Maîtres de la vice-royauté, allégories, légendes et sain…

Lotto 1 - Italian school. 16th century. - Scuola italiana. XVI secolo. "Leone seduto" Scultura in legno intagliato. 23,5 x 29,5 x 10 cm.

Stima 2 500 - 3 500 EUR

Lotto 2 - Master Alejo (Master of the Causeway) (active in Palencia, first decades of the 16th century) - Maestro Alejo (Maestro de la Calzada) (attivo a Palencia, primi decenni del XVI secolo) San Francesco d'Assisi Olio su tavola. 55 x 32,5 cm. Magnifica pittura ad olio su tavola con un santo francescano su un fondo ricoperto di fiori e decorato, come se si trattasse di un'aureola di santità. San Francisco de Asís guarda al cielo, dove non ha mai posato lo sguardo, in un'orazione continua da cui non esce, con il riflesso visibile di quell'Amore corrispondente di Dio nelle sue parole e nei suoi stimoli. Recepite "i segni di questo Amore" nelle mani, nei piedi e nel corpo. Questa tavola del Maestro Alejo è un'opera primordiale del primo quarto del XVI secolo, che si distingue per il suo stile artistico, la composizione elegante e magistrale e l'uso del colore sul dorato. Si apprezzano, in particolare, l'eleganza, la raffinatezza dei tracciati, le linee morbide e fluide che creano contorni delicati sul fondo oro e i dettagli di finezza della miniatura. Una figura umana piena di naturalezza e di bellezza, un rostro pieno di serenità e di devozione. Presenta toni freddi e terrosi sull'oro, creando un'atmosfera mistica squisita, che trasmette una sensazione di calma e spiritualità e riflette l'influenza della pittura gotica italiana dell'epoca. Talento e spiritualità del Maestro de la Calzada plasmati in questa tavola. Con il certificato della signora Isabel Mateo datato gennaio 2016.

Stima 5 000 - 8 000 EUR

Lotto 3 - Master Alejo (‘Maestro de la Calzada’) (active in Palencia, first decades of the 16th century) - Maestro Alejo ('Maestro de la Calzada') (attivo a Palencia, primi decenni del XVI secolo) "Sant'Antonio da Padova Olio su tavola. 55 x 32,5 cm. Con certificato della signora Isabel Mateo datato gennaio 2016. Magnifico dipinto a olio su tavola raffigurante un santo francescano su uno sfondo lucido e dorato con motivi floreali, che ricorda la sua stessa aureola di santità. Sant'Antonio guarda avanti, con un ardente Cristo Bambino sul petto. Il Bambino Gesù, che egli "predicava" con proverbiale sapienza, appariva sul suo libro e nella sua cella mentre pregava. Per la sua conoscenza, era conosciuto come "Arca del Testamento". Questa tavola del Maestro Alejo, noto anche come Maestro de la Calzada, è un'opera fondamentale del primo quarto del XVI secolo, che si distingue per lo stile artistico, la composizione semplice ma magistrale e l'uso del colore su fondo oro. L'eleganza è chiaramente apprezzata, con tratti raffinati, linee morbide e fluide che creano contorni delicati sul fondo dorato e una finezza da miniatura nei dettagli. La figura umana è ritratta con naturalezza e il volto emana serenità e devozione. I toni caldi e terrosi dell'oro creano una squisita atmosfera mistica, che trasmette un senso di calma e spiritualità. Ciò riflette l'influenza della pittura gotica italiana dell'epoca. Il talento e la spiritualità del Maestro Alejo, Maestro de la Calzada, sono splendidamente catturati in questo pannello.

Stima 3 000 - 5 000 EUR

Lotto 4 - Maestro degli Sportelli dell'Accademia (Florencia, primera mitad del siglo XV) - Maestro degli Sportelli dell'Accademia (Firenze, prima metà del XV secolo) Madonna col Bambino e San Francesco Tempera e foglia d'oro su tavola. Il pittore, un maestro fiorentino attivo nella prima metà del XV secolo, può essere identificato attraverso le due ali della pala d'altare conservata alla Galleria dell'Accademia di Firenze. La pala d'altare è nota come "anconetta" e, per le sue dimensioni, doveva essere utilizzata per il culto domestico. Misure del pannello: 79 x 58 cm.

Stima 35 000 - 45 000 EUR

Lotto 5 - Four medallions in openwork gold and enamel. Possibly Byzantium. 10th - 15th centuries. - Quattro medaglioni in oro e smalto traforato. Possibilmente di Bisanzio. X-XV secolo. Meravigliosa opera di oreficeria che raffigura quattro diversi uccelli in mezzo a rami di fiori. I quattro uccelli sono circondati dalla stessa bordura di motivi vegetali ripetuti, in cui sono visibili i resti di smalto blu. Diametro: 6,2 cm ciascuno. Peso totale: 109 g.

Stima 15 000 - 25 000 EUR

Lotto 6 - Flemish or Mexican School. 18th Century. - Scuola fiamminga o messicana. XVIII secolo. Trittico da viaggio in legno di bosso a microintaglio con foglia d'oro all'interno. Esterno laccato in nero e oro. Misure da chiuso: 15 x 8 x 2 cm. Misure aperte: 15 x 16 x 2 cm. Squisito e curioso altare da viaggio devozionale raffigurante scene della Passione di Cristo. Destinato a un uso privato, traspone il formato caratteristico dei grandi trittici d'altare, sia scolpiti che dipinti, in un formato piccolo e compatto, curato nei minimi dettagli. I suoi archi gotici lobati racchiudono il Mistero della Morte di Gesù Cristo in 7 finestre che ispirano una profonda devozione. La finestra centrale è presieduta da Cristo sul Golgota nel momento della sua morte, crocifisso tra i ladroni Dismas e Gestas, il buono e il cattivo. Nella scena, il devoto che vi si trova davanti può sentire nel cuore quelle parole: "Gesù, ricordati di me quando entrerai nel tuo regno". E Gesù dirà loro: "In verità vi dico che oggi sarete con me in paradiso". Sotto di lui, Maria Maddalena si trova nel cuore del massiccio e della grotta di Sainte Baume (un tipico villaggio provenzale con una chiesa romanica dell'XI secolo con una grotta naturale dedicata alla Santa). Sei scene della Passione su ogni porta racchiudono il mistero centrale del Cristo crocifisso: a sinistra, Gesù in preghiera nel Getsemani, l'arresto e la flagellazione; a destra, la presentazione di Gesù davanti al Sinedrio e a Caifa, la Via Dolorosa o Via del Calvario e il momento della crocifissione. L'esterno è laccato in nero e oro, i colori del lutto, con una brocca di gigli, simbolo della Vergine Maria, che rappresenta la sua femminilità più profonda, la sua purezza quando concepì il Figlio, all'interno di questa pala devozionale e misteriosa. Altri trittici di uso domestico e di piccole dimensioni si trovano nella collezione del Victoria & Albert Museum di Londra (inv. 3264-1856), anch'essi di origine fiamminga e dello stesso secolo; diversi esempi di origine fiamminga o olandese erano presenti nella magnifica mostra "Small Wonders: Small Wonders: Late Gothic Boxwood Micro-carvings from the Low Countries", organizzata congiuntamente dal Rijksmuseum, dal Metropolitan Museum of Art di New York e dall'Art Gallery of Ontario.

Stima 3 000 - 6 000 EUR

Lotto 7 - Carved, polychromed and gilded wooden icon with gold background. Wallachia. 15th century.alaquia. - Icona in legno intagliato, policromato e dorato con fondo oro. Valaquia. XV secolo. 51 x 35 x 5 cm. Si tratta del pannello centrale di una pala d'altare che raffigura i santi Costantino ed Elena, patroni spirituali della Romania, ai lati dello stemma della Romania, scolpito nella parte centrale inferiore della pala. Questo stemma, formato dall'uccello davanti alla croce, è quello che cronologicamente fa risalire la nostra opera al XV secolo, poiché è passato da una data successiva al XVI secolo. Si tratta di un pezzo museale unico ed eccezionale, poiché in Romania non esistono oggetti medievali sopravvissuti con questo stemma del XV secolo. Si conosce solo una moneta con questo emblema. L'uccello davanti alla croce è un simbolo che compare sulle monete valacche dal 1300 al 1500. È molto importante notare che i fiori di giglio che appaiono sulla nostra icona e le figure dei Santi Costantino ed Elena sono presenti anche su un grande francobollo di Vlad Tepes. L'antichità è stata confermata dal laboratorio del dottor Manfred Schreiner dell'Akademie der Bildenden Künste di Vienna nel febbraio 2022. Questo lotto è importato e quindi ha una licenza di esportazione garantita dal Ministero della Cultura spagnolo.

Stima 300 000 - 600 000 EUR

Lotto 8 - Important bronze mortar. Gothic. 15th Century. - Imponente malta di bronzo. Gotico. XV secolo. 10,7 x 19 x 14 cm. Tuttavia, per le sue dimensioni e la sua qualità, è un pezzo molto interessante.

Stima 1 200 - 2 500 EUR

Lotto 9 - Hispano-Flemish school. Circa 1500. - Scuola ispano-fiamminga. 1500 circa. "Soldato, forse San Giorgio". Scultura in legno intagliato e policromato. 123,5 x 25 x 66 cm. Questa scultura è un capolavoro di un grande maestro. L'armatura è realizzata con grande dettaglio e precisione, rispecchiando fedelmente anche i più piccoli particolari di un abbigliamento così complicato, intagliando persino il mantello di cotta di maglia che si intravede intorno alle ascelle, che avrebbe potuto essere ignorato perché non è nemmeno visibile all'inizio. Altrettanta delicatezza si riscontra nell'intaglio di tutti i rivetti, dei pezzi di armatura, delle calzature ecc. senza dimenticare il magnifico volto del personaggio, che come suggeriamo nel titolo potrebbe essere San Giorgio.

Stima 23 000 - 30 000 EUR

Lotto 10 - Spanish School. Early 16th century. - Scuola spagnola. Inizio del XVI secolo. "San Girolamo vescovo" Scultura in legno intagliato e policromato Altezza: 64 cm.

Stima 4 000 - 6 000 EUR

Lotto 11 - Italian school. 18th century - Scuola italiana. XVIII secolo "Nostra Signora della Santa Speranza" Olio su rame. 35 x 25 cm. Dimensioni con cornice103 x 71 cm. Accompagnato da un'imponente cornice d'epoca a cornucopia, in legno intagliato, dorato e intarsiato con specchi. Squisito e raffinato ritratto della Madonna della Santa Speranza. Le notizie storiche sull'origine di questa immagine risalgono al 1750, quando un pio cristiano fece dipingere un quadro di Maria col Bambino che donò a p. Tommaso del Costato di Gesù (poi monsignor Struzzieri, vescovo di Todi e primo vescovo della congregazione passionista), il quale lo portava sempre con sé nelle sue SS. Missioni. Questa immagine ebbe fin dall'inizio il titolo di "Mater Sanctae Spei". L'intera composizione, compresa la cornice a cornucopia intagliata e dorata, richiama le opere del barocco fiammingo in cui la Vergine Maria appare sempre circondata da una ghirlanda di fiori. Qui, in parallelo, la ghirlanda è rappresentata dall'intaglio della cornice con foglie e fiori d'acanto e da un piccolo baldacchino alla maniera del Bernini. Contempliamo la semplice, serena e dettagliata perfezione del dipinto interno, incorniciato da questa "cornice a ghirlanda" come omaggio, venerazione e preghiera a questa Madonna. L'immagine è stata perfezionata con minuscole pennellate. Basato sull'incisione di Heronimus Wierix, incisore fiammingo del XVI secolo, "Mater Sanctae Spei", il dipinto rappresenta la Beata Vergine Maria con il Bambino Gesù in braccio. Lo tiene con il braccio destro e con il sinistro lo indica come fonte delle grazie divine (iconografia chiamata Hodegetria: "colei che indica la via"), la Vergine Maria Hodegetria indica il Bambino come via di salvezza. E quel Bambino, che tiene una croce con la mano sinistra, con la mano destra alzata, è nell'atteggiamento di un re che dà il permesso di avvicinarsi a Lui. L'immagine originale di "Nostra Signora della Santa Speranza" è una tela dipinta da Agustin Marqui nel 1750, in occasione di una missione passionista predicata da padre Tomas Stuzzieri, che offrì a San Paolo della Croce suggerendo che "ogni ecclesiastico dovrebbe averla nella sua cella". Questa immagine ebbe tra i suoi devoti San Vincenzo Maria Strambi e il secondo superiore generale dei Passionisti (dal 1755 al 1790), Padre Giovanni Battista di San Vincenzo Ferrer. Infatti, essa guarì padre Giovanni Battista, che stava morendo, da un male incurabile, e fu lui stesso a decretare che l'immagine venisse salutata tre volte al giorno. La devozione alla Beata Vergine, sotto questa invocazione, si sviluppò nella Congregazione passionista fin dalle sue origini. Il suo principale promotore fu il grande missionario P. Tommaso Struzzieri, che fu poi nominato vescovo. Nelle missioni sacre portava sempre con sé un'immagine dell'invocazione. In seguito, quell'immagine fu riprodotta in serie e cominciò a essere collocata nelle stanze del clero passionista, affinché potessero rivolgere lo sguardo a lei, invocandola nelle loro necessità spirituali. La Vergine Maria, Madre della Santa Speranza, divenne così un modello singolare e un solido sostegno per la nostra stessa speranza. La speranza che la Madonna presenta e a cui chiama è la Croce che Gesù Bambino tiene in mano, come segno del suo amore senza misura, manifestato a noi fino alla morte e alla morte di croce.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

Lotto 12 - Juan de Mesa (Cordoba, 1583 - Seville, 1627) - Juan de Mesa (Cordova, 1583 - Siviglia, 1627) "San Giovanni Evangelista Scultura lignea intagliata, dorata e policromata. 92,5 x 44 x 41 cm. Fino alla riscoperta di Juan de Mesa alla fine del XIX secolo da parte dello storico sivigliano José Bermejo y Carballo, che gli attribuì un'opera d'arte, il nome di Mesa non era stato menzionato per più di due secoli e mezzo e le sue opere erano state erroneamente attribuite al suo maestro Montañés, a causa dell'eccezionale qualità del suo lavoro. Inoltre, nel XX secolo sono emersi documenti che hanno contribuito a far luce sulla vita e sull'opera di Mesa. Nonostante ciò, le informazioni sull'infanzia e la giovinezza di Mesa sono scarse, ma si sa che fu battezzato a Cordova nel 1583 e che entrò nella bottega del suo futuro maestro solo nel 1606, formalizzando il contratto di apprendistato nel 1607.

Stima 20 000 - 30 000 EUR

Lotto 13 - Ignacio de Ríes (Seville, 1616 - ?, 1670). - Ignacio de Ríes (Siviglia, 1616 - ?, 1670). 'Vera Cruz' (Vera Croce) Olio su tela. 157,5 x 232 cm. Cristo, con la croce sulle spalle, incontra la Veronica. Ignacio de Ríes, figlio del pittore fiammingo Mateo de Ríes, era già un funzionario della bottega di Zurbarán a partire dal 1635 e fu uno dei suoi discepoli più importanti. De Ríes, pittore di estrema importanza e valore, presente al Museo del Prado e al Metropolitan Museum of Art di New York, ci presenta una scena chiaroscurale della meditazione di questa stazione della "Via Dolorosa". L'artista presta grande attenzione ai dettagli di alta qualità degli oggetti (la stoffa della Veronica e la perla sul suo petto, la testa del cavallo, l'elmo del soldato), degli abiti (il vestito dorato del soldato che calcia Gesù caduto) e dei tessuti e delle trame, come il mantello che avvolge Gesù, tra gli altri aspetti. Inoltre, trasmette una grande qualità ed espressività nei volti e nelle mani che parlano anche della tecnica di Zurbarán riflessa nelle sue opere, come uno dei suoi migliori discepoli. Questo dipinto ha partecipato alla mostra "Teresa de Jesús: Donna, Santa e Medico", tenutasi ad Alba de Tormes tra il 28 marzo e il 22 ottobre 2022, per commemorare il quarto centenario della canonizzazione di Santa Teresa di Gesù. L'evento è stato organizzato dalla Commissione per il Centenario Teresiano, dall'Ordine dei Carmelitani Scalzi e dal Comune.

Stima 12 000 - 16 000 EUR

Lotto 14 - Adriaen van Utrecht (Antwerp, 1599 - 1652) - Adriaen van Utrecht (Anversa, 1599 - 1652) "Natura morta" Olio su tela. 102 x 169 cm. Adriaen van Utrecht fu un importante pittore fiammingo di nature morte che superò il suo maestro Herman de Ryt e divenne uno degli inventori del genere "pronkstillevens". I suoi dipinti sono caratterizzati da un'abbondanza di oggetti, fiori, frutta, animali vivi o morti e persone, oltre che da un approccio dettagliato e decorativo. Durante i suoi viaggi in Francia, Italia e Germania, acquisì influenze barocche che si riflettono nei suoi dipinti. Utrecht raffigura scene di mercato e di cucina, nature morte, frutta e ghirlande di frutta, oltre a pollame, pappagalli, scimmie e animali selvatici. I suoi dipinti giocano con il concetto di vita e di morte incorporando figure umane e animali vivi o morti. Dopo la morte del padre tornò ad Anversa, dove realizzò dipinti di grandi dimensioni e collaborò con importanti artisti come David Teniers il Giovane, Jacob Jordaens e Rubens. La sua abilità nella composizione e nella tecnica pittorica gli valse commissioni internazionali e il riconoscimento di personaggi importanti come l'imperatore di Germania, il re Filippo IV di Spagna e il principe d'Orange. Durante il matrimonio della sorella Catharina e del pittore Simon de Vos, conobbe la moglie Constance, anch'essa pittrice, che si pensa abbia copiato le opere del marito nel suo stile. Sebbene abbia mantenuto una reputazione ineccepibile durante la sua vita, si sospetta che abbia perso gran parte della sua fortuna a causa di problemi di salute. Adriaen van Utrecht morì all'età di 53 anni nel 1652 nella sua città natale. Il suo lascito artistico dimostra la sua capacità di dipingere un'ampia varietà di soggetti con gusto eccellente e tecnica rigorosa.

Stima 45 000 - 55 000 EUR

Lotto 15 - European school. Possibly France. 19th century. - Scuola europea. Forse Francia. XIX secolo. "La personificazione dei quattro continenti". Four oils on canvas. 38 x 49 cm ciascuno. Questi quattro dipinti mostrano le allegorie dei quattro continenti un tempo conosciuti (Europa, Asia, Africa e America) rappresentate in personificazioni femminili che sono, in realtà, ninfe ("sorgenti fertili" dei quattro grandi fiumi di quegli stessi 4 continenti (il Danubio, il Gange, il Nilo e il Rio de la Plata). Le quattro ninfe appaiono nude, rigogliose, fertili e piene di vita: Europa, bruna, reclinata su un canapè dorato stile Impero francese, in lingerie, contempla e gioca con una miniatura; Asia, bionda, turbante, su cuscini, fuma oppio o una pipa indiana e "seduce" il suo amato che fa capolino dalla finestra come un Maraja dell'India; L'Africa, dalla pelle nera e totalmente ingioiellata, si circonda di abbondanza rappresentata da una bellissima e lussureggiante natura morta di frutti, e gioca con la sensualità di un foulard al vento; e l'America, nel bel mezzo della giungla amazzonica, lascia arco e frecce e si spoglia per fare un bagno nel fiume. Queste quattro piccole tele sono di magnifica fattura, con linee molto neoclassiche, ricche di dettagli e colori, adattate in modo creativo al tema delle donne o ninfe (invece delle note personificazioni classiche), piene di vita, sensualità, freschezza, libertà..., tutte qualità dei 4 continenti precedentemente conosciuti. Quattro continenti che "seducono e invitano", che sussurrano "vieni a scoprirci". Quattro piccole immagini che diventano la migliore pubblicità per quel "visitateci e provateci".

