Null JOSÉ MARÍA SERT (Barcelone, 1874 - 1945).

"Pueblo de libertad" et "Pueblo …

Description

JOSÉ MARÍA SERT (Barcelone, 1874 - 1945). "Pueblo de libertad" et "Pueblo de comerciantes", 1932-1934. Esquisse pour l'auditorium du musée San Telmo de Saint-Sébastien. Huile sur panneau. Les panneaux définitifs publiés dans "José María Sert. Sa vie et son œuvre", Alberto del Castillo, pp. 215 et 218. Dimensions : 74,5 x 53,5 cm. Cette toile présente deux scènes. D'une part, "Peuple de la liberté", qui montre l'arbre de Guernica, symbole des libertés de Vasconie, qui se dresse avec ses branches sèches devant le péristyle de la Casa de las Juntas. Alberto del Castillo affirme que "la figure de la Liberté vole dans les airs, au centre d'une auréole étincelante que les rayons de la gloire sillonnent". Au pied du vieux chêne, un grand livre ouvert symbolise la Charte de Biscaye ; d'autre part, "Pueblo de comerciantes" représente la scène dédiée à la Real Compañía Guipuzkoana de Caracas, entité qui a donné à la province un essor économique inhabituel tout au long du XVIIe siècle. Cette œuvre exalte les Basques en tant que peuple de marchands. Les deux compositions ont été peintes pour la décoration de la grande salle du musée de l'ancien couvent de San Telmo à Saint-Sébastien, l'une des décorations les plus colorées de la vie du peintre. Formé auprès de Benito Mercadé et de Pere Borrell, Sert était membre du Círculo Artístico de Sant Lluc. En 1908, il décore la Sala dels Pasos Perdus du Palais de justice de Barcelone et, en 1910, il présente la décoration murale de la salle de bal du marquis d'Alella (Barcelone) au Salon d'automne de Paris et décore le salon de musique de la princesse de Polignac à Paris. Les années suivantes, il travaille pour la reine Victoria Eugenia (Santander) et pour Robert Rotschild (Chantilly). Il peint de nouvelles peintures murales pour de grandes maisons à Park Lane (Angleterre), Buenos Aires, Palm Beach et Paris, et en 1926, il réalise, avec une grande attente, une exposition de ses œuvres pour la cathédrale de Vic au Jeu de Paume à Paris. En 1927, avec le soutien de son ami et mécène Francesc Cambó, il achève la majeure partie de la décoration de la cathédrale, qui s'achève avec la construction des lunettes entre 1928 et 1929. En 1930, il est nommé membre de l'Académie de San Fernando et, au cours des années suivantes, il travaille dans le monde entier, réalisant d'importantes peintures murales comme celles du Waldorf Astoria.

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JOSÉ MARÍA SERT (Barcelone, 1874 - 1945). "Pueblo de libertad" et "Pueblo de comerciantes", 1932-1934. Esquisse pour l'auditorium du musée San Telmo de Saint-Sébastien. Huile sur panneau. Les panneaux définitifs publiés dans "José María Sert. Sa vie et son œuvre", Alberto del Castillo, pp. 215 et 218. Dimensions : 74,5 x 53,5 cm. Cette toile présente deux scènes. D'une part, "Peuple de la liberté", qui montre l'arbre de Guernica, symbole des libertés de Vasconie, qui se dresse avec ses branches sèches devant le péristyle de la Casa de las Juntas. Alberto del Castillo affirme que "la figure de la Liberté vole dans les airs, au centre d'une auréole étincelante que les rayons de la gloire sillonnent". Au pied du vieux chêne, un grand livre ouvert symbolise la Charte de Biscaye ; d'autre part, "Pueblo de comerciantes" représente la scène dédiée à la Real Compañía Guipuzkoana de Caracas, entité qui a donné à la province un essor économique inhabituel tout au long du XVIIe siècle. Cette œuvre exalte les Basques en tant que peuple de marchands. Les deux compositions ont été peintes pour la décoration de la grande salle du musée de l'ancien couvent de San Telmo à Saint-Sébastien, l'une des décorations les plus colorées de la vie du peintre. Formé auprès de Benito Mercadé et de Pere Borrell, Sert était membre du Círculo Artístico de Sant Lluc. En 1908, il décore la Sala dels Pasos Perdus du Palais de justice de Barcelone et, en 1910, il présente la décoration murale de la salle de bal du marquis d'Alella (Barcelone) au Salon d'automne de Paris et décore le salon de musique de la princesse de Polignac à Paris. Les années suivantes, il travaille pour la reine Victoria Eugenia (Santander) et pour Robert Rotschild (Chantilly). Il peint de nouvelles peintures murales pour de grandes maisons à Park Lane (Angleterre), Buenos Aires, Palm Beach et Paris, et en 1926, il réalise, avec une grande attente, une exposition de ses œuvres pour la cathédrale de Vic au Jeu de Paume à Paris. En 1927, avec le soutien de son ami et mécène Francesc Cambó, il achève la majeure partie de la décoration de la cathédrale, qui s'achève avec la construction des lunettes entre 1928 et 1929. En 1930, il est nommé membre de l'Académie de San Fernando et, au cours des années suivantes, il travaille dans le monde entier, réalisant d'importantes peintures murales comme celles du Waldorf Astoria.

