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DROUOT
Dienstag 25 Jun um : 14:30 (MESZ)

Moderne Kunst

Millon - +33147279534 - Email

3, rue Rossini 75009 Paris, Frankreich
Exposition des lots
mardi 25 juin - 11:00/12:00, Salle VV
lundi 24 juin - 11:00/18:00, Salle VV
samedi 22 juin - 11:00/18:00, Salle VV
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173 Ergebnisse

Los 2 - Giovanni BOLDINI (Ferrare 1842 - Paris 1931) - Porträt der Ehefrau von Jules Amigues, 1867. Öl auf Original-Leinwand 37 x 22,5 cm In seinem Rahmen aus Holz und vergoldetem Stuck, mit einem Etikett auf der Vorderseite BOLDINI Ein Zertifikat von Madame Francesca Dini wird dem Käufer ausgehändigt. Das Porträt stammt von Marie-Laure-Elina De Muller, die mit Jules Amigues (Perpignan 1828-Paris 1883) verheiratet war, einem Schriftsteller, Juristen und Politiker der Bonapartisten. Das Paar hatte zwei Söhne, Georges (1856-1921), Illustrator und Karikaturist unter dem Pseudonym "Japhet", und Jacques, Mitarbeiter der bonapartistischen Zeitung "Petit Caporal" und Gründer der Versicherungsgesellschaft "La Préservatrice". Nachdem das Bild zunächst Jacques und dann seinem Sohn Maurice Amigues gehört hatte, gelangte es durch Abstammung an die heutigen Besitzer. Auf dem oberen Teil des Rahmens befindet sich eine alte Stiftinschrift mit folgender Aufschrift: "Mme Jules Amigues/ von Giovanni Boldini/ Florenz 1867". [...] Der italienische Maler Giovanni Boldini war von frühester Kindheit an in einem künstlerischen Umfeld aufgewachsen. Nach seiner Ausbildung in seiner Heimatstadt (die er durch das Beispiel wichtiger alter Meister wie Cosmé Tura und Dosso Dossi genährt hatte) zog er für etwa zehn Jahre nach Florenz, wo er ab 1864 an der großen poetischen Saison der Macchiaioli teilnahm. 1871 beschloss er, sich in der französischen Hauptstadt niederzulassen, da er vom Pariser Lebensstil begeistert war [...] und wurde zu einem der begehrtesten Künstler im Stall von Goupil. Er hatte Erfolg mit kleinen Gemälden von außergewöhnlicher Machart und Schönheit, die mal galante Szenen in Kostümen des 18. Jahrhunderts, mal elegante Lebensabschnitte darstellten, in denen die Lebendigkeit des Rokoko-Pinselstrichs auf die Realität der modernen Metropole übertragen wurde. In den 1880er Jahren kehrte Boldini zu seiner Jugendleidenschaft, dem Porträt, zurück und schilderte die Menschen seiner Zeit in großformatigen Gemälden, die ihn international berühmt machten. Lange vor seinem unvergänglichen Ruhm als "mondäner Porträtist" und symbolträchtiger Maler der Belle Époque hatte Boldini knapp ein Jahrzehnt in Florenz als Teil der Macchiaioli-Bewegung verbracht, deren Einfluss er in den wenigen Fällen, in denen er sich an der Landschaftsmalerei versuchte, unterlag. Ab 1864 widmete