Stima 40 000 - 50 000 EUR

Lotto 16 - Spanish School. Circa 1700. - Scuola spagnola. 1700 circa. Coppia di magnifiche sculture barocche in legno intagliato, dorato e policromato, raffiguranti due grandi scudi ornati da draghi. Sono sormontati da due teste di angeli e, nella parte inferiore, da due volti grotteschi che sporgono la lingua. 136,5 x 63 x 10 cm ciascuno.

Stima 9 000 - 12 000 EUR

Lotto 17 - Attributed to Matías de Arteaga (Villanueva de los Infantes, 1633 - Seville, 1703) - Attribuito a Matías de Arteaga (Villanueva de los Infantes, 1633 - Siviglia, 1703) "L'adorazione dei Magi Olio su tela. 62 x 83 cm. Pittore e incisore, figlio dell'incisore Bartolomé Arteaga, sviluppò la sua attività artistica a Siviglia, legato soprattutto, tra il 1660 e il 1673, all'Accademia fondata da Murillo, che non solo frequentò ma contribuì anche economicamente e di cui fu segretario nel 1666 e console tre anni dopo. Come si legge nell'articolo della Royal Academy of History, "nella sua arte mostrò un singolare interesse per la prospettiva e le ampie ambientazioni. Probabilmente aveva una bottega molto attiva, dato che ci sono molte opere che, per quanto riguarda il suo stile, hanno qualità molto diverse. Tra i suoi dipinti ci sono cicli importanti come le tele della Vita di San Lauriano del 1670 circa nella cappella del santo nella cattedrale di Siviglia, e la serie eucaristica della Confraternita del Sacramento del 1690. Dipinse anche una serie sulla Vita della Vergine Maria, conservata nel Museo di Siviglia, e un'altra sulla Vita di Gesù Cristo, alcune delle cui tele sono citate in collezioni private a Madrid. Come incisore realizzò copertine e illustrazioni per libri, tra cui spiccano quelle del libro di Fernando de la Torre Farfán intitolato "Fiestas de la S. Iglesia metropolitana y patriarcal de Sevilla al nuevo culto del señor Rey San Fernando" del 1671. Fu anche incisore di riproduzioni di tele dei grandi maestri sivigliani, come Murillo, Herrera, el Mozo, Alonso Cano e Valdés Leal, tra gli altri".

Stima 8 000 - 12 000 EUR

Lotto 18 - Attributed to Luca Giordano (Naples, 1634 - 1705) - Attribuito a Luca Giordano (Napoli, 1634 - 1705) L'adorazione dei Magi Olio su tela. Relined. 38 x 51,5 cm.

Stima 4 000 - 7 000 EUR

Lotto 19 - Spanish School. Early 19th century. - Scuola spagnola. Inizio del XIX secolo. "Ritratto di Maria Isabella di Braganza". Olio su tela. 120 x 106 cm. Maria Isabel de Bragança, figlia di Giovanni VI del Portogallo e dell'Infanta Carlota Joaquina de Borbón, nacque a Palácio de Queluz, in Portogallo, il 19 maggio 1797. Nel 1816 sposò il re Ferdinando VII di Spagna con l'obiettivo di rafforzare le relazioni tra i due Paesi iberici. L'Infanta si distinse per il suo alto livello culturale e per il suo amore per l'arte, che la spinse a riunire le opere d'arte appartenenti ai monarchi spagnoli per creare quello che sarebbe diventato il Museo del Prado, essendone la vera artefice. Infatti, il Prado afferma che "Pedro de Madrazo, nel catalogo dei dipinti del Museo Reale del 1854, arriva a dire che fu la regina a "... progettare il museo". Esiste un suo ritratto postumo esposto nella Galleria dei Ritratti del Prado, datato 1829, opera di Bernardo LópezPiquer (inv. P000863). Questo ritratto, a sua volta ispirato a un busto ovale dipinto nell'anno delle nozze della regina dal padre del pittore, Vicente López, raffigura Maria Isabel de Braganza come fondatrice del Museo Reale di Pittura e Scultura. Questa tela, come afferma il critico e storico Gabriele Finaldi nel catalogo della mostra "Ritrattistica spagnola al Prado. Da Goya a Sorolla", rappresenta "un'immagine emblematica per la storia del Museo del Prado". Purtroppo, la nostra protagonista non ebbe il piacere di partecipare all'inaugurazione del Museo del Prado, poiché morì pochi mesi prima, nel dicembre 1818, senza avere la possibilità di visitare il museo durante la sua vita, che tuttavia ci ha lasciato in eredità. Riferimento bibliografico: - Museo del Prado (n.d.). "María Isabel de Braganzacomo fundadora delMuseo del Prado".https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/maria-isabel-de-braganza-como-fundadora-del-museo/a7a1a933-6dc5-4636-b963-224d42e77110

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 20 - Spanish School. Granada. 18th. Century. - Scuola di spagnolo. Granada. XVIII. Secolo. "San Francesco e il lupo". Scultura monumentale in legno intagliato e policromato. Altezza: 228 cm. Questa scultura era presente nella mostra "Teresa di Gesù: Donna, Santa e Medico", tenutasi ad Alba de Tormes tra il 28 marzo e il 22 ottobre 2022, per commemorare l'anniversario del quarto centenario della canonizzazione di Santa Teresa di Gesù. L'evento è stato organizzato dalla Commissione per il Centenario Teresiano, dall'Ordine dei Carmelitani Scalzi e dal Comune della città. Con uno studio del Dr. José Carlos Pérez Morales, dottore di ricerca in Storia dell'Arte.

Stima 25 000 - 35 000 EUR

Lotto 21 - Italian School. Naples. 17th century. - Scuola italiana. Napoli. XVII secolo. Maria Maddalena Olio su tela 118,5 x 97 cm.

Stima 9 500 - 15 000 EUR

Lotto 22 - Walnut wood ches with inlaid bone and iron fittings. Aragonese workshop. 16th century. - Casse in legno di noce con intarsi in osso e ferro. Bottega aragonese. XVI secolo. 37,5 x 60 x 30 cm.

Stima 4 000 - 6 000 EUR

Lotto 23 - An Spanish carved cedar and pine wooden cupboard with bronze fittings. 18th century. - An Spanish Armadio in legno di cedro e pino intagliato con accessori in bronzo. XVIII secolo. 82 x 51 x 27,5 cm. Gli ebanisti più rinomati di un tempo mettevano a disposizione dei loro clienti una serie di piccoli mobili come modelli di ciò che potevano realizzare in grandi dimensioni, secondo le esigenze dell'acquirente. Così mostravano, da un lato, esempi dei mobili che offrivano e, dall'altro, mettevano in mostra le loro abilità e la qualità del loro lavoro.

Stima 2 500 - 4 500 EUR

Lotto 24 - Italian School. Rome. 17th century. - Scuola italiana. Roma. XVII secolo. San Francesco in estasi Olio su tela. 255 x 193 cm.

Stima 30 000 - 45 000 EUR

Lotto 25 - Jose de Paez (Mexico City, 1727 - circa 1790) - Jose de Paez (Città del Messico, 1727 - 1790 circa) "Immacolata Concezione Olio su tela. 124 x 94 cm. José de Páez fu un pittore attivo soprattutto tra il 1750 e il 1780. Secondo il Museo delle Americhe di Madrid, "creò modelli di grande dolcezza, bellezza idealizzata, volti ovali, [e] fu un eccellente ritrattista". Sviluppò soprattutto temi religiosi, con un interesse anche per la pittura di casta. Fu il pittore preferito di ordini religiosi come i Francescani, i Betlemiti e gli Oratoriani, per i quali eseguì numerose commissioni. Data la sua vastissima produzione di temi universali, si ritiene che abbia sviluppato alcune linee del suo lavoro senza commissioni, ma sapendo di avere un solido mercato di acquirenti per le sue opere. Tra le opere conservate, spiccano i dipinti su rame "Divino Pastore" e "Nostra Signora di Loreto" al Museo delle Americhe di Madrid; il "Medaglione di un frate con la Natività" e "San Giovanni di Nepomek" al LACMA; la "Madonna della Misericordia" al Blaisten Museum; e i dieci dipinti del "Ciclo della vita della Vergine Maria" del 1772 che sono stati restaurati tra il 2015 e il 2016 e si trovano nel santuario di Guadalupe a Chihuahua, in Messico. A seguito di questo progetto di restauro, è stata condotta un'analisi molto interessante della procedura tecnica di José de Páez. Secondo il dettagliato resoconto di Yana Arantxa Ramírez, il pittore ha goduto di un grande successo in vita, poi sminuito dal diffuso disprezzo per la pittura del XVIII secolo. Ora, "negli ultimi decenni c'è stato uno sforzo per rivendicare la pittura del XVIII secolo". Così, Magdalena Castañeda, che si è occupata del restauro delle opere di Páez, nella sua tesi di laurea magistrale ha proposto un nuovo approccio alla sua personalità artistica, concludendo che il messicano era "un artista inquieto, con un'efficacia discorsiva che gli permise di vendere opere all'interno e persino all'esterno della Nuova Spagna". Nel dipinto che presentiamo, l'artista ha seguito l'immagine che prevaleva sia in Spagna che in Nuova Spagna nella seconda metà del XVII secolo: la Vergine Immacolata vestita con una tunica bianca e un manto blu, in piedi sulla luna, con il sole che sorge dietro di lei, illuminando la donna che Dio ha scelto da sempre per essere la Madre di Dio. È sospesa al centro della scena in un'esplosione di gloria. Si possono osservare diversi attributi mariani, come rose e gigli, che alludono alla purezza della Vergine, ricordando la rappresentazione ornata della Tota Pulchra. Questa bella donna sta pregando, con un'espressione calma e ispirata, dirigendo lo sguardo verso il terreno solido. È coronata da un'aureola di santità e dodici stelle le circondano il capo, insieme a un gruppo di cherubini che fanno capolino tra le nuvole, sottolineando l'incoronazione celeste. In questa occasione, Páez ha scelto di seguire i modelli di Miguel Cabrera, in cui i panni blu che coprono l'Immacolata hanno una maggiore fluidità e scioltezza, anche se la mano del maestro Páez è facilmente riconoscibile in questo dolce dipinto. Il dipinto può essere confrontato con il San Giuseppe con il Bambino Gesù del Museo Blaisten e con altre Immacolate presenti in varie istituzioni, come l'Immacolata Concezione con Santi Gesuiti del Museo Regionale di Zacatecas e l'Immacolata Concezione del Museo d'America di Madrid.

Stima 60 000 - 80 000 EUR

Lotto 26 - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexico, 1715 / 1720 - Mexico, 1768) - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Messico, 1715 / 1720 - Messico, 1768) "San Giovanni Nepomuceno Olio su tela. Firmato. 167,5 x 104 cm. Cabrera è considerato il massimo esponente della pittura del Vicereame del XVIII secolo, con una produzione che il Dallas Museum of Art definisce "leggendaria: sono state documentate più di 309 opere del suo grande studio". Miguel Mateo Maldonado y Cabrera nacque il 27 febbraio 1695 ad Antequera, nell'attuale Oaxaca, in Messico, come risulta dal testamento del pittore del 1768. Era figlio di genitori ignoti e figlioccio di una coppia mulatta. Si trasferì a Città del Messico nel 1719, dove iniziò la sua formazione artistica, passando per la bottega di Juan Correa nella capitale del Vicereame. Cabrera dipinse pale d'altare nella chiesa gesuita di Tepotzotlán, nello Stato del Messico, nella chiesa di Santa Prisca a Taxco, nel Guerrero, e nelle cattedrali di Città del Messico e Puebla. Cabrera non fu solo un pittore, ma partecipò anche al tentativo di fondare un'Accademia delle Arti nel 1753 e nel 1756 si consolidò come intellettuale, non solo come artista, poiché nel 1756 pubblicò una narrazione sull'immagine della Vergine di Guadalupe dal titolo "Maravilla americana y conjunto de raras maravillas observadas con la dirección de las reglas del arte de la pintura", una narrazione sull'immagine della Vergine di Guadalupe nella tipografia del collegio gesuita di San Ildefonso. Oltre alla pittura da cavalletto, la sua produzione comprende la progettazione di pale d'altare, opere di grande formato, nonché piccoli dipinti su rame e scudi di monache. La pittura religiosa di Cabrera mostra figure di notevole bellezza, una bellezza compresa nei presupposti ideologici della devozione dell'epoca. Si tratta di un'arte raffinata, che possiede una ricchezza cromatica ben organizzata, sostenuta da un grande lavoro di composizione e, non meno importante, da un disegno sottile ed espressivo. Tra tutti i pittori dell'epoca, Cabrera è quello con maggiore personalità; il trattamento convenzionale delle figure è senza dubbio alla base del suo stile pittorico, perché inserisce nei suoi dipinti modelli non ideali, ma corrispondenti a persone che l'artista conosce e con cui interagisce, come quando inserisce in alcuni dipinti ritratti di donatori o dei cosiddetti "prelati", perché ha la necessità di osservare direttamente e copiare dalla natura. Fu nominato pittore di camera dell'arcivescovo Manuel Rubio y Salinas, che gli commissionò lo studio e la pittura dell'immagine della Madonna di Guadalupe. L'immagine fu inviata a Papa Benedetto XIV, dal quale ottenne il massimo riconoscimento come pittore di Guadalupe. Tra i suoi ritratti spiccano quello di Sor Juana Inés de la Cruz, conservato nel Museo Nazionale di Storia, e quello di Juan de Palafox y Mendoza, conservato nel Museo di Arte Coloniale di Morelia, Michoacán, Messico. Fu anche pittore della Compagnia di Gesù, per le cui chiese realizzò numerose opere. Nel 1753 fu nominato presidente a vita dell'Accademia di San Carlos. Le sue opere sono conservate in molte chiese e conventi del Messico. È presente anche in numerose collezioni pubbliche e private. Due sue immagini della Vergine di Guadalupe si trovano nei Musei Vaticani. Un'altra, realizzata nel 1756 per il tempio di San Francisco Javier, è conservata nel Museo Nazionale del Vicereame. Il Museum of Art di Dallas possiede una Santa Gertrudis La Magna di Miguel Cabrera e un'altra rappresentazione della Santa, sempre di Cabrera e datata 1768, fa parte della collezione del Museo José Luis Bello y Zetina di Puebla, Messico. Allo stesso modo, segnaliamo un'importante serie di dipinti della Casta del 1763, conservati nella collezione del Museo d'America di Madrid. Essi raffigurano famiglie, padre, madre e figlio delle varie caste e strati sociali, in situazioni di vita quotidiana. Infine, vanno menzionate anche la Pinacoteca de La Profesa o la Collezione Andrés Blaisten in Messico, depositarie dell'opera di Cabrera. Il Museo d'America di Madrid espone attualmente un'importante retrospettiva del pittore. Il dipinto in esame presenta un'iconografia molto interessante: quella di San Giovanni Nepomuceno che entra nella gloria. Il santo era un sacerdote boemo e vicario generale della diocesi di Praga. Fu martirizzato nel 1393, per la sua fedeltà al segreto della confessione, quando il re Venceslao IV volle conoscere i peccati della regina che taceva. Il monarca, molto arrabbiato, ordinò di tagliargli la lingua. Non avendo raggiunto il suo scopo, e pieno di rabbia, fece gettare il sacerdote nel fiume dal Ponte Carlo di Praga. Per questo motivo, oggi è considerato il patrono dei confessori che devono mantenere il voto di silenzio. La scena raffigura anche il santo che ascende alla gloria. Nell'aureola porta cinque stelle, che la leggenda vuole siano state viste intorno alla sua testa quando il suo cadavere fu salvato dal fiume. Sullo sfondo, si svolge la scena della sua morte, in cui si trovano il ponte e il sol

Stima 80 000 - 100 000 EUR

Lotto 27 - Bernardo Rodríguez (active in Quito, Ecuador, circa 1770) - Bernardo Rodríguez (attivo a Quito, Ecuador, 1770 circa) "Matrimonio di Maria e Giuseppe" Olio su tela. Relined. 99 x 120 cm. Bella e delicata tela del pittore e muralista ecuadoriano Bernardo Rodríguez, figura di spicco tra coloro che raffiguravano motivi religiosi nella Quito coloniale. In questo dipinto, egli illustra l'unione reale e mistica di Dio e degli esseri umani, di Maria e di Lui, come carne divina, e dell'intera umanità, simboleggiata dal padre putativo, Giuseppe. Il Bambino tiene in mano un grillo con la madre e sembra che, simbolicamente, stia per metterlo su di lei (pizzicandole il polso): "ciò che Dio ha congiunto...", unendo così il divino (Maria e Dio) con l'umano (Giuseppe). Tutta la scena si svolge sotto la protezione della Santissima Trinità, testimone celeste, che benedice il momento con un coro di angeli che "abbelliscono le nozze" con canti, violini, tamburi, flauti, trombe, triangolo e tamburello, tutti gioiosi, come si addice all'occasione. Assistono al momento con devozione e umiltà i nonni materni, San Gioacchino e Sant'Anna, e i Santi Elisabetta e Zaccaria, cugini di Maria e genitori di San Giovanni Battista, cugino di Gesù, anch'egli presente. Così, vediamo la tenerezza e la delicatezza molto ben riflessa da questo pittore, che ha goduto di un appoggio ecclesiastico senza pari, con molti privilegi come la creazione di tele per la Cattedrale di Quito o quelle del Museo di Arte Coloniale, oltre a quelle che possiamo ammirare attualmente nella Casa de Cultura Ecuatoriana. Rodríguez è infatti, insieme a Manuel de Samaniego y Jaramillo, il pittore più importante del tardo periodo coloniale a Quito. A prescindere dal suo continuo e apprezzato interesse per la Vergine Maria come soggetto - tema che gli valse una grande reputazione per la qualità delle sue realizzazioni - l'opera di Rodríguez si ricollega alla tecnica e al trattamento stilistico comuni ad artisti come Manuel Samaniego. Le commissioni ricevute da varie istituzioni religiose costituiscono la maggior parte della sua produzione, caratterizzata da un interessante uso del chiaroscuro. Come si legge nell'affascinante articolo di Juan Pablo Cruz Medina (2014) "La pittura della Sacra Famiglia: A Manual of Family Relations in the World of 17th Century Santafé", la famiglia, configurata come nucleo del corpo sociale all'interno della struttura ideata dalla Spagna per il Nuovo Mondo, divenne presto una preoccupazione sia per la Chiesa che per la burocrazia stabilita in America Latina. Da qui, la Chiesa sviluppò una serie di strutture discorsive volte a stabilire modelli di vita familiare che sarebbero serviti come esempi di comportamento ideale per tutto il XVII secolo. Questo assicurava non solo il mantenimento di un ordine "ecclesiale" nella società, ma anche la sottomissione della società al potere civile stabilito dal monarca spagnolo nelle nuove terre. Medina sottolinea la produzione artistica sviluppata dalla Chiesa in relazione alla famiglia. "Uno degli insiemi pittorici più significativi del corpus visivo del XVII secolo è quello della Sacra Famiglia", che continuerà a essere rappresentato incessantemente anche in seguito. Questa esigenza ecclesiastica risponde anche all'"emergere del modello di famiglia nucleare in Europa, che ha cambiato la concezione della famiglia allargata tipica del Medioevo", mentre nell'America Latina coloniale era interessante "stabilire esempi che aiutassero a plasmare una società governata da norme religiose". Come si continua a leggere nell'articolo di Cruz Medina, "l'idea della Chiesa era quindi quella di creare famiglie nucleari basate sui modelli della Sacra Famiglia contenuti nelle immagini, che sarebbero servite come cellule formanti la società. L'immagine diventava così uno strumento di configurazione sociale e individuale. Il discorso della Sacra Famiglia, come quello di altre rappresentazioni iconografiche del periodo coloniale, implicava quindi 'una nuova disposizione dei corpi individuali e sociali', diretta secondo un modello di sottomissione dei soggetti". Bibliografia di riferimento: -Cruz Medina, Juan Pablo. "La pittura della Sagrada Familia. Un manuale di relazioni familiari nel mondo della Santafé del XVII secolo".Memoria e società18, n.° 36 (2014): 100-117.http://dx.doi.org/10.11144/Javeriana.MYS18-36.psfm

Stima 45 000 - 65 000 EUR

Lotto 28 - Novo-Hispanic School. 18th century. Signed by Francisco de Albala and dated 1768. - Scuola novo-ispanica. XVIII secolo. Firmato da Francisco de Albala e datato 1768. "San Francesco Saverio che battezza indios e infedeli". Olio su tela. 152 x 195 cm. In una scenografia di chiaro stampo italiano, con architravi, colonne e prospettive, e una profusione di dettagli e colori, l'autore neospagnolo si ispira a un dipinto italiano o europeo, a un'incisione fiamminga o a una stampa dell'epoca per creare il suo quadro. San Francesco Saverio, pieno di bontà e di luminoso misticismo, vestito con tunica, cotta e stola, sotto la benedizione e la luce del cielo (un IHS si libra sopra di lui), battezza indios e infedeli. Spiccano i colori vivaci e la luce, tipici dell'arte italiana dell'epoca, e la qualità dei dettagli di gioielli, brocche, tappeti, tessuti e broccati ricamati, copricapi con piume e nastri, turbanti e spille. In basso a sinistra spicca il cartiglio di un donatore ("MARIA SACHEN LISARDA LIT ADORADIÓ HESTE CUADRO LE DIO A. 1768"). Potrebbe trattarsi di María Sánchez Lisarda.

