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lun. 08 juil.

D'après les modèles d'AMALRIC WALTER (Sèvres, 1870 - Lury-sur-Arnon, 1959) ; HENRI BERGÉ (Diarville, 1870 - Nancy, 1937) Presse-papiers, vers 1920. Pâte de verre. Présente une polychromie postérieure en surface. Signé. Dimensions : 4,5 x 5 x 5 x 5 cm. Amalric Walter était un céramiste et verrier français qui s'est surtout fait connaître pour son verre d'art "Pâte de verre". Il s'agit d'un verre créé par une technique dans laquelle le verre broyé est transformé en pâte et modelé comme un vase ou une figure, puis le dessin est tracé par la gravure. Le verre créé par cette méthode était connu dans l'Antiquité et a connu un regain d'intérêt en France à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Henri Bergé est un décorateur et illustrateur de l'Art nouveau et de l'École française de Nancy. Élève de Jules Larcher à l'École des beaux-arts de Nancy, il a complété sa formation à la Compagnie française du cristal Daum. Au sein de cette compagnie, il s'est imposé comme décorateur sur verre et vitrail en introduisant un nouveau style et un nouveau concept dans les motifs floraux, pastoraux et autres inspirés de la nature. Il est l'auteur, entre autres, des vitraux de la Cure d'air Trianon de Malzéville. En tant qu'illustrateur, il a réalisé plusieurs œuvres telles que des affiches, des affiches publicitaires, comme celles de la Maison d'art de Lorraine. Elle présente une polychromie tardive en surface.

Estim. 300 - 400 EUR

mar. 09 juil.

ANTONIO DE FELIPE (Valence, 1965). "Les Beatles, 2011. Fibre de verre, acrylique et polyester. Signé et daté. Dimensions : 217 x 212 x 103 cm. Comme toujours dans l'œuvre d'Antonio de Felipe, les icônes de la pop sont sauvées par cette sculpture monumentale qui représente le groupe légendaire de Liverpool. Cette pièce se distingue par son caractère exceptionnel, car il s'agit d'un format inhabituel dans la production d'Antonio de Felipe. Les Beatles de cette œuvre sont inspirés de la pochette de l'album "Yellow submarine", dont les alter ego animés ont été créés par l'illustrateur et designer Heinz Edelmann (Tchécoslovaquie, 1934 - Allemagne, 2009). Bien que partant de ces dessins, Felipe introduit des éléments tels que la banane que Paul porte à la main, ou George Harrison dont le costume varie considérablement, adoptant ainsi le corps de l'un des célèbres "Trois musiciens de Picasso", actuellement dans la collection du MoMa. Le musée Boca del Calvari de Benidorm a organisé l'exposition "Antonio de Felipe.25 ans de Pop Art espagnol", où l'on a pu apprécier une œuvre monumentale des Beatles. Diplômé en beaux-arts de l'université de San Carlos Valencia, Antonio de Felipe a commencé sa carrière en travaillant comme créatif dans une agence de publicité, ce qui marquera sans aucun doute son style pictural à l'avenir. Il est considéré comme un artiste Pop - ou plus précisément comme faisant partie du mouvement "Les noveaux Pop", avec d'autres artistes internationaux liés au monde Pop - au sens le plus large du terme, développant son vaste travail dans différentes séries (Logotypes, Cows, Cinemaspop, Popsport, entre autres) en conservant toujours une esthétique plastique et visuelle complète, claire, s'adressant à la société commune. La couleur, criarde et provocante, ainsi que le sujet, très simple et direct, sont fondamentaux. Sa facette créative l'a amené à collaborer avec Pedro Almodóvar dans le film "Carne Trémula", ainsi qu'à créer des pare-chocs de continuité pour Telemadrid ou à concevoir de la vaisselle pour la société Santa Clara. Il a collaboré à des affiches, des couvertures d'albums et d'importantes publications telles que ByN Dominical (le magazine dominical d'ABC), El País, El Magazine del diario El Mundo, Marie Claire, ELLE, Qué leer, et Rolling Stone magazine, entre autres. En plus de vingt ans de carrière professionnelle intense, il a organisé plus de quatre-vingt-dix expositions personnelles, tant en Espagne qu'à l'étranger, et autant d'expositions collectives. Il est actuellement représenté au musée Reina Sofía, à l'IVAM, à la fondation Sidney Besthoff de la Nouvelle-Orléans, dans les collections Testimoni de La Caixa, Carmen Thyssen-Bornemisza et Kneip du Luxembourg et à la fondation culturelle Montblanc, parmi d'autres collections publiques et privées en Espagne et à l'étranger. À cette présence nationale et internationale s'ajoute sa participation à des foires telles que ARCO, ART COLOGNE, ART PARIS, ART BRUXELLES, ST-ART Strasbourg, ou KIAF (Korea International Art Fair), cadres de référence pour connaître les dernières tendances artistiques.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

