11th July - Classics of the 19th & 20th century

Lot 1 - VILHEM JACOB ROSENSTAND (Copenhague, 1838-1915). "Intérieur de taverne". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Elle présente quelques défauts dans le cadre doré. Dimensions : 60 x 48 cm ; 85 x 72 cm (cadre). Vilhem Rosenstand s'est montré particulièrement habile dans les scènes de genre et de taverne, développant une grande ingéniosité pour la capture psychologique et anthropologique. Cette scène d'intérieur de taverne, dans laquelle le feu crépitant de l'âtre confère une atmosphère chaleureuse et confortable, en est la preuve. Deux individus vêtus de costumes régionaux, la veste ornée de broderies sur velours noir et les jambes gainées d'un large pantalon bouffant, ont des visages semblables l'un à l'autre avec leurs moustaches touffues mais des attitudes très différentes. L'un fixe avec éblouissement la jeune femme assise sur la table, tandis que son compagnon regarde le bois de la table. Elle porte une pierre d'améthyste sur la poitrine et son buste est mis en valeur par le pull-over moulant. Des concerts locaux sont annoncés sur plusieurs affiches placées sur le mur du fond. Vilhelm Jacob Rosenstand était un peintre et illustrateur danois. Son œuvre la plus connue est une peinture murale qui décore la salle des banquets de l'université de Copenhague. Né à Copenhague, Rosenstand a fréquenté l'Académie royale danoise des beaux-arts à partir de 1858 et a suivi les cours de son professeur Wilhelm Marstrand. Il a également étudié à l'école de Léon Bonnat à Paris (1881-82)[2] Il a exposé pour la première fois à Charlottenborg en 1861 avec Genrebillede fra Vendsyssel avant de servir comme lieutenant dans la deuxième guerre du Schleswig en 1864. Son expérience de la guerre se reflète dans des œuvres telles que Fra Saxarmen ved Dannevirke. Morgen efter Bustrup-Fægtningen, pour lequel il reçoit le prix de Neuhausen (De Neuhausenske Præmier) en 1865. En 1869, grâce à une bourse de l'Académie, il se rend à Rome, où il passe plusieurs années. À l'exposition universelle de Vienne de 1873, il reçoit un prix pour son œuvre En Campagnuol og hans Hustru. En Italie, il réalise plusieurs œuvres de genre, telles que Ved Kirkedøren (À la porte de l'église, 1876), En Landsbyfrisør (Le coiffeur du village, 1878) et Forlegenhed (La honte, 1880). De Rome, il s'installe à Paris en 1881, où il peint des œuvres de genre représentant des scènes de la vie quotidienne, telles que Udenfor et Brasserie i Paris. Moder og Søn ved Pousse-Caféen (Devant une brasserie à Paris. Mère et enfant au Café Pousse, 1882), pour lequel il reçoit la médaille Thorvaldsen.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 2 - FRANCISCO PRADILLA ORTIZ (Villanueva de Gállego, Saragosse, 1848 - Madrid, 1921). "Les bijoutiers de la place Saint-Marc à Venise, au crépuscule", 1877. Huile sur carton. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 17 x 27 cm ; 36 x 46 cm (cadre). Francisco Pradilla commence sa formation comme apprenti de Mariano Pescador, et à l'école des beaux-arts de San Luis de Zaragoza. En 1868, il poursuit ses études à l'école des beaux-arts de San Fernando à Madrid, où il est le disciple de Federico de Madrazo et de Carlos de Haes. En 1874, il remporte le prix de dessin des "Lumières espagnoles et américaines" et obtient une bourse pour étudier à Rome, où il vit pendant vingt-trois ans, jusqu'à sa nomination comme directeur du Prado en 1897. En 1878, il participe à l'Exposition nationale de Madrid et obtient la Médaille d'honneur, la même distinction qu'il obtient la même année à l'Exposition universelle de Paris. Grâce à ces succès, il reçoit de nombreuses commandes de l'Espagne et de la France, mais aussi de l'Amérique et d'autres pays européens. Il voyage en Espagne et s'intéresse à la capture de scènes de coutumes locales pleines de grâce et de couleurs. Ses œuvres ont fait partie d'expositions et de concours dans des villes du monde entier, telles que Londres, Paris, Berlin, Sao Paulo et Buenos Aires. Il a été directeur de l'Académie espagnole de Rome et membre des académies royales de San Fernando et de San Luis, de l'Académie française et de la Société hispanique de New York. Il a reçu, entre autres décorations, la Croix d'Isabelle la Catholique et la Légion d'honneur. L'œuvre de Francisco Pradilla est présente au musée du Prado, aux musées des beaux-arts de Bilbao, Buenos Aires, La Havane et São Paulo, au MACBA de Barcelone, à la Christchurch Art Gallery de Nouvelle-Zélande et au musée romantique de Madrid, entre autres.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 3 - CARLES NADAL FARRERAS (Paris, 1917 - Sitges, Barcelone, 1998). "Scène d'intérieur. 1975. Technique mixte sur papier. Signé et daté. Dimensions : 31 x 44 cm ; 52 x 67 cm (cadre). Fils de Santiago Nadal, peintre-décorateur installé à Paris, Carles Nadal vit dès l'enfance à Barcelone, où la famille déménage en raison d'une maladie du père. À l'âge de treize ans, il commence à travailler comme apprenti dans un atelier de peinture décorative et, en 1936, il reçoit une bourse de la mairie de Barcelone pour étudier à l'École des beaux-arts de Sant Jordi. Au début de la guerre civile, il est recruté dans l'armée républicaine, avec laquelle il combat sur les fronts d'Aragon et de Tremp. Au début de l'année 1939, il franchit la frontière française et est interné dans le camp de réfugiés de Saint Cyprien, où il reste plusieurs mois. Il parvient à s'échapper et à repasser la frontière, mais il est arrêté et emprisonné à Figueras. En liberté conditionnelle, il retourne à Barcelone, où il poursuit sa carrière artistique tout en travaillant comme décorateur et en étudiant les beaux-arts. En 1941, il fait ses débuts dans une exposition collective à la galerie Dalmau, où il obtient de bonnes critiques. Il termine ses études avec de bonnes notes et obtient la reconnaissance de ses professeurs, dont certains deviendront des amis et des collaborateurs du jeune Nadal. C'est d'ailleurs l'un d'entre eux, Luis Muntané, qui lui permet de réaliser sa première exposition individuelle en 1944, à la Pinacothèque de Barcelone. Deux ans plus tard, il s'installe à Paris, toujours grâce à une bourse de la mairie de Barcelone. Il y travaille et expose avec le groupe Présence de l'Homme, tout en participant aux Salons d'Automne. Plus tard, grâce à une bourse de l'État français, il entre à l'École des beaux-arts de Paris. En 1948, il épouse Flore Joris et s'installe à Bruxelles, où il restera jusqu'au milieu des années soixante-dix. C'est en Belgique qu'il découvre, comme il le répète lui-même, la lumière et la couleur. Au cours de ces années, il continuera à exposer ses œuvres en Espagne et en Belgique, ainsi qu'en France, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Suisse, au Royaume-Uni et aux États-Unis. La peinture de Nadal est post-impressionniste, intensément colorée et basée sur la recherche de la force chromatique comme moyen de communication le plus direct. Il a notamment reçu le Grand Prix de Spa, en Belgique, et a été nommé membre de la Royal Academy of London. Ses œuvres sont exposées au MACBA, au musée de Spa en Belgique et au musée royal de Bruxelles.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 4 - CHARLES-CLEMENT CALDERON (France, 1870 - 1906). "Canal de Venise". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Relié. Le cadre présente des détériorations. Dimensions : 55 x 82 cm, 87 x 113 cm (cadre). Charles-Clément Calderón était un peintre spécialisé dans les scènes de Venise et de ses canaux. Cette tendance était très répandue chez les peintres européens du XIXe siècle, qui se rendaient à Venise pour poursuivre leurs études et améliorer leur formation et qui étaient amoureux de la ville. Charles-Clément Calderon s'est enthousiasmé pour cette perspective de Venise, qu'il a répétée dans d'autres œuvres, en modifiant timidement la lumière, la position de la gondole et les personnages. Ce type de tableaux, presque des photographies prises à quelques secondes d'intervalle, sont les plus représentatifs et les plus appréciés de sa carrière professionnelle. Le peintre académique français Charles Clément Calderon (1870-1906) a été l'assistant et l'élève du célèbre peintre Alexandre Cabanel. Calderon devint un participant régulier aux expositions du Salon des Arts de Paris où il exposa la plupart de ses œuvres. Ses peintures de Venise à l'Exposition coloniale ont été très appréciées, peu avant sa mort prématurée en 1906. L'artiste, qui voyageait beaucoup, a visité des pays et des villes du sud de l'Europe, en particulier Venise. On sait qu'au cours de ces voyages, il a travaillé sur un grand nombre de motifs, mais peu d'entre eux ont survécu jusqu'à aujourd'hui.

Estim. 8 000 - 8 500 EUR

Lot 5 - ANTONIO CABA CASAMITJANA (Barcelone, 1837 - 1907). "Soldat", 1859. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 202 x 120 cm ; 218 x 137 cm (cadre). Peintre et décorateur né à Barcelone, Antonio Caba commence ses études à l'École des beaux-arts de Barcelone, où il a pour professeurs Gabriel Planella, Pablo Milà Fontanals et Claudio Lorenzale. Il poursuit ensuite ses études à Madrid grâce à une pension qui lui est accordée par la Diputación de Barcelona en 1863. Il y est l'élève de Federico de Madrazo. Plus tard, il se rend à Rome et à Paris, où il approfondit sa formation en tant que disciple du fresquiste Carlos Ruiz Delaroche. Tout au long de sa carrière, Caba a présenté ses œuvres à de nombreuses expositions officielles, obtenant une deuxième médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts en 1864 et une médaille d'or à l'Exposition universelle de Barcelone en 1888. Pendant de nombreuses années, il enseigne, d'abord à l'école Llotja de Barcelone, puis aux académies de San Fernando à Madrid et de Sant Jordi à Barcelone, où il enseigne notamment au peintre impressionniste Eliseu Meifrèn. À San Fernando, il est professeur adjoint, et à Sant Jordi, il devient professeur et directeur de l'académie. Son œuvre est actuellement conservée au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée de l'Empordà, à la mairie de Perelada (Gérone) et à l'abbaye de Montserrat, ainsi que dans diverses collections privées.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 6 - JOSÉ ARPA PEREA (Carmona, 1858 - Séville, 1952). "Fleurs". Huile sur toile. Signée et située en bas à droite. Dimensions : 61 x 74 cm ; 74 x 84 cm (cadre). Cette œuvre, située à Séville, appartient probablement à la dernière période de l'artiste, car d'un point de vue esthétique, le traitement du matériau sur la toile, la charge d'huile et la finition texturée de l'image rappellent les qualités des paysages qu'il a réalisés aux États-Unis. La composition de l'œuvre est très intéressante, car l'artiste recrée un paysage, mais abaisse le point de vue et rétrécit l'espace de manière à présenter une nature morte classique de fleurs, qui est le motif principal, mais contextualisée dans son propre environnement. José Arpa Perea était un peintre paysagiste espagnol qui a réalisé une grande partie de son œuvre en Amérique du Nord. Il quitte Carmona pour Séville à l'âge de dix ans, où il combine son travail de peintre au pinceau avec des cours du soir à l'école des beaux-arts de Santa Isabel de Hungría à Séville à partir de 1876, où il rencontre Eduardo Cano. Entre 1883 et 1886, il vit à Rome, dans le plus grand dénuement en raison de la maigre bourse que lui accorde le conseil provincial de Séville, où il peint des toiles historiques. De retour à Séville, il crée son propre atelier et commence à être reconnu, obtenant des commandes telles que la décoration du Círculo Mercantil et du Casino Militar de la ville. Il développe sa facette orientaliste lors d'un voyage au Maroc en 1895. Il vit au Mexique entre 1896 et 1910, puis s'installe à San Antonio (Texas, États-Unis) en raison de la révolution mexicaine, y crée une académie de peinture et reçoit des commandes, bénéficiant d'une situation économique qui lui permet de faire de fréquents voyages en Espagne, avec de longs séjours à Séville et des visites sur la côte cantabrique. Il a passé plus de 30 ans dans cette ville américaine. Tout au long de sa vie, il a été en contact avec les peintres paysagistes de la célèbre école d'Alcalá de Guadaira, et son œuvre a été exposée dans de nombreuses villes de tous les pays où il a vécu (Séville...). Elle est conservée dans d'importantes collections privées du monde entier et dans des institutions de premier plan telles que le musée des beaux-arts de Séville, le musée Cajasol, le musée de Huelva, le musée d'art de San Antonio (États-Unis), le musée universitaire Casa de los Muñecos (Puebla, Mexique), etc.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 7 - GEORGE OWEN WYNNE APPERLEY (Ventnor, île de Wight, Angleterre, 1884 - Tanger, Maroc, 1960). "Bacchante", 1942. Huile sur toile. Présente des dommages au cadre. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 63,5 x 53,5 cm ; 90 x 78 cm (cadre). La peinture de George Owen a toujours eu pour protagoniste la femme, souvent andalouse, bien qu'il ait aussi beaucoup traité le genre du nu. Dans ce cas, l'auteur nous présente une image idyllique et sensuelle à la fois, avec une jeune femme à moitié nue, immergée dans la nature. La femme, avec un geste hautain et un demi-sourire, recouvre son corps d'une peau de léopard. À côté d'elle, des feuilles de vigne indiquent qu'il s'agit de la représentation d'une femme de la cour du dieu Bacchus, puisque ces deux attributs renvoient à l'iconographie du dieu du vin. L'utilisation d'une Bacchante comme protagoniste révèle une jeune femme insouciante, dévouée au plaisir, et s'inscrit dans la tradition du portrait qui a débuté au XVIIIe siècle, dans laquelle les dames de la cour étaient représentées avec des attributs de saintes ou de déesses du panthéon classique, bien que dans ce cas l'artiste aille plus loin, à la recherche de ce qui, à ses propres yeux, symbolise la femme de son époque. George Owen Wynne Apperley appartenait à une famille galloise aristocratique, ce qui lui permettait d'avoir une situation économique confortable. Dès son plus jeune âge, il est attiré par la peinture et, s'opposant à sa famille, il s'inscrit à l'Académie Herkomer. Sa formation est élargie par son voyage en Italie, où il est séduit par la lumière méditerranéenne et réalise des œuvres de genre et de paysage. Après un mariage secret en 1907, il s'installe avec sa femme à Lugano (Suisse), puis retourne à Londres. En 1914, il se rend en Espagne et s'installe définitivement à Madrid deux ans plus tard, pour se rendre un an plus tard à Grenade, où il s'installe et rencontre des peintres locaux tels que Francisco Soria Aedo et Lopez Mezquita. À la proclamation de la Seconde République, il s'installe à Tanger (Maroc), où il s'intéresse à de nouveaux thèmes orientalistes et où il meurt. Son œuvre a pu être contemplée dans les différents pays où il a vécu, notamment lors d'une exposition inaugurée en 1918 par le roi Alphonse XIII et la Victoria Eugenia de Battemberg, moment à partir duquel son prestige s'est accru. Son œuvre est conservée dans d'importantes collections privées et institutions telles que le Victoria & Albert Museum de Londres, le musée de Malaga, le musée des arts du palais de Bruxelles, le musée municipal des beaux-arts de Tandil à Buenos Aires (Argentine), le musée de Sydney (Australie), etc. Elle présente des dommages dans le cadre.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 8 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Odalisque". Aquarelle sur papier. Légères taches de rouille sur le papier. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 49 x 26,5 cm ; 77 x 56 cm (cadre). À partir des belles et inaccessibles odalisques d'Ingres, à la peau si pâle et aux gestes si élégants qui font toujours penser à une princesse chrétienne captive, jamais à une femme arabe, les diverses écoles picturales vont développer une toute nouvelle iconographie qui cherche à recréer de manière fantastique - puisque de l'Orient on ne sait rien - un monde interdit aux Occidentaux et plein d'attraits. Agrasot a commencé sa formation dans sa ville natale d'Orihuela, où il a obtenu une pension de la Diputación de Alicante pour étudier à l'Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Disciple de Francisco Martínez Yago, il remporte à ses débuts des prix tels que la médaille d'or de l'exposition provinciale d'Alicante en 1860. En 1863, il obtient une nouvelle pension, cette fois pour se rendre à Rome, où il entre en contact avec Rosales, Casado del Alisal et Fortuny. Avec ce dernier, il noue des liens d'amitié étroits et sa peinture est profondément influencée par le style du peintre catalan. Il envoie périodiquement des toiles aux expositions nationales des beaux-arts, où il obtient la troisième médaille en 1864 et la deuxième en 1867. Agrasot reste en Italie jusqu'en 1875 ; après la mort de Fortuny, il retourne en Espagne, où il est déjà un peintre reconnu, membre des académies de San Carlos et de San Fernando, et participe en tant que juré à plusieurs expositions artistiques. En 1886, il reçoit la médaille d'art de l'exposition universelle de Philadelphie et, en 1888, la deuxième médaille de l'exposition internationale de Barcelone. Le style d'Agrasot s'inscrit dans le cadre du réalisme, avec un intérêt particulier pour les thèmes de genre et le costumbrismo régional. Cependant, il a également travaillé sur des nus, des thèmes orientaux et des portraits. Il est représenté au musée du Prado, au musée des beaux-arts de Valence, au MUBAG de Gravina (Alicante) et à l'académie San Carlos de Valence. Légères taches de rouille sur le papier.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 9 - SEGUNDO MATILLA MARINA (Madrid, 1862 - Teià, Barcelone, 1937). "Vue rurale avec un personnage", 14-3-1931. Huile sur carton. Non signé. Daté. Elle présente quelques manques dans la peinture et dans le carton. Dimensions : 14,5 x 17 cm ; 33 x 36 cm (cadre). Bien qu'il soit né à Madrid, Matilla s'est formé et a développé sa carrière à Barcelone. Il a étudié à l'École des beaux-arts de Barcelone, sous la direction d'Antonio Caba. Il participe à de nombreuses expositions, notamment à l'exposition internationale de Barcelone en 1891, 1894, 1896 et 1898 (mention honorable en 1891), aux expositions d'art de Barcelone en 1918 et 1919, et au salon de Paris en 1897. La même année, il reçoit une mention honorable à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid. Parmi ses expositions personnelles, on peut citer celles qui ont eu lieu au Salón Vilches de Madrid (1915) et, à Barcelone, à la Sala Parés (1914) et aux galeries Pallarés (1942), cette dernière étant un hommage posthume. Plusieurs de ses œuvres exposées à Barcelone ont été achetées par le musée d'art moderne de Madrid et beaucoup d'autres ont été exportées en Amérique. Ses paysages de l'Empordà, de Camprodón, de Port de la Selva et de Cadaqués ont connu un grand succès auprès du public et de la critique. Son œuvre se trouve dans divers musées, tels que le musée d'art contemporain de Madrid, le musée du Prado, le musée Pablo Gargallo de Saragosse et le musée national d'art de Catalogne, ainsi que dans d'importantes collections privées internationales.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 10 - JOAQUÍN TERRUELLA MATILLA (Barcelone, 1891 - 1957). "Passeig de Ronda", 1946. Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 25 x 34,5 cm ; 35 x 44,5 cm (cadre). Neveu et disciple de Segundo Matilla, Joaquín Terruella était également un disciple de Santiago Rusiñol. Il a fait un voyage en Italie avec ce dernier en 1923, et a travaillé quelque temps ensemble à Aranjuez. Il peint également à Paris et à Palma de Majorque. Sa première exposition personnelle a lieu en 1916 à la Sala Goya de Barcelone, aujourd'hui disparue. À partir de cette date, il expose à Barcelone, notamment à la Sala Parés (à partir de 1924), et présente également ses paysages impressionnistes dans des galeries à Paris (il y expose pour la première fois en 1922), Madrid, Palma, Saragosse, Bordeaux et Biarritz. À partir de 1928, il expose ses œuvres à la Sala Gaspar de Barcelone, où il continuera à exposer jusqu'en 1952. En 1956, il expose pour la dernière fois à la Sala Busquets, toujours dans sa ville natale. Depuis lors, son œuvre a été présente dans diverses expositions collectives et anthologiques, comme celle qui s'est tenue à la Sala Gothsland de Barcelone en 1985. En 1993, Ángeles Cortina a réuni une série de ses peintures à l'huile et de ses dessins dans sa galerie de Barcelone. Joaquín Terruella était un peintre fondamentalement paysagiste, dans le sillage de l'impressionnisme, qui reflétait le paysage catalan avec délicatesse et une subtile transparence. Un autre de ses thèmes de prédilection était le monde de la tauromachie, et il a d'ailleurs travaillé comme illustrateur de tauromachie pour les publications "El Día Gráfico" et "La Noche". Il a également peint des scènes de gitans et de cafés-concerts. Son œuvre est conservée au musée d'art contemporain de Barcelone, au musée d'art contemporain de Madrid et au musée provincial de Lugo.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 11 - JOAQUÍM TERRUELLA MATILLA (Barcelone, 1891 - 1957). "Paysage côtier". Huile sur carton. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 24 x 27,5 cm ; 41 x 45 cm (cadre). Neveu et disciple de Segundo Matilla, Joaquín Terruella était également un disciple de Santiago Rusiñol. Il a fait un voyage en Italie avec ce dernier en 1923, et a travaillé quelque temps avec lui à Aranjuez. Il peint également à Paris et à Palma de Majorque. Sa première exposition personnelle a lieu en 1916 dans la galerie Goya de Barcelone, aujourd'hui disparue. À partir de cette date, il expose ses œuvres dans d'autres galeries barcelonaises, telles que Parés et Gaspar, ainsi qu'à Paris, Madrid, Palma, Saragosse, Bordeaux et Biarritz. En 1956, il a tenu sa dernière exposition à la Sala Busquets de Barcelone. Depuis lors, son œuvre a été présente dans diverses expositions collectives et anthologiques, comme celle qui s'est tenue à la Sala Gothsland de Barcelone en 1985. En 1993, Ángeles Cortina a réuni une série de ses peintures à l'huile et de ses dessins dans sa galerie de Barcelone. Joaquín Terruella était un peintre fondamentalement paysagiste, dans le sillage de l'impressionnisme, qui reflétait le paysage catalan avec délicatesse et une subtile transparence. Un autre de ses sujets de prédilection était le monde de la tauromachie, et il a d'ailleurs travaillé comme illustrateur de tauromachie pour les publications "El Día Gráfico" et "La Noche". Il a également peint des scènes de gitans et de cafés-concerts. Son œuvre est conservée au musée d'art contemporain de Barcelone, au musée d'art contemporain de Madrid et au musée provincial de Lugo.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 12 - FRANCISCO LOZANO SANCHIS (Valence, 1912 - 2000). "Paysage", 1934. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Daté au dos. Dimensions : 74 x 92 cm ; 93 x 112 cm (cadre). Peintre, professeur et membre des académies royales des beaux-arts de San Fernando et de San Carlos, Francisco Lozano s'est intéressé à la peinture dès sa jeunesse et, à l'âge de seize ans, il a commencé sa formation à l'académie de San Carlos à Valence. Il poursuit ensuite ses études à la Résidence des peintres de l'Alhambra et, après la guerre civile, il commence à se faire un nom. Sa carrière prend son essor dans les années 1940, lorsqu'il commence à exposer régulièrement à Madrid et dans d'autres villes. Dans la capitale, il est accueilli par Eugenio d'Ors, avec qui il expose à la galerie Estilo, et qui le met en contact avec les milieux artistiques et intellectuels madrilènes de l'époque. Peintre essentiellement méditerranéen, son œuvre se concentre dès le début sur le paysage, bien qu'il évolue, après l'influence initiale de Sorolla, vers un langage plus personnel, mais tout aussi sensible à la lumière et à la couleur. Son paysage est synthétique, ordonné et austère, tout à fait moderne. Entre 1951 et 1952, il se rend à Paris grâce à une bourse du gouvernement français et, à son retour, sa reconnaissance est complétée par le premier prix de l'Exposition nationale des beaux-arts. La même année, il remporte un grand succès à la Biennale de Venise. Dès lors, il combine sa pratique artistique avec l'enseignement à l'Académie San Carlos, où il occupe un poste de professeur de 1955 à 1977. Parallèlement, il organise d'importantes expositions en Espagne, en Amérique du Sud, aux États-Unis, en Allemagne et au Royaume-Uni, entre autres pays, principalement dans l'Europe méditerranéenne. Lozano a été membre honoraire du Círculo de Bellas Artes (1952), membre du Conseil de la culture de Valence (1986) et docteur honoris causa de l'université polytechnique de Valence (1994). En 1993, une grande exposition rétrospective lui a été consacrée à l'IVAM. Son œuvre est actuellement conservée dans des musées tels que le Reina Sofía de Madrid, la Fundación Mendoza de Caracas, le Camón Aznar de Saragosse, l'IVAM de Valence et le musée des beaux-arts de Montevideo, entre autres.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 13 - École espagnole, première moitié du XIXe siècle. Sans titre. Huile sur toile. Cadre avec manque de polychromie et traces d'anciens xylophages. Elle peut faire paire avec le lot 35246883 Dimensions : 40 x 31 cm ; 50 x 42 cm (cadre). Image d'inspiration mythologique montrant une jeune femme qui semble être une nymphe tenant un vêtement léger qui est attaché à sa taille, soulignant ses formes, de manière similaire à la façon dont la statuaire grecque travaillait les corps avec la technique des "linges mouillés". D'un point de vue stylistique, l'œuvre s'inscrit dans le néoclassicisme qui imprègne l'esthétique du deuxième tiers du XIXe siècle. D'un point de vue esthétique, il convient de noter que l'académisme est un héritage direct du classicisme, d'où la prédilection pour des thèmes comme celui présenté ici, tirés de la mythologie, bien que saisis d'un point de vue sensuel et décoratif, loin de la solennité de l'art classique antique. Cela explique également son approche du sujet, qui consiste à recréer les figures mythologiques d'une manière totalement nouvelle. Néanmoins, nous pouvons apprécier un idéal de beauté qui n'est pas basé sur la réalité, bien que l'étude de la nature par le peintre soit indéniable, mais plutôt un idéalisme basé sur la réalité à travers sa somme d'expériences, c'est-à-dire une sublimation esthétique qui reflète une beauté qui transcende la réalité.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 14 - École espagnole, première moitié du XIXe siècle. Sans titre. Huile sur toile. Cadre avec manque de polychromie et traces d'anciens xylophages. Elle peut faire paire avec le lot 35246882 Dimensions : 40 x 31 cm ; 50 x 42 cm (cadre). Scène mythologique dans laquelle un satyre contemple secrètement une nymphe qui semble avoir remarqué son spectateur. Le geste modeste de la jeune femme qui tente de sortir de l'eau est en harmonie avec l'attitude du faune qui lève les mains comme pour se jeter sur la jeune femme. D'un point de vue esthétique, il convient de noter que l'académisme est un héritage direct du classicisme, d'où la prédilection pour des thèmes tels que celui présenté ici, tirés de la mythologie, bien que saisis d'un point de vue sensuel et décoratif, loin de la solennité de l'art classique ancien. Cela explique également son approche du sujet, qui consiste à recréer les figures mythologiques d'une manière totalement nouvelle. Néanmoins, nous pouvons apprécier un idéal de beauté qui n'est pas basé sur la réalité, bien que l'étude de la nature par le peintre soit indéniable, mais plutôt un idéalisme basé sur la réalité à travers sa somme d'expériences, c'est-à-dire une sublimation esthétique qui reflète une beauté qui transcende la réalité.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 15 - GABINO REY SANTIAGO (Marín, Pontevedra, 1928 - Barcelone, 2006). "Fleurs et livres". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Avec étiquette au dos de la Sala Parés. Dimensions : 55 x 46 cm ; 73 x 64 cm (cadre). Encore enfant, à la fin de la guerre civile, Gabino Rey s'installe à Barcelone avec sa famille. Disciple de Ramón Rogent, il commence à exposer très jeune, au Salon de la jeunesse de 1943. Il continue à participer à ce salon, où il remporte un prix en 1946. Dans les années quarante, il obtient une bourse du gouvernement français et expose dans les galeries barcelonaises Dalmau (1946) et Syra (1947). Depuis 1957, il expose à la Sala Parés de Barcelone, ainsi qu'à la galerie madrilène El Cisne. Il a été récompensé lors de la IIIe exposition universelle de l'Union des arts, à Bilbao (1947), et en 1980 par le prix Poussiel de la Société nationale des beaux-arts, à Paris. Avec le groupe Sala Parés, il a exposé ses œuvres non seulement à Barcelone, mais aussi à Madrid, Alicante, Pontevedra et Lugo, ainsi qu'à New York, Los Angeles et Paris. Il est représenté dans les musées de Lugo, Pontevedra, Marín et Sitges, ainsi que dans d'importantes collections institutionnelles et privées en Europe et en Amérique. Son style, aux racines post-impressionnistes, est libre. Gabino est un peintre qui aime la matière, le coup de pinceau empâté, qu'il applique en suivant une palette chaude et équilibrée. Il a travaillé sur des paysages et des natures mortes, mais il se distingue surtout comme portraitiste, avec des œuvres intimes et lyriques, dans lesquelles il mélange ce qu'il a appris des écoles catalanes et galiciennes.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 16 - JOSEP PUIGDENGOLAS BARELLA (Barcelone, 1906 - 1987). "Costa". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Avec l'étiquette de la Sala Parés au dos. Dimensions : 53 x 62 cm ; 69 x 76 cm (cadre). Josep Puigdengolas a été formé dans les écoles des Arts et Métiers et de La Lonja, à Barcelone, pour ensuite compléter ses études à El Paular et à l'Académie royale de Florence. Il a été le disciple d'Eliseo Meifrén et de Joaquín Mir. En 1951, il est nommé professeur de dessin à l'École des beaux-arts de Sant Jordi. Bien qu'il ait son atelier à Barcelone, il peint fréquemment en Cerdagne et à Majorque, notamment dans la ville de Deià. Son œuvre, d'un naturalisme lumineux, s'inscrit dans le sillage de Mir et lui vaut une grande acceptation de la part du public. Il s'est concentré sur les paysages, mais a également réalisé des portraits. Tout au long de sa carrière, il a réalisé plusieurs expositions personnelles, comme celle organisée au Salón Cano de Madrid en 1962, et a participé à des expositions collectives et à des concours tels que l'Exposition nationale des beaux-arts. Quelques mois avant sa mort, en janvier 1987, il a tenu sa dernière exposition à la Sala Parés de Barcelone. Il est actuellement représenté au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía et au MACBA de Barcelone, entre autres.

