9th July - Contemporary Art and latest trends

Lotto 1 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "Défilé de Mannequins a Istanbul", 1969. Litografia su carta. Copia 19/75. Presenta umidità nella zona superiore e inferiore del lato destro e una grinza trasversale al centro. Firmata in basso a destra. Giustificato nell'angolo inferiore sinistro. Misure: 122 x 82 cm; 141 x 101 cm (cornice). La serie "Mannequin Parade" esemplifica la maestria di Miró nella stampa e la sua capacità di comunicare idee complesse attraverso immagini giocose. Offre uno sguardo al suo personale linguaggio visivo e spinge gli spettatori a riflettere sui temi dell'individualità, della vita urbana e della gioia di esistere.Joan Miró è stato una delle grandi figure dell'arte del XX secolo a livello internazionale. Si è formato a Barcellona, prima alla Escuela de la Lonja e poi all'Academia Galí, con uno spirito più rinnovatore. In questa scuola e nel Cercle Artístic de Sant Lluc, sempre a Barcellona, il giovane Miró incontra alcuni dei suoi grandi amici, come il critico Sebastià Gasch, il poeta J.V. Foix, il pittore Josep Llorens Artigas e il promotore artistico Joan Prats. In questo modo, fin dagli anni della formazione fu direttamente legato ai circoli più all'avanguardia di Barcellona e già all'inizio del 1918 tenne la sua prima mostra nelle Gallerie Dalmau di Barcellona. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e conosce Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Questi saranno gli anni cruciali della sua carriera artistica, in cui Miró scoprirà il suo linguaggio personale. A Parigi stringe amicizia con André Masson, attorno al quale si riunisce il cosiddetto gruppo di Rue Blomet, futuro nucleo del surrealismo. Così, sotto l'influenza dei poeti e dei pittori surrealisti, con i quali condivide molti dei suoi approcci teorici, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. Da questo momento in poi, il suo stile inizia un'evoluzione che lo porta a opere più eteree, in cui forme e figure organiche sono ridotte a punti astratti, linee e macchie di colore. Nel 1924 firma il primo manifesto surrealista, anche se l'evoluzione della sua opera, troppo complessa, non permette di ascriverlo a nessuna particolare ortodossia. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, fu il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquistò due sue opere. A partire dagli anni Trenta Miró diventa una delle figure di spicco della scena artistica internazionale, nonché uno dei creatori chiave del XX secolo. È proprio in questo periodo che l'artista, anticonformista per natura, entra in una fase da lui stesso definita "omicidio della pittura", in cui rinuncia volontariamente a essere un pittore e sperimenta altri mezzi, come il collage, il disegno su carta di diversa consistenza o la costruzione di "oggetti" con elementi trovati, il suo primo approccio alla scultura. Così, sebbene riprenda presto a dipingere, Miró non abbandona mai il desiderio di sperimentare tutti i tipi di materiali e tecniche, tra cui la ceramica, il bronzo, la pietra, le tecniche grafiche e persino, dal 1970, l'arazzo. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il Museum of Modern Art di New York gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Dal 1956 fino alla morte, avvenuta nel 1983, vive a Palma di Maiorca in una sorta di esilio interno, mentre la sua fama internazionale cresce. Nel corso della sua vita riceve numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia nel 1954 e della Fondazione Guggenheim nel 1959, il Premio Carnegie per la Pittura nel 1966, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya (1978) e delle Belle Arti (1980), e viene nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Oggi le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, inaugurata nel 1975, e nei principali musei d'arte contemporanea del mondo, come il Thyssen-Bornemisza, il MoMA di New York, il Museo Reina Sofia di Madrid, la National Gallery di Washington o il MNAM di Parigi. Presenta umidità nella zona superiore e inferiore del lato destro e una ruga trasversale al centro.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 2 - ANTONIO DE FELIPE (Valencia, 1965). "I Beatles, 2011. Fibra di vetro, acrilico e poliestere. Firmato e datato. Misure: 217 x 212 x 103 cm. Salvando le icone pop come di consueto nell'opera di Antonio de Felipe, questa scultura monumentale rappresenta la leggendaria band di Liverpool. Questo pezzo si distingue per la sua eccezionalità, in quanto si tratta di un formato insolito nella produzione di Antonio de Felipe. I Beatles di quest'opera sono ispirati alla copertina dell'album "Yellow submarine", i cui alter ego animati sono stati creati dall'illustratore e designer Heinz Edelmann (Cecoslovacchia, 1934 - Germania, 2009). Pur partendo da questi disegni, Felipe introduce elementi come la banana che Paul porta in mano, o George Harrison il cui costume varia ampiamente, adottando così il corpo di uno dei famosi "Tre musicisti di Picasso", attualmente nella collezione del MoMa. Il Museo Boca del Calvari di Benidorm ha ospitato la mostra "Antonio de Felipe.25 anni di Pop Art spagnola", dove è stato possibile apprezzare un'opera monumentale dei Beatles. Laureato in Belle Arti presso l'Università di San Carlos Valencia, Antonio de Felipe inizia la sua carriera lavorando come creativo in un'agenzia pubblicitaria, fatto che segnerà senza dubbio quello che sarà il suo stile pittorico in futuro. È considerato un artista Pop - o più precisamente, parte del movimento "Les noveaux Pop", insieme ad altri artisti internazionali legati al mondo Pop - nel senso più ampio del termine, sviluppando il suo ampio lavoro in diverse serie (Logotypes, Cows, Cinemaspop, Popsport, tra le altre) mantenendo sempre un'estetica completamente plastica e visiva, chiara, rivolta alla società comune. Fondamentale è il colore, sgargiante e provocatorio, così come il soggetto, molto semplice e diretto. Il suo aspetto di creativo lo ha portato a collaborare con Pedro Almodóvar nel film "Carne Trémula", così come a creare bumper di continuità per Telemadrid o a disegnare stoviglie per la ditta Santa Clara. Ha collaborato a poster, copertine di album e importanti pubblicazioni come ByN Dominical (rivista domenicale della ABC), El País, El Magazine del diario El Mundo, Marie Claire, ELLE, Qué leer e la rivista Rolling Stone, tra le altre. In oltre vent'anni di intensa carriera professionale ha realizzato più di novanta mostre personali, sia in Spagna che all'estero, e altrettante mostre collettive. Attualmente è presente al Museo Reina Sofía, all'IVAM, alla Sidney Besthoff Foundation di New Orleans, alle Collezioni Testimoni di La Caixa, Carmen Thyssen-Bornemisza e Kneip del Lussemburgo e alla Fondazione Culturale Montblanc, oltre che in altre collezioni pubbliche e private in Spagna e all'estero. A questa presenza nazionale e internazionale si aggiunge la partecipazione a fiere come ARCO, ART COLOGNE, ART PARIS, ART BRUSSELS, ST-ART Strasbourg o KIAF (Korea International Art Fair), quadri di riferimento per conoscere le ultime tendenze artistiche.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 3 - MATÍAS SÁNCHEZ (Germania, 1972). "Young Bacon", 2011. Olio su tela. Firmato nell'angolo inferiore sinistro. Firmato, datato, titolato e collocato sul retro. Misure: 151 x 200 cm. Opera di carattere astratto e neoespressionista, in cui l'artista presenta una tela la cui immagine è vibrante e dinamica, raggiungendo una grande espressività, attraverso la composizione pittorica. È una rappresentazione in cui l'uso di texture generate dai materiali ha una grande presenza che si armonizza con la grande intensità del colore utilizzato. Si crea così un'atmosfera pittorica che attrae lo spettatore e crea una narrazione emotiva vincolante. Così, come vediamo qui, le forme pittoriche sono il risultato di una composizione e di una sperimentazione meditata, con un'immagine di carattere gestuale, non si limitano a una composizione astratta, ma vanno oltre, indicando allo spettatore che si tratta di forme, idee o suggestioni che superano i confini del puramente pittorico e ci parlano del mestiere del pittore stesso. Matias Sanchez è nato in Germania nel 1972 ed è un autodidatta. Ha sempre sentito un impulso per l'arte che lo ha portato a sviluppare una carriera artistica. Matias Sanchez ha realizzato la sua prima mostra a Cavecanem nel 2001 e un anno dopo le sue opere sono state esposte ad Arco, dove ha ricevuto una calorosa accoglienza da parte della critica. Nel 2003 ha ripetuto l'esperienza alla Fiera d'Arte Contemporanea di Madrid, dove le sue opere sono state raccolte e diffuse dal quotidiano El País. Questo è stato un punto di svolta nella sua carriera, che ha portato a numerose mostre personali e collettive, sia a livello nazionale che internazionale. Tra queste si ricordano le esposizioni presso le gallerie Begoña Mallone (Madrid), Javier Marín (Malaga), Valle Ortí (Valencia), Espacio Liquido (Gijón), "Christopher Cutts Gallery" (Toronto - Canada) e Costantini Art Gallery (Milano - Italia); il suo lavoro è stato esposto in vari spazi di riferimento per l'arte contemporanea come il CAAM - Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria) o il CAC Malaga. Oltre ad ARCO, MACO 2013 - Mexico Arte Contemporáneo, Art Stage Singapore 2013, Art Monaco 2013, India Art Fair 2013, Contemporary Istanbul 2012, Art Toronto 2012, Art Moscovo 2012 e Beirut Art Fair 2012.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 4 - CARMEN CALVO (Valencia, 1950). Serie di oggetti. Tecnica mista su libro di María Santoja, su tavola e scatola di metacrilato. Firmato in basso a destra. Misure: 22 x 47 x 18 cm (urna). Intorno al 1996, Carmen Calvo recuperò molti degli oggetti da una sartoria situata in Plaza de la Reina a Valencia. Il negozio apparteneva a Rafael Molina e a sua moglie María Santonja, il cui nome si legge su questo pezzo. L'artista ha recuperato numerosi fogli, riviste, modelli, illustrazioni di moda, corrispondenza, appunti, fatture, insomma tutto ciò che era stato scartato o dimenticato. In questo caso particolare Carmen Calvo presenta una bozza di libro di ornamenti in cui una serie di cristalli come "pennellate fossilizzate", come l'autrice stessa ha definito la sua tecnica. L'opera si collega all'immagine dell'ordine di accumulazione associato all'artista. In essa, piccoli pezzi ci introducono a un ritmo di sequenze che ricorda la vetrina di un collezionista, un'influenza derivata dalla scoperta da parte della Calvo delle collezioni d'arte egizia e mesopotamica del Museo del Louvre di Parigi. Le influenze, riconosciute da Calvo, provengono dal lavoro di Kurt Schwitters o di Joseph Cornell, in cui l'oggettualità, l'accumulo e la ripetizione ritmica si uniscono per creare un'opera che ha un carattere molto archeologico. Carmen Calvo ha studiato presso le Scuole di Arti e Mestieri e di Belle Arti di Valencia, diplomandosi in pubblicità nel 1970. In seguito amplierà la sua formazione grazie alle borse di studio del Ministero della Cultura (1980), della Casa de Velázquez di Madrid (1983-85) e del Ministero degli Affari Esteri, per la sua residenza a Parigi (1985-92). In questi anni Calvo inizia a ricevere riconoscimenti, come il I Premio di pittura LaSalle Seiko di Barcellona (1985), il Premio Alfons Roig della Diputación Valenciana (1989), una borsa di studio nella I Biennale Martínez Guerricabeitia dell'Università di Valencia (1989) e la selezione per la XLVII Biennale di Venezia (1997). L'artista ha iniziato la sua attività espositiva nel 1969, partecipando a una collettiva presso il Círculo Universitario de Valencia. Ha debuttato individualmente nel 1976 presso la galleria Temps della sua città natale e da allora ha esposto individualmente in varie città della Spagna e degli Stati Uniti, oltre che in altri Paesi d'Europa, America e Africa. Le opere di Carmen Calvo sono attualmente presenti in istituzioni artistiche, musei e collezioni private di tutto il mondo, tra cui il Guggenheim Museum di New York, il Reina Sofia di Madrid, il Marugame Hirai di Kobe, il MACBA di Barcellona, il Fonds National d'Art Contemporain di Parigi, l'IVAM di Valencia, la collezione della Chase Manhattan Bank di New York, ecc.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 5 - ZAO WOU-KI (Pechino, 1921 - Nyon, Svizzera, 2013). "Zoo-4", 1986. Acquaforte acquatinta, copia H.C. 4/15. Firmata e giustificata a mano. Misure: 56 x 40,5 cm (stampa); 63 x 48 cm (carta); 86 x 70 cm (cornice). Anche nelle incisioni, Zao Wou-Ki lavora con grandi masse di colore satinato che implodono configurando big bang germinali, paesaggi sublimi e primordiali come in questa occasione. Zao Wou Ki è nato in una famiglia franco-cinese ed è cresciuto in un ambiente molto colto, interessato alle arti e alle scienze. Durante l'infanzia studia calligrafia, aspetto che influenzerà la sua opera matura, e successivamente si forma in pittura presso la Facoltà di Belle Arti di Hangzhou tra il 1935 e il 1941. Qualche anno dopo, nel 1948, si stabilisce a Parigi, nel quartiere di Montparnasse, dove seguirà i corsi artistici di Émile Othon Friesz ed entrerà in contatto con l'avanguardia artistica contemporanea. Comincia a sperimentare la litografia, una tecnica che poi padroneggia grazie al contatto con Desjobert. Nel maggio 1949 tiene una mostra personale alla Galleria Creuze, con una presentazione scritta da Bernard Dorival, curatore del Museo Nazionale d'Arte Moderna. Nel gennaio 1951 Pierre Loeb visita l'atelier di Wou-Ki insieme a Henri Michaux, organizzando una mostra alla Galleria Pierre per il mese di giugno e gettando così le basi per uno stretto rapporto di collaborazione che durerà sei anni. Espone quindi regolarmente alla Galleria Pierre e incontra I. M. Pei e sua moglie Eileen, aprendo la sua cerchia di mostre alla Svizzera, a Londra, Basilea e Losanna, oltre che a New York, Washington e Chicago. È Michaux a scrivere la presentazione del catalogo della sua prima mostra newyorkese, alla Cadly-Birch Gallery.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 6 - BENGT LINDSTRÖM (Svezia, 1925 - 2008). Senza titolo. Acrilico su carta incollata su tavola. Presenta etichetta sul retro della Galleria Juana Mordó, Madrid. Firmato in basso a sinistra. Misure: 104 x 74 cm; 110 x 80 cm (cornice). Quest'opera riflette un linguaggio estetico in cui si riflettono diverse avanguardie e la traduzione della storia dell'arte. Da una nuova prospettiva in cui la trasgressione estetica per mano dell'artista comporta la creazione di un'immagine con un proprio linguaggio e una propria personalità. Attraverso l'uso del colore l'opera offre allo spettatore una nuova estetica vitalista che si fonde con una tecnica diluita e fluida che si diffonde sulla superficie della tela in modo apparentemente casuale. Tuttavia, dal punto di vista compositivo, l'artista è riuscito a creare un'immagine completamente armoniosa, dove la padronanza del colore e della tecnica realizzano un'immagine espressiva, vitalistica e dinamica che cattura e crea un dialogo con lo spettatore. Bengt Lindström ha iniziato la sua formazione artistica all'Accademia di Stoccolma (1944-1945) e alla scuola di pittura di Isaac Grünewald. In seguito ha lavorato con Aksel Jorgensen, prima di trascorrere un periodo a Chicago e trasferirsi a Parigi. Qui lavora negli studi di Fernand Léger e André Lhote. Nel 1949 inizia a dipingere con uno stile meno figurativo e sempre più colorato. La sua prima mostra personale ha luogo in Svezia nel 1954, alla Gummesson Art Fair. A partire dagli anni Cinquanta partecipa a diverse mostre collettive e saloni a Parigi. Riconosciuto a partire dagli anni Cinquanta, Lindström ha tenuto mostre personali in città come Parigi, Londra, Bruxelles, Cincinnati e Tokyo. La maggior parte delle sue opere è attualmente conservata presso la Fondazione Krimaro, oltre che al Museo Reina Sofia di Madrid, al Carnegie Institute, al Centro Pompidou di Parigi e alla Tate Gallery di Londra, tra i tanti.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 7 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcellona, 1941-2023). "Texas home", 1973. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 200 x 260 cm; 202 x 262 cm (cornice). Opera pubblicata in "Arranz Bravo-Bartolozzi", J. Corredor Matheos. Pagina 68. Arranz Bravo è stato un artista totale, teorico ed esecutore, fondamentale nello sviluppo dell'avanguardia catalana e spagnola della seconda metà del XX secolo. La sua opera e la sua personalità fanno parte della storia di lotta e di rottura degli artisti spagnoli durante gli ultimi decenni del regime di Franco. Arranz Bravo è stato una punta di diamante in questa apertura, in questo rifiuto del manicheismo tradizionalista che ha portato al completo rinnovamento dell'arte spagnola e l'ha collocata nuovamente nell'avanguardia europea. Eduardo Arranz Bravo si forma alla Scuola di Belle Arti di Sant Jordi, a Barcellona, tra il 1959 e il 1962. Debutta individualmente nel 1961, presso l'University Club di Barcellona, ma la mostra che lo fa conoscere alla critica barcellonese è quella organizzata dall'Ateneo di Barcellona nel 1961. Tra il 1968 e il 1970 fa parte del gruppo formato da Gerard Sala, Robert Llimós e Rafael Lozano Bartolozzi. Con questi ultimi ha continuato a collaborare fino al 1982, alternando mostre comuni a mostre individuali. Il contatto con questi artisti ha influenzato il suo stile inizialmente astratto, che si è avvicinato alla nuova figurazione e alla pop art. Ha tenuto mostre in tutta la Spagna, oltre che a Parigi, Amsterdam, Venezia, San Paolo e Rio de Janeiro. Nel 1983 ha tenuto una mostra antologica del suo lavoro alla Sala Gaspar di Barcellona e tra il 1986 e il 1988 ha curato la direzione artistica dei film di Jaime Camino "El balcón abierto" e "Luces y sombras". Partecipa all'VIII Salón de Mayo di Barcellona e alle mostre "Muestra de Arte Nuevo" (Barcellona, 1971), "Picasso 90" (Museo del Louvre, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcellona, 1971-72), tra le altre. Nel 1989 ha presentato una mostra del lavoro degli ultimi tre anni al Museo d'Arte Moderna di San Paolo e un'antologica al Palau Robert di Barcellona. Tra i suoi riconoscimenti figurano la II Biennale Internazionale dello Sport, il premio di figura della Biennale Estrada Saladich e il premio di disegno Ynglada-Guillot. Le sue opere si trovano al Museo Reina Sofia di Madrid, ai Musei di Belle Arti di Vitoria e Siviglia, al Museo di San Paolo e al Museo d'Arte Moderna di New York.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 8 - BRIAN DETTMER (Naperville, Illinois. 1974). "Scrivania di carta", 2007. Tecnica mista. Firmato, intitolato e datato. Misure: 47 x 46,5 x 10,5 cm. 49 x 99 x 13 cm (con urna). Brian Dettmer è diventato famoso per le sue sorprendenti alterazioni di supporti cartacei, come vecchi libri, giornali e mappe, per creare una nuova opera. È in questo filone che si colloca il presente lavoro, una composizione astratta e strutturata che nasce dal riciclo. Gran parte del lavoro attuale di Dettmer consiste nell'alterare libri, come vecchi dizionari, enciclopedie, libri di testo, libri di scienza e ingegneria, libri d'arte, guide mediche, libri di storia, atlanti, fumetti, campionatori di carta da parati e altri. Dettmer timbra e rifila i libri, esponendo immagini e testi selezionati per creare intricate opere derivate tridimensionali che rivelano interpretazioni nuove o alternative dei libri. Dettmer non inserisce o sposta mai il contenuto dei libri (Moayeri 2008). Questo processo viene eseguito senza alcuna pianificazione preliminare o tracciamento del contenuto prima di tagliare il libro (Cullum 2010). Mentre taglia via il materiale indesiderato con coltelli, pinzette e strumenti chirurgici, Dettmer stabilizza la carta rimanente con una vernice (Fox 2009). Un primo esempio di libri alterati da Dettmer è il suo lavoro del 2003, New International Dictionary, un dizionario originale del 1947 non abbreviato, timbrato e tagliato per esporre le immagini all'interno del dizionario (Sundell 2005, p. 70). Dettmer ha successivamente ampliato il suo processo piegando, sgualcendo, piegando, arrotolando o impilando uno o più libri prima di sigillarli e tagliarli o, in alcuni casi, levigarli per creare varie forme. Dettmer ha anche costruito sculture più grandi utilizzando set completi di enciclopedie e altri libri di consultazione. Altri esempi notevoli di media trasformati da Dettmer sono le musicassette fuse e trasformate in uno scheletro umano a grandezza naturale (Tyson 2007) e in vari teschi di animali; mappe stradali degli Stati Uniti e del Medio Oriente tagliate e sovrapposte (Packer 2005) e sculture di mappe tridimensionali; videocassette VHS di film di gangster disfatte e trasformate in composizioni floreali funebri; e una controversa riconfigurazione di estratti audio del discorso sullo stato dell'Unione di George W. Bush del 2002 (Feigly 2003) (Feigly 2003). Le opere di Brian Dettmer sono state pubblicate ed esposte in musei, centri d'arte e gallerie di tutto il mondo, tra cui lo Smithsonian (Washington D.C.), il Museum of Arts and Design (New York), il Virginia Museum of Contemporary Art (Virginia), il Museum of Contemporary Art (Georgia), il Museum Rijswijh (Paesi Bassi), la Wellcome Collection (Regno Unito), il Bellevue Arts Museum (Washington), il Kohler Arts Center (Wisconsin), il Pérez Art Museum Miami (Florida)[1] e l'Illinois State Museum (Illinois). Le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private negli Stati Uniti, in America Latina, Europa, Australia e Asia.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 9 - JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). Senza titolo, 1984. Tecnica mista su pannello. Firmato e datato nell'area superiore. Misure: 86 x 64 cm; 90,5 x 68 cm (cornice). In quest'opera Plensa utilizza materiali legati alla tradizione e costruisce con essi un'immagine vicina all'espressionismo, facilmente riconoscibile come umana ma tuttavia stravolta, incompleta e in un certo modo metamorfica, colta in piena trasformazione. L'artista combina un tratto deciso e sicuro, esaltato dal bianco che delinea la figura, con un trattamento materico della carta, bruciandola e perforandola per raggiungere la terza dimensione, rompendo così con la tradizionale bidimensionalità della pittura, in una linea estetica ereditata dall'Informale - con la sua valorizzazione delle trame, dei materiali e del caso - ma, al tempo stesso, del tutto nuova e personale. Jaume Plensa ha studiato alla Escuela de La Llotja e alla Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto nella scultura, nel disegno e nell'incisione. Il suo lavoro si concentra sul rapporto tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi ed è stato recentemente insignito di un dottorato honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si evolve gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro sia dal punto di vista materiale che formale e inizia a utilizzare materiali diversi come scarti metallici, poliestere e resine. In questi anni realizza serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un ruolo da protagonista assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart con "La Fura dels Baus", e da solo in una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato la sua opera "Breathing", un memoriale per i giornalisti uccisi in servizio, presso la sede della BBC a Londra. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, e il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, conferito dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei maggiori rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA e il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 10 - JOSEP PUIGMARTI VALLS (Monistrol de Calders, 1932-2020). "Maschera", 1995. Olio e collage su tela. Firmato e datato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 73 x 60 cm; 82 x 69 cm (cornice). Josep Puigmartí è stato un pittore e scultore spagnolo autodidatta che ha sviluppato il suo stile al di fuori delle convenzioni e delle tendenze artistiche di ogni periodo. Negli anni '60, '70 e '80 introdusse nei suoi dipinti surrealisti un'intera iconografia di stampo erotico che gli valse la considerazione di artista trasgressore che praticava uno stile provocatorio, da parte della critica dell'epoca. Nel 2007 il consiglio comunale della città di confine di Bourg-Madame (Francia) lo ha dichiarato figlio prediletto, consegnandogli le chiavi della città e dedicandogli un museo permanente chiamato Espace d'art Puigmartí. Grazie ai suoi numerosi viaggi in tutto il mondo, ha esposto in Spagna, Andorra, Francia, Monaco, Svezia, Danimarca, Giappone, Abu Dhabi, Colombia, Stati Uniti e al China Millennium Monument Contemporary Art Museum di Pechino.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 11 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcellona, 1943). "Volteig", 1990. Olio su tela. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 195 x 204 cm; 207 x 206,5 cm (cornice). Llimós si fa conoscere nel 1964, con una mostra congiunta con, tra gli altri, Arranz Bravo, Bartolozzi e Gerard Sala, con i quali lavora in team fino al 1969. Le sue opere si trovano in collezioni importanti come il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, il Museo d'Arte Moderna Espirito Santo in Brasile, la Collezione d'Arte Contemporanea di Madrid, i Musei di Belle Arti di Alava e Siviglia, la Fondazione Lucio Amelio di Napoli, il Museo Internazionale della Resistenza Salvador Allende di Santiago del Cile, la Fondazione Peter Stuyvesant di Amsterdam, il Palau Solleric di Palma di Maiorca e il MACBA di Barcellona, tra gli altri. Il suo lavoro, dal tratto espressivo e intenso, oscilla tra figurazione e astrazione simbolica, con una forte attrazione per il mondo animale, spesso soggetto delle sue opere, come si evince dal dipinto che presentiamo.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 12 - JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950). Senza titolo. Barcellona, Palo Alto, maggio 2006. Olio su tela. Firmato e datato sul margine destro; firmato, localizzato e datato sul retro. Misure: La maestria di Javier Mariscal nel comporre scene animate, folle accese dalla magia della notte, non ha concorrenti. Con uno stile spensierato, dispone i personaggi di questa tela in modo apparentemente casuale, ma sotto l'apparente caos di riflettori, brindisi, sorrisi, corpi e tavoli si nasconde un rigore compositivo frutto di autentiche doti. Mariscal si abbevera al fumetto, ma lo trasforma in un'incursione sociologica e plastica. Riconosciamo la sua firma in ognuno dei suoi personaggi, quei volti sintetici e alcuni di essi leggermente canini, che ricordano una delle mascotte più famose degli ultimi decenni. Javier Mariscal, noto designer industriale, disegnatore e fumettista, vive e lavora a Barcellona dal 1970. Ha studiato design alla Scuola Elisava di Barcellona, ma ha presto abbandonato gli studi per imparare direttamente da ciò che lo circondava e seguire i propri impulsi creativi. Inizia la sua carriera nel mondo del fumetto underground in pubblicazioni come "El Rrollo Enmascarado" o "Star", insieme a Farry, Nazario e Pepichek. Dopo aver realizzato i suoi primi fumetti a metà degli anni Settanta, nel 1979 disegna il logo del Bar Cel Ona, opera per la quale inizia a farsi conoscere dal grande pubblico. L'anno successivo apre a Valencia il Dúplex, il primo bar firmato da Mariscal insieme a Fernando Salas, per il quale disegna uno dei suoi pezzi più famosi, lo sgabello Dúplex, vera e propria icona del design degli anni Ottanta sia all'interno che all'esterno dei nostri confini. Nel 1981 la sua attività di designer di mobili lo porta a partecipare alla mostra del Gruppo Memphis a Milano. Nel 1987 espone al Centro Georges Pompidou di Parigi e partecipa alla Documenta di Kassel. Due anni dopo il suo disegno Cobi viene scelto come mascotte per i Giochi Olimpici di Barcellona del 1992, inizialmente controverso ma oggi riconosciuto come la mascotte più redditizia nella storia dei Giochi moderni. Nel 1989 crea l'Estudio Mariscal e collabora a diversi progetti con designer e architetti come Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat e Pepe Cortés. Tra i suoi lavori più importanti ci sono le identità visive per il Partito Socialista Svedese, la stazione radio Onda Cero, lo Zoo di Barcellona, l'Università di Valencia, il centro di design e architettura Lighthouse di Glasgow, il centro culturale GranShip in Giappone e la società di post-produzione londinese Framestore. Nel 1999 ha ricevuto il Premio Nazionale di Design, assegnato dal Ministero dell'Industria spagnolo e dalla Fondazione BCD come riconoscimento per la sua intera carriera professionale.