mar. 09 juil.

JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). Sans titre, 2005. Technique mixte (huile et assemblage) sur toile. Signé et daté. Dimensions : 154,5 x 120 x 5 cm. L'utilisation de l'assemblage liée à l'expérimentation et à l'abstraction lyrique gagne du terrain dans les peintures de Guinovart dans sa dernière période. Il revient à ses débuts informels, mais les enrichit en étudiant les effets de différentes procédures sur des supports peu orthodoxes. Le fort contraste entre les noirs, les rouges et les blancs, enroulés comme des vagues déchaînées, suggère des tempêtes et d'autres phénomènes dans lesquels la nature se révèle dans toute sa ferveur. Guinovart a tiré de l'observation de la nature et de la réflexion sur les propriétés physiques de la peinture un langage visuel unique. Josep Guinovart a été formé à l'école des maîtres peintres, à l'école des arts et métiers et dans les classes de la FAD. Il a exposé individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert rapidement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, au Museo Eusebio Sempere d'Alicante, au Museo de Navarra de Tafalla, à la Casa de las Américas de La Havane, au Bocchum Museum d'Allemagne, au Museo de Bellas Artes de Long Island, New York, et au Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

mar. 09 juil.

VIACHESLAV PLOTNIKOV (Russie, 1962). "Rêves. Huile sur toile. Signée, datée et titrée au dos. Au dos se trouve une affiche de la 3ème édition de Monaco Fine Arts (2006), dans laquelle ce tableau est reproduit. Dimensions : 140 x 140 cm ; 164 x 164 cm (cadre). Une série de vues de Monte-Carlo et de son casino travaillées en grisaille (dans un jeu de sépias qui simule la reproduction de photographies anciennes) entourent un portrait central aux couleurs vibrantes d'une femme portant un chapeau exubérant. Avec une virtuosité inhabituelle, le peintre simule (en utilisant uniquement la technique de l'huile) la juxtaposition de différentes feuilles, comme s'il s'agissait de cartes postales ou de photographies des années 1920. Le portrait montre une jeune femme aux épaules couvertes d'une somptueuse étole blanche et plumeuse. Elle porte les mains gainées de longs gants de cuir bordeaux. Ses longs doigts tripotent les perles du collier et de l'autre main, elle caresse les plumes colorées de la pamela. Le visage de la dame dénote l'élégance : lèvres carmin finement dessinées, regard langoureux couleur miel, pommettes rosées. Les talents plastiques de Vyacheslav Plotnikov sont visibles dans chacun des coins urbains et côtiers, ainsi que dans le portrait énigmatique. La femme représentée incarne la sophistication de la ville glamour de Monte-Carlo dans les années 1920, date figurant sur l'une des photographies à l'huile du casino. Vyacheslav Plotnikov est un peintre basé à Monaco, abondamment récompensé par des prix et des expositions. Il fait partie de collections à Monaco et en France. Il est membre du Comité National Monégasque de L'A.I.A.P., U.N.E.S.C.O. Sous le haut patronage de S.A.S. le Prince Souverain Albert II Il s'est formé à l'Académie des Beaux-Arts de Rome (1994-1995) et à l'Académie des Arts de Shtutgardt, Allemagne (1993). Auparavant, il a étudié à l'Institut d'art d'État de Moscou "Surikov" (élève du professeur Ilia Glasunov, spécialité "Portrait", 1987-1993). Expositions sélectionnées : 2017, 4-6 décembre - Miami River Art Fair, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2017, décembre Monaco Auction, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2017, janvier Monaco Auction, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2016, décembre - Miami River Art Fair 2016, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA. 2016,juin- Monte-Carlo Hotel des Ventes Auction, Monaco 2015,décembre- Miami River Art Fair 2015, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2015,juin- Monaco Auction, Accademia Fine Art Gallery, Hotel Metropole, Monte-Carlo, Monaco. 2015 - Exposition à Alexander Art Group International Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2015,Mai- Vente aux enchères "AmberLoungeFashion", Hôtel Méridien, Monte-Carlo, Monaco 2014,Décembre- BDN2014 Christmas Ball Auction, Monte-Carlo, Monaco 2014,13 Décembre- Vente aux enchères Hôtel des Ventes de Monte-Carlo, Monaco 2014, Décembre 4-7- Miami River Art Fair 2014, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami ,USA 2014 ,2 août - Vente aux enchères russe, MC FINE ARTS Gallery, Hotel de Monte-Carlo Bay, Monaco 2014 Exposition permanente, Galerie Saint Paul de Vence, France 2014- Vente aux enchères russe, Hotel de Paris, MC Fine Arts Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2013, Vente aux enchères décembre Hotel de Paris, Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco 2013, Vente aux enchères octobre Hotel de Paris,Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

