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10 luglio - Arte contemporanea e ultime tendenze II

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105 risultati

Lotto 1 - JO DELAHAUT (Vottem, 1911 - Schaerbeek, 1992). "Carrés monochromes", 1986. Acrilico su tela. Firmato e datato in basso. Titolato, firmato e datato sul retro. Misure: 91 x 72 cm. Il pittore belga Jo Delahaut si avvicinò negli anni Quaranta all'astrazione geometrica con un radicalismo allora sconosciuto nel suo ambiente artistico. L'opera qui esposta appartiene al periodo della maturità, quando l'artista estremizza il purismo formale e cromatico, che può essere paragonato alle opere americane dell'"hard edge" e del "minimalismo". Ma, allo stesso tempo, raccoglie l'eredità di Mondrian. La sua astrazione geometrica era un mezzo per risvegliare i meccanismi dell'attività intellettuale, un metalinguaggio rivolto alla mente. Nutrendo l'ancestrale rapporto dialettico tra forma e colore, utilizza la geometria piana nelle sue opere perché la considera "la più rappresentativa dell'uomo". Sottolinea questa idea quando scrive: "porta chiarezza alla rappresentazione; è leggibile, intuitivamente comprensibile anche a chi non conosce la teoria". Jo Delahaut è una delle figure di spicco dell'astrazione geometrica in Belgio. Formatosi all'Accademia di Belle Arti di Liegi, è stato allievo di Auguste Mambour (1928-1934). Ha conseguito un dottorato in Storia dell'Arte all'Università di Liegi e ha iniziato a dipingere tele espressioniste nel 1940. Influenzato dallo stile del pittore Auguste Herbin, costruisce forme geometriche statiche in cui, inizialmente, il colore delle superfici gioca il ruolo principale. È stato membro del Salon des Réalités Nouvelles di Parigi nel 1946 e della Jeune Peinture Belge di Bruxelles nel 1947, insieme a Mig Quinet (1906-2001), Louis Van Lint (1909-1986), Gaston Bertrand (1910-1994), Marc Mendelson (1915-2013) e Anne Bonnet (1908-1960). Nel 1952 è stato membro fondatore del gruppo belga Art Abstrait e nel 1954 è stato coautore, tra gli altri, del Manifeste Spatialiste con Pol Bury (1922). Opere: pannelli per il Centro Ospedaliero Universitario di Liegi (serigrafia su pannelli di acciaio smaltato vetrificato, 1978-1985), collezione del Musée en plein air du Sart Tilman (Università di Liegi). "Esplanade" (1987), nel Musée en plein air du Sart-Tilman, Università di Liegi (opera restaurata nel 2011). Decorazione della stazione Montgomery della metropolitana di Bruxelles. Symphonie n°2, 1986 (Université libre de Bruxelles - Archives, patrimoine, réserve précieuse).

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 3 - CUNDO BERMÚDEZ (L'Avana, Cuba, 1914 - Florida, USA, 2008). Senza titolo. Olio su tela. Allegato certificato di autenticità rilasciato da Don Conrado Basulto. Presenta sporcizia e non conserva il telaio della barella. Misure: 49,5 x 60 cm. La pittura ispirata alle vetrate era comune nella pittura cubana, ne è un esempio la presente opera che si distingue per le sue composizioni brillantemente semplici, in cui si fondono il cubismo sintetico e le vetrate dell'epoca coloniale. Bermúdez ha ingrandito le vetrate in un teatro onirico dove languidi musicisti e donne ornate abitano caleidoscopiche scacchiere. L'atmosfera di sensualità vitrea dei dipinti di Bermudez è ambigua. L'ennui si ripiega in un lusso inalato, il piacere si gelifica nell'ambra di un'immagine onirica. Don Conrado Basulto, artista cubano, ha lasciato il suo Paese per gli Stati Uniti nel 1994. Al suo ingresso in America, è stato detenuto a Guantanamo, dove ha incontrato Cundo Bermudez e ha fondato una galleria. Secundino Bermúdez y Delgado, noto come Cundo Bermúdez, era un pittore cubano che nel 1926 entrò all'Instituto de La Habana e nel 1930 alla Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro della stessa città, dove studiò pittura per due anni. Insieme ad altri pittori e come protesta contro l'assenza di gallerie d'arte, Bermudez espose le sue opere tra gli alberi del Parco Albear e partecipò anche a una mostra tenutasi al Castillo de la Fuerza nel 1938. In quell'occasione ottenne un certo riconoscimento. In seguito si reca in Messico per studiare all'Accademia San Carlos, dove ha modo di osservare da vicino il lavoro dei muralisti che lo impressionano molto. Anni dopo si reca nella Repubblica Dominicana dove vende il suo primo quadro e tiene la sua prima mostra personale. Nel 1943 viene inaugurata la "Mostra di pittura e scultura cubana moderna", organizzata da José Gómez Sicre presso la Institución Hispano Cubana de Cultura dell'Avana. Il messicano David Alfaro Siqueiros partecipa e dice di Bermudez quanto segue: "Cundo Bermudez rappresenta l'audacia nelle arti plastiche. Sa come costruire in modo sincronizzato. Con toni e primi piani posti in profondità pittorica, in contrasto, costruisce e organizza, a volte in modo quasi miracoloso. Credo che questo artista abbia avuto una grande importanza nella gamma cromatica della pittura cubana moderna". Un anno dopo viene inaugurata la Mostra di Pittura Cubana al Museo d'Arte Moderna di New York (MOMA), che rappresenta un grande impulso per il suo lavoro, ed espone a San Francisco, Buenos Aires e in Messico. Nel 1949 fonda, tra gli altri, l'Associazione dei Pittori e Scultori di Cuba (APEC). Espone in diversi Paesi d'America e d'Europa. Le sue opere sono state esposte al Museo d'Arte Moderna di Parigi nel 1951 e a Monaco di Baviera nel 1952. Quattro anni dopo, nel 1956, espose alla Biennale di San Paolo e vinse il primo premio alla "Mostra Internazionale di Arte Caraibica" presso il Museo d'Arte di Houston, Texas. Quando Fidel Castro salì al potere nel 1959, Cundo partecipò agli sforzi per liberare i prigionieri politici. A Cuba, come altri artisti, è sottoposto a un isolamento irrazionale. I giornalisti e gli intellettuali che visitano l'isola chiedono di lui. Gli viene negato il materiale con cui lavorare. Non viene invitato alle mostre nazionali. Alla fine degli anni Sessanta riesce a lasciare Cuba per gli Stati Uniti. Allegato certificato di autenticità rilasciato da Don Conrado Basulto. Presenta sporco e assenza di telaio.

Stima 16 000 - 18 000 EUR

Lotto 4 - MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Eva III", 1993. Acquaforte e collage su carta. Copia 4/51. Firmata e giustificata a matita in basso. Misure: 165 x 65,5 cm, 183 x 84 cm. (cornice). In questa incisione, realizzata dall'artista, è rappresentata la figura di Eva, ispirata all'omonimo dipinto del 1507 di Durero, appartenente alla Collezione del Museo del Prado. Valdés recupera questa figura dall'Antico Testamento, portando il suo corpo alla contemporaneità, riducendolo a un linguaggio estetico di forme sintetiche e schematiche, che conservano l'espressione devozionale e iconografica della figura religiosa, che mantiene il suo nimbo di santità e la sua postura modesta. Valdés rinuncia all'icona della mela e introduce invece l'immagine di un fiore, che pone sopra il sesso della protagonista. Questo riferimento allude anche all'opera di Dürer, che realizzò numerosi disegni ispirati alla flora e alla fauna, ma l'immagine del fiore aggiunge anche una lettura concettuale e metaforica all'opera, che in modo velato trasmette l'idea della nascita. Manolo Valdés ha introdotto in Spagna una forma di espressione artistica che unisce l'impegno politico e sociale all'umorismo e all'ironia. La sua formazione inizia nel 1957, quando entra nella Scuola di Belle Arti San Carlos di Valencia. Tuttavia, due anni dopo abbandona gli studi per dedicarsi completamente alla pittura. Nel 1964 fonda il gruppo artistico Equipo Crónica, insieme a Juan Antonio Toledo e Rafael Solbes, nel quale rimane fino alla morte di quest'ultimo nel 1981, nonostante Toledo avesse lasciato il gruppo due anni dopo la sua fondazione. Da allora si è stabilito a New York, dove attualmente risiede e dove ha continuato a sperimentare nuove forme espressive, tra cui la scultura. Tra i numerosi riconoscimenti che Manolo Valdés ha ricevuto ci sono il Lissone e il Biella di Milano (1965), la medaglia d'argento della II Biennale Internazionale di Incisione di Tokyo (1979), il premio del Bridgestone Art Museum di Lisbona (1979), il Premio Nazionale di Arti Plastiche (1983), la medaglia del Festival Internazionale degli Artisti Plastici di Baghdad (1986), la Decorazione dell'Ordine di Andres Bello in Venezuela (1993), il premio del Consiglio Nazionale di Monaco (1997), la Medaglia d'Oro al Merito delle Belle Arti (1998), il Premio dell'Associazione Spagnola dei Critici d'Arte (2000) e il Premio al Miglior Artista della Stampa (2002), tra gli altri. Con Equipo Crónica, Valdés ha utilizzato la figurazione come veicolo espressivo per i suoi approcci, per le sue critiche all'arte, alla società e alla politica, ma privilegiando al di sopra di ogni altro contenuto l'atto pittorico puro. Dal punto di vista tematico, Valdés si ispira all'arte dei grandi maestri della pittura: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera o Zurbarán, e non nasconde mai i suoi modelli, ma li enfatizza, anche nei titoli delle sue opere. Formalmente, crea un'opera di grande formato in cui luci e colori esprimono valori tattili, grazie al trattamento riservato ai materiali. Il suo lavoro costringe lo spettatore a scavare nella memoria e a cercare immagini significative della storia dell'arte. Valdés è presente in alcuni dei più importanti musei del mondo, come il Reina Sofía di Madrid, il Metropolitan, il MoMA e il Guggenheim di New York, il Centro Georges Pompidou e il Fons National d'Arts Plastiques di Parigi, la Kusnthalle di Amburgo, il Kunstmuseum di Berlino e il Museo de Bellas Artes di Bilbao, tra i tanti.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 5 - JOSEP GUINOVART (Barcellona, 1927-2007). "Pelaires", 1989. Tecnica mista su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Misure: 145 x 114 cm. In questo dipinto degli anni Ottanta, Guinovart rompe visivamente con la bidimensionalità della superficie pittorica, facendo collidere forme, colori e texture. Senza oltrepassare i limiti dell'astrazione, le suggestioni organiche acquistano rilievo tra i rossi e i chiaroscuri dei neri e dei bianchi incastonati in una materia generosa. Guinovart evoca il caos materiale e allo stesso tempo lo soggioga attraverso una composizione orchestrata in modo intuitivo. L'autore regala allo spettatore un'immagine impregnata di lirismo. L'impulso materiale e gestuale è sottomesso a una grande coerenza plastica. Josep Guinovart si è formato alla Escuela de Maestros Pintores, alla Escuela de Artes y Oficios e nelle classi della FAD. Espone per la prima volta individualmente nelle gallerie Syra di Barcellona nel 1948. Ben presto acquisisce un solido prestigio, collabora con Dau al Set e partecipa ai saloni October, Jazz e Eleven. Negli anni Cinquanta, grazie a una borsa di studio, vive a Parigi, dove conosce a fondo l'opera di Cézanne e Matisse che, insieme a Miró e Gaudí, saranno le sue influenze più importanti. Nel 1955, insieme ad Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies e Tharrats, forma il gruppo Taüll, che riunisce gli artisti d'avanguardia dell'epoca. Verso il 1957 inizia una tendenza informale e astratta, con una forte presenza materica sia attraverso l'incorporazione di vari elementi e oggetti (legno bruciato, scatole, oggetti di scarto) sia attraverso l'applicazione di tecniche come il collage e l'assemblaggio. A partire dagli anni Sessanta si allontana dalla poetica informalista e inizia a creare opere ricche di segni e gesti, che contengono una forte carica espressiva nelle linee e nei colori. Negli anni Settanta utilizza sistematicamente materiali come la sabbia, la terra, il fango, la paglia o il fibrocemento, e nel decennio successivo si concentra sulla sperimentazione della proiezione tridimensionale delle sue opere, che si concretizza nella creazione di ambienti o spazialità come quella intitolata Contorn-extorn (1978). Guinovart ha una produzione artistica molto varia: dipinti murali, scenografie e scenari teatrali, come quello realizzato per le Nozze di sangue di Federico García Lorca, illustrazioni di libri, cartellonistica, arazzi e sculture. Ha partecipato alle Biennali di San Paolo (1952 e 1957), Alessandria d'Egitto (1955) e Venezia (1958, 1962 e 1982), e tra i suoi premi figurano il Premio Città di Barcellona nel 1981, il Premio Nazionale delle Arti Plastiche nel 1990 e il Premio delle Arti Plastiche della Generalitat nel 1990. Nel 1994 è stato inaugurato lo Spazio Guinovart ad Agramunt, Lérida, una fondazione privata che ospita una mostra permanente dell'artista. È presente nei Musei di Arte Contemporanea di Barcellona, Madrid e Città del Messico, nel Museo di Scultura all'Aperto di Santa Cruz de Tenerife, nel Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, nel Museo de Bellas Artes di Bilbao, nel Museo San Telmo di San Sebastián, il Museo Eusebio Sempere di Alicante, il Museo de Navarra di Tafalla, la Casa de las Américas dell'Avana, il Museo Bocchum in Germania, il Museo de Bellas Artes di Long Island, New York, e il Museo Patio Herreriano di Valladolid.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 6 - FERRÁN GARCÍA SEVILLA (Palma di Maiorca, 1949). "Bol 16", 2005. Acrilico su tela. Firmato sul retro. Provenienza: Galleria Joan Prats di Barcellona. Allegata un'etichetta della galleria Joan Prats. Misure: 152 x 172 cm. In questa composizione dal carattere festoso, senza smettere di essere concettuale e intellettuale (nella linea della maggior parte delle sue sperimentazioni pittoriche), García Sevilla dialoga con l'eredità dell'espressionismo astratto e persino con il divisionismo per schiudere questa eredità in supernove cromatiche. Inizialmente legato alla teoria e alla critica d'arte, García Sevilla è stato professore di Belle Arti in diverse università. Il suo debutto individuale risale al 1972. Dopo aver iniziato la sua carriera artistica nell'arte concettuale, è approdato alla pittura e alla grafica, inquadrate nella cosiddetta arte postmoderna. Di solito dispone figure ben definite, spesso antropomorfe, su sfondi neutri o con motivi insistentemente ripetuti. Utilizza gamme cromatiche ricche, vivaci e contrastanti, con un linguaggio semplificato, talvolta vicino all'arte primitiva. Gli enormi dipinti di García Sevilla, le sue immagini forti, il suo umorismo spesso brutale, i testi che occupano parte della superficie di questi quadri, la sua capacità espressiva, sono diventati familiari agli spettatori spagnoli e a quelli di altri Paesi. Dotato di un'immaginazione prodigiosa quasi quanto la sua volontà, García Sevilla è una vera e propria macchina per produrre dipinti, per divorare e trasformare immagini. Tutto questo trova una traduzione sul piano verbale: dalla sua famosa intervista con Kevin Power, raccolta nel libro di quest'ultimo "Conversazioni con..." (1985), nessuno dubita che García Sevilla sia uno dei pittori spagnoli che ha più cose da dire e che, sotto un'apparenza di improvvisazione e, se necessario, di delirio, dà più svolte al significato del suo lavoro. Sotto questo aspetto, il suo caso ricorda quello di Miró, verso il quale ha sempre mostrato grande ammirazione. Ha tenuto mostre personali in Europa e negli Stati Uniti e ha partecipato a mostre collettive ad Amburgo, Vienna, Monaco, San Pietroburgo, Lisbona e in diverse città spagnole, nonché alla Documenta di Kassel (1987) e alle Biennali di Istanbul (1989) e San Paolo (1996). Tra le mostre personali che ha tenuto negli ultimi anni si ricordano quelle alla Elga Wimmer Gallery di New York (1992), alla Thomas Netusil Kunsthandel di Vienna (2000) e alla galleria Fúcares di Madrid (2008). García Sevilla è rappresentato al Centre Pompidou di Parigi - Museo Nazionale d'Arte Moderna, al Museo Nazionale Reina Sofía, al MACBA di Barcellona, al Centro Atlantico d'Arte Moderna di Las Palmas, al CaixaForum di Barcellona, alla Fondazione Suñol, al Museo delle Collezioni Ico, al Es Baluard di Palma de Mallorca, all'IVAM di Valencia, alla Fondazione Juan March, al Museo Patio Herreriano di Valladolid, all'ARTIUM di Vitoria e al MuHKA di Anversa.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 7 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Hommage a Doménikos Theotokópoulos", 1964. Olio su carta aderente. Provenienza: Sala Gaspar di Barcellona / Galleria Tamenaga di Tokyo. Con etichette di entrambe le gallerie sul retro. Misure: 110 x 75 cm; 125 x 90 cm (cornice). La figura di El Greco occupa un posto decisivo nell'opera di Antoni Clavé. Non fu un semplice omaggio quello che realizzò in disegni, incisioni e in una serie di dipinti degli anni Sessanta di cui fa parte l'eccellente olio che ci occupa, ma un percorso di autoesplorazione plastica e concettuale. "Il signore con la mano sul petto" e "Ritratto di pittore" sembrano essere i referenti di questo quadro. Il personaggio appare qui trasfigurato al massimo grado, eppure l'essenza di El Greco è ben presente. L'autore conserva la gamma dei neri e degli ocra del pittore cretese e la silhouette continua ad essere rivolta verso di noi. Nella mano sembra tenere un pennello come nel ritratto di Jorge Manuel Theotocópuli, che nel dipinto di El Greco tiene la tavolozza con l'altra. La gorgiera si è trasformata in una sorta di pallida ghirlanda che avvolge l'intera testa. L'insieme suggerisce una presenza spettrale, che può essere tradotta come un omaggio a un artista che ha lasciato un segno indelebile nelle generazioni future. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Escuela de Bellas Artes de San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica inizialmente alla grafica pubblicitaria, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla guerra civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 8 - ESTEBAN VICENTE PÉREZ (Turégano, Segovia, 1903 - New York, 2001). "Grigio blu", Long Island, 1963. Olio su tela aderente a cartone. Firmato e datato nell'angolo superiore destro. Firmato, datato, localizzato e titolato sul retro. Misure: 26 x 33 cm; 42 x 50 cm (cornice). Esteban Vicente entra, nel 1921, nella Scuola di Belle Arti di San Fernando, a Madrid, con lo scopo di formarsi come scultore, ma ben presto decide di dedicarsi alla pittura. Nel 1928 tiene la sua prima mostra, dopo la quale si reca a Parigi, dove rimane fino al 1930. Tornato in Spagna, espone a Barcellona e a Madrid e, dopo lo scoppio della guerra civile, lavora in clandestinità sulle montagne che circondano la capitale. Tuttavia, lo stesso anno 1936 decide di recarsi a New York, luogo d'origine della moglie. Lì espone per la prima volta alla Kleeman Gallery nel 1937. Quattro anni dopo ottiene la cittadinanza americana poiché, essendo stato un sostenitore della parte repubblicana, decide di non tornare in Spagna. Negli anni successivi realizza numerose commissioni e mostre e tra il 1947 e il 1947 è professore di pittura all'Università di Porto Rico. Al suo ritorno negli Stati Uniti instaura un rapporto con la nascente Scuola di New York, partecipando con le sue mostre alla Kootz Gallery (1950), alla Ninth Street Art Exhibition (1951) e alle Sidney Janis e Egan Galleries. È stato membro fondatore della New York Studio School, dove ha insegnato per trentasei anni. A partire dagli anni Ottanta il suo lavoro inizia a essere conosciuto in Spagna, gli vengono dedicate retrospettive (Banco Exterior, 1987, e Museo Reina Sofía, 1997) e gli vengono conferite menzioni come la Medaglia d'Oro al Merito delle Belle Arti (1990) e la Gran Croce di Alfonso X il Saggio (1999). Nel 1998 è stato inaugurato a Segovia il Museo d'Arte Contemporanea Esteban Vicente, dove oggi è conservata gran parte della sua opera. Le opere di Vicente sono conservate nei principali musei d'arte contemporanea del mondo, come il Metropolitan, il Guggenheim e il MOMA di New York, il Museo Nacional Reina Sofia di Madrid, lo Smithsonian di Washington D.C., il Withney Museum of American Art o l'Indianapolis Museum of Art, tra gli altri.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 10 - SUSANA CRUZ (Madrid, 1992). "Il sogno", Collana Equilibrium, 2023. Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Firmato e datato sul retro. Misure: 180 x 150 cm. Nel dipinto la ragazza mostra l'innocenza davanti alla pittura, la felicità di macchiarsi con l'olio e di divertirsi con la tela. Dietro, la donna, già adulta, osserva l'immagine, ricordando perché continua giorno per giorno, accompagnata dalla scultura, che le ha fatto scoprire un mondo infinito di creazioni. Il leone sorveglia serenamente la scena, facendo da barriera protettiva. Tutti i personaggi, con una certa aria barocca, sono nella mia mente, le diverse emozioni che mi fanno iniziare a creare con calma ed emozione. Si tratta di un dipinto a olio realizzato con una spatola, ad eccezione dello sfondo liscio che è stato lavorato con un rullo e una spatola. Questo contrasto di texture, insieme al contrasto tra il nero, il marrone e il bianco, riflette forza ed espressività, facendo sì che i personaggi acquisiscano il ruolo di protagonisti e catturino l'attenzione dello spettatore. Susana Cruz si è formata all'Università Politecnica di Madrid, dove ha studiato Ingegneria dei Materiali e successivamente ha conseguito un Master in Consulenza Aziendale. Secondo l'artista, il suo interesse e la sua conoscenza della pittura sono stati acquisiti da autodidatta: "La pittura mi permette di esprimermi e di immergermi nel mio mondo. Ho persino pianto mentre dipingevo e la maggior parte delle volte la mia pelle si accappona quando ascolto della buona musica in sottofondo mentre mi lascio trasportare dal dipinto a olio". Ha iniziato a definire il mio stile grazie al periodo in cui ha vissuto in Italia. Attualmente il suo lavoro si ispira alla pittura barocca e alla passione per l'uso drammatico del chiaroscuro, portato su un terreno più personale.