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 13 - JOSEP GUINOVART (Barcellona, 1927-2007). Senza titolo, 2005. Tecnica mista (olio e assemblaggio) su tela. Firmato e datato. Misure: 154,5 x 120 x 5 cm. L'uso dell'assemblaggio legato alla sperimentazione e all'astrazione lirica si fa strada nei dipinti di Guinovart dell'ultimo periodo. L'artista torna agli esordi informali, ma li arricchisce indagando gli effetti di diversi procedimenti su supporti poco ortodossi. Il forte contrasto tra neri, rossi e bianchi, arricciati come onde scatenate, suggerisce tempeste e altri fenomeni in cui la natura si rivela in tutto il suo fervore. Guinovart astrae dall'osservazione della natura e dalla riflessione sulle proprietà fisiche della pittura un linguaggio visivo unico. Josep Guinovart si è formato alla Scuola dei Maestri Pittori, alla Scuola di Arti e Mestieri e nelle classi della FAD. Espone per la prima volta individualmente nelle gallerie Syra di Barcellona nel 1948. Ben presto acquisisce un solido prestigio, collabora con Dau al Set e partecipa ai saloni October, Jazz e Eleven. Negli anni Cinquanta, grazie a una borsa di studio, vive a Parigi, dove conosce a fondo l'opera di Cézanne e Matisse che, insieme a Miró e Gaudí, saranno le sue influenze più importanti. Nel 1955, insieme ad Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies e Tharrats, forma il gruppo Taüll, che riunisce gli artisti d'avanguardia dell'epoca. Verso il 1957 inizia una tendenza informale e astratta, con una forte presenza materica sia attraverso l'incorporazione di vari elementi e oggetti (legno bruciato, scatole, oggetti di scarto) sia attraverso l'applicazione di tecniche come il collage e l'assemblaggio. A partire dagli anni Sessanta si allontana dalla poetica informalista e inizia a creare opere ricche di segni e gesti, che contengono una forte carica espressiva nelle linee e nei colori. Negli anni Settanta utilizza sistematicamente materiali come la sabbia, la terra, il fango, la paglia o il fibrocemento, mentre nel decennio successivo si concentra sulla sperimentazione della proiezione tridimensionale delle sue opere, che si concretizza nella creazione di ambienti o spazialità come quella intitolata Contorn-extorn (1978). Guinovart ha una produzione artistica molto varia: dipinti murali, scenografie e scenari teatrali, come quello realizzato per le Nozze di sangue di Federico García Lorca, illustrazioni di libri, cartellonistica, arazzi e sculture. Ha partecipato alle Biennali di San Paolo (1952 e 1957), Alessandria d'Egitto (1955) e Venezia (1958, 1962 e 1982), e tra i suoi premi figurano il Premio Città di Barcellona nel 1981, il Premio Nazionale delle Arti Plastiche nel 1990 e il Premio delle Arti Plastiche della Generalitat nel 1990. Nel 1994 è stato inaugurato lo Spazio Guinovart ad Agramunt, Lérida, una fondazione privata che ospita una mostra permanente dell'artista. È presente nei Musei d'Arte Contemporanea di Barcellona, Madrid e Città del Messico, nel Museo di Scultura all'Aperto di Santa Cruz de Tenerife, nel Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, nel Museo de Bellas Artes di Bilbao, nel Museo San Telmo di San Sebastián, nel Museo Eusebio Sempere di Alicante, nel Museo de Navarra di Tafalla, nella Casa de las Américas de L'Avana, nel Museo Bocchum in Germania, nel Museo de Bellas Artes di Long Island, New York, e nel Museo Patio Herreriano di Valladolid.

Stima 8 000 - 9 000 EUR

Lotto 14 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcellona, 1943). "La porta dei lillà" 1992. Olio su tela. Datato, intitolato e firmato sul retro. Con etichetta della galleria Trama. Misure: 195 x 115 cm; 197 x 117 cm (cornice). Llimós si fa conoscere nel 1964, con una mostra congiunta con, tra gli altri, Arranz Bravo, Bartolozzi e Gerard Sala, con i quali lavora in team fino al 1969. Le sue opere si trovano in collezioni importanti come il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, il Museo d'Arte Moderna Espirito Santo in Brasile, la Collezione d'Arte Contemporanea di Madrid, i Musei di Belle Arti di Alava e Siviglia, la Fondazione Lucio Amelio di Napoli, il Museo Internazionale della Resistenza Salvador Allende di Santiago del Cile, la Fondazione Peter Stuyvesant di Amsterdam, il Palau Solleric di Palma di Maiorca e il MACBA di Barcellona, tra gli altri. Il suo lavoro, dal tratto espressivo e intenso, oscilla tra figurazione e astrazione simbolica, con una forte attrazione per il mondo animale, spesso soggetto delle sue opere, come si evince dal dipinto che presentiamo.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 15 - ALICIA FRAMIS (Mataró, 1967). "Parnasia", 2002. Fotografia, ed. 2/3. Misure: 122 x 155 cm. Alicia Framis è nata nel 1967 a Mataró, Barcellona. Ha studiato Belle Arti all'Università di Barcellona e alla Scuola di Belle Arti di Parigi. Ha completato la sua formazione presso l'Institut d'Hautes Etudes di Parigi e la Rijksakademie van beeldende kunsten di Amsterdam. Alicia ha vissuto e lavorato a Barcellona (1985-1990), Parigi (1990-1993) e Amsterdam (1995-2005). Attualmente Alicia Framis vive e lavora ad Amsterdam. È un'artista multidisciplinare il cui lavoro oscilla tra le discipline dell'architettura, del design di oggetti, della moda e della performance. I suoi progetti sollevano apertamente diverse questioni problematiche sui modi convenzionali in cui il mondo contemporaneo organizza le sue agende politiche, morali e affettive. Framis articola proposte non convenzionali, spesso addirittura fittizie, per affrontare e rispondere a dilemmi sociali reali. Nel 2023 ha annunciato il suo nuovo progetto, il suo matrimonio con un ologramma di nome AiLex, un compagno virtuale creato da Articifial Intelligence. Il matrimonio è previsto per l'estate del 2024.

Stima 1 800 - 2 200 EUR

Lotto 16 - JOSÉ MALDONADO (Madrid, 1962). Senza titolo. 1992. Pittura acrilica, vernice e carboncino su tela. Misure: 90 x 90 cm. Autodidatta, José Maldonado ha iniziato la sua attività nel 1982, collaborando come illustratore e artista collaboratore in pubblicazioni dell'epoca come La Luna de Madrid, Madrid Me Mata, Madriz e altre. Il progetto artistico che l'artista ha sviluppato negli ultimi 15 anni è incentrato sull'impossibilità di costituire un'immagine e una rappresentazione della realtà che sia piena e intima e allo stesso tempo capace di stabilire un legame comunicativo profondo. José Maldonado afferma: "Il mio lavoro si basa sul sospetto, e anche sulla convinzione di un'estrema difficoltà di lettura e di incomprensione, anch'essa estrema... che l'opera e il lavoro dell'artista cercano di salvare attraverso l'assunzione di un vuoto o di una lacuna, uno spazio vuoto, forse privo di significato, in cui la comunicazione avviene in modo sregolato (implosivo ed esplosivo). Il progetto è in sostanza un'allegoria della comunicazione e del desiderio di interpretare il mondo e di donarsi ad esso come se fosse il nostro vicino... o noi stessi". José Maldonado ha esposto in gallerie internazionali come Juana Mordo, Toni Estrany, Froment & Putman, Denise Van de Velde o Helga de Alvear, e in mostre tenute, tra l'altro, alla Prospect di Francoforte, al CAPC di Bordeaux o all'Istituto d'Arte Contemporanea di Lione. Le sue opere sono conservate in musei come il Museo Nacional de Arte Reina Sofía di Madrid, il Museo Patio Herreriano, l'Ulster Museum di Belfast o il Marugame Hirai Museum di Tokyo.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 17 - XAVIER MEDINA CAMPENY (Barcellona, 1943). Senza titolo. Scultura in bronzo, copia 4/5. Firmata e giustificata sulla base. Con sigillo della Fundición Artística Vila. Misure: 51 x 65 x 37 cm. Dall'inizio degli anni Settanta risale una serie di pezzi di Medina Campeny il cui tema è la testa umana, messa a fuoco da più punti di vista, sottoponendola a modifiche. Xavier Medina Campeny, nipote dello scultore Josep Campeny e pronipote di Damià Campeny, è uno scultore di formazione autodidatta, che ha evoluto il suo mood artistico verso uno stile molto personale. Inizia a studiare architettura a Barcellona, ma abbandona gli studi per avvicinarsi al mondo della scultura. È in questo periodo che si dedica a quest'arte, con una formazione da autodidatta. La sua lunga carriera artistica come scultore lo ha portato a lavorare con diverse tecniche e materiali. La sua prima mostra risale al 1964. Dopo dieci anni si è trasferito a New York, dove ha realizzato la maggior parte della sua produzione artistica. Dopo qualche anno è tornato a vivere in Spagna. Il suo stile è strettamente legato all'avanguardia, più precisamente al dadaismo. La sua padronanza del disegno lo ha aiutato a mettere in relazione elementi organici e forme geometriche. Negli anni dal 1975 al 1989, ha sviluppato un linguaggio plastico del corpo umano, una miscela di anatomia e geometria, che lui stesso ha chiamato "frammentazioni". Al momento di realizzare questi corpi, Medina sbriciola, divide e geometrizza le parti del corpo umano per poi ricongiungerle, al fine di evidenziare alcune parti che lascia vuote. L'opera Conversación (1979) riflette e racconta il contrasto tra l'assente e il presente. L'opera Lo specchio nell'Oceano Atlantico, invece, equilibra la forma con lo sfondo e lavora il corpo senza frammentarlo. Il lavoro di Medina può essere messo in relazione con le proposte surrealiste. Ad esempio, nel gruppo Mimetismo animal (mimetismo animale), gli atteggiamenti umani con espressioni ironiche sono visibili negli animali. Dal 2003 c'è stato un cambiamento nello stile dell'artista rispetto al corpo umano, in cui semplifica le forme e le trasforma in cilindri allungati che per lui sono "pezzi" con un significato simbolico. Le opere di Medina e Campeny sono state esposte sia in Europa che in America, dove l'artista possiede diverse opere in musei e importanti istituzioni, come il Museo Nacional de Arte Reina Sofia di Madrid, il MACBA di Barcellona, la Fondazione Pagani di Legnano, Italia, l'Everson Museum di Syracuse (USA), la Jimmy Carter Library & Museum di Atlanta, Georgia (USA), la Bears Foundation di New York (USA), il North Carolina Museum of Art (USA), tra gli altri.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 18 - MARKUS ÖEHLEN (Krefeld, Renania Settentrionale-Vestfalia, 1956). "Securitator". 2005. Olio su tela. Firmato e datato sul retro. Con etichetta della galleria Juana de Aizpuru sul retro. Misure: 250 x 200 cm: 253 x 203 cm (cornice). In dipinti come questo, Markus Öehlen mette alla prova la nostra capacità di vedere dietro le immagini, trascendendo la lettura di superficie a cui ci sottopone la cultura visiva. Figure umane e altre più ambigue, in qualche modo minacciose, sono sovrapposte a piani di colore e texture diverse, suggerendo infiniti livelli di lettura e interpretazione. La ricchezza plastica di questo lavoro deriva dallo studio approfondito di stili diversi, dalla sperimentazione ottica dell'arte cinetica sommata all'eredità dell'espressionismo astratto e dell'automatismo onirico. Sembra intercalare processi meccanici con macchie pittoriche spontanee. Eppure, utilizza solo la tecnica a olio. L'elaborato trattamento delle superfici di Oehlen produce un effetto magnetico, sostituendo la realtà banale con una rappresentazione complessa. Markus Öehlen è un artista visivo tedesco che lavora con la pittura, la scultura e la musica. Negli anni Settanta e Ottanta è stato uno dei membri fondatori dell'influente movimento artistico neo-espressionista Neue Wilde di Düsseldorf insieme a Martin Kippenberger, Markus Lüpertz e suo fratello Albert Oehlen. Oehlen ha studiato alla Kunstakademie Düsseldorf (Alfonso Hüppi). Utilizza uno stile punk che si oppone al minimalismo. L'obiettivo era quello di attaccare la natura del minimalismo con uno stile di pittura che si basa sull'istinto e che gestualmente enfatizza il selvaggio, lo spontaneo, l'ossessivo e il sensuale. Oehlen ha sviluppato continuamente il suo lavoro, parallelamente alla pittura, alla scultura e ai progetti musicali. Le sue nuove opere sono sempre più ispirate agli esperimenti percettivi della Op Art, con interferenze di immagini stampate che si presentano in schemi reticolari sopra e sotto gli strati dell'immagine. Le complesse immagini stratificate di Markus Oehlen sono composte da una pletora di immagini trovate, forme ed elementi pittorici distorti che, tolti dal loro precedente contesto, assumono una nuova funzione e un nuovo significato. Riorganizzando i singoli elementi compositivi delle tele nel contesto dell'arte, Oehlen crea nature morte surreali che non erano originariamente previste, giocando con la nozione di casualità e suggerendo strane narrazioni. Le immagini su grandi tele convincono per il loro approccio radicale alla pittura. Nel 1984 ha partecipato alla mostra collettiva Von hier aus - Zwei Monate neue deutsche Kunst a Düsseldorf. Nel 1993 espone al Museum of Modern Art di New York: "Projects 39"- con Georg Herold. Oehlen è stato inoltre membro fondatore dei gruppi Mittagspause, Fehlfarben, Flying Klassenfeind, Vielleichtors e Van Oehlen. Dal 2002 è professore all'Accademia di Belle Arti di Monaco.

Stima 25 000 - 30 000 EUR

Lotto 19 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "Merce Cunningham e la compagnia di danza, 1966. Per lo spettacolo a Sitges del 29 luglio 1966. Litografia Avant Lettre, numero 97/200. Firmata sulla lastra e numerata a matita. Misure: 73,5 x 50 cm. Joan Miró si forma a Barcellona e debutta individualmente nel 1918, presso le Gallerie Dalmau. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e incontra Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, è il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquista due delle sue opere. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Nel corso della sua vita ricevette numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia e della Fondazione Guggenheim, il Premio Carnegie per la Pittura, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya e delle Belle Arti, e fu nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Attualmente le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, al Museo Thyssen-Bornemisza, al MoMA di New York, al Museo Reina Sofía di Madrid, alla National Gallery di Washington, al MNAM di Parigi e alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 20 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "L'oeil", 1984. Acquaforte in due lastre su carta Arches, esemplare 4/50. Firmata e numerata a mano. Tàpies Galfetti V, p. 183, fig. 952. Misure: 12 x 21 cm (stampa 1); 30 x 40 cm (stampa 2); 50 x 65 cm (carta). Antoni Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento le sue mostre, sia collettive che personali, si tengono in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologiche a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 21 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Le plus beau cadeau", 1975. Acquaforte e incisione al carborundum in grigio e marrone, esemplare 37/80. Firmata e numerata a matita. Tàpies Galfetti V, p. 90, fig. 1513. Misure: 63,5 x 45,5 cm. Antoni Tàpies si dedica all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Progressivamente si dedicherà con maggiore intensità al disegno e alla pittura, fino ad abbandonare gli studi di giurisprudenza per dedicarsi completamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento le sue mostre, sia collettive che personali, si tengono in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologiche a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 22 - ALEXANDER CALDER (Stati Uniti, 1898 - 1976). "Cercles noir, bleu, rouge", 1975. Litografia, copia H.C. Firmato e giustificato a mano. Misure: 65 x 50 cm; 75 x 59 cm (cornice). La litografia che presentiamo riunisce molti degli aspetti identificativi della pittura di Calder: la serena semplicità delle forme astratte, i colori pieni e primari e il dinamismo formale. Calder studia all'Art Students League di New York e nel 1926 tiene la sua prima mostra di pittura alla The Artist's Gallery di New York. Prima della fine dell'anno inizia il suo viaggio in Europa, che gli permette di incontrare le grandi figure dell'epoca, come Miró, Duchamp e Mondrian. Calder è uno degli artisti più rinomati del XX secolo, con opere presenti in tutte le grandi collezioni del mondo. Dal MoMA di New York, dove una sua scultura decora lo scalone principale, alla sede dell'UNESCO a Parigi. Altri centri in cui è rappresentato sono il Guggenheim Museum di New York, la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, lo Städel di Francoforte, il Kunstmuseum di Basilea, il Reina Sofía di Madrid e la Tate Gallery di Londra.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 23 - PEPE YAGÜES (Molina de Segura, Murcia, 1968). "Es tocada", 1999. Tecnica mista su carta. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 96 x 172 cm; 125 x 202 cm (cornice). Pittore, incisore e scultore, Pepe Yagües si è formato alla Scuola di Arti e Mestieri di Murcia e alla Facoltà di Belle Arti di Granada. Nel 1991 ha ottenuto una borsa di studio dal Ministero dell'Istruzione e nel 1992 si è laureato presso la Facoltà di Valencia, ricevendo un premio dalla Fondazione Cañada Blanch. Negli anni successivi si susseguono successi e progetti e dal 1997 partecipa assiduamente alla fiera madrilena Arco. Yagües ha tenuto mostre in Spagna e all'estero ed è presente al Museo del Grabado Español Contemporáneo di Marbella, alla Cruz Herrera, all'Adra di Almería, al Municipal di Valencia, al Museo del Grabado di Orense, al Museo Postale e Telegrafico di Madrid, alla Calcografía Nacional e alla Casa Natal de Goya di Saragozza.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 24 - CLAUDIO BRAVO CAMUS (Valparaiso 1936 - Taroudant, Marocco 2011). Senza titolo, 1950. Carboncino e matita bianca su carta. Incorniciato con vetro da museo. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 70 x 125 cm; 95 x 152 cm (cornice). La sensualità di quest'opera suggestiva domina completamente la composizione. Una donna nuda, in un complesso scorcio, si presenta allo spettatore completamente ignara di lui. La sua anatomia delicata e femminile è definita da un volume veritiero, anche se non privo di un'idealizzazione trascendente verso una bellezza classica. I volumi marcati, attraverso l'uso delle ombre e della luce, conferiscono tridimensionalità a questo corpo che sembra fluttuare in uno spazio leggero, dove l'ideale è il corpo della donna come concetto, non una donna concreta, poiché non vediamo il suo volto, ma il simbolo del femminile. La precisione del disegno e la qualità tecnica dell'opera creano un grande gioco tra realtà e immaginazione che tiene lo spettatore in attesa di fronte al paradosso visivo posto dall'autore, una caratteristica ricorrente nell'opera di Claudio Bravo. Nato in una ricca famiglia di proprietari terrieri cileni, fin da piccolo ha avuto una chiara vocazione artistica e non ha voluto far parte dell'azienda di famiglia nonostante le insistenze del padre per il primo figlio. Studiò in una scuola religiosa e, sebbene con l'età rifiutasse tutti i dogmi cattolici appresi nell'infanzia, mantenne sempre un certo interesse per gli aspetti misteriosi della vita religiosa e un fascino per le vite dei santi. Il suo stile è influenzato dalla perfezione classica e rinascimentale, come si evince dalle opere che presentiamo. La sua prima mostra si tiene al Salon 13 di Santiago del Cile nel 1954, all'età di 18 anni. Scopre il surrealismo di Dalí, la cui influenza sarà palpabile in alcune delle sue opere future, ma sempre con un'impronta personale. Ottiene una certa fama in America Latina e in Europa come ritrattista, un genere che non abbandonerà mai poiché, nonostante iniziasse a trovarlo noioso, gli garantiva una stabilità economica e uno status sociale importante. Nel 1961 lascia finalmente il Cile e arriva in Spagna, stabilendosi nella capitale Madrid dove continua a coltivare fama e fortuna fino all'inizio degli anni '70 quando, finalmente, si dirige a Tangeri, affascinato, come spiega, da una luce e da un clima incomparabili. Nel 1981 ha tenuto la sua prima mostra alla Marlborough Gallery di New York, galleria che da allora lo rappresenta a livello internazionale, e nel 1994 ha tenuto una grande mostra personale al Museo Nazionale di Belle Arti, che è diventata una delle più frequentate della storia. Per i suoi meriti e contributi artistici, il 1° luglio 2002 gli è stata concessa la cittadinanza spagnola dal Consiglio dei Ministri spagnolo.