mar. 09 juil.

JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). Sans titre, 1995. Technique mixte (huile, matière, assiette, pois chiches, fusain, cires) sur toile. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 76 x 94 cm ; 73 x 83 cm (cadre). Dans la peinture de Guinovart, il y a toujours eu une impression indélébile des aspects de sa biographie liés aux difficultés de la guerre civile. Les grains de blé et les pois chiches qu'il incorpore dans ses œuvres, non seulement dans sa période informelle, mais aussi dans des tableaux plus tardifs comme celui qui nous occupe, répondent à la persistance dans sa mémoire de ce qu'a signifié l'émigration avec sa famille dans une petite ville de Lleida pour se réfugier de la guerre. Les produits et les ustensiles de la terre seront traités comme des symboles de résilience et d'espoir dans des contextes défavorables. En même temps, l'expérimentation de ces éléments extra-artistiques lui donnera une place de choix au sein de l'informalisme matériel. Josep Guinovart a été formé à l'école des maîtres peintres, à l'école des arts et métiers et dans les classes de la FAD. Il expose individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert immédiatement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, au Museo Eusebio Sempere d'Alicante, au Museo de Navarra de Tafalla, à la Casa de las Américas de La Havane, au Bocchum Museum d'Allemagne, au Museo de Bellas Artes de Long Island, New York, et au Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

mar. 09 juil.

JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). Sans titre, 1997. Technique mixte sur táblex. Signé et daté dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 50 x 60 cm ; 73 x 83 cm (cadre). Dans les années quatre-vingt-dix, alors que Guinovart a déjà une carrière fructueuse derrière lui, sa peinture se libère plus que jamais de l'adhésion à des mouvements ou à des styles d'avant-garde spécifiques. Dans l'œuvre présentée ici, des taches et des textures savamment réparties suggèrent un visage humain de profil, saisi plus comme une absence que comme une présence : comme si sa nature spectrale laissait une trace ineffaçable sur la matière. Ce dernier est traité comme un palimpseste signalétique. Josep Guinovart a été formé à l'Escuela de Maestros Pintores, à l'Escuela de Artes y Oficios et dans les classes de la FAD. Il a exposé individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert immédiatement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, au Museo Eusebio Sempere d'Alicante, au Museo de Navarra de Tafalla, à la Casa de las Américas de La Havane, au Bocchum Museum d'Allemagne, au Museo de Bellas Artes de Long Island, New York, et au Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

mar. 09 juil.

EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Biscaye, 1938 - Madrid, 2003). "Étreinte, 1997. Sérigraphie sur papier, exemplaire 74/75. Signé, daté et justifié à la main. Dimensions : 76 x 57 cm ; 94 x 75 cm (cadre). Suivant son esthétique particulière, Úrculo compose ses œuvres à partir d'objets énigmatiques et de figures indéterminées et anonymes qui, lointainement inspirées des illustrations de mode et des affiches art déco, évoquent tout un pan de l'imaginaire populaire contemporain. Peintre et sculpteur, l'un des meilleurs représentants du pop art en Espagne, Eduardo Úrculo commence à peindre dès l'enfance, sans aucune formation artistique, et publie en 1957 ses premières bandes illustrées dans le journal d'Oviedo "La Nueva España". Peu après, il s'installe à Madrid et commence à suivre des cours au Círculo de Bellas Artes. Pendant ces années, il gagne sa vie comme illustrateur et décorateur, et cultive une peinture marquée par l'expressionnisme social. En 1959, il se rend à Paris, où il poursuit sa formation à l'Académie de la Grande Chaumière. Dans la capitale française, il travaille comme graphiste et rencontre Eduardo Westerdahl, dont l'influence fait évoluer sa peinture vers l'abstraction. Cependant, quatre ans plus tard, il revient à la figuration et à la critique sociale. En 1967, il effectue un voyage en Europe du Nord et c'est à cette occasion qu'il entre pour la première fois en contact avec le pop américain. Dès lors, l'œuvre d'Úrculo sera marquée par un réalisme basé sur des couleurs très vives et, jusque dans les années soixante-dix, par des thèmes érotiques, satiriques et critiques. Dans les années 80, il vit à New York, où il réalise d'importants projets. En 1992, il revient à Paris. Dans cette dernière période, il ajoute à son répertoire le thème du voyageur confronté à la grande ville moderne, variante ironique de la figure du romantique submergé par le paysage. Cette évolution formelle s'est traduite par de nombreuses expositions individuelles dans le monde entier depuis 1959, ainsi que par des anthologies (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, et Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000). Úrculo est actuellement présent dans de nombreux musées et collections d'art moderne, parmi lesquels le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Galleria Nazionale d'Arte Moderno de Rome, la Biblioteca Nacional de Madrid, le Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, les collections AENA, Testimoni et Fundesco, le Museo del Dibujo Castillo de Larrés, le Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés et d'autres encore.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

mar. 09 juil.

ALEX KATZ (Brooklyn, New York, 24 juillet 1927). "Vincent, 1972. Lithographie sur papier. Exemplaire 50/120. Certificat ci-joint de la Composition Gallery, Géorgie. Signé dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 38,1 x 53,3 cm ; 73,5 x 82,5 cm (cadre). Dans cette œuvre, on peut voir le portrait du fils de l'artiste qui a été représenté à de nombreuses reprises par son père. En fait, dans l'exposition que le musée Guggenheim a consacrée à Alex Katz, son fils, aujourd'hui critique d'art, a déclaré : "Ce qui est intéressant, vous savez, c'est d'être un enfant et d'être représenté, parce qu'on pense que c'est quelque chose qu'il faut faire, comme "Combien de temps dois-je poser pour ça ? Le processus n'est donc pas du tout douloureux". Alex Katz, né dans une famille juive de Brooklyn, déménage en 1928 avec sa famille dans le Queens. De 1946 à 1949, Katz étudie à la Cooper Union de New York, puis de 1949 à 1950 à la Skowhegan School of Painting and Sculpture, dans le Maine. Cette formation s'est avérée déterminante pour son développement en tant que peintre et reste un élément essentiel de sa pratique aujourd'hui. Katz explique que le fait de peindre en plein air à Skowhegan lui a donné une raison de consacrer sa vie à la peinture. Les peintures de Katz se répartissent à peu près également entre les genres du portrait et du paysage. Depuis les années 1960, il peint des vues de New York (en particulier de son environnement immédiat à Soho), des paysages du Maine, où il passe plusieurs mois chaque année, ainsi que des portraits de membres de sa famille, d'artistes, d'écrivains et de personnalités de la société new-yorkaise. Ses peintures se caractérisent par la planéité des couleurs et des formes, l'économie des lignes et un détachement émotionnel à la fois frais et évocateur. Les gravures sur bois de l'artiste japonais Kitagawa Utamaro constituent une source d'inspiration essentielle. Au début des années 1960, influencé par les films, la télévision et les affiches publicitaires, Katz a commencé à peindre des tableaux de grande taille, souvent avec des visages recadrés de manière dramatique. La plupart de ses œuvres représentent des gros plans, montrant des vues de face et de dos de la tête d'un même personnage ou des personnages se regardant depuis les bords opposés du support. Depuis 1951, l'œuvre d'Alex Katz a fait l'objet de plus de 200 expositions personnelles et de près de 500 expositions collectives aux États-Unis et dans le monde entier. La première exposition personnelle d'Alex Katz a été une exposition de peintures à la Roko Gallery de New York en 1954. En 1974, le Whitney Museum of American Art a présenté Alex Katz Prints, suivie d'une rétrospective de peintures et de découpages intitulée Alex Katz en 1986. Katz a présenté de nombreuses rétrospectives dans des musées tels que le Whitney Museum of American Art, New York ; le Brooklyn Museum, New York ; le Jewish Museum, New York ; le Irish Museum of Modern Art, Dublin ; le Colby College Museum of Art, Maine ; la Staaliche Kunsthalle, Baden-Baden ; la Fondazione Bevilacqua La Masa, Venise, le Centro de Arte Contemporaneo de Malaga et la Saatchi Gallery, Londres (1998). Les œuvres de Katz figurent dans les collections de plus de 100 institutions publiques dans le monde entier, dont le Honolulu Museum of Art, le Museum of Modern Art, New York, le Metropolitan Museum of Art, New York, le Whitney Museum of American Art, NY, la Smithsonian Institution, Washington, D .C .Le Carnegie Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Cleveland Museum of Art, la Tate Gallery, Londres, le Centre Georges Pompidou, Paris, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, le Metropolitan Museum of Art, Tokyo, la Nationalgalerie, Berlin, et le Brandhorst Museum, Munich, entre autres. Vous trouverez ci-joint un certificat de la Composition Gallery, Géorgie.