Stima 2 400 - 2 600 EUR

Lotto 11 - PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Visage larvé". Dalla collezione "Gold Medallion".1967. Oro 23 kts, 6/20. Edizione limitata a 20 esemplari. Editore Pierre Hugo. Firma dell'artista e numeri incisi sul retro. Nella sua custodia originale in legno. Misure: 5 cm. di diametro (medaglione); 13 x 13 x 3 cm. (scatola). Ognuno dei quindici medaglioni pendenti della serie "Gold Medallion" reca la firma dell'artista e i numeri di riferimento e di edizione di François Hugo. Ideato nel 1956 e prodotto dopo il 1967, in un'edizione numerata di 20 esemplari, più 2 copie d'artista e 2 copie d'autore. Il fascino di Picasso per l'esplorazione di nuovi media ci porta alla rappresentazione di uno dei suoi motivi preferiti: un pesce che riposa all'interno di un altro pesce. Il tema compare nelle sue opere in ceramica, come "Grand Poisson (Big Fish)", 1956, ma è nell'oro che la delicatezza e l'intricatezza dei due pesci prendono vita. La linea è bellissima e l'estrosità è espressa magnificamente in questo raro supporto. Negli anni Cinquanta e Sessanta Picasso commissionò a Francois Victor-Hugo, uno dei più abili orafi francesi dell'epoca, una serie di fontane, piatti e medaglioni d'oro e d'argento su modelli originali da lui disegnati. Queste fontane e medaglioni furono scelti, disegnati, visti, approvati e apprezzati individualmente da Picasso durante la sua vita con un tale fervore che, inizialmente, non aveva intenzione di venderli a scopo di lucro. Per questo, all'inizio, la loro esistenza era avvolta nella segretezza. Picasso si rifiutò di prestarli a gallerie e musei e li nascose ai visitatori della sua casa, scegliendo invece di tenerli come un tesoro privato. Tuttavia, Picasso cedette alle insistenze di Hugo e, nel 1967, lo autorizzò a realizzare una piccola "edizione numerata" di ciascuno di essi per la vendita. Non furono venduti pubblicamente, ma spediti ai rispettivi acquirenti, per cui non attirarono quasi nessuna pubblicità, il che li rese piuttosto rari. Lavorando insieme per i dieci anni successivi, Picasso e Hugo crearono diciannove medaglioni d'oro e in ogni serie furono realizzate venti serie complete più due riservate all'artista, ciascuna serie composta da diciannove medaglioni d'oro.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

Lotto 14 - MATÍAS SÁNCHEZ (Germania, 1972). "Pittore", 2010. Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Firmato, datato, titolato e collocato sul retro. Misure: 97 x 130 cm. In quest'opera l'autore utilizza un linguaggio astratto, basato su una geometria irregolare, organica sia nella disposizione che nei colori. È uno stile aperto, la cui caratteristica fondamentale è la concezione della superficie pittorica come un tutto, come un campo aperto, senza limiti e senza gerarchie. Così, come vediamo qui, le forme pittoriche sono il risultato di una ponderata composizione e sperimentazione, con un'immagine di carattere gestuale, che non si limita a una composizione astratta, ma va oltre, indicando allo spettatore che si tratta di forme, idee o suggestioni che oltrepassano i confini del puramente pittorico e ci parlano del mestiere del pittore stesso. Matias Sanchez è nato in Germania nel 1972 ed è un autodidatta. Ha sempre sentito un impulso per l'arte che lo ha portato a sviluppare una carriera artistica. Matias Sanchez ha realizzato la sua prima mostra a Cavecanem nel 2001 e un anno dopo le sue opere sono state esposte ad Arco, dove ha ricevuto una calorosa accoglienza da parte della critica. Nel 2003 ripete l'esperienza alla Fiera d'Arte Contemporanea di Madrid, dove le sue opere vengono raccolte e diffuse dal quotidiano El País. Questo è stato un punto di svolta nella sua carriera, che ha portato a numerose mostre personali e collettive, sia a livello nazionale che internazionale. Tra queste, le esposizioni presso le gallerie Begoña Mallone (Madrid), Javier Marín (Malaga), Valle Ortí (Valencia), Espacio Liquido (Gijón), "Christopher Cutts Gallery" (Toronto - Canada) e Costantini Art Gallery (Milano - Italia). Il suo lavoro è stato esposto in vari spazi di riferimento per l'arte contemporanea, come il CAAM - Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria) o il CAC Malaga. Oltre ad ARCO, MACO 2013 - Mexico Arte Contemporáneo, Art Stage Singapore 2013, Art Monaco 2013, India Art Fair 2013, Contemporary Istanbul 2012, Art Toronto 2012, Art Moscovo 2012 e Beirut Art Fair 2012.

Stima 14 000 - 15 000 EUR

Lotto 15 - MODEST CUIXART I TÀPIES, (Barcellona, 1925 - Palafrugell, Girona, 2007). Senza titolo, 1959. Olio su tela. Misure: 100 x 81 cm; 102,5 x 83,5 cm (cornice). Quest'opera fa parte della fase sviluppata da Cuixart negli anni Cinquanta, segnata da un profondo e ricco informalismo. In questi anni il pittore lavorerà con la forza dei materiali spessi e del "grattage" (dal 1957), creando opere dense e barocche in cui introdurrà oggetti di ogni tipo. Il suo lavoro di questo periodo sarà riconosciuto nel 1959, con il Gran Premio per la Pittura alla V Biennale di San Paolo. Queste opere profonde e complesse riflettono una visione più cupa e critica della società del tempo rispetto a quella che vedremo nella sua fase successiva, vicina alla pop art. In questi lavori si possono notare anche i motivi centrali del suo linguaggio, come il cerchio, la spirale e le forme concentriche. Utilizza anche colori plastici ad asciugatura rapida, una novità dell'epoca di cui è stato un pioniere, per creare effetti di rilievo nei toni dell'ocra, una costante nel suo lavoro di questo periodo. Cuixart studia inizialmente medicina, ma abbandona presto gli studi per dedicarsi alla pittura ed entra nell'Academia Libre de Pintura di Barcellona. Nel 1948 partecipa alla fondazione del gruppo Dau al Set, insieme a Brossa, Ponç, Tàpies e Tharrats, tra gli altri. Interessato al valore plastico del segno, il suo lavoro ha fin dall'inizio una forte parentela con il surrealismo, oltre a una grande sensibilità per la forza espressiva del colore. Verso il 1955 si immerge nell'informalismo materico, che lo porta a utilizzare il "grattage" in opere di sapore orientalista. Nel 1959 vince il primo premio alla Biennale di San Paolo ed espone alla Documenta di Kassel, mentre l'anno successivo partecipa a una mostra sull'avanguardia spagnola alla Tate Gallery di Londra e al Guggenheim Museum di New York. Nel 1962 Cuixart introduce nel suo lavoro il collage, che lo condurrà gradualmente verso la pop-art. Arricchito da tutte queste esperienze, torna nuovamente alla pittura piana, raggiungendo un realismo critico molto personale, che sintetizza l'espressionismo con una figurazione drammaticamente trasformata, valorizzando sempre le qualità cromatiche. Negli anni Settanta espone in numerose capitali nazionali e internazionali, come Parigi, Madrid, San Paolo, Amsterdam, Tokyo, Basilea, Barcellona e Milano, tra le altre. Nel decennio successivo, Cuixart libera gradualmente la sua pittura dagli aspetti aggressivi per darle un tono più lirico. Inoltre, partecipa a una mostra collettiva al Palazzo dell'UNESCO di Parigi, riceve la Croce di San Giorgio della Generalitat di Catalogna e la Croce di Isabella la Cattolica. Nel 1988 tiene una mostra antologica in Giappone, nelle città di Kobe e Tokyo. Continua a lavorare con colori e forme esuberanti e reincorpora nel suo lavoro una figurazione più materica. Nel 1998 è stata creata a Palafrugell la fondazione che porta il suo nome e l'anno successivo è stato insignito della Medaglia d'Oro al Merito delle Belle Arti dal Ministero della Cultura. È rappresentato al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, alla Tate Gallery di Londra, al Museo Nacional de Arte de Cataluña, al Museo de Arte Contemporáneo di Madrid, Barcellona e Saint-Etienne (Francia), il Patio Herreriano di Valladolid, il Museo de Grabado Español Contemporáneo di Marbella, il Museo de Arte de la Universidad de São Paulo, il Museo de Arte Abstracto di Cuenca e il Museo del Ampurdán, oltre a molti altri.