Stima 45 000 - 50 000 EUR

Lotto 25 - JOAN MIRÓ I FERRÁ, (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "Album 21, 1978. Litografia a colori su carta Archès. Copia 41/75. Edito dalla Galleria Maeght. Con certificato della National Art Brokers Inc. Firmato e numerato a mano. Misure: 64 x 49 cm; 100 x 85 cm (cornice). Joan Miró si forma a Barcellona, tra la Scuola della Pescheria e l'Accademia Galí. Già nei primi mesi del 1918 realizza la sua prima mostra, presso le Gallerie Dalmau di Barcellona. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e incontra Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. Da questo momento in poi, il suo stile inizia un'evoluzione che lo porta a opere più eteree, in cui forme e figure organiche sono ridotte a punti astratti, linee e macchie di colore. Nel 1924 firma il primo manifesto surrealista, anche se l'evoluzione della sua opera, troppo complessa, non permette di ascriverlo a nessuna particolare ortodossia. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, fu il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquistò due sue opere. Torna in Spagna nel 1941 e nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che segnerà la sua definitiva consacrazione internazionale. Negli anni Cinquanta sperimenta altri mezzi artistici, come l'incisione, la litografia e la ceramica. Dal 1956 fino alla morte, avvenuta nel 1983, vive a Palma di Maiorca in una sorta di esilio interno, mentre cresce la sua fama internazionale. Nel corso della sua vita ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia nel 1954 e della Fondazione Guggenheim nel 1959, il Premio Carnegie per la Pittura nel 1966, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya (1978) e delle Belle Arti (1980), ed è stato nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Oggi le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, inaugurata nel 1975, e nei principali musei d'arte contemporanea del mondo, come il Thyssen-Bornemisza, il MoMA di New York, il Museo Reina Sofia di Madrid, la National Gallery di Washington, il MNAM di Parigi e la Albright-Knox Art Gallery di Buffalo. A cura della Galleria Maeght. Certificato da National Art Brokers Inc.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 26 - AGUSTÍN ÚBEDA ROMERO (Herencia, Ciudad Real, 1925 - Madrid, 2007). "Emeraude". Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Firmato, titolato e collocato sul retro. Misure: 131 x 162 cm; 135 x 166 cm (cornice). Pittore surrealista, inquadrato nella cosiddetta Scuola spagnola di Parigi, Agustín Úbeda fu un grande conoscitore della Storia dell'Arte e un uomo di vasta cultura. Entrò alla Scuola di Belle Arti San Fernando di Madrid nel 1944, dove fu discepolo di Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso e Joaquín Valverde, ricevendo il titolo di professore di disegno nel 1948. Debutta individualmente nel 1949 al Casinò di Alcazar de San Juan e nel 1952, all'età di ventisette anni, tiene la sua prima mostra personale a Madrid, presso la galleria Xagra. L'anno successivo si stabilisce a Parigi, grazie a una borsa di studio dell'Istituto Francese. Dopo aver vinto due premi consecutivi al Concorso della Giovane Pittura Francese, un secondo premio nel 1956 e un primo premio l'anno successivo, gli si aprono le porte della prestigiosa galleria Drouant-David di Parigi, dove da allora espone regolarmente le sue opere. Nel 1960 riceve il Mulino d'oro della XXI Esposizione Manchegan di Valdepeñas e tre anni dopo riceve la medaglia di bronzo alla V Biennale di Alessandria. Poco prima di fare il salto, dalla Galleria Biosca di Madrid, agli Stati Uniti, all'epoca centro mondiale dell'arte. Professore emerito dell'Università Complutense di Madrid e membro effettivo dell'Accademia Reale dei Medici, Ubeda ha continuato a ricevere importanti riconoscimenti nel corso della sua lunga carriera, evidenziando in particolare il Gran Premio per la Pittura del Circolo delle Belle Arti nel 1980. Allo stesso modo, nel 1998 il Centro Cultural de la Villa de Madrid ha esposto una retrospettiva che copriva il suo lavoro tra il 1944 e il 1998. Nello stesso anno Úbeda ha tenuto una mostra antologica di trentacinque dipinti alla Caja de San Fernando di Siviglia, dedicata a tre dei suoi temi costanti: il paesaggio, il nudo femminile e la natura morta. Agustín Úbeda ha tenuto mostre personali in diverse città spagnole, oltre che in Francia, Svizzera e Stati Uniti. Attualmente è presente nei Musei della Villa di Ginevra e di Parigi, nel Museo di Belle Arti di Jaen, nel Museo d'Arte Contemporanea di Badajoz, nel Museo d'Arte Moderna di Valdepeñas, nel Museo dell'Incisione di Marbella, nel Museo Municipale di Toledo, nel Museo Nazionale d'Arte Contemporanea, nel Museo Camón Aznar di Saragozza, nel Museo Provinciale di Ciudad Real e, negli Stati Uniti, nei Musei del New Mexico, di San Diego, di Phoenix, Lowe di Miami ed Evansille nell'Indiana.

Stima 4 000 - 4 500 EUR

Lotto 27 - MIGUEL RASERO (Doña Mencía, Córdoba, 1955). Senza titolo, 1988. Olio e collage su tela. Firmato con iniziali e datato sul retro. Misure: 145 x 112 cm; 164 x 133 cm (cornice). Pittore e grafico, Rasero sviluppa un lavoro che va oltre gli approcci artistici tradizionali per presentare composizioni che cercano di stabilire un equilibrio tra forme fragili o impossibili e lo spazio che le circonda. Allo stesso modo, l'autore stabilisce un dialogo tra interno ed esterno, così come con i limiti e i confini che facilitano e stimolano l'immaginazione. Il suo lavoro ha come riferimenti principali Kurt Schwitters e Malevich. Rasero ha sviluppato la sua carriera a Barcellona, dove nel 1982 ha ricevuto la borsa di studio della Generalitat de Catalunya per le arti. Nel 1984 ha vinto il secondo premio alla Biennale di Pittura della stessa città e ha esposto i suoi quadri in importanti gallerie nazionali e internazionali, come Gaspar a Barcellona, Trama a Madrid, Pelaires a Palma, Puerta Nueva a Cordoba e Philippe Guimiot a Bruxelles e New York. Nel 2001 ha presentato le sue opere in una mostra collettiva tenutasi al Museo Pedro de Osma di Lima (Perù) e ha partecipato a diverse edizioni della fiera d'arte Arco di Madrid. È rappresentato al MACBA di Barcellona, alla Fundación La Caixa, nella collezione della Banca Rotschild in Svizzera, nella Travelstead Collection di New York e in quella del Banco Santander.

Stima 1 500 - 1 600 EUR

Lotto 28 - ANDREU ALFARO HERNÁNDEZ, (La Huerta, Valencia, 1929 - 2012). "Calatá Power (B)" 1967. Scultura in acciaio inox policromo rosso, copia 87/500. Firmata e numerata sulla base. Riferimento nel catalogo ragionato, pagina 219. Misure: 38 x 10,5 x 10,5 cm. Scultore legato al Gruppo Parpalló (1957) e influenzato da Jorge Oteiza e dai costruttivisti, come Brancusi o Pevsner, fin dalle sue prime opere di rilievo Andreu Alfaro manifesta la preoccupazione di integrare la scultura in uno spazio architettonico definito. Nel 1961, con "La Rella", inizia una seconda fase in cui concretizza il legame tra attività artistica e comunità sociale, seguita da "La veu d'un poble" (1964-65) e "Monument a l'amor" (1965-66). In questi anni acquisisce fama internazionale grazie alla partecipazione alla Biennale di Venezia del 1966, dove espone "Mio fratello nero". Negli ultimi anni degli anni Sessanta Alfaro entra in una nuova fase, in cui sperimenta con elementi metallici, creando opere di carattere cinetico o di ricerca spaziale. Di questo periodo sono noti i campioni "Bon dia llibertat" (1975) e "Catalan power" (1976). Sempre in questi anni inizia a mostrare un interesse particolare per le sculture di grandi dimensioni, che espone nel Parco Cervantes di Barcellona (1977). Progetta anche diversi monumenti, come il "Monument als Països Catalans" a Tárrega (1981). Questo periodo segna anche l'inizio della sua proiezione internazionale e, senza dubbio, il momento di maturità di uno dei più importanti scultori catalani. Tuttavia, intorno al 1980 cerca di recuperare una stilizzazione quasi calligrafica nelle sue opere, che lo porta a sperimentare il filo metallico. Allo stesso tempo, inizia a incorporare il marmo nella sua produzione, che può essere definita come una giusta combinazione di elementi lucidi e purismo costruttivo. La struttura geometrica delle sue opere, sempre mutevole a seconda del punto di vista dell'osservatore, è sempre dotata di una grande forza plastica. Nel 1983 Alfaro realizza una scultura in omaggio al pittore E. Sempere a Madrid. In questo periodo realizza anche altre sculture all'aperto a Francoforte (1986), Madrid (1990) e Barcellona (1991). Nel 1996 ha installato a Tarrasa una scultura dedicata alla donna lavoratrice, nel 1999 ha eretto le "Columnes de l'Autònoma" nell'università di Barcellona e nel 2001 ha realizzato un monumento in memoria delle vittime del nazismo a Vilanova i la Geltrú. In occasione dell'anno di Verdaguer, nel 2002 è stata inaugurata una scultura monumentale commemorativa del poeta catalano nella città di Vic e nel 2003 ha realizzato la scultura "Ones" all'ingresso di Barcellona. Nel corso della sua carriera, Alfaro ha tenuto mostre personali in Spagna, Germania, Italia e Paesi Bassi e ha partecipato a importanti mostre collettive in tutto il mondo. Ha inoltre ricevuto numerosi premi, tra cui il Premio d'Onore Jaume I (1980), il Premio Nazionale di Arti Plastiche (1981) e il Premio Alfons Roig di Arti Plastiche della Diputación de Valencia (1991). Attualmente è rappresentato, tra gli altri, al Museo Reina Sofía e al Centro Conde Duque di Madrid, all'IVAM e al Patio Herreriano di Valladolid. Riferimento nel catalogo ragionato, p. 219.

Stima 2 600 - 2 800 EUR

Lotto 29 - JOAN RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Il pittore. Tecnica mista su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Misure: 130 x 97 cm. Conosciuto con il suo secondo cognome o come "il Beato Ripo", Joan García Ripollés scoprì la sua passione per la pittura quando, ancora molto giovane e in pieno dopoguerra, entrò a lavorare in un laboratorio di pittura industriale. Da quel momento in poi si dedica alla pittura di notte, e in seguito prende lezioni di disegno presso il Liceo Ribalta di Castellón. Dopo il debutto in una mostra collettiva tenutasi nel 1951 presso la Caja de Ahorros di Castellón, nel 1954 avviene una svolta nella sua carriera, grazie a un viaggio a Parigi dove entra in contatto con gli ambienti artistici della città. Nel 1962 organizza la sua prima importante mostra individuale al MACBA di Barcellona e nel 1967 si reca a New York, dove espone e vende la sua intera collezione alla William Haber Art Collection. Da quel momento inizia una folgorante carriera internazionale che ha portato il suo lavoro in tutto il mondo. Ha organizzato mostre personali non solo in Spagna, a Parigi e a New York, ma anche in Messico, Olanda, Belgio, Italia, Svizzera, Svezia, in diverse città americane, in Germania e in Giappone. Nel 2000 ha ricevuto il Premio delle Arti della Comunità Valenciana. Ripollés è oggi uno degli artisti spagnoli più internazionali e anche uno dei più completi, poiché ha lavorato brillantemente in pittura, scultura e incisione. È rappresentato all'IVAM, al MOMA di New York, al Museo dell'Università di Alicante, al Museo di Belle Arti di Siviglia e al MACBA.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 30 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcellona, 1923-2009). Senza titolo. 2002. Tecnica mista e cera su carta. Firmato e datato. Misure: 36 x 37 cm; 68,5 x 70 cm (cornice). Pittore, pedagogo, scrittore e grafico, Ràfols Casamada gode oggi di un grande prestigio internazionale. Si avvicina al mondo del disegno e della pittura con il padre, Albert Ràfols Cullerés. Nel 1942 intraprende gli studi di architettura, che però abbandona presto per dedicarsi alle arti plastiche. L'influenza post-impressionista del padre e il suo particolare cézannismo segnano le opere presentate nella sua prima mostra, tenutasi nel 1946 presso le gallerie Pictòria di Barcellona, dove espone con il gruppo Els Vuit. Successivamente, elaborerà un'astrazione poetica, amorfa nella sua configurazione, libera e intelligente, frutto di una lenta gestazione e basata su ambienti, temi, oggetti o grafici della vita quotidiana. Ràfols Casamada lavora con questi frammenti di realtà, di vita, in un processo di sfigurazione, giocando con le connotazioni, i valori plastici e la ricchezza visiva delle possibili diverse letture, nel tentativo di fissare la transitorietà della realtà. Nel 1950 ottiene una borsa di studio per recarsi in Francia e si stabilisce a Parigi fino al 1954. Qui conosce la pittura figurativa post-cubista e l'opera di Picasso, Matisse, Braque e Miró, tra gli altri. Queste influenze si uniscono nella sua pittura a quelle dell'espressionismo astratto americano, che si sviluppa nello stesso periodo. Tornato finalmente a Barcellona, intraprese un proprio percorso artistico, con uno stile caratterizzato da eleganza compositiva, basato su strutture ortogonali combinate con un cromatismo emotivo e luminoso. Dopo aver mostrato un interessante rapporto, negli anni Sessanta e Settanta, con il neo-dada e il nuovo realismo, il suo lavoro si è concentrato su valori puramente pittorici: campi di colore in armonia espressiva su cui spiccano linee gestuali a carboncino. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come il Premio Nazionale delle Arti Plastiche del Ministero della Cultura nel 1980, il Creu de Sant Jordi nel 1982 e il CEOE Arts Award nel 1991. Nel 1985 è stato nominato Cavaliere dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia ed è membro onorario dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando a Madrid. Nel 2003 la Generalitat gli ha conferito il Premio Nazionale di Arti Visive della Catalogna e nel 2009, appena due mesi prima della sua morte, il Grup 62 gli ha reso omaggio presso il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna. Le sue opere si trovano nei più importanti musei del mondo: il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim e il MOMA di New York, il Museum of Modern Art di Los Angeles, il Museo Picasso in Francia, il Georges Pompidou di Parigi, il British Museum e la Tate Gallery di Londra, tra i tanti.

Stima 2 400 - 3 000 EUR

Lotto 31 - CARMEN CALVO (Valencia, 1950). "Sono triste ma non con una fine", 2007. Fotografia intervallata su carta. Firmata e datata a mano. Misure: 54 x 38 cm; 70 x 54 x 6 cm (cornice). Una delle passioni dell'artista Carmen Calvo è quella di passeggiare per i mercatini delle pulci e sfogliare vecchi album alla ricerca di vecchie fotografie su cui intervenire, offrendo così una visione rinnovata delle antiche istantanee anonime scattate in passato. Personaggi sconosciuti in bianco e nero, spesso in fotografie di gruppo, trasformano la loro identità attraverso l'inserimento di maschere e altri elementi surreali. Carmen Calvo ha studiato presso le Scuole di Arti e Mestieri e di Belle Arti di Valencia, diplomandosi in pubblicità nel 1970. In seguito amplierà la sua formazione grazie alle borse di studio del Ministero della Cultura (1980), della Casa de Velázquez di Madrid (1983-85) e del Ministero degli Affari Esteri, per la sua residenza a Parigi (1985-92). In questi anni Calvo inizia a ricevere riconoscimenti, come il I Premio di pittura LaSalle Seiko di Barcellona (1985), il Premio Alfons Roig della Diputación Valenciana (1989), una borsa di studio nella I Biennale Martínez Guerricabeitia dell'Università di Valencia (1989) e la selezione per la XLVII Biennale di Venezia (1997). L'artista ha iniziato la sua attività espositiva nel 1969, partecipando a una collettiva presso il Círculo Universitario de Valencia. Ha debuttato individualmente nel 1976 presso la galleria Temps della sua città natale e da allora ha esposto individualmente in varie città della Spagna e degli Stati Uniti, oltre che in altri Paesi d'Europa, America e Africa. Le opere di Carmen Calvo sono attualmente presenti in istituzioni artistiche, musei e collezioni private di tutto il mondo, tra cui il Guggenheim Museum di New York, il Reina Sofia di Madrid, il Marugame Hirai di Kobe, il MACBA di Barcellona, il Fonds National d'Art Contemporain di Parigi, l'IVAM di Valencia, la collezione della Chase Manhattan Bank di New York, ecc.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 32 - ANTONIO LÓPEZ GARCÍA (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). Libro d'artista. "Corpi e fiori", 2017. Copia 1546/2998. A cura di Artika. Firmato e numerato. Libro rilegato e cucito a mano. Custodia in legno d'acero e vetro. Nella custodia è riprodotto un disegno preparatorio de "La mujer de Coslada" (2009) serigrafato a due inchiostri. Misure: 77 x 54,5 cm. Libro d'arte di Antonio López. Copia numerata e firmata. Il libro ripercorre la carriera artistica di questo genio del realismo e ci permette di apprezzare le sue opere anche nei dettagli più delicati, grazie alla riproduzione a grandezza naturale di molti dei suoi lavori. Ci avvicina inoltre alle sue sensazioni, alle sue passioni e alle sue ossessioni, basandosi su testi di Rafael Argullol e dello stesso Antonio López, oltre che su un'intervista tra il pittore e Julio Vaquero. Pittore e scultore, Antonio López ha studiato a Madrid, presso l'Accademia di San Fernando, e in Italia, dove ha viaggiato grazie a una borsa di studio. Durante il periodo studentesco ha formato, insieme ad altri artisti come Enrique Gran, Amalia Avia o Lucio Muñoz, quella che è stata chiamata la Scuola di Madrid. Al termine degli studi, nel 1957, fa il suo debutto individuale a Madrid. Da allora ha ribadito la sua presenza in gallerie in Europa, Stati Uniti, Cina e Corea, e nel 1993 il Museo Reina Sofia di Madrid gli ha dedicato una mostra antologica. È membro dell'Accademia di San Fernando e tra i suoi riconoscimenti figurano il Premio Principe delle Asturie per le Arti e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche. Nel 2008 il Museum of Fine Arts di Boston gli ha dedicato una mostra monografica e nel 2011 lo stesso faranno il Thyssen-Bornemisza e il Museo di Belle Arti di Bilbao. È rappresentato, tra gli altri, al Museum of Fine Arts di Boston, all'ARTIUM di Vitoria, al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid, alla Fondazione Juan March e al Museo di Belle Arti di Bilbao.

Stima 2 200 - 3 000 EUR

Lotto 33 - Seguendo i modelli di FERNANDO BOTERO (Medellín, Colombia, 1932-Monaco, 2023). "Donna e toro". Bronzo. Con segni sulla base. Misure: 34,5 x 28 x 20 cm; 4 x 27 x 18,5 cm (base). Scultura in bronzo raffigurante una donna nuda, dai lunghi capelli e dal corpo voluminoso. È seduta di lato sulla schiena di un toro, la cui anatomia è stata risolta con le caratteristiche forme arrotondate di Botero. Come il maestro colombiano, l'artista del bronzo conferisce alla figura femminile una sensualità plebea, estranea ai canoni di bellezza.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

Lotto 34 - EDUARDO NARANJO (Monesterio, Badajoz, 1944). "Laura misteriosa", 2007. Incisione, copia 3/99. Firmata e giustificata a matita. Misure: 41,5 x 31,5 cm (stampa); 60 x 49 cm (carta); 63,5 x 52 cm (cornice). Eccezionale pittore spagnolo contemporaneo riconosciuto come uno dei grandi esponenti del realismo magico onirico. Eduardo Naranjo inizia la sua formazione artistica nel 1957 con il maestro Eduardo Acosta e nello stesso anno entra nella Scuola di Arti e Mestieri. Nel 1960 prosegue gli studi presso la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría a Siviglia e un anno dopo si trasferisce alla Escuela de Bellas Artes San Fernando di Madrid, dove termina gli studi. Dopo la fase accademica, Naranjo decide di trasferirsi a Parigi, dove conosce a fondo l'opera di Picasso e di artisti come Matisse. Il suo lavoro è definito dall'esplorazione tecnica della pittura, sebbene abbia lavorato anche con la scultura e nel campo della scenografia. Inoltre, tra il 1986 e il 1991 ha realizzato una serie di incisioni per il libro "Poeta en Nueva York" di Federico García Lorca. La carriera artistica di Eduardo Naranjo comprende importanti premi e riconoscimenti, come il Premio Luis de Morales de Badajoz (1974), la Medaglia dell'Estremadura (1991), il Premio Nazionale di Incisione María de Salamanca del Museo dell'Incisione Spagnola Contemporanea (1994) e la Croce al Merito Militare per il suo contributo alle arti e all'esercito (1995). Nel corso della sua carriera ha tenuto mostre personali in tutto il mondo e oggi è uno dei più ricercati pittori spagnoli viventi. La sua fama è infatti internazionale, essendo ammirato in Paesi lontani come la Cina, dove ha esposto numerose volte ed è stato invitato a tenere corsi di perfezionamento presso le università del Paese. Oggi le sue opere si dividono tra collezioni private di carattere internazionale e numerosi musei pubblici, tra cui spiccano il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia di Madrid e il Museo di Nagasaki in Giappone, oltre che in innumerevoli collezioni private, tra cui la Collezione Masaveu di Oviedo.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 35 - ALDO COMAS (Barcellona, 1985). Senza titolo. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 38 x 46 cm. Pittore, produttore musicale, regista, uomo d'affari..., Aldo Comas è un personaggio poliedrico. Marito dell'attrice Macarena Gómez, i suoi dipinti sono noti per il loro stile vivace e colorato. In una delle sue serie, Aldo Comas ha creato una collezione di opere che raffigurano la cultura e lo spirito dominicano con "Dominican Mambo". Un'altra serie particolarmente celebrata è "London Edition". La sua mostra più recente si è svolta nel febbraio 2024 presso il Museo della Corrida di Cordoba. Allo stesso modo, la sua mostra "Aragoste e chitarre" può essere visitata presso l'Hotel Aguas de Ibiza.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

Lotto 36 - ÉRIC DU BELLAY (Chatenay Malabry, Francia, 1980) "Da solo. Libertà, 2021. Stampa digitale su carta Hahnemühle Fine Art Baryta FB, 350h. Copia 1/7. Certificato di autenticità allegato. Firmato e datato nell'area inferiore. Misure: 50 x 35 cm; 53 x 68 cm (cornice). "Dipingo fiori, perché non muoiano" (Frida Khalo), così Éric du Bellay definisce il suo lavoro di cineasta e fotografo. Éric du Bellay ha iniziato a fotografare all'età di 15 anni, sviluppando le proprie foto in bianco e nero. Fin dall'inizio, il suo lavoro si è concentrato su volti e corpi, come se volesse conservare la traccia dei vivi. Ha lasciato la fotografia per intraprendere la carriera di regista. Ha realizzato sei cortometraggi in Francia e in Islanda e il suo primo lungometraggio, Menina Casilda, è stato girato a Madrid nel 2021. È tornato alla fotografia nel 2019 con il progetto Corps Vibrants, nudi realizzati in studio a Parigi, seguito dal suo secondo progetto, Libertad, iniziato a Madrid nel 2021 come risposta alle restrizioni della Pandemia. Influenzato dalle opere di Marina Abramovic, Ren Hang e Ryan McGinley, esplora le rappresentazioni di corpi nudi in movimento. Certificato di autenticità allegato.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 37 - ÉRIC DU BELLAY (Chatenay Malabry, Francia, 1980) "Omaggio a Ren Hang". Progetto Vibrant Bodies (Parigi, Francia) 2019. Stampa digitale su carta Hahnemühle Fine Art Baryta 325gsm. Copia 1/7. Certificato di autenticità allegato. Firmata e titolata nell'area inferiore. Misure: 50 x 35 cm; 53 x 68 cm (cornice). "Dipingo fiori, perché non muoiano" (Frida Khalo), così Éric du Bellay definisce il suo lavoro di regista e fotografo. Éric du Bellay ha iniziato a fotografare all'età di 15 anni, sviluppando le proprie foto in bianco e nero. Fin dall'inizio, il suo lavoro si è concentrato su volti e corpi, come se volesse conservare la traccia dei vivi. Ha lasciato la fotografia per intraprendere la carriera di regista. Ha realizzato sei cortometraggi in Francia e in Islanda e il suo primo lungometraggio, Menina Casilda, è stato girato a Madrid nel 2021. È tornato alla fotografia nel 2019 con il progetto Corps Vibrants, nudi realizzati in studio a Parigi, seguito dal suo secondo progetto, Libertad, iniziato a Madrid nel 2021 come risposta alle restrizioni della Pandemia. Influenzato dalle opere di Marina Abramovic, Ren Hang e Ryan McGinley, esplora le rappresentazioni di corpi nudi in movimento. Certificato di autenticità allegato.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 38 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, 1904 - 1989). "Guerriero mitologico" e "Danzatrice surrealista", 1990. Porcellana impreziosita da oro fino. Copie 1259 e 1621, rispettivamente di un'edizione di 5000 esemplari. Allegati i certificati di autenticità e l'atto notarile della casa editrice Galda N. V. Misure: 31 cm (diametri, x2). Coppia di piatti in porcellana smaltata, il cui disegno e ornamento è frutto dell'artista catalano Dalí. Entrambi sono stati realizzati in occasione dell'esposizione del Fondo Internazionale di Pittura a Barcellona l'8 maggio 1990. Durante i primi anni di vita, Dalí scoprì la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove incontrò la famiglia di Ramon Pichot, un artista che si recava regolarmente a Parigi. Seguendo il consiglio di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiorna nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da allora in poi sarebbero diventate distintive di tutta la sua opera. Il suo linguaggio assorbe le influenze di molti stili artistici, dall'accademismo classico alle avanguardie più innovative. In quel periodo il pittore si fece crescere dei vistosi baffi a imitazione di quelli di Velázquez, che sarebbero diventati il suo marchio personale per il resto della vita. Nel 1929 Dalí collabora con Luis Buñuel alla realizzazione di "Un cane andaluso", in cui vengono mostrate scene dell'immaginario surrealista. Nell'agosto dello stesso anno incontra la sua musa e futura moglie Gala. In questo periodo Dalí allestisce regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Il suo lavoro influenzò notevolmente la direzione del surrealismo per i due anni successivi, venendo acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico che si diceva aiutasse ad accedere al subconscio liberando energie artistiche creative. Nel 1931 Dalí dipinse una delle sue opere più famose, "La persistenza della memoria", in cui, secondo alcune teorie, illustrò il suo rifiuto del tempo come entità rigida o deterministica. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. Grazie alla sua prima mostra personale a New York, la sua proiezione internazionale si consolida definitivamente e da quel momento in poi esporrà le sue opere e terrà conferenze in tutto il mondo. Nello stesso anno fu sottoposto a un "processo surrealista" che portò alla sua espulsione dal movimento, perché il pittore riteneva che il surrealismo potesse esistere in un contesto apolitico, rifiutando di impegnarsi nelle idee di André Breton. A questo Dalí rispose con la sua famosa replica: "Io sono il surrealismo". La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Museo Salvador Dalí di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra. Si allegano i certificati di autenticità e l'atto notarile di Galda N. V.

