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mardi 07 mai à : 17:00 (CEST)

12e vente aux enchères de Tibère - Jour 1

Tiberius auctions - +43 1 890 49 51 - Email

Neue-Welt-Gasse 21-23 1130 Wien, Autriche
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517 résultats

Lot 1 - Lucas Cranach l'Ancien Kronach 1472 - 1553 Weimar, cercle de Portraits de Martin Luther et de Katharina de Bora XVIe siècle Huile sur chêne Chacun 40,5 x 26,5 cm, avec le cadre 50,8 x 36,9 cm Ce double portrait représentatif est le portrait de mariage de Martin Luther et de Katharina de Bora. De nombreux portraits de différents formats, dont une douzaine nous sont parvenus, ont probablement été réalisés dans l'atelier de Cranach à partir de leurs fiançailles le 13 juin 1525. Les fiançailles et les mariages en particulier étaient considérés comme des occasions de réaliser de tels portraits, qui étaient échangés ou offerts en cadeau dans les cercles bourgeois afin de souligner le statut social de leurs auteurs. En même temps, la représentation conventionnelle de ce portrait de mariage servait aussi de modèle et encourageait l'imitation. Luther s'étant prononcé en faveur de l'appréciation du mariage, il a été encouragé à se marier lui-même. Katharina de Bora était à l'origine une moniale du monastère cistercien de Marienthron à Nimbschen, qui s'était réfugiée à Wittenberg avec d'autres personnes pour demander la protection du réformateur. Ne pouvant rentrer chez elle, elle travailla chez Lucas Cranach l'Ancien, qui assista également à ses fiançailles avec Luther. La nouvelle de ce mariage entre un moine et une nonne se répandit rapidement et l'intérêt du public sembla si grand que l'atelier de Cranach en profita pour créer un grand nombre de doubles portraits, souvent sur de petits panneaux transportables. Les différentes variantes de portraits présentent quelques similitudes, par exemple dans la posture du couple l'un par rapport à l'autre : Katharina de Bora est représentée du côté droit, ce qui est caractéristique de l'épouse dans les portraits de mariage. Elle regarde le spectateur, tandis que Martin Luther regarde vers la droite, en direction de sa femme et de son homologue. Tous deux sont vêtus d'une robe noire à col rigide ; Luther porte ses cheveux bouclés courts et sa femme une résille rouge, couleur que l'on retrouve dans son corsage et sur les bagues de sa main gauche. Ce type est une version plus grande sur fond vert. Ce double portrait présente des similitudes particulièrement frappantes avec celui du même type de 1526 conservé au Musée national de Stockholm (inv. n° III.M8a & III.M8b), tant au niveau du format que de la couleur du fond et de la posture. Un autre double portrait, de format plus petit, se trouve à la bibliothèque Herzog August de Wolfenbüttel (inv. n° III.M11a & III.M11b), dont l'ombrage est très similaire. Un double portrait tout aussi comparable se trouve également à l'Öffentliche Kunstsammlung Basel (inv. no. III.M1a & III.M1b), bien que ces premiers portraits de 1525 soient conçus comme des tondi, se réfèrent encore à des médaillons de portrait comme modèles et révèlent une section picturale plus petite. Littérature : Martin Brecht, Martin Luther. Sein Weg zur Reformation 1483-1521, Berlin 1986. Cranach Digital Archive, Portrait de mariage de Martin Luther et de Katharina de Bora (1525 - 1526), Düsseldorf 2024. Gunnar Heydenreich, Lucas Cranach l'Ancien. Painting materials, techniques and workshop practice, Amsterdam 2007.