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Estim. 3 500 - 3 700 EUR

JOSÉ LUIS ALEXANCO (Madrid, 1942-2021). "Boscuman", 1991. Acrylique sur toile de coton. Signée et datée au dos. Titré et daté sur le châssis. Dimensions : 150 x 150 cm ; 154 x 154 cm (cadre). Alexanco étudie le dessin et la gravure avec Manuel Castro Gil à la Casa de la Moneda, à Madrid, et entre en 1960 à l'École des beaux-arts. Entre 1968 et 1974, il collabore avec d'autres artistes au Centre de calcul de l'université, où il travaille sur des programmes de génération de sculptures, en collaboration avec la société américaine IBM. Pendant cette période, il rencontre le mathématicien José Barbera et ils développent ensemble le logiciel MOUVNT, conçu pour générer des formes automatiques qui se matérialiseront plus tard dans des sculptures anthropomorphes. En 1970, il crée avec Luis de Pablo le spectacle plastique acoustique "Soledad Interrumpida", formé à Buenos Aires. Dans les années qui suivent, il continue à travailler avec le même auteur sur divers projets, dont l'organisation des Rencontres de Pampelune de 1972. En 1978, il conçoit l'édition princeps de la Constitution espagnole pour l'Editora Nacional et, en 1998, il présente une importante exposition rétrospective au Centre d'art Santa Mònica de Barcelone (plus tard au Círculo de Bellas Artes de Madrid). Référent de la peinture franquiste tardive et innovateur technologique, son œuvre fait partie de collections telles que celles du Victoria & Albert Museum de Londres, de la Chase Manhattan Bank de New York, du MNCARS de Madrid, du MACBA de Barcelone ou de la Fondation Juan March.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

JOSÉ GUERRERO (Grenade, 1914 - Barcelone, 1991). Sans titre, 1985. Huile sur fond lithographique. Signée et datée. Bibliographie : Baena, Francisco ; Guibault, Serge ; Ramírez, Juan Antonio ; Romero Gómez, Yolanda ; Vallejo Ulecia, Inés, Catalogue Raisonné Vol. II. 1970-1991, ed. Centro José Guerrero, page 1090, nº 1133. Dimensions : 68 x 48 cm ; 82 x 64 cm (cadre). Peintre et graveur espagnol nationalisé américain, José Guerrero a développé son œuvre au sein de l'expressionnisme abstrait. Il commence sa formation à l'École des arts et métiers de Grenade, puis déménage à Madrid pour poursuivre ses études à l'École supérieure des beaux-arts de San Fernando, où il est l'élève de Daniel Vázquez Díaz. En 1942, il obtient une bourse de la Casa de Velázquez et, en 1945, il s'installe à Paris grâce à une nouvelle bourse, accordée cette fois par le gouvernement français. Dans la capitale française, il fait connaissance avec l'avant-garde européenne et entre en contact avec les peintres espagnols de l'École de Paris. Dès lors, son œuvre est pleine d'échos de l'avant-garde et de signes de Picasso, clairement visibles dans cette œuvre, caractéristiques qu'il abandonnera dans les années cinquante, lorsqu'il découvrira l'expressionnisme abstrait à New York. Il arrive dans cette ville en 1950, encouragé par sa femme, la journaliste new-yorkaise Roxana Pollock, qu'il a épousée un an plus tôt. En 1954, il expose avec Joan Miró à l'Art Club de Chicago, une exposition qui signifie sa projection internationale définitive. Son marchand est Betty Parson, l'une des plus importantes galeristes de New York à l'époque. Le style de Guerrero change alors complètement, montrant une profonde influence de Rothko et de Kline ; il abandonne définitivement la figuration et construit des compositions où se manifeste une tension marquée entre les espaces, les couleurs et les objets méconnaissables. Il retourne en Espagne en 1965 et participe à la création du musée d'art abstrait de Cuenca. Il retourne bientôt à New York, tout en continuant à se rendre en Espagne. Sa production, qui reste caractérisée par la puissance des masses de couleurs, des plans et des lignes, est influencée à cette époque par Clyfford Still et Barnett Newman. Aujourd'hui, José Guerrero est reconnu comme l'un des peintres espagnols les plus remarquables de l'école de New York. Il a obtenu une reconnaissance précoce en étant nommé Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres par le gouvernement français en 1959. De même, en 1976, sa première exposition anthologique a été organisée dans sa ville natale. En 1984, il reçoit la médaille d'or des beaux-arts et, en 1989, il est décoré par la Fondation Rodriguez Acosta. En 2000, le centre d'art qui porte son nom a été inauguré à Grenade, grâce à la donation faite par sa veuve au conseil provincial. Il est également représenté dans divers musées et collections, dont le Guggenheim Museum, le MOMA et le Metropolitan à New York, le Reina Sofia à Madrid, le British Museum et le Patio Herreriano à Valladolid.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