Stima 30 000 - 50 000 EUR

Lotto 28.A - Attributed to Cristóbal de Villalpando (Mexico City?, 1649 - Mexico, 1714) - Attribuito a Cristóbal de Villalpando (Città del Messico?, 1649 - Messico, 1714) "Educazione della Vergine" Olio su tela. 249 x 180 cm. Cristóbal de Villalpando, insieme a Juan Correa, fu l'artista più importante della Nuova Spagna nell'ultimo quarto del XVII secolo. Ha realizzato due degli insiemi artistici più significativi: le grandi tele allegoriche della Cattedrale Metropolitana di Città del Messico e della Cattedrale di Puebla, di cui ha dipinto anche la cupola. Il suo stile è molto particolare e combina una tavolozza di colori acidi e cangianti con toni quasi metallici, con pieghe molto agitate nelle vesti e tonalità di carne con riflessi bluastri, il tutto pervaso da uno spirito manierista che, guarda caso, ricorda gli artisti del Nord Europa. Le sue composizioni si ispirano a fonti eclettiche in linea con il suo intento iconografico, come le stampe di Rubens e i modelli barocchi della penisola iberica, come Carreño de Miranda e Francisco Rizzi, da cui ha persino creato una versione di una famosa Immacolata Concezione, adottandone la ricca e vibrante tavolozza di colori.

Stima 18 000 - 30 000 EUR

Lotto 29 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Scuola novoispanica. Messico. XVIII secolo. San Giovanni Nepomuceno Olio su tela. Relined. 92 x 67,5 cm. Il nostro dipinto ci mostra un'iconografia molto interessante rappresentata in questa scena di San Giovanni Nepomuceno che entra nella gloria. San Giovanni Nepomuceno, sacerdote boemo, vicario generale della diocesi di Praga.Martire nell'anno 1393, del segreto della confessione, fu gettato nel fiume dal Ponte Carlo, di quella città, dal re Venceslao IV che cercava di impadronirsi dei beni della Chiesa.Fu martirizzato, tagliandosi la lingua, per non aver rivelato i peccati della regina al re, che voleva conoscerli, e per il suo silenzio lo uccise.Patrono dei confessori, che devono tacere. La scena presenta San Giovanni Nepomuceno che ascende alla gloria indossando cinque stelle nell'aureola, poiché la leggenda vuole che siano state viste intorno alla sua testa quando il suo cadavere fu salvato dal fiume.Sullo sfondo si svolge la scena della sua morte, in cui troviamo il ponte, e i soldati che lo gettarono da esso nel fiume, e il santo nelle acque.

Stima 12 000 - 18 000 EUR

Lotto 30 - Andrés López (Mexico, active from 1763 to 1811) - AndrésLópez(Messico, attivo dal 1763 al 1811) "Santa trinità" Olio su tela. 45 x 34 cm. Una versione molto simile, datata 1780, è conservata al Museo Blaisten in Messico e misura 175x103 cm. È facile pensare che questo dipinto possa essere un bozzetto preparatorio per il lotto precedente. Come si legge nella voce biografica del suddetto Museo, Andrés López "Figlio del pittore Carlos Clemente López, il pittore fu associato all'accademia dei fratelli Nicolás e Juan Rodríguez Juárez. L'artista fu piuttosto prolifico e godette, insieme al fratello Cristóbal, di un certo meritato prestigio. Le sue opere vanno dal 1763 al 1812, anno in cui è stato dipinto il quadro raffigurante Sant'Ignazio ferito sui merli di Pamplona. La sua opera più famosa è la grande Via Crucis, originariamente composta da 14 dipinti datati in Messico dal 1798 al 1800. Si pensa che alcune delle sue opere possano raffigurare vedute della città di Aguascalientes, come "Scene della vita di San Giovanni Nepomuceno", datata 1797, e una "Nostra Signora del Carmen", firmata nel 1799, che si trova nella città di Sombrerete a Zacatecas. Esiste anche una "Nostra Signora di Guadalupe" del 1798 ad Aguascalientes e un "Calvario" a Guadalajara. Anche se i suoi dipinti rimasero nelle province, molti di essi furono eseguiti in Messico. Nel Tesoro della Cattedrale Metropolitana di Città del Messico si trovano i seguenti dipinti di AndrésLópez: il "Cuore di Gesù", la "Concezione" del 1796 e una stampa di "San Giuseppe" del 1797, considerata la migliore opera d'arte prodotta da questo prolifico artista".

Stima 7 500 - 10 000 EUR

Lotto 31 - Attributed to José de Paéz (Mexico City, 1721- c. 1780) - Attribuito a José de Paéz (Città del Messico, 1721 ca. - 1780 ca.) "Santa Trinità" Olio su rame. 19 x 24,5 cm. Squisito dipinto su rame, in un falso ovale. Un mistero insondabile e irraggiungibile, come direbbe Sant'Agostino, che Páez fa sentire vicino a noi, quotidiano, tenero e dolce, dando ai suoi soggetti guance rosee e pelle candida; con tratti perfetti, quasi divini. A sinistra, Gesù, aperto sul fianco e ferito, porta sul petto l'"Agnello mistico" ("l'Agnello che è stato ucciso..." Apocalisse 5,12-14); il Padre, con lo scettro del comando al centro, identificato con il Sole ("Perché il Signore Dio è il nostro sole e il nostro scudo; ci dà grazia e gloria" Salmo 84,11), e lo Spirito Santo, che opera in perfetta unione con il Padre celeste e Gesù Cristo, a destra. ("Egli porta testimonianza del Padre e del Figlio..." 2 Nefi 31:18). In sintesi, la perfezione nelle pennellate senza soluzione di continuità che sembrano dipinte dagli angeli piuttosto che da mano umana.

Stima 5 500 - 7 500 EUR

Lotto 32 - Viceregal School. Mexico. 18th Century. - Viceregal School. Mexico. 18th Century. "Our Lady of Guadalupe" Drawing on paper. 51,2 x 38,1 cm. Our drawing was undoubtedly made by a master due to the great artistic quality it reflects. It would not be unreasonable to suppose that it could have come from the hand of Miguel Cabrera, since it is known that he published an account of the image of the Virgin of Guadalupe in 1756 entitled "American marvel and set of rare wonders observed with the direction of the rules of the art of painting", which could well have motivated the Master at the time to make a work on paper. It is a rarity, since we do not find similar examples of a work of this size and quality on paper. It presents a sign of folding and a very small fault.

Stima 15 000 - 25 000 EUR

Lotto 33 - Attributed to Josepha Sánchez (second quarter of the 17th century). - Attribuito a Josepha Sánchez (secondo quarto del XVII secolo). "Croce di cella in legno intagliato e dipinto". 90 x 53 cm. Finora non si sa molto di Josepha Sanchez. Fu attiva come pittrice nel secondo quarto del XVII secolo, ispirata dai crocifissi ascetico-naturalistici di Luis Tristán. Una copia quasi identica a questa è conservata nella collezione del Museo Nazionale delle Arti Decorative di Madrid. Bibliografia:https://opusincertumhispanicus.blogspot.com/2013/10/josepha-sanchez.html

Stima 4 500 - 6 000 EUR

Lotto 34 - Jose de Paez (Mexico City, 1727 - circa 1790) - Jose de Paez (Città del Messico, 1727 - 1790 circa) "San Giovanni Nepomuceno Olio su rame. Firmato: "Joseph de Paez Fecit". Con un'imponente cornice del XVII secolo. 27 x 21 cm. Misure della cornice: 88 x 58,5 cm. San Giovanni Nepomuceno era un sacerdote boemo, vicario generale della diocesi di Praga. Martirizzato nell'anno 1393 per il segreto della confessione - fu gettato nel fiume dal Ponte Carlo, in quella città, dal re Venceslao IV che stava cercando di impadronirsi dei beni della Chiesa. Gli fu tagliata la lingua, per non aver rivelato i peccati della regina al re, che voleva sentirli, e così lo uccise per il suo silenzio. Patrono dei confessori, che devono conservare il sigillo sacramentale. La scena presenta San Giovanni Nepomuceno con il crocifisso, la palma del martire e con cinque stelle nell'aureola, che la leggenda vuole siano state viste intorno alla sua testa quando il suo corpo fu salvato dal fiume. Alla sua destra si vede un angioletto che fa il segno del "silenzio" e sul cartiglio inferiore la legenda "Pro sigillo Confessionis", che si riferisce alla segretezza della confessione. José de Páez fu un pittore attivo soprattutto tra il 1750 e il 1780. Secondo il Museo delle Americhe di Madrid, "creò modelli di grande dolcezza, bellezza idealizzata, volti ovali, [e] fu un eccellente ritrattista". Sviluppò soprattutto temi religiosi, con un interesse anche per la pittura di casta. Fu il pittore preferito di ordini religiosi come i Francescani, i Betlemiti e gli Oratoriani, per i quali eseguì numerose commissioni. Data la sua vastissima produzione di temi universali, si ritiene che abbia sviluppato alcune linee del suo lavoro senza commissioni, ma sapendo di avere un solido mercato di acquirenti per le sue opere. Tra le sue opere conservate, segnaliamo i dipinti su rame "Divino Pastore" e "Nostra Signora di Loreto" del Museo de América di Madrid; il "Medaglione di un frate con la Natività" e "San Giovanni Nepomuceno" del LACMA; la "Virgen de la Merced" del Blaisten Museum; e i dieci dipinti del "Ciclo della vita della Vergine" del 1772 che sono stati restaurati tra il 2015 e il 2016 e si trovano nel santuario di Guadalupe a Chihuahua, in Messico. A seguito di questo progetto di restauro, è stata condotta un'analisi molto interessante della procedura tecnica di José de Páez. Secondo il dettagliato resoconto di Yana Arantxa Ramírez, il pittore ha goduto di un grande successo in vita, poi sminuito dal diffuso disprezzo per la pittura del XVIII secolo. Ora, "negli ultimi decenni c'è stato uno sforzo per rivendicare la pittura del XVIII secolo". Così, Magdalena Castañeda, che si è occupata del restauro delle opere di Páez, nella sua tesi di laurea magistrale ha proposto un nuovo approccio alla sua personalità artistica, concludendo che il messicano era "un artista inquieto, con un'efficacia discorsiva che gli permise di vendere opere all'interno e persino all'esterno della Nuova Spagna".

Stima 13 000 - 20 000 EUR

Lotto 35 - Viceregal School. Lima. Peru. 16th century. - Scuola Viceregia. Lima. Perù. XVI secolo. San Giovanni a Patmos Olio su tela. Relined. 272 x 190 cm. Dipinto molto precoce di grande formato, significativo per comprendere l'evoluzione dall'arte manierista al primo naturalismo, che mette in evidenza le pieghe schematiche di ispirazione bizantina della veste di San Giovanni o le ali degli angeli di ispirazione rinascimentale fiorentina. Un cartiglio indica come donatore Juan Martín de Escobar, procuratore del convento di Nostra Signora della Misericordia di Lima. Si legge "Dio este liencoel ermano JvanMartin Descovarpor sv devocion" (Frate Juan Martín de Escobar ha donato questa tela per il suo culto). L'esistenza di Juan Martín de Escobar è attestata dalle sue attività commerciali, che sono registrate nel quaderno 210 del fascicolo VII, nel Volume I - Consegna I della "Revista del Archivo Nacional del Perú" (Rivista dell'Archivio Nazionale del Perú), pubblicata a Lima nel 1920. Secondo questo quaderno, l'atto di vendita fu concesso il 14 settembre 1629. Un grande segno apparve nel cielo", racconta San Giovanni nel libro dell'Apocalisse della Bibbia. È l'immagine di una "donna vestita di sole, con la luna sotto i suoi piedi e sul suo capo una corona di dodici stelle". La figura della Vergine apocalittica è il simbolo della Chiesa, erede di tutta la gloria di Israele e concepita come madre del Figlio di Dio. All'evangelista e veggente appare vestita di sole, con la luna ai suoi piedi e una corona di dodici stelle che le cinge il capo, un'immagine che sarà poi adottata per raffigurare l'Immacolata Concezione di Maria da San Gioacchino e Sant'Anna. Un drago - simbolo del diavolo - combatte contro la donna - simbolo della Chiesa - che Dio custodisce e difende dandole le ali di una grande aquila per volare nel deserto e preservarla dal diavolo. Per questo motivo, la figura dell'aquila è spesso presente accanto a San Giovanni Evangelista. Una visione anacronistica del santo si riscontra spesso nell'arte che raffigura la Visione di Patmos, in quanto lo ritrae come un giovane uomo che sembra essere invecchiato solo di un decennio dalla sua adolescenza durante la Passione di Gesù. In realtà, San Giovanni sarebbe stato già molto anziano, dato che si stima che la sua morte sia avvenuta intorno all'anno 104, in età avanzata.

Stima 25 000 - 40 000 EUR

Lotto 36 - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexico, 1695 - Mexico, 1768) - Miguel Cabrera (Antequera de Oaxaca, Mexico, 1695 - Mexico, 1768) "The Virgin of Guadalupe surrounded by the apparitions to the Indian Diego" Oil on canvas. Signed and dated 1762. 87 x 70 cm. Important representation of the Virgin of Guadalupe, which includes the apparitions and the Indian Juan Diego. It has handwritten legend in Latin: "Non fecit taliter omni nationi" (He did nothing the same with any other nation) in reference to the words pronounced by Benedict XIV when he was presented with the image of the Virgin of Guadalupe and admiring its beauty, he approved the works of the Guadalupe patronage in Mexico. Cabrera is considered the greatest exponent of 18th century Viceroyalty painting, with a production that the Dallas Museum of Art defines as "legendary: more than 309 works from his great studio have been documented". Miguel Mateo Maldonado y Cabrera was born on February 27, 1695 in Antequera, present-day Oaxaca, Mexico, a fact known from the painter's will in 1768. He was the son of unknown parents and godson of a mulatto couple. He moved to Mexico City in 1719, where he began his artistic training, passing through the workshop of Juan Correa in the capital of the Viceroyalty. Cabrera painted altarpieces in the Jesuit church of Tepotzotlán, State of Mexico, in the church of Santa Prisca in Taxco, Guerrero and in the cathedrals of Mexico City and Puebla. Cabrera was not only a painter, but he also participated in the attempt to found an academy of Arts in 1753 and in 1756 he was consecrated as an intellectual, not only as an artist, since he published a narration about the image of the Virgin of Guadalupe in 1756 entitled "Maravilla americana y conjunto de raras maravillas observadas con la dirección de las reglas del arte de la pintura", a narration about the image of the Virgin Guadalupe in the printing press of the Jesuit college of San Ildefonso. In addition to easel painting, his production includes the design of altarpieces, large format works, as well as small copper works and nun's shields. Cabrera's religious painting produces figures of remarkable beauty, a beauty understood under the ideological assumptions of the devotion of the time. It is a refined art that possesses a well-arranged chromatic richness, is sustained by a great work of composition and, no less important, a subtle and expressive drawing. Of all the painters of that time, Cabrera was the one with the greatest personality; the conventional treatment in his figures was undoubtedly the basis of his way of painting, because he placed in his paintings models that were not ideal, but corresponded to people that the artist knew and treated, as when he incorporated in some paintings, portraits of donors or the so-called "prelates" because he had the need to observe directly and copy from nature. He was appointed chamber painter of Archbishop Manuel Rubio y Salinas, who commissioned him to study and paint the image of Our Lady of Guadalupe, reproducing the ayate. The image was sent to Pope Benedict XIV, from whom he obtained the highest recognition as a painter of Guadalupe. Among the portraits he painted, the one of Sor Juana Inés de la Cruz, kept in the National Museum of History, and the one of Juan de Palafox y Mendoza, located in the Museum of Colonial Art in Morelia, Michoacán, Mexico. He was also a painter for the Society of Jesus, for whose churches he produced numerous works. In 1753 he was named president for life of the Academy of San Carlos.His work is preserved in many churches and convents in Mexico.It is also present in numerous public and private collections.Two of his images of the Virgin of Guadalupe are in the Vatican Museum.Another, made in 1756, for the temple of San Francisco Javier, is preserved in the National Museum of the Viceroyalty.The Museum of Art of Dallas, conserves a Santa Gertrudis La Magna by Miguel Cabrera and another representation of the Saint, also by Cabrera and dated in 1768, is part of the collection of the Museum José Luis Bello y Zetina of Puebla, Mexico. Likewise, we highlight an important series of the Caste paintings of 1763 that is conserved in the collection of the Museum of America in Madrid. They depict families, father, mother and child of the various castes and social strata, in everyday life situations. Finally, mention should also be made of the Pinacoteca de La Profesa or the Andrés Blaisten Collection in Mexico, as depositories of Cabrera's work. The Museum of America in Madrid is currently exhibiting a very important retrospective of the painter.

