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lun. 27 mai

Raingo Frères, époque Napoléon III Garniture de cheminée en onyx et bronze doré, composée d’une pendule et une paire de candélabres : - la pendule borne coiffée d’un carquois et un flambeau dans une couronne de laurier surmontant un cadran émaillé blanc indiquant les heures en chiffres romains, les minutes en chiffres arabes et chemin de fer. Signé « Raingo Fres / Paris », il est entouré de deux cornes d’abondance nouées et surmonte un bas-relief à décor de rinceaux. Six pieds godronnés. La platine numérotée « 172 » avec cachet de la maison Raingo Frères. Suspension Brocot. - les candélabres à quatre lumières, la partie centrale coiffée d’une grenade, les binets décorés de feuilles d’acanthe en alternance de fleurettes. Les bras de lumière en rinceaux terminés par des grenades. Ils reposent sur un piédestal cannelé et rudenté entouré de cornes d’abondance. La base à trois bas-reliefs, celui du centre orné d’un carquois et un flambeau, les deux autres de guirlandes de laurier. Six pieds godronnés. Pendule : Haut. 45 Larg. 35 Prof. 14,5 cm. Candélabres : Haut. 50,5 cm. (petits accidents, dont un petit fêle en façade, restaurations) Provenance : ancienne collection du château de Maugué, Loir-et-Cher. Puis collection blésoise, place du château. The Raingo Frères Company, Napoléon III Period. An onyx and ormolu mantel clock and matching pair of candelabras. Bibliographie : Pierre Kjellberg, "Encyclopédie de la pendule française du Moyen-âge au XXe siècle", Paris, Les éditions de l’Amateur, 1997, un modèle très proche reproduit p. 476. La Maison Raingo Frères est fondée en 1823. Elle réunit les quatre fils de l’horloger Zacharie-Joseph Raingo, lui-même fils de Nicolas-Joseph et Marie-Magdelaine Decrolyet. Forte de ses réalisations, l’entreprise est récompensée d’une médaille de bronze par le jury de l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1844. Les Raingo fournissent les plus hautes personnalités de l’époque, dont l’Empereur Napoléon III et son épouse l’Impératrice Eugénie à partir de 1860. La Maison Raingo est décrite comme l’une « des premières maisons de Paris [ ] par le mérite de ses produits ».

Estim. 1 000 - 1 500 EUR

mar. 28 mai

Epikisis. Grande Grèce, Gnathia, IVe siècle av. J.-C. Céramique. Provenance : collection privée J. S. Barcelona, Espagne, spécialisée dans l'étude et la collection de céramiques grecques. Intacte. Excellent lustre de la cuisson dans la couleur noire. Dimensions : 17 cm (hauteur). Epikisis de la Grande Grèce en céramique, décorée de motifs géométriques et végétaux en blanc, rouge et jaune sur fond sombre. L'épiquisis était un récipient fermé, destiné à contenir de l'huile, des onguents ou d'autres liquides. Il servait également à verser le vin et à transférer un liquide d'un grand récipient à un autre. Différentes sources parlent d'épiquisis en bronze et d'autres utilisées pour verser l'huile dans les lampes, mais c'est Varron qui fournit les références les plus explicites : il indique que cette typologie a remplacé le guttus romain avec l'introduction de la mode grecque à Rome. Il s'agit donc peut-être de l'équivalent grec du guttus latin. La céramique de Gnathia est un type de poterie appartenant à l'ancienne peinture apulienne du IVe siècle avant J.-C. Elle doit son nom à l'ancienne ville de Gnathia (aujourd'hui Egnazia), dans les Pouilles orientales. C'est là que les premiers exemples de ce style ont été découverts au milieu du XIXe siècle. Sa production a débuté dans les Pouilles vers 370/360 avant J.-C., parallèlement à la version locale du style à figures rouges qui développait à cette époque des tendances à la polychromie. Les vases Gnathia se caractérisent par l'application de différentes peintures directement sur le corps du vase. Les sujets représentés comprennent des érotiques, des images de la vie des femmes, des scènes théâtrales et des motifs dionysiaques. La peinture était souvent limitée à la moitié supérieure du corps du vase, tandis que la moitié inférieure ne comportait souvent qu'une décoration ornementale. Les formes les plus courantes sont les cloches, les pélicans, les oinochoai et les skyphos.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

