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giovedì 11 lug a : 14:00 (CEST)

11 luglio - Classici del XIX e XX secolo

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Lotto 1 - VILHEM JACOB ROSENSTAND (Copenaghen, 1838-1915). "Interno di taverna". Olio su tela. Firmato in basso a destra. Presenta alcuni difetti nella cornice dorata. Misure: 60 x 48 cm; 85 x 72 cm (cornice). Nelle scene di genere e di taverna Vilhem Rosenstand fu particolarmente abile, sviluppando un grande ingegno per la cattura psicologica e antropologica. Lo dimostra questa scena di interno di taverna, in cui il fuoco scoppiettante del focolare conferisce un'atmosfera calda e accogliente. Due individui vestiti con costumi regionali, con giacche ornate di ricami su velluto nero e gambe inguainate in ampi pantaloni a zampa, hanno volti simili con i loro baffi folti, ma mostrano atteggiamenti molto diversi. Uno fissa abbagliato la giovane donna seduta sul tavolo, mentre il suo compagno guarda il legno del tavolo. La donna porta una pietra ametista sul petto e il suo busto è valorizzato dal maglione attillato. I concerti locali sono pubblicizzati su diversi manifesti affissi sulla parete di fondo. Vilhelm Jacob Rosenstand è stato un pittore e illustratore danese. La sua opera più nota è un murale che decora la sala banchetti dell'Università di Copenhagen. Nato a Copenaghen, Rosenstand frequentò l'Accademia Reale Danese di Belle Arti dal 1858 e fu seguito dal suo maestro Wilhelm Marstrand. Studiò anche alla scuola di Léon Bonnat a Parigi (1881-82)[2] Espose per la prima volta a Charlottenborg nel 1861 con Genrebillede fra Vendsyssel prima di prestare servizio come tenente nella seconda guerra dello Schleswig nel 1864. Le sue esperienze di guerra si riflettono in opere come Fra Saxarmen ved Dannevirke. Morgen efter Bustrup-Fægtningen, per il quale ricevette il premio Neuhausen (De Neuhausenske Præmier) nel 1865. Nel 1869, grazie a una borsa di studio dell'Accademia, si recò a Roma, dove trascorse diversi anni. All'Esposizione universale di Vienna del 1873 viene premiato per l'opera En Campagnuol og hans Hustru. In Italia realizza diverse opere di genere, come Ved Kirkedøren (Alla porta della chiesa, 1876), En Landsbyfrisør (Il parrucchiere del villaggio, 1878) e Forlegenhed (La vergogna, 1880). Da Roma si trasferisce a Parigi nel 1881, dove dipinge opere di genere che raffigurano scene di vita quotidiana, come Udenfor et Brasserie i Paris. Moder og Søn ved Pousse-Caféen (Fuori da una brasserie a Parigi. Madre e figlio al Café Pousse, 1882), per il quale riceve la Medaglia Thorvaldsen.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 2 - FRANCISCO PRADILLA ORTIZ (Villanueva de Gállego, Saragozza, 1848 - Madrid, 1921). "I gioiellieri di Piazza San Marco a Venezia, al tramonto", 1877. Olio su cartone. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 17 x 27 cm; 36 x 46 cm (cornice). Francisco Pradilla inizia la sua formazione come apprendista di Mariano Pescador e nella Scuola di Belle Arti di San Luis de Zaragoza. Nel 1868 prosegue gli studi presso la Scuola di Belle Arti di San Fernando a Madrid, dove è discepolo di Federico de Madrazo e Carlos de Haes. Nel 1874 vinse il Premio di disegno dell'"Illuminismo spagnolo e americano" e ottenne una borsa di studio a Roma, dove visse per ventitré anni, fino alla nomina a direttore del Prado nel 1897. Nel 1878 partecipò all'Esposizione Nazionale di Madrid e vinse la Medaglia d'Onore, lo stesso riconoscimento che ottenne nello stesso anno all'Esposizione Universale di Parigi. Grazie a questi successi riceve numerose commissioni non solo dalla Spagna e dalla Francia, ma anche dall'America e da altri Paesi europei. Viaggia per la Spagna ed è interessato a catturare scene di costumi locali piene di grazia e colore. Le sue opere hanno partecipato a mostre e concorsi in città di tutto il mondo, come Londra, Parigi, Berlino, San Paolo e Buenos Aires. È stato direttore dell'Accademia di Spagna a Roma e membro delle Accademie reali di San Fernando e San Luis, dell'Accademia di Francia e della Hispanic Society di New York. È stato insignito, tra le altre decorazioni, della Croce di Isabella la Cattolica e della Legion d'Onore. Le opere di Francisco Pradilla sono presenti, tra gli altri, al Museo del Prado, ai Musei di Belle Arti di Bilbao, Buenos Aires, L'Avana e San Paolo, al MACBA di Barcellona, alla Christchurch Art Gallery in Nuova Zelanda e al Museo Romantico di Madrid.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 3 - CARLES NADAL FARRERAS (Parigi, 1917 - Sitges, Barcellona, 1998). "Scena d'interno". 1975. Tecnica mista su carta. Firmato e datato. Misure: 31 x 44 cm; 52 x 67 cm (cornice). Figlio di Santiago Nadal, pittore-decoratore residente a Parigi, Carles Nadal vive fin dall'infanzia a Barcellona, dove la famiglia si trasferisce a causa di una malattia del padre. All'età di tredici anni inizia a lavorare come apprendista in un laboratorio di pittura decorativa e nel 1936 riceve una borsa di studio dal Comune di Barcellona per studiare alla Scuola di Belle Arti di Sant Jordi. Allo scoppio della guerra civile viene arruolato nell'esercito repubblicano, con il quale combatte sui fronti di Aragona e Tremp. All'inizio del 1939 attraversa il confine francese e viene internato nel campo profughi di Saint Cyprien, dove rimane per diversi mesi. Riesce a fuggire e ad attraversare nuovamente la frontiera, ma viene arrestato e imprigionato a Figueras. In libertà vigilata torna a Barcellona, dove continua la sua carriera artistica e contemporaneamente lavora come decoratore e studia Belle Arti. Nel 1941 debutta in una mostra collettiva alla Galleria Dalmau, ottenendo buone recensioni. Termina gli studi con buoni voti, ottenendo il riconoscimento di maestri e professori, alcuni dei quali diventeranno amici e collaboratori del giovane Nadal. È infatti uno di loro, Luis Muntané, a favorire la sua prima mostra individuale nel 1944, presso la Pinacoteca di Barcellona. Due anni dopo si trasferisce a Parigi, sempre con una borsa di studio del Comune di Barcellona. Qui lavora ed espone con il gruppo Présence de l'Homme, oltre a partecipare ai Salons d'Automne. In seguito, grazie a una borsa di studio dello Stato francese, frequenta la Scuola di Belle Arti di Parigi. Nel 1948 sposa Flore Joris e stabilisce la sua residenza a Bruxelles, dove rimane fino alla metà degli anni Settanta. In Belgio scopre, come lui stesso ha più volte affermato, la luce e il colore. In questi anni continuerà a esporre le sue opere in Spagna e in Belgio, oltre che in Francia, Germania, Olanda, Svizzera, Regno Unito e Stati Uniti. La pittura di Nadal è post-impressionista, intensamente colorata, e si basa sulla ricerca della forza cromatica come mezzo di comunicazione più diretto. Tra i suoi riconoscimenti figurano il Grand Prix de Spa, in Belgio, e la nomina a membro della Royal Academy di Londra. Le sue opere si trovano al MACBA, al Museo di Spa in Belgio e al Museo Reale di Bruxelles.

Stima 2 000 - 3 000 EUR

Lotto 6 - JOSÉ ARPA PEREA (Carmona, 1858 - Siviglia, 1952). "Fiori". Olio su tela. Firmato e collocato in basso a destra. Misure: 61 x 74 cm; 74 x 84 cm (cornice). Quest'opera, situata a Siviglia, appartiene probabilmente all'ultimo periodo dell'artista, poiché esteticamente il trattamento del materiale sulla tela, il carico di olio e la finitura strutturata dell'immagine ricordano molto le qualità dei suoi paesaggi negli Stati Uniti. Dal punto di vista compositivo l'opera è molto interessante, in quanto l'artista ricrea un paesaggio, ma abbassa il punto di vista e restringe lo spazio in modo tale da presentare una classica natura morta di fiori, che è il motivo principale, ma contestualizzata nel suo ambiente. José Arpa Perea è stato un pittore paesaggista spagnolo che ha prodotto gran parte delle sue opere in Nord America. Trasferitosi da Carmona a Siviglia all'età di dieci anni, dal 1876 combina l'attività di pittore a pennello con i corsi serali presso la Scuola di Belle Arti Santa Isabel de Hungría di Siviglia, dove conosce Eduardo Cano. Tra il 1883 e il 1886 vive a Roma, in grande difficoltà a causa della misera borsa di studio concessagli dal Consiglio provinciale di Siviglia, dove dipinge tele storiche. Al suo ritorno a Siviglia apre un proprio studio e comincia a farsi notare, ottenendo incarichi come la decorazione del Círculo Mercantil e del Casino Militar della città. Sviluppa ulteriormente il suo aspetto orientalista durante un viaggio in Marocco nel 1895. Vive in Messico tra il 1896 e il 1910, trasferendosi poi a San Antonio (Texas, Stati Uniti) a causa della Rivoluzione messicana, dove apre un'accademia di pittura e riceve commissioni, godendo di una situazione economica che gli permette di fare frequenti viaggi in Spagna, con lunghi soggiorni a Siviglia e visite alla costa cantabrica. In questa città americana trascorse più di 30 anni. Durante tutta la sua vita fu in contatto con i paesaggisti della nota Scuola di Alcalá de Guadaira, e le sue opere sono visibili in numerose città di tutti i Paesi in cui visse (Siviglia...), e sono conservate in importanti collezioni private di tutto il mondo e in importanti istituzioni come il Museo di Belle Arti di Siviglia, il Museo Cajasol, il Museo di Huelva, il Museo d'Arte di San Antonio (Stati Uniti), il Museo Universitario Casa de los Muñecos (Puebla, Messico), ecc.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 7 - GEORGE OWEN WYNNE APPERLEY (Ventnor, Isola di Wight, Inghilterra, 1884 - Tangeri, Marocco, 1960). "Baccante", 1942. Olio su tela. Presenta danni alla cornice. Firmato in basso a destra. Misure: 63,5 x 53,5 cm; 90 x 78 cm (cornice). La pittura di George Owen, ha sempre avuto come protagonista la donna, in molte occasioni si trattava di donne andaluse, sebbene egli abbia trattato ampiamente anche il genere del nudo. In questo caso l'autore ci presenta un'immagine idilliaca e allo stesso tempo sensuale, con protagonista una giovane donna seminuda immersa nella natura. La donna, con un gesto altero e un mezzo sorriso, copre il suo corpo con una pelle di leopardo. Accanto a lei ci sono delle foglie di vite, a indicare che si tratta della rappresentazione di una donna della corte del dio Bacco, poiché entrambi gli attributi alludono all'iconografia del dio del vino. L'uso di una baccante come protagonista rivela una giovane donna spensierata, dedita al piacere e segue a sua volta la tradizione ritrattistica iniziata nel XVIII secolo, in cui le dame di corte venivano ritratte con attributi di sante o dee del pantheon classico, anche se in questo caso l'artista si spinge oltre, alla ricerca di ciò che sotto i suoi occhi simboleggia la donna del suo tempo. George Owen Wynne Apperley apparteneva a una famiglia aristocratica gallese, che gli consentiva una situazione economica agiata. Fin da giovane fu attratto dalla pittura e, opponendosi alla famiglia, si iscrisse all'Accademia di Herkomer. La sua formazione fu ampliata dal viaggio in Italia, dove rimase affascinato dalla luce mediterranea e realizzò opere di genere e di paesaggio. Dopo essersi sposato segretamente nel 1907, si trasferisce con la moglie a Lugano (Svizzera), per poi tornare a Londra. Nel 1914 si recò in Spagna, stabilendosi definitivamente a Madrid due anni dopo, per recarsi un anno dopo a Granada, dove si stabilì e dove conobbe pittori locali come Francisco Soria Aedo e Lopez Mezquita. Quando fu proclamata la Seconda Repubblica, si trasferì a Tangeri (Marocco), dove si interessò a nuovi temi orientalisti e dove morì. La sua opera poteva essere ammirata nei diversi Paesi in cui visse, e particolarmente importante fu la mostra inaugurata nel 1918 dal re Alfonso XIII e da Victoria Eugenia de Battemberg, momento dal quale il suo prestigio aumentò. Le sue opere sono conservate in importanti collezioni private e istituzioni come il Victoria & Albert Museum di Londra, il Museo di Malaga, il Palace Art Museum di Bruxelles, il Museo Municipale di Belle Arti di Tandil a Buenos Aires (Argentina), il Museo di Sydney (Australia), ecc. Presenta danni nella cornice.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 8 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Odalisca". Acquerello su carta. Presenta lievi macchie di ruggine sulla carta. Firmato in basso a destra. Misure: 49 x 26,5 cm; 77 x 56 cm (cornice). Partendo dalle bellissime e irraggiungibili odalische di Ingres, dalla pelle così chiara e dai gesti così eleganti che fanno sempre pensare a una principessa cristiana prigioniera, mai a una donna araba, le diverse scuole pittoriche svilupperanno un'iconografia del tutto nuova che cerca di ricreare in modo fantastico - poiché dell'Oriente non si sa nulla - un mondo proibito agli occidentali e pieno di attrattive. Agrasot iniziò la sua formazione nella nativa Orihuela, dove ottenne una pensione dalla Diputación de Alicante per studiare alla Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Allievo di Francisco Martínez Yago, nei suoi primi anni di vita ottenne riconoscimenti come la medaglia d'oro all'Esposizione Provinciale di Alicante del 1860. Nel 1863 ottenne una nuova pensione, questa volta per recarsi a Roma, dove entrò in contatto con Rosales, Casado del Alisal e Fortuny. Con quest'ultimo stabilì stretti legami di amicizia e la sua pittura fu profondamente influenzata dallo stile del pittore catalano. Periodicamente invia tele alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti, alle quali ottiene la terza medaglia nel 1864 e la seconda nel 1867. Agrasot rimase in Italia fino al 1875; dopo la morte di Fortuny tornò in Spagna, già pittore di riconosciuto prestigio, fu membro delle Accademie di San Carlos e di San Fernando e partecipò come giurato a diverse esposizioni artistiche. Nel 1886 ricevette la medaglia d'arte all'Esposizione Universale di Filadelfia e nel 1888 la seconda medaglia all'Esposizione Internazionale di Barcellona. Lo stile di Agrasot si inquadra nel realismo, con particolare interesse per i temi di genere e il costumbrismo regionale. Tuttavia, lavorò anche su nudi, temi orientali e ritratti. È rappresentato al Museo del Prado, al Museo di Belle Arti di Valencia, al MUBAG di Gravina (Alicante) e all'Accademia di San Carlos di Valencia. Lievi macchie di ruggine sulla carta.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

Lotto 9 - SEGUNDO MATILLA MARINA (Madrid, 1862 - Teià, Barcellona, 1937). "Veduta rurale con carattere", 14-3-1931. Olio su cartone. Non firmato. Datato. Presenta alcune mancanze nel dipinto e nel cartone. Misure: 14,5 x 17 cm; 33 x 36 cm (cornice). Pur essendo nato a Madrid, Matilla si è formato e ha sviluppato la sua carriera a Barcellona. Studiò alla Scuola di Belle Arti di Barcellona, sotto la direzione di Antonio Caba. Partecipa a numerose mostre, tra cui l'Esposizione Internazionale di Barcellona del 1891, 1894, 1896 e 1898 (menzione d'onore nel 1891), le Esposizioni d'Arte di Barcellona del 1918 e 1919 e il Salon di Parigi del 1897. Nello stesso anno riceve una menzione d'onore all'Esposizione Nazionale di Belle Arti di Madrid. Tra le sue mostre personali si ricordano quelle tenutesi al Salón Vilches di Madrid (1915) e, a Barcellona, alla Sala Parés (1914) e alle Gallerie Pallarés (1942), quest'ultima un omaggio postumo. Molte delle sue opere esposte sono state acquistate dal Museo d'Arte Moderna di Madrid e molte altre sono state esportate in America. I suoi paesaggi dell'Empordà, di Camprodón, di Port de la Selva e di Cadaqués riscuotono un grande successo di pubblico e di critica. Le sue opere si trovano in diversi musei, come il già citato Museo d'Arte Contemporanea di Madrid, il Museo del Prado, il Museo Pablo Gargallo di Saragozza e il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, oltre che in importanti collezioni private internazionali.

Stima 700 - 800 EUR

Lotto 10 - JOAQUÍN TERRUELLA MATILLA (Barcellona, 1891 - 1957). "Passeig de Ronda", 1946. Olio su pannello. Firmato in basso a destra. Dimensioni: 25 x 34,5 cm; 35 x 44,5 cm (cornice). Nipote e seguace di Segundo Matilla, Joaquín Terruella fu anche discepolo di Santiago Rusiñol. Con quest'ultimo compì un viaggio in Italia nel 1923, oltre a trascorrere un periodo di lavoro insieme ad Aranjuez. Dipinge anche a Parigi e a Palma di Maiorca. Nel 1916 tiene la sua prima mostra personale presso l'ormai scomparsa Sala Goya di Barcellona. Da allora espone a Barcellona, in particolare nella Sala Parés (dal 1924), e presenta i suoi paesaggi impressionisti anche nelle gallerie di Parigi (vi espone per la prima volta nel 1922), Madrid, Palma, Saragozza, Bordeaux e Biarritz. A partire dal 1928 espone alla Sala Gaspar di Barcellona, dove continuerà a esporre fino al 1952. Nel 1956 tiene la sua ultima mostra alla Sala Busquets, sempre nella sua città natale. Da allora il suo lavoro è stato presente in diverse mostre collettive e antologiche, come quella tenutasi alla Sala Gothsland di Barcellona nel 1985. Nel 1993, Ángeles Cortina ha riunito una serie di suoi dipinti a olio e disegni nella sua galleria di Barcellona. Joaquín Terruella fu un pittore fondamentalmente paesaggista, sulla scia dell'impressionismo, che rifletteva il paesaggio catalano con delicatezza e sottile trasparenza. Un altro dei suoi temi preferiti era il mondo della corrida, tanto che lavorò come illustratore di corride per le pubblicazioni "El Día Gráfico" e "La Noche". Dipinse anche scene di gitani e caffè concerto. Le sue opere sono conservate presso il Museo d'Arte Contemporanea di Barcellona, il Museo d'Arte Contemporanea di Madrid e il Museo Provinciale di Lugo.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 11 - JOAQUÍM TERRUELLA MATILLA (Barcellona, 1891 - 1957). "Paesaggio costiero". Olio su cartone. Firmato in basso a sinistra. Dimensioni: 24 x 27,5 cm; 41 x 45 cm (cornice). Nipote e seguace di Segundo Matilla, Joaquín Terruella fu anche discepolo di Santiago Rusiñol. Con quest'ultimo compì un viaggio in Italia nel 1923, oltre a trascorrere un periodo di lavoro insieme ad Aranjuez. Dipinge anche a Parigi e a Palma di Maiorca. Nel 1916 tenne la sua prima mostra personale nella galleria Goya di Barcellona, ormai scomparsa, e da allora espose le sue opere in altre gallerie di Barcellona, come la Parés e la Gaspar, ma anche a Parigi, Madrid, Palma, Saragozza, Bordeaux e Biarritz. Nel 1956 tenne la sua ultima mostra alla Sala Busquets di Barcellona. Da allora il suo lavoro è stato presente in diverse mostre collettive e antologiche, come quella tenutasi alla Sala Gothsland di Barcellona nel 1985. Nel 1993, Ángeles Cortina ha riunito una serie di suoi dipinti a olio e disegni nella sua galleria di Barcellona. Joaquín Terruella fu un pittore fondamentalmente paesaggista, sulla scia dell'impressionismo, che rifletteva il paesaggio catalano con delicatezza e sottile trasparenza. Un altro dei suoi soggetti preferiti era il mondo della corrida, e infatti lavorò come illustratore di corride per le pubblicazioni "El Día Gráfico" e "La Noche". Dipinse anche scene di gitani e caffè concerto. Le sue opere sono conservate presso il Museo d'Arte Contemporanea di Barcellona, il Museo d'Arte Contemporanea di Madrid e il Museo Provinciale di Lugo.

Stima 700 - 800 EUR

Lotto 12 - FRANCISCO LOZANO SANCHIS (Valencia, 1912 - 2000). "Paesaggio", 1934. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Datato sul retro. Misure: 74 x 92 cm; 93 x 112 cm (cornice). Pittore, insegnante e membro delle Accademie Reali di Belle Arti di San Fernando e San Carlos, Francisco Lozano si interessò alla pittura fin da giovane e all'età di sedici anni iniziò la sua formazione presso l'Accademia di San Carlos a Valencia. In seguito prosegue gli studi presso la Residenza dei Pittori dell'Alhambra e, dopo la guerra civile, inizia a farsi un nome. La sua carriera decolla negli anni Quaranta, quando inizia a esporre regolarmente a Madrid e in altre città. Nella capitale viene accolto da Eugenio d'Ors, con il quale espone alla galleria Estilo e che lo mette in contatto con gli ambienti artistici e intellettuali della Madrid dell'epoca. Pittore prevalentemente mediterraneo, la sua opera si concentra fin dall'inizio sul paesaggio, pur evolvendo dall'iniziale influenza di Sorolla verso un linguaggio più personale, ma ugualmente sensibile alla luce e al colore. Il suo è un paesaggio sintetico, ordinato e austero, assolutamente moderno. Tra il 1951 e il 1952 si reca a Parigi grazie a una borsa di studio del governo francese e al suo ritorno il riconoscimento si completa con il primo premio all'Esposizione Nazionale di Belle Arti. Nello stesso anno ottiene un grande successo anche alla Biennale di Venezia. Da quel momento in poi affianca alla pratica artistica l'insegnamento presso l'Accademia San Carlos, dove ricopre il ruolo di docente dal 1955 al 1977. Allo stesso tempo, tenne importanti mostre in Spagna, Sud America, Stati Uniti, Germania e Regno Unito, tra gli altri Paesi, soprattutto nell'Europa mediterranea. Lozano è stato membro onorario del Círculo de Bellas Artes (1952), membro del Consiglio Valenciano della Cultura (1986) e dottore honoris causa dell'Università Politecnica di Valencia (1994); nel 1993 gli è stata dedicata un'importante mostra retrospettiva all'IVAM. Attualmente le sue opere sono conservate in musei come il Reina Sofía di Madrid, la Fundación Mendoza di Caracas, il Camón Aznar di Saragozza, l'IVAM di Valencia e il Museo di Belle Arti di Montevideo, tra gli altri.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 15 - GABINO REY SANTIAGO (Marín, Pontevedra, 1928 - Barcellona, 2006). "Fiori e libri". Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Con etichetta sul retro della Sala Parés. Misure: 55 x 46 cm; 73 x 64 cm (cornice). Ancora bambino, alla fine della guerra civile, Gabino Rey si trasferisce a Barcellona con la famiglia. Discepolo di Ramón Rogent, inizia a esporre molto giovane, nel Salone della Gioventù del 1943. Continua a partecipare a questo Salone, dove vince un premio nel 1946. Negli anni Quaranta ottiene una borsa di studio dal governo francese ed espone nelle gallerie di Barcellona Dalmau (1946) e Syra (1947). Dal 1957 espone alla Sala Parés di Barcellona e alla galleria El Cisne di Madrid. È stato premiato alla III Esposizione Universale dell'Unione dell'Arte, a Bilbao (1947), e nel 1980 con il Premio Poussiel della Societé Nationale des Beaux Arts di Parigi. Insieme al gruppo Sala Parés, ha esposto le sue opere non solo a Barcellona, ma anche a Madrid, Alicante, Pontevedra e Lugo, oltre che a New York, Los Angeles e Parigi. È rappresentato nei musei di Lugo, Pontevedra, Marín e Sitges e in importanti collezioni istituzionali e private in Europa e in America. Il suo stile, con radici post-impressioniste, è libero. Gabino è un pittore che ama la materia, la pennellata impastata, che applica seguendo una tavolozza calda ed equilibrata. Ha lavorato paesaggi e nature morte, ma si distingue soprattutto come ritrattista, con opere intime e liriche, in cui mescola quanto appreso dalle scuole catalana e galiziana.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 17 - Attribuito a FRANCISCO LAMEYER Y BERENGUER (Puerto de Santa María, Cadice, 1825-Madrid, 1877). "Maja con ventaglio. Olio su tela. Dimensioni: 32 x 24 cm; 44,5 x 37 cm (cornice). In quest'opera il pittore ci offre un'immagine di grande espressività plastica, con una composizione semplice in cui vediamo una donna a busto nudo, in primo piano, davanti a uno sfondo neutro che ne esalta la presenza. Il risultato colpisce per la rappresentazione veritiera e convincente della personalità della donna: un personaggio calmo con uno sguardo triste. Esteticamente l'opera ricorda in gran parte i dipinti di Lameyer y Berenguer, nato a El Puerto de Santa María ma la cui famiglia si trasferì a Madrid quando era ancora bambino. Non appena fu abbastanza grande, iniziò a lavorare con l'incisore di Vicente Castelló. In seguito collaborò con El Siglo Pintoresco, una rivista fondata da Castelló. Nel 1841 entra nell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando, dove studia con José de Madrazo, conosce suo figlio Luis e, attraverso di lui, diventa amico di tutta la famiglia Madrazo. Due anni dopo, spinto dalla necessità di mantenere la famiglia, si arruola nella marina spagnola come ufficiale amministrativo. Sebbene ciò gli impedisca di proseguire la carriera artistica, continua a lavorare nel tempo libero, completando 125 disegni per le Escenas Andaluzas di Serafín Estébanez Calderón (pubblicate nel 1847). Dal 1854 al 1859 si trova nelle Filippine, dove dirige la stazione di polizia. Rientra in Spagna nel 1860. Nel 1863 accompagnò Marià Fortuny (che aveva conosciuto attraverso i Madrazos) in un viaggio in Marocco, dove visitò Tangeri e Tetouan. Il paese era ancora in preda al disordine a causa della recente guerra ispano-marocchina. Questo fatto gli servì da ispirazione per la sua opera più nota, L'assalto dei mori, che raffigura un'incursione del XVIII secolo nel quartiere ebraico di Tetouan. Tornato a Madrid, allestisce uno studio e inizia a creare dipinti a partire dagli schizzi realizzati. Dal 1872 al 1873 visita l'Egitto e la Palestina. In Egitto acquistò diverse antichità, che vendette al Museo Archeologico Nazionale spagnolo, alleggerendo così parte dei suoi oneri finanziari. Continua a vivere a Madrid, ma si reca spesso a Parigi, in parte a causa dell'instabilità politica della Spagna che sfocia nella Terza guerra carlista.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 18 - JULIO MOISÉS FERNÁNDEZ DE VILASANTE (Tarragona, 1888 - Cantabria, 1968). "Ritratto femminile", 1922. Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Presente sull'etichetta posteriore della mostra del 1923 alla Junta Municipal d'Exposicions d'Art. Misure: 110 x 93 cm; 131 x 115 cm (cornice). Julio Moisés Fernández de Villasante trascorse l'infanzia e l'adolescenza in Galizia e a Cadice, città nella cui Scuola di Belle Arti iniziò gli studi di pittura. Qui vinse diversi premi e ricevette commissioni come quella per la decorazione del Gran Teatro. Nel 1912 si trasferisce a Barcellona e alla sua prima partecipazione a un'Esposizione Nazionale di Belle Arti ottiene una terza medaglia. Si ripete con un secondo e un primo premio nelle edizioni del 1915 e del 1920. Viene premiato anche nelle Esposizioni Internazionali di San Francisco (1915) e Panama (1916). Le sue opere continueranno a essere esposte per tutta la vita, come le varie mostre personali che negli anni Trenta lo porteranno in Brasile, Uruguay e Argentina. Stabilitosi a Madrid dal 1920, insegna per diversi anni dopo aver fondato l'Accademia Libera d'Arte nel 1923. Vi passarono studenti come Salvador Dalí, mentre la Casa Reale gli chiese di ritrarre S.M. il re Alfonso XIII e la regina Vittoria Eugenia. Il tema del suo lavoro era soprattutto la pittura di genere e il ritratto femminile, un misto di costumbrismo e folklore in parti uguali. È il caso della Mujer con garrafa en la mano che firmò nel 1945 per illustrare il calendario dell'UEE e con la quale, seguendo la tradizione iconografica della collezione, contribuì alla propria visione dei canoni ideali della bellezza femminile. Il suo talento viene riconosciuto con la nomina a direttore della Scuola di Belle Arti nel 1946 e ad accademico della Scuola di San Fernando a Madrid nel 1947.

