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sáb 18 may

Reich alemán 1933 - 1945 - Arte : Profesor Josef Wackerle: Diseño de la escultura "América" para el barco de pasajeros "Columbus", el barco más grande del Norddeutsche "Lloyd". Relieve de yeso "América" como diseño para la escultura tallada en madera de roble para el salón de fumadores II. Clase del buque de pasajeros "Columbus". Yeso coloreado en terracota. En un marco contemporáneo de madera dorada. 54 x 114 cm m. R. Este ejemplar es el molde original en yeso de la escultura América, uno de los cuatro relieves murales que Wackerle creó para el salón de fumar de la segunda clase del buque de pasajeros Colón. Clase del buque de pasajeros Columbus. Los temas de estos relieves eran Europa, África, Asia y América. El Columbus fue el barco de pasajeros más grande y hermoso construido por Norddeutsche Lloyd después de la Primera Guerra Mundial. Los diseños creados en yeso sirvieron de modelo para los relieves tallados en roble, que se colocaron en las paredes del salón (véase la ilustración del folleto "Columbus" publicado por Norddeutscher Lloyd, p. 40f ). El acondicionamiento interior de este barco corrió a cargo del profesor Paul Ludwig Troost, que ya se había hecho un nombre en este campo y que más tarde también acondicionó el "Europa", el buque insignia de North German Lloyd. El profesor Troost contrató a los mejores artistas de la época para esta tarea. La colaboración con el profesor Wackerle fue especialmente fructífera. El Columbus entró en servicio en 1924. Inmediatamente después del estallido de la guerra, en septiembre de 1939, el buque se hundió en una situación desesperada en el Atlántico suroccidental. Joseph Wackerle (* 15 de mayo de 1880 en Partenkirchen; † 20 de marzo de 1959 ibíd.) Escultor y medallista alemán. El abuelo de Wackerle era tallista de madera, mientras que su padre trabajaba como maestro de obras. A los 13 años, Wackerle asistió a la escuela de escultura en madera de Partenkirchen. Posteriormente se formó en la Escuela de Artes y Oficios y en la Academia de Múnich. A los 26 años, Wackerle se convirtió en director artístico de la fábrica de porcelana Nymphenburg de Múnich. En 1909 recibió una pequeña medalla de oro en la Gran Exposición de Arte de Berlín. De 1913 a 1917, trabajó como profesor en el Museo de Artes Decorativas de Berlín. En 1917 sucedió a Josef Flossmann en la Escuela de Artes y Oficios de Múnich y en 1924 aceptó un puesto de profesor en la Academia de Múnich, donde enseñó hasta 1950. Wackerle participó en los Juegos Olímpicos de Ámsterdam de 1928. En los concursos de arte, presentó una medalla al deporte en la categoría de esculturas mixtas, relieves y medallas, pero no ganó ningún premio. También participó en los concursos de arte de los Juegos de Verano de 1932 con su obra Verfassungsplakette 1929. En 1930 fue condecorado con la Orden Maximiliano de Baviera de las Ciencias y las Artes. En 1940, cuando cumplió 60 años, Wackerle recibió la Medalla Goethe de Arte y Ciencia por sugerencia de Adolf Hitler. Goebbels ya había propuesto a Wackerle para el Premio Nacional Alemán de Arte y Ciencia en 1937. Era muy apreciado como artista por los gobernantes nacionalsocialistas, de modo que en agosto de 1944 Hitler le incluyó en la lista de los escultores alemanes más importantes que debían ser honrados por Dios, lo que le liberó del servicio de guerra. Una de sus obras más famosas es la escultura "Der Rossführer" en el Reichssportfeld de Berlín. Wackerle se hizo un nombre como maestro escultor de fuentes. Sus obras también eran solicitadas por las personalidades políticas del Estado nazi. En 1938, por ejemplo, creó una fuente para el jardín de la finca de Bormann en Múnich-Pullach. Relieves ovales de estuco con una ninfa y un Pan de joven (expuestos en la "Casa del Arte Alemán" en 1939) adornaron la casa de té de Hitler en el Obersalzberg. Un estudio de desnudo de Wackerle se encontraba en el piso de Hitler en Berlín. También realizó dos desnudos para la Cancillería del Reich. La torre Zeiss de Jena se decoró con un desnudo masculino con una antorcha y un desnudo femenino arrodillado de Wackerle. En 1944, Wackerle figuró en la lista de homenajeados por el Ministerio de Instrucción Pública y Propaganda del Reich. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, Wackerle retomó sin problemas su carrera de los años treinta. Como no se había afiliado al NSDAP ni a ninguna otra organización del partido y sus obras públicas apenas hacían referencia a la ideología nacionalsocialista, seguía gozando de gran estima en la zona de Múnich. Esta estima ininterrumpida se manifestó, entre otras cosas, en la concesión del Premio de Artes Plásticas de la ciudad de Múnich en 1953. Literatura: Peter Breuer: Münchner Künstlerköpfe, Callwey Verlag 1937; Die Kunst im Deutschen Reich 1937 IX/23; 1938 / 253; 1939 / 57-63; 1940/ 177 y 279; 1941 / 248; 1943 / 168 Norddeutscher Lloyd (ed.):