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 7 - Rembrandt van Rijn Leyde 1606 - 1669 Amsterdam, attribué Le départ du fils prodigue Huile sur bois 24 x 28 cm, avec cadre 53 x 60 cm HdG 112c Provenance : Vente aux enchères M. P. D. Baron van Sijtzama u. A. à Leeuwarden le 13 juin 1849 n° 117. Propriété privée allemande depuis le milieu du 19e siècle. Cette œuvre représente le départ de l'enfant prodigue. La parabole racontée par Jésus dans l'Évangile de Luc (15, 11-32) concerne le fils cadet qui reçoit l'héritage qu'on lui réclame, s'en va et dépense tout l'argent. Il devient mendiant et revient en se repentant pour demander à son père de lui donner du travail comme ouvrier. Mais le père est tellement heureux de le revoir qu'il le reprend à son compte. Le fils aîné se plaint de la décision de son père, mais celui-ci lui explique que son plus jeune fils était perdu et qu'il a été retrouvé. Dernière des trois paraboles des "perdus", Jésus établit ici un parallèle entre les "pécheurs", qu'incarne le fils cadet, et les critiques, que représente le fils aîné, Dieu jouant le rôle du père qui se tourne vers les perdus. La scène montre le fils cadet à cheval sur le côté droit, jetant un dernier regard à ses parents sur le côté gauche avant de s'éloigner. Une grande propriété dans un paysage idyllique est représentée, la clôture ouverte soulignant son départ. Un autre personnage masculin, probablement le fils aîné, se tient dans l'une des portes, veillant sur son frère. Les parents sont richement vêtus, le père montrant son fils d'un geste implorant et soutenant en même temps sa femme, qui porte un linge à son visage en signe d'affliction. Le fils cadet, lui aussi richement vêtu, est déjà en route, mais il s'est retourné et a levé son chapeau comme pour un dernier salut. Dans le mouvement prudent du cavalier et les mains du père et du fils visuellement liées par la clôture, les spectateurs peuvent déjà discerner la fin de la parabole : le fils reviendra et sera accueilli par son père à bras ouverts. L'œuvre est citée par C. Hofstede de Groot comme une œuvre authentique de Rembrandt van Rijn. Cependant, le problème de l'attribution est bien connu dans la recherche en histoire de l'art ; des tableaux attribués à l'artiste ont été reconnus plus tard comme des œuvres produites par l'atelier du maître. Comme il est difficile de distinguer les peintures de Rembrandt de celles de ses élèves, le "Rembrandt Research Project", fondé en 1968, se consacre à l'analyse de ces œuvres. Sur la base de cette histoire et de la provenance, ce tableau pourrait être une œuvre de cet important peintre baroque hollandais, qui privilégiait la représentation de thèmes bibliques, entre autres. Vers 1668, il a peint l'événement suivant, Le retour de l'enfant prodigue (Ermitage Saint-Pétersbourg, inv. n° ГЭ-742), qui est exécuté dans une palette de couleurs similaire, dans les tons bruns et rouges que Rembrandt préférait dans ses dernières années. Littérature : C. Hofstede de Groot, Beschreibendes und kritisches Verzeichnis der Werke der hervorragendsten holländischen Maler des XVII. Jahrhunderts, 6e volume, Esslingen/Paris 1915.

