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Claude JOUHANNEAU (1931-2011) - Este lote sirve para presentar el estudio del artista - Claude JOUHANNEAU (la foto no está a la venta, Claude Jouhanneau en su estudio) Claude JOUHANNEAU (1931-2011) Los temas recurrentes de los dibujos, tintas sobre papel y lienzos de rica textura de Claude Jouhanneau son las naturalezas muertas, los paisajes y las vistas de estudio. Tras estudiar en las Bellas Artes de Tours, su ciudad natal, asistió a la Académie de la Grande Chaumière y después a las Arts Appliqués de París. En los años sesenta, participa en los Salones de la Jeune Peinture del Museo de Arte Moderno de París y, en 1976, expone en Tours con Manessier, Alechinsky y Bram Van Velde. La Galerie du Haut Pavé y la Galerie Nevers de París, la Galerie Sisley de Bruselas y la Maison de la Culture de Sceaux han presentado posteriormente su obra en exposiciones individuales. Claude Jouhanneau es un incansable observador del mundo que le rodea, y le da vida a través de su uso del color, sus gestos vivos y su dominio de la composición, sea cual sea el soporte. Una luz difusa y cautivadora emerge de la capa densa, granulada y mate de la pintura, a veces ultramarina y negra, a veces predominantemente blanca. En 2016 se celebró una exposición póstuma de su obra en la Galerie Deneulin y en la Grange du Boissieu, cerca de Grenoble.

Precio de salida  1 EUR

dom 23 jun

Antonio de BRUGADA 1804-1863 Paisajes de costa Pareja de óleos sobre lienzo firmados y fechados "1843". Alto 64 cm. Anchura 90 cm. Enmarcados. "Antonio de Brugada Vila - Madrid, 1804 - San Sebastián, 1863 Pintor español formado en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid entre 1818 y 1821. Entre 1820 y 1823, fue la Milicia Nacional de Madrid y, como consecuencia de las convulsiones políticas de la época, fue hecho prisionero y perseguido políticamente por los absolutistas. Se vio obligado a pedir asilo en Francia en 1823. Se instala en Burdeos, más tarde patria de Goya, con quien entabla una estrecha amistad. Permanece once años en Francia, Esporádicamente visita España. Allí continuó su aprendizaje artístico y su activismo político. Brugada encarnó la imagen romántica del artista liberal en el exilio, luchando contra la tiranía. En 1828, tras la muerte de Goya y a petición del hijo de Goya, regresó a Madrid e inventarió los cuadros de la Quinta del Sordo. Una vez regresó a Burdeos. Dedicado a los paisajes, especialmente marinos, compite en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, donde obtuvo una mención "honorífica" en 1856, y una mención "honorífica" de segunda clase en 1858. mención honorífica de segunda clase. En 1892, uno de sus cuadros, titulado "La Sépulture de Goya, à Bordeaux" ("El entierro de Goya, en Burdeos"), fue expuesto en la sección histórica de la Galería Nacional de Francia. expuesto en la sección histórica de la Exposición Nacional de Bellas Artes. Pintor de cámara de Isabel II, sus marinas históricas Sus marinas históricas se exponen en el Museo Naval de Madrid, en el Palacio Real y en la Fundación Santamarca de Madrid. Fuente: Nota biográfica del Museo Nacional del Prado

Valorac. 1 200 - 1 500 EUR

mar 02 jul

La boda de Nala y Damayanti, India del Norte, Alto Punjab, escuela pahari, Kangra o Guler, principios del siglo XIX Lápiz, tinta, gouache, acuarela y oro sobre papel que representa a un grupo de hombres y mujeres en la terraza de un palacio, bajo un dosel, extendiendo las manos hacia el humo que sale de un fuego, observados por la gente en la terraza o en los pabellones laterales. Fuera del recinto del palacio, una procesión de hombres a pie, a caballo o en elefante es recibida por cortesanos postrados. Dimensiones totales: 33,2 x 35,1 cm; dimensiones del cuadro: 28,7 x 29,9 cm Cuadro inacabado, pliegues, manchas, montado sobre cartón. Este cuadro muy narrativo, con varias acciones representadas en la misma página, ilustra la boda de Nala y Damayanti reunidos en torno al fuego sagrado que arde en el centro, bajo un dosel. La historia de amor entre Nala, rey de Naishadha, y Damayanti, hija del rey de Vidarbha, es una de las leyendas indias más populares. Los dos héroes viven una apacible historia de amor hasta el día en que Nala se encuentra poseído por un demonio... Esta historia de aventuras se cuenta en varios poemas épicos en sánscrito, entre ellos el famoso Mahabharata. Ha inspirado a muchos artistas, y son bien conocidas varias series de cuadros del mismo nombre procedentes de talleres del Alto Punjab. Todas tienen la característica de una lectura narrativa, y varias muestran el mismo aspecto inacabado, sobre todo en el relleno de los colores. En el Museo Nacional de Arte Asiático de Washington se conservan cinco cuadros de una serie anterior, uno de los cuales representa una boda bajo un dosel de forma similar (1923.11). Nuestro cuadro, que parece haber tomado como modelo una obra del Museo Nacional de Nueva Delhi (47.11), puede formar parte de la misma serie que un cuadro vendido en subasta en Bombay el 3 de marzo de 2017, lote 53, que muestra otra etapa de la boda, los preparativos de Nala y su partida para casarse con Damayanti. Boda de Nala y Damayanti, norte de la India, colinas del Punjab, escuela pahari, Kangra o Guler, principios del siglo XIX.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