Stima 1 500 - 1 900 EUR

Lotto 20 - CECILIO PLÁ GALLARDO (Valencia, 1860 - Madrid, 1934). "Il cerchio degli avari", Serie del Cerchio degli Inferi, Dante. Olio su tela. Senza firma. Misure: 90 x 112 cm; x 111,50 x 132,50 cm (cornice). Cecilio Pla inizia la sua formazione nell'Accademia di Belle Arti di San Carlos di Valencia, per proseguire poi in quella di San Fernando di Madrid, dove ha come insegnante Emilio Sala. Nel 1880 compie un viaggio di studio a Roma, visitando Italia, Francia e Portogallo. Da lì iniziò a inviare opere alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti, ottenendo una terza medaglia nel 1884 per l'opera di tema italiano "Il girone dantesco dei golosi", e una seconda medaglia nel 1887 per la tela religiosa intitolata "Sepoltura di Santa Leocadia". Nel 1892 ottenne nuovamente una seconda medaglia per il dipinto realistico di intenzione sociale "Las doce (el almuerzo)", e lo stesso riconoscimento nel 1895 per una scena di disaccordo coniugale in un interno borghese, "Lazo de unión". Pla continuò a partecipare alle Esposizioni Nazionali per tutta la vita, ottenendo nel 1910 la considerazione di prima medaglia per il dipinto "Due generazioni", caratterizzato dai diversi effetti di luce naturale che erano la vera specialità di questo artista. Nello stesso anno 1910 sostituì il suo ex insegnante Emilio Sala nella classe di estetica del colore e procedure pittoriche dell'Accademia di San Fernando, dove insegnò, tra gli altri, a Juan Gris, Francisco Bores, Pancho Cossío e José María López Mezquita. Fu allora che pubblicò la sua "Cartilla de arte pictórico". Pla partecipò anche a concorsi internazionali, ricevendo una medaglia d'onore all'Esposizione Universale di Parigi del 1900. Nel 1924 fu nominato accademico di San Fernando. Alternò l'attività didattica con la pittura, oltre a collaborare come illustratore con pubblicazioni come "La Ilustración Española y Americana", "Blanco y Negro" e "La Esfera". Realizzò anche manifesti, come quello per il Carnevale del Círculo de Bellas Artes nel 1892, e partecipò a decorazioni murali, tra cui il soffitto dell'hotel dell'Infanta Isabel de Borbón, del Casinò di Madrid, del Círculo de Bellas Artes o del palazzo dei duchi di Denia. Considerato il maggior esponente della pittura modernista valenciana, abbracciò tuttavia diverse tendenze, dall'accademismo e dal costumbrismo degli esordi al wagnerismo e al luminismo delle vedute costiere dipinte a Valencia. Attualmente, Cecilio Pla è presente al Museo del Prado, al Museo Thyssen-Bornemisza, ai Musei di Belle Arti di Valencia, Saragozza, Santander e Bilbao, al Círculo de Bellas Artes di Madrid, al Municipio di Valencia e all'Accademia Reale di Belle Arti di San Carlos, oltre ad altre collezioni pubbliche e private, come la Collezione UEE. Nel 1999, la Fondazione Mapfre gli ha dedicato un'ampia retrospettiva.

Stima 8 000 - 9 000 EUR

Lotto 21 - JOSÉ MIRABENT GATELL (Barcellona, 1831 - 1899). "Natura morta di frutta". Olio su cartone. Firmato in basso a destra. Manca la cornice. Misure: 36 x 45 cm; 49 x 58 cm (cornice). José Mirabent studiò alla Scuola de La Lonja di Barcellona, dove fu discepolo di Pablo Milá Fontanals, Claudio Lorenzale e Segismundo Ribó, dai quali ricevette l'influenza dell'estetica nazarena. Nel 1855 entrò come assistente nella suddetta scuola, ottenendo nel 1872 la categoria di professore di pittura decorativa, tessuti e stampe. Nel suo primo periodo può essere considerato un pittore romantico legato alla linea nazarena dei suoi maestri, e dipinge soprattutto ritratti e nature morte con fiori e frutta. In seguito si specializzò nella decorazione d'interni, attività nella quale sono particolarmente degni di nota i suoi lavori per il Gran Teatro del Liceo e l'Università di Barcellona, il Museo Balaguer di Vilanova i la Geltrú e le chiese madrilene del Buen Suceso, delle Salesas Reales e del convento delle Madres Reparadoras. Con i suoi dipinti di fiori e frutta partecipò alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti di Madrid, ottenendo diversi premi: menzione d'onore in quelle del 1856 e del 1858, terza medaglia in quelle del 1860 e del 1867 e decorazione nel 1871. Fu inoltre premiato con una medaglia d'oro all'Esposizione Universale di Barcellona del 1888. Come ritrattista ritrasse, tra gli altri, Pablo Piferrer, Ramón Anglasells e Joaquín Rey Esteve. Nel 1892 partecipa al Primo Festival Modernista. È ampiamente rappresentato al MNAC, al Museo del Prado, al Museo d'Arte Moderna e al Museo Romantico di Madrid, all'Accademia Reale di Sant Jordi, all'Ateneo e alla Galleria dei Catalani Illustri di Barcellona, ecc.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 22 - AGUSTÍN REDONDELA (Madrid, 1922 - 2015). "L'uliveto (Guadalajara)", 1978. Olio su tela. Presenta etichetta sul retro della Galleria Biosca (Madrid). Presenta difetti nella cornice. Firmato e datato in basso a destra. Firmato, datato, titolato e localizzato (Madrid) sul retro. Misure: 46 x 55 cm; 70 x 79 cm (cornice). In quest'opera Redondela ci offre un paesaggio sobrio, tipicamente castigliano, dominato da un'atmosfera di grande forza evocativa, basata sul contrasto delle tonalità del primo piano con il cielo. Il pittore tralascia la descrizione narrativa del paesaggio per costruirlo utilizzando solo il colore, molto lavorato e studiato, e una linea sintetica, espressiva ed enfatica, basata su spessi tratti neri. Guadalajara è stata una scena prolifica nella pittura di Agustín Redondela, diventando protagonista di molte sue opere. Pittore prevalentemente autodidatta, considerato uno dei più originali paesaggisti spagnoli del XX secolo, Agustín González Alonso si forma con il padre, il pittore e scenografo José González "Redondela". Dopo la guerra civile frequenta i corsi della Scuola di Arti e Mestieri di Madrid con il paesaggista José Ordoñez e nel 1945 invia per la prima volta un dipinto all'Esposizione Nazionale di Belle Arti, firmato con lo pseudonimo di Redondela. Nello stesso anno tiene la sua prima mostra personale alla Galleria Estilo di Madrid. In questo periodo entra in contatto con la Scuola di Madrid e nel 1947 viene selezionato per esporre al Salón de los Once de la Academia Breve e Crítica de Arte de Eugenio d'Ors. Negli anni Cinquanta Redondela ottiene una borsa di studio dalla Fondazione Catherword di Filadelfia (1954), il Premio Nazionale di Pittura (1953) e la prima medaglia all'Esposizione Nazionale (1957). Nel corso della sua carriera ha combinato la pittura con la scenografia, lavorando per opere teatrali di Jacinto Benavente, Joaquín Calvo Sotelo, Dodie Smith e Peter Ustinov, tra gli altri. Ha lavorato anche come illustratore, tra cui una lussuosa edizione del "Viaje a la Alcarria" di Cela nel 1978. Nel 1996 la Real Academia de Bellas Artes di San Fernando gli ha conferito il premio José González de la Peña e due anni dopo il Centro Cultural de la Villa di Madrid gli ha dedicato un'importante mostra antologica. Attualmente è presente nel Museo di Belle Arti di La Coruña, nel Museo del Paesaggio Spagnolo Contemporaneo di Priego de Córdoba, nel Museo di Belle Arti di Bilbao, nel Museo Camón Aznar di Saragozza, nei musei di Buenos Aires, Caracas e L'Avana, nella Casa-Museo Oswaldo Guayasamín di Quito e in altre collezioni pubbliche e private. Presenta etichetta sul retro della Galleria Biosca (Madrid). Presenta difetti nella cornice.

Stima 2 400 - 2 800 EUR

Lotto 23 - RAMÓN MARTÍ ALSINA (Barcellona, 1826 - 1894). "La modella". Olio su tela. Rilegato. Senza firma. Attaccata al retro un'etichetta della Sala Parés di Barcellona. Presenta delle toppe sul retro. Misure: 182 x 89 cm. Con i piedi avvolti in un panno che scivola lungo le gambe, la modella si mostra nuda e a corpo intero ma gira la testa come se volesse nascondere la propria identità, adottando un gesto ambiguo e ingannevolmente modesto. Le donne di Martí Alsina sono di grande forza carnale, che qui è accentuata dallo sfondo nero e dalla dimensione naturale della figura. Il modellamento degli arti è magistrale e conferisce all'anatomia una cadenza scultorea ma libera da ogni idealismo, rendendola vivida, spontanea e sensuale. Le qualità setose dei capelli di getto, la modellazione luminosa delle forme, la perfetta rotondità delle ginocchia, ecc. denotano l'impronta di un maestro. Considerato oggi come la figura più importante del realismo spagnolo, Martí Alsina è inquadrato nell'ambito dell'avanguardia europea dell'epoca. Rivoluzionò il panorama artistico spagnolo del XIX secolo, fu un pioniere nello studio del disegno dal vero e il creatore della moderna scuola catalana, nonché il maestro di un'intera generazione, con discepoli dell'importanza di Vayreda, Urgell e Torrescassana. Iniziò i suoi studi di Filosofia e Letteratura, alternandoli con lezioni notturne presso la Scuola di Belle Arti di Barcellona fino al 1848. Terminato questo primo apprendistato e deciso a dedicarsi alla pittura, muove i primi passi nella regione del Maresme, dove inizia a guadagnarsi da vivere dipingendo ritratti in stile naturalistico e paesaggi "à plen air". Nel 1852 diventa insegnante di disegno al tratto presso la Escuela de la Lonja di Barcellona e due anni dopo inizia a insegnare disegno di figura, incarico che ricopre fino all'ascesa al trono di Amadeo de Saboya. Nel 1853 si reca a Parigi, dove visita il Louvre e conosce l'opera di Horace Vernet, Eugène Delacroix e il romanticismo francese. Più tardi conoscerà l'opera di Gustave Courbet, il più grande esponente del realismo. Nel 1859 fu nominato accademico corrispondente dell'Accademia di Belle Arti di Sant Jordi a Barcellona. La sua prima mostra importante fu l'Esposizione Generale di Belle Arti di Barcellona nel 1851. Da quel momento espose regolarmente a Barcellona, Madrid e Parigi, e fu invitato all'Esposizione Universale della capitale francese nel 1889. Tra i suoi premi spiccano le medaglie ottenute alle Esposizioni Nazionali di Madrid, la terza nel 1858 con l'opera "Ultimo giorno di Numancia" e la seconda nel 1860 con il suo paesaggio. Negli ultimi anni visse in solitudine, concentrando i suoi sforzi nella ricerca di nuove forme espressive, con una pennellata vicina all'impressionismo. Tra i suoi temi troviamo numerosi paesaggi e marine, vedute urbane (soprattutto di Barcellona), ritratti e figure umane, scene di genere, nudi femminili temperanti, pittura di storia e scene bibliche. In poche occasioni si dedicò alle nature morte, anche se ne dipinse alcune. Opere di Martí Alsina sono conservate al Museo del Prado, al Thyssen-Bornemisza, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, al Museo d'Arte Contemporanea di Barcellona, al Museo dell'Abbazia di Montserrat e al Museo dell'Empordà, a Figueras.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 24 - ERNEST SANTASUSAGNA SANTACREU (Barcellona, 1900 - Santa Coloma de Gramenet, Barcellona, 1964). "Venere dello specchio". Olio su tela. Presenta restauri. Firmato in basso a destra. Misure: 65 x 80 cm; 93 x 109 cm (cornice). Quest'opera lascia testimonianza di una profonda conoscenza dell'opera del maestro del barocco Velázquez, oltre che di un polso artistico privilegiato: i vividi toni rosa dell'incarnato della modella, il modo di stendere il foglio bianco, il senso materico stampato, il riflesso metallico dello specchio... sono aspetti che danno conto di un degno seguace della scia di Velázquez. Con la massima sapienza, riesce a far acquisire qualità tattili al corpo crestato, così come al piccolo Cupido. La pittura di Santasusagna, con il suo linguaggio naturalistico, è sempre stata votata alla valorizzazione della sensualità femminile, nelle sue forme e nella sua freschezza, ma senza idealizzazione. In questa occasione lo realizza attraverso questa Venere carnale e realistica, così come era nell'interesse di Velázquez prendere a modello giovani donne del suo ambiente invece di rappresentare dee irreali. Ernest Santasusgana iniziò la sua formazione presso l'Accademia Baixas di Barcellona, per poi approfondire gli studi presso la Scuola di Arti e Mestieri di La Lonja. In seguito divenne professore di quest'ultima e, quando gli insegnamenti dell'istituzione furono interrotti, divenne professore della Superior de Bellas Artes de San Jorge. Membro del Real Círculo Artístico, debutta alla Sala Parés nel 1928. Da quel momento in poi ripeté la sua presenza nella sala della Pinacoteca, oltre a partecipare ai Salones de Otoño e alle Mostre di Primavera di Barcellona, oltre ad altri concorsi e mostre. Si distinse con una menzione d'onore all'Esposizione Internazionale di Barcellona del 1929, all'Esposizione Nazionale di Madrid del 1941 con una terza medaglia e all'Esposizione Nazionale di Barcellona del 1944 con il premio d'onore. È stato inoltre premiato due volte dal Círculo Artístico. Oltre che nella sua città natale, Santasusagna ha esposto a Madrid, San Sebastian e Bilbao, e ha partecipato a mostre collettive in Egitto, Brasile, Argentina e Italia, nonché alle Biennali di Venezia, Berlino e Arte Contemporanea Spagnola a Buenos Aires. Ha lavorato anche come disegnatore di manifesti per la Metro Goldwin Mayer. Le sue opere si trovano in diversi musei spagnoli e in molte collezioni nazionali e straniere. Presenta restauri.

Stima 2 000 - 3 000 EUR

Lotto 25 - MANOLO HUGUÉ (Barcellona, 1872 - Caldas de Montbui, Barcellona, 1945). "Buoi nella stalla", 1935-1936. Rilievo in terracotta su base di legno. Opera catalogata nel libro "Manolo. Scultura, pittura e disegno", Montserrat Blanch, nº197, pagina 114. Provenienza: Collezione Jacky J. Druker, amico e mecenate di Joan Brotat. Misure: 34 x 34 x 3 cm; 6 cm (altezza della base). Nel catalogo ragionato su Manolo Hugué scritto da Montserrat Blanch sono riprodotte diverse opere (disegni preparatori, bassorilievi in terracotta, ma anche in pietra) il cui tema sono i buoi (generalmente rappresentati in coppia), di cui fa parte il pezzo in questione. Si tratta di una produzione realizzata tra il 1917 e il 1923, anni in cui lo scultore infonde nella terracotta nuove suggestioni tematiche e formali. Tornato a Ceret, dopo il periodo parigino, si dedica allo studio delle cadenze, dei ritmi, dell'essenzialità di ispirazione arcaica... una somma di strategie per uscire da ogni stagnazione e rinnovare il linguaggio scultoreo senza smettere di dialogare con i classici. In questo rilievo, un'energia serena palpita come una forza invisibile nei corpi, attraverso i profili arrotondati e alternati a incisioni geometriche. Le zampe anteriori del bue supino si flettono per adattarsi all'angolazione, cercando una certa tensione concettuale tra i volumi e il loro racchiudersi in un preciso limite quadrangolare. In questo modo, emula l'arte greca sviluppata nelle metope. L'indicazione spaziale è breve e sintetica: pochi elementi schematici delineano l'idea di una stalla. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, si è formato alla Escuela de la Lonja di Barcellona. Partecipa regolarmente ai raduni de "Els Quatre Gats" e diventa amico di Picasso, Rusiñol, Mir e Nonell. Nel 1900 si trasferisce a Parigi, dove vive per dieci anni. Qui riprende il rapporto con Picasso e stringe amicizia con altri teorici dell'avanguardia come Apollinaire, Modigliani, Braque e Derain. Nella capitale francese si dedica alla progettazione di gioielli e piccole sculture, influenzato dal lavoro dell'amico scultore e orafo Paco Durrio. Nel 1892 collabora con Torcuato Tasso alla realizzazione di opere decorative per le celebrazioni del centenario della Scoperta dell'America. Tra il 1910 e il 1917, dedicandosi completamente alla scultura, lavora a Ceret, dove riunisce un gruppo eterogeneo di artisti tra cui spiccano Juan Gris, Joaquín Sunyer e, di nuovo, Picasso. In questi anni tiene mostre a Barcellona, Parigi e New York. Nel 1932 viene nominato membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Jorge a Barcellona. Nel lavoro di Hugué, ciò che è essenziale è il rapporto con la natura, tenendo conto della figura umana come elemento integrato in essa. Questa è una caratteristica del classicismo noucentista, ma nelle mani di Hugué va oltre le sue origini limitate. Di solito rappresentava contadini, ma anche toreri e danzatori - come si può vedere in questa occasione -, sempre ritratti con un livello di dettaglio e un apprezzamento delle texture che rivelano la sua precedente formazione come orafo. Nella sua produzione artistica convivono la tradizione mediterranea, il classicismo e l'arcaismo greco e l'arte dell'antico Egitto e della Mesopotamia, con le avanguardie europee che egli assimilò e conobbe in prima persona, in particolare il fauvismo e il cubismo di Matisse. Opere di Hugué sono conservate, tra gli altri, al MACBA, al Centro Georges Pompidou di Parigi, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna e al Museo Nazionale e Centro d'Arte Reina Sofia.

Stima 2 200 - 2 500 EUR

Lotto 26 - SEGUNDO MATILLA MARINA (Madrid, 1862 - Teià, Barcellona, 1937). "Scena costiera a Vilanova y la Geltrú". Olio su tela. Firmato in basso a destra. Situato sul retro. Presenta restauri. Misure: 60 x 100 cm; 73,5 x 114,5 cm (cornice). Nonostante sia nato a Madrid, Matilla si è formato e ha sviluppato la sua carriera a Barcellona. Ha studiato Belle Arti alla Lonja de Barcelona, sotto la direzione di Antonio Caba. Partecipa a numerose mostre, come l'Esposizione Internazionale di Barcellona nel 1891, 1894, 1896 e 1898 (menzione d'onore nel 1891), le Esposizioni d'Arte della stessa città nel 1918 e nel 1919 e il Salone di Parigi del 1897. Nello stesso anno ricevette una menzione d'onore all'Esposizione Nazionale di Belle Arti di Madrid. Tra le sue mostre individuali si ricordano quelle tenutesi al Salón Vilches di Madrid (1915) e, a Barcellona, alla Sala Parés (1914) e alle Gallerie Pallarés (1942), quest'ultima un omaggio postumo. Molte delle sue opere esposte furono acquistate dal Museo d'Arte Moderna di Madrid e molte altre furono esportate in America. Ottenne un grande successo di pubblico e di critica grazie ai suoi paesaggi dell'Empordà, di Camprodón, di Port de la Selva e di Cadaqués. Le sue opere si trovano in diversi musei, come il già citato Museo d'Arte Contemporanea di Madrid, il Museo del Prado, il Museo Pablo Gargallo di Saragozza e il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, oltre che in importanti collezioni private internazionali.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 27 - JOSEP PUIGDENGOLAS BARELLA (Barcellona, 1906 - 1987). "Calatayud", 1957. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 73 x 92 cm. In quest'opera Puigdengolas dimostra la sua assoluta padronanza della tecnica e della cattura del paesaggio, in un'immagine in cui riesce a sintetizzare la rappresentazione naturalistica, l'espressione personale e l'ordine pittorico. Vediamo una pennellata sensibile, che esplora lo spazio e gli dà forma ed entità, creando volumi, luci e ombre, definendo un'atmosfera catturata con grande sensibilità. Attraverso un linguaggio puramente personale, Puigdengolas sintetizza gli elementi fondamentali della rappresentazione e dell'espressività della pittura, come si può vedere nell'intensità dei suoi colori o nel rigore della sua struttura compositiva. Josep Puigdengolas si è formato presso le scuole di Arti e Mestieri e La Lonja, a Barcellona, e ha poi completato i suoi studi presso El Paular e l'Accademia Reale di Firenze. È stato discepolo di Eliseo Meifrén e Joaquín Mir. Nel 1951 fu nominato professore di disegno presso la Scuola di Belle Arti di Sant Jordi. Pur avendo il suo studio a Barcellona, dipinge spesso a La Cerdanya e a Maiorca, in particolare nella città di Deià. La sua opera, di un naturalismo luminoso, deriva dalla scia di Mir e gli valse un grande consenso da parte del pubblico. Il suo lavoro si concentra sul paesaggio, ma si dedica anche al ritratto. Nel corso della sua carriera tenne diverse mostre personali, come quella organizzata al Salón Cano di Madrid nel 1962, e partecipò a mostre collettive e concorsi come l'Esposizione Nazionale di Belle Arti. Pochi mesi prima della sua morte, nel gennaio 1987, tenne la sua ultima mostra alla Sala Parés di Barcellona. Attualmente è rappresentato, tra gli altri, al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía e al MACBA di Barcellona.