Stima 48 000 - 60 000 EUR

Lotto 37 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Scuola novoispanica. Messico. XVII secolo - Inizio XVIII secolo. La Inmaculada, la Santa Casa di Loreto e la famiglia francescana Olio su tela. 57,5 x 41 cm. Delicato e onirico quadro della Vergine Immacolata, patrona dell'Ordine Francescano, posto sopra la Basilica e la Casa di Loreto e alcuni santi della famiglia francescana a mo' di medaglia genealogica. Realizzato, eventualmente, per ordine dell'Ordine per una casa, un edificio o una cappella della stessa. La Santa Casa di Loreto è la stessa casa di Nazaret che visitò l'Arcangelo Gabriele durante la visita alla Vergine Maria, nonché quella in cui passò Gesù 30 anni su 33 insieme alla Vergine e a San José. Attualmente la Santa Casa si trova all'interno della Basilica che per lei fu costruita a Loreto, in Italia. Per quanto riguarda il mistero della sua localizzazione in Italia, esistono diverse tradizioni. Una di queste è che la casa trasportò gli angeli negli aeroporti per evitare la distruzione da parte dei turchi, ma esistono documenti che testimoniano che il responsabile del trasporto fu un commerciante chiamato Nicéforo Angelo, del XIII secolo. Forse è stato proprio il suo nome a ispirare l'idea del trasporto attraverso gli "angeli". Inoltre, vi è rappresentata simbolicamente la famiglia francescana con alcuni dei suoi santi e sante, ai quali è affidata la cura di questa casa: Santa Gertrudis (che non è la Magna, ma la cistercense), San Francesco d'Asís con le sue letture dell'estasi, Santa Maria di Ágreda, confidente e consigliera di Filippo IV, San Diego di Alcalá, San Antonio e Santa Clara. Nella "compositio loci" spicca in fondo la città amurallada di Gerusalemme, a sinistra, da cui "volò" la Santa Casa alla città di Loreto in Italia, a destra della tela, dove si trova oggi. Per i santi che vi compaiono, si può parlare di un fechado chiaro nel pieno XVII secolo, e di un tránsito agli inizi del XVIII.

Stima 3 600 - 6 000 EUR

Lotto 38 - Attributed to Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexico, 1713/1715 - Mexico, 1772) - Attribuito a Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Messico, 1713/1715 - Messico, 1772) Natura morta di frutta Olio su rame. 31,5 x 42,5 cm. Juan Patricio Morlete Ruiz è stato uno dei più grandi pittori messicani della seconda metà del XVIII secolo. Sebbene la sua biografia fosse poco conosciuta fino al XX secolo, la sua opera ha iniziato a essere diffusa attraverso varie collezioni, che hanno permesso di conoscerlo meglio. Morlete, con una vasta opera in Messico, è particolarmente noto per la sua serie di dipinti di caste. Il Museo de América possiede una natura morta di sua mano (inv. 2021/04/01). Manuel López-Pintado y Almonacid (Toledo, 1677 - Siviglia, 1745) fu un ammiraglio della flotta del tesoro spagnola. Fondò l'Accademia di pittura nel 1753, insieme al suo maestro José de Ibarra, a Miguel de Cabrera, a José de Alcíbar e ad altri illustri personaggi. Due anni prima, nel 1751, aveva fatto parte del gruppo di artisti che ispezionarono l'immagine della Vergine di Guadalupe. Questi due eventi riflettono l'importanza artistica e culturale, nonché il riconoscimento sociale e professionale del nostro pittore.

Stima 60 000 - 80 000 EUR

Lotto 39 - Ignacio Chacón (active in Cuzco, Peru, 1745 - 1775) - Ignacio Chacón (attivo a Cuzco, Perù, 1745 - 1775) Madonna Lactans Olio su tela. Relined. 51 x 40,5 cm. Ignacio Chacon è stato uno dei più importanti discendenti del maestro Marcos Zapata della scuola ceca del XVIII secolo. A Cuzco, verso la metà del XVII secolo, nacque una potente generazione di pintores indigeni, protetti dall'abate Manuel de Mollinedo y Angulo, che giunse in Perù nel 1671, fu incaricato della diocesi di Cuzco nel 1673 e cadde nella città nel 1699. Contribuì con il suo sostegno al progresso della Scuola Cuzqueña, che fu poi fondata. Ha sostenuto la crescente attività dei pintores indigeni e meticci, facendo sì che la pittura venisse riconosciuta come autoctona, senza essere sminuita dall'influenza europea e prodotta da elementi naturali. Proprio l'Obispo Mollinedo appare ritratto tra i personaggi della pittura che rappresenta la morte di San Pedro Nolasco, in una serie di vite del santo realizzate per la chiesa principale della Merced di Cusco, alcune delle quali risalgono al 1763. Nel Convento di Ocopa (1707) si trovano anche alcune tavole dipinte da Chacón che rappresentano la vita di San Francisco e in una di esse si può leggere: "...queste 4 tavole sono state dipinte nella città di Cuzco nell'anno 1763 e sono state realizzate con l'abituale abilità del maestro Ignacio Chacón...". Nel 1775, insieme a Cipriano Gutiérrez, realizzò un Arco del Corpus Domini nel quale furono aiutati da Pedro Nolasco Araujo, Andrés Rodríguez, Jacinto Zegarra e con l'Inga Hermenegildo Xara. La sua opera del 1765, La Madona e il bambino con Ave, che fa parte della collezione privata di Engracia e Frank Barrow Freyer di arte coloniale peruviana presso il Museo d'Arte di Denver-USA, è stata trasportata su un'etichetta del Servicio Postal de USA in occasione delle feste di Natale del 2006. Come riferimenti comparativi si possono citare due esempi: la Sagrada Familia del convento di Santa Clara e la Vergine con bambino del Museo Historico Regional di Cuzco.

Stima 30 000 - 40 000 EUR

Lotto 40 - Miguel de Berrio (Potosí, Bolivia, 1706 – circa 1762) - Miguel de Berrio (Potosí, Bolivia, 1706 - 1762 circa) "Lutgardis di Aywières Olio su tela. 90 x 64 cm. Gaspar Miguel de Berrío fu un pittore, figlio di Diego Berrío e Juana Bravo de Laguna, attivo tra il 1735 e il 1762. È cresciuto principalmente nella città di Puna, a Potosí, nell'attuale Bolivia. La maggior parte delle sue opere d'arte è rintracciabile, poiché egli tendeva a firmarle e a datarle. È considerato uno dei più importanti artisti della Scuola di Potosí, dopo Melchor Pérez de Holguín, che fu il suo maestro e che ebbe un'influenza notevole e significativa su di lui, soprattutto nei primi dipinti. In seguito, decise di allontanarsi dallo stile del suo vecchio maestro per adottare quello tipico dei pittori indigeni, che valorizzava la doratura e di solito presentava figure altamente idealizzate nelle sue composizioni, come ricordato dalla Reale Accademia di Storia. Bibliografia:https://dbe.rah.es/biografias/49029/gaspar-miguel-de-berrio

Stima 35 000 - 45 000 EUR

Lotto 41 - Diego Quispe Tito (Cuzco, Peru, 1611 - 1681) - Diego Quispe Tito (Cuzco, Perù, 1611 - 1681) Sant'Antonio con il bambino Olio su tela. 57,5 x 44,5 cm. Come si legge nella Real Academia de la Historia Quispe Tito "Membro di una famiglia dell'aristocrazia inca, è considerato tra i principali iniziatori della scuola pittorica di Cuzco. Sembra che provenisse dal villaggio indigeno di San Sebastián, che ospita una parte significativa della sua produzione. Essa è incentrata sulle opere decorative per la chiesa parrocchiale di quella città, per la quale lavorò intensamente tra il 1634 e il 1669. In quegli anni realizzò quattro grandi cicli pittorici: Vita di San Giovanni Battista, La Passione, Martirio di San Sebastiano e I dottori della Chiesa. Questi gruppi di tele riassumono l'originale maturità di Quispe Tito, caratterizzata da una geniale reinterpretazione delle stampe europee e da una pennellata precisa, agile e dai colori vivaci. La sua fama si diffuse ben presto oltre i confini di Cuzco e nel 1667 ricevette dalle chiese di Potosí l'incarico di dipingere Gesù tra i dottori del tempio e Il fidanzamento della Vergine, entrambi conservati nel Museo de la Casa de Moneda di quella città. Nella stessa capitale incaica, l'opera più ambiziosa di Quispe Tito è la tela Le ultime cose o il Giudizio Universale, dipinta per la portineria del convento di San Francisco nel 1675. Qui il pittore andino abbandona le formule dinamiche di rappresentazione del Giudizio Universale, in vigore fino all'Alto Rinascimento e al primo Barocco in Europa, per tornare allo schema ordinato, a strati orizzontali successivi, comune ai pittori medievali. La Sacra Famiglia di ritorno dall'Egitto (Museo Nazionale di Storia), datata 1680, mostra il virtuosismo caratteristico delle sue opere successive. Qui il pittore si basò su una diffusa composizione di Rubens, ma Quispe Tito ridusse notevolmente la proporzione delle figure rispetto allo sfondo per collocare la scena della storia sacra all'interno di un vasto paesaggio idealizzato e fantastico, preannunciando così la nascita di uno dei generi pittorici preferiti a Cuzco nel secolo successivo. Contemporaneamente realizzò la nota serie dello zodiaco, appesa alle pareti delle navate laterali della Cattedrale di Cuzco. Oggi esistono solo nove dei dodici segni, o perché tre di essi sono andati distrutti o perché l'artista è morto prima di completare la commissione. Si tratta di un ciclo cristianizzato, in cui ognuno dei segni zodiacali è identificato con una parabola di Cristo o una storia evangelica. In questo caso Quispe segue letteralmente le sue fonti grafiche fiamminghe, mostrando allo stesso tempo un artigianato pittorico di ispirazione europea, il cui alto livello tecnico è insuperato nel contesto di Cuzco. In questo modo l'artista, nell'ultima fase della sua vita, sembra adattare la sua opera alle preferenze estetiche di una clientela colta e urbana, che potrebbe aver attirato l'attenzione del vescovo Mollinedo e del suo capitolo della cattedrale.

Stima 7 500 - 12 000 EUR

Lotto 42 - Melchor Pérez Holguín (Cochabamba, Bolivia, 1660 - Potosí, 1732) - Melchor Pérez Holguín (Cochabamba, Bolivia, 1660 - Potosí, 1732) San Tommaso Olio su tela. 100 x 78,5 cm. Holguín fu uno dei più importanti pittori del barocco coloniale meticcio, di quella che fu chiamata la Scuola di Potosí, che si sviluppò tra il 1700 e il 1790. Il tenebrismo e l'influenza di Zurbarán erano caratteristici. L'opera di Holguin è dominata dalle numerose commissioni realizzate per i francescani e i domenicani. Nato a Cochabamba, in Bolivia, morì a Potosí. Come indica Suzanne L. Stratton-Pruitt, nonostante Holguín conoscesse ovviamente l'arte cuzca, diffusa e stilisticamente molto influente nell'Alto Perù, la sua opera era molto personale e si allontana in qualche modo da quello stile, pur adottando alcuni elementi comuni alla pittura di Cuzco, come i bordi floreali. Ci sono altri elementi che sono unici nell'opera di Holguín, come l'aggiunta di broccato d'oro nelle aureole e le rifiniture in pizzo sui mantelli e sulle scollature della Vergine Maria. Allo stesso modo, la serenità riflessa nei volti dei suoi personaggi è caratteristica di Holguín.

Stima 65 000 - 80 000 EUR

Lotto 43 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. ‘Virgin and Child’. Oil on canvas. 60 x 54 cm. Wonderful and sweet representation of this cuzqueña maternity. The scene surrounded by a border of flowers and the Virgin and the child adorned by rosary in red coral.

Stima 8 000 - 12 000 EUR

Lotto 44 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Scuola novoispanica. Messico. XVIII secolo. "Allegoria dell'Africa e del Sud America" Coppia di dipinti a olio su tela. Rilegati. 136,5 x 88,5 cm. ciascuno. Profusione e minuzia dei dettagli, eccellenza del disegno, colori gioiosi e grande eleganza traboccano in queste due allegorie di due dei quattro continenti conosciuti tra il XVI e il XVII secolo. L'Africa è raffigurata da un anonimo messicano che la dipinge come una Sibilla rinascimentale: domina la scena su uno schiavo nero che le offre i più bei gioielli come se fosse una regina, accanto a un leone che simboleggia la sua "forza" e con un cesto "abbondante" di grano e cibo (allegoria della Fortuna), che rappresenta la ricchezza. L'America, con le navi sullo sfondo che "scoprono" nuove enclavi, è raffigurata come una principessa con un mantello fatto delle più rare e ricche piume di uccelli tropicali del paradiso amazzonico, con il cacao ai suoi piedi, offerto all'Europa come "oro" puro. Gioielli e spille adornano i loro copricapi e le loro vesti, pettorali che sembrano quasi ricamati alla perfezione, cinture cariche di pietre preziose e tessuti mai visti prima. In particolare, la caratterizzazione degli abiti, con decorazioni geometriche curiosamente latinoamericane, si osserva nella rappresentazione femminile dell'Africa. Questa coppia di due belle donne, riccamente vestite e ornate, piene di dettagli lussuosi, riflette la proiezione di due continenti conosciuti e forse faceva parte di un grande disegno per una decorazione maestosa, adatta a re e personaggi di spicco.

Stima 24 000 - 35 000 EUR

Lotto 45 - Novohispanic School. Mexico or Peru. Late 17th century. - Scuola novoispanica. Messico o Perù. Fine del XVII secolo. "San Giacomo" Olio su tela. 122 x 84 cm.

Stima 12 000 - 18 000 EUR

Lotto 46 - Antonio Arellano, (circa 1640, Ciudad de México - circa 1700) - Antonio Arellano, (circa 1640, Ciudad de México - circa 1700) Il massacro degli innocenti Olio su tavola. Signed. 63 x 44,5 cm. Autore molto famoso e conosciuto a Città del Messico, i cui dipinti si trovano nella vasta collezione di dipinti del Vicereame nel Museo della Basilica di Guadalupe. In questo caso, la "strage degli innocenti" è un episodio raccontato nel Vangelo di Matteo (Mt 2, 16-18), che consiste nel presunto ordine di Erode, re di Giudea, di uccidere tutti i bambini di età inferiore ai due anni a Betlemme dopo aver appreso della nascita di Gesù e della visita dei tre magi provenienti dall'Oriente. In questo dipinto di Arellano, i piani e gli sfondi sono completamente differenziati dal trattamento che ricevono. Architetture all'italiana sullo sfondo, alla maniera di Piranesi, e una scenografia umana in primo piano, predominano nella composizione, con la solidità e la rotondità delle figure umane rappresentate. Pennellate abbozzate che ricordano i volti e i nasi di Francken, ma senza tralasciare i dettagli definiti. Una composizione carica delle flessioni dei corpi, delle pieghe e delle cadute dei vestiti, che conferiscono molto dinamismo all'opera. Bambini sacrificati "dai due anni in giù" provenienti da Betlemme e dalla sua regione, secondo la profezia di Ger. 31, 15. Arellano ricoprì le più alte cariche nella corporazione dei pittori e doratori di Città del Messico, alternandosi con personalità come Cristóbal Villalpando e Juan Correa.

Stima 40 000 - 60 000 EUR

Lotto 47 - Juan Pedro López (Caracas, Venezuela, 1724 - 1787) - Juan Pedro López (Caracas, Venezuela, 1724 - 1787) L'Immacolata Concezione con gli angeli Olio su tela. 90,5 x 56 cm. Pur godendo di un grande riconoscimento in vita, Juan Pedro López è rimasto nell'oblio dopo la sua morte a causa delle numerose turbolenze politiche che hanno colpito il Paese durante il XIX secolo. Anche la sua opera fu considerata anonima, perché lo si conosceva semplicemente come "il Caraqueño" o "il pittore dei bambini cabezudos". A partire dalla decade del 1960, grazie al lavoro di critici del calibro di Alfredo Boulton e Carlos Federico Duarte, López è stato recuperato e rivalutato come una figura centrale nello sviluppo dell'arte coloniale venezuelana e considerato uno degli artisti più rilevanti del periodo coloniale del Venezuela. Come pittore, scultore e doratore ha illuminato l'arte lussureggiante della sua epoca con la luce e la grazia del rococó ispanoamericano, lo stile con cui il maestro è stato definito. Gran parte dell'opera di Juan Pedro López era di carattere religioso, secondo i gusti e la moda dell'epoca. Lavorò su un'iconografia priva degli aspetti drammatici e tragici che avevano caratterizzato fino a quel momento e si concentrò sulla realizzazione di immagini graziose e allegre, che risultassero più attraenti per la religione. Uno dei primi lavori importanti con cui il maestro si cimentò nell'arte pittorica fu la realizzazione, nel 1752, di dieci dipinti raggruppati sotto il titolo "Historia de la vida de la Virgen" su richiesta della confraternita di Nuestra Señora de Guía della Iglesia de San Mauricio per essere esposti sull'altare maggiore. La rilevanza di questo insieme di dipinti è dovuta al fatto che in essi sono riunite "tutte le forme, le scene e la tipologia dei personaggi che si incontrano in tutta l'opera" (Duarte Carlos). Oltre alle pitture, Juan Pedro López realizzò anche opere di scultura e, in parallelo a entrambe le attività, ricevette richieste di restauro di pitture e sculture, ritocchi, modifiche, aggiunte, ecc. Come dato curioso, un'altra attività realizzata da López fu la pittura di veli che venivano utilizzati nei rituali eclesiastici, molto sentita in quell'epoca. Il maestro Juan Pedro López è stato uno dei pochi artisti in tutta l'America Latina ad aver realizzato i propri marchi. Possiamo paragonare il nostro legame con la serie di Arcangeli della Cattedrale di Caracas, con Nuestra señora del Carmen della collezione Cisneros e con la Virgen del Rosario della collezione Roberto García de la Concha.

Stima 25 000 - 40 000 EUR

Lotto 48 - Viceregal School. Peru. 18th century. - Scuola Vicereale. Perù. XVIII secolo. La Santissima Trinità che incorona la Vergine Maria Olio su tela. 159 x 122 cm. Quest'opera riflette una sequenza all'interno del ciclo della vita della Vergine Maria che si trova nel Libro dell'Apocalisse. Tre figure identiche, la Santissima Trinità, tre in uno con la mitra papale, incoronano la Vergine Maria. In questo modo, Maria può essere interpretata come una figura trinitaria: come il Figlio, in quanto vergine, ricevendo e lasciandosi amare dal Padre; come il Padre, in quanto fonte dell'amore vivificante, nel suo ruolo di madre; come lo Spirito Santo, in quanto sposa, come legame d'amore tra il Padre e il Figlio e apertura al mistero di Dio sulla terra. La Vergine Immacolata è accolta in cielo, in un mare di nubi, ed è contemplata da San Didaco d'Alcalà, francescano, raffigurato con il miracolo delle rose, e da San Nicola da Tolentino, agostiniano, con i suoi attributi - le stelle sul saio e le pernici su un piattino.