Stima 15 000 - 16 000 EUR

Lotto 19 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcellona, 1997). "El retorn del fill pródig", 1952. Olio, cera, pastello e gouache su cartone. Firmato, datato e titolato sul retro. Con etichetta Oriol Galeria d'Art sul retro. Misure: 74,5 x 103,5 cm; 94 x 123 cm (cornice). Quella in asta è un'opera giovanile del pittore Josep Roca Sastre, corrispondente a una fase precedente alla realizzazione delle sue scene di interni intimi. La tela è caratterizzata da un'aura di un certo misticismo e di magico autoassorbimento, con la presenza di quella che sembra essere una guida spirituale con un bastone e un personaggio che lo venera. Formatosi a Barcellona, a partire dagli anni Sessanta Roca ha dato vita a uno stile personale e indipendente, creando un proprio linguaggio. La sua proposta si è concentrata sul recupero dello sguardo del vicino e del quotidiano, del conosciuto. Ha esposto per quarant'anni nella Sala Parés di Barcellona e ha presentato le sue opere anche in altre città spagnole e negli Stati Uniti. Nel 1966 riceve il premio Sant Jordi dalla Diputació di Barcellona e due anni dopo la medaglia d'onore al Salon des Artistes Français di Parigi. Nel 1980 diventa membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di Sant Jordi e nel 1993 riceve il Premio Quadern della Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre ha sviluppato uno stile figurativo di temi intimi, applicando uno sguardo personale e soggettivo alle sue scene di interni e ai suoi paesaggi urbani e naturali. Dalla sua morte, sono state organizzate retrospettive dell'opera di Josep Roca presso La Pedrera e le gallerie Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcellona) e Juan Oliver Maneu (Palma di Maiorca). Le sue opere sono conservate nel Museo Nazionale d'Arte della Catalogna.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 20 - JEAN-MARC BUSTAMANTE (Touluse, 1952). "Barcellona 6", 1997. Fotografia, ed. 3/6 Misure: 40 x 60 cm; 67 x 85 cm (cornice). Di padre ecuadoriano e madre inglese, questo artista francese (Tolosa, 1952) occupa uno dei posti di maggior rilievo nell'arte contemporanea europea. Dopo aver studiato economia nella sua città natale tra il 1969 e il 1972, ha studiato fotografia con Denis Brihat tra il 1973 e il 1975. Nel 1977 realizza il suo primo Sito, una fotografia che farà parte della serie che troverà il suo titolo definitivo in Tableaux e che sarà presentata per la prima volta come gruppo alla Kunsthalle di Berna nel 1994. Quasi contemporaneamente, nel 1978, inizia a lavorare come assistente del fotografo e regista William Klein, attività che mantiene fino al 1981, quando decide di dedicarsi interamente alla sua attività artistica. Tra il 1983 e il 1987 entra in una fase di collaborazione con Bernard Bazile e, con il nome di BAZILEBUSTAMANTE, attira l'attenzione del mondo dell'arte con i suoi progetti sui codici visivi e sui sistemi di segni, esposti in diverse gallerie e al Musée Saint-Pierre di Lione nel 1986. Dal 1987 continua da solo il suo particolare lavoro fotografico, tra cui iniziano a emergere sculture, installazioni e serigrafie su metacrilato, in un progetto apparentemente asistematico che, nella sua eterogeneità, configura uno dei programmi artistici più solidi, coerenti e unitari del momento. Con esso ha rappresentato la Francia alla Biennale di Venezia (2003) e ha partecipato alla Biennale di Parigi (1980), alla Biennale di San Paolo (1994) e a Documentas VIII, IX e X di Kassel (1987, 1992 e 1997). Il suo lavoro è stato oggetto di presentazioni monografiche in alcuni dei maggiori musei internazionali, tra cui la Kunsthalle di Berna (1989 e 1994), il Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1990), lo Stedelijk van Abbemuseum di Eindhoven (1992), la Galerie National du Jeu de Paume di Parigi (1996), Tate Gallery, Londra (1998), Yokohama Museum of Art (2002), Kunsthaus Bregenz e Musée d'art moderne et contemporain, Saint-Etienne (2006), Musée d'art moderne et contemporain, Strasburgo (con Ed Ruscha) (2007), Palais des Beaux-Arts, Bruxelles (2008) e Villa Medici, Roma (2011). Il decennio degli anni '10 ha visto l'inizio di retrospettive sul suo lavoro, iniziate a Mosca presso la Ekaterina Cultural Foundation (2010), seguite da quelle organizzate dall'Henry Moore Institute, Leeds (2011) e dalla Sala Alcalá 31, Madrid (2012). Nel 2008 Jean-Marc Bustamante è stato insignito della Medaglia di Cavaliere della Legione d'Onore francese e tra il 2012 e il 2015 è stato direttore del Festival Internazionale d'Arte di Tolosa. Dopo anni di insegnamento come professore di scultura, prima alla Rijksakademie di Amsterdam (1990-1995) e all'École Superieur Nationale de Beaux-Arts di Parigi (dal 1996) e poi come professore di pittura alla Kunstakademie di Monaco (dal 2010), è stato appena nominato direttore dell'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts di Parigi.

Stima 2 000 - 2 400 EUR

Lotto 21 - THOMAS RUFF (Zell am Harmersbach, Germania, 1958) "Interieur 6 E", 1983. Fotografia C-Print. Ed. 8/20. Misure: 21 x 28 cm; 47 x 57 cm (cornice). Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, Germania, 1958) ha iniziato la sua carriera con la fotografia di paesaggio, per poi passare a fotografare interni e ritratti inespressivi dei suoi amici, facendo parte della generazione che ha partecipato ai cambiamenti politici e sociali avvenuti con la caduta del muro di Berlino. Tra il 1977 e il 1985 Ruff studia fotografia all'Accademia di Belle Arti di Düsseldorf, insieme ad altri fotografi, oggi di riconosciuto prestigio, come Candida Höfer, Andreas Gursky e Thomas Struth, e che fanno parte della cosiddetta scuola di Düsseldorf, i cui genitori sono Hilla e Bernd Becher. I suoi primi ritratti sono di piccolo formato e in bianco e nero, ma presto passa al colore. Nel 1986 inizia a sperimentare il grande formato. Con la serie Haus (1987-91) esplora temi che vanno oltre la ritrattistica. Altre serie rilevanti di questo periodo sono Zeitungsfotos (1990-91) o BlaueAugen (1991). Durante la Guerra del Golfo, Ruff utilizza un mirino notturno per produrre immagini cupe delle strade di Düsseldorf nella serie Nacht (1992-96). Nei suoi lavori successivi continua a esplorare la manipolazione digitale delle immagini; in questo contesto realizza la serie di nudi, la serie Substrat (2002-03) e la serie Machine (2003). Dal 1981 Ruff ha tenuto mostre personali in vari centri e musei internazionali. Vive e lavora a Düsseldorf.

Stima 1 800 - 2 200 EUR

Lotto 22 - FRANCISCO VIDAL (Lisbona, 1978). "Time Run". 2009 Olio su tela (dittico). Firmato in basso a sinistra. Firmato e datato sul retro. Misure: 134 x 308 cm; 138 x 312 cm (cornice). Basandosi su un fotogramma del film cult "Pulp Fiction" di Tarantino, Francisco Vidal colloca i gangster interpretati da John Travolta e Samuel L. Jackson su uno sfondo rosso stridente e sostituisce una delle pistole con una banana. Un'intensa macchia gialla si diffonde, suggerendo un'esplosione. È un quadro formato da due tele, che si traduce in una scena espansa impregnata di freschezza e spensieratezza. Il pittore Francisco Vidal vive tra Luanda (Angola) e Lisbona (Porturgal). Diplomato in Arti Plastiche alla Escola Superior de Artes e Design das Caldas da Rainha, ha seguito un corso di perfezionamento in Arti Visive alla Escola de Artes Visuais Maumaus, a Lisbona. Ha vissuto per qualche tempo negli Stati Uniti, conseguendo un Master of Fine Arts presso la School of Visual Arts della Columbia University, a New York. Ha iniziato a esporre regolarmente nel 2005. Nel 2014 ha presentato il progetto pittorico "Utopia Luanda Machine" alla 56ª Biennale di Venezia, nel Padiglione dell'Angola, a cura di António Ole, e a Expo Milano, a cura di Suzana Sousa. Nel 2016, il progetto "ESCOLA DE PAPEL" è stato presentato a Luanda e, nel 2017, a São Tomé e Príncipe. La pratica di Francisco Vidal mette in evidenza le idee sul lavoro e sulla mobilità internazionale. Riconosciuto per le sue grandi installazioni pittoriche, disegna potenti linee calligrafiche su tele serigrafiche, con colori vivaci e varie combinazioni cromatiche. Pratica anche una figurazione che affonda le sue radici nel linguaggio dei fumetti. Ha opere in collezioni nazionali, come quelle della Fondazione EDP, della Fondazione Calouste Gulbenkian, della Fondazione Cachola, e internazionali.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 23 - STUDIO DI CASO KARIMOKU (Giappone) per Medicom Toy. "Medicom Toy 10th Anniversary, 1996-2006", 2006. 400% Be@rbrick. Legno naturale. Edizione limitata di 100 pezzi. In scatola originale. In buone condizioni. Misure: 28 cm (altezza). La collaborazione tra Karimoku Case Study e Medicom Toy è dovuta al 10° anniversario dell'azienda giapponese di giocattoli. Il materiale utilizzato, il legno, dimostra la conoscenza e l'amore genuino per questo materiale che Karimoku, un'azienda considerata il principale produttore di mobili in Giappone, emana. Karimoku stessa afferma: "Con Karimoku Case Study desideriamo presentare un marchio attento che funga da custode del naturale e del senza tempo, utilizzando materiali che possiedono una ricchezza intrinseca e che acquistano bellezza con il tempo e l'età". La rivoluzione degli Art Toys trova in Be@rbrick uno dei suoi massimi rappresentanti. La sua immagine semplice ma accattivante sotto forma di orso snodabile (simile a un pezzo di mattone, da cui il nome) e la sua inesauribile varietà di disegni realizzati da artisti diversi e famosi ne fanno un oggetto del desiderio per collezionisti nuovi e affermati. Progettato e prodotto dall'azienda giapponese MediCom Toy Incomporated e lanciato nel 2001 come regalo ai visitatori della World Character Convention 12 di Tokyo, il Be@rbrick è caratterizzato da nove parti distinte (note come "strumenti" nell'industria dei giocattoli) che consentono otto diversi punti di articolazione: testa rotante, vita rotante, braccia con snodo a sfera, polsi rotanti e gambe con snodo a sfera. Le dimensioni variano da 7 cm di altezza (nota come 100% Be@rbrick, dimensione standard), seguita da 400% Be@rbrick (28 cm di altezza) o 1000% Be@rbrick (70 cm di altezza). Altri formati sono più piccoli dello standard, come il 50% Be@rbrick (4 cm) o il 70% Be@rbrick (5 cm). Tra le collaborazioni più riconoscibili ci sono quelle con Kaws, la Fondazione Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics e persino il Museo del Louvre e Chanel. Anche molte celebrità collezionano Be@rbrick, dal produttore musicale Pharrell Williams all'ex direttore creativo di Vogue, Grace Coddington. In buone condizioni.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 24 - HAVE A GOOD TIME (Tokyio) per Medicom Toy. 400% e 100% Be@rbrick. Prodotto da Medicom Toy. In scatola originale. In buone condizioni. Misure: 28 cm e 7 cm; 30 x 20 x 11 cm (scatola). Medicom Toy collabora con il marchio di moda di Tokyo Have A Good Time per offrire ai fan la loro ultima collaborazione. Sin dalla sua nascita, Have A Good Time ha guadagnato popolarità grazie a una serie di collaborazioni internazionali con Adidas, Vans e BEAMS. La rivoluzione Art Toys trova nel Be@rbrick uno dei suoi massimi rappresentanti. La sua immagine semplice ma accattivante sotto forma di orso articolato (simile a un pezzo di mattone, da cui il nome) e la sua inesauribile varietà di disegni realizzati da artisti diversi e famosi ne fanno un oggetto del desiderio per collezionisti nuovi e affermati. Progettato e prodotto dall'azienda giapponese MediCom Toy Incomporated e lanciato nel 2001 come regalo ai visitatori della World Character Convention 12 di Tokyo, il Be@rbrick è caratterizzato da nove parti distinte (note come "strumenti" nell'industria dei giocattoli) che consentono otto diversi punti di articolazione: testa rotante, vita rotante, braccia con snodo a sfera, polsi rotanti e gambe con snodo a sfera. Le dimensioni variano da 7 cm di altezza (nota come 100% Be@rbrick, dimensione standard), seguita da 400% Be@rbrick (28 cm di altezza) o 1000% Be@rbrick (70 cm di altezza). Altri formati sono più piccoli dello standard, come il 50% Be@rbrick (4 cm) o il 70% Be@rbrick (5 cm). Tra le collaborazioni più riconoscibili ci sono quelle con Kaws, la Fondazione Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics e persino il Museo del Louvre e Chanel. Anche molte celebrità collezionano Be@rbrick, dal produttore musicale Pharrell Williams all'ex direttore creativo di Vogue, Grace Coddington. In buone condizioni.

Stima 500 - 550 EUR

Lotto 25 - FERRAN GARCIA SEVILLA (Palma di Maiorca, 1949). Senza titolo. Tecnica mista su cartone rigido. Firmato sul retro. Misure: 75 x 53 cm; 95 x 72 cm (cornice). Ferran Garcia Sevilla è stato una delle figure più rilevanti dell'arte concettuale degli anni Settanta, reinventandosi in seguito per soddisfare una natura inquieta e versatile. Il sincretismo iconografico del suo universo simbolico si riflette in questo dipinto. Inizialmente legato alla teoria e alla critica d'arte, García Sevilla è stato professore di Belle Arti in diverse università. Il suo debutto individuale risale al 1972. Ha tenuto mostre personali in Europa e negli Stati Uniti e ha partecipato a mostre collettive ad Amburgo, Vienna, Monaco, San Pietroburgo, Lisbona e in diverse città spagnole, nonché alla Documenta di Kassel (1987) e alle Biennali di Istanbul (1989) e San Paolo (1996). Tra le mostre personali che ha tenuto negli ultimi anni si ricordano quelle alla Elga Wimmer Gallery di New York (1992), alla Thomas Netusil Kunsthandel di Vienna (2000) e alla galleria Fúcares di Madrid (2008) García Sevilla è rappresentato al Centre Pompidou di Parigi - Museo Nazionale d'Arte Moderna, al Museo Nacional Reina Sofía, il MACBA di Barcellona, il Centro Atlántico de Arte Moderno di Las Palmas, il CaixaForum di Barcellona, la Fundación Suñol, il Museo Colecciones Ico, l'Es Baluard di Palma de Mallorca, l'IVAM di Valencia, la Fundación Juan March, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, l'ARTIUM di Vitoria e il MuHKA di Anversa.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 26 - KAWS (New Jersey, 1974) per Medicom Toy. "Snoopy Peanuts", 2010. Vinile. Timbro sulla base. Edizione limitata a 500 copie. Nella sua scatola originale. Misure: 20 x 10 x 14 cm. Kaws si riappropria di icone della cultura pop come Topolino, l'omino Michelin, i Puffi, Snoopy o SpongeBob SquarePants. I suoi personaggi sono generalmente raffigurati in una posa timida o indifesa, spesso con le mani sugli occhi o, come in questo caso, con l'uso ripetuto delle "x" nelle mani e negli occhi. Il lavoro del designer e artista americano, noto come Kaws, comprende l'uso ripetuto di un cast di personaggi e motivi figurativi, alcuni dei quali risalgono all'inizio della sua carriera negli anni '90, inizialmente dipinti in 2D e successivamente realizzati in 3D. Le sculture di Kaws hanno dimensioni che vanno da pochi centimetri a dieci metri di altezza e sono realizzate in vari materiali, tra cui fibra di vetro, alluminio, legno, bronzo e una zattera gonfiabile in acciaio. Le sue opere sono esposte in gallerie e musei, realizzate in collezioni permanenti di istituzioni pubbliche e collezionate avidamente da privati, tra cui il produttore musicale Swizz Beatz e il rapper Pharrell Williams. Sono stati pubblicati diversi libri che illustrano il suo lavoro. Vive e lavora a Brooklyn, New York, creando sculture, dipinti acrilici su tela e serigrafie, e collaborando anche a livello commerciale, soprattutto per giocattoli in edizione limitata, ma anche per abbigliamento, skateboard e altri prodotti.

Stima 2 400 - 2 600 EUR

Lotto 28 - JOAN JOSEP THARRATS VIDAL (Girona, 1918 - Barcellona, 2001). Senza titolo, 1993 Tecnica mista e collage su carta. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 50 x 35 cm; 81,5 x 66,5 cm (cornice). In questo dipinto con collage su carta realizzato da Tharrats negli anni Novanta, verso la fine della sua vita, possiamo contemplare il consolidamento di un linguaggio di radici informaliste, che in questa occasione mette in scena la lotta simbolica tra campi energetici materializzati sotto forma di tratti caotici di echi calligrafici e impulsi gestuali. Dopo aver iniziato la sua formazione a Béziers (Francia), nel 1935 Tharrats torna a Barcellona ed entra nella Scuola Massana. Inizia la sua attività artistica dopo la guerra civile, con uno stile che si evolve da un certo impressionismo iniziale verso una progressiva astrazione, attraverso le influenze di Mondrian e Kandinsky. Cofondatore di Dau al Set insieme a Brossa, Ponç, Cuixart e Tàpies, Tharrats debutta individualmente nel 1949, presso le gallerie El Jardín di Barcellona. Dal 1954 espone regolarmente alla Sala Gaspar di Barcellona, oltre che nel 1955 a Stoccolma e New York, nel 1959 alla Biennale di San Paolo e a Venezia alle Biennali del 1960 e del 1964. Nel 1955, dopo lo scioglimento del Dau al Set, partecipa alla costituzione del gruppo Taüll insieme a Muxart, Guinovart e ai suoi ex colleghi Cuixart e Tàpies. Undici anni dopo, nel 1966, fu anche uno dei fondatori dell'Associazione degli artisti contemporanei. Pioniere dell'avanguardismo catalano del dopoguerra, Tharrats si evolve dall'astrazione lineare di influenza surrealista del periodo Dau al Set a un informalismo ricco di texture, colori e forme libere. Oltre alla pittura da cavalletto, ha sviluppato una propria versione delle tecniche di stampa ("maculaturas") e ha realizzato anche manifesti, illustrazioni di libri, murales, vetrate, mosaici, gioielli e scenografie d'opera. Nel 1983 gli è stata conferita la Croce di Sant Jordi e nel 1994 il Premio Nazionale di Arti Plastiche. Nello stesso anno è entrato a far parte dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Jordi. Le sue opere sono presenti in vari musei e collezioni di tutto il mondo, come il MoMA e il Guggenheim di New York, la Tate Gallery di Londra, il MACBA o il Museo Reina Sofia di Madrid.