Stima 2 200 - 2 500 EUR

Lotto 28 - JUAN RIBERA BERENGUER, (Valencia, 1935 - Valencia, 2016). "Antica stazione ferroviaria di Aragon, Valencia". Olio su carta. Firmato in basso a destra. Misure: 89 x 174 cm; 104 x 189 cm (cornice). Formatosi alla Escuela Superior de Bellas Artes di Valencia, Juan Ribera è stato membro fondatore di gruppi artistici come Parpalló, Arte Actual e Movimiento Artístico del Mediterráneo. Ha fatto parte dell'avanguardia artistica valenciana e madrilena, partecipando alle mostre della galleria Juan Mordó. Ha esposto individualmente alla Dirección General de Bellas Artes de Madrid (1969) e al Museo de la Ciudad de Valencia (1998), tra gli altri centri, e ha partecipato a importanti mostre collettive come quelle tenutesi al Museo d'Arte Moderna di Parigi (1963), "Pintores figurativos de la España actual" (1964), che ha girato gli Stati Uniti, e all'IVAM di Valencia. Nel corso della sua carriera ha ricevuto pensioni dalla Diputación e dal Comune di Valencia, dalla Casa Velázquez di Madrid e dalla Fondazione March, ed è stato insignito, tra gli altri, del Premio Valencia all'Esposizione di Belle Arti di Barcellona (1960), della Diputación de Valencia all'Esposizione Nazionale di Madrid (1968), della medaglia d'oro al Salón de Marzo di Valencia (1977) e del Premio Archival per meriti artistici (1995). Ribera è presente nel Museo San Pío V di Valencia, nel Museo di Arte Contemporanea di Vilafamés, nel Museo Municipale e nel Circolo delle Belle Arti di Madrid, nel Museo di Springfield (Massachusetts), nella Cattedrale, nella Diputación, nell'Ateneo e nel Museo della Città di Valencia, ecc.

Stima 8 000 - 9 000 EUR

Lotto 29 - PERE YSERN ALIÉ (Barcellona, 1875 - 1946). "Serra Tramontana, Mallorca", 1920 circa. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 54 x 65 cm. Pere Ysern Alié fu discepolo di Pere Borrell del Caso nella sua accademia, dove con Ramón Riera formò il nucleo generatore del gruppo "El Rovell de l'Ou". Viene presentato per la prima volta all'Esposizione Generale di Belle Arti di Barcellona nel 1894 e nel 1896 si reca a Roma, dove rimane per due anni e completa la sua formazione con Ramón Tusquets. Al suo ritorno a Barcellona, nel 1898, partecipa all'Esposizione Municipale di Belle Arti. L'anno successivo si stabilisce a Parigi, dove espone al Salon des Artistes Français nel 1900. Partecipa regolarmente anche al Salon des Indépendants. Un chiaro segno del suo successo internazionale è la partecipazione, nel 1901, all'Esposizione Internazionale di San Pietroburgo, dove lo zar di Russia acquista un suo dipinto. Stabilitosi a Parigi, si reca occasionalmente a Barcellona, dove espone le sue opere alla Sala Parés nel 1901 e nel 1903 e partecipa alla mostra collettiva dell'Associazione dei pittori e scultori catalani nel 1905. Nel 1927 tornò in Spagna e da allora la sua presenza a Barcellona e nei concorsi catalani fu costante e la sua pittura venne finalmente valorizzata nel nostro Paese. Oggi è rappresentato principalmente al MACBA, oltre che al Museo del Lussemburgo di Parigi, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, alla Fondazione La Caixa e in varie collezioni private.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 31 - JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcellona, 1877 - 1957). "Elle quitte ses gants". Carboncino e gouache su carta. Firmato in basso a destra. Opera pubblicata in: - "Ceinture Dorée" di Victorien du Saussay, 1907. - Catalogo "Joan Cardona. Il fascino della Belle Époque", pagina 170, n.417J. Firmato in basso a destra. Misure: 26 x 18,5 cm; 50 x 42 cm (cornice). Joan Cardona è stato una figura indispensabile dell'estetica della Belle Époque, contribuendo a definire gli ambienti glamour dell'elegante Parigi del tramonto del XIX secolo. La critica parlò addirittura di "stile Cardona" per indicare l'esclusività del suo lavoro. Dal 1900, quando si stabilì a Parigi, fino al 1914, quando la Prima Guerra Mondiale lo rispedì a Barcellona, fu uno degli illustratori più rinomati della capitale francese. Formatosi alla Escuela de Bellas Artes de la Lonja e all'Academia Baixeras di Barcellona, approfondisce i suoi studi a Parigi, dove si stabilisce per diversi anni. Nella capitale francese forma un gruppo con i migliori illustratori dell'epoca, come Cappiello, Sem, Steinlen e Roubille. Pittore e disegnatore, sviluppa un'importante attività nel campo dell'illustrazione, collaborando con riviste spagnole come "El Gato Negro" e "Hispania", e con le riviste francesi "Le Rire" e "Simplicissimus". Spicca la sua collaborazione con "Jugend", la rivista di punta del modernismo viennese, lo Jugendstil. Nel suo periodo parigino Cardona raggiunse la fama internazionale grazie ai suoi disegni a penna, caratterizzati dalla nitidezza del tratto e da forti valori espressivi. Al contrario, nella sua pittura subordina la linea al colore, con toni caldi negli anni giovanili e gamme fredde nella maturità. I suoi dipinti, di grande forza espressiva e di impasto denso, definiscono il protagonismo della donna, che si delinea su sfondi vibranti, quasi astratti, in uno stile che lo avvicina ad Anglada Camarasa. Nel 1897 viene premiato al concorso organizzato dall'Accademia Mariana di Lleida. Espone a Parigi nei Salons d'Automne e della Societé Nationale, ottenendo in entrambi il titolo di "societaire". Partecipa alle Esposizioni Internazionali di Belle Arti di Barcellona nel 1907 e nel 1929. È rappresentato nel Museo del Lussemburgo, a Parigi.

Stima 4 200 - 4 500 EUR

Lotto 32 - JOAN REBULL TORROJA (Reus, 1899 - Barcellona, 1981). "Busto femminile. Scultura in terracotta su base di marmo. Firmato. Si tratta di uno studio preparatorio per una scultura oggi conservata al MNAC, n. inventario 010048000. Misure: 26 x 14 x 16 cm; 9 cm (altezza della base). Quest'opera è un campione eloquente del lavoro più personale di Joan Rebull, un artista che sviluppa un linguaggio di radici classiche nell'estetica, basato sui principi di nobiltà, bellezza e proporzione, che utilizza però un'idealizzazione e una sintesi delle forme secondo le avanguardie e non i modelli dell'antichità classica. Ci troviamo così di fronte a un ritratto sereno, equilibrato, di un certo carattere immutabile, arcaico e quasi sacro nella perfezione delle proporzioni e delle linee strutturali, che stabilisce un ponte tra gli idoli antichi e la ricerca plastica d'avanguardia. Considerato il più importante scultore catalano del suo tempo, Joan Rebull inizia a frequentare il mondo della scultura nella sua città natale, sotto la guida dello scultore Pau Figueres. Nel 1915 si trasferisce a Barcellona per iniziare la sua formazione artistica presso la Scuola di Belle Arti di La Lonja, mentre lavora nel laboratorio del marmista Bechini. Nel 1916 debutta individualmente con una mostra al Centro de Lectura di Reus e l'anno successivo fonda, insieme ad altri artisti, il gruppo noto come "Els Evolucionistes", che mira a replicare il Noucentisme catalano. Nel 1921 viaggiò a Londra e a Parigi, città in cui rimase particolarmente colpito dall'arte antica conservata nei loro musei. Tra il 1926 e il 1929 vive nella capitale francese e partecipa al Salon des Indépendants, anche se invia opere alle mostre di Barcellona. A Parigi fu il primo artista assunto dall'importante mercante d'arte catalano Joan Merli. Al suo ritorno viene nominato presidente del nuovo Salone di Montjuic (1932) e membro dell'Accademia di Sant Jordi (1934), partecipa a diverse mostre a Madrid e Barcellona e, nel 1938, vince il Premio Campeny al Salon d'Automne di Barcellona. Dopo la guerra si reca in esilio a Parigi, dove partecipa attivamente alla vita artistica, frequentando la mostra "Le Jeune Sculpture Française" e i Salons d'Automne. Rientrato a Barcellona nel 1948, tre anni dopo vince un grande premio alla I Bienal Hispanoamericana de Arte di Madrid. Nel 1962 viene nominato professore alla Scuola di Belle Arti di Sant Jordi e poco prima della sua morte riceve la medaglia d'oro della Generalitat de Catalunya. Figlio del perfezionismo noucentista e grande disegnatore, Rebull lavora con grande padronanza tecnica e certezza del percorso da seguire. La sua è una scultura diretta e antiretorica, basata su una visione serena ed essenziale della realtà. Il suo stile può essere definito come un incontro con la fonte del classicismo, di cui non copia mai le conseguenze. È presente nel Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, nel Centro Nazionale Reina Sofia, nel Municipio di Barcellona, nel Monastero di Montserrat e nel Palau de la Música Catalana, tra gli altri centri.

Stima 3 200 - 3 500 EUR

Lotto 33 - ISMAEL SMITH MARÍ (Barcellona, 1886 - New York, 1972). "Nudi femminili". Matita su carta. Firmato con timbro in alto a sinistra. Presenta macchie di ruggine. Misure: 30 x 23 cm; 60 x 49,5 cm (cornice). Scultore, disegnatore e incisore, fu uno dei primi artisti considerati novecentisti da Eugenio D'Ors. Formatosi alla Scuola La Lonja di Barcellona e all'Accademia Baixas, fu allievo degli scultori Benlliure, Querol, Vallmitjana e Llimona. Premiato in un concorso per nuovi artisti dell'Ateneo Barcelonés nel 1903, nel 1906 espone alla Sala Parés. Ottiene la seconda e terza medaglia alla V Esposizione Internazionale di Belle Arti di Barcellona, nel 1907, e la seconda medaglia alla VI, nel 1911. Nel 1910 si reca a Parigi grazie a una borsa di studio del Comune di Barcellona. Tra il 1913 e il 1914 studia alla Scuola Nazionale di Arti Decorative della capitale francese, poi inizia una serie di viaggi in Inghilterra e negli Stati Uniti, tenendo numerose mostre. Nel 1918 si stabilisce definitivamente a New York, dove collabora con la Hispanic Society. Nel 2005 la Fondazione Palau gli ha dedicato una retrospettiva. Le matrici delle sue incisioni sono conservate nell'Unità Grafica della Biblioteca di Catalogna e nella Calcografía Nacional di Madrid. Molte delle sue stampe si trovano anche al British Museum di Londra, e l'artista è rappresentato anche al Museo Reina Sofía di Madrid, al Museo de Arte Contemporáneo di Barcellona, al MoMA di New York, alla Calcografía Nacional di Madrid e alla Biblioteca de Cataluña.

Stima 400 - 450 EUR

Lotto 34 - FRANCISCO JAVIER GOSÉ ROVIRA (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915). "Signora con gatto", 1913. Manifesto litografico. Estampes D'Art Devambez. Con timbro dell'editore. Firmato sulla lastra. Opera catalogata in "Xavier Gosé, Il.lustrador de la modernitat", Ed. Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), 2015, Barcellona, p. 18. Collezione: Monografie (Museu Nacional d'Art de Catalunya), 3. Presenta alcuni danni, grinze e difetti laterali della carta. Misure: 50 x 35 cm. Lo stile di Javier Gosé oscilla tra modernismo e art-deco francese e riflette la vita della società parigina. Ispirato dalla vita mondana dei caffè-concerto, dalle prostitute, dalle corse dei cavalli, dagli sportivi e dalla nota Montmartre, il suo stile riflette la finezza e la delicatezza della società francese dell'epoca, pur non essendo esente da certe caratteristiche picaresche della spensieratezza parigina. Francisco Javier Gosé è stato un disegnatore e pittore fondamentale nel mondo della grafica e della moda nel passaggio dal XIX al XX secolo. Studiò a Barcellona, dove fu assistente del disegnatore José Luis Pellicer. Collabora fin da giovane a pubblicazioni barcellonesi, da "La Esquella de la Torratxa", "La saeta", in cui è evidente il suo attaccamento al modernismo, a "Mundial Magazine" e "Fémina", dove già si comincia a intravedere una linea precubista. La sua prima mostra si tiene a Els Quatre Gats. Durante il periodo trascorso a Barcellona ritrasse il proletariato, anche se nel 1900 si recò a Parigi, dove collaborò con "La vie Illustrée", "Le frou-frou", tra gli altri. Espone nelle gallerie di Barcellona Parés e Dalmau, nella galleria Vilches (Madrid), Georges Petit e Ritlinger (entrambe a Parigi). Fino a questo momento le sue opere mostrano uno sguardo satirico e realistico sui borghesi, gli snob e le prostitute, anche se questo sguardo cambia nel 1907, quando inizia una fase più stilizzata, meno realistica e meno ironica, soprattutto a causa del suo inizio nel mondo della moda, in cui Gosé cerca di fare tendenza tra la società femminile. Il periodo trascorso a Parigi rappresenta la svolta della sua vita e della sua produzione artistica, poiché la capitale francese è il luogo in cui amplia le sue conoscenze, diventando un artista di successo che otterrà interessanti commissioni come illustratore nelle migliori riviste satiriche. Nel 1910 iniziò a collaborare con riviste tedesche come "Ulk". Nel 1914 scoppia la Prima Guerra Mondiale, circostanza che, insieme ai gravi problemi di salute di cui soffre, lo priva dell'elegante ambiente parigino, trasferendosi nella città di Vichy, famosa per le sue terme. Poco dopo, Gosé si trasferì nuovamente a Barcellona, trascorrendo gli ultimi giorni della sua vita a Lleida. Tra le mostre postume, spiccano il Círculo Artístico, lo stesso anno della sua morte, la retrospettiva alla Galleria Rovira (1970) e alla Fondazione La Caixa (1984). È rappresentato, tra gli altri, nei Musei d'Arte Moderna di Barcellona e Madrid.

Stima 2 800 - 3 000 EUR

Lotto 35 - FRANCISCO JAVIER GOSÉ ROVIRA (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915). "L'arbre de Mai. Abiti semplici per l'eté". Pochoir miniato a mano su carta velina. Firmato. Prova di stato de L'Arbre de Mai-Revista La Gazette du Bon Ton 1914, nº5, p. 42. Misure: 19 x 34 cm; 26 x 40 cm (passe-partout). Lo stile di Javier Gosé oscilla tra modernismo e art-deco francese e riflette la vita della società parigina. Ispirato dalla vita mondana dei caffè-concerto, dalle prostitute, dalle corse dei cavalli, dagli sportivi e dalla nota Montmartre, il suo stile riflette la finezza e la delicatezza della società francese dell'epoca, pur non essendo esente da una certa caratteristica picaresca della Parigi spensierata. Francisco Javier Gosé è stato un disegnatore e pittore fondamentale nel mondo della grafica e della moda nel passaggio dal XIX al XX secolo. Studiò a Barcellona, dove fu assistente del disegnatore José Luis Pellicer. Collabora fin da giovane a pubblicazioni barcellonesi, da "La Esquella de la Torratxa", "La saeta", in cui è evidente il suo attaccamento al modernismo, a "Mundial Magazine" e "Fémina", dove già si comincia a intravedere una linea precubista. La sua prima mostra si tiene a Els Quatre Gats. Durante il periodo trascorso a Barcellona ritrasse il proletariato, anche se nel 1900 si recò a Parigi, dove collaborò con "La vie Illustrée", "Le frou-frou", tra gli altri. Espone nelle gallerie di Barcellona Parés e Dalmau, nella galleria Vilches (Madrid), Georges Petit e Ritlinger (entrambe a Parigi). Fino a questo momento le sue opere mostrano uno sguardo satirico e realistico sui borghesi, gli snob e le prostitute, anche se questo sguardo cambia nel 1907, quando inizia una fase più stilizzata, meno realistica e meno ironica, soprattutto a causa del suo inizio nel mondo della moda, in cui Gosé cerca di fare tendenza tra la società femminile. Il periodo trascorso a Parigi rappresenta la svolta della sua vita e della sua produzione artistica, poiché la capitale francese è il luogo in cui amplia le sue conoscenze, diventando un artista di successo che otterrà interessanti commissioni come illustratore nelle migliori riviste satiriche. Nel 1910 iniziò a collaborare con riviste tedesche come "Ulk". Nel 1914 scoppia la Prima Guerra Mondiale, circostanza che, insieme ai gravi problemi di salute di cui soffre, lo priva dell'elegante ambiente parigino, trasferendosi nella città di Vichy, famosa per le sue terme. Poco dopo, Gosé si trasferì nuovamente a Barcellona, trascorrendo gli ultimi giorni della sua vita a Lleida. Tra le mostre postume, spiccano il Círculo Artístico, lo stesso anno della sua morte, la retrospettiva alla Galleria Rovira (1970) e alla Fondazione La Caixa (1984). È rappresentato, tra gli altri, nei Musei d'Arte Moderna di Barcellona e Madrid.

Stima 1 500 - 1 600 EUR

Lotto 36 - FRANCISCO JAVIER GOSÉ ROVIRA (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915). "Signora con cane", 1913. Manifesto litografico. Estampes D'Art Devambez. Con timbro dell'editore. Firmato sulla lastra. Opera catalogata in "Xavier Gosé, Il.lustrador de la modernitat", Ed. Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), 2015, Barcellona, p. 18. Collezione: Monografie (Museu Nacional d'Art de Catalunya), 3. Presenta alcuni danni, grinze e difetti laterali della carta. Misure: 50 x 35 cm. Lo stile di Javier Gosé oscilla tra modernismo e art-deco francese e riflette la vita della società parigina. Ispirato dalla vita mondana dei caffè-concerto, dalle prostitute, dalle corse dei cavalli, dagli sportivi e dalla nota Montmartre, il suo stile riflette la finezza e la delicatezza della società francese dell'epoca, pur non essendo esente da certe caratteristiche picaresche della spensieratezza parigina. Francisco Javier Gosé è stato un disegnatore e pittore fondamentale nel mondo della grafica e della moda nel passaggio dal XIX al XX secolo. Studiò a Barcellona, dove fu assistente del disegnatore José Luis Pellicer. Collabora fin da giovane a pubblicazioni barcellonesi, da "La Esquella de la Torratxa", "La saeta", in cui è evidente il suo attaccamento al modernismo, a "Mundial Magazine" e "Fémina", dove già si comincia a intravedere una linea precubista. La sua prima mostra si tiene a Els Quatre Gats. Durante il periodo trascorso a Barcellona ritrasse il proletariato, anche se nel 1900 si recò a Parigi, dove collaborò con "La vie Illustrée", "Le frou-frou", tra gli altri. Espone nelle gallerie di Barcellona Parés e Dalmau, nella galleria Vilches (Madrid), Georges Petit e Ritlinger (entrambe a Parigi). Fino a questo momento le sue opere mostrano uno sguardo satirico e realistico sui borghesi, gli snob e le prostitute, anche se questo sguardo cambia nel 1907, quando inizia una fase più stilizzata, meno realistica e meno ironica, soprattutto a causa del suo inizio nel mondo della moda, in cui Gosé cerca di fare tendenza tra la società femminile. Il periodo trascorso a Parigi rappresenta la svolta della sua vita e della sua produzione artistica, poiché la capitale francese è il luogo in cui amplia le sue conoscenze, diventando un artista di successo che otterrà interessanti commissioni come illustratore nelle migliori riviste satiriche. Nel 1910 iniziò a collaborare con riviste tedesche come "Ulk". Nel 1914 scoppia la Prima Guerra Mondiale, circostanza che, insieme ai gravi problemi di salute di cui soffre, lo priva dell'elegante ambiente parigino, trasferendosi nella città di Vichy, famosa per le sue terme. Poco dopo, Gosé si trasferì nuovamente a Barcellona, trascorrendo gli ultimi giorni della sua vita a Lleida. Tra le mostre postume, spiccano il Círculo Artístico, lo stesso anno della sua morte, la retrospettiva alla Galleria Rovira (1970) e alla Fondazione La Caixa (1984). È rappresentato, tra gli altri, nei Musei d'Arte Moderna di Barcellona e Madrid.

Stima 2 800 - 3 000 EUR

Lotto 37 - LUIS GRANER ARRUFÍ (Barcellona, 1863 - 1929). "Castagno". Olio su tela. Firmato in basso a destra. Presenti craquelures. Misure: 50 x 36 cm; 68 x 56 cm (cornice). Luis Graner si forma alla Scuola de La Lonja di Barcellona, dove è discepolo di Benito Mercadé e Antonio Caba, e nel 1886 si trasferisce a Parigi grazie a una borsa di studio della Diputación de Barcelona. Durante i cinque anni trascorsi nella capitale francese ottiene due terze medaglie alle Esposizioni Universali di Barcellona (1888) e Parigi (1889). Stabilitosi nuovamente a Barcellona nel 1891, continua a partecipare a importanti esposizioni internazionali, come quelle di Berlino (1891), Monaco (1892), Dusseldorf (1904). Invia anche opere alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti, ottenendo una terza medaglia nel 1895 e nel 1897, una seconda nel 1901 e una decorazione nel 1904. Nello stesso anno Graner crea la Sala Mercè, progettata da Gaudí, dove organizza le sue "visioni musicali", spettacoli che uniscono la poesia alla musica, la scenografia al cinema. Infine, rovinato, si trasferì in America. Arrivato a New York nel 1910, nello stesso anno allestì una mostra personale alla Edward Brandus Gallery. Il successo di questa mostra portò a Graner importanti commissioni, tra cui il ritratto del magnate Carlos B. Alexander. Dopo aver trascorso cinque mesi a Barcellona, Graner riparte per New York, con destinazione finale L'Avana. Nel 1911 lascia Cuba per New Orleans e poco dopo è già a San Francisco. Qui inaugura una mostra di settantasei dipinti, allestita al California Club, che rappresenta la più grande mostra personale mai realizzata fino ad allora in città. Nello stesso periodo dipinge diversi arazzi per il regista David W. Griffith. Prima della fine dell'anno è di nuovo a New York, dove espone individualmente con grande successo. Continua a dipingere ritratti di importanti personalità nazionali e nel 1912 tiene un'altra importante mostra, questa volta alle Ralston Galleries (New York). Negli anni successivi proseguirà la sua brillante carriera internazionale in Brasile e Cile, per tornare infine negli Stati Uniti, dove rimarrà a causa dello scoppio della Grande Guerra, passando per New York, New Orleans, Chicago e altre città, esponendo sempre con grande successo la sua pittura. Negli anni Venti viaggia in Argentina, Uruguay e Cuba, e infine a New Orleans viene prostrato da una grave malattia che danneggia irrimediabilmente la sua mente, trasformando anche la sua opera, che perde la forza e la trascendenza delle fasi precedenti. Al verde e malato, incapace di trovare un mercato per i suoi dipinti, torna infine a Barcellona nel 1928, poco prima di morire, dopo diciotto anni di gloria finiti in stenti. Nello stesso anno espone individualmente all'Hotel Ritz e alle Gallerie Layetanas di Barcellona, e alla fine dell'anno tiene un'importante retrospettiva alla Sala Parés, prima di morire definitivamente nel maggio 1929 all'età di sessantasei anni. Le sue opere sono presenti, tra gli altri, al Museo del Prado, al MACBA di Barcellona, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, alla Hispanic Society di New York e al Museo Balaguer di Vilanova i la Geltrú, oltre che in importanti collezioni private catalane.