Stima 18 000 - 30 000 EUR

Lotto 49 - Baltasar de Figueroa the Elder (Seville, circa 1550 - Bogota, Colombia, early 17th century) - Baltasar de Figueroa il Vecchio (Siviglia, 1550 circa - Bogotà, Colombia, inizio XVII secolo) Nostra Signora del Rosario con Filippo II e Carlo, principe delle Asturie, come donatori. Olio su tela on tablex Con importante cornice d'epoca in legno intagliato e dorato. 113 x 71,5 cm. Come ha osservato lo storico dell'arte Manuel Salvador Sánchez Aparicio nella sua recensione storiografica di questo artista, è sorprendente che Baltasar de Figueroa il Vecchio, noto come tale per differenziarlo dal nipote, rimanga "uno dei grandi enigmi della storiografia della pittura colombiana, nonostante l'importanza dell'artigiano, che di fatto diede inizio a una dinastia di pittori che fiorì ben oltre il XVIII secolo". Quando studiamo le opere della dinastia Figueroa, possiamo apprezzare uno stile molto particolare e unico tra di esse e, quasi per difetto o per istinto, ci troviamo costretti a mettere in relazione le opere tra di loro per capire finalmente che questa famiglia ha sviluppato uno stile che molti hanno poi seguito. È chiaro che all'interno di questa famiglia hanno influenzato e collaborato gli uni con gli altri. La significativa presenza generazionale dei Figueroas si protrasse per tutto il XVI, XVII e XVIII secolo, collocandoli al vertice della pittura della Nuova Granada. Il dipinto che qui studiamo raffigura la Madonna del Rosario e il Bambino, con la notevole caratteristica di avere ai loro piedi come donatori il re Filippo II e il principe Carlos d'Austria. Entrambi sono vestiti secondo la moda tipicamente austera e puritana, scura, promossa dallo stesso re Filippo II, grazie alla scoperta in America del legno di tiglio per la tintura degli indumenti, una tintura che sarà commercializzata dalla Corona. Quest'opera è l'unica testimonianza pittorica prodotta in America Latina che ritrae il re e il principe insieme. È anche l'unica immagine conosciuta del Principe Carlos d'Austria prodotta in America fino ad oggi. Senza dubbio, il volto allungato, i lineamenti pronunciati, le sopracciglia marcate, la barba e i baffi del nostro donatore sono esattamente gli stessi del ritratto di Filippo II conservato al Museo Storico Nazionale del Cile, rendendo evidente il collegamento tra queste opere. Si potrebbe anche pensare che abbiano avuto accesso a una stampa. Il ritratto del re di Spagna è anche paragonabile ad altre versioni di Sánchez Coello e Pantoja de la Cruz, dove è raffigurato in età più avanzata con i capelli bianchi. Nell'incisione di Pantoja de la Cruz "Morte di Carlos d'Austria", il principe è raffigurato in modo simile a questo dipinto, come un giovane di 21 anni, un'età molto simile a quella di Carlos quando è stato ritratto qui, il che suggerisce che Baltasar de Figueroa lo abbia probabilmente dipinto alla fine degli anni '60 del XV secolo. Sottolineiamo l'importanza di quest'opera non solo perché è stata dipinta da uno dei più grandi artisti del Vicereame, che ha avuto il talento, l'iniziativa e la perseveranza di creare una scuola che è durata nel tempo, ma anche perché è un'inestimabile testimonianza storica e pittorica dell'influenza di Filippo II e della sua moda. Questo lavoro ci rende partecipi diretti di una storia di sinergie e sincretismi che ha portato non solo alla creazione di opere d'arte latinoamericane influenzate da tecniche e temi europei, ma anche all'americanizzazione del vecchio mondo, di cui il nostro lavoro è una testimonianza materiale. Bibliografia di riferimento: - Sánchez Aparicio, Manuel Salvador. (2012). "Baltasar de Figueroa "el viejo" Revisión historiográfica, aportaciones y rectificaciones relevantes en torno a su biografía y procedencia sevillana. "Ensayos. Historia y teoría del arte, Bogotá, D. C., Universidad Nacional de Colombia, num. 22, pp. 70-86.

Stima 70 000 - 80 000 EUR

Lotto 50 - Novohispanic School. Mexico. 17th century. Circle of Cristóbal de Villalpando (Mexico City?, 1649 - Mexico, 1714) - Scuola novoispanica. Messico. XVII secolo. Circolo di Cristóbal de Villalpando (Città del Messico?, 1649 - Messico, 1714) Olio su tela. Nel suo telaio originale in legno di cedro. 158,5 x 223,5 cm. Impressionante dipinto a olio che narra la scena descritta in Giovanni 18:2 e Luca 22:39, la scena del Getsemani, quel giardino sul Monte degli Ulivi dove Gesù si ritirava spesso a pregare. In aramaico "Getsemani" significa "frantoio" o "frantoio", con la specifica sfumatura che quando le olive vengono spremute per la prima volta nel frantoio, l'olio che ne esce è rosso, come il sangue. Secondo il racconto di Luca, "Gesù si allontanò da loro a circa un tiro di sasso e, inginocchiatosi, pregava dicendo: "Padre, se vuoi, allontana da me questo calice, ma non sia fatta la mia volontà, se non la tua". .... e pieno di angoscia, sudava come spesse gocce di sangue...". A destra vediamo Pietro (dei tre presenti; Giacomo e Giovanni gli altri due), che si è addormentato mentre Gesù pregava. E sullo sfondo la città di Gerusalemme, situata nel luogo centrale della vita di Gesù, della sua morte, crocifissione e risurrezione. Cristóbal de Villalpando è, insieme a Juan Correa, l'artista più importante della Nuova Spagna nell'ultimo quarto del XVII secolo. Ha realizzato due delle opere artistiche più importanti: le grandi tele allegoriche della Cattedrale Metropolitana di Città del Messico e della Cattedrale di Puebla, di cui ha dipinto anche la cupola. Il suo stile è molto personale; combina una colorazione acida e cangiante con toni quasi metallici, con pieghe molto nervose nei vestiti e toni carnei con riflessi bluastri, il tutto in uno spirito manierista che può ricordare gli artisti del Nord Europa. Le sue composizioni si ispirano a fonti molto eclettiche, in accordo con la sua intenzionalità iconografica, a stampe di Rubens e a modelli del barocco peninsulare come Carreño de Miranda e Francisco Rizzi, da cui ha tratto anche una famosa Immacolata Concezione e da cui riprende anche la colorazione succosa e vibrante. Presenta alcune macchie sul retro dovute a piccoli restauri, ma è nella sua tela originale.

Stima 24 000 - 35 000 EUR

Lotto 51 - Nicolás Enríquez (Mexico, 1704 - 1790) - Nicolás Enríquez (Messico, 1704 - 1790) "Pietá" Olio su rame. Firmato: "Enriq. Fac." 42 x 32,5 cm. Nicolás Enríquez fu membro della prima Accademia di pittori fondata in Messico intorno al 1722 dai fratelli Nicolás e Juan Rodríguez Juárez, ed è considerato uno dei migliori artisti che dipingono su rame dell'epoca. Il Metropolitan Museum di New York ha acquisito una serie di cinque dipinti a olio su rame del pittore messicano Nicolás Enríquez nel 2014, per arricchire la sua collezione di arte neo-spagnola. Questa serie fu commissionata a Enríquez nel 1773 dal mercante basco Juan Bautista Echeverría.

Stima 6 000 - 9 000 EUR

Lotto 52 - Novohispanic School. Guatemala. 18th century. - Scuola novoispanica. Guatemala. XVIII secolo. "San Giuseppe con bambino" Imponente scultura in legno intagliato e policromato con complementi in argento come la verga portata da San Giuseppe e le aureole di entrambe le figure. Poggia sulla base originale in legno intagliato e dorato. Si tratta di una figura vestita, quindi i volti, compreso il collo, e le estremità di San Giuseppe e del Bambino sono policromati. In questo caso particolare, la qualità della policromia dei toni della carne dei volti simili alla porcellana è particolarmente eccezionale. 80 x 32 x 20 cm.

Stima 7 000 - 9 000 EUR

Lotto 53 - Attributed to Bernardo Legarda (Quito circa 1700 - 1773) - Attributed to Bernardo Legarda (Quito circa 1700 - 1773) ‘Saint Joseph and Virgin Mary’. Pair of carved and polychrome wood sculptures with vitreous eyes. Belonging to a nativity scene. 28 x 16 x 10 cm. and 30 x 16 x 12 cm. Wonderful example of the baroque sculpture from Quito. The sculptor presents us with the Virgin and Saint Joseph humanized and with a serene expression full of spirituality. Bernardo Legada, sculptor and painter of enormous talent, stood out as one of the most important artists of the Viceroyalty of Ecuador. Like other indigenous art imagers, he dedicated himself solely to sacred art. Among his most important works is the main altarpiece of the Church of La Merced in Quito, as well as the altarpiece of the Temple of the Jesuits. Wonderful treatment of the flesh tones, with the characteristic polychrome of the faces that looks like porcelain. The decoration of the habit is a delightful brush composition of polychrome flowers and fine gold latticework. Some of Legarda's important works are, for example, the Calvary found in the Convent of Santo Domingo in Quito, the Virgin of Quito which is in the main altar of the church of San Francisco and is the only work that has the signature of the author, Our Lady of the Assumption of Popayán, preserved in the Cathedral of Popayán, Colombia, a San Juan de Dios of the Convent of Santo Domingo in Quito, or the Calvary of the Chapel of Cantuña, in Quito. He is also the architect of the altarpieces Retablo Mayores de la Iglesia del Monasterio del Carmen Bajo and de la Iglesia la Merced both in Quito, or of the Retablo del Presbiterio de la Iglesia la Compañía. Bibliography of reference: - "Escuela quiteña: principales exponentes y su legado en el arte ecuatoriano. Plan de difusión cultural”. Estupiñán Ordóñez Doris Amelia. P. 187, nº 48.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 54 - Wonderful silver and tortoiseshell chest. Mexico. 17th - 18th century. - Splendido scrigno in argento e tartaruga. Messico. XVII - XVIII secolo. 11,5 x 17,5 x 9 cm. Conserva la chiave originale, che non può essere girata.

Stima 5 500 - 7 000 EUR

Lotto 55 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. Magnificent and very rare set of six reliefs in gilded and embossed silver, depicting the figures of six harquebusier archangels, to the smallest detail. Mounted on an imposing ebony veneered wooden frame. Total measurements: 75 x 85 cm.

Stima 9 000 - 12 000 EUR

Lotto 56 - Molded, cast and engraved silver box. Viceroyalty of Peru, Sierra or Altiplano. 17th century. Circa 1600-1625. - Scatola d'argento modellata, fusa e incisa. Vicereame del Perù, Sierra o Altiplano. XVII secolo. Circa 1600-1625. 22 x 58 x 24,5 cm. 3.600 gr. Scatola molto interessante, perché il suo uso è civile e non religioso, essendo l'argento per scopi religiosi più comune da trovare. Nella sua relazione, la dott.ssa Esteras si interroga sulla sua destinazione d'uso, ma conclude indicando che si tratta di un pezzo eccezionale: "cosa potrebbe essere depositato al suo interno? Per le sue dimensioni e il suo peso, è impensabile che si trattasse di un cofanetto da viaggio destinato al trasporto di effetti personali (tra l'altro perché manca di maniglie laterali per facilitarne il trasporto), ma piuttosto pensiamo che sia stato concepito come uno scrigno per conservare qualcosa di molto prezioso che non fosse né gioielli né documenti, ma forse destinato a contenere qualche indumento di seta (molto pregiato all'epoca) o come cappelliera? Bisognerà attendere futuri e nuovi dati per poter stabilire se questo era davvero il suo vero destino o semplicemente la scatola non aveva una funzione particolare, lasciando al suo proprietario libertà di utilizzo. Non c'è dubbio che questo cofanetto sia un pezzo eccezionale, unico nel suo genere e per le caratteristiche strutturali e decorative sopra citate, ma soprattutto si distingue per il suo buono stato di conservazione, considerando che esistono pochi esempi di oggetti in argento per secolari con questa età e di origine peruviana. Insomma, un oggetto di lusso secondo il gusto dei corredi dell'aristocrazia vicereale.

Stima 20 000 - 24 000 EUR

Lotto 57 - Bernardo de Legarda (Quito, Ecuador, circa 1770 - 1773) - Bernardo de Legarda (Quito, Ecuador, 1770 circa - 1773) Martirio di Santa Barbara. Rilievo in legno intagliato, policromato e dorato. 35,5 x 27 x 3,5 cm. Splendido rilievo, in cui Legarda narra magnificamente il momento drammatico in cui la santa sta per essere decapitata, mentre un fulmine sta per cadere sul suo carnefice, uccidendolo. Accanto a lei si trova la torre in cui il padre, Dioscoro, l'aveva fatta rinchiudere per proteggerla dalle molestie dei pretendenti. Prima di entrare nella torre, la santa si battezzò in una vasca. Riuscì a fuggire, ma fu arrestata e portata davanti al giudice Martiniano, che la condannò a morte. In questo rilievo, la torre, secondo la tradizione, ha tre finestre per ricordare le parole della santa, che affermava che la luce era entrata in lei attraverso le tre finestre del Padre, del Figlio e dello Spirito Santo. Il rilievo è un esempio di assoluta maestria e di virtuosismo nella policromia. I personaggi sono vestiti con ricche ed elaborate vesti dai colori vivaci, con pennellate policrome di fiori arricchite da motivi dipinti in oro. È ornato fin nei minimi dettagli. È presentato nella sua cornice originale in legno intagliato, a nicchia, con il bordo interno decorato da una bordura di fiori. Bernardo Legada, scultore e pittore di enorme talento, si distingue come uno dei più importanti artisti del Vicereame dell'Ecuador. L'ampiezza, la varietà e la qualità estetica della sua opera non hanno eguali in tutto il periodo vicereale. Legarda, pur consolidando la validità della Scuola di Quito come stile differenziato, è un pioniere nella visione dell'artista come individuo. Quando si parla di questo Maestro si pensa solitamente solo alle sue sculture libere, ma Legarda è forse uno dei pochi artisti della regione sudamericana che ha ereditato la versatilità multidisciplinare dei primi artisti arrivati o sviluppatisi in America Latina, come il maestro Bernardo Bitti, uno dei tre pilastri dell'arte vicereale in Sudamerica alla fine del XVI secolo. La sua bottega, grande e prospera, situata nei pressi di San Francisco, era un centro di grande attività. Nelle diverse chiese della capitale dell'Ecuador si trova un gran numero di opere del maestro Bernardo de Legarda che testimoniano il suo genio. Tra le sue opere più importanti c'è la pala d'altare principale della Chiesa della Merced a Quito e la pala d'altare del Tempio dei Gesuiti. Questo rilievo è particolarmente degno di nota perché oggi esistono pochissime opere di Legarda sul mercato, e ancora meno sono quelle con questo tipo di incisione a rilievo. Le sue dimensioni ridotte e la sua qualità, insieme alla magnifica policromia, fanno di questo rilievo un gioiello ambito che potrebbe certamente essere un pezzo da museo. Le espressioni dolci dei personaggi, che sembrano ignari della scena in cui Santa Barbara sta per essere sgozzata, sono quelle classiche di Legarda. Questo tipo di espressione e i volti idealizzati che ricordano le bambole di porcellana si ripetono più volte nella sua scultura. Basta vedere solo alcune delle sue opere per notare che si trattava senza dubbio del grande Maestro dei volti gentili, sereni e dolci. Prendiamo due opere dell'autore come riferimenti tipologici della sua scultura a rilievo. Da un lato, un insieme scultoreo in rilievo concepito all'interno della propria nicchia, che rappresenta la Vergine Immacolata apocalittica con un coro di angeli, nel Museo del Centro Culturale BEAEP. E dall'altro, una squisita scultura a rilievo di dimensioni maggiori che rappresenta l'Assunzione di Maria, nella chiesa di San Francisco, a Quito, in Ecuador. Inoltre, analizzando la scultura, ne abbiamo confrontato l'abbigliamento, la policromia e i dolci lineamenti con quelli dell'Arcangelo San Gabriele della stessa chiesa di Quito; e anche con l'Arcangelo San Michele della Cattedrale Primate di Quito, il cui dolce volto ricorda particolarmente quello della Santa Barbara che abbiamo qui.

Stima 35 000 - 60 000 EUR

Lotto 58 - Large, curved lidded wooden chest with inlay and sgraffito decoration using the zulaque technique and wrought iron fittings. Novo-Hispanic work. Villa Alta de Oaxaca, Mexico. 17th century. - Grande cassapanca in legno a coperchio curvo con decorazione a intarsio e sgraffito secondo la tecnica zulaque e accessori in ferro battuto. Opera novo-ispanica. Villa Alta di Oaxaca, Messico. XVII secolo. 50 x 85 x 43 cm. Questo scrigno è unico nel suo genere perché l'intera decorazione è incentrata su culture ancestrali precedenti all'arrivo degli spagnoli, risalenti agli Aztechi. Si trovano elementi di fauna e personaggi estranei a quelli estratti dalle incisioni europee. Questa particolarità indica, a nostro avviso, una volontà piuttosto decisa di mostrare con orgoglio queste origini e questa cultura, rifuggendo dalla consueta decorazione di ispirazione europea. Da ciò si deduce che potrebbe essere stato commissionato da una personalità importante della società oaxacana. Sul coperchio curvo, al centro, si trova un motivo a rosetta formato da piume e foglie. Sopra e sotto la rosetta si trova una testa con corona piumata, che a nostro avviso potrebbe rappresentare Moctezuma; chiudendo il cerchio, si ripete lo stesso motivo di un volto con un curioso copricapo. Su entrambi i lati di questa scena centrale si trova un'elaborata composizione di fiori e rosette. Il bordo superiore del coperchio è orlato da una bordura identica a quella presente su uno dei due forzieri oaxacani conservati a Saragozza presso il Museo Alma Mater. La parte anteriore è magnificamente decorata, ancora una volta con un carattere decisamente indigeno: mostra quello che probabilmente è un quetzal a due teste su un piedistallo su entrambi i lati. Come indica Paz Aguiló riferendosi a un cassone simile proveniente da Saragozza, decorato con una coppia di uccelli simili ad aquile sul coperchio: potrebbe trattarsi di una coppia di quetzal disposti in stile araldico, a imitazione delle aquile delle decorazioni europee". Questa trasformazione di elementi animali e vegetali tratti da incisioni europee in qualcosa di nativo del loro ambiente è ciò che trasforma veramente i mobili di Oaxaca in una genuina espressione dello stile novo-ispanico". Nella parte centrale del fronte si trovano le figure di due indigeni con una lancia alle spalle di un animale che sembra un cavallo con testa felina, e due figure umane che catturano un serpente arrotolato. Infine, al centro, sotto il magnifico raccordo in ferro, è raffigurata una dama con un fiore che potrebbe simboleggiare la primavera. Entrambi i lati presentano lo stesso motivo di un guerriero con scudo e spada che si difende da due leoni uccidendoli. Si notano analogie tra la decorazione di questo scrigno e gli oggetti di artigianato locale in oro e argento ritrovati nelle tombe antiche, come i pettorali mixtechi in oro e argento o altri oggetti più strettamente legati alla decorazione di questo scrigno: I gioielli mesoamericani recuperati dalla tomba 7 di Monte Albán, situata nella stessa Oaxaca. Questo tipo di mobili era un chiaro esempio del prestigio sociale dei suoi proprietari, come indica Gustavo Curiel, dato che esempi di mobili oaxacani sono stati trovati negli inventari di famiglie nobili. A differenza di questa cassapanca, era più comune che questo tipo di mobili fosse destinato all'esportazione e, quindi, decorato secondo il gusto della clientela europea, che preferiva scene allegoriche, mitologiche, cortesi, palaziali o paesaggistiche, tratte da libri e incisioni europee. Come abbiamo detto, questa influenza non si riflette nello spirito che ha ispirato la creazione di questo grande cassettone in asta. Pezzi della stessa importanza di questo, pur senza la particolarità della decorazione tradizionale azteca, si trovano in vari musei. Uno simile è conservato nella collezione del Museo Franz Mayer in Messico; allo stesso modo, una magnifica scrivania fa parte della collezione del Museo Archeologico Nazionale di Madrid; la magnifica cassapanca proveniente dalla Villa Alta dei Marchesi di Mancera della collezione Gerstenmaier; inoltre, le due cassapanche, come detto, conservate nel Museo Alma Mater di Saragozza. La specifica e unica tecnica di decorazione oaxacana è ben spiegata da Andrés Gutiérrez Usillos, in "El baúl de taracea de Villa Alta (Oaxaca, Nueva España) de los marqueses de Mancera en la colección Gerstenmaier. Una obra invitada en "contexto" en el Museo de América" (Il petto intarsiato di Villa Alta (Oaxaca, Nuova Spagna) dei marchesi di Mancera nella collezione Gerstenmaier. Un pezzo ospite in "contesto" al Museo delle Americhe): Uno degli aspetti più interessanti che caratterizzano e individualizzano questa produzione di Villa Alta rispetto ad altre carpenterie simili è l'uso dello sgraffito o scavo dei contorni, delle pieghe, dei tratti e delle ombre dei disegni e delle figure, e il loro riempimento con una pasta nera chiamata zulaque o zumaque, che darebbe un aspetto molto simile alle stampe xilografiche [....] la tecnica dell'intarsio del legno e delle incisioni o dello sgraffito riempito di pasta nera, caratteristiche che definiscono la produzione vicereale della città di Villa Alta, a Oaxaca, in Messico". Interessante anche la lettura di Aguiló, che spiega che la tecnica in questione è uno "zulaque impresso - una pasta bituminosa di