Valorac. 2 000 EUR

sáb 18 may

Reich alemán 1933 - 1945 - Arte : Profesor Josef Wackerle: Diseño de la escultura "Asia" para el buque de pasajeros "Columbus", el mayor buque del Norddeutsche "Lloyd". Relieve de yeso "Asia" como diseño para la escultura tallada en madera de roble para el salón de fumadores II. Clase del buque de pasajeros "Columbus". Yeso coloreado en terracota. En un marco contemporáneo de madera dorada. 54 x 114 cm m. R. Este ejemplar es el molde original en yeso de la escultura América, uno de los cuatro relieves murales que Wackerle creó para el salón de fumar de la segunda clase del buque de pasajeros Colón. Clase del buque de pasajeros Columbus. Los temas de estos relieves eran Europa, África, Asia y América. El Columbus fue el barco de pasajeros más grande y hermoso construido por Norddeutsche Lloyd después de la Primera Guerra Mundial. Los diseños creados en yeso sirvieron de modelo para los relieves tallados en roble, que se colocaron en las paredes del salón (véase la ilustración del folleto "Columbus" publicado por Norddeutscher Lloyd, p. 40f ). El acondicionamiento interior de este barco corrió a cargo del profesor Paul Ludwig Troost, que ya se había hecho un nombre en este campo y que más tarde también acondicionó el "Europa", el buque insignia de North German Lloyd. El profesor Troost contrató a los mejores artistas de la época para esta tarea. La colaboración con el profesor Wackerle fue especialmente fructífera. El Columbus entró en servicio en 1924. Inmediatamente después del estallido de la guerra, en septiembre de 1939, el buque se hundió en una situación desesperada en el Atlántico suroccidental. Joseph Wackerle (* 15 de mayo de 1880 en Partenkirchen; † 20 de marzo de 1959 ibíd.) Escultor y medallista alemán. El abuelo de Wackerle era tallista de madera, mientras que su padre trabajaba como maestro de obras. A los 13 años, Wackerle asistió a la escuela de escultura en madera de Partenkirchen. Posteriormente se formó en la Escuela de Artes y Oficios y en la Academia de Múnich. A los 26 años, Wackerle se convirtió en director artístico de la fábrica de porcelana Nymphenburg de Múnich. En 1909 recibió una pequeña medalla de oro en la Gran Exposición de Arte de Berlín. De 1913 a 1917, trabajó como profesor en el Museo de Artes Decorativas de Berlín. En 1917 sucedió a Josef Flossmann en la Escuela de Artes y Oficios de Múnich y en 1924 aceptó un puesto de profesor en la Academia de Múnich, donde enseñó hasta 1950. Wackerle participó en los Juegos Olímpicos de Ámsterdam de 1928. En los concursos de arte, presentó una medalla al deporte en la categoría de esculturas mixtas, relieves y medallas, pero no ganó ningún premio. También participó en los concursos de arte de los Juegos de Verano de 1932 con su obra Verfassungsplakette 1929. En 1930 fue condecorado con la Orden Maximiliano de Baviera de las Ciencias y las Artes. En 1940, cuando cumplió 60 años, Wackerle recibió la Medalla Goethe de Arte y Ciencia por sugerencia de Adolf Hitler. Goebbels ya había propuesto a Wackerle para el Premio Nacional Alemán de Arte y Ciencia en 1937. Era muy apreciado como artista por los gobernantes nacionalsocialistas, de modo que en agosto de 1944 Hitler le incluyó en la lista de los escultores alemanes más importantes que debían ser honrados por Dios, lo que le liberó del servicio de guerra. Una de sus obras más famosas es la escultura "Der Rossführer" en el Reichssportfeld de Berlín. Wackerle se hizo un nombre como maestro escultor de fuentes. Sus obras también eran solicitadas por las personalidades políticas del Estado nazi. En 1938, por ejemplo, creó una fuente para el jardín de la finca de Bormann en Múnich-Pullach. Relieves ovales de estuco con una ninfa y un Pan de joven (expuestos en la "Casa del Arte Alemán" en 1939) adornaron la casa de té de Hitler en el Obersalzberg. Un estudio de desnudo de Wackerle se encontraba en el piso de Hitler en Berlín. También realizó dos desnudos para la Cancillería del Reich. La torre Zeiss de Jena se decoró con un desnudo masculino con una antorcha y un desnudo femenino arrodillado de Wackerle. En 1944, Wackerle figuró en la lista de homenajeados por el Ministerio de Instrucción Pública y Propaganda del Reich. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, Wackerle retomó sin problemas su carrera de los años treinta. Como no se había afiliado al NSDAP ni a ninguna otra organización del partido y sus obras públicas apenas hacían referencia a la ideología nacionalsocialista, seguía gozando de gran estima en la zona de Múnich. Esta estima ininterrumpida se manifestó, entre otras cosas, en la concesión del Premio de Artes Plásticas de la ciudad de Múnich en 1953. Literatura: Peter Breuer: Münchner Künstlerköpfe, Callwey Verlag 1937; Die Kunst im Deutschen Reich 1937 IX/23; 1938 / 253; 1939 / 57-63; 1940/ 177 y 279; 1941 / 248; 1943 / 168 Norddeutscher Lloyd (ed.): Colu

Valorac. 2 000 EUR

sáb 18 may

Reich alemán 1933 - 1945 - Arte : Kurt Schmid - Ehmen: Cabeza de águila. Bronce. Firma del artista "KURT SCHMID - EHMEN" en la parte posterior del cuello. Sobre una base de piedra caliza maciza presumiblemente posterior. Escultura de bronce 33 x 34 cm. Altura total: 62 cm. Kurt Schmid-Ehmen (* 23 de octubre de 1901 en Torgau; † 14 de julio de 1968 en Starnberg) fue un escultor alemán. Schmid-Ehmen está considerado el creador del águila imperial y del emblema nazi. Estudió en la Academia de Leipzig con Adolf Lehnert y en la de Múnich, fue alumno aventajado de Bernhard Bleeker y al principio llamó la atención con numerosos bustos, entre ellos uno del famoso pianista Josef Pembaur, maestro de la concertista Hetty Haelssig (más tarde Schmid-Ehmen). Su ingreso en el NSDAP a principios de los años 30 y su amistad con el arquitecto Paul Ludwig Troost le valieron sus primeros encargos y una relación personal con Adolf Hitler. Diseñó el monumento a los caídos del 9 de noviembre de 1923 en la Feldherrnhalle o las águilas de los edificios del partido en Múnich, en el recinto de la concentración del partido nazi en Núremberg o el relieve de águila para la sala de fumadores de la Nueva Cancillería del Reich. Schmid-Ehmen creó el águila de bronce más grande, de nueve metros de altura, para el pabellón alemán de la Exposición Universal de París de 1937, por la que recibió el Gran Premio de la República Francesa. Desde 1936 fue miembro del Consejo Presidencial de la Cámara de Bellas Artes del Reich, y el 30 de enero de 1937 Adolf Hitler le nombró profesor. Anteriormente había sido nombrado miembro del Senado Cultural del Reich por Joseph Goebbels en 1935. Schmid-Ehmen estuvo representado en todas las grandes exposiciones de arte alemán celebradas en Múnich entre 1937 y 1944. En 1937 expuso bustos-retrato del Gauleiter de Múnich - Alta Baviera Adolf Wagner, el Tesorero del Reich del NSDAP Franz Xaver Schwarz y Julius Streicher, entre otros. Hitler adquirió la estatua "Figura femenina" expuesta en 1938, la estatua "Hombre a zancadas" en 1940 y la "Figura femenina" en 1942[. En 1944, Schmid-Ehmen expuso el busto del escritor Hans Zöberlein. Su obra "Mädchen mit Zweig" se expuso en la exposición Deutsche Künstler und die SS 1944 en Salzburgo. A partir de 1948, Schmid-Ehmen volvió a trabajar como artista en su nueva residencia de Starnberg y creó retratos, lápidas y obras figurativas. Entre sus obras tardías figuran una plañidera en 1961, una fuente madre encargada para una residencia de ancianos en Schweinfurt, así como un ave fénix monumental de 3,50 metros de envergadura y 2,10 metros de altura, que terminó como modelo de escayola listo para fundir dos meses antes de su muerte en 1968. El bronce se fundió en 1990 bajo la supervisión de su viuda. Impresionante escultura de gran calidad artística de uno de los escultores más importantes del III Reich. Estado: 1-2