Stima 2 200 - 2 500 EUR

Lotto 38 - Attribuito a THÉODORE ROUSSEAU (Francia, 1812 - 1867). "La falciatura". Olio su tela. Etichetta firmata sul retro. Misure: 28 x 41 cm; 42,5 x 56 cm (cornice). Un mietitore porta sulle spalle un fascio di fieno e si dirige verso un carro già pieno di paglia pressata. Un bue è fermo in mezzo alla strada e un altro cerca l'ombra sotto le montagne di fieno. Dietro le figure, un ampio cielo blu è punteggiato da ciuffi di nuvole sottili. La pennellata è vibrante e il tratto spesso, dando vita a un linguaggio impressionista paragonabile a quello della Scuola di Barbizon. Tra i principali rappresentanti della Scuola di Barbizon, caratterizzata da una visione realistica del paesaggio, Théodore Rousseau condivise le difficoltà dei pittori romantici del 1830 nell'ottenere un posto per i suoi dipinti al Salon di Parigi. Dopo essere stato respinto alla mostra del 1836, si ritirò a Barbizon e formò, insieme ad altri artisti come Corot o Millet, la cosiddetta Scuola di Barbizon. Qui coltivò la pittura di paesaggi all'aperto, con un trattamento della natura vicino a quello dei maestri olandesi del XVII secolo, soprattutto incentrato sui fenomeni atmosferici e naturali. Solo nel 1848 la sua opera fu presentata in modo adeguato al pubblico, quando fu finalmente ammesso al Salon di Parigi. Nello stesso anno si stabilisce definitivamente a Barbizon, dove trascorrerà il resto della sua vita. All'Esposizione Universale del 1853, dove furono riuniti tutti i dipinti di Rousseau precedentemente rifiutati e gli fu dedicata una sala, fu riconosciuto dal pubblico e dalla critica come uno dei migliori partecipanti alla mostra. Le sue opere si caratterizzano per il loro carattere sobrio, con un'aria di squisita malinconia che esercita una forte attrazione sullo spettatore. Rousseau è attualmente rappresentato nei principali musei del mondo, tra cui il Louvre e l'Orsay di Parigi, l'Ermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra, il Rijksmuseum di Amsterdam, la Frick Collection di New York, il Thyssen-Bornemisza di Madrid e l'Albertina di Vienna.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 40 - FILIPPO TOMMASO MARINETTI (Alessandria d'Egitto, 1876-Bellagio, Como, 1944). "Il futurismo contro il passatismo". Londra, 1914. Tecnica mista su carta. Firmato e datato. Con disegno sul retro di JOSÉ CAPUZ (1884-1964). Misure: 21 x 18 cm. Composizione grafica di Marinetti, un disegno originale del fondatore del Futurismo (forse uno schizzo per un manifesto), sul cui retro compare un disegno dello scultore José Capuz. Datato a Londra, significativamente, l'anno dello scoppio della Prima guerra mondiale. Noto per essere il fondatore del movimento futurista, la prima avanguardia italiana del XIX secolo, che servì da base per il fascismo di Mussolini. Marinetti è stato un poeta, scrittore, ideologo, drammaturgo ed editore italiano. Proveniva dalla comunità artistica e letteraria utopica e simbolista Abbaye de Créteil, di cui fu membro tra il 1907 e il 1908. Sia come poeta che come politico e ideologo, fu fortemente influenzato da Friedrich Nietzsche, Sorel, Giuseppe Mazzini e dal poeta Gabriele D'Annunzio, essendo l'autore del Manifesto futurista, scritto e pubblicato nel 1909, e del Manifesto fascista, scritto e pubblicato nel 1919. Considerato il padre del fascismo italiano, lavorò a stretto contatto con Mussolini e lo ispirò molto. Nel 1942 combatté in territorio sovietico come parte di un corpo di spedizione italiano, venendo ferito a Stalingrado. La sua poesia più famosa è "Le 5 stelle". Principalmente scultore, ma anche pittore e disegnatore, José Capuz si è formato presso le Accademie Reali di Belle Arti di San Carlos a Valencia e di San Fernando a Madrid. Approfondisce i suoi studi nell'atelier dello scultore Félix Granda e, grazie a una borsa di studio, compie un lungo viaggio che lo porta a Roma, Firenze, Napoli e Parigi. Accademico di San Fernando dal 1927, è attualmente rappresentato nel Museo Provinciale di Jaen e nelle collezioni di varie confraternite, oltre che in luoghi pubblici di varie città spagnole.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 41 - Circolo di JOHAN BARTHOLD JONGKIND (Lattrop, 1819 - dintorni di Grenoble, 1891). "Tramonto". Olio su pannello. Misure: 25,5 x 33,5 cm; 34 x 41,5 cm (cornice). Quadro di tema costiero ritratto nell'ora magica del tramonto. Il disco d'oro scompare dietro la linea dell'orizzonte e si congeda con una sinfonia ignea. Sulla riva, capanne e case precarie si delineano davanti al mare. Il dipinto si ispira ai paesaggi marini notturni di Johan Barthold Jongkind, risolti con un linguaggio pre-impressionista. Johan Barthold Jongkind è stato un pittore e incisore olandese considerato uno dei precursori dell'impressionismo. Studiò arte alla Scuola dell'Aia sotto la tutela del pittore romantico Andreas Schelfhout e dipinse i suoi primi quadri nello stile della pittura tradizionale fiamminga. Nel 1846 si stabilisce a Parigi e diventa allievo di Eugène Isabey finché, nel 1855, è costretto a tornare in Olanda per problemi economici e si stabilisce a Rotterdam. Rientra a Parigi nell'aprile del 1860 e da allora esprime la sua attrazione per la marina durante i suoi soggiorni sulla costa normanna a Le Havre, Sainte-Adresse (vedi acquerello), Honfleur e Trouville. Lì incontra Boudin e soprattutto Monet, che riconosce sinceramente il suo debito nei confronti dell'artista olandese: "a lui devo l'educazione definitiva dei miei occhi". Partecipa al Salon des Refusés del 1863 con il quadro Rovine del castello di Rosemont, accanto al controverso dipinto di Manet Le déjeuner sur l'herbe (Pranzo sull'erba); entrambi si trovano oggi al Museo d'Orsay. I suoi paesaggi della Normandia, dei canali e delle spiagge del Mare del Nord, delle rive della Senna, di Parigi e più tardi di Grenoble, traducono in toni finemente sfumati la luce e l'atmosfera di quei luoghi. Contrariamente agli impressionisti, dipinse i suoi quadri in studio dopo gli schizzi e gli acquerelli che disegnava all'esterno. A volte ripeteva lo stesso soggetto sotto luci diverse o in stagioni diverse (un'idea tipicamente impressionista, poi adottata dall'amico Monet). Condusse una vita disordinata e alla fine, con problemi psichici (malinconia, paranoia) e di alcolismo, morì nel manicomio di Saint-Égrève vicino a Grenoble. Secondo Monet, l'opera di Jongkind, insieme a quella di Corot e Boudin, è all'origine dell'Impressionismo.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 42 - MANUEL HUMBERT I ESTEVE (Barcellona, 1890 - 1975). "Paesaggio". 1932. Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Apparteneva all'antica collezione di Raimond Maragall. Pubblicato in "33 peintres catalans", di Joan Merlí, 1937, p. 104. Misure: 38,5 x 55,5 cm. Lo stile di Manuel Humbert, di un lirismo contenuto e delicato, si esprime in modo singolare in questo paesaggio in cui le case e i giardini sono integrati nella natura. Humbert si è formato a Barcellona presso la Scuola Llotja ed è stato anche allievo di Francesc d'Assís Galí presso la sua accademia. Si fece conoscere nel settimanale satirico "Papitu", con lo pseudonimo di Isaac, e collaborò anche con la rivista "Picarol". Nel 1915 tiene la sua prima mostra personale alle Gallerie Layetanas di Barcellona. Tra il 1909 e il 1939 vive tra Barcellona e Parigi, dove diventa amico di Picasso, Modigliani, Soutine e Kisling. Membro fondatore del gruppo Les Arts y els Artistes, nel 1929 collaborò alla decorazione del Palazzo Nazionale di Montjuic (attuale Museo Nazionale d'Arte della Catalogna). Amico di X. Nogués e J. Aragay, aderisce alla corrente realista del noucentisme e partecipa ai Salones de los Once del 1944 e del 1953, oltre a esporre individualmente alla Sala Parés dal 1927. Lavora indistintamente a sanguigna, incisione, guazzo e olio. Ha tenuto mostre a Barcellona, Madrid e Parigi e nel 1934 ha ricevuto il Premio Nonell. Inoltre, nel 1953 ha ricevuto il Gran Premio per l'acquerello alla Biennale ispano-americana dell'Avana. Manuel Humbert è il pittore di donne in interni dall'illuminazione sfumata, vestite, semisvestite o nude, sebbene mostrino sempre un certo pudore, rivelando il carattere ordinato e sobrio dell'autore. Attualmente è rappresentato, tra gli altri, nel Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, oltre che in varie collezioni private.

Stima 2 200 - 2 500 EUR

Lotto 43 - BENJAMIN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). "Era" anni '40. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Opera verificata da Ramón Palencia. Misure: 31 x 45 cm; 60 x 75 cm (cornice). Negli anni Quaranta, la pittura di Benjamín Palencia raggiunge la piena maturità quando sa sottrarsi ai dogmi cubisti per tornare a una figurazione della propria cultura. Cattura allora la rudezza della vita contadina del dopoguerra, i villaggi castigliani, angoli che trasmettono un alone di pulizia e di ruvidità, sebbene impregnati di sentimento. Fondatore della Scuola di Vallecas insieme ad Alberto Sánchez, scultore, Benjamín Palencia è stato uno dei più importanti eredi della poetica del paesaggio castigliano tipica della Generazione del '98. A soli quindici anni, Palencia lascia la sua città natale e si stabilisce a Madrid per sviluppare la sua formazione attraverso le frequenti visite al Museo del Prado, dal momento che ha sempre rifiutato gli insegnamenti ufficiali dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando. Nel 1925 partecipa alla Mostra degli artisti iberici che si tiene al Palazzo del Retiro di Madrid e nel 1926 si reca per la prima volta a Parigi. Qui incontra Picasso, Gargallo e Miró ed entra in contatto con la tecnica del collage, che in seguito applicherà alle sue opere, incorporando nuovi materiali come la sabbia o la cenere. È a partire da questo soggiorno parigino che l'opera di Palencia acquisisce un tono surrealista, evidenziato da una sempre maggiore libertà espressiva che raggiungerà la sua pienezza nel periodo della maturità. Al ritorno a Madrid fonda la Scuola di Vallecas (1927) e debutta individualmente al Museo d'Arte Moderna (1928). Palencia abbandonerà gradualmente le nature morte per riprendere il paesaggio castigliano, catturandolo attraverso una magnifica sintesi tra tradizione e avanguardia. Questa personale estetica del paesaggio raggiungerà il suo culmine nella Scuola di Vallecas e, dopo una brillante incursione surrealista nei primi anni Trenta, allo scoppio della Guerra Civile Palencia rimane a Madrid, subendo come i suoi coetanei della sua generazione un periodo di profonda crisi. Dopo la guerra, tra il 1939 e il 1940 la sua pittura subisce una svolta radicale; abbandona le influenze cubiste e astratte e persino gli aspetti surrealisti, alla ricerca di un'arte di forte impatto cromatico, legata al fauvismo. Concentrandosi sul suo lavoro di paesaggista, nel 1942 Palencia riprende l'esperienza della Scuola di Vallecas insieme ai giovani pittori Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló e Francisco San José. La sua opera raccoglierà immagini della campagna castigliana e dei suoi contadini e animali; la sua pittura diventa una testimonianza della rudezza, della rozzezza e della ruralità, della sottile espressività della sobrietà castigliana. Già pienamente consolidato, nel 1943 ottiene la prima medaglia all'Esposizione Nazionale di Belle Arti e nel 1944 viene selezionato per partecipare al Salón de los Once de Eugenio D'Ors a Madrid. L'anno successivo gli viene assegnata la medaglia d'onore all'Esposizione Nazionale, anche se vi rinuncia per favorirne la concessione a José Gutiérrez Solana, morto pochi giorni prima della decisione della giuria. A partire da questo decennio si susseguono le sue esposizioni in centri d'arte e gallerie come il Círculo de Bellas Artes di Madrid o la galleria Estilo, e nel 1946 viene nuovamente selezionato per il Salón de los Once. Inizia anche a partecipare a mostre internazionali, come quelle di arte contemporanea spagnola tenutesi nel 1947 a Buenos Aires, Rio de Janeiro e San Paolo. Riceve inoltre il Gran Premio alla Biennale ispano-americana di Madrid (1951) ed espone al Museo d'Arte Moderna di Parigi (1951), alla Biennale di Venezia (1956), al Palazzo della Principessa di Paravinci a Roma (1965), ecc. Nel 1973 è stato nominato membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando e nel 1978 è entrato a far parte dell'Accademia di San Jorge a Barcellona. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'oro al merito delle Belle Arti. Benjamín Palencia è attualmente rappresentato nel Museo Nazionale Reina Sofía, nel Patio Herreriano di Valladolid e nei Musei di Belle Arti di Valencia e Albacete, tra gli altri. Lavori verificati da Ramón Palencia.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 49 - ROMÁN RIBERA CIRERA (Barcellona, 1848 - 1935). "Scena di casacón", 1890 ca. Olio su tela. Firmato nel margine inferiore. Misure: 94 x 108 cm; 120 x 1333 cm (cornice). Scena d'interni fiamminga, ambientata in una taverna olandese o belga del XVIII secolo. In questo tipo di dipinti di casacón, Román Ribera esibì una notevole abilità nel plasmare con verismo e sapore letterario gli abiti e i tipi umani. L'uso sapiente delle velature nei bicchieri di cristallo e nella morbidezza dei tessuti si unisce alla caratterizzazione naturalistica dei volti e degli atteggiamenti. Una giovane cameriera con una cuffietta e due uomini in costume tradizionale, uno dei quali è un tamburino, occupano questo interno spartano, lavorato con luci calde e accoglienti. Pittore catalano, Román Ribera ha studiato disegno alla Scuola di La Lonja di Barcellona e pittura all'Accademia di Pere Borrell. Ha approfondito i suoi studi a Roma, tra il 1873 e il 1976, e ha viaggiato ed esposto a Londra. Nella capitale italiana frequenta l'Accademia Chigi e si dedica alla pittura, evitando però il contagio del manierismo accademico della scuola romana. Nel 1877 si reca a Parigi, sotto la guida del mercante d'arte Adolphe Goupil, che aveva acquisito i diritti di riproduzione di tutte le sue opere. Lì continua la sua formazione, questa volta studiando direttamente scene di vita di strada parigina. Un anno dopo partecipa all'Esposizione universale di Parigi, dove ottiene un successo decisivo grazie alle tre opere presentate. Nel 1881 partecipa all'Esposizione Nazionale di Madrid proprio con la già citata opera di ambientazione barocca e nel 1883 riceve l'Encomienda de Isabel la Católica. Dopo dodici anni a Parigi torna a Barcellona, dove ha già esposto al Centro de Acuarelistas (1885) e alla Sala Parés, appena inaugurata. Espone poi all'Associazione Artistica e Letteraria e alle sale Parés e Rovira, nonché all'Esposizione Universale del 1888 e all'Esposizione di Belle Arti del 1894, ottenendo un grande successo di critica e di pubblico e conquistando presto il favore della ricca borghesia catalana. Nel 1893 presenta due dipinti all'Esposizione organizzata dall'Ateneo di Barcellona: "Inocencia" e "Incógnitca". Individualmente Cirera espone regolarmente le sue opere nella sala Rovira e, come gruppo, è membro della Società Artistica e Letteraria della Catalogna. Fece parte di diverse giurie ufficiali e anche del Consiglio dei Musei di Barcellona, nel 1901. Nel 1915 fu nominato Membro di Merito del Circolo Artistico di Barcellona. Al suo ritorno in Spagna, Ribera continuò a ritrarre la vita dell'alta borghesia, il lusso delle sue case, la ricchezza dei suoi abiti da festa, ecc. diventando un fedele ritrattista dell'alta borghesia catalana della Restaurazione, come lo era già stato della borghesia francese della Terza Repubblica. Lavorò principalmente a Barcellona, ma si recò anche a Madrid, dove tenne mostre del suo lavoro. Le sue opere sono attualmente conservate presso il MACBA di Barcellona, il Museu d'Art de Girona, il Museu de Montserrat, la Biblioteca Víctor Balaguer e in diverse importanti collezioni private.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 52 - JOSEP LLIMONA BRUGUERA (Barcellona, 1864 - 1934). "Modèstia", 1891. Stucco policromo. Firmato. Timbro Esteva & Cia, Barcellona. Opera catalogata in "Una passejada per l'obra de Josep Llimona, 150 anys", MEAM, 2015, p. 104. Misure: 42 x 34 x 15 cm. La scultura "Modèstia" evidenzia le caratteristiche più personali di Josep Llimona: l'idealismo naturalistico, l'inclinazione verso il lato gentile della realtà e, soprattutto, una grande delicatezza e bellezza nelle sue figure femminili, sempre esili e innocenti, avvolte da un velo di mistero. Josep Limona è ricordato come il più importante scultore catalano del modernismo. Formatosi alla Scuola Llotja di Barcellona, ottenne la pensione per andare a Roma nel 1880. Durante il suo soggiorno in Italia fu influenzato dalla scultura rinascimentale fiorentina. Con le opere che inviò da lì ottenne premi (medaglia d'oro all'Esposizione Universale di Barcellona del 1888) e una grande reputazione. Con il fratello Joan fondò il Círculo Artístico de Sant Lluc, un'associazione artistica catalana di carattere religioso (i due fratelli erano profondamente credenti). Verso la metà degli anni '90 il suo stile si orienta già verso il pieno modernismo. Riceve il premio d'onore all'Esposizione Internazionale di Belle Arti tenutasi nel 1907 a Barcellona. Dal 1900 si concentra sui suoi famosi nudi femminili e nel 1914 crea, in collaborazione con Gaudí, l'impressionante "Cristo risorto". Il suo genio artistico si manifestò anche in grandi monumenti pubblici, come la statua equestre di San Jordi nel parco di Montjuic a Barcellona, e in opere di carattere funerario, come i pantheon che realizzò per diversi cimiteri. Oltre a esporre a Barcellona e in altre città catalane, ha esposto le sue opere a Madrid, Bruxelles, Parigi, Buenos Aires e Rosario (Argentina). Fu presidente del Consiglio dei Musei di Barcellona tra il 1918 e il 1924, e di nuovo dal 1931 fino alla sua morte nel 1934. Nel corso della sua vita ricevette numerose decorazioni, tra cui quelle dei governi di Francia e Italia. Ricevette anche la Medaglia d'Oro della Città di Barcellona nel 1932, come riconoscimento per il suo straordinario lavoro nello sviluppo dell'attività museale. Le opere di Llimona sono conservate, tra l'altro, nel Monastero di Montserrat, nel Museo Nazionale d'Arte della Catalogna e nel Museo Reina Sofia.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 53 - Scuola italiana; secondo i modelli di GIUSEPPE MAZZOLINI (Italia, 1806-1876), XIX secolo. "Le cure materne", 1865. Olio su tela. Rilegato. Presenta lievi danni, ridipinture e restauri sulla superficie pittorica e danni alla cornice. Misure: 100 x 73 cm; 119 x 93 cm (cornice). Il pittore accademico Giuseppe Mazzolini si ispirò in numerose occasioni ai maestri del Rinascimento. Copiare i classici era un esercizio frequente tra i pittori del neoclassicismo. Spesso per venderli ai viaggiatori stranieri. Questo dipinto è a sua volta realizzato da un copista. I futuri artisti avevano l'opportunità di imparare copiando le opere dei grandi maestri. Nonostante fosse una pratica molto comune durante l'Ottocento e l'inizio del Novecento, oggi il Museo del Prado è l'unico museo della capitale che ammette i copisti in maniera ridotta, in modo che non possano interrompere il transito dei visitatori. La maternità era un tema ricorrente durante il XIX secolo, che si rifaceva in un certo senso a una religiosità basata sulla figura della Vergine e del Bambino. La rappresentazione della maternità cerca un tema di carattere gentile e dolce, nella maggior parte dei casi in un'atmosfera calda, in cui si apprezza la felicità della casa, come nel caso di questo dipinto in cui il trattamento della luce e del colore ci portano all'atmosfera sopra citata. Il dipinto si distingue per la sua finitura realistica che si può notare sia nei lineamenti dei protagonisti, sia nell'abbigliamento che inscrive l'opera in una tendenza estetica di carattere costumbrista. Presenta lievi difetti, ridipinture e restauri sulla superficie pittorica e danni alla cornice.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 54 - Scuola spagnola, da MANUEL DOMÍNGUEZ SÁNCHEZ (Madrid, 1840-1906); XIX secolo. "Seneca, dopo essersi aperto le vene". Olio su tavola. Misure: 23,5 x 36 cm; 40 x 51 cm (cornice). Quest'opera segue i modelli del dipinto di Domínguez Sánchez, che si trova nella collezione del Museo del Prado. Il Museo descrive l'opera in questo modo: "Manuel Domínguez ha scelto una trama dell'antica Roma, anche se legata in gran parte al mondo ispanico avendo come protagonista il filosofo cordovano Lucio Anneo Seneca (4-65 d.C.), maestro dell'imperatore Nerone, che ne ordinò la morte accusandolo di aver partecipato alla congiura di Pisone contro di lui. Deridendo l'esecuzione dell'ordine imperiale come disprezzo per Nerone, Seneca decise di togliersi la vita. Per farlo, si aprì le vene ed entrò in una vasca da bagno, anche se alla fine morì per aver inalato i vapori della vasca. Il successo che questo dipinto ebbe al suo tempo risiedeva fondamentalmente nella modernità della severa monumentalità della sua composizione, così come nella sua elegante semplicità nella disposizione delle figure, dai tratti classici, collocate in un ampio spazio interno, dall'architettura ricca e grandiosa". Le figure che lo compongono, armonia che si può apprezzare anche nei volti, sereni, negli atteggiamenti e nella tavolozza scelta dal pittore, molto vivace, ma senza eccessivi tratti distintivi nella colorazione o nelle fonti di luce utilizzate. Il tema storico del dipinto è ambientato in un passato glorioso legato alla storia del Paese del pittore, la Spagna, e può essere messo in relazione con lo Storicismo pittorico del XIX secolo, la principale corrente dell'epoca, legata alle Accademie di Belle Arti. Il termine "storicismo" (Historismus) fu coniato dal filosofo tedesco Karl Wilhelm Friedrich Schlegel. Nel corso del tempo, ciò che è lo storicismo e il modo in cui viene praticato hanno assunto significati diversi e divergenti. Elementi di storicismo compaiono negli scritti del saggista francese Michel de Montaigne (1533-1592) e del filosofo italiano GB Vico (1668-1744), e sono stati sviluppati più compiutamente con la dialettica di Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), influente nell'Europa del XIX secolo.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 55 - Scuola catalana; XIX secolo. "Paesaggio". Olio su tela. Rilegato. Misure: 133 x 228 cm. L'opera qui presentata mostra un paesaggio colorato in cui il costumbrismo e la pittura di paesaggio si fondono insieme. L'intenso colore blu predominante in tutta l'opera si unisce all'ocra e al verde del luogo, fatto di macchie di colore che danno la sensazione di freschezza e umidità. Si configura così un paesaggio caratteristico delle giornate primaverili, dove la brezza pettina gli alberi e si disperde all'orizzonte. Dalla metà del XIX secolo, quando la pittura catalana di paesaggio si sviluppò come genere pienamente autonomo, iniziò una fase che sarebbe stata riconosciuta come una vera e propria età dell'oro nel rinnovamento di un tema che fino ad allora era stato relegato in secondo piano come mero accompagnamento ai grandi temi mitologici e biblici. Sperimentando le nuove tendenze artistiche emerse nel corso dell'Ottocento e del Novecento, la pittura di paesaggio si sviluppò in una continua evoluzione, la cui progressiva rottura con le convenzioni accademiche la condusse verso la libertà creativa della cosiddetta Modernità. L'influenza francese unita alla richiesta della nuova borghesia catalana, che trovava nel collezionismo d'arte un segno di prestigio per riaffermare il proprio nuovo status sociale, portò all'emergere del realismo in Catalogna con un boom della pittura di paesaggio. L'osservazione rigorosa della realtà e l'espressione naturalistica del mondo circostante furono importate da Martí Alsina in seguito ai suoi viaggi a Parigi, città che gli diede l'opportunità di vedere da vicino le opere di Courbet e dei paesaggisti della Scuola di Barbizon. Dopo questo primo approccio alle tendenze europee, vedremo come a partire dagli anni '70 emergerà una concezione più spirituale del paesaggio, che si consoliderà con l'arrivo del simbolismo. Questa corrente trova nell'opera di Modest Urgell il suo principale precursore, introducendo nei suoi paesaggi un aspetto emotivo e malinconico.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 58 - JOAQUÍN PEINADO (Ronda, Malaga, 1898 - Parigi, 1975). "Ritratto femminile", 1946. Disegno a matita su carta. Firmato e datato. Misure: 31,5 x 25 cm; 67 x 58,5 cm (cornice). Joaquín Ruiz-Peinado Vallejo è stato un pittore cubista, successore di Cézanne e figlio spirituale di Picasso, è stato uno dei più importanti rappresentanti della Scuola spagnola di Parigi. Entrato nel 1918 alla Scuola di Belle Arti di San Fernando a Madrid, negli anni successivi diventa discepolo di Cecilio Plá e Julio Romero de Torres e ottiene una borsa di studio per tre anni presso il Monastero di Santa María de El Paular, vincendo nel 1922 il Premio di pittura El Paular. Nel 1923, terminati gli studi, si reca a Parigi, dove si stabilisce definitivamente. Qui frequenta i corsi delle accademie Ranson, Colarossi e La Grande Chaumière, mentre si interessa alla pittura cubista, un'estetica che personalizzerà e manterrà nelle sue opere. Inoltre, nel 1924 espone le sue opere ai Salons des Indépendants, Surindépendants e d'Automne. Tuttavia, dalla città della Senna continua a far parte della vita artistica spagnola, partecipando alla mitica Prima Esposizione della Società degli Artisti Iberici nel 1925 e illustrando le riviste "Litoral", "Gallo" e "La Gaceta Literaria", nonché "La flor de California" (1928) di José María Hinojosa. Inoltre, nel 1926 vince il Premio di pittura della Diputación de Málaga. Tre anni dopo, nel 1929, partecipa a due importanti mostre d'arte d'avanguardia in Spagna: l'Esposizione di dipinti e sculture di residenti spagnoli a Parigi, presso il Giardino Botanico di Madrid, e l'Esposizione Regionale d'Arte Moderna, presso la Casa de los Tiros di Granada. Mantenne anche un rapporto con le arti dello spettacolo, come altri artisti dell'epoca, partecipando ai film "Un perro andaluz" (1929) e "La edad de oro" (1930), dell'amico Buñuel, o come scenografo e disegnatore per "Carmen", di Feyder (1925). Allo stesso modo, nel 1926 partecipa alla rappresentazione di "El retablo de Maese Pedro" di Falla ad Amsterdam insieme a Buñuel, Cossío, Viñes e Ángeles Ortiz. Nel corso del tempo, la sua carriera artistica lo porterà a occupare una posizione di rilievo all'interno della Scuola di Parigi; sarà direttore della Sezione di Pittura dell'Unione degli Intellettuali Spagnoli e successivamente vicepresidente della stessa, e l'UNESCO lo nominerà delegato della Sezione dei Pittori Spagnoli della Scuola di Parigi. Inoltre, nel 1946 fu uno degli organizzatori della mostra "Arte della Spagna repubblicana. Artisti spagnoli della Scuola di Parigi", tenutasi a Praga e, visto l'enorme successo, successivamente anche a Brno. Da quella data in poi, le sue mostre internazionali furono frequenti, sia individuali che collettive, essendo raggruppate nell'ambito della migliore arte francese dell'epoca. Tuttavia, solo nel 1969 si tenne una retrospettiva del suo lavoro in Spagna; organizzata dalla Dirección General de Bellas Artes e allestita presso il Museo de Arte Español Contemporáneo di Madrid, questa mostra consacrò la sua figura nel nostro Paese. Nello stesso anno, infatti, è stato nominato membro dell'Accademia Reale di San Telmo a Malaga. Attualmente la sua opera è ampiamente rappresentata nel museo che porta il suo nome a Ronda, oltre che nella collezione Unicaja e in molte altre collezioni pubbliche e private.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 60 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcellona, 1859 - 1940). "Paesaggio. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 34 x 45 cm; 52 x 63 cm (cornice). Una tholos di marmo bianco è delineata accanto a un mare azzurro bordato di schiuma, che si apre verso l'orizzonte, lasciando in primo piano un prato rigoglioso. Si tratta di un paesaggio dipinto con pennellate vibranti e tratti rapidi, caratteristici dell'opera di Meifrén. Pittore di paesaggi e marine, Eliseo Meifrèn è considerato uno dei primi introduttori del movimento impressionista in Catalogna. Iniziò la sua formazione artistica alla Scuola di Belle Arti di Barcellona, dove fu discepolo di Antonio Caba e Ramón Martí Alsina, con i quali iniziò a creare paesaggi romantici di stile accademico. Al termine degli studi, nel 1878, si trasferisce a Parigi per ampliare le sue conoscenze artistiche e qui conosce da vicino la pittura "à plen air", che lo influenzerà fortemente nei suoi paesaggi parigini di quegli anni. Allo stesso modo, a Parigi coincide con l'inizio pubblico dell'impressionismo. Un anno dopo compie un viaggio in Italia, durante il quale visita Napoli, Firenze, Venezia e Roma; qui entra in contatto con la cerchia di artisti catalani formata, tra gli altri, da Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés e Joan Llimona. Nello stesso anno, il 1879, partecipa all'Esposizione Regionale di Valencia, vincendo una medaglia d'oro. Tornato a Barcellona, nel 1880 fa il suo debutto individuale nella Sala Parés di Barcellona, dove da allora continuerà a esporre regolarmente. In questi anni fa parte del gruppo modernista e frequenta Els Quatre Gats. Nel 1883 torna a Parigi, dove realizza numerosi disegni e acquerelli con vedute della città e dei suoi caffè, che gli valgono una calorosa accoglienza da parte della critica e del pubblico francese. Alla fine degli anni Ottanta torna a Barcellona e continua a esporre le sue opere alla Sala Parés e al Centro de Acuarelistas. Inoltre, nel 1888 è membro della giuria dell'Esposizione Universale di Barcellona. Nel 1890 torna per la terza volta nella capitale francese, dove partecipa al Salon des Beaux-Arts e al Salon des Indépendants del 1892, insieme a Ramon Casas e Santiago Rusiñol, artisti con i quali un anno prima aveva formato il gruppo pittorico di Sitges. Negli anni successivi Meifrèn invierà le sue opere a numerose mostre e concorsi ufficiali, tra cui le Esposizioni Nazionali di Madrid e Barcellona, ottenendo la terza medaglia all'Universale di Parigi del 1889 e del 1899, la medaglia d'argento all'Universale di Bruxelles del 1910, il gran premio all'Universale di Buenos Aires dello stesso anno, la medaglia d'onore all'Internazionale di San Francisco del 1915 e il gran premio all'Internazionale di San Diego dell'anno successivo. Ha vinto anche il Premio Nonell di Barcellona nel 1935. Nel 1952, il Comune di Barcellona gli dedica una mostra retrospettiva, allestita al Palacio de la Virreina. I suoi paesaggi iniziali, caratterizzati da una concezione accademica e romantica, si evolveranno in seguito verso un linguaggio impressionista; abbandonato il preciosismo romano, la sua sarà una tecnica di pennellate sciolte e tavolozza chiara, in cui la concezione luminosa si avvicina ai bilanci simbolisti, nell'orbita di Modesto Urgell. Attualmente è rappresentato al Museo del Prado, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, al MACBA di Barcellona e al Thyssen-Bornemisza, tra i tanti.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 61 - CASIMIRO MARTÍNEZ TARRASSÓ (Sarrià, Barcellona, 1898 - Barcellona, 1980). "Famiglia gitana". Olio su táblex. Firmato in alto a sinistra. Misure: 22 x 26,5 cm; 41,5 x 46,5 cm (cornice). Conosciuto semplicemente come Tarrassó, si è formato alla Scuola di La Lonja di Barcellona. Completa i suoi studi a Parigi, dove conosce da vicino le opere fauve che all'epoca scuotevano la scena artistica parigina. L'influenza fauve continuerà a essere palpabile nella sua opera per tutta la vita in caratteristiche come il forte contrasto cromatico, la prospettiva alta e un po' esagerata, l'assoluto disinteresse per la figura umana, che appare solo abbozzata come complemento del paesaggio, e la rappresentazione degli alberi come elettrificati, sottoposti a inclinazioni tortuose. Sono queste caratteristiche formali che conferiscono alle sue opere una vitalità propria e riducono il suo legame con il referenziale a un mero pretesto. Tarrassó segue la scia dei grandi paesaggisti catalani, in particolare di Joaquín Mir, anche se con una personalità chiaramente differenziata, dovuta in parte all'impatto che il fauvismo ebbe sul suo pensiero artistico. Coltivò la natura morta e i paesaggi catalani e maiorchini. La sua prima mostra risale al 1928, presso le Gallerie Layetanas di Barcellona. Da allora si susseguirono mostre a Barcellona, Madrid, Palma di Maiorca e Bilbao. Nel 1935 visitò per la prima volta Maiorca, dove dal 1940 ebbe uno studio, in particolare a Palma, dove visse per lunghi periodi e sviluppò la maggior parte della sua produzione artistica. Dopo la guerra civile, durante gli anni Quaranta, Tarrassó partecipò a diverse Esposizioni Nazionali di Belle Arti, nelle edizioni del 1942, 1943 e 1950, e tenne molte mostre personali a Barcellona, in gallerie come Augusta, Layetanas, Ars, ecc. tra cui quella di paesaggi pirenaici del 1948 e quella di grandi tele di paesaggi maiorchini che presentò nel 1949. Sebbene il paesaggio fosse sempre al centro della sua produzione, Tarrassó realizzò anche opere come la decorazione murale della chiesa di Santa Maria di Badalona. A Maiorca compì anche un'impresa singolare, piantando il suo cavalletto nelle Grotte di Campanet per catturare le stalattiti e le stalagmiti delle sue cavità pietrose, sviluppando una serie di opere che presentò alle Galerías Costa de Palma nell'ottobre del 1948. Nel corso della sua carriera Tarrassó è stato insignito del Premio Pollença al 1° Concorso Internazionale di Pittura nel 1962; del Premio Santiago Rusiñol nel 1972; e delle medaglie ottenute in varie edizioni dei Saloni d'Autunno di Palma di Maiorca: primo premio nel 1967 e nel 1973, e premio onorario nel 1970. L'opera di Tarrassó è caratterizzata dalla grande personalità della sua colorazione. La sua ossessione per il cromatismo determina una pittura profondamente sensoriale, vitalista e intuitiva. In molte delle sue opere, il pittore si concentra soprattutto sulla cattura di un'immagine che metta in scena la pienezza della vita ricreata e senza soluzione di continuità, preoccupandosi più di essa che delle esigenze della composizione. Così, nei suoi paesaggi le architetture appaiono pienamente integrate in una natura armoniosa, come semplici macchie di colore dai limiti indefiniti, oppure dai limiti definiti ma deformati. In questo modo Tarrassó suggerisce la presenza umana e, allo stesso tempo, impedisce allo spettatore di percepirla come un intervento o una rottura dell'insieme naturale. D'altra parte, le prospettive, molto alte o molto basse, unite a una combinazione di colori contratti, senza mescolare montagna e cielo, cielo e mare, danno un senso di profondità, e a volte anche di oppressione, che porta lo spettatore a concepire la scena come un insieme autonomo, indipendentemente dai dettagli. D'altra parte, vale la pena menzionare anche a livello formale la sua fattura vigorosa, combinata con una spatola spessa, che rimanda a un altro maestro paesaggista catalano a cui Tarrassó è debitore, Nicolás Raurich. Le sue opere sono attualmente conservate in varie collezioni private nazionali e internazionali, oltre che nel Museo e Fondo Artistico di Porreras (Mallorca) e nel Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Palma.