JOSÉ MANUEL BROTO GIMENO (Saragosse, 1949). "Hierros", 2000. Acrylique sur toile et bois. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 100 x 100 cm. Peintre aragonais inscrit dans la nouvelle abstraction des années soixante-dix, considéré comme l'une des figures les plus significatives de la peinture espagnole contemporaine, José Manuel Broto articule son langage plastique autour de la couleur, la modulant en de subtiles variations tonales qui évoquent des symphonies musicales. Les influences artistiques reçues tout au long de sa carrière l'ont conduit vers une abstraction proche d'artistes tels que Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still, Robert Motherwell et Sam Francis, basée sur le lyrisme et, dans certains cas, le sublime. La voie ouverte par Antoni Tàpies, qui a rejeté le conceptuel pour pratiquer un art matériel fondé sur l'essentialité de la peinture, a été fondamentale pour lui. Ainsi, dans cette œuvre, Broto utilise un langage abstrait, basé sur une géométrie irrégulière, libre tant dans son tracé que dans ses textures et ses couleurs. Les formes picturales sont le fruit d'une dualité, car elles sont résolues par une composition réfléchie mais aussi par l'expérimentation. Le résultat est une image qui transcende, indiquant au spectateur qu'il s'agit de formes, d'idées ou de suggestions qui dépassent les limites du purement pictural. José Manuel Broto a étudié à l'École des arts et métiers de Saragosse et a exposé ses œuvres pour la première fois en 1968 (galerie Galdeano), dans un style proche du constructivisme. En 1972, il s'installe à Barcelone, où il fonde le groupe Trama avec Javier Rubio, Xavier Grau et Gonzalo Tena. Avec ce groupe, il présente son travail en 1976 à la galerie Maeght de Barcelone, avec le soutien d'Antonio Tàpies. Trama publie également une revue d'art du même nom, dont seulement deux numéros paraissent (1976-1977). Cependant, après la dissolution du groupe, Broto s'oriente vers un langage proche de l'expressionnisme abstrait, qui incorpore dans son œuvre un paysage naturel primitif. Il présente ces nouvelles œuvres lors de sa première exposition personnelle à Paris, en 1984, à la galerie Adrien Maeght. L'année suivante, il quitte Barcelone et s'installe dans la capitale française, où il passe dix ans et coïncide avec d'autres artistes espagnols tels que Barceló, Campano et Sicilia. Pendant sa période parisienne, Broto remplace les thèmes romantiques par des formes plus austères et abstraites, et son œuvre se remplit de formes organiques liées à la tradition ascétique et mystique. Au milieu des années 1980, il retourne en Espagne et s'installe cette fois à Majorque. Artiste déjà mûr, il pratique une néo-abstraction directement liée à l'école catalane des années soixante-dix, influencée à l'origine par les principes esthétiques et plastiques du groupe français Soporte/Superficie qui, en 1966, appelait à un retour à la peinture après le désordre produit par les mouvements conceptuels. À partir de 1998, sa gamme de thèmes s'élargit aux figures spatiales, aux transparences, aux formes atmosphériques, etc., combinées à un traitement coloré et à une structure rigoureuse. Tout au long de sa carrière, Broto a organisé de nombreuses expositions et a reçu le prix national des arts plastiques (1995), le prix ARCO de l'association des critiques (1997) et le prix Goya de gravure d'Aragon (2003). En 1995, le musée Reina Sofía de Madrid lui a consacré une rétrospective. Il est actuellement représenté au Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, au FRAC (Midi-Pyrénées, France), à la Chase Manhattan Bank Collection de New York, à la Juan March Foundation, à la Reina Sofía, au Metropolitan Museum de New York, au Fond National d'Art Contemporain de Paris, à la Kampo Collection de Tokyo, à l'Institut d'Art Contemporain de Paris, à l'Institut d'Art Contemporain de Paris, à l'Institut d'Art Contemporain de Paris, la Kampo Collection à Tokyo, la Fondation Tàpies à Barcelone, la DOVE Collection à Zurich, l'Ateneum à Helsinki, la Peter Stuyvesant Foundation à Amsterdam, le Maeght en France, la La Caixa Collection à Barcelone, le Preussag à Hanovre et l'IVAM à Valence.