jue 27 jun

Pieter Neefs d. J., 1620 Antwerpen – 1675 - INTERIOR DE LA IGLESIA DE ST. WALBURGIS DE AMBERES Óleo sobre lienzo. Doblado. 38,7 x 52,7 cm. Firmado y fechado "Peeter Neeffs 1656" a la derecha debajo de la ventana. El cuadro está registrado en el RKD de La Haya con el número 106475. Vista desde el transepto de la iglesia de la nave principal, de aspecto desnudo, con un retablo, a la que conduce una escalera superior. La nave izquierda con tres altares; delante del central se celebra una misa con un sacerdote y visitantes arrodillados. Puertas laterales abiertas a izquierda y derecha, por las que entra la luz exterior. Numerosos personajes en el interior de la iglesia, para resaltar el gran tamaño de los altares y de la nave. La nave y las naves laterales están pintadas predominantemente en beige, mientras que en primer plano se aprecia un suelo bicolor a cuadros, en el que probablemente se colocaron algunas lápidas. Representación estricta y geométricamente precisa en pintura fina, con colores sobrios y a la manera típica del conocido artista. Pieter Neefs el Joven aprendió de su padre, el famoso pintor de arquitectura Pieter Neefs el Viejo (hacia 1578 - después de 1656). Se especializó en temas arquitectónicos, en particular interiores de iglesias góticas y algunos interiores de mazmorras. Su obra más antigua data de 1646. Procedencia: Collectio Artium (desde 2016). Hindman Auctions & Private Sales Chicago, 29 de septiembre de 2016, lote 6. Sotheby's Londres, 22 de febrero de 1967, lote 6, como Pieter Neefs el Viejo. Colección Stanley Gillen. Colección Elizabeth Doyle, Marco Island, Florida. Bibliografía: B. G. Mailllet, Interieurs d'eglises 1580 - 1722, la peinture dans les ecoles du Nord, 2012, nº M-0964 como Pieter Neefs el Viejo (1401501) (18) Pieter Neefs el Joven 1620 Amberes - 1675 INTERIOR DE LA IGLESIA DE SANTA WALBURGA DE AMBERES Óleo sobre lienzo. Revestido. 38,7 x 52,7 cm. Firmado y fechado "Peeter Neeffs 1656" a la derecha debajo de la ventana. Bibliografía: B. G. Mailllet, Interieurs d'eglises 1580 - 1722, la peinture dans les ecoles du Nord, 2012, nº M-0964 como Pieter Neefs el Viejo.

Valorac. 12 000 - 15 000 EUR

mar 18 jun

LE PHO (1907-2001) - Maternidad, hacia 1940 Tinta y gouache sobre seda Firmado y estampado arriba a la derecha Enmarcado bajo cristal 62,5 x 46 cm (sobre lienzo) 58 x 45,5 cm (vista) Procedencia : Colección privada francesa. Nacido en 1907 en Hadong, cerca de Hanoi, y fallecido en 2001 en París, Lê Phổ fue un maestro de la pintura vietnamita del siglo XX. Hijo del virrey de Tonkín, superó una infancia difícil gracias a su talento y su pasión por el arte. A los 16 años ingresó en la escuela profesional de Hanoi y, dos años más tarde, en la primera promoción de la École des Beaux-Arts d'Indochine. Bajo la dirección de Victor Tardieu y Joseph Inguimberty, recibió una formación completa que combinaba las prácticas pictóricas occidentales y las tradiciones artísticas asiáticas. Tardieu se percató rápidamente de su precoz talento y le contrató como ayudante para la Exposición Colonial de 1931. Expuso junto a Le Van De, To Ngoc Van, Thang Tran Penh y Do Dun Thun. En 1932, estudió en la École des Beaux-Arts de París y descubrió la pintura occidental en sus viajes por Europa. En 1933, a su regreso a Vietnam, se convirtió en profesor de Bellas Artes de Indochina y pintó retratos imperiales. Un viaje decisivo a Pekín en 1934 enriqueció su estilo con la tradición pictórica china. En 1937 se instala definitivamente en París, donde descubre las vanguardias europeas y las obras de Bonnard, Matisse y Dufy. Durante la Segunda Guerra Mundial, conoce a André Romanet, Pierre Bonnard y Henri Matisse, que influyen en su estilo. En 1963 firmó un contrato casi exclusivo con la galería estadounidense Wally Findlay, con la que realizó grandes óleos sobre lienzo de gran colorido. Lê Phổ, fruto de una refinada educación, combina la herencia occidental y el arte tradicional vietnamita, con influencias chinas. Sus obras se han expuesto en Europa y Estados Unidos, y figuran en las colecciones permanentes de prestigiosos museos. Su obra puede dividirse en dos periodos clave: sus comienzos con pinturas sobre seda y técnicas asiáticas, seguidos de una transición a pinturas al óleo inspiradas en los impresionistas. Esta evolución refleja su integración en la vanguardia europea, influida por artistas como Bonnard y Matisse. En muchos de los cuadros de Lê Phổ aparecen mujeres elegantes y encantadoras, con una diadema blanca y vestidas con un moderno traje de seda, llamado áo dài cách tân. La confusión surgió en torno a este adorno blanco en el pelo de las mujeres, ya que algunos suponían que era una señal de luto familiar, en contraste con el uso del negro en Occidente. Sin embargo, si nos fijamos en la historia del periodo indochino, hay pruebas de que en el Hanoi de los años 30, las jóvenes tendían a adornar sus peinados con una diadema blanca. Muchas fotos muestran a mujeres jóvenes vistiendo de blanco -como una nueva moda- junto al negro más convencional. Si nos fijamos en otros artistas, una encantadora laca de Alix Aymé, "Le marché aux fleurs du Têt", muestra a dependientas de una tienda, una de ellas con un bebé en brazos, llevando diademas blancas. Este estilo moderno también aparece en la literatura vietnamita, como menciona el prolífico escritor Nguyễn Công Hoan en su famosa obra "Người ngựa ngựa người", al describir a una cortesana: "[...] Una mujer de unos treinta años, vestida de raso marrón, con una diadema blanca hasta la cintura, estaba de pie al final de la acera [...]". Obviamente, una mujer que busca entretener a los hombres nunca querría aparecer relacionada con algo desafortunado. Por lo tanto, podemos considerar que la diadema blanca era más bien un estilo de moda refrescante de la época, probablemente inspirado por los franceses en Hanói, y que inspiró a Lê Phổ en su impresionante enfoque de las mujeres vietnamitas en sus cuadros. Al mirar al chico, uno puede sorprenderse al ver su rostro curiosamente envejecido. Por otra parte, el chico tiene rasgos faciales maduros en lugar de un aspecto inocente o adorable. Si tenemos en cuenta la historia del arte, podemos hacernos una idea interesante de cómo Lê Phổ llegó a este bebé de aspecto adulto. La madre cariñosa mira a su hijo y el niño tiende la mano a su madre, evocando innegablemente la imagen de la Virgen María y el Niño Jesús. Lê Phổ no ha seguido estrictamente el concepto del homúnculo (hombrecillo), que literalmente significa que Jesús estaba perfectamente formado y sin cambios, un sabio como Benjamin Button. En su lugar, ha representado al bebé con aspecto regordete y espesa cabellera negra, un niño típicamente asiático, mientras que su madre muestra un porte típicamente asiático.