Stima 1 800 - 2 200 EUR

Lotto 62 - JULIÁN GRAU SANTOS (Canfranc, Huesca, 1937). "Credenza e fiori", 1991. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 73 x 60 cm; 92 x 78 cm (cornice). Figlio di Emilio Grau Sala e Ángeles Santos Torroella, si forma a Barcellona. Nel 1949 compie diversi viaggi a Parigi, dove ha l'opportunità di osservare di persona le opere di Sisley, Van Gogh e di diversi impressionisti e postimpressionisti. Nel 1957 tiene la sua prima mostra personale alla Sala Libros di Saragozza. Da allora ha tenuto mostre personali nelle gallerie Syra, Rovira e Vayreda a Barcellona; Alas, Abril, El Cisne, Collage e Biosca a Madrid; Justin Lester a Los Angeles, Art Roman a Tokyo, ecc. Dal 1966 espone regolarmente individualmente alla Sala Parés di Barcellona e nel 1968 partecipa al Salon des Artistes Français al Grand Palais di Madrid. Il suo lavoro, legato all'espressionismo e molto basato sul colore, è caratterizzato da una tecnica molto elaborata e da una profonda conoscenza del disegno. Ha realizzato anche numerosi disegni, che sono stati pubblicati in vari giornali e riviste. Tra i suoi riconoscimenti figurano il Premio La Rambla (Barcellona, 1961), la Medaglia Ramón Rogent (Salón de Mayo, Barcellona, 1962), la medaglia dell'Esposizione di Belle Arti (Madrid, 1961), il III Premio Sant Jordi e il Premio Van Gogh (Barcellona, 1963), la Medaglia della Città di Barcellona (1965), il Premio della Biennale di Pittura di Huesca (1976), la Medaglia Condesa de Barcelona (Madrid, 1983) e la Medaglia d'Onore del Concorso BMW (Madrid, 1987). Negli ultimi anni ha partecipato alle fiere ARCO di Madrid e ARTEXPO di Valencia, Barcellona, Basilea, New York, Chicago, Miami e Hong Kong. Nel 1993 la Fondazione Mapfre Vida di Madrid gli ha dedicato una mostra retrospettiva.

Stima 1 500 - 1 600 EUR

Lotto 64 - MANOLO HUGUÉ (Barcellona, 1872 - Caldas de Montbui, Barcellona, 1945). "Bullring". Acquerello su carta. Misure: 17 x 23 cm; 45 x 50 cm (cornice). Ciò che chiamiamo immobilità non è altro che un caso limite di lentezza nel movimento, un limite ideale che la natura non raggiunge mai. Lo scriveva il filosofo francese Henri Bergson, e questo stesso principio è materializzato da questi toreri di Manolo Hugué, le cui posture traducono la densa tensione dell'istante sul ring. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, si è formato alla Escuela de la Lonja di Barcellona. Partecipa regolarmente alle riunioni de "Els Quatre Gats" e diventa amico di Picasso, Rusiñol, Mir e Nonell. Nel 1900 si trasferisce a Parigi, dove vive per dieci anni. Qui riprende il rapporto con Picasso e stringe amicizia con altri teorici dell'avanguardia come Apollinaire, Modigliani, Braque e Derain. Nella capitale francese si dedica alla progettazione di gioielli e piccole sculture, influenzato dal lavoro dell'amico scultore e orafo Paco Durrio. Nel 1892 collabora con Torcuato Tasso alla realizzazione di opere decorative per le celebrazioni del centenario della Scoperta dell'America. Tra il 1910 e il 1917, dedicandosi completamente alla scultura, lavora a Ceret, dove riunisce un gruppo eterogeneo di artisti tra cui spiccano Juan Gris, Joaquín Sunyer e, di nuovo, Picasso. In questi anni tiene mostre a Barcellona, Parigi e New York. Nel 1932 viene nominato membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Jorge a Barcellona. Nel lavoro di Hugué, ciò che è essenziale è il rapporto con la natura, tenendo conto della figura umana come elemento integrato in essa. Questa è una caratteristica del classicismo noucentista, ma nelle mani di Hugué va oltre le sue origini limitate. Di solito rappresentava contadini, ma anche toreri e danzatori - come si può vedere in questa occasione -, sempre ritratti con un livello di dettaglio e un apprezzamento delle texture che rivelano la sua precedente formazione come orafo. Nella sua produzione artistica convivono la tradizione mediterranea, il classicismo e l'arcaismo greco, l'arte dell'antico Egitto e della Mesopotamia, con le avanguardie europee che egli assimilò e conobbe in prima persona, in particolare il fauvismo e il cubismo di Matisse. Opere di Hugué sono conservate al MACBA, al Centro Georges Pompidou di Parigi, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna e al Museo Nazionale e Centro d'Arte Reina Sofia, tra i tanti.

Stima 1 500 - 1 600 EUR

Lotto 65 - JOAN ABELLÓ PRAT (Mollet del Vallés, Barcellona, 1922 - Barcellona, 2008). "Paesaggio". Tecnica mista su carta. Firmato in basso a destra. Misure: 49 x 63 cm; 70 x 84 cm (cornice). Pittore e incisore, Joan Abelló iniziò la sua formazione in modo autodidatta, avendo nei suoi primi dipinti una grande influenza le opere che Joaquín Mir realizzò a Mollet. Studiò poi all'Accademia di Baixas e al Reale Circolo Artistico di Barcellona (1941), per poi diventare discepolo di Pere Pruna, lavorando per due anni nel suo studio (1944-46). Pruna gli insegnò le tecniche del murale e dell'incisione, e nello studio di Miracle imparò anche il restauro. Nel 1945 espone per la prima volta le sue opere a Barcellona e l'anno successivo inizia a lavorare nello studio di Carlos Pellicer, con cui collaborerà per quattordici anni. Completa i suoi studi con viaggi a Londra, in Belgio, a Parigi e sull'Isola di Man, tra gli altri luoghi. Negli anni Sessanta torna nella sua città natale, dove si interessa nuovamente ai paesaggi delle Vallés e del Mediterraneo, pur non abbandonando i suoi lunghi viaggi in Europa, Africa, Costa d'Avorio, Marocco e Brasile. Grande collezionista, nel 1996 donò la sua collezione d'arte al Comune di Mollet, che tre anni dopo creò il Museo Municipale Joan Abelló. Al museo è annessa la casa natale dell'artista, che dal 2002 ospita un laboratorio di restauro e un centro di studi artistici. Abelló inizia la sua carriera sviluppando una certa tendenza impressionista, per approdare alla fine degli anni Quaranta al post-impressionismo senza perdere i legami con il suo linguaggio iniziale, sempre con un'esplosione di colori applicati con pennellate violente. Anni dopo il suo stile si evolverà, praticando una pittura più materica sotto l'influenza dell'informale e accentuando il suo espressionismo senza mai abbandonare la figurazione. Dal 1940, anno della prima mostra nella sua città natale, prima ancora di trasferirsi a Barcellona per studiare, Abelló ha tenuto mostre in Spagna, a Londra, Parigi, New York e Mosca. Nel 2002 è stato nominato membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di Sant Jordi. È rappresentato nel Museo che porta il suo nome, oltre che nel MACBA di Barcellona, nella Courtauld Collection di Londra, nell'Ashmolean Museum di Oxford, nei Musei Vaticani, nel Poldersmuseum in Belgio e nel Francesc Galí Legacy.

Stima 900 - 1 000 EUR

Lotto 66 - JOAN ABELLÓ PRAT (Mollet del Vallés, Barcellona, 1922 - Barcellona, 2008). "A las puertas del establo", 1963. Olio su tela. Firmato e datato in alto a sinistra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 54 x 64,5 cm; 75 x 85 cm (cornice). Pittore e incisore, Joan Abelló inizia la sua formazione in modo autodidatta, avendo nei suoi primi dipinti una grande influenza le opere che Joaquín Mir realizzò a Mollet. Studia poi all'Accademia di Baixas e al Real Circolo Artistico di Barcellona (1941), per poi diventare discepolo di Pere Pruna, lavorando per due anni nel suo studio (1944-46). Pruna gli insegnò le tecniche del murale e dell'incisione, e nello studio di Miracle imparò anche il restauro. Nel 1945 espone per la prima volta le sue opere a Barcellona e l'anno successivo inizia a lavorare nello studio di Carlos Pellicer, con cui collaborerà per quattordici anni. Completa i suoi studi con viaggi a Londra, in Belgio, a Parigi e sull'Isola di Man, tra gli altri luoghi. Negli anni Sessanta torna nella sua città natale, dove si interessa nuovamente ai paesaggi delle Vallés e del Mediterraneo, pur non abbandonando i suoi lunghi viaggi in Europa, Africa, Costa d'Avorio, Marocco e Brasile. Grande collezionista, nel 1996 donò la sua collezione d'arte al Comune di Mollet, che tre anni dopo creò il Museo Municipale Joan Abelló. Al museo è annessa la casa natale dell'artista, che dal 2002 ospita un laboratorio di restauro e un centro di studi artistici. Abelló inizia la sua carriera sviluppando una certa tendenza impressionista, per approdare alla fine degli anni Quaranta al post-impressionismo senza perdere i legami con il suo linguaggio iniziale, sempre con un'esplosione di colori applicati con pennellate violente. Anni dopo il suo stile si evolverà, praticando una pittura più materica sotto l'influenza dell'informale e accentuando il suo espressionismo senza mai abbandonare la figurazione. Dal 1940, anno della prima mostra nella sua città natale, prima ancora di trasferirsi a Barcellona per studiare, Abelló ha tenuto mostre in Spagna, a Londra, Parigi, New York e Mosca. Nel 2002 è stato nominato membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di Sant Jordi. È rappresentato nel Museo che porta il suo nome, oltre che nel MACBA di Barcellona, nella Courtauld Collection di Londra, nell'Ashmolean Museum di Oxford, nei Musei Vaticani, nel Poldersmuseum in Belgio e nel Francesc Galí Legacy.