Valorac. 6 500 EUR

mié 22 may

Escuela Sevilla S. XVII "Niño Jesús Triunfante" Figura de peltre policromada. Durante el siglo XVII en Sevilla proliferan las figuras devocionales de peltre, por su papel relevante en la carrera hacia las Indias y por la aparición de avances técnicos en lo referente a la fundición de metales. El peltre es una aleación de plomo, antimonio, estaño y cobre que tenía un punto de fusión bajo y permitía realizar gran cantidad de ejemplares seriados producidos mediante vaciado de esculturas de madera, barro, yeso u otros materiales. Comienzan entonces a multiplicarse los talleres especializados en estos vaciados como el del escultor de Lieja Diego de Oliver que se definió a sí mismo como "maestro vaciador de figuras de relieve y especificamente de Niños de plomo. Este escultor es el responsable de inundar el mercado tanto español como de ultramar de Niños Jesús de plomo. El modelo lo consiguió del Niño Jesús de madera tallada, obra de Juan Martínez Montañés en 1607 para la Hermandad del Sagrario de Sevilla. Este modelo fue la base de las aportaciones realizadas por su discípulo Juan de Mesa y otros seguidores que se repitieron en metal. Esta técnica de trabajo permitía un acabado similar al de la madera que abarató mucho los costes y permitía la posesión a nivel más popular de objetos devocionales de lujo. Este Niño Jesús triunfante deriva directamente del ejemplar atribuido a Juan de Mesa h. 1625 que se encuentra en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla. Como es habitual en el modelo de proporciones clásicas y ligero contraposto, está bendiciendo con la mano derecha, con la izquierda sujetaría un estandarte y se apoya sobre un cojín. Posee una mirada de ensoñación con el cabello ensortijado y el característico copete de rizos sobre la frente. Pequeño defecto en una pierna. Peana de madera. Altura: 48,5 cm

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jue 23 may

JULIO GONZÁLEZ PELLICER (Barcelona, 1876 - Arcueil, Francia, 1942). "Le repos sour les saules (El reposo bajo los sauces)", 1924. Acuarela sobre papel. Firmada con iniciales y fechada en el ángulo inferior derecho. Medidas: 17 x 25 cm; 31 x 39,5 cm (marco). Julio González no sólo está considerado una figura importante dentro del panorama artístico del siglo XX por sus esculturas en hierro, sino también por su excelente, aunque menos conocida, faceta como dibujante. Los dibujos de González están inspirados en la obra de Pablo Picasso debido a la relación que mantuvo con el pintor malagueño, colaboración que comenzó en 1928 y culminó con la ejecución en bronce forjado de la escultura "Femme au jardin". Gracias a sus dibujos es posible adentrarse en el apasionante mundo de González, con figuras femeninas plasmadas con enorme maestría y delicadeza, o con los bocetos previos a sus esculturas de hierro, que demuestran su excepcional e ilimitada capacidad artística. Julio González nació en el seno de una familia de orfebres, aprendiendo el oficio desde niño. Más tarde estudió Bellas Artes en La Lonja de Barcelona. En 1900 marchó con su familia a París, donde frecuentó los círculos artísticos y mantuvo contacto con Picasso, Gargallo y Brancusi, entre otros. Hacia 1910 comenzó a trabajar con máscaras de metal repujado, con un estilo marcado por rasgos naturalistas y simbolistas, así como por una nueva concepción de la figura humana, con volúmenes y líneas sintetizadas. Durante estos años, González comenzó su participación en los salones parisinos, concretamente en el Salon d'Automne, el Salon des Indépendants y el Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts. En 1920 abrió su propio taller de forja, y dos años más tarde debutó individualmente en la Galería Povolovsky de París. A finales de la década de 1920 comenzó a desarrollar sus primeras esculturas en hierro forjado, un material que hasta entonces se consideraba meramente decorativo. Durante los años treinta su obra se hizo más abstracta y aparecieron las primeras construcciones espaciales. Tras una larga lista de participaciones en exposiciones individuales y colectivas como Arte Español en el Museo Jeu de Paume (1936) o el Pabellón Español en la Exposición Universal de París (1937), al comienzo de la Segunda Guerra Mundial su obra, como consecuencia de la escasez de hierro, se centra en un nuevo material, el yeso, y en dibujos de temática bélica. González está representado en el Centro Georges Pompidou de París, el Reina Sofía de Madrid, el IVAM de Valencia y el MoMA de Nueva York, entre otros muchos.

Valorac. 5 000 - 5 500 EUR

jue 23 may

Fine Portrait on panel of Juan Bautista de Muguiro, attributed to Francisco de Goya (1746-1828) - Aragonese School of the 19th century - Fine Portrait on panel of Juan Bautista de Muguiro, attributed to Francisco de Goya (1746-1828) - Aragonese School of the 19th century Oil on panel: 23 x 18 cm, measures with frame 32 x 26 cm. Muguiro, banker and merchant, perhaps exiled in Bordeaux due to the services rendered to King Joseph Bonaparte by his family firm, "J. Irivaren y sobrinos", later held important political positions in the Spain of Isabella II, being, for example, president of the Cortes and senator between 1836 and 1845. Goya, in the dedicatory inscription of the painting, defines himself as a "friend" of the portrayed, perhaps to thank him with that term, so generic in Castilian, for the efforts or aid received from him, who was also the banker of his son Javier. A few years earlier, Goya had thus dedicated "to his friend Arrieta", the portrait he gave to the doctor who saved his life during the illness that affected him in 1819. The artist presented Muguiro for posterity in his most prosaic and mercantile aspect, reading a recently opened letter and seated next to a desk covered with papers, on which shines a large green and gold porcelain inkwell. Goya in his old age condenses his technique in a few brushstrokes, given with sudden impulses of energy, which reveal the effort of his hand and his eyes, almost blind, although it has remained intact. Pérez Sánchez, Alfonso E., "Goya in the Prado. History of a singular collection", Goya. New Visions. Tribute to Enrique Lafuente Ferrari, Isabel García de la Rasilla and Francisco Calvo Serraller (eds.), Madrid, Fundación Amigos del Museo del Prado, 1987, pp. 307-322.