sich Boldini jedoch vor allem der Erneuerung des Porträtgenres und erfand eine Typologie, die sich unter seinen Macchiaioli-Kollegen verbreiten sollte. Diese folgten ihm in dem Kriterium, die Haltungen der Porträtierten - meist in Ganzkörperansicht - und die Umgebungen, in denen sie tatsächlich lebten, einzufangen. So werden die Innenräume von Ateliers, Salons und Schlafzimmern zu kleinen optischen Kästen voller Details, die Aspekte des sozialen Lebens und des Charakters seiner Figuren erzählen und sichtbar machen. Zu diesem kreativen Moment gehört auch das vorliegende Gemälde, das die Ehefrau von Jules Amigues zu einer Zeit darstellt, als der berühmte Politiker in Italien als Korrespondent der "Zeit" seine ersten journalistischen Schritte machte und sich eifrig unter die kosmopolitische Gesellschaft mischte, die sich in den florentinischen Hügeln von Bellosguardo und insbesondere in der prächtigen Villa dell'Ombrellino - die zu jener Zeit von dem exzentrischen Künstler Marcellin Desboutin bewohnt wurde - versammelte. Hier lernten sich Boldini und Amigues kennen, die auf unterschiedliche Weise in das Projekt von Desboutin und dem Verleger Felice Solar, eine französischsprachige Zeitung in der Toskana zu gründen, involviert waren. Außerdem hielten sich die Familie Amigues und Boldini 1867, also im Entstehungsjahr unseres Gemäldes, in Castiglioncello - an der Küste südlich von Livomo - als Gäste von Diego Martellì auf, dem mit den Macchiaioli und später mit den Impressionisten befreundeten Kunstkritiker [siehe Piero Dini - Francesca Dini, "Giovanni Boldini. Catalogo ragionato", Allemandi, Turin 2002, Band II (Epistolario), S. 26]. Das vorliegende Gemälde schildert die schlanke Silhouette von Madame Amigues, die sich vor einem dunkelgrünen Hintergrund abhebt, der unten von den Rot- und Orangetönen des Teppichs erhellt wird, die an die Wärme eines bürgerlichen Interieurs erinnern. Madame Amigues trägt ein reiches schwarzes Kleid mit Jaisrand, dessen Linienführung an eine vereinfachte Krinoline erinnert, die in den späten 1860er Jahren in Mode war; raffinierte weiße Spitze bedeckt ihre Handgelenke und ihren Hals, unter dem sich eine breite Schleierschleife in einem hellen, leuchtenden Farbton über ihre Brust windet. Mit ihrem braunen Haar, das auf der Stirn geteilt und zu einem Haarband zusammengefasst ist, wendet sich das Gesicht des Modells nach rechts, eine zurückhaltende Bewegung, die Boldini hastig einfängt: Madame Amigues erscheint auf diese Weise postiert, aber nicht unbeweglich, während der italienische Meister seinen charakteristischen Stil durch eine elegante und faszinierende Ausführung offenbart. Von Frau Francesca Dini, Expertin für das Werk von Giovanni Boldini. Durchgesehen und übersetzt von der Etude Millon