Stima 300 - 350 EUR

Lotto 39 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "Le operazioni di mantenimento della pace delle Nazioni Unite, 1980. Litografia su carta Super Alfa. Copia 190/1500. Allegato certificato di autenticità rilasciato dalla Federazione Mondiale delle Nazioni Unite nel 1980. Incorniciata in vetro da museo. Presenta un timbro a secco della Federazione Mondiale delle Nazioni Unite e un francobollo filatelico commemorativo. Firmato nella lastra e numerato. Misure: 28,5 x 21,7 cm. Joan Miró si forma a Barcellona e debutta individualmente nel 1918, presso le Gallerie Dalmau. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e incontra Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, è il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquista due delle sue opere. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Nel corso della sua vita ricevette numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia e della Fondazione Guggenheim, il Premio Carnegie per la Pittura, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya e delle Belle Arti, e fu nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Attualmente le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, al Museo Thyssen-Bornemisza, al MoMA di New York, al Museo Reina Sofía di Madrid, alla National Gallery di Washington, al MNAM di Parigi e alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo. Questa litografia ci mostra il Miró più essenzialista nella sua ricerca di forme minimali e suggestive. Le gamme limitate a pochi colori applicati su superfici piatte e lucide, si combinano per evocare la comunione lirica dell'uomo e dell'ambiente. Certificato di autenticità rilasciato dalla Federazione Mondiale delle Nazioni Unite nel 1980. Incorniciato in vetro da museo.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 40 - MARK WALLINGER (Chigwell, Inghilterra, 1959). "Fantasma". Serigrafia, copia 422/500. Firmato a mano e numerato sul retro. Misure: 55 x 47 cm; 60 x 52,5 cm (cornice). L'unicorno bianco, figura che spesso simboleggia una purezza irraggiungibile, si impregna nell'opera di Mark Wallinger di connotazioni politiche, suggerendo un approccio ambiguo: il titolo e l'immagine dell'aspetto fotografico ne enfatizzano l'essenza spettrale, di creatura mitica. Ma, allo stesso tempo, suggerisce che l'utopia (gli ideali) continua ad agitarci dentro. L'artista inglese Mark Wallinger è noto per la sua capacità di usare l'arte come strumento di commento sociale e politico, combinando il rigore intellettuale con un profondo senso della storia e della cultura. È emerso come parte della generazione di artisti britannici formatasi negli anni Ottanta e Novanta, spesso associata agli Young British Artists (YBA). Tuttavia, il suo approccio è stato più concettuale e politico rispetto a quello di molti suoi contemporanei. Wallinger affronta questioni di identità, spiritualità e potere, spesso mettendo in discussione l'autorità ed esplorando la soggettività. Il suo lavoro può essere sia diretto che ironico, utilizzando simboli culturali e religiosi per provocare una riflessione. Dopo essere stato nominato per il Turner Prize nel 1995, lo ha vinto nel 2007 per l'installazione State Britain. La sua opera Ecce Homo (1999-2000) è stata la prima a occupare il quarto plinto vuoto di Trafalgar Square. Ha rappresentato la Gran Bretagna alla Biennale di Venezia, a Documenta di Kassel e alla Biennale di Istanbul, tra gli altri eventi artistici internazionali. Labyrinth (2013), una commissione permanente per Art on the Underground, è stata creata per celebrare i 150 anni della metropolitana di Londra. Nel 2018, l'opera permanente Writ in Water è stata realizzata per il National Trust per celebrare il luogo in cui fu firmata la Magna Carta a Runnymede. Ha tenuto mostre presso importanti istituzioni artistiche come la Tate Britain di Londra, il Museum of Modern Art di Francoforte e la Du Mont Foundation di Colonia.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 41 - PABLO GENOVÉS (Madrid, 1959). "La ballerina", 2001. Cibacromia tra metacrilato e alluminio. Copia 3/3. Firmato, datato, titolato e giustificato sul retro. Misure: 187 x 121 cm. I visionari fotomontaggi di Pablo Genovés sono una metafora della scomparsa della civiltà umana sul pianeta. Le sue affascinanti immagini da incubo, in cui la figura umana non è rappresentata, provocano nello spettatore una sensazione di paura e ammirazione e trasmettono l'idea dell'urgenza di stabilire un nuovo rapporto tra l'essere umano e la terra che non sia basato sul suo saccheggio. Pablo Genovés è un fotografo spagnolo che utilizza tecniche fotografiche-digitali e pittoriche. Agli inizi dipingeva direttamente sulle fotografie, aggiungendo abbondanti colori; in seguito ha cambiato i suoi criteri passando al bianco e nero con sporadiche aggiunte di colore. Il suo lavoro esplora i concetti di memoria, passato e realtà; la combinazione di fotografia e pittura conferisce alle sue immagini un carattere proprio. In questa mescolanza di linguaggi, cerca di mostrare i pro e i contro dell'esistenza umana. Alcune delle sue serie fotografiche mostrano spazi architettonici lussuosi (palazzi, biblioteche, teatri) sotto l'effetto delle forze della natura.3 Queste fotografie sono composte da quelle precedenti, anonime, che l'artista ha trovato nei mercati di strada e manipolato digitalmente.

Stima 5 500 - 6 500 EUR

Lotto 42 - VIACHESLAV PLOTNIKOV (Russia, 1962). "Sogni. Olio su tela. Firmato, datato e titolato sul retro. Sul retro è presente un poster della terza edizione di Monaco Fine Arts (2006), in cui questo dipinto è riprodotto. Misure: 140 x 140 cm; 164 x 164 cm (cornice). Una serie di vedute di Monte Carlo e del suo casinò lavorate a grisaglia (in un insieme di seppia che simulano la riproduzione di vecchie fotografie) circondano un ritratto centrale dai colori vivaci di una donna con un cappello esuberante. Con insolito virtuosismo, il pittore simula (utilizzando interamente la tecnica a olio) la giustapposizione di fogli diversi, come se fossero cartoline o fotografie degli anni Venti. Il ritratto mostra una giovane donna con le spalle coperte da una sontuosa stola bianca e piumata. Le mani sono inguainate in lunghi guanti di pelle marrone. Le sue lunghe dita giocherellano con le perle della collana e con l'altra mano accarezza le piume colorate della pamela. Il viso della signora denota eleganza: labbra carminio finemente delineate, sguardo languido color miele, zigomi rosei. L'abilità plastica di Vyacheslav Plotnikov è visibile in ogni angolo urbano e costiero, oltre che nell'enigmatico ritratto. La donna ritratta incarna la raffinatezza della città glamour di Monte Carlo negli anni Venti, data riportata in una delle fotografie a olio del casinò. Vyacheslav Plotnikov è un pittore che vive a Monaco e che ha ricevuto numerosi premi e mostre. È presente nelle collezioni di Monaco e della Francia. È membro del Comitato nazionale monegasco de L'A.I.A.P., U.N.E.S.C.O. Sous le haut patronage de S.A.S. le Prince Souverain Albert II Si è formato all'Accademia di Belle Arti di Roma (1994-1995) e all'Accademia d'Arte di Shtutgardt, Germania (1993). In precedenza, presso l'Istituto Statale d'Arte di Mosca "Surikov" (studente del professor Ilia Glasunov, specialità "Ritratto", 1987-1993). Mostre selezionate: 2017 ,4-6 dicembre - Miami River Art Fair, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2017,dicembre Monaco Auction , Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2017,gennaio Monaco Auction, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2016,dicembre- Miami River Art Fair 2016, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA. 2016,giugno- Asta Monte-Carlo Hotel des Ventes, Monaco 2015,dicembre- Miami River Art Fair 2015, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2015,giugno- Asta di Monaco, Accademia Fine Art Gallery, Hotel Metropole, Monte-Carlo, Monaco. 2015 - Mostra presso Alexander Art Group International Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2015,Maggio- Asta "AmberLoungeFashion", Hotel Meridien, Monte-Carlo, Monaco 2014,Dicembre- Asta BDN2014 Christmas Ball, Monte-Carlo, Monaco 2014,13 Dicembre- Asta Hotel des Ventes de Monte-Carlo, Monaco 2014, 4-7 Dicembre- Miami River Art Fair 2014, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami ,USA 2014 ,2 agosto - Asta russa, MC FINE ARTS Gallery, Hotel de Monte-Carlo Bay, Monaco 2014 Esposizione permanente, Saint Paul de VenceGallery, Francia 2014- Asta russa, Hotel de Paris, MC Fine Arts Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2013, dicembre Asta Hotel de Paris, Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco 2013, ottobre Asta Hotel de Paris, Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 43 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcellona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "L'incantatore di serpenti", 1986. Olio su tela. Firmato e datato in alto a sinistra. Misure: 160 x 200 cm. Pittore, disegnatore, fotografo e incisore di formazione autodidatta, Lluís Claramunt ha trascorso la sua vita tra Barcellona, Madrid, Siviglia, Bilbao e Marrakech, e ha sviluppato un'opera influenzata da Isidre Nonell e segnata da un espressionismo agli inizi, che scomparirà gradualmente fino a diventare una calligrafia minimale. Dagli anni Settanta ha tenuto mostre personali in gallerie importanti come Dau al Set a Barcellona, Quatre Gats a Palma di Maiorca, Juana de Aizpuru a Siviglia o Buades a Madrid, partecipando anche ad Arco (1984, 1988). Ha inoltre realizzato mostre personali a New York, Amsterdam, Graz (Austria) e Lisbona. Inoltre, nel 2012 il suo lavoro è stato esposto nella mostra personale "El viatge vertical", tenutasi al MACBA di Barcellona. Attualmente è rappresentato in quel museo, nella Fundació Vila Casas, nella Collezione La Caixa, nel Museo de Bellas Artes de Álava, nella Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, nel Consejo Superior de Deportes e nel Ministerio de Cultura della stessa città e nella Colección Caja Madrid. Recentemente Claramunt ha esposto presso la prestigiosa galleria Marc Domenech di Barcellona, che ha dedicato la mostra "Luis Claramunt. Años 80" interamente dedicata all'opera dell'artista. L'esposizione, tenutasi nel maggio 2016, presentava più di settanta opere che dimostravano la predilezione dell'artista per gli spazi urbani, rappresentati attraverso una tavolozza totalmente espressionista in cui predomina una tavolozza dinamica e vibrante.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 44 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). Cinque disegni, 1963. Serie di cinque disegni a inchiostro, cera e acquerello su pagine e doppie pagine dell'"Album 19". Ciascuno dei disegni è accompagnato da un certificato di autenticità rilasciato da ADOM. Uno di essi è firmato. Dimensioni: 30,5 x 22 cm (2); 44 x 30,5 cm (3). Serie di cinque disegni di Joan Miró su pagine dell'"Album 19", una cartella di litografie contenente un saggio di Joan Perucho. Si tratta del libretto della mostra tenutasi alla Galleria Sala Gaspar di Barcellona tra il 26 ottobre e il 15 novembre 1963. Joan Miró si forma a Barcellona e debutta individualmente nel 1918 presso le Galeries Dalmau. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e conosce Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza dei poeti e dei pittori surrealisti, matura gradualmente il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista in arte visiva, basata sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. La sua terza mostra a Parigi nel 1928 fu il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquistò due delle sue opere. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Nel corso della sua vita ricevette numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia e della Fondazione Guggenheim di Venezia, il Premio Carnegie per la pittura a Venezia, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya e delle Belle Arti, e fu insignito di dottorati honoris causa dalle università di Harvard e Barcellona. Attualmente le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, al Museo Thyssen-Bornemisza, al MoMA di New York, al Museo Reina Sofía di Madrid, alla National Gallery di Washington, al MNAM di Parigi e alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo.

Stima 30 000 - 35 000 EUR

Lotto 45 - OKOKUME (Mataró, 1985). Qee da 8" dipinto a mano dall'artista. Pezzo unico ed esclusivo. Firmato con pennarello e timbrato. Misure: 22 x 12 x 8 cm. Nel 2012 Swab Barcelona ha presentato il progetto benefico contro l'AIDS, Swab Toy by FLS, in collaborazione con la "Lluita Contra la Sida Fundación Lucha contra el SIDA". Il progetto ha coinvolto 100 artisti e designer che hanno realizzato un intervento artistico su un QEE da 8" fai da te. Il giocattolo in palio è quindi un pezzo personalizzato, unico ed esclusivo, dipinto a mano da Okokume (alter ego di Lau Mas). L'artista si considera parte del movimento artistico Lowbrow (pop surrealism) e film come lo Studio Ghibli (Hayao Miyazaki) l'hanno aiutata a trovare uno stile simile al naïff. È anche influenzata da film come Akira (Katsuhiro Ôtomo), creando personaggi vicini a quelli del film. Qee è una linea di bambole di design creata dal fondatore e presidente di Toy2r Raymond Choy. Nata nel 2002 a Hong Kong, Qee ha rivoluzionato il mondo del design, introducendo l'arte contemporanea nel mercato dei giocattoli in vinile. Con lo slogan "Tutti possono progettare", l'idea identificativa di Choy ha riunito le creazioni di importanti artisti di tutto il mondo, da Eugenio Merino, Emilio García, Albert Pinya o Elenza Monzo, a Chu Uroz, Manuel Ocampo o Max Ripo. In questo modo, ogni artista cattura su queste bambole - una particolare "tela 3D" - il proprio modo di intendere il mondo. Questi curiosi personaggi sono disponibili in varie dimensioni, tra cui 1,5", 2,5", 8", 16", 36" e il Qee da 60". Toy2r offre anche Qee D.I.Y (Do It Yourself) per gli aspiranti designer. Sono articolati, in quanto muovono la testa, le braccia e le gambe. Fin dalla sua nascita, Toy2r ha ricevuto numerosi premi di fama internazionale in tutto il mondo, diventando un'azienda leader nel settore dei giocattoli di design.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 46 - JOSEP GUINOVART (Barcellona, 1927-2007). Senza titolo, 1995. Tecnica mista (olio, materia, piastra, ceci, carbone, cere) su tela. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 76 x 94 cm; 73 x 83 cm (cornice). Nella pittura di Guinovart hanno sempre avuto un'impronta indelebile aspetti della sua biografia legati alle difficoltà della guerra civile. I chicchi di grano e i ceci che l'artista incorpora nelle sue opere, non solo nel periodo informale, ma anche in dipinti successivi come quello di cui ci stiamo occupando, rispondono alla persistenza nella sua memoria di ciò che ha significato emigrare con la famiglia in un piccolo paese di Lleida per rifugiarsi dalla guerra. I prodotti e gli utensili della terra saranno trattati come simboli di resilienza e speranza in contesti sfavorevoli. Allo stesso tempo, la sperimentazione di questi elementi extra-artistici gli conferirà un posto di rilievo nel cuore dell'informalismo materiale. Josep Guinovart si è formato alla Scuola dei Maestri Pittori, alla Scuola di Arti e Mestieri e nelle classi della FAD. Espone per la prima volta individualmente nelle gallerie Syra di Barcellona nel 1948. Acquisisce subito un solido prestigio, collabora con Dau al Set e partecipa ai saloni October, Jazz e Eleven. Negli anni Cinquanta, grazie a una borsa di studio, vive a Parigi, dove conosce a fondo l'opera di Cézanne e Matisse che, insieme a Miró e Gaudí, saranno le sue influenze più importanti. Nel 1955, insieme ad Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies e Tharrats, forma il gruppo Taüll, che riunisce gli artisti d'avanguardia dell'epoca. Verso il 1957 inizia una tendenza informale e astratta, con una forte presenza materica sia attraverso l'incorporazione di vari elementi e oggetti (legno bruciato, scatole, oggetti di scarto) sia attraverso l'applicazione di tecniche come il collage e l'assemblaggio. A partire dagli anni Sessanta si allontana dalla poetica informalista e inizia a creare opere ricche di segni e gesti, che contengono una forte carica espressiva nelle linee e nei colori. Negli anni Settanta utilizza sistematicamente materiali come la sabbia, la terra, il fango, la paglia o il fibrocemento, e nel decennio successivo si concentra sulla sperimentazione della proiezione tridimensionale delle sue opere, che si concretizza nella creazione di ambienti o spazialità come quella intitolata Contorn-extorn (1978). Guinovart ha una produzione artistica molto varia: dipinti murali, scenografie e scenari teatrali, come quello realizzato per le Nozze di sangue di Federico García Lorca, illustrazioni di libri, cartellonistica, arazzi e sculture. Ha partecipato alle Biennali di San Paolo (1952 e 1957), Alessandria d'Egitto (1955) e Venezia (1958, 1962 e 1982), e tra i suoi premi figurano il Premio Città di Barcellona nel 1981, il Premio Nazionale delle Arti Plastiche nel 1990 e il Premio delle Arti Plastiche della Generalitat nel 1990. Nel 1994 è stato inaugurato lo Spazio Guinovart ad Agramunt, Lérida, una fondazione privata che ospita una mostra permanente dell'artista. È presente nei Musei d'Arte Contemporanea di Barcellona, Madrid e Città del Messico, nel Museo di Scultura all'Aperto di Santa Cruz de Tenerife, nel Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, nel Museo de Bellas Artes di Bilbao, nel Museo San Telmo di San Sebastián, nel Museo Eusebio Sempere di Alicante, nel Museo de Navarra di Tafalla, nella Casa de las Américas de L'Avana, nel Museo Bocchum in Germania, nel Museo de Bellas Artes di Long Island, New York, e nel Museo Patio Herreriano di Valladolid.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 47 - JOSEP GUINOVART (Barcellona, 1927-2007). Senza titolo, 1997. Tecnica mista su táblex. Firmato e datato in basso a sinistra. Misure: 50 x 60 cm; 73 x 83 cm (cornice). Negli anni Novanta, quando Guinovart ha già alle spalle una proficua carriera, la sua pittura si libera più che mai dall'adesione a specifici movimenti o stili d'avanguardia. Nell'opera qui esposta, macchie e texture sapientemente distribuite suggeriscono un volto umano di profilo, colto più come assenza che come presenza: come se la sua natura spettrale lasciasse una traccia ineffabile sulla materia. Quest'ultimo è trattato come un palinsesto segnico. Josep Guinovart si è formato alla Escuela de Maestros Pintores, alla Escuela de Artes y Oficios e nelle classi della FAD. Espone per la prima volta individualmente nelle gallerie Syra di Barcellona nel 1948. Acquisisce subito un solido prestigio, collabora con Dau al Set e partecipa ai saloni October, Jazz e Eleven. Negli anni Cinquanta, grazie a una borsa di studio, vive a Parigi, dove conosce a fondo l'opera di Cézanne e Matisse che, insieme a Miró e Gaudí, saranno le sue influenze più importanti. Nel 1955, insieme ad Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies e Tharrats, forma il gruppo Taüll, che riunisce gli artisti d'avanguardia dell'epoca. Intorno al 1957 inizia una tendenza informale e astratta, con una forte presenza materica, sia attraverso l'incorporazione di vari elementi e oggetti (legno bruciato, scatole, oggetti di scarto) sia attraverso l'applicazione di tecniche come il collage e l'assemblaggio. A partire dagli anni Sessanta si allontana dalla poetica informale e inizia a creare opere ricche di segni e gesti, che contengono una forte carica espressiva nelle linee e nei colori. Negli anni Settanta utilizza sistematicamente materiali come la sabbia, la terra, il fango, la paglia o il fibrocemento, mentre nel decennio successivo si concentra sulla sperimentazione della proiezione tridimensionale delle sue opere, che si concretizza nella creazione di ambienti o spazialità come quella intitolata Contorn-extorn (1978). Guinovart ha una produzione artistica molto varia: dipinti murali, scenografie e scenari teatrali, come quello realizzato per le Nozze di sangue di Federico García Lorca, illustrazioni di libri, cartellonistica, arazzi e sculture. Ha partecipato alle Biennali di San Paolo (1952 e 1957), Alessandria d'Egitto (1955) e Venezia (1958, 1962 e 1982), e tra i suoi premi figurano il Premio Città di Barcellona nel 1981, il Premio Nazionale delle Arti Plastiche nel 1990 e il Premio delle Arti Plastiche della Generalitat nel 1990. Nel 1994 è stato inaugurato lo Spazio Guinovart ad Agramunt, Lérida, una fondazione privata che ospita una mostra permanente dell'artista. È presente nei Musei d'Arte Contemporanea di Barcellona, Madrid e Città del Messico, nel Museo di Scultura all'Aperto di Santa Cruz de Tenerife, nel Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, nel Museo de Bellas Artes di Bilbao, nel Museo San Telmo di San Sebastián, nel Museo Eusebio Sempere di Alicante, nel Museo de Navarra di Tafalla, nella Casa de las Américas de L'Avana, nel Museo Bocchum in Germania, nel Museo de Bellas Artes di Long Island, New York, e nel Museo Patio Herreriano di Valladolid.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 48 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcellona, 1941-2023). "L'estany de Natalia", 1981. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 195 x 250 cm; 197 x 252 cm (cornice). Arranz Bravo è stato un artista totale, teorico ed esecutore, fondamentale nello sviluppo dell'avanguardia catalana e spagnola della seconda metà del XX secolo. Il suo lavoro e la sua personalità fanno parte della storia di lotta e rottura degli artisti spagnoli durante gli ultimi decenni del regime di Franco. Arranz Bravo è stato una punta di diamante in questa apertura, in questo rifiuto del manicheismo tradizionalista che ha portato al completo rinnovamento dell'arte spagnola e l'ha collocata nuovamente nell'avanguardia europea. Eduardo Arranz Bravo si forma alla Scuola di Belle Arti di Sant Jordi, a Barcellona, tra il 1959 e il 1962. Debutta individualmente nel 1961, presso l'University Club di Barcellona, ma la mostra che lo fa conoscere alla critica barcellonese è quella organizzata dall'Ateneo di Barcellona nel 1961. Tra il 1968 e il 1970 fa parte del gruppo formato da Gerard Sala, Robert Llimós e Rafael Lozano Bartolozzi. Con questi ultimi ha continuato a collaborare fino al 1982, alternando mostre comuni a mostre individuali. Il contatto con questi artisti ha influenzato il suo stile inizialmente astratto, che si è avvicinato alla nuova figurazione e alla pop art. Ha tenuto mostre in tutta la Spagna, oltre che a Parigi, Amsterdam, Venezia, San Paolo e Rio de Janeiro. Nel 1983 ha tenuto una mostra antologica del suo lavoro alla Sala Gaspar di Barcellona e tra il 1986 e il 1988 ha curato la direzione artistica dei film di Jaime Camino "El balcón abierto" e "Luces y sombras". Partecipa all'VIII Salón de Mayo di Barcellona e alle mostre "Muestra de Arte Nuevo" (Barcellona, 1971), "Picasso 90" (Museo del Louvre, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcellona, 1971-72), tra le altre. Nel 1989 ha presentato una mostra del lavoro degli ultimi tre anni al Museo d'Arte Moderna di San Paolo e un'antologica al Palau Robert di Barcellona. Tra i suoi riconoscimenti figurano la II Biennale Internazionale dello Sport, il premio di figura della Biennale Estrada Saladich e il premio di disegno Ynglada-Guillot. Le sue opere si trovano al Museo Reina Sofia di Madrid, ai Musei di Belle Arti di Vitoria e Siviglia, al Museo di San Paolo e al Museo d'Arte Moderna di New York.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 49 - MANOLO MARTÍN (1946-2005). "Bulldog e Guernica", 2001-2002 circa. Fibra di vetro e acrilico. Allegato certificato rilasciato da Don Manuel Martin, figlio dell'autore. Presenta lievi danni. Misure: 37 x 66 x 38 cm. La figura di un cane funge da base o da tela per il Guernica di Picasso. L'uso di personaggi ispirati alla cultura urbana come protagonisti, in questo caso il cane, ci avvicina a un linguaggio di chiara estetica pop, anche se la presenza iconica delle figure di Guernica, ci porta alle avanguardie di inizio secolo, dando così una confluenza tra le due correnti artistiche più importanti del Novecento. Con quest'opera l'autore offre allo spettatore una nuova prospettiva, poiché fornisce una visione radicalmente nuova giocando con elementi della cultura alta e bassa del mondo dell'arte. Manolo Martín è stato un artista fallas che ha iniziato la sua formazione nell'atelier di Manuel Guinart, combinando il suo apprendistato nell'arte delle fallas con la pubblicità e la decorazione. Nel 1971 inizia la sua carriera da solista e nel 1976 realizza la sua prima falla di grandi dimensioni. Solo due anni dopo presenta "El circo de la Vida", nelle fallas di Valencia e nel 1982 grazie all'opera "Los siete pecados capitales" (I sette peccati capitali) ottiene un grande riconoscimento. Nel 1985 partecipa al Salone Internazionale del Fumetto, aprendo così il suo campo d'azione artistica ad altri settori. Questa nuova esperienza influisce direttamente sul suo stile, che abbandona il suo carattere più classico e tradizionale a favore di una maggiore modernità, con la collaborazione di illustratori come Sento LLobell, Antonio Ortiz o i disegnatori Francis Montesinos e Valentín Herraiz. Nel corso della sua carriera collaborò con artisti come Antonio Miralda, Javier Mariscal, Carmen Calvo, Miguel Navarro, Manolo Valdés, Quino, Daniel Torres, Chema Cobo, Jean Jacques Lebel e Sigfrido Martín Begué. Allegato certificato rilasciato dal signor Manuel Martín, figlio dell'autore. Leggermente danneggiato.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 50 - CARMEN CALVO (Valencia, 1950). "Zurbarán", 1989. Tecnica mista, corda e tela su tavola. Timbro di presentazione sul retro della Galleria Nave 10 (Valencia). Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 110 x 60 cm; 120 x 67,5 cm (cornice). Il titolo di quest'opera ci fornisce una chiave di lettura che permette a noi spettatori di comprendere le influenze estetiche dell'artista e la loro risignificazione in un linguaggio e in un contesto contemporaneo. Carmen Calvo ha realizzato numerose opere ispirate alla pittura spagnola del Secolo d'Oro: Sánchez Cotán, Zurbarán e poi le Pitture nere di Goya". Questo concetto è espresso direttamente dalla Calvo, che ha dichiarato alla rivista Makma (4 luglio 2022): "Quello che faccio è manipolare gli oggetti incorporandoli in un altro contesto e in un altro modo di vedere. I manichini, per esempio, sono stati trattati fin dal Rinascimento, e poi anche Picasso o Breton hanno lavorato su di loro manipolandoli. Tutto è stato inventato qui. Mi riferisco anche a Zurbarán, alle antiche nature morte, e basta, perché vengo da una formazione classica". Partendo dal nome del pittore Zurbarán (1633-1635), possiamo osservare una grande influenza della maestria del bianco che ha reso famoso Zurbarán, visibile in opere come "Omaggio a Sant'Hugo nel refettorio dei Certosini, 1630-1635 (Museo di Belle Arti di Siviglia) o San Serapio (Wadsworth Atheneum, Hartford). Inoltre, la corda che attraversa l'opera di Carmen Calvo può ricordare la cintura del "San Francesco in piedi che contempla un teschio" (Museo del Prado), dove tre nodi rappresentano i tre voti dell'ordine. Carmen Calvo ha studiato presso le Scuole di Arti e Mestieri e di Belle Arti di Valencia, diplomandosi in pubblicità nel 1970. In seguito amplierà la sua formazione grazie alle borse di studio del Ministero della Cultura (1980), della Casa de Velázquez di Madrid (1983-85) e del Ministero degli Affari Esteri, per la sua residenza a Parigi (1985-92). In questi anni Calvo inizia a ricevere riconoscimenti, come il I Premio di pittura LaSalle Seiko di Barcellona (1985), il Premio Alfons Roig della Diputación Valenciana (1989), una borsa di studio nella I Biennale Martínez Guerricabeitia dell'Università di Valencia (1989) e la selezione per la XLVII Biennale di Venezia (1997). L'artista ha iniziato la sua attività espositiva nel 1969, partecipando a una collettiva presso il Círculo Universitario de Valencia. Ha debuttato individualmente nel 1976 presso la galleria Temps della sua città natale e da allora ha esposto individualmente in varie città della Spagna e degli Stati Uniti, oltre che in altri Paesi d'Europa, America e Africa. Le opere di Carmen Calvo sono attualmente presenti in istituzioni artistiche, musei e collezioni private di tutto il mondo, tra cui il Guggenheim Museum di New York, il Reina Sofia di Madrid, il Marugame Hirai di Kobe, il MACBA di Barcellona, il Fonds National d'Art Contemporain di Parigi, l'IVAM di Valencia, la collezione della Chase Manhattan Bank di New York, ecc.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 51 - PER KIRKEBY (Copenaghen, 1938-2018). Senza titolo. Bronzo. Esemplare 1/6. Firmato e giustificato. Misure: 23 x 28 x 15,5 cm. Kirkeby ha iniziato a lavorare con la scultura all'inizio degli anni Ottanta, dopo una crisi nel campo della pittura. Le sue opere scultoree hanno permesso all'artista di esplorare l'anatomia e la natura. La materia viene modellata in forme instabili che sembrano emergere senza forma. La rappresentazione è qui esplorata come luogo di linearità, dove le forme vengono estratte e ritratte dal caos della materialità, per poi ricadere in essa, come se ordinasse al bronzo di risorgere. Il tema della forma è un leitmotiv dell'opera scultorea dell'artista: porte, grotte, fessure e aperture simili ricorrono ovunque. Per Kirkeby è stato un pittore, poeta, regista e scultore danese. Nel 1957 Kirkeby ha iniziato a studiare storia naturale all'Università di Copenhagen. Come assistente di ricerca, compie diversi viaggi in Groenlandia nel 1958, 1959 e 1960. Nel 1962 inizia a studiare presso la Scuola sperimentale d'arte di Copenaghen. Durante questo periodo ha lavorato con diversi media: pittura, arti grafiche, film in 8 millimetri e performance. Quando nel 1964 Kirkeby consegue un master in geologia artica presso l'Università di Copenhagen, fa già parte dell'importante scuola d'arte sperimentale "eks-skolen". L'interesse per la geologia e altri aspetti del mondo naturale è stato fondamentale e caratteristico della sua arte. Kirkeby ha unito il suo lavoro di pittore, scultore, scrittore e incisore a produzioni teatrali, progettando la scenografia per la produzione del New York City Ballet del 1999 del Lago dei cigni e la scenografia e i costumi per la produzione del 2007 di Romeo e Giulietta. Nel 1977 ha pubblicato Fliegende Blätter. Nel 1988 ha pubblicato un libro di saggi sulle opere di Delacroix, Manet e Picasso. Kirkeby ha insegnato come docente all'Accademia di Belle Arti di Karlsruhe dal 1978, al Karlsruhe Institute of Technology (1978-1989) e alla Städelschule di Francoforte (1989-2000). Nel 1996 ha collaborato come pittore a tre film del regista Lars von Trier, creando i titoli dei capitoli Breaking the Waves e Antichrist, nonché gli effetti visivi dell'ouverture di Dancer in the Dark. Nel 1990 ha ricevuto il NORD/LB Art Prize, sei anni dopo il Coutts Foundation Prize for Contemporary Art e l'Henrik Steffens Prize. Nel 1997 è stato nominato Cavaliere dell'Ordine di Dannebrog e nel 2003 ha ricevuto il premio Herbert Boeckl alla carriera. Le sue opere sono presenti in numerose importanti collezioni pubbliche, tra cui la Tate, il Metropolitan Museum of Art, il Museum of Modern Art e il Centro Pompidou.