Valorac. 200 000 - 300 000 EUR

mar 18 jun

André BRETON (1896-1966). Manuscrito autógrafo firmado, L'Art des fous, la clé des champs, [1948]; 2páginas en 4, con tachaduras y correcciones. Interesante texto sobre el art brut y los locos. Publicado en Les Cahiers de la Pléiade (nº 6, otoño 1948-invierno 1949), con un dossier dedicado al art brut, fue recogido en 1953 en La Clé des champs, y reeditado en 1965 en Le Surréalisme et la Peinture. Breton responde al "manifesto de l'Art brut" de Jean Dubuffet, que subraya el interés de las obras de enfermos mentales internados en instituciones psiquiátricas. También cita un artículo de Lo Duca sobre "El arte y los locos", y estudios de Jacques Lacan y Gaston Ferdière... Y concluye: "No me privaré de proponer la idea, paradójica sólo a primera vista, de que el arte de los clasificados como enfermos mentales constituye una reserva de salud moral. Escapa a todo lo que tiende a distorsionar el testimonio que nos ocupa, que es del orden de las influencias externas, los cálculos, el éxito o la decepción social, etc. Los mecanismos de la creación artística son, en este caso, los mismos que en el caso de los enfermos mentales. En este caso, los mecanismos de la creación artística están libres de todo impedimento. Por un efecto dialéctico asombroso, la claustración, la renuncia a todos los beneficios y vanidades, a pesar de sus aspectos patéticos individuales, son aquí los garantes de la autenticidad total que falta en todas partes y de la que cada día estamos más impedidos". Antigua colección Jacques Millot (Bibliothèque du Professeur Millot, 15 de junio de 1991, nº 24).

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

vie 28 jun

La peinture en Tunisie des origines à nos jours - Catálogo de la exposición "La peinture en Tunisie des origines à nos jours", le Centre d'Art Vivant de la Ville de Tunis, Musée d'art moderne, Le Belvedere, s.d., ca. 1992 In-folio, rústica, 108p, 113 ilustraciones en negro. Prefacio en árabe y francés de Ali Louati. Una retrospectiva de 90 años del arte pictórico en Túnez, desde su aparición a finales del siglo XIX hasta principios de la década de 1990. Incluye a los primeros pintores de caballete (Khayachi), los artistas del "Grupo de los 4" de la Escuela de Túnez (Boucherle, Lellouche, Corpora, Moses Levy), los orientalistas (Cros, Dabadie, Roubtzoff...), la Escuela de Túnez (Yahia, Jella Ben Abdallah, Gorgi, Bellagha, Safia Farhat...), el "Grupo de los 6" (Nejib Belkhodja, Rocchegiani, Gmach, Larnaout...), el arte naif (Meherzia Ghaddab, Baghdadi Chniter...), el arte brutalista (Hamadi Ben Saad) y artistas modernos y contemporáneos como Megdiche, Nja Mahdaoui, Rachid Koraichi... 104 artistas representados, 104 obras reproducidas. Biografías de cada artista en árabe. Colecciones públicas y privadas. Este catálogo prefigura el libro que Ali Louati publicaría unos años más tarde, "L'aventure de l'art moderne en Tunisie". Una retrospectiva de 90 años del arte pictórico en Túnez, desde su aparición a finales del siglo XIX hasta principios de la década de 1990. Incluye a los primeros pintores de caballete (Khayachi), los artistas del "Grupo de los 4" de la Escuela de Túnez (Boucherle, Lellouche, Corpora, Moses Levy), los orientalistas (Cros, Dabadie, Roubtzoff...), la Escuela de Túnez (Yahia, Jella Ben Abdallah, Gorgi, Bellagha, Safia Farhat.. ), el "Grupo de los 6" (Nejib Belkhodja, Rocchegiani, Gmach, Larnaout...), el arte naif (Meherzia Ghaddab, Baghdadi Chniter...), el arte brutalista (Hamadi Ben Saad) y artistas modernos y contemporáneos como Megdiche, Nja Mahdaoui, Rachid Koraichi.... 104 artistas representados, 104 obras reproducidas. Biografías de cada artista en árabe. Colecciones públicas y privadas. Este catálogo prefigura el libro que Ali Louati publicaría unos años más tarde, "L'aventure de l'art moderne en Tunisie".