Stima 35 000 - 45 000 EUR

Lotto 59 - Possibly Laca de los Galgos workshop (Patzcuaro, Mexico, 18th century) - Forse bottega di Laca de los Galgos (Patzcuaro, Messico, XVIII secolo) Paravento a quattro foglie. Dimensioni aperte: 215 x 212 cm. Dimensioni chiuse: 215 x 53 cm. I paraventi della Nuova Spagna sono una miscela di intenzioni e di luoghi diversi. Ricordano nella loro forma gli arredi orientali che evocano, se pensiamo che facevano parte delle sontuose aiuare dei palazzi e dei signori d'Oriente, e per la loro forma e il loro uso sarebbero stati destinati a riservare determinati spazi, sia quelli dedicati al servizio delle udienze e delle corti, sia le stanze predisposte per la privacy e il riposo quotidiano. Nel corso della loro lunga esistenza, le superfici dei paraventi furono dipinte con ogni tipo di soggetto figurativo: da storie e leggende a paesaggi naturalistici con cavalli, uccelli e fiori, anche se non mancarono quelli destinati a esibire squisiti tratti calligrafici. Per questo, i paraventi utilizzavano ogni tipo di materiale: alcuni rivestivano le loro superfici con diversi metalli preziosi, tartaruga, gioielli, tessuti di seta pregiata o una varietà di carte, il tutto a seconda dello splendore che ogni signore e palazzo voleva esibire. Questo magnifico paravento, composto da quattro foglie, è strettamente legato alla produzione artistica di elementi laccati nel mondo novo-ispanico, in particolare in questo caso a un'officina forse stabilita a Patzcuaro e nota come Taller de los Galgos. La tecnica di laccatura nelle Americhe in generale si è sviluppata combinando le tecniche di laccatura preispaniche con le tecniche e i motivi decorativi spesso prodotti in Oriente, dando vita a creazioni meravigliose come quella che presentiamo qui. È evidente anche a un occhio inesperto il carico decorativo visivo con influenze orientali del nostro paravento, che è presente anche nei cinque esempi di bateas noti a oggi di questo laboratorio. In essi il carico esagerato di elementi decorativi vegetali di fiori e frutti come il melograno si ripete più volte come nel nostro paravento. Non sarebbe la prima volta che una bottega specializzata in un tipo di articoli inizia a produrne altri utilizzando la stessa tecnica. È il caso, in particolare, della bottega di Cerda, specializzata in vassoi, di cui abbiamo testimonianza di una fantastica cassettiera laccata al Metropolitan Museum e di un dipinto di una Vergine da lui firmato.

Stima 45 000 - 60 000 EUR

Lotto 60 - Novohispanic School. Mexico. 18th Century. - Scuola novoispanica. Messico. XVIII secolo. "Portabandiera a forma di leone" Coppia di sculture in legno intagliato e parzialmente dorato. 150 x 74 x 55 cm e 145,5 x 74 x 54 cm. Rarissima e imponente coppia di sculture in legno intagliato e parzialmente dorato. Queste figure erano destinate a essere collocate ai due lati del trono dei re o dei viceré nei ricevimenti per i dignitari di altri Paesi, e su ogni leone veniva posta la bandiera di ciascun Paese.

Stima 25 000 - 30 000 EUR

Lotto 61 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Scuola Viceregia. Cuzco. Perù. XVIII secolo. "Madonna con bambino Olio su tela. 36 x 26 cm. Misure della cornice: 79 x 50 cm.

Stima 5 500 - 6 500 EUR

Lotto 62 - Circle of Angelino Medoro (Rome, circa 1565 - Seville, 1632) - Cerchio di Angelino Medoro (Roma, 1565 circa - Siviglia, 1632) San Michele Arcangelo Olio su tela. 120 x 101 cm.

Stima 18 000 - 35 000 EUR

Lotto 63 - Novohispanic School. Mexico. 17th Century. - Scuola novoispanica. Messico. XVII secolo. San Michele Arcangelo Olio su tela. 144 x 89,5 cm. Accompagnato da una cornice d'epoca in legno intagliato, dorato e policromato.

Stima 7 500 - 15 000 EUR

Lotto 64 - Juan Rodríguez Juárez (Mexico City, 1675 - 1728) - Juan Rodríguez Juárez (Città del Messico, 1675 - 1728) Pietà Olio su rame. 1702 circa. 26,5 x 19,8 cm. Juan Rodríguez Juárez coltivò il genere del ritrattista e si distinse per la precisione del disegno, la solidità delle figure e il trattamento delle tele. Figlio di Antonio Rodríguez e nipote di José Juárez, grande esponente del barocco novoispano, Juan Rodríguez Juárez iniziò giovanissimo a dipingere e fu contemporaneo di Cristóbal de Villalpando. Studiò con José de Padilla, con il quale lavorò nel suo taller. Insieme a suo fratello Nicolás, fu precursore di un grande cambiamento nei temi, nei modelli e nel linguaggio visivo, che servì da impulso tra i secoli XVII e XVIII, e che diede inizio alle prime accademie d'arte della Nuova Spagna. Oltre a essere un grande ritrattista, creò numerose opere religiose. Il Museo Nazionale d'Arte conserva importanti opere d'autore, tra cui spiccano l'Autoritratto e "La Vergine del Carmen con Santa Teresa e San Giovanni della Croce". In quest'ultima opera, un olio su tela del 1708, Rodríguez Juárez esalta i due santi riformatori dell'ordine carmelitano: santa Teresa d'Ávila, teologa della chiesa e fondatrice delle carmelitane discusse, e san Juan de la Cruz, teologo e poeta, autore del famoso Cántico espiritual. Da segnalare anche il lavoro realizzato per l'Altare dei Reyes nella Catedral Metropolitana con i temi La asunción de la Virgen e La adoración de los Reyes. Al centro della nostra opera, il rame che presentiamo ha una qualità straordinaria, tanto nel disegno quanto nel colore della tonalità cromatica selezionata, risultando in questo senso molto simile e paragonabile al rame dell'Entierro de Cristo attualmente esposto al Metropolitan Museum of Art di New York. Entrambe le composizioni, che derivano da grabados flamencos, presentano il colore brillante e il modellato vigoroso che caratterizzano la prima fase della sua carriera. Senza dubbio sono della stessa mano e, per di più, potrebbero far parte della stessa serie, dato che ne condividono le caratteristiche. Non si tratta solo della tavolozza di colori tipica dell'artista, perché anche le pinzette, l'uso dell'oro nei broccati e nelle aureole, i garofani e l'anatomia utilizzata per definire il corpo umano sono praticamente identici in entrambe le opere.

Stima 45 000 - 70 000 EUR

Lotto 65 - Workshop of Cipriano de Toledo and Gutiérrez (active in Cuzco, Peru, 1761 - 1775) - Laboratorio di Cipriano de Toledo e Gutiérrez (attivo a Cuzco, Perù, 1761 - 1775) "L'esaltazione di Nostra Signora del Monte Carmelo e delle anime del Purgatorio, tra angeli, arcangeli e santi". Olio su tela. Relined. 98 x 72 cm. L'opera che presentiamo riflette il legame iconografico e devozionale tra la Vergine del Carmelo e il Purgatorio nell'arte coloniale peruviana. In questa società c'è una preoccupazione permanente per la salvezza dell'anima. È rilevante anche l'importanza dello scapolare, un abito carmelitano semplificato, profondamente radicato nell'immaginario collettivo per le promesse mariane in esso contenute, e come questo abbia permesso di trascendere la devozione alla Vergine del Monte Carmelo. Al centro della tela, la Vergine Maria è incoronata da due angeli. Nelle vicinanze sono raffigurati Gabriele, Michele, Raffaele e Uriele, quattro dei sette arcangeli. San Giuseppe è a sinistra e San Giovanni Battista a destra di Maria, come intercessori per aprire le porte del cielo. A sinistra, in un falso ovale, si trova un cartiglio con una scritta oggi quasi illeggibile, ma che dà significato al dipinto. Nel cartiglio si legge: "A su Ilustrísima[...] María Santísima, Año de 1784 (?), año de la consagración de la Virgen del Carmen con el milagro que me libró de la enfermedad del demonio al que mató de [...] en la localidad de Sulco, Distrito de [...] catqa. ~ Cuzco 1784 ~". (A Sua Illustrissima [...] Maria Santissima, anno 1784 (?), anno della consacrazione della Vergine del Carmen con il miracolo che mi liberò dalla malattia del demonio che uccise [...] nella località di Sulco, Distretto di [...] catqa. ~ Cuzco 1784 ~). Alla destra della Vergine, ai suoi piedi, ci sono le anime benedette del purgatorio. In breve, questo dipinto raffigura la protezione delle anime e la gratitudine per un miracolo, un ex-voto che riflette chiaramente questo legame iconografico e devozionale con la società vicereale peruviana dell'epoca. Poche informazioni ci sono giunte sul pittore Cipriano de Toledo y Gutiérrez. Sappiamo che sviluppò la sua carriera intorno alla città peruviana di Cuzco, con uno stile incline a composizioni in molti casi iconograficamente complesse, con l'uso di un disegno molto marcato, che si riflette nei contorni delle figure. Fu attivo almeno tra il 1761 e il 1775, come sappiamo dalla datazione di alcune sue opere documentate, e fu il discepolo più vicino a Marcos Zapata, sostituendolo per terminare l'opera a San Blas. Possiamo mettere in stretta relazione la tela con la Madonna della Misericordia di Quito della Collezione Carl e Marilynn Thoma e con la Madonna di Caracato del Museo Blanton. L'anatomia delle figure e dei loro abiti, la tavolozza dei colori, lo stile compositivo e l'uso del broccato d'oro nei due dipinti e nella nostra opera in questione sono molto caratteristici dell'artista e della sua bottega.

Stima 35 000 - 45 000 EUR

Lotto 66 - Circle of Diego Quispe Tito (Cuzco, Peru, 1611 - 1681) - Circolo di Diego Quispe Tito (Cuzco, Perù, 1611 - 1681) Battesimo di Cristo Olio su tela. 80,5 x 64 cm. La datazione e l'ubicazione geografica di questa pittura si basano sullo studio dei materiali utilizzati, dell'epoca e dello stile ceco nato a partire dal Maestro Quispe Tito, come la tavolozza dei colori, l'influenza flamenca nel paesaggio e la rappresentazione di uccelli locali come i lori e i guacamayos che si trovano nella scena principale. Questi elementi utilizzati in modo così tempestivo nella nostra pittura ci avvicinano al pennello del maestro, per cui l'artefice del nostro legame doveva essere un uomo molto vicino a Quispe Tito. Negli ultimi decenni, l'opera e la proliferazione del maestro raggiungono livelli mai visti prima nella pittura di Cuzco. Questa opera tempestiva della metà del XVII secolo si ispira a uno dei murales di Luis de Riaño del primo terzo del XVII secolo nella chiesa di AndahuayIillas e all'opera che rappresenta la stessa iconografia nella chiesa di Urcos, realizzata dal pittore muralista indigeno Diego Cusihuaman. Il battesimo è considerato dalle Chiese cristiane un momento fondamentale nella vita del credente. La celebrazione di questo sacramento è costellata di riti dal forte significato spirituale e teologico che testimoniano l'alta considerazione che le comunità di fede hanno avuto del battesimo nel corso della storia del cristianesimo. Il Bautismo e l'Eucaristia sono considerati dalla Chiesa cattolica come i due sacramenti più importanti, essendo gli unici riconosciuti dalle Chiese riformate come istituiti da Cristo. Nella lettura cristiana dell'Antico Testamento, il Bautismo e l'Eucaristia sono prefigurati come un'immagine o un tipo, cioè come una sagoma delle nuove realtà realizzate da Cristo. Insieme agli altri cinque sacramenti formano il canone dei sei, definito dalla Chiesa nel Concilio di Firenze e ratificato nel Concilio di Trento.

Stima 16 000 - 25 000 EUR

Lotto 67 - Juan Patricio Morlete (San Miguel de Allende, Guanajuato, 1713 - Mexico City, 1772) - Juan Patricio Morlete (San Miguel de Allende, Guanajuato, 1713 - Città del Messico, 1772) Vergine di Guadalupe. Olio su tela. 66 x 55,5 cm. Juan Patricio Morlete Ruiz è stato uno dei più grandi pittori messicani della seconda metà del XVIII secolo. Sebbene la sua biografia fosse poco conosciuta fino al XX secolo, la sua opera ha iniziato a essere diffusa attraverso varie collezioni, che hanno permesso di conoscerlo meglio. Morlete, con una vasta opera in Messico, è particolarmente noto per la sua serie di dipinti di caste. Il Museo de América possiede una natura morta di sua mano (inv. 2021/04/01). Manuel López-Pintado y Almonacid (Toledo, 1677 - Siviglia, 1745) fu un ammiraglio della flotta del tesoro spagnola. Fondò l'Accademia di pittura nel 1753, insieme al suo maestro José de Ibarra, a Miguel de Cabrera, a José de Alcíbar e ad altri illustri personaggi. Due anni prima, nel 1751, aveva fatto parte del gruppo di artisti che ispezionarono l'immagine della Vergine di Guadalupe. Questi due eventi riflettono l'importanza artistica e culturale, nonché il riconoscimento sociale e professionale del nostro pittore.

Stima 28 000 - 35 000 EUR

Lotto 68 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Scuola novoispanica. Messico. XVIII secolo. "San Giuseppe con bambino Olio su tela. 63 x 57 cm. Il culto di San Giuseppe godette di grande devozione a partire dal XVI secolo, diventando uno dei più rappresentati artisticamente, in quanto patrono dei lavoratori e patriarca della Chiesa. Come in questo caso, i pittori del XVIII secolo ci mostrano un San Giuseppe giovane, non anziano come ci si aspetterebbe, con un'espressione dolce e mostrando il suo amore paterno. Soprattutto nella Nuova Spagna, il suo culto era molto sentito ed era considerato un protettore, soprattutto dopo il 1732, quando fu nominato patrono di Città del Messico.

Stima 4 500 - 6 500 EUR

Lotto 69 - Attributed to Nicolás Correa Juárez (Mexico, final quarter of the 17th century) - Attribuito a Nicolás Correa Juárez (Messico, ultimo quarto del XVII secolo) Apostolato Set di dodici oli su rame raffiguranti i dodici apostoli. 31 x 24 cm ciascuno.

Stima 25 000 - 35 000 EUR

Lotto 70 - Attributed to Mateo Perez de Alesio, also known as Matteo de Lecce (Lecce, Italy, 1547 - Lima, 1628). - Attribuito a Mateo Perez de Alesio, noto anche come Matteo de Lecce (Lecce, Italia, 1547 - Lima, 1628). Adorazione dei pastori Olio su tavola. 201 x 137 cm. Pérez de Alesio fu un importante pittore e scultore, dall'età di sedici anni fu un illustre apprendista nella bottega di Michelangelo Buonarroti, lavorando anche al dipinto della Cappella Sistina. La maggior parte dei suoi dipinti è di carattere religioso. Nel 1575 si stabilì in Spagna, lavorando presso la Cattedrale di Siviglia, e nel 1588 arrivò a Lima, diventando per molti anni il pittore più importante del luogo e influenzando i pittori locali anche dopo la sua morte. Fu il fondatore di una delle prime scuole d'arte di Lima, secondo le ricerche dello storico e sacerdote gesuita Rubén Vargas Ugarte. Nel 1590 dipinse il ritratto dell'VIII Viceré Don García Hurtado de Mendoza, IV Marchese di Cañete, che governò tra il 1589 e il 1596.

Stima 25 000 - 35 000 EUR

Lotto 71 - Attributed to Padre Jesuíno of Monte Carmelo (Santos, São Paulo, 1764 - Itu, São Paulo, 1819) - Attribuito a Padre Jesuíno del Monte Carmelo (Santos, São Paulo, 1764 - Itu, São Paulo, 1819) La Vergine Maria che legge con lo stemma dei Carmelitani. Olio su tela. 143 x 111 cm. Squisita rappresentazione della Vergine del Carmelo, incoronata come una Regina, e su un palcoscenico dove l'aria è ferma, emerge tra le tende, come una candela accesa di fede. Piena delle virtù che Pio XII dichiarò di avere l'11 febbraio 1950: "umiltà, castità, mortificazione, preghiera e, soprattutto, segno e ricordo della nostra consacrazione a Gesù Cristo e a lei, segno efficace di santità e pegno di salvezza eterna". L'autore dipinge questa immagine in puro stile fiammingo: con estrema minuzia di particolari sui capelli, sul broccato, sul mantello e sugli scudi che sono gioielli, anche sulla corona e sul saio. Ci sono colori vivaci in mezzo a questa fredda gamma di marroni. Maria legge con un gesto esagerato e quasi rigido, anche i tessuti molto ornati che indossa sembrano rigidi. Ha una figura molto stilizzata... e guarda verso il basso, consapevolmente ...., sembra quasi un quadro di Bruges. È raffigurata come una "Santa Rosa di Lima" (cfr. lotto 72 di questo catalogo) nella posizione, nella disposizione delle mani, nella lettura del libro delle ore, nella rigidità e nel mantello... sostituendo il copricapo creolo con una corona da regina, con lo sguardo rivolto verso il basso, con l'idea di conferire alla madre di Dio l'umanità, "come un di più". Infine, si passa al palcoscenico, molto conventuale, con tende sobrie e raccolte, anch'esse in toni e semitoni carmelitani. È possibile che questo quadro fosse destinato proprio a un convento carmelitano. La prima fondazione carmelitana in America Latina avvenne nel 1580 a Olinda (Pernambuco), quando era una provincia del Portogallo. Altre fondazioni furono fatte in tutto il Brasile, tanto che un secolo dopo, nel 1685, il grande Vicariato del Brasile fu diviso nei commissariati di Rio de Janeiro e Bahia-Pernambuco. Entrambi divennero Province nel 1720. Alcune case della Provincia di Bahia-Pernambuco abbracciarono la Stretta Osservanza e furono costituite come Provincia con il titolo di "Pernambuco" nel 1744. Il volto della Vergine con gli occhi obliqui e le palpebre gonfie, la decorazione geometrica dell'abito, la corona utilizzata in altri dipinti (come quelli pubblicati dall'artista modernista Mario de Andrade) e il chiaro legame con il convento di Carmo, ci portano a questa attribuzione.