Estim. 45 000 - 50 000 EUR

MIGUEL ÁNGEL CAMPANO (Madrid, 1948 - 2018). Sans titre.1993. Huile et acrylique sur lin. Signé et daté au dos. Œuvre reproduite dans : -Santiago Olmo, "Miguel Ángel Campano. Peintures 1993", Ed. Galerie Juana de Aizpuru, Madrid 1993, p. 12 -Santiago Olmo, "Campano", Ed. Association Fortant de France, Setè 1994, p. 45. -Santiago Olmo, "Miguel Ángel Campano", Ed. Sa Nostra, Œuvre sociale et culturelle, Palma de Majorque 1997, p. 19". Dimensions : 266 x 195 cm. Nous nous trouvons devant une composition de grand format qui conjugue l'effet visuel résultant du contraste chromatique et conceptuel entre deux couleurs opposées, le blanc et le noir, tout en explorant l'imperfection des formes géométriques minimales et trompeuses : l'ovale déformé, le point qui se dilate en tache. Ces formes évidées sont caractéristiques des œuvres réalisées par Campano au début des années 90, qu'il avait déjà commencé à explorer lorsqu'il a abandonné la figuration. L'artiste se dit influencé par ses voyages dans les pays asiatiques. Dans les années 90, il n'utilise que de l'huile noire. Campano se réinvente sans cesse. À partir des années 1990, l'œuvre de Campano subit différents processus de dépouillement : d'une part, les références à la tradition sont supprimées et, d'autre part, la couleur est exclue de sa peinture, l'artiste ne travaillant qu'en noir sur des toiles nues. La réflexion sur la géométrie, en revanche, est devenue un aspect essentiel de sa production. Miguel Ángel Campano est l'un des référents de ce que l'on appelle la rénovation de la peinture espagnole, qui a eu lieu dans les années 80 et à laquelle ont également participé Ferrán García Sevilla, José Manuel Broto, José María Sicilia et Miquel Barceló. Dans les années 70, il s'installe à Paris grâce à une bourse d'études ; l'année prévue se transforme en un séjour de plus de dix ans, où il vit et développe sa brillante carrière picturale. Il s'installe ensuite à Majorque. En 1980, il fait partie de l'exposition Madrid DF, au musée municipal de Madrid, avec plusieurs artistes dont ceux qui l'accompagnent aujourd'hui au palais de Velázquez, à l'exception de García Sevilla. Cinq ans plus tard, il est sélectionné, avec d'autres artistes de sa génération, alors tous jeunes peintres, comme Miquel Barceló, qui était déjà une figure remarquable, et José María Sicilia, pour une exposition collective à New York. En 1996, il reçoit le prix national des arts plastiques. Il vient de subir une grave attaque cérébrale et est opéré à Madrid. Cela l'oblige à passer plusieurs mois sans peindre. Il peint alors "uniquement en noir", une couleur très symbolique selon ses propres dires. Trois ans plus tard, le musée Reina Sofia organise dans ce même Palacio de Velazquez une exposition consacrée à son travail récent, celui des années 90. Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées, comme le British Museum à Londres, le Centre Pompidou à Paris et le Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía à Madrid.

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