Estim. 1 200 - 1 800 EUR

mar. 09 juil.

MANOLO VALDÉS, (Valence, 1942). "Dame d'Elche". Céramique émaillée avec base en bois. Dimensions : 22,50 x 18,50 x 21 cm, 26,50 x 18,50 x 21 cm (avec socle). Manolo Valdés est né à Valence le 8 mars 1942. En 1957, il s'inscrit à l'école des beaux-arts de San Carlos où il passe deux ans, avant d'abandonner ses études pour se consacrer à la peinture. En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu'à la mort de ce dernier en 1981, bien que deux ans après la création du groupe, Toledo l'ait quitté. Après la mort de Rafael Solbes, il continue à travailler seul à Valence pendant quelques années, jusqu'en 1989, date à laquelle il se rend à New York où il installe son atelier et continue à expérimenter de nouvelles formes d'expression. Il appartient à la Marlborough Gallery et à la Freites Gallery. Il a également installé un atelier à Madrid pour la réalisation de grandes sculptures, alternant son travail dans les deux villes. Influencé par Velázquez, Rembrandt, Rubens et Matisse, Manolo Valdés crée une œuvre de grand format dans laquelle les lumières et les couleurs expriment une sensation de tactilité par le traitement des matériaux. Son travail oblige le spectateur à plonger dans sa mémoire et à rechercher des images significatives de l'histoire de l'art. Outre les œuvres exposées dans le cadre de l'Equipo Crónica, Valdés a réalisé plus de 70 expositions individuelles et collectives entre 1965 et 1981. En tant que sculpteur, il est l'auteur de La Dama del Manzanares (2003), une œuvre de 13 mètres de haut située dans le Parque Lineal del Manzanares (Madrid). En 2005, il a créé le groupe sculptural Asturcones, pour la ville d'Oviedo. Valdés a reçu plusieurs prix, parmi lesquels on peut citer en 1965, les prix Lissone et Biella, à Milan (Italie), en 1979, la médaille d'argent de la IIe Biennale internationale de gravures à Tokyo (Japon) et le prix du musée d'art Bridgestone à Lis'79 à Lisbonne (Portugal) ; en 1983, le prix national des arts plastiques ; le prix Alfons Roig, à Valence ; le prix national des beaux-arts d'Espagne ; en 1986, la médaille de la biennale du festival international des artistes plasticiens, à Bagdad (Irak) et, en 1993, la décoration de l'ordre d'Andres Bello dans la classe de la bande d'honneur, au Venezuela. En 2012, il a été chargé de concevoir l'affiche de la saison tauromachique de la Real Maestranza de Caballería à Séville.