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 52 - MANOLO VALDÉS BLASCO (Valencia, 1942). "Signora iberica", 2003. Ceramica su base di poliestere e fibra. Esemplare I/II. Allegato certificato di autenticità rilasciato dall'autore. Misure: 165 x 130 x 150 cm. Il modello originale della "Dama iberica" di Valdes è una scultura composta da 22.000 teste di ceramica blu, di 20 cm, montate su una struttura metallica. La scultura, collocata al centro di una fontana, è alta 18 m su un piedistallo di cemento, mentre i pezzi laterali hanno un diametro di 16 m. Si trova a Valencia, all'incrocio tra Avenida de Las Cortes Valencianas e Calle La Safor. È stata inaugurata nel febbraio 2007 e la sua realizzazione è stata resa possibile grazie all'accordo di patrocinio firmato dal Comune di Valencia, da Manolo Valdés e dai promotori Lladró e Vallehermoso. Nelle parole di Rafael Rivera, "La Dama Ibérica di Manolo Valdés è una scultura di sculture, un pezzo composto da altri pezzi di ceramica blu, di dimensioni più piccole ma di formalizzazione simile, collocati in un ordine nascosto per comporre il pezzo più grande. Sono tutti anonimi, identici, ma essenziali. La luce, il riflesso, il colore, la trasparenza, il vuoto, sono gli altri elementi, incorporei, che compongono molte sculture nella scultura, immagini diverse che ci parlano del giorno e della notte, del sole e della luna, dell'alba e del tramonto. Nessuno sguardo è uguale all'altro, nessuna percezione può essere ripetuta, e ogni volta che alziamo la testa per contemplarla avremo l'impressione di vederla per la prima volta". Manolo Valdés ha introdotto in Spagna una forma di espressione artistica che unisce l'impegno politico e sociale all'umorismo e all'ironia. La sua formazione inizia nel 1957, quando entra nella Scuola di Belle Arti San Carlos di Valencia. Tuttavia, due anni dopo abbandona gli studi per dedicarsi completamente alla pittura. Nel 1964 fonda il gruppo artistico Equipo Crónica, insieme a Juan Antonio Toledo e Rafael Solbes, nel quale rimane fino alla morte di quest'ultimo nel 1981, nonostante Toledo avesse lasciato il gruppo due anni dopo la sua fondazione. Da allora si è stabilito a New York, dove attualmente risiede e dove ha continuato a sperimentare nuove forme espressive, tra cui la scultura. Tra i numerosi riconoscimenti che Manolo Valdés ha ricevuto ci sono il Lissone e il Biella di Milano (1965), la medaglia d'argento della II Biennale Internazionale di Incisione di Tokyo (1979), il premio del Bridgestone Art Museum di Lisbona (1979), il Premio Nazionale di Arti Plastiche (1983), la medaglia del Festival Internazionale degli Artisti Plastici di Baghdad (1986), la Decorazione dell'Ordine di Andres Bello in Venezuela (1993), il premio del Consiglio Nazionale di Monaco (1997), la Medaglia d'Oro al Merito delle Belle Arti (1998), il Premio dell'Associazione Spagnola dei Critici d'Arte (2000) e il Premio al Miglior Artista della Stampa (2002), tra gli altri. Con Equipo Crónica, Valdés ha utilizzato la figurazione come veicolo espressivo per i suoi approcci, per le sue critiche all'arte, alla società e alla politica, ma privilegiando al di sopra di ogni altro contenuto l'atto pittorico puro. Dal punto di vista tematico, Valdés si ispira all'arte dei grandi maestri della pittura: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera o Zurbarán, e non nasconde mai i suoi modelli, ma li enfatizza, persino nei titoli delle sue opere. Formalmente, crea un'opera di grande formato in cui luci e colori esprimono valori tattili, grazie al trattamento riservato ai materiali. Il suo lavoro costringe l'osservatore a scavare nella memoria e a cercare immagini significative della storia dell'arte. Valdés è rappresentato in alcuni dei più importanti musei del mondo, come il Reina Sofía di Madrid, il Metropolitan, il MoMA e il Guggenheim di New York, il Centro Georges Pompidou e il Fons National d'Arts Plastiques di Parigi, la Kusnthalle di Amburgo, il Kunstmuseum di Berlino e il Museo de Bellas Artes di Bilbao, tra i tanti.

Stima 350 000 - 400 000 EUR

Lotto 53 - JOSE MARIA MIJARES (L'Avana, 1921-2004). "Uccello. Olio su tela. Certificato allegato María Antonia Cabrera de Mijares. Provenienza Doña María Antonia Cabrera de Mijares, vedova dell'artista. Misure: 90 x 121 cm; 117 x 150 cm (cornice). In quest'opera i riferimenti autoctoni si fondono con il linguaggio formale appreso in Europa per produrre opere in cui compaiono già i personaggi del pantheon yoruba che popoleranno gran parte della sua produzione successiva. La scuola cubana del XX secolo si caratterizza per aver abbracciato l'avanguardia europea e per aver sviluppato, su questa base, un proprio linguaggio. Questa corrente generalizzata di artisti formatisi in Europa, che tornarono a Cuba, significò un grande impulso artistico per il Paese. Grazie a pittori che hanno fuso le loro radici ed esperienze, creando così un nuovo linguaggio personale e indipendente, come si può vedere nella rappresentazione di questo uccello. Un simbolo che fu utilizzato in diverse occasioni da Mijares, che ricorse al simbolismo dell'uccello come protagonista di alcune sue composizioni. Mijares, considerato uno dei grandi artisti cubani e latinoamericani del XX secolo, ha studiato alla Scuola Nazionale di Belle Arti San Alejandro dell'Avana, dove ha insegnato. Tra i suoi insegnanti c'erano Romanach, Menocal, Valderrama, Ramon Loy, Caravia e altri. È stato lo stesso Mijares a riconoscere che uno dei suoi insegnanti più influenti è stato Ponce, che lo ha aiutato a sviluppare il proprio stile espressivo. È stato membro del gruppo Diez Pintores Concretos. Tra il 1968 e il 1973 è stato membro del Grupo Gala di Miami, dove si è stabilito all'età di 47 anni. Ha diretto la rivista Alacrán Azul di Miami. Ha tenuto la sua prima mostra al Liceo dell'Avana (1947). Negli anni Ottanta espone a Coral Gables, in Florida, dove ribadisce la sua presenza. Nel 1994 il Museo Cubano di Arte e Cultura di Miami gli ha dedicato una retrospettiva. Anche la Galleria Alfredo Martinez di Coral Gables ne organizzerà una ontologica nel 1996. Per quanto riguarda le mostre collettive, vale la pena ricordare la sua partecipazione alla Biennale di Venezia del 1952. È rappresentato dalla Cintas Foundation di New York, dal Loewe Art Museum, in Florida, dal Museum of Modern Art of Latin America di Washington e dal Museum of Modern Art di New York. Il meritato riconoscimento di Mijares deriva soprattutto dal saper armonizzare la sua vocazione universale con la ricerca di un linguaggio cubano autoctono. Le sue opere si caratterizzano per illustrare uno stile artistico personale ed espressivo, con una poetica particolare che valorizza allo stesso tempo la versatilità delle sue risorse plastiche e una squisita sensibilità nel trattare temi diversi. A volte partendo da un postcubismo colorato attraverso il quale entra praticamente nell'astrazione, ma senza perdere il filo referenziale. Nel dicembre 2001 la Florida International University ha conferito a Mijares un dottorato onorario in Belle Arti. Nel 2002 ha aperto la Mijares Gallery a Coral Gables, dove sono state esposte le sue ultime opere. Allegato certificato María Antonia Cabrera de Mijares.

Stima 9 500 - 10 000 EUR

Lotto 54 - ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). "Signora, 1956. Inchiostro su carta. Presenta l'etichetta della Galleria Van de Loo, Monaco. Incorniciato in vetro da museo. Firmato e datato in alto a destra. Misure: 75 x 52,5 cm; 95 x 73 cm (cornice). Sul retro di quest'opera si può apprezzare un'etichetta informativa della Galleria Van de Loo di Monaco. Il contatto di Saura con questo importante spazio artistico avvenne grazie all'amicizia con Rodolphe Stadler di Parigi, che presentò l'artista a Pierre Matisse a New York e a Otto Van de Loo di Monaco, favorendo così l'internazionalizzazione dell'opera di Saura. In questo dipinto la tradizione pittorica spagnola viene recuperata attraverso la realizzazione di un ritratto. Per questo utilizza una gamma cromatica scura, un personaggio ritratto rivolto verso lo spettatore e uno sfondo neutro che permette di monumentalizzare e mettere in risalto la figura del protagonista; caratteristiche che si sono affermate nell'arte spagnola attraverso pittori come El Greco, Velázquez, Goya o Solana. Ma nonostante ciò, Saura non cerca di ricreare schemi consolidati, bensì di andare oltre e dare vita a un ritratto che fugge dal figurativo e prende contatto con altre correnti artistiche come l'astrazione, attraverso un'estetica del tutto personale. Uno sguardo pittorico che parte dalla tradizione e unisce la maestria di Saura a quella dei grandi maestri. Riuscendo così non solo a creare un ritratto espressivo, dinamico ed esacerbato attraverso la sua tecnica, ma anche a contestualizzarsi nella contemporaneità, come uno dei grandi artisti spagnoli. Un ritratto molto simile al presente, intitolato "Lola" e realizzato nello stesso anno, il 1956, si trova nella collezione artistica del Museo Nacional y Centro de Arte Reina Sofía di Madrid. Autodidatta, Antonio Saura inizia a dipingere e a scrivere a Madrid nel 1947. Tre anni dopo tiene la sua prima mostra personale alla libreria Libros di Saragozza, esponendo una serie di opere sperimentali ("Constelaciones" e "Rayogramas"), realizzate durante la lunga malattia che lo tiene immobilizzato dal 1943, per un periodo di cinque anni. Nel 1952 realizza la sua prima mostra a Madrid, presso la libreria Buchholz, dove espone le sue opere giovanili, oniriche e surrealiste, e nello stesso anno visita per la prima volta Parigi, stabilendosi in città. Qui il suo lavoro viene influenzato da artisti come Miró e Man Ray, e si dedica alla realizzazione di dipinti su tela e carta di natura organica, utilizzando varie tecniche. La rottura con il gruppo surrealista gli permette di aprirsi ad altre modalità di creazione, dove inizia a manifestarsi l'evoluzione che sta subendo il suo lavoro, che si orienta verso una pittura istantanea di tratti gestuali e di tavolozze ridotte di carattere selettivo, dove l'informalismo gioca a depistare tra suggestive espressioni di linea e colore. Debutta a Parigi nel 1957, presso la Galleria Stadler, nello stesso anno in cui fonda il gruppo El Paso. L'anno successivo partecipa alla Biennale di Venezia in compagnia di Chillida e Tàpies, nel 1960 riceve il Premio Guggenheim a New York e nel 1963 si tengono le prime retrospettive allo Stedelijk Museum di Eindhoven, al Rotterdamsche Kunstring e ai musei di Buenos Aires e Rio de Janeiro (opere su carta). Le mostre retrospettive di Saura si ripetono per tutta la sua carriera, sia in Spagna che in Europa e in America. Nel 1966 espone all'Institute of Contemporary Arts di Londra e partecipa alla Biennale dell'Incisione "Bianco e Nero" di Lugano, vincendo il Gran Premio. L'anno successivo si stabilisce a Parigi, pur lavorando e trascorrendo tutte le estati a Cuenca, pilastro fondamentale della sua produzione fin dai primi anni. È rappresentato nei più importanti musei d'arte contemporanea nazionali e internazionali, tra cui la Neue Nationalgalierie di Berlino, il Guggenheim di Bilbao, il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, l'Albright-Knox Art Gallery di Buffalo, il Guggenheim e il Metropolitan di New York, il Centre Georges Pompidou di Parigi e la Tate Gallery di Londra. Incorniciato in vetro da museo.

Stima 30 000 - 35 000 EUR

Lotto 55 - B. PRABHA (India, 1933-2001). "La donna indiana. 1987. Olio su tela (senza telaio). Firmato sul margine sinistro. Allegato certificato di autenticità rilasciato da Nayana Salmalkar. Misure: 90 x 60,5 cm. Le donne pensierose, eleganti e stilizzate come quella che mostriamo qui, popolano gran parte dei dipinti di B. Prabha. Donne indiane di ambienti rurali, collocate in luoghi appena insinuati (qui, sedute sul grezzo cornicione di un albero millenario) e con una tavolozza quasi monocromatica con predominanza di colori terrosi e terra di Siena. B. Prabha è stato un prolifico artista indiano. Ha partecipato a più di 50 mostre. Le sue opere fanno parte di importanti collezioni d'arte, come la National Gallery of Modern Art of India, la TIFR Art Collection e la Air India Art Collection. Prabha ha iniziato a lavorare in un periodo in cui le donne artiste in India erano poche. Si è ispirata al lavoro di Amrita Sher-Gil. Come Sher-Gil, le protagoniste delle opere di Prabha sono spesso donne. La condizione delle donne rurali l'ha commossa e alla fine sono diventate il soggetto principale del suo lavoro. In un'intervista a Youngbuzz India, ha dichiarato: "Non ho ancora visto una sola donna felice". Anche i suoi dipinti coprivano un'ampia gamma di soggetti, dai paesaggi alle questioni sociali come la siccità, la carestia e i senzatetto. B. Prabha è cresciuta nel piccolo villaggio di Bela, vicino a Nagpur, nel Maharashtra. Ha studiato alla Nagpur School of Art, prima di trasferirsi a Bombay con una borsa di studio, dove ha conseguito il diploma in pittura e pittura murale presso la Sir J. J. J. School of Art nel 1954. Lì incontra il marito, l'artista e scultore B. Vithal, che sposa nel 1956. In occasione della sua prima mostra, tenutasi mentre era ancora una studentessa della scuola d'arte, Homi J. Bhabha, eminente scienziato nucleare e mecenate delle arti, acquistò tre dipinti di Prabha per la collezione d'arte del Tata Institute of Fundamental Research. Lo stile formale caratteristico di Prabha si sarebbe presto spostato dall'astrazione moderna a una figurazione più decorativa. "Air India acquistò il suo primo lotto di sei dipinti per 87,50 rupie nel 1956 da B. Prabha, allora ancora giovane laureato in arte. Prabha entrò nel dipartimento artistico di Air India e chiese se la compagnia avrebbe acquistato alcuni dei suoi dipinti di donne indiane. I funzionari accettarono e nacque una nuova collezione d'arte. La "Collezione Maharaja", come venne chiamata, si espanse fino a raggiungere le 4.000 opere nei sei decenni successivi e oltre, diventando una delle più importanti collezioni d'arte dell'India. La collezione, iniziata con Prabha, mirava a portare un po' di India, sia del passato che del presente moderno, negli uffici e negli spazi della compagnia aerea in tutto il mondo. Si allega il certificato di autenticità rilasciato da Nayana Salmalkar.