Estim. 1 000 - 1 100 EUR

Lot 17 - Attribué à FRANCISCO LAMEYER Y BERENGUER (Puerto de Santa María, Cadix, 1825-Madrid, 1877). "Maja avec un éventail. Huile sur toile. Dimensions : 32 x 24 cm ; 44,5 x 37 cm (cadre). Dans cette œuvre, le peintre nous offre une image d'une grande expressivité plastique, avec une composition simple où l'on voit une femme en buste, au premier plan, devant un fond neutre qui met en valeur sa présence. Le résultat est frappant par sa représentation véridique et convaincante de la personnalité de la femme : un personnage calme au regard triste. D'un point de vue esthétique, l'œuvre rappelle largement les peintures de Lameyer y Berenguer, né à El Puerto de Santa María mais dont la famille a déménagé à Madrid alors qu'il n'était encore qu'un enfant. Dès qu'il fut en âge de le faire, il commença à travailler avec le graveur de Vicente Castelló. Il collabore ensuite à El Siglo Pintoresco, une revue fondée par Castelló. En 1841, il entre à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando, où il étudie avec José de Madrazo, rencontre son fils Luis et, par son intermédiaire, se lie d'amitié avec toute la famille Madrazo. Deux ans plus tard, poussé par la nécessité de subvenir aux besoins de sa famille, il s'engage dans la marine espagnole en tant qu'officier d'administration. Bien que cela l'empêche de poursuivre sa carrière artistique, il continue à travailler pendant son temps libre, réalisant 125 dessins pour les Escenas Andaluzas de Serafín Estébanez Calderón (publiées en 1847). De 1854 à 1859, il se rend aux Philippines, où il dirige le commissariat de police. Il rentre en Espagne en 1860. En 1863, il accompagne Marià Fortuny (rencontrée grâce aux Madrazos) dans un voyage au Maroc, où il visite Tanger et Tétouan. Le pays est encore en proie à un certain désarroi en raison de la récente guerre hispano-marocaine. Il s'en inspire pour son œuvre la plus connue, L'assaut des Maures, qui dépeint un raid du XVIIIe siècle sur le quartier juif de Tétouan. De retour à Madrid, il s'installe dans un studio et commence à peindre à partir des croquis qu'il a réalisés. De 1872 à 1873, il visite l'Égypte et la Palestine. En Égypte, il acquiert plusieurs antiquités qu'il vend au Musée archéologique national espagnol, ce qui lui permet d'alléger son fardeau financier. Il continue à vivre à Madrid, mais se rend fréquemment à Paris, en partie à cause de l'instabilité politique qui règne en Espagne à la suite de la troisième guerre carliste.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 18 - JULIO MOISÉS FERNÁNDEZ DE VILASANTE (Tarragone, 1888 - Cantabrie, 1968). "Portrait de femme", 1922. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Présente sur la contre-étiquette de l'exposition de 1923 à la Junta Municipal d'Exposicions d'Art. Dimensions : 110 x 93 cm ; 131 x 115 cm (cadre). Julio Moisés Fernández de Villasante a passé son enfance et son adolescence en Galice et à Cadix, ville dans laquelle il a commencé ses études de peinture à l'École des beaux-arts. Il y remporte plusieurs prix et reçoit des commandes comme celle de la décoration du Gran Teatro. En 1912, il s'installe à Barcelone et, lors de sa première participation à une exposition nationale des beaux-arts, il obtient une troisième médaille. Il réitère avec un deuxième et un premier prix lors des éditions de 1915 et 1920. Il est également récompensé lors des expositions internationales de San Francisco (1915) et de Panama (1916). Son œuvre continuera d'être exposée tout au long de sa vie, comme en témoignent les diverses expositions personnelles qui, dans les années 1930, le conduisent au Brésil, en Uruguay et en Argentine. Installé à Madrid depuis 1920, il enseigne pendant plusieurs années après avoir fondé une Académie libre d'art en 1923. Des étudiants tels que Salvador Dalí y sont passés, tandis qu'il a été sollicité par la maison royale pour faire le portrait de S.M. le roi Alphonse XIII et de la reine Victoria Eugenia. Le thème de son œuvre est avant tout la peinture de genre et le portrait féminin, un mélange de costumbrisme et de folklore à parts égales. C'est le cas de la Mujer con garrafa en la mano qu'il signe en 1945 pour illustrer le calendrier de l'UEE et avec laquelle, suivant la tradition iconographique de la collection, il apporte sa propre vision des canons idéaux de la beauté féminine. Son talent est reconnu par sa nomination comme directeur de l'École des beaux-arts en 1946 et comme académicien de l'École San Fernando de Madrid en 1947.

Estim. 1 500 - 1 900 EUR

Lot 19 - MARCELINO DE UNCETA Y LÓPEZ (Saragosse, 1835 - Madrid, 1905). "Le discours". Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 14 x 23 cm ; 31,5 x 40 cm (cadre). Marcelino de Unceta abandonne sa carrière militaire pour se consacrer à la peinture. Il entre à l'école des beaux-arts de San Luis de Zaragoza. Il poursuit ensuite ses études à l'école San Fernando de Madrid, où il est le disciple de Madrazo et de Carlos Luis Ribera. Il participe aux expositions nationales des beaux-arts en tant que peintre d'histoire et, en 1864, l'État acquiert l'une de ses œuvres, "Un Marocain portant un cheval". Il est également illustrateur et, parmi ses œuvres, il convient de souligner les lithographies qu'il réalise pour l'"Historia de la villa y corte de Madrid", d'Amador y Rada, publiée pour la première fois en 1860. En 1866, il retourne à Saragosse, où il réalise d'importantes commandes comme celles de la basilique del Pilar et du théâtre municipal. Il retourne ensuite à Madrid, où il peint un portrait d'Alphonse XII et continue à participer aux expositions nationales. Il est représenté au musée du Prado, au musée des beaux-arts de Saragosse et à l'université centrale de Barcelone.

Estim. 2 200 - 2 400 EUR

Lot 20 - CECILIO PLÁ GALLARDO (Valence, 1860 - Madrid, 1934). "Le cercle des méchants", série Le cercle des enfers, Dante. Huile sur toile. Sans signature. Dimensions : 90 x 112 cm ; x 111,50 x 132,50 cm (cadre). Cecilio Pla commence sa formation à l'Académie des beaux-arts de San Carlos de Valence, pour la poursuivre plus tard à celle de San Fernando de Madrid, où il a pour professeur Emilio Sala. En 1880, il effectue un voyage d'étude à Rome et visite l'Italie, la France et le Portugal. À partir de là, il commence à envoyer des œuvres aux expositions nationales des beaux-arts, recevant une troisième médaille en 1884 pour l'œuvre à thème italien "Le Dante : cercle des gourmands", et une deuxième médaille en 1887 pour la toile religieuse intitulée "Enterrement de Santa Leocadia". En 1892, il obtient à nouveau une deuxième médaille pour la peinture réaliste d'intention sociale "Las doce (el almuerzo)", et la même récompense en 1895 pour une scène de désaccord conjugal dans un intérieur bourgeois, "Lazo de unión". Pla a continué à participer aux expositions nationales tout au long de sa vie, obtenant en 1910 la considération de la première médaille pour le tableau "Deux générations", caractérisé par les différents effets de lumière naturelle qui étaient la véritable spécialité de cet artiste. Cette même année 1910, il remplace son ancien professeur Emilio Sala dans la classe d'esthétique de la couleur et de procédés picturaux de l'Académie de San Fernando, où il enseigne à Juan Gris, Francisco Bores, Pancho Cossío et José María López Mezquita, entre autres. C'est à cette époque qu'il publie sa "Cartilla de arte pictórico". Pla a également participé à des concours internationaux et a reçu une médaille d'honneur à l'Exposition universelle de Paris en 1900. En 1924, il est nommé académicien de San Fernando. Il alterne son activité d'enseignant avec la peinture et collabore en tant qu'illustrateur à des publications telles que "La Ilustración Española y Americana", "Blanco y Negro" et "La Esfera". Il réalise également des affiches, comme celle du carnaval du Círculo de Bellas Artes en 1892, et participe à des décorations murales, notamment le plafond de l'hôtel de l'Infante Isabel de Borbón, le Casino de Madrid, le Círculo de Bellas Artes ou le palais des ducs de Denia. Considéré comme le plus grand représentant de la peinture moderniste valencienne, il a néanmoins embrassé différentes tendances, de l'académisme et du costumbrisme de ses débuts au wagnérisme et au luminisme de ses vues côtières peintes à Valence. Actuellement, Cecilio Pla est représenté au musée du Prado, au musée Thyssen-Bornemisza, aux musées des beaux-arts de Valence, Saragosse, Santander et Bilbao, au Círculo de Bellas Artes de Madrid, à la mairie de Valence et à l'Académie royale des beaux-arts de San Carlos, ainsi que dans d'autres collections publiques et privées, comme la collection de l'UEE. En 1999, la Fondation Mapfre lui a consacré une vaste rétrospective.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 21 - JOSÉ MIRABENT GATELL (Barcelone, 1831 - 1899). "Nature morte aux fruits". Huile sur carton. Signée dans le coin inférieur droit. Le cadre est manquant. Dimensions : 36 x 45 cm ; 49 x 58 cm (cadre). José Mirabent a étudié à l'école de la Lonja à Barcelone, où il a été le disciple de Pablo Milá Fontanals, Claudio Lorenzale et Segismundo Ribó, dont il a reçu l'influence de l'esthétique nazaréenne. En 1855, il entre comme assistant à l'école susmentionnée et obtient en 1872 la catégorie de professeur de peinture décorative, de tissus et d'estampes. Dans sa première période, il peut être considéré comme un peintre romantique attaché à la ligne nazaréenne de ses maîtres, et il peint principalement des portraits et des natures mortes avec des fleurs et des fruits. Plus tard, il se spécialise dans la décoration d'intérieur, activité dans laquelle il faut souligner ses travaux pour le Gran Teatro del Liceo et l'université de Barcelone, le musée Balaguer de Vilanova i la Geltrú et les églises madrilènes du Buen Suceso, des Salesas Reales et du couvent des Madres Reparadoras. Avec ses peintures de fleurs et de fruits, il participe aux expositions nationales des beaux-arts de Madrid et obtient plusieurs prix : mention honorable dans celles de 1856 et 1858, troisième médaille dans celles de 1860 et 1867, et décoration en 1871. Il a également reçu une médaille d'or à l'exposition universelle de Barcelone en 1888. En tant que portraitiste, il a fait le portrait de Pablo Piferrer, Ramón Anglasells et Joaquín Rey Esteve, entre autres. En 1892, il participe au premier festival moderniste. Il est largement représenté au MNAC, ainsi qu'au musée du Prado, au musée d'art moderne et au musée romantique de Madrid, à l'Académie royale de Sant Jordi, à l'Ateneo et à la galerie des illustres Catalans de Barcelone, etc.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 22 - AGUSTÍN REDONDELA (Madrid, 1922 - 2015). "L'oliveraie (Guadalajara)", 1978. Huile sur toile. Présente l'étiquette au dos de la galerie Biosca (Madrid). Le cadre présente des défauts. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Signé, daté, titré et localisé (Madrid) au dos. Dimensions : 46 x 55 cm ; 70 x 79 cm (cadre). Dans cette œuvre, Redondela nous offre un paysage sobre, typiquement castillan, dominé par une atmosphère d'une grande puissance évocatrice, basée sur le contraste des tonalités du premier plan avec le ciel. Le peintre laisse de côté la description narrative du paysage pour le construire en utilisant uniquement la couleur, très travaillée et étudiée, et une ligne synthétique, expressive et emphatique basée sur d'épais traits noirs. Guadalajara a été une scène prolifique dans la peinture d'Agustín Redondela, devenant le protagoniste de beaucoup de ses œuvres. Peintre essentiellement autodidacte, considéré comme l'un des paysagistes espagnols les plus originaux du XXe siècle, Agustín González Alonso s'est formé auprès de son père, le peintre et scénographe José González "Redondela". Après la guerre civile, il suit les cours de l'École des arts et métiers de Madrid avec le peintre paysagiste José Ordoñez et, en 1945, il envoie pour la première fois un tableau à l'Exposition nationale des beaux-arts, signé du pseudonyme Redondela. La même année, il organise sa première exposition personnelle à la galerie Estilo de Madrid. C'est à cette époque qu'il entre en contact avec l'école de Madrid et, en 1947, il est sélectionné pour exposer au Salón de los Once de la Academia Breve e Crítica de Arte de Eugenio d'Ors. Dans les années cinquante, Redondela obtient une bourse de la Fondation Catherword de Philadelphie (1954), le Prix national de peinture (1953) et la première médaille de l'Exposition nationale (1957). Tout au long de sa carrière, il a combiné la peinture avec la scénographie, travaillant pour des pièces de Jacinto Benavente, Joaquín Calvo Sotelo, Dodie Smith et Peter Ustinov, entre autres. Il a également travaillé comme illustrateur, notamment pour une édition luxueuse du "Viaje a la Alcarria" de Cela en 1978. En 1996, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando lui a décerné le prix José González de la Peña et, deux ans plus tard, le Centro Cultural de la Villa de Madrid lui a consacré une importante exposition anthologique. Il est actuellement représenté au musée des beaux-arts de La Corogne, au musée du paysage espagnol contemporain de Priego de Córdoba, au musée des beaux-arts de Bilbao, au musée Camón Aznar de Saragosse, aux musées de Buenos Aires, de Caracas et de La Havane, à la maison-musée Oswaldo Guayasamín de Quito, ainsi que dans d'autres collections publiques et privées. Présente l'étiquette au dos de la galerie Biosca (Madrid). Le cadre présente des défauts.

Estim. 2 400 - 2 800 EUR

Lot 23 - RAMÓN MARTÍ ALSINA (Barcelone, 1826 - 1894). "Le modèle". Huile sur toile. Relié. Sans signature. Au dos, une étiquette de la Sala Parés de Barcelone. Il y a des patchs au dos. Dimensions : 182 x 89 cm. Les pieds enveloppés dans un tissu qui glisse le long des jambes, le modèle est montré nu et entier mais tourne la tête comme s'il voulait cacher son identité, tout en adoptant un geste ambigu faussement pudique. Les femmes de Martí Alsina sont d'une grande force charnelle, qui est ici accentuée par le fond noir et par la taille naturelle de la figure. Le modelage des membres est magistral, ce qui donne à l'anatomie une cadence sculpturale mais libre de tout idéalisme, la rendant vivante, spontanée et sensuelle. Les qualités soyeuses de la chevelure de jais, le modelé lumineux des formes, l'arrondi parfait des genoux, etc. dénotent l'empreinte d'un maître. Considéré aujourd'hui comme la figure la plus importante du réalisme espagnol, Martí Alsina s'inscrit dans l'avant-garde européenne de l'époque. Il a révolutionné le panorama artistique espagnol du XIXe siècle, a été le pionnier de l'étude du dessin d'après nature et le créateur de l'école catalane moderne, ainsi que le maître de toute une génération, avec des disciples de l'importance de Vayreda, Urgell et Torrescassana. Il commence ses études de philosophie et de littérature, en les alternant avec des cours du soir à l'École des beaux-arts de Barcelone jusqu'en 1848. À l'issue de ce premier apprentissage, il décide de se lancer dans la peinture et fait ses premiers pas dans la région du Maresme, où il commence à gagner sa vie en peignant des portraits dans un style naturaliste et des paysages "à l'air libre". En 1852, il devient professeur de dessin au trait à la Escuela de la Lonja de Barcelone et, deux ans plus tard, il commence à enseigner le dessin de figures, poste qu'il occupera jusqu'à l'accession au trône d'Amadeo de Saboya. En 1853, il se rend à Paris, où il visite le Louvre et se familiarise avec les œuvres d'Horace Vernet, d'Eugène Delacroix et du romantisme français. Plus tard, il fera la connaissance de Gustave Courbet, le plus grand représentant du réalisme. En 1859, il est nommé académicien correspondant de l'Académie des beaux-arts de Sant Jordi à Barcelone. Sa première exposition importante est l'Exposition générale des beaux-arts de Barcelone en 1851. À partir de ce moment, il expose régulièrement à Barcelone, Madrid et Paris, et est invité à l'exposition universelle de la capitale française en 1889. Parmi ses prix, il faut souligner les médailles obtenues aux expositions nationales de Madrid, la troisième en 1858 avec l'œuvre "Dernier jour de Numancia" et la deuxième en 1860 avec son paysage. Dans les dernières années de sa vie, il vit en reclus, concentrant ses efforts sur la recherche de nouvelles formes d'expression, avec un coup de pinceau proche de l'impressionnisme. Parmi ses thèmes, on trouve de nombreux paysages et marines, des vues urbaines (en particulier de Barcelone), des portraits et des figures humaines, des scènes de genre, des nus féminins capricieux, de la peinture d'histoire et des scènes bibliques. Il s'est rarement consacré aux natures mortes, bien qu'il en ait peint quelques-unes. Les œuvres de Martí Alsina sont conservées au musée du Prado, au musée Thyssen-Bornemisza, au musée national d'art de Catalogne, au musée d'art contemporain de Barcelone, au musée de l'abbaye de Montserrat et au musée de l'Empordà, à Figueras.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 24 - ERNEST SANTASUSAGNA SANTACREU (Barcelone, 1900 - Santa Coloma de Gramenet, Barcelone, 1964). "Vénus du miroir". Huile sur toile. Présente des restaurations. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 65 x 80 cm ; 93 x 109 cm (cadre). Cette œuvre témoigne d'une profonde connaissance de l'œuvre du maître du baroque Velázquez, en plus d'une impulsion artistique privilégiée : les tons de chair rose vif du modèle, la façon d'étaler la feuille blanche, le sens du matériau imprimé, le reflet métallique du miroir... sont autant d'aspects qui rendent compte d'un digne disciple du sillage de Velázquez. Avec la plus grande sagesse, il réussit à faire acquérir des qualités tactiles au corps de la crête, ainsi qu'au petit Cupidon. La peinture de Santasusagna, avec son langage naturaliste, a toujours été consacrée à la mise en valeur de la sensualité féminine, dans ses formes et sa fraîcheur, mais sans idéalisation. En l'occurrence, il y parvient grâce à cette Vénus charnelle et réaliste, comme il était également dans l'intérêt de Velázquez de prendre pour modèles des jeunes femmes de son entourage au lieu de représenter des déesses irréelles. Ernest Santasusgana commence sa formation à l'Académie Baixas de Barcelone, puis se perfectionne à l'École des arts et métiers de La Lonja. Il deviendra plus tard professeur à cette dernière et, lorsque l'enseignement de l'institution se dégrade, il devient professeur au Superior de Bellas Artes de San Jorge. Membre du Real Círculo Artístico, il fait ses débuts à la Sala Parés en 1928. À partir de cette date, il répète sa présence dans la salle de la Pinacothèque et participe aux Salones de Otoño et aux Expositions de printemps de Barcelone, ainsi qu'à d'autres concours et expositions. Il a obtenu une mention honorable à l'exposition internationale de Barcelone en 1929, une troisième médaille à l'exposition nationale de Madrid en 1941 et un prix d'honneur à l'exposition nationale de Barcelone en 1944. Il a également été récompensé à deux reprises par le Círculo Artístico. Outre sa ville natale, Santasusagna a exposé ses œuvres à Madrid, Saint-Sébastien et Bilbao, et a participé à des expositions collectives en Égypte, au Brésil, en Argentine et en Italie, ainsi qu'aux biennales de Venise, de Berlin et d'art contemporain espagnol à Buenos Aires. Il a également travaillé comme concepteur d'affiches pour Metro Goldwin Mayer. Ses œuvres se trouvent dans plusieurs musées espagnols, ainsi que dans de nombreuses collections nationales et étrangères. Il présente des restaurations.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 25 - MANOLO HUGUÉ (Barcelone, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelone, 1945). "Les bœufs dans l'étable", 1935-1936. Relief en terre cuite sur socle en bois. Œuvre cataloguée dans le livre "Manolo. Sculpture, peinture et dessin", Montserrat Blanch, nº197, page 114. Provenance : Collection Jacky J. Druker, ami et mécène de Joan Brotat. Dimensions : 34 x 34 x 3 cm ; 6 cm (hauteur de la base). Dans le catalogue raisonné sur Manolo Hugué rédigé par Montserrat Blanch sont reproduites plusieurs œuvres (dessins préparatoires, bas-reliefs en terre cuite, mais aussi en pierre) ayant pour thème les bœufs (généralement représentés par paires), dont fait partie la pièce en question. Il s'agit d'une production réalisée entre 1917 et 1923, années au cours desquelles le sculpteur insuffle à la terre cuite de nouvelles suggestions thématiques et formelles. De retour à Céret, après sa période parisienne, il se consacre à l'étude des cadences, des rythmes, de l'essentialisme d'inspiration archaïque... une somme de stratégies pour échapper à toute stagnation et renouveler le langage sculptural sans cesser de dialoguer avec les classiques. Dans ce relief, une énergie sereine palpite comme une force invisible à travers les corps, les profils arrondis et en alternance avec les incisions géométriques. Les pattes avant du bœuf couché fléchissent pour s'adapter à l'angle, recherchant une certaine tension conceptuelle entre les volumes et leur enfermement dans une limite quadrangulaire précise. Ce faisant, il imite l'art grec développé dans les métopes. L'indication spatiale est brève et synthétique : quelques éléments schématiques esquissent l'idée d'une écurie. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, a été formé à la Escuela de la Lonja de Barcelone. Participant régulièrement aux réunions de "Els Quatre Gats", il se lie d'amitié avec Picasso, Rusiñol, Mir et Nonell. En 1900, il s'installe à Paris, où il vit pendant dix ans. Il y reprend sa relation avec Picasso et se lie d'amitié avec d'autres théoriciens de l'avant-garde tels qu'Apollinaire, Modigliani, Braque et Derain. Dans la capitale française, il travaille à la conception de bijoux et de petites sculptures, influencé par le travail de son ami, le sculpteur et orfèvre Paco Durrio. En 1892, il travaille avec Torcuato Tasso sur des œuvres décoratives pour les célébrations du centenaire de la découverte de l'Amérique. Entre 1910 et 1917, il se consacre entièrement à la sculpture et travaille à Ceret, où il réunit un groupe hétérogène d'artistes parmi lesquels se distinguent Juan Gris, Joaquín Sunyer et, à nouveau, Picasso. Au cours de ces années, il expose à Barcelone, Paris et New York. En 1932, il est nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Jorge à Barcelone. Dans l'œuvre de Hugué, ce qui est essentiel, c'est la relation avec la nature, en tenant compte de la figure humaine en tant qu'élément intégré à celle-ci. Il s'agit d'une caractéristique du classicisme noucentiste, mais qui, dans les mains de Hugué, dépasse ses origines limitées. Il représentait généralement des paysans, mais aussi des toreros et des danseurs -comme on peut le voir ici-, toujours avec un niveau de détail et une appréciation des textures qui révèlent son ancienne formation d'orfèvre. Dans sa production artistique coexistent la tradition méditerranéenne, le classicisme et l'archaïsme grecs, l'art de l'Égypte ancienne et de la Mésopotamie, et l'avant-garde européenne qu'il a assimilée et connue de près, en particulier le fauvisme et le cubisme de Matisse. Des œuvres de Hugué sont conservées au MACBA, au Centre Georges Pompidou à Paris, au Musée national d'art de Catalogne et au Musée national et centre d'art Reina Sofia, entre autres.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