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 20 - Pierre BONNARD (Fontenay aux Roses 1867 - Le Cannet 1947) - Schloss Virieu bei Le Grand-Lemps, um 1886 Öl auf Leinwand, marouflé auf parkettierter Platte. 38 x 40 cm Provenienz: Sammlung Terrasse-Floury Durch Erbfolge immer in der Familie geblieben Bibliografie : Guy-Patrice und Floriane Dauberville, Bonnard 2e Supplément Catalogue raisonné de l'Œuvre peint, Paris, Editions Bernheim-Jeune, 2021 Seite 71, Nummer 02190, abgebildet. Es sind Werke voller Intimität, die Pierre Bonnard von seinem Familiensitz in Le Grand-Lemps aus zu betrachten gibt und die wir die Ehre haben, zum Verkauf anzubieten. Le Clos", das etwa zehn Hektar Waldland und einen großen Garten umfasst, liegt am Fuße der Alpen in der ehemaligen Dauphiné. Hier verbrachte Pierre Bonnard als Kind seine Ferien in dem Haus, das seinem Großvater väterlicherseits, einem Landwirt und Saatguthändler, gehört hatte. Von Beginn seiner Karriere bis zum Verkauf des Anwesens im Jahr 1928 hielt sich der Maler regelmäßig im Frühjahr dort auf. Timothy Hyman beschreibt diesen Ort als eine der "Konstanten seiner Existenz, von seiner frühesten Kindheit bis zum Vorabend seines sechzigsten Lebensjahres" (Bonnard, London, 1998, S. 70), die sich im Laufe der Jahre zu einem wichtigen und wiederkehrenden Motiv im Werk Pierre Bonnards entwickelt hat. Es war im Übrigen im Sommer 1895, als Pierre Bonnard, damals in Le Grand Lemps, sich endlich in seiner Identität als Maler vollständig fühlte und erklärte: "Eines schönen Tages schienen alle Sätze und Theorien, auf die sich unsere Gespräche gestützt hatten - die Farbe, die Harmonie, das Verhältnis zwischen Linie und Ton, das Gleichgewicht - ihre abstrakte Ladung verloren zu haben und konkret geworden zu sein. Mit einem Mal wusste ich, was ich suchte und wie ich es erreichen konnte" (Timothy Hyman, Bonnard, London, 1998, S. 35). In den Jahren nach dieser Offenbarung malte Bonnard einige seiner bemerkenswertesten Gemälde in Le Clos und wandte sich allmählich der umgebenden Landschaft der Dauphiné zu. Diese Gemälde haben jedoch eines gemeinsam: Sie zeigen Landschaften, in denen die Natur Königin ist und sublimiert wird und in denen die glücklichen Erinnerungen an Le Clos jedes Element der Kompositionen durchdringen. Diese Gemälde stellen somit für Bonnard eine Oase der Ruhe dar, einen Ort außerhalb der Zeit, auf den die ständigen Veränderungen der Moderne keinen Einfluss haben können. Diese besonders intimen Werke laden uns Betrachter dazu ein, in die Geschichte des Menschen und Künstlers Pierre Bonnard einzutauchen, und werden zum ersten Mal auf einer Auktion angeboten. Die drei Gemälde, die Grand Lemps und die Dauphiné darstellen, sind Teil des Terrasse-Floury-Nachlasses, da Andrée Théodorine, die Schwester von Pierre Bonnard, mit Claude Terrasse, dem Urgroßvater der heutigen Eigentümer, verheiratet war.