Stima 20 000 - 22 000 EUR

Lotto 56 - TANIA FONT (Palamós, Catalogna, 1978). "In decostruzione XV". Cemento, ferro, legno, carta e diverse patine. Firmato sul retro. Misure: 70 x 64 x 40 cm. Tania Font esplora con il suo lavoro la mancanza di comunicazione. Gli impatti della realtà (rumori, fenomeni climatologici, impatti sentimentali o vitali) nella mente degli individui attraverso lo sguardo soggettivo, l'esperienza personale raccontata con il volume invece che con il testo o le parole. Tania Font si è laureata in Belle Arti, specializzandosi in disegno presso la Facoltà di Belle Arti di San Jordi a Barcellona, formazione che ha completato con numerosi corsi di creazione digitale, gioielleria e tecniche ceramiche. Si è inoltre formata, tra gli altri, con il pittore Manel Alcántara e lo scultore Rodrigo Gordo. È entrata in contatto con l'arte al Círculo Artístico de Palamós, dove ha iniziato a lavorare con il disegno come allieva di Eduard de Cabrera. È stata allieva del pittore paesaggista Isidre Vilaseca. Ha tenuto la sua prima mostra collettiva presso la Galleria Patrick Domken di Cadaqués. È stata residente della fabbrica di creazione Nau Bostik. Ha collaborato alla mostra monografica di Josep Clarà al Museo Can Mario della Fondazione Vila Casas nel 2020. Ha inoltre partecipato a fiere come Estampa, Volta Art Fair Basel, Art Montpellier.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 57 - ANDY WARHOL (Pittsburgh, USA, 1928 - New York, USA, 1987). "Lillian Carter, 1977. Grafite su carta. Firmato sul retro. Provenienza: Christie's: American Pastimes-Sports & Politics. Quest'opera proviene dall'Estate di Andy Warhol e, da lì, dalla Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Christie's manterrà un database di quest'opera che sarà utilizzato per corroborare la provenienza in futuro e fornire informazioni rilevanti per il Catalogo Raissoné di Andy Wahol. In allegato il certificato di autenticità rilasciato dalla Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Misure: 103,8 x 51,4 cm; 125 x 92 cm (cornice). Warhol era affascinato dall'ambiguo confine tra politica e concetto di fama. Di conseguenza, ha dato la sua interpretazione del tema fondendo due mondi apparentemente non così distanti. Proiettò e influenzò l'idea di celebrità nei suoi ritratti, compresi quelli di politici come il figlio di Lillian Carter, Jimmy Carter, Presidente degli Stati Uniti, e di lei stessa. Artista visivo americano che divenne il più noto rappresentante della Pop Art, una tendenza artistica in voga negli anni Cinquanta e Sessanta ispirata alla cultura di massa. Figlio di immigrati slovacchi, inizia gli studi artistici al Carnegie Institute of Technology tra il 1945 e il 1949. In quest'ultimo anno inizia la sua carriera di vignettista pubblicitario per diverse riviste come Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen e The New Yorker. Contemporaneamente dipinge tele con temi quotidiani, pubblicitari e comici. Ben presto inizia a esporre in varie gallerie. Elimina progressivamente ogni tratto espressionista dal suo lavoro fino a ridurlo a una ripetizione seriale di un elemento popolare della cultura di massa, del mondo del consumismo o dei media. Questa evoluzione raggiunge il suo apice di spersonalizzazione nel 1962, quando inizia a utilizzare come metodo di lavoro un processo meccanico di serigrafia, attraverso il quale riproduce sistematicamente i miti della società contemporanea, i cui esempi più rappresentativi sono le serie dedicate a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor e Mao Tse-tung, oltre al suo famoso trattamento delle lattine di zuppa Campbell's, tutte opere realizzate durante il fecondo decennio degli anni Sessanta. L'uso di immagini di massa, facilmente riconoscibili da ogni tipo di pubblico, come le già citate lattine di zuppa o le bottiglie di Coca-Cola, divenne una delle caratteristiche più interessanti e stabili di tutta la sua produzione. In altre occasioni ha rappresentato crudamente situazioni reali, come incidenti, risse in strada, funerali o suicidi; all'interno di questo tema, Sedia elettrica è una delle sue opere più significative. Questo appropriazionismo, una costante nel lavoro dei sostenitori della Pop Art, si estese alle opere d'arte universali di autori come Raffaello Sanzio, Giorgio de Chirico, Edvard Munch e Leonardo da Vinci. Attraverso la riproduzione di massa, riuscì a spogliare i feticci mediatici che utilizzava dei loro referenti abituali, trasformandoli in icone stereotipate dal significato decorativo. Nel 1963 fonda la Factory, un laboratorio in cui riunisce numerose figure della cultura underground newyorkese. La frivolezza e la stravaganza che contraddistinguono il suo stile di vita stabiliscono una linea coerente tra il suo lavoro e la traiettoria della sua vita; il suo aspetto peculiare, androgino e perennemente sormontato da una caratteristica frangia bionda, finisce per definire una nuova icona: l'artista stesso. È stato uno dei primi artisti a sfruttare consapevolmente la propria immagine a fini autopromozionali; attraverso un processo di identificazione, ha acquisito agli occhi del pubblico il significato di un prodotto pubblicitario qualsiasi. Nel 1963 inizia una carriera cinematografica basata sugli stessi principi del suo lavoro plastico (come la reiterazione visiva), talvolta con un forte contenuto sessuale ed erotico.

Stima 20 000 - 25 000 EUR

Lotto 58 - JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). "Le visage volé", 2021 Acquaforte, copia 24/50. Firmata e giustificata a mano. Misure: 21 x 15 cm (stampa); 41 x 32 cm (cornice). Jaume Plensa ha studiato alla Scuola di La Llotja e alla Scuola Superiore di Belle Arti di Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto per la scultura, il disegno e l'incisione. Il suo lavoro si concentra sulla relazione tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerose onorificenze, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, conferito dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei maggiori rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 1 400 - 1 600 EUR

Lotto 59 - EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Vizcaya, 1938 - Madrid, 2003). "Abbraccio", 1997. Serigrafia su carta, copia 74/75. Firmato, datato e giustificato a mano. Misure: 76 x 57 cm; 94 x 75 cm (cornice). Seguendo la sua particolare estetica, Úrculo compone le sue opere attraverso oggetti enigmatici e figure indeterminate e anonime che, ispirandosi lontanamente alle illustrazioni di moda e ai manifesti art déco, evocano un'intera gamma dell'immaginario popolare contemporaneo. Pittore e scultore, uno dei migliori esponenti della pop art in Spagna, Eduardo Úrculo inizia a dipingere da bambino, senza alcuna formazione artistica, e nel 1957 pubblica le sue prime strisce illustrate sul giornale di Oviedo "La Nueva España". Poco dopo si trasferisce a Madrid e inizia a prendere lezioni al Círculo de Bellas Artes. In questi anni si guadagna da vivere come illustratore e scenografo e coltiva una pittura improntata all'espressionismo sociale. Nel 1959 si reca a Parigi, dove approfondisce la sua formazione all'Académie de la Grande Chaumière. Nella capitale francese lavora come grafico e incontra Eduardo Westerdahl, la cui influenza fa evolvere la sua pittura verso l'astrazione. Tuttavia, quattro anni dopo torna alla figurazione e alla critica sociale. Nel 1967 compie un viaggio nel Nord Europa ed è allora che entra per la prima volta in contatto con il pop americano. Da quel momento in poi, l'opera di Úrculo sarà caratterizzata da un realismo basato su una colorazione molto vivace e, fino agli anni Settanta, da temi erotici, satirici e critici. Negli anni Ottanta vive a New York, dove realizza importanti progetti. Nel 1992 torna a Parigi. In quest'ultimo periodo aggiunge al suo repertorio il tema del viaggiatore che si confronta con la grande città moderna, variante ironica della figura del romantico sopraffatto dal paesaggio. Questa evoluzione formale è stata testimoniata dalle numerose mostre individuali che ha tenuto in tutto il mondo a partire dal 1959, nonché dalle antologie (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, e Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000). Attualmente Úrculo è presente in numerosi musei e collezioni d'arte moderna, tra cui il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Galleria Nazionale d'Arte Moderno di Roma, la Biblioteca Nacional de Madrid, il Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, le collezioni AENA, Testimoni e Fundesco, il Museo del Dibujo Castillo de Larrés, il Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés e altri.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 60 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Pied el lettres", 1976. Acquaforte e acquatinta su carta, esemplare 46/50. Firmata e giustificata a matita. Misure: 40 x 50 cm (stampa); 56 x 76 cm (carta); 77,50 x 97 cm (cornice). Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, Tàpies inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la prima mostra personale alle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Nel 1953 tiene una mostra personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi, le sue mostre, sia collettive che individuali, si tengono in tutto il mondo, in gallerie e musei di rilievo come il Guggenheim di New York o il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologiche a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. È da notare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 61 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Masque mobile", 1962. Bronzo. Edizione corrente di sei esemplari. Firmato e giustificato. Misure: 28 x 15 x 4 cm; 10 x 6 x 6 x 6 x 6 cm (base). Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Il suo prestigio internazionale è già grande quando inizia a essere riconosciuto in Spagna, dopo la mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 1 900 - 2 000 EUR

Lotto 62 - VICTOR VASARELY (Pécs, Ungheria 1906 - Parigi, Francia 1997) "Plurale", 1985. Litografia su carta Arches. Copia 190/1500. Incorniciata in vetro da museo. Presenta timbro a secco della Federazione Mondiale delle Nazioni Unite. Firmata e numerata. Misure: 28,5 x 21,7 cm. Considerato padre della Op Art, Victor Vasarely inizia la sua formazione artistica nella scuola di Muheely, fondata a Budapest da uno studente del Bauhaus. Nel 1930 si stabilisce a Parigi, dove crea quella che oggi è considerata la prima opera Op Art, "Zebra" (1937). A Parigi lavora come grafico per agenzie pubblicitarie. In questo periodo il suo stile artistico varia dall'espressione figurativa, verso un tipo di arte astratta costruttiva e geometrica, interessata alla rappresentazione della prospettiva senza punti di fuga.Tra il 1936 e il 1948 partecipa regolarmente al Salon des Surindependents e al Salon des Nouvelles Réalités. Dal 1948 espone regolarmente alla Galleria Denise René. Negli anni Cinquanta il suo lavoro si avvicina all'uso di nuovi materiali e supporti come l'alluminio o il vetro. Allo stesso modo inizia a realizzare opere di integrazione con lo spazio, come Omaggio a Malevich. Negli anni Sessanta partecipa a numerose mostre collettive, come The Responsive Eye al Museum of Modern Art di New York, e a mostre personali in Europa e in America. Tra i numerosi riconoscimenti ricevuti nel corso della sua vita, spiccano il Premio Guggenheim (1964), il Premio della Critica d'Arte di Bruxelles e la medaglia d'oro alla Triennale di Milano. Nel 1970 è stato anche nominato Cavaliere dell'Ordine della Legion d'Onore. È presente nei musei a lui dedicati di Aix-en-Provence, Pécs e Budapest, ma anche nei più importanti centri d'arte contemporanea del mondo, come la Tate Gallery di Londra, il MoMA di New York, il Guggenheim di Venezia o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 350 - 400 EUR

Lotto 63 - FRÉDÉRIC BRULY (Zéprégüé, Costa d'Avorio, 1923 - Abidjan, Costa d'Avorio 2014). "Un bel homme courant vers son amant", 2008. Penna a sfera e pastelli su cartone. Firmato e datato sul retro. Provenienza: Collezione privata / Famiglia dell'artista. Misure: 25,5 x 18 cm. Durante la Seconda guerra mondiale, Bruly lavora come marinaio nella Marina francese nelle Antille. Alla fine della guerra fu impiegato sulla ferrovia Dakar-Niger a Rufisque (Senegal). Lasciato il servizio ferroviario nel dicembre 1945, iniziò a lavorare come impiegato nel servizio di identità giudiziaria della "sicurezza generale in Africa occidentale", a Dakar. Da lì è stato assegnato, nel 1958, alla direzione della sicurezza della polizia in Costa d'Avorio. Il Ministero della Funzione Pubblica lo assegnò al Ministero dell'Interno, alla Direzione degli Affari Politici di Abidjan, e la Direzione dell'Istituto Francese dell'Africa Nera (IFAN), scoprendo che era l'inventore di un alfabeto africano, chiese al Ministero dell'Interno di trasferirlo all'IFAN di Abidjan nel 1958. La direzione della Facoltà di Lettere dell'Università Nazionale della Repubblica della Costa d'Avorio, avendo approvato il carattere scientifico e il senso classico dei suoi manoscritti di cui era entrato in possesso, ne chiese a sua volta il trasferimento all'università: servizio dell'istituto di etnosociologia, nel 1973. L'origine di tutta l'opera di Frédéric Bruly Bouabré deriva da un'esperienza rivelatrice: l'11 marzo 1948, "i cieli si aprirono davanti ai miei occhi e sette soli colorati descrissero un cerchio di bellezza intorno alla loro Madre-Sole, divenni Cheik Nadro": Colui che non dimentica. Da allora, Bouabré ha raccolto le sue ricerche in manoscritti che trattano di arte, tradizioni, poesia, racconti, religione, estetica e filosofia, rivelandosi un sorprendente pensatore, poeta, enciclopedista, creatore. Cercando un modo per preservare e trasmettere la conoscenza del popolo Bété e del mondo, inventa un alfabeto unico di 448 pittogrammi monosillabici, un inventario di suoni che consentirà di trascrivere tutte le lingue del mondo. Questo sforzo fa guadagnare a Bouabré la leggendaria reputazione di essere un altro Champollion e traduce il pensiero universale di Frederic Bruly Bouabré che, dalla sua visione, cerca di unire e pacificare l'umanità. Negli anni Settanta ha iniziato a tradurre il suo pensiero in centinaia di piccoli disegni in formato cartolina, utilizzando penna a sfera e matite colorate. Questi disegni, raccolti sotto il titolo Connaissance du Monde (Conoscenza del mondo), formano un'enciclopedia della conoscenza e dell'esperienza universale. Le sue opere sono attualmente conservate in importanti collezioni d'arte tra cui; Collezione d'Arte Africana Contemporanea, Collezione Jean PIGOZZI, Ginevra, Svizzera, il Museo Nazionale di Abidjan, Abidjan, Costa d'Avorio, il Museo Nazionale d'Arte Moderna, Centre Georges Pompidou, Parigi, Francia, il Fondo di Dotazione, Collezione Agnès b, Parigi, Francia, la Fondazione François Pinault, Palazzo Grassi, Venezia, Italia, il MNAM, Centre Georges Pompidou in deposito al Musée des Arts d'Afrique et d'Océanie, Parigi, Francia, il Groninger Museum, Groningen, Paesi Bassi, il Centro de Arte Contemporáneo, Città del Messico, Messico, la Tanya RUMPFF Gallery, Haarlem, Paesi Bassi, la Tate Modern, Londra, Regno Unito, il Musée d'Art Brut, Losanna, Svizzera, la Lambert Collection (LAC), Ginevra, Svizzera, la Madame and Monsieur David-Weill Collection, Parigi, Francia e la Gervane et Matthias Leridon Collection, Parigi, Francia.

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 64 - JORGE GALLEGO GARCÍA (Siviglia, 1980). "Nel bagliore della luce", 2010. Olio su tela. Allegato certificato di autenticità rilasciato dall'autore. Presenta etichetta informativa sul retro. Firmato in basso al centro. Misure: 114 x 114 cm; 119 x 119 cm (cornice). Università di Siviglia. Nel 2007 ha completato il periodo di insegnamento del Dottorato "Pittura e Conservazione-Restauro" presso il Dipartimento di Pittura della Facoltà di Belle Arti dell'Università di Siviglia. Nel 2009 ha partecipato alla cattedra Francisco de Goya di Caja Ávila, tenuta da Antonio López García. Nella sua carriera ha ottenuto numerosi riconoscimenti, come il Primo Premio della Real Maestranza de Sevilla alla IIV Mostra d'Autunno della Reale Accademia di Belle Arti di Santa Isabel de Hungría nel 2005, Finalista e opera acquisita dalla Fundació de les Arts i els Artistes al I Concorso di Pittura Figurativa di Barcellona nel 2005 o il Premio Nazionale di Belle Arti dell'Ateneo de Sevilla nel 2005 e nel 2012. Si allega certificato di autenticità rilasciato dall'autore.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 65 - Set di 6 pattini. Legno serigrafato. Misure: 80 x 20 cm. Sei skateboard serigrafati, marchi Calvin Klein, Louis Vuitton, Gucci, Chanel, Rolex e Ralph Lauren.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 66 - CHARLES FRÉGER (Bourges, Francia, 1975) "Legionari, 2000-2001. Portfolio II. "Ritratti fotografici e uniformi". Cartella con 12 fotografie. Copia 2/5. Firmata e numerata dall'artista. Misure: 42 x 33 x 6,5 cm (cartella); 50,7 x 24 cm (foto). Charles Fréger è noto per le sue serie di ritratti fotografici di persone in uniforme (guardie nazionali, legionari, sumo, pattinatori, majorettes...), che giocano sul rapporto tra i segni di appartenenza a un gruppo e l'individualità di chi li indossa. Nel caso dei "Legionari", Fréger ha avuto l'idea di fotografare tutti i tipi di uniforme esistenti nella Legione straniera francese. Si tratta di tre serie. La prima è quella dei volontari; la seconda è quella del Corpo dei Pionieri, noti anche come genieri; la terza serie è quella delle uniformi. Le foto dei volontari sono a mezzo busto e i soggetti sono a torso nudo. L'idea era quella di evocare il posto speciale che i volontari occupano. Non sono ancora legionari e devono sottoporsi a un addestramento intensivo, spesso spogliati fino alla vita. La nudità esprime il rapporto di potere esercitato dal corpo costitutivo della Legione sul corpo del volontario arruolato che si ritrova solo, spogliato della sua vecchia identità e che deve ancora riceverne una nuova. I Pionieri portano file di medaglie sui loro grembiuli da geniere in pelle come prova del loro pedigree. Il fotografo ha scelto le uniformi più funzionali: esperto di smaltimento bombe, carrista con visore a infrarossi e paracadutista con strumento di segnalazione. Le uniformi riflettono lo spirito della Legione, che insiste sul primato assoluto del gruppo sull'individuo, al quale si allinea progressivamente. La fotografia di Charles Fréger è caratterizzata da un approccio antropologico e sociologico. È particolarmente interessato al modo in cui i gruppi utilizzano uniformi, costumi e abiti tradizionali per esprimere identità e coesione. Fréger ha iniziato la sua carriera concentrandosi sui ritratti di atleti, soldati e studenti, esplorando l'idea di uniformità e individualità all'interno di questi gruppi. Altre serie: "Wilder Mann" (2010-2011): questa serie esplora i rituali pagani europei e i costumi ad essi associati. Fréger ha viaggiato attraverso 19 Paesi, fotografando i partecipanti vestiti da "uomini selvaggi", una figura presente in molte tradizioni popolari europee. "Yokainoshima" (2013-2015): si concentra sui costumi e le maschere tradizionali utilizzati nei rituali e nei festival giapponesi. La serie evidenzia il legame tra questi costumi e il patrimonio culturale che rappresentano. "Empire" (2010-2012): Una serie di ritratti di giovani uomini delle accademie militari in Europa e negli Stati Uniti, che esaminano i codici visivi e le tradizioni di queste istituzioni. Il lavoro di Fréger è stato esposto in numerose gallerie e musei di tutto il mondo, tra cui la Maison Européenne de la Photographie di Parigi, lo Yokohama Museum of Art in Giappone e il Musée de l'Elysée di Losanna, in Svizzera. Ha pubblicato diversi libri fotografici che raccolgono le sue varie serie, come "Wilder Mann", "Yokainoshima" e "Bleus de travail".

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 67 - Set composto da tre celluloidi; Transformers e Dragon Ball, XX secolo. Celluloidi (x3) e un disegno. Due dei celluloidi corrispondono alla serie Transformers e l'altro a Dragon Ball. Misure: 23 x 27 cm (x3). Dragon Ball è una serie di cartoni animati manga giapponese creata da Akira Toriyama nel 1984. Il manga iniziale, scritto e illustrato da Toriyama, è stato serializzato su Weekly Shonen Jump dal 1984 al 1995, con 519 capitoli individuali. Dragon Ball era originariamente ispirato al romanzo classico cinese del XVI secolo Viaggio in Occidente, combinato con elementi tratti dai film di arti marziali di Hong Kong. La serie segue le avventure del protagonista Son Goku dall'infanzia all'età adulta, mentre si allena nelle arti marziali. Trascorre l'infanzia lontano dalla civiltà fino a quando incontra una ragazza adolescente di nome Bulma, che lo incoraggia a unirsi a lei nella sua missione di esplorare il mondo alla ricerca delle sette sfere conosciute come Sfere del Drago, che quando vengono raccolte evocano un drago dispensatore di desideri. Durante il suo viaggio, Goku si fa molti altri amici, diventa un uomo di famiglia, scopre la sua eredità aliena e combatte contro un'ampia varietà di cattivi, molti dei quali cercano le Sfere del Drago.

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 68 - Set composto da sette celluloidi; XX secolo. Sette acetati e sei disegni. Alcuni di essi sono tratti dalla serie animata "Transformers". Misure: 27 x 40 cm (più grande); 23 x 17 cm (più piccolo). Set di sette celluloidi, alcuni dei quali tratti dalla serie animata Transformers. Transformers è un franchise audiovisivo prodotto dall'azienda americana di giocattoli Hasbro e dalla giapponese Takara Tomy. È incentrato principalmente sugli eroici Autobot e sui malvagi Decepticon, due fazioni in guerra di robot alieni che possono trasformarsi in altre forme, come veicoli e animali. Il franchise comprende giocattoli, animazione, fumetti, videogiochi e film.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 69 - "Play Camo" della serie "Bape Play" per Medicom Toy. Set di quattro Be@rbrick al 400%. Verniciati in vinile in diversi colori. Nelle loro scatole originali. Sigillati. In buone condizioni. Misure: 27 cm (altezza); 19 x 16 x 11 cm (scatole). La rivoluzione degli Art Toys raggiunge nel Be@rbrick uno dei suoi massimi rappresentanti. La sua immagine semplice ma accattivante sotto forma di orso snodabile (simile a un pezzo di mattone, da cui il nome) e la sua inesauribile varietà di disegni realizzati da artisti diversi e famosi ne fanno un oggetto del desiderio per i collezionisti nuovi e affermati. Progettato e prodotto dall'azienda giapponese MediCom Toy Incomporated e lanciato nel 2001 come regalo ai visitatori della World Character Convention 12 di Tokyo, il Be@rbrick è caratterizzato da nove parti distinte (note come "strumenti" nell'industria dei giocattoli) che consentono otto diversi punti di articolazione: testa rotante, vita rotante, braccia con snodo a sfera, polsi rotanti e gambe con snodo a sfera. Le dimensioni variano da 7 cm di altezza (nota come 100% Be@rbrick, dimensione standard), seguita da 400% Be@rbrick (28 cm di altezza) o 1000% Be@rbrick (70 cm di altezza). Altri formati sono più piccoli dello standard, come il 50% Be@rbrick (4 cm) o il 70% Be@rbrick (5 cm). Tra le collaborazioni più riconoscibili ci sono quelle con Kaws, la Fondazione Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics e persino il Museo del Louvre e Chanel. Anche molte celebrità collezionano Be@rbrick, dal produttore musicale Pharrell Williams all'ex direttore creativo di Vogue, Grace Coddington. In buone condizioni.

