreichen Themen dazwischen. Er lebt und arbeitet in Gent (Belgien). Er wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Gent) ausgebildet. Bald darauf begann Delvoye, Tapeten zu übermalen, bestehende Muster zu kolorieren und den Wert des freien Ausdrucks in Frage zu stellen, der in der Kunstwelt jener Zeit schwang. Delvoye sieht sich selbst als Schöpfer von Konzepten. Nach 1990 haben Spezialisten unter der Leitung von Delvoye die meisten seiner Arbeiten ausgeführt. 1992 erhielt er internationale Anerkennung mit der Präsentation seines "Mosaiks" auf der Documenta IX, einer symmetrischen Ausstellung von Fliesen, die mit Fotos seiner eigenen Exkremente glasiert waren. Der Organisator der Documenta IX, Jan Hoet, sagte: "Wim Delvoyes Stärke liegt in seiner Fähigkeit, Konflikte zu erzeugen, indem er bildende Kunst und populäre Kunst kombiniert und Ernsthaftigkeit gegen Ironie ausspielt." Drei seiner bekanntesten Projekte sind "Cloaca", "Art Farm" und eine Reihe von gotischen Werken. Delvoye ist vielleicht am bekanntesten für seine Verdauungsmaschine Cloaca, die er im Museum voor Hedendaagse Kunst in Antwerpen präsentierte, nachdem er sich acht Jahre lang mit Experten aus den Bereichen Sanitärtechnik und Gastroenterologie beraten hatte. In einer Ausstellung 2013 in New York zeigte Delvoye komplizierte lasergeschnittene Werke, die architektonische und figurative Referenzen mit Formen wie einem Möbiusband oder einem Rorschach-Tintenklecks kombinierten. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen in Museen in ganz Europa, darunter im Centre Georges Pompidou, Paris, und im MUHKA, Antwerpen (beide 2000), und war Teilnehmer der 48. Biennale von Venedig (1999) und der documenta IX (1997).

Schätzw. 9 000 - 11 000 EUR

Los 92 - WIM DELVOYE (Belgien, 1965). "Vogelhaus nº8", 1997. Assemblage (Holz und Lederbezug mit Nieten). Einzigartiges Stück. Beiliegendes, vom Künstler signiertes Zertifikat. Maße: 36 x 30 x 28 cm. Rehe, Schweine und tätowierte Hühner sind Teil von Wim Delvoyes Vorstellungswelt. In diesem Fall geht es nicht um ein Tier, sondern um den Raum, in dem es lebt. Ein Raum, der vom Menschen entnaturalisiert und aufgezwungen wird, der die Gewohnheiten der Tierwelt nach seinem eigenen Bild und Gleichnis manipuliert. Eine Voliere ist einfacher als ein Wolkenkratzer, aber sie spiegelt dennoch das Wesen der Architektur wider", so der Künstler selbst in einem Gespräch mit Paul Laster. Die Natur eines Produkts, in das eine mit Nieten verzierte Lederhülle im Stil von "Bondage" eingefügt wurde. Auf diese Weise vandalisiert der Künstler nicht nur das Objekt, sondern gibt ihm eine neue sexuelle Lesart. Wim Delvoye ist ein belgischer neokonzeptioneller Künstler, der für seine originellen und oft schockierenden Projekte bekannt ist. Ein Großteil seiner Arbeit konzentriert sich auf den Körper. Wie der Kritiker Robert Enright in der Kunstzeitschrift Border Crossings schrieb, "beteiligt sich Delvoye an einer Art, Kunst zu machen, die unser Verständnis davon, wie Schönheit geschaffen werden kann, neu ausrichtet". Wim Delvoye hat ein eklektisches Oeuvre, das sein Interesse an einer Reihe von Themen offenbart, von Körperfunktionen und Skatologie bis zur Funktion der Kunst in der heutigen Marktwirtschaft und zahlreichen Themen dazwischen. Er lebt und arbeitet in Gent (Belgien). Er wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Gent) ausgebildet. Bald darauf begann Delvoye, Tapeten zu übermalen, bestehende Muster zu kolorieren und den Wert des freien Ausdrucks in Frage zu stellen, der in der Kunstwelt jener Zeit schwang. Delvoye sieht sich selbst als Schöpfer von Konzepten. Nach 1990 haben Spezialisten unter der Leitung von Delvoye die meisten seiner Arbeiten ausgeführt. 1992 erlangte Delvoye internationale Anerkennung mit der Präsentation seines "Mosaiks" auf der Documenta IX, einer symmetrischen Ausstellung von Fliesen, die mit Fotos seiner eigenen Exkremente glasiert waren. Der Organisator der Documenta IX, Jan Hoet, sagte: "Wim Delvoyes Stärke liegt in seiner Fähigkeit, Konflikte zu erzeugen, indem er bildende Kunst und populäre Kunst kombiniert und Ernsthaftigkeit gegen Ironie ausspielt." Drei seiner bekanntesten Projekte sind "Cloaca", "Art Farm" und eine Reihe von gotischen Werken. Delvoye ist vielleicht am bekanntesten für seine Verdauungsmaschine Cloaca, die er im Museum voor Hedendaagse Kunst in Antwerpen präsentierte, nachdem er sich acht Jahre lang mit Experten aus den Bereichen Sanitärtechnik und Gastroenterologie beraten hatte. In einer Ausstellung 2013 in New York zeigte Delvoye komplizierte lasergeschnittene Werke, die architektonische und figurative Referenzen mit Formen wie einem Möbiusband oder einem Rorschach-Tintenklecks kombinierten.