Valorac. 200 - 300 EUR

mar 18 jun

Marie-Madeleine Bierge & Maurice Monge - Bierge [Catalogue raisonné de l'oeuvre peint 1936-1991] - Dibujante, pintor y litógrafo surgido del movimiento Jeune Peinture en los años de la posguerra, Roland Bierge (1922-1991) se separó rápidamente de él, sintiendo ya una violenta necesidad de libertad para ajustarse a un marco de expresión que consideraba estrecho. Desde principios de los años 50, se orientó hacia una nueva figuración, la nacida del postcubismo, que pretendía reconstruir un mundo plástico muy personal a partir de una naturaleza reinventada. A la espera de reconocimiento, desde 1947 se gana la vida como decorador teatral para la Comédie-Française, que abandona a finales de 1964 tras pasar ocho meses trabajando en el decorado del nuevo techo de la ópera, basado en un modelo de Chagall. Su pintura experimenta una doble evolución, con un aumento del uso de colores puros, concomitante con la desaparición progresiva del dibujo subyacente. Ha encontrado su propio ritmo, su propia cadencia, su propio vocabulario, evitando los efectos fáciles. Cultiva su independencia tanto de las galerías como de los movimientos o escuelas, a menudo efímeros. Puede tener maestros, sí, pero un Maestro, ¡no! Influido en su primera época por Jacques Villon y Roger de la Fresnaye para el equilibrio de sus formas, prosigue y amplía las investigaciones del llamado Cubismo órfico, que Picabia acababa de iniciar antes de 1914. Todos los colores del prisma estallaban en una maraña controlada por el artista, una policromía brillante y sonora que este pintor-músico tejía en sus lienzos. Este libro es una oportunidad para descubrir o redescubrir a uno de los mejores paisajistas y coloristas de la segunda mitad del siglo XX. - Gourcuff Gradenigo - 2019

Valorac. 15 - 30 EUR

vie 21 jun

Attribué à Félix LECOMTE (1737-1817) - Igualdad Hacia 1773. Boceto en terracota. Probablemente el presentado en el Salón de 1773. H: 26,6 cm sobre peana de madera ennegrecida y dorada decorada con cabezas de león y guirnaldas H: 20 cm La Igualdad, en forma de mujer joven, sostiene un nido de golondrina en la mano derecha y una balanza en la izquierda. Una cornucopia está inclinada a sus pies. La balanza, símbolo de la justicia que pesa equitativamente las acciones de cada persona, es una elección obvia para representar esta alegoría. En su obra L'Iconologie... publicada por primera vez en 1644, Cesare Ripa y Jean Baudoin explican también el significado del nido de golondrina: "... esta ave caritativa, que da porciones iguales a sus crías, y nunca toma nada de una para dárselo a otra". Todavía impregnada de finales del siglo XVIII, esta estatuilla, con su tratamiento neoclásico, se asemeja al estilo del artista Félix Lecomte. Alumno de Falconet y de Louis-Claude Vassé, obtuvo el primer premio de escultura en 1758 e ingresó ese mismo año en la Escuela Real de Alumnos Protegidos. En 1761 obtuvo el diploma de pensionado de la Academia de Francia en Roma. A su regreso a París, fue admitido en la Académie royale de peinture et de sculpture y nombrado académico en 1771. Expuso regularmente en los Salones del Louvre de 1769 a 1793. Nuestra obra podría ser el boceto que representa una figura de la Igualdad presentado por el artista en el Salón de 1773".

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

lun 17 jun

JAN VAN IMSCHOOT (nacido en 1963) Las fuentes de las columnas divinas: Rex Publicae 2000 Firmado, titulado "La brutal penetración del César" y fechado al dorso Óleo sobre lienzo Firmado, titulado 'La brutal penetración de César' y fechado en el reverso Óleo sobre lienzo Firmado, titulado 'La brutal penetración de César' y fechado en el reverso Óleo sobre lienzo 120 x 100 cm Notas a pie de página: Procedencia / Herkomst Colección privada / privécollectie, Bruselas Exposición / Tentoonstelling Not enough brain to survive, S.M.A.K., 3 de enero - 20 de abril de 2002 Bibliography / Bibliografie Jean Némar; Rolf Quaghebeur y Peter Verhelst: Les Sources Des Couleurs Divines (un éloge funèbre pour la peinture), Jan Van Imschoot, S.M.A.K., 2002 Este lote está sujeto a los siguientes símbolos de lote: AR AR Se cobrará un porcentaje adicional a los compradores de lotes precedidos por el símbolo AR correspondiente a los derechos de reventa de los artistas en virtud del Reglamento sobre derechos de autor de 2006. Para más detalles, consulte las condiciones de venta. De koper is ons een extra premie verschuldigd ter dekking van onze kosten in verband met de betaling van royalty's krachtens de Artists Resale Right Regulations 2006. Para más información, consulte las siguientes secciones. El Comprador deberá abonarnos una Prima Adicional para cubrir nuestros Gastos relacionados con el pago de derechos de autor en virtud del Reglamento sobre el derecho de participación de los artistas de 2006. Para más información, consulte nuestras condiciones generales. Para más información sobre este lote, visite Bonhams.com