Stima 7 500 - 12 000 EUR

Lotto 72 - Viceregal School. Peru. 18th century. - Scuola Vicereale. Perù. XVIII secolo. Santa Rosa di Lima Olio su tela. 58 x 45,5 cm. Splendida tela vicereale peruviana che raffigura il santo patrono di Lima, molto simile per composizione e forma a quella attualmente esposta al Museo d'America di Madrid. Questa santa peruviana, di nome Isabel Flores de Oliva, nacque nel 1586 e prese l'abito terziario di San Domenico con il nome di Rosa de Santa Maria. Beatificata nel 1668 e canonizzata tre anni dopo, divenne la prima santa latinoamericana. Questa suora domenicana, vestita con un copricapo creolo, che meditava e pregava le ore, dopo la sua morte, avvenuta nel 1617, divenne ben presto la patrona del Vicereame del Perù e poi di tutta l'America Latina. Il pittore si è preso la licenza artistica di presentarla vestita più come una principessa che come una suora in abito domenicano: con il mantello perlato e il broccato, e con l'aureola della santità, con i capelli lunghi e senza il velo di una vergine e sposa di Cristo. Così, appare come una donna creola che sale agli altari, piuttosto che come una suora con copricapo e velo domenicano, perché, forse, come suora sarebbe più lontana dal culto delle persone non istruite.

Stima 1 800 - 3 500 EUR

Lotto 73 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Scuola Viceregia. Cuzco. Perù. XVIII secolo. "Incoronazione della Vergine Maria con il Bambino". Olio su tela. 125,5 x 87,5 cm. Composizione dell'incoronazione di Maria da parte di due angeli che illuminano il momento con due candele. Il dipinto riflette una sequenza del ciclo della vita della Vergine che si trova nel Libro dell'Apocalisse. Secondo i testi apocrifi, la vita di Maria si è conclusa a Gerusalemme, dopo aver compiuto la sua missione in vita, ed è stata accolta in cielo, anima e corpo, e incoronata. La Vergine Maria, qui seduta, è presentata come Madre di Dio, che tiene in braccio, Madre dell'umanità, che tiene nella mano destra come il globo, e Regina e Porta del cielo, un cielo pulito e puro come lei, riflesso nel giglio. Vestita come una regina o una dama di alto rango, un po' distante e rigida nello sguardo e nella postura, è umanizzata dalla presenza di due santi maschi che la guardano e pregano ai suoi piedi (la catechesi silenziosa di cosa fare quando ci si avvicina a lei). San Didaco di Alcalá, francescano, con la croce sulle spalle e il miracolo delle rose, e Sant'Agostino d'Ippona, vescovo, con in mano le sue Confessioni o La vita di unione con Maria, alludono al dipinto. La ricchezza di dettagli degli abiti, dei pizzi, dell'oreficeria e dei fiori è notevole, nonostante la posa frontale e la scarsa prospettiva, tipica della pittura peruviana novo-ispanica di quel secolo. L'incoronazione della Vergine Maria fu un tema molto ricorrente per tutto il secolo e un chiaro simbolo del potere della Chiesa contro l'eresia e l'interdetto derivante dalla Riforma protestante.

Stima 15 000 - 25 000 EUR

Lotto 74 - Attributed to José Campeche (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) - Attribuito a José Campeche (San Juan, Porto Rico, 1751 - 1809) Cristo risorto con i Padri della Chiesa Olio su tela. 98,5 x 77 cm. Magnifico quadro di altissimo pregio del XVII-XVIII che raffigura il trionfo di Gesù che sale al cielo in un contesto strettamente teologico: quello dei quattro Santi Padri dell'Iglesia che contemplano l'ambiente di cui sono autori e che elaborano la cosiddetta "Patristica", cioè la riflessione cristiana dei primi secoli. A sinistra di Cristo, troviamo San Ambrosio di Milano e San Gregorio di Milano; a destra, San Agustín di Hipona e, di seguito, San Jerónimo di Estridón. In un filetto in basso si legge "IN NOMINE EIUSGENTES SPERABUNT" ('En Su nombre, las naciones esperarán'), un chiaro accenno al motivo centrale del vincolo: volver a la vida después de la muerte. Campeche è stato uno degli artisti portoricani più riconosciuti. Fu l'unico discepolo di Luis Paret y Alcázar (1746-1799), arrivato sull'isola dopo essere stato esiliato dal re Carlo III, tra il 1775 e il 1778. Il Museo d'Arte di Porto Rico conserva alcune delle sue opere nella propria collezione. La sua scheda biografica spiega che: 'Nella sua pittura sviluppò principalmente temi religiosi e ritratti. Il suo lavoro è considerato rococò per il suo interesse per i dettagli e gli ornamenti. I grigi azzurri e i rosa dominano la sua tavolozza, che ha assimilato da Paret". Nel 2006 il Ponce Museum of Art ha organizzato una mostra che ha raggiunto il prestigioso Worcester Art Museum del Massachusetts e che comprendeva dipinti di Campeche, Francisco Oller e Miguel Pou. Campeche ha una grande maestria nei ritratti e nelle miniature, caratteristiche che lo portano ad essere uno dei più esaltati ed eccezionali pittori ispano-americani della fine del XVIII secolo". Nel suo stile, il nostro pittore può percepire le sue figure alargate, gli angeli querubini e i bambini con le corna rosse. È questo il caso dell'angelo che sostiene la tiara papale nella nostra opera, che a confronto con il San Juanito firmado por Campeche, recentemente venduto nella Suite Subastas, risulta essere inequivocabile nella sua stessa realizzazione. Paragonabili alla nostra pittura sono anche il San José con il Bambino e il San Juan Bautista del Museo d'America, che presentano grandi similitudini nell'estetica e nella gamma di colori.

Stima 25 000 - 40 000 EUR

Lotto 75 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Scuola novoispanica. Messico. XVIII secolo. Pastora divina. Olio su rame. 26,5 x 41 cm.

Stima 5 500 - 7 500 EUR

Lotto 76 - Miguel Güelles (active in Seville, 1607 - 1637) - Miguel Güelles (attivo a Siviglia, 1607 - 1637) Vergine Immacolata. Olio su tela. 162 x 108 cm. Questa straordinaria Immacolata Concezione, con i suoi colori vivaci molto vicini al gusto della Nuova America spagnola, esemplifica perfettamente il costante scambio che avveniva su entrambe le sponde dell'Atlantico. Miguel Güelles fu un artista barocco attivo a Siviglia che lavorò quasi ininterrottamente per i vicereami del Perù e della Nuova Spagna. Nel 1608 stipulò un contratto con il provinciale dell'Ordine di San Domenico in Perù per eseguire una serie di quarantuno tele dedicate alla vita di San Domenico di Guzmán. Trentasei di queste sono conservate nel convento di Nuestra Señora del Rosario o Santo Domingo a Lima. Nel 1619 conferì anche la procura per ritirare in Messico una cassa di trenta tele contenenti dipinti di eremiti, forse paesaggi, che aveva consegnato a Siviglia a "Fray Baltasar Maldonado dell'Ordine di San Francesco per portarli nella provincia della Nuova Spagna", anche se in questa occasione agì probabilmente di propria iniziativa, senza incarico. Siamo grati a Enrique Valdivieso per il suo aiuto nella catalogazione di quest'opera.

Stima 24 000 - 30 000 EUR

Lotto 77 - Novohispanic School. Mexico. 17th century. - Scuola novoispanica. Messico. XVII secolo. "Nostra Signora di Betlemme in una finta pala d'altare". Olio su tela. 48,5 x 40 cm. Insolito e pio dipinto di un insieme di devozioni private racchiuse in una "finta pala d'altare" a tre sezioni: in quella centrale è raffigurata la Madonna di Betlemme, l'iconica immagine religiosa di Maria con il Bambino in braccio; incoronata, in un cartiglio superiore, dal Padre Eterno e dallo Spirito Santo, che sono in linea retta con il Figlio, formando la Santissima Trinità. La sezione di sinistra raffigura San Giovanni Evangelista, discepolo e scrittore amato da Maria, e San Francesco d'Assisi. Quella di destra presenta Santa Maria Maddalena e Sant'Antonio da Padova, anch'egli francescano. La finta pala d'altare è dipinta in toni ocra e dorati, che ci trasportano nella cattedrale o nella chiesa che visitiamo spesso, attraverso un altare "pronto" per pregare, celebrare, meditare, stare in silenzio, contemplare...

Stima 2 500 - 4 500 EUR

Lotto 78 - Novohispanic School. Mexico. 18th Century. - Scuola novoispanica. Messico. XVIII secolo. "Nostra Signora di Altagracia" Olio su rame. 27 x 21 cm. La venerata e pia immagine di Nostra Signora di Altagracia è una devozione mariana cattolica considerata la "madre spirituale e protettiva del popolo domenicano". La sua festa si celebra il 21 gennaio nella Repubblica Dominicana, presso la Basilica di Higüey.

Stima 7 500 - 10 000 EUR

Lotto 79 - Francisco Eduardo Tresguerras (Celaya, Mexico 1759 - 1833) - Francisco Eduardo Tresguerras (Celaya, Messico 1759 - 1833) "Santo pellegrino" Olio su rame. Firmato con un anagramma and dated 1812. 41 x 30,5 cm. Architetto, pittore e incisore. Come nota Luis Javier Cuesta Hernández nella Real academia de la Historia Tresguerras, "fu uno degli artisti più importanti della transizione tra il XVIII e il XIX secolo, formulatore di un linguaggio peculiare a metà strada tra il barocco classicista e l'avant la lettre neoclassico...". Nella città di Celaya praticò diverse attività artistiche (tra cui almeno la pittura, la musica e l'incisione). Nonostante ciò, la sua attività principale fu sempre quella architettonica, e sappiamo che già nel 1794 aveva richiesto all'Accademia di San Carlos la licenza per svolgere questa attività... La sua opera pittorica (dipinti, disegni e incisioni) è meno conosciuta di quella architettonica. E oggi, nonostante gli studi accurati, molte delle sue attribuzioni rimangono incerte. Nonostante ciò, alcune opere (il disegno della Fontana di Nettuno a Querétaro, per esempio) sono di straordinaria qualità". Bibliografia di riferimento: - https://dbe.rah.es/biografias/48876/francisco-eduardo-tresguerras - F. de la Maza, "Dibujos y proyectos de Tresguerras", in Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Autónoma de México (UNAM), n. 18 (1950), pp. 27-33;

Stima 2 500 - 4 500 EUR

Lotto 80 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Scuola novoispanica. Messico. XVIII secolo. Sant'Ignazio di Loyola Olio su tela. Rilegato. In un'imponente cornice in legno intagliato, dorato e graffito. 190 x 131 cm. Sant'Ignazio di Loyola, in un mistico trionfo del bene sul male, si erge trionfante, schiacciando sotto i suoi piedi il male e le forze oscure sotto forma del diavolo e del suo mondo di tentazioni. Guarda verso il cielo, da dove emanano luce e potere (IHS). Alla sua destra, ai suoi piedi, ci sono i suoi abiti da cavaliere, le sue armi terrene, il suo orgoglio, la sua nobiltà - quelle cose che ha messo da parte per "intraprendere e approfondire" in Dio e nel suo servizio alla Chiesa. Ora indossa la livrea di Cristo, l'abito nero dei gesuiti. La figura di Loyola, fondatore della Compagnia di Gesù, è incorniciata in un paesaggio con il mare, sul quale naviga una barca. Simboleggia chiaramente il mondo "al di là dei mari", che i gesuiti hanno raggiunto con la loro evangelizzazione, il mondo al di là della portata dei nostri occhi umani e della nostra immaginazione. Nella mano sinistra porta il libro delle regole o Costituzioni, dove è scritto il motto della Compagnia, "Ad maiorem Dei Gloriam". Questo è il suo scopo: qualsiasi cosa facciamo, ha detto, la faremo sempre "per la maggior gloria di Dio".

Stima 4 000 - 7 000 EUR

Lotto 81 - Novohispanic School. Mexico. 17th century. - Scuola novoispanica. Messico. XVII secolo. Ritratto di Hernán Cortés Olio su tela. Rilegato. 64 x 48 cm. Ritratto di Hernán Cortés basato su quello inviato dal conquistador all'umanista, medico, storico, biografo e prelato italiano del Rinascimento Paulo Giovio, che servì da modello per i suoi ritratti a partire dal XVI secolo. Si tratterebbe del terzo ritratto eseguito durante la vita di Cortés, facente parte della galleria assemblata da Paolo Giovio, vescovo di Nocera (1483-1552), la cui tipologia iconografica è stata accuratamente descritta nel 1864 da Valentín Carderera. Secondo quanto affermato dallo stesso Giovio nei suoi scritti, il ritratto gli fu inviato da Cortés pochi mesi prima della sua morte, il che contribuirebbe a datarlo al 1547, quando aveva 62 anni. Il ritratto faceva parte della galleria di uomini illustri che Giovio fece allestire nel palazzo di Borgovico, sulle rive del lago di Como. Sebbene la singolare forza espressiva di questa effigie e l'intensità del suo sguardo siano state a lungo lodate, in realtà si tratta solo di un adattamento, dipinto a partire dal disegno di Weiditz, anche se la composizione è invertita e ridotta a un busto, in modo che Cortés giri la testa verso destra. Il suo aspetto è stato invecchiato ingrigendo capelli, barba e baffi e abbassando gli occhi nelle orbite per cogliere le rughe e le borse sotto le palpebre. Il ritratto di Giovio conservò il berretto germanico e fu utilizzato per realizzare l'incisione di Tobias Stummer (1539-1584) che illustrava la biografia di Cortés negli Elogia virorum bellica virtute illustrium stampati nel 1575. Il presunto originale inviato da Cortés a Giovio è andato perduto, ma è la fonte di molte stampe che reinterpretano quella di Stummer e di molti dei ritratti di busti che furono dipinti nel corso del XVII e XVIII secolo per serie iconografiche. Su questo ritratto originale si basa anche il Ritratto di Hernán Cortés del Museo della Real Academia de Bellas Artes di San Fernando (inv. 0031). In una sezione della scheda del dipinto, si riassume brevemente la biografia di Cortés, considerato, per citare lo storico Lafuente Ferrari, "il più famoso dei conquistatori del Nuovo Mondo dopo Cristoforo Colombo". Di famiglia nobile, nacque a Medellín (Badajoz) nel 1485. Nel 1521 conquistò il Messico e l'anno successivo fu nominato governatore e capitano generale del regno della Nuova Spagna".

Stima 18 000 - 22 000 EUR

Lotto 82 - Colonial School. Peru. 18th century. - Scuola novoispanica. Perù. XVIII secolo. Ritratto di Atahualpa, ultimo imperatore Inca Oil on panel. 50 x 40,5 cm. Nella Biblioteca Nazionale Austriaca è conservata un'incisione dell'Inca Atahualpa che può essere collegata alla nostra opera.

Stima 9 000 - 14 000 EUR

Lotto 83 - Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Mexico, 1713/1715 - Mexico, 1772) - Juan Patricio Morlete (San Miguel el Grande, Guanajuato, Messico, 1713/1715 - Messico, 1772) "Ritratto di Manuel López-Pintado y Almonacid". Olio su tela. 111,5 x 97 cm. Juan Patricio Morlete Ruiz è stato uno dei più grandi pittori messicani della seconda metà del XVIII secolo. Sebbene la sua biografia fosse poco conosciuta fino al XX secolo, la sua opera ha iniziato a essere diffusa attraverso varie collezioni, che hanno permesso di conoscerlo meglio. Morlete, con una vasta opera in Messico, è particolarmente noto per la sua serie di dipinti di caste. Il Museo de Américain Madrid conserva una natura morta di sua mano (inv. 2021/04/01). Fondò l'Accademia di pittura nel 1753, insieme al suo maestro José de Ibarra, a Miguel de Cabrera, a José de Alcíbar e ad altri illustri personaggi. Due anni prima, nel 1751, aveva fatto parte del gruppo di artisti che ispezionarono l'immagine della Vergine di Guadalupe. Questi due eventi riflettono l'importanza artistica e culturale, nonché il riconoscimento sociale e professionale del pittore. I temi iconografici della sua produzione artistica sono vari. Vedute urbane, motivi devozionali e allegorici, storia sacra e diversi ritratti conosciuti fino ad oggi, tra cui quelli di diversi viceré e un ritratto del re Carlo III datato 1760. Concentrandoci sul dipinto che presentiamo qui - e approfondendo l'identità del personaggio - l'abbigliamento e l'importante cappotto indossato dal personaggio nel nostro lavoro ci inducono a citare due dipinti su tela che possiamo confrontare stilisticamente e che ci aiutano a datare e a localizzare geograficamente il dipinto alla prima metà del XVIII secolo nella Nuova Spagna. Si tratta del ritratto attribuito al pittore Juan Rodríguez Juárez del viceré Juan Vázquez de Acuña y Bejerano (1658-1734), viceré della Nuova Spagna tra il 1722 e il 1734, e del ritratto del viceré Pedro Cebrián y Agustín (1687-1752), viceré della Nuova Spagna tra il 1741 e il 1746. L'abbigliamento e gli accessori del personaggio nel nostro dipinto sono paragonabili per qualità, materiali e design a quelli indossati nei ritratti dei viceré del XVIII secolo. Da ciò possiamo dedurre che il personaggio gode di uno status sociale molto elevato, forse tra la nobiltà o i grandi mercanti della globalizzazione. Va inoltre notato che il nostro nobile e illustre personaggio tiene una lente d'ingrandimento nella mano sinistra. Questo elemento e il libro di cartografia appoggiato sul tavolo accanto al calamaio d'argento con gli aculei mettono in relazione il personaggio con l'attività marittima. In questo senso, inoltre, il disegno dei motivi decorativi degli abiti ricorda le onde del mare e i simboli sulle maniche sono legati ai quattro punti cardinali. La proposta suggerita per soddisfare il mistero dell'identità dell'uomo ritratto è quella di Manuel López-Pintado y Almonacid, ammiraglio della flotta delle Indie, nato a Toledo nel 1677 e morto a Siviglia nel 1745. Un ritratto di Manuel López-Pintado, datato 21 dicembre 1730, è conservato nel Museo Navale di Madrid. Come ci informa la Reale Accademia di Storia, "la grande ricchezza di López-Pintado, un misto di marinaio, soldato e uomo d'affari, ebbe origine dal titolo di maestro d'argento concessogli da Sebastián de Talledo a Madrid nel 1704. [...] Fu deputato delle flotte reali fino a quando, nel 1715-1716, ottenne il titolo di ammiraglio della flotta delle Indie; in questa carica acquisì un'ingente fortuna che gli permise di investire in terreni, acquistando e migliorando varie proprietà e mulini in diverse città della provincia di Siviglia. [Nel 1737, Filippo V gli concesse il titolo di marchese di Torre Blanca del Aljarafe, con la precedente viscontea di Cabrejas". Bibliografia di riferimento: -Caño Ortigosa, José Luis. (n.d.). "Manuel López-Pintado y Almonacid". Real Academia de la Historia. https://dbe.rah.es/biografias/51501/manuel-lopez-pintado-y-almonacid