Schätzw. 45 000 - 50 000 EUR

Los 93 - WIM DELVOYE (Belgien, 1965). "Studien für Cloaca Original Study #21", 1997. Gemischte Medien auf Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke. Beigefügtes Zertifikat von Guy Pieters unterzeichnet. Maße: 59 x 43 cm; 77 x 60 cm (Rahmen). "Cloaca" war Wim Delvoyes umstrittenstes und revolutionärstes Projekt, das Ergebnis einer dreijährigen Zusammenarbeit mit Wissenschaftlern der Universität Antwerpen, deren gemeinsames Ziel es war, das menschliche Verdauungssystem so genau wie möglich nachzubilden. Es bestand in der Realisierung einer großen Maschine aus chemischen Bechergläsern, elektrischen Pumpen und Plastikschläuchen, die auf einer Reihe von sieben Tischen aus rostfreiem Stahl angeordnet waren und in der Lage waren, Nahrung in Fäkalien zu verwandeln. Die Installation wurde im Rahmen der retrospektiven Ausstellung "Wim Delvoye - Cloaca 2000-2007" im Casino Luxembourg-Forum d'art contemporain gezeigt. Die riesige Maschine wurde am 13. Oktober (Museumsnacht) in Betrieb genommen und zweimal täglich über einen großen Trichter gespeist, zu dem man über eine Leiter gelangt. Bei der Eröffnung des Werks kletterte Delvoye selbst auf die Leiter, um das saftige, völlig echte Essen zum ersten Mal in den Trichter zu schütten. Im Inneren funktionierte die Maschine wie ein Magen: Das Essen wurde von einem Müllschlucker zerkleinert, bevor es eine 27-stündige Verdauungsreise durch sechs Glaswannen antrat, die durch Schläuche, Pumpen und verschiedene elektronische Komponenten verbunden waren, die den Magen, die Bauchspeicheldrüse sowie den Dünn- und Dickdarm des Abwasserkanals darstellten. Die "verdaute" Nahrung wurde ständig auf einer präzisen Temperatur von 37,2 Grad Celsius gehalten, und jedes von Cloacas "Organen" war mit Enzymen, Bakterien und Säuren gefüllt. Mit "Cloaca" zwang Wil Delvoye den Betrachter, sich unseres gesellschaftlichen Unbehagens gegenüber solchen Funktionen bewusst zu werden, die als skatologisch gelten und die wir unbedingt aus den Augen und aus der Gesellschaft heraushalten wollen. In ähnlicher Weise kann "Sewer" als Kommentar zur Konsumgesellschaft gelesen werden. Die Maschine, die nahrhafte Lebensmittel in Abfall verwandelt, steht für die zyklische und oft absurde Natur der kapitalistischen Wirtschaft. Wim Delvoye ist ein belgischer Neo-Konzeptkünstler, der für seine einfallsreichen und oft schockierenden Projekte bekannt ist. Ein Großteil seiner Arbeit konzentriert sich auf den Körper. Wie der Kritiker Robert Enright in der Kunstzeitschrift Border Crossings schrieb, "geht Delvoye einen Weg, Kunst zu machen, der unser Verständnis davon, wie Schönheit geschaffen werden kann, neu ausrichtet". Wim Delvoye hat ein eklektisches Oeuvre, das sein Interesse an einer Reihe von Themen zeigt, von Körperfunktionen und Skatologie bis hin zur Funktion der Kunst in der heutigen Marktwirtschaft und zahlreichen Themen dazwischen. Er lebt und arbeitet in Gent (Belgien). Er wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste (Gent) ausgebildet. Bald darauf begann Delvoye, Tapeten zu übermalen, bestehende Muster zu kolorieren und den Wert des freien Ausdrucks in Frage zu stellen, der in der Kunstwelt jener Zeit schwang. Delvoye sieht sich selbst als Schöpfer von Konzepten. Nach 1990 haben Spezialisten unter der Leitung von Delvoye die meisten seiner Arbeiten ausgeführt. 1992 erhielt er internationale Anerkennung mit der Präsentation seines "Mosaiks" auf der Documenta IX, einer symmetrischen Ausstellung von Fliesen, die mit Fotos seiner eigenen Exkremente glasiert waren. Der Organisator der Documenta IX, Jan Hoet, sagte: "Wim Delvoyes Stärke liegt in seiner Fähigkeit, Konflikte zu erzeugen, indem er bildende Kunst und populäre Kunst kombiniert und Ernsthaftigkeit gegen Ironie ausspielt." Drei seiner bekanntesten Projekte sind "Cloaca", "Art Farm" und eine Reihe von gotischen Werken. Delvoye ist vielleicht am bekanntesten für seine Verdauungsmaschine Cloaca, die er im Museum voor Hedendaagse Kunst in Antwerpen präsentierte, nachdem er sich acht Jahre lang mit Experten aus den Bereichen Sanitärtechnik und Gastroenterologie beraten hatte. In einer Ausstellung 2013 in New York zeigte Delvoye komplizierte lasergeschnittene Werke, die architektonische und figurative Referenzen mit Formen wie einem Möbiusband oder einem Rorschach-Tintenklecks kombinierten. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen in Museen in ganz Europa, darunter im Centre Georges Pompidou, Paris, und im MUHKA, Antwerpen (beide 2000), und war Teilnehmer der 48. Biennale von Venedig (1999) und der documenta IX (1997).