Stima 2 800 - 3 000 EUR

Lotto 32 - CHEN YIFEI (Ningbo, Cina 1946 - Shanghai, Cina 2005) "Ponte della pace", 1985. Litografia su carta Arches. Copia 312/1000. Allegato certificato di autenticità rilasciato dalla Federazione Mondiale delle Nazioni Unite nel 1985. Con timbri a secco dello Studio Emiliano Sorini di New York e della Federazione Mondiale delle Nazioni Unite. Incorniciato in vetro da museo. Firmato e numerato. Misure: 28,5 x 21,7 cm. Chen Yifei è uno dei pittori a olio più riconosciuti in Cina e di maggior impatto in Occidente. Dotato di una personalità versatile, è noto anche per la sua attività di regista, uomo d'affari, designer e decoratore. Ha iniziato i suoi studi artistici a Shanghai nel 1965, dove si è distinto per aver concentrato la sua attenzione sulla pittura a olio in un Paese segnato dalla tradizione della pittura a inchiostro cinese. La qualità della sua pennellata lo renderà uno degli artisti più famosi della Rivoluzione Culturale (anche se non riuscì a evitare qualche piccolo incidente); dipinse ritratti che esaltavano Mao Zedong e grandi tele rivoluzionarie. È stato uno dei primi artisti autorizzati dal governo comunista a recarsi negli Stati Uniti, dove ha vissuto dal 1980 al 1990. Lì ha fatto fortuna e ha affinato la qualità del suo stile. Nel 1990 torna a Shanghai, città dove trascorre il resto della sua vita. Influenzato dalla sua formazione nell'arte sovietica e concentrato sui temi rivoluzionari che avvolgono il suo ambiente, la sua pennellata si evolve verso temi più romantici, scene di genere, un'iconografia realistica dall'aria malinconica e dettagli moderni. Le sue scene più caratteristiche mostrano di solito donne cinesi che compiono azioni quotidiane, vestite con costumi tradizionali con una moltitudine di dettagli e colori densi che spiccano su sfondi scuri e neutri. Certificato di autenticità rilasciato dalla Federazione Mondiale delle Nazioni Unite nel 1985. Incorniciato in vetro da museo.

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 33 - MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Matisse come pretesto", 2001. Serigrafia su tela. Esemplare H.C II/III. L'autenticità di questo lotto è stata verificata dallo studio di Manolo Valdés. Firmato e datato nella zona centrale inferiore. Giustificato nell'angolo inferiore destro. Misure: 148 x 122 cm. Quest'opera è un chiaro esempio della risposta di Valdés al maestro Matisse, che recupera le sue odalische e le avvolge in un'estetica pop. Come di consueto nella sua produzione, Valdés ricorre all'opera di un grande maestro come punto di partenza per creare una nuova immagine che, nella sua completa originalità e contemporaneità, ci spinge a ripensare l'eredità della storia dell'arte stessa. In un'intervista rilasciata dall'artista al quotidiano ABC nel 2016, Valdés ha sottolineato il suo legame artistico con Matisse e il suo interesse per l'interpretazione della sua opera. Inoltre, nello stesso anno ha esposto alla galleria Marlborough Fine Art di Londra, la mostra intitolata "Recent Work. Paintings and sculptures", una selezione di undici opere che rendevano omaggio al lavoro artistico di Henri Matisse. Infatti, quando il pittore valenciano è stato intervistato in riferimento a questa mostra, Valdés ha risposto: "Rispondo ai suoi quadri con altri quadri". Manolo Valdés ha introdotto in Spagna una forma di espressione artistica che unisce l'impegno politico e sociale all'umorismo e all'ironia. La sua formazione inizia nel 1957, quando entra nella Scuola di Belle Arti San Carlos di Valencia. Tuttavia, due anni dopo abbandona gli studi per dedicarsi completamente alla pittura. Nel 1964 fonda il gruppo artistico Equipo Crónica, insieme a Juan Antonio Toledo e Rafael Solbes, nel quale rimane fino alla morte di quest'ultimo nel 1981, nonostante Toledo avesse lasciato il gruppo due anni dopo la sua fondazione. Da allora si è stabilito a New York, dove attualmente risiede e dove ha continuato a sperimentare nuove forme espressive, tra cui la scultura. Tra i numerosi riconoscimenti che Manolo Valdés ha ricevuto ci sono i premi Lissone e Biella di Milano, la medaglia d'argento della II Biennale Internazionale di Incisione di Tokyo, il premio del Bridgestone Art Museum di Lisbona, il Premio Nazionale di Arti Plastiche, la medaglia del Festival Internazionale degli Artisti Plastici di Baghdad, la Decorazione dell'Ordine di Andres Bello in Venezuela, il premio del Consiglio Nazionale di Monaco, la Medaglia d'Oro al Merito delle Belle Arti, il Premio dell'Associazione Spagnola dei Critici d'Arte e il Premio al Miglior Artista della Stampa, tra gli altri. Formalmente, Valdés crea un'opera di grande formato in cui luci e colori esprimono valori tattili, grazie al trattamento riservato ai materiali. Il suo lavoro costringe lo spettatore a scavare nella memoria e a cercare immagini significative della storia dell'arte. Valdés è presente in alcuni dei più importanti musei del mondo, come il Reina Sofía di Madrid, il Metropolitan, il MoMA e il Guggenheim di New York, il Centro Georges Pompidou e il Fons National d'Arts Plastiques di Parigi, la Kusnthalle di Amburgo, il Kunstmuseum di Berlino e il Museo de Bellas Artes di Bilbao, oltre a molti altri. L'autenticità di questo lotto è stata verificata dallo studio Manolo Valdés.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

Lotto 34 - EUDALD SERRA GÜELL (Barcellona, 1911-2002). Senza titolo. 1961 Scultura in gres. Esemplare 1/5. Base in marmo. Firmato e numerato Misure: 60 x 30 x 7 cm. Negli anni Cinquanta e Sessanta, Eudald Serra ha coltivato una scultura non figurativa di natura organica, con superfici curve e profusione di vuoti. L'opera del 1961 che presentiamo appartiene a quel periodo, particolarmente fecondo per questo autore. Questa scultura in gres è dotata di un grande potere di suggestione. Si ispira alle effigi preistoriche e alla scultura etnica delle culture ancestrali, pur dialogando con artisti del movimento moderno come Brancusi e Jean Arp. Scultore e pittore, Eudald Serra ha iniziato la sua formazione come discepolo di Angel Ferrant, combinando i suoi studi presso le scuole di La Llotja e di Belle Arti di Barcellona. Durante gli studi lavorò anche in un laboratorio di gioielli e in una compagnia di navigazione, il che è forse all'origine della sua passione per i viaggi, che lo portò a compiere il suo primo tour in Europa nel 1932. Debutta individualmente nel 1934, nella sala Busquets di Barcellona, e collabora con il gruppo ADLAN. Nel 1935 compie un viaggio di studio in Giappone, rimanendo affascinato dalla cultura locale al punto da stabilirsi nella città di Kobe, dove vive per diversi anni. In questo periodo si dedica principalmente alla ceramica, organizzando mostre a Tokyo, Osaka e Kobe. Nel 1939 vinse il premio alla mostra di Hyogo e, dopo un breve soggiorno negli Stati Uniti, tornò in Spagna nel 1948. Tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio degli anni Sessanta ha viaggiato molto nel Sud-Est asiatico e in Medio Oriente, mentre negli anni Ottanta ha visitato l'America Centrale, l'Australia, la Cina e il Marocco. Tra i suoi riconoscimenti figurano il Gran Premio alla Biennale di Alessandria, il Premio del Consiglio Provinciale di Madrid alla Biennale Ispano-Americana, il Premio Nazionale di Scultura e il Premio del Salone del Jazz di Barcellona. Ha fatto parte del gruppo di Altamira ed è stato professore alla Scuola Massana e alla Scuola di Belle Arti di Barcellona. Attualmente è rappresentato, tra gli altri, al Centro Nacional de Arte Reina Sofía, al MACBA di Barcellona e al Museo di Alessandria.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 35 - OSAMU TEZUKA (Toyonaka, 1928-Tokyo, 1989). "Più dal film di Leone Imperatore della Giungla". Celluloide e disegno sul retro. Misure: 46 x 35 cm; 51 x 41 cm (cornice). Osamu Tezuka, considerato "il dio dei Manga", è stato un mangaka (parola giapponese che indica il creatore di un fumetto) e animatore giapponese. Grazie al suo lavoro di illustratore, Tezuka ha ampliato e diffuso in modo massiccio la lettura e il consumo di manga come mezzo di intrattenimento popolare, facendo sì che i manga esercitassero una profonda influenza sulla società giapponese del dopoguerra. Ha influenzato il modo di fare fumetti della grande maggioranza degli autori successivi e le sue opere sono state tradotte in molte lingue, tra cui lo spagnolo. Il suo modo di fare fumetti si basava sulle tecniche cinematografiche di Walt Disney, introducendo lo story manga, o manga di lunga durata, con una trama molto più elaborata e complessa rispetto ai fumetti creati fino ad allora da altri artisti. Tra le sue opere più famose ci sono Jungle Taitei ("Kimba, il leone bianco"), Tetsuwan Atom ("Astroboy") e Ribbon No Kishi ("La principessa cavaliere"), considerato il primo shojo manga della storia. Il successo continuò nei decenni successivi, con serie come Hi no Tori ("Phoenix", 1954), Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) e Adolf (1983), subendo una svolta profonda con il culmine della serie MW (1976-1978), in cui affrontò temi molto insoliti per i manga dell'epoca, come l'omosessualità, la corruzione politica o le armi chimiche.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 38 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "U no es ningú". Litografia, esemplare XII/LXXXII. Firmata e numerata a matita. Tàpies Galfetti III, p. 37, fig. 723. Misure: 56 x 73 cm. Antoni Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Progressivamente si dedicherà con maggiore intensità al disegno e alla pittura, e infine abbandonerà gli studi di giurisprudenza per dedicarsi completamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi le sue mostre, sia collettive che personali, si tengono in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologiche a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. È da notare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 1 000 - 1 100 EUR

Lotto 39 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Composizione", 1976. Litografia su carta Guarro, esemplare H.C. Firmata e giustificata a mano. Edizione poligrafica. Tàpies Galfetti II, p. 208, fig. 636. Misure: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Progressivamente si dedicherà con maggiore intensità al disegno e alla pittura, e infine abbandonerà gli studi di giurisprudenza per dedicarsi completamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi le sue mostre, sia collettive che personali, si tengono in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologiche a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 1 000 - 1 100 EUR

Lotto 40 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Étude pour l'Homme au Mouton", 1967. Litografia su carta Arches. Firmata con timbro verde. Edizione di 200 copie su foglio unico. Edizione deluxe oltre a quelle pubblicate per la serie "La Flute Double". Catalogo Raissonné "Libri illustrati moderni", riferimento 8860. Misure: 96,7 x 41 cm. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso fece la sua prima mostra personale nel caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 1 000 - 1 100 EUR

Lotto 41 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Suite Berlin", 1974. Litografia su carta Arches, esemplare 144/150. Firmata e numerata a matita. Tàpies Galfetti II, p. 105, fig. 476. Misure: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Progressivamente si dedicherà con maggiore intensità al disegno e alla pittura, e infine abbandonerà gli studi di giurisprudenza per dedicarsi completamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria di Martha Jackson a New York. Da quel momento in poi le sue mostre, sia collettive che personali, si sono tenute in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. Gli sono stati assegnati premi come il Principe delle Asturie, il Praemium Imperiale della Japan Art Association, il National Culture Prize, il Grand Prix de Painting di Francia, ecc. e gli sono state dedicate antologie a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). È rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 42 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "70", 1979. Acquaforte, acquatinta, carborundum e incisione a rilievo su carta Guarro, copia 10/75. Firmata e numerata a matita. Tàpies Galfetti III, pag. 31, fig. 714 Misure: 19 x 20,5 cm (lastra); 56 x 73 cm (carta). Antoni Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Si dedica progressivamente e più intensamente al disegno e alla pittura, e infine abbandona gli studi di giurisprudenza per dedicarsi interamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria di Martha Jackson a New York. Da quel momento in poi le sue mostre, sia collettive che personali, si sono tenute in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. Gli sono stati assegnati premi come il Principe delle Asturie, il Praemium Imperiale della Japan Art Association, il National Culture Prize, il Grand Prix de Painting di Francia, ecc. e gli sono state dedicate antologie a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). È rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 43 - ALBERTO KORDA (L'Avana, 1928-2001). "Che Guevara", 1960 circa. Fotografia, negativo originale. Firmata e dedicata in alto a sinistra. Misure: 30 x 21 cm. Korda, il cui vero nome era Alberto Díaz Gutiérrez, ebbe il suo primo contatto con la fotografia quando prese la Kodak 35 mm del padre e iniziò a fotografare la sua ragazza. Korda iniziò la sua carriera di fotografo, fotografando inizialmente banchetti, battesimi e matrimoni. La qualità del lavoro di Korda come principiante era molto scarsa e le sue foto si deterioravano rapidamente. Nel 1953, Korda aprì il suo primo studio con un fotografo di nome Luis Pierce. Inizialmente, Korda e Pierce realizzarono una varietà di lavori che spaziavano dalla moda alla pubblicità. Tuttavia, aprendo il suo primo studio, Korda ebbe l'opportunità di imparare dai suoi errori e di fermare il processo utilizzando i prodotti chimici giusti. La maggior parte dei lavori veniva fotografata dal suo partner di studio per mantenere la sua attività. Fu il denaro generato da questi lavori che permise a Korda di sviluppare il suo stile unico di guardare un'immagine da un'altra angolazione, diversa da quella dei fotografi di studio tradizionali. Fu questo stile a definire e rendere popolari le fotografie realizzate presso i Korda Studios. Nei primi anni, Korda era più interessato alla moda e divenne il principale fotografo di moda di Cuba. Korda non amava l'illuminazione artificiale, che considerava "una parodia della realtà", e utilizzava solo la luce naturale nel suo studio. Era il maestro della fotografia in bianco e nero e con il suo lavoro cercava la composizione e l'inquadratura perfetta. Korda aveva un'ambizione creativa unica che spesso superava in stile la prospettiva culturale poco fantasiosa della fotografia cubana tradizionale. Questa creatività unica trasformò lo Studio Korda in qualcosa di più di un'azienda fiorente: divenne uno studio d'arte.