Lot 26 - SEGUNDO MATILLA MARINA (Madrid, 1862 - Teià, Barcelone, 1937). "Scène côtière à Vilanova y la Geltrú". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Situé au dos. Présente des restaurations. Dimensions : 60 x 100 cm ; 73,5 x 114,5 cm (cadre). Bien que né à Madrid, Matilla s'est formé et a développé sa carrière à Barcelone. Il a étudié les beaux-arts à la Lonja de Barcelone, sous la direction d'Antonio Caba. Il participe à de nombreuses expositions, telles que l'exposition internationale de Barcelone en 1891, 1894, 1896 et 1898 (mention honorable en 1891), les expositions d'art de la même ville en 1918 et 1919, et le salon de Paris de 1897. La même année, il reçoit une mention honorable à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid. Parmi ses expositions individuelles, citons celles qui ont eu lieu au Salón Vilches de Madrid (1915) et, à Barcelone, à la Sala Parés (1914) et aux galeries Pallarés (1942), cette dernière étant un hommage posthume. Plusieurs de ses œuvres exposées dans ces galeries ont été achetées par le musée d'art moderne de Madrid et beaucoup d'autres ont été exportées en Amérique. Ses paysages de l'Empordà, de Camprodón, de Port de la Selva et de Cadaqués lui ont valu un grand succès public et critique. Son œuvre se trouve dans divers musées, tels que le musée d'art contemporain de Madrid, le musée du Prado, le musée Pablo Gargallo de Saragosse et le musée national d'art de Catalogne, ainsi que dans d'importantes collections privées internationales.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 27 - JOSEP PUIGDENGOLAS BARELLA (Barcelone, 1906 - 1987). "Calatayud", 1957. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 73 x 92 cm. Dans cette œuvre, Puigdengolas démontre sa maîtrise absolue de la technique et de la capture du paysage, dans une image où il parvient à synthétiser la représentation naturaliste, l'expression personnelle et l'ordre pictural. Nous voyons un coup de pinceau sensible, qui explore l'espace et lui donne forme et entité, créant des volumes, des lumières et des ombres, définissant une atmosphère capturée avec une grande sensibilité. À travers un langage purement personnel, Puigdengolas synthétise les éléments de base de la représentation et de l'expressivité de la peinture, comme en témoignent l'intensité de ses couleurs ou la rigueur de sa structure compositionnelle. Josep Puigdengolas a été formé dans les écoles des Arts et Métiers et de La Lonja, à Barcelone, et a ensuite complété ses études à El Paular et à l'Académie royale de Florence. Il a été le disciple d'Eliseo Meifrén et de Joaquín Mir. En 1951, il est nommé professeur de dessin à l'École des beaux-arts de Sant Jordi. Bien qu'il ait son atelier à Barcelone, il peint fréquemment en Cerdagne et à Majorque, notamment dans la ville de Deià. Son œuvre, d'un naturalisme lumineux, s'inscrit dans le sillage de Mir et lui vaut une grande reconnaissance de la part du public. Il s'est concentré sur les paysages, mais a également réalisé des portraits. Tout au long de sa carrière, il a réalisé plusieurs expositions personnelles, comme celle organisée au Salón Cano de Madrid en 1962, et a participé à des expositions collectives et à des concours tels que l'Exposition nationale des beaux-arts. Quelques mois avant sa mort, en janvier 1987, il a tenu sa dernière exposition à la Sala Parés de Barcelone. Il est actuellement représenté au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía et au MACBA de Barcelone, entre autres.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

Lot 28 - JUAN RIBERA BERENGUER, (Valence, 1935 - Valence, 2016). "Ancienne gare d'Aragon, Valence". Huile sur papier. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 89 x 174 cm ; 104 x 189 cm (cadre). Formé à la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia, Juan Ribera a été membre fondateur de groupes artistiques tels que Parpalló, Arte Actual et Movimiento Artístico del Mediterráneo. Il a fait partie de l'avant-garde artistique valencienne et madrilène, participant aux expositions de la galerie Juan Mordó. Il a exposé individuellement à la Dirección General de Bellas Artes de Madrid (1969) et au Museo de la Ciudad de Valencia (1998), entre autres, et a participé à d'importantes expositions collectives telles que celles organisées au Musée d'art moderne de Paris (1963), "Pintores figurativos de la España actual" (1964), qui a fait le tour des États-Unis, et à l'IVAM de Valence. Tout au long de sa carrière, il a reçu des pensions de la Diputación et de la Mairie de Valence, de la Casa Velázquez de Madrid et de la Fondation March, ainsi que le Prix Valencia à l'Exposition des Beaux-Arts de Barcelone (1960), la Diputación de Valencia à l'Exposition nationale de Madrid (1968), la médaille d'or au Salón de Marzo de Valence (1977) et le Prix Archival pour la valeur artistique (1995), entre autres. Ribera est représenté au musée San Pío V de Valence, au musée d'art contemporain de Vilafamés, au musée municipal et au cercle des beaux-arts de Madrid, au musée de Springfield (Massachusetts), à la cathédrale, à la Diputación, à l'Ateneo et au musée de la ville de Valence, etc.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 29 - PERE YSERN ALIÉ (Barcelone, 1875 - 1946). "Serra Tramontana, Majorque", vers 1920. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 54 x 65 cm. Pere Ysern Alié fut le disciple de Pere Borrell del Caso dans son académie, où il forma avec Ramón Riera le noyau générateur du groupe "El Rovell de l'Ou". Il est présenté pour la première fois à l'exposition générale des beaux-arts de Barcelone en 1894 et, en 1896, il se rend à Rome, où il reste deux ans et complète sa formation avec Ramón Tusquets. À son retour à Barcelone, en 1898, il participe à l'exposition municipale des beaux-arts. L'année suivante, il s'installe à Paris, où il expose au Salon des artistes français en 1900. Il participe également régulièrement au Salon des Indépendants. Un signe évident de son succès international est sa participation, en 1901, à l'Exposition internationale de Saint-Pétersbourg, où le tsar de Russie achète l'une de ses toiles. Installé à Paris, il se rend occasionnellement à Barcelone, où il expose ses œuvres à la Sala Parés en 1901 et 1903, et participe à l'exposition collective de l'Association des peintres et sculpteurs catalans en 1905. En 1927, il retourne en Espagne et, dès lors, sa présence à Barcelone et dans les concours catalans est constante et sa peinture est enfin appréciée dans notre pays. Aujourd'hui, il est principalement représenté au MACBA, ainsi qu'au Musée du Luxembourg à Paris, au Musée national d'art de Catalogne, à la Fondation La Caixa et dans diverses collections privées.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 30 - GEORGES CALLOT (Paris, 1857-1903). "La photographie". Encre et crayon sur papier. Signé dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 23 x 18 cm ; 36 x 30 cm (cadre). Peintre de genre, de scènes allégoriques et de nus, Georges Callot se forme à l'école des Arts décoratifs puis à l'école des Beaux-Arts de Paris. Il participe pour la première fois au Salon en 1877. En 1890, il devient membre de la Société Nationale des Beaux-Arts. Aujourd'hui, son œuvre est conservée dans des musées tels que le musée d'Orsay à Paris, à Châlons-en-Champagne ou au Centre d'art rénové.

Estim. 400 - 450 EUR

Lot 31 - JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcelone, 1877 - 1957). "Elle quitte ses gants". Fusain et gouache sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Œuvre publiée dans : - Ceinture Dorée de Victorien du Saussay, 1907. - Catalogue "Joan Cardona. Le glamour de la Belle Époque", page 170, n.417J. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 26 x 18,5 cm ; 50 x 42 cm (cadre). Joan Cardona a été une figure incontournable de l'esthétique de la Belle Époque, contribuant à définir les environnements glamour du Paris élégant du déclin du XIXe siècle. Les critiques ont même parlé de "style Cardona" pour faire référence à l'exclusivité de son travail. De 1900, date à laquelle il s'installe à Paris, à 1914, date à laquelle la Première Guerre mondiale le renvoie à Barcelone, il est l'un des illustrateurs les plus renommés de la capitale française. Formé à l'Escuela de Bellas Artes de la Lonja et à l'Academia Baixeras de Barcelone, il poursuit ses études à Paris, où il s'installe pendant plusieurs années. Dans la capitale française, il forme un groupe avec les meilleurs illustrateurs de l'époque, tels que Cappiello, Sem, Steinlen et Roubille. Peintre et dessinateur, il développe une importante activité dans le domaine de l'illustration, collaborant à des revues espagnoles telles que "El Gato Negro" et "Hispania", ainsi qu'aux revues françaises "Le Rire" et "Simplicissimus". Sa collaboration avec "Jugend", le magazine phare du modernisme viennois, le Jugendstil, est remarquable. Dans sa période parisienne, Cardona acquiert une renommée internationale grâce à ses dessins à la plume, caractérisés par la netteté du trait et de fortes valeurs expressives. Au contraire, dans sa peinture, il subordonne la ligne à la couleur, avec des tons chauds dans ses premières années et des gammes froides dans sa maturité. Ses tableaux, d'une grande force expressive et aux empâtements denses, définissent le protagonisme de la femme, qui se dessine sur des fonds vibrants, presque abstraits, dans un style qui le rapproche d'Anglada Camarasa. En 1897, il obtient un prix au concours organisé par l'Académie Mariana de Lleida. Il expose à Paris dans les Salons d'Automne et de la Société Nationale, obtenant dans les deux cas le titre de "sociétaire". Il a participé aux expositions internationales des beaux-arts de Barcelone en 1907 et 1929. Il est représenté au Musée du Luxembourg, à Paris.

Estim. 4 200 - 4 500 EUR

Lot 32 - JOAN REBULL TORROJA (Reus, 1899 - Barcelone, 1981). "Buste féminin. Sculpture en terre cuite sur socle en marbre. Signé. Il s'agit d'une étude préparatoire pour une sculpture actuellement conservée au MNAC, n. d'inventaire 010048000. Dimensions : 26 x 14 x 16 cm ; 9 cm (hauteur de la base). Cette œuvre est un échantillon éloquent de l'œuvre la plus personnelle de Joan Rebull, un artiste qui développe un langage aux racines classiques dans l'esthétique, basé sur les principes de noblesse, de beauté et de proportion, qui utilise cependant une idéalisation et une synthèse des formes selon l'avant-garde et non les modèles de l'antiquité classique. Ainsi, nous nous trouvons face à un portrait serein et équilibré d'un certain caractère immuable, archaïque et presque sacré dans la perfection de ses proportions et de ses lignes structurelles, qui établit un pont entre les anciennes idoles et la recherche plastique d'avant-garde. Considéré comme le sculpteur catalan le plus remarquable de son époque, Joan Rebull a débuté dans le monde de la sculpture dans sa ville natale, sous la direction du sculpteur Pau Figueres. En 1915, il s'installe à Barcelone pour commencer sa formation artistique à l'École des beaux-arts de La Lonja, tout en travaillant dans l'atelier du marbrier Bechini. En 1916, il fait ses débuts individuels lors d'une exposition au Centro de Lectura de Reus et, l'année suivante, il fonde, avec d'autres artistes, le groupe connu sous le nom de "Els Evolucionistes", qui vise à reproduire le Noucentisme catalan. En 1921, il se rend à Londres et à Paris, villes où il est particulièrement impressionné par l'art ancien conservé dans leurs musées. Entre 1926 et 1929, il vit dans la capitale française et participe au Salon des Indépendants, tout en envoyant des œuvres à des expositions à Barcelone. À Paris, il est le premier artiste engagé par l'important marchand d'art catalan Joan Merli. À son retour, il est nommé président du nouveau salon de Montjuic (1932) et membre de l'académie Sant Jordi (1934), participe à diverses expositions à Madrid et à Barcelone et, en 1938, remporte le prix Campeny au salon d'automne de Barcelone. Après la guerre, il s'exile à Paris, où il participe activement à la vie artistique en assistant à l'exposition "Le Jeune Sculpture Française" et aux Salons d'Automne. Il revient à Barcelone en 1948 et, trois ans plus tard, il remporte un grand prix à la première Biennale hispano-américaine d'art de Madrid. En 1962, il est nommé professeur à l'École des beaux-arts de Sant Jordi et, peu avant sa mort, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. Enfant du perfectionnisme noucentiste et grand dessinateur, Rebull travaille avec une grande maîtrise technique et la certitude du chemin à suivre. Il s'agit d'une sculpture directe et anti-rhétorique, basée sur une vision sereine et essentielle de la réalité. Son style peut être défini comme un retour à la source du classicisme, dont il ne copie jamais les conséquences. Il est représenté au musée national d'art de Catalogne, au centre national Reina Sofia, à l'hôtel de ville de Barcelone, au monastère de Montserrat et au Palau de la Música Catalana, entre autres.

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 33 - ISMAEL SMITH MARÍ (Barcelone, 1886 - New York, 1972). "Nus féminins". Crayon sur papier. Signé avec un tampon dans le coin supérieur gauche. Présente des taches de rouille. Dimensions : 30 x 23 cm ; 60 x 49,5 cm (cadre). Sculpteur, dessinateur et graveur, il fut l'un des premiers artistes considérés comme novecentistes par Eugenio D'Ors. Formé à l'école de la Lonja de Barcelone et à l'Académie des Baixas, il a été l'élève des sculpteurs Benlliure, Querol, Vallmitjana et Llimona. Primé lors d'un concours pour nouveaux artistes à l'Ateneo Barcelonés en 1903, il expose en 1906 à la Sala Parés. Il obtient la deuxième et la troisième médaille à la cinquième exposition internationale des beaux-arts de Barcelone, en 1907, et la deuxième médaille à la sixième exposition, en 1911. En 1910, il voyage à Paris grâce à une bourse de la mairie de Barcelone. Entre 1913 et 1914, il étudie à l'École nationale des arts décoratifs de la capitale française, puis entame une série de voyages en Angleterre et aux États-Unis, où il organise de nombreuses expositions. Il s'installe définitivement à New York en 1918, où il collabore avec la Hispanic Society. En 2005, la Fondation Palau lui a consacré une rétrospective. Les matrices de ses gravures sont conservées à l'Unité graphique de la Bibliothèque de Catalogne et à la Calcografía Nacional de Madrid. Un grand nombre de ses estampes se trouvent également au British Museum de Londres, et il est également représenté au Museo Reina Sofía de Madrid, au Museo de Arte Contemporáneo de Barcelone, au MoMA de New York, à la Calcografía Nacional de Madrid et à la Biblioteca de Cataluña.

Estim. 400 - 450 EUR

Lot 34 - FRANCISCO JAVIER GOSÉ ROVIRA (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915). "Dame au chat", 1913. Affiche lithographique. Estampes D'Art Devambez. Avec le cachet de l'éditeur. Signée dans la planche. Œuvre cataloguée dans "Xavier Gosé, Il.lustrador de la modernitat", Ed. Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), 2015, Barcelone, p. 18. Collection : Monografies (Museu Nacional d'Art de Catalunya), 3. Présente quelques dommages, plis et défauts latéraux du papier. Dimensions : 50 x 35 cm. Le style de Javier Gosé oscille entre le modernisme et l'art-déco français et reflète la vie de la société parisienne. Inspiré par la vie mondaine des cafés-concert, des prostituées, des courses de chevaux, des sportifs et du célèbre Montmartre, son style reflète la finesse et la délicatesse de la société française de l'époque, bien qu'il ne soit pas exempt de certaines caractéristiques picaresques du Paris insouciant. Francisco Javier Gosé a été un dessinateur et un peintre incontournable du monde graphique et de la mode lors de la transition entre le XIXe et le XXe siècle. Il a étudié à Barcelone, où il a été l'assistant du dessinateur José Luis Pellicer. Il collabore très tôt à des publications barcelonaises, depuis "La Esquella de la Torratxa", "La saeta", où son attachement au modernisme est évident, jusqu'à "Mundial Magazine" et "Fémina", où une ligne précubiste commence déjà à se dessiner. Sa première exposition a lieu à Els Quatre Gats. À Barcelone, il représente le prolétariat, bien qu'en 1900 il se rende à Paris, où il collabore avec "La vie illustrée", "Le frou-frou", entre autres. Il expose dans les galeries Parés et Dalmau de Barcelone, la galerie Vilches (Madrid), Georges Petit et Ritlinger (toutes deux à Paris). Jusqu'à ce moment-là, ses œuvres portaient un regard satirique et réaliste sur les bourgeois, les snobs et les prostituées, mais ce regard changea en 1907, lorsqu'il commença une étape plus stylisée, moins réaliste et moins ironique, notamment en raison de ses débuts dans le monde de la mode, dans lequel Gosé cherchait à créer une tendance au sein de la société féminine. Son séjour à Paris marque un tournant dans sa vie et sa production artistique, car c'est dans la capitale française qu'il élargit ses connaissances, devenant un artiste à succès qui obtient des commandes intéressantes en tant qu'illustrateur dans les meilleures revues satiriques. En 1910, il commence à collaborer avec des revues allemandes telles que "Ulk". En 1914, la Première Guerre mondiale éclate, circonstance qui, ajoutée aux graves problèmes de santé dont il souffre, le prive de l'environnement élégant de Paris et l'amène à s'installer dans la ville de Vichy, célèbre pour ses stations thermales. Peu après, Gosé retourne à Barcelone et passe les derniers jours de sa vie à Lleida. Parmi les expositions posthumes, on peut citer le Círculo Artístico, l'année même de sa mort, la rétrospective à la galerie Rovira (1970) et à la fondation La Caixa (1984). Il est représenté dans les musées d'art moderne de Barcelone et de Madrid, entre autres.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

Lot 35 - FRANCISCO JAVIER GOSÉ ROVIRA (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915). "L'arbre de Mai. Robes simples pour l'été". Pochoir enluminé à la main sur papier Velin. Signé. Épreuve d'état de L'Arbre de Mai-Revista La Gazette du Bon Ton 1914, nº5, p. 42. Dimensions : 19 x 34 cm ; 26 x 40 cm (passe-partout). Le style de Javier Gosé oscille entre le modernisme et l'art-déco français et reflète la vie de la société parisienne. Inspiré par la vie mondaine des cafés-concert, des prostituées, des courses de chevaux, des sportifs et du célèbre Montmartre, son style reflète la finesse et la délicatesse de la société française de l'époque, bien qu'il ne soit pas exempt d'une certaine caractéristique picaresque du Paris insouciant. Francisco Javier Gosé a été un dessinateur et un peintre incontournable du monde graphique et de la mode lors de la transition entre le XIXe et le XXe siècle. Il a étudié à Barcelone, où il a été l'assistant du dessinateur José Luis Pellicer. Il collabore très tôt à des publications barcelonaises, depuis "La Esquella de la Torratxa", "La saeta", où son attachement au modernisme est évident, jusqu'à "Mundial Magazine" et "Fémina", où une ligne précubiste commence déjà à se dessiner. Sa première exposition a lieu à Els Quatre Gats. À Barcelone, il représente le prolétariat, bien qu'en 1900 il se rende à Paris, où il collabore avec "La vie illustrée", "Le frou-frou", entre autres. Il expose dans les galeries Parés et Dalmau de Barcelone, la galerie Vilches (Madrid), Georges Petit et Ritlinger (toutes deux à Paris). Jusqu'à ce moment-là, ses œuvres portaient un regard satirique et réaliste sur les bourgeois, les snobs et les prostituées, mais ce regard changea en 1907, lorsqu'il commença une étape plus stylisée, moins réaliste et moins ironique, notamment en raison de ses débuts dans le monde de la mode, dans lequel Gosé cherchait à créer une tendance au sein de la société féminine. Son séjour à Paris marque un tournant dans sa vie et sa production artistique, car c'est dans la capitale française qu'il élargit ses connaissances, devenant un artiste à succès qui obtient des commandes intéressantes en tant qu'illustrateur dans les meilleures revues satiriques. En 1910, il commence à collaborer avec des revues allemandes telles que "Ulk". En 1914, la Première Guerre mondiale éclate, circonstance qui, ajoutée aux graves problèmes de santé dont il souffre, le prive de l'environnement élégant de Paris et l'amène à s'installer dans la ville de Vichy, célèbre pour ses stations thermales. Peu après, Gosé retourne à Barcelone et passe les derniers jours de sa vie à Lleida. Parmi les expositions posthumes, on peut citer le Círculo Artístico, l'année même de sa mort, la rétrospective à la galerie Rovira (1970) et à la fondation La Caixa (1984). Il est représenté dans les musées d'art moderne de Barcelone et de Madrid, entre autres.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 36 - FRANCISCO JAVIER GOSÉ ROVIRA (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915). "Dame au chien", 1913. Affiche lithographique. Estampes D'Art Devambez. Avec le cachet de l'éditeur. Signée dans la planche. Œuvre cataloguée dans "Xavier Gosé, Il.lustrador de la modernitat", Ed. Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), 2015, Barcelone, p. 18. Collection : Monografies (Museu Nacional d'Art de Catalunya), 3. Présente quelques dommages, plis et défauts latéraux du papier. Dimensions : 50 x 35 cm. Le style de Javier Gosé oscille entre le modernisme et l'art-déco français et reflète la vie de la société parisienne. Inspiré par la vie mondaine des cafés-concert, des prostituées, des courses de chevaux, des sportifs et du célèbre Montmartre, son style reflète la finesse et la délicatesse de la société française de l'époque, bien qu'il ne soit pas exempt de certaines caractéristiques picaresques du Paris insouciant. Francisco Javier Gosé a été un dessinateur et un peintre incontournable du monde graphique et de la mode lors de la transition entre le XIXe et le XXe siècle. Il a étudié à Barcelone, où il a été l'assistant du dessinateur José Luis Pellicer. Il collabore très tôt à des publications barcelonaises, depuis "La Esquella de la Torratxa", "La saeta", où son attachement au modernisme est évident, jusqu'à "Mundial Magazine" et "Fémina", où une ligne précubiste commence déjà à se dessiner. Sa première exposition a lieu à Els Quatre Gats. À Barcelone, il représente le prolétariat, bien qu'en 1900 il se rende à Paris, où il collabore avec "La vie illustrée", "Le frou-frou", entre autres. Il expose dans les galeries Parés et Dalmau de Barcelone, la galerie Vilches (Madrid), Georges Petit et Ritlinger (toutes deux à Paris). Jusqu'à ce moment-là, ses œuvres portaient un regard satirique et réaliste sur les bourgeois, les snobs et les prostituées, mais ce regard changea en 1907, lorsqu'il commença une étape plus stylisée, moins réaliste et moins ironique, notamment en raison de ses débuts dans le monde de la mode, dans lequel Gosé cherchait à créer une tendance au sein de la société féminine. Son séjour à Paris marque un tournant dans sa vie et sa production artistique, car c'est dans la capitale française qu'il élargit ses connaissances, devenant un artiste à succès qui obtient des commandes intéressantes en tant qu'illustrateur dans les meilleures revues satiriques. En 1910, il commence à collaborer avec des revues allemandes telles que "Ulk". En 1914, la Première Guerre mondiale éclate, circonstance qui, ajoutée aux graves problèmes de santé dont il souffre, le prive de l'environnement élégant de Paris et l'amène à s'installer dans la ville de Vichy, célèbre pour ses stations thermales. Peu après, Gosé retourne à Barcelone et passe les derniers jours de sa vie à Lleida. Parmi les expositions posthumes, on peut citer le Círculo Artístico, l'année même de sa mort, la rétrospective à la galerie Rovira (1970) et à la fondation La Caixa (1984). Il est représenté dans les musées d'art moderne de Barcelone et de Madrid, entre autres.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

Lot 37 - LUIS GRANER ARRUFÍ (Barcelone, 1863 - 1929). "Le marronnier". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Présente des craquelures. Dimensions : 50 x 36 cm ; 68 x 56 cm (cadre). Luis Graner a été formé à l'école de La Lonja de Barcelone, où il a été le disciple de Benito Mercadé et d'Antonio Caba. En 1886, il se rend à Paris grâce à une bourse de la Diputación de Barcelona. Pendant les cinq années qu'il passe dans la capitale française, il obtient deux troisièmes médailles aux expositions universelles de Barcelone (1888) et de Paris (1889). De nouveau installé à Barcelone en 1891, il continue à participer à d'importantes expositions internationales, telles que celles de Berlin (1891), Munich (1892), Düsseldorf (1904). Il envoie également des œuvres aux expositions nationales des beaux-arts, obtenant une troisième médaille en 1895 et 1897, une deuxième en 1901 et une décoration en 1904. Cette même année, Graner crée la Sala Mercè, conçue par Gaudí, où il organise ses "visions musicales", des spectacles qui associent la poésie à la musique, la scénographie au cinéma. Enfin, ruiné, il s'installe en Amérique. Il arrive à New York en 1910 et, la même année, il présente une exposition personnelle à la Edward Brandus Gallery. Le succès de cette exposition lui vaut d'importantes commandes, dont le portrait du magnat Carlos B. Alexander. Après avoir passé cinq mois à Barcelone, Graner repart pour New York, sa destination finale étant La Havane. En 1911, il quitte Cuba pour la Nouvelle-Orléans et, peu de temps après, il est déjà à San Francisco. Il y inaugure une exposition de soixante-seize tableaux au California Club, la plus grande exposition individuelle jamais organisée dans cette ville. À la même époque, il peint plusieurs tapisseries pour le réalisateur David W. Griffith. Avant la fin de l'année, il est de retour à New York, où il expose à nouveau individuellement avec beaucoup de succès. Il continue à peindre des portraits de personnalités nationales importantes et, en 1912, il organise une autre exposition importante, cette fois aux Ralston Galleries (New York). Au cours des années suivantes, il poursuit sa brillante carrière internationale au Brésil et au Chili, pour finalement retourner aux États-Unis, où il restera en raison de l'éclatement de la Grande Guerre, passant par New York, la Nouvelle-Orléans, Chicago et d'autres villes, exposant toujours sa peinture avec un grand succès. Dans les années vingt, il voyage en Argentine, en Uruguay et à Cuba, et c'est finalement à la Nouvelle-Orléans qu'il est frappé par une grave maladie qui endommage irrémédiablement son esprit et transforme également son œuvre, qui perd la force et la transcendance des étapes précédentes. Fauché et malade, incapable de trouver un marché pour ses peintures, il retourne finalement à Barcelone en 1928, peu avant sa mort, après dix-huit années de gloire qui se sont achevées dans la misère. La même année, il expose individuellement à l'hôtel Ritz et aux galeries Layetanas de Barcelone et, à la fin de l'année, il organise une importante rétrospective à la Sala Parés, avant de s'éteindre en mai 1929 à l'âge de soixante-six ans. Son œuvre est présente au musée du Prado, au MACBA de Barcelone, au musée national d'art de Catalogne, à la Hispanic Society de New York et au musée Balaguer de Vilanova i la Geltrú, entre autres, ainsi que dans d'importantes collections privées catalanes.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