Stima 1 100 - 1 200 EUR

Lotto 69 - JOSEP MOMPOU I DENCAUSSE (Barcellona, 1888 - Vic, Barcellona, 1968). "Tossa de Mar", 1945. Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Con etichetta di Ramoneda e Barrachina. Misure: 50 x 61 cm; 61 x 74 cm (cornice). Persone estive, costumi da bagno e ombrelloni scintillano in miriadi cromatiche sulla sabbia. Con una pennellata rapida e intuitiva, Josep Mompou compone una vibrante sinfonia estiva. La collina si delinea sotto un cielo limpido. Su di essa, il muro del castello serpeggia tra i cespugli. Pittore formatosi nell'accademia di Joaquín Torres Canosa, fu membro del Círculo de Sant Lluc. Nel 1907 partecipa all'Esposizione Internazionale di Barcellona e l'anno successivo organizza una mostra personale alle Gallerie Dalmau. Tra il 1910 e il 1911 collabora con la rivista "Papitu" e nel 1917 partecipa all'esposizione di artisti francofili alle Gallerie Dalmau, dove in seguito tiene due importanti mostre personali, nel 1920 e nel 1925. Tra il 1926 e il 1934 visse a Parigi, dove organizzò diverse mostre individuali, nonché esposizioni successive alla Sala Parés di Barcellona e a Madrid nel 1946. Partecipa inoltre a numerose mostre collettive, sia in Europa che in America, nonché a vari saloni di Parigi e alle Biennali latinoamericane. Nel 2009 la Fondazione Caixa de Cataluña gli ha dedicato una grande antologia alla Pedrera. È stato membro dell'Accademia di Sant Jordi ed è presente, tra gli altri, al Centro Nazionale Reina Sofia, ai Musei d'Arte Moderna dell'Avana, di Parigi e di Barcellona, al Museo Municipale di Tossa de Mar, al Museo di Toledo (Ohio, Stati Uniti) e alla Biblioteca di Catalogna.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 70 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcellona, 1859 - 1940). "Paesaggio. Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Misure: 70 x 36 cm; 84 x 50 cm (cornice). Eliseo Meifrèn ci offre un'opera di chiara matrice impressionista, con un trattamento puramente cromatico e luminoso del paesaggio, che abbandona la descrizione minuziosa del modello naturale per catturare un'impressione della natura, un'immagine puramente visiva e totalmente plastica, in cui la pennellata sciolta, impastata e precisa configura forme, spazi e volumi basati sull'accostamento dei colori. Le forme si confondono e diventano pura macchia espressiva; la luce, lavorata e pensata, acquista un rinnovato rilievo e la natura assume una nuova dimensione atmosferica, che va oltre la pura riproduzione della realtà. Pittore di paesaggi e marine, Eliseo Meifrèn è considerato uno dei primi introduttori del movimento impressionista in Catalogna. Iniziò la sua formazione artistica presso la Scuola di Belle Arti di Barcellona, dove fu discepolo di Antonio Caba e Ramón Martí Alsina, con i quali iniziò a creare paesaggi romantici di stile accademico. Al termine degli studi, nel 1878, si trasferisce a Parigi per ampliare le sue conoscenze artistiche e qui conosce da vicino la pittura "à plen air", che lo influenzerà fortemente nei suoi paesaggi parigini di quegli anni. Allo stesso modo, a Parigi coincide con l'inizio pubblico dell'impressionismo. Un anno dopo compie un viaggio in Italia, durante il quale visita Napoli, Firenze, Venezia e Roma; qui entra in contatto con la cerchia di artisti catalani formata, tra gli altri, da Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés e Joan Llimona. Nello stesso anno, il 1879, partecipa all'Esposizione Regionale di Valencia, vincendo una medaglia d'oro. Tornato a Barcellona, nel 1880 fa il suo debutto individuale nella Sala Parés di Barcellona, dove da allora continuerà a esporre regolarmente. In questi anni fa parte del gruppo modernista e frequenta Els Quatre Gats. Nel 1883 torna a Parigi, dove realizza numerosi disegni e acquerelli con vedute della città e dei suoi caffè, che gli valgono una calorosa accoglienza da parte della critica e del pubblico francese. Alla fine degli anni Ottanta torna a Barcellona e continua a esporre le sue opere alla Sala Parés e al Centro de Acuarelistas. Inoltre, nel 1888 è membro della giuria dell'Esposizione Universale di Barcellona. Nel 1890 torna per la terza volta nella capitale francese, dove partecipa al Salon des Beaux-Arts e al Salon des Indépendants del 1892, insieme a Ramon Casas e Santiago Rusiñol, artisti con i quali un anno prima aveva formato il gruppo pittorico di Sitges. Negli anni successivi Meifrèn invierà le sue opere a numerose mostre e concorsi ufficiali, tra cui le Esposizioni Nazionali di Madrid e Barcellona, ottenendo la terza medaglia all'Universale di Parigi del 1889 e del 1899, la medaglia d'argento all'Universale di Bruxelles del 1910, il gran premio all'Universale di Buenos Aires dello stesso anno, la medaglia d'onore all'Internazionale di San Francisco del 1915 e il gran premio all'Internazionale di San Diego dell'anno successivo. Ha vinto anche il Premio Nonell di Barcellona nel 1935. Nel 1952, il Comune di Barcellona gli ha dedicato una mostra retrospettiva, tenutasi al Palacio de la Virreina. Attualmente è rappresentato al Museo del Prado, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, al MACBA di Barcellona e al Thyssen-Bornemisza, tra i tanti.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 71 - JOAQUIM MIR TRINXET (Barcellona, 1873 - 1940). "Ambiente di una casa colonica", Mollet, 1914 circa. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Allegato certificato di D. Francesc Miralles. Misure: 40 x 65 cm; 50 x 75 cm (cornice). Con una pennellata audace e intuitiva, Mir cattura, con una vibrante tavolozza mediterranea, il viavai di alcuni contadini davanti a una grande casa circondata da pagliai. Sotto la luce di mezzogiorno, le oche beccano in un grande recinto aperto. Le figure sono integrate nella natura esultante e il cielo blu riverbera sulla paglia ambrata. Attraverso un linguaggio puramente personale, Mir sintetizza gli elementi di base per rendere la scena riconoscibile, di particolare struttura compositiva, facendola vibrare con la sua immaginazione. In quest'opera, Mir dimostra un'assoluta padronanza tecnica e atmosferica, che mette al servizio di una concezione quasi animistica dell'elemento naturale. Joaquín Mir ha studiato alla Escuela de Bellas Artes de San Jordi di Barcellona e nell'atelier del pittore Luis Graner. Il suo stile fu influenzato anche dalla Scuola di Olot, città natale del padre. Nel 1893 forma la "Colla del Safrà" insieme ad artisti come Isidro Nonell, Ricard Canals e Ramón Pichot, e negli ultimi anni del secolo è associato all'ambiente artistico di "Els Quatre Gats". Completa la sua formazione nel 1895, quando trascorre una stagione a Madrid copiando opere di Velázquez. In questi anni partecipa alle esposizioni di Belle Arti di Barcellona del 1894, 1896 e 1898. Vincitore di una seconda medaglia all'Esposizione di Madrid del 1899, nello stesso anno si trasferisce nella capitale per concorrere a una borsa di studio a Roma. Non avendo successo, si reca con Santiago Rusiñol a Maiorca, in un viaggio che rappresenterà la svolta definitiva della sua carriera. Mir rimase folgorato dal paesaggio di Maiorca, in particolare da quello di Sa Calobra, che fu per lui un'inesauribile fonte di ispirazione. Nel 1901 espone i frutti di questo primo periodo maiorchino nella Sala Parés di Barcellona e ottiene una seconda medaglia all'Esposizione Nazionale. Dopo un periodo di malattia che lo costringe a trasferirsi a Reus, nel 1907 vince la prima medaglia all'Esposizione Internazionale di Belle Arti di Barcellona. Già consolidatosi come figura di spicco del panorama catalano, acquisisce il definitivo riconoscimento a livello nazionale nel 1917, quando gli viene assegnato il Premio Nazionale di Belle Arti. Quattro anni dopo si sposa e si stabilisce definitivamente a Vilanova i la Geltrú. I successi si susseguono e nel 1929 ottiene la prima medaglia all'Esposizione Internazionale di Barcellona. L'anno successivo vinse la medaglia d'onore all'Esposizione Nazionale di Madrid, un riconoscimento che inseguiva dal 1922. Pur essendo principalmente un pittore autoctono, ha esposto in mostre personali e collettive a Washington, Parigi, Pittsburg, New York, Filadelfia, Amsterdam, Buenos Aires e Venezia. Mir è oggi considerato il più importante rappresentante della pittura paesaggistica post-impressionista spagnola. Le sue opere sono conservate, tra gli altri, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, al Museo del Prado, al Museo Thyssen-Bornemisza e al Museo Reina Sofia di Madrid.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 72 - IGNACIO PINAZO CAMARLENCH (Valencia, 1849 - Godella, Valencia, 1916). "Giovane di profilo. Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Misure: 66 x 51 cm; 97 x 71 cm (cornice). Nato in una famiglia umile, Pinazo fu costretto fin da piccolo a contribuire con diverse occupazioni al sostentamento della sua casa. Quando la madre morì di colera aveva appena terminato la terza media, per cui dovette presto dedicarsi a diversi mestieri, tra cui argentiere, decoratore di piastrelle, panettiere, doratore e pittore di ventagli. Dopo la morte del padre andò a vivere con il nonno e nel 1864 entrò all'Accademia di Belle Arti di San Carlos, dove fu discepolo di José Fernández Olmos. In questo periodo si guadagna da vivere come modista. Inizia la sua formazione artistica all'età di ventuno anni, ottenendo il primo successo tre anni dopo, a Barcellona. Nel 1871 partecipa per la prima volta all'Esposizione Nazionale di Belle Arti. Fu a Roma due volte, la prima grazie alla vendita di un quadro, nel 1873, e la seconda con una borsa di studio, tra il 1876 e il 1881. Lì inizia le sue grandi produzioni di storia, lontane dalle convenzioni del genere. Nel primo periodo sviluppò uno stile accademico, ma dal 1874 iniziò una linea pittorica più intima e impressionista. Tornato a Valencia, abbandona i temi storici e inizia a dipingere soggetti familiari, nudi e scene di vita quotidiana. Per questo motivo, oggi è considerato un precursore, sia nei temi che nello stile, di Joaquín Sorolla e Francisco Domingo. Nel 1884 Pinazo lasciò temporaneamente Valencia a causa di un'epidemia di colera, stabilendosi nella casa che il banchiere José Jaumandreu possedeva a Bétera. Dal suo ritorno in quello stesso anno fino al 1886, insegna alla Scuola di Belle Arti di Valencia. In questi anni riceve numerose commissioni dall'aristocrazia valenciana, annoverando tra i suoi clienti personaggi di spicco come la marchesa di Benicarló. Pinazo espone le sue opere alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti di Madrid, vincendo la medaglia d'argento nel 1881 e nel 1885 e la medaglia d'oro nel 1897 e nel 1899. Nel 1896 viene nominato accademico di San Carlos e nel 1906 sarà nominato anche accademico di San Fernando, a Madrid. Nel 1900 partecipa alla decorazione dello scalone del palazzo di Don José Ayora, insieme ad Antonio Fillol, Peris Brell, Ricardo Verde e Luis Beüt. Per questi anni riceve una medaglia reale e, nel 1912, la città di Valencia gli dedica una strada. Alla sua morte, nel 1916, seguiranno gli atti commemorativi della sua vita e della sua opera. Pinazo è attualmente rappresentato al Museo del Prado, al MACBA di Barcellona, al Museo e al Circolo delle Belle Arti di Valencia, alla sua Casa-Museo di Godella e al Consiglio Provinciale di Valencia, oltre che in diverse importanti collezioni private.

Stima 2 000 - 2 200 EUR

Lotto 73 - JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcellona, 1877 - 1957). "Maternità". Olio su tela. Firmato sul retro. Misure: 81 x 65 cm; 99 x 82,5 cm (cornice). Formatosi alla Scuola di Belle Arti della Lonja e all'Accademia Baixeras di Barcellona, prolunga i suoi studi a Parigi, città in cui si stabilirà per diversi anni. Nella capitale francese forma un gruppo con i migliori illustratori dell'epoca, come Cappiello, Sem, Steinlen e Roubille. Pittore e disegnatore, sviluppa un'importante attività nel campo dell'illustrazione, collaborando con riviste spagnole come "El Gato Negro" e "Hispania", e con le riviste francesi "Le Rire" e "Simplicissimus". Spicca la sua collaborazione con "Jugend", la rivista di punta del modernismo viennese, lo Jugendstil. Nel suo periodo parigino Cardona raggiunge la fama internazionale grazie ai suoi disegni a penna, caratterizzati dalla nitidezza del tratto e da forti valori espressivi. Al contrario, nella sua pittura subordina la linea al colore, con toni caldi negli anni giovanili e gamme fredde nella maturità. I suoi dipinti, di grande forza espressiva e di impasto denso, definiscono il protagonismo della donna, che si delinea su sfondi vibranti, quasi astratti, in uno stile che lo avvicina ad Anglada Camarasa. Nel 1897 viene premiato al concorso organizzato dall'Accademia Mariana di Lleida. Espone a Parigi nei Salons d'Automne e della Societé Nationale, ottenendo in entrambi il titolo di "societaire". Partecipa alle Esposizioni Internazionali di Belle Arti di Barcellona nel 1907 e nel 1929. È rappresentato nel Museo del Lussemburgo, a Parigi.

Stima 1 600 - 1 700 EUR

Lotto 74 - CASIMIRO MARTÍNEZ TARRASSÓ (Barcellona, 1898 - 1980). "Paesaggio di montagna". Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Misure: 16 x 20 cm; 43 x 48 cm (cornice). In questa tavolax Tarrassó cattura un paesaggio costruito in profondità con il suo personale linguaggio basato su macchie di colore di eredità fauvista. Il vivido cromatismo risponde a uno studio attento e meditato, basato sulla giustapposizione di toni prevalentemente freddi, alcuni più chiari e altri più scuri per rafforzare la costruzione tridimensionale dello spazio. Conosciuto semplicemente come Tarrassó, si è formato alla Escuela de La Lonja di Barcellona. Completò i suoi studi a Parigi, dove ebbe modo di conoscere da vicino le opere fauviste che all'epoca agitavano la scena artistica parigina. Fu soprattutto un brillante pittore di paesaggi, con uno stile caratterizzato da colori violenti e vividi, molto luminosi. Seguì le orme dei grandi paesaggisti catalani, in particolare Joaquín Mir, anche se con una personalità nettamente differenziata, dovuta in parte all'impatto che il fauvismo ebbe sul suo pensiero artistico. Coltivò la natura morta e i paesaggi catalani e maiorchini. La sua prima mostra risale al 1928, presso le Gallerie Layetanas di Barcellona. Da allora si susseguirono mostre a Barcellona, Madrid, Palma di Maiorca e Bilbao. Nel 1935 visitò per la prima volta Maiorca, dove dal 1940 ebbe uno studio, in particolare a Palma, dove visse per lunghi periodi e sviluppò la maggior parte della sua produzione artistica. Dopo la guerra civile, durante gli anni Quaranta, Tarrassó partecipò a diverse Esposizioni Nazionali di Belle Arti, nelle edizioni del 1942, 1943 e 1950, e tenne molte mostre personali a Barcellona, in gallerie come Augusta, Layetanas, Ars, ecc. tra cui quella di paesaggi pirenaici del 1948 e quella di grandi tele di paesaggi maiorchini che presentò nel 1949. Sebbene il paesaggio fosse sempre al centro della sua produzione, Tarrassó realizzò anche opere come la decorazione murale della chiesa di Santa Maria di Badalona. A Maiorca compì anche un'impresa singolare, piantando il suo cavalletto nelle Grotte di Campanet per catturare le stalattiti e le stalagmiti delle sue cavità pietrose, sviluppando una serie di opere che presentò alle Galerías Costa de Palma nell'ottobre del 1948. Nel corso della sua carriera Tarrassó è stato insignito del Premio Pollença al 1° Concorso Internazionale di Pittura nel 1962; del Premio Santiago Rusiñol nel 1972; e delle medaglie ottenute in varie edizioni dei Saloni d'Autunno di Palma di Maiorca: primo premio nel 1967 e nel 1973, e premio onorario nel 1970. L'opera di Tarrassó è caratterizzata dalla grande personalità della sua colorazione. La sua ossessione per il cromatismo determina una pittura profondamente sensoriale, vitalista e intuitiva. È presente in diverse collezioni private nazionali e internazionali, oltre che nel Museo e Fondo Artistico di Porreras (Mallorca) e nel Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Palma.

Stima 550 - 600 EUR

Lotto 75 - JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcellona, 1877 - 1957). "Maternità". Olio su tela. Firmato in basso a sinistra e sul retro. Misure: 71 x 60 cm; 96 x 86 cm (cornice). Formatosi alla Scuola di Belle Arti della Lonja e all'Accademia Baixeras di Barcellona, prolunga i suoi studi a Parigi, città in cui si stabilirà per diversi anni. Nella capitale francese forma un gruppo con i migliori illustratori dell'epoca, come Cappiello, Sem, Steinlen e Roubille. Pittore e disegnatore, sviluppa un'importante attività nel campo dell'illustrazione, collaborando con riviste spagnole come "El Gato Negro" e "Hispania", e con le riviste francesi "Le Rire" e "Simplicissimus". Spicca la sua collaborazione con "Jugend", la rivista di punta del modernismo viennese, lo Jugendstil. Nel suo periodo parigino Cardona raggiunge la fama internazionale grazie ai suoi disegni a penna, caratterizzati dalla nitidezza del tratto e da forti valori espressivi. Al contrario, nella sua pittura subordina la linea al colore, con toni caldi negli anni giovanili e gamme fredde nella maturità. I suoi dipinti, di grande forza espressiva e di impasto denso, definiscono il protagonismo della donna, che si delinea su sfondi vibranti, quasi astratti, in uno stile che lo avvicina ad Anglada Camarasa. Nel 1897 viene premiato al concorso organizzato dall'Accademia Mariana di Lleida. Espone a Parigi nei Salons d'Automne e della Societé Nationale, ottenendo in entrambi il titolo di "societaire". Partecipa alle Esposizioni Internazionali di Belle Arti di Barcellona nel 1907 e nel 1929. È rappresentato nel Museo del Lussemburgo, a Parigi.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 76 - JOAN MESTRE I BOSCH (Palma di Maiorca, 1826 - 1893). "Santa Cecilia", Barcellona, 1847. Olio su tela. Screpolato. Con restauro sul retro e iscrizione. Presenta difetti nella cornice e nel dipinto. Misure: 87 x 68 cm; 108 x 91 cm (cornice). Joan Mestre i Bosch si forma con Bartolomé Sureda nella Scuola di Belle Arti di Palma di Maiorca. Si reca poi a Barcellona per completare la sua formazione presso l'Accademia di Belle Arti della città e infine trascorre un periodo a Madrid, dove si dedica alla copia di opere dei grandi maestri del Museo del Prado. Al suo ritorno a Maiorca, ricopre gratuitamente la cattedra di Anatomia e Disegno del Paesaggio presso la Sociedad Económica Mallorquina de Amigos del País (Società Economica Maiorchina degli Amici del Paese). Nel corso della sua vita espose le sue opere in varie mostre ufficiali, venendo premiato più volte, e dipinse anche opere religiose per diverse chiese delle Isole Baleari. Fu anche corrispondente dell'Accademia di San Fernando a Madrid e pittore di camera onorario. Fu noto soprattutto come ritrattista e pittore di soggetti religiosi, e sviluppò uno stile con una base accademica, radici romantiche e un chiaro impegno verso il naturalismo, anche se di un realismo eclettico. Fu anche un importante pedagogo e l'impronta del suo stile è visibile nei suoi discepoli come Joan Bauzà, Antoni Ribas e Antoni Fuster. Joan Mestre i Bosch è attualmente rappresentato nella collezione del Consell de Mallorca, della Sa Nostra, della Fondazione Yannick e Ben Jakober e del Museo di Maiorca, oltre che in altre collezioni pubbliche e private.

Stima 2 500 - 2 800 EUR

Lotto 77 - JOAQUÍN MICHAVILA ASENSI (Alcora, Castellón, 1926 - Albalat de Taronchers, Valencia, 2016). "LLAC". Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Misure: 73 x 95,50 cm; 93 x 112 cm (cornice). Tra i principali rappresentanti dell'astrazione valenciana, Joaquín Michavila si è formato alla Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, della cui accademia è stato membro dal 1975 e presidente tra il 2003 e il 2007. Professore di Belle Arti, è stato insignito della Distinzione per Merito Culturale della Generalitat Valenciana (2001) e del Premio Arti Plastiche della Generalitat Valenciana (2007). Michavila si trasferì a Valencia nel 1932, dove visse fino al 1966. Partecipante di spicco dell'avanguardia valenciana, Michavila ha fatto parte, fin dalla sua fondazione, dei gruppi Los Siete, Parpalló e Artes del Arte. Inizia la sua carriera nel 1952 e per alcuni anni cerca un proprio linguaggio; a partire dal 1960 sviluppa un linguaggio inquadrato nel costruttivismo, che progressivamente si evolve in senso sempre più geometrico. Un decennio più tardi si concentrerà sull'evocazione dei paesaggi della sua giovinezza attraverso l'astrazione, e intorno al 1990 inizierà ad avvicinarsi al tenebrismo, con opere segnate dal contrasto tra luce e ombra. All'inizio del XXI secolo, Michavila inizierà una nuova fase con una produzione di acrilici genericamente intitolata "Contrappunto", un termine musicale da cui scaturiscono interpretazioni plastiche di maestri compositori dell'avanguardia come Schönberg, Luis de Pablo o Paco Llàcer. Quest'ultima serie parla di un certo dramma esistenziale derivato dal precedente tenebrismo pittorico, con sfondi neri su cui il suono diventa pura forma, vibrazione sonora così come la luce, giocando a evocare la sinestesia. Nel corso della sua carriera, Michavila ha tenuto mostre in tutta la Spagna, oltre che a Roma, Firenze, Basilea, Denver, San Paolo, New York e Vienna. È stato insignito di numerosi premi, tra cui il Premio Alfonso Roig della Diputación de Valencia nel 1996 e la Medaglia d'oro della Città di Valencia nel 1997, oltre a essere nominato Alcorí Distinguit nel 1998. Inoltre, nel febbraio 2016 l'Università di Valencia gli ha dedicato una mostra monografica in omaggio, riunendo una selezione di trenta opere rappresentative di tutta la sua carriera.

Stima 4 000 - 4 200 EUR

Lotto 79 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909). "Veduta di Venezia. Acquerello su carta. Firmato e situato a Venezia. Misure: 46 x 25 cm; 82,5 x 59,5 cm (cornice). Si tratta di un dipinto incorniciato nella tradizione del vedutismo veneziano, la cui storia inizia nel Settecento, anche se ha antecedenti che risalgono alla seconda metà del Quattrocento. Orgogliosa del suo potere, la città allora considerata regina del Mediterraneo per i suoi contatti commerciali lo rafforzò attraverso una vera e propria propaganda visiva. Con la rappresentazione precisa e opportunamente idealizzata della scena di tanti episodi storici e leggendari, si consolidò un mito destinato a durare nel tempo, anche se nel XVIII secolo rimanevano solo poche traballanti fondamenta a sostenerlo. Pittore di Alicante della seconda metà del XIX secolo, Ricardo Navarrete, fratello dell'incisore Federico Navarrete, affrontò nella sua opera una vasta gamma di soggetti, distinguendosi soprattutto nella ritrattistica, nella storia e nella pittura di costume. Iniziò la sua formazione presso l'Accademia di Belle Arti di San Carlos, a Valencia, per poi passare all'Accademia di San Fernando a Madrid. Studente eccellente, ottiene pensioni per Roma e Venezia e durante il suo soggiorno in Italia inizia a inviare opere alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti. Così, nel 1864 ottenne una menzione d'onore e tre anni dopo la sua opera "Capuchinos en el coro" gli valse una terza medaglia. Navarrete si stabilisce a Venezia grazie al mecenatismo di José María Olmos e qui si dedica alla pittura di temi della storia della città e di piccoli quadri di genere veneziano, molto ammirati all'epoca. Continua a partecipare a concorsi ufficiali e nel 1873 riceve una medaglia d'oro all'Esposizione Internazionale di Vienna. Nello stesso anno dipinse un notevole ritratto del romanziere Enrique Pérez Escrich, che fu presentato come omaggio postumo all'Esposizione Nazionale di Belle Arti del 1897, anno della morte dello scrittore. Nel 1884 Navarrete tornò in Spagna e assunse un incarico di insegnamento presso la Scuola di Belle Arti di Siviglia, da dove si sarebbe poi trasferito a Barcellona e a Madrid. Fu anche membro dell'Accademia di Belle Arti di Santa Isabel de Hungría a Siviglia. Opere di Ricardo Navarrete sono attualmente conservate presso il Museo del Prado, il Museo Municipale di Játiva, il Museo di Almería, il Consiglio Provinciale di Zamora, il Municipio di Irún, il Governo Civile di Vitoria e altre collezioni pubbliche e private.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 80 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909). "Veduta di Venezia. Acquerello su carta. Firmato e situato a Venezia. Misure: 46 x 25 cm; 82,5 x 59,5 cm (cornice). Si tratta di un dipinto incorniciato nella tradizione del vedutismo veneziano, la cui storia inizia nel Settecento, anche se ha antecedenti che risalgono alla seconda metà del Quattrocento. Orgogliosa del suo potere, la città allora considerata regina del Mediterraneo per i suoi contatti commerciali lo rafforzò attraverso una vera e propria propaganda visiva. Con la rappresentazione precisa e opportunamente idealizzata della scena di tanti episodi storici e leggendari, si consolidò un mito destinato a durare nel tempo, anche se nel XVIII secolo rimanevano solo poche traballanti fondamenta a sostenerlo. Pittore di Alicante della seconda metà del XIX secolo, Ricardo Navarrete, fratello dell'incisore Federico Navarrete, affrontò nella sua opera una vasta gamma di soggetti, distinguendosi soprattutto nella ritrattistica, nella storia e nella pittura di costume. Iniziò la sua formazione presso l'Accademia di Belle Arti di San Carlos, a Valencia, per poi passare all'Accademia di San Fernando a Madrid. Studente eccellente, ottiene pensioni per Roma e Venezia e durante il suo soggiorno in Italia inizia a inviare opere alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti. Così, nel 1864 ottenne una menzione d'onore e tre anni dopo la sua opera "Capuchinos en el coro" gli valse una terza medaglia. Navarrete si stabilisce a Venezia grazie al mecenatismo di José María Olmos e qui si dedica alla pittura di temi della storia della città e di piccoli quadri di genere veneziano, molto ammirati all'epoca. Continua a partecipare a concorsi ufficiali e nel 1873 riceve una medaglia d'oro all'Esposizione Internazionale di Vienna. Nello stesso anno dipinse un notevole ritratto del romanziere Enrique Pérez Escrich, che fu presentato come omaggio postumo all'Esposizione Nazionale di Belle Arti del 1897, anno della morte dello scrittore. Nel 1884 Navarrete tornò in Spagna e assunse un incarico di insegnamento presso la Scuola di Belle Arti di Siviglia, da dove si sarebbe poi trasferito a Barcellona e a Madrid. Fu anche membro dell'Accademia di Belle Arti di Santa Isabel de Hungría a Siviglia. Opere di Ricardo Navarrete sono attualmente conservate presso il Museo del Prado, il Museo Municipale di Játiva, il Museo di Almería, il Consiglio Provinciale di Zamora, il Municipio di Irún, il Governo Civile di Vitoria e altre collezioni pubbliche e private.

Stima 1 400 - 1 600 EUR

Lotto 81 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909) "Marina". Acquerello su carta. Presenta lievi macchie di ruggine. Firmato in basso a sinistra. Misure: 25 x 44 cm; 33,5 x 53 cm (cornice). Pittore di Alicante della seconda metà del XIX secolo, fratello dell'incisore Federico Navarrete, Ricardo affrontò nella sua opera una vasta gamma di soggetti, distinguendosi soprattutto nel ritratto, nella pittura di storia e in quella di costume. Iniziò la sua formazione presso l'Accademia di Belle Arti di San Carlos, a Valencia, per poi passare all'Accademia di San Fernando a Madrid. Studente eccellente, ottenne pensioni per Roma e Venezia, e durante il suo soggiorno in Italia iniziò a inviare opere alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti. Così, nel 1864 ottenne una menzione d'onore e tre anni dopo la sua opera "Capuchinos en el coro" gli valse una terza medaglia. Navarrete si stabilisce a Venezia grazie al mecenatismo di José María Olmos e qui si dedica alla pittura di temi della storia della città e di piccoli quadri di genere veneziano, molto ammirati all'epoca. Continua a partecipare a concorsi ufficiali e nel 1873 riceve una medaglia d'oro all'Esposizione Internazionale di Vienna. Nello stesso anno dipinse un notevole ritratto del romanziere Enrique Pérez Escrich, che fu presentato come omaggio postumo all'Esposizione Nazionale di Belle Arti del 1897, anno della morte dello scrittore. Nel 1884 Navarrete tornò in Spagna e assunse un incarico di insegnamento presso la Scuola di Belle Arti di Siviglia, da dove si sarebbe poi trasferito a Barcellona e a Madrid. Fu anche membro dell'Accademia di Belle Arti di Santa Isabel de Hungría a Siviglia. Attualmente, opere di Ricardo Navarrete sono conservate presso il Museo del Prado, il Museo Municipale di Játiva, il Museo di Almería, il Consiglio Provinciale di Zamora, il Comune di Irún, il Governo Civile di Vitoria e altre collezioni pubbliche e private. Lievi macchie di ruggine.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 82 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Ritratto orientalista". Acquerello su carta. Firmato in basso a destra. Misure: 37,5 x 29 cm; 63 x 54 cm (cornice). Agrasot inizia la sua formazione nella nativa Orihuela, dove ottiene una pensione dalla Diputación de Alicante per studiare alla Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Allievo di Francisco Martínez Yago, nei suoi primi anni di vita ottenne riconoscimenti come la medaglia d'oro all'Esposizione Provinciale di Alicante del 1860. Nel 1863 ottenne una nuova pensione, questa volta per recarsi a Roma, dove entrò in contatto con Rosales, Casado del Alisal e Fortuny. Con quest'ultimo stabilì stretti legami di amicizia e la sua pittura fu profondamente influenzata dallo stile del pittore catalano. Periodicamente invia tele alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti, alle quali ottiene la terza medaglia nel 1864 e la seconda nel 1867. Agrasot rimase in Italia fino al 1875; dopo la morte di Fortuny tornò in Spagna, già pittore di riconosciuto prestigio, fu membro delle Accademie di San Carlos e San Fernando e partecipò come giurato a diverse esposizioni artistiche. Nel 1886 ricevette la medaglia d'arte all'Esposizione Universale di Filadelfia e nel 1888 la seconda medaglia all'Esposizione Internazionale di Barcellona. Lo stile di Agrasot si inquadra nel realismo, con particolare interesse per i temi di genere e il costumbrismo regionale. Tuttavia, lavorò anche su nudi, temi orientali e ritratti. È rappresentato al Museo del Prado, al Museo di Belle Arti di Valencia, al MUBAG di Gravina (Alicante) e all'Accademia di San Carlos di Valencia.