jeu. 30 mai

Grand lustre attribué à CARLO NASON (Murano-Italie, 1935). Italie, années 1970. Verre de Murano transparent et rose. En très bon état. Ce lustre vintage n'a pas de défaut mais peut présenter de légères marques d'utilisation. Il présente une légère usure en fonction de l'utilisation et de l'âge. Les composants électriques ont été refaits et/ou sont neufs. Il manque une pièce de couleur claire. Une des pièces de couleur lilas était cassée et a été réparée. Dimensions : 112 x 60 cm. Fantastique grande lampe attribuée au maître verrier Carlo Nason. Elle présente une structure complexe formée par de multiples cristaux de Murano d'inspiration organique en blanc et rose. Le designer italien Carlo Nason est né en 1935 à Murano, à Venise, dans une famille de verriers qualifiés. Son père, Vincenzo Nason, dirigeait la célèbre entreprise de verrerie NasonMoretti et a ouvert une deuxième entreprise de verrerie sous le nom de Vincenzo Nason & C en 1941. Dès son plus jeune âge, le jeune Nason a été formé à l'art du soufflage du verre, apprenant à la fois les propriétés du matériau et les techniques artisanales utilisées pour mouler et décorer le verre.Les premiers objets conçus par Nason datent de 1959 et font partie d'une collection de vases moulés produits par V Nason & C. Ils sont actuellement conservés à l'Institut de recherche sur le verre de Corfou. Poussé par sa passion pour le design, en particulier pour les formes géométriques épurées, Nason a décidé dans les années 1960 de prendre ses distances avec l'entreprise familiale, qui se spécialisait principalement dans les objets décoratifs très traditionnels et ornés. Nason avait l'intention de produire lui-même ses premières créations en petites séries, mais son esprit d'expérimentation et d'innovation a rapidement attiré l'attention du fabricant de luminaires en verre de Murano, AV Mazzega, qui l'a invité à collaborer à de nouvelles collections. Le partenariat a duré de 1965 aux années 1980 et a donné naissance à une variété de modèles d'éclairage emblématiques qui restent très demandés aujourd'hui. Parallèlement à sa collaboration avec AV Mazzega, Nason a également créé des objets pour d'autres grandes sociétés de verre de Murano, telles que De Majo, i-tre, Murano Due, Vistosi et Firme di Vetro. Nason a continué à créer des objets dans les années 1980 et 1990, mais il a également travaillé comme consultant pour Casinos Austria et comme photographe. Les œuvres de Nason sont exposées depuis des décennies dans divers musées et galeries d'art et de design à Paris, Milan et New York. Il vit et travaille à Murano.

Estim. 4 000 - 4 200 EUR

jeu. 30 mai

Plafonnier vintage en forme de soleil des années 40. Dans le style de GILBERT POILLERAT (France, 1902-1988). Fer peint. Électrifié. Avec 2 points lumineux intérieurs. Il présente des marques d'utilisation et d'usure généralisée. Dimensions : 62 x 62 x 13 cm. Plafonnier vintage en forme de soleil. Des rayons alternés de deux tailles rayonnent à partir de la sphère centrale. Gilbert Poillerat a étudié à l'École Boulle, où il a suivi une formation de graveur et de ciseleur sur métal, dont il est sorti diplômé en 1921. Entre 1921 et 1927, il travaille pour le ferronnier Edgar Brandt, où il effectue des travaux de conception et de fabrication. En 1927, il entre au service de la société Baudet, Donon et Roussel, spécialisée dans les ouvrages de construction, dont il dirige la division "quincaillerie décorative", qui produit des tables et des lampes. Dans les années 1930 et 1940, Poillerat continue à concevoir des meubles et des éléments architecturaux. Il s'inspire de diverses sources, notamment de l'architecture historique et de la nature. En 1934, il commence à produire des bijoux. Au milieu des années 1930, sous l'influence de Christian Bérard et de Jean Cocteau, Poillerat s'inspire du mouvement néo-baroque. En 1946, Poillerat quitte Baudet, Donon et Roussel pour devenir professeur à l'École nationale des arts décoratifs. Il y enseigne pendant 26 ans, tout en poursuivant sa propre production de dessins et en collaborant avec des artistes de l'envergure d'André Arbus, Jean Pascaud et Vadim Androusov.