Lot 38 - Attribué à THÉODORE ROUSSEAU (France, 1812 - 1867). "Le fauchage". Huile sur toile. Etiquette signée au dos. Dimensions : 28 x 41 cm ; 42,5 x 56 cm (cadre). Un faucheur porte une botte de foin sur son dos et se dirige vers une charrette déjà remplie de paille pressée. Un bœuf est arrêté au milieu de la route et un autre cherche de l'ombre sous les montagnes de foin. Derrière les personnages, un vaste ciel bleu est parsemé de nuages épars. La touche est vibrante et le trait épais, donnant naissance à un langage impressionniste comparable à celui de l'école de Barbizon. L'un des principaux représentants de l'école de Barbizon, caractérisée par une vision réaliste du paysage, Théodore Rousseau partage les difficultés des peintres romantiques de 1830 à obtenir une place pour ses tableaux au Salon de Paris. Après avoir été refusé au Salon de 1836, il se retire à Barbizon et forme, avec d'autres artistes comme Corot ou Millet, ce que l'on appelle l'école de Barbizon. Il y cultive la peinture de paysages extérieurs, avec un traitement de la nature proche de celui des maîtres hollandais du XVIIe siècle, particulièrement axé sur les phénomènes atmosphériques et naturels. Ce n'est qu'en 1848 que son œuvre est véritablement présentée au public, lorsqu'il est enfin admis au Salon de Paris. La même année, il s'installe définitivement à Barbizon, où il passera le reste de sa vie. Lors de l'Exposition universelle de 1853, où tous les tableaux de Rousseau précédemment rejetés sont rassemblés et où une salle lui est consacrée, il est reconnu par le public et les critiques comme l'un des meilleurs participants de l'exposition. Ses œuvres se caractérisent par leur sobriété, avec un air de mélancolie exquise qui attire fortement le spectateur. Rousseau est actuellement représenté dans les plus grands musées du monde, dont le Louvre et Orsay à Paris, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres, le Rijksmuseum à Amsterdam, la Frick Collection à New York, la Thyssen-Bornemisza à Madrid et l'Albertina à Vienne, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 39 - CHARLES-EMILE JACQUE (France, 1813 - 1894). "La fin du jour". Huile sur toile. Signée dans la marge inférieure. Dimensions : 29 x 38,5 cm ; 35 x 45 cm (cadre). Un paysan, monté sur un cheval blanc, occupe le centre de cette composition paysagère d'un coucher de soleil riche en nuances de terre et d'ocre. Les deux chevaux s'abreuvent à un étang dont les eaux calmes ondulent doucement et agissent comme un miroir des lumières argentées du ciel. Charles-Émile Jacque était un peintre et graveur français de l'école de Barbizon, spécialisé dans la peinture d'animaux. Il commence à apprendre à graver des cartes lorsqu'il est dans l'armée française. Après son service militaire, il se rend en Angleterre, où il travaille comme graveur pour Le Charivari. En peinture, ses sujets sont essentiellement rustiques : bergers, troupeaux de moutons, cochons, scènes de la vie agricole. De retour en France après avoir vécu deux ans à l'étranger, il fait ses débuts au Salon de Paris de 1833 avec deux œuvres et participe régulièrement au Salon jusqu'en 1870. Récompensé à la fois pour ses gravures et ses peintures, il reçoit la Légion d'honneur en 1867.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 40 - FILIPPO TOMMASO MARINETTI (Alexandrie, Égypte, 1876-Bellagio, Côme, 1944). "Le futurisme contre le passéisme". Londres, 1914. Technique mixte sur papier. Signé et daté. Avec un dessin au dos de JOSÉ CAPUZ (1884-1964). Dimensions : 21 x 18 cm. Composition graphique de Marinetti, dessin original du fondateur du futurisme (peut-être une esquisse pour une affiche), au dos duquel figure un dessin du sculpteur José Capuz. Daté à Londres, de manière significative, l'année de l'éclatement de la Première Guerre mondiale. Connu pour être le fondateur du mouvement futuriste, la première avant-garde italienne du XIXe siècle, qui a servi de base au fascisme de Mussolini. Marinetti était un poète, écrivain, idéologue, dramaturge et éditeur italien. Il est issu de la communauté artistique et littéraire utopique et symboliste de l'Abbaye de Créteil, dont il a été membre entre 1907 et 1908. Poète, politicien et idéologue, il a été fortement influencé par Friedrich Nietzsche, Sorel, Giuseppe Mazzini et par le poète Gabriele D'Annunzio. Il est l'auteur du Manifeste futuriste, écrit et publié en 1909, et du Manifeste fasciste, écrit et publié en 1919. Considéré comme le père du fascisme italien, il a travaillé en étroite collaboration avec Mussolini et l'a beaucoup inspiré. En 1942, il a combattu en territoire soviétique au sein d'un corps expéditionnaire italien et a été blessé à Stalingrad. Son poème le plus célèbre est "Les 5 étoiles". Principalement sculpteur, bien qu'il ait également été peintre et dessinateur, José Capuz a été formé aux académies royales des beaux-arts de San Carlos à Valence et de San Fernando à Madrid. Il a poursuivi ses études dans l'atelier du sculpteur Félix Granda et, grâce à une bourse, il a effectué un long voyage qui l'a conduit à Rome, Florence, Naples et Paris. Académicien de San Fernando depuis 1927, il est actuellement représenté au musée provincial de Jaen et dans les collections de diverses confréries, ainsi que dans des lieux publics de plusieurs villes espagnoles.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 41 - Cercle de JOHAN BARTHOLD JONGKIND (Lattrop, 1819-près de Grenoble, 1891). "Coucher de soleil". Huile sur panneau. Dimensions : 25,5 x 33,5 cm ; 34 x 41,5 cm (cadre). Peinture sur le thème de la côte à l'heure magique du coucher du soleil. Le disque doré disparaît derrière la ligne d'horizon et fait ses adieux dans une symphonie ignée. Sur le rivage, des cabanes et des maisons précaires se dessinent face à la mer. Le tableau s'inspire des paysages marins nocturnes de Johan Barthold Jongkind, résolus dans un langage pré-impressionniste. Johan Barthold Jongkind était un peintre et graveur néerlandais considéré comme l'un des précurseurs de l'impressionnisme. Il étudie l'art à l'école de La Haye sous la tutelle du peintre romantique Andreas Schelfhout, et peint ses premiers tableaux dans le style de la peinture flamande traditionnelle. En 1846, il s'installe à Paris et devient l'élève d'Eugène Isabey jusqu'à ce qu'il soit contraint, en 1855, de retourner aux Pays-Bas en raison de problèmes économiques et de s'installer à Rotterdam. Il revient à Paris en avril 1860 et exprime désormais son attirance pour la marine lors de ses séjours sur la côte normande au Havre, à Sainte-Adresse (voir aquarelle), à Honfleur et à Trouville. Il y rencontre Boudin et surtout Monet, qui reconnaît sincèrement sa dette envers l'artiste hollandais : "c'est à lui que je dois l'éducation définitive de mes yeux". Il participe au Salon des Refusés de 1863 avec le tableau Ruines du château de Rosemont, à côté du tableau controversé de Manet Le déjeuner sur l'herbe, tous deux conservés au musée d'Orsay. Ses paysages de Normandie, des canaux et des plages de la mer du Nord, des bords de Seine, de Paris, et plus tard de Grenoble, traduisent dans des tons finement nuancés la lumière et l'atmosphère de ces lieux. Contrairement aux impressionnistes, il peint ses tableaux en atelier d'après les croquis et les aquarelles qu'il dessine à l'extérieur. Il répète parfois le même sujet sous différentes lumières ou à différentes saisons (idée typiquement impressionniste reprise plus tard par son ami Monet). Il mène une vie désordonnée et finalement, atteint de troubles psychiques (mélancolie, paranoïa) et alcoolique, il meurt à l'asile de Saint-Égrève près de Grenoble. Selon Monet, l'œuvre de Jongkind, avec celles de Corot et de Boudin, est à l'origine de l'impressionnisme.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 42 - MANUEL HUMBERT I ESTEVE (Barcelone, 1890 - 1975). "Paysage". 1932. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Elle a appartenu à l'ancienne collection de Raimond Maragall. Publié dans "33 peintres catalans", par Joan Merlí, 1937, p. 104. Dimensions : 38,5 x 55,5 cm. Le style de Manuel Humbert, d'un lyrisme contenu et délicat, s'exprime de manière singulière dans ce paysage où les maisons et les jardins sont intégrés à la nature. Humbert a été formé à Barcelone à l'école Llotja et a également été l'élève de Francesc d'Assís Galí à son académie. Il s'est fait connaître dans l'hebdomadaire satirique "Papitu", sous le pseudonyme d'Isaac, et a également collaboré avec la revue "Picarol". En 1915, il réalise sa première exposition individuelle aux galeries Layetanas de Barcelone. Entre 1909 et 1939, il vit entre Barcelone et Paris, où il se lie d'amitié avec Picasso, Modigliani, Soutine et Kisling. Membre fondateur du groupe Les Arts y els Artistes, il collabore en 1929 à la décoration du Palais national de Montjuic (actuel Musée national d'art de Catalogne). Ami de X. Nogués et de J. Aragay, il rejoint le courant réaliste du noucentisme et participe aux Salones de los Once de 1944 et 1953, tout en exposant individuellement à la Sala Parés à partir de 1927. Il travaille indistinctement à la sanguine, à la gravure, à la gouache et à l'huile. Il expose à Barcelone, Madrid et Paris et reçoit le prix Nonell en 1934. En 1953, il a reçu le grand prix de peinture à l'eau de la Biennale hispano-américaine de La Havane. Manuel Humbert est le peintre des femmes dans des intérieurs à l'éclairage nuancé, habillées, semi-habillées ou nues, mais toujours avec une certaine pudeur, révélant le caractère soigné et retenu de l'auteur. Il est actuellement représenté au Musée national d'art de Catalogne, entre autres, ainsi que dans diverses collections privées.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

Lot 43 - BENJAMIN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). "Les années 40. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Œuvre vérifiée par Ramón Palencia. Dimensions : 31 x 45 cm ; 60 x 75 cm (cadre). Dans les années quarante, la peinture de Benjamín Palencia atteint sa pleine maturité lorsqu'il sait se soustraire aux dogmes cubistes pour revenir à une figuration de sa propre culture. Il saisit alors la rudesse de la vie paysanne de l'après-guerre, des villages castillans, des coins qui transmettent un halo épuré et rugueux, bien qu'imprégné de sentiment. Fondateur de l'école de Vallecas avec Alberto Sánchez, sculpteur, Benjamín Palencia fut l'un des plus importants héritiers de la poétique du paysage castillan typique de la Génération 98. Alors qu'il n'a que quinze ans, Palencia quitte sa ville natale et s'installe à Madrid pour parfaire sa formation grâce à ses fréquentes visites au musée du Prado, car il a toujours rejeté les enseignements officiels de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 1925, il participe à l'exposition des artistes ibériques qui se tient au palais du Retiro à Madrid et, en 1926, il se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso, Gargallo et Miró et se familiarise avec la technique du collage, qu'il appliquera plus tard à son œuvre, en y incorporant de nouveaux matériaux tels que le sable ou les cendres. C'est à partir de ce séjour parisien que l'œuvre de Palencia acquiert une tonalité surréaliste, qui se manifeste par une liberté expressive de plus en plus grande, qui atteindra sa plénitude dans sa période de maturité. De retour à Madrid, il fonde l'École de Vallecas (1927) et fait ses débuts individuels au Musée d'art moderne (1928). Palencia abandonnera progressivement les natures mortes pour reprendre le paysage castillan, le capturant à travers une magnifique synthèse entre tradition et avant-garde. Cette esthétique personnelle du paysage atteindra son apogée dans l'École de Vallecas et, après une brillante incursion surréaliste au début des années trente, au moment où éclate la guerre civile, Palencia reste à Madrid, subissant comme ses pairs de sa génération une période de crise profonde. Après la guerre, entre 1939 et 1940, sa peinture prend un tournant radical ; il abandonne les influences cubistes et abstraites et même les aspects surréalistes, à la recherche d'un art à fort impact chromatique, lié au fauvisme. Concentré sur son travail de paysagiste, Palencia reprend en 1942 l'expérience de l'école de Vallecas avec les jeunes peintres Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló et Francisco San José. Son œuvre rassemblera des images de la campagne castillane, de ses paysans et de ses animaux ; sa peinture devient un témoignage de la rudesse, de la grossièreté et de la ruralité, de l'expressivité subtile de la sobriété castillane. Déjà pleinement consolidé, il obtient en 1943 la première médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts et, en 1944, il est sélectionné pour participer au Salón de los Once de Eugenio D'Ors à Madrid. L'année suivante, il reçoit la médaille d'honneur de l'Exposition nationale, bien qu'il y renonce pour faciliter sa concession à José Gutiérrez Solana, décédé quelques jours avant la décision du jury. À partir de cette décennie, il expose dans des centres d'art et des galeries comme le Círculo de Bellas Artes de Madrid ou la galerie Estilo, et en 1946, il est à nouveau sélectionné pour le Salón de los Once. Il commence également à participer à des expositions internationales, comme celles d'art contemporain espagnol organisées en 1947 à Buenos Aires, Rio de Janeiro et Sao Paulo. Il reçoit également le Grand Prix de la Biennale hispano-américaine de Madrid (1951) et expose au Musée d'art moderne de Paris (1951), à la Biennale de Venise (1956), au Palais de la Princesse de Paravinci à Rome (1965), etc. En 1973, il est nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando et, en 1978, il rejoint l'Académie de San Jorge à Barcelone. Cette même année, il reçoit la médaille d'or du mérite des beaux-arts. Benjamín Palencia est actuellement représenté au musée national Reina Sofía, au Patio Herreriano de Valladolid et aux musées des beaux-arts de Valence et d'Albacete, entre autres. Travail vérifié par Ramón Palencia.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 44 - GUIDO GRIMANI (Italie, 1871-1933). "Scène côtière avec pêcheurs". Huile sur toile. Signée. Elle présente une restauration visible au dos. Dimensions : 38 x 62 cm ; 63 x 76,5 cm, (cadre). Grimani est né à Trieste. Il a développé une peinture de paysage redevable au romantisme, mais déjà proche de l'esthétique de la décadence de la fin du siècle. Nous voyons ici un coucher de soleil sur une plage de pêcheurs, avec les personnages en silhouette à contre-jour. Le ciel orangé capte les derniers rayons d'un soleil faible mais intense, et les vagues se brisent sur le rivage en cadence rythmée, faisant scintiller une infinité de reflets sur le sable comme dans un miroir. Une restauration est visible au dos.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 45 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Barcelone, 1996). "Rue des Pals, Gérone", 1973. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 56 x 46 cm ; 74 x 64 cm (cadre). Fils du peintre Ribera Blázquez, il a été formé à l'Académie de San Fernando. Dans les années trente, il se consacre à l'affiche et, pendant la guerre civile, il travaille comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 46 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Barcelone, 1996). "Chapelle des Douleurs, Madrid", 1973. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur. Dimensions : 46 x 55 cm ; 65 x 73 cm (cadre). Fils du peintre Ribera Blázquez, il a été formé à l'Académie de San Fernando. Dans les années trente, il se consacre à l'affiche et, pendant la guerre civile, il travaille comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 47 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Malaga 1990). "La boisson", 1943. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 93 x 117 cm ; 110 x 132 cm (cadre). Fils du peintre Ribera Blázquez, il a été formé à l'Académie de San Fernando. Dans les années trente, il se consacre à l'affiche et, pendant la guerre civile, il travaille comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 48 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Barcelone, 1996). "Vierge à l'enfant", 1942. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 80 x 64 cm ; 100 x 83 cm (cadre). Fils du peintre Ribera Blázquez, il a été formé à l'Académie de San Fernando. Dans les années trente, il se consacre à l'affiche et, pendant la guerre civile, il travaille comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 49 - ROMÁN RIBERA CIRERA (Barcelone, 1848 - 1935). "Scène de casacón", vers 1890. Huile sur toile. Signée dans la marge inférieure. Dimensions : 94 x 108 cm ; 120 x 1333 cm (cadre). Scène d'intérieur flamande, située dans une taverne hollandaise ou belge du XVIIIe siècle. Dans ce type de peintures de casacón, Román Ribera a fait preuve d'une grande habileté pour peindre les vêtements et les types humains avec réalisme et saveur littéraire. L'utilisation judicieuse des glaçures dans les verres de cristal et dans la douceur des tissus est combinée à la caractérisation naturaliste des visages et des attitudes. Une jeune servante coiffée d'un bonnet et deux hommes en costumes traditionnels, dont un joueur de tambour, occupent cet intérieur spartiate, travaillé avec des lumières chaudes et accueillantes. Peintre catalan, Román Ribera a étudié le dessin à l'école de la Lonja à Barcelone et la peinture à l'académie de Pere Borrell. Il a poursuivi ses études à Rome, entre 1873 et 1976, et a voyagé et exposé à Londres. Dans la capitale italienne, il fréquente l'Académie Chigi et se consacre à la peinture, tout en évitant la contagion du maniérisme académique de l'école romaine. En 1877, il se rend à Paris, sous la direction du marchand d'art Adolphe Goupil, qui a acquis les droits de reproduction de toutes ses œuvres. Il y poursuit sa formation en étudiant cette fois directement les scènes de la vie parisienne. Un an plus tard, il participe à l'Exposition universelle de Paris, où il obtient un succès décisif grâce aux trois œuvres qu'il présente. En 1881, il participe à l'Exposition nationale de Madrid, précisément avec l'œuvre de décor baroque susmentionnée, et en 1883, il reçoit l'Encomienda de Isabel la Católica. Après douze années passées à Paris, il retourne à Barcelone, où il a déjà exposé au Centro de Acuarelistas (1885) et à la Sala Parés, récemment inaugurée. Il expose ensuite à l'Association artistique et littéraire et aux salles Parés et Rovira, ainsi qu'à l'Exposition universelle de 1888 et à l'Exposition des beaux-arts de 1894, obtenant un grand succès critique et public, et gagnant bientôt les faveurs de la riche bourgeoisie catalane. En 1893, il présente deux tableaux à l'exposition organisée par l'Ateneo de Barcelona : "Inocencia" et "Incógnitca". Individuellement, Cirera expose régulièrement ses œuvres dans la salle Rovira et, en tant que groupe, il est membre de la Société artistique et littéraire de Catalogne. Il fait partie de plusieurs jurys officiels, ainsi que du conseil des musées de Barcelone, en 1901. En 1915, il est nommé membre du mérite du Cercle artistique de Barcelone. De retour en Espagne, Ribera continue à dépeindre la vie des classes supérieures, le luxe de leurs demeures, la richesse de leurs tenues de fête, etc., devenant un fidèle portraitiste de la haute bourgeoisie catalane de la Restauration, comme il l'avait déjà été de la bourgeoisie française de la IIIe République. Il travailla principalement à Barcelone, mais se rendit également à Madrid où il organisa des expositions de ses œuvres. Son œuvre est actuellement conservée au MACBA de Barcelone, au Museu d'Art de Girona, au Museu de Montserrat, à la Biblioteca Víctor Balaguer et dans diverses collections privées importantes.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 50 - FRANCISCO RIBERA GÓMEZ (Madrid, 1907 - Malaga 1990). "Maternité", 1974. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 160 x 230 cm ; 180 x 248 cm (cadre). Dans cette peinture de groupe, une jeune mère entourée de ses nombreux enfants, les dons de Francisco Ribera avec le genre du portrait sont rendus patents. Son style combine l'influence romantique avec le naturalisme et les thèmes qui lui sont contemporains. Fils du peintre Ribera Blázquez, il a étudié à l'Académie de San Fernando. Dans les années 30, il travaille comme affichiste et, pendant la guerre civile, comme dessinateur publicitaire. En 1945, il obtient la chaire de dessin d'après nature au repos à l'École des beaux-arts de Barcelone, dont il deviendra finalement le directeur entre 1964 et 1972. En 1946, il est nommé membre honoraire de l'Association espagnole des peintres et sculpteurs et, l'année suivante, il reçoit la même nomination du Círculo de Bellas Artes de Madrid, après avoir remporté le prix du ministère de l'éducation nationale au Salón de Otoño de la capitale. Académicien de San Fernando depuis 1967, il est également membre de l'Académie de Santa Isabel de Hungría à Séville depuis 1971. Il a remporté plusieurs prix lors de concours nationaux, dont la médaille d'or du concours national de Madrid en 1950, et internationaux, avec des médailles d'or aux expositions de Bruxelles (1965) et de Paris (1968).

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 51 - ANTONIO TORRES FUSTER (Tarragone, 1874 - Barcelone, 1945). "Portrait de femme. Huile sur toile. Signé dans le coin inférieur droit. Présente quelques manques dans le cadre. Dimensions : 62 x 50 cm ; 86 x 72 cm (cadre). Buste de dame résolu avec des tons chauds qui estompent les contours, renforçant ainsi l'allure énigmatique de la jeune femme aux grands yeux et au visage pensif. Peintre et dessinateur, Antonio Torres Fuster s'est spécialisé dans le genre costumbrista, avec une prédilection pour la figure féminine, en particulier les "bailaoras", les gitanes et les cupletistas. Il a participé à diverses expositions collectives et concours artistiques tels que les expositions de Barcelone de 1894, 1896 et 1919, ou l'exposition d'art de Vilafranca del Penedés en 1926. Il a également exposé ses œuvres lors de la 17e exposition annuelle extraordinaire de la Sala Parés en 1900. Antonio Torres Fuster est représenté au musée d'art moderne de Tarragone, ainsi que dans d'importantes collections privées espagnoles.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 52 - JOSEP LLIMONA BRUGUERA (Barcelone, 1864 - 1934). "Modèstia", 1891. Stuc polychrome. Signé. Estampillé Esteva & Cia, Barcelone. Œuvre cataloguée dans "Una passejada per l'obra de Josep Llimona, 150 anys", MEAM, 2015, p. 104. Dimensions : 42 x 34 x 15 cm. La sculpture "Modèstia" témoigne des caractéristiques les plus personnelles de Josep Llimona : l'idéalisme naturaliste, le penchant pour le côté aimable de la réalité et, surtout, une grande délicatesse et beauté dans ses figures féminines, toujours sveltes et innocentes, enveloppées d'un voile de mystère. Josep Limona est considéré comme le sculpteur catalan le plus important du modernisme. Formé à l'école Llotja de Barcelone, il obtient une pension pour aller à Rome en 1880. Pendant son séjour en Italie, il a été influencé par la sculpture de la Renaissance florentine. Avec les œuvres qu'il envoie de là-bas, il obtient des prix (médaille d'or à l'exposition universelle de Barcelone en 1888), ainsi qu'une grande réputation. Avec son frère Joan, il fonde le Círculo Artístico de Sant Lluc, une association artistique catalane à caractère religieux (les deux frères étaient profondément croyants). Vers le milieu des années 90, son style dérive déjà vers le modernisme intégral. Il reçoit le prix d'honneur de l'Exposition internationale des beaux-arts qui se tient en 1907 à Barcelone. À partir de 1900, il se concentre sur ses célèbres nus féminins et, en 1914, il crée, en collaboration avec Gaudí, son impressionnant "Christ ressuscité". Son génie artistique se manifeste également dans de grands monuments publics, comme la statue équestre de Saint-Jordi dans le parc de Montjuic à Barcelone, ainsi que dans des œuvres d'imagerie funéraire, comme les panthéons qu'il a créés pour plusieurs cimetières. Outre ses expositions à Barcelone et dans d'autres villes catalanes, il a exposé ses œuvres à Madrid, Bruxelles, Paris, Buenos Aires et Rosario (Argentine). Il a été président du conseil des musées de Barcelone entre 1918 et 1924, puis de nouveau de 1931 à sa mort en 1934. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses décorations, notamment de la part des gouvernements français et italien. Il a également reçu la médaille d'or de la ville de Barcelone en 1932, en reconnaissance de son travail extraordinaire dans le développement de l'activité muséale. L'œuvre de Llimona est conservée au monastère de Montserrat, au musée national d'art de Catalogne et au musée Reina Sofia, entre autres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 53 - École italienne ; d'après les modèles de GIUSEPPE MAZZOLINI (Italie, 1806-1876), XIXe siècle. "Soins maternels", 1865. Huile sur toile. Relié. Légers dommages, repeints et restaurations sur la surface picturale et dommages au cadre. Dimensions : 100 x 73 cm ; 119 x 93 cm (cadre). Le peintre académique Giuseppe Mazzolini s'est inspiré à plusieurs reprises des maîtres de la Renaissance. Copier les classiques était un exercice fréquent chez les peintres du néoclassicisme. Souvent pour les vendre à des voyageurs étrangers. Cette peinture est à son tour réalisée par un copiste. Les futurs artistes avaient la possibilité d'apprendre en copiant les œuvres des grands maîtres. Bien qu'il s'agisse d'une pratique très courante au cours du XIXe siècle et au début du XXe siècle, le musée du Prado est aujourd'hui le seul musée de la capitale qui admet les copistes de manière réduite, afin qu'ils ne puissent pas interrompre le passage des visiteurs. La maternité est un thème récurrent au cours du XIXe siècle, qui s'appuie d'une certaine manière sur une religiosité fondée sur la figure de la Vierge à l'enfant. La représentation de la maternité recherche un thème de caractère aimable et doux, dans la plupart des cas dans une atmosphère chaleureuse, où l'on apprécie le bonheur du foyer, comme dans le cas de ce tableau où le traitement de la lumière et de la couleur nous transporte dans l'atmosphère susmentionnée. Le tableau se distingue par sa finition réaliste que l'on peut voir aussi bien dans les traits des protagonistes que dans les vêtements qui inscrivent l'œuvre dans une tendance esthétique de caractère costumbrista. L'œuvre présente de légers défauts, des repeints et des restaurations sur la surface picturale et des dommages au cadre.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 54 - École espagnole, d'après MANUEL DOMÍNGUEZ SÁNCHEZ (Madrid, 1840- 1906) ; XIXe siècle. "Sénèque, après s'être ouvert les veines. Huile sur panneau. Dimensions : 23,5 x 36 cm ; 40 x 51 cm (cadre). Cette œuvre suit les modèles du tableau de Domínguez Sánchez, qui fait partie de la collection du musée du Prado. Le musée décrit l'œuvre de la manière suivante : "Manuel Domínguez a choisi une intrigue de la Rome antique, bien que liée dans une large mesure au monde hispanique, en ayant pour protagoniste le philosophe cordouan Lucius Annaeus Seneca (4-65 ap. J.-C.), maître de l'empereur Néron, qui ordonna sa mort en l'accusant d'avoir participé à la conspiration de Pison contre lui. Se moquant de l'exécution de l'ordre impérial comme d'un mépris pour Néron, Sénèque décide de s'ôter la vie. Pour ce faire, il s'ouvre les veines et entre dans une baignoire, mais il meurt finalement en inhalant les vapeurs du bain. Le succès que cette peinture a connu en son temps résidait fondamentalement dans la modernité de la sévère monumentalité de sa composition, ainsi que dans l'élégante simplicité de la disposition des figures, aux traits classiques, situées dans un vaste espace intérieur, à l'architecture riche et grandiose". Les figures qui le composent, harmonie que l'on peut également apprécier dans les visages, sont sereines, dans les attitudes et dans la palette choisie par le peintre, très vivante, mais sans excès dans la coloration ou dans les sources de lumière utilisées. Le thème historique du tableau se situe dans un passé glorieux lié à l'histoire du pays du peintre, l'Espagne, et peut être rapproché de l'historicisme pictural du XIXe siècle, principal courant de l'époque, lié aux Académies des Beaux-Arts. Le terme "historicisme" (Historismus) a été inventé par le philosophe allemand Karl Wilhelm Friedrich Schlegel. Au fil du temps, ce qu'est l'historicisme et la manière dont il est pratiqué ont pris des significations différentes et divergentes. Des éléments de l'historicisme apparaissent dans les écrits de l'essayiste français Michel de Montaigne (1533-1592) et du philosophe italien GB Vico (1668-1744), et ont été plus amplement développés avec la dialectique de Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), influente dans l'Europe du XIXe siècle.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 55 - École catalane ; XIXe siècle. "Paysage". Huile sur toile. Relié. Dimensions : 133 x 228 cm. L'œuvre présentée ici montre un paysage coloré où le costumbrismo et la peinture de paysage se confondent. La couleur bleue intense qui prédomine dans toute l'œuvre est rejointe par l'ocre et le vert du lieu, faits de taches de couleur qui donnent une sensation de fraîcheur et d'humidité. Ainsi se configure un paysage caractéristique des jours de printemps, où la brise peigne les arbres et se disperse à l'horizon. À partir du milieu du XIXe siècle, la peinture de paysage catalane s'est développée comme un genre autonome et a entamé une étape qui sera reconnue comme un véritable âge d'or dans le renouvellement d'un thème qui, jusqu'alors, avait été relégué à l'arrière-plan comme un simple accompagnement des grands thèmes mythologiques et bibliques. Expérimentant les nouvelles tendances artistiques apparues au cours des XIXe et XXe siècles, la peinture de paysage a connu une évolution continue, dont la rupture progressive avec les conventions académiques l'a conduite vers la liberté créative de ce que l'on appelle la modernité. L'influence française et la demande de la nouvelle bourgeoisie catalane, qui trouvait dans la collection d'art un signe de prestige pour réaffirmer son nouveau statut social, ont conduit à l'émergence du réalisme en Catalogne et à l'essor de la peinture de paysage. L'observation stricte de la réalité et l'expression naturaliste du monde environnant ont été importées par Martí Alsina à la suite de ses voyages à Paris, ville qui lui a permis de voir de près l'œuvre de Courbet et des paysagistes de l'école de Barbizon. Après cette première approche des courants européens, nous verrons comment, à partir des années 70, émergera une conception plus spirituelle du paysage, qui se consolidera avec l'arrivée du symbolisme. Ce courant a trouvé dans l'œuvre de Modest Urgell son principal précurseur, introduisant dans ses paysages un regard émotionnel et mélancolique.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 56 - École andalouse ; vers 1890. "Gitan". Huile sur toile. Signée Rosales dans le coin inférieur gauche. Cadre d'époque avec défauts. Dimensions : 69 x 40 cm ; 80 x 50 cm (cadre). Nous voyons dans cette œuvre une scène d'approche costumbrista, mettant en scène une jeune gitane. Il s'agit d'une composition qui combine le portrait et le genre costumbrista, très en vogue dans la peinture espagnole du XIXe siècle et des débuts du XXe siècle. La femme a été représentée en buste, dans une attitude décontractée et naturelle, avec les cheveux légèrement ébouriffés, réunis par une rose dans la partie inférieure. La clarté du ciel bleu contraste avec la luminosité de la couleur avec laquelle l'artiste a configuré le modèle, mettant en valeur les traits de la jeune femme, dont le visage laisse entrevoir un doux sourire. La peinture de costume est un genre dans lequel les types et les attitudes populaires, les comportements, les valeurs et les habitudes communs à un groupe spécifique de la population, d'une région ou d'une classe sont décrits au moyen d'une description satirique, nostalgique ou narrative des environnements, des coutumes, des vêtements, des fêtes et des divertissements, des traditions, des métiers et des types représentatifs d'une société. L'idée du costumbrismo est née d'une tentative de compréhension de la réalité, ou plus précisément de la réalité comprise d'une certaine manière, d'un certain point de vue. Il s'agit d'un cadre d'époque avec des défauts.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 57 - JOSEP CRUAÑAS FAGES (Maià de Montcal, Girona, 1942). "Venise". 1988. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur. Signée, datée et localisée au dos. Dimensions : 92 x 74 cm ; 96,5 x 77,5 cm (cadre). En 1972, Josep Cruañas a organisé sa première exposition individuelle à Vic. Depuis, il a exposé ses œuvres à Madrid, Gérone, Palma de Majorque, Tarragone et Sant Cugat del Vallès. Il a également fait partie du groupe Passeig de Gràcia, rattaché à la galerie Comas. Il est connu comme peintre paysagiste, bien qu'il ait également travaillé dans le domaine du portrait et de la nature morte. Il a reçu des prix lors de divers concours et, en 1996, il a été nommé membre émérite du Real Círculo Artístico de Barcelona. Il est représenté au musée de la Diputació de Barcelone, au musée de Bañolas, à la Pinacothèque municipale Legado Francesc Galí de Palamós et au musée national de Bulgarie, entre autres collections publiques et privées.