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

mar 18 jun

Écorce Australie, Emmanuel Wurrkidj, "Dilebong site" título 1970s Dimensiones: 1010 x 300 mm La producción de pinturas de corteza de los artistas kuninjku se nutre del amor a sus tierras ancestrales, que es el fundamento mismo de su existencia. La transmisión de los conocimientos asociados a esta identidad es el hilo conductor que une todas las creaciones artísticas de estos artistas. Caracterizadas por "la técnica, la contención y la paciencia" (Taylor Luke, en "Negotiating form in Kuninjku bark-paintings", Australian Aboriginal Studies, 2008), las pinturas kuninjku se distinguen por su alto nivel de excelencia. Aprender a pintar es un largo proceso que tiene lugar en el seno del clan familiar, en el que los ancianos enseñan a los miembros más jóvenes las técnicas tradicionales, los motivos culturales y las mitologías asociadas. En la cosmología kuninjku, el mundo tomó forma con el nacimiento de todos los seres ancestrales del cuerpo de Ngalyod, la Serpiente Arco Iris. Ngalyod, criatura omnisciente y temible de carácter ambivalente, está asociada tanto a la creación como a la destrucción. Una vez creados estos seres, los engulle para siempre en la tierra. Los kuninjku denominan "djang" a los lugares sagrados donde los antepasados penetraron en la tierra, imbuidos del poder eterno de los seres primordiales. Dilebang es uno de estos importantes lugares ceremoniales para el pueblo kuninjku. El artista Emmanuel Wurrkidj, que lo ha convertido en el tema principal de su obra, se centra sobre todo en la representación de este sitio, que considera el lugar más sagrado de su país. Emmanuel Wurrkidj empezó a pintar en 2004, inspirado por su tío, uno de los principales artistas aborígenes de Australia, el pintor de fama internacional John Mawurndjul, cuya obra gira en torno al Rarrk, pintura tradicional sobre palos o cortezas. Mawurndjul sigue la tradición de tutoría artística dentro del clan familiar, habiendo compartido inicialmente sus conocimientos con su hija mayor, Anna Wurrkidj, y su esposa, Kay Lindjuwanga, ambas artistas ya consagradas, y después con sus hijas menores, Josephine Wurrkidj y Semeria Wurrkidj. Emmanuel Wurrkidj, enriquecido por la herencia artística de su familia, produce obras en las que la recurrencia de cuatro colores predominantemente naranjas evoca la obra de su tío, al tiempo que ofrece una nueva interpretación y un estilo muy distintivo. Tuvo la oportunidad de desarrollar su identidad artística y experimentar con formas visuales contemporáneas en el Bawinanga Centre for Aboriginal Art, creado en los años setenta. Esta capacidad para innovar y trascender las formas culturalmente aceptadas sitúa a Emmanuel Wurrkidj entre los artistas con más talento de su generación.

Valorac. 200 - 300 EUR

mar 18 jun

André BRETON (1896-1966). Manuscrito autógrafo firmado, Autodidactes dits "naïfs", Nueva York 1941-1942; 3páginas en-4. Interesante texto de crítica de arte sobre los Naïfs, en su versión original, en parte inédita. Este manuscrito, ampliamente tachado y corregido, consta de tres partes, de las que sólo la última fue recogida en Le Surréalisme et la Peinture (Nueva York, Brentano's, 1945). Las dos primeras hojas se refieren al libro de Sidney Janis They taught themselves (Nueva York, 1942), y a su colección de pintores primitivos americanos autodidactas. El primer texto, que lleva el título en bolígrafo rojo, comienza así: "En el siglo XX, la conciencia artística viva, evolucionando al mismo tiempo que la necesidad de conocimiento, tiene cuatro polos de atracción principales, y está influida por cuatro modos de expresión singulares: - 1° la escultura de los pueblos primitivos (África deja paso progresivamente a Oceanía y a la América antigua), - 2° los dibujos de niños menores de diez años, - 3° los dibujos y pinturas de médiums en trance, - 4° la producción artística de los locos (esquizofrénicos principalmente)"... También están los pintores autodidactas, "puros de toda mancha de educación artística", que son "una fuente de frescura y franqueza", y en la emoción que siente Breton encuentra el "hilo magnético" que recorre los lienzos de Douanier Rousseau, el "Palacio Ideal" de Facteur Cheval y las creaciones de Hirschfield.... La segunda página se titula They taught themselves, y está fechada en "Nueva York, 14 de septiembre de 1941". Se trata de una segunda versión del texto anterior; traducida al inglés, se utilizó para presentar la exposición de la colección de Sidney Janis y se reprodujo en la sobrecubierta del libro de Janis; la versión francesa es inédita (una traducción de la inglesa se publica en las Œuvres complètes, t.IV, p.1186). Breton concluye: "Que yo sepa, es la primera vez que un don excepcional para la observación y la deducción, de carácter enteramente científico, se combina con un admirable sentido de la calidad artística y poética. Esta última no ha dejado de expresarse en la infalible elección que preside el conjunto de los cuadros de su colección, todos ellos intelectualmente significativos o que marcan una etapa importante en algún sentido en la dirección del misterio y del fuego". La última página, titulada Prefacio, firmada y fechada al final "Nueva York 19 de enero de 1942", recoge, con importantes tachaduras y correcciones, el texto recogido en Le Surréalisme et la Peinture. En él, Breton evoca a Douanier Rousseau, a quien compara con Georges Courteline y Alfred Jarry: "Rousseau tiene el insignificante poder, si no de marchitar tras de sí casi toda la pintura, al menos de hacer aparecer como irrisorios los medios artísticos que se enseñan y cuya codificación tiende a establecer una perfección enteramente formal sobre las ruinas de la inspiración". Concluye alabando la obra de Sidney Janis, "que presta a los pintores autodidactas americanos su ferviente apoyo, tiene el privilegio de vivir en la intimidad de la obra maestra que, sin que ellos lo sepan, manda en la línea de su producción: me refiero al Sueño de Rousseau. [...] Como la Virgen de Cimabue recorrió en su día Roma, será quizá oportuno un día, entre obras de la misma sinceridad y previsión, llevarla procesionalmente por las calles". Antigua colección Jacques Millot (Bibliothèque du Professeur Millot, 15 de junio de 1991, nº 28, 1°).