Valorac. 6 000 - 7 500 EUR

sáb 25 may

28 Auguste RODIN (1840-1917) El hombre de la nariz rota, máscara - tipo II, 2º modelo, 1903 Escultura en bronce patinado negro-verde, firmada "A. Rodin", sello "A. Rodin" sello en relieve en el interior Fundida por Alexis Rudier, inscripción en hueco, hacia 1926 H. 25,5 x A. 20 x P. 21,5 cm Altura total con pedestal de ónice 37,5 cm Diseñado hacia 1863-1864, esta versión diseñada en 1903, esta prueba fundida en 1926. Procedencia : Museo Rodin, París. Eugène Rudier, Le Vésinet, Sr. Raymond Subes, París, luego por descendencia. Bibliografía: A. Le Normand-Romain, Rodin et le bronze, catalogue des œuvres conservées au musée Rodin, 2007, tomo 2, pp. 415 y 416, modelo reproducido en las pp. 414 y 415. Numerosas otras bibliografías a petición. Se incluirá en el catálogo crítico de la obra escultórica de Auguste Rodin, actualmente actualmente en preparación por la Galerie Brame & Lorenceau, bajo la dirección de Jérôme Le Blay. Rodin estaba muy apegado a esta obra temprana, que ya revela su futura personalidad. Esta máscara determinó toda mi obra futura. Fue la primera Fue la primera buena escultura que hice [...] Nunca he conseguido hacer una figura tan buena como la "Nariz rota". Nariz rota". La obra toma como punto de partida el retrato de un viejo habitué del barrio de Saint-Marcel, donde se había instalado. Barrio de Saint-Marcel, donde Rodin se había instalado en mayo de 1863. El hombre, que se ganaba la vida que se ganaba la vida realizando pequeños trabajos de todo tipo, era conocido como "Bibi". Su retrato fue pintado probablemente a finales de 1863. El Hombre de la Nariz Rota se hizo en yeso y se expuso en Bruselas en 1872. Se tradujo en mármol cuando el escultor pudo permitírselo. En el Salón de 1875, la obra fue aceptada. El busto, en la tradición de los retratos de antiguos filósofos no podía sino gustar al jurado. Animado por este éxito, Rodin lo hace fundir en bronce. El primer molde se expone en el Salón de 1878 con el simple título de M**(n°4558). En La obra se tituló Hombre con la nariz rota, probablemente por su gran parecido con la de Daniele da Volterra. con el retrato de Miguel Ángel de Daniele da Volterra. Fue bajo este nombre que más a menudo mencionado, y fue el nombre que llevó a partir de entonces.

Valorac. 60 000 - 80 000 EUR

dom 26 may

Rembrandt Bugatti (Milán, 1884 - París, 1916) Boniface Marqués de Castellane, c. 1912 Bronce con pátina marrón matizada. Firmado en la terraza "R. BUGATTI". Edición original AA Hébrard (c. 1904-1934); sello: "CIRE PERDUE AA HEBRARD". Altura total 76 cm. Bronce: 73 cm. Terraza de mármol verde: Altura 3 cm. Procedencia: colección privada, Valle del Ródano. Certificado de Art Loss Register, Londres, 10 de abril de 2024. Exposición del yeso: 1912, Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes, París. Rembrandt Bugatti, hacia 1912. Escultura en bronce de Boni de Castellane. Firmada en su base de mármol verde. Fundición original de AA Hébrard. Certificado y aviso de inclusión en el Repertorio Rembrandt Bugatti expedidos por Madame Véronique Fromanger el 27 de febrero de 2024. Bibliografía: Véronique Fromanger, "Une trajectoire foudroyante ; Rembrandt Bugatti", les Editions de l'Amateur, 2016. Reproducido p.183. "Yeso, colección privada. Fonte Albino Palazzolo: según nuestro leal saber y entender, y con todas las reservas, la edición en bronce registrada hasta la fecha es de un ejemplar." BONIFACE DE CASTELLANE, por Véronique Fromanger En 1912, el joven escultor italiano Rembrandt Bugatti escribía a su hermano Ettore "[...] puedes utilizar mi estudio cuando quieras y durante el tiempo que desees. Estoy asombrado por el busto del Príncipe, se hizo hace mucho tiempo, y puedes decirle de mi parte que vaya a reclamarlo y que no tiene que pagar nada [...]". Se trata de un retrato del príncipe Paolo Troubetzkoy, que fue introducido en la vida social parisina durante la Belle Epoque por los impertinentes, excéntricos, altivos y profundos estetas conde Robert de Montesquiou y marqués Boniface de Castellane. Algunos retratos raros La fascinación ejercida por estos grandes aristócratas sobre sus contemporáneos les convirtió en modelos de numerosos héroes de novela; Marcel Proust dijo de ellos que eran "los maestros de belleza de toda una generación". Amigo íntimo de la familia Bugatti desde Milán, Paolo Troubetzkoy guió a Rembrandt Bugatti por los salones de París. Durante una breve estancia, antes de regresar al zoo de Amberes para reencontrarse con sus amigos de todos los días, los animales salvajes, Bugatti realizó algunos retratos poco comunes. Todos fueron fundidos en bronce en una sola edición por el maestro indiscutible de la fundición a la cera perdida, A. A. Hébrard. El alma de un gran señor En la época de la Belle Epoque, las amas de casa atraían a los bailes a artistas, poetas y otras personalidades para realzar el esplendor de sus suntuosas recepciones. Fue aquí donde Bugatti conoció a uno de estos extraordinarios personajes y, durante una visita privada, pintó un magistral retrato del marqués Boniface de Castellane en traje de caza: en una sola línea, Bugatti captó el alma de este gran señor. Esteta y coleccionista, Boniface de Castellane siempre cuidó mucho su aspecto. Incluso ante la adversidad y los obstáculos que tuvo que superar, procuró seguir siendo digno de su antepasado más ilustre, Talleyrand. Políticamente muy activo, fue también un gran deportista.

Valorac. 150 000 - 200 000 EUR

lun 27 may

ANTOINE-LOUIS BARYE (Francia, 1795 - 1875). "León aplastando una serpiente". Bronce patinado. Firmado. En buen estado. Medidas: 30 x 40 cm. El modelo de esta escultura -posiblemente la más conocida del escultor- fue creado en 1832 y se expuso por primera vez a tamaño natural en yeso en el Salón de 1833. Posteriormente, el gobierno francés encargó a Barye un molde para la plaza de las Tullerías de París, que fue fundido por Gonon & Sons, expuesto en el Salón de 1856, y que hoy se conserva en el museo de Orsay de París. El Museo del Louvre posee un ejemplar similar (número de inventario 5740). Escultor clave del Romanticismo francés, Barye comenzó su formación con su padre, orfebre, y más tarde la amplió con los maestros François Joseph Bosio y Antoine-Jean Gros, en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, donde ingresó en 1818. Especialmente apreciadas fueron sus esculturas animalísticas, iniciadoras en gran medida del género. Tuvo su propia fundición, colaboró con Viollet-le-Duc en un proyecto encargado por Napoleón III y fue maestro de Auguste Rodin. Presentó sus obras en el Salón de París y creó monumentos como el "León con serpiente" del Jardín de las Tullerías (1833), encargado por el rey. Actualmente está representado en los museos del Louvre y Orsay de París, la National Gallery de Londres, el Hermitage de San Petersburgo, la Albertina de Viena, el Art Institute de Chicago y el Smithsonian de Washington D.C., entre otros museos de todo el mundo.