Estim. 1 600 - 1 800 EUR

Lot 58 - JOAQUÍN PEINADO (Ronda, Málaga, 1898 - Paris, 1975). "Portrait de femme", 1946. Dessin au crayon sur papier. Signé et daté. Dimensions : 31,5 x 25 cm ; 67 x 58,5 cm (cadre). Joaquín Ruiz-Peinado Vallejo était un peintre cubiste, successeur de Cézanne et fils spirituel de Picasso, il était l'un des représentants les plus remarquables de l'École espagnole de Paris. Entré à l'école des beaux-arts de San Fernando à Madrid en 1918, il devient au cours des années suivantes le disciple de Cecilio Plá et de Julio Romero de Torres, et obtient une bourse pour trois ans au monastère de Santa María de El Paular, où il remporte le prix de peinture El Paular en 1922. En 1923, après avoir terminé ses études, il se rend à Paris, où il s'installe définitivement. Il y suit les cours des académies Ranson, Colarossi et La Grande Chaumière, tout en s'intéressant à la peinture cubiste, une esthétique qu'il personnalisera et maintiendra dans ses œuvres. Aussi, en 1924, il expose ses œuvres aux Salons des Indépendants, des Surindépendants et d'Automne. Néanmoins, depuis la Seine, il continue à faire partie de la vie artistique espagnole, en participant à la mythique première exposition de la Société des artistes ibériques en 1925, et en illustrant les revues "Litoral", "Gallo" et "La Gaceta Literaria", ainsi que "La flor de California" (1928) de José María Hinojosa. En 1926, il remporte également le prix de peinture de la Diputación de Málaga. Trois ans plus tard, en 1929, il participe à deux importantes expositions d'art d'avant-garde en Espagne : l'Exposition de peintures et de sculptures des résidents espagnols à Paris, au Jardin botanique de Madrid, et l'Exposition régionale d'art moderne, à la Casa de los Tiros de Grenade. Il entretient également une relation avec les arts du spectacle, comme d'autres artistes de l'époque, en participant aux films "Un perro andaluz" (1929) et "La edad de oro" (1930), de son ami Buñuel, ou en tant que décorateur et dessinateur de "Carmen", de Feyder (1925). De même, en 1926, il participe à la représentation de "El retablo de Maese Pedro" de Falla à Amsterdam avec Buñuel, Cossío, Viñes et Ángeles Ortiz. Au fil du temps, sa carrière artistique l'amènera à occuper une position de premier plan au sein de l'École de Paris ; il sera directeur de la section de peinture de l'Union des intellectuels espagnols, puis vice-président de celle-ci, et l'UNESCO le nommera délégué de la section des peintres espagnols de l'École de Paris. En 1946, il est également l'un des organisateurs de l'exposition "Art de l'Espagne républicaine. Artistes espagnols de l'École de Paris", qui se tient à Prague et, en raison de son énorme succès, à Brno. À partir de cette date, ses expositions internationales sont fréquentes, tant individuelles que collectives, et sont regroupées avec le meilleur de l'art français de l'époque. Cependant, ce n'est qu'en 1969 qu'une rétrospective de son œuvre a lieu en Espagne ; organisée par la Dirección General de Bellas Artes et tenue au Museo de Arte Español Contemporáneo de Madrid, cette exposition consacre sa figure dans notre pays. En effet, la même année, il a été nommé membre de l'Académie royale de San Telmo à Malaga. Actuellement, son œuvre est largement représentée dans le musée qui porte son nom à Ronda, ainsi que dans la collection de l'Unicaja et dans de nombreuses autres collections publiques et privées.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 59 - École française, seconde moitié du XIXe siècle. "Scène galante avec arlequin". Huile sur toile. Signée "Rousin" dans le coin inférieur droit. Dimensions : 74 x 58 cm ; 101 x 88 cm (cadre). Les personnages de la Commedia dell'Arte italienne ont été popularisés dans la peinture européenne du XIXe siècle, trouvant dans chaque région une expression propre. L'école française place souvent les personnages dans un cadre naturel, comme la clairière verdoyante de la forêt représentée ici : l'arlequin adopte un pas élégant et sournois tandis qu'il semble chuchoter quelque chose à l'oreille attentive de Luchinda. La jeune femme, elle, reste renfermée et mélancolique. Un troisième personnage apparaît dans le sous-bois. Le traitement stylistique est typique du thème galant et hédoniste, précisant la somptueuse douceur des vêtements et leurs couleurs, ainsi que les gestes aristocratiques. Quant au paysage, il est résolu par des coups de pinceau rapides basés sur de petites touches intuitives qui préfigurent l'important développement de la peinture de paysage française au cours de la seconde moitié du XIXe siècle. Les cimes des arbres acquièrent un aspect cotonneux, enveloppées de subtiles nuances chromatiques, qui confèrent à la scène un caractère très lyrique.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 60 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcelone, 1859 - 1940). "Paysage. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 34 x 45 cm ; 52 x 63 cm (cadre). Une tholos de marbre blanc se dessine à côté d'une mer bleu ciel bordée d'écume, qui s'ouvre vers l'horizon, laissant au premier plan une prairie luxuriante. Il s'agit d'un paysage peint avec des coups de pinceau vibrants et des traits rapides, caractéristiques de l'œuvre de Meifrén. Peintre de paysages et de marines, Eliseo Meifrèn est considéré comme l'un des premiers introducteurs du mouvement impressionniste en Catalogne. Il commence sa formation artistique à l'École des beaux-arts de Barcelone, où il est le disciple d'Antonio Caba et de Ramón Martí Alsina, avec lesquels il commence à créer des paysages romantiques de style académique. À la fin de ses études, en 1878, il s'installe à Paris afin d'élargir ses connaissances artistiques. C'est là qu'il fait connaissance avec la peinture "à l'air libre", qui l'influencera fortement dans ses paysages parisiens de ces années-là. De même, à Paris, il coïncide avec le début public de l'impressionnisme. Un an plus tard, il effectue un voyage en Italie, au cours duquel il visite Naples, Florence, Venise et Rome ; il y prend contact avec le cercle d'artistes catalans formé par Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés et Joan Llimona, entre autres. La même année, en 1879, il participe à l'exposition régionale de Valence et remporte une médaille d'or. De retour à Barcelone, il fait ses débuts individuels en 1880 à la Sala Parés de Barcelone, où il continuera à exposer régulièrement à partir de cette date. Pendant ces années, il fait partie du groupe moderniste et fréquente Els Quatre Gats. En 1883, il retourne à Paris, où il réalise de nombreux dessins et aquarelles avec des vues de la ville et de ses cafés, qui lui valent un accueil chaleureux de la part de la critique et du public français. À la fin des années quatre-vingt, il revient à Barcelone et continue d'exposer ses œuvres à la Sala Parés, ainsi qu'au Centro de Acuarelistas. En 1888, il est également membre du jury de l'Exposition universelle de Barcelone. En 1890, il retourne pour la troisième fois dans la capitale française, où il participe au Salon des Beaux-Arts et au Salon des Indépendants de 1892, en compagnie de Ramon Casas et de Santiago Rusiñol, artistes avec lesquels il avait formé le groupe pictural de Sitges un an plus tôt. Au cours des années suivantes, Meifrèn envoie ses œuvres à de nombreuses expositions et concours officiels, dont les expositions nationales de Madrid et de Barcelone, et reçoit la troisième médaille aux Universelles de Paris de 1889 et 1899, la médaille d'argent à l'Universelle de Bruxelles de 1910, le grand prix à l'Universelle de Buenos Aires de la même année, la médaille d'honneur à l'Internationale de San Francisco de 1915 et le grand prix à l'Internationale de San Diego de l'année suivante. Il a également remporté le prix Nonell de Barcelone en 1935. En 1952, la mairie de Barcelone lui consacre une exposition rétrospective au Palacio de la Virreina. Ses premiers paysages, caractérisés par un concept académique et romantique, évolueront plus tard vers un langage impressionniste ; abandonnant le préciosisme romain, il adoptera une technique de coups de pinceau lâches et de palette claire, dans laquelle la conception lumineuse se rapproche des budgets symbolistes, dans l'orbite de Modesto Urgell. Il est actuellement représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au MACBA de Barcelone et à la Thyssen-Bornemisza, entre autres.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 61 - CASIMIRO MARTÍNEZ TARRASSÓ (Sarrià, Barcelone, 1898 - Barcelone, 1980). "Famille gitane". Huile sur táblex. Signée dans le coin supérieur gauche. Dimensions : 22 x 26,5 cm ; 41,5 x 46,5 cm (cadre). Connu simplement sous le nom de Tarrassó, il a été formé à l'école de La Lonja de Barcelone. Il a terminé ses études à Paris, où il a eu une connaissance directe des œuvres fauves qui secouaient la scène artistique parisienne à l'époque. Cette influence fauve restera palpable dans son œuvre tout au long de sa vie à travers des caractéristiques telles que le fort contraste chromatique, la perspective élevée et quelque peu exagérée, le désintérêt absolu pour la figure humaine, qui n'apparaît qu'esquissée comme complément du paysage, et la représentation des arbres comme électrifiés, soumis à des inclinaisons tortueuses. Ce sont ces caractéristiques formelles qui confèrent à ses œuvres une vitalité propre et réduisent son rapport au référentiel à un simple prétexte. Tarrassó s'inscrit dans le sillage des grands paysagistes catalans, en particulier de Joaquín Mir, mais avec une personnalité clairement différenciée, due en partie à l'impact du fauvisme sur sa pensée artistique. Il cultive la nature morte et les paysages catalans et majorquins. Sa première exposition a lieu en 1928, aux galeries Layetanas de Barcelone. Depuis, les expositions se succèdent à Barcelone, Madrid, Palma de Majorque et Bilbao. En 1935, il se rend pour la première fois à Majorque et, à partir de 1940, il y possède un atelier, plus précisément à Palma, où il vit pendant de longues périodes et développe la majeure partie de sa production artistique. Après la guerre civile, dans les années quarante, Tarrassó participe à plusieurs expositions nationales des beaux-arts, dans leurs éditions de 1942, 1943 et 1950, et organise de nombreuses expositions personnelles à Barcelone, dans des galeries comme Augusta, Layetanas, Ars, etc., dont celle qu'il consacre aux paysages pyrénéens en 1948, et celle de grandes toiles de paysages majorquins qu'il présente en 1949. Bien que le paysage ait toujours été au centre de sa production, Tarrassó a également réalisé des œuvres telles que la décoration murale de l'église de Santa Maria de Badalona. À Majorque, il réalisa également une entreprise singulière en plantant son chevalet dans les grottes de Campanet pour capturer les stalactites et les stalagmites de ses cavités pierreuses, développant ainsi une série d'œuvres qu'il présenta aux Galerías Costa de Palma en octobre 1948. Tout au long de sa carrière, Tarrassó a reçu le prix Pollença du premier concours international de peinture en 1962, le prix Santiago Rusiñol en 1972 et les médailles obtenues lors de différentes éditions des Salons d'automne de Palma de Majorque : premier prix en 1967 et 1973, et prix honorifique en 1970. L'œuvre de Tarrassó se caractérise par la grande personnalité de sa coloration. Son obsession pour le chromatisme détermine une peinture profondément sensorielle, vitaliste et intuitive. Dans nombre de ses œuvres, le peintre s'attache avant tout à capturer une image qui met en scène la plénitude de la vie recréée et sans solution de continuité, s'en préoccupant plus que des exigences de la composition. Ainsi, dans ses paysages, les architectures apparaissent pleinement intégrées dans une nature harmonieuse, comme de simples taches de couleur aux limites indéfinies, ou aux limites définies mais déformées. Tarrassó suggère ainsi la présence humaine tout en évitant que le spectateur la perçoive comme une intervention ou une rupture de l'ensemble naturel. D'autre part, les perspectives, très hautes ou très basses, associées à une combinaison de couleurs contractées, sans mélanger montagne et ciel, ciel et mer, donnent un sentiment de profondeur, et parfois même d'oppression, qui amène le spectateur à concevoir la scène comme un ensemble autonome, indépendamment des détails. D'autre part, il convient également de mentionner, sur le plan formel, sa facture vigoureuse, combinée à une spatule épaisse, qui fait référence à un autre maître paysagiste catalan auquel Tarrassó est redevable, Nicolás Raurich. Son œuvre est actuellement conservée dans diverses collections privées nationales et internationales, ainsi qu'au musée et au fonds artistique de Porreras (Majorque) et au musée d'art moderne et contemporain de Palma.

Estim. 1 800 - 2 200 EUR

Lot 62 - JULIÁN GRAU SANTOS (Canfranc, Huesca, 1937). "Armoire et fleurs", 1991. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 73 x 60 cm ; 92 x 78 cm (cadre). Fils d'Emilio Grau Sala et d'Ángeles Santos Torroella, il est formé à Barcelone. En 1949, il fait plusieurs voyages à Paris, où il a l'occasion de contempler de première main les œuvres de Sisley, de Van Gogh et de divers impressionnistes et postimpressionnistes. Il organise sa première exposition personnelle à la Sala Libros de Saragosse en 1957. Depuis lors, il a organisé des expositions personnelles dans les galeries Syra, Rovira et Vayreda à Barcelone ; Alas, Abril, El Cisne, Collage et Biosca à Madrid ; Justin Lester à Los Angeles, Art Roman à Tokyo, etc. Depuis 1966, il expose régulièrement à titre individuel à la Sala Parés de Barcelone et, en 1968, il a participé au Salon des artistes français au Grand Palais de Madrid. Son œuvre, liée à l'expressionnisme et très axée sur la couleur, se caractérise par une technique très élaborée et une connaissance approfondie du dessin. Il a également réalisé de nombreux dessins qui ont été publiés dans divers journaux et magazines. Parmi les prix qu'il a reçus, citons le prix de La Rambla (Barcelone, 1961), la médaille Ramón Rogent (Salón de Mayo, Barcelone, 1962), la médaille de l'exposition des beaux-arts (Madrid, 1961), le troisième prix Sant Jordi et le prix Van Gogh (Barcelone, 1963), la médaille de la ville de Barcelone (1965), le prix de la biennale de peinture de Huesca (1976), la médaille de la Condesa de Barcelona (Madrid, 1983) et la médaille d'honneur du concours BMW (Madrid, 1987). Ces dernières années, il a participé aux foires ARCO à Madrid et ARTEXPO à Valence, Barcelone, Bâle, New York, Chicago, Miami et Hong Kong. En 1993, la fondation Mapfre Vida de Madrid lui a consacré une exposition rétrospective.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 63 - JOSÉ MARÍA MARQUÉS GARCÍA (Tortosa, Tarragone, 1862 - Barcelone, 1936). "La lettre". Fusain sur papier. Signé dans le coin inférieur. Dimensions : 58 x 39 cm ; 75 x 56 cm (cadre). Fils et disciple de Manuel Marqués Carles, et père du peintre José María Marqués Puig, José María Marqués García se consacre au paysage, au portrait et aux scènes religieuses. Il commence sa formation à l'école de La Lonja à Barcelone, et poursuit ses études à Madrid, Paris et Rome. Il voyage en Espagne, en Italie, en Suisse et en Hollande, et réalise plusieurs expositions personnelles et collectives. Il participe également à des concours et des compétitions, notamment à l'exposition universelle de Barcelone en 1888, à l'exposition internationale de Londres en 1898, où il remporte une médaille d'or, et à l'exposition internationale de Barcelone en 1929. Au cours de la dernière décennie du XIXe siècle, la critique le place parmi les plus grands noms de l'époque. Il a réalisé une œuvre intitulée "Nuestra Señora de la Academia", destinée à la Bibliográfico-Mariana de Lérida, et a décoré le célèbre restaurant "Justin" à Barcelone. Ses œuvres sont exposées au musée national d'art de Catalogne et au musée de Tortosa.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 64 - MANOLO HUGUÉ (Barcelone, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelone, 1945). "Arènes". Aquarelle sur papier. Dimensions : 17 x 23 cm ; 45 x 50 cm (cadre). Ce que nous appelons immobilité n'est rien d'autre qu'un cas limite de lenteur dans le mouvement, une limite idéale que la nature n'atteint jamais. C'est ce qu'écrivait le philosophe français Henri Bergson, et ce même principe est matérialisé par ces toreros de Manolo Hugué, dont les postures traduisent la tension dense de l'instant dans l'arène. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, a été formé à l'Escuela de la Lonja de Barcelone. Participant régulièrement aux réunions de "Els Quatre Gats", il se lie d'amitié avec Picasso, Rusiñol, Mir et Nonell. En 1900, il s'installe à Paris, où il vit pendant dix ans. Il y reprend sa relation avec Picasso et se lie d'amitié avec d'autres théoriciens de l'avant-garde tels qu'Apollinaire, Modigliani, Braque et Derain. Dans la capitale française, il travaille à la conception de bijoux et de petites sculptures, influencé par le travail de son ami, le sculpteur et orfèvre Paco Durrio. En 1892, il travaille avec Torcuato Tasso sur des œuvres décoratives pour les célébrations du centenaire de la découverte de l'Amérique. Entre 1910 et 1917, il se consacre entièrement à la sculpture et travaille à Ceret, où il réunit un groupe hétérogène d'artistes parmi lesquels se distinguent Juan Gris, Joaquín Sunyer et, à nouveau, Picasso. Au cours de ces années, il expose à Barcelone, Paris et New York. En 1932, il est nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Jorge à Barcelone. Dans l'œuvre de Hugué, ce qui est essentiel, c'est la relation avec la nature, en tenant compte de la figure humaine en tant qu'élément intégré à celle-ci. Il s'agit d'une caractéristique du classicisme noucentiste, mais qui, dans les mains de Hugué, dépasse ses origines limitées. Il représentait généralement des paysans, mais aussi des toreros et des danseurs -comme on peut le voir ici-, toujours avec un niveau de détail et une appréciation des textures qui révèlent son ancienne formation d'orfèvre. Dans sa production artistique coexistent la tradition méditerranéenne, le classicisme et l'archaïsme grecs, l'art de l'Égypte ancienne et de la Mésopotamie, et l'avant-garde européenne qu'il a assimilée et connue de près, en particulier le fauvisme et le cubisme de Matisse. Des œuvres de Hugué sont conservées au MACBA, au Centre Georges Pompidou à Paris, au Musée national d'art de Catalogne et au Musée national et centre d'art Reina Sofia, entre autres.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 65 - JOAN ABELLÓ PRAT (Mollet del Vallés, Barcelone, 1922 - Barcelone, 2008). "Paysage". Technique mixte sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 49 x 63 cm ; 70 x 84 cm (cadre). Peintre et graveur, Joan Abelló a commencé sa formation de manière autodidacte, ayant dans ses premières peintures une grande influence sur les œuvres que Joaquín Mir réalisait à Mollet. Il étudie ensuite à l'Académie Baixas et au Cercle royal artistique de Barcelone (1941), puis devient le disciple de Pere Pruna et travaille pendant deux ans dans son atelier (1944-46). Pruna lui enseigne les techniques de la peinture murale et de la gravure, et il apprend également la restauration dans l'atelier de Miracle. En 1945, il expose pour la première fois ses œuvres à Barcelone et, l'année suivante, il commence à travailler dans l'atelier de Carlos Pellicer, avec qui il travaille pendant quatorze ans. Il complète ses études par des voyages à Londres, en Belgique, à Paris et à l'île de Man, entre autres. Dans les années soixante, il retourne dans sa ville natale, où il s'intéresse à nouveau aux paysages des Vallées et de la Méditerranée, sans pour autant abandonner ses nombreux voyages en Europe, en Afrique, en Côte d'Ivoire, au Maroc et au Brésil. Collectionneur hors pair, il a fait don en 1996 de sa collection d'œuvres d'art à la mairie de Mollet, qui a créé le musée municipal Joan Abelló trois ans plus tard. La maison natale de l'artiste est annexée au musée et abrite depuis 2002 un atelier de restauration et un centre d'études artistiques. Abelló a commencé sa carrière en développant une certaine tendance impressionniste, pour se lancer à la fin des années quarante dans le post-impressionnisme sans perdre les liens avec son langage initial, toujours avec une explosion de couleurs appliquées avec des coups de pinceau violents. Des années plus tard, son style évoluera, pratiquant une peinture plus matérielle sous l'influence de l'informalisme, et accentuant son expressionnisme sans jamais quitter la figuration. À partir de 1940, année de sa première exposition dans sa ville natale, et avant même de partir étudier à Barcelone, Abelló expose en Espagne, à Londres, à Paris, à New York et à Moscou. En 2002, il a été nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi. Il est représenté au musée qui porte son nom, ainsi qu'au MACBA de Barcelone, à la Courtauld Collection de Londres, à l'Ashmolean Museum d'Oxford, au musée du Vatican, au Poldersmuseum de Belgique et au legs Francesc Galí.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 66 - JOAN ABELLÓ PRAT (Mollet del Vallés, Barcelone, 1922 - Barcelone, 2008). "A las puertas del establo", 1963. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin supérieur gauche. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 54 x 64,5 cm ; 75 x 85 cm (cadre). Peintre et graveur, Joan Abelló commence sa formation de manière autodidacte, ayant dans ses premières peintures une grande influence sur les œuvres que Joaquín Mir réalise à Mollet. Il étudie ensuite à l'Académie Baixas et au Cercle royal artistique de Barcelone (1941), puis devient le disciple de Pere Pruna, travaillant pendant deux ans dans son atelier (1944-46). Pruna lui enseigne les techniques de la peinture murale et de la gravure, et il apprend également la restauration dans l'atelier de Miracle. En 1945, il expose pour la première fois ses œuvres à Barcelone et, l'année suivante, il commence à travailler dans l'atelier de Carlos Pellicer, avec qui il travaille pendant quatorze ans. Il complète ses études par des voyages à Londres, en Belgique, à Paris et à l'île de Man, entre autres. Dans les années soixante, il retourne dans sa ville natale, où il s'intéresse à nouveau aux paysages des Vallées et de la Méditerranée, sans pour autant abandonner ses nombreux voyages en Europe, en Afrique, en Côte d'Ivoire, au Maroc et au Brésil. Collectionneur hors pair, il a fait don en 1996 de sa collection d'œuvres d'art à la mairie de Mollet, qui a créé le musée municipal Joan Abelló trois ans plus tard. La maison natale de l'artiste est annexée au musée et abrite depuis 2002 un atelier de restauration et un centre d'études artistiques. Abelló a commencé sa carrière en développant une certaine tendance impressionniste, pour se lancer à la fin des années quarante dans le post-impressionnisme sans perdre les liens avec son langage initial, toujours avec une explosion de couleurs appliquées avec des coups de pinceau violents. Des années plus tard, son style évoluera, pratiquant une peinture plus matérielle sous l'influence de l'informalisme, et accentuant son expressionnisme sans jamais quitter la figuration. À partir de 1940, année de sa première exposition dans sa ville natale, et avant même de partir étudier à Barcelone, Abelló expose en Espagne, à Londres, à Paris, à New York et à Moscou. En 2002, il a été nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi. Il est représenté au musée qui porte son nom, ainsi qu'au MACBA de Barcelone, à la Courtauld Collection de Londres, à l'Ashmolean Museum d'Oxford, au musée du Vatican, au Poldersmuseum de Belgique et à l'Héritage Francesc Galí.