Stima 900 - 1 000 EUR

Lotto 83 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909) "Marina". Acquerello su carta. Presenta lievi macchie di ruggine. Firmato in basso a destra. Misure: 25 x 44 cm; 33,5 x 53 cm (cornice). Pittore di Alicante della seconda metà del XIX secolo, fratello dell'incisore Federico Navarrete, Ricardo affrontò nella sua opera una vasta gamma di soggetti, distinguendosi soprattutto nel ritratto, nella pittura di storia e in quella di costume. Iniziò la sua formazione presso l'Accademia di Belle Arti di San Carlos, a Valencia, per poi passare all'Accademia di San Fernando a Madrid. Studente eccellente, ottenne pensioni per Roma e Venezia, e durante il suo soggiorno in Italia iniziò a inviare opere alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti. Così, nel 1864 ottenne una menzione d'onore e tre anni dopo la sua opera "Capuchinos en el coro" gli valse una terza medaglia. Navarrete si stabilisce a Venezia grazie al mecenatismo di José María Olmos e qui si dedica alla pittura di temi della storia della città e di piccoli quadri di genere veneziano, molto ammirati all'epoca. Continua a partecipare a concorsi ufficiali e nel 1873 riceve una medaglia d'oro all'Esposizione Internazionale di Vienna. Nello stesso anno dipinse un notevole ritratto del romanziere Enrique Pérez Escrich, che fu presentato come omaggio postumo all'Esposizione Nazionale di Belle Arti del 1897, anno della morte dello scrittore. Nel 1884 Navarrete tornò in Spagna e assunse un incarico di insegnamento presso la Scuola di Belle Arti di Siviglia, da dove si sarebbe poi trasferito a Barcellona e a Madrid. Fu anche membro dell'Accademia di Belle Arti di Santa Isabel de Hungría a Siviglia. Attualmente, opere di Ricardo Navarrete sono conservate presso il Museo del Prado, il Museo Municipale di Játiva, il Museo di Almería, il Consiglio Provinciale di Zamora, il Comune di Irún, il Governo Civile di Vitoria e altre collezioni pubbliche e private. Lievi macchie di ruggine.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 84 - JUAN PABLO SALINAS TERUEL (Madrid, 1871 - Roma, 1946). "Scena orientalista". Acquerello su carta. Presenta etichetta sul retro della Galleria D'Arte, Italia. Firmato e collocato (Roma) in basso a sinistra. Misure. 68 x 39 cm; 93 x 65 cm (cornice). In quest'opera realizzata a Roma, l'autore presenta una scena di grande crudezza nel ritrarre un uomo legato da catene. Sia il turbante che i vestiti ci portano nel mondo orientale. Una tendenza nata nel XIX secolo come conseguenza dello spirito romantico di fuga nel tempo e nello spazio. I primi orientalisti cercavano di riflettere il perduto, l'irraggiungibile, in un viaggio drammatico destinato fin dall'inizio al fallimento. Come Flaubert in "Salambo", i pittori dipingevano ritratti dettagliati dell'Oriente e del passato immaginato, ricreato al millimetro, ma in definitiva sconosciuto e idealizzato. Nella seconda metà del XIX secolo, tuttavia, molti dei pittori che si recarono in Medio Oriente alla ricerca di questa realtà inventata scoprirono un Paese diverso e nuovo, che si stagliava con le sue peculiarità al di sopra dei cliché e dei pregiudizi degli europei. Così, questa nuova scuola orientalista si lascia alle spalle le belle odalische, gli harem e i mercati degli schiavi per dipingere nient'altro che ciò che vede, il vero Oriente in tutta la sua dimensione quotidiana. Juan Pablo Salinas inizia la sua formazione artistica all'Accademia di Belle Arti di San Fernando, a Madrid, anche se la sua permanenza nelle aule è probabilmente effimera. Comincia a farsi conoscere nel 1885, anno in cui partecipa alla mostra organizzata dall'Associazione di Scrittori e Artisti e all'Esposizione Aragonese, ottenendo in entrambe una medaglia di terza classe. Intorno al 1886 si trasferisce a Roma per approfondire i suoi studi grazie a una borsa di studio concessa dalla Diputación Provincial de Zaragoza. Qui frequenta il Circolo Internazionale di Belle Arti e i corsi serali dell'Accademia Chigi. Si unisce inoltre alla colonia artistica spagnola residente nella città e lavora con il fratello, il pittore Agustín Salinas, che vive a Roma dal 1883. Entrambi i fratelli presentarono opere all'Esposizione Nazionale di Belle Arti di Madrid nel 1887; Juan Pablo inviò "Marco Antonio e Cleopatra", un tema classico. Come il fratello, suo vero maestro, Salinas ricreò anche temi medievali di notevole influenza toscana, con opere come "Romeo e Giulietta" o "Scena dal Decamerone". Il suo stile si evolve verso il costumbrismo, con particolare attenzione alle scene popolari spagnole e italiane, come "Una boda en Aragón" (Un matrimonio in Aragona), "Regreso de los vendimiadores" (Ritorno dei vendemmiatori) e altre opere. La sua carriera rimane strettamente legata a quella del fratello fino a quando, durante un viaggio a Parigi, conosce l'opera di Ernest Meissonier, la cui influenza lo porta a concentrarsi sul genere dei casacons, con cui ottiene un grande successo di vendite in Francia, Italia, Europa centrale, Russia e America. In questi anni espone nei Salons Roger e inizia le sue famose composizioni di atmosfera settecentesca, in cui personaggi vestiti secondo la moda dell'epoca appaiono nel contesto di interni lussuosi, minuziosamente dettagliati attraverso una tecnica preziosa, che si ricrea nella colorata descrizione di abiti e merletti, ma, soprattutto, nel magistrale trattamento dei toni dell'incarnato femminile, volutamente sensuale. Sempre in questa fase Salinas realizza diverse serie per la decorazione di grandi saloni. Oltre a questi temi, dipinse anche scene orientaliste e interni di chiese. Nell'ultima fase della sua carriera si nota una diminuzione dei dettagli, un carattere più sciolto e meno descrittivo. Juan Pablo Salinas è attualmente rappresentato al Museo del Prado (le sue opere sono in deposito al Museo delle Belle Arti delle Asturie di Oviedo), alla Collezione Bellver di Siviglia e in altre collezioni pubbliche e private.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 86 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909) "Marina". Acquerello su carta. Firmato in basso a sinistra. Misure: 25 x 44 cm; 33,5 x 53 cm (cornice). Pittore di Alicante della seconda metà del XIX secolo, fratello dell'incisore Federico Navarrete, Ricardo affrontò nella sua opera una vasta gamma di soggetti, distinguendosi soprattutto nel ritratto, nella pittura di storia e in quella di costume. Iniziò la sua formazione presso l'Accademia di Belle Arti di San Carlos, a Valencia, per poi passare all'Accademia di San Fernando a Madrid. Studente eccellente, ottenne pensioni per Roma e Venezia, e durante il suo soggiorno in Italia iniziò a inviare opere alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti. Così, nel 1864 ottenne una menzione d'onore e tre anni dopo la sua opera "Capuchinos en el coro" gli valse una terza medaglia. Navarrete si stabilisce a Venezia grazie al mecenatismo di José María Olmos e qui si dedica alla pittura di temi della storia della città e di piccoli quadri di genere veneziano, molto ammirati all'epoca. Continua a partecipare a concorsi ufficiali e nel 1873 riceve una medaglia d'oro all'Esposizione Internazionale di Vienna. Nello stesso anno dipinse un notevole ritratto del romanziere Enrique Pérez Escrich, che fu presentato come omaggio postumo all'Esposizione Nazionale di Belle Arti del 1897, anno della morte dello scrittore. Nel 1884 Navarrete tornò in Spagna e assunse un incarico di insegnamento presso la Scuola di Belle Arti di Siviglia, da dove si sarebbe poi trasferito a Barcellona e a Madrid. Fu anche membro dell'Accademia di Belle Arti di Santa Isabel de Hungría a Siviglia. Attualmente, opere di Ricardo Navarrete sono conservate presso il Museo del Prado, il Museo Municipale di Játiva, il Museo di Almería, il Consiglio Provinciale di Zamora, il Comune di Irún, il Governo Civile di Vitoria e altre collezioni pubbliche e private.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 87 - JOSÉ MARÍA SERT BADIA (Barcellona, 1874 - 1945). Senza titolo, bozzetto per il Salon of the Bucraneans alla Kent House, Londra, 1913. Olio su tavola. Presenta xilofagi nella cornice. Dimensioni: 42 x 53 cm; 44 x 55 cm (cornice). L'opera qui presentata è un bozzetto a olio su tavola che Sert realizzò nel 1913 nell'ambito del progetto di decorazione della residenza londinese di Sir Saxton Noble, nota come Kent House. I dipinti erano destinati all'ornamento di due stanze adiacenti separate da un colonnato in stile ionico, una adibita a sala da musica e l'altra a sala da ballo. Secondo il libro "José María Sert: His Life and Work", di Alberto del Castillo, quest'opera avrebbe decorato la sala del camino (che dovrebbe corrispondere alla sala della musica). Egli afferma che "la decorazione della sala adiacente, quella del camino, è come un viaggio nel mondo dei sogni". Prosegue: "Il pannello a destra - che corrisponderebbe all'opera finale del lavoro in appalto - rappresenta un fantastico porto d'Oriente, evocando la poesia parnassiana. Un primo piano con una pavimentazione di mattoni colorati, un canale pieno di barche sullo sfondo, è un tema veneziano alla maniera di Bellini o Carpaccio, che Tiepolo seguì ancora nell'Imbarco di Cleopatra". Formatosi con Benito Mercadé e Pere Borrell, fu membro del Círculo Artístico de Sant Lluc e poi discepolo di A. de Riquer. Nel 1900 Torras i Bages gli commissionò una grande decorazione murale per la Cattedrale di Vic, di cui presentò bozzetti e tele preparatorie nel 1905 e 1907 a Barcellona e a Parigi, di cui quest'opera è un esempio. Grazie alle sue esposizioni all'estero, acquisisce presto uno straordinario prestigio presso l'aristocrazia francese e inglese, per la quale realizza sontuose decorazioni. Nel 1908 decora la Sala de los Pasos Perdidos del Palazzo di Giustizia di Barcellona e nel 1910 presenta al Salon d'Automne di Parigi la decorazione murale della sala da ballo del marchese di Alella (Barcellona) e decora la sala da musica della principessa di Polignac a Parigi. Due anni dopo espone un importante gruppo di opere al Salon della capitale francese. Negli anni successivi lavora per la regina Vittoria Eugenia (Santander) e per Robert Rotschild (Chantilly), e tiene mostre personali a Londra presso la Agnew Gallery. Nel 1920 sposa a Parigi Maria Godebska, "Misia", musa della scena artistica parigina. Dipinge nuovi murales per importanti case a Park Lane (Inghilterra), Buenos Aires, Palm Beach e Parigi e nel 1926 realizza, con grande attesa, una mostra delle sue opere per la cattedrale di Vic nel Jeu de Paume di Parigi. Nel 1927, con il sostegno dell'amico e mecenate Francesc Cambó, porta a termine la parte principale della decorazione della cattedrale, completata con la costruzione delle lunette tra il 1928 e il 1929. Nel 1930 fu nominato membro dell'Accademia di San Fernando e negli anni successivi lavorò in tutto il mondo, dipingendo importanti murales come quelli del Waldorf Astoria di New York, della cappella del Palacio de Liria di Madrid e della Sala del Consiglio della Società delle Nazioni a Ginevra. Fu il più eminente pittore decorativo del suo tempo e il suo stile fu caratterizzato da una grande immaginazione al servizio di un linguaggio retorico influenzato dall'orientalismo e dall'espressionismo di Goya, con un cromatismo basato quasi esclusivamente sui toni oro e seppia.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 88 - JOSÉ MARÍA SERT (Barcellona, 1874 - 1945). "Pueblo de libertad" e "Pueblo de comerciantes", 1932-1934. Bozzetto per l'auditorium del Museo San Telmo di San Sebastián. Olio su tavola. Le tavole definitive pubblicate in "José María Sert. La sua vita e la sua opera", Alberto del Castillo, pp. 215 e 218. Misure: 74,5 x 53,5 cm. Questa tela presenta due scene. Da un lato, "Il popolo della libertà", che mostra l'albero di Guernica, simbolo delle libertà di Vasconia, che si erge con i suoi rami secchi davanti al peristilio della Casa de las Juntas. Alberto del Castillo afferma che "la figura della Libertà vola nell'aria, centrando un'aureola scintillante che i raggi della gloria solcano". Ai piedi della vecchia quercia, un grande libro aperto simboleggia la Carta di Bizkaia; il "Pueblo de comerciantes" rappresenta invece la scena dedicata alla Real Compañía Guipuzkoana de Caracas, un'entità che ha dato alla provincia un insolito boom economico per tutto il XVII secolo. Quest'opera esalta i Baschi come popolo di mercanti. Entrambe le composizioni furono dipinte per la decorazione della grande sala del Museo dell'ex convento di San Telmo a San Sebastián, una delle decorazioni più colorate della vita del pittore. Formatosi con Benito Mercadé e Pere Borrell, Sert fu membro del Círculo Artístico de Sant Lluc. Nel 1908 decorò la Sala dels Pasos Perdus del Palazzo di Giustizia di Barcellona e nel 1910 presentò al Salon d'Automne di Parigi la decorazione murale della sala da ballo del marchese di Alella (Barcellona) e decorò la sala da musica della principessa di Polignac a Parigi. Negli anni successivi lavora per la regina Vittoria Eugenia (Santander) e per Robert Rotschild (Chantilly). Dipinge nuovi murales per importanti case a Park Lane (Inghilterra), Buenos Aires, Palm Beach e Parigi e nel 1926 realizza, con grande attesa, una mostra delle sue opere per la cattedrale di Vic nel Jeu de Paume di Parigi. Nel 1927, con il sostegno dell'amico e mecenate Francesc Cambó, porta a termine la parte principale della decorazione della cattedrale, completata con la costruzione delle lunette tra il 1928 e il 1929. Nel 1930 viene nominato membro dell'Accademia di San Fernando e negli anni successivi lavora in tutto il mondo, realizzando importanti murales come quelli del Waldorf Astoria.

Stima 7 000 - 9 000 EUR

Lotto 89 - ANTONIO REYNA MANESCAU (Coín, Malaga, 1859 - Roma, 1937). "Canale di Venezia". Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 35 x 75 cm; 48,5 x 89 cm (cornice). Le vedute veneziane di Antonio Reyna portarono il genere dei Vedutti al massimo grado di artisticità. In questo paesaggio urbano, siamo di fronte a un eccezionale esponente della sua capacità di evocare il "genius loci" del luogo, il sapore locale. Una mattina qualsiasi, la passeggiata di ciottoli lungo il canale è affollata di passanti, donne indaffarate, una che beve acqua dalla fontana, un'altra che fa la spesa dal fruttivendolo, sotto la tenda a strisce.... Con un linguaggio vivido e colorato, con un'audace pennellata impressionista, Reyna dispiega una magnifica vista panoramica che sfugge verso le case liberamente accalcate dietro il ponte. Oggi considerato uno dei più importanti paesaggisti andalusi del XIX secolo, Antonio Reyna iniziò la sua formazione alla Scuola di Belle Arti di Malaga, dove i suoi insegnanti furono Joaquín Martínez de la Vega e Bernardo Ferrándiz. Fin da giovanissimo espone regolarmente le sue opere, distinguendosi nell'ambiente artistico locale per le sue composizioni colorate e attraenti e per la facilità della sua pennellata. Nel 1882 ottiene una pensione dalla Diputación de Málaga per approfondire i suoi studi in Italia. Dopo il suo viaggio in Italia, Roma divenne il luogo di residenza di Reyna, che vi rimase per sempre. A Roma frequentò, come molti altri spagnoli, Villegas e, influenzato in una certa misura dall'opera di questo pittore, Reyna lavorò su alcuni temi orientali e "casacón", questi ultimi di squisita fattura e raffinata varietà cromatica. Allo stesso tempo, come membro della colonia spagnola, partecipò alle riunioni del Café Greco. Sebbene la sua residenza abituale fosse nella capitale italiana, l'artista si recò più volte a Venezia, da dove nel 1885 dipinse una veduta del Canal Grande, e nel 1887 realizzò abbondanti "vedute" della città. La sua pittura, trattata in una prospettiva di una certa pittoresca, è incentrata sulla realizzazione, in piccoli formati, di paesaggi urbani, ripetendoli a più riprese con minime variazioni. Venezia era all'epoca uno dei maggiori centri di attrazione per gli spagnoli grazie all'influenza del maestro Fortuny e al peso della produzione veneziana di Villegas, cui si aggiungeva l'effetto dei soggiorni estivi di Martin Rico, i cui preziosi paesaggi furono trasmessi a Reyna. Nel 1887, una tela mancante di grandi proporzioni, intitolata "Floralia", gli valse una medaglia di terza classe all'Esposizione Nazionale di Belle Arti, essendo considerata all'epoca il miglior dipinto del pittore. Nel 1910, in occasione della morte della madre, Reyna trascorse un periodo nella sua città natale. Lì ebbe l'ispirazione per creare un altro dei suoi quadri più celebri, la tela "Rancho Andaluz", che espose all'Esposizione Internazionale di Belle Arti di Roma l'anno successivo. Qualche anno prima, nel 1895, la regina reggente Maria Cristina gli aveva concesso la croce di cavaliere dell'ordine di Carlos III, associando il fatto alla realizzazione di alcune sovrapporte che in seguito passarono all'Ateneo di Madrid, anche se a quanto pare non si trovano più in quel luogo. Reyna esportò le sue opere anche a Londra, soprattutto le sue vedute veneziane. Tenne anche regolari mostre a Roma, esponendo tra le altre opere due ritratti di Papa Benedetto XV, che dimostrano la sua competenza in questo genere. Nella sua pittura, certamente una novità per l'epoca, il pittore dimostrò in ogni momento la sua abilità nel disegno, oltre a un'innata capacità compositiva, contraddistinta dall'audacia della pennellata e da una grande ricchezza cromatica.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 90 - JOSÉ MONGRELL TORRENT (Valencia, 1870 - Barcellona, 1937). "Aspettando la pesca", 1921. Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Presenta una piccola macchia nella zona centrale destra. Misure: 130 x 104 cm; 148 x 120 cm (cornice). José Mongrell ha studiato alla Scuola di Belle Arti di San Carlos a Valencia, dove è stato discepolo di Ignacio Pinazo e Joaquín Sorolla. Acquisisce fama artistica grazie alla partecipazione a numerosi concorsi ed esposizioni a Madrid e Barcellona. Nel 1897 realizzò, con grande successo, il manifesto della corrida per la Feria de San Jaime di Valencia, e infatti il suo manifesto per la Fiera di luglio di Valencia del 1912 è stato ristampato nel 1971 in occasione del centenario di queste feste. Ottenne un posto di insegnante presso la Scuola di Belle Arti di San Jorge a Barcellona, dove visse per il resto della sua vita. Di questo periodo sono degni di nota i lavori realizzati per il Palazzo della Generalitat de Catalunya, incaricato della Diputació de Barcelona, e il ritratto del re Alfonso XIII. Realizzò anche mosaici in stile Art Nouveau, come quelli per il grande arco del Mercado de Colón e per la facciata della Estación del Norte, entrambi a Barcellona. Mongrell si dedicò a scene di genere, ritratti e paesaggi, ed era un maestro nel catturare l'istante, conferendo alle sue scene vitalità e dinamismo attraverso colori e luci vivaci e naturalistici. Tradizionalmente etichettato come discepolo di Sorolla, Mongrell imparò dal maestro solo ciò che lo aiutò ad ampliare la sua arte. Il pittore sviluppò il suo lavoro a metà strada tra il regionalismo e il modernismo, ma nel suo lavoro si può notare anche un certo simbolismo di influenza francese. Infatti, Mongrell si caratterizzava per l'enfasi sul contenuto, attribuendo all'immagine un significato che andava oltre la pura apparenza. In un'epoca in cui prevalevano composizioni storiche grandiose, idealistiche e drammatiche, Mongrell sviluppò uno stile pittorico che si preoccupava di rappresentare il passato e il presente da una prospettiva quotidiana, gentile e pittoresca, generalmente lontana dalla magniloquenza e dalla teatralità della pittura storica accademica. Nonostante la sua padronanza tecnica, Mongrell non è caduto, come altri, in un raffinato manierismo al servizio di un soggetto insignificante, ma ha sviluppato un linguaggio del tutto personale, caratterizzato da dinamismo e libertà espressiva. José Mongrell è attualmente rappresentato presso il Museo de Bellas Artes San Pío V e il Museo Nacional de Cerámica y de Artes Suntuarias González Martí di Valencia, i Musei de Bellas Artes delle Asturie, di Badajoz e di Pontevedra, il Museo Nacional de Arte de Cataluña, il Rijksmuseum di Amsterdam, il Museo de La Habana e il Museo de Bellas Artes di Buenos Aires, tra gli altri. La padronanza del luminismo di Mongrell, pittore chiave per la comprensione dell'impressionismo valenciano, è dimostrata nella presente tela. In essa l'artista ci offre uno dei suoi temi preferiti, la costumbrista, che unisce un paesaggio costiero a scene di vita quotidiana, con due donne popolari immortalate con una dignità che le mette alla pari degli antichi eroi classici. Ciò è perfettamente visibile nell'opera attuale, in cui il nostro sguardo è irrimediabilmente catturato dall'espressione magnetica di quelle che sembrano essere una madre e una figlia raffigurate nello stile umile di Mongrell. La madre, vestita con il costume popolare dei pescatori valenciani, guarda in lontananza, in attesa del pescato, mentre la figlia è all'interno della barca, in attesa degli ordini della madre. Le figure appaiono in primo piano e occupano la maggior parte della superficie pittorica, stagliandosi su un paesaggio balneare magnificamente lavorato, i cui toni sembrano riprendere i colori degli abiti delle figure.