Schätzw. 18 000 - 22 000 EUR

Los 25 - Maurice DENIS (Granville 1870 - Paris 1943) - Perros-Guirec, Jesus bei Martha und Maria, 1917 Öl auf Original-Leinwand 102 x 157 cm Signiert und datiert unten links Maurice Denis 1917. Trägt auf dem Keilrahmen ein altes Etikett: Première Exposition de collectionneurs au profit de la Société des amis du Luxembourg ..... Herkunft: Charles Pacquement, erworben auf der Ausstellung von Cher Druet 1918 (Carnet des Dons et Ventes de l'artiste (CDV) n°983). Durch Nachkommenschaft in der Familie Pacquement verblieben. Verkauf Palais Galliera, 7. Dezember 1976, Paris, Los 16 des Verkaufskatalogs. Aus einer privaten Sammlung Verkauf von Maître Paul Renaud, Hôtel Drouot, 17. März 2000. Private Sammlung, Paris Verkauf Beaussant Lefevre, 10. Juni 2015, Los 118. Bei dieser Auktion vom derzeitigen Besitzer erworben. Ausstellung : Galerie Druet, "Maurice Denis", Paris, 1918, Nr. 2. Douzième exposition du Salon d'Automne, Paris, 1. November - 10. Dezember 1919, Nr. 480 Première Exposition des Collectionneurs au profit de la Société des amis du Luxembourg, Paris, März-April 1924, Nr. 185 (Sammlung Ch. Pacquement). Musée des Arts Décoratifs, "Maurice Denis 1888-1924", Paris, 11. April - 11. Mai 1924, Nr. 259 (mit dem Datum 1918). Musée d'Art Moderne, "Maurice Denis", Paris, 1945, Nr. 122 Bibliografie : Suzanne Barazzetti, Maurice Denis, Paris, Grasset éditeur, 1945, Seite 289 (mit der falschen Angabe einer Ausstellung bei Druet im Jahr 1927). Wird in dem Catalogue raisonné de l'oeuvre de Maurice Denis erscheinen, der derzeit von Claire Denis und Fabienne Stahl vorbereitet wird. 1890 veröffentlichte Maurice Denis in der Zeitschrift "Art et critique" eine Notiz, in der er den Begriff "Neo-Traditionalismus" definierte. Ein neuer Ismus, Marker einer künstlerischen und ästhetischen Tendenz, die sich zwischen dem Ende des 19. und dem Beginn des 20. Jahrhunderts strukturiert. Der Künstler versucht nun, den Symbolismus, der damals mit den Nabis in Verbindung gebracht wurde, als eine Bewegung zu definieren, die die akademische Kunst und den Impressionismus ablehnt. Der Künstler schreibt "Ich habe junge Leute gekannt, die sich einer anstrengenden Gymnastik der Sehnerven unterzogen, um Trompe-l'œil zu sehen [...]: und sie schafften es, das weiß ich. Herr Signac wird Ihnen durch makellose Wissenschaft beweisen, dass seine chromatischen Wahrnehmungen von allergrößter Notwendigkeit sind. Und Herr Bouguereau ist, wenn seine Atelierkorrekturen aufrichtig sind, felsenfest davon überzeugt, dass er die "Natur" kopiert. [...] Die unvernünftige Bewunderung alter Gemälde (in denen man, da man sie bewundern muss, nach gewissenhaften Wiedergaben der "Natur" sucht) hat das Auge der Meister der Schule sicherlich verzerrt. [...] Hat man bemerkt, dass diese undefinierbare "Natur" sich ständig verändert, dass sie im Salon von 90 nicht dieselbe ist wie in den Salons vor dreißig Jahren, und dass es eine "Natur" der Mode gibt - eine Phantasie, die sich ändert wie Kleider und Hüte? " Einerseits kritisiert Maurice Denis das Streben nach der antiken Mimesis. Andererseits möchte er "sich engagieren, um gegen die Auswüchse der Analyse und die gefährlichen Prestiges, die aus dem Aberglauben an atmosphärische Phänomene entstanden sind, vorzugehen" (Paul Jamot, Maurice Denis, Plon, Paris, 1945, S. 5.). In dieser Hinsicht distanziert sich der Künstler von den Beiträgen des Impressionismus in der Kunst. So ist sein Werk von klassischen Themen geprägt, wie religiösen und weltlichen Themen, Familienszenen, Landschaften, dem Vorkommen in Italien und der Bretagne. Seine Gemälde werden nicht von der Nachahmung der Natur diktiert, sondern mischen eine subjektive Realität, die von einer gewissen Melancholie geprägt ist. In der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen war Maurice Denis ein anerkannter Künstler und Dekorateur, der immer wieder die Dinge veranschaulichte, die er Jahre zuvor gesagt hatte. Das vorliegende Werk, das 1917 entstand, bildet keine Ausnahme von dieser Reihenfolge und ist somit ein repräsentatives Gemälde für den Stil von Maurice Denis. "Als Maurice Denis im Alter von fünfzehn Jahren seine Berufung zum Künstler entdeckte, schrieb er am 15. Mai 1885 in sein Tagebuch: "Ich muss ein christlicher Maler werden, damit ich alle Wunder des Christentums feiern kann, ich fühle, dass ich das tun muss". In seiner Vorstellung gab es eine starke Verbindung zwischen dem Christentum und der Malerei. Sein Wunsch war es vor allem, eine christliche Kunst für seine Zeit neu zu erfinden, indem er seine künstlerische Entwicklung mit seinem spirituellen Weg als Gläubiger verband. In diesem Werk befasst sich Maurice Denis mit einem Thema, das ihm besonders am Herzen lag: die Begegnung Jesu mit Martha und Maria, wie sie von Lukas berichtet wird (10:38-42). Er entschied sich dafür, kein Gespräch, sondern eine Szene eines heiligen Mahls darzustellen, das einem anderen in einem seiner Gemälde, Die Pilger von Emmaus (um 1896, Privatsammlung), sehr ähnlich ist. Der Rahmen entspricht dem Balkon von "Silencio", einem Haus in der Bretagne mit Blick auf den Strand von Perros-Guirec, das der Künstler 1908 gekauft hatte. In seiner üblichen Art und Weise hat Den