Estim. 2 400 - 2 600 EUR

mer. 10 juil.

JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). "Pelaires", 1989. Technique mixte sur toile. Signé et daté dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 145 x 114 cm. Dans ce tableau des années quatre-vingt, Guinovart rompt visuellement avec la bidimensionnalité de la surface picturale, faisant s'entrechoquer les formes, les couleurs et les textures. Sans franchir les limites de l'abstraction, les suggestions organiques prennent du relief parmi les rouges et le clair-obscur des noirs et des blancs noyés dans une matière généreuse. Guinovart convoque le chaos matériel tout en le subjuguant par une composition intuitivement orchestrée. L'auteur offre au spectateur une image imprégnée de lyrisme. L'impulsion matérielle et gestuelle est subsumée à une grande cohérence plastique. Josep Guinovart a été formé à l'Escuela de Maestros Pintores, à l'Escuela de Artes y Oficios et dans les classes de la FAD. Il a exposé individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert rapidement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de la sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, le Museo Eusebio Sempere à Alicante, le Museo de Navarra à Tafalla, la Casa de las Américas à La Havane, le Bocchum Museum en Allemagne, le Museo de Bellas Artes à Long Island, New York, et le Museo Patio Herreriano à Valladolid.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

mer. 10 juil.

JOAN JOSEP THARRATS VIDAL (Gérone, 1918 - Barcelone, 2001). Sans titre, 1993 Technique mixte et collage sur papier. Signé et daté dans la marge inférieure. Dimensions : 50 x 35 cm ; 81,5 x 66,5 cm (cadre). Dans cette peinture avec collage sur papier réalisée par Tharrats dans les années quatre-vingt-dix, vers la fin de sa vie, nous pouvons contempler la consolidation d'un langage aux racines informelles qui, à cette occasion, met en scène la lutte symbolique entre des champs d'énergie matérialisés sous la forme de traits chaotiques d'échos calligraphiques et d'impulsions gestuelles. Après avoir commencé sa formation à Béziers (France), Tharrats retourne à Barcelone en 1935 et entre à l'école Massana. Il commence son activité artistique après la guerre civile, dans un style qui évolue d'un certain impressionnisme initial vers une abstraction progressive, sous l'influence de Mondrian et de Kandinsky. Cofondateur de Dau al Set avec Brossa, Ponç, Cuixart et Tàpies, Tharrats fait ses débuts individuels en 1949, dans les galeries El Jardín de Barcelone. À partir de 1954, il expose régulièrement à la Sala Gaspar de Barcelone, ainsi qu'en 1955 à Stockholm et à New York, en 1959 à la Biennale de São Paulo et à Venise lors des Biennales de 1960 et 1964. En 1955, après la dissolution de Dau al Set, il participe à la constitution du groupe Taüll avec Muxart, Guinovart et ses anciens collègues Cuixart et Tàpies. Onze ans plus tard, en 1966, il est également l'un des fondateurs de l'Association des artistes contemporains. Pionnier de l'avant-gardisme catalan d'après-guerre, Tharrats est passé de l'abstraction linéaire influencée par le surréalisme de sa période Dau al Set à un informalisme riche en textures, en couleurs et en formes libres. Outre la peinture de chevalet, il a développé sa propre version des techniques d'impression ("maculaturas"), et a également réalisé des affiches, des illustrations de livres, des peintures murales, des vitraux, des mosaïques, des bijoux et des scénographies d'opéra. En 1983, il reçoit la croix de Sant Jordi et, en 1994, le prix national des arts plastiques. La même année, il est devenu membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Jordi. Son œuvre est présente dans divers musées et collections du monde entier, tels que le MoMA et le Guggenheim de New York, la Tate Gallery de Londres, le MACBA ou le musée Reina Sofia de Madrid.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR
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