Estim. 16 000 - 20 000 EUR

Lot 40 - De la propriété du Grand-Duché de Hesse Anton Raffael Mengs Aussig 1728 - 1779 Rome, attribué Rêve de saint Joseph Répétition d'atelier de grande qualité du tableau du même nom conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne (Gemäldegalerie, 124) Huile sur toile, relaquée 112 x 85 cm, avec cadre 124 x 97,5 cm Provenance : étiquette et sceau du Grand-Duché de Hesse au verso ("Gr. Hss. Ministerium. Grosh. Hausses u. d. Äusseren", armoiries du Land de Hesse) La représentation immédiate montre Joseph endormi, qui reçoit une nouvelle divine sous la forme d'un ange, à savoir qu'il doit se rendre en Égypte avec Marie et l'enfant Jésus pour échapper à la menace d'Hérode. Saint Joseph est assis à son banc, l'un de ses outils de menuisier appuyé sur la table devant lui, l'autre toujours dans sa main. La main droite posée sur l'établi, il a sombré dans un profond sommeil, sa robe drapée librement sur son corps. Derrière lui, un ange apparaît comme le transmetteur de l'instruction divine, dont l'apparence est visible pour le spectateur mais échappe aux yeux fermés de Joseph. L'ange aux cheveux flottants, suggérant probablement une approche soudaine, a levé sa main gauche devant son corps dans un geste d'invitation, tandis que sa main droite pointe au loin, vraisemblablement vers l'Égypte. Les contours doux des figures révèlent des éléments de la peinture sfumato. La frontalité explicite et la conception claire du contenu du tableau témoignent de l'abandon de l'art baroque et du tournant vers le classicisme, dont Anton Raphael Mengs fut également un pionnier important. Ce tableau est une répétition d'atelier de grande qualité du tableau conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne (Gemäldegalerie 124). La provenance du tableau est également particulièrement remarquable, puisqu'il provient du Grand-Duché de Hesse, comme l'attestent une étiquette et un sceau au verso.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 54 - August Wolf Weinheim 1842 - 1915 Venise L'enlèvement de sainte Cécile Répétition de grande qualité d'après le tableau éponyme de Raphaël Huile sur toile, doublée 238 x 150 cm, avec cadre 275 x 185 cm Signée en bas à gauche Cf. Pinacoteca Nazionale di Bologna, inv. no. 577 Le tableau représente un type de Sacra Conversazione, qui suggère une rencontre ou une conversation entre plusieurs saints. Au centre, sainte Cécile, munie d'un orgue à tuyaux portatif, regarde vers le haut, où la couverture nuageuse s'est ouverte pour laisser apparaître un chœur d'anges. Elle est entourée de plusieurs saints, comme saint Paul à gauche avec son épée comme attribut, Jean l'Évangéliste avec l'aigle derrière elle, l'évêque Augustin d'Hippone à l'arrière-plan à droite et Marie-Madeleine avec une fiole d'onguent devant elle. Au premier plan, divers instruments de musique sont éparpillés sur le sol. La version originale de cette représentation a été réalisée par Raphaël d'Urbino (Urbino 1483 - 1520 Rome) vers 1514 et se trouve aujourd'hui à la Pinacothèque nationale de Bologne (inv. n° 577). Elle a été commandée par Elena Buglioli dall'Olio pour la chapelle familiale de l'église San Giovanni in Monte Uliveto à Bologne. Cette représentation a été reproduite à plusieurs reprises, notamment par Marcantonio Raimondi (MET inv. no 17.3.573) ou Giulio Bonasone (MET inv. no 1983.1023). August Wolf a créé cette répétition de haute qualité du tableau de Raphaël. Diplômé de l'école d'art de Nuremberg, il rencontre à Munich le collectionneur Adolf Friedrich Graf von Schack, pour qui il réalise entre 1870 et 1881 des reproductions grandeur nature d'œuvres majeures des églises vénitiennes. Plus tard, il en réalisera également pour d'autres clients, imitant habilement le style du Cinquecento vénitien et produisant également ses propres œuvres. Plus de 40 peintures de Wolf sont aujourd'hui exposées dans la collection Schack à la Neue Pinakothek de Munich. Ce qui est intéressant dans ce tableau, c'est que Wolf reprend exactement la composition du peintre florentin Raphaël, mais la modifie dans le style de la peinture vénitienne du XVIe siècle. Cela se traduit par des contours plus nets, des ombres plus marquées et des couleurs plus vives. Le résultat est une combinaison passionnante de "disegno" (dessin) et de "colorito" (couleur) : l'idée artistique, au cœur de l'idéal artistique florentin, et l'utilisation intense de la couleur, élément essentiel de la conception vénitienne de l'art.

Estim. 8 000 - 12 000 EUR
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