Schätzw. 60 000 - 80 000 EUR

Los 35 - Robert William VONNOH (Hartford 1858 - Nice 1933) - Porträt von Bessie Potter Vonnoh Öl auf Original-Leinwand 41x 31 cm Trägt auf der Rückseite die Schablonenmarke des Leinwandhändlers C. Friedrichs Art Material New -York Robert William Vonnoh, der 1858 geboren wurde und aus einer amerikanischen Familie aus Hartford stammte, begann seine künstlerische Ausbildung 1875 an der Massachussetts Normal Art School und später in Paris, wo er ab 1881 an der Académie Julian aufgenommen wurde. 1886 heiratete Vonnoh Grace D. Farrelll und sie besuchten das Hôtel Chevillon in Grez-sur-Loing, um ihre Verbindung zu feiern. Die Landschaft dieses Dorfes hinterließ einen tiefen Eindruck auf den Künstler, der sich nichts sehnlicher wünschte, als außerhalb seines Ateliers zu malen und die Natur als einziges Modell zu verwenden. Sein gesamtes malerisches Werk feiert somit das, was einige Kritiker als "Schule von Grez" bezeichnen, obwohl der Künstler mehrere Reisen nach Paris, Südfrankreich und in die Vereinigten Staaten unternommen hat. Jedes Gemälde schildert eine Atmosphäre, in der das Licht im Augenblick erfasst wird und die Zeit stillzustehen scheint. Vonnoh gelingt es, eine Farbpalette, die sich durch ihre Frische und Zartheit auszeichnet, mit einem klaren und präzisen Pinselstrich zu kombinieren. So treffen die fast pastellartigen Töne seiner Ölbilder, insbesondere seine Rosen, Grün- und Blautöne, auf einen Pinselstrich, der aus vielen kleinen Pinselstrichen besteht und seinen blühenden Bäumen ein watteartiges Aussehen und seinen Landschaften eine dunstige Atmosphäre verleiht. Nicht umsonst wird der Künstler oft in die Nähe der postimpressionistischen Bewegung oder von Künstlern wie Armand Guillaumin, Camille Pissarro usw. gerückt. Vonnohs Leidenschaft für diesen Teil der Ile-de-France führte dazu, dass er sich in den 1870er und 1880er Jahren mit seiner zweiten Frau, der amerikanischen Bildhauerin Bessie Potter, in Grez-sur-Loing in einem der Häuser von Marie Simard dauerhaft niederließ. Das Ensemble, das wir zum Verkauf anbieten, ist übrigens ein Zeugnis ihrer Liebe und ihrer künstlerischen Praxis, da beide Bessie Potter als Motiv nahmen, der eine für sein Porträt und der andere für sein Selbstporträt. Diese Sammlung ist auch eine bewegende Hommage des amerikanischen Malers, der von der Schönheit der Natur und ihren Nuancen fasziniert war, an die Landschaften der Seine-et-Marne bis hin zu den Küsten des Mittelmeers.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 40 - Robert VONNOH (Hartford 1858 - Nice 1933) - Der blühende Kirschbaum Öl auf Original-Leinwand 61,5 x 76 cm Signiert unten bei Robert Vonnoh Die Simard-Schwestern bewohnten in Grez einen Hof, der an das Hotel Chevillon (Zufluchtsort der internationalen impressionistischen Malerkolonie) angrenzte und gegenüber der Ecke des Place du Sauvage und der Bäckerei meiner Großeltern lag. Dieser Hof, dem ein Torbogen voranging, umfasst noch mehrere kleine Häuser, von denen Marie Simard eines seit den 1880er Jahren an den amerikanischen Maler Robert Vonnoh vermietete. Marie war unverheiratet geblieben und kümmerte sich wie eine Mutter um "ihren großen Jungen", wenn er in Frankreich war, und verwaltete seinen Besitz, wenn er nach Amerika zurückkehrte. Ihre Schwester Aline war mit Désiré Moreau verheiratet, einem ehemaligen Droschkenkutscher in Paris und Cousin ersten Grades meines Großvaters, des Bäckers. Die beiden benachbarten Familien lebten in einer recht engen Vertrautheit und so kannten die beiden Schwestern die künstlerischen Vorlieben ihrer Nachbarin und angeheirateten Cousine. Als 1914 der Krieg ausbrach, verließ Vonnoh die Stadt und überließ den beiden Schwestern ihr Atelier und dessen Inhalt. Nach dem Ende der Feindseligkeiten kehrte Vonnoh mit seiner zweiten Frau, Betty Potter, nach Frankreich zurück, ließ sich aber in Nizza nieder. Er machte einen Abstecher nach Grez , wahrscheinlich nach Maries Tod. Er machte mit Alines Hilfe ein Inventar seiner Gemälde und überließ ihr den Teil seiner Möbel und Werke, der ihn nicht mehr interessierte. Aline bewahrte das Vermächtnis ihres "Helden" "religiös" auf und übergab es nach ihrem Tod im Jahr 1938 ihrer Cousine Marthe - meiner Großmutter -, die sie für würdig hielt, dieses Andenken weiterzuführen. Marie Simard, die Vermieterin (gestorben am 8. Februar 1920). legte an ihre Schwester Alix Simard (gestorben am 27. November 1938), die die Bilder an Marthe Floreau Crepin (gestorben am 30. Dezember 1950), die Großmutter des heutigen Besitzers, übergab.