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 94 - RICHARD HEEPS (England, 1965). "Nervenkitzel A13", 2017. Priont-Tinte auf Dibond, Kopie 4/10. Verso signiert und gerechtfertigt. Zertifikat auf der Rückseite. Maße: 73 x 93 cm; 96 x 115 cm (Rahmen). Richard Heeps ist ein zeitgenössischer britischer Fotograf mit Sitz in Cambridge. Sein unverwechselbarer, satter Stil verzichtet auf digitale Manipulationen und überschreitet die Grenzen der Fotografie. Richard Heeps' Kunst ist ein wahrer Liebesbrief an die Kunst der Fotografie und den unbekümmerten amerikanischen Lebensstil. Heeps' Fotografien zeichnen sich durch eine verführerische Farbpalette und entspannte Motive aus. Heeps spricht von seiner Faszination für Amerika: "Die Geschwindigkeit, der Lebensstil und das Technicolor spiegeln sich in meinen Bildern wider. Die 'amerikanische' Farbe ist ein wichtiger Aspekt in meiner Arbeit, sie bestimmt die Wahl meiner Ausrüstung und meiner Materialien." Uns gefällt, dass Heeps entschlossen ist, ein Kunstportfolio zu schaffen, das sein zeitgenössisches Publikum anspricht und gleichzeitig die traditionellen Methoden der objektivbasierten Fotografie berücksichtigt. Heeps hat an der Universität Cambridge studiert und eine Ausbildung im Maschinenbau absolviert, bevor er zwei weitere Qualifikationen in Fotografie und Film erwarb. Vor seiner formalen Ausbildung interessierte sich Heeps bereits seit langem für Kunst, Malerei und Fotografie und stellte bereits im Alter von zehn Jahren seine ersten Arbeiten in Ausstellungen aus. Die Faszination, die New York in seiner Jugend auf den Künstler ausübte, war der Ausgangspunkt für seine Fixierung auf alles Amerikanische, eine Faszination, die durch seine späteren Besuche in diesem Land noch verstärkt wurde. Seit den 1980er Jahren stellt Heeps seine Werke aus. Seitdem hat er sich kontinuierlich weiterentwickelt und international in Museen und öffentlichen Galerien ausgestellt, darunter die Affordable Art Fair in Mailand, The Photographer's Gallery in London und die Sommerausstellung der Royal Academy of Art.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 95 - HERSK (Argenteuil, Frankreich, 1979). "Something to suck #31", 2014. Einzigartiges Werk . Graffiti auf Stahl und Holz. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 124,5 x 45 x 9 cm. In dieser Skulptur verwendet der Künstler die Silhouette des mythischen Eises der Marke Skimo als Grundlage für ein Graffiti. HeRsk, der das Eis zu einer Ikone seines künstlerischen Schaffens gemacht hat, fertigt seine eigenen Holzstrukturen an und interveniert dann in sie. So verbindet er ein Konzept, das auf die Kindheit verweist, mit einer Ästhetik, die den Betrachter in die Adoleszenz versetzt. HeRsk ist ein urbaner Künstler französischer Herkunft. Seit seiner Kindheit ist er von der Welt der Graffiti fasziniert. Seine ersten künstlerischen Erfahrungen sammelte er in seinem eigenen Haus, wo er sein Atelier einrichtete. Seine Leidenschaft führte ihn dazu, mit zahlreichen Materialien wie Metall, Holz, Leinwand oder Papier zu experimentieren und auch Gegenstände wie Kleidung, Schuhe, Skateboards und Snowboards zu bearbeiten. Seine Fähigkeiten wuchsen, bis sie die Mauern seiner Stadt erreichten. Seine künstlerischen Einflüsse stammen aus der Arbeit von Straßenkünstlern wie Mist, Zest und Smash 137, obwohl seine Arbeit eine ganz persönliche Note hat. Eiscreme, Lutscher, Kekse und Schokoriegel bilden seine Phantasie. Elemente, die er aus seiner Kindheit rettet und mit seiner urbanen Ästhetik runder, ineinandergreifender Formen "vandalisiert". Gegenwärtig ist sein Werk vor allem in der Stadt Montpellier zu sehen, in der er seit 1999 lebt, auch wenn er 2007 Giovanni Ingrato kennenlernte, dessen Einfluss einen Sprung hin zu Arbeiten auf Leinwand und Skulpturen bedeutete.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 96 - ARNE QUINZE (Belgien, 1971). "Mein Zuhause Mein Haus Mein Stilhaus 180910", 2010. Mischtechnik (Holz, Marker, Farbstift, Papier, Farbe) auf Plexiglas. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Beigefügtes Zertifikat vom Künstler unterzeichnet. Maße: 60,5 x 90,5 x 16,5 cm. Der Titel dieses Werks dient als Überschrift für eine Reihe von Bildhauer-, Installations- und Malereiprojekten, die der belgische Künstler in verschiedenen Teilen der Welt durchgeführt hat. So zeigte die gleichnamige Installation "My Home My House My Stilthouse" (2011) in Humlebaek (Dänemark) und im Louisiana Museum of Modern Art den Besuchern eine neue Art der Wahrnehmung von Wohnen und Leben. Mit dem Namen "Stilthouses" verweist er auf unsere zweideutige Natur, zerbrechlich und stark zugleich. Sowohl in seinen dreidimensionalen als auch in seinen malerischen Arbeiten kombiniert Quinze verschiedene Holzarten, darunter auch wiederverwendetes Holz, mit fluoreszierender Farbe. Aufgrund ihrer intensiven orangefarbenen Farbe stehen die Skulpturen im Kontrast zu ihrer natürlichen Umgebung und erzeugen ein Gefühl der Fremdartigkeit. Quinzes Werk ist daran interessiert, soziale Interaktion und Kommunikation durch das Spiel von Linien, Merkmalen und Widersprüchen neu zu gestalten. In Gemälden wie diesem abstrahiert der Künstler all diese Fragen und Anliegen auf einer zweidimensionalen Ebene. Arne Quinze ist ein belgischer Konzeptkünstler, der vor allem für seine unkonventionellen und kontroversen Kunstinstallationen im öffentlichen Raum bekannt ist. Quinze schafft auch Skulpturen, Gemälde und Zeichnungen. Er begann in seinen späten Teenagerjahren als Graffitikünstler in Brüssel zu arbeiten und hat nie eine formale Kunstausbildung abgeschlossen. Er ist bekannt für seine charakteristischen Holzplattenskulpturen. Seine Installationen sollen Reaktionen hervorrufen und in den Alltag der Passanten eingreifen, die mit seinen Skulpturen konfrontiert werden. Im Jahr 2006 erregte er Aufmerksamkeit mit dem Bau von "Uchronia: A Message from the Future", einer großen Holzskulptur auf dem Burning Man Festival in der Wüste von Nevada. Cityscape (2007) und The Sequence (2008) sind zwei seiner gigantischen Holzinstallationen im öffentlichen Raum im Zentrum von Brüssel (Belgien). Es war das erste Mal, dass eine Skulptur den Eindruck erweckte, zwei Gebäude im Stadtzentrum zu berühren, während der Verkehr weiterhin unter ihr hindurchfährt. In München (Deutschland) baute er Traveller (2008) für die französische Luxusmode- und Lederwarenmarke Louis Vuitton. Weitere öffentliche Kunstinstallationen von Arne Quinze wurden in der Pariser Innenstadt (Rebirth, 2008), in Beirut, Libanon (The Visitor, 2009) und in Louisville, Kentucky (Big Four Bridge) enthüllt. Quinze hat beeindruckende Installationen geschaffen, die er als Ersatz für die alten Marktplätze konzipiert, wie etwa Red Beacon (2010), das sich im Jing'an-Skulpturenpark befindet. Andere seiner Arbeiten konzentrieren sich auf das Axiom, dass Menschen dazu neigen, eine sichere Umgebung zu suchen, einen Schoß, der das Unerwartete ausschließt. Die virtuelle Installation Rock Strangers (2011) an der Freiheitsstatue in New York realisierte er am 4. Juli in Zusammenarbeit mit Beck's für sein Green Box Project. Im Rahmen der Europäischen Kulturhauptstadt Mons 2015 baute er eine Holzinstallation namens The Passenger. Im Jahr 2009 installierte Quinze in Beirut, Libanon, in der Nähe seines neu entwickelten Souk-Komplexes ein "Stilthouse" mit dem Namen The Visitor, und das Auktionshaus Phillips de Pury & Company lud den Künstler ein, sein Werk in seiner Londoner Galerie zu präsentieren. Aufgrund des großen Erfolgs wurde die Ausstellung Anfang 2010 in der Saatchi Gallery in London, am Duke of York's Seat in der King's Road, verlängert. Während der Hamburger Kunstwoche (2011) präsentierte er neue Werke, die eine Veränderung in der Verwendung von Materialien zeigen, darunter zerbrochenes altes Porzellan, das die Zerstörung unserer Familientraditionen symbolisiert. Im Juni 2014 schuf Quinze in Zusammenarbeit mit Veridor ein einzigartiges Kunstwerk: 45 kg Edelmetalle verwandelten sich in ein "natürliches Chaos". Dieses Kunstwerk wurde hauptsächlich aus 18-karätigem Roségold und 18-karätigem Palladium-Weißgold in Stab- und Röhrenform sowie aus Golddraht und Blattgold gefertigt. Das Werk mit dem Titel Natural Chaos. Golden Edition No. 1 wird für 1,8 Millionen Euro auf dem Online-Luxusmarktplatz JamesEdition angeboten.