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

mar 18 jun

Jean RESTOUT (Ruán 1692 - París 1768) Retrato de Louis-Jacques d'Audibert de Lussan, arzobispo de Burdeos Lienzo 82 x 65 cm Procedencia: En el comercio de París en 1983. Bibliografía: P. Rosenberg y A. Schnapper "Les peintures à sujet mythologiques et historiques de Restout: à propos de l'achat par la galerie nationale du Canada de Vénus montrant ses armes à Enée", Annual Bulletin, VI, 1982-1983, p. 54, nota 21; C. Gouzi, Jean Restout, peintre d'histoire à Paris, París, 2000, n°P.147, reproducido. Réplica parcial en formato reducido de un gran retrato perdido conocido por el grabado de Jacques-Nicolas Tardieu (véase opus citado anteriormente, n°P.146). Louis-Jacques d'Audibert de Lussan nació en el castillo de Bain-sur-Bains, en la diócesis de Viviers. Primero hizo carrera militar, llegando a ser capitán de caballería y recibiendo la Cruz de San Luis, antes de ingresar en el seminario de la Compañía de San Sulpicio y doctorarse en teología. Fue profesor en el seminario de Angers antes de ser nombrado vicario general del obispo de Saint-Omer. En septiembre de 1743 fue elegido por la diócesis de Périgueux, en principio para suceder a Jean-Chrétien de Macheco de Prémeaux, que iba a ser promovido al arzobispado de Burdeos. Sin embargo, ante la negativa de Prémeaux a abandonar Périgueux, Louis-Jacques fue nombrado arzobispo de Burdeos. Fue confirmado el 16 de marzo y consagrado por Simon-Pierre de La Corée, obispo de Saintes. Tomó posesión de su archidiócesis el 28 de noviembre de 1745.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

jue 20 jun

Couple enlacé - Irán, Arte Qajar, hacia 1840 Óleo sobre lienzo Estado: descolorido, repintado y restaurado. 120 x 80 cm Fue en Ispahán, durante la época safávida, donde se desarrolló el gusto por las grandes pinturas figurativas, aplicadas directamente sobre paredes preparadas o pintadas sobre lienzo con pigmentos al óleo. Las residencias de los ministros de alto rango de la corte y de los ricos comerciantes armenios competían por los servicios de los artistas de palacio para crear pinturas que no eran necesariamente de individuos concretos, sino representaciones de tipos masculinos y femeninos, que estuvieron especialmente de moda en la corte de Mohammad Shah Qajar (1832-1848). Sentados sobre una alfombra, con los rostros idealizados y parecidos, los amantes están desprovistos de toda emoción y no se vuelven el uno hacia el otro, sino hacia el espectador. La joven belleza sirve a su pretendiente un vaso de vino, que él no parece notar. Sus miradas indiferentes no se corresponden con sus acciones. El fondo no está decorado para resaltar la opulencia de los trajes y accesorios de los personajes, la alfombra y el cojín cubierto de rosas. Esta obra podría pertenecer al mismo ciclo o proceder del mismo taller que la "Pareja amorosa" del Museo del Hermitage de San Petersburgo. Presenta las mismas características compositivas, particularmente complejas para este tipo de tema, todo curvas y contracurvas, en un espacio tratado de la misma manera. Utiliza la misma paleta, alfombras y cojines. Los trajes que visten las figuras en los dos cuadros también son muy similares, especialmente los chalecos y los remates de las faldas, que tienen pliegues muy específicos y similares en la cintura. La obra entró en las colecciones del Ermitage en 1961 y, como la nuestra, ha sufrido el paso del tiempo. Su formato, de 131,5 x 77 cm, es similar al de la presente obra, ya que el lienzo de San Petersburgo fue ampliado tras ser retirado y recortado de su posición original, mientras que la presente "pareja abrazada" parece haber conservado su forma original en forma de arco peraltado, destinada a un nicho en un entorno arquitectónico, probablemente un palacio o pabellón, donde habría sido expuesta como parte de un programa decorativo más amplio con otros retratos. Procedencia : Venta pública, Maître Boisgirard 28 de abril de 1997, n°174. Referencias Museo del Ermitage, San Petersburgo, inv. n°VР-1156.