Schätzw. 15 000 - 20 000 EUR

Los 43 - Raymond THIBESART (Bar sur Aube 1874 - 1968) - Die Mühlsteine, 1912 Pastell 22,5 x 30,5 cm Signiert, lokalisiert und datiert unten links Thibesart Vaux 12 Raymond Thibesart ist ein französischer Maler, der mit der postimpressionistischen Bewegung in Verbindung gebracht wird und dessen Stil oft als sanft und zart bezeichnet wird. Er wurde in eine wohlhabende Familie hineingeboren und zeigte schon früh eine Begabung für das Zeichnen. Im Alter von elf Jahren begann er mit dem Unterricht bei Emile Boggio, einem impressionistischen Maler aus Venezuela. Er trat 1894 in die Ecole des Beaux-Arts ein und besuchte anschließend die Académie Julian, wo er sich von impressionistischen und pointillistischen Gemälden inspirieren ließ und aus der mehrere Künstler hervorgingen, die die Nabis-Bewegung begründeten. 1897 wurde Raymond Thibesart Medaillengewinner der Société des Artistes Français und stellte anschließend regelmäßig im Salon d'Automne und im Salon des Indépendants aus. Jahrhunderts und insbesondere nach seiner Italienreise mit Emile Boggio wandte sich Raymond Thibesart zunehmend dem Postimpressionismus zu. So fängt dieser die Landschaften, die er bereist, mit der ganzen Spontaneität einer Arbeit am Motiv und an den Farben ein, wie in der Schweiz, in Belgien, auf Korsika etc. Raymond Thibesart entwickelte eine ganz persönliche Bildsprache, die sich durch den gekonnten Einsatz von Licht und Farbe auszeichnet, indem er die wechselnden Auswirkungen der Sonne auf Landschaften, Bäume, Blumen, Heuhaufen usw. festhält. Seine Werke zeugen von einer genauen Beobachtung der Atmosphäre, die von jedem Element der Natur ausgeht. So schildert Thibesart mit Feingefühl das kalte Licht des Winters oder auch die Vitalität des Frühlingsgrüns. Mit seiner großen Sensibilität gelingt es ihm, die flüchtige Schönheit, die vor ihm steht, einzufangen und sie mit Poesie und Gelassenheit auf seine Leinwand zu übertragen. Seine Landschaftsbilder sind wahre Oden an die Natur und das Licht, die den Betrachter zur Kontemplation und sogar zum Träumen einladen.

Schätzw. 500 - 800 EUR

Los 58 - Charles CAMOIN (Marseille 1879 - Paris 1965) - Blick auf die Bucht von Saint Tropez Öl auf Karton 17 x 26,5 cm à vue Trägt eine Signatur unten links Ch. Camoin "Camoin hat mehr als dreihundert Bilder von Saint-Tropez und seiner Umgebung gemalt. Der Hafen, die Place des Lices, der Canoubiers-Strand, Petite Afrique, La Ponche usw. sind prägnante Sehenswürdigkeiten von Tropez. Bukolische Szenen aus dem Hinterland, die die Oliven- oder Mandelernte, die Weinlese oder sein Familienglück (Picknicks, Ruhepausen) zeigen, bilden den Großteil seiner Motive. Die reiferen Werke gewinnen an Spontaneität, verbunden mit einem reichen, manchmal flüssigen, aber immer farbenfrohen und leuchtenden Material. Sie enthalten den Einfluss von Renoir, dem sich auch die Pariser Produktion des Malers nicht entziehen konnte. Camoin bekräftigt seine Vorliebe für eine sinnliche, üppige und spontane Malerei - Eigenschaften, die ihm fehlten und die Renoir ihm vorgeworfen hatte. Kurz nach seiner Begegnung mit dem alten Impressionisten schrieb er an seinen Freund Audibert: "Ich verstehe sehr gut, was Renoir über mich gesagt hat. (Meine Studien) haben eine Frische des Eindrucks und eine Spontaneität, die man in den fortgeschritteneren Werken immer verliert, die aber durch eine Fülle, eine größere Solidität des Aufbaus ersetzt werden müssen. (...) Renoir hat Recht, man muss es wagen. (...) Er arbeitete unermüdlich und schrieb an Matisse: "Ich hatte gerade eine Zeit, in der ich sehr viel gearbeitet habe, aber ziemlich ermüdend, morgens und abends mit dem Rucksack auf dem Rücken über die Felder geklettert bin, und ich hatte den Eindruck, dass ich erst anfing, mich für die Landschaft zu interessieren, in der ich Dinge entdeckte, die ich seit Jahren, die ich hier bin, nicht gesehen hatte". Véronique Serrano, Camoin Revival. Les jours heureux, in Camoin dans sa lumière, Musée Granet Aix en Provence, 2016