Estim. 800 - 1 000 EUR

jeu. 30 mai

Plafonnier vintage en forme de soleil des années 50. Dans le style de GILBERT POILLERAT (France, 1902-1988). Fer peint. Électrifié. Avec 2 points lumineux intérieurs. Il présente des marques d'utilisation et d'usure généralisée. Dimensions : 67 x 67 x 14 cm : 67 x 67 x 14 cm. Plafonnier vintage en forme de soleil. Des rayons alternés de deux tailles rayonnent à partir de la sphère centrale. Gilbert Poillerat a étudié à l'École Boulle, où il a suivi une formation de graveur et de ciseleur sur métal, dont il est sorti diplômé en 1921. Entre 1921 et 1927, il travaille pour le ferronnier Edgar Brandt, où il effectue des travaux de conception et de fabrication. En 1927, il entre au service de la société Baudet, Donon et Roussel, spécialisée dans les ouvrages de construction, dont il dirige la division "quincaillerie décorative", qui produit des tables et des lampes. Dans les années 1930 et 1940, Poillerat continue à concevoir des meubles et des éléments architecturaux. Il s'inspire de diverses sources, notamment de l'architecture historique et de la nature. En 1934, il commence à produire des bijoux. Au milieu des années 1930, sous l'influence de Christian Bérard et de Jean Cocteau, Poillerat s'inspire du mouvement néo-baroque. En 1946, Poillerat quitte Baudet, Donon et Roussel pour devenir professeur à l'École nationale des arts décoratifs. Il y enseignera pendant 26 ans, tout en poursuivant sa propre production de dessins et en collaborant avec des artistes de l'envergure d'André Arbus, Jean Pascaud et Vadim Androusov.

Estim. 800 - 1 000 EUR

jeu. 30 mai

Plafonnier vintage en forme de soleil des années 50. Dans le style de GILBERT POILLERAT (France, 1902-1988). Fer peint. Électrifié. Avec 2 points lumineux intérieurs. Il présente des marques d'utilisation et d'usure généralisée. Dimensions : 62 x 62 x 15 cm. Plafonnier vintage en forme de soleil. Des rayons alternés de deux tailles rayonnent à partir de la sphère centrale. Gilbert Poillerat a étudié à l'École Boulle, où il a suivi une formation de graveur et de ciseleur sur métal, dont il est sorti diplômé en 1921. Entre 1921 et 1927, il travaille pour le ferronnier Edgar Brandt, où il effectue des travaux de conception et de fabrication. En 1927, il entre au service de la société Baudet, Donon et Roussel, spécialisée dans les ouvrages de construction, dont il dirige la division "quincaillerie décorative", qui produit des tables et des lampes. Dans les années 1930 et 1940, Poillerat continue à concevoir des meubles et des éléments architecturaux. Il s'inspire de diverses sources, notamment de l'architecture historique et de la nature. En 1934, il commence à produire des bijoux. Au milieu des années 1930, sous l'influence de Christian Bérard et de Jean Cocteau, Poillerat s'inspire du mouvement néo-baroque. En 1946, Poillerat quitte Baudet, Donon et Roussel pour devenir professeur à l'École nationale des arts décoratifs. Il y enseignera pendant 26 ans, tout en poursuivant sa propre production de dessins et en collaborant avec des artistes de l'envergure d'André Arbus, Jean Pascaud et Vadim Androusov.