Valorac. 4 500 - 5 000 EUR

lun 27 may

ANTONIN MERCIÉ (Francia, 1845 - 1916). "David vanqueur", 1872-1880. Bronce patinado. Sobre base de madera. La base presenta antiguos xilófagos y desgaste. Medidas: 75 x 36 x 26 cm (escultura); 121 x 33 x 33 x 33 cm (base). Escultura de bronce realizada por el célebre escultor Antonin Mercié. La obra muestra al joven David, de bellos rasgos y cuerpo armonioso, en el momento de envainar su espada tras haber matado a Goliat. La cabeza de este último yace en el suelo al ser pisada por David en actitud victoriosa. Con la guerra franco-prusiana de 1870 y la derrota del país, la sociedad francesa se ve invadida por un sentimiento de humillación. Tal estado de ánimo muestra, en este David, la promesa de una Francia que un día vencerá, a pesar de su debilidad, al Goliat prusiano, como el joven pastor de Israel que, con sólo su honda, derribó al enorme enemigo. Esto convirtió inmediatamente la escultura en un inmenso éxito: el vaciado en yeso ejecutado en Roma, donde el joven artista terminaba su formación, le valió la Legión de Honor francesa, y fue encargado en bronce por el Estado, en 1872, para ser colocado en el Museo de Luxemburgo y en el Museo de Artistas Vivos a partir de 1874. Se convirtió en una de las imágenes más difundidas en los periódicos ilustrados, y provocó tal entusiasmo que se publicó en pequeño formato. A partir de 1870, Antonin Mercié representó a la joven generación de escultores franceses deseosos de aportar, desde el corazón de una enseñanza clásica, una expresión más vibrante a su figura. Buscó esta combinación de sabia composición y modelo con garbo en los grandes modelos del Renacimiento florentino, inspirándose, por ejemplo, en el "David" de Donatello. Así, el uso de las grandes y bellas curvas del brazo, prolongadas por el movimiento de la espada, la pierna doblada, la gracia del movimiento con un cierto contrapunto, invitan al espectador a girar en torno a diferentes planos que van adaptando el espacio. Entre clasicismo moderno y realismo explícito, Mercié encuentra un camino original. Podemos encontrar el "David Vainqueur" en gran formato en el Museo de Orsay de París, el de Montpellier y el de Troyes, este último una copia también fundida por Barbedienne. Pintor y escultor, Antonin Mercié estudió en la Escuela de Bellas Artes de París, donde fue alumno de Alexandre Falguière y François Jouffroy. En 1868 obtuvo el Premio de Roma, que le permitió ampliar su formación en Italia. Sus primeras obras importantes fueron "David" y "Gloria Victis", galardonadas con medallas de honor en los Salones de París de 1872 y 1874. En 1882 repitió el éxito con el grupo "Quand Même!", que al igual que "Gloria Victis" recuerda la guerra franco-prusiana de 1870. Desde finales de los años setenta realizaría importantes encargos, como "Le Genie des Arts" para las Tullerías (1877), "Le souvenir" para la tumba de Madame Charles Ferry (1885) o "Regret", para la de Alexandre Cabanel (1892). Mercié también realizó los monumentos a J.L.E. Meissonier (1895), en el Jardin de l'Infante del Louvre; el dedicado a Louis Faidherbe (1896), en Lille; y el de los reyes Louis Philippe I y Amélie para su entierro en la capilla real de Dreux. Aparte de estos encargos monumentales, Mercié también realizó pequeñas esculturas, bustos y medallones, producción que le valió la medalla de honor en la Exposición Universal de París de 1878, y el Grand Prix en la de 1889. También obtuvo reconocimiento como pintor, siendo galardonado con medallas en los Salones de 1883 y 1885. En 1891 fue nombrado profesor de dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes de París, y ese mismo año fue nombrado miembro de la Academia Francesa. Posteriormente se le concedió el grado de Gran Oficial de la Legión de Honor, y en 1913 se convirtió en presidente de la Sociedad de Artistas Franceses. En la actualidad, Mercié está representado en el Louvre, el Museo de Orsay, los Museos de Bellas Artes de Burdeos, Rennes y Chambéry, la Escuela Nacional de Bellas Artes de París, el Museo de los Agustinos de Toulouse, la National Gallery de Washington y el Courtauld Institute de Londres, entre otros.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

lun 27 may

GIUSEPPE LAZZERINI (Italia, 1831-1895). "Pales, diosa del ganado", hacia 1860. Mármol de Carrara. Firmado en la parte inferior. Medidas: 113 x 90 x 68 cm (tamaño natural). La delicada factura y la inspiración clasicista de este grupo escultórico fueron atributos característicos de la obra plástica del escultor Giuseppe Lazzerini. La divinidad romana del campo, Pales, aparece representada como una bella joven de cabellos rizados adornados con una guirnalda floral, que alimenta a una pequeña oveja con hojas de lechuga. Pales era la protectora de la tierra y del ganado, y aunque en los textos se la describe a menudo como un dios masculino, los artistas la han representado habitualmente como una mujer. En esta escultura, se la representa más como una muchacha sencilla que como una diosa imponente. Las formas de su cuerpo son armoniosas, con pechos pequeños y turgentes, curvas suaves y un torso grácilmente arqueado. Un paño cubre su pubis. Nacido en Carrara, Lazzerini estudió en la Accademia di Belle Arti de Carrara desde 1848 bajo la tutela de Ferdinando Pellicias. En 1852 obtuvo el segundo premio por un relieve titulado "Achille che trascina il corpo di Patroclo". En 1853, tras obtener una beca por su bajorrelieve titulado "Patrocloche uccide Sarpedonte", abandona Carrara para trabajar en Roma con Pietro Tenerani. En 1856 terminó su obra "La Fanciulla che intreccia", que se encuentra en la Accademia di Carrara. Lazzerini comenzó entonces a trabajar en el taller de su cuñado. Realizaban monumentos públicos, estatuas, bustos-retratos y obras decorativas. Lazzerini fue director de la Academia de Carrara de 1889 a 1893, convirtiéndose más tarde en profesor honorario. Lazzerini realizó una figura de yeso similar a la de esta venta, que representa a una mujer clásica, aunque en este caso la figura está sentada y sostiene una guirnalda de flores, actualmente en la Accademia di Belle Arti de Carrara, titulada "Fanciulla che intreccia una ghirlanda" (p. 110 fig 467, Panzetta).