Stima 4 000 - 4 500 EUR

Lotto 44 - ZAO WOU-KI (Pechino, 1921 - Nyon, Svizzera, 2013). "Zoo-4", 1986. Acquaforte acquatinta, copia H.C. 4/15. Firmata e giustificata a mano. Misure: 40,5 x 56 cm (stampa); 48 x 63 cm (carta); 70 x 86 cm (cornice). Anche nelle incisioni, Zao Wou-Ki lavora con grandi masse di colore satinato che implodono configurando big bang germinali, paesaggi sublimi e primordiali come in questa occasione. Zao Wou Ki è nato in una famiglia franco-cinese ed è cresciuto in un ambiente molto colto, interessato alle arti e alle scienze. Durante l'infanzia studia calligrafia, aspetto che influenzerà la sua opera matura, e successivamente si forma in pittura presso la Facoltà di Belle Arti di Hangzhou tra il 1935 e il 1941. Qualche anno dopo, nel 1948, si stabilisce a Parigi, nel quartiere di Montparnasse, dove seguirà i corsi artistici di Émile Othon Friesz ed entrerà in contatto con l'avanguardia artistica contemporanea. Comincia a sperimentare la litografia, una tecnica che poi padroneggia grazie al contatto con Desjobert. Nel maggio 1949 tiene una mostra personale alla Galleria Creuze, con una presentazione scritta da Bernard Dorival, curatore del Museo Nazionale d'Arte Moderna. Nel gennaio 1951 Pierre Loeb visita l'atelier di Wou-Ki insieme a Henri Michaux, organizzando una mostra alla Galleria Pierre per il mese di giugno e gettando così le basi per uno stretto rapporto di collaborazione che durerà sei anni. L'artista espone regolarmente alla Galleria Pierre, incontra I. M. Pei e sua moglie Eileen e apre la sua cerchia di mostre in Svizzera, a Londra, Basilea e Losanna, oltre che a New York, Washington e Chicago. È Michaux a scrivere la presentazione del catalogo della sua prima mostra newyorkese, alla Cadly-Birch Gallery.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 45 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). "Composizione. Litografia. Esemplare 42/99. Firmato e giustificato a matita. Misure: 76 x 57 cm; 93 x 73 cm (cornice). Luís Feito, nato e formatosi a Madrid, è stato uno dei membri fondatori del gruppo El Paso. Nel 1954 tiene la sua prima mostra individuale, con opere non figurative, presso la galleria Buchholz di Madrid. Da quel momento Feito espone regolarmente nelle più importanti città del mondo, come Parigi, Milano, New York, Helsinki, Tokyo e Roma. Nominato professore alla Scuola di Belle Arti di San Fernando nel 1954, due anni dopo lascia l'insegnamento e si reca a Parigi con una borsa di studio per studiare le avanguardie del momento. In questo periodo subisce l'influenza dell'automatismo e della pittura materica. Nel 1962 diventa membro fondatore del gruppo El Paso, con il quale aveva perso i contatti durante gli anni parigini. Le sue prime opere si iscrivono nell'ambito della pittura figurativa, per poi attraversare una fase in cui sperimenta il cubismo e infine entrare pienamente nell'astrazione. All'inizio utilizzava solo colori neri, ocra e bianchi, ma quando scoprì il potenziale della luce, iniziò a usare colori più vivaci e piani lisci. Si è evoluto fino a utilizzare il rosso come contrappunto nelle sue composizioni (dal 1962) e, in generale, colori più intensi. Nella sua fase astratta, che comprende gli anni Settanta, Feito mostra una chiara tendenza alla semplificazione, con il cerchio che predomina nelle sue composizioni come forma geometrica. Forse l'influenza dell'arte giapponese è visibile nella sua preferenza per le grandi bande di nero. La maggior parte delle sue opere sono senza titolo, quindi di solito sono riconoscibili grazie a un numero assegnato loro. Tra i suoi riconoscimenti, la nomina a Ufficiale dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia nel 1985. Nel 1998 ha ricevuto la Medaglia d'Oro delle Belle Arti di Madrid ed è stato nominato membro effettivo dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando. Nel 2000 ha ricevuto il Premio dell'Associazione Spagnola dei Critici d'Arte al Salone Estampa, nel 2002 il Gran Premio AECA per il miglior artista internazionale ad ARCO, nel 2003 il premio per l'artista più rilevante alla Fiera d'Arte di Osaka (Giappone), nel 2004 il Premio per la Cultura delle Arti Plastiche della Comunità di Madrid, nel 2005 il Premio Francisco Tomás Prieto della Fábrica Nacional de Moneda y Timbre e nel 2008 il Premio della Fondazione Jorge Alió e il Gran Premio d'Arte Contemporanea Spagnola CESMAI. Luis Feito è rappresentato nei più importanti musei del mondo.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 47 - MAX NEUMANN (Saarbrücken, Germania, 1949) Senza titolo, 1990 Olio su carta aderente alla tela. Firmato e datato in basso a destra. Con etichetta della galleria Maeght di Barcellona. Misure: 220 x 180 cm. L'opera che presentiamo ci immerge in un'atmosfera cupa, che suggerisce una violenza latente. Max Neumann ha sviluppato uno stile personale di grande forza. È un artista già installato nel proprio universo, che scivola tra l'astrazione e una figurazione enigmatica. Il pittore tedesco Max Neumann ha partecipato a numerose mostre personali in gallerie tedesche e straniere, nonché a esposizioni presso il Saarland Museum, Saarbrücken, e il Folkwang Museum, Essen, due dei più rinomati musei tedeschi d'arte contemporanea, il che dimostra che Max Neumann è un artista riconosciuto, le cui opere sono rappresentate in importanti collezioni istituzionali, pubbliche e private di tutto il mondo. Attualmente vive a Berlino. Si è formato dal 1969 al 1977 presso le scuole d'arte di Saarbrucken, Karlsruhe e Berlino. Mostre personali selezionate: 2015 -Galleria Bruce Silverstein, New York 2014 Galerie Thomas Levy, Hambourg Galerie Xenon, Bordeaux Galerie Vidal-Saint Phalle, Parigi 2013- Galerie Stefan Röpke, Colonia? Mimmo Scognamiglio artecontemporanea, Milano. Galerie Clairefontaine, Lussemburgo 2012 -Galerie Vidal-Saint Phalle, Parigi Bruce Silverstein Gallery, New York 2011-Levy, Amburgo 2010- Fondation Antonio Pérez, Centro de Arte Contemporáneo, Cuenca. Museo de Obra Gráfica, San Clemente, Cuenca Galerie Vidal-Saint Phalle, Parigi. Galleria AUP Fine Arts, Università americana di Parigi. Galerie Arnes e Röpke, Madrid. Galerie Stefan Röpke, Colonia. Kunstverein Niebüll, Richard-Haizmann-Museum, Niebüll 2009 -Villa Wessel, Iserlohn. Centre Cultural Contemporani Pelaires, Palma di Maiorca Ronchini Arte Contemporanea, Terni. Freie Akademie der Künste di Amburgo 2008-Galerie Stefan Röpke, Colonia.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 48 - MANUEL MARÍN (Cieza, Murcia, 1942 - Malaga, 2007). "Scultura mobile a soffitto. Acciaio policromo. Allegato certificato di autenticità rilasciato dalla signora Mónika Rabassa, vedova dell'artista. Firmata sulla base. Misure: 167 x 225 x 0,5 cm. Scultura mobile in metallo, che l'artista ha policromato in diverse tonalità di una gamma cromatica primaria. L'artista ha utilizzato diverse tonalità di una gamma cromatica primaria. Ciò avvicina il disegno all'estetica neoplasticista, in cui l'uso di questa gamma di colori e la sperimentazione nella loro rappresentazione erano molto comuni in questa corrente estetica. Vale la pena menzionare il lavoro di Manuel Marín, che dimostra il suo chiaro legame con le correnti d'avanguardia, l'applicazione e lo sviluppo di queste nella propria produzione attraverso un linguaggio unico e personale. Manuel Marín ha iniziato a frequentare il mondo della tauromachia all'età di dieci anni e ha realizzato la sua prima corrida all'età di sedici anni. Tuttavia, a vent'anni si reca a Londra e inizia a lavorare in una galleria d'arte, entrando definitivamente nel mondo della scultura. Lì incontra l'artista britannico Henry Moore, che lo assume come assistente nella realizzazione delle sue sculture in bronzo. Nel 1964 si trasferisce a New York, dove lavora come restauratore d'arte fino all'apertura di una propria galleria, The American Indian Art Gallery, che annovera tra i suoi clienti Warhol, Basquiat, De Kooning, Keith Haring e altri. Attratto dalle sculture mobili, nel 1969 inizia a creare le proprie opere e l'anno successivo tiene la sua prima mostra alla Alan Brown Gallery di Scardele, New York. Da allora ha esposto le sue opere in varie sedi di New York, oltre che in Canada, Italia, Messico, Cina, Porto Rico, Giappone e Spagna. Attualmente ha monumenti pubblici in varie parti degli Stati Uniti e della Spagna ed è rappresentato in collezioni spagnole e straniere, avendo ottenuto il riconoscimento della critica e del pubblico per la sua produzione artistica.

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 51 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcellona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "A quattro zampe", 1986. Olio su tela. Con etichetta della galleria Dau al Set sul retro. Firmato e datato in alto a destra. Misure: 145x 180 cm. Pittore, disegnatore, fotografo e incisore di formazione autodidatta, Lluís Claramunt trascorre la sua vita tra Barcellona, Madrid, Siviglia, Bilbao e Marrakech, e sviluppa un'opera influenzata da Isidre Nonell e segnata da un espressionismo agli esordi, che scomparirà gradualmente fino a trasformarsi in una calligrafia minimale. A partire dagli anni Settanta tiene mostre personali in gallerie importanti come Dau al Set a Barcellona, Quatre Gats a Palma di Maiorca, Juana de Aizpuru a Siviglia o Buades a Madrid, e partecipa anche ad Arco (1984, 1988). Ha inoltre realizzato mostre personali a New York, Amsterdam, Graz (Austria) e Lisbona. Inoltre, nel 2012 il suo lavoro è stato esposto nella mostra personale "El viatge vertical", tenutasi al MACBA di Barcellona. Attualmente è rappresentato in quel museo, nella Fundació Vila Casas, nella Collezione La Caixa, nel Museo de Bellas Artes de Álava, nella Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, nel Consejo Superior de Deportes e nel Ministerio de Cultura della stessa città e nella Colección Caja Madrid. Recentemente Claramunt ha esposto presso la prestigiosa galleria Marc Domenech di Barcellona, che ha dedicato la mostra "Luis Claramunt. Años 80" interamente dedicata all'opera dell'artista. L'esposizione, tenutasi nel maggio 2016, presentava più di settanta opere che dimostravano la predilezione dell'artista per gli spazi urbani, rappresentati attraverso una tavolozza totalmente espressionista in cui predomina una tavolozza dinamica e vibrante.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 58 - TERÁN (Cile, 1974). "Tributo a Banksy", serie Tribute to Genius, 2022. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 60 x 60 cm. Nel catalogo della mostra "Omaggio ai geni", si sottolinea che "Terán cerca di postulare il ritorno della pittura come strategia simbolica. I suoi omaggi, che assumono la forma di pastiche, non lo sono. Gli artisti che sceglie di omaggiare sono da lui ammirati (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla e Andy Warhol). L'elenco non potrebbe essere più eterogeneo. Non segue alcun ordine. Rende omaggio agli artisti che ammira, anche quando il suo lavoro non ha alcuna relazione con loro. L'eterogeneità delle sue preferenze è evidente e dà ragione a E. Gombrich, per il quale non esiste l'arte ma gli artisti. Questo estremo nominalismo lo porta a saltare le categorie estetiche, così come le cronologie". Artista cileno residente in Spagna, laureato in Belle Arti, Manuel Terán ha sviluppato il suo lavoro creativo nel campo delle arti plastiche e delle nuove tecnologie applicate all'arte. Da quando si è fatto conoscere nel 1995 al Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes di Santiago del Cile, ha tenuto mostre personali e partecipato a mostre collettive e fiere in America Latina e in Europa. Ha ricevuto premi come quello dell'Accademia Reale di Belle Arti del Cile.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 59 - TERÁN (Cile, 1974). "Omaggio a Warhol", Serie Omaggio al genio, 2022. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 60 x 60 cm. Nel catalogo della mostra "Omaggio ai geni", si sottolinea che "Terán cerca di postulare il ritorno della pittura come strategia simbolica. I suoi omaggi, che assumono la forma di pastiche, non lo sono. Gli artisti che sceglie di omaggiare sono da lui ammirati (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla e Andy Warhol). L'elenco non potrebbe essere più eterogeneo. Non segue alcun ordine. Rende omaggio agli artisti che ammira, anche quando il suo lavoro non ha alcuna relazione con loro. L'eterogeneità delle sue preferenze è evidente e dà ragione a E. Gombrich, per il quale non esiste l'arte ma gli artisti. Questo estremo nominalismo lo porta a saltare le categorie estetiche, così come le cronologie". Artista cileno residente in Spagna, laureato in Belle Arti, Manuel Terán ha sviluppato il suo lavoro creativo nel campo delle arti plastiche e delle nuove tecnologie applicate all'arte. Da quando si è fatto conoscere nel 1995 al Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes di Santiago del Cile, ha tenuto mostre personali e partecipato a mostre collettive e fiere in America Latina e in Europa. Ha ricevuto premi come quello della Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 60 - TERÁN (Cile, 1974). "Omaggio a Pollock", serie Tribute to genius, 2022. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 60 x 60 cm. Nel catalogo della mostra "Omaggio ai geni" si legge che "Terán cerca di postulare il ritorno della pittura come strategia simbolica. I suoi omaggi, che assumono la forma di pastiche, non lo sono. Gli artisti che sceglie di omaggiare sono da lui ammirati (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla e Andy Warhol). L'elenco non potrebbe essere più eterogeneo. Non segue alcun ordine. Rende omaggio agli artisti che ammira, anche quando il suo lavoro non ha alcuna relazione con loro. L'eterogeneità delle sue preferenze è evidente e dà ragione a E. Gombrich, per il quale non esiste l'arte ma gli artisti. Questo estremo nominalismo lo porta a saltare le categorie estetiche, così come le cronologie". Artista cileno residente in Spagna, laureato in Belle Arti, Manuel Terán ha sviluppato il suo lavoro creativo nel campo delle arti plastiche e delle nuove tecnologie applicate all'arte. Da quando si è fatto conoscere nel 1995 al Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes di Santiago del Cile, ha tenuto mostre personali e partecipato a mostre collettive e fiere in America Latina e in Europa. Ha ricevuto premi come quello della Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 61 - CHRIS OFILI (Manchester, 1968). Senza titolo, 1997. Acquerello e matita su carta. Firmato e datato sul retro del disegno. Dimensioni: 24 x 15,5 cm; 40 x 30 cm (cornice). Chris Ofili crea dipinti intricati e caleidoscopici e opere su carta che fondono astrazione e figurazione. Ofili è diventato famoso negli anni Novanta per i suoi dipinti complessi e giocosi, impreziositi da un caratteristico mix di resina, glitter e collage. Le sue opere, vibranti, simboliche e spesso misteriose, si basano sui paesaggi lussureggianti e sulle tradizioni locali dell'isola di Trinidad, dove vive dal 2005. Utilizza una vasta gamma di fonti estetiche e culturali, tra cui le pitture rupestri dello Zimbabwe, i film di genere blaxploitation, le Metamorfosi di Ovidio e la pittura modernista. Il lavoro di Ofili indaga l'intersezione tra desiderio, identità e rappresentazione. Nato nel 1968 a Manchester, in Inghilterra, Ofili ha conseguito il BFA presso la Chelsea School of Art di Londra nel 1991 e il MFA presso il Royal College of Art di Londra nel 1993. Nel 2005 l'artista è entrato a far parte di David Zwirner, dove ha tenuto quattro mostre personali presso la galleria newyorkese. L'Institute of Contemporary Art di Miami, in occasione dell'apertura del suo nuovo edificio, ha commissionato l'opera di Ofili per un'installazione a lungo termine, esposta dal 2017 al 2019. Nel 2017 la National Gallery di Londra ha presentato "Chris Ofili: Weaving Magic", che ha segnato la prima volta che l'artista ha lavorato con il mezzo dell'arazzo. Nello stesso anno, Ofili ha creato un'opera d'arte site-specific, che incorpora un murale, per Marisol, il ristorante appena ridisegnato del Museum of Contemporary Art di Chicago. Nel 2015, un gruppo di dipinti di Ofili è stato incluso in "All The World's Futures", la 56a Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia, curata da Okwui Enwezor. Le opere dell'artista sono state oggetto di mostre personali in tutto il mondo, tra cui "Chris Ofili: Night and Day", la prima grande mostra personale dell'artista in un museo degli Stati Uniti. La mostra è stata organizzata dal New Museum di New York, dove è stata presentata per la prima volta nel 2014, ed è passata all'Aspen Art Museum in Colorado nel 2015. Altre mostre monografiche si sono tenute all'Arts Club di Chicago (2010); alla Tate Britain di Londra (2010 e 2005); alla Kestnergesellschaft di Hannover (2006); allo Studio Museum di Harlem, New York (2005); e al Padiglione Britannico della 50ª Biennale di Venezia (2003). Nel 2017 Ofili è stato insignito dalla Regina del titolo di Commander of the Most Excellent Order of the British Empire (CBE) e nel 1998 ha ricevuto il prestigioso Turner Prize. Le opere dell'artista sono presenti nelle principali collezioni internazionali, tra cui il British Museum di Londra, il Carnegie Museum of Art di Pittsburgh, Pennsylvania, il Museum of Contemporary Art di Los Angeles, il Museum of Modern Art di New York, la National Gallery of Canada di Ottawa, la Tate Gallery di Londra, il Victoria and Albert Museum di Londra e il Walker Art Center di Minneapolis, Minnesota.