Stima 45 000 - 70 000 EUR

Lotto 84 - José Campeche (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) - José Campeche (San Juan, Porto Rico, 1751 - 1809) "Possibile ritratto della signora Catalina de Urrutia". Olio su tela.102 x 77 cm. Campeche ritrasse María de Urrutia in varie occasioni e a diverse età. La nostra ipotesi è che questo ritratto sia quello in cui la donna appare in età più avanzata. Come si legge sul sito della Hispanic Society of New York, "María Catalina de Urrutia apparteneva a un'importante famiglia creola di proprietari terrieri di Cuba, dove nacque (nel 1749); suo padre, Bernardo de Urrutia y Matos, era sindaco dell'Avana. Nel 1766 María Catalina sposò il colonnello Juan Andrés Dabán y Busterino (1724-1793), un ufficiale militare spagnolo di origini aragonesi che sarebbe diventato governatore e capitano generale di Porto Rico dal 1783 al 1789. Era stato ispettore militare di Cuba a metà degli anni Sessanta e pare che sia stato lì che i due si sono fidanzati. A Porto Rico condusse campagne di ricostruzione a causa degli uragani, istituì un sistema postale, iniziò a pavimentare strade e marciapiedi con la zavorra vulcanica blu proveniente dalle Isole Canarie e fondò una fabbrica di sigari che esportava nei Paesi Bassi. Promosso maresciallo di campo, tornò in Spagna e dal 1792 fu governatore di Badajoz. La data in cui Don Juan e Doña María si trasferirono in Spagna è incerta. Campeche fu uno degli artisti portoricani più riconosciuti. Fu l'unico discepolo di Luis Paret y Alcázar (1746-1799), che arrivò sull'isola dopo essere stato esiliato dal re Carlo III, tra il 1775 e il 1778. Il Museo d'Arte di Porto Rico conserva alcune delle sue opere nella propria collezione. La sua scheda biografica spiega che: "Nella sua pittura sviluppò soprattutto temi religiosi e ritratti. Il suo lavoro è considerato rococò per il suo interesse per i dettagli e gli ornamenti. I grigi azzurri e i rosa dominano la sua tavolozza, che ha assimilato da Paret". Nel 2006 il Ponce Museum of Art ha organizzato una mostra che ha raggiunto il prestigioso Worcester Art Museum del Massachusetts e che comprendeva dipinti di Campeche, Francisco Oller e Miguel Pou. Campeche ha una grande maestria nei ritratti e nelle miniature, caratteristiche che lo portano ad essere uno dei più esaltati ed eccezionali pittori ispano-americani della fine del XVIII secolo".

Stima 60 000 - 75 000 EUR

Lotto 85 - Novo-Hispanic school. 18th. century. - Scuola novo-ispanica. XVIII. secolo. Ritratto di gentiluomo. Olio su tela. 109 x 84 cm. Con la sua cornice in legno intagliato e dorato dell'epoca.

Stima 6 000 - 12 000 EUR

Lotto 86 - Venezuelan School. Early 19th century. - Scuola venezuelana. Inizio del XIX secolo. "Ritratto di Simón Bolívar". Olio su tela. Rilegato. 66,5 x 49,5 cm.

Stima 6 000 - 9 000 EUR

Lotto 87 - Novohispanic School. Colombia. 19th century. - Scuola novoispanica. Colombia. XIX secolo. Paesaggio fluviale Opera d'arte in piume. Con cornice ottocentesca in legno intarsiato. 26 x 19,5 cm.

Stima 4 000 - 6 000 EUR

Lotto 88 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Scuola Viceregia. Cuzco. Perù. XVIII secolo. La Santissima Trinità che incorona la Vergine Maria Olio su tela. 38 x 26,5 cm. L'opera riflette una sezione del ciclo della vita della Vergine che si trova nel Libro dell'Apocalisse. Tre figure esattamente uguali, la Santissima Trinità, tre in uno con la mitra papale, incoronano la Vergine Maria. In questo modo, Maria può essere interpretata come figura trinitaria: del Figlio, in quanto vergine, nel ricevere e nel lasciarsi amare dal Padre; del Padre, fonte di amore vivificante, nella sua qualità di madre; dell'Espíritu Santo, in quanto sposa, come legame d'amore tra Padre e Figlio e apertura del mistero di Dio nella terra. La Vergine come Maria Inmaculada "assunta" ai cieli, e in un mare di nubi, è contemplata da San Miguel Arcángel, e da Santa Gertrudis la Magna o Santa Clara?.

Stima 5 000 - 7 000 EUR

Lotto 89 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 17th century. - Scuola Viceregia. Cuzco. Perù. XVII secolo. "Sant'Orsola di Gesù Scultura in legno policromo e intagliato, con doratura in argento e occhi vitrei. 50 x 32 x 16 cm.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 90 - Marcel Jambon (Barbezieux, France, 1848 - 1908) - Marcel Jambon (Barbezieux, Francia, 1848 - 1908) Rajasthan Guazzo su cartone. Firmato e collocato sul retro. 56 x 45 cm.

Stima 300 - 500 EUR

Lotto 91 - Félix Resurrección Hidalgo (Manila, The Philippines, 1855 - Barcelona, 1913) - Félix Resurrección Hidalgo (Manila, Filippine, 1855 - Barcellona, 1913) "Isola di Jolo Disegno a matita e gesso su carta. Firmato a matita e datato 1878. 21,5 x 28,5 cm. Piccolo strappo nel margine inferiore. Félix Resurrección Hidalgo è stato un importante pittore ispano-filippino del XIX secolo. Nato a Manila da una famiglia benestante, si formò all'Università di Santo Tomás e all'Accademia di disegno e pittura di Manila. Inizialmente dipinse paesaggi e scene di genere. Nel 1880 ricevette una borsa di studio a Madrid, dove presentò la sua opera più importante, "Giovani donne cristiane esposte al popolo", che ricevette una medaglia per il secondo posto all'Esposizione Nazionale di Madrid del 1884. Si stabilì poi a Parigi, dove realizzò il suo dipinto più famoso, "La barca di Acheronte", ispirato alla Divina Commedia di Dante. Quest'opera gli valse una medaglia d'oro all'Esposizione Generale delle Filippine del 1887. Hidalgo ebbe successo anche in altre esposizioni internazionali. Con l'aumentare delle opportunità di mercato, il suo stile si spostò verso paesaggi decorativi simbolisti, anche se continuò a produrre composizioni allegorico-politiche con un'enfasi sull'identità storica delle Filippine. La sua eredità artistica contribuì a rafforzare l'identità culturale delle Filippine prima della loro indipendenza. In conclusione, Felix Hidalgo è stato uno dei grandi maestri della pittura filippina e ha lasciato un'importante eredità nella storia dell'arte filippina.

Stima 1 500 - 3 000 EUR

Lotto 92 - Théodore Auguste Fisquet (France, 1813 - 1890) - Théodore Auguste Fisquet (Francia, 1813 - 1890) Bains de la Périchula à Lima. Acquerello su carta. Firmato, datato 1840, situato a Lima e titolato sul bordo inferiore destro. 19,2 x 27,5 cm.

Stima 7 500 - 9 500 EUR

Lotto 93 - Salvador del Huerto (Mexico, 1760 - 1824) - Salvador del Huerto (Messico, 1760 - 1824) Crocifissione Olio su tela. Firmato. 104 x 78,5 cm.

Stima 3 500 - 4 500 EUR

Lotto 94 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) "Resurrezione di Cristo Disegno a inchiostro su carta. 10,5 x 11 cm. Bozzetto preparatorio per la stampa incisa da Vicente Capilla, catalogata con il numero E-82 nel catalogo ragionato di José Luis Díez, Vicente López: vida y obra, Madrid, 1999; p. 643 (lastra 131). Sono presenti alcune macchie causate dall'umidità. Vicente López Portaña, nato il 19 settembre 1772, iniziò la sua formazione artistica come allievo del francescano Antonio de Villanueva presso l'Accademia San Carlos di Valencia. Durante questa prima fase della sua carriera fu premiato con primo premio nel 1789 per la tela "Re Ezechia che ostenta le sue ricchezze", che gli permise di raggiungere la capitale. L'anno successivo si aggiudica il primo posto al concorso dell'Accademia di San Fernando con il dipinto "I monarchi cattolici". Da quel momento iniziò ad assorbire gli insegnamenti accademici ereditati da Mengs, soprattutto attraverso Mariano Salvador Maella, dal quale riprese il barocco, il senso coloristico delle sue composizioni e il gusto per il disegno. Dopo il periodo giovanile a Madrid, dove la sua esperienza gli permise di diventare un artista di prestigio, nel 1792 decise di tornare nella sua città natale, Valencia. Per molti anni riceve diverse commissioni, soprattutto dipinti religiosi e murali per le chiese di Valencia, oltre a ritratti, monumenti e disegni per incisioni. Durante la Guerra d'Indipendenza, si trova a Valencia e dipinge il ritratto di Ferdinando VII con l'abito dell'Ordine di Carlo III. Lo stile ritrattistico di Vicente López, rispettoso e oggettivo, indusse Ferdinando VII a nominarlo suo primo pittore di camera, costringendolo a tornare a Madrid. Grazie alla prestigiosa nomina ottenuta, fu il pittore più richiesto dall'aristocrazia e dall'alta borghesia. Nel 1826 dipinse il suo capolavoro, il ritratto del pittore Francisco de Goya y Lucientes, l'opera più importante e iconica della sua lunga carriera. Vicente López Portaña mantenne il suo talento artistico per tutta la vecchiaia, realizzando ritratti fino al giorno della sua morte, avvenuta a Madrid il 22 luglio 1850.

Stima 500 - 700 EUR

Lotto 95 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) San Tommaso d'Aquino. Disegno a inchiostro su carta. 10,5 x 7,5 cm. Preparatorio per la stampa incisa da Francisco Jordán, catalogata con il numero E-213 nel catalogo ragionato di José Luis Díez, Vicente López: vida y obra, Madrid, 1999; p. 594 (lastra 82). Sebbene Díez ritenga che il disegno che cataloga come D-279 (p. 594, lastra 82) sia preparatorio alla stampa, è il nostro disegno inedito a svolgere questo ruolo.

Stima 500 - 700 EUR

Lotto 96 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) Santa María de Cervelló (Santa Maria di Cervelló) Disegno a inchiostro su carta. Preparatorio per la stampa incisa da Vicente Capilla, catalogata con il numero E-188 nel catalogo ragionato di José Luis Díez, Vicente López: vida y obra, Madrid, 1999; p. 603 (lastra 91). 10,5 x 7 cm. Sia in questo che nei tre precedenti, va notato che López si impegna a dare un'immagine vicina e dinamica dei santi ritratti. È significativo che Santa Maria di Cervelló, nota anche come Santa Maria del Soccorso, non sia raffigurata con in mano un modello di nave (come sarebbe tradizione), ma che protegga una vera nave in piena navigazione. Lo stesso si può dire di San Giuseppe Calasanz, che accudisce un bambino vero; di Sant'Agostino, colto nel momento stesso in cui riceve l'ispirazione divina; o del Cristo risorto, che emerge con grazia dal suo sepolcro sotto un intenso fascio di luce. Anche Sant'Agostino, il più statico di tutti, non può fare a meno di guardare dritto davanti a sé. In questo modo, l'artista ottiene immagini autentiche della vita che entrano facilmente in contatto con lo spettatore, il fine ultimo di questo tipo di opere.

Stima 500 - 700 EUR

Lotto 97 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) San Vescovo Dottore della Chiesa (Sant'Agostino?)". Disegno a inchiostro su carta. 9,8 x 7,5 cm. Probabilmente preparatorio per una stampa incisa sconosciuta. Sant'Agostino con in mano il modello di una piccola chiesa. Questo e i successivi quattro disegni dell'artista valenciano Vicente López sono un ottimo esempio della parte della sua attività con cui ha raggiunto la massima diffusione della sua arte: la progettazione di stampe devozionali, molte delle quali incise da Vicente Capilla e Francisco Jordán. Si tratta di opere inedite che dovrebbero essere catalogate attraverso le incisioni incluse nel catalogo ragionato dell'opera di Vicente López di José Luis Díez (Vicente López: Vida y Obra 1772-1850, Fundación de Apoyo a la Historia del Arte Hispánico, Madrid, 1999).

Stima 500 - 700 EUR

Lotto 98 - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) - Vicente López Portaña (Valencia, 1772 - Madrid, 1850) San Giuseppe di Calasanz Disegno a inchiostro su carta. 10,5 x 7,5 cm. Preparatorio per la stampa incisa da Francisco Jordán, catalogata con il n. E-167 nel catalogo ragionato di José Luis Díez, Vicente López: vida y obra, catalogato con il n. E-167. E-167 nel catalogo ragionato di José Luis Díez, Vicente López: vida y obra, Madrid, 1999; p. 606 (lastra 94). Díez cataloga un disegno praticamente identico (cat. n. D-238, p. 606, lastra 94), anche se di dimensioni molto più grandi (80 x 60 cm).

Stima 500 - 700 EUR

Lotto 99 - China. 18th century. - Scuola cinese. XVIII secolo. Paesaggio. Olio su tela. 42 x 66,5 cm.

Stima 3 500 - 4 500 EUR

Maîtres de la vice-royauté, allégories, légendes et sainteté

La Suite Subastas - Tel + (34) 93 300 14 77 - Email

Lotto 1 - Italian school. 16th century. - Scuola italiana. XVI secolo. "Leone seduto" Scultura in legno intagliato. 23,5 x 29,5 x 10 cm.

Lotto 8 - Important bronze mortar. Gothic. 15th Century. - Imponente malta di bronzo. Gotico. XV secolo. 10,7 x 19 x 14 cm. Tuttavia, per le sue dimensioni e la sua qualità, è un pezzo molto interessante.

Lotto 10 - Spanish School. Early 16th century. - Scuola spagnola. Inizio del XVI secolo. "San Girolamo vescovo" Scultura in legno intagliato e policromato Altezza: 64 cm.

Lotto 18 - Attributed to Luca Giordano (Naples, 1634 - 1705) - Attribuito a Luca Giordano (Napoli, 1634 - 1705) L'adorazione dei Magi Olio su tela. Relined. 38 x 51,5 cm.

Lotto 21 - Italian School. Naples. 17th century. - Scuola italiana. Napoli. XVII secolo. Maria Maddalena Olio su tela 118,5 x 97 cm.

Lotto 22 - Walnut wood ches with inlaid bone and iron fittings. Aragonese workshop. 16th century. - Casse in legno di noce con intarsi in osso e ferro. Bottega aragonese. XVI secolo. 37,5 x 60 x 30 cm.

Lotto 24 - Italian School. Rome. 17th century. - Scuola italiana. Roma. XVII secolo. San Francesco in estasi Olio su tela. 255 x 193 cm.

Lotto 45 - Novohispanic School. Mexico or Peru. Late 17th century. - Scuola novoispanica. Messico o Perù. Fine del XVII secolo. "San Giacomo" Olio su tela. 122 x 84 cm.

Lotto 54 - Wonderful silver and tortoiseshell chest. Mexico. 17th - 18th century. - Splendido scrigno in argento e tartaruga. Messico. XVII - XVIII secolo. 11,5 x 17,5 x 9 cm. Conserva la chiave originale, che non può essere girata.

Lotto 61 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 18th century. - Scuola Viceregia. Cuzco. Perù. XVIII secolo. "Madonna con bambino Olio su tela. 36 x 26 cm. Misure della cornice: 79 x 50 cm.

Lotto 62 - Circle of Angelino Medoro (Rome, circa 1565 - Seville, 1632) - Cerchio di Angelino Medoro (Roma, 1565 circa - Siviglia, 1632) San Michele Arcangelo Olio su tela. 120 x 101 cm.

Lotto 63 - Novohispanic School. Mexico. 17th Century. - Scuola novoispanica. Messico. XVII secolo. San Michele Arcangelo Olio su tela. 144 x 89,5 cm. Accompagnato da una cornice d'epoca in legno intagliato, dorato e policromato.

Lotto 69 - Attributed to Nicolás Correa Juárez (Mexico, final quarter of the 17th century) - Attribuito a Nicolás Correa Juárez (Messico, ultimo quarto del XVII secolo) Apostolato Set di dodici oli su rame raffiguranti i dodici apostoli. 31 x 24 cm ciascuno.

Lotto 75 - Novohispanic School. Mexico. 18th century. - Scuola novoispanica. Messico. XVIII secolo. Pastora divina. Olio su rame. 26,5 x 41 cm.

Lotto 82 - Colonial School. Peru. 18th century. - Scuola novoispanica. Perù. XVIII secolo. Ritratto di Atahualpa, ultimo imperatore Inca Oil on panel. 50 x 40,5 cm. Nella Biblioteca Nazionale Austriaca è conservata un'incisione dell'Inca Atahualpa che può essere collegata alla nostra opera.

Lotto 85 - Novo-Hispanic school. 18th. century. - Scuola novo-ispanica. XVIII. secolo. Ritratto di gentiluomo. Olio su tela. 109 x 84 cm. Con la sua cornice in legno intagliato e dorato dell'epoca.

Lotto 86 - Venezuelan School. Early 19th century. - Scuola venezuelana. Inizio del XIX secolo. "Ritratto di Simón Bolívar". Olio su tela. Rilegato. 66,5 x 49,5 cm.

Lotto 87 - Novohispanic School. Colombia. 19th century. - Scuola novoispanica. Colombia. XIX secolo. Paesaggio fluviale Opera d'arte in piume. Con cornice ottocentesca in legno intarsiato. 26 x 19,5 cm.

Lotto 89 - Viceregal School. Cuzco. Peru. 17th century. - Scuola Viceregia. Cuzco. Perù. XVII secolo. "Sant'Orsola di Gesù Scultura in legno policromo e intagliato, con doratura in argento e occhi vitrei. 50 x 32 x 16 cm.

Lotto 90 - Marcel Jambon (Barbezieux, France, 1848 - 1908) - Marcel Jambon (Barbezieux, Francia, 1848 - 1908) Rajasthan Guazzo su cartone. Firmato e collocato sul retro. 56 x 45 cm.

Lotto 92 - Théodore Auguste Fisquet (France, 1813 - 1890) - Théodore Auguste Fisquet (Francia, 1813 - 1890) Bains de la Périchula à Lima. Acquerello su carta. Firmato, datato 1840, situato a Lima e titolato sul bordo inferiore destro. 19,2 x 27,5 cm.

Lotto 93 - Salvador del Huerto (Mexico, 1760 - 1824) - Salvador del Huerto (Messico, 1760 - 1824) Crocifissione Olio su tela. Firmato. 104 x 78,5 cm.

Lotto 99 - China. 18th century. - Scuola cinese. XVIII secolo. Paesaggio. Olio su tela. 42 x 66,5 cm.