Estim. 1 100 - 1 200 EUR

Lot 67 - École catalane, vers 1900. Colla del Safrà. "Le lavoir. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 97 x 96 cm. Une femme enveloppée de mantila, assise sur les marches de pierre, choisit les vêtements qu'elle s'apprête à laver. Une seconde lavandière nous tourne le dos pendant qu'elle fait tremper le linge dans un grand bassin à fontaine. Celle-ci dispose d'une grande buanderie, qui occupe le centre d'une place avec des arbres fruitiers et du jasmin. En haut, derrière un balustre, s'alignent des maisons blanchies à la chaux de différentes couleurs. L'ensemble est imprégné des lumières chaudes du coucher de soleil. Ce tableau appartient à l'école catalane de la Colla del Safrà. C'est le nom donné à un groupe d'artistes barcelonais composé d'Isidre Nonell, Joaquín Mir, Ricard Canals, Ramón Pichot, Juli Vallmitjana et Adrià Gual. Il a été fondé en 1893 par Nonell et s'est poursuivi jusqu'en 1896. Le nom du groupe serait traduit par "groupe safran" ou "gang", en référence à la couleur jaunâtre -azafranado- de nombre de ses peintures. Le groupe n'avait pas de programme artistique défini ni de structure rigide. Il s'agissait plutôt d'un groupe de jeunes gens partageant certaines idées, comme une certaine attitude anarchique et - dans le domaine de l'art - un intérêt pour la peinture en plein air, un sujet qui tournait souvent autour des personnes marginalisées et une conscience sociale qui les rapprochait de la génération de 98.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 68 - CARME CORTÈS LLADÓ (Santa Coloma de Gramanet, 1892 - Mexico, 1979). "Nature morte avec poupée, vers 1930. Huile sur toile. Signée dans le coin supérieur droit. Dimensions : 50 x 61 cm ; 61 x 74 cm (cadre). La peintre Carme Cortès s'est intéressée à l'univers féminin en le traitant à partir de différents genres : portrait, nature morte, scènes d'intérieur... Cette "Nature morte à la poupée" s'inscrit dans cet intérêt pour la capture du monde féminin, auquel elle confère la tonalité mélancolique qui imprègne les jouets du passé. En témoigne la collection de peintures de l'auteur conservée au MNAC (Museu d'Art Nacional de Catalunya, Barcelone). Carme Cortès i Lladó était une peintre impressionniste espagnole. À la fin de la guerre civile, elle s'exile en France et, en 1941, elle arrive au Mexique, où elle crée l'École d'arts plastiques de l'Université autonome de Nuevo León. Fille d'Antonia Lladó Cullell et d'Antoni Cortés Valls, elle est mariée à l'homme politique républicain Jaume Aiguadé Miró, député aux Cortes de la République et maire de Barcelone, et est la mère de la peintre Carme Aguadé i Cortés. Elle a commencé ses études musicales avec les maestros Enrique Granados et Felip Pedrell et a donné son premier concert en 1910. Elle étudie ensuite à l'École supérieure des beaux-arts, sous la direction du peintre Francesc d'Assís Galí, et se consacre entièrement à la peinture.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 69 - JOSEP MOMPOU I DENCAUSSE (Barcelone, 1888 - Vic, Barcelone, 1968). "Tossa de Mar", 1945. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Avec l'étiquette de Ramoneda et Barrachina. Dimensions : 50 x 61 cm ; 61 x 74 cm (cadre). Des estivants, des maillots de bain et des parapluies scintillent en myriades chromatiques sur le sable. D'un coup de pinceau rapide et intuitif, Josep Mompou compose une vibrante symphonie estivale. La colline se dessine sous un ciel limpide. Sur elle, le mur du château serpente à travers les buissons. Peintre formé à l'académie de Joaquín Torres Canosa, il a été membre du Círculo de Sant Lluc. En 1907, il participe à l'exposition internationale de Barcelone et, l'année suivante, il organise une exposition personnelle aux galeries Dalmau. Entre 1910 et 1911, il collabore à la revue "Papitu" et, en 1917, il participe à l'exposition d'artistes francophiles aux galeries Dalmau, où il organise ensuite deux importantes expositions individuelles, en 1920 et 1925. Entre 1926 et 1934, il vit à Paris et y organise plusieurs expositions individuelles, ainsi que des expositions successives à la Sala Parés de Barcelone et à Madrid en 1946. Il participe également à de nombreuses expositions collectives, tant en Europe qu'en Amérique, ainsi qu'à divers salons parisiens et aux Biennales d'Amérique latine. En 2009, la fondation Caixa de Cataluña lui a consacré une grande anthologie à La Pedrera. Il a été membre de l'Académie Sant Jordi et est représenté au Centre national Reina Sofia, aux musées d'art moderne de La Havane, de Paris et de Barcelone, au musée municipal de Tossa de Mar, au musée de Toledo (Ohio, États-Unis) et à la bibliothèque de Catalogne, entre autres.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 70 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcelone, 1859 - 1940). "Paysage. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 70 x 36 cm ; 84 x 50 cm (cadre). Eliseo Meifrèn nous offre une œuvre clairement impressionniste, avec un traitement purement chromatique et lumineux du paysage, qui laisse de côté la description minutieuse du modèle naturel pour saisir une impression de nature, une image purement visuelle et totalement plastique, dans laquelle le coup de pinceau lâche, empâté et précis configure des formes, des espaces et des volumes à partir de la juxtaposition des couleurs. Les formes s'estompent et deviennent de pures taches expressives ; la lumière, travaillée et pensée, acquiert une importance renouvelée, et la nature prend une nouvelle dimension atmosphérique, qui va au-delà de la pure reproduction de la réalité. Peintre de paysages et de marines, Eliseo Meifrèn est considéré comme l'un des premiers introducteurs du mouvement impressionniste en Catalogne. Il commence sa formation artistique à l'École des beaux-arts de Barcelone, où il est le disciple d'Antonio Caba et de Ramón Martí Alsina, avec lesquels il commence à créer des paysages romantiques de style académique. À la fin de ses études, en 1878, il s'installe à Paris afin d'élargir ses connaissances artistiques. C'est là qu'il fait connaissance avec la peinture "à l'air libre", qui l'influencera fortement dans ses paysages parisiens de ces années-là. De même, à Paris, il coïncide avec le début public de l'impressionnisme. Un an plus tard, il effectue un voyage en Italie, au cours duquel il visite Naples, Florence, Venise et Rome ; il y prend contact avec le cercle d'artistes catalans formé par Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés et Joan Llimona, entre autres. La même année, en 1879, il participe à l'exposition régionale de Valence et remporte une médaille d'or. De retour à Barcelone, il fait ses débuts individuels en 1880 à la Sala Parés de Barcelone, où il continuera à exposer régulièrement à partir de cette date. Pendant ces années, il fait partie du groupe moderniste et fréquente Els Quatre Gats. En 1883, il retourne à Paris, où il réalise de nombreux dessins et aquarelles avec des vues de la ville et de ses cafés, qui lui valent un accueil chaleureux de la part de la critique et du public français. À la fin des années quatre-vingt, il revient à Barcelone et continue d'exposer ses œuvres à la Sala Parés, ainsi qu'au Centro de Acuarelistas. En 1888, il est également membre du jury de l'Exposition universelle de Barcelone. En 1890, il retourne pour la troisième fois dans la capitale française, où il participe au Salon des Beaux-Arts et au Salon des Indépendants de 1892, en compagnie de Ramon Casas et de Santiago Rusiñol, artistes avec lesquels il avait formé le groupe pictural de Sitges un an plus tôt. Au cours des années suivantes, Meifrèn envoie ses œuvres à de nombreuses expositions et concours officiels, dont les expositions nationales de Madrid et de Barcelone, et reçoit la troisième médaille aux Universelles de Paris de 1889 et 1899, la médaille d'argent à l'Universelle de Bruxelles de 1910, le grand prix à l'Universelle de Buenos Aires de la même année, la médaille d'honneur à l'Internationale de San Francisco de 1915 et le grand prix à l'Internationale de San Diego de l'année suivante. Il a également remporté le prix Nonell de Barcelone en 1935. En 1952, la mairie de Barcelone lui consacre une exposition rétrospective au Palacio de la Virreina. Il est actuellement représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au MACBA de Barcelone et au Thyssen-Bornemisza, entre autres.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 71 - JOAQUIM MIR TRINXET (Barcelone, 1873 - 1940). "Environnement d'une ferme, Mollet, vers 1914. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Certificat de D. Francesc Miralles joint. Dimensions : 40 x 65 cm ; 50 x 75 cm (cadre). D'un coup de pinceau audacieux et intuitif, Mir capture, avec une palette méditerranéenne vibrante, l'agitation de quelques paysans devant une grande maison entourée de meules de foin. Sous la lumière de midi, des oies picorent dans un grand corral ouvert. Les personnages s'intègrent à la nature exultante et le ciel bleu se réverbère sur la paille ambrée. À travers un langage purement personnel, Mir synthétise les éléments de base pour rendre la scène reconnaissable, d'une structure compositionnelle particulière, tout en la faisant vibrer de son imagination. Dans cette œuvre, Mir fait preuve d'une maîtrise technique et atmosphérique absolue, qu'il met au service d'une conception presque animiste de l'élément naturel. Joaquín Mir a étudié à l'Escuela de Bellas Artes de San Jordi à Barcelone et dans l'atelier du peintre Luis Graner. Son style est également influencé par l'école d'Olot, la ville natale de son père. En 1893, il forme la "Colla del Safrà" avec des artistes comme Isidro Nonell, Ricard Canals et Ramón Pichot, et dans les dernières années du siècle, il est associé au milieu artistique de "Els Quatre Gats". Il achève sa formation en 1895, en passant une saison à Madrid à copier des œuvres de Velázquez. Au cours de ces années, il participe aux expositions des beaux-arts de Barcelone en 1894, 1896 et 1898. Lauréat d'une deuxième médaille à l'exposition de Madrid en 1899, il s'installe la même année dans la capitale afin de concourir pour une bourse d'études à Rome. N'ayant pas réussi, il part avec Santiago Rusiñol à Majorque, pour un voyage qui marquera un tournant définitif dans sa carrière. Mir est ébloui par les paysages majorquins, notamment celui de Sa Calobra, qui est pour lui une source d'inspiration inépuisable. En 1901, il expose le fruit de cette première période majorquine dans la Sala Parés de Barcelone et obtient à nouveau une deuxième médaille à l'Exposition nationale. Après une période de maladie qui l'oblige à s'installer à Reus, il remporte en 1907 la première médaille de l'Exposition internationale des beaux-arts de Barcelone. Déjà consolidé comme une figure marquante du panorama catalan, il acquiert la reconnaissance définitive au niveau national en 1917, lorsqu'il reçoit le prix national des beaux-arts. Quatre ans plus tard, il se marie et s'installe définitivement à Vilanova i la Geltrú. Les succès se succèdent et, en 1929, il remporte la première médaille à l'exposition internationale de Barcelone. L'année suivante, il remporte la médaille d'honneur de l'exposition nationale de Madrid, récompense qu'il convoite depuis 1922. Bien qu'il soit principalement un peintre autochtone, il a participé à des expositions individuelles et collectives à Washington, Paris, Pittsburg, New York, Philadelphie, Amsterdam, Buenos Aires et Venise. Mir est aujourd'hui considéré comme le représentant le plus remarquable de la peinture de paysage post-impressionniste espagnole. Son œuvre est conservée au musée national d'art de Catalogne, au musée du Prado, au musée Thyssen-Bornemisza et au musée Reina Sofia de Madrid, entre autres.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 72 - IGNACIO PINAZO CAMARLENCH (Valencia, 1849 - Godella, Valencia, 1916). "Jeune homme de profil. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 66 x 51 cm ; 97 x 71 cm (cadre). Né dans une famille modeste, Pinazo a été contraint dès son plus jeune âge de contribuer par différents métiers à l'entretien de son foyer. Il n'avait terminé que la huitième année d'école lorsque sa mère mourut du choléra. Il dut donc rapidement exercer différents métiers : orfèvre, décorateur de carreaux, boulanger, doreur et peintre d'éventails. Après la mort de son père, il s'installe chez son grand-père et entre en 1864 à l'Académie des beaux-arts de San Carlos, où il est le disciple de José Fernández Olmos. Pendant cette période, il gagne sa vie comme modiste. Il commence sa formation artistique à l'âge de 21 ans et obtient son premier succès trois ans plus tard, à Barcelone. En 1871, il participe pour la première fois à l'Exposition nationale des beaux-arts. Il se rend à Rome à deux reprises, la première fois grâce à la vente d'un tableau, en 1873, et la seconde fois avec une bourse, entre 1876 et 1881. C'est là qu'il commence ses grandes productions historiques, loin des conventions du genre. Dans sa première période, il développe un style académique, mais à partir de 1874, il commence une ligne picturale plus intimiste et impressionniste. À son retour à Valence, il abandonne les thèmes historiques pour peindre des sujets familiaux, des nus et des scènes de la vie quotidienne. C'est pourquoi il est aujourd'hui considéré comme un précurseur, tant par ses thèmes que par son style, de Joaquín Sorolla et de Francisco Domingo. En 1884, Pinazo quitte temporairement Valence en raison d'une épidémie de choléra et s'installe dans la maison que le banquier José Jaumandreu possède à Bétera. De son retour la même année jusqu'en 1886, il enseigne à l'École des beaux-arts de Valence. Au cours de ces années, il reçoit de nombreuses commandes de l'aristocratie valencienne et compte parmi ses clients des personnalités comme la marquise de Benicarló. Pinazo expose ses œuvres aux expositions nationales des beaux-arts de Madrid, où il remporte la médaille d'argent en 1881 et 1885, et la médaille d'or en 1897 et 1899. En 1896, il est nommé académicien de San Carlos, et en 1906, il sera également nommé académicien de San Fernando, à Madrid. En 1900, il participe à la décoration de l'escalier du palais de Don José Ayora, avec Antonio Fillol, Peris Brell, Ricardo Verde et Luis Beüt. Pour ces années, il reçoit une médaille royale et, en 1912, la ville de Valence lui consacre une rue. À sa mort, en 1916, les actes commémoratifs de sa vie et de son œuvre suivront. Pinazo est actuellement représenté au musée du Prado, au MACBA de Barcelone, au musée et au cercle des beaux-arts de Valence, à sa maison-musée de Godella et à la Diputación Valenciana, ainsi que dans plusieurs collections privées importantes.

Estim. 2 000 - 2 200 EUR

Lot 73 - JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcelone, 1877 - 1957). "Maternité". Huile sur toile. Signée au dos. Dimensions : 81 x 65 cm ; 99 x 82,5 cm (cadre). Formé à l'École des beaux-arts de la Lonja et à l'Académie Baixeras de Barcelone, il prolonge ses études à Paris, ville où il s'installera pendant plusieurs années. Dans la capitale française, il forme un groupe avec les meilleurs illustrateurs de l'époque, tels que Cappiello, Sem, Steinlen et Roubille. Peintre et dessinateur, il développe une importante activité dans le domaine de l'illustration, collaborant à des revues espagnoles telles que "El Gato Negro" et "Hispania", et aux revues françaises "Le Rire" et "Simplicissimus". Sa collaboration avec "Jugend", le magazine phare du modernisme viennois, le Jugendstil, est remarquable. Dans sa période parisienne, Cardona acquiert une renommée internationale grâce à ses dessins à la plume, caractérisés par la netteté du trait et de fortes valeurs expressives. Au contraire, dans sa peinture, il subordonne la ligne à la couleur, avec des tons chauds dans ses premières années et des gammes froides dans sa maturité. Ses tableaux, d'une grande force expressive et aux empâtements denses, définissent le protagonisme de la femme, qui se dessine sur des fonds vibrants, presque abstraits, dans un style qui le rapproche d'Anglada Camarasa. En 1897, il obtient un prix au concours organisé par l'Académie Mariana de Lleida. Il expose à Paris dans les Salons d'Automne et de la Société Nationale, obtenant dans les deux cas le titre de "sociétaire". Il a participé aux expositions internationales des beaux-arts de Barcelone en 1907 et 1929. Il est représenté au Musée du Luxembourg, à Paris.

Estim. 1 600 - 1 700 EUR

Lot 74 - CASIMIRO MARTÍNEZ TARRASSÓ (Barcelone, 1898 - 1980). "Paysage de montagne". Huile sur tablex. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 16 x 20 cm ; 43 x 48 cm (cadre). Dans ce tableaux, Tarrassó capture un paysage construit en profondeur avec son langage personnel basé sur les taches de couleur de l'héritage fauviste. Le chromatisme vif répond à une étude attentive et réfléchie, basée sur la juxtaposition de tons principalement froids, certains plus clairs et d'autres plus sombres pour renforcer la construction tridimensionnelle de l'espace. Connu simplement sous le nom de Tarrassó, il a été formé à l'Escuela de La Lonja à Barcelone. Il achève ses études à Paris, où il connaît de près les œuvres fauves qui agitent la scène artistique parisienne de l'époque. Il est avant tout un brillant paysagiste, avec un style caractérisé par des couleurs violentes et vives, très lumineuses. Il s'inscrit dans la lignée des grands paysagistes catalans, en particulier Joaquín Mir, mais avec une personnalité nettement différenciée, due en partie à l'impact du fauvisme sur sa pensée artistique. Il cultive la nature morte et les paysages catalans et majorquins. Sa première exposition a lieu en 1928, dans les galeries Layetanas de Barcelone. Depuis, les expositions se succèdent à Barcelone, Madrid, Palma de Majorque et Bilbao. En 1935, il se rend pour la première fois à Majorque et, à partir de 1940, il y possède un atelier, plus précisément à Palma, où il vit pendant de longues périodes et développe la majeure partie de sa production artistique. Après la guerre civile, dans les années quarante, Tarrassó participe à plusieurs expositions nationales des beaux-arts, dans leurs éditions de 1942, 1943 et 1950, et organise de nombreuses expositions personnelles à Barcelone, dans des galeries comme Augusta, Layetanas, Ars, etc., dont celle qu'il consacre aux paysages pyrénéens en 1948 et celle de grandes toiles de paysages majorquins qu'il présente en 1949. Bien que le paysage ait toujours été au centre de sa production, Tarrassó a également réalisé des œuvres telles que la décoration murale de l'église de Santa Maria de Badalona. À Majorque, il réalisa également une entreprise singulière en plantant son chevalet dans les grottes de Campanet pour capturer les stalactites et les stalagmites de ses cavités pierreuses, développant une série d'œuvres qu'il présenta aux Galerías Costa de Palma en octobre 1948. Tout au long de sa carrière, Tarrassó a reçu le prix Pollença du premier concours international de peinture en 1962, le prix Santiago Rusiñol en 1972 et les médailles obtenues lors de différentes éditions des Salons d'automne de Palma de Majorque : premier prix en 1967 et 1973, et prix honorifique en 1970. L'œuvre de Tarrassó se caractérise par la grande personnalité de sa coloration. Son obsession pour le chromatisme détermine une peinture profondément sensorielle, vitaliste et intuitive. Il est représenté dans diverses collections privées nationales et internationales, ainsi qu'au musée et au fonds artistique de Porreras (Majorque) et au musée d'art moderne et contemporain de Palma.

Estim. 550 - 600 EUR

Lot 75 - JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcelone, 1877 - 1957). "Maternité". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche et au dos. Dimensions : 71 x 60 cm ; 96 x 86 cm (cadre). Formé à l'École des beaux-arts de la Lonja et à l'Académie Baixeras de Barcelone, il prolonge ses études à Paris, ville où il s'installera pendant plusieurs années. Dans la capitale française, il forme un groupe avec les meilleurs illustrateurs de l'époque, tels que Cappiello, Sem, Steinlen et Roubille. Peintre et dessinateur, il développe une importante activité dans le domaine de l'illustration, collaborant à des revues espagnoles telles que "El Gato Negro" et "Hispania", et aux revues françaises "Le Rire" et "Simplicissimus". Sa collaboration avec "Jugend", le magazine phare du modernisme viennois, le Jugendstil, est remarquable. Dans sa période parisienne, Cardona acquiert une renommée internationale grâce à ses dessins à la plume, caractérisés par la netteté du trait et de fortes valeurs expressives. Au contraire, dans sa peinture, il subordonne la ligne à la couleur, avec des tons chauds dans ses premières années et des gammes froides dans sa maturité. Ses tableaux, d'une grande force expressive et aux empâtements denses, définissent le protagonisme de la femme, qui se dessine sur des fonds vibrants, presque abstraits, dans un style qui le rapproche d'Anglada Camarasa. En 1897, il obtient un prix au concours organisé par l'Académie Mariana de Lleida. Il expose à Paris dans les Salons d'Automne et de la Société Nationale, obtenant dans les deux cas le titre de "sociétaire". Il a participé aux expositions internationales des beaux-arts de Barcelone en 1907 et 1929. Il est représenté au Musée du Luxembourg, à Paris.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 76 - JOAN MESTRE I BOSCH (Palma de Majorque, 1826 - 1893). "Santa Cecilia", Barcelone, 1847. Huile sur toile. Fissurée. Avec restauration au dos et inscription. Elle présente des défauts dans le cadre et dans la peinture. Dimensions : 87 x 68 cm ; 108 x 91 cm (cadre). Joan Mestre i Bosch a été formé avec Bartolomé Sureda à l'École des beaux-arts de Palma de Majorque. Il se rend ensuite à Barcelone pour y compléter sa formation, à l'Académie des beaux-arts de la ville, et séjourne enfin à Madrid, où il se consacre à la copie d'œuvres de grands maîtres au musée du Prado. De retour à Majorque, il occupe gratuitement la chaire d'anatomie et de dessin de paysage de la Sociedad Económica Mallorquina de Amigos del País (Société économique majorquine des amis du pays). Tout au long de sa vie, il a présenté ses œuvres dans diverses expositions officielles, où il a été récompensé à plusieurs reprises, et a également peint des œuvres religieuses pour plusieurs églises des îles Baléares. Il a également été correspondant de l'Académie de San Fernando à Madrid et peintre de chambre honoraire. Il était surtout connu comme portraitiste et peintre de sujets religieux, et a développé un style avec une base académique, des racines romantiques et un engagement clair envers le naturalisme, bien qu'il s'agisse d'un réalisme éclectique. Il a également été un pédagogue important, et la marque de son style peut être observée chez ses disciples tels que Joan Bauzà, Antoni Ribas et Antoni Fuster. Joan Mestre i Bosch est actuellement représenté dans la collection du Consell de Mallorca, de la Sa Nostra, de la Fondation Yannick et Ben Jakober et du Musée de Majorque, entre autres collections publiques et privées.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 77 - JOAQUÍN MICHAVILA ASENSI (Alcora, Castellón, 1926 - Albalat de Taronchers, Valencia, 2016). "LLAC". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 73 x 95,50 cm ; 93 x 112 cm (cadre). L'un des principaux représentants de l'abstraction valencienne, Joaquín Michavila a été formé à l'Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, dont il a été membre de l'académie depuis 1975 et président entre 2003 et 2007. Professeur d'arts plastiques, il a reçu la distinction du mérite culturel de la Generalitat Valenciana (2001) et le prix des arts plastiques de la Generalitat Valenciana (2007). Michavila s'est installé à Valence en 1932, où il a vécu jusqu'en 1966. Participant remarquable de l'avant-garde valencienne, Michavila a fait partie, dès sa fondation, des groupes Los Siete, Parpalló et Artes del Arte. Il commence sa carrière en 1952 et, pendant quelques années, il cherche son propre langage. À partir de 1960, il développe un langage encadré par le constructivisme, qui évolue progressivement dans un sens de plus en plus géométrique. Une décennie plus tard, il s'attachera à évoquer les paysages de sa jeunesse par le biais de l'abstraction, et vers 1990, il commence à s'approcher du ténébrisme, avec des œuvres marquées par le contraste de l'ombre et de la lumière. Au début du XXIe siècle, Michavila entamera une nouvelle étape avec une production d'acryliques génériquement intitulée "Contrepoint", un terme musical d'où jaillissent des interprétations plastiques de maîtres compositeurs de l'avant-garde tels que Schönberg, Luis de Pablo ou Paco Llàcer. Cette dernière série parle d'un certain drame existentiel dérivé du ténébrisme pictural précédent, avec des fonds noirs sur lesquels le son devient forme pure, vibration sonore comme lumineuse, jouant à évoquer la synesthésie. Tout au long de sa carrière, Michavila a exposé dans toute l'Espagne, ainsi qu'à Rome, Florence, Bâle, Denver, São Paulo, New York et Vienne. Il a reçu de nombreux prix, dont le prix Alfonso Roig de la Diputación de Valencia en 1996 et la médaille d'or de la ville de Valencia en 1997, ainsi que le titre de Distinguit Alcorí en 1998. En outre, en février 2016, l'université de Valence lui a consacré une exposition monographique en guise d'hommage, rassemblant une sélection de trente œuvres représentatives de l'ensemble de sa carrière.

Estim. 4 000 - 4 200 EUR

Lot 78 - CARLOS RUANO LLOPIS (Alicante, 1879 - Mexico, 1950) Sans titre. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 42,5 x 70,5 cm ; 66 x 94 cm (cadre). Scène dramatique et dynamique, clairement influencée par les gravures sur le thème de la tauromachie de Goya, capturée avec un coup de pinceau lâche et rapide, très juteux, qui ignore le dessin et construit les formes, les volumes et les espaces à travers le travail chromatique. Il faut également souligner l'éclairage, très efficace et contrasté, qui concentre notre attention sur les personnages du premier plan, laissant le reste enveloppé dans un crépuscule nuancé qui renforce le caractère dramatique de la scène. Peintre et affichiste formé à l'école des beaux-arts de San Carlos, il remporte la médaille d'or à l'exposition régionale de Valence en 1909. En 1912, il réalise la première de ses célèbres affiches de tauromachie. Il expose à Valence, Madrid, Bilbao, Marseille et Paris, et collabore avec "La Esfera", "Mundo Gráfico", "El Mercantil Valenciano", etc. En 1934, il s'installe définitivement au Mexique et poursuit sa carrière internationale en organisant des expositions personnelles à Mexico (1938, 1949), Caracas (1949), New York (1945) et Philadelphie. Il est aujourd'hui considéré comme le meilleur affichiste taurin, un genre dans lequel il a établi un prototype qui a perduré jusqu'à aujourd'hui.