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 63 - SAM FRANCIS (San Mateo, California, 1923 - Santa Monica, California 1994). Senza titolo, 1984 (SFF.1099 alias SFP84-46). Acrilico su tela. Firmato sul verso in corsivo dall'artista: "Sam Francis" con le scritte "SFP84-45" in pennarello blu e 1984 in matita grigia. Provenienza: -Galleria Nantenshi, Tokyo (1985). -Collezione privata, Giappone. Allegato certificato di autenticità rilasciato dalla Sam Francis Foundation. Elencato nel catalogo ragionato con il n. SFF. 1099. Misure: 5,08 x 7,62 cm; 33 x 40 cm (cornice). In questa tela, San Francis ci presenta una composizione dedicata allo studio del ritmo e alla scomposizione lineare delle forme astratte. Stili come il neoplasticismo e il costruttivismo sono stati assimilati in modo personale; tuttavia, il californiano si spinge oltre e rompe con questa idea di linee pure, lasciando gli spazi al caso e all'espressività della materia pittorica stessa, come si può vedere nelle gocce di vernice versate. San Francis ha studiato botanica, medicina e psicologia all'Università di Berkeley, in California, tra il 1941 e il 1943, e ha prestato servizio nell'Aeronautica Militare degli Stati Uniti durante la Seconda Guerra Mondiale, dal 1943 al 1945, prima di rimanere ferito in un incidente aereo. Trascorse diversi anni in ospedale e fu in questo periodo che iniziò a dipingere, su esortazione dell'amico David Parks, professore alla San Francisco School of Fine Arts. Una volta uscito dall'ospedale torna a Berkeley, questa volta per studiare arte. Gli studi di pittura e storia dell'arte lo impegnano dal 1948 al 1950. I primi lavori di Francis sono direttamente influenzati dagli espressionisti astratti come Rothko, Gorky e Still. Negli anni Cinquanta vive a Parigi, dove nel 1952 tiene la sua prima mostra personale alla Galerie Nida Dausset. Negli anni Cinquanta e Sessanta tiene importanti mostre personali e partecipa a collettive alla Ribe Droite (Parigi, 1955), a Martha Jackson (New York, 1956), a Gimpel Fils (Londra, 1957), alla mostra "New American Painting", che fa il giro di otto città europee (1958), alla Documenta di Kassel (1959 e 1964) e alle Kunsthalle di Berna e Düsseldorf. Nel 1963 si stabilisce a Santa Monica, in California, e sei anni dopo viene insignito del dottorato honoris causa dall'Università di Berkeley. È in questo periodo, tra il 1960 e il 1963, che crea diverse serie di opere, tra cui la serie "Blue Balls". Costituite da forme e gocce prevalentemente biomorfe di colore blu, queste opere fanno riferimento al dolore provocato dalla tubercolosi renale di cui soffre nel 1961. Continuò a dipingere, principalmente a Los Angeles, ma anche a Tokyo, dove visse soprattutto nel 1973-4. Nel 1965 Francis inizia una serie di dipinti caratterizzati da ampie aree di tela aperta, colore minimo e linee decise. Il suo lavoro si evolve ulteriormente dopo aver iniziato un'analisi junghiana intensiva con il dottor James Kirsch nel 1971. Le opere di Francis dei primi anni Settanta sono state definite "immagini d'aria fresca". Create aggiungendo pozze, gocce e spruzzi di colore a bande bagnate applicate con un rullo, queste opere riaffermano l'interesse dell'artista per il colore. Nel 1973-4, molti dei dipinti di Francis presentavano una griglia formale o una matrice composta da tracce di colore incrociate. Molte di queste opere a matrice erano di grandi dimensioni e misuravano fino a sei metri di lunghezza. Dopo il 1980, la struttura formale a griglia è gradualmente scomparsa dal lavoro di Francis. Francis è stato estremamente attivo come stampatore, creando numerose acqueforti, litografie e monotipi, molti dei quali sono stati eseguiti a Santa Monica presso il Litho Shop di Francis. Nel 1984 Francis fonda The Lapis Press con l'obiettivo di produrre testi insoliti e tempestivi in formati visivamente accattivanti.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 66 - VICTOR MIRA (Saragozza, 1949 - Monaco, 2003). "Bachcantata". 1992 Acrilico su cartone. Firmato in basso a sinistra. Allegato certificato di autenticità rilasciato da Esther Romero Fajardo. Misure: 54 x 53 cm; 74 x 74 cm (cornice) Pittore, scultore, incisore e scrittore, la sua formazione è fondamentalmente autodidatta. All'età di diciotto anni ha tenuto la sua prima mostra personale presso la galleria N'Art di Saragozza, che è stata anche la prima mostra di scultura all'aperto organizzata in quella città. Poco dopo si trasferisce a Madrid, dove espone nel 1973 presso la galleria Pol Verdié. Durante gli anni trascorsi nella capitale partecipa agli Encuentros de Pamplona, dove conosce John Cage. Due anni dopo, nel 1974, Ana María Canales pubblica il libro "Víctor Mira, eres mi pintor preferido" (Victor Mira, sei il mio pittore preferito). Nel 1975 si reca a Heidelberg, dove vive per cinque mesi, e nello stesso anno pubblica "El libro de las dos hojas". Nel 1976 inizia a lavorare in Germania alle serie "Spanische Haltung" e "Manos". Dopo aver trascorso un periodo tra Madrid e la Germania, nel 1977 si stabilisce a Barcellona. Qui inizia il ciclo di dipinti "Interiores catalanes con tomate" e nel 1979 pubblica il suo primo libro di poesie, "El bienestar de los demonios". Nello stesso anno tiene la sua prima mostra personale a Monaco, presso la galleria Tanit, e l'anno successivo espone negli Stati Uniti, presso la galleria George Staempfli di New York. Da quel momento la sua carriera internazionale decolla, con mostre in Germania, Stati Uniti, Olanda, Svizzera, Svezia, Norvegia, Colombia, Francia, Belgio e Austria, mentre continua a esporre regolarmente in Spagna. Nel 1983 si reca per la prima volta negli Stati Uniti, invitato dal Meadows Museum di Dallas, e nello stesso anno lavora nei laboratori di stampa della Southern Methodist University di Dallas e trascorre cinque mesi a New York. Sempre nel 1983, a Barcellona, realizza la sua prima serie di sculture in ferro, "Cultura del arco" e "Mediodías". Nel 1997 viene invitato a partecipare alla Biennale d'Arte di New York da Amy Chaiklin e sei anni dopo, poco prima della sua morte, riceve il premio come miglior artista spagnolo vivente alla Fiera ARCO. La più recente mostra retrospettiva dedicata all'artista si è tenuta a Düsseldorf, in Germania, presso la galleria Beck & Eggeling. Opere di Mira sono conservate in musei e collezioni private di tutto il mondo, tra cui il Museum of Modern Art di New York, il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, il MACBA di Barcellona, i Musei di Belle Arti di Vitoria e Saragozza, la Fondazione Beulas di Huesca e il Museo Colecciones ICO di Madrid.

Stima 1 400 - 1 500 EUR

Lotto 68 - RON ENGLISH (Chicago, 1959) per Made by Monsters Toys. "Maschera di topo Murphy". Edizione limitata, esemplare 63/300. Vinile. Con timbri dell'editore e numerato. Con scatola originale. Prodotto da Made by Monsters Toys. In buone condizioni. Misure: 22 cm (altezza); 26 x 28,5 x 14,5 cm (scatola). Ron English x Made by Monsters JPS ha pubblicato questa "Bondage Shaved Mouse Mask Murphy" incatenata a uno dei disegni caratteristici di English, il "Bondage Smiley Grin". Gli Art Toys di Ron English sono un mix tra pop art e propaganda che segue il concetto di "Culture Jamming", traducibile come sabotaggio o deviazione culturale, in cui incorpora iconografie derivate da fumetti di supereroi, storia dell'arte, pubblicità o politica. English gioca quindi con l'iconografia delle multinazionali, della cultura popolare o della storia dell'arte, come Joe Camel, McDonalds, Vincent vanGogh o Mickey Mouse, modificandola e satireggiandola per simboleggiare l'opposto dei valori che rappresentano. Il nome di English è apparso sulle più importanti riviste del mondo (The New York Times, The Wall Street Journal, USA Today, The Miami Herald, The Washington Post, The Los Angeles Times, LA Weekly, Art News, Time Magazine, Rolling Stone, Creem, Juxtapoz Magazine, Hi Fructosa, Mad Magazine, tra gli altri). Le sue apparizioni cinematografiche e televisive includono Exit Through the Gift Shop, Supersize Me, The Simpsons, Work of Art, Street Art Throwdown, CNN, BBC, Sky TV e molti altri. Oltre alle sue pratiche artistiche e ai suoi murales, English ha realizzato copertine di album per musicisti come Dandy Warhols e Slash, opere per il documentario Super Size Me e vari Art Toys. In buone condizioni.

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 69 - "KAWS", BRIAN DONNELLY (New Jersey, 1974) per Medicom Toy China. "Companion cinque anni dopo", 2004. PVC dipinto di nero. Firmato sulle piante dei piedi. Prodotto da Medicom Toy China. Con scatola originale. In buone condizioni. Misure: 38 cm (altezza); 43 x 22 x 15 mm (scatola). Nell'ampia gamma di disegni di Kaws spiccano i "Companions", figure ispirate al personaggio di Topolino, un'icona che l'artista conosce bene avendo iniziato la sua carriera negli studi Disney lavorando come animatore. Anche i suoi Compagni indossano guanti bianchi e le scarpe di Topolino, ma al posto degli occhi hanno due croci. La sua iconografia basata sulla cultura popolare non si è concentrata solo sulla figura di Topolino, ma ci sono Compagni basati su Star Wars, SpongeBob SquarePants o i personaggi di Sesame Street. L'artista e designer americano Kaws si distingue per il suo lavoro distintivo che abbraccia diversi decenni. Il suo repertorio di personaggi e motivi figurativi, alcuni creati da lui stesso e altri reinterpretati da icone esistenti, ha lasciato un segno unico nel mondo dell'arte contemporanea. Le sculture di Kaws presentano un'impressionante diversità, spaziando da dimensioni ridotte a dieci metri di altezza. Realizzate con materiali come la fibra di vetro, l'alluminio, il legno, il bronzo e persino un'ingegnosa zattera gonfiabile in acciaio, le sue creazioni sono una fusione di innovazione tecnica ed espressione artistica. Le opere di Kaws si sono guadagnate un posto nelle gallerie e nei musei, oltre che nelle collezioni permanenti delle istituzioni pubbliche. Ha inoltre catturato l'attenzione di collezionisti appassionati, tra cui il produttore musicale Swizz Beatz e il famoso rapper Pharrell Williams. Numerosi libri sono stati pubblicati per illustrare e analizzare il suo potente lavoro. Con sede a Brooklyn, New York, Kaws non si limita a creare sculture, ma esplora anche altre forme d'arte come i dipinti acrilici su tela e le serigrafie. La sua influenza si estende anche al settore commerciale, dove ha collaborato prevalentemente alla produzione di giocattoli in edizione limitata, oltre che al design di abbigliamento, skateboard e altri prodotti. Lo stile distintivo di Kaws è caratterizzato da una vibrante enfasi sul colore e sulla linea, oltre che da una grafica iconica, come la ripetuta inclusione della "x" nelle mani e negli occhi. Il suo lavoro si distingue anche per l'abile riappropriazione di icone della cultura pop, come Topolino, l'omino Michelin, i Puffi, Snoopy e SpongeBob SquarePants. In buone condizioni.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 71 - ROBERT INDIANA (New Castle, Indiana, USA, 1938 - Vinalhaven, Maine, USA, 2018). Serie LOVE . Arazzo in lana indiana 100% fatto a mano. Copie numerate. Con certificato firmato in lastra e numerato a mano sul retro. Misure: 60 x 60 cm (i piccoli), 78 x 78 cm (i grandi). Tutti i tappeti "LOVE" in edizione illimitata sono realizzati a mano nella città di Varasani. Durante il processo di produzione si pratica il rispetto per l'ambiente e per i lavoratori, e non si ricorre al lavoro minorile. La produzione di questi tappeti richiede un'enorme abilità artigianale, poiché ogni tappeto viene realizzato dall'inizio alla fine da un singolo artigiano. Robert Indiana è una delle figure preminenti della scena artistica americana a partire dagli anni Sessanta, leader nello sviluppo della tecnica dell'assemblaggio e dei movimenti Hard Edge e Pop Art americana. Indiana ha studiato all'Art Institute di Chicago, alla Skowhegan School of Painting and Sculpture e anche alla Edinburgh School of Art. Oltre che pittore, Robert Indiana è stato scenografo e costumista teatrale, in produzioni come The Mother of Us All della Santa Fe Opera, e ha recitato nel film Eat diretto da Andy Warhol. Si è autoproclamato "il pittore americano dei segni" e nel corso della sua lunga carriera ha esplorato, e allo stesso tempo costruito, l'identità americana attraverso diverse iconografie. Il suo particolare linguaggio visivo, che si potrebbe definire "lirismo", è stato segnato da slogan come HUG, EAT e il famoso "LOVE". È diventato l'emblema che continua a unire molte generazioni artistiche e fa ormai parte dell'inconscio collettivo in tutto il mondo. L'iconica serie LOVE, riconosciuta da LO e VE impilati l'uno sull'altro e disposti a quadrato, e alla quale appartiene il nostro pezzo, è stata utilizzata per la prima volta in una serie di poesie scritte nel 1958. Poi, nell'estate del 1965, il MoMA commissionò a Indiana la progettazione di cartoline di Natale, approvando alla fine questo disegno rosso, blu e verde. La sua vera traduzione semantica è profondamente legata al cristianesimo e all'infanzia dell'artista, educato secondo la Chiesa di Cristo, Scientista. In un epistolario con il collezionista Larry Aldrich, Indiana racconta che esisteva una frase "Dio è Amore" scritta dalla fondatrice di questa chiesa, Mary Baker Eddy, che era un motto non ufficiale del cristianesimo scientista. Da qui è nata l'idea dell'amore superiore che Indiana ha voluto trasmettere attraverso tutte le sue opere dagli anni Sessanta fino alla sua morte. Nel 2008 Indiana ha creato un'immagine molto simile per la campagna presidenziale di Barack Obama, in cui questo simbolo è stato utilizzato per vari articoli di propaganda. Robert Indiana ha tenuto centinaia di mostre personali e collettive in tutto il mondo. In particolare in Spagna ha esposto tre volte, nel 1992 alla Galería 57, nel 2009 alla Galería Barcelona e infine nel 2012 al Museo de Pasión di Valladolid. Con certificato firmato in lastra e numerato a mano sul retro.