Stima 2 800 - 3 000 EUR

Lotto 70 - EMILIO GARCÍA (Barcellona, 1981). "Skull Brain", 2012. Esemplare A.P. 2/2. Resina gialla. Firmato e giustificato. In buone condizioni. Misure: 13 x 14 x 8 cm. Dopo il successo ottenuto con "Jumping Brain", una combinazione di cervello e rana saltellante, Emilio García ha presentato "Skull Brain" a "CONTEXT Art Miami 2012" e la sua versione su larga scala a "Pulse Miami 2013", venendo premiato come miglior artista catalano dell'anno dalla Fondazione Lluís Coromina. In Skull Brain, l'artista colloca il materiale cerebrale sulla forma di un cranio, ottenendo un risultato esplosivo e intrigante. È in questo periodo che Garcia inizia a occuparsi di tutti i tipi di merchandising neurourbano, creando Art Toys o skateboard, oltre ad altri oggetti pensati per l'uso quotidiano. Emilio García ha una lunga carriera professionale come artista visivo e direttore artistico indipendente. Dal 1999 ha collaborato con note aziende internazionali come Berlitz Kids, Hitachi, Diesel, Inditex, Metro, Vans o The North Face, specializzandosi in immagini in movimento e contenuti multimediali. Il suo lavoro è stato pubblicato su Taschen, Favorite Websites e Web Design Index Books. Il suo primo progetto indipendente, Jumping Brain, ha fatto scalpore, così come le serie successive. Mostre di rilievo: "Block Mickey" di Disney. Times Square, Hong Kong, 2009. "Swab Barcelona Contemporary Art Fair", stand della galleria Iguapop. Barcellona, Spagna, 2010. "Street Anatomy", Museo Internazionale di Scienze Chirurgiche. Chicago, USA, 2010. "PULSE Miami", stand della Black Square Gallery. Miami, USA, 2013 "Asta benefica della Fondazione HOCA", Paddle8, Hong Kong, 2015 "Art Fair Tokyo". Stand della galleria JPS. Tokyo, Giappone, 2016 "Brain Being", mostra personale. Galleria JPS. Hong Kong, 2017. Il lavoro di Emilio Garcia è stato pubblicato in molte riviste d'arte, design e cultura come Clutter, Neo2 o Juxtapoz, cataloghi di mostre e ha contribuito a diversi libri come "We are Indie Toys" di HarperCollins, "Resin Toys" di Lemo o "Skullture: Skulls in Contemporary Visual Culture" Gingko Press. Ha inoltre partecipato al documentario "Un Designer Toy Artesanal" di Jose M Cuñat e Victor M. Mezquida nel 2014. In buone condizioni.

Stima 1 500 - 1 600 EUR

Lotto 71 - Rivista MILK x NBA per Medicom Toy. Set di sei Be@rbrick al 400% della NBA 70th Anniversary Edition. Plastica. Sigillato. In scatola originale. Prodotto da Medicom Toy. In buone condizioni. Misure: 28 cm (altezza del giocattolo); 29 x 15 x 11 cm (scatole). In occasione della celebrazione del 70° anniversario dell'NBA, nel 2016 si è svolta una collaborazione con Milk & Medicom Toy. Come risultato, il già iconico Be@rbrick ha indossato le maglie delle migliori e più influenti squadre NBA: i Chicago Bulls (BULLS), i Los Angeles Lakers (LAKERS), i San Antonio Spurs (SPURS), i Boston Celtics (CELTICS), i Cleveland Cavaliers (CAVALIERS) e i Golden State Warriors (WARRIORS). La rivoluzione Art Toys trova nel Be@rbrick uno dei suoi massimi rappresentanti. La sua immagine semplice ma accattivante sotto forma di orso snodabile (simile a un pezzo di mattone, da cui il nome) e la sua inesauribile varietà di disegni realizzati da artisti diversi e famosi ne fanno un oggetto del desiderio per collezionisti nuovi e affermati. Progettato e prodotto dall'azienda giapponese MediCom Toy Incomporated e lanciato nel 2001 come regalo ai visitatori della World Character Convention 12 di Tokyo, il Be@rbrick è caratterizzato da nove parti distinte (note come "strumenti" nell'industria dei giocattoli) che consentono otto diversi punti di articolazione: testa rotante, vita rotante, braccia con snodo a sfera, polsi rotanti e gambe con snodo a sfera. Le dimensioni variano da 7 cm di altezza (nota come 100% Be@rbrick, dimensione standard), seguita da 400% Be@rbrick (28 cm di altezza) o 1000% Be@rbrick (70 cm di altezza). Altri formati sono più piccoli dello standard, come il 50% Be@rbrick (4 cm) o il 70% Be@rbrick (5 cm). Tra le collaborazioni più riconoscibili ci sono quelle con Kaws, la Fondazione Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics e persino il Museo del Louvre e Chanel. Anche molte celebrità collezionano Be@rbrick, dal produttore musicale Pharrell Williams all'ex direttore creativo di Vogue, Grace Coddington. In buone condizioni.

Stima 2 000 - 2 200 EUR

Lotto 72 - RON ENGLISH (Chicago, 1959) per Made by Monsters Toys. "Rodent Grin" dalla serie "Pop Art". 2 figure in vinile dipinto. Edizione speciale JPS limitata a 400 copie. Firmato, numerato e sigillato. Con buste originali. In buone condizioni. Misure: 22 cm (altezza). Il topo più famoso del mondo si distingue dal resto delle versioni convenzionali per il già classico sorriso a forma di teschio di Ron English. Gli Art Toys in offerta corrispondono all'uscita JPS di Rodent Grin di Ron English x Made by Monsters. Gli Art Toys di Ron English sono un mix tra pop art e propaganda che segue il concetto di "Culture Jamming", traducibile come sabotaggio o deviazione culturale, in cui incorpora iconografie derivate da fumetti di supereroi, storia dell'arte, pubblicità o politica. English gioca quindi con l'iconografia delle multinazionali, della cultura popolare o della storia dell'arte, come Joe Camel, McDonalds, Vincent vanGogh o Mickey Mouse, modificandola e satireggiandola per simboleggiare l'opposto dei valori che rappresentano. Il nome di English è apparso sulle più importanti riviste del mondo (The New York Times, The Wall Street Journal, USA Today, The Miami Herald, The Washington Post, The Los Angeles Times, LA Weekly, Art News, Time Magazine, Rolling Stone, Creem, Juxtapoz Magazine, Hi Fructosa, Mad Magazine, tra gli altri). Le sue apparizioni cinematografiche e televisive includono Exit Through the Gift Shop, Supersize Me, The Simpsons, Work of Art, Street Art Throwdown, CNN, BBC, Sky TV e molti altri. Oltre alle sue pratiche artistiche e ai suoi murales, English ha realizzato copertine di album per musicisti come Dandy Warhols e Slash, opere per il documentario Super Size Me e vari Art Toys. In buone condizioni.

Stima 3 500 - 3 800 EUR

Lotto 73 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcellona, 1923 - 2009). Senza titolo, 1990. Inchiostro su carta di seta. Firmato e datato in basso a destra. Provenienza: collezione privata. Dimensioni: 60 x 90 cm; 79 x 109 cm (cornice). Dopo un breve periodo figurativo, gli anni Cinquanta lasciano il posto a una concezione più schematica e strutturata della realtà, di chiara matrice astrattista, che l'artista coltiverà per il resto della sua vita. Negli anni Novanta, fino alla fine della sua carriera, la sua produzione viene interpretata come uno studio del proprio lavoro. Le sue composizioni, stabili e pacate, mostrano una purezza strutturale portata all'estremo in cui simmetria, ordine ed equilibrio configurano l'uso dello spazio dominato dalla geometria e dalla complementarietà dei colori. Pittore, insegnante, scrittore e grafico, Ràfols Casamada gode oggi di grande prestigio internazionale. Si avvicina al mondo del disegno e della pittura con il padre, Albert Ràfols Cullerés. Nel 1942 intraprende gli studi di architettura, che però abbandona presto per dedicarsi alle arti plastiche. L'influenza post-impressionista del padre e il suo particolare cézannismo segnano le opere presentate nella sua prima mostra, tenutasi nel 1946 presso le gallerie Pictòria di Barcellona, dove espone con il gruppo Els Vuit. In seguito, sviluppa gradualmente un'astrazione poetica, amorfa nella sua configurazione, libera e intelligente, frutto di una lenta gestazione e basata su atmosfere, temi, oggetti o grafici della vita quotidiana. Ràfols Casamada lavora con questi frammenti di realtà, di vita, in un processo di sfigurazione, giocando con le connotazioni, i valori plastici e la ricchezza visiva delle possibili diverse letture, nel tentativo di fissare la transitorietà della realtà. Nel 1950 ottiene una borsa di studio per recarsi in Francia e si stabilisce a Parigi fino al 1954. Qui conosce la pittura figurativa post-cubista e l'opera di Picasso, Matisse, Braque e Miró, tra gli altri. Queste influenze si combinano nella sua pittura con quelle dell'espressionismo astratto americano, che si sviluppa nello stesso periodo. Tornato finalmente a Barcellona, intraprende un proprio percorso artistico, con uno stile caratterizzato da eleganza compositiva, basato su strutture ortogonali combinate con un cromatismo emotivo e luminoso. Dopo aver mostrato un interessante rapporto, negli anni Sessanta e Settanta, con il neo-dada e il nuovo realismo, il suo lavoro si è concentrato su valori puramente pittorici: campi di colore in armonia espressiva su cui spiccano linee gestuali a carboncino. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come il Premio Nazionale delle Arti Plastiche del Ministero della Cultura nel 1980, il Creu de Sant Jordi nel 1982 e il Premio CEOE per le Arti nel 1991. Nel 1985 è stato nominato Cavaliere dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia ed è membro onorario dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando a Madrid. Nel 2003 la Generalitat gli ha conferito il Premio Nazionale delle Arti Visive della Catalogna e nel 2009, appena due mesi prima della sua morte, il Grup 62 gli ha reso omaggio al Museu Nacional d'Art de Catalunya. Le sue opere si trovano nei più importanti musei del mondo: il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim e il MOMA di New York, il Museum of Modern Art di Los Angeles, il Museo Picasso in Francia, il Georges Pompidou di Parigi e il British Museum e la Tate Gallery di Londra, tra i tanti.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 74 - JUAN MANUEL LÓPEZ-REINA COSO (Cuenca, 1953). "Tramonto. Tecnica mista su legno. Firmato e titolato sul retro. Firmato in basso a destra. Firmato e titolato sul retro. Misure: 120 x 140 cm. Juan Manuel López Reina si distingue per la sua formazione multidisciplinare, in cui ha sviluppato lo studio di diverse tecniche artistiche come l'incisione o l'acquerello. Laureato in arti grafiche e specializzato in fotocomposizione, disegno di libri e riviste, ha completato la sua formazione artistica con diversi corsi, tra cui spiccano il laboratorio di incisione presso la Scuola di Belle Arti di Madrid e i laboratori del Prado con Francisco Molina, Jorge Pedraza o Salvador Antúnez. La sua vasta conoscenza di varie tecniche ha portato alla creazione di uno stile molto personale in cui combina tecniche diverse e uno stile che oscilla tra astrazione e figurazione. Come dice l'artista stesso: "Un musicista compone una melodia combinando le note, secondo determinati rapporti; un poeta compone una poesia mettendo in ordine pensieri e parole; e un pittore crea un quadro sistemando pensieri, forme e colori nell'ordine migliore". Le sue opere sono state ampiamente rappresentate in importanti centri d'arte nazionali come la Casa de Vacas di Madrid, la Galleria Victoria Hidalgo o la Casa Cantabria, tra gli altri. È stato inoltre insignito di diversi premi, tra cui il primo premio dell'atelier del Prado nel 2013, il primo premio XXVIII concorso d'arte minimalista San Antón 2012 assegnato dalla libera accademia delle arti e delle lettere di San Antón e il primo premio mira Madrid assegnato dall'Associazione di pittori e scultori nel 2012.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 75 - ALEX KATZ (Brooklyn, New York, 24 luglio 1927). "Vincent", 1972. Litografia su carta. Copia 50/120. Allegato certificato della Composition Gallery, Georgia. Firmato in basso a sinistra. Misure: 38,1 x 53,3 cm; 73,5 x 82,5 cm (cornice). In quest'opera si può vedere il ritratto del figlio dell'artista che è stato ritratto in numerose occasioni dal padre. Infatti, nella mostra che il Guggenheim Museum ha dedicato ad Alex Katz, il figlio, oggi critico d'arte, ha dichiarato: "È interessante, sai, essere un bambino ed essere ritratto, perché pensi che sia qualcosa che devi fare, come "Quanto tempo devo posare per questo?" E lui è molto veloce nel dipingere. Quindi è un processo del tutto indolore". Alex Katz, nato a Brooklyn da una famiglia ebrea, nel 1928 si trasferisce con la famiglia nel Queens. Dal 1946 al 1949 Katz ha studiato alla Cooper Union di New York e dal 1949 al 1950 alla Skowhegan School of Painting and Sculpture, nel Maine. Una formazione che si è rivelata fondamentale per il suo sviluppo come pittore e che rimane tuttora un punto fermo della sua pratica. Katz spiega che dipingere all'aperto a Skowhegan gli ha dato una ragione per dedicare la sua vita alla pittura. I dipinti di Katz rientrano quasi equamente nei generi del ritratto e del paesaggio. Dagli anni Sessanta dipinge vedute di New York (in particolare dei suoi immediati dintorni a Soho), paesaggi del Maine, dove trascorre diversi mesi all'anno, e ritratti di membri della famiglia, artisti, scrittori e personaggi di spicco della società newyorkese. I suoi dipinti sono definiti dalla piattezza dei colori e delle forme, dall'economia delle linee e dal distacco emotivo fresco ed evocativo. Una fonte di ispirazione fondamentale sono le stampe su legno dell'artista giapponese Kitagawa Utamaro. All'inizio degli anni Sessanta, influenzato da film, televisione e manifesti pubblicitari, Katz inizia a dipingere quadri di grandi dimensioni, spesso con volti ritagliati in modo drammatico. La maggior parte delle sue opere raffigura primi piani, mostrando viste frontali e posteriori della testa della stessa figura o figure che si guardano dai bordi opposti del supporto. Dal 1951, le opere di Alex Katz sono state oggetto di oltre 200 mostre personali e quasi 500 mostre collettive in tutti gli Stati Uniti e a livello internazionale La prima mostra personale di Katz è stata un'esposizione di dipinti alla Roko Gallery di New York nel 1954. Nel 1974, il Whitney Museum of American Art ha esposto le Stampe di Alex Katz, seguite da una mostra retrospettiva di dipinti e ritagli intitolata Alex Katz nel 1986. Katz ha tenuto numerose retrospettive in musei come il Whitney Museum of American Art, New York; il Brooklyn Museum, New York; il Jewish Museum, New York; l'Irish Museum of Modern Art, Dublino; il Colby College Museum of Art, Maine; la Staaliche Kunsthalle, Baden-Baden; la Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia, il Centro de Arte Contemporaneo de Malaga e la Saatchi Gallery, Londra (1998). Le opere di Katz sono presenti nelle collezioni di oltre 100 istituzioni pubbliche in tutto il mondo, tra cui l'Honolulu Museum of Art, il Museum of Modern Art di New York, il Metropolitan Museum of Art di New York, il Whitney Museum of American Art di New York, lo Smithsonian Institution di Washington.Carnegie Museum of Art, Art Institute of Chicago, Cleveland Museum of Art, Tate Gallery di Londra, Centre Georges Pompidou di Parigi, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia di Madrid, Metropolitan Museum of Art di Tokyo, Nationalgalerie di Berlino e Brandhorst Museum di Monaco di Baviera. In allegato, un certificato della Composition Gallery, Georgia.

Stima 1 200 - 1 800 EUR

Lotto 76 - MANUEL BARBADILLO (Cazalla de la Sierra, Siviglia, 1929 - Malaga, 2003). Senza titolo, 1979-1984. Inchiostro su carta. Incorniciato in vetro da museo. Firmato in basso a destra. Misure: 21 x 30 cm; 29 x 38 cm (cornice). Sulla carta millimetrata è presente uno studio, riflessioni dell'artista, che ci mostra il lavoro precedente e concettuale. Nella collezione del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, infatti, sono presenti diversi pezzi di dimensioni maggiori che riflettono il concetto estetico che l'artista incarna in questo lavoro. Ne sono un esempio i pezzi Coraina, Dione e Merata. Manuel Barbadillo inizia la sua formazione nello studio di José Arpa (1941), per poi passare al laboratorio dello scultore Emilio García Ortiz, dove rimane tra il 1944 e il 1947. Completa infine la sua formazione presso la Scuola di Arti e Mestieri tra il 1951 e il 1953. Contemporaneamente studia legge e, una volta terminati gli studi nel 1954, espone per la prima volta all'Ateneo de Sevilla. Si reca quindi in Marocco, dove rimane fino al 1957, dove abbandona definitivamente la figurazione per dedicarsi alla sperimentazione astratta. Quando nel 1959 si trasferisce a New York, dove rimane fino al 1962, il suo lavoro si inquadra nell'astrazione informalista, mostrando inizialmente influenze dell'espressionismo astratto. Il suo linguaggio, tuttavia, si muoverà presto sulla linea della riduzione del colore, fino a sfociare in opere sobrie, monocrome, dense di materia pittorica e dall'accentuato carattere sperimentale. Verso il 1960 il suo lavoro entra in una nuova fase, segnata dalla strutturazione e dalla ricerca di un linguaggio sempre più razionale ed equilibrato. Infine, intorno al 1963 la sua pittura raggiunge la maturità attraverso la schematizzazione compositiva, l'eliminazione della materia, la simmetria e l'uso di forme ripetitive. Questa semplificazione lo condurrà infine al linguaggio binario, e dal 1964 sostituisce il concetto di forma con quello di modulo, dando così inizio al periodo più lungo e fecondo della sua produzione. Nel 1968 viene invitato a partecipare a un corso presso il Centro de Cálculo de la Complutense e nello stesso anno prende parte al Seminario sulla Generazione Automatica di Forme Plastiche presso lo stesso centro, un evento che sarà fondamentale nella sua carriera. Da allora Barbadillo stabilirà uno stretto rapporto con il computer, inteso come strumento di lavoro. Nel corso della sua carriera, Barbadillo è stato membro della Computer Arts Society e del Consiglio artistico della Gesellschaft für Computer Grafik und Computer Kunst di Monaco di Baviera, e ha esposto le sue opere in mostre tenute in Spagna, Marocco, Argentina, Venezuela, Stati Uniti e Germania, oltre a partecipare a mostre collettive in tutto il mondo. Attualmente è rappresentato al MNCA Reina Sofía, al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo e in numerose collezioni pubbliche e private in Europa e in America. Incorniciato in vetro da museo.

Stima 2 000 - 3 000 EUR

Lotto 77 - MANOLO VALDÉS, (Valencia, 1942). "Signora di Elche". Ceramica smaltata con base in legno. Misure: 22,50 x 18,50 x 21 cm, 26,50 x 18,50 x 21 cm (con base). Manolo Valdés è nato a Valencia l'8 marzo 1942. Nel 1957 si iscrive alla Scuola di Belle Arti di San Carlos dove trascorre due anni, abbandonando gli studi per dedicarsi alla pittura. Nel 1964 fonda il gruppo artistico Equipo Crónica insieme a Juan Antonio Toledo e Rafael Solbes, nel quale rimane fino alla morte di Solbes nel 1981, anche se due anni dopo la fondazione del gruppo, Toledo lo aveva lasciato. Dopo la morte di Rafael Solbes continua a lavorare da solo a Valencia per alcuni anni, fino al 1989, quando si reca a New York dove apre il suo studio e continua a sperimentare nuove forme espressive. Fa parte della Marlborough Gallery e della Freites Gallery. Ha anche aperto uno studio a Madrid per la realizzazione di sculture di grandi dimensioni, alternando il suo lavoro in entrambe le città. Influenzato da Velázquez, Rembrandt, Rubens e Matisse, Manolo Valdés crea un'opera di grande formato in cui luci e colori esprimono una sensazione di tattilità grazie al trattamento dei materiali. Il suo lavoro costringe lo spettatore a scavare nella memoria e a cercare immagini significative della storia dell'arte. Oltre alle opere esposte nell'ambito di Equipo Crónica, Valdés ha realizzato più di 70 mostre personali e collettive tra il 1965 e il 1981. Come scultore, è autore de La Dama del Manzanares (2003), un'opera alta 13 metri situata nel Parque Lineal del Manzanares (Madrid). Nel 2005 ha creato il gruppo scultoreo Asturcones, per la città di Oviedo. Valdés ha ricevuto numerosi premi, tra cui spiccano: nel 1965 i premi Lissone e Biella, a Milano (Italia); nel 1979, la Medaglia d'argento della II Biennale Internazionale di Incisione di Tokyo (Giappone) e il Premio Bridgestone Art Museum di Lis'79 a Lisbona (Portogallo); nel 1983 il Premio Nazionale di Arti Plastiche; il Premio Alfons Roig, a Valencia; il Premio Nazionale di Belle Arti di Spagna; nel 1986 la Medaglia della Biennale del Festival Internazionale degli Artisti Plastici, a Baghdad (Iraq) e nel 1993 la Decorazione dell'Ordine di Andres Bello nella classe della Banda d'Onore, in Venezuela. Nel 2012 è stato incaricato di disegnare il manifesto per la stagione delle corride della Real Maestranza de Caballería di Siviglia.

Stima 2 400 - 2 600 EUR

Lotto 78 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). Litografia, esemplare 59/99. Firmata e giustificata a mano. Misure: 85 x 67 cm; 87 x 69 cm (cornice). La carta presenta macchie. Tàpies inizia all'arte durante la lunga convalescenza di una malattia polmonare. Progressivamente si dedicherà con maggiore intensità al disegno e alla pittura, fino ad abbandonare gli studi di giurisprudenza per dedicarsi completamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra personale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Grazie alla mostra personale del 1953 presso la galleria newyorkese di Martha Jackson, la sua proiezione internazionale si rafforza. Gli vengono assegnati premi come il Principe delle Asturie, il Praemium Imperiale della Japan Art Association, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio di Pittura di Francia, ecc. e gli vengono dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. È rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 700 - 900 EUR

Lotto 79 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Suite Berlin". Litografia su carta Arches, esemplare 144/150. Firmata e numerata a mano. Tàpies Galfetti II, p. 109, fig. 484. Misure: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Progressivamente si dedicherà con maggiore intensità al disegno e alla pittura, fino ad abbandonare gli studi di giurisprudenza per dedicarsi completamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento le sue mostre, sia collettive che personali, si tengono in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologiche a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 80 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). Senza titolo. Incisione con interventi di collage e cere, esemplare 32/130. Firmata, dedicata e giustificata a mano. Misure: 90 x 61 cm; 97 x 69 cm (cornice). Clavé interviene su questa incisione con cere e carte diverse per sperimentare la sovrapposizione di texture e materiali, dando vita a un décollage estetico caratteristico del suo lavoro. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Escuela de Bellas Artes de San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica inizialmente alla grafica pubblicitaria, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla guerra civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Il suo prestigio internazionale è già grande quando inizia a essere riconosciuto in Spagna, dopo la mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 2 400 - 3 000 EUR

Lotto 81 - ANTONIO LÓPEZ GARCÍA (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). "Mele cotogne, melograno e testa di coniglio", opera basata su un disegno a matita su cartone realizzato dall'artista nel 1988. Acquaforte e acquatinta, copia 52/60. Firmata e giustificata a mano. Misure: 46 x 53 cm (stampa); 66 x 72 cm (carta). Pittore e scultore, Antonio López ha studiato tra Madrid, all'Accademia di San Fernando, e l'Italia, dove ha viaggiato grazie a una borsa di studio. Durante il periodo studentesco ha formato, insieme ad altri artisti come Enrique Gran, Amalia Avia o Lucio Muñoz, quella che è stata definita la Scuola di Madrid. Al termine degli studi, nel 1957, fa il suo debutto individuale a Madrid. Da allora ha ribadito la sua presenza in gallerie in Europa, Stati Uniti, Cina e Corea, e nel 1993 il Museo Reina Sofia di Madrid gli ha dedicato una mostra antologica. È membro dell'Accademia di San Fernando e tra i suoi riconoscimenti figurano il Premio Principe delle Asturie per le Arti e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche. Nel 2008 il Museum of Fine Arts di Boston gli ha dedicato una mostra monografica e nel 2011 lo stesso faranno il Thyssen-Bornemisza e il Museo di Belle Arti di Bilbao. È rappresentato, tra gli altri, al Museum of Fine Arts di Boston, all'ARTIUM di Vitoria, al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid, alla Fondazione Juan March e al Museo di Belle Arti di Bilbao.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 82 - MANUEL CASTRO (Cordoba, 1944 - Barcellona, 2020). "Metropolis" 2002. Olio su pannello. Firmato in basso a destra, firmato e titolato sul retro. Misure: 162 x 114 cm. Manuel Castro è stato un artista singolare, rappresentato dalla galleria Barnadas di Barcellona. Quest'ultima ha scritto dell'artista: "Per generazione avrebbe dovuto essere un pittore astratto, ma ha seguito ostinatamente il suo percorso verso una figurazione personale e narrativa". Manuel Castro è presente fin dagli inizi della galleria Barnadas, a partire da una mostra di incisioni nel 1993, seguita da molteplici mostre personali e collettive, nonché da partecipazioni di successo a fiere internazionali come Miart (Milano) o Start (Strasburgo). Con uno sguardo nostalgico e sognante, Castro, attraverso il suo lavoro, ci dice che è importante guardare la realtà con criterio, da un certo prisma, dove la bellezza, sia essa un paesaggio, un arazzo o una biblioteca, resiste al passare del tempo. Già negli anni Sessanta il suo linguaggio era figurativo, allontanandosi dall'espressionismo astratto imperante. Castro reincarna il modello dell'artista dallo spirito libero, non per il grido di ribellione di un'opera più o meno innovativa, ma per seguire il proprio ritmo con coraggio e talento e, senza influenze, per creare la sua coerente eredità. Le sue opere sono conservate presso la Fondazione Vilacasas.