Estim. 800 - 1 000 EUR

jeu. 30 mai

POUL HENNINGSEN (Danemark, 1894 - 1967) pour Louis Poulsen. Plafonnier PH 3/3. Édition limitée. Verre opalin blanc soufflé et abat-jour en laiton brossé, Verrière en laiton brossé. 4 mètres de cordon en tissu blanc. En parfait état. Livré non monté, dans sa boîte d'origine. Photos du modèle final. Dimensions : 28,7 x 28,7 x 30 cm. Plafonnier modèle PH 3/3, composé de plusieurs pièces circulaires en verre opale, qui s'emboîtent les unes dans les autres pour former un diffuseur de lumière au design aérodynamique. Il a été conçu par Poul Henningsen pour Louis Poulsen. Designer, architecte et critique danois, Poul Henningsen a été l'une des figures clés de la vie culturelle du Danemark dans l'entre-deux-guerres. Il a étudié l'architecture entre 1911 et 1917, mais n'a jamais obtenu son diplôme, car il a décidé de devenir inventeur et peintre. Il a néanmoins travaillé comme architecte et est devenu l'un des plus éminents défenseurs du fonctionnalisme. Dans sa carrière de designer, sa création la plus célèbre est la lampe "PH Artichoke", une lampe simple qui utilise les caractéristiques de la lumière pour éviter l'éblouissement et créer un effet esthétique d'une grande beauté. Son succès a permis à Henningsen de financer ses travaux ultérieurs. Il est actuellement représenté au Musée danois d'art et de design, au MoMA de New York et au Victoria & Albert de Londres, entre autres. En parfait état. Livré non monté, dans sa boîte d'origine.

Estim. 1 500 - 1 700 EUR

jeu. 30 mai

D'après les modèles de GABRIELLA CRESPI (Saronno, Italie, 1922- Milan, Italie, 2017). Plafonnier, vers les années 1970. Bambou, rotin et laiton. Dimensions : 25 x 55 x 55 cm. Plafonnier avec un abat-jour en forme de chapeau à larges bords, réalisé en bambou et en rotin. L'utilisation de ce type de matériaux naturels, également utilisés dans les anneaux qui composent la suspension, ainsi que les formes évasées suivent le style de Gabriella Crespi. Ces modèles étaient très populaires dans les années 1970. Gabriella Crespi a étudié l'architecture au Politecnico di Milano, où son travail a été influencé par LE Corbusier et Frank Lloyd Wright. À partir des années 1950, elle s'est consacrée à la création de meubles et d'autres objets équilibrant le design et l'abstraction sculpturale. Crespi a commencé sa carrière de designer dans les années 1950 avec sa première production d'objets, la "Small Lune Collection", des sculptures en acier en forme de lune. Au début des années 1960, elle collabore avec la Maison Dior. En 1968, le prototype de son premier "Plurimo" est exposé à Dallas, représentant le design italien de l'époque. En 1970, elle commence à collaborer à la célèbre série "Plurimi" avec des meubles "métamorphiques" ("Magic Cube", "2000", "Dama", "Scultura"). Entre 1970 et 1974, elle réalise ses œuvres les plus significatives à la cire perdue, dont la sculpture "My Soul" (1974), les collections "Animali" (sculptures en bronze aux allures féeriques qui révèlent l'attention constante de Gabriella pour le monde naturel), "Jewels" et "Scultura". ), "Jewels" et "Gocce Oro" : des sculptures fluides conçues selon l'ancien et précieux procédé de la fonte à la cire perdue. Entre 1972 et 1975, elle conçoit le "Quick Change Sofa", la ligne "Z" ("Z Bar", "Z Desk") et la collection en bambou "Rising Sun", un matériau cher au cœur de Crespi qui, selon elle, "unit force et flexibilité". Les célèbres lampes "Fungo" (1973) font partie de cette collection. En 2008, elle a créé pour Stella McCartney une réédition limitée de certaines de ses collections de bijoux des années 1970. En 2011, le Palais royal de Milan lui a dédié la grande anthologie "Le signe et l'esprit". En avril 2012, Gabriella Crespi Srl est fondée dans le but de promouvoir les nouvelles créations de l'artiste designer. La même année, les archives Gabriella Crespi ont été créées au sein de la société, sous la direction de la fille de l'artiste, Elisabetta Crespi.

Estim. 600 - 800 EUR
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