Stima 2 000 - 2 200 EUR

Lotto 72 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "I dieci comandamenti", 1975. Collezione di 10 medaglie d'argento e custodia in metacrilato con firma stampata. Firmato dall'artista. Misure: 5 cm di diametro per ogni medaglia. Collezione composta da dieci monete che simboleggiano i 10 comandamenti. Esemplificando alcune delle monete, quella corrispondente al decimo comandamento (Non desiderare i beni altrui) mostra un palazzo di proporzioni monumentali, in cui la costruzione e la decorazione sono testimonianza di grande ricchezza, e un cavaliere che entra nelle magnifiche sale del palazzo. A destra si trova una capanna precaria e fiacca, che protegge un povero; in corrispondenza del nono comandamento (Non desiderare la moglie del tuo prossimo) sulla moneta il significato simbolico desiderato è raggiunto dall'inversione di un'immagine che, vista da destra a sinistra, rappresenta la pietà dovuta a uno schiavo con le mani legate dietro la schiena. Vista al contrario, da sinistra a destra, l'immagine cambia significato. Quella che era la pietà si trasforma in un desiderio di concupiscenza erotica, poiché in questo modo quella che prima era la testa della figura diventa la parte posteriore. Pittore e scultore, Salvador Dalí è stato uno dei maggiori esponenti del movimento surrealista. La sua opera ha influenzato notevolmente il corso del surrealismo negli anni Venti e Trenta, essendo acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, una combinazione essenziale di reale e immaginario. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Museo Salvador Dalí di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 73 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Madonne au serpent", 1966. Gesso dorato. L'edizione è formata, da un lato, da tre pezzi in gesso che sono stati regalati a tre ristoranti catalani di Barcellona, Tarragona e Figueres; dall'altro, da alcune altre copie nello stesso materiale che sono state realizzate per amici e parenti di Joan Duran, creatore della cornice che circonda la scultura (è a quest'ultimo gruppo che appartiene l'opera in asta). Fa parte dell'edizione anche un ultimo esemplare in bronzo dorato. Firmato e datato in basso a sinistra. Cornice realizzata da Joan Durán. Catalogato in: "Le dur et le mou", Eccart, R&N Descharnes, p. 204, fig. 496. Misure: 49,5 x 33 x 6,5 cm (gesso); 62,7 x 46,5 x 12,5 cm (cornice). Elementi tipicamente daliniani decorano la cornice di questo rilievo dell'Immacolata Concezione: una serie di lumache, che alludono all'incontro del maestro surrealista con Sigmund Freud, sono affiancate da due uova che simboleggiano la fertilità, un motivo ripetuto più volte nel repertorio di Dalí, che decora anche il tetto del Museo Salvador Dalí di Figueras, Durante i primi anni di vita, Dalí scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove conosce la famiglia di Ramon Pichot, un artista che si reca regolarmente a Parigi. Seguendo il consiglio di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiornò nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da allora in poi sarebbero diventate distintive di tutto il suo lavoro. In questo periodo Dalí tiene regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. A seguito della sua prima mostra individuale a New York, la sua proiezione internazionale si consolida definitivamente e da allora espone le sue opere e tiene conferenze in tutto il mondo. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 74 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "In Jaumet Pirouli", 1962. Bronzo, copia P.A. Firmato e giustificato nel margine inferiore. Con timbro della Fonderia Parellada. Misure: 17 x 8 cm; 32 x 8 cm (con supporto). Il titolo giocoso di questo rilievo in bronzo di Clavé conferisce al bronzo un certo tono ironico, in cui l'artista ha rappresentato volti che emergono dalla materia, espressivi e ispirati alle effigi primitive. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Escuela de Bellas Artes de San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica inizialmente alla grafica pubblicitaria, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla guerra civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 75 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcellona, 1931 - 2005). "Natura morta", 1969. Olio su tela. Con etichetta Sala Gaspar sul retro. Misure: 46 x 55,5 cm; 48 x 57 cm (cornice). In quest'opera Hernández Pijuan riprende il genere classico della natura morta e lo tratta in modo apparentemente figurativo. Tuttavia, egli essenzializza il tema e lo spiritualizza, conferendogli una cadenza metafisica. Le due uova sembrano fluttuare nel vuoto, nonostante la mensola su cui si trovano, di colore leggermente più scuro rispetto allo sfondo. Pijuan riecheggia qui la carica simbolica delle nature morte barocche. Le uova potrebbero rappresentare il ciclo della vita e della morte. Per la loro fragilità sono una metafora della fragilità della vita. Simboleggiano anche la perfezione, ma anche la dualità della natura umana. Il dipinto potrebbe anche essere visto come un commento sulla natura dell'arte e sul suo potere. Quest'opera può essere messa in relazione con "Espai marró amb ou" (1970) della Collezione del Museo Reina Sofía. Joan Hernández Pijuan ha iniziato la sua formazione a Barcellona, frequentando le scuole di La Lonja e di Belle Arti di Sant Jordi, per poi completarla alla Scuola di Belle Arti di Parigi. Nominato professore alla Facoltà di Belle Arti di Barcellona nel 1981, Hernández Pijuan occupa una posizione singolare tra gli artisti spagnoli degli ultimi decenni. La forza della sua individualità creativa lo colloca ai margini delle successive tendenze e mode dominanti, ma non impedisce di riconoscere nel suo lavoro una profonda identificazione con le preoccupazioni estetiche del suo tempo. Hernández Pijuan inizia la sua carriera praticando un espressionismo tragico di grande carica sociale e in quel periodo forma, insieme agli altri membri del Gruppo Sílex, la cosiddetta Scuola di Barcellona. Negli anni Settanta semplifica la sua espressione fino ad adottare una figurazione geometrica, stile che abbandona nel decennio successivo per dedicarsi all'informale. In realtà, l'interesse e il fascino per la carriera di questo pittore continua più che mai, ed è oggetto di nuove mostre ed esposizioni pubbliche delle sue opere. Durante la sua vita ha esposto individualmente in diverse città spagnole, oltre che a Zurigo, Milano, Johannesburg, Colonia, Ginevra, New York, Parigi e Osaka, tra le altre città del mondo, e nel 2003 gli è stata dedicata un'importante retrospettiva al MACBA di Barcellona, esposta poi al Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Francia), alla Konsthalle de Malmö (Svezia) e alla Galleria Comunale d'Arte Moderna di Bologna (Italia). Anche dopo la sua morte il suo lavoro ha continuato a essere esposto a livello internazionale, come dimostrano le mostre dedicate alla sua opera tenutesi alla Flowers Gallery di Londra (2006), agli Istituti Cervantes di New York, Chicago e Lisbona (2007), al Museo d'Arte Astratta Spagnola di Cuenca (2008), alla Galleria Andres Thalmann di Zurigo (2009), al Baukunst di Colonia (2010), alla Altana Kulturstiftung di Bad Homburg (Germania, 2011) e al Museo d'Arte Moderna di Mosca (2012), tra le tante. Hernández Pijuan è stato preside della Facoltà di Belle Arti dell'Università di Barcellona e nel 2000 è stato nominato accademico della Real Academia de San Fernando di Madrid. Nel 1981 ha ricevuto il Premio Nazionale per le Arti Plastiche, nel 1985 la Croce di Sant Jordi e, nel 2004, il Premio della Città di Barcellona. È stato inoltre insignito del Premio della Direzione Generale delle Belle Arti all'Esposizione Nazionale di Alicante nel 1957, del Primo Premio di Pittura "Peintres Residents" a Parigi (1958), del Premio "Malibor" alla Biennale di Incisione di Lubiana (1965), della Biennale Internazionale di Incisione di Cracovia (1966) e del premio della redazione "Vijesnik u Srijedu" di Zagabria (1970). Hernández Pijuán è presente al MACBA, il Museo d'Arte Astratta Spagnola di Cuenca, al Reina Sofía di Madrid, al Museo Patio Herreriano di Valladolid e al Museo Basco d'Arte Contemporanea, oltre che in centri esteri come il Guggenheim Museum di New York, il Liaunig (Austria), di Helsinki e Lussemburgo, la Kulturstiftung di Bad Homburg (Austria), la Yamaguchi Gallery di Osaka (Giappone), il Palazzo delle Belle Arti di Bruxelles, la Galleria Nazionale di Montreal, il Museo d'Arte Moderna di Buenos Aires e il Museo Sztuki di Lodz (Polonia).

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 76 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcellona, 1941-2023). "Susa II", 2006. Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Firmato, datato, localizzato e titolato sul retro. Misure: 61 x 46 cm; 63,5 x 47,5 cm (cornice). In questa occasione, Arranz Bravo subordina all'astrazione la rappresentazione di una figura umanoide il cui corpo di colore metallico con forme tra il meccanico e l'organico suggerisce una certa ambivalenza metafisica. Arranz Bravo è stato un artista totale, teorico ed esecutore, fondamentale nello sviluppo dell'avanguardia catalana e spagnola della seconda metà del XX secolo. Il suo lavoro e la sua personalità fanno parte della storia di lotta e di rottura degli artisti spagnoli durante gli ultimi decenni del regime di Franco. Arranz Bravo è stato una punta di diamante in questa apertura, in questo rifiuto del manicheismo tradizionalista che ha portato al completo rinnovamento dell'arte spagnola e l'ha collocata nuovamente nell'avanguardia europea. Eduardo Arranz Bravo si forma alla Scuola di Belle Arti di Sant Jordi, a Barcellona, tra il 1959 e il 1962. Debutta individualmente nel 1961, presso l'University Club di Barcellona, ma la mostra che lo fa conoscere alla critica barcellonese è quella organizzata dall'Ateneo di Barcellona nel 1961. Tra il 1968 e il 1970 fa parte del gruppo formato da Gerard Sala, Robert Llimós e Rafael Lozano Bartolozzi. Con questi ultimi ha continuato a collaborare fino al 1982, alternando mostre comuni a mostre individuali. Il contatto con questi artisti ha influenzato il suo stile inizialmente astratto, che si è poi avvicinato alla nuova figurazione e alla pop art. Ha tenuto mostre in tutta la Spagna, oltre che a Parigi, Amsterdam, Venezia, San Paolo e Rio de Janeiro. Nel 1983 ha tenuto una mostra antologica del suo lavoro alla Sala Gaspar di Barcellona e tra il 1986 e il 1988 ha curato la direzione artistica dei film di Jaime Camino "El balcón abierto" e "Luces y sombras". Partecipa all'VIII Salón de Mayo di Barcellona e alle mostre "Muestra de Arte Nuevo" (Barcellona, 1971), "Picasso 90" (Museo del Louvre, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcellona, 1971-72), tra le altre. Nel 1989 ha presentato una mostra del lavoro degli ultimi tre anni al Museo d'Arte Moderna di San Paolo e un'antologica al Palau Robert di Barcellona. Tra i suoi riconoscimenti figurano la II Biennale Internazionale dello Sport, il premio di figura della Biennale Estrada Saladich e il premio di disegno Ynglada-Guillot. Le sue opere si trovano al Museo Reina Sofia di Madrid, ai Musei di Belle Arti di Vitoria e Siviglia, al Museo di San Paolo e al Museo d'Arte Moderna di New York.

Stima 1 400 - 1 600 EUR

Lotto 77 - XAVIER MEDINA CAMPENY (Barcellona, 1943). "Venere di Brooklyn". Modello basato sulla scultura monumentale del 1971. Scultura in bronzo. Firmato e giustificato, copia A.P. Misure: 88 x 25,5 x 25,5 cm. A partire dagli anni '70, anni in cui il corpo umano assumeva il protagonismo più assoluto, l'opera di Xavier Medina Campeny ci parla del dualismo tra geometrico e organico (concettuale e naturale) e della revisione dell'arte classica e delle avanguardie. Xavier Medina Campeny, nipote dello scultore Josep Campeny e pronipote di Damià Campeny, è uno scultore autodidatta, che ha fatto evolvere il suo mood artistico verso uno stile molto personale. Inizia a studiare architettura a Barcellona, ma abbandona gli studi per avvicinarsi al mondo della scultura. È in questo periodo che si dedica a quest'arte, con una formazione da autodidatta. La sua lunga carriera artistica come scultore lo ha portato a lavorare con diverse tecniche e materiali. La sua prima mostra risale al 1964. Dopo dieci anni si è trasferito a New York, dove ha realizzato la maggior parte della sua produzione artistica. Dopo qualche anno è tornato a vivere in Spagna. Il suo stile è strettamente legato all'avanguardia, più precisamente al dadaismo. La sua padronanza del disegno lo ha aiutato a mettere in relazione elementi organici e forme geometriche. Tra il 1975 e il 1989 ha sviluppato un linguaggio plastico del corpo umano, una miscela di anatomia e geometria, che lui stesso ha definito "frammentazioni". Al momento di realizzare questi corpi, Medina sbriciola, divide e geometrizza le parti del corpo umano per poi ricongiungerle, al fine di evidenziare alcune parti che lascia vuote. L'opera Conversación (1979) riflette e racconta il contrasto tra l'assente e il presente. L'opera Lo specchio nell'Oceano Atlantico, invece, equilibra la forma con lo sfondo e lavora il corpo senza frammentarlo. Il lavoro di Medina può essere messo in relazione con le proposte surrealiste. Ad esempio, nel gruppo Mimetismo animal (mimetismo animale), gli atteggiamenti umani con espressioni ironiche sono visibili negli animali. Dal 2003 c'è stato un cambiamento nello stile dell'artista rispetto al corpo umano, in cui semplifica le forme e le trasforma in cilindri allungati che per lui sono "pezzi" con un significato simbolico. Le opere di Medina e Campeny sono state esposte sia in Europa che in America, dove l'artista possiede diverse opere in musei e importanti istituzioni, come: Museo Nacional de Arte Reina Sofia di Madrid, MACBA di Barcellona, Fondazione Pagani di Legnano, Italia, Everson Museum di Syracuse (USA), Jimmy Carter Library & Museum di Atlanta, Georgia (USA), Bears Foundation di New York (USA), North Carolina Museum of Art (USA), tra gli altri.

Stima 1 500 - 1 600 EUR

Lotto 82 - TERÁN (Cile, 1974). "Omaggio ai geni: Kusama e Velázquez", 2022. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 30 x 30 cm; 35,5 x 35,5 cm (cornice). Nel catalogo della mostra "Omaggio ai geni", si sottolinea che "Terán cerca di postulare il ritorno della pittura come strategia simbolica. I suoi omaggi, che assumono la forma di pastiche, non lo sono. Gli artisti che sceglie di omaggiare sono da lui ammirati (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla e Andy Warhol). L'elenco non potrebbe essere più eterogeneo. Non segue alcun ordine. Rende omaggio agli artisti che ammira, anche quando il suo lavoro non ha alcuna relazione con loro. L'eterogeneità delle sue preferenze è evidente e dà ragione a E. Gombrich, per il quale non esiste l'arte ma gli artisti. Questo estremo nominalismo lo porta a saltare le categorie estetiche, così come le cronologie". Artista cileno residente in Spagna, laureato in Belle Arti, Manuel Terán ha sviluppato il suo lavoro creativo nel campo delle arti plastiche e delle nuove tecnologie applicate all'arte. Da quando si è fatto conoscere nel 1995 al Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes di Santiago del Cile, ha tenuto mostre personali e partecipato a mostre collettive e fiere in America Latina e in Europa. Ha ricevuto premi come quello della Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 83 - TERÁN (Cile, 1974). "Omaggio ai geni Kusama e Velázquez", 2022. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 30 x 30 cm; 35,5 x 35,5 cm (cornice). Nel catalogo della mostra "Omaggio ai geni", si sottolinea che "Terán cerca di postulare il ritorno della pittura come strategia simbolica. I suoi omaggi, che assumono la forma di pastiche, non lo sono. Gli artisti che sceglie di omaggiare sono da lui ammirati (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla e Andy Warhol). L'elenco non potrebbe essere più eterogeneo. Non segue alcun ordine. Rende omaggio agli artisti che ammira, anche quando il suo lavoro non ha alcuna relazione con loro. L'eterogeneità delle sue preferenze è evidente e dà ragione a E. Gombrich, per il quale non esiste l'arte ma gli artisti. Questo estremo nominalismo lo porta a saltare le categorie estetiche, così come le cronologie". Artista cileno residente in Spagna, laureato in Belle Arti, Manuel Terán ha sviluppato il suo lavoro creativo nel campo delle arti plastiche e delle nuove tecnologie applicate all'arte. Da quando si è fatto conoscere nel 1995 al Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes di Santiago del Cile, ha tenuto mostre personali e partecipato a mostre collettive e fiere in America Latina e in Europa. Ha ricevuto premi come quello della Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 85 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Tritone alato", 1972 circa. Scultura in bronzo su base di marmo, copia 242/300. Firmato e giustificato in basso. Misure: 22 x 11 x 11 cm. Dalí rappresenta il dio marino, figlio di Poseidone, che scivola sulle acque, rinunciando alla compagnia con cui siamo abituati a vederlo nell'iconografia classica (accompagnato da cavalli e nereidi, circondato da delfini e suonando la conchiglia con cui annuncia le tempeste). Tritone possedeva il dono della profezia, per cui erano spesso le guide dei grandi eroi mitologici. Dalí si concentra invece sulla vulnerabilità del personaggio, enfatizzando la sensazione di instabilità prodotta dalle onde sulla carne dell'eroe. Durante i primi anni di vita, Dalí scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove incontra la famiglia di Ramon Pichot, un artista che viaggia regolarmente a Parigi. Seguendo il consiglio di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiornò nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da quel momento in poi sarebbero diventate distintive di tutta la sua opera. Il suo linguaggio assorbe le influenze di molti stili artistici, dall'accademismo classico alle avanguardie più innovative. In quel periodo il pittore si fece crescere dei vistosi baffi a imitazione di quelli di Velázquez, che sarebbero diventati il suo marchio personale per il resto della vita. Nel 1929 Dalí collabora con Luis Buñuel alla realizzazione di "Un cane andaluso", in cui vengono mostrate scene dell'immaginario surrealista. Nell'agosto dello stesso anno incontra la sua musa e futura moglie Gala. In questo periodo Dalí allestisce regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Il suo lavoro influenzò notevolmente la direzione del surrealismo per i due anni successivi e fu acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, che si diceva aiutasse ad accedere al subconscio liberando energie artistiche creative. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. In seguito alla sua prima mostra individuale a New York, la sua proiezione internazionale si consolida definitivamente e da allora espone le sue opere e tiene conferenze in tutto il mondo. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 1 600 - 2 000 EUR