Valorac. 30 000 - 40 000 EUR

lun 27 may

Antonin Mercié (francés, 1845-1916) David vence a Goliat Bronce patinado marrón. Modelo creado entre 1869 y 70. Firmado en la terraza. Marcado "F.Barbedienne Fondeur". Sello de las reducciones mecánicas A.Colas. Altura 73 cm. (ligera oxidación) Antonin Mercié. Escultura en bronce de la victoria de David sobre Goliat. Modelo realizado en 1869-70. Firmada. Bibliografía: Pierre Kjellberg, "Les bronzes du XIXème siècle. Dictionnaire des sculptures", París, Les Editions de l'Amateur, 1987, modelo reproducido en la p. 490. Antonin Mercié, que ganó el Gran Premio de Roma en 1868, envió desde la Ciudad Eterna un modelo en yeso de David derrotando a Goliat. Evidentemente, se inspiró en la escultura renacentista, que descubrió físicamente, en particular a través del tratamiento del contrapposto. Aunque el tema es una prolongación de los grandes maestros, como Donatello y Miguel Ángel, también se hace eco de acontecimientos contemporáneos. La elegancia de la pose y la firmeza de su modelado fueron consideradas como "un símbolo de esperanza para la futura venganza de Francia contra Prusia" (museo de Orsay). El yeso original recibió la medalla de primera clase, antes de ser trasladado al museo de los Agustinos de Toulouse (inv. RA 982). El gobierno francés encargó una copia en bronce en 1872, que se colocó en el museo del Luxemburgo en 1874. Dado su éxito de crítica, se realizaron numerosas copias en bronce de la escultura, en seis tamaños diferentes. Sin embargo, la nuestra se distingue del modelo original por el modesto taparrabos que cubre sus atributos masculinos.

Valorac. 1 000 - 2 000 EUR

mar 28 may

François POMPON Foulque - 1925 Prueba de época nº 1, en bronce con pátina negra mate matizada de marrón Firmada "POMPON", numerada "N1" y estampada "Cire perdue C. Valsuani" en el reverso, en la terraza 28,3 × 20 × 6,5 cm - Terraza: 19,5 × 6,5 cm Origen : Galería Saint-Pierre, Lyon Antigua colección Joseph Brochier Al actual propietario por descendencia Este lote se vende con un certificado de autenticidad de Madame Liliane Colas. Historia : Tras el éxito de su poule d'eau en 1923, Pompon expuso el Foulque por primera vez en el Salon des Artistes Animaliers en 1924. La Foulque, conocida entonces como Nouvelle poule d'eau. Resueltamente moderna, avanza sin referencia a la naturaleza que la rodea, con sus patas en movimiento, acentuado por la torsión de su cuello. En 1925, cinco gallaretas fueron inscritas en el libro de cuentas con sus números del 1 al 5 y enviadas a la Galería St Pierre de Lyon, de donde nuestro modelo fue adquirido probablemente por Joseph Brochier, famoso fabricante de seda de Lyon, y ha permanecido en su familia hasta nuestros días. Ha reaparecido casi un siglo después de su creación, más moderna que nunca. Un modelo similar se encuentra en las colecciones del Museo de Orsay con el número de inventario RF 4051. Bibliografía : Catherine Chevillot, Liliane Colas, Anne Pingeot, François Pompon, éditions Gallimard-Electra-Réunion des Musées Nationaux, París, 1994, p.203, n° 97B y n° 64, catálogo 2024 por publicar. Art et décoration, 1 de enero de 1922, modelo de escayola reproducido p.87 Altura: 28,0 cm Altura: 28,0 cm François POMPON "Foulque", escultura en bronce patinado de François Pompon, fundida en 1925, numerada 1, firmada y estampada en fundición Medidas: 11,14 × 7,87 × 2,56 pulg. - Base: 7,68 × 2,56 pulg. Este lote se vende con un certificado de autenticidad de la Sra. Liliane Colas. Altura : 28,0 cm h : 28.0 cm

Valorac. 40 000 - 60 000 EUR

jue 30 may

Giorgio de Chirico (Volos, 1888- Rom/Roma 1978) - Bucéfalo, 1940/1988-1991 Bronce pulido con pátina dorada, h. 35 cm, escayola de 1972 tomada de una terracota de 1940 Sobre la obra están grabadas la firma, la numeración y el sello de la Fonderia Bonvicini de Verona y la marca del centenario del nacimiento del maestro Giorgio De Chirico. Esta obra forma parte de la edición de 9 ejemplares de los cuales 7 están numerados I/VII más dos pruebas de artista E/A I/II y E/A II/II y una prueba sin circular no numerada que se destinará a la FUNDACIÓN GIORGIO ED ISA DE CHIRICO. Firma y numeración (VII/VII) grabadas en la base. Bibl: C. Bruni Sakraischik, Catalogo generale Giorgio de Chirico, Electa, Milán, tomo II, número 297/3 (ilustración de otra versión) La obra va acompañada de una autentificación sobre fotografía firmada Claudio Bruni Sakraischik Procedencia: colección privada Giorgio de Chirico realizó varias esculturas en terracota y bronce. A partir de estas obras, en los años comprendidos entre 1988 y 1991, por encargo y autorización de Isabella De Chirico y Lisa Sotilis y con motivo del centenario de su muerte, se crearon varios bronces. Fueron producidos por la Fundición Bonvicini de Verona con una tirada de 9 ejemplares de los cuales 7 numerados del I/VII más dos pruebas de artista E/A I/II E/A II/II y una prueba no comercial no numerada que se destinará a la FUNDACIÓN GIORGIO E ISA DE CHIRICO. De esta creación, se presentan 4 esculturas procedentes de una importante colección del Tirol del Sur: Penélope y Telémaco, Maniquíes coloniales, Orfeo, Bucéfalo

Valorac. 16 000 - 25 000 EUR

jue 30 may

Giorgio de Chirico (Volos, 1888- Rom/Roma 1978) - Penélope y Telémaco, 1970/1988-1991 Bronce patinado negro, h. 41,5 cm, tomado de un original inédito de yeso de 1970 En la obra están grabados la firma, la numeración y el sello de la Fonderia Bonvicini de Verona y la marca del centenario del nacimiento del maestro Giorgio De Chirico. Esta obra forma parte de la edición de 9 ejemplares de los cuales 7 están numerados I/VII más dos pruebas de artista E/A I/II y E/A II/II y una prueba sin circular no numerada que se destinará a la FUNDACIÓN GIORGIO ED ISA DE CHIRICO. Firma y numeración (VII/VII) grabadas en la base. Bibl: C. Bruni Sakraischik, Catalogo generale Giorgio de Chirico, Electa, Milán, tomo II, número 297/3 (ilustración de otra versión) La obra va acompañada de una autentificación sobre fotografía firmada Claudio Bruni Sakraischik Procedencia: Colección privada Giorgio de Chirico realizó varias esculturas en terracota y bronce. A partir de estas obras, en los años comprendidos entre 1988 y 1991, por encargo y autorización de Isabella De Chirico y Lisa Sotilis y con motivo del centenario de su muerte, se crearon varios bronces. Fueron producidos por la Fundición Bonvicini de Verona con una tirada de 9 ejemplares de los cuales 7 numerados del I/VII más dos pruebas de artista E/A I/II E/A II/II y una prueba no comercial no numerada que se destinará a la FUNDACIÓN GIORGIO E ISA DE CHIRICO. De esta creación, se presentan 4 esculturas procedentes de una importante colección del Tirol del Sur: Penélope y Telémaco, Maniquíes coloniales, Orfeo, Bucéfalo