Stima 24 000 - 26 000 EUR

Lotto 91 - JOAQUÍN SOROLLA Y BASTIDA (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923). "Paisaje de sierra", 1887-1889 circa. Olio su pannello. Si ringrazia Blanca Pons Sorolla per l'aiuto nella perizia dell'opera. Presto l'opera sarà inserita nel catalogo ragionato dell'artista (n. BPS-3860). Misure: 14 x 11 cm; 47 x 43 cm (cornice). Questo dipinto appartiene a un periodo seminale della produzione di Sorolla, in particolare al periodo in cui risiedette a Roma, un periodo chiave per la sua formazione. Possiamo apprezzare in questo paesaggio intimo magistralmente risolto dove l'artista sta già definendo una pennellata sciolta e vibrante che lo porterà al pieno e giusto riconoscimento della sua tecnica inconfondibile. L'espressività è massima grazie ai sapienti tocchi che combinano tratti rapidi e spezzati con una tavolozza di ocra e marroni in sapiente contrasto con i toni chiari dell'incarnato e i bianchi panneggiati. Già ai tempi della scuola, Joaquín Sorolla mostrò la sua passione per il disegno e la pittura, frequentando di pomeriggio le lezioni di disegno tenute dallo scultore Cayetano Capuz presso la Scuola degli Artigiani. Dopo aver terminato gli studi preliminari alla Escuela Normal Superior, nel 1879 entrò nella prestigiosa Escuela de Bellas Artes de San Carlos a Valencia. Inoltre, durante le sue visite a Madrid nel 1881 e nel 1882, copia i dipinti di Velázquez, Ribera e El Greco al Museo del Prado. Due anni dopo ottenne un grande successo all'Esposizione Nazionale di Belle Arti con un dipinto di storia, che lo stimolò a richiedere una borsa di studio all'Accademia spagnola di Belle Arti di Roma. Raggiunto il suo obiettivo, nel 1885 Sorolla partì per Roma, soggiornando a Parigi per alcuni mesi prima di arrivare. Nella capitale francese rimase impressionato dalla pittura dei realisti e dei pittori che lavoravano all'aperto. Al termine degli anni trascorsi a Roma tornò a Valencia nel 1889, stabilendosi a Madrid l'anno successivo. Nel 1892 Sorolla mostra una nuova sensibilità nella sua arte, interessandosi ai problemi sociali con la rappresentazione della triste scena di "¡Otra Margarita!", premiata con una medaglia di prima classe al National e l'anno successivo all'Internazionale di Chicago. Questa sensibilità rimarrà nel suo lavoro fino alla fine del decennio, nelle sue esibizioni sulla costa valenciana. Gradualmente, però, il maestro valenciano abbandonerà i temi dei bambini infelici che vediamo in "Triste herencia", premiato all'Esposizione Universale di Parigi nel 1900 e alla Nazionale di Madrid un anno dopo. Incoraggiato dal successo delle sue splendide immagini del Mediterraneo e stimolato dall'amore per la luce e la vita delle sue spiagge assolate, si concentra su queste scene nelle sue opere, più allegre e piacevoli, con le quali raggiungerà la fama internazionale. Nel 1906 tiene la sua prima mostra personale alla Galleria George Petit di Parigi, dove dimostra anche le sue capacità di ritrattista. Nel 1908 l'americano Archer Milton Huntington, colpito dalla mostra dell'artista alla Grafton Gallery di Londra, cerca di acquistare due sue opere per la sua Hispanic Society. Un anno dopo invitò lui stesso Sorolla a esporre presso la sua istituzione, dando vita a una mostra nel 1909 che ebbe un enorme successo. Il rapporto tra Huntington e Sorolla portò alla commissione più importante della vita del pittore: la creazione delle immense tele destinate a illustrare, sulle pareti della Hispanic Society, le regioni della Spagna. Cercando di catturare l'essenza delle terre e delle persone del suo Paese, Sorolla viaggiò per tutta la Spagna tra il 1911 e il 1919, continuando a tenere mostre. Incapacitato da un attacco di emiplegia nel 1921, Sorolla morì due anni dopo, senza aver visto la sua grande "Visione della Spagna", che sarebbe stata installata solo nel 1926. Attualmente è presente al Museo del Prado e a quello che porta il suo nome a Madrid, al Metropolitan Museum di New York, al Museo d'Orsay di Parigi, al J. Paul Getty Museum di Los Angeles, ai Musei di Belle Arti di Bilbao e Valencia, alla National Portrait Gallery di Londra e a molti altri. Desideriamo ringraziare Blanca Pons Sorolla per il suo aiuto nell'analisi specialistica dell'opera. L'opera sarà presto inclusa nel catalogo ragionato dell'artista (n. BPS-3860).

Stima 20 000 - 25 000 EUR

Lotto 92 - Scuola francese; seconda metà del XIX secolo. "Nature morte". Olio su tela. Presentano restauri. Misure: 70 x 95 cm (x2). Ispirate al genere tradizionale delle nature morte, le immagini presenti si raccolgono in una composizione classica basata su una struttura piramidale con la maggior parte degli elementi in primo piano e completamente visibili allo spettatore. Le opere si distinguono per l'abbondanza di cibo che va dai fichi, alle pere, alla zucca, al pollo, alle uova in una di esse, mentre l'altro dipinto mostra tra l'altro pane, carne e un barattolo di conserva. In uno dei casi, l'artista presenta una scena illuminata con uno sfondo neutro che esalta il volume degli alimenti, che sono stati catturati in modo accurato, prestando particolare attenzione alle qualità di ciascuno di essi, come si può vedere nel trattamento della porcellana della zuppiera o nella lucentezza delle posate di metallo. Una risorsa da tenere in considerazione è il modo in cui è stata disposta la tovaglia, che lascia scoperta una parte del tavolo, mentre l'altra è coperta da una delicata tovaglia bianca su cui si posano le ombre della scena. Le opere definite da una pennellata sciolta non perdono l'essenza della pittura realistica, come già detto. Tuttavia, va notato che questa coesistenza tra entrambi gli stili pittorici è tipica del XIX secolo, un'epoca in cui le correnti erano unite e si sovrapponevano a vicenda grazie al grande sviluppo artistico della scuola francese. La natura morta o still life occupava il gradino più basso della gerarchia dei generi nella storia dell'arte, tuttavia stava diventando sempre più popolare tra gli acquirenti. Oltre al soggetto indipendente della natura morta, essa affrontava altri tipi di temi pittorici utilizzando elementi di spicco, solitamente simbolici, e immagini che attingevano a una moltitudine di elementi della natura apparentemente per riprodurre uno spaccato di vita. Presenta restauri.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 93 - PERE PRUNA OCERANS (Barcellona, 1904 - 1977). "Scena onirica". Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 54 x 73 cm; 68 x 87 cm (cornice). In questa occasione, Pere Pruna ci immerge in una scena enigmatica, con protagonista una ragazza alata e due tori. Un toro inclina la testa e noi percepiamo l'intensità del suo sguardo. Un'altra figura si staglia all'orizzonte. La scena ammette diverse interpretazioni, tutte legate alla vita e alla morte, alla forza tellurica materializzata nell'animale istintivo e alla spiritualità concretizzata nella figura angelica. Artista prevalentemente autodidatta, Pere Pruna ha completato la sua formazione presso la Scuola di Belle Arti di Barcellona. Dopo aver iniziato a esporre a Barcellona quando era ancora molto giovane, nel 1921 si recò a Parigi, dove fu aiutato e guidato da Picasso. Nella capitale francese tiene una mostra personale di successo alla Galerie Percier ed entra in contatto con intellettuali come Cocteau, Drieu la Rochelle, Max Jacob e altri, con i quali fonda la rivista "Philosophie" nel 1924. Serge Diaghilev, che visitò una delle sue mostre, gli propose anche di creare le scene e i costumi per il balletto "Les matelots" nel 1925. Da allora lavorò anche ad altre opere musicali, come "La vie de Polichinele" (1934) e "Oriane" (1938), tra le altre. Nel 1928 ottenne il secondo premio assoluto alla mostra del Carnegie Institute di Pittsburg e successivamente, al suo ritorno a Barcellona, ottenne altri riconoscimenti come il concorso "Montserrat vista dagli artisti catalani" (1931) o il Premio Nonell (1936). Quest'ultimo fu circondato da polemiche, perché Pruna lo ottenne per il suo dipinto a olio "El vi de Chios", per il quale utilizzò come modello una fotografia pubblicata in una rivista pornografica parigina. Visto il clamore suscitato, Pruna rinunciò al premio, ma la giuria ratificò la sua decisione. Dopo lo scoppio della guerra civile, Pruna si stabilisce a Parigi e continua la sua attività espositiva internazionale, con una mostra organizzata a Londra nel 1937. Contemporaneamente lavora per i servizi di propaganda di Ridruejo, con opere come il manifesto che commemora la promulgazione della Forza Lavoro, ed Eugenio d'Ors, responsabile nazionale delle Belle Arti, lo introduce nella rappresentanza spagnola alla Biennale di Venezia del 1938. Nel dopoguerra affianca alle mostre di pittura da cavalletto la pittura murale, genere in cui è particolarmente celebrato il suo lavoro nel Monastero di Montserrat. Nel 1965 vince il premio della Città di Barcellona e tre anni dopo viene nominato accademico della Far de Sant Cristòfor. Pere Pruna è attualmente rappresentato, tra gli altri, nel Museo di Montserrat, dove è presente uno spazio con il suo nome, nel MACBA di Barcellona e nel Museo Maricel di Sitges.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 94 - MONTSERRAT GUDIOL COROMINAS (Barcellona, 1933 - 2015). "Il Rosario". Olio su tavola. Firmato nel margine inferiore. Misure: 80 x 40 cm; 96,5 x 57 cm (cornice). Gudiol riesce in questa scena, su un effetto di grisaglia, a delineare l'ovale delicato di due figure i cui tratti e la cui silhouette stilizzata trasudano malinconia. Montserrat Gudiol ha esordito nel mondo dell'arte nella bottega di famiglia di restauro di dipinti medievali, e dal 1950 si è dedicata alla pittura su tavola e su carta. Nello stesso anno ha tenuto la sua prima mostra individuale al Casinò di Ripoll (Girona). Nel 1953 partecipa alla collettiva "Ritratto attuale", presso il Circolo artistico di Barcellona, e l'anno successivo debutta all'estero con una mostra personale di disegni allestita al Museo di Miami (Stati Uniti). Nello stesso anno partecipa alla mostra collettiva "Pintura femenina" (C.I.C.F. di Barcellona), ottiene il Primo Premio della Diputación de Barcelona e il Secondo Premio San Jorge dello stesso ente. Nel 1960 partecipa all'Esposizione Nazionale di Belle Arti di Barcellona, dove ottiene una terza medaglia, e prende parte all'Esposizione Internazionale di Disegno della Fondazione Ynglada Guillot (Barcellona), ottenendo il Primo Premio. Nel 1962 tiene un'importante mostra individuale alla Sala Gaspar di Barcellona (galleria in cui ripeterà la sua presenza da allora in poi), e nello stesso anno partecipa a una mostra collettiva tenutasi al Casón del Buen Retiro, a Madrid. Da allora ha continuato a tenere mostre individuali e a partecipare a collettive, sia in Spagna che in Germania, Sudafrica, Repubblica Ceca, Cina, Francia, Giappone, Stati Uniti, Russia e Canada. Tra le sue mostre personali si ricordano quelle alla Pieter Wenning Gallery di Johannesburg (1967), alla Tamenaga Gallery di Tokyo (1974), alla Au Molin de Vauboyen di Parigi (1978), alla Exhibition Hall of the Union of Painters of the USSR di Mosca (1979), alla Dreiseitel Gallery di Colonia (1981) e alla Walton-Gilbert Gallery di San Francisco (1984). Nel 1980 realizza un'importante opera monumentale per l'Abbazia di Montserrat, una rappresentazione di San Benedetto. Nel 1981 è stata la prima donna a entrare nell'Accademia Reale Catalana di Belle Arti di Sant Jordi e nel 1998 la Generalitat de Catalunya le ha conferito la Croce di Sant Jordi. In possesso di un linguaggio personale e sincero, lontano da mode o stili preconcetti, Gudiol crea opere caratterizzate da un tema e da un'atmosfera che mostrano uno spiccato gusto per la fantasia e l'introspezione. I suoi colori e le sue figure formano un mondo di mistero, popolato da personaggi stilizzati e ciechi, e scene di maternità. I suoi dipinti e disegni a olio trasmettono la forte personalità dell'autrice, così come la sua idea di vera arte. Gudiol abbraccia le problematiche estreme dell'essere umano, con composizioni caratterizzate da uno sfondo di silenzi profondi, misteriosi e inquietanti, dove l'affetto e l'emozione entrano in dialogo con l'ansia e l'angoscia dell'essere umano. Attualmente è rappresentata al MACBA, al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, al Museo de Bellas Artes de Bilbao, ai Musei di Arte Moderna di Johannesburg, San Diego, Miami e Flint (USA), alla Joseph Cantor Foundation di Indianapolis (USA), al Comitato Olimpico Internazionale di Losanna (Svizzera), al Monastero di Montserrat e all'Accademia Reale di Belle Arti di Sant Jordi.

Stima 3 400 - 4 000 EUR

Lotto 95 - RAMÓN MARTÍN DURBAN (Saragozza, 1904 - Caracas, 1968). "Ritratto di Concha Piquer. Olio su tela. Presenta danni causati da xilofagi nella cornice del telaio. Misure: 212 x 151 cm; 247 x 188 cm (cornice). Ritratto della folcloristica Concha Piquer (Valencia, 1906 - Madrid, 1990). L'opera ci mostra una Concha in piedi con un grande costume che assume quasi il protagonismo della scena. La protagonista non guarda lo spettatore, ma dirige il suo sguardo oltre, verso un punto lontano, stabilendo così una certa distanza rispetto allo spettatore con un tono amichevole dovuto al suo sorriso. Secondo il "Diccionario antológico de artistas aragoneses, 1947-1978", Ramón Martín Durbán fu pittore, decoratore di murales, cartellonista e illustratore grafico. La sua attività artistica divenne importante dopo il suo insediamento a Barcellona, dove collaborò attivamente alla preparazione artistica dell'Esposizione Internazionale di Belle Arti del 1929 e, successivamente, durante gli anni della guerra civile, realizzò diversi manifesti per il governo della Generalitat. Aveva iniziato la sua formazione artistica a Saragozza con lo scultore-decoratore Cubero e nell'Accademia di disegno di Abel Bueno. Partecipa all'Esposizione Nazionale di Belle Arti del 1932, ai Saloni d'Arte Aragonesi di Saragozza e ai Saloni d'Autunno e di Primavera di Madrid e Barcellona. Si reca in esilio in Venezuela, dove insegna Ritrattistica presso la Scuola di Arti Applicate di Caracas, sviluppando un'intensa attività di pittura murale. Presenta danni causati da xilofagi nella cornice del telaio.

Stima 3 200 - 3 500 EUR

Lotto 96 - DARÍO DE REGOYOS (Asturie, 1857 - Barcellona, 1913). "Foresta". 1897 ca. Olio su tela aderente a cartone. Firmato in basso a destra. L'opera sarà inserita nel prossimo catalogo ragionato dell'artista. Era di proprietà del disegnatore Manuel Feliú. Si ringrazia il signor Juan San Nicolás per l'aiuto nella catalogazione dell'opera. È possibile allegare un certificato di autenticità su richiesta e a spese dell'acquirente. Misure: 18 x 18 cm; 30 x 30 cm (cornice). Accanto a una stretta strada di sabbia crescono alberi dalla chioma frondosa. Un ponte romano si delinea in lontananza. In questo paesaggio, Regoyos usa una pennellata succosa, ricca di sfumature che vanno dal verde smeraldo al verde limone. Con sottili iridescenze traduce i giochi di luce che filtrano i rami e si proiettano con abilità e sapienza poetica sull'erba. Attraverso piccoli tocchi di pennello Regoyos rivela una composizione in cui si riflette fedelmente l'atmosfera colorata e ombrosa di questo luogo. Regoyos è stato uno dei maestri impressionisti nel catturare la luce fugace. Si è formato all'Accademia di Belle Arti di San Fernando a Madrid, dove ha studiato pittura di paesaggio con l'artista belga Carlos de Haes come insegnante. Fu allora che le conoscenze dell'artista asturiano cominciarono ad ampliarsi verso le tendenze del paesaggio belga, un gusto e un interesse che sviluppò con un viaggio in Belgio nel 1879. Il soggiorno a Bruxelles fu arricchente per Regoyos, che frequentò come studente l'Accademia Reale di Belle Arti di Bruxelles. Tuttavia, l'accademismo integrato nell'istituzione indusse l'artista ad abbandonarla e si rivolse all'ex insegnante di Carlos de Haes, Joseph Quinaux, per acquisire nuove tecniche. Regoyos si integrò perfettamente nel suo nuovo luogo di residenza, conobbe un gran numero di artisti, poeti e scrittori, dai quali imparò e si completò come artista. Il suo riconoscimento avanzò grazie al suo dinamismo e alla sua abilità artistica, che gli permisero di entrare nel famoso Circolo dei XX (atti 1883-1894). Si può dire che da quel momento la carriera artistica di Regoyos iniziò a maturare. Nel 1886, l'artista asturiano sviluppò una fase divisionista promossa dalla partecipazione di George Seurat a una delle mostre tenute al Circolo dei XX. La commozione e l'impatto causati dal trattamento di Seurat provocarono la creazione di un gruppo divisionista, al quale Darío de Regoyos partecipò. Questo movimento innovativo attirò artisti impressionisti francesi come Paul Signac, un altro riferimento nella tecnica artistica di Regoyos. Dopo lo scioglimento di Los XX nel 1893, Regoyos decise di tornare in Spagna dove il panorama artistico era limitato, poiché le nuove tendenze non erano ancora arrivate dalla Francia. Si può dire che questa fu la fine del suo periodo di apprendistato, diventando un maestro di artisti liberalizzati dal "sorollismo" radicato nel campo della pittura di paesaggio, e incoraggiandoli a diffondere le sue idee attraverso i media dell'epoca. La carriera espositiva dell'artista asturiano ha toccato un gran numero di città, come Bilbao, Francoforte, Berlino, L'Aia, Venezia, Bayonne, San Sebastian, Londra, Città del Messico, Bordeaux e Buenos Aires, tra le altre. È inoltre rappresentato in istituzioni come il Museo del Prado, il Thyssen-Bornemisza, il Museo Nacional de Arte de Cataluña di Barcellona, il Museo de Bellas Artes di Bilbao e la Collezione Gerstenmaier, tra molti altri musei e istituzioni.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 97 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Odalisca". Acquerello su carta. Firmato in basso a destra. Misure: 35 x 26 cm; 62 x 54 cm (cornice). Agrasot inizia la sua formazione nella nativa Orihuela, dove ottiene una pensione dalla Diputación de Alicante per studiare alla Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Allievo di Francisco Martínez Yago, nei suoi primi anni di vita ottenne riconoscimenti come la medaglia d'oro all'Esposizione Provinciale di Alicante del 1860. Nel 1863 ottenne una nuova pensione, questa volta per recarsi a Roma, dove entrò in contatto con Rosales, Casado del Alisal e Fortuny. Con quest'ultimo stabilì stretti legami di amicizia e la sua pittura fu profondamente influenzata dallo stile del pittore catalano. Periodicamente invia tele alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti, alle quali ottiene la terza medaglia nel 1864 e la seconda nel 1867. Agrasot rimase in Italia fino al 1875; dopo la morte di Fortuny tornò in Spagna, già pittore di riconosciuto prestigio, fu membro delle Accademie di San Carlos e San Fernando e partecipò come giurato a diverse esposizioni artistiche. Nel 1886 ricevette la medaglia d'arte all'Esposizione Universale di Filadelfia e nel 1888 la seconda medaglia all'Esposizione Internazionale di Barcellona. Lo stile di Agrasot si inquadra nel realismo, con particolare interesse per i temi di genere e il costumbrismo regionale. Tuttavia, lavorò anche su nudi, temi orientali e ritratti. È rappresentato al Museo del Prado, al Museo di Belle Arti di Valencia, al MUBAG di Gravina (Alicante) e all'Accademia di San Carlos di Valencia.

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 98 - JOSÉ BENLLIURE GIL (Valencia, 1855 - 1937). Senza titolo. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 41,5 x 52 cm; 70 x 81 cm (cornice). In questo ritratto di gruppo, ogni tipo di costumista è stato connotato con una personalità individuale. Profondità psicologica e verismo meticoloso caratterizzano quest'opera. I personaggi appaiono in primo piano, su uno sfondo neutro che mette in risalto le figure. Un uomo anziano che sembra abbattuto, mentre il bambino canta felice, diventando così una metafora della vita e delle sue diverse fasi. José Benlliure iniziò i suoi studi artistici con Francisco Domingo a Valencia, per poi proseguire la sua formazione a Madrid, dove si stabilì nel 1869. Fin da giovane gode del patrocinio del re di Savoia e nel 1879 si trasferisce a Roma, dove viene scoperto dall'importante mercante d'arte Martin Colnaghi, che finanzia i suoi studi nella città. Nel 1897 compie diversi viaggi a Tangeri, in Algeria e in Marocco, dove si avvicina alla quotidianità dei luoghi visitati attraverso una pittura realistica, luminosa e sciolta. A partire dal 1900 le sue opere raffigurano temi popolari. Partecipa alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti, ottenendo la terza medaglia nelle edizioni del 1876 e del 1878 e la prima in quella del 1887. Fa parte delle Accademie di San Fernando (Madrid), San Lucas (Roma), San Carlos (Valencia), Brera (Milano) e Monaco. Tra il 1904 e il 1912 diresse l'Accademia di Spagna a Roma. La parte più importante della sua produzione è conservata a Valencia, nella sua Casa Museo e nel Museo di Belle Arti San Pío V. È presente anche al Museo del Prado, al Thyssen-Bornemisza e al Palazzo di Carlo V a Granada, tra gli altri.

Stima 4 200 - 4 500 EUR

Lotto 99 - PLÁCIDO FRANCÉS Y PASCUAL (Alcoy, 1834 - Madrid, 1902). "Moschettiere. Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Misure: 20 x 15,5 cm; 42 x 36 cm (cornice). I ritratti e le scene di moschettieri erano molto popolari tra la clientela borghese del XIX secolo, in un contesto ancora ereditato dal romanticismo, che cercava nella ricreazione idealizzata del passato una fuga dalla realtà quotidiana. Numerosi pittori dell'epoca lavoravano su questa linea, cercando di catturare con il massimo verismo possibile scene del passato ricreate con una precisa attenzione ai dettagli, lavorate con un linguaggio di radici accademiche. Questo tipo di scene con protagonisti i moschettieri si inquadrano nel genere della pittura di casacón, scene lavorate con una particolare foga narrativa e descrittiva, che in Spagna avranno come principale riferimento formale Velázquez e i suoi contemporanei. Nato ad Alcoy, inizia la sua formazione artistica a Valencia presso l'Accademia di San Carlos de Valencia, ma si trasferisce a Madrid nel 1854 per completare gli studi. Lì si iscrisse come studente all'Accademia di San Fernando a Madrid, poi, nel 1861, fu nominato professore della Scuola di Belle Arti di Valencia e successivamente di Arti e Industrie a Madrid. Nel 1882 fu insignito della Croce di Carlo III. Antonio Cortina Farinós fu uno dei suoi allievi più noti. Nel 1862 realizzò le decorazioni per il "Palacio del Marqués de Dos Aguas" a Valencia. Quattro anni dopo, dipinse i medaglioni di Venere sul soffitto con putti e cherubini per la sala da ballo del palazzo. Lavorò anche ai palazzi del Duca di Santoña e del Marchese di Larios. Nel 1870 si trasferì a Madrid, dove divenne uno dei fondatori del Círculo de Bellas Artes e della Asociación de Acuarelistas de Madrid. Divenne anche professore all'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando e iniziò a esporre le sue opere all'annuale Esposizione Nazionale di Belle Arti, dove vinse medaglie nel 1871, 1890 e 1892. Le sue illustrazioni apparvero spesso sulla rivista Blanco y Negro. Morì a Madrid all'età di 68 anni. Anche due dei suoi figli furono pittori: Fernanda Francés y Arribas (1862-1939), specializzata nella pittura di fiori, e Juan Francés Mexía (1873-1954); suo cugino era il pittore Emilio Sala, che fu anche uno dei suoi allievi.

Stima 1 400 - 1 700 EUR

Lotto 100 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Scena religiosa". Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Misure: 37,5 x 23,5 cm; 62 x 48 cm (cornice). In quest'opera vediamo un tema molto caro alla borghesia spagnola della seconda metà del XIX secolo e dell'inizio del XX, le scene costumbriste, allegre e narrative, con protagonisti chierichetti dispettosi. Nella maggior parte dei casi, queste scene erano trattate come vediamo qui, con un disegno preciso e descrittivo e una particolare attenzione ai dettagli, sia nei gesti, nelle espressioni e nell'abbigliamento, sia nello scenario che circonda i ragazzi, di solito interni come quello qui raffigurato, una dipendenza del tempio riccamente decorata. Agrasot iniziò la sua formazione nella nativa Orihuela, dove ottenne una pensione dalla Diputación de Alicante per studiare alla Escuela de Bellas Artes de San Carlos a Valencia. Allievo di Francisco Martínez Yago, nei suoi primi anni di vita ottenne riconoscimenti come la medaglia d'oro all'Esposizione Provinciale di Alicante del 1860. Nel 1863 ottenne una nuova pensione, questa volta per recarsi a Roma, dove entrò in contatto con Rosales, Casado del Alisal e Fortuny. Con quest'ultimo stabilì stretti legami di amicizia e la sua pittura fu profondamente influenzata dallo stile del pittore catalano. Periodicamente invia tele alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti, alle quali ottiene la terza medaglia nel 1864 e la seconda nel 1867. Agrasot rimase in Italia fino al 1875; dopo la morte di Fortuny tornò in Spagna, già pittore di riconosciuto prestigio, fu membro delle Accademie di San Carlos e San Fernando e partecipò come giurato a diverse esposizioni artistiche. Nel 1886 ricevette la medaglia d'arte all'Esposizione Universale di Filadelfia e nel 1888 la seconda medaglia all'Esposizione Internazionale di Barcellona. Lo stile di Agrasot si inquadra nel realismo, con particolare interesse per i temi di genere e il costumbrismo regionale. Tuttavia, lavorò anche su nudi, temi orientali e ritratti. È rappresentato al Museo del Prado, al Museo di Belle Arti di Valencia, al MUBAG di Gravina (Alicante) e all'Accademia di San Carlos di Valencia.

Stima 2 200 - 2 500 EUR