Lotto 86 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "L'anima di Don Chisciotte. Scultura in bronzo, copia 242/300. Base in marmo. Firmata e giustificata. Misure: 33 x 16 x 15 cm. Realizzato con la tecnica della cera persa, il pezzo qui presentato mostra il Don Chisciotte della Mancia da una nuova prospettiva onirica e fantasmagorica. Sebbene la figura non abbia né una lancia né un destriero, il suo braccio e la sua postura in movimento indicano che il cavaliere errante sta per compiere alcune delle imprese che, nel 1605, Miguel de Cervantes scrisse, dando origine al romanzo moderno conosciuto da tutti e che, ancora oggi, è in cima alla lista delle migliori opere letterarie della storia. Come l'opera scritta, Dalí configura un pezzo surreale in cui l'artista gioca con la materia e il movimento, dando vita a un'opera dalle forme fluide e vaporose che prosegue lo stile surrealista del pittore catalano. Durante i primi anni di vita, Dalí scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove incontra la famiglia di Ramon Pichot, un artista che viaggia regolarmente a Parigi. Seguendo i consigli di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiornò nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da quel momento in poi sarebbero diventate distintive di tutta la sua opera. Il suo linguaggio assorbe le influenze di molti stili artistici, dall'accademismo classico alle avanguardie più innovative. In quel periodo il pittore si fece crescere dei vistosi baffi a imitazione di quelli di Velázquez, che sarebbero diventati il suo marchio personale per il resto della vita. Nel 1929 Dalí collabora con Luis Buñuel alla realizzazione di "Un perro andaluz" (Un cane andaluso), che mostra scene dell'immaginario surrealista. Nell'agosto dello stesso anno incontra la sua musa e futura moglie Gala. In questo periodo Dalí allestisce regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Il suo lavoro influenzò notevolmente la direzione del surrealismo per i due anni successivi e fu acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, che si diceva aiutasse ad accedere al subconscio liberando energie artistiche creative. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. A seguito della sua prima mostra individuale a New York, la sua proiezione internazionale si consolida definitivamente e da quel momento in poi esporrà le sue opere e terrà conferenze in tutto il mondo. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 88 - MARCELLO CASTELLANI (Colombia, 1989). "Peonia". 2023. Acrilico su tela. Certificato di autenticità allegato. Misure: 175 x 140 cm. Marcello Castellani, nato a Cali, Colombia, attualmente residente a Berlino. Nel corso della sua carriera artistica, iniziata nel 2014, ha cercato di catturare le emozioni profonde trasmesse attraverso le espressioni umane, essendo il ritratto un tema ricorrente nel suo lavoro. La fonte della sua ispirazione risiede nella fusione di due forze opposte: il caos e la bellezza. Questa combinazione è una finestra sulla continua esplorazione della dualità universale, che invita gli spettatori a immergersi nelle profondità dell'esperienza umana. Castellani utilizza questi elementi in modo simbolico per evidenziare l'intrinseca coesistenza di luce e oscurità nel nostro essere interiore, sottolineando che entrambi sono componenti essenziali che si completano a vicenda. Con un'ampia gamma di competenze che vanno dalle tecniche classiche come la pittura e il disegno a quelle più avanguardistiche e sperimentali, tra cui la fotografia, gli esperimenti con l'intelligenza artificiale e la mappatura, Castellani getta un ponte tra la tradizione artistica e le possibilità contemporanee. La sua abilità artistica gli è valsa il riconoscimento di celebri centri d'arte, tra cui New York, Berlino, Tokyo, Barcellona, Praga e Bruxelles, dove ha esposto le sue opere uniche e stimolanti. Mostre selezionate: 2014 - Behance Portfolio Review, Camera di Commercio di Bogotá, Colombia; 2014 - We Art Festival, Transforma BCN - Barcellona; 2014 - MalEntendidos - leun'un Arte Habitación, Monterrey Nuevo León, Messico; 2013 - Issue # 7 - La Puerta Grande - Bogotá; 2013 - Exposición 4 ángulos - C.C Palatino - Bogotá; 2013 - Imagen palabra, Cuarto salón de ilustración - Universidad Los Libertadores - Bogotá; 2013 - ModusOperandi - Fusionario - Bogotá. Lavori in pubblicazioni: 2014 - Peppersoul - Bogotà; 2014 - Diners Magazine; 2014 - Indigo Magazine numero 15. I ritratti di Castellani mettono in relazione l'eredità di Giacometti (il dramma esistenziale concentrato in un volto) e il rovesciamento dell'ideale di identità unitaria dedotto dalla rivoluzione digitale. Castellani esprime la permeabilità tra il sé interiore e quello esteriore, così come il gioco di paradossi tra l'espressione individuale e la zavorra della maschera pubblicitaria, tra l'immagine pubblica e l'essenza volubile e porosa della condizione umana.

Stima 8 500 - 9 500 EUR

Lotto 89 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Bouteille de vieux marc, verre et "le journal"", 1966. Dalla serie Papiers Collés. Litografia su carta vélin di Rives. Pubblicato da Au Pont des Arts, Parigi. Firmata sulla lastra. Misure: 64 x 48 cm, 70 x 55 cm (cornice). Questa litografia appartiene alla serie "Papiers Collés" di Picasso, pubblicata da Pont des Arts. Questa serie è stata pubblicata nel 1966 per commemorare la generosa donazione dei collage di Picasso al Musée d'Art Moderne di Parigi. Pablo Ruiz Picasso è il grande genio della pittura contemporanea. Creatore del cubismo insieme a Braque, la sua capacità di invenzione e di creazione lo pone al vertice della pittura mondiale. Nasce a Malaga, dove il padre è professore di disegno e direttore del Museo Municipale. La famiglia Ruiz Picasso si trasferisce presto a La Coruña e da lì a Barcellona, dove il giovane Pablo inizia gli studi artistici presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Sebbene lo stile della scuola sia totalmente accademico, il pittore entra presto in contatto con gruppi modernisti che cambiano la sua forma di espressione. Solo due anni dopo, nel 1897, Picasso tiene la sua prima mostra personale, nel caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Tornato a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 1 600 - 1 800 EUR

Lotto 90 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Donna seduta". Fototipo su carta. Edizione di 1200 copie. Ed. Cahiers d'Art. Parigi, 1948. Datato e localizzato sulla lastra. Misure: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (cornice). Picasso si stabilì nel settembre 1939 a Royan, città francese situata nel dipartimento della Charente-Maritime e nella regione della Nuova Aquitania. Due anni dopo aver realizzato l'incredibile Guernica, e in concomitanza con il conflitto della Seconda guerra mondiale, Picasso scelse la zona franca e approfittò della presenza della sua compagna, Marie-Thérese, e di sua figlia Maya, per rifugiarsi lì. Affitta uno studio al terzo piano della villa "Les Voiliers" e intraprende la realizzazione di un carnet de dessins tra il 30 maggio e il 22 agosto 1940. In seguito Picasso aggiungerà alcuni studi di Parigi realizzati nel 1942. L'insieme è stato pubblicato in facsimile nel 1948 dall'editore Cahiers d'Art, in una rilegatura di lino. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso tenne la sua prima mostra personale al caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 91 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Nudo femminile". Fototipo su carta. Edizione di 1200 copie. Ed. Cahiers d'Art. Parigi, 1948. Datato e localizzato sulla lastra. Misure: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (cornice). Picasso si stabilì nel settembre 1939 a Royan, città francese situata nel dipartimento della Charente-Maritime e nella regione della Nuova Aquitania. Due anni dopo aver realizzato l'incredibile Guernica, e in concomitanza con il conflitto della Seconda guerra mondiale, Picasso scelse la zona franca e approfittò della presenza della sua compagna, Marie-Thérese, e di sua figlia Maya, per rifugiarsi lì. Affitta uno studio al terzo piano della villa "Les Voiliers" e intraprende la realizzazione di un carnet de dessins tra il 30 maggio e il 22 agosto 1940. In seguito Picasso aggiungerà alcuni studi di Parigi realizzati nel 1942. L'insieme è stato pubblicato in facsimile nel 1948 dall'editore Cahiers d'Art, in una rilegatura di lino. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso tenne la sua prima mostra personale al caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 92 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Modella nell'atelier del pittore". Fototipo su carta. Edizione di 1200 copie. Datato e localizzato. Ed. Cahiers d'Art. Parigi, 1948. Misure: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (cornice). Picasso si stabilì nel settembre 1939 a Royan, città francese situata nel dipartimento della Charente-Maritime e nella regione della Nuova Aquitania. Due anni dopo aver realizzato l'incredibile Guernica, e in concomitanza con il conflitto della Seconda guerra mondiale, Picasso scelse la zona franca e approfittò della presenza della sua compagna, Marie-Thérese, e di sua figlia Maya, per rifugiarsi lì. Affitta uno studio al terzo piano della villa "Les Voiliers" e intraprende la realizzazione di un carnet de dessins tra il 30 maggio e il 22 agosto 1940. In seguito Picasso aggiungerà alcuni studi di Parigi realizzati nel 1942. L'insieme è stato pubblicato in facsimile nel 1948 dall'editore Cahiers d'Art, in una rilegatura di lino. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso tenne la sua prima mostra personale al caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 93 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). Senza titolo. Fototipo su carta. Edizione di 1200 copie. Ed. Cahiers d'Art. Parigi, 1948. Datato e localizzato sulla lastra. Misure: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (cornice). Picasso si stabilì nel settembre 1939 a Royan, città francese situata nel dipartimento della Charente-Maritime e nella regione della Nuova Aquitania. Due anni dopo aver realizzato l'incredibile Guernica, e in concomitanza con il conflitto della Seconda guerra mondiale, Picasso scelse la zona franca e approfittò della presenza della sua compagna, Marie-Thérese, e di sua figlia Maya, per rifugiarsi lì. Affitta uno studio al terzo piano della villa "Les Voiliers" e intraprende la realizzazione di un carnet de dessins tra il 30 maggio e il 22 agosto 1940. In seguito Picasso aggiungerà alcuni studi di Parigi realizzati nel 1942. L'insieme è stato pubblicato in facsimile nel 1948 dall'editore Cahiers d'Art, in una rilegatura di lino. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso tenne la sua prima mostra personale al caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 94 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Profilo femminile". Fototipo su carta. Edizione di 1200 copie. Ed. Cahiers d'Art. Parigi, 1948. Datato e localizzato sulla lastra. Misure: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (cornice). Picasso si stabilì nel settembre 1939 a Royan, città francese situata nel dipartimento della Charente-Maritime e nella regione della Nuova Aquitania. Due anni dopo aver realizzato l'incredibile Guernica, e in concomitanza con il conflitto della Seconda guerra mondiale, Picasso scelse la zona franca e approfittò della presenza della sua compagna, Marie-Thérese, e di sua figlia Maya, per rifugiarsi lì. Affitta uno studio al terzo piano della villa "Les Voiliers" e intraprende la realizzazione di un carnet de dessins tra il 30 maggio e il 22 agosto 1940. In seguito Picasso aggiungerà alcuni studi di Parigi realizzati nel 1942. L'insieme è stato pubblicato in facsimile nel 1948 dall'editore Cahiers d'Art, in una rilegatura di lino. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso tenne la sua prima mostra personale al caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 95 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Figura cubista". Fototipo su carta. Edizione di 1200 copie. Datato e localizzato sulla lastra. Ed. Cahiers d'Art. Parigi, 1948. Misure: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (cornice). Picasso si stabilisce nel settembre del 1939 a Royan, città francese situata nel dipartimento della Charente-Maritime e nella regione della Nuova Aquitania. Due anni dopo aver realizzato l'incredibile Guernica, e in concomitanza con il conflitto della Seconda guerra mondiale, Picasso scelse la zona franca e approfittò della presenza della sua compagna, Marie-Thérese, e di sua figlia Maya, per rifugiarsi lì. Affitta uno studio al terzo piano della villa "Les Voiliers" e intraprende la realizzazione di un carnet de dessins tra il 30 maggio e il 22 agosto 1940. In seguito Picasso aggiungerà alcuni studi di Parigi realizzati nel 1942. L'insieme è stato pubblicato in facsimile nel 1948 dall'editore Cahiers d'Art, in una rilegatura di lino. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso tenne la sua prima mostra personale al caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 96 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Figure femminili cubiste". Fototipo su carta. Edizione di 1200 copie. Ed. Cahiers d'Art. Parigi, 1948. Datato e localizzato sulla lastra. Misure: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (cornice). Picasso si stabilì nel settembre 1939 a Royan, città francese situata nel dipartimento della Charente-Maritime e nella regione della Nuova Aquitania. Due anni dopo aver realizzato l'incredibile Guernica, e in concomitanza con il conflitto della Seconda guerra mondiale, Picasso scelse la zona franca e approfittò della presenza della sua compagna, Marie-Thérese, e di sua figlia Maya, per rifugiarsi lì. Affitta uno studio al terzo piano della villa "Les Voiliers" e intraprende la realizzazione di un carnet de dessins tra il 30 maggio e il 22 agosto 1940. In seguito Picasso aggiungerà alcuni studi di Parigi realizzati nel 1942. L'insieme è stato pubblicato in facsimile nel 1948 dall'editore Cahiers d'Art, in una rilegatura di lino. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso tenne la sua prima mostra personale al caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 97 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Figura femminile". Fototipo su carta. Edizione di 1200 copie. Ed. Cahiers d'Art. Parigi, 1948. Datato sulla lastra. Misure: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (cornice). Picasso si stabilì nel settembre 1939 a Royan, città francese situata nel dipartimento della Charente-Maritime e nella regione della Nuova Aquitania. Due anni dopo aver realizzato l'incredibile Guernica, e in concomitanza con il conflitto della Seconda guerra mondiale, Picasso scelse la zona franca e approfittò della presenza della sua compagna, Marie-Thérese, e di sua figlia Maya, per rifugiarsi lì. Affitta uno studio al terzo piano della villa "Les Voiliers" e intraprende la realizzazione di un carnet de dessins tra il 30 maggio e il 22 agosto 1940. In seguito Picasso aggiungerà alcuni studi di Parigi realizzati nel 1942. L'insieme è stato pubblicato in facsimile nel 1948 dall'editore Cahiers d'Art, in una rilegatura di lino. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso tenne la sua prima mostra personale al caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 98 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Donna seduta". Fototipo su carta. Edizione di 1200 copie. Ed. Cahiers d'Art. Parigi, 1948. Datato, localizzato e iscritto sulla lastra. Misure: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (cornice). Picasso si stabilisce nel settembre del 1939 a Royan, città francese situata nel dipartimento della Charente-Maritime e nella regione della Nuova Aquitania. Due anni dopo aver realizzato l'incredibile Guernica, e in concomitanza con il conflitto della Seconda guerra mondiale, Picasso scelse la zona franca e approfittò della presenza della sua compagna, Marie-Thérese, e di sua figlia Maya, per rifugiarsi lì. Affitta uno studio al terzo piano della villa "Les Voiliers" e intraprende la realizzazione di un carnet de dessins tra il 30 maggio e il 22 agosto 1940. In seguito Picasso aggiungerà alcuni studi di Parigi realizzati nel 1942. L'insieme è stato pubblicato in facsimile nel 1948 dall'editore Cahiers d'Art, in una rilegatura di lino. Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni più tardi, nel 1897, Picasso tenne la sua prima mostra personale al caffè "Els Quatre Gats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Quando torna a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 99 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Coppia", Saint Tropez 1977. Tecnica mista e collage su carta. Firmato. Misure: 29 x 20 cm; 37 x 28 cm (cornice). Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando cominciò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. In questo stesso decennio degli anni Cinquanta inizia la sua intensa attività nel mondo del balletto e del teatro, raggiungendo una grande fama nel mondo della scenografia internazionale. Nel 1952 realizza le scenografie del film "Hans Christian Andersen", di Charles Vidor, e ottiene una nomination all'Oscar. Nel 1954 abbandona la scenografia per dedicarsi alla pittura. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 100 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). Senza titolo, 1969. Inchiostro su pagina del libro "Conversazioni con Dalí". Firmato e datato. Accompagnato dal libro da cui è stato estratto il disegno in offerta. Misure: 20 x 13 cm; 50 x 41 (cornice). Durante i primi anni di vita, Dalí scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove conosce la famiglia di Ramon Pichot, un artista che viaggia regolarmente a Parigi. Seguendo il consiglio di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiornò nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da quel momento in poi sarebbero diventate distintive di tutta la sua opera. Il suo linguaggio assorbe le influenze di molti stili artistici, dall'accademismo classico alle avanguardie più innovative. In quel periodo il pittore si fece crescere dei vistosi baffi a imitazione di quelli di Velázquez, che sarebbero diventati il suo marchio personale per il resto della vita. Nel 1929 Dalí collabora con Luis Buñuel alla realizzazione di "Un cane andaluso", in cui vengono mostrate scene dell'immaginario surrealista. Nell'agosto dello stesso anno incontra la sua musa e futura moglie Gala. In questo periodo Dalí allestisce regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Il suo lavoro influenzò notevolmente la direzione del surrealismo per i due anni successivi e fu acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, che si diceva aiutasse ad accedere al subconscio liberando energie artistiche creative. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. A seguito della sua prima mostra individuale a New York, la sua proiezione internazionale si consolida definitivamente e da quel momento in poi esporrà le sue opere e terrà conferenze in tutto il mondo. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 2 000 - 2 400 EUR
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