Valorac. 20 000 - 30 000 EUR

jue 30 may

Giorgio de Chirico (Volos, 1888- Rom/Roma 1978) - Orfeo, 1970/1988-1991 Bronce pulido con pátina dorada, h. 46,3 cm, tomado de un vaciado original en yeso de 1970 Sobre la obra están grabadas la firma, la numeración y el sello de la Fonderia Bonvicini de Verona y la marca del centenario del nacimiento del maestro Giorgio De Chirico. Esta obra forma parte de una edición de 9 ejemplares de los cuales 7 están numerados I/VII más dos pruebas de artista E/A I/II y E/A II/II y una prueba sin circular no numerada que se destinará a la FUNDACIÓN GIORGIO ED ISA DE CHIRICO. Firma y numeración (VII/VII) grabadas en la base. Bibl: C. Bruni Sakraischik, Catalogo generale Giorgio de Chirico, Electa, Milán, tomo II, número 297/3 (ilustración de otra fundición) La obra va acompañada de una autentificación sobre fotografía firmada Claudio Bruni Sakraischik Procedencia: Colección privada Giorgio de Chirico realizó varias esculturas en terracota y bronce. A partir de estas obras, en los años comprendidos entre 1988 y 1991, por encargo y autorización de Isabella De Chirico y Lisa Sotilis y con motivo del centenario de su muerte, se crearon varios bronces. Fueron producidos por la Fundición Bonvicini de Verona con una tirada de 9 ejemplares de los cuales 7 numerados del I/VII más dos pruebas de artista E/A I/II E/A II/II y una prueba no comercial no numerada que se destinará a la FUNDACIÓN GIORGIO E ISA DE CHIRICO. De esta creación, se presentan 4 esculturas procedentes de una importante colección del Tirol del Sur: Penélope y Telémaco, Maniquíes coloniales, Orfeo, Bucéfalo

Valorac. 16 000 - 25 000 EUR

jue 30 may

Giorgio de Chirico (Volos, 1888- Rom/Roma 1978) - Maniquíes coloniales, 1969/1988-1991 Bronce pulido con pátina dorada, h. 47,5 cm, tomado de un molde original de escayola de 1969 En la obra están grabadas la firma, la numeración y el sello de la Fonderia Bonvicini de Verona y la marca del centenario del nacimiento del Maestro Giorgio De Chirico. Esta obra forma parte de la edición de 9 ejemplares de los cuales 7 están numerados I/VII más dos pruebas de artista E/A I/II y E/A II/II y una prueba sin circular no numerada que se destinará a la FUNDACIÓN GIORGIO ED ISA DE CHIRICO. Firma y numeración (VII/VII) grabadas en la base. Bibl: C. Bruni Sakraischik, Catalogo generale Giorgio de Chirico, Electa, Milán, tomo II, número 297/3 (ilustración de otra fundición) La obra va acompañada de una autentificación sobre fotografía firmada Claudio Bruni Sakraischik Procedencia: Colección privada Giorgio de Chirico realizó varias esculturas en terracota y bronce. A partir de estas obras, en los años comprendidos entre 1988 y 1991, por encargo y autorización de Isabella De Chirico y Lisa Sotilis y con motivo del centenario de su muerte, se crearon varios bronces. Fueron producidos por la Fundición Bonvicini de Verona con una tirada de 9 ejemplares de los cuales 7 numerados del I/VII más dos pruebas de artista E/A I/II E/A II/II y una prueba no comercial no numerada que se destinará a la FUNDACIÓN GIORGIO E ISA DE CHIRICO. De esta creación, se presentan 4 esculturas procedentes de una importante colección del Tirol del Sur: Penélope y Telémaco, Maniquíes coloniales, Orfeo, Bucéfalo

Valorac. 18 000 - 35 000 EUR

jue 30 may

Jacques LIPCHITZ (1891-1973) - Hombre con guitarra, Bilbao, 1920 Grabado en terracota, firmado con iniciales en la base, fechado XII-20 y numerado 4/7 H. 46,5 cm Base: 22,6 x 21,6 cm Agradecemos al Prof. Dr. Kosme de Barañano su confirmación de que se trata de una terracota original de Jacques Lipchitz. Su peritaje fechado el 9 de abril de 2024 se entregará al comprador. Procedencia : - Colección privada Bibliografía : - A.G. Wilkinson, The Sculpture of Jacques Lipchitz, A Catalogue Raisonné, volume one, the Paris Years, 1910-1940, Thames and Hudson, Londres, 1996, p.212, n° 112 a 114 (ejemplares en piedra reconstituida, bronce y mármol, reproducidos) - Kosme de Barañano, Jacques Lipchitz, Los yesos, Catálogo razonado, 1911-1973, Fundación BBK Fundazioa, Bilbao, 2009, p. 130, n° 58 (yeso reproducido) Originario de Lituania, Jacques Lipchitz se trasladó a París en 1909. Fue uno de los pioneros de la escultura cubista, con formas geométricas inspiradas en el primitivismo de la escultura africana. Los músicos ocuparon un lugar destacado en su obra entre 1915 y 1920, y los temas de Arlequín, Pierrot y Músicos reflejan su iconografía inspirada en la vida nocturna de cabarets parisinos como Le Boeuf sur le toit. En 1916 firmó su primer contrato con el marchante de arte Léonce Rosenberg. Rosenberg le concedió su primera exposición individual en la galería L'Effort Moderne en enero de 1920, pero ese mismo año Lipchitz recuperó su libertad para crear "lo que quería y no lo que le imponían". Con la ayuda de algunos amigos, volvió a comprar sus obras al marchante. Hombre con guitarra fue creada en diciembre de 1920, y el artista describió esta escultura como una obra de transición, que anunciaba un retorno a un cierto clasicismo. En Mi vida en la escultura (Jacques Lipchitz y H.H. Arnason, EE UU, Viking Press, 1972), Lipchitz escribió: "Tomé conciencia del espacio negativo y (...) empecé a utilizar sus efectos. Se trataba simplemente de envolver formas sólidas alrededor de un vacío para enmarcarlo, utilizando en efecto el vacío más que el volumen de la piedra para sugerir la forma de una cabeza o parte de un torso". Este Hombre con guitarra también se conoce como Hombre sentado con guitarra (Museo Nacional de Arte Moderno de París, Centro Pompidou) o Pierrot con clarinete (Maurice Raynal, Jacques Lipchitz, París 1947). El original de escayola se conserva en el Musée National d'Art Moderne Paris, Centre Pompidou (donación de la Fundación Jacques y Yulla Lipchitz, Nueva York, 1976). Existe un ejemplar de esta escultura en piedra reconstituida (Kunstmuseum, Basilea, Suiza) y otro en mármol (Rijksmuseum Kröller-Muller, Otterlo, Países Bajos), así como dos ediciones de siete ejemplares, una en bronce y otra en terracota. La serie en terracota del Hombre con guitarra incluye los siguientes ejemplares: - Un ejemplar ofrecido a Jean Cocteau por el artista, (vendido en Nueva York en mayo de 1982) - Número 2/7, Colección Martin y Rena Blackman (vendido en noviembre de 2021) - Número 5/7, Colección Hubert de Givenchy (vendido en París en junio de 2022). - El número 4/7 presentado aquí.