Schätzw. 16 000 - 18 000 EUR

Los 97 - ARNE QUINZE (Belgien, 1971). "Pilosus", 2019. Aluminium, Acryl und Marmorsockel. Einzigartiges Werk. . Maße: 153 x 40 x 29 cm. In diesem monumentalen Werk versucht Quinze, die Stärke, Zerbrechlichkeit und Vielfalt der Natur durch eine intensive künstlerische Praxis einzufangen, indem er die Materialien einem spannungsvollen Gleichgewicht der Formen und der Ausdruckskraft der Farben unterwirft, die organisch mit der Struktur zu verschmelzen scheinen. Der Künstler fängt so eine Reflexion über die Evolution ein und schafft eine Verbindung zwischen Kunst und Wissenschaft. Arne Quinze ist ein belgischer Konzeptkünstler, der vor allem für seine unkonventionellen und kontroversen Kunstinstallationen im öffentlichen Raum bekannt ist. Quinze schafft auch Skulpturen, Gemälde und Zeichnungen. Er begann in seinen späten Teenagerjahren als Graffitikünstler in Brüssel zu arbeiten und hat nie eine formale Kunstausbildung abgeschlossen. Er ist bekannt für seine charakteristischen Holzplattenskulpturen. Seine Installationen sollen Reaktionen hervorrufen und in den Alltag der Passanten eingreifen, die mit seinen Skulpturen konfrontiert werden. Im Jahr 2006 erregte er Aufmerksamkeit mit dem Bau von "Uchronia: A Message from the Future", einer großen Holzskulptur auf dem Burning Man Festival in der Wüste von Nevada. Cityscape (2007) und The Sequence (2008) sind zwei seiner gigantischen Holzinstallationen im öffentlichen Raum im Zentrum von Brüssel (Belgien). Es war das erste Mal, dass eine Skulptur den Eindruck erweckte, zwei Gebäude im Stadtzentrum zu berühren, während der Verkehr weiterhin unter ihr hindurchfährt. In München (Deutschland) baute er Traveller (2008) für die französische Luxusmode- und Lederwarenmarke Louis Vuitton. Weitere öffentliche Kunstinstallationen von Arne Quinze wurden im Zentrum von Paris, Frankreich (Rebirth, 2008), in Beirut, Libanon (The Visitor, 2009) und in Louisville, Kentucky (Big Four Bridge) enthüllt. Quinze hat beeindruckende Installationen geschaffen, die er als Ersatz für die alten Marktplätze konzipiert, wie etwa Red Beacon (2010), das sich im Jing'an-Skulpturenpark befindet. Andere seiner Arbeiten konzentrieren sich auf das Axiom, dass Menschen dazu neigen, eine sichere Umgebung zu suchen, einen Schoß, der das Unerwartete ausschließt. Die virtuelle Installation Rock Strangers (2011) an der Freiheitsstatue in New York am 4. Juli realisierte er in Zusammenarbeit mit Beck's für sein Green Box Project. Im Rahmen der Europäischen Kulturhauptstadt Mons 2015 baute er eine Holzinstallation namens The Passenger. Im Jahr 2009 installierte Quinze in Beirut, Libanon, in der Nähe seines neu entwickelten Souk-Komplexes ein "Stilthouse" mit dem Namen The Visitor, und das Auktionshaus Phillips de Pury & Company lud den Künstler ein, sein Werk in seiner Londoner Galerie zu präsentieren. Aufgrund des großen Erfolgs wurde die Ausstellung Anfang 2010 in der Saatchi Gallery in London, am Duke of York's Seat in der King's Road, verlängert. Während der Hamburger Kunstwoche (2011) präsentierte er neue Werke, die eine Veränderung in der Verwendung von Materialien zeigen, darunter zerbrochenes altes Porzellan, das die Zerstörung unserer Familientraditionen symbolisiert. Im Juni 2014 schuf Quinze in Zusammenarbeit mit Veridor ein einzigartiges Kunstwerk: 45 kg Edelmetalle verwandelten sich in ein "natürliches Chaos". Dieses Kunstwerk wurde hauptsächlich aus 18-karätigem Roségold und 18-karätigem Palladium-Weißgold in Stab- und Röhrenform sowie aus Golddraht und Blattgold gefertigt. Das Werk mit dem Titel Natural Chaos. Golden Edition No. 1 wird für 1,8 Millionen Euro auf dem Online-Luxusmarktplatz JamesEdition angeboten.