Valorac. 15 000 - 30 000 EUR

mar 18 jun

Panel de casa ceremonial, río Sepik Superior, Papúa Nueva Guinea. Madera tallada con realce de pigmento. Procedencia: - Colección Philip Goldman, Londres - Colección Franco Ignazio Castelli (1920-2002) - Todavía en la familia Exposiciones: - Creazione e tradizionze tribale. Centro de Arte Contemporáneo Contemporáneo y Primitivo Milán noviembre-diciembre 1971 - Creativita Tribale -Melanesia. Galleria Alessandra Castelli Bérgamo, diciembre de 1974. reproducido en el catálogo nº 40/1684 De forma rectangular, este gran panel tallado en altorrelieve muestra un rostro humano adornado con pinturas faciales curvilíneas características del clan Mulmul'yonn, en el área estilística Woguma. El rostro estilizado representa el del héroe llamado Wulruwiyanggwet. La rica decoración de formas circulares de color marrón oscuro acentúa el dinamismo, aún se distinguen pequeños brazos curvilíneos que se proyectan hacia el cielo, y las manos ingeniosamente colocadas por encima de la cabeza confieren al héroe encarnado una notable flexibilidad acrobática. El rostro redondo del personaje, de rasgos simplificados y esquematizados, cuya expresividad se ve acentuada por los pigmentos claros que lo cubren. Los ojos ovoides concéntricos, cuya intensidad se acentúa por el negro de las pupilas, y la boca, realzada con pigmentos rojos, revelan una amplia sonrisa. Hermosa policromía con trazas de cal blanca en los huecos del grabado en este panel de esta rara tipología iconográfica.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

mié 26 jun

David Daoud (Libano, Beirut, 1970)Chemin vers la citadelle, 2023Olio su tela80 x 80 cm - David Daoud es un artista, dibujante y escultor libanés nacido en Beirut en 1970. Abandonó el Líbano con su familia en 1978 debido a la guerra civil (1975-90) y se trasladó a Francia. En 2011 recibió el prestigioso 1er Premio Frédéric de Carfort de la Fondation de France pour la Peinture. Pintó las catorce estaciones del Vía Crucis en la iglesia de Saint-Rémi de Marines y otras tres en la iglesia de Saint-Gildard, Longuesse (Île de France). Por un lado, el artista explora los temas del exilio, la migración y la diáspora, tras haber experimentado personalmente la decisión de dejar atrás el Líbano y la consiguiente organización de una nueva vida en un país diferente. Por otro, analiza la historia personal y global del ser humano y de las sociedades contemporáneas, consideradas, como son, organismos complejos. Sus obras presentan a menudo un mundo onírico, misterioso y mágico, que es al mismo tiempo una representación de la realidad.Las obras de Daoud se encuentran en varias colecciones, entre ellas: el Instituto del Mundo Árabe de París, el Museo de Prehistoria de Beirut, el Ayuntamiento de Marines, Vexin (Francia) y el Ayuntamiento de Isle-Adam (Francia).Este cuadro podría representar un rincón de Oriente Próximo y las figuras humanas podrían ser creyentes subiendo una colina para llegar a una mezquita o a una iglesia para realizar su oración. Firmado abajo a la izquierda. Procedencia: Artista.

Valorac. 3 500 - 5 000 EUR

mar 18 jun

JULES-CÉSAR DENIS VAN LOO - (París, 1743 - 1821) Paisaje con arquitectura clásica Óleo sobre lienzo, 135X180 cm Procedencia: Milán, colección privada Bibliografía: A. Bellin, D. Succi, E. Trivoli, Dipinti Inediti dal Trecento all'Ottocento, Treviso 2015, p. 86. César Van Loo es el último miembro de una ilustre dinastía de artistas, cuyo progenitor fue el holandés Jacob Van Loo (1684-1745) que, originario de la provincia holandesa de Zelanda, se instaló en Francia en 1660. César nació en París en 1743, hijo del sobrino de Jacob, el pintor Carle Van Loo (1705-1765), pintor de la corte de Luis XV y director de la Académie royale de peinture et de sculpture, pero también hay que recordar que era sobrino de Jean Baptiste Van Loo (1707-1771) y primo de Louis Michel (1707-1771), François (1708-1732) y Charles Amédée Philippe Van Loo (1719-1795). Así pues, César se formó en el productivo y famoso taller familiar, realizó un viaje de estudios a Italia y en 1784 fue elegido miembro de la Real Academia al presentar dos cuadros a la manera de Joseph Vernet (1714-1789), en los años siguientes expuso regularmente sus obras en los Salones parisinos y en 1789 fue nombrado auxiliar del Rector de la Académie. En 1791, le conocemos de nuevo en Italia, en Roma, y más tarde trabajando para la corte de Saboya en Turín, ciudad en la que ya trabajaban su padre y su tío Jean Baptiste. Volviendo al lienzo que examinamos, su fecha de ejecución puede situarse en estos años, en los que el pintor expresa una estética paisajista de tenor clasicista siguiendo el ejemplo de Pannini y de su compatriota Jean Baptiste Lallemand (Dijon, 1716 ; París, 1803).