Stima 5 500 - 6 000 EUR

Lotto 83 - JACQUES VILLON (Damville, Francia, 1875 - Puteaux, Francia, 1963). "En Colère", 1952. Disegno originale per litografia su carta. Pubblicato nel 1959 da Edition d'Art du Lion. Firmato e datato in basso a destra. Dimensioni: 45,5 x 33 cm; 75 x 67 cm (cornice). Jacques Villon era un pittore cubista francese che in realtà si chiamava Gaston Émile Duchamp. Con lo pseudonimo di "Jacques Villon", iniziò a produrre illustrazioni per i giornali umoristici parigini, in cui satireggiava il tema della religione o dell'esercito, così come altri aspetti fondamentali della morale convenzionale del XIX secolo. Villon espone al Salon des Indépendants di Parigi nel 1911 e alla prima mostra della Society of Independent Artists a New York nel 1917. Realizza inoltre opere per la mostra Societé Anonyme tenutasi al Brooklyn Museum nel 1926, che riunisce opere di Picabia e Marcel Duchamp (suo fratello) tra gli altri. Espone le sue opere in diverse gallerie in Europa e negli Stati Uniti, tra cui la Brummer Gallery di New York e la Galerie Louis Carré di Parigi e New York.

Stima 4 500 - 4 700 EUR

Lotto 84 - MIGUEL MACAYA (Santander, 1964). "Torero", 1992. Tecnica mista su carta. Firmato. Dimensioni: 58 x 50 cm; 86 x 79 cm (cornice). Pittore riconosciuto a livello nazionale e internazionale, Miguel Macaya debutta individualmente nel 1986 nella sua città natale, con una mostra allestita nella galleria Pancho Cossío. Due anni dopo presenta le sue opere alla galleria Cartoon di Barcellona e negli anni Novanta inizia a tenere mostre a Madrid: alla galleria Jorge Albero nel 1994 e 1997, alla Nolde nel 1996 e 1999, ecc. Il salto internazionale avviene nel 1999 con una mostra personale alla galleria Arcturus di Parigi e l'anno successivo presenta il suo lavoro alla prestigiosa Sala Parés di Barcellona, galleria con la quale collabora da allora. Continua a esporre regolarmente come artista personale in Spagna e Francia, oltre che nei Paesi Bassi, in Germania e nel Regno Unito. Ha inoltre partecipato a fiere come Antica Namur in Belgio, Strasburgo (entrambe nel 2014), Arco a Madrid (2001), Art London nella capitale britannica (2008) e Art Madrid (2011-2015), tra le altre. Parallelamente, dal 1992 ha partecipato a importanti mostre collettive nazionali e internazionali. La prima è stata organizzata dal Delfina Studio Trust di Londra nel 1992, e successivamente ha preso parte ad altre importanti mostre come quelle tenutesi al Design Center de la Recoleta di Buenos Aires (1998), alla Fundació Vila Casas di Barcellona (1999), alla galleria Vieleers di Amsterdam (2003), ecc. L'opera di Macaya possiede un'espressività intensa e cupa, nonché una vena goyaesque che è particolarmente evidente nelle sue opere sulla corrida. In questo senso, il critico Enrique Lynch ha scritto che la sua pittura "punta l'occhio verso il sublime proprio perché, senza rinunciare alla luce, ci indirizza verso il lato oscuro della visione: verso ciò che non possiamo (o non vogliamo) vedere, lo sfondo sconosciuto a cui i suoi personaggi danno le spalle". È un'opera, in ogni caso, che gioca con il mistero, con il gioco di rivelare solo una parte del chiaroscuro, di suggerire domande allo spettatore. Miguel Macaya è attualmente rappresentato presso la Fundació Vila Casas e ha ricevuto il Primo Premio per la Giovane Pittura dalla Fundació Banc de Sabadell-Sala Parés (2001).

Stima 2 500 - 2 800 EUR

Lotto 85 - VICTOR MIRA (Saragozza, 1949 - Monaco, 2003). "Donne nude in un paesaggio di carciofi cantabrici". 1973 Tecnica mista su carta Firmato e datato nella zona inferiore. Certificato di autenticità rilasciato da Esther Romero Fajardo allegato. Misure: 36 x 55 cm; 55 x 75 cm (cornice). Pittore, scultore, incisore e scrittore, la sua formazione fu fondamentalmente autodidatta. A diciotto anni tiene la sua prima mostra personale nella galleria N'Art di Saragozza, che è anche la prima mostra di scultura all'aperto organizzata in quella città. Poco dopo si trasferisce a Madrid, dove espone nel 1973 presso la galleria Pol Verdié. Durante gli anni trascorsi nella capitale partecipa agli Encuentros de Pamplona, dove conosce John Cage. Due anni dopo, nel 1974, Ana María Canales pubblica il libro "Víctor Mira, eres mi pintor preferido" (Victor Mira, sei il mio pittore preferito). Nel 1975 si reca a Heidelberg, dove vive per cinque mesi, e nello stesso anno pubblica "El libro de las dos hojas". Nel 1976 inizia a lavorare in Germania alle serie "Spanische Haltung" e "Manos". Dopo aver trascorso un periodo tra Madrid e la Germania, nel 1977 si stabilisce a Barcellona. Qui inizia il ciclo di dipinti "Interiores catalanes con tomate" e nel 1979 pubblica il suo primo libro di poesie, "El bienestar de los demonios". Nello stesso anno tiene la sua prima mostra personale a Monaco, presso la galleria Tanit, e l'anno successivo espone negli Stati Uniti, presso la galleria George Staempfli di New York. Da quel momento la sua carriera internazionale decolla, con mostre in Germania, Stati Uniti, Olanda, Svizzera, Svezia, Norvegia, Colombia, Francia, Belgio e Austria, mentre continua a esporre regolarmente in Spagna. Nel 1983 si reca per la prima volta negli Stati Uniti, invitato dal Meadows Museum di Dallas, e nello stesso anno lavora nei laboratori di stampa della Southern Methodist University di Dallas e trascorre cinque mesi a New York. Sempre nel 1983, a Barcellona, realizza la sua prima serie di sculture in ferro, "Cultura del arco" e "Mediodías". Nel 1997 viene invitato a partecipare alla Biennale d'Arte di New York da Amy Chaiklin e sei anni dopo, poco prima della sua morte, riceve il premio come miglior artista spagnolo vivente alla Fiera ARCO. La più recente mostra retrospettiva dedicata all'artista si è tenuta a Düsseldorf, in Germania, presso la galleria Beck & Eggeling. Opere di Mira sono conservate in musei e collezioni private di tutto il mondo, tra cui il Museum of Modern Art di New York, il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, il MACBA di Barcellona, i Musei di Belle Arti di Vitoria e Saragozza, la Fondazione Beulas di Huesca e il Museo Colecciones ICO di Madrid.

Stima 1 500 - 1 600 EUR

Lotto 86 - Celluloide di DRAGON BALL Celluloide e disegno aderente. Misure: 23 x 26,5 cm; 24,5 x 27 cm. Dragon Ball è una serie a fumetti manga giapponese creata da Akira Toriyama nel 1984. Il manga iniziale, scritto e illustrato da Toriyama, è stato serializzato su Weekly Sh?nen Jump dal 1984 al 1995, con 519 capitoli individuali. Dragon Ball era originariamente ispirato al romanzo classico cinese del XVI secolo Viaggio in Occidente, combinato con elementi tratti dai film di arti marziali di Hong Kong. La serie segue le avventure del protagonista Son Goku dall'infanzia all'età adulta, mentre si allena nelle arti marziali. Trascorre l'infanzia lontano dalla civiltà fino a quando incontra una ragazza adolescente di nome Bulma, che lo incoraggia a unirsi a lei nella sua missione di esplorare il mondo alla ricerca delle sette sfere conosciute come Sfere del Drago, che quando vengono raccolte evocano un drago dispensatore di desideri. Durante il suo viaggio, Goku si fa molti altri amici, diventa un uomo di famiglia, scopre la sua eredità aliena e combatte contro un'ampia varietà di cattivi, molti dei quali cercano le Sfere del Drago.

Stima 200 - 300 EUR

Lotto 87 - Celluloidi di CARDCAPTOR SAKURA Set di due celluloidi e due disegni. Uno dei disegni è incollato alla celluloide. Misure: 23 x 26,5 cm (x2); 24,5 x 27,5 cm. Cardcaptor Sakura, abbreviata in CCS, è una serie manga giapponese scritta e illustrata dal gruppo manga Clamp. Pubblicata mensilmente sulla rivista sh?jo manga Nakayoshi dal giugno 1996 all'agosto 2000, è stata pubblicata in 12 volumi tank?bon da Kodansha tra il novembre 1996 e il luglio 2000. La storia è incentrata su Sakura Kinomoto, una studentessa delle elementari che scopre dei poteri magici dopo aver accidentalmente liberato nel mondo un set di carte magiche che deve recuperare per evitare una catastrofe. Ognuna di queste carte conferisce diversi poteri magici e può essere attivata solo da qualcuno con abilità magiche intrinseche. Sequel di Clamp, Cardcaptor Sakura.

Stima 200 - 300 EUR

Lotto 88 - HEIDI in celluloide. Celluloide e disegno aderente. Misure: 23 x 27 cm. Considerato un classico dell'animazione, Heidi è diventato noto grazie all'adattamento giapponese uscito nel 1974 ispirato all'omonimo libro della scrittrice svizzera Johanna Spyri. Heidi è una bambina orfana che vive con la zia in un villaggio vicino alle Alpi in Svizzera. Quando la zia ottiene un nuovo lavoro a Francoforte, la bambina deve trasferirsi nella casa del nonno in mezzo alle montagne. Lì incontra Peter, il suo amico pastore.

Stima 200 - 300 EUR

Lotto 89 - Celluloide di INUYASHA Celluloide, disegno e sfondo. Misure: 23 x 26,5 cm; 24,5 x 27 cm (disegno); 26 x 36 cm (sfondo). Inuyasha è una serie manga giapponese scritta e illustrata da Rumiko Takahashi. È stata pubblicata sulla rivista Weekly Sh?nen Sunday sh?nen manga di Shogakukan dal novembre 1996 al giugno 2008 e i suoi capitoli sono stati raccolti in 56 volumi tank?bon. La serie inizia con Kagome Higurashi, una liceale quindicenne dell'attuale Tokyo che viene trasportata nel periodo Sengoku dopo essere caduta in un pozzo del santuario di famiglia, dove incontra il demone mezzo cane e mezzo uomo Inuyasha. Quando il sacro gioiello Shikon riemerge dalle profondità del corpo di Kagome, lei lo frantuma inavvertitamente in decine di frammenti che vengono sparsi in tutto il Giappone. Inuyasha e Kagome si mettono in viaggio per recuperare i frammenti del gioiello e si uniscono alla loro ricerca il lascivo monaco Miroku, la cacciatrice di demoni Sango e il demone volpe Shipp? Insieme, si mettono in viaggio per recuperare il Gioiello dello Shikon prima che cada nelle mani del malvagio mezzo-demone Naraku.

Stima 700 - 1 000 EUR

Lotto 90 - Celluloide di I cavalieri dello Zodiaco. Celluloide e disegno. Misure: 22,5 x 25,5 cm (celluloide); 24,5 x 27 cm (disegno). Nel 1986 il mangaka (parola giapponese designata per indicare il creatore di un fumetto) Masaki Kuramada iniziò la sua opera definitiva e di maggior successo: Saint Seiya, che consisteva in 28 volumi di manga, 114 capitoli di anime, 5 film e la successiva animazione dell'ultima saga del manga (Hades), con 31 OVA. Oggi il successo della serie continua.

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 91 - CARDCAPTOR SAKURA Celluloidi Set di due celluloidi e disegni. Misure: 23 x 26,5 cm (x2); 24,5 x 27,5 cm. Cardcaptor Sakura, abbreviata in CCS, è una serie manga giapponese scritta e illustrata dal gruppo manga Clamp. Pubblicata mensilmente sulla rivista sh?jo manga Nakayoshi dal giugno 1996 all'agosto 2000, è stata pubblicata in 12 volumi tank?bon da Kodansha tra il novembre 1996 e il luglio 2000. La storia è incentrata su Sakura Kinomoto, una studentessa delle elementari che scopre dei poteri magici dopo aver accidentalmente liberato nel mondo un set di carte magiche che deve recuperare per evitare una catastrofe. Ognuna di queste carte conferisce diversi poteri magici e può essere attivata solo da qualcuno con abilità magiche intrinseche. Sequel di Clamp, Cardcaptor Sakura.

Stima 200 - 300 EUR

Lotto 92 - Celluloide di I cavalieri dello Zodiaco. Celluloide e disegno. Misure: 23 x 26,5 cm (celluloide); 24,5 x 27 cm (disegno). Nel 1986 il mangaka (parola giapponese designata per indicare il creatore di un fumetto) Masaki Kuramada iniziò la sua opera definitiva e di maggior successo: Saint Seiya, che consisteva in 28 volumi di manga, 114 capitoli di anime, 5 film e la successiva animazione dell'ultima saga del manga (Hades), con 31 OVA. Oggi il successo della serie continua.

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 93 - Celluloide. "Autunno. Acetato e disegno sul retro. Misure: 23 x 36 cm; 40,5 x 51 cm (cornice). Acetato con disegno di una caduta. La maggior parte dei manga è conforme a uno stile sviluppato in Giappone alla fine del XIX secolo, che ha una lunga storia nell'arte giapponese precedente. Il termine manga è usato in Giappone per indicare sia i fumetti che i cartoni animati. Al di fuori del Giappone, il termine viene solitamente utilizzato per indicare i fumetti pubblicati originariamente in Giappone. Il medium comprende opere in un'ampia gamma di generi: azione, avventura, affari e commercio, commedia, poliziesco, dramma, storico, horror, mistero, romanticismo, fantascienza e fantasy, erotismo (hentai ed ecchi), sport e giochi, e suspense, tra gli altri.

Stima 200 - 300 EUR

Lotto 94 - JOSE MARIA YTURRALDE, (Cuenca, 1942). "Postludio", 1998. Acrilico su carta. Firmato e datato in basso. Misure: 30 x 30 cm; 35 x 35 cm (cornice). La serie "Orizzonti", iniziata da Yturralde nel 2009, è un esempio di esplorazione e ricerca del colore, della luce e della sensorialità. Questo orizzonte orizzontale segna il punto di partenza dell'esperienza sensoriale dell'essere umano, un concetto legato alla cultura dei Tuareg e anche agli "haiku" (poesie) giapponesi. In questo modo, l'artista sottolinea l'infinità dell'orizzonte, associata alla visione infinita del deserto. Nel corso degli anni consecutivi, Jose María Yturralde continua a dare forma al concetto di limite e di inizio, associato anche a campi scientifici come le distorsioni spazio-temporali. Nel 2014, continua ad aggiungere aspetti legati al trattamento e al design di questi limiti che assumono la forma di linee nere verticali e orizzontali al centro di strutture equilibrate e colorate. Dottore in Belle Arti presso l'Università Politecnica di Valencia, Yturralde è membro effettivo dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Carlos. Ha debuttato come solista nel 1969 con una mostra presso il Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. Ben presto riceve riconoscimenti importanti, tra cui una borsa di studio per il Massachusetts Institute of Technology. Yturralde ha esposto e tenuto conferenze in tutto il mondo e, fin dall'inizio della sua carriera, ha partecipato a importanti mostre collettive internazionali: Biennale di San Paolo (1967), Museum of Fun di Tokyo (1979), Spanish Institute di New York (1996), ecc. Particolarmente degne di nota sono le sue mostre personali al M.I.T. e al Museo Reina Sofia di Madrid, oltre che in varie gallerie parigine, moscovite, spagnole, americane e giapponesi. Yturralde è rappresentato in musei nazionali e internazionali come il Museum of Abstract Art di Cuenca, il Brooklyn Museum, l'Harvard Museum, l'Asahi Shimbun di Tokyo, il Novgorod State Museum in Russia, il Patio Herreriano di Valladolid e il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Stima 2 200 - 2 400 EUR

Lotto 95 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcellona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Madrid", 1984. Olio su tela. Firmato e datato in alto a sinistra. Misure: 81 x 100 cm. Pittore, disegnatore, fotografo e incisore di formazione autodidatta, Lluís Claramunt ha trascorso la sua vita tra Barcellona, Madrid, Siviglia, Bilbao e Marrakech, e ha sviluppato un'opera influenzata da Isidre Nonell e segnata da un espressionismo agli inizi, che scomparirà gradualmente fino a diventare una calligrafia minimale. Dagli anni Settanta ha tenuto mostre personali in gallerie importanti come Dau al Set a Barcellona, Quatre Gats a Palma di Maiorca, Juana de Aizpuru a Siviglia o Buades a Madrid, partecipando anche ad Arco (1984, 1988). Ha inoltre realizzato mostre personali a New York, Amsterdam, Graz (Austria) e Lisbona. Inoltre, nel 2012 il suo lavoro è stato esposto nella mostra personale "El viatge vertical", tenutasi al MACBA di Barcellona. Attualmente è rappresentato in quel museo, nella Fundació Vila Casas, nella Collezione La Caixa, nel Museo de Bellas Artes de Álava, nella Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, nel Consejo Superior de Deportes e nel Ministerio de Cultura della stessa città e nella Colección Caja Madrid. Recentemente Claramunt ha esposto presso la prestigiosa galleria Marc Domenech di Barcellona, che ha dedicato la mostra "Luis Claramunt. Años 80" interamente dedicata all'opera dell'artista. L'esposizione, tenutasi nel maggio 2016, presentava più di settanta opere che dimostravano la predilezione dell'artista per gli spazi urbani, rappresentati attraverso una tavolozza totalmente espressionista in cui predomina una tavolozza dinamica e vibrante.

Stima 2 000 - 2 400 EUR

Lotto 96 - ISABEL ESTEVA ORTIGA (Barcellona, 1958) "Vasca da bagno", 1983. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 110 x 205 cm; 115 x 210 cm (cornice). Pittore e fotografo che trova l'essenza nella rappresentazione della natura e dei suoi stati, così come nella cultura mediterranea. Ritmi, ombre, colori e luci che avvolgono immagini che, sotto un'apparente austerità, ci evocano alle origini della nostra esistenza. La sua produzione rinuncia a qualsiasi elemento superfluo per nobilitare l'espressività di linee e colori in un approccio al primitivismo e alla semplicità.

Stima 700 - 900 EUR

Lotto 97 - FREDERIC AMAT NOGUERA (Barcellona, 1952). Senza titolo, 2002. Tecnica mista (collage, olio) su legno. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 70 x 100 cm; 83 x 114 cm (cornice). Pittore, incisore e scenografo, Amat sviluppa un lavoro ascrivibile alle tendenze sperimentali e concettuali degli anni Settanta. I suoi temi ruotano intorno alla morte, alla violenza, al sesso e alle architetture, reali o immaginarie. Formatosi a Barcellona, tra il 1975 e il 1982 ha viaggiato in Nord Africa, Messico e Stati Uniti. Ha esposto in Francia, Germania, Italia e Stati Uniti e tra il 1993 e il 1994 gli è stata dedicata una grande retrospettiva al Museo Rufino Tamayo in Messico, alla Fundación Joan Miró e all'Instituto de América di Granada. Amat è rappresentato al Museo d'Arte Contemporanea di Barcellona.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 98 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcellona, 1997). "Da Lucas Cranach, 1953. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, titolato e datato sul retro. Con etichetta Oriol Galeria d'Art sul retro. Misure: 100 x 80 cm; 105 x 86 cm (cornice). Quella che viene messa all'asta è un'opera giovanile del pittore Josep Roca Sastre, corrispondente a una fase precedente alla realizzazione delle sue scene di interni intimi. La tela è una versione metafisica dell'opera "Le tre grazie" di Lucas Cranach il Vecchio, una tavola dipinta dal maestro nel 1531 e oggi conservata al Museo del Louvre di Parigi. Formatosi a Barcellona, negli anni Sessanta Roca ha iniziato a sviluppare uno stile personale e indipendente, creando un proprio linguaggio. La sua proposta si concentrava sul recupero dello sguardo del vicino e del quotidiano, del familiare. Espone per quarant'anni nella Sala Parés di Barcellona, e presenta il suo lavoro anche in altre città spagnole e negli Stati Uniti. Nel 1966 riceve il premio Sant Jordi dalla Diputació di Barcellona e due anni dopo la medaglia d'onore al Salon des Artistes Français di Parigi. Nel 1980 diventa membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di Sant Jordi e nel 1993 riceve il Premio Quadern della Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre ha sviluppato uno stile figurativo di temi intimi, applicando uno sguardo personale e soggettivo alle sue scene di interni e ai suoi paesaggi urbani e naturali. Dalla sua morte, sono state organizzate retrospettive dell'opera di Josep Roca presso La Pedrera e le gallerie Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcellona) e Juan Oliver Maneu (Palma di Maiorca). Le sue opere sono conservate nel Museo Nazionale d'Arte della Catalogna.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 99 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Retour du Japon, 1975-1986. Tecnica mista (olio e collage) su tela. Titolato e datato sul retro. Firmato. Misure: 77 x 46 cm; 100 x 70 cm (cornice). La serie "Retour du Japon" rivela lo stretto rapporto di Clavé con la cultura giapponese. Realizzata tra il 1986 e il 1987, consiste in una serie di opere in cui l'autore cattura le impressioni ricevute durante il suo soggiorno nel Paese. La presenza di colori contrastanti e l'influenza dello spirito zen e del taoismo sono i tratti distintivi della serie. Clavé ha presentato i primi dipinti di questa serie nel 1986 alla galleria Chozo Yoshii di Parigi, nello stesso anno in cui ha tenuto quattro mostre in altrettanti musei giapponesi: il Metropolitan Teien di Tokyo, il National Art Museum di Osaka, il Kiyoaru Shirakaba e lo Yamanashi-Ken di Hakone. L'anno successivo, nel 1987, presenterà la serie alla Sala Gaspar di Barcellona. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Escuela de Bellas Artes de San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica inizialmente alla grafica pubblicitaria, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla guerra civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Il suo prestigio internazionale è già grande quando inizia a essere riconosciuto in Spagna, dopo la mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. In questo stesso decennio degli anni Cinquanta inizia la sua intensa attività nel mondo del balletto e del teatro, raggiungendo una grande fama nel mondo della scenografia internazionale. Nel 1952 realizza le scenografie del film "Hans Christian Andersen", di Charles Vidor, e ottiene una nomination all'Oscar. Nel 1954 abbandona la scenografia per dedicarsi alla pittura. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 100 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcellona, 1943). "Vanitas blau", Barcellona, 1991. Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Firmato, datato, localizzato e titolato sul retro. Misure: 130 x 130 cm; 132 x 132 cm (cornice). Llimós si fa conoscere nel 1964, con una mostra congiunta con, tra gli altri, Arranz Bravo, Bartolozzi e Gerard Sala, con i quali lavora in team fino al 1969. Le sue opere si trovano in collezioni importanti come il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, il Museo d'Arte Moderna Espirito Santo in Brasile, la Collezione d'Arte Contemporanea di Madrid, i Musei di Belle Arti di Alava e Siviglia, la Fondazione Lucio Amelio di Napoli, il Museo Internazionale della Resistenza Salvador Allende di Santiago del Cile, la Fondazione Peter Stuyvesant di Amsterdam, il Palau Solleric di Palma di Maiorca e il MACBA di Barcellona, tra gli altri. Il suo lavoro, dal tratto espressivo e intenso, oscilla tra figurazione e astrazione simbolica, con una forte attrazione per il mondo animale, spesso soggetto delle sue opere, come si evince dal dipinto che presentiamo.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

9 luglio - Arte contemporanea e ultime tendenze

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Lotto 65 - Set di 6 pattini. Legno serigrafato. Misure: 80 x 20 cm. Sei skateboard serigrafati, marchi Calvin Klein, Louis Vuitton, Gucci, Chanel, Rolex e Ralph Lauren.