Estim. 1 700 - 1 900 EUR

Lot 79 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909). "Vue de Venise. Aquarelle sur papier. Signée et située à Venise. Dimensions : 46 x 25 cm ; 82,5 x 59,5 cm (cadre). Il s'agit d'une peinture encadrée dans la tradition du vedutismo vénitien, dont l'histoire commence au XVIIIe siècle, bien qu'elle ait des antécédents remontant à la seconde moitié du XVe siècle. Fière de sa puissance, la ville alors considérée comme la reine de la Méditerranée grâce à ses contacts commerciaux la renforce par une véritable propagande visuelle. La représentation précise et opportunément idéalisée de la scène de tant d'épisodes historiques et légendaires a permis de consolider un mythe destiné à durer dans le temps, même si, au XVIIIe siècle, il ne restait plus que quelques fondations branlantes pour le soutenir. Peintre d'Alicante de la seconde moitié du XIXe siècle, Ricardo Navarrete, frère du graveur Federico Navarrete, a abordé dans son œuvre un large éventail de sujets, se distinguant surtout dans le portrait, l'histoire et la peinture de mœurs. Il commence sa formation à l'Académie des beaux-arts de San Carlos, à Valence, puis à l'Académie de San Fernando, à Madrid. Élève brillant, il obtient des pensions pour Rome et Venise et, pendant son séjour en Italie, il commence à envoyer des œuvres aux expositions nationales des beaux-arts. Ainsi, en 1864, il obtient une mention honorable et, trois ans plus tard, son œuvre "Capuchinos en el coro" (Capucins dans le chœur) lui vaut une troisième médaille. Navarrete s'installe à Venise grâce au mécénat de José María Olmos et s'y consacre à la peinture de thèmes de l'histoire de la ville et de petites peintures de genre vénitiennes, très admirées à son époque. Il continue à participer à des concours officiels et, en 1873, il reçoit une médaille d'or à l'exposition internationale de Vienne. La même année, il peint un remarquable portrait du romancier Enrique Pérez Escrich, qui sera présenté en hommage posthume à l'Exposition nationale des beaux-arts de 1897, l'année de la mort de l'écrivain. En 1884, Navarrete rentre en Espagne et devient professeur à l'École des beaux-arts de Séville, d'où il passera ensuite à Barcelone et à Madrid. Il est également membre de l'Académie des beaux-arts de Santa Isabel de Hungría à Séville. Les œuvres de Ricardo Navarrete sont actuellement conservées au musée du Prado, au musée municipal de Játiva, au musée d'Almería, au conseil provincial de Zamora, à la mairie d'Irún, au gouvernement civil de Vitoria et dans d'autres collections publiques et privées.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 80 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909). "Vue de Venise. Aquarelle sur papier. Signée et située à Venise. Dimensions : 46 x 25 cm ; 82,5 x 59,5 cm (cadre). Il s'agit d'une peinture encadrée dans la tradition du vedutismo vénitien, dont l'histoire commence au XVIIIe siècle, bien qu'elle ait des antécédents remontant à la seconde moitié du XVe siècle. Fière de sa puissance, la ville alors considérée comme la reine de la Méditerranée grâce à ses contacts commerciaux la renforce par une véritable propagande visuelle. La représentation précise et opportunément idéalisée de la scène de tant d'épisodes historiques et légendaires a permis de consolider un mythe destiné à durer dans le temps, même si, au XVIIIe siècle, il ne restait plus que quelques fondations branlantes pour le soutenir. Peintre d'Alicante de la seconde moitié du XIXe siècle, Ricardo Navarrete, frère du graveur Federico Navarrete, a abordé dans son œuvre un large éventail de sujets, se distinguant surtout dans le portrait, l'histoire et la peinture de mœurs. Il commence sa formation à l'Académie des beaux-arts de San Carlos, à Valence, puis à l'Académie de San Fernando, à Madrid. Élève brillant, il obtient des pensions pour Rome et Venise et, pendant son séjour en Italie, il commence à envoyer des œuvres aux expositions nationales des beaux-arts. Ainsi, en 1864, il obtient une mention honorable et, trois ans plus tard, son œuvre "Capuchinos en el coro" (Capucins dans le chœur) lui vaut une troisième médaille. Navarrete s'installe à Venise grâce au mécénat de José María Olmos et s'y consacre à la peinture de thèmes de l'histoire de la ville et de petites peintures de genre vénitiennes, très admirées à son époque. Il continue à participer à des concours officiels et, en 1873, il reçoit une médaille d'or à l'exposition internationale de Vienne. La même année, il peint un remarquable portrait du romancier Enrique Pérez Escrich, qui sera présenté en hommage posthume à l'Exposition nationale des beaux-arts de 1897, l'année de la mort de l'écrivain. En 1884, Navarrete rentre en Espagne et devient professeur à l'École des beaux-arts de Séville, d'où il passera ensuite à Barcelone et à Madrid. Il est également membre de l'Académie des beaux-arts de Santa Isabel de Hungría à Séville. Les œuvres de Ricardo Navarrete sont actuellement conservées au musée du Prado, au musée municipal de Játiva, au musée d'Almería, au conseil provincial de Zamora, à la mairie d'Irún, au gouvernement civil de Vitoria et dans d'autres collections publiques et privées.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

Lot 81 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909) "Marina". Aquarelle sur papier. Elle présente de légères taches de rouille. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 25 x 44 cm ; 33,5 x 53 cm (cadre). Peintre d'Alicante de la seconde moitié du XIXe siècle, frère du graveur Federico Navarrete, Ricardo a abordé un large éventail de sujets dans son œuvre, se distinguant particulièrement dans le portrait, la peinture d'histoire et celle des coutumes. Il commence sa formation à l'Académie des beaux-arts de San Carlos, à Valence, puis à l'Académie de San Fernando, à Madrid. Élève brillant, il obtient des pensions pour Rome et Venise, et pendant son séjour en Italie, il commence à envoyer des œuvres aux expositions nationales des beaux-arts. Ainsi, en 1864, il obtient une mention honorable et, trois ans plus tard, son œuvre "Capuchinos en el coro" (Capucins dans le chœur) lui vaut une troisième médaille. Navarrete s'installe à Venise grâce au mécénat de José María Olmos et s'y consacre à la peinture de thèmes de l'histoire de la ville et de petites peintures de genre vénitiennes, très admirées à son époque. Il continue à participer à des concours officiels et, en 1873, il reçoit une médaille d'or à l'exposition internationale de Vienne. La même année, il peint un remarquable portrait du romancier Enrique Pérez Escrich, qui sera présenté en hommage posthume à l'Exposition nationale des beaux-arts de 1897, l'année de la mort de l'écrivain. En 1884, Navarrete retourne en Espagne et devient professeur à l'École des beaux-arts de Séville, d'où il passera ensuite à Barcelone et à Madrid. Il est également membre de l'Académie des beaux-arts de Santa Isabel de Hungría à Séville. Actuellement, les œuvres de Ricardo Navarrete sont conservées au musée du Prado, au musée municipal de Játiva, au musée d'Almería, au conseil provincial de Zamora, au conseil municipal d'Irún, au gouvernement civil de Vitoria et dans d'autres collections publiques et privées. Légères taches de rouille.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 82 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Portrait orientaliste". Aquarelle sur papier. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 37,5 x 29 cm ; 63 x 54 cm (cadre). Agrasot a commencé sa formation dans sa ville natale d'Orihuela, où il a obtenu une pension de la Diputación de Alicante pour étudier à l'Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Disciple de Francisco Martínez Yago, il remporte à ses débuts des prix tels que la médaille d'or de l'exposition provinciale d'Alicante en 1860. En 1863, il obtient une nouvelle pension, cette fois pour se rendre à Rome, où il entre en contact avec Rosales, Casado del Alisal et Fortuny. Avec ce dernier, il noue des liens d'amitié étroits et sa peinture est profondément influencée par le style du peintre catalan. Il envoie périodiquement des toiles aux expositions nationales des beaux-arts, où il obtient la troisième médaille en 1864 et la deuxième en 1867. Agrasot reste en Italie jusqu'en 1875 ; après la mort de Fortuny, il retourne en Espagne, où il est déjà un peintre reconnu, membre des académies de San Carlos et de San Fernando, et participe en tant que juré à plusieurs expositions artistiques. En 1886, il reçoit la médaille d'art de l'exposition universelle de Philadelphie et, en 1888, la deuxième médaille de l'exposition internationale de Barcelone. Le style d'Agrasot s'inscrit dans le cadre du réalisme, avec un intérêt particulier pour les thèmes de genre et le costumbrismo régional. Cependant, il a également travaillé sur des nus, des thèmes orientaux et des portraits. Il est représenté au musée du Prado, au musée des beaux-arts de Valence, au MUBAG de Gravina (Alicante) et à l'académie San Carlos de Valence.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 83 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909) "Marina". Aquarelle sur papier. Elle présente de légères taches de rouille. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 25 x 44 cm ; 33,5 x 53 cm (cadre). Peintre d'Alicante de la seconde moitié du XIXe siècle, frère du graveur Federico Navarrete, Ricardo a abordé un large éventail de sujets dans son œuvre, se distinguant particulièrement dans le portrait, la peinture d'histoire et celle des coutumes. Il commence sa formation à l'Académie des beaux-arts de San Carlos, à Valence, puis à l'Académie de San Fernando, à Madrid. Élève brillant, il obtient des pensions pour Rome et Venise, et pendant son séjour en Italie, il commence à envoyer des œuvres aux expositions nationales des beaux-arts. Ainsi, en 1864, il obtient une mention honorable et, trois ans plus tard, son œuvre "Capuchinos en el coro" (Capucins dans le chœur) lui vaut une troisième médaille. Navarrete s'installe à Venise grâce au mécénat de José María Olmos et s'y consacre à la peinture de thèmes de l'histoire de la ville et de petites peintures de genre vénitiennes, très admirées à son époque. Il continue à participer à des concours officiels et, en 1873, il reçoit une médaille d'or à l'exposition internationale de Vienne. La même année, il peint un remarquable portrait du romancier Enrique Pérez Escrich, qui sera présenté en hommage posthume à l'Exposition nationale des beaux-arts de 1897, l'année de la mort de l'écrivain. En 1884, Navarrete retourne en Espagne et devient professeur à l'École des beaux-arts de Séville, d'où il passera ensuite à Barcelone et à Madrid. Il est également membre de l'Académie des beaux-arts de Santa Isabel de Hungría à Séville. Actuellement, les œuvres de Ricardo Navarrete sont conservées au musée du Prado, au musée municipal de Játiva, au musée d'Almería, au conseil provincial de Zamora, au conseil municipal d'Irún, au gouvernement civil de Vitoria et dans d'autres collections publiques et privées. Légères taches de rouille.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 84 - JUAN PABLO SALINAS TERUEL (Madrid, 1871 - Rome, 1946). "Scène orientaliste". Aquarelle sur papier. Présente l'étiquette au dos de la Galerie D'Arte, Italie. Signée et située (Rome) dans le coin inférieur gauche. Dimensions. 68 x 39 cm ; 93 x 65 cm (cadre). Dans cette œuvre réalisée à Rome, l'auteur présente une scène d'une grande crudité en représentant un homme entravé par des chaînes. Son turban et ses vêtements nous transportent dans le monde oriental. Un courant né au XIXe siècle, conséquence de l'esprit romantique d'évasion dans le temps et l'espace. Les premiers orientalistes ont cherché à refléter le perdu, l'inaccessible, dans un voyage dramatique voué dès le départ à l'échec. Comme Flaubert dans "Salambo", les peintres brossent des portraits détaillés de l'Orient et des passés imaginés, recréés au millimètre près, mais finalement inconnus et idéalisés. Cependant, au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, de nombreux peintres qui se sont rendus au Moyen-Orient à la recherche de cette réalité inventée ont découvert un pays différent et nouveau, qui se démarquait par ses particularités des clichés et des préjugés des Européens. Ainsi, cette nouvelle école orientaliste laisse derrière elle les belles odalisques, les harems et les marchés d'esclaves pour ne peindre que ce qu'elle voit, l'Orient réel dans toute sa dimension quotidienne. Juan Pablo Salinas a commencé sa formation artistique à l'Académie des beaux-arts de San Fernando, à Madrid, même si son passage dans les salles de classe a probablement été éphémère. Il commence à se faire connaître en 1885, année où il participe à l'exposition organisée par l'Association des écrivains et des artistes et à l'exposition aragonaise, où il obtient une médaille de troisième classe. Vers 1886, il se rend à Rome pour poursuivre ses études grâce à une bourse accordée par la Diputación Provincial de Zaragoza. Il y fréquente le Cercle international des beaux-arts, ainsi que les cours du soir de l'Académie Chigi. Il rejoint également la colonie artistique espagnole résidant dans la ville et travaille avec son frère, le peintre Agustín Salinas, qui vit à Rome depuis 1883. Les deux frères présentent des œuvres à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid en 1887 ; Juan Pablo envoie "Marc-Antoine et Cléopâtre", un thème classique. Comme son frère, son véritable maître, Salinas recrée également des thèmes médiévaux d'influence toscane notable, avec des œuvres telles que "Roméo et Juliette" ou "Scène du Décaméron". Son style évolue vers le costumbrismo, avec une attention particulière pour les scènes populaires espagnoles et italiennes, comme "Una boda en Aragón" (Un mariage en Aragon), "Regreso de los vendimiadores" (Retour des vendangeurs) et d'autres œuvres. Sa carrière reste étroitement liée à celle de son frère jusqu'à ce qu'il rencontre, lors d'un voyage à Paris, l'œuvre d'Ernest Meissonier, dont l'influence l'amène à se concentrer sur le genre des casacons, avec lesquels il connaît un grand succès commercial en France, en Italie, en Europe centrale, en Russie et en Amérique. Au cours de ces années, il expose dans les Salons Roger et commence ses célèbres compositions d'atmosphère du XVIIIe siècle, dans lesquelles des personnages habillés à la mode de l'époque apparaissent dans le contexte d'intérieurs luxueux, minutieusement détaillés grâce à une technique précieuse, qui est recréée dans la description colorée des vêtements et des dentelles, mais surtout dans le traitement magistral des carnations féminines, délibérément sensuelles. C'est également à cette époque que Salinas réalise plusieurs séries destinées à la décoration de grands salons. Outre ces thèmes, il peint également des scènes orientalistes et des intérieurs d'église. La dernière étape de sa carrière se caractérise par une diminution des détails, un caractère plus lâche et moins descriptif. Juan Pablo Salinas est actuellement représenté au musée du Prado (son œuvre est en dépôt au musée des beaux-arts des Asturies à Oviedo), dans la collection Bellver à Séville et dans d'autres collections publiques et privées.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 85 - VICENTE POVEDA Y JUAN (Alicante 1857 - Rome, 1935). "Portrait masculin". Aquarelle sur papier. Signée dans le coin inférieur droit et située à Rome. Dimensions : 31 x 22,5 cm ; 46 x 37 cm (cadre). Scène d'intérieur où un homme est représenté en train de lire agréablement. Sa posture, sur une chaise, est détendue à l'excès de telle sorte qu'il semble que le spectateur pénètre furtivement dans cet intérieur somptueux. Ce genre de peintures, appelé "de casacones", était l'un des plus demandés par le public au cours du XIXe siècle. Il s'agit de scènes de genre se déroulant aux XVIIe et XVIIIe siècles, dont le nom provient des vestes portées par les protagonistes masculins. Vicente Poveda a commencé sa formation dans sa ville natale. Il a ensuite reçu une bourse pour étudier à l'Académie des beaux-arts de San Fernando à Madrid. Il s'est ensuite rendu à Rome pour poursuivre sa formation académique. C'est là qu'il commence à faire partie du cercle d'artistes tels que Vicente March, Pedro Serrano, Gabriel Puig Roda et Manuel Muñoz. À partir de ce moment, il établit son atelier à Rome, où il développera toute sa carrière.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 86 - RICARDO NAVARRETE Y FOS (Serpis, Alicante, 1834 - Madrid, 1909) "Marina". Aquarelle sur papier. Signée en bas à gauche. Dimensions : 25 x 44 cm ; 33,5 x 53 cm (cadre). Peintre d'Alicante de la seconde moitié du XIXe siècle, frère du graveur Federico Navarrete, Ricardo a abordé un large éventail de sujets dans son œuvre, se distinguant particulièrement dans le portrait, la peinture d'histoire et celle des coutumes. Il commence sa formation à l'Académie des beaux-arts de San Carlos, à Valence, puis à l'Académie de San Fernando, à Madrid. Élève brillant, il obtient des pensions pour Rome et Venise, et pendant son séjour en Italie, il commence à envoyer des œuvres aux expositions nationales des beaux-arts. Ainsi, en 1864, il obtient une mention honorable et, trois ans plus tard, son œuvre "Capuchinos en el coro" (Capucins dans le chœur) lui vaut une troisième médaille. Navarrete s'installe à Venise grâce au mécénat de José María Olmos et s'y consacre à la peinture de thèmes de l'histoire de la ville et de petites peintures de genre vénitiennes, très admirées à son époque. Il continue à participer à des concours officiels et, en 1873, il reçoit une médaille d'or à l'exposition internationale de Vienne. La même année, il peint un remarquable portrait du romancier Enrique Pérez Escrich, qui sera présenté en hommage posthume à l'Exposition nationale des beaux-arts de 1897, l'année de la mort de l'écrivain. En 1884, Navarrete retourne en Espagne et devient professeur à l'École des beaux-arts de Séville, d'où il passera ensuite à Barcelone et à Madrid. Il est également membre de l'Académie des beaux-arts de Santa Isabel de Hungría à Séville. Actuellement, les œuvres de Ricardo Navarrete sont conservées au musée du Prado, au musée municipal de Játiva, au musée d'Almería, au conseil provincial de Zamora, au conseil municipal d'Irún, au gouvernement civil de Vitoria et dans d'autres collections publiques et privées.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 87 - JOSÉ MARÍA SERT BADIA (Barcelone, 1874 - 1945). Sans titre, esquisse pour le Salon des Bucraniens à Kent House, Londres, 1913. Huile sur panneau. Présente des xylophages dans le cadre. Dimensions : 42 x 53 cm ; 44 x 55 cm (cadre). L'œuvre présentée ici est une esquisse à l'huile sur panneau que Sert a réalisée en 1913 dans le cadre du projet de décoration de la résidence londonienne de Sir Saxton Noble, connue sous le nom de Kent House. Les peintures étaient destinées à l'ornementation de deux pièces contiguës séparées par une colonnade de style ionique, l'une servant de salle de musique et l'autre de salle de bal. Selon le livre "José María Sert : His Life and Work", d'Alberto del Castillo, cette œuvre aurait décoré la salle de la cheminée (qui devrait correspondre à la salle de musique). Il affirme que "la décoration de la pièce adjacente, la salle de la cheminée, est comme un voyage au pays des rêves". Il poursuit : "Le panneau de droite - qui correspondrait à l'œuvre finale de l'appel d'offres - représente un port fantastique de l'Orient, évoquant la poésie parnassienne. Un premier plan avec des pavés de briques colorées, un canal plein de bateaux à l'arrière-plan, c'est un thème vénitien dans le style de Bellini ou de Carpaccio, que Tiepolo a encore suivi dans son Embarquement de Cléopâtre". Formé auprès de Benito Mercadé et de Pere Borrell, il fut membre du Círculo Artístico de Sant Lluc et plus tard disciple d'A. de Riquer. En 1900, Torras i Bages lui commande une grande décoration murale pour la cathédrale de Vic, dont il présente des esquisses et des toiles préparatoires en 1905 et 1907 à Barcelone et à Paris, dont cette œuvre est un exemple. Grâce à ses expositions à l'étranger, il acquiert rapidement un prestige extraordinaire auprès de l'aristocratie française et anglaise, pour laquelle il réalise de somptueuses décorations. En 1908, il décore la Sala de los Pasos Perdidos du Palais de justice de Barcelone et, en 1910, il présente au Salon d'automne de Paris la décoration murale de la salle de bal du marquis d'Alella (Barcelone) et décore le salon de musique de la princesse de Polignac à Paris. Deux ans plus tard, il expose un important ensemble d'œuvres au Salon de la capitale française. Dans les années qui suivent, il travaille pour la reine Victoria Eugenia (Santander) et pour Robert Rotschild (Chantilly), et expose en solo à Londres, à la galerie Agnew. En 1920, il épouse à Paris Maria Godebska, "Misia", muse de la scène artistique parisienne. Il peint de nouvelles peintures murales pour de grandes maisons à Park Lane (Angleterre), Buenos Aires, Palm Beach et Paris, et en 1926, il réalise, avec une grande attente, une exposition de ses œuvres pour la cathédrale de Vic au Jeu de Paume à Paris. En 1927, avec le soutien de son ami et mécène Francesc Cambó, il achève la majeure partie de la décoration de la cathédrale, qui se termine par la construction des lunettes entre 1928 et 1929. En 1930, il est nommé membre de l'Académie de San Fernando et, au cours des années suivantes, il travaille dans le monde entier, réalisant d'importantes peintures murales telles que celles du Waldorf Astoria de New York, de la chapelle du Palacio de Liria à Madrid et de la salle du Conseil de la Société des Nations à Genève. Il fut le peintre décorateur le plus éminent de son époque et son style se caractérise par une grande imagination au service d'un langage rhétorique influencé par l'orientalisme et l'expressionnisme de Goya, avec un chromatisme presque exclusivement basé sur les tons dorés et sépia.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 88 - JOSÉ MARÍA SERT (Barcelone, 1874 - 1945). "Pueblo de libertad" et "Pueblo de comerciantes", 1932-1934. Esquisse pour l'auditorium du musée San Telmo de Saint-Sébastien. Huile sur panneau. Les panneaux définitifs publiés dans "José María Sert. Sa vie et son œuvre", Alberto del Castillo, pp. 215 et 218. Dimensions : 74,5 x 53,5 cm. Cette toile présente deux scènes. D'une part, "Peuple de la liberté", qui montre l'arbre de Guernica, symbole des libertés de Vasconie, qui se dresse avec ses branches sèches devant le péristyle de la Casa de las Juntas. Alberto del Castillo affirme que "la figure de la Liberté vole dans les airs, au centre d'une auréole étincelante que les rayons de la gloire sillonnent". Au pied du vieux chêne, un grand livre ouvert symbolise la Charte de Biscaye ; d'autre part, "Pueblo de comerciantes" représente la scène dédiée à la Real Compañía Guipuzkoana de Caracas, entité qui a donné à la province un essor économique inhabituel tout au long du XVIIe siècle. Cette œuvre exalte les Basques en tant que peuple de marchands. Les deux compositions ont été peintes pour la décoration de la grande salle du musée de l'ancien couvent de San Telmo à Saint-Sébastien, l'une des décorations les plus colorées de la vie du peintre. Formé auprès de Benito Mercadé et de Pere Borrell, Sert était membre du Círculo Artístico de Sant Lluc. En 1908, il décore la Sala dels Pasos Perdus du Palais de justice de Barcelone et, en 1910, il présente la décoration murale de la salle de bal du marquis d'Alella (Barcelone) au Salon d'automne de Paris et décore le salon de musique de la princesse de Polignac à Paris. Les années suivantes, il travaille pour la reine Victoria Eugenia (Santander) et pour Robert Rotschild (Chantilly). Il peint de nouvelles peintures murales pour de grandes maisons à Park Lane (Angleterre), Buenos Aires, Palm Beach et Paris, et en 1926, il réalise, avec une grande attente, une exposition de ses œuvres pour la cathédrale de Vic au Jeu de Paume à Paris. En 1927, avec le soutien de son ami et mécène Francesc Cambó, il achève la majeure partie de la décoration de la cathédrale, qui s'achève avec la construction des lunettes entre 1928 et 1929. En 1930, il est nommé membre de l'Académie de San Fernando et, au cours des années suivantes, il travaille dans le monde entier, réalisant d'importantes peintures murales comme celles du Waldorf Astoria.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 89 - ANTONIO REYNA MANESCAU (Coín, Málaga, 1859 - Rome, 1937). "Canal de Venise". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 35 x 75 cm ; 48,5 x 89 cm (cadre). Les vues vénitiennes d'Antonio Reyna ont porté le genre des Vedutti au plus haut degré de l'art. Dans ce paysage urbain, nous sommes en présence d'un représentant exceptionnel de sa capacité à évoquer le "genius loci" du lieu, la saveur locale. Chaque matin, la promenade pavée au bord du canal est bondée de passants, de femmes affairées, l'une buvant de l'eau à la fontaine, l'autre faisant ses courses chez le marchand de fruits et légumes, sous l'auvent rayé..... Avec un langage vif et coloré, avec un coup de pinceau impressionniste audacieux, Reyna déploie un magnifique panorama qui s'échappe vers les maisons librement blotties derrière le pont. Aujourd'hui considéré comme l'un des plus importants paysagistes andalous du XIXe siècle, Antonio Reyna a commencé sa formation à l'École des beaux-arts de Malaga, où il a eu pour professeurs Joaquín Martínez de la Vega et Bernardo Ferrándiz. Dès son plus jeune âge, il expose régulièrement ses œuvres et se distingue dans le milieu artistique local par ses compositions colorées et attrayantes, ainsi que par l'aisance de son coup de pinceau. En 1882, il obtient une pension de la Diputación de Málaga pour poursuivre ses études en Italie. Après son voyage en Italie, Rome devient le lieu de résidence de Reyna, et il y restera pour toujours. À Rome, il fréquente, comme tant d'autres Espagnols, Villegas, et, influencé dans une certaine mesure par l'œuvre de ce peintre, Reyna travaille sur des thèmes orientaux et de "casacón", ces derniers étant d'une facture exquise et d'une variété chromatique raffinée. Parallèlement, en tant que membre de la colonie espagnole, il participe aux réunions du Café Greco. Bien qu'il réside habituellement dans la capitale italienne, l'artiste se rend plusieurs fois à Venise, d'où il peint, en 1885, une vue du Grand Canal et, en 1887, d'abondantes "vedute" de la ville. Sa peinture, traitée dans une perspective d'un certain pittoresque, se concentre sur la réalisation, en petits formats, de paysages urbains, en les répétant à plusieurs reprises avec des variations minimes. Venise était alors l'un des principaux centres d'attraction des Espagnols grâce à l'influence du maître Fortuny et au poids de la production vénitienne de Villegas, auxquels s'ajoutait aussi l'effet des séjours estivaux de Martin Rico, dont les précieux paysages ont été transmis à Reyna. En 1887, une toile manquante de grandes proportions, intitulée "Floralia", lui vaut une médaille de troisième classe à l'Exposition nationale des beaux-arts, étant considérée à l'époque comme le meilleur tableau du peintre. En 1910, à l'occasion du décès de sa mère, Reyna passe quelque temps dans sa ville natale. C'est là qu'il trouve l'inspiration pour créer une autre de ses peintures les plus célèbres, la toile "Rancho Andaluz", qu'il présente l'année suivante à l'Exposition internationale des beaux-arts de Rome. Quelques années auparavant, en 1895, la reine régente Maria Cristina lui avait accordé la croix de chevalier de l'ordre de Carlos III, associant ce fait à la réalisation de certaines portes qui sont passées plus tard à l'Ateneo de Madrid, bien qu'elles ne s'y trouvent apparemment plus aujourd'hui. Reyna exporta également ses œuvres à Londres, en particulier ses vues vénitiennes. Il a également tenu des expositions régulières à Rome, montrant entre autres deux portraits du pape Benoît XV, qui démontrent son expertise dans ce genre. Dans sa peinture, certainement une nouveauté pour l'époque, le peintre a toujours montré son habileté dans le dessin, ainsi qu'une capacité innée pour la composition, marquée par la hardiesse de son coup de pinceau et une grande richesse chromatique.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 90 - JOSÉ MONGRELL TORRENT (Valence, 1870 - Barcelone, 1937). "En attendant la pêche", 1921. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Il y a une petite tache dans la partie centrale droite. Dimensions : 130 x 104 cm ; 148 x 120 cm (cadre). José Mongrell a étudié à l'école des beaux-arts de San Carlos à Valence, où il a été le disciple d'Ignacio Pinazo et de Joaquín Sorolla. Il acquiert une renommée artistique grâce à sa participation à de nombreux concours et expositions à Madrid et à Barcelone. En 1897, il réalise avec grand succès l'affiche tauromachique de la Feria de San Jaime à Valence, et son affiche de la Feria de juillet de Valence de 1912 a d'ailleurs été rééditée en 1971 à l'occasion du centenaire de ces festivités. Il obtient un poste d'enseignant à l'école des beaux-arts de San Jorge à Barcelone, où il vivra jusqu'à la fin de sa vie. De cette période, on retiendra notamment son travail pour le palais de la Generalitat de Catalunya, en charge de la Diputació de Barcelona, ainsi que son portrait du roi Alphonse XIII. Il réalise également des mosaïques de style Art nouveau, comme celles du grand arc du Mercado de Colón et de la façade de la Estación del Norte, tous deux à Barcelone. Mongrell s'est consacré aux scènes de genre, aux portraits et aux paysages, et il était passé maître dans l'art de saisir l'instant, donnant à ses scènes de la vitalité et du dynamisme grâce à des couleurs et des lumières vives et naturalistes. Traditionnellement considéré comme un disciple de Sorolla, Mongrell n'a pourtant appris du maître que ce qui l'a aidé à étendre son art. Le peintre a développé son œuvre à mi-chemin entre le régionalisme et le modernisme, mais un certain symbolisme d'influence française est également perceptible dans son travail. En fait, Mongrell se caractérise par l'importance qu'il accorde au contenu, attribuant à l'image une signification qui va au-delà de l'apparence pure. À une époque où prévalaient les compositions historiques grandioses, idéalistes et dramatiques, Mongrell a développé un style de peinture visant à dépeindre le passé et le présent d'un point de vue quotidien, doux et pittoresque, généralement éloigné de la grandiloquence et de la théâtralité de la peinture d'histoire académique. Malgré sa maîtrise technique, Mongrell n'est pas tombé, comme d'autres, dans un maniérisme raffiné au service d'un sujet sans importance, mais a développé un langage tout à fait personnel, caractérisé par son dynamisme et sa liberté expressive. José Mongrell est actuellement représenté au Museo de Bellas Artes San Pío V et au Museo Nacional de Cerámica y de Artes Suntuarias González Martí de Valence, au Museo de Bellas Artes des Asturies, de Badajoz et de Pontevedra, au Museo Nacional de Arte de Cataluña, au Rijksmuseum d'Amsterdam, au Museo de La Habana et au Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, entre autres. La maîtrise du luminisme de Mongrell, peintre clé pour comprendre l'impressionnisme valencien, est démontrée dans la présente toile. L'artiste nous livre ici l'un de ses thèmes favoris, la costumbrista, qui associe un paysage côtier à des scènes de la vie quotidienne, avec deux femmes populaires saisies avec une dignité qui les met sur un pied d'égalité avec les anciens héros classiques. Ceci est parfaitement visible dans l'œuvre présente, où notre regard est irrémédiablement capté par l'expression magnétique de ce qui semble être une mère et une fille représentées dans le style humble de Mongrell. La mère, vêtue du costume folklorique des pêcheurs valenciens, regarde au loin, attendant la prise, tandis que la fille est à l'intérieur du bateau, attendant les ordres de sa mère. Les personnages apparaissent au premier plan, occupant la majeure partie de la surface picturale, et se détachent sur un paysage de plage magnifiquement travaillé, dont les tons semblent faire écho aux couleurs des vêtements des personnages.