Schätzw. 40 000 - 50 000 EUR

Los 98 - ARNE QUINZE (Belgien, 1971). "Bidonville-Turm 8-10-2012". Gemischte Medien (Holz, Polyurethan, Farbe und Marker). Einzigartiges Werk . Signiert auf dem Sockel. Beigefügtes Zertifikat vom Künstler unterzeichnet. Maße: 85 x 20 x 20 cm. Für die Realisierung dieses Werks ließ sich Quinze von den Bauten in den Favelas Brasiliens inspirieren. Auf der Website des Künstlers heißt es: "Bidonvilles befasst sich mit der Untersuchung der Bewohnbarkeit im aktuellen Kontext. Verschiedene Wolkenkratzer und Behausungen verkörpern unterschiedliche Formen und Gestalten, bleiben aber demselben architektonischen Kontext zugehörig. Bidonvilles sind archetypische Häuser als Parodie des heutigen Lebensstils. Die Städte entwickeln sich mit unerschöpflichem Eifer. Ohne Nachdenken oder eine Vision von Nachhaltigkeit werden Häuser schnell nebeneinander gebaut; die Funktionalität von Gebäuden, Straßen und Parks insgesamt in städtischen Umgebungen wird nicht vollständig berücksichtigt. Bidonvilles beruhigen oder beschleunigen diesen Prozess absichtlich und provozieren eine offene Kommunikation in einer Gesellschaft der menschlichen Interaktion. Die Verknüpfung unterschiedlicher Gesellschaften auf diese Weise entspricht Quinzes Überzeugung, dass alle Menschen gleich sind. Kulturelle und monetäre Unterschiede zwischen den Menschen ändern nichts an dieser Gleichheit und schmälern nicht unsere grundlegende Gleichheit. Die Gebäude von Quinze sind sowohl Barackensiedlungen als auch industrialisierte Wolkenkratzer. Die verschiedenen Kulturen werden durch unterschiedliche Linien und Rhythmen repräsentiert und sind doch in ein und derselben Struktur vereint, die unser tägliches Leben umeinander und miteinander widerspiegelt. Alle seine Bidonville-Türme scheinen die gleiche Form und eine ähnliche Konstruktion zu haben, aber bei näherer Betrachtung sind sie mit unterschiedlichen Details versehen, je nach Kultur, Kontinent oder Stadt, in der sie gebaut wurden." Quinze hat beeindruckende Installationen geschaffen, die er als Ersatz für die alten Marktplätze versteht, wie etwa Red Beacon (2010), das sich im Jing'an-Skulpturenpark befindet. Andere seiner Arbeiten konzentrieren sich auf das Axiom, dass Menschen dazu neigen, eine sichere Umgebung zu suchen, einen Schoß, der das Unerwartete ausschließt. Die virtuelle Installation Rock Strangers (2011) an der Freiheitsstatue in New York am 4. Juli realisierte er in Zusammenarbeit mit Beck's für sein Green Box Project. Im Rahmen der Europäischen Kulturhauptstadt Mons 2015 baute er eine Holzinstallation namens The Passenger. Im Jahr 2009 installierte Quinze in Beirut, Libanon, in der Nähe seines neu entwickelten Souk-Komplexes ein "Stilthouse" mit dem Namen The Visitor, und das Auktionshaus Phillips de Pury & Company lud den Künstler ein, sein Werk in seiner Londoner Galerie zu präsentieren. Aufgrund des großen Erfolgs wurde die Ausstellung Anfang 2010 in der Saatchi Gallery in London, am Duke of York's Seat in der King's Road, verlängert. Während der Hamburger Kunstwoche (2011) präsentierte er neue Werke, die eine Veränderung in der Verwendung von Materialien zeigen, darunter zerbrochenes altes Porzellan, das die Zerstörung unserer Familientraditionen symbolisiert. Im Juni 2014 schuf Quinze in Zusammenarbeit mit Veridor ein einzigartiges Kunstwerk: 45 kg Edelmetalle verwandelten sich in ein "natürliches Chaos". Dieses Kunstwerk wurde hauptsächlich aus 18-karätigem Roségold und 18-karätigem Palladium-Weißgold in Stab- und Röhrenform sowie aus Golddraht und Blattgold gefertigt. Das Werk mit dem Titel Natural Chaos. Golden Edition No. 1 wird für 1,8 Millionen Euro auf dem Online-Luxusmarktplatz JamesEdition angeboten.