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Los 59 - Henri MANGUIN (Paris 1874-Saint-Tropez 1949) - Die Bucht von Saint-Tropez, 1924 Aquarell und Bleistiftstrich auf Papier. 23 x 30 cm Signiert unten links Manguin Wir danken Frau Claude Holstein Manguin für die Bestätigung der Authentizität dieses Werks. ** Dieses Los wird als vorübergehende Einfuhr präsentiert "In zwei Worten: Manguin geht von der Kühnheit des "Fauve" zur Nüchternheit über - zum Maß. Ab dem Ende des Ersten Weltkriegs verschließt er sich in der Erschöpfung seiner eigenen Stilistik und kümmert sich wenig um die neuen Avantgarden. Zur Ruhe eines Familienglücks, das um die privilegierten Beziehungen der Freundschaft erweitert wurde, kam das Glück des Erfolgs bei Händlern und Sammlern hinzu. Seine Thematik zeugt im Übrigen von diesem Lebensglück. Und wenn er oft auf das zurückkommt, was er bereits getan hat, dann nicht ohne Erfolg [...] Die Figur blüht in der Üppigkeit einer traumhaften Natur auf: Der Schaukelstuhl (die Siesta) symbolisiert ab 1905 die ethischen und stilistischen Vorstellungen, die um die Jahrhundertwende auch Cross, Cézanne, Matisse und Derain motiviert haben. Henri Manguin hat seinen Bruch mit dem Fauvismus nie verleugnet. Zu Georges Duthuit, der bemerkte, dass die Bilder dieser Periode bei ihm noch in den letzten Monaten seines Lebens dominierten, sagte er: "Das ist Zufall."" Lucile und Claude MANGUIN, Henri Manguin, Catalogue Raisonné de l'Œuvre peint, Neuchâtel, Editions Ides et Calendes, 1980, S. 34.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 77 - Francis PICABIA (Paris 1879-1953) - Der Fischer, um 1937-1938 Gouache auf Karton 48.5 x 60 cm in der Ansicht Signiert unten rechts Francis Picabia. Herkunft: Geburtsgeschenk an die Mutter des jetzigen Besitzers von Olga Picabia, 1958, an Madame Hélène Marie Paule Saint Maurice (Henri Saint Maurice, ihr Großvater , sehr befreundet mit Francis und Olga Picabia). Immer in der Familie geblieben Dem Käufer wird ein Zertifikat des Picabia-Komitees ausgehändigt. Diese Gouache von Francis Picabia, Der Fischer, die wir die Ehre haben, anlässlich unserer Auktion zu präsentieren, ist ein Geburtsgeschenk der Mutter des derzeitigen Besitzers, Madame Hélène Marie Paule Saint Maurice, von Olga Picabia aus dem Jahr 1958. Da es nie die Familie verlassen hat, wurde dieses Werk noch nie zuvor auf dem Kunstmarkt angeboten. Diese Gouache ist somit ein völlig einzigartiges Stück, das die freundschaftliche Verbindung zwischen den beiden Familien verkörpert. Henri Saint-Maurice, 1901 auf Martinique geboren, Ehemann von Hélène Marie Paule Saint Maurice, war Generaldirektor der Compagnie minière de Conakry und ein begeisterter Sammler von Picabias Werken. Als Gelehrter seiner Zeit absolvierte er eine Sekundarschule in Louis-le-Grand und Saint-Louis. Er wurde an der Ecole Centrale des Arts et Manufactures angenommen, die er 1923 als Ingenieur abschloss. Anschließend erwarb er eine Licence en droit, die sich auf internationales öffentliches Recht und Volkswirtschaftslehre spezialisierte. Im Jahr 1937 war er Preisträger der Ecole libre des sciences politiques. Er begann seine berufliche Laufbahn bei der Firma Thomson-Houston, ging dann nach Mexiko und später nach Laos, um in Metallminen zu arbeiten. Anschließend kehrte er nach Frankreich zurück und erhielt 1937 eine Anstellung bei Citroën, 1944 bei der Société industrielles des téléphones und zwischen 1949 und 1955 bei Dunlop. Parallel dazu schrieb er eine Dissertation und wurde 1955 an der Pariser Fakultät zum Doktor der Rechtswissenschaften promoviert. Daraufhin wurde er vom Internationalen Arbeitsamt bis 1958 mit der Leitung einer Mission zur Ausbildung von Führungskräften in Jugoslawien betraut. Diese Erfahrung ermöglichte es ihm, ein Buch über Entwicklungsprobleme zu schreiben. 