Valorac. 4 000 - 7 000 EUR

mar 18 jun

ƒ NICOLAE GRIGORESCU (1838-1907) CAMPESINA RUMANA, CA. 1896 Óleo sobre Isorel Firmado abajo a la izquierda Óleo sobre masonita; firmado abajo a la izquierda 57 X 39 CM - 22 5/8 X 15 3/8 IN. PROCEDENCIA Colección privada, Rumanía Descendiente del actual propietario Colección privada, Estados Unidos OBRAS RELACIONADAS Nicolae Grigorescu, Campesina feliz, óleo sobre lienzo, 135 x 65 cm, Museo Nacional de Arte de Rumanía Nicolae Grigorescu, Retrato de joven campesina, 1896, óleo sobre tabla, 31 x 23 cm, Museo de Bellas Artes de Agen, inv. 304 BR "El pintor Nicolae Grigorescu fue considerado, incluso en vida, como la persona que mejor sabía transponer a la pintura las imágenes más características del mundo rumano. Esta valoración formaba parte de una serie de juicios similares emitidos a principios del siglo XX, un periodo en el que todos los países de Europa buscaban su identidad y sus características nacionales. Rumanía, que seguía siendo la patria del campesino, encontró en Grigorescu a su representante ideal. Campesino él mismo, el pintor de líricos paisajes autóctonos y gran retratista de la deslumbrante y vital mujer rumana fue considerado por críticos y exégetas como un auténtico "monumento nacional", un lugar que aún hoy le pertenece". Denia Matescu, "Un air de parenté: l'héritage français dans la peinture de Nicolae Grigorescu" en. Nicolae Grigorescu (1838-1907) Itinéraire d'un peintre roumain de l'école de Barbizon à l'impressionnisme, Musée des Beaux-Arts d'Agen, 22 de abril-14 de agosto de 2006, ed. Somogy, París : 2006, p. 15

Valorac. 30 000 - 50 000 EUR

mié 19 jun

BURDEOS, FABRICADO POR JULES VIEILLARD Y EUGENE MILLET (1819-1879) Modelo "Aux Grands Oiseaux Parte de una vajilla de loza denominada "Aux Grands Oiseaux" con decoración esmaltada policromada de pájaros, insectos, motivos vegetales y florales, compuesta por: un plato cubierto para verduras, cuatro bandejas ovaladas, un plato para tartas, diecinueve platos grandes, diecinueve platos pequeños y nueve platos hondos. Este servicio se menciona en el Album des principaux modèles de la manufacture de Jules Vieillard à Bordeaux como decoración japonesa y su diseño se atribuye al decorador Eugène Millet. Muchos de los animales y pájaros están tomados del Album des peintures d'après nature de 1814 (Hokusai Shashin Gafu). La decoración de este servicio se inscribe en la tendencia japonista en boga desde hace algunos años, no sólo por sus fuentes, sino también por su organización. La elección de una distribución aleatoria de los motivos en las piezas, tres temas en los platos -grande, mediano y pequeño- crea asociaciones sorprendentes y a veces incongruentes, y una decidida voluntad de asimetría. El servicio de decoración japonesa de Vielliard está en la misma línea que el servicio Rousseau creado por Félix Bracquemond a partir de 1866, pero es aún más japonés, con colores muy vivos y alegres en relieve y estampados, y la propia marca inscrita en una cartela rectangular al estilo de los ideogramas. - Jacqueline du Pasquier - J. Vieillard & Cie, histoire de la faïence de Bordeaux, de l'anglomanie au rêve orientaliste - Sèvres, Revue de Société des Amis du Musée National de Céramique de Sèvres, París, 2015, p. 135-136. Parte de un servicio con la misma decoración se conserva en el Musée des Arts Décoratifs de Burdeos.

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

mar 18 jun

Maurice UTRILLO (1883-1955) Calle de Montmartre, hacia 1912 Óleo sobre cartón Firmado abajo a la derecha 46 x 55 cm Enmarcado Informe de estado disponible a petición: [email protected] BIBLIOGRAFÍA Paul PETRIDES, Supplément du catalogue raisonné de Maurice UTRILLO, tome V, n°2510, reproducido en pp. 134 BIOGRAFÍA Maurice Utrillo (1883-1955) era hijo de la célebre artista Suzanne Valadon y de padre desconocido. Empezó a pintar muy joven. Maurice Utrillo es conocido sobre todo por sus vistas de Montmartre, el barrio donde conoció a Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Marc Chagall. Sus obras tuvieron gran éxito, sobre todo las del Periodo Blanco. AVISO La sutil paleta de colores de Maurice Utrillo y su descripción realista de las calles, edificios y gentes de Montmartre le convirtieron en uno de los artistas más conocidos de su época. Fue aclamado por su habilidad para captar la atmósfera melancólica y atemporal de Montmartre, especialmente a través de sus representaciones de las casas antiguas, los bulliciosos cafés y las pintorescas callejuelas, como en nuestro cuadro. Este cuadro forma parte del "Periodo Blanco" de 1909 a 1914, durante el cual Maurice Utrillo realizó una serie de pinturas caracterizadas por escenas de Montmartre dominadas por los tonos blancos y grises. Durante este periodo, utilizó yeso mezclado con pintura para crear una textura rugosa y espesa en el lienzo, reforzando la impresión de luminosidad de sus telas.

Valorac. 50 000 - 100 000 EUR

mié 26 jun

David Daoud (Libano, Beirut, 1970)Empreintes, 2022Olio su tela146 x 113.5 cm - David Daoud es un artista, dibujante y escultor libanés nacido en Beirut en 1970. Abandonó el Líbano con su familia en 1978 debido a la guerra civil (1975-90) y se trasladó a Francia. En 2011 recibió el prestigioso 1er Premio Frédéric de Carfort de la Fondation de France pour la Peinture. Pintó las catorce estaciones del Vía Crucis en la iglesia de Saint-Rémi de Marines y otras tres en la iglesia de Saint-Gildard, Longuesse (Île de France). Por un lado, el artista explora los temas del exilio, la migración y la diáspora, tras haber experimentado personalmente la decisión de