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 99 - ARNE QUINZE (Belgien, 1971). "Studie einer Holz-Glas-Installation 03-02-13", 2013. Gemischte Medien auf Papier. Beigefügtes Echtheitszertifikat mit Unterschrift des Künstlers. Maße: 58 x 42 cm; 62,5 x 46,5 cm (Rahmen). Diese Studie fängt die Essenz der berühmten Installationen von Arne Quinze ein. Durch eine Skizze gelingt es dem Künstler, das alltägliche Chaos und die massiven Formen seiner orangefarbenen Holz- und Glaskunstwerke zu definieren, die sich abheben und den Betrachter provozieren. Auf den ersten Blick erscheint diese Studie als chaotische Mischung verschiedener Elemente, doch bei genauerem Hinsehen stellt man fest, dass alle Teile auf eine bestimmte Weise platziert wurden und eine präzise Funktion haben. Indem er die perfekten Winkel und Kurven einfing und untersuchte, gelang es Quinze, die Dimension der Bewegung einzufrieren. Dabei lässt sich der Künstler von der Kultur inspirieren: Wo immer er auch hinreist, studiert er die Interaktion der Menschen, die städtische Bewegung und den Ausdruck des Menschen in seiner Umgebung. Dieser mentale Prozess führt ihn zur physischen Verwirklichung seiner vielschichtigen Skulpturen. Arne Quinze ist ein belgischer Konzeptkünstler, der vor allem für seine unkonventionellen und kontroversen Kunstinstallationen im öffentlichen Raum bekannt ist. Quinze schafft auch Skulpturen, Gemälde und Zeichnungen. Er begann in seinen späten Teenagerjahren als Graffitikünstler in Brüssel zu arbeiten und hat nie eine formale Kunstausbildung abgeschlossen. Er ist bekannt für seine charakteristischen Holzplattenskulpturen. Seine Installationen sollen Reaktionen hervorrufen und in den Alltag der Passanten eingreifen, die mit seinen Skulpturen konfrontiert werden. Im Jahr 2006 erregte er Aufmerksamkeit mit dem Bau von "Uchronia: A Message from the Future", einer großen Holzskulptur auf dem Burning Man Festival in der Wüste von Nevada. Cityscape (2007) und The Sequence (2008) sind zwei seiner gigantischen Holzinstallationen im öffentlichen Raum im Zentrum von Brüssel (Belgien). Es war das erste Mal, dass eine Skulptur den Eindruck erweckte, zwei Gebäude im Stadtzentrum zu berühren, während der Verkehr weiterhin unter ihr hindurchfährt. In München (Deutschland) baute er Traveller (2008) für die französische Luxusmode- und Lederwarenmarke Louis Vuitton. Weitere öffentliche Kunstinstallationen von Arne Quinze wurden im Zentrum von Paris, Frankreich (Rebirth, 2008), in Beirut, Libanon (The Visitor, 2009) und in Louisville, Kentucky (Big Four Bridge) enthüllt. Quinze hat beeindruckende Installationen geschaffen, die er als Ersatz für die alten Marktplätze konzipiert, wie etwa Red Beacon (2010), das sich im Jing'an-Skulpturenpark befindet. Andere seiner Arbeiten konzentrieren sich auf das Axiom, dass Menschen dazu neigen, eine sichere Umgebung zu suchen, einen Schoß, der das Unerwartete ausschließt. Die virtuelle Installation Rock Strangers (2011) an der Freiheitsstatue in New York am 4. Juli realisierte er in Zusammenarbeit mit Beck's für sein Green Box Project. Im Rahmen der Europäischen Kulturhauptstadt Mons 2015 baute er eine Holzinstallation namens The Passenger. Im Jahr 2009 installierte Quinze in Beirut, Libanon, in der Nähe seines neu entwickelten Souk-Komplexes ein "Stilthouse" mit dem Namen The Visitor, und das Auktionshaus Phillips de Pury & Company lud den Künstler ein, sein Werk in seiner Londoner Galerie zu präsentieren. Aufgrund des großen Erfolgs wurde die Ausstellung Anfang 2010 in der Saatchi Gallery in London, am Duke of York's Seat in der King's Road, verlängert. Während der Hamburger Kunstwoche (2011) präsentierte er neue Werke, die eine Veränderung in der Verwendung von Materialien zeigen, darunter zerbrochenes altes Porzellan, das die Zerstörung unserer Familientraditionen symbolisiert. Im Juni 2014 schuf Quinze in Zusammenarbeit mit Veridor ein einzigartiges Kunstwerk: 45 kg Edelmetalle verwandelten sich in ein "natürliches Chaos". Dieses Kunstwerk wurde hauptsächlich aus 18-karätigem Roségold und 18-karätigem Palladium-Weißgold in Stab- und Röhrenform sowie aus Golddraht und Blattgold gefertigt. Das Werk mit dem Titel Natural Chaos. Golden Edition No. 1 wird für 1,8 Millionen Euro auf dem Online-Luxusmarktplatz JamesEdition angeboten.