Valorac. 400 000 - 450 000 EUR

mar 04 jun

Gerhard Marcks - Gerhard Marcks Nadador II 1938/1952 Escultura de bronce. Altura 167,2 cm. Con la firma del artista en la parte delantera derecha del zócalo y la marca de fundición "H. NOACK BERLIN" en la parte trasera izquierda. Uno de más de 4 ejemplares; fundición póstuma. - Con hermosa pátina marrón oscura. - El muslo delantero derecho con algunas abrasiones puntiformes. Rudloff 354; Marcks, Werk-Tagebuch Gips/Bronze 197 Procedencia Colección privada, Renania del Norte-Westfalia (adquirida directamente al artista) Exposiciones Cf. entre otras Berlín 1938 (Galerie Buchholz), Bildhauerkunst, cat. nº 18 con ilustración del yeso; Hamburgo 1940 (Kunstverein), Deutsche Bildhauer der Gegenwart, cat. nº 113; Hannover 1949 (Kestner-Gesellschaft), Gerhard Marcks, cat. nº 18; Kassel 1955 (Dokumenta I), Cat. nº 385; Colonia/Berlín/Bremen 1989/1990 (Josef Haubrich-Kunsthalle/Nationalgalerie/Gerhard Marcks-Haus), Gerhard Marcks 1889-1981. retrospectiva, cat. p. 201; Jena 2004 (Galerie im Stadtmuseum), Gerhard Marcks. Zwischen Bauhaus und Dornburger Atelier, cat. nº I/25, con ilustraciones en color. Literatura Adolf Rieth, Gerhard Marcks, Recklinghausen 1959, p. 17; Jutta Schmidt, Einige Gedanken zur realistischen Plastik des 20. Jahrhunderts, en: Bildende Kunst, 1968, vol. 9, con ilustraciones, p. 471; Ursula Frenzel, Gerhard Marcks 1889-1981, Briefe und Werke, Múnich 1988, p. 100; Gerhard Marcks-Stiftung (ed.), Gerhard Marcks und die Antike, Bremen 1993, sin paginar, con tres ilustraciones a toda página. Gerhard Marcks tomó como modelo para "Nadador II" el retrato de su hija Brigitte, nacida en 1916. En 1952, el artista volvió a introducir pequeños cambios en el peinado de la escultura de 1938, que muestra a Brigitte de tamaño natural y con músculos entrenados y pronunciados. Su segunda hija, Ute, nacida en 1921, le sirvió de modelo para esta obra. La importante escultura "Nadador II" -de la que hay una copia en la Galería Nacional de Berlín y otra en el Museo Kaiser Wilhelm de Krefeld- ilustra la recepción que Marcks hizo de la antigüedad clásica y arcaica, materializada en su "firma" individual. En el retrato personal, muestra la representación universal e intemporal de la concentración contemplativa que precede a toda actividad deportiva. "En las constantes de estar de pie, sentado, agachado y tumbado, trazó las armonías de un movimiento exterior e interior, exploró la interacción y la eufonía de un canon respectivo de formas, exploró el ritmo de una progresión de líneas, volúmenes y ejes. Especialmente en el desnudo femenino, le preocupaba sobre todo una cosa: la belleza". (Martina Rudloff, Venus Urania no tiene nombre, en: Gerhard Marcks-Stiftung 1993, op.cit., p. 101)

Valorac. 150 000 EUR

mar 04 jun

Henri Laurens - Henri Laurens Femme couchée (de face) 1921 Relieve en bronce. 14 x 39,6 cm. Sin marcar. Uno de 8 moldes. - Con una hermosa pátina oscura, parcialmente aclarada a un color bronce. Hofmann 103 Procedencia Galerie Louise Leiris, París (con documento adjunto); Galerie René Ziegler, Zúrich (1986); colección privada, Hesse Exposiciones Lugano 1986 (Galería Pieter Coray), Henri Laurens cubista, cat. nº 21, con ilustraciones en color. Bibliografía Cf. Marthe Laurens, Henri Laurens. Sculpteur 1885-1954, París 1955, nº IV, p. 95, con ilustraciones; Henri Laurens, expos. Cat. Haus am Waldsee, Berlín 1956, cat. nº 6; Henri Laurens. Sculptures, Graphics, Drawings, cat. Cat. Kunsthalle Bielefeld 1972, cat. nº 4; Henri Laurens (1885-1954). Esculturas, collages, dibujos, acuarelas, grabados, exp. Cat. Sprengel Museum, Hannover 1985, cat. nº 3 Cuando el escultor francés Henri Laurens conoció a Georges Braque en 1912, éste le introdujo en las ideas y técnicas del cubismo. Después de que Laurens probara inicialmente la nueva técnica de moldeado en construcciones escultóricas de madera, hierro y yeso, hacia 1920 se dedicó a la figura, que en parte moldeó en terracota y en parte hizo fundir en bronce. Para la "Femme couchée, de face", utilizó las posibilidades del relieve para representar un desnudo femenino reclinado casi a tamaño natural. Utilizando los medios de la descomposición cubista de las formas, consiguió mostrar el desnudo desde todos los ángulos: la cabeza con el pelo largo girada hacia la izquierda, la parte superior del cuerpo de frente y el vientre y las nalgas redondas apuntando hacia arriba en un solo plano pictórico. Al igual que en las naturalezas muertas, Laurens se preocupa por la interacción de las formas individuales, que se geometrizan y se funden en una sola unidad. Las formas curvas se alternan con elementos angulosos de bordes afilados. Cuando se le pregunta por su planteamiento, Laurens responde: "Cuando empiezo una escultura, sólo tengo una vaga idea de lo que quiero hacer. Por ejemplo, tengo la idea de una mujer [...]. Pero antes de que mi escultura sea una representación de algo, es [...] una secuencia de acontecimientos plásticos en mi imaginación [...]". (citado en "Die unbekannte Sammlung aus Bielefeld", expos. Cat. Bonn 2011, p. 130). El relieve de bronce procede de la galería de Louise Leiris en París, que había asumido la representación artística del escultor de manos de su cuñado Daniel Henry Kahnweiler. Este último había descubierto a Laurens y escribió retrospectivamente: "A menudo he subrayado lo importante que me parece la obra de Henri Laurens. Su contribución a la 'gran época' del cubismo difícilmente puede sobrestimarse". (citado de Werner Hofmann, Henri Laurens, Stuttgart 1970, p. 50).

Valorac. 30 000 - 35 000 EUR
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