1960 übernahm Henri Saint-Maurice schließlich die Leitung der Compagnie minière de Conakry und veröffentlichte weiterhin Bücher über die Entlohnung und Ausbildung von Mitarbeitern, wie z. B. L'Homme sans la misère (Der Mensch ohne Elend). Seine beruflichen Aktivitäten führten ihn auf zahlreiche Reisen rund um die Welt und in die Nähe von Gelehrten- und Künstlerkreisen, mit denen er Verbindungen knüpfte, sich austauschte und seine Leidenschaften teilte. Zu diesen wertvollen Begegnungen gehörte auch Francis Picabia, ein Maler, der der spanischen Aristokratie und der französischen Bourgeoisie seiner Zeit angehörte. Francis Picabia fühlte sich schon früh vom Zeichnen und Malen angezogen und begann seine Ausbildung 1895 an der Ecole des Arts décoratifs (Kunstgewerbeschule). Im Jahr 1899 debütierte er im Salon des Artistes Français, wodurch er sich allmählich in der Kunstszene etablieren konnte. Ab 1902 betrachtete Picabia zunehmend die Werke von Pissarro oder auch Sisley, was ihn dazu veranlasste, seine Sicht der Kunst weiterzuentwickeln. Zu diesem Zeitpunkt beginnt Picabias impressionistische Periode. Er stellte im Salon d'Automne und später im Salon des Indépendants aus und unterschrieb einen Vertrag mit der Galerie Haussmann. 1909, als sein Ruf gefestigt war, wandte sich Picabia dem Abenteuer der modernen Kunst zu und zeigte immer mehr Unabhängigkeit in seiner künstlerischen Praxis. Er ist auf der Suche nach seiner eigenen visuellen Sprache, einer malerischen Erneuerung, deren Ziel es ist, mit einer traditionellen Lesart der Kunst zu brechen. Er nähert sich den Avantgarden und insbesondere der Abstraktion an. Im selben Jahr 1909 heiratete er Gabrielle Buffet, eine französische Musikerin, die später der Dada-Bewegung nahestand. Die Ehe hielt bis 1930. In dieser Zeit entwickelten die beiden Paare, Francis Picabia und Gabrielle Buffet-Picabia einerseits und Henri Saint-Maurice und Hélène Marie Paule Saint-Maurice andererseits, eine tiefe Freundschaft. Erster Zeuge dieser Nähe war ein Brief von Gabrielle Buffet-Picabia, der bei den heutigen Besitzern von Le Pêcheur gefunden wurde und in dem Henri Saint-Maurice erwähnt wird. Im Laufe der Zeit spürte Picabia die zunehmende Eintönigkeit eines Großteils der modernen Pariser Kunst an der Wende zu den 1920er Jahren. "Meine derzeitige Ästhetik rührt von der Langeweile her, die mir der Anblick von Gemälden bereitet, die mir wie auf einer unbeweglichen Oberfläche eingefroren erscheinen, weit entfernt von den menschlichen Dingen. Diese dritte Dimension, die kein Produkt des Helldunkels ist, diese Durchsichtigkeiten mit ihrer Vergessensecke ermöglichen es mir, mich nach dem Vorbild meines inneren Willens mit einer gewissen Wahrscheinlichkeit auszudrücken. Als ich den Grundstein lege, befindet sie sich

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