Estim. 24 000 - 26 000 EUR

Lot 91 - JOAQUÍN SOROLLA Y BASTIDA (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923). "Paisaje de sierra", vers 1887-1889. Huile sur panneau. Nous remercions Blanca Pons Sorolla pour son aide dans l'expertise de l'œuvre. L'œuvre sera bientôt incluse dans le catalogue raisonné de l'artiste (No. BPS-3860). Dimensions : 14 x 11 cm ; 47 x 43 cm (cadre). Cette peinture appartient à une période séminale de la production de Sorolla, plus précisément à la période pendant laquelle il a résidé à Rome, une période clé pour sa formation. Nous pouvons apprécier dans ce paysage intime magistralement résolu où l'artiste définit déjà un coup de pinceau lâche et vibrant qui le conduira à la pleine et juste reconnaissance de sa technique incomparable. L'expressivité est maximale grâce aux touches habiles qui combinent des traits rapides et brisés avec une palette d'ocres et de bruns qui contrastent judicieusement avec les tons de chair clairs et les blancs drapés. Dès sa scolarité, Joaquín Sorolla montre sa prédilection pour le dessin et la peinture, assistant l'après-midi aux cours de dessin donnés par le sculpteur Cayetano Capuz à l'École des artisans. Après avoir terminé ses études préliminaires à l'École normale supérieure, il entre à la prestigieuse École des beaux-arts de San Carlos, à Valence, en 1879. Lors de ses visites à Madrid en 1881 et 1882, il copie des peintures de Velázquez, Ribera et El Greco au musée du Prado. Deux ans plus tard, il obtient un grand succès à l'Exposition nationale des beaux-arts avec une peinture d'histoire, ce qui l'incite à demander une bourse pour étudier à l'Académie espagnole des beaux-arts de Rome. Ayant atteint son objectif, Sorolla part pour Rome en 1885, après avoir séjourné plusieurs mois à Paris. Dans la capitale française, il est impressionné par les peintures réalistes et les peintres qui travaillent en plein air. À la fin de ses années à Rome, il retourne à Valence en 1889 et s'installe à Madrid l'année suivante. En 1892, Sorolla montre une nouvelle préoccupation dans son art, s'intéressant aux problèmes sociaux en représentant la triste scène de "¡Otra Margarita !", récompensée par une médaille de première classe au National et, l'année suivante, à l'International de Chicago. Cette sensibilité restera présente dans son œuvre jusqu'à la fin de la décennie, dans ses représentations sur la côte valencienne. Peu à peu, cependant, le maître valencien abandonnera les thèmes des enfants malheureux que l'on retrouve dans "Triste herencia", qui avait été primé à l'Exposition universelle de Paris en 1900 et à la Nationale de Madrid un an plus tard. Encouragé par le succès de ses images resplendissantes de la Méditerranée, et stimulé par son amour de la lumière et de la vie de ses plages ensoleillées, il se concentre sur ces scènes dans ses œuvres, plus gaies et agréables, avec lesquelles il atteindra une renommée internationale. En 1906, il réalise sa première exposition personnelle à la galerie George Petit à Paris, où il démontre également ses talents de portraitiste. En 1908, l'Américain Archer Milton Huntington, impressionné par l'exposition de l'artiste à la Grafton Gallery de Londres, cherche à acquérir deux de ses œuvres pour sa Société hispanique. Un an plus tard, il invite lui-même Sorolla à exposer dans son institution, ce qui donne lieu à une exposition en 1909 qui remporte un énorme succès. La relation entre Huntington et Sorolla débouche sur la commande la plus importante de la vie du peintre : la réalisation des immenses toiles destinées à illustrer, sur les murs de la Société hispanique, les régions d'Espagne. Cherchant à capter l'essence des terres et des gens de son pays, Sorolla parcourt l'Espagne entre 1911 et 1919, tout en continuant à organiser des expositions. Handicapé par une crise d'hémiplégie en 1921, Sorolla meurt deux ans plus tard, sans avoir vu sa grande "Vision de l'Espagne", qui ne sera installée qu'en 1926. Il est actuellement représenté au musée du Prado et à celui qui porte son nom à Madrid, au Metropolitan Museum de New York, au musée d'Orsay à Paris, au J. Paul Getty Museum de Los Angeles, aux musées des beaux-arts de Bilbao et de Valence, à la National Portrait Gallery de Londres et à bien d'autres encore. Nous tenons à remercier Blanca Pons Sorolla pour son aide dans l'expertise de l'œuvre. L'œuvre sera prochainement incluse dans le catalogue raisonné de l'artiste (n° BPS-3860).

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 92 - École française ; seconde moitié du XIXe siècle. "Natures mortes". Huile sur toile. Elles présentent des restaurations. Dimensions : 70 x 95 cm (x2). Inspirées par le genre traditionnel des natures mortes, les images présentes se rassemblent dans une composition classique basée sur une structure pyramidale avec la plupart des éléments au premier plan et complètement visibles pour le spectateur. Les œuvres se distinguent par l'abondance de nourriture : figues, poires, citrouille, poulet, œufs dans l'une d'entre elles, pain, viande et boîte de conserves dans l'autre. Dans l'un des cas, l'artiste présente une scène éclairée avec un fond neutre qui met en valeur le volume des aliments, qui ont été capturés avec soin, en accordant une attention particulière aux qualités de chacun d'entre eux, comme on peut le voir dans le traitement de la porcelaine de la soupière ou dans la brillance des couverts en métal. Une ressource à prendre en compte est la façon dont la nappe est disposée, laissant une partie de la table à découvert, tandis que l'autre partie est recouverte d'une délicate nappe blanche sur laquelle s'appuient les ombres de la scène. Les œuvres qui se définissent par un coup de pinceau lâche ne perdent pas l'essence de la peinture réaliste, comme nous l'avons déjà mentionné. Il convient toutefois de noter que cette coexistence entre les deux styles picturaux est typique du XIXe siècle, une époque où les courants s'unissent et se superposent en raison du grand développement artistique de l'école française. La nature morte ou still life occupait l'échelon le plus bas de la hiérarchie des genres dans l'histoire de l'art, mais elle était de plus en plus prisée par les acheteurs. Outre le sujet autonome de la nature morte, elle aborde d'autres types de thèmes picturaux en utilisant des éléments et des images marquants, généralement symboliques, qui font appel à une multitude d'éléments de la nature pour reproduire, semble-t-il, une tranche de vie. Elle présente des restaurations.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 93 - PERE PRUNA OCERANS (Barcelone, 1904 - 1977). "Scène onirique". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 54 x 73 cm ; 68 x 87 cm (cadre). À cette occasion, Pere Pruna nous plonge dans une scène énigmatique, mettant en scène une jeune fille ailée avec deux taureaux. L'un des taureaux penche la tête et nous ressentons l'intensité de son regard. Une autre figure se découpe sur l'horizon. La scène admet plusieurs interprétations, toutes liées à la vie et à la mort, à la force tellurique matérialisée dans l'animal instinctif et à la spiritualité concrétisée dans la figure angélique. Artiste principalement autodidacte, Pere Pruna a complété sa formation à l'École des beaux-arts de Barcelone. Après avoir commencé à exposer à Barcelone alors qu'il était encore très jeune, il s'est rendu à Paris en 1921, où il a été aidé et guidé par Picasso. Dans la capitale française, il réalise avec succès une exposition personnelle à la galerie Percier et entre en contact avec des intellectuels tels que Cocteau, Drieu la Rochelle, Max Jacob et d'autres, avec lesquels il fonde la revue "Philosophie" en 1924. Serge Diaghilev, qui a visité l'une de ses expositions, lui propose également de créer les décors et les costumes du ballet "Les matelots" en 1925. Depuis lors, il a également travaillé sur d'autres œuvres musicales, telles que "La vie de Polichinele" (1934) et "Oriane" (1938), entre autres. En 1928, il obtient le deuxième prix absolu de l'exposition de l'Institut Carnegie de Pittsburg et, plus tard, à son retour à Barcelone, il obtient d'autres prix tels que le concours "Montserrat vue par les artistes catalans" (1931) ou le prix Nonell (1936). Ce dernier fut entouré de controverse, car Pruna l'obtint pour sa peinture à l'huile "El vi de Chios", pour laquelle il utilisa comme modèle une photographie publiée dans une revue pornographique parisienne. Devant l'émoi suscité, Pruna renonce au prix, mais le jury ratifie sa décision. Après le déclenchement de la guerre civile, Pruna s'installe à Paris et poursuit son activité d'exposition internationale, avec une exposition organisée à Londres en 1937. Parallèlement, il travaille pour les services de propagande de Ridruejo, avec des œuvres telles que l'affiche commémorant la promulgation de la Force de travail, et Eugenio d'Ors, responsable national des beaux-arts, l'introduit auprès de la représentation espagnole à la Biennale de Venise en 1938. Après la guerre, il combine les expositions de peinture de chevalet avec la peinture murale, un genre dans lequel son travail au monastère de Montserrat a été particulièrement célébré. En 1965, il a reçu le prix de la ville de Barcelone et, trois ans plus tard, il a été nommé académicien de la Far de Sant Cristòfor. Pere Pruna est actuellement représenté au musée de Montserrat, où un espace porte son nom, au MACBA de Barcelone et au musée Maricel de Sitges, entre autres.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 94 - MONTSERRAT GUDIOL COROMINAS (Barcelone, 1933 - 2015). "Le Rosaire". Huile sur carton. Signée dans la marge inférieure. Dimensions : 80 x 40 cm ; 96,5 x 57 cm (cadre). Gudiol réussit dans cette scène, sur un effet de grisaille, à dessiner l'ovale délicat de deux personnages dont les traits et la silhouette stylisée respirent la mélancolie. Montserrat Gudiol a débuté dans le monde de l'art dans l'atelier familial de restauration de peintures médiévales et, depuis 1950, elle se consacre à la peinture sur panneau et sur papier. La même année, elle réalise sa première exposition individuelle au Casino de Ripoll (Gérone). En 1953, il participe à l'exposition collective "Current Portrait", au Cercle artistique de Barcelone, et l'année suivante, il fait ses débuts à l'étranger avec une exposition individuelle de dessins au Museum of Miami (États-Unis). La même année, elle participe à l'exposition collective "Pintura femenina" (C.I.C.F. de Barcelone), obtient le premier prix de la Diputación de Barcelona et le deuxième prix San Jorge de la même entité. En 1960, elle participe à l'Exposition nationale des beaux-arts de Barcelone, où elle remporte une troisième médaille, et participe également au Salon international du dessin de la Fondation Ynglada Guillot (Barcelone), où elle obtient le premier prix. En 1962, elle réalise une importante exposition individuelle à la Sala Gaspar de Barcelone (galerie où elle réitérera sa présence par la suite) et, la même année, elle participe à une exposition collective au Casón del Buen Retiro, à Madrid. Depuis lors, il a continué à organiser des expositions individuelles et à participer à des expositions collectives, tant en Espagne qu'en Allemagne, en Afrique du Sud, en République tchèque, en Chine, en France, au Japon, aux États-Unis, en Russie et au Canada. Parmi ses expositions personnelles, on peut citer celles qui ont eu lieu à la Pieter Wenning Gallery de Johannesburg (1967), à la Tamenaga Gallery de Tokyo (1974), Au Molin de Vauboyen à Paris (1978), au Exhibition Hall de l'Union des peintres de l'URSS à Moscou (1979), à la Dreiseitel Gallery de Cologne (1981) et à la Walton-Gilbert Gallery de San Francisco (1984). En 1980, elle réalise une importante œuvre monumentale pour l'abbaye de Montserrat, une représentation de saint Benoît. En 1981, elle est la première femme à entrer à l'Académie royale catalane des beaux-arts de Sant Jordi et, en 1998, la Generalitat de Catalunya lui décerne la Croix de Sant Jordi. Possédant un langage personnel et sincère, loin des modes ou des styles préconçus, Gudiol crée des œuvres caractérisées par un thème et une atmosphère qui témoignent d'un goût marqué pour la fantaisie et l'introspection. Ses couleurs et ses figures forment un monde de mystère, peuplé de personnages stylisés et aveugles, et de scènes de maternité. Ses peintures à l'huile et ses dessins transmettent la forte personnalité de l'auteur, ainsi que son idée d'un art véritable. Gudiol embrasse les problèmes extrêmes de l'être humain, avec des compositions caractérisées par un fond de silences profonds, mystérieux et troublants, où l'affection et l'émotion entrent en dialogue avec l'anxiété et l'angoisse de l'être humain. Elle est actuellement représentée au MACBA, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, aux musées d'art moderne de Johannesburg, San Diego, Miami et Flint (États-Unis), à la Joseph Cantor Foundation d'Indianapolis (États-Unis), au Comité international olympique de Lausanne (Suisse), au monastère de Montserrat et à l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi.

Estim. 3 400 - 4 000 EUR

Lot 95 - RAMÓN MARTÍN DURBAN (Saragosse, 1904- Caracas, 1968). "Portrait de Concha Piquer. Huile sur toile. Elle présente des dommages causés par des xylophages dans le châssis. Dimensions : 212 x 151 cm ; 247 x 188 cm (châssis). Portrait de la folklorique Concha Piquer (Valence, 1906 - Madrid, 1990). L'œuvre nous montre une Concha debout avec un grand costume qui prend presque le protagonisme de la scène. La protagoniste ne regarde pas le spectateur, mais dirige son regard au-delà vers un point éloigné, établissant ainsi une certaine distance par rapport au spectateur avec un ton amical dû à son sourire. Selon le "Diccionario antológico de artistas aragoneses, 1947-1978", Ramón Martín Durbán était peintre, décorateur mural, affichiste et illustrateur graphique. Son travail artistique a pris de l'importance après son installation à Barcelone, où il a collaboré activement à la préparation artistique de l'exposition internationale des beaux-arts de 1929 et, plus tard, pendant les années de la guerre civile, il a réalisé plusieurs affiches pour le gouvernement de la Generalitat. Il avait commencé sa formation artistique à Saragosse avec le sculpteur-décorateur Cubero et à l'Académie de dessin d'Abel Bueno. Il a participé à l'exposition nationale des beaux-arts de 1932, aux salons d'art aragonais de Saragosse et aux salons d'automne et de printemps de Madrid et de Barcelone. Il s'exile au Venezuela, où il enseigne le portrait à l'École des arts appliqués de Caracas, tout en développant une abondante activité de peinture murale. Présente des dommages causés par des xylophages dans le cadre du châssis.

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 96 - DARÍO DE REGOYOS (Asturies, 1857 - Barcelone, 1913). "Forêt". ca. 1897 Huile sur toile collée sur carton. Signée dans le coin inférieur droit. L'œuvre sera incluse dans le prochain catalogue raisonné de l'artiste. Elle a appartenu au dessinateur Manuel Feliú. Nous remercions M. Juan San Nicolás pour son aide dans le catalogage de l'œuvre. Un certificat d'authenticité peut être joint à la demande et aux frais de l'acheteur. Dimensions : 18 x 18 cm ; 30 x 30 cm (cadre). Au bord d'une étroite route de sable poussent des arbres à la cime feuillue. Un pont romain se dessine au loin. Dans ce paysage, Regoyos utilise un coup de pinceau juteux, riche en nuances allant du vert émeraude au vert citron. Il traduit par de subtiles irisations les jeux de lumière qui filtrent les branches et se projettent avec habileté et sagesse poétique sur l'herbe. Par petites touches, Regoyos révèle une composition où l'atmosphère colorée et ombragée de ce lieu est fidèlement reflétée. Regoyos fut l'un des maîtres impressionnistes de la capture de la lumière fugace. Formé à l'Académie des beaux-arts de San Fernando à Madrid, il y étudie la peinture de paysage avec pour professeur l'artiste belge Carlos de Haes. C'est alors que les connaissances de l'artiste asturien commencent à s'élargir vers les tendances du paysage belge, un goût et un intérêt qu'il développe en voyageant en Belgique en 1879. Le séjour à Bruxelles est enrichissant pour Regoyos, qui fréquente l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles en tant qu'étudiant. Cependant, l'académisme intégré à l'institution pousse l'artiste à la quitter, et il se tourne vers l'ancien professeur de Carlos de Haes, Joseph Quinaux, afin d'acquérir de nouvelles techniques.Regoyos s'intègre parfaitement dans son nouveau lieu de résidence, il rencontre un grand nombre d'artistes, de poètes et d'écrivains, auprès desquels il apprend et se perfectionne en tant qu'artiste. Sa reconnaissance progresse grâce à son dynamisme et à son habileté artistique, ce qui lui permet d'entrer dans le célèbre Cercle des XX (acte 1883-1894). On peut dire que c'est à partir de ce moment-là que la carrière artistique de Regoyos commence à mûrir. En 1886, l'artiste asturien développe une étape pointilliste favorisée par la participation de George Seurat à l'une des expositions organisées au Cercle des XX. L'émotion et l'impact provoqués par le traitement de Seurat provoquent la création d'un groupe pointilliste, auquel Darío de Regoyos participe. Ce mouvement novateur attire des artistes impressionnistes français tels que Paul Signac, une autre référence dans la technique artistique de Regoyos. Après la dissolution de Los XX en 1893, Regoyos décide de retourner en Espagne où le panorama artistique est limité, puisque les nouvelles tendances ne sont pas encore arrivées de France. On peut dire que c'est la fin de sa période d'apprentissage, en devenant le professeur d'artistes libérés du "sorollismo" enraciné dans le domaine de la peinture de paysage, et en les encourageant à diffuser ses idées par le biais des médias de l'époque. La carrière d'exposition de l'artiste asturien a couvert un grand nombre de villes, telles que Bilbao, Francfort, Berlin, La Haye, Venise, Bayonne, Saint-Sébastien, Londres, Mexico, Bordeaux et Buenos Aires, entre autres. Il est également représenté dans des institutions telles que le musée du Prado, le Thyssen-Bornemisza, le Museo Nacional de Arte de Cataluña à Barcelone, le Museo de Bellas Artes à Bilbao et la collection Gerstenmaier, parmi de nombreux autres musées et institutions.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 97 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Odalisque". Aquarelle sur papier. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 35 x 26 cm ; 62 x 54 cm (cadre). Agrasot a commencé sa formation dans sa ville natale d'Orihuela, où il a obtenu une pension de la Diputación de Alicante pour étudier à l'Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Disciple de Francisco Martínez Yago, il remporte à ses débuts des prix tels que la médaille d'or de l'exposition provinciale d'Alicante en 1860. En 1863, il obtient une nouvelle pension, cette fois pour se rendre à Rome, où il entre en contact avec Rosales, Casado del Alisal et Fortuny. Avec ce dernier, il noue des liens d'amitié étroits et sa peinture est profondément influencée par le style du peintre catalan. Il envoie périodiquement des toiles aux expositions nationales des beaux-arts, où il obtient la troisième médaille en 1864 et la deuxième en 1867. Agrasot reste en Italie jusqu'en 1875 ; après la mort de Fortuny, il retourne en Espagne, où il est déjà un peintre reconnu, membre des académies de San Carlos et de San Fernando, et participe en tant que juré à plusieurs expositions artistiques. En 1886, il reçoit la médaille d'art de l'exposition universelle de Philadelphie et, en 1888, la deuxième médaille de l'exposition internationale de Barcelone. Le style d'Agrasot s'inscrit dans le cadre du réalisme, avec un intérêt particulier pour les thèmes de genre et le costumbrismo régional. Cependant, il a également travaillé sur des nus, des thèmes orientaux et des portraits. Il est représenté au musée du Prado, au musée des beaux-arts de Valence, au MUBAG de Gravina (Alicante) et à l'académie San Carlos de Valence.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 98 - JOSÉ BENLLIURE GIL (Valence, 1855 - 1937). Sans titre. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 41,5 x 52 cm ; 70 x 81 cm (cadre). Dans ce portrait de groupe, chaque type de costumbrista est doté d'une personnalité propre. La profondeur psychologique et le vérisme méticuleux caractérisent cette œuvre. Les personnages apparaissent au premier plan, sur un fond neutre qui les met en valeur. Un vieil homme qui semble abattu, tandis que l'enfant chante joyeusement, devenant ainsi une métaphore de la vie et des différentes étapes de la vie. José Benlliure commence ses études artistiques avec Francisco Domingo à Valence, puis poursuit sa formation à Madrid, où il s'installe en 1869. Il bénéficie très tôt du patronage du roi de Savoie et s'installe en 1879 à Rome, où il est découvert par l'important marchand d'art Martin Colnaghi, qui finance ses études dans la ville. En 1897, il effectue plusieurs voyages à Tanger, en Algérie et au Maroc, où il aborde le monde quotidien des lieux qu'il visite à travers une peinture réaliste, lumineuse et libre. À partir de 1900, son œuvre aborde des thèmes populaires. Il participe aux expositions nationales des beaux-arts, obtenant des troisièmes médailles aux éditions de 1876 et 1878 et des premières à celle de 1887. Il est membre des académies de San Fernando (Madrid), San Lucas (Rome), San Carlos (Valence), Brera (Milan) et Munich. Entre 1904 et 1912, il dirige l'Académie espagnole de Rome. La majeure partie de sa production est conservée à Valence, dans sa maison-musée et au musée des beaux-arts San Pío V. Il est également représenté au musée du Prado, au Thyssen-Bornemisza et au palais de Charles Quint à Grenade, entre autres.

Estim. 4 200 - 4 500 EUR

Lot 99 - PLÁCIDO FRANCÉS Y PASCUAL (Alcoy, 1834 - Madrid, 1902). "Mousquetaire. Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 20 x 15,5 cm ; 42 x 36 cm (cadre). Les portraits et scènes de mousquetaires étaient très prisés par la clientèle bourgeoise du XIXe siècle, dans un contexte encore hérité du romantisme, qui cherchait dans la recréation idéalisée du passé une échappatoire à la réalité quotidienne. De nombreux peintres de l'époque ont travaillé dans ce sens, cherchant à capturer avec le plus grand vérisme possible des scènes du passé recréées avec un souci du détail précis, travaillées avec un langage aux racines académiques. Ce type de scènes mettant en scène des mousquetaires s'inscrit dans le genre de la peinture de casacón, des scènes travaillées avec un empressement narratif et descriptif particulier, qui, en Espagne, aura pour principale référence formelle Vélasquez et ses contemporains. Né à Alcoy, il commence sa formation artistique à Valence, à l'Académie de San Carlos de Valence, mais s'installe à Madrid en 1854 pour terminer ses études. Il s'y inscrit comme étudiant à l'Académie San Fernando de Madrid, puis, en 1861, il est nommé professeur à l'École des beaux-arts de Valence et, plus tard, à l'École des arts et des industries de Madrid. En 1882, il reçoit la Croix de Carlos III. Antonio Cortina Farinós fut l'un de ses élèves les plus connus. En 1862, il réalise des décorations pour le "Palacio del Marqués de Dos Aguas" à Valence. Quatre ans plus tard, il peint des médaillons de Vénus sur le plafond avec des putti et des chérubins pour la salle de bal du palais. Il travaille également sur les palais du duc de Santoña et du marquis de Larios. En 1870, il s'installe à Madrid, où il devient l'un des fondateurs du Círculo de Bellas Artes et de l'Asociación de Acuarelistas de Madrid. Il devient également professeur à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando et commence à exposer ses œuvres à l'Exposition nationale annuelle des beaux-arts, où il remporte des médailles en 1871, 1890 et 1892. Ses illustrations paraissent souvent dans la revue Blanco y Negro. Il meurt à Madrid à l'âge de 68 ans. Deux de ses enfants étaient également peintres : Fernanda Francés y Arribas (1862-1939), spécialisée dans la peinture de fleurs, et Juan Francés Mexía (1873-1954). Son cousin est le peintre Emilio Sala, qui fut également l'un de ses élèves.

Estim. 1 400 - 1 700 EUR

Lot 100 - JOAQUIN AGRASOT (Orihuela, Alicante, 1837 - Valencia, 1919). "Scène religieuse". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 37,5 x 23,5 cm ; 62 x 48 cm (cadre). On retrouve dans cette œuvre un thème très au goût de la bourgeoisie espagnole de la seconde moitié du XIXe siècle et du début du XXe siècle, les scènes de costumbrista, gaies et narratives, mettant en scène d'espiègles enfants de chœur. Le plus souvent, ces scènes étaient traitées comme nous le voyons ici, avec un dessin précis et descriptif et une attention particulière aux détails, tant dans les gestes, les expressions et les vêtements que dans les décors qui entourent les enfants, généralement des intérieurs comme celui représenté ici, une dépendance du temple richement décorée. Agrasot a commencé sa formation dans sa ville natale d'Orihuela, où il a obtenu une pension de la Diputación de Alicante pour étudier à l'Escuela de Bellas Artes de San Carlos à Valence. Disciple de Francisco Martínez Yago, il remporte à ses débuts des prix tels que la médaille d'or de l'exposition provinciale d'Alicante en 1860. En 1863, il obtient une nouvelle pension, cette fois pour se rendre à Rome, où il entre en contact avec Rosales, Casado del Alisal et Fortuny. Avec ce dernier, il noue des liens d'amitié étroits et sa peinture est profondément influencée par le style du peintre catalan. Il envoie périodiquement des toiles aux expositions nationales des beaux-arts, où il obtient la troisième médaille en 1864 et la deuxième en 1867. Agrasot reste en Italie jusqu'en 1875 ; après la mort de Fortuny, il retourne en Espagne, où il est déjà un peintre reconnu, membre des académies de San Carlos et de San Fernando, et participe en tant que juré à plusieurs expositions artistiques. En 1886, il reçoit la médaille d'art de l'exposition universelle de Philadelphie et, en 1888, la deuxième médaille de l'exposition internationale de Barcelone. Le style d'Agrasot s'inscrit dans le cadre du réalisme, avec un intérêt particulier pour les thèmes de genre et le costumbrismo régional. Cependant, il a également travaillé sur des nus, des thèmes orientaux et des portraits. Il est représenté au musée du Prado, au musée des beaux-arts de Valence, au MUBAG de Gravina (Alicante) et à l'académie San Carlos de Valence.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

11 juillet - Classiques des 19e et 20e siècles

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