25th June - Private Collection; The Road to Modernity

Lotto 1 - ISMAEL GONZÁLEZ DE LA SERNA (Guadix, Granada, 1898 - Parigi, 1968). "Paesaggio costiero, Nizza". 1928. Olio su tela. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 84 x 98 cm; 100 x 112 cm (cornice). La costa della Costa Azzurra è impregnata in questa composizione di un carattere quasi surreale, non per la presenza di un elemento onirico manifesto ma per la cadenza metafisica dell'atmosfera. Il mare è una lingua blu cobalto solcata da barche a vela il cui candore è contagiato dalla balaustra in pietra. Segna il perimetro di un giardino popolato da pini di pietra e terra color terra di Siena. Un frammento di cielo blu turchese si staglia dietro la fitta chioma di alberi. Ismael De la Serna combina qui una pennellata di eredità cezanniana con una grande capacità di sintesi delle forme (che indica il suo passaggio attraverso il cubismo). Tuttavia, in questo periodo stava anche esplorando il surrealismo, e una parte di questo è palpabile in questo paesaggio. Senza ascriversi a nessun movimento in particolare, rimane fedele alla propria versatilità, che si traduce in un modo di fare molto personale. Ismael González de la Serna inizia i suoi studi artistici a Granada e li conclude a Madrid, presso la Scuola di Belle Arti di San Fernando. Nei primi anni sviluppa uno stile pittorico eclettico, che attinge a fonti impressioniste, simboliste e moderniste. Uno dei primi esempi del suo linguaggio giovanile si trova nelle illustrazioni realizzate per l'amico d'infanzia Federico García Lorca, in quello che sarà il suo primo libro, "Impresiones y paisajes" (1918). Nello stesso anno Ismael de la Serna tiene la sua prima mostra a Granada e poco dopo presenta le sue opere all'Ateneo di Madrid. Nel 1921 si trasferisce a Parigi per ampliare i suoi orizzonti artistici, entrando a far parte dei circoli della Scuola di Parigi. Tra i suoi amici parigini c'era Pablo Picasso, che influenzò il suo lavoro ma fu soprattutto il protettore del pittore granadino. Lo stile di De la Serna è, in questo periodo, permeabile alle influenze delle avanguardie, soprattutto del cubismo e dell'espressionismo, che lavora in modo molto personale. Allo stesso modo, l'influenza iniziale dell'impressionismo è sempre evidente nel suo lavoro. Il 1927 segnò l'inizio di un periodo di forte proiezione del suo lavoro, iniziato con la mostra personale che il pittore tenne presso l'influente galleria parigina di Paul Guillaume. A questa mostra ne seguirono molte altre, sia a Parigi che a Berlino, Bruxelles, Copenhagen, Granada e Messico. Nel 1928 fu incaricato dal direttore dei "Cahiers d'Art", Christian Zervos, di illustrare un'edizione speciale di venti sonetti di Góngora. La chiave del suo riconoscimento va ricercata nella sua lettura sensuale delle forme del cubismo, basata sull'attualità di un disegno dalle linee sinuose e fortemente decorative, unite a forti segni cromatici. Con uno spiccato senso spaziale e senza mai abbandonare la figurazione, De la Serna ha rappresentato soprattutto nature morte, dove ha accentuato l'aspetto sensoriale della sua pittura con riferimenti sensoriali metaforici, come la musica, la frutta o le finestre aperte. Ha lavorato anche su paesaggi e ritratti. Dopo aver inaugurato con una mostra personale le attività dell'Associazione degli Artisti Iberici di Madrid nel 1932, il pittore intraprende nuove vie di sperimentazione plastica che porteranno, dopo la Seconda Guerra Mondiale, a una pittura più schematica e semplificata, vicina alle soluzioni astratte contemporanee. Ismael de la Serna è rappresentato al Museo Patio Herreriano di Valladolid, al Reina Sofía di Madrid, ai Musei di Belle Arti di Granada e Siviglia, all'ARTIUM, ecc.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 2 - ALEXANDER CALDER (Stati Uniti, 1898 - 1976). "Taches de Rousseur". Litografia, esemplare 81/100. Firmata e giustificata a matita. Misure: 53 x 72 cm; 68 x 87 cm (cornice). Calder si forma nell'Art Students League di New York e nel 1926 realizza la sua prima mostra di pittura, nella The Artist's Gallery di New York. Prima della fine dell'anno inizia il suo viaggio in Europa, che gli permette di incontrare le grandi figure dell'epoca, come Miró, Duchamp e Mondrian. Calder è uno degli artisti più rinomati del XX secolo, con opere presenti in tutte le grandi collezioni del mondo. Dal MoMA di New York, dove una sua scultura decora lo scalone principale, alla sede dell'UNESCO a Parigi. Altri centri in cui è rappresentato sono il Guggenheim Museum di New York, la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, lo Städel di Francoforte, il Kunstmuseum di Basilea, il Reina Sofía di Madrid e la Tate Gallery di Londra.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 3 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "Messaggio, 1977. Inchiostro su carta. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 23,5 x 27,5 cm: 55 x 62 cm (cornice). Nel 1977 Miró si trova in un periodo consolidato della sua carriera artistica, avendo ricevuto nello stesso anno la Medaglia d'oro al merito per la sua opera. In questo periodo, il decennio degli anni Settanta, la sua pittura si orienta verso un'estetica più evocativa, popolata da forme eteree che si riducono a linee e punti che riescono a concettualizzare e catturare corpi organici, tipici della natura. Questa linea fluida che si vede in questo quadro è caratteristica del periodo, infatti si ritrova in diverse sue opere, come ad esempio nell'opera intitolata "Femme, oiseau", che appartiene alla collezione del Centre Pompidou di Parigi. Joan Miró è stato una delle grandi figure dell'arte del XX secolo a livello internazionale. Si è formato a Barcellona, prima alla Escuela de la Lonja e poi all'Academia Galí, con uno spirito più innovativo. In questa scuola e nel Cercle Artístic de Sant Lluc, sempre a Barcellona, il giovane Miró incontra alcuni dei suoi grandi amici, come il critico Sebastià Gasch, il poeta J.V. Foix, il pittore Josep Llorens Artigas e il promotore artistico Joan Prats. In questo modo, fin dagli anni della formazione fu direttamente legato ai circoli più all'avanguardia di Barcellona e già all'inizio del 1918 tenne la sua prima mostra nelle Gallerie Dalmau di Barcellona. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e conosce Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Questi saranno gli anni cruciali della sua carriera artistica, in cui Miró scoprirà il suo linguaggio personale. A Parigi stringe amicizia con André Masson, attorno al quale si riunisce il cosiddetto gruppo di Rue Blomet, futuro nucleo del surrealismo. Così, sotto l'influenza dei poeti e dei pittori surrealisti, con i quali condivide molti dei suoi approcci teorici, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. Da questo momento in poi, il suo stile inizia un'evoluzione che lo porta a opere più eteree, in cui forme e figure organiche sono ridotte a punti astratti, linee e macchie di colore. Nel 1924 firma il primo manifesto surrealista, anche se l'evoluzione della sua opera, troppo complessa, non permette di ascriverlo a nessuna particolare ortodossia. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, fu il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquistò due sue opere. A partire dagli anni Trenta Miró diventa una delle figure di spicco della scena artistica internazionale, nonché uno dei creatori chiave del XX secolo. È proprio in questo periodo che l'artista, anticonformista per natura, entra in una fase da lui stesso definita "omicidio della pittura", in cui rinuncia volontariamente a essere un pittore e sperimenta altri mezzi, come il collage, il disegno su carta di diversa consistenza o la costruzione di "oggetti" con elementi trovati, il suo primo approccio alla scultura. Così, sebbene riprenda presto la pratica della pittura, Miró non abbandona mai il desiderio di sperimentare tutti i tipi di materiali e tecniche, tra cui la ceramica, il bronzo, la pietra, le tecniche grafiche e persino, dal 1970, l'arazzo. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il Museum of Modern Art di New York gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Dal 1956 fino alla morte, avvenuta nel 1983, vive a Palma di Maiorca in una sorta di esilio interno, mentre la sua fama internazionale cresce. Nel corso della sua vita riceve numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia nel 1954 e della Fondazione Guggenheim nel 1959, il Premio Carnegie per la Pittura nel 1966, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya (1978) e delle Belle Arti (1980), e viene nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Oggi le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, inaugurata nel 1975, e nei principali musei d'arte contemporanea del mondo, come il Thyssen-Bornemisza, il MoMA di New York, il Museo Reina Sofia di Madrid, la National Gallery di Washington o il MNAM di Parigi.

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 4 - BALDOMERO GALOFRE JIMÉNEZ (Reus, Tarragona, 1846 - Barcellona, 1902). "Riposo". Olio su tela. Firmato e collocato ("Roma") in basso a destra. Allegato certificato della galleria Barbier. Provenienza: Galleria Bernat. Misure: 77 x 43 cm; 106 x 72 cm (cornice). Squisita scena di interno, in cui una giovane donna sdraiata su una chaise longe contempla il suo pappagallino appena fuggito da una gabbia appesa all'alto soffitto della stanza. L'abito di raso della signora si rovescia sul tappeto persiano, rivelando il suo piccolo piede destro, appoggiato su un cuscino imbottito di velluto. I suoi capelli neri contrastano con il bianco delle perle che li orlano. Orecchini e pendenti d'oro tempestati di gemme brillano sulla sua pelle chiara e perlacea. Nella mano sinistra tiene un mandolino, mentre lo spartito rimane sul tavolo decorato con un enorme vaso di porcellana che contiene una pianta dalle grandi foglie. Una tenda di seta brilla di riflessi dorati. La preziosità dell'insieme è ottenuta grazie a una pennellata serrata e a un uso magistrale dei toni. Baldomero Galofre iniziò la sua formazione alla Escuela de La Lonja di Barcellona, dove fu discepolo di Martí Alsina, e successivamente completò i suoi studi a Madrid. Si fa conoscere nel 1866 all'Esposizione di Belle Arti di Barcellona, dove parteciperà nuovamente nel 1870, e nel 1868 partecipa con paesaggi e studi all'Esposizione Aragonese di Saragozza. Nel 1874 ottiene una pensione per approfondire i suoi studi a Roma, dove vive per dieci anni. Qui frequenta l'Accademia Chigi e il Circolo Internazionale d'Arte, e incontra Mariano Fortuny negli ultimi mesi di vita, seguendo gli orientamenti stilistici del suo connazionale. Tornato a Barcellona, nel 1884 tenne una mostra personale che ebbe un'ottima accoglienza; Narciso Oller ne elogiò il grande naturalismo e lo indicò come esempio contro la pittura di storia. Quattro anni dopo, in una nuova mostra personale, questa volta a Madrid, una sua opera viene acquistata dalla regina reggente. Nel 1903, in una sala speciale del Museo di Barcellona, Galofre presentò un'importante esposizione delle sue opere. Sviluppò uno stile luminoso e dettagliato e dipinse paesaggi e scene popolari nell'orbita di Fortuny. Fu anche uno straordinario disegnatore. Attualmente è rappresentato al MACBA e al Museo d'Arte e Storia di Reus, oltre che in altre collezioni pubbliche e private.

Stima 24 000 - 26 000 EUR

Lotto 5 - JOAQUIN MIR TRINXET (Barcellona, 1873 - 1940). "Miravet". Olio su tela. Firmato in basso a destra. Con etichetta Barrachina & Ramoneda sul retro. Allegato certificato di autenticità rilasciato da Barrachina. Misure: 54 x 70 cm; 80 x 94 cm (cornice). Joaquim Mir ha dedicato a Miravet, il bellissimo villaggio della Ribera del Ebro, alcuni dei suoi dipinti più apprezzati. Il castello templare che delinea la collina sembra fondersi con la roccia in questa magnifica composizione. Anche le altre case che aderiscono come molluschi alla pietra sembrano imitarla grazie all'uso di una pennellata sintetica ed enfatica che ne disperde i riflessi sul fiume di acque trasparenti. Il maestro impressionista mette in dialogo il cielo con il mare e il fogliame con la terraferma. Le nuvole scivolano sulla superficie riflettente dell'acqua. Allo stesso modo, i cespugli verde smeraldo eludono la preminenza di ocra, siena e marrone che vibrano di luce propria. Mir mostra tutta la sua personalità in questo paesaggio. Joaquim Mir ha studiato alla Scuola di Belle Arti di San Jordi a Barcellona e nell'atelier del pittore Luis Graner. Il suo stile è stato influenzato anche dalla Scuola di Olot, città natale del padre. Ben presto si sentì a disagio con l'insegnamento ufficiale, ancorato a una concezione della pittura realista, così nel 1893 fondò insieme ad altri colleghi (Nonell, Canals, Pichot, Vallmitjana e Gual) la "Colla del Safrà", per indagare insieme sulle iniziative pittoriche di fine secolo. Nel 1896 parteciparono come gruppo alla III Esposizione di Belle Arti e Industrie Artistiche, alla quale Mir presentò due opere che ci danno una chiara idea degli ideali del gruppo: "La huerta del rector" e "El vendedor de naranjas". Inoltre, dal 1897 frequentò l'ambiente artistico di "Els Quatre Gats", dove si riunivano tutti gli artisti che conoscevano l'avanguardia europea, che lo aiutò a maturare nello studio compositivo di paesaggi con figure in diversi piani di profondità. Di questo periodo sono "Le pendici del Montjuic" (1897) e "La cattedrale dei poveri" (1898), i due capolavori della sua giovinezza. In questi anni partecipa alle Esposizioni di Belle Arti di Barcellona, nelle edizioni del 1894, 1896 e 1898. Vincitore di una seconda medaglia all'Esposizione di Madrid del 1899, nello stesso anno si trasferisce nella capitale per concorrere a una borsa di studio a Roma. Non avendo successo, si reca con Santiago Rusiñol a Maiorca, in un viaggio che rappresenterà la svolta definitiva della sua carriera. Mir rimase folgorato dal paesaggio di Maiorca, in particolare da Sa Calobra, che fu per lui un'inesauribile fonte di ispirazione. Da quel momento in poi, l'artista si è avvalso di un'intera combinazione di colori impossibili, frutto della sua personale interpretazione della maestosa natura dell'isola. Le pennellate si allungano e diventano macchie che fanno quasi scomparire gli oggetti e i riferimenti spaziali. Nel 1901 espone singolarmente il frutto di questa prima tappa maiorchina alla Sala Parés di Barcellona, ottenendo una seconda medaglia all'Esposizione Nazionale. Dopo un periodo di malattia che lo costringe a trasferirsi a Reus, nel 1907 vince la prima medaglia all'Esposizione Internazionale di Belle Arti di Barcellona. Da allora, stabilitosi a Camp de Tarragona, non si allontanerà più dal genere del paesaggio, ma ora saranno i villaggi circostanti i protagonisti della sua pittura. Già consolidatosi come figura di spicco del panorama catalano, ottiene il definitivo riconoscimento nazionale nel 1917, quando gli viene conferito il Premio Nazionale di Belle Arti. Quattro anni dopo si sposa e si stabilisce definitivamente a Vilanova i la Geltrú. I successi si susseguono e nel 1929 ottiene la prima medaglia all'Esposizione Internazionale di Barcellona. L'anno successivo vinse la medaglia d'onore all'Esposizione Nazionale di Madrid, un riconoscimento che inseguiva dal 1922. Pur essendo principalmente un pittore autoctono, ha esposto in mostre personali e collettive a Washington, Parigi, Pittsburg, New York, Filadelfia, Amsterdam, Buenos Aires e Venezia. Mir è oggi considerato il più importante rappresentante della pittura paesaggistica post-impressionista spagnola. Le sue opere sono conservate, tra gli altri, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, al Museo del Prado, al Museo Thyssen-Bornemisza e al Museo Reina Sofia di Madrid.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 6 - OSCAR DOMÍNGUEZ PALAZÓN (La Laguna, Tenerife, 1906 - Parigi, 1957). "Nature morte aux fruits", 1945. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Con etichetta della Sala Parés sul retro. Allegato certificato rilasciato da Ana Mª Vázquez de Parga. Misure: 30 x 40,5 cm; 58 x 68 cm (cornice). Natura morta di Óscar Domínguez, appartenente alla fase della maturità. Con audacia, il pittore canario riduce il mondo a un puzzle di frammenti tagliati, ridotti a forme elementari e applicazioni di colore per piani. Così, piatti e fontane sono ridotti a cerchi e ovali, su cui poggiano ciliegie e arance arrotondate. La finestra è un rettangolo che contiene una sezione solida di mare e un pezzo di cielo. Una tenda cade con linee verticali come pali. La pulizia delle forme è esaltata dall'uso di una spessa linea nera. Vale la pena ricordare che l'opera è certificata da Ana Vázquez de Parga, che ha compiuto un grande studio sulle opere di Oscar Domínguez, evidenziando la sua partecipazione come curatrice della mostra "Oscar Domínguez 1926-1957, una retrospettiva". Domínguez apparteneva alla Generazione del 1927 e inventò la decalcomania, una tecnica pittorica che consiste nell'applicare della gouache nera su un foglio di carta, che viene posto sopra un altro foglio su cui si esercita una leggera pressione, per poi staccare entrambe le carte prima che si asciughino. Nel 1927, per affari di famiglia, Domínguez si reca per la prima volta a Parigi. Tornato l'anno successivo, entra in contatto con il movimento surrealista e in particolare con la sua figura centrale, André Breton. Questo gruppo segnerà la sua carriera fino all'espulsione per essersi avvicinato alla pittura di Picasso. Il suo debutto individuale avviene nel 1933, al Círculo de Bellas Artes di Santa Cruz de Tenerife e a Las Palmas de Gran Canaria. Nel 1935 partecipa all'Esposizione surrealista di Santa Cruz de Tenerife, dove firma il manifesto "Du temps que les surréalistes aviaient raison". Importanti sono anche i suoi oggetti surrealisti, alcuni dei quali esposti a Parigi, all'Exposition Surréaliste d'Objets de la Galerie Charles Ratton nel 1936. A causa della guerra civile andò in esilio in Francia, trascorrendo praticamente il resto dei suoi giorni nella capitale. L'artista visse gli ultimi anni della sua vita come un prigioniero della follia dopo aver sofferto di acromegalia, una malattia degenerativa che deformava il suo fisico e faceva crescere straordinariamente il suo cranio. La notte di Capodanno del 1957 si suicidò a Parigi, completamente ubriaco, aprendosi le vene nel bagno di una festa data dalla sua amica, la viscontessa di Noaffles. Domínguez è oggi considerato uno dei massimi esponenti mondiali dell'avanguardia storica spagnola sviluppatasi a Parigi nei primi decenni del XX secolo. In generale, le figure e gli oggetti che compongono le sue opere surrealiste contengono riferimenti magici, meccanici e sessuali, molti dei quali ambientati nel paesaggio delle Isole Canarie, nonostante abbia vissuto la maggior parte della sua vita a Parigi. Il contributo più importante che Óscar Domínguez diede al surrealismo fu l'invenzione della decalcomania o decalcomania, una tecnica in cui l'automatismo psichico giocava un ruolo da protagonista assoluto. Questo procedimento ebbe una magnifica accettazione da parte dei surrealisti che lo adottarono rapidamente e che in seguito influenzarono la pittura espressionista astratta. La decalcomania consiste nell'introdurre della gouache nera liquida tra due fogli di carta premendoli in modo incontrollato. Un altro suo contributo al movimento surrealista fu la teoria della pietrificazione del tempo, grazie alla quale iniziò a introdurre nelle sue composizioni forme cristallizzate e strutture di reti angolari. Ci sono pietrificazioni di questo stile nei dipinti di René Magritte.

Stima 28 000 - 30 000 EUR

Lotto 7 - CARLES NADAL FARRERAS (Parigi, 1917 - Sitges, Barcellona, 1998). "La strada di Parigi". Acrilico su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 65 x 54 cm; 80 x 90 cm (cornice). In quest'opera l'artista ci presenta un paesaggio urbano secondo un'estetica naïf, dovuta alla grande preponderanza del colore, al sintetismo e alla rotondità delle linee e all'uso della prospettiva leggermente distorta rispetto alla tradizione. Grazie a questi elementi l'artista compone un'immagine in cui gli elementi formano un paesaggio di estetica d'avanguardia, in cui convergono il naturale e l'urbano. Per quanto riguarda la prospettiva, citata in precedenza, il pittore utilizza un punto di vista apparentemente frontale, ma evita il punto di fuga, riducendo una sensazione di spazialità con cui ottiene una monumentalizzazione delle forme. Ciò consente una visione dettagliata del volume degli edifici, costruendo uno scenario evocativo più che rappresentativo, in una composizione in cui la macchia fluida e libera del colore assume un rilievo insolito, riempiendo lo spazio ed evocando cambiamenti di luce e ombra, nonché un'atmosfera umida e chiara. Figlio di Santiago Nadal, pittore e decoratore con sede a Parigi, Carles Nadal vive fin dall'infanzia a Barcellona, dove la famiglia si trasferisce a causa della malattia del padre. All'età di tredici anni inizia a lavorare come apprendista in un laboratorio di pittura decorativa e nel 1936 riceve una borsa di studio dal Comune di Barcellona per studiare alla Scuola di Belle Arti di Sant Jordi. Allo scoppio della guerra civile viene arruolato nell'esercito repubblicano, con il quale combatte sui fronti di Aragona e Tremp. All'inizio del 1939 attraversa il confine francese e viene internato nel campo profughi di Saint Cyprien, dove rimane per diversi mesi. Riesce a fuggire e ad attraversare nuovamente la frontiera, ma viene arrestato e imprigionato a Figueras. In libertà vigilata torna a Barcellona, dove continua la sua carriera artistica e contemporaneamente lavora come decoratore e studia Belle Arti. Nel 1941 debutta in una mostra collettiva alla Galleria Dalmau, ottenendo buone recensioni. Termina gli studi con buoni voti, ottenendo il riconoscimento di maestri e professori, alcuni dei quali diventeranno amici e collaboratori del giovane Nadal. È infatti uno di loro, Luis Muntané, a favorire la sua prima mostra individuale nel 1944, presso la Pinacoteca di Barcellona. Due anni dopo si trasferisce a Parigi, sempre con una borsa di studio del Comune di Barcellona. Qui lavora ed espone con il gruppo Présence de l'Homme, oltre a partecipare ai Salons d'Automne. In seguito, grazie a una borsa di studio dello Stato francese, frequenta la Scuola di Belle Arti di Parigi. Nel 1948 sposa Flore Joris e stabilisce la sua residenza a Bruxelles, dove rimane fino alla metà degli anni Settanta. In Belgio scopre, come lui stesso ha più volte affermato, la luce e il colore. In questi anni continuerà a esporre le sue opere in Spagna e in Belgio, oltre che in Francia, Germania, Olanda, Svizzera, Regno Unito e Stati Uniti. La pittura di Nadal è post-impressionista, intensamente colorata, e si basa sulla ricerca della forza cromatica come mezzo di comunicazione più diretto. Tra i suoi riconoscimenti figurano il Grand Prix de Spa, in Belgio, e la nomina a membro della Royal Academy di Londra. Le sue opere si trovano al MACBA, al Museo di Spa in Belgio e al Museo Reale di Bruxelles.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 8 - MARGARET MURRAY COOKESLEY (1844-1927) "I cari del sultano". 1894. Olio su pannello. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 38 x 59 cm; 55 x 76 cm (cornice). Il tema dell'harem fu abbondantemente trattato da questo pittore britannico, che visitò Costantinopoli, dove il sultano commissionò un ritratto del figlio e delle mogli, secondo la storica Clara Erskine Clement. Con tecnica preziosa, l'autore trasmette la sontuosità serica degli abiti e il languore delle ragazze, cullate dal tabacco da narghilè. Margaret Murray Cookesley era una pittrice inglese. Viaggiò in Medio Oriente e dipinse scene orientali a olio e acquerello. Ha esposto alla Royal Academy e alla Society of Women Artists. Fu insignita dell'Ordine dello Chefakat e della Medaglia delle Belle Arti dell'Impero Ottomano. La sua opera "Circe resplendens" (1913) è conservata nella collezione dei Musei di Glasgow. Alcuni dei suoi dipinti si trovano in collezioni come la Victoria Art Gallery, Bath (Frederick Harrison, Author); Towneley Hall, Burnley (The Gambler's Wife); la Walker Art Gallery, Liverpool (Cleopatra); la Graves Art Gallery, Sheffield (The Egg Seller); e Cartwright Hall, Bradford (Rich and Rare Were the Gems She Wore).

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 9 - Scuola inglese, XIX secolo "Ritratto di signora". Olio su tela. Misure: 54 x 41 cm; 48 x 62 cm (cornice). Ritratto ottocentesco di imperatrice o dama di corte. Il pittore segue modelli francesi tardo-barocchi o rococò, che si apprezzano nelle succose gamme cromatiche che definiscono le qualità seriche dei tessuti, il sontuoso broccato in filo d'argento del corpetto rosso e la morbidezza ambrata della gonna a pieghe. Una luce filtrata filtra dalla finestra, che ritaglia un frammento di cielo con nuvole cotonose.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 10 - Scuola francese; XIX secolo. "Le Bal Pare a Monsieur de Villemorien". Fila" e "Il concerto a Madame La Comtesse de Saint Brisson" Incisioni miniate a mano. Incisore: L. Provost. Misure: 32 x 43 cm (x2); 48 x 60 cm (cornici, x2). Le feste galanti sono un tema ricorrente nella pittura francese del Settecento, soprattutto nei decenni centrali del secolo, in diretta relazione con lo stile di vita rococò, ma anche nella prima metà. Infatti, il genere noto come "fêtes galantes" fu creato come tale dal pittore francese Jean-Antontonine Watteau con il suo dipinto "Imbarco per l'isola di Citera", del 1712. In questo caso particolare, le due incisioni miniate del XIX secolo riproducono questa atmosfera settecentesca.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 11 - Scuola italiana del XIX secolo. "Veduta di Cadice". Olio su tela. Misure: 54 x 91 cm; 77 x 108 cm (cornice). Dipinto ottocentesco, ascrivibile al genere dei "veduti". Vi si riconosce una fattura di scuola italiana, probabilmente della cerchia di Carlo Bossini (Lugano, 1815-Torino, 1884). Questo pittore ha immortalato la città di Cadice con diverse vedute dei suoi mercati, delle sue piazze e della sua gente. In questa scena, attorno a una colonna commemorativa, si agitano diversi gruppi umani: donne con mantiglie accompagnate dai loro bambini, signori con alti cappelli a cilindro, soldati che camminano in coppia, un generale napoleonico con il tricorno... L'architettura che incornicia la piazza ha facciate maestose, con finestre protette da grate in ferro battuto. La linea del mare è visibile sul lato destro.

Stima 1 000 - 12 000 EUR

Lotto 12 - Scuola spagnola, fine del XIX secolo. "Marina con barche". Olio su tela. Firmato con le iniziali "E.S.". Presenta un visibile restauro sul retro. Misure: 55 x 87 cm; 75 x 105 cm (cornice). Dipinto di tema navale risolto con pennellata meticolosa e tratto serrato, come era consuetudine nella rappresentazione dettagliata di navi militari o che hanno avuto un ruolo importante nella storia marittima del Paese. Le bandiere che sventolano dagli alberi identificano un modello di nave da guerra dell'industria navale spagnola. Le vele sono ammainate nella linea delle navi più grandi. Piccole barche a vela costeggiano il mare e in lontananza numerose navi si stagliano nella tenue foschia. L'inquadratura è ampia e fa spaziare l'orizzonte in un'ampia vista panoramica. L'acqua si increspa con una cadenza ritmica.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 13 - Scuola olandese; XIX secolo. "Il pittore e la modella". Olio su tela (x2). Presentano craquelure e uno dei pezzi ha restauri visibili sul retro. Misure: 33 x 24 cm (x2); 45 x 37 cm (cornici, x2). Coppia di tele in cui in entrambi i casi è rappresentato lo studio dell'artista, dominato dalla presenza di un grande dipinto incompiuto, di una giovane donna e dell'artista stesso. Sebbene in entrambi i casi i protagonisti della scena siano gli stessi, le immagini sembrano corrispondere a un insieme che trasmette l'idea dell'amore, ricambiato e rifiutato. In uno dei casi la giovane donna, vestita in modo classico, abbraccia il pittore, mentre nell'altra scena la ragazza, vestita in modo anacronistico, respinge l'artista. Sono gli abiti dei protagonisti a iscrivere entrambe le immagini nella corrente dello storicismo. Il tema storico dello stesso, ambientato in un passato glorioso legato alla storia del Paese del pittore, può essere messo in relazione, come commentato, con lo Storicismo pittorico del XIX secolo, la principale corrente dell'epoca, legata alle Accademie di Belle Arti. Il termine "storicismo" (Historismus) fu coniato dal filosofo tedesco Karl Wilhelm Friedrich Schlegel. Nel corso del tempo, ciò che è lo storicismo e il modo in cui viene praticato hanno assunto significati diversi e divergenti. Elementi di storicismo compaiono negli scritti del saggista francese Michel de Montaigne (1533-1592) e del filosofo italiano GB Vico (1668-1744), e sono stati sviluppati più compiutamente con la dialettica di Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), influente nell'Europa del XIX secolo. Presentano craquelure e uno dei pezzi ha restauri visibili sul retro.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 14 - FRANCESC GIMENO I ARASA (Tortosa, Tarragona, 1858 - Barcellona, 1927). "Paesaggio. Olio su tela. Firmato nel margine inferiore. Misure: 42 x 63 cm; 59 x 79 cm (cornice). Pittore e disegnatore, Francesc Gimeno inizia la sua formazione a Tortosa all'età di quattordici anni. Nel 1880 si stabilisce a Barcellona e alterna la sua attività di pittore e decoratore con quella di un'accademia che crea con alcuni amici. Nel 1884 si reca a Madrid ed entra nella Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, dove è discepolo di Carlos de Haes. Al Museo del Prado ammira i grandi maestri del XVII secolo, soprattutto Velázquez. Al suo ritorno a Barcellona, nel 1889, rifiuta improvvisamente i contratti che gli vengono offerti e si dedica nuovamente alla pittura decorativa. Partecipa comunque ad alcune esposizioni, vincendo premi come i diplomi d'onore all'esposizione di Barcellona del 1894 e all'Esposizione Nazionale di Madrid del 1904. Nel 1915, su insistenza di Dalmau, Mallol e Jori, organizza la sua prima mostra individuale, nella galleria che il primo dirige a Barcellona. Francesc Gimeno è rappresentato al Museo del Prado, al Museo d'Arte Contemporanea di Barcellona, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna e alla collezione J. Sala.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 15 - FEDERICO ARMANDO BELTRÁN MASSES (Güira de Melena, Cuba, 1885 - Barcellona, 1949). "Il prato". Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 79 x 97 cm; 101 x 115 cm (cornice). L'opera presenta un campo aperto, popolato da un gran numero di persone, vestite secondo la moda delle classi popolari madrilene del XIX secolo in occasione delle festività. Si può quindi dedurre che l'opera raffiguri una delle principali celebrazioni del santo patrono della città, che si svolge nel cosiddetto "prato di San Isidro" e che è stata immortalata, tra gli altri, da Goya. Beltrán Masses, nonostante la sua origine cubana, ha studiato arte in Spagna. Iniziò la sua formazione alla Scuola La Llotja di Barcellona e fu discepolo di Joaquín Sorolla. Nel 1905 si trasferisce a Madrid per studiare da vicino le opere dei maestri del Museo del Prado. Nel 1916 si stabilisce a Parigi, dove ottiene un grande successo commerciale, ricevendo commissioni da personaggi illustri negli Stati Uniti, in Belgio, in Italia e in India. È stato membro delle Accademie reali di Madrid, Barcellona, Saragozza, Lisbona, Cordova e Malaga. È stato anche membro della Hispanic Society di New York, dell'Istituto di Francia, dell'Accademia di Belle Arti di Parigi, cavaliere dell'Ordine di Malta e della Legione d'Onore francese e curatore generale dell'Esposizione Internazionale d'Arte di Bordeaux nel 1928. Partecipa a numerose mostre ed esposizioni, come quella tenutasi alla Sala Parés di Barcellona nel 1910, l'Esposizione Ispano-Francese di Belle Arti di Parigi del 1919 e la Biennale di Venezia del 1921. Nel 1924 riceve il Cordon de Isabel la Católica e nel 1934 espone le sue opere alla Royal Watercolour Society di Londra. Tra le sue commissioni ufficiali spicca il ritratto del re Alfonso XIII. Nel 2007 si è tenuta una mostra retrospettiva di Federico Beltrán Masses al Museo Casa Lis di Art Nouveau e Art Deco. Beltrán Masses si dedicò alla pittura di paesaggio e di figura, anche se verso la fine della sua carriera si concentrò completamente sulla ritrattistica. Sviluppò uno stile totalmente unico, influenzato dai grandi maestri spagnoli ma decisamente moderno. Opere di Beltrán Masses sono attualmente conservate al Museo del Prado, al Museo Jeu de Paume di Parigi, alla Casa Lis di Salamanca e al Reina Sofía di Madrid.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 16 - CARLES NADAL FARRERAS (Parigi, 1917 - Sitges, 1998). "Il vinile". Tecnica mista su tavola. Firmato in basso a destra. Misure: 28 x 35 cm; 40 x 47 cm (cornice). Figlio di Santiago Nadal, pittore-decoratore stabilitosi a Parigi, Carles Nadal vive fin dall'infanzia a Barcellona, dove la famiglia si trasferisce a causa di una malattia del padre. All'età di tredici anni inizia a lavorare come apprendista in un laboratorio di pittura decorativa e nel 1936 riceve una borsa di studio dal Comune di Barcellona per studiare alla Scuola di Belle Arti di Sant Jordi. Allo scoppio della Guerra Civile viene arruolato nell'esercito repubblicano, con il quale combatte sui fronti di Aragona e Tremp. Dopo essere stato arrestato, torna a Barcellona in libertà e qui prosegue la sua carriera artistica, lavorando contemporaneamente come decoratore e studiando Belle Arti. Nel 1941 debutta in una mostra collettiva alla Galleria Dalmau, ottenendo buone recensioni. Terminati gli studi, espone per la prima volta individualmente nel 1944, presso la Galleria Pinacoteca di Barcellona. Due anni dopo si trasferisce a Parigi, sempre con una borsa di studio del Comune di Barcellona. Qui lavora ed espone con il gruppo Présence de l'Homme, oltre a partecipare ai Salons d'Automne. Successivamente, grazie a una borsa di studio dello Stato francese, frequenta la Scuola di Belle Arti di Parigi. Nel 1948 sposa Flore Joris e stabilisce la sua residenza a Bruxelles, dove rimane fino alla metà degli anni Settanta. In Belgio scopre, come lui stesso ha più volte affermato, la luce e il colore. In questi anni continuerà a esporre le sue opere in Spagna e in Belgio, oltre che in Francia, Germania, Olanda, Svizzera, Regno Unito e Stati Uniti. La pittura di Nadal è post-impressionista, intensamente colorata, e si basa sulla ricerca della forza cromatica come mezzo di comunicazione più diretto. Tra i suoi riconoscimenti figurano il Grand Prix di Spa, in Belgio, e la nomina a membro della Royal Academy di Londra. Le sue opere si trovano al Museo d'Arte Contemporanea di Barcellona, al Museo di Spa in Belgio e al Museo Reale di Bruxelles.

Stima 2 000 - 3 000 EUR

Lotto 17 - JAUME MERCADÉ QUERALT (Valls, Tarragona, 1887/89 - Barcellona, 1967). "Paesaggio". 1954. Olio su tela. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 56 x 70 cm; 81 x 96 cm (cornice). Pittore, orafo e gioielliere, Jaume Mercadé si forma alla scuola di Francesc Galí. Si stabilisce definitivamente a Barcellona nel 1916 e nello stesso anno tiene la sua prima mostra personale nelle Gallerie Layetanas. Nei due anni successivi intraprende un viaggio che lo porta a Parigi e in diverse città tedesche. Al suo ritorno, nel 1919, viene nominato professore di gioielleria e oreficeria presso la Scuola di Arti e Mestieri di Barcellona. Lavoratore instancabile, partecipò a numerosi concorsi e fu premiato in più occasioni, venendo anche premiato come gioielliere. La sua attività di orafo, decisiva per il rinnovamento di quest'arte, gli valse un diploma d'onore e una medaglia d'oro all'Esposizione di Arti Decorative di Parigi nel 1924, il gran premio e la medaglia d'oro all'Internazionale di Barcellona (1929), la medaglia d'oro alla VI e alla IX Triennale di Milano e il gran premio alla III Biennale Ispano-Americana. La sua pittura lo colloca, in misura ancora maggiore, tra i migliori artisti catalani dell'epoca. Uno dei suoi quadri più famosi, "Lo Zeppelin", ha vinto un importante premio al concorso "Barcellona vista dai suoi artisti". Tra gli altri riconoscimenti, vinse il Gran Premio Juan Gris nel 1957, la medaglia di bronzo per la pittura alla Biennale di Alessandria nel 1959 e la seconda medaglia all'Esposizione Nazionale di Belle Arti nel 1960. Inizialmente formatosi nel Fauvismo, fu poi influenzato dal Noucentisme, che mitigò la sensualità della sua tavolozza. Mercadé ha saputo evolversi fino ai suoi ultimi anni, concentrando la sua pittura su quella che può essere definita una modernità misurata. Il suo mondo è quello delle aspre terre della regione di Tarragona, che struttura nei suoi dipinti con serenità ed equilibrio. Sebbene questo sia sempre stato il suo tema principale, ha affrontato anche il ritratto, il nudo e la natura morta. La sua pittura è molto personale sia dal punto di vista plastico che tecnico, infatti utilizzava sabbia e polvere di marmo per ottenere la ruvidità della terra e la rugosità dei tronchi dei carrubi, così abbondanti nei campi di Tarragona. Anche il figlio, Jordi Mercadé Farrés, era un pittore e inizialmente si era formato con il padre. Jaume Mercadé è rappresentato al MACBA, il Museo d'Arte Contemporanea di Madrid, al Museo d'Arte di Vilanova i la Geltrú, nei musei di Tossa, Mollet del Vallès e Hospitalet de Llobregat e, soprattutto, nel museo della sua città natale, Valls, dove gli è stata dedicata una sala.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 18 - JOAQUIN MIR TRINXET (Barcellona, 1873 - 1940). "Barche al sol". Olio su tela. Allegato studio di Doña Teresa Campas e certificato di autenticità rilasciato da Miralles. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 55,3 x 60,3 cm; 82 x 87 cm (cornice). Quest'opera è caratteristica del linguaggio edonistico e audace di Joaquim Mir nella sua interpretazione della pittura. La riduce ai suoi elementi di base attraverso un'eccellente gestione della luce e del colore, ma allo stesso tempo evita la pura astrazione, suggerendo sempre il battito che batte sotto le forme. Così, le forme sono fiammeggianti, pura agitazione cromatica e le luci mutevoli del giorno sono coniugate in cadenze sinfoniche. Joaquim Mir ha studiato alla Scuola di Belle Arti di San Jordi a Barcellona e nell'atelier del pittore Luis Graner. Ben presto si sentì a disagio con l'insegnamento ufficiale, ancorato a una concezione della pittura realista, così nel 1893 fondò con altri colleghi la "Colla del Safrà", per indagare insieme sulle iniziative pittoriche di fine secolo. Nel 1896 parteciparono addirittura come gruppo alla III Esposizione di Belle Arti e Industrie Artistiche, alla quale Mir presentò due opere: "La huerta del rector" e "El vendedor de naranjas". Inoltre, dal 1897 frequenta l'ambiente artistico di "Els Quatre Gats", che lo aiuta a maturare nello studio compositivo di paesaggi con figure in diversi piani di profondità. In questi anni partecipa alle Esposizioni di Belle Arti di Barcellona, nelle edizioni del 1894, 1896 e 1898. Vincitore di una seconda medaglia all'Esposizione di Madrid del 1899, nello stesso anno si trasferisce nella capitale per concorrere a una borsa di studio a Roma. Non avendo successo, si reca con Santiago Rusiñol a Maiorca, in un viaggio che rappresenterà la svolta definitiva della sua carriera. Mir rimase abbagliato dal paesaggio di Maiorca, che fu per lui un'inesauribile fonte di ispirazione. Da quel momento in poi, l'artista si è avvalso di un'intera combinazione di colori impossibili, frutto della sua personale interpretazione della maestosa natura dell'isola. Le pennellate si allungano e diventano macchie che fanno quasi scomparire gli oggetti e i riferimenti spaziali. Nel 1901 espone singolarmente il frutto di questa prima tappa maiorchina alla Sala Parés di Barcellona, ottenendo una seconda medaglia all'Esposizione Nazionale. Nel 1907 ottiene la prima medaglia all'Esposizione Internazionale di Belle Arti di Barcellona. Da allora, insediatosi a Camp de Tarragona, non si allontanerà dal genere del paesaggio, ma ora saranno i villaggi circostanti i protagonisti della sua pittura. Nel 1917, con l'assegnazione del Premio Nazionale di Belle Arti, ottiene il definitivo riconoscimento nazionale. Nel 1929 vince la prima medaglia all'Esposizione Internazionale di Barcellona. L'anno successivo vinse la medaglia d'onore all'Esposizione Nazionale di Madrid, un riconoscimento che inseguiva dal 1922. Pur essendo principalmente un pittore autoctono, ha esposto in mostre personali e collettive a Washington, Parigi, Pittsburg, New York, Filadelfia, Amsterdam, Buenos Aires e Venezia. Mir è oggi considerato il più importante rappresentante della pittura paesaggistica post-impressionista spagnola. Le sue opere sono conservate, tra gli altri, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, al Museo del Prado, al Museo Thyssen-Bornemisza e al Museo Reina Sofia di Madrid.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 19 - OLGA SACHAROFF (Tiflis, Georgia, 1889 - Barcellona, 1967). "Vaso". Olio su tavola. Allegato certificato rilasciato da Barrachina & Ramoneda. Misure: 40 x 38 cm; 70 x 60 cm (cornice). Olga Sacharoff è riuscita a diventare un'importante rappresentante del Noucentisme catalano nonostante la sua origine georgiana. Già durante il suo soggiorno parigino, prima del periodo barcellonese, adottò un proprio stile in cui la natura e gli animali svolgevano un importante ruolo simbolico. Sacharoff costruisce in questo pannello un vaso evocativo determinato dall'influenza cezanniana che ha segnato il corso della sua produzione. La pacata combinazione di colori vivaci ci immerge in un'immagine luminosa, basata su composizioni ridotte all'essenziale. Questa impressione di silenzio, insieme al carattere clamorosamente geometrico del disegno dell'artista, crea nell'opera un'aria di atemporalità, di immagine eterna, immortale grazie al tocco geniale dell'artista. Dopo aver studiato alla Scuola di Belle Arti di Tiflis, nel 1910 Sacharoff si trasferisce a Monaco, dove entra in contatto con l'espressionismo tedesco. L'anno successivo si trasferì a Parigi, dove il suo lavoro fu inizialmente influenzato da Cézanne, per poi evolversi verso il cubismo sintetico. Allo scoppio della Prima guerra mondiale Sacharoff si trasferisce in Spagna, dove si stabilisce nel 1915, passando prima per Maiorca e stabilendosi infine a Barcellona l'anno successivo. In realtà, alcuni storici sottolineano che fu l'introduttrice del cubismo a Barcellona. Da lì collaborò alla rivista "391" di Francis Picabia, considerata il portavoce del dadaismo e pubblicata a Barcellona. Espone opere ai Salons d'Automne di Parigi nel 1920, 1921, 1922 e 1928, ottenendo importanti apprezzamenti dalla stampa e riuscendo a organizzare, nel 1929, una mostra personale alla galleria parigina Bernheim Jeune, una delle più importanti dell'epoca. In questi anni tiene una mostra alle Gallerie Layetanas di Barcellona (1934) e partecipa al Salone di Montjuic, di cui viene nominata membro nel 1935. Allo scoppio della guerra civile Sacharoff torna a Parigi e nel 1939 espone alla Perls Gallery di New York. Dopo la guerra torna a Barcellona e si lascia alle spalle le avanguardie per immergersi in un gusto naïf vicino al noucentisme catalano. Il suo stile adotta tratti lirici e amabili e si mette al servizio di una visione idealizzata della Catalogna: paesaggi, costumi, tipi popolari, ecc. In generale, in questo periodo predominano le composizioni con più personaggi, rappresentati con tratti schematici e colori vivaci. Scelto da Camón Aznar, partecipa al I Salón de los Once de Eugenio D'Ors (1943), tenutosi alla Galleria Biosca di Madrid. Due anni dopo organizza una retrospettiva della sua opera parigina e nel 1960 la Direzione Generale delle Belle Arti gli dedica una mostra antologica. Nel 1964 gli viene conferita la Medaglia della Città di Barcellona. Sacharoff illustrò anche libri, con esempi come "La casa di Claudine" di Colette (1944) e "Netochka Nezvanova" di Dostoevskij (1949). Recentemente le è stata dedicata un'antologia in duo con María Blanchard a Bilbao (BBK Exhibition Hall, 2002). Olga Sacharoff è presente alla Fondazione Mapfre di Madrid, al Centro Nazionale Reina Sofia, al Museo Thyssen-Bornemisza, al Museo di Art Nouveau e Art Deco Casa Lis, al Museo Marés, al Museo Pablo Gargallo di Saragozza e al Monastero di Montserrat, tra i tanti.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 20 - ALLEN CULPEPPER SEALY (Inghilterra, 1850-1927). "Common, vincitore della tripla corona nel 1891 cavalcato da G. Barrat", 1891. Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Provenienza: Galleria Bernat. Misure: 71 x 92 cm: 86,5 x 107 cm (cornice). Il dipinto di tema venatorio combina la contemplazione del paesaggio con la narrazione, il ritratto e la pittura animalista, riflettendo in modo molto preciso il gusto estetico e il pensiero della borghesia del XIX secolo. Il committente vede rappresentata nel dipinto la propria realtà, il proprio stile di vita, i propri valori rivendicati attraverso l'arte. Quello che è certo, però, è che si trattava di un genere particolarmente importante in Inghilterra, grazie alla grande tradizione dei suoi concorsi. Gli inglesi apprezzavano molto la rappresentazione naturalistica degli animali e le opere divennero così dei veri e propri ritratti di questi eroi delle corse che riunivano (e riuniscono) la monarchia e l'aristocrazia britannica. Allen Culpepper Sealy nacque a Field Grove House, Bitton, Keynsham, Somerset, fu educato a Elm Grove House, Manchester Street, Littleham St Thomas, Devon, un collegio, ma tornò a casa a Bitton nel 1871, da dove studiò alla Bristol School of Art. Pittore paesaggista ma anche equestre, viaggiò molto su commissione; nel 1891 si trovava a Doncaster, South Yorkshire, nel 1901 a Rochester, Kent, e nel 1911 a Exmouth, Devon. Deve essere stato anche a Newmarket, nel Suffolk, dove ricevette diverse commissioni; il suo "Kingwood" si trova nel National Horseracing Museum di Newmarket. Ha esposto alla Royal Academy tra il 1875 e il 1886, oltre che alla Royal Society of Artists di Birmingham, alla Fine Art Society, alla Walker Art Gallery, alla Manchester City Art Gallery, alla Royal Society of British Artists, alla Royal Hibernian Academy e al Royal Institute of Oil Painters. Allen Culpepper Sealy morì a Park Cottage, Parkstone, Poole, Dorset, l'11 novembre 1927.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 21 - MARIANO ANDREU ESTANY (Mataró, Barcellona, 1888 - Biarritz, Francia, 1976). "Natura morta e figura", 1932. Olio su táblex. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 23 x 26 cm; 54 x 62 cm (cornice). Mariano Andreu ha esplorato le possibilità plastiche e concettuali di un moderno classicismo di natura mediterranea. Qui, in primo piano, ha sviluppato una natura morta di frutti estivi e vini freschi in cui ogni elemento è delineato con forme e colori racchiusi in se stessi, in modo che l'insieme sembra derivare in un collage visivo. Sullo sfondo, un giovane efebo adotta una postura aggraziata che sottolinea la leggiadria della sua anatomia, risolta con tratti curvilinei e volontà sintetica. Una certa cadenza mitica e senza tempo avvolge la scena, come è consuetudine nelle composizioni dell'artista, che attinge a molteplici fonti e periodi, dal Rinascimento al Fauvismo. Pittore, disegnatore, incisore, scultore, decoratore e scenografo, Mariano Andreu ha iniziato la sua carriera nel mondo dell'arte attratto dalle arti plastiche dello spettacolo. Principalmente autodidatta, frequenta sporadicamente l'accademia di Francesc A. Galí. Studia a Londra presso la Municipal School of Arts & Crafts, dove rimane affascinato dallo stile di Aubrey Beardsley e dalla pittura preraffaellita. Al suo ritorno a Barcellona si unisce al gruppo Decadentista, prima manifestazione del Noucentisme. Nel 1911 Andreu espone per la prima volta le sue opere in una mostra collettiva organizzata al Faianç Català. L'anno successivo si stabilisce a Parigi, città in cui riscuote sempre un grande successo di critica e di pubblico, anche se torna saltuariamente a Barcellona. In seguito si reca in Italia per studiare le opere del Rinascimento, un fatto che segnerà definitivamente la sua opera. Tiene diverse mostre a Barcellona, Parigi, Monaco, Tokyo, Osaka, Londra, Bruxelles, New York, Los Angeles e Buenos Aires. È rappresentato nei Musei del Teatro e dell'Arte Contemporanea di Barcellona, oltre che in vari enti pubblici e privati internazionali.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 22 - CELSO LAGAR ARROYO (Ciudad Rodrigo, Salamanca, 1891 - Siviglia, 1966). "Processione". Olio su pannello. Firmato nel margine inferiore. Opera certificata da Narciso Alba. Misure: 18,5 x 16 cm; 41 x 38 cm (cornice). Celso Lagar inizia la sua formazione nel campo della scultura con Miguel Blay a Madrid. Il suo maestro gli consigliò di recarsi a Parigi per completare gli studi e, dopo aver trascorso un anno a Barcellona, si recò per la prima volta nella capitale francese nel 1911. La carriera di Lagar, sia personale che artistica, può essere suddivisa in quattro fasi distinte, segnate dalle due guerre mondiali. Il primo di questi periodi è quello dell'apprendistato, a Madrid, Barcellona e Parigi, a contatto con artisti come Amadeo Modigliani. Questa fase si conclude quando è costretto a lasciare Parigi allo scoppio della Grande Guerra. Si stabilisce a Barcellona ma tiene diverse mostre nella capitale francese, che gli servono come lettera di presentazione al suo ritorno in città dopo la guerra, nel 1919. A quel punto Lagar è già un artista consolidato e si stabilisce definitivamente a Parigi. Espone regolarmente nelle migliori gallerie parigine (Berthe Weil, Percier, Zborowski, Barreiro, Brouant, Druet), il suo stile raggiunge una maturità personale e si dedica completamente alla pittura, abbandonando la scultura. Sviluppa una pittura incentrata su temi molto specifici: nature morte, temi spagnoli, paesaggi e scene circensi. Dopo il periodo delle influenze avanguardiste (cubiste, fauviste, ecc.), Lagar raggiunge uno stile proprio, segnato dalle influenze di Goya e Picasso. Gradualmente la sua tavolozza si raffredda, ma i suoi temi preferiti rimangono gli stessi e il suo riconoscimento da parte del pubblico e della critica aumenta. L'inizio della Seconda Guerra Mondiale segna la fine del periodo d'oro di Lagar. Emigra nei Pirenei francesi e il suo ritorno nella città di Parigi, da poco liberata, non ha le ripercussioni sperate, poiché il pubblico dei collezionisti richiede nuovi contenuti e modalità. Dopo che la moglie si ammala nel 1956, Lagar cade in una profonda depressione e viene ricoverato in un ospedale psichiatrico. Smette definitivamente di dipingere e nel 1964 torna in Spagna, trascorrendo gli ultimi anni nella casa della sorella a Siviglia. Lagar è rappresentato al Museo d'Arte Contemporanea di Madrid, al Museo d'Art Nouveau e Art Déco Casa Lis, al Patio Herreriano di Valladolid, al Petit Palais di Ginevra, alle Belle Arti di La Rochelle, Castres e Honfleur (Francia) e in collezioni prestigiose come la Crane Kallman (Londra), la Zborowski (Parigi) o la Mapfre (Madrid).

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 23 - CELSO LAGAR ARROYO (Ciudad Rodrigo, Salamanca, 1891 - Siviglia, 1966). "Arlecchino". Olio su tavola. Firmato nel margine inferiore. Opera certificata da Narciso Alba. Misure: 18,5 x 16 cm; 41 x 38 cm (cornice). Celso Lagar inizia la sua formazione nel campo della scultura con Miguel Blay a Madrid. Il suo maestro gli consigliò di recarsi a Parigi per completare gli studi e, dopo aver trascorso un anno a Barcellona, si recò per la prima volta nella capitale francese nel 1911. La carriera di Lagar, sia personale che artistica, può essere suddivisa in quattro fasi distinte, segnate dalle due guerre mondiali. Il primo di questi periodi è quello dell'apprendistato, a Madrid, Barcellona e Parigi, a contatto con artisti come Amadeo Modigliani. Questa fase si conclude quando è costretto a lasciare Parigi allo scoppio della Grande Guerra. Si stabilisce a Barcellona ma tiene diverse mostre nella capitale francese, che gli servono come lettera di presentazione al suo ritorno in città dopo la guerra, nel 1919. A quel punto Lagar è già un artista consolidato e si stabilisce definitivamente a Parigi. Espone regolarmente nelle migliori gallerie parigine (Berthe Weil, Percier, Zborowski, Barreiro, Brouant, Druet), il suo stile raggiunge una maturità personale e si dedica completamente alla pittura, abbandonando la scultura. Sviluppa una pittura incentrata su temi molto specifici: nature morte, temi spagnoli, paesaggi e scene circensi. Dopo il periodo delle influenze avanguardiste (cubiste, fauviste, ecc.), Lagar raggiunge uno stile proprio, segnato dalle influenze di Goya e Picasso. Gradualmente la sua tavolozza si raffredda, ma i suoi temi preferiti rimangono gli stessi e il suo riconoscimento da parte del pubblico e della critica aumenta. L'inizio della Seconda Guerra Mondiale segna la fine del periodo d'oro di Lagar. Emigra nei Pirenei francesi e il suo ritorno nella città di Parigi, da poco liberata, non ha le ripercussioni sperate, poiché il pubblico dei collezionisti richiede nuovi contenuti e modalità. Dopo che la moglie si ammala nel 1956, Lagar cade in una profonda depressione e viene ricoverato in un ospedale psichiatrico. Smette definitivamente di dipingere e nel 1964 torna in Spagna, trascorrendo gli ultimi anni nella casa della sorella a Siviglia. Lagar è rappresentato al Museo d'Arte Contemporanea di Madrid, al Museo d'Art Nouveau e Art Déco Casa Lis, al Patio Herreriano di Valladolid, al Petit Palais di Ginevra, alle Belle Arti di La Rochelle, Castres e Honfleur (Francia) e in collezioni prestigiose come la Crane Kallman (Londra), la Zborowski (Parigi) o la Mapfre (Madrid).

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 24 - JOSEP DE TOGORES LLACH (Cerdanyola del Vallès, 1893 - Barcellona, 1970). "Vaso". Olio su tela. Firmato nell'angolo inferiore. Misure: 65 x 54 cm; 101 x 89 cm (cornice). Nato in seno a una famiglia benestante e colta, che frequenta i circoli intellettuali, il suo interesse per la pittura nasce all'età di tredici anni, quando perde l'udito a causa di una meningite. Viaggia in Francia e in Belgio, dove scopre i dipinti di Rembrandt, e all'Esposizione Internazionale d'Arte di Barcellona del 1907 rimane affascinato dall'opera di Monet. A diciotto anni è già un artista importante a Barcellona e nel 1913 riceve l'incarico di decorare la cappella di Anna Girona a Poblet. Grazie a una borsa di studio del Comune di Barcellona, si trasferisce a Parigi per studiare, dove conosce la pittura di Cézanne, che da quel momento in poi avrà un'influenza decisiva sul suo lavoro. Nel 1917 incontra Picasso ed entra in contatto con le teorie e gli ambienti cubisti. Negli anni Venti inizia la sua relazione con il gallerista Kahnweiler, che in seguito diventerà il mercante di Picasso. Lavora esclusivamente con lui tra il 1921 e il 1931, quando la sua pittura attraversa il periodo più sperimentale, avvicinandosi all'automatismo e al surrealismo. Sotto la guida di Kahnweiler diventa un artista di enorme successo. Nel 1932 la sua pittura prende una nuova piega, un ritorno alla figurazione. Si trasferisce a Barcellona e lavora con un nuovo mercante, Francesc Cambó. In questo periodo dipinge molti ritratti dei personaggi più importanti della società catalana, diventando uno dei pittori più richiesti dell'epoca. Durante la guerra civile si trasferisce in Francia, ma torna nel 1939, dove continua a lavorare, senza aver perso il suo prestigio. Le sue opere sono presenti al Museo Patio Herreriano di Valladolid, al Museo Nacional Reina Sofía, al Museo Nacional del Arte de Cataluña, al Getty Museum (Los Angeles), al Museo de Arte de Sabadell, al Museo Städtisches Gelsenkirchen (Germania), al Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid), al Palacio Nacional de Montjuic e al Centre Georges Pompidou (Parigi), tra gli altri.

Stima 10 000 - 15 000 EUR

Lotto 25 - FRANCISCO BORÉS LÓPEZ (Madrid, 1898 - Parigi, 1972). "Nudo femminile", 1944. Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 27 x 35 cm; 49 x 57 cm (cornice). Con grande versatilità, Francisco Borés si muove liberamente tra espressionismo e cubismo. Siamo di fronte alla rappresentazione di un corpo femminile risolto con un impulso impetuoso, dal tratto spesso, con echi primitivisti e picassiani e che, allo stesso tempo, stabilisce ammiccamenti con il movimento tedesco Die Brücke. Il colore piastrella, insieme a una gamma contrastante di toni arancioni e terra di Siena, domina la tavolozza. Borés dialoga anche con un'intera genealogia di odalische, da Goya a Manet. Francisco Borés si forma all'accademia di pittura di Cecilio Pla, dove conosce, tra gli altri, Pancho Cossío, Manuel Ángeles Ortiz e Joaquín Peinado. Frequenta anche gli incontri letterari madrileni legati all'ultraismo. In questo periodo realizza incisioni per numerose riviste, come "Horizonte" o "Revista de Occidente", e frequenta l'Academia Libre de Julio Moisés, dove coincide con Dalí e Benjamín Palencia. Nel 1922 partecipa per la prima volta all'Esposizione Nazionale di Belle Arti e tre anni dopo esporrà le sue opere alla prima Mostra della Società degli Artisti Iberici, ma lo scarso interesse del pubblico madrileno per la giovane arte lo spinge a recarsi a Parigi. Nella capitale francese entra in contatto con Picasso e Juan Gris e fa il suo debutto individuale nel 1927. L'anno successivo tiene la sua prima mostra personale negli Stati Uniti e nel 1930 espone nuovamente, questa volta come parte di una mostra collettiva al Museum of Modern Art di New York. Negli anni successivi continua a tenere mostre personali in importanti gallerie di Parigi e Londra, tra cui Georges Petit e Zwemmer. Dopo la Seconda guerra mondiale riprende l'attività espositiva e nel 1947 lo Stato francese acquisisce, per la prima volta, un'opera di Borés. Nel 1949 il Museum of Modern Art di New York acquista i suoi dipinti. Nel 1969 espone alla Galleria Theo di Madrid, il che significa il suo avvicinamento al pubblico spagnolo, che praticamente non conosceva la sua opera se non negli ambienti professionali dove, invece, era molto apprezzata. Nel 1971 espone nuovamente alla stessa Galleria Theo e muore a Parigi nel 1972. Il critico Joaquín de la Puente indica diverse fasi nella produzione di Borés: classicismo rinnovato (1923-25), neo cubismo (1925-29), pittura di frutta (1929-33), scene di interni (1934-1949) e stile bianco (1949-69). Francisco Borés è rappresentato nei più importanti musei del mondo, tra cui il Centro Georges Pompidou di Parigi, i Musei di Belle Arti di Bilbao, Buenos Aires, Gerusalemme, Gotemborg e Baltimora, il MOMA di New York, il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, le Gallerie Nazionali di Atene, Brno ed Edimburgo, il Museo Patio Herreriano di Valladolid e i Musei d'Arte Moderna di Stoccolma, Torino e Madrid.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 26 - HERNANDO VIÑES SOTO (Parigi, 1904 - 1993). Senza titolo, 1932. Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Misure: 130 x 86 cm; 147 x 107 cm (cornice). Nel 1932 Viñes trascorse una stagione a Palma di Maiorca, un soggiorno che influenzò la scelta dei temi, essendo un tema di ispirazione. In quest'opera l'artista presenta un'immagine di chiara ispirazione mediterranea, sia nelle forme che nelle tonalità utilizzate. L'artista ci mostra una coppia protagonista, situata al centro della composizione. Uno dei due, rivolto verso lo spettatore, e l'altro di profilo. Alle loro spalle, l'ampio spazio lascia spazio al mare che si fonde con il cielo creando un'atmosfera sognante. Nato in una famiglia dell'alta borghesia, Hernando Viñes Soto fu introdotto nel circolo artistico parigino dallo zio, il pianista e compositore Ricardo Viñes. Durante la Prima guerra mondiale si stabilisce a Madrid, per poi tornare a Parigi nel 1918. Lì Pablo Picasso, amico dello zio, dopo aver visto i suoi primi disegni, gli consigliò di continuare sulla stessa strada e di perfezionare le sue conoscenze di artista autodidatta. Viñes seguì il consiglio di Picasso, entrando prima all'Accademia d'Arte Sacra di Parigi, dove fu discepolo di Maurice Denis e Georges Desvallieres e poi, nel 1922, completando la sua formazione con André Lothe e Gino Severini. L'anno successivo partecipa come decoratore a "El retablo de Maese Pedro", di Manuel de Falla, ed espone per la prima volta al Salon d'Automne. Nello stesso anno, il 1923, entra in contatto, tramite l'amico Manuel Ángeles Ortiz, con la cerchia di giovani artisti spagnoli che vivono a Parigi: Francisco Bores, Luis Buñuel, Joaquín Peinado, Francisco García Lorca, Pancho Cossío, Rafael Alberti, Ismael de la Serna, ecc. All'età di vent'anni decide di dedicarsi completamente alla pittura, ottenendo subito il sostegno di due importanti critici, Tériade e Zervos, quest'ultimo direttore dei "Cahiers d'Art". Da allora espone regolarmente alle gallerie Percier e Max Berger di Parigi. Dopo la Seconda guerra mondiale inizia per il pittore un periodo molto difficile, in cui, nonostante le numerose mostre collettive e individuali, non raggiunge la notorietà che i suoi brillanti esordi promettevano. Dovette aspettare il 1965 e la grande retrospettiva che il Museo d'Arte Moderna di Madrid gli dedicò per essere finalmente riconosciuto come uno dei più brillanti pittori della sua generazione. Da quel momento in poi, le mostre si susseguirono, in gallerie di spicco in tutta la Spagna, come Théo (Madrid e Valencia), Dalmau (Barcellona) o Ruiz (Santander). All'inizio degli anni Ottanta gli sono state dedicate importanti mostre retrospettive alla Casa di Spagna di Parigi, al Museo di Belle Arti di Santander e al Museo Bonnat di Bayonne. Nel 1988 riceve la Medaglia d'Oro delle Arti e delle Lettere dalla mano del re Juan Carlos I. Contemporaneamente, la sua fama internazionale cresce grazie alle mostre organizzate in Germania, Danimarca, Stati Uniti, Cecoslovacchia, Inghilterra e Giappone. Lontano dalle scuole e da qualsiasi accenno di vanagloria, il lavoro di Viñes continuò il suo percorso in Francia e i musei di tutto il mondo iniziarono ad acquisire le sue opere. Attualmente è rappresentato al Museo Reina Sofía di Madrid, al Centro Georges Pompidou di Parigi, ai Musei di Albi, Castres e Saint-Ouen in Francia, ai Musei di Belle Arti di Tel-Aviv, Buenos Aires e Praga, al Museo d'Arte Contemporanea Patio Herreriano di Valladolid e all'ARTIUM di Vitoria, tra i tanti.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

Lotto 27 - MANUEL ANGELES ORTIZ (Jaén, 1895 - Parigi, 1984). Senza titolo, 1958. Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 132 x 98 cm; 156 x 121 cm (cornice). Nel 1957, un anno prima della creazione di quest'opera, Manuel Ángeles Ortiz tornò a Granada dopo 32 anni e in un nuovo contatto con il paesaggio e la cultura della città la sua pittura fu fortemente influenzata da questo cambiamento. In questo caso particolare l'opera si colloca in un momento fondamentale della sua carriera, creata poco prima della mitica serie dedicata all'Albaicín. Nella mostra dedicata dal Museo e Centro d'Arte Reina Sofía di Madrid, è stato sottolineato che l'opera di Manuel Ángeles Ortiz è difficile da classificare. Questa difficoltà si può apprezzare anche in quest'opera dove è evidente un'alternanza di linguaggi (tardo cubismo, disegno al tratto e volumi rotondi e monumentali di ispirazione classica, ecc.), sintomo dei diversi approcci a un ritorno all'ordine, promulgati da voci diverse, dai Cahiers d'Art a Jean Cocteau o Amédée Ozenfant. Ángeles Ortiz è stato un artista indipendente, difficile da classificare stilisticamente, poiché non ha smesso di sperimentare nel corso della sua carriera. Rappresentante della Scuola spagnola di Parigi, Manuel Ángeles Ortiz inizia la sua formazione a Granada, nello studio di José Larrocha. In seguito completò gli studi presso la Escuela Superior de Artes Industriales della città, per poi trasferirsi a Madrid, dove continuò la sua formazione nello studio di Cecilio Plá. Nel 1915 debutta in una mostra collettiva, ricevendo ottime recensioni dalla stampa locale. Contemporaneamente inizia a realizzare disegni per diverse pubblicazioni. All'inizio degli anni Venti, dopo la morte della moglie, il pittore si trasferisce a Parigi. Qui dipinge in modo frenetico e ha in Picasso il suo principale sostegno e il suo primo estimatore. La sua pittura abbandona le forme cubiche per concentrarsi su immagini pienamente oniriche, che presenterà a Parigi nella sua prima mostra personale, tenutasi alla galleria Quatre Chemins nel 1926. Nel 1932 torna in Spagna, ma la sua posizione antifascista lo porta a rifugiarsi, ancora una volta in Francia, alla fine della guerra civile. Dopo un breve soggiorno a Parigi, si reca a Buenos Aires, dove si integra pienamente nell'ambiente artistico e dove vive fino al 1948, quando torna definitivamente a Parigi. Attualmente è presente al Museo Nazionale Reina Sofía di Madrid, all'ARTIUM di Vitoria, al Patio Herreriano di Valladolid, al Museo d'Arte Contemporanea di Siviglia, al Museo delle Belle Arti di Grenoble, alle Fondazioni Federico García Lorca, Mapfre e Telefónica e alla Galleria Bargera di Colonia, oltre ad altre collezioni pubbliche e private.

Stima 40 000 - 45 000 EUR

Lotto 28 - ALBERT GLEIZES (Parigi, 8 dicembre 1881 - Avignone, 23 giugno 1953). "Lumiere Jeune", 1933. Olio su tela. Firmato e datato sul retro. Con etichetta del Museum Ostwall, Dortmund, sul retro. Hist: Collezione Juliette Roche-Gleizes; Passedoit Gallery, New York (?); Marlborough Fine Art Ltd, Londra; galerie Suzanne Feigel, Båle; galerie Françoise Tournié, Parigi; galerie Félix Vercel, Parigi; vendita Parigi, Drouot- Montaigne, 11 ottobre 1989, n. 131 (ristampa). Esp.: 1936-1937 New York, no. 51; 1943 Parigi, n. 26 (?): 1947 Lione, no. 27 (?); 1949 New York, no. 19; 1956 Londra, no. 31; 1964 New York, n. 153 (ristampa): 1964-1965 Parigi, n. 70 (repr.); 1965 Dortmund, n. 70 (repr.): 1969 Bâle, no. 40 (repr.); 1971 Courbevoie, n. 86; 1972 Parigi, n. 14 (repr.). Mostre e pubblicazioni: Rene Gimpel Galerie, New York, 1937, no. 51. Galleria Passedoit, New York, 1949, n. 19. Museo Ostwell, 1965. Menzionato nel 1933 nel numero 18 di Porza Nouvelles Briefes, p. 5, con il titolo Composizione ritmica, i gialli. Poiché il dipinto a olio non è riprodotto nei cataloghi di Parigi del 1943 e di Lione del 1947, questi riferimenti rimangono ipotetici. Opera catalogata nella monografia "Albert Gleizes", Guggenheim Museum, New York, p. 95. Certificato di autenticità allegato. Misure: 89,5 x 114 cm; 114 x 138 cm (cornice). "Giovane luce" è il titolo di questa importante opera di Albert Gleizes, appartenente al suo periodo maturo. La luce è il grande tema di questo artista, che una volta scrisse: "il problema della luce è un problema di fede. Perché la luce non è concreta ma perfettamente metafisica, ineffabile". L'artista ha portato le sperimentazioni cubiste oltre la scomposizione delle forme e degli oggetti in piani geometrici, considerando spazio, tempo e luce come un tutt'uno. Questa integrazione tra realtà materiale e immateriale si coglie in "Giovane luce" (Lumiere jeune), un titolo che allude al sole che sorge e anche all'apertura dello spettro cromatico di un arcobaleno. I cerchi evocano l'idea di assoluto, emettendo onde concentriche su una natura morta che riceve i primi raggi dell'alba. Durante i primi anni di vita, Gleizes lavora nello studio di design industriale del padre a Parigi. Infine, dopo aver terminato il liceo, trascorre quattro anni nell'esercito e poi inizia la sua carriera di pittore, dedicandosi inizialmente ai paesaggi. Le sue prime opere si inquadrano nell'impressionismo, con lavori come "La Seine à Asnières", esposto alla Société Nationale des Beaux-Arts nel 1902. L'anno successivo partecipa al primo Salon d'Automne di Parigi ed entra presto in contatto con Fernand Léger, Robert Delaunay, Jean Metzinger e Heri Le Fauconnier. Nel 1910 aderisce al Cubismo, di cui è uno dei primi e più importanti teorici, insieme a Metzinger. Nello stesso anno espone al Salon des Indépendants. Tre anni dopo partecipa alla collettiva dell'Armory Show, a New York. Durante la guerra si arruola nuovamente nell'esercito e dopo la guerra si trasferisce a New York. Viaggiò anche a Barcellona e alle Bermuda, e nel 1916 tenne la sua prima mostra individuale alle Gallerie Dalmau di Barcellona. Due anni dopo lo troviamo pienamente impegnato nella ricerca di valori spirituali, che si rifletteranno sia nella sua pittura che nei suoi testi. Nel 1927 fonda a Sablons Moly-Sabata, una comunità utopica di artisti e artigiani, in un certo senso una continuazione dell'Abbaye de Créteil che aveva formato, insieme ad altri artisti e scrittori, alla periferia di Parigi nel 1906. Nel 1931, Gleizes partecipa al comitato Abstraction-Création che funge da forum per l'arte non figurativa internazionale. A quel punto, la sua opera riflette il rafforzamento delle sue convinzioni religiose e nel 1932, nel suo libro "La Forme et l'histoire", esamina l'arte celtica, romanica e orientale. In questi anni terrà conferenze in Polonia e in Germania e sarà ingaggiato per dipingere murales per l'Esposizione Universale di Parigi del 1937. Quasi un decennio dopo, tra il 1949 e il 1950, lavora alle illustrazioni per il libro di Blaise Pascal "Pensées sur l'homme et Dieu". Nel 1951 Gleizes fu nominato giurato del Prix de Rome e il governo francese gli conferì la Legion d'Onore. Considerato un grande rinnovatore dell'arte religiosa, nel 1951 realizzò la sua ultima grande opera, un affresco intitolato "Eucaristia", dipinto per la cappella dei Gesuiti a Chantilly. Albert Gleizes è attualmente presente nei musei Guggenheim di Venezia e New York, nel Centro Georges Pompidou di Parigi, nella Albright-Knox Gallery di Buffalo, nel MoMA e nel Metropolitan di New York, nel National Museum of Western Art di Tokyo, nel Reina Sofia di Madrid, nella Tate Gallery e nel Thyssen-Bornemisza, oltre che in altre collezioni di tutto il mondo.

Stima 140 000 - 160 000 EUR

Lotto 29 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Suite Catalana". 1972. Acquatinta, pittura e collage su cartone. Firmato e dedicato a mano. È presente nell'archivio delle Opere complete di Tàpies, foto numero T-9685. Allegato certificato rilasciato dalla Comissió Tàpies (Antoni Tàpies Barba, 2015). Misure: 80 x 105 cm; 100 x 124 cm (cornice). Questa incisione con interventi pittorici e collage fa parte della cartella "Suite Catalana", che Tàpies realizzò nel 1972, un anno prima della morte di Franco. Appartiene, quindi, al contesto della rivendicazione della cultura e dell'identità catalana quando questa era fortemente repressa. In questa acquatinta con pittura, le quattro barre sono espresse attraverso impronte digitali simbolicamente "insanguinate"; la croce greca (altro elemento onnipresente nell'opera di Tàpies) simboleggia il trionfo della spiritualità e della resistenza di fronte alla violenza istituzionalizzata. I tratti neri e spessi convergono verso la calligrafia. Le lettere, per Tàpies, andavano oltre la loro funzione di comporre parole significative, poiché per lui la grafica era intrisa di messaggi criptici. La "Suite Catalana" è una serie di 34 incisioni realizzate da Antoni Tàpies nel 1972 e pubblicate dall'Editorial Gustavo Gili di Barcellona. È considerata una delle opere più importanti e rappresentative di Tàpies. Esse costituiscono un coraggioso commento alla dura realtà della vita in Catalogna sotto il regime franchista. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, Tàpies inizia a esporre ai Salones de Octubre di Barcellona e al Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la prima mostra personale alle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Nel 1953 tiene una mostra personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi, le sue mostre, sia collettive che individuali, si tengono in tutto il mondo, in gallerie e musei di rilievo come il Guggenheim di New York o il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologie a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. È da notare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 22 000 - 24 000 EUR

Lotto 30 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Roig y Negre V", 1985. Acquaforte e carborundum, copia H.C.. Firmata e giustificata a mano. Misure: 96 x 123 cm; 117 x 147 cm (cornice). Vita e morte (rosso e nero) sono il filo conduttore della serie intitolata a questi due colori. Simbolismo grafico, macchie e texture si alleano in questa fase di estrema introspezione (gli anni Ottanta), che si traduce plasticamente nella concezione della superficie pittorica come un tutto, come un campo aperto, senza limiti o gerarchie. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, Tàpies inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la prima mostra personale alle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Nel 1953 tiene una mostra personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi, le sue mostre, sia collettive che individuali, si tengono in tutto il mondo, in gallerie e musei di rilievo come il Guggenheim di New York o il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande importanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il National Culture Award, il Grand Prix de Painting in Francia, il Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Antoni Tàpies è rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 7 000 - 9 000 EUR

Lotto 31 - JOAN PONÇ BONET (Barcellona, 1927 - Saint-Paul, Francia, 1984). "Composizione", 1956. Olio su tela. Etichetta di presentazione sul retro della Galleria Dau al Set (Barcellona). Firmato, datato e collocato (Brasile) in basso a destra. Misure: 61,5 x 39,5 cm; 87 x 65 cm (cornice). Nel 1953 Joan Ponç era arrivato in Brasile, affermandosi completamente nella scena culturale di San Paolo; infatti, nell'anno in cui fu realizzata quest'opera, partecipò alla mostra "50 anos de Paisagem Brasileira". Questo dipinto astratto sorprende lo spettatore grazie al contrasto dei colori e allo studio meticoloso del tratto. L'espressione dell'opera è favorita dalla tavolozza cromatica, poiché nell'autore predominano sempre i colori di tonalità fredda, che di solito contrastano con qualche altro colore, come in questo caso il rosso e il bianco. In questo modo, egli conferisce profondità e maggiore dinamismo al risultato. Pittore e disegnatore, si è formato a Barcellona, nell'atelier di Ramón Rogent e nell'Accademia di Arti Plastiche con Ángel López-Obrero. Dopo essersi dedicato alla pittura e al disegno nell'anonimato, nel 1946 tiene la sua prima mostra personale, presso la Galleria d'Arte di Bilbao, che significherà il suo definitivo consolidamento nel panorama artistico nazionale. Nel 1948 fonda, insieme a Tharrats, Puig, Cuixart, Tàpies e Brossa tra gli altri, il gruppo d'avanguardia Dau al Set. Selezionato da Eugenio D'Ors, partecipa al Salón de los Once de Madrid nel 1951 e nel 1952. Nel 1952 partecipa alla Biennale ispano-americana e l'anno successivo trascorre un periodo a Parigi, dove conosce Joan Miró e può esporre al Musée de la Villa. Su raccomandazione di quest'ultimo, Ponç ha accesso agli ambienti artistici brasiliani, stabilendosi a San Paolo dal 1953 al 1962. Nel 1954, anno dello scioglimento del Dau al Set, tiene una mostra al Museo d'Arte Moderna della città, con un tale successo che l'organizzazione acquista tutte le opere. In Brasile visita le giungle equatoriali, dove rimane impressionato dalla fauna, soprattutto dagli insetti, che incorpora nel suo immaginario. Nel 1955 fonda il gruppo Taüll con Marc Aleu, Modest Cuixart, Jaume Guinovart, Jaume Muxart, Mercadé, Tàpies e Tharrats. Dopo essere tornato in Catalogna a causa di una malattia, come artista pienamente consacrato, espone le sue opere a New York, Rio de Janeiro, Bonn, Parigi, Francoforte, Ginevra, Antibes e in diverse città spagnole. Nel 1965 vince il Gran Premio Internazionale di Disegno alla Biennale di San Paolo. I dipinti di Ponç presentano immagini fantasmagoriche e allo stesso tempo dolorose e tormentate, in cui il subconscio è protagonista. Per il pittore, l'arte non è altro che un'introduzione al mistero e ai segreti dello spirito. Più disegnatore che pittore, il suo lavoro è estremamente dettagliato e minuzioso. La produzione di Ponç può essere suddivisa in sei periodi: il periodo Dau al Set (1947), il periodo brasiliano (1958), il periodo metafisico-geometrico (1969), il periodo dei caratteri metafisici (1970), il periodo dell'agopittura (1971) e un ultimo periodo di sintesi (1972). Nella sua opera Ponç si manifesta come un artista stregone, che concepisce l'arte come magia, come un potere straordinario, un incantesimo, qualcosa di soprannaturale.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 32 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "Manifesto per la mostra Sculture, Galleria Maeght, Parigi, 1970". Litografia su carta. Copia 93/150. Firmato e giustificato a mano. Misure: 79 x 59,5 cm; 95 x 75 cm (cornice). Litografia realizzata per il manifesto della mostra "Sculture" di Joan Miró celebrata nel 1970, presso la Galleria Maeght di Parigi. Joan Miró si forma a Barcellona e debutta individualmente nel 1918, presso le Gallerie Dalmau. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e incontra Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, è il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquista due delle sue opere. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Nel corso della sua vita ricevette numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia e della Fondazione Guggenheim, il Premio Carnegie per la Pittura, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya e delle Belle Arti, e fu nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Attualmente le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, al Museo Thyssen-Bornemisza, al MoMA di New York, al Museo Reina Sofía di Madrid, alla National Gallery di Washington, al MNAM di Parigi e alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo. Questa litografia ci mostra il Miró più essenzialista nella sua ricerca di forme minimali e suggestive. Le gamme limitate a pochi colori applicati su superfici piatte e lucide, si combinano per evocare la comunione lirica dell'uomo e dell'ambiente.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 33 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "Aspetto monumentale". Penna a sfera su carta. Allegato certificato rilasciato dall'ADOM. Misure: 37,5 x 24 cm; 55 x 47 cm (cornice). Disegno originale di Joan Miró, realizzato con penna a sfera blu, che rappresenta, con alcune annotazioni, alcuni dei suoi simpatici personaggi dagli occhi grandi. Joan Miró si forma a Barcellona, tra la Escuela de la Lonja e l'Academia Galí. Già nei primi mesi del 1918 realizza la sua prima mostra, presso le Gallerie Dalmau di Barcellona. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e incontra Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. Da questo momento in poi, il suo stile inizia un'evoluzione che lo porta a opere più eteree, in cui forme e figure organiche sono ridotte a punti astratti, linee e macchie di colore. Nel 1924 firma il primo manifesto surrealista, anche se l'evoluzione della sua opera, troppo complessa, non permette di ascriverlo a nessuna particolare ortodossia. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, fu il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquistò due sue opere. Nel 1941 torna in Spagna e nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che segnerà la sua definitiva consacrazione internazionale. Negli anni Cinquanta sperimenta altri mezzi artistici, come l'incisione, la litografia e la ceramica. Dal 1956 fino alla morte, avvenuta nel 1983, vive a Palma di Maiorca in una sorta di esilio interno, mentre cresce la sua fama internazionale. Nel corso della sua vita ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia nel 1954 e della Fondazione Guggenheim nel 1959, il Premio Carnegie per la Pittura nel 1966, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya (1978) e delle Belle Arti (1980), ed è stato nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Oggi le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, inaugurata nel 1975, e nei principali musei d'arte contemporanea del mondo, come il Thyssen-Bornemisza, il MoMA di New York, il Museo Reina Sofia di Madrid, la National Gallery di Washington, il MNAM di Parigi e la Albright-Knox Art Gallery di Buffalo.

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 34 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Nu féminin", 1976. Carboncino e piombo su carta. Firmato in basso a destra. Con timbro della Collezione Perrot-Moure. Certificato allegato rilasciato da Nicolas R. e Olivier M. Descharnes. Misure: 59,3 x 87,8 cm. Ogni martedì dei mesi estivi del 1976, Dalí tenne un corso di disegno a Figueras. Nel nudo femminile che mostriamo, gli esperti riconoscono correzioni e rifiniture di sua paternità su un precedente disegno di uno dei suoi studenti. Una giovane donna sdraiata si copre il pube con la mano sinistra, imitando in parte il gesto archetipico del Vanus pudica. Tuttavia, non nasconde il suo torso nudo, e le sue lunghe gambe non cercano di essere proporzionate al resto del corpo. Al contrario, presentano una lunghezza irreale e deliberata, di natura manieristica. Sotto la mano di Dalí, i corpi diventano elastici e metamorfici, perché anche negli studi apparentemente accademici acquistano una delicatezza sottilmente onirica. Durante i primi anni di vita, Dalí scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove incontra la famiglia di Ramon Pichot, un artista che viaggia regolarmente a Parigi. Seguendo i consigli di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiornò nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da quel momento in poi sarebbero diventate distintive di tutta la sua opera. Il suo linguaggio assorbe le influenze di molti stili artistici, dall'accademismo classico alle avanguardie più innovative. In quel periodo il pittore si fece crescere dei vistosi baffi a imitazione di quelli di Velázquez, che sarebbero diventati il suo marchio personale per il resto della vita. Nel 1929 Dalí collabora con Luis Buñuel alla realizzazione di "Un cane andaluso", in cui vengono mostrate scene dell'immaginario surrealista. Nell'agosto dello stesso anno incontra la sua musa e futura moglie Gala. In questo periodo Dalí allestisce regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Il suo lavoro influenzò notevolmente la direzione del surrealismo per i due anni successivi e fu acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, che si diceva aiutasse ad accedere al subconscio liberando energie artistiche creative. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. A seguito della sua prima mostra individuale a New York, la sua proiezione internazionale si consolida definitivamente e da allora espone le sue opere e tiene conferenze in tutto il mondo. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 24 000 - 26 000 EUR

Lotto 35 - MODEST CUIXART I TÀPIES (Barcellona, 1925 - Palafrugell, Girona, 2007). Senza titolo, 1963. Olio su tela. Firmato e datato sul retro. Misure: 130 x 97 cm; 135 x 101 cm (cornice). Come sottolinea la Fondazione Juan March: "A partire dal 1958, (Cuixart) ricorre al suo caratteristico sgocciolamento di iridescenze metalliche su sfondi scuri che si evolverà in una sorta di spazialismo. All'inizio degli anni '60, l'informalismo materico e testuale di Lione si ibrida con la grafica magica e simbolica di Dau al Set. La sua preoccupazione plastica per la condizione umana fa sì che il suo interesse per la materia venga progressivamente sostituito da un'intensa irruzione dell'esistenziale". Cuixart studia inizialmente medicina, ma abbandona presto gli studi per dedicarsi alla pittura ed entra all'Academia Libre de Pintura di Barcellona. Nel 1948 partecipa alla fondazione del gruppo Dau al Set, insieme a Brossa, Ponç, Tàpies e Tharrats, tra gli altri. Interessato al valore plastico del segno, il suo lavoro ha fin dall'inizio una forte parentela con il surrealismo, oltre a una grande sensibilità per la forza espressiva del colore. Verso il 1955 si immerge nell'informalismo materico, che lo porta a utilizzare il "grattage" in opere di sapore orientalista. Nel 1959 vince il primo premio alla Biennale di San Paolo ed espone alla Documenta di Kassel, mentre l'anno successivo partecipa a una mostra sull'avanguardia spagnola alla Tate Gallery di Londra e al Guggenheim Museum di New York. Nel 1962 Cuixart introduce nel suo lavoro il collage, che lo condurrà gradualmente verso la pop-art. Arricchito da tutte queste esperienze, torna nuovamente alla pittura piana, raggiungendo un realismo critico molto personale, che sintetizza l'espressionismo con una figurazione drammaticamente trasformata, valorizzando sempre le qualità cromatiche. Negli anni Settanta espone in numerose capitali nazionali e internazionali, come Parigi, Madrid, San Paolo, Amsterdam, Tokyo, Basilea, Barcellona e Milano, tra le altre. Nel decennio successivo, Cuixart libera gradualmente la sua pittura dagli aspetti aggressivi per darle un tono più lirico. Inoltre, partecipa a una mostra collettiva al Palazzo dell'UNESCO di Parigi, riceve la Croce di San Giorgio della Generalitat di Catalogna e la Croce di Isabella la Cattolica. Nel 1988 tiene una mostra antologica in Giappone, nelle città di Kobe e Tokyo. Continua a lavorare con colori e forme esuberanti e reincorpora nel suo lavoro una figurazione più materica. Nel 1998 è stata creata a Palafrugell la fondazione che porta il suo nome e l'anno successivo è stato insignito della Medaglia d'Oro al Merito delle Belle Arti dal Ministero della Cultura. È rappresentato al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, alla Tate Gallery di Londra, al Museo Nacional de Arte de Cataluña, al Museo de Arte Contemporáneo di Madrid, Barcellona e Saint-Etienne (Francia), il Patio Herreriano di Valladolid, il Museo de Grabado Español Contemporáneo di Marbella, il Museo de Arte de la Universidad de São Paulo, il Museo de Arte Abstracto di Cuenca e il Museo del Ampurdán, oltre a molti altri.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 36 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). Senza titolo, 1983. Olio su tela. Firmato e datato in alto a sinistra. Misure: 134 x 108 cm. Le opere di Castillo sono immagini impregnate di fantasia e di un senso della decorazione che deriva da Matisse. La sua pittura è costruita con forme che si dispiegano nello spazio con effetti di grande originalità plastica. La scena è integrata in una composizione enigmatica in cui coesistono diversi livelli di realtà. Fin da bambino, Jorge Castillo si è appassionato al disegno e a soli dieci anni ha realizzato la sua prima copia di Rubens con matite colorate. Secondo Castillo, la pittura di Rubens gli ha insegnato a comprendere il cubismo di Braque e Picasso. Ha vissuto in Argentina, Spagna, Francia, Italia, Germania e Stati Uniti e dal 2008 vive a Ibiza. È cresciuto a Buenos Aires, dove ha trascorso lunghe ore al porto, oltre a dedicarsi alla pittura e alla scrittura. In questi anni ha iniziato a esporre i suoi quadri, arrivando a esporre al Salón de Mayo. Pubblica anche poesie e racconti su riviste. Tuttavia, all'età di ventidue anni decide di lasciare la sua città e di andare a Parigi. Tuttavia, per motivi economici si stabilisce in Spagna, precisamente a Madrid, dove trascorre sei anni, tra il 1957 e il 1963, i primi tre dei quali vissuti come un vagabondo. Tuttavia, il contatto con Viola e Jorge Cela, colpiti dai suoi disegni, cambierà il corso della sua vita. In questi anni opta gradualmente per la tecnica dell'incisione, che da quel momento in poi sarà uno dei suoi principali mezzi di espressione. Inizia quindi a emergere come artista, a vendere le sue prime opere e a stabilire alcuni contatti importanti, protetti da Luis González Robles, che nel 1960 lo porta alla Biennale di San Paolo. Lì le sue opere sorprendono e ricevono recensioni lusinghiere, e in questi anni espone anche a Madrid e Barcellona, oltre che a San Francisco, Lisbona, Pittsburgh e Tokyo. È il 1964, anno della sua partecipazione alla Biennale di Venezia, quando gli si aprono finalmente le porte di Parigi, grazie al contratto firmato con il mercante d'arte André Schoeller. Si stabilisce nella capitale francese per quasi quattro anni, fino al 1967, e lì visita regolarmente il Museo del Louvre e continua a realizzare mostre di crescente successo. Nel 1967 Castillo lasciò Parigi e si trasferì a Ginevra, poiché Schoeller aveva venduto il suo contratto allo svizzero Jan Krugier, allora uno dei più importanti galleristi d'Europa. Tuttavia, la città non gli piaceva, così si trasferì a Boissano, in Italia. In questo Paese si immerge nell'arte classica italiana, soprattutto del Trecento e del Quattrocento, e nel 1969 viene invitato dal governo tedesco a lavorare a Berlino, dove vive fino al 1975. Nel 1970 espone alla Nationalgalerie della capitale tedesca, la prima grande mostra museale dedicata a un periodo specifico della sua carriera, e successivamente in numerose gallerie berlinesi. Quando lascia Berlino, Castillo si trasferisce a Barcellona, ormai pittore riconosciuto in Europa e in America. Qui espone regolarmente alla galleria Joan Prats e conosce Salvador Dalí. In questi anni inizia a frequentare New York, dove si stabilisce nel 1981, rimanendovi fino al 1992. Qui viene assunto dalla prestigiosa Marlborough Gallery e i suoi successi continuano. Nel corso della sua carriera, Castillo è stato insignito di premi come l'International Drawing (1964) e Painting (1975) di Darmstadt, il City of Pontevedra (1994), ecc.

Stima 4 500 - 5 000 EUR

Lotto 37 - JORGE CASTILLO (Pontevedra, 1933). Senza titolo. Acquaforte. Copia 65/75. Firmata e giustificata a matita. Misure: 56 x 76 cm (stampa); 70 x 100 cm (carta); 83 x 114 cm (cornice). Figlio di emigrati spagnoli in Argentina, Jorge Castillo torna in Spagna nel 1957. Viene introdotto negli ambienti artistici di Madrid e nel 1958 inizia a vendere i suoi disegni nella galleria Biosca. A poco a poco, inizia a scegliere la tecnica dell'incisione, che diventerà infine il suo principale mezzo di espressione, anche se la alternerà alla pittura. Nel 1960 viene selezionato per la Biennale di San Paolo in Brasile. Da allora espone le sue opere a livello internazionale, in gallerie e musei di New York, San Francisco, Tokyo, Parigi, Lisbona, Torino, Hannover, Dusseldorf e Ginevra. Ha partecipato alla Biennale di Venezia nel 1964 e nel 1976 e nel 1970 ha tenuto una mostra personale alla Nationalgalerie di Berlino, la prima grande mostra museale dedicata a un periodo specifico della sua carriera. Ha vinto premi come l'International Drawing and Painting of Darmstadt, il City of Pontevedra e il Cultura Viva de las Artes Plásticas. È rappresentato dal Museo di Belle Arti di Losanna, dalla Fondazione Juan March, dalle Gallerie Nazionali di Edimburgo e Berlino, dai Musei d'Arte Moderna di San Francisco e Vitoria, dalla Kunsthalle di Brema, dall'Albertina di Vienna, dalla Biblioteca Nazionale di Spagna e dal Guggenheim di New York, tra gli altri.

Stima 200 - 250 EUR

Lotto 38 - JOAN ABELLÓ PRAT (Mollet del Vallés, Barcellona, 1922 - Barcellona, 2008). "Bar dello sport". Tecnica mista su tela. Firmato in basso a destra. Titolato in basso a sinistra. Misure: 82 x 100 cm; 95 x 115 cm (cornice). Pittore e incisore, Joan Abelló inizia la sua formazione in modo autodidatta, avendo nei suoi primi dipinti una grande influenza le opere che Joaquín Mir realizzò a Mollet. Studia poi all'Accademia di Baixas e al Real Circolo Artistico di Barcellona (1941), per poi diventare discepolo di Pere Pruna, lavorando per due anni nel suo studio (1944-46). Pruna gli insegnò le tecniche del murale e dell'incisione, e nello studio di Miracle imparò anche il restauro. Nel 1945 espone per la prima volta le sue opere a Barcellona e l'anno successivo inizia a lavorare nello studio di Carlos Pellicer, con cui collaborerà per quattordici anni. Completa i suoi studi con viaggi a Londra, in Belgio, a Parigi e sull'Isola di Man, tra gli altri luoghi. Negli anni Sessanta torna nella sua città natale, dove si interessa nuovamente ai paesaggi delle Vallés e del Mediterraneo, pur non abbandonando i suoi lunghi viaggi in Europa, Africa, Costa d'Avorio, Marocco e Brasile. Grande collezionista, nel 1996 donò la sua collezione d'arte al Comune di Mollet, che tre anni dopo creò il Museo Municipale Joan Abelló. Al museo è annessa la casa natale dell'artista, che dal 2002 ospita un laboratorio di restauro e un centro di studi artistici. Dal 1940, anno in cui tenne la prima mostra nella sua città natale, ancor prima di trasferirsi a Barcellona per studiare, Abelló ha tenuto mostre in Spagna, a Londra, Parigi, New York e Mosca. Nel 2002 è stato nominato membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di Sant Jordi. È rappresentato nel Museo che porta il suo nome, oltre che nel MACBA di Barcellona, nella Courtauld Collection di Londra, nell'Ashmolean Museum di Oxford, nei Musei Vaticani, nel Poldersmuseum in Belgio e nel Francesc Galí Legacy.

Stima 1 200 - 1 400 EUR

Lotto 39 - RAMÓN AGUILAR MORÉ (Barcellona, 1924 - 2015). "Scena del circo". Tecnica mista su pannello. Firmato in basso a sinistra. Misure: 34 x 51 cm; 58 x 75 cm (cornice). Le scene di circo, tanto in voga all'inizio del XX secolo, divennero un motivo chiave del vasto immaginario dell'epoca. In precedenza, grandi maestri come Edgar Degás, George Seurat o Henri de Toulouse-Lautrec, rivolsero la loro attenzione a questo spettacolo eccentrico, immortalando sulle loro tele la vita bohémien e libera, lontana dalle convenzioni sociali, che circondava il mondo del circo. Nato a Barcellona, inizia la sua formazione come discepolo di Oleguer Junyent, con cui impara a disegnare, anche se si considera un pittore autodidatta. Lavora nel suo studio tra il 1945 e il 1948, e sempre in questi anni realizza numerosi schizzi di temi da "music-hall" e da balletto nei teatri Rigalt e Liceo. Nel 1949 tiene la sua prima mostra alla Galleria Rovira di Barcellona e da allora espone continuamente le sue opere in varie gallerie di Barcellona e delle principali città spagnole. Ha esposto anche all'estero, presso la Omell Gallery di Londra, la Barbizon di Parigi, la Palmer House di Chicago, il Forum e l'Hotel Paris di Monte Carlo, e anche all'Arts and Culture di Ginevra, all'Artexpo di New York, all'Art Expo West di Los Angeles e al Munster Circle di Lussemburgo. A Barcellona ha ribadito la sua presenza nelle gallerie Gaspar, Grifé & Escoda, Novell e Rusiñol. Quest'ultima ha celebrato il suo XXI anniversario nel 2007 con una mostra retrospettiva di questo pittore. Al di fuori di Barcellona ha esposto anche in prestigiose gallerie d'arte, tra cui Àgora 3 a Sitges, Alcolea a Madrid e Garbí a Valencia. Ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti, come la Medaglia d'oro del Comune di Palma di Maiorca, il Premio Sant Jordi della Diputació di Barcellona e i Premi di pittura Miquel Carbonell e II Giochi del Mediterraneo. Aguilar Moré coltiva un espressionismo decorativo, un forte arabesco e colori vivaci. Le sue opere si trovano al Museo d'Arte Contemporanea di Madrid, ai musei delle Belle Arti e Perrot-Moore di Cadaqués, al Consiglio Provinciale di Barcellona, al Museo Reina Sofía di Atene, al Fons d'Art di Olot e alla Galleria Comunale d'Arte di Palamós.

Stima 450 - 500 EUR

Lotto 40 - JOSE LUIS FLORIT RODERO (Madrid, 1909 - Parigi, 2000). "Passeggiata equestre". Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Misure: 44 x 45 cm; 70 x 78 cm (cornice). Pittore, disegnatore e illustratore, José Luis Florit inizia i suoi studi tra Olot e Figueras, sotto la guida del pittore Juan Núñez. Dopo questo primo periodo si stabilisce a Madrid, dove studia Belle Arti presso la Scuola di San Fernando. Per completare la sua formazione, nel 1935 si trasferisce a Parigi, dove entra in contatto con le diverse avanguardie in vigore, pur mantenendo sempre uno stile molto personale. Al suo ritorno si stabilisce a Barcellona. Membro fondatore del gruppo Artisti in Azione, tiene diverse mostre, sia individuali che collettive. Tra queste, quelle al Museo d'Arte Moderna di Madrid (1935) e alla Biennale di Venezia. Partecipa anche alle Esposizioni Nazionali di Belle Arti, ottenendo una medaglia nel 1934. È rappresentato nel Museo d'Arte Moderna di Madrid.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 41 - MIQUEL VILÀ (Barcellona, 1940). "Ibiza", 1942. Olio su cartone. Firmato e datato sul retro. Misure: 22 x 30 cm; 43 x 52 cm (cornice). Pittore appassionato del quartiere barcellonese del Poblenou, Miquel Vilá si è formato alla Scuola di Belle Arti di Sant Jordi e ha proseguito gli studi al Conservatorio delle Arti del Libro di Barcellona. Attualmente le sue opere sono conservate al Museo d'Arte Moderna di New York e al Museo d'Arte Contemporanea di Madrid. Stilisticamente, spicca la pennellata tremendamente espressiva di Vilá, attraverso la quale ha catturato i laboratori e la geografia industriale e senza confini del quartiere Poblenou. Attualmente vive e lavora a Barcellona e Minorca.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 42 - PASCUAL BUENO FERRER (Barcellona, 1930) "La poltiglia". Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 55 x 46 cm; 83 x 73 cm (cornice). Pascual Bueno vince il suo primo premio di pittura nel 1948, un fatto che lo stimolerà a dedicarsi completamente alla sua vocazione. Nel 1956 vince il primo premio in un concorso organizzato dal Museo d'Arte di Barcellona e nello stesso anno riceve la medaglia d'argento Masriera per il Paesaggio dalla Reale Accademia di Belle Arti di San Giorgio a Barcellona e un premio dalla Diputació de Barcelona che consiste in una borsa di studio per approfondire la sua formazione a Parigi. Al suo ritorno a Barcellona, debutta individualmente e inizia un'intensa attività espositiva che lo porterà a mostrare le sue opere a Madrid, Bilbao e Valencia, oltre che a Barcellona. Nel 1957 entra alla Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi di Barcellona, ottenendo il titolo di professore di disegno e pittura e, anni dopo, il titolo di Bachelor of Arts. Continua a partecipare a concorsi e ottiene riconoscimenti: secondo premio per la pittura di Arenys de Mar (1958), prima menzione d'onore alla Biennale di Montblanc (1959), primo premio nazionale al concorso di Orientamento artistico e pittura di Madrid (1959) e medaglia d'oro per il paesaggio dell'Accademia Reale di Belle Arti di Barcellona (1960). Nel 1968 tiene la sua prima mostra personale negli Stati Uniti, in particolare nelle gallerie Lido (California) e Park Bennet (New York), dove continuerà a esporre in futuro. Tuttavia, già da diversi anni i suoi dipinti erano stati venduti dagli artisti più prestigiosi ed erano inclusi nelle migliori collezioni in Europa e in America, avendo partecipato a mostre collettive in Svizzera (1956), a Madrid (1964) e al Museum of Modern Art di New York, oltre che alla Biennale di Salisburgo. Le sue opere si trovano al Museo di Montecantini (Firenze), al Grand Central Moderns (New York), al College Oakland (California), alla Diputación de Barcelona, alla Fondazione Estrada Saladich e al Museo d'Arte Contemporanea di Montevideo (Uruguay), oltre che in varie collezioni spagnole.

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 43 - JORDI CURÓS I VENTURA (Olot, Girona, 1930-Barcellona, 2017). "Vaso di fiori". 1952. Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 72 x 60 cm. Formatosi alla Scuola di Arti e Mestieri di Olot, Jordi Curós si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Institut Français di Barcellona. Fa parte del gruppo della Sala Parés, dove espone a più riprese tra il 1965 e il 1989, e riceve nel 1967 il premio di disegno Ynglada-Guillot. È presente al MACBA, all'Archivio Storico della Città di Barcellona, al Museo Zabaleta di Jaén, al Museo d'Arte Moderna di Olot, al Museo Balaguer di Vilanova i la Geltrú, al Museo di Pittura di Sant Pol, al Consiglio Provinciale di Girona, ai Musei Provinciali di Pontevedra e Lugo, al Museo Municipale di Badalona, al Museo Camón Aznar di Saragozza e al Museo di Empordà.

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 44 - EUGÈNE BAUDIN (Francia, 1853 - 1918). "Paesaggio con figura". Olio su tavola. Firmato. Presenta la superficie screpolata. Misure: 20 x 34 cm; 44 x 58 cm (cornice). Una contadina solitaria avanza verso di noi lungo un sentiero che attraversa il quadro in diagonale. Alla sua sinistra, un gruppo di vecchie barche poste sulla terraferma ci offre un'immagine malinconica. Sullo sfondo sono disegnate le prime case del villaggio e, dall'altra parte, grandi alberi frondosi. Eugène Baudin fu un politico e ceramista Art Nouveau, anche se dipinse anche paesaggi, fiori e soggetti di figura. Eugène Baudin si dedicò interamente all'arte a partire dal 1898, anno del suo ritiro dalla vita politica. Iniziò a lavorare inizialmente a Parigi, per poi trasferirsi sulla costa bretone e infine a Monaco (1906). Partecipò all'Esposizione Universale di Parigi nel 1900 e all'Esposizione Universale di St. Louis (USA) nel 1904.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 45 - JOSÉ MARÍA MALLOL SUAZO (Barcellona, 1910 - 1986). "Amsterdam". Olio su tela. Firmato nell'angolo inferiore. Presente sull'etichetta posteriore della sala Parés (Barcellona). Misure: 23 x 27 cm; 27 x 51 cm (cornice). Nato in seno a una famiglia molto religiosa, Mallol Suazo si formò nella Scuola di La Lonja, a Barcellona, dove fu discepolo di Félix Mestres e Ramón Calsina tra il 1929 e il 1935. Fumettista e pittore, pubblicò illustrazioni umoristiche su "En Patufet", "Virolet" e "L'Esquitx", riviste con le quali collaborò fin dagli anni dello studio. Una malformazione congenita ai piedi, che lo faceva camminare con difficoltà, gli impedì di sviluppare il tema del paesaggio, poiché non poteva muoversi per realizzare la copia dal vero. Per questo motivo optò per altri temi, come la natura morta o i ritratti. La prima mostra delle sue opere si tenne al Salone d'Arte Contemporanea di Barcellona nel 1936, pochi mesi prima dello scoppio della Guerra Civile. Nello stesso anno viene premiato all'Esposizione di Primavera di Barcellona. La guerra costringe la famiglia a disperdersi, ma Mallol rimane a Barcellona, dove si dedica interamente alla pittura e ottiene, nel 1938, il Premio di Pittura Nonell, assegnato dalla Sala Tardor. Nel 1945 entra a far parte del gruppo di artisti della Sala Parés, una galleria dove conosce il collezionista Josep Omar Gelpi, che da quel momento diventa il suo gallerista. Considerato uno dei giovani pittori catalani più promettenti, nel 1953 partecipa all'Esposizione Nazionale di Belle Arti di Barcellona con un nudo e nel 1959 visita per la prima volta il Brasile, il Paese da cui proviene la moglie e in cui si recherà più volte nel corso della sua vita. Lontano dal sentimento di "rischio e avventura" in senso plastico, Mallol non si lascia trascinare dalle correnti artistiche dominanti, rimanendo sempre fedele al proprio linguaggio realistico-poetico. Nel 1987, un anno dopo la sua morte, la Sala Parés gli ha dedicato una grande mostra omaggio, un'antologia della sua opera. Mallol è presente nel Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, nel Museo di Valls, nel Museo Deu Font di El Vendrell, nell'Archivio Storico della Città di Barcellona e nell'Abbazia di Montserrat, oltre che in importanti collezioni come Caixa Terrassa, Caixa de Catalunya, Marta María Millet e Modest Rodríguez Cruells.

Stima 400 - 450 EUR

Lotto 46 - RAMÓN AGUILAR MORÉ (Barcellona, 1924 - 2015). "Natura morta". Olio su pannello. Firmato in alto a destra. Misure: 25 x 34 cm; 33,5 x 43,5 cm (cornice). Nato a Barcellona, inizia la sua formazione come discepolo di Oleguer Junyent, con il quale impara il disegno, anche se si considera un pittore autodidatta. Lavora nel suo studio tra il 1945 e il 1948, e sempre in questi anni realizza numerosi schizzi di temi da "music-hall" e da balletto nei teatri Rigalt e Liceo. Nel 1949 tiene la sua prima mostra alla Galleria Rovira di Barcellona e da allora espone continuamente le sue opere in varie gallerie di Barcellona e delle principali città spagnole. Ha esposto anche all'estero, presso la Omell Gallery di Londra, la Barbizon di Parigi, la Palmer House di Chicago, il Forum e l'Hotel Paris di Montecarlo, nonché all'Arts and Culture di Ginevra, all'Artexpo di New York, all'Art Expo West di Los Angeles e al Munster Circle di Lussemburgo. A Barcellona ha ribadito la sua presenza nelle gallerie Gaspar, Grifé & Escoda, Novell e Rusiñol. Quest'ultima ha celebrato il suo XXI anniversario nel 2007 con una mostra retrospettiva di questo pittore. Al di fuori di Barcellona ha esposto anche in prestigiose gallerie d'arte, tra cui Àgora 3 a Sitges, Alcolea a Madrid e Garbí a Valencia. Ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti, come la Medaglia d'oro del Comune di Palma di Maiorca, il Premio Sant Jordi della Diputació di Barcellona e i Premi di pittura Miquel Carbonell e II Giochi del Mediterraneo. Aguilar Moré coltiva un espressionismo decorativo, un forte arabesco e colori vivaci. Le sue opere si trovano al Museo d'Arte Contemporanea di Madrid, ai musei delle Belle Arti e Perrot-Moore di Cadaqués, al Consiglio Provinciale di Barcellona, al Museo Reina Sofía di Atene, al Fons d'Art di Olot e alla Galleria Comunale d'Arte di Palamós.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 47 - JEAN BAPTISTE ÉDOUARD DETAILLE (Francia, 1848-1912). "Les victimes du Devoir". Fotoincisione. Pubblicato da Goupil & Cie. Misure: 54 x 46 cm; 61 x 53 cm (cornice). Questa incisione edita da Goupil & Cie è basata sul dipinto "Les Victimes du Devoir" dell'artista Édouard Detaille. Pittore accademico e militare francese, si distinse per la precisione e il realismo dei dettagli. Era considerato "l'artista semi-ufficiale dell'esercito francese". Detaille nacque a Parigi e crebbe in Piccardia. La sua era una famiglia militare benestante; suo nonno era stato il fornitore di armi di Napoleone. Artista dilettante, amico di diversi collezionisti e pittori, tra cui Horace Vernet, il padre di Detaille incoraggiò gli sforzi artistici del figlio. All'età di diciassette anni iniziò i suoi studi artistici con il famoso pittore militare Jean-Louis-Ernest Meissonier; inizialmente si era rivolto a lui per chiedere un'introduzione al celebre Alexandre Cabanel, ma Meissonier decise di insegnare a Detaille stesso. Meissonier esercitò una grande influenza sul suo stile e fu lui a instillare in Detaille l'apprezzamento per l'accuratezza e la precisione. Detaille fece il suo debutto come artista al Salon, la mostra d'arte ufficiale dell'Académie des Beaux-Arts del 1867, con un dipinto proveniente dallo studio di Meissonier.

Stima 150 - 200 EUR

Lotto 48 - DIDIER LOURENÇO (Barcellona, 1968). Senza titolo. Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Misure: 70 x 70 cm; 83 x 83 cm (cornice). Didier Lourenço ha iniziato a lavorare nel laboratorio di litografia del padre, dove ha imparato il mestiere di litografo. In seguito ha iniziato a farsi conoscere nel campo della pittura all'inizio degli anni Novanta, vincendo nel 1991 il secondo premio del XXXIII Concorso di pittura giovanile della Sala Parés di Barcellona. L'anno successivo ha vinto il Premio Talens dello stesso concorso e anche il Joan Font de Premià de Mar. Ha debuttato individualmente nel 1988 presso la Sala Hemisferi Sud di Vilassar de Dalt, a Barcellona, e da allora ha tenuto mostre personali in gallerie di Barcellona e di altre città catalane. Ha inoltre partecipato a numerose mostre collettive, tra cui i "Recontres Atlàntiques de l'Art" di Guerande (Francia). Nel 2000, una prestigiosa casa editrice e distributore di poster ha portato il suo lavoro in tutto il mondo. Questa presenza mondiale ha rapidamente suscitato l'interesse delle gallerie, che hanno presentato i suoi lavori originali. Didier ha realizzato mostre personali a New York, Seattle, Los Angeles, Hong Kong, Porto Rico, New Orleans, Nashville, Sudafrica, Las Vegas, Miami, Singapore e in molte altre città. Il suo stile, vicino e quotidiano, mostra scene di vita quotidiana attraverso una pennellata colorata ed emotiva: donne in bicicletta, passeggini che vagano per strada, figure in interni, ecc. sono alcune delle immagini che compongono il suo immaginario artistico.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 49 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) "Le front de Minerve" (Serie "Don Quichotte"), Litografia, esemplare 57/300. Firmata e giustificata a mano. Misure: 69 x 50 cm; 88 x 69 cm (cornice). Pittore e scultore, Salvador Dalí è stato uno dei maggiori esponenti del movimento surrealista. La sua opera ha influenzato notevolmente il corso del surrealismo negli anni Venti e Trenta, essendo acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, una combinazione essenziale di reale e immaginario. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Museo Salvador Dalí di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 50 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) "L'art d'aimer, D'Ovide". Litografia, copia E/A. Firmata e giustificata a mano. Misure: 54 x 74 cm; 73 x 92 cm (cornice). Pittore e scultore, Salvador Dalí è stato uno dei massimi esponenti del movimento surrealista. La sua opera ha influenzato notevolmente il corso del surrealismo negli anni Venti e Trenta, essendo acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, una combinazione essenziale di reale e immaginario. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Museo Salvador Dalí di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 51 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) "L'alba". Litografia, copia 36/300. Firmata e giustificata a mano. Opera appartenente alla serie "Don Chisciotte della Mancia". Misure: 68 x 51 cm; 35,5 x 27 cm (cornice). Pittore e scultore, Salvador Dalí è stato uno dei maggiori esponenti del movimento surrealista. La sua opera ha influenzato notevolmente il corso del surrealismo negli anni Venti e Trenta, essendo acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, una combinazione essenziale di reale e immaginario. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Museo Salvador Dalí di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 52 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) Appartiene alla serie "La Conquête du Cosmos I". 1974 Litografia, esemplare 159/195. Firmata e giustificata a mano. Misure: 84 x 59 cm; 106 x 78 cm (cornice). Pittore e scultore, Salvador Dalí è stato uno dei maggiori esponenti del movimento surrealista. La sua opera ha influenzato notevolmente il corso del surrealismo negli anni Venti e Trenta, essendo acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, una combinazione essenziale di reale e immaginario. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Museo Salvador Dalí di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 53 - KAREL APPEL (Paesi Bassi, 1921 - Svizzera, 2006). "Bacio argentato". 1978. Litografia, copia 48/128. Firmata e giustificata a matita. Misure: 75 x 103 cm; 80 x 110 cm (cornice). Karel Appel è stato pittore, scultore e grafico. Attualmente è considerato l'artista più vigoroso della generazione del dopoguerra nel suo Paese. Nel 1948 fondò, insieme a Corneille, Jorn e Alechinsku, il gruppo internazionale CoBrA, che fu decisivo per lo sviluppo e l'espansione dell'automatismo europeo tra gli anni Quaranta e Cinquanta. Durante l'occupazione nazista dell'Olanda, Apple vagò per il Paese per evitare di essere mandato a lavorare in Germania. Nel 1946 tiene la sua prima mostra personale a Groningen, dove è già visibile l'impronta di Dubuffet, con cui condividerà alcuni concetti teorici. Le sue prime sculture, pionieristiche nell'assemblaggio di materiali di scarto, risalgono al 1947. Alcuni artisti, rifiutando il rigore e il settarismo dell'organizzazione surrealista, fondano il gruppo CoBrA (abbreviazione di Copenaghen, Bruxelles e Amsterdam, città da cui provengono Appel, Corneille e Constant, che firmano il manifesto inaugurale insieme a Jorn, Noiret e Dotremont). I pittori del CoBrA perseguono un'opera più spontanea, che si rifà alle tradizioni culturali locali e raccoglie immagini fantastiche. Il gruppo si sciolse presto, nel 1951, ma alcuni dei suoi membri, in particolare Appel, Jorn e Alechinsky, ne mantennero lo spirito nei decenni successivi. La loro pittura è caratterizzata da una grande carica espressionista legata alle figure di Max Pechstein ed Edward Munich, due dei grandi espressionisti nordici. Le sue opere sono realizzate con impasti densi e violenti giochi di colore, che denotano il carattere agitato dell'espressionismo nordico. In seguito, il suo linguaggio si è evoluto in una linea più morbida, avvicinandosi alla pittura a mano. Appel è stato un artista instancabile che ha esplorato molteplici linguaggi, dalla scultura alla ceramica, dalla pittura murale alle vetrate o all'incisione. Nel corso della sua lunga carriera artistica ha ricevuto numerosi premi e ha collaborato con artisti di altre discipline, come il poeta Allen Ginsberg o il coreografo Min Tanaka. I primi successi arrivano nel 1953, con la mostra al Palais des Beaux Arts di Bruxelles e la partecipazione alla Biennale di San Paolo (vi tornerà nel 1959 e vincerà il premio internazionale di pittura), e nel 1954, quando riceve il premio UNESCO alla Biennale di Venezia ed espone a Parigi e New York. Appel è presente al Guggenheim Museum e al MoMA di New York, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery di Londra, all'Albertina di Vienna, al Thyssen-Bornemisza, alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia e al Museo delle Belle Arti di Dordrecht, tra gli altri.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 54 - KAREL APPEL (Paesi Bassi, 1921 - Svizzera, 2006). "Mani che cantano". Litografia su carta. Copia 61/100. Firmata e giustificata a mano. Misure: 107 x 75 cm; 124 x 94 cm (cornice). Singing hands è una serie creata dall'artista nel 1978, in cui ripete la stessa figura come protagonista, un uomo che suona una chitarra. Questo ritratto si ripete in tutta la serie variando solo nella gamma cromatica scelta dall'autore. L'opera di Karel Appel si distingue per la violenza cromatica e la pastosità materica. Spesso creava creature pseudo-umane o mitologiche come quella di cui ci occupiamo, che possono essere lette come allegorie fobiche. Il primitivismo e l'arte infantile o naïff sono reinventati dall'artista e dal suo gruppo CoBrA (formatosi negli anni Cinquanta) per rifiutare la ragione civilizzatrice che aveva portato l'Europa alla devastazione. Il linguaggio di Appel si basa sulla coniugazione di aggressività espressionista e semplicità infantile legata al surrealismo. Rimase sempre nei limiti della figurazione. Karel Appel è stato pittore, scultore e grafico, ed è attualmente considerato l'artista più vigoroso della generazione del dopoguerra nel suo Paese. Nel 1948 fondò, insieme a Corneille, Jorn e Alechinsku, il gruppo internazionale CoBrA, che fu decisivo per lo sviluppo e l'espansione dell'automatismo europeo tra gli anni Quaranta e Cinquanta. Durante l'occupazione nazista dell'Olanda, Apple vagò per il Paese per evitare di essere mandato a lavorare in Germania. Nel 1946 tenne la sua prima mostra personale a Groningen, in cui era già visibile l'impronta di Dubuffet, con cui avrebbe condiviso alcuni concetti teorici. Le sue prime sculture, pionieristiche nell'assemblaggio di materiali di scarto, risalgono al 1947. Alcuni artisti, rifiutando il rigore e il settarismo dell'organizzazione surrealista, fondano il gruppo CoBrA (abbreviazione di Copenaghen, Bruxelles e Amsterdam, città da cui provengono Appel, Corneille e Constant, che firmano il manifesto inaugurale insieme a Jorn, Noiret e Dotremont). I pittori del CoBrA perseguono un'opera più spontanea, che si rifà alle tradizioni culturali locali e raccoglie immagini fantastiche. Il gruppo si sciolse presto, nel 1951, ma alcuni dei suoi membri, in particolare Appel, Jorn e Alechinsky, ne mantennero lo spirito nei decenni successivi. La loro pittura è caratterizzata da una grande carica espressionista legata alle figure di Max Pechstein ed Edward Munich, due dei grandi espressionisti nordici. Le sue opere sono realizzate con impasti densi e violenti giochi di colore, che denotano il carattere agitato dell'espressionismo nordico. In seguito, il suo linguaggio si è evoluto in una linea più morbida, avvicinandosi alla pittura a mano. Appel è stato un artista instancabile che ha esplorato molteplici linguaggi, dalla scultura alla ceramica, dalla pittura murale alle vetrate o all'incisione. Nel corso della sua lunga carriera artistica ha ricevuto numerosi premi e ha collaborato con artisti di altre discipline, come il poeta Allen Ginsberg o il coreografo Min Tanaka. I primi successi arrivano nel 1953, con la mostra al Palais des Beaux Arts di Bruxelles e la partecipazione alla Biennale di San Paolo (vi tornerà nel 1959 e vincerà il premio internazionale di pittura), e nel 1954, quando riceve il premio UNESCO alla Biennale di Venezia ed espone a Parigi e New York. Appel è presente al Guggenheim Museum e al MoMA di New York, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery di Londra, all'Albertina di Vienna, al Thyssen-Bornemisza, alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia e al Museo delle Belle Arti di Dordrecht, tra gli altri.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 55 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). Senza titolo. Acquaforte, copia 12/35. Firmata e giustificata a mano. Misure: 77 x 57 cm; 93 x 73 cm (cornice). Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 56 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Omaggio alla pipa", 1977. Litografia, copia 55/75. Firmata e giustificata a mano. Misure: 76 x 56 cm; 93 x 73 cm (cornice). Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 57 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Don Felipe", 1965. Litografia, copia 43/60. Firmata e giustificata a mano. Misure: 75 x 56,5 cm. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 58 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). Senza titolo, 1970 circa. Litografia, copia P.A. Firmato e giustificato a mano. Misure: 56,5 x 76,5 cm. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 59 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "C'est du roi que je parle", 1976. Litografia, copia 45/75 Firmato e giustificato a mano. Misure: 76,5 x 56,5 cm. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 60 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "D'aprés Rembrandt III". 1966. Acquaforte, copia E.A. Firmata e giustificata a mano. Presenta macchie di ruggine. Misure: 29,5 x 39,5 cm; 50 x 60 cm (cornice). Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 61 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Omaggio a El Greco. Cadre Noir", 1965. Litografia, esemplare 25/40. Firmata e giustificata a mano. Misure: 65 x 50,5 cm. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 62 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Poisson", 1959. Litografia, copia 11/100. Firmata e giustificata a mano. Misure: 56,5 x 76 cm. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla guerra civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 700 - 800 EUR

Lotto 63 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). Senza titolo. 1990. Acquaforte, copia 9/25 Firmata e giustificata a mano. Misure: 24,5 x 32 cm; 50 x 66 cm (cornice). Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 64 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Pochoirs", 1969. Litografia, copia 27/45 Firmato e giustificato a mano. Misure: 76,5 x 56,5 cm. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 65 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "D'aprés Rembrandt III". 1966. Acquaforte, copia E.A. Firmata e giustificata a mano. Presenta macchie di ruggine. Misure: 39,5 x 29,5 cm; 66 x 50 cm (cornice). Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 66 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). Senza titolo. 1966. Litografia, copia H.C. Firmato e giustificato a mano. A cura di Sala Gaspar, Barcellona. Misure: 66 × 50 cm. Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 67 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Guerrier noir", 1970. Incisione, copia 68/75 Firmata e giustificata a mano. Misure: 60 x 39,5 cm; 76 x 57 cm (cornice). Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti di San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica in un primo periodo al grafismo pubblicitario, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla Guerra Civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 68 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "La Fiesta (Spagna). Coppa del Mondo di calcio", 1982. Poster litografico. Firmato sulla lastra. Misure: 95,5 x 60,5 cm. Nel 1982, in occasione della celebrazione dei Mondiali di calcio in Spagna, diversi artisti furono incaricati dalla federazione di immortalare l'evento. Miró configurò l'immagine ufficiale di questo torneo, trasformandola in un simbolo internazionale. Joan Miró si forma a Barcellona e debutta individualmente nel 1918, presso le Gallerie Dalmau. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e conosce Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, è il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquista due delle sue opere. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Nel corso della sua vita ricevette numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia e della Fondazione Guggenheim, il Premio Carnegie per la Pittura, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya e delle Belle Arti, e fu nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Attualmente le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, al Museo Thyssen-Bornemisza, al MoMA di New York, al Museo Reina Sofía di Madrid, alla National Gallery di Washington, al MNAM di Parigi e alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo. Questa litografia ci mostra il Miró più essenzialista nella sua ricerca di forme minimali e suggestive. Le gamme limitate a pochi colori applicati su superfici piatte e lucide, si combinano per evocare la comunione lirica dell'uomo e dell'ambiente.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 69 - JOAN MIRÓ I FERRÁ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). Appartenente alla serie "Proverbes à la main", 1970. Litografia, esemplare 96/100. Firmata con monogramma e giustificata a matita. Misure: 62 x 82 cm (piegato); 75 x 95 cm (aperto). Joan Miró si forma a Barcellona, tra la Scuola della Pescheria e l'Accademia Galí. Già all'inizio del 1918 realizza la sua prima mostra, nelle Gallerie Dalmau di Barcellona. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e incontra Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. Da questo momento in poi, il suo stile inizia un'evoluzione che lo porta a opere più eteree, in cui forme e figure organiche sono ridotte a punti astratti, linee e macchie di colore. Nel 1924 firma il primo manifesto surrealista, anche se l'evoluzione della sua opera, troppo complessa, non permette di ascriverlo a nessuna particolare ortodossia. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, fu il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquistò due sue opere. Nel 1941 torna in Spagna e nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Negli anni Cinquanta sperimenta altri mezzi artistici, come l'incisione, la litografia e la ceramica. Dal 1956 fino alla morte, avvenuta nel 1983, vive a Palma di Maiorca in una sorta di esilio interno, mentre cresce la sua fama internazionale. Nel corso della sua vita ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia nel 1954 e della Fondazione Guggenheim nel 1959, il Premio Carnegie per la Pittura nel 1966, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya (1978) e delle Belle Arti (1980), ed è stato nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Oggi le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, inaugurata nel 1975, e nei principali musei d'arte contemporanea del mondo, come il Thyssen-Bornemisza, il MoMA di New York, il Museo Reina Sofia di Madrid, la National Gallery di Washington, il MNAM di Parigi e la Albright-Knox Art Gallery di Buffalo.

Stima 400 - 500 EUR

Lotto 70 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Barcellona 82" Manifesto litografico. Firmato. Misure: 95 x 60 cm; 96 x 61 cm (cornice). Il poster di Tapiés si concentra sul tema della Coppa del Mondo 82 alludendo a ciò che resta della festa utilizzando un vecchio giornale, un piede pronto a calciare e un pallone cancellato con una croce. Il tutto con una rappresentazione grafica simbolica di Barcellona. Antoni Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Si dedica progressivamente e più intensamente al disegno e alla pittura, e infine abbandona gli studi di giurisprudenza per dedicarsi interamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria di Martha Jackson a New York. Da quel momento in poi le sue mostre, sia collettive che personali, si sono tenute in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. Gli sono stati assegnati premi come il Principe delle Asturie, il Praemium Imperiale della Japan Art Association, il National Culture Prize, il Grand Prix de Painting di Francia, ecc. e gli sono state dedicate antologie a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). È rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 71 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). Senza titolo. Incluso in "Materiale di Llambrec", 1975. Litografia, copia P.A. Firmato e giustificato a matita. Opera pubblicata in "Tàpies. Opera grafica. 1973 - 1978", a cura di Mariuccia Galfetti, nº 539 (Barcellona; Gustavo Gili, 1990). Misure: 76 x 54,5 cm. Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Si dedica progressivamente e più intensamente al disegno e alla pittura, e infine abbandona gli studi di giurisprudenza per dedicarsi interamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra personale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Grazie alla mostra personale del 1953 presso la galleria newyorkese di Martha Jackson, la sua proiezione internazionale si rafforza. Gli vengono assegnati premi come il Principe delle Asturie, il Praemium Imperiale della Japan Art Association, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio di Pittura di Francia, ecc. e gli vengono dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. È rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 72 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Litografia, copia P.A. Firmata e giustificata a mano. Editore Sala Gaspar, stampatore Damià Caus, Barcellona. Opera pubblicata in "Tàpies. Opera grafica. 1973 - 1978", di Mariuccia Galfetti (Barcellona; Gustavo Gili, 1990), nº 493, p. 115. Misure: 100 x 69 cm. Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Si dedica progressivamente e più intensamente al disegno e alla pittura e infine abbandona gli studi di giurisprudenza per dedicarsi interamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra personale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Grazie alla mostra personale del 1953 presso la galleria newyorkese di Martha Jackson, la sua proiezione internazionale si rafforza. Gli vengono assegnati premi come il Principe delle Asturie, il Praemium Imperiale della Japan Art Association, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio di Pittura di Francia, ecc. e gli vengono dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. È rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 73 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Litografia, copia P.A. Sala Gaspar editore, Damià Caus stampatore, Barcellona. Firmato e giustificato a mano. Opera pubblicata in "Tàpies. Opera grafica. 1973 - 1978", a cura di Mariuccia Galfetti, nº 488 (Barcellona; Gustavo Gili, 1990). Misure: 100 x 69 cm. Appartiene all'album "Als mestres de Catalunya", formato da otto litografie e una serigrafia, tra cui quella della copertina, edito da Sala Gaspar di Barcellona e stampato da Damià Caus (Barcellona, litografie) e Alexandre Tornabell (Gerona, serigrafie). Su carta Guarro con filigrana dell'editore e carta Kraft per la serigrafia dell'involucro esterno dell'album. L'album contiene anche, stampate separatamente, due poesie di Joan Brossa. Tàpies fu iniziato all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Si dedicò progressivamente e sempre più intensamente al disegno e alla pittura, abbandonando infine gli studi di giurisprudenza per dedicarsi interamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra personale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Grazie alla mostra personale del 1953 presso la galleria newyorkese di Martha Jackson, la sua proiezione internazionale si rafforza. Gli vengono assegnati premi come il Principe delle Asturie, il Praemium Imperiale della Japan Art Association, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio di Pittura di Francia, ecc. e gli vengono dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. È rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 74 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catanlunya". Litografia, copia P.A. Firmata e giustificata a matita. Misure: 100 x 70 cm. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, Tàpies inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la prima mostra personale alle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Nel 1953 tiene una mostra personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi, le sue mostre, sia collettive che individuali, si tengono in tutto il mondo, in gallerie e musei di rilievo come il Guggenheim di New York o il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta gli sono state dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande importanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il National Culture Award, il Grand Prix de Painting in Francia, il Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Antoni Tàpies è rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 75 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catanlunya". Litografia. Esemplare P.A. Firmato e giustificato a matita. Misure: 100 x 70 cm. Quest'opera appartiene all'album "Als mestres de Catalunya", formato da otto litografie e una serigrafia, tra cui quella in copertina, edito dalla Sala Gaspar di Barcellona e stampato da Damià Caus (Barcellona, litografie) e Alexandre Tornabell (Gerona, serigrafie). Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, Tàpies inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la prima mostra personale alle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Nel 1953 tiene una mostra personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi, le sue mostre, sia collettive che individuali, si tengono in tutto il mondo, in gallerie e musei di rilievo come il Guggenheim di New York o il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta gli sono state dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande importanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il National Culture Award, il Grand Prix de Painting in Francia, il Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Antoni Tàpies è rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 76 - ANTONI TÁPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catalunya", 1973. Litografia su carta. Esemplare P.A. Pubblicato da Sala Gaspar. Firmata e giustificata a matita. Misure: 78 x 60 cm. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, Tàpies inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la prima mostra personale alle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Nel 1953 tiene una mostra personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi, le sue mostre, sia collettive che individuali, si tengono in tutto il mondo, in gallerie e musei di rilievo come il Guggenheim di New York o il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta gli sono state dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande importanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il National Culture Award, il Grand Prix de Painting in Francia, il Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Antoni Tàpies è rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 77 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catanlunya". Litografia, copia P.A. Firmata e giustificata a matita. Misure: 100 x 69 cm. Quest'opera appartiene all'album "Als mestres de Catalunya", formato da otto litografie e una serigrafia, tra cui quella in copertina, edito dalla Sala Gaspar di Barcellona e stampato da Damià Caus (Barcellona, litografie) e Alexandre Tornabell (Gerona, serigrafie). Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, Tàpies inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la prima mostra personale alle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Nel 1953 tiene una mostra personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi, le sue mostre, sia collettive che individuali, si tengono in tutto il mondo, in gallerie e musei di rilievo come il Guggenheim di New York o il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta gli sono state dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande importanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il National Culture Award, il Grand Prix de Painting in Francia, il Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Antoni Tàpies è rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 78 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Litografia Editore Sala Gaspar, stampatore Damià Caus, Barcellona. Firmata e dedicata a mano. Opera pubblicata in "Tàpies. Opera grafica. 1973 - 1978", a cura di Mariuccia Galfetti, nº 488 (Barcellona; Gustavo Gili, 1990). Misure: 100 x 69 cm. Appartiene all'album "Als mestres de Catalunya", formato da otto litografie e una serigrafia, tra cui quella della copertina, edito da Sala Gaspar di Barcellona e stampato da Damià Caus (Barcellona, litografie) e Alexandre Tornabell (Gerona, serigrafie). Su carta Guarro con filigrana dell'editore e carta Kraft per la serigrafia dell'involucro esterno dell'album. L'album contiene anche, stampate separatamente, due poesie di Joan Brossa. Tàpies fu iniziato all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Si dedicò progressivamente e sempre più intensamente al disegno e alla pittura, abbandonando infine gli studi di giurisprudenza per dedicarsi interamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra personale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Grazie alla mostra personale del 1953 presso la galleria newyorkese di Martha Jackson, la sua proiezione internazionale si rafforza. Gli vengono assegnati premi come il Principe delle Asturie, il Praemium Imperiale della Japan Art Association, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio di Pittura di Francia, ecc. e gli vengono dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. È rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 1 200 - 1 400 EUR

Lotto 79 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Litografia, copia P.A. Firmata e giustificata a matita. Misure: 100 x 70 cm. Appartenente all'album "Als mestres de Catalunya", composto da otto litografie e una serigrafia, tra cui quella di copertina, edito da Sala Gaspar di Barcellona e stampato da Damià Caus (Barcellona, litografie) e Alexandre Tornabell (Girona, serigrafie). Su carta Guarro con filigrana dell'editore e carta Kraft per la serigrafia dell'involucro esterno dell'album. L'album contiene anche, stampate separatamente, due poesie di Joan Brossa.

Stima 600 - 700 EUR

25 giugno - Collezione privata; La strada della modernità

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