Schätzw. 7 000 - 9 000 EUR

Los 100 - ARNE QUINZE (Belgien, 1971). "Arcticus", 2019. Aluminium, Acryl und Marmorsockel. Einzigartiges Werk. . Maße: 185 x 90 x 72 cm. In diesem monumentalen Werk versucht Quinze, die Stärke, Zerbrechlichkeit und Vielfalt der Natur durch eine intensive künstlerische Praxis einzufangen, indem er die Materialien einem spannungsvollen Gleichgewicht der Formen und der Ausdruckskraft der Farbe unterwirft, die organisch mit der Struktur zu verschmelzen scheint. Auf diese Weise fängt der Künstler eine Reflexion über die Evolution ein und schafft eine Verbindung zwischen Kunst und Wissenschaft. Auf seiner eigenen Website beschreibt er das "Articus"-Konzept als "Architektur der Natur". Diese Art von Werken von Quinze waren Teil seiner Wanderausstellung "My Secret Garden", die in mehreren Städten Spaniens zu sehen war. Diese Ausstellung versuchte, die Interaktion zwischen Kunst, Wissenschaft und dem Raum, in dem wir leben, zu reflektieren, was sich in diesen monumentalen Skulpturen herauskristallisierte. Arne Quinze ist ein belgischer Konzeptkünstler, der vor allem für seine unkonventionellen und kontroversen Kunstinstallationen im öffentlichen Raum bekannt ist. Quinze schafft auch Skulpturen, Gemälde und Zeichnungen. Er begann in seinen späten Teenagerjahren als Graffitikünstler in Brüssel zu arbeiten und hat nie eine formale Kunstausbildung abgeschlossen. Er ist bekannt für seine charakteristischen Holzplattenskulpturen. Seine Installationen sollen Reaktionen hervorrufen und in den Alltag der Passanten eingreifen, die mit seinen Skulpturen konfrontiert werden. Im Jahr 2006 erregte er Aufmerksamkeit mit dem Bau von "Uchronia: A Message from the Future", einer großen Holzskulptur auf dem Burning Man Festival in der Wüste von Nevada. Cityscape (2007) und The Sequence (2008) sind zwei seiner gigantischen Holzinstallationen im öffentlichen Raum im Zentrum von Brüssel (Belgien). Es war das erste Mal, dass eine Skulptur den Eindruck erweckte, zwei Gebäude im Stadtzentrum zu berühren, während der Verkehr weiterhin unter ihr hindurchfährt. In München (Deutschland) baute er Traveller (2008) für die französische Luxusmode- und Lederwarenmarke Louis Vuitton. Weitere öffentliche Kunstinstallationen von Arne Quinze wurden im Zentrum von Paris, Frankreich (Rebirth, 2008), in Beirut, Libanon (The Visitor, 2009) und in Louisville, Kentucky (Big Four Bridge) enthüllt. Quinze hat beeindruckende Installationen geschaffen, die er als Ersatz für die alten Marktplätze konzipiert, wie etwa Red Beacon (2010), das sich im Jing'an-Skulpturenpark befindet. Andere seiner Arbeiten konzentrieren sich auf das Axiom, dass Menschen dazu neigen, eine sichere Umgebung zu suchen, einen Schoß, der das Unerwartete ausschließt. Die virtuelle Installation Rock Strangers (2011) an der Freiheitsstatue in New York am 4. Juli realisierte er in Zusammenarbeit mit Beck's für sein Green Box Project. Im Rahmen der Europäischen Kulturhauptstadt Mons 2015 baute er eine Holzinstallation namens The Passenger. Im Jahr 2009 installierte Quinze in Beirut, Libanon, in der Nähe seines neu entwickelten Souk-Komplexes ein "Stilthouse" mit dem Namen The Visitor, und das Auktionshaus Phillips de Pury & Company lud den Künstler ein, sein Werk in seiner Londoner Galerie zu präsentieren. Aufgrund des großen Erfolges wurde die Ausstellung Anfang 2010 in der Saatchi Gallery in London, am Duke of York's Seat in der King's Road, verlängert. Während der Hamburger Kunstwoche (2011) präsentierte er neue Werke, die eine Veränderung in der Verwendung von Materialien zeigen, darunter zerbrochenes altes Porzellan, das die Zerstörung unserer Familientraditionen symbolisiert. Im Juni 2014 schuf Quinze in Zusammenarbeit mit Veridor ein einzigartiges Kunstwerk: 45 kg Edelmetalle verwandelten sich in ein "natürliches Chaos". Dieses Kunstwerk wurde hauptsächlich aus 18-karätigem Roségold und 18-karätigem Palladium-Weißgold in Stab- und Röhrenform sowie aus Golddraht und Blattgold gefertigt. Das Werk mit dem Titel Natural Chaos. Golden Edition No. 1 wird für 1,8 Millionen Euro auf dem Online-Luxusmarktplatz JamesEdition angeboten.

Schätzw. 50 000 - 55 000 EUR

12. Juni - Privatsammlung: Visionäre der Avantgarde des 20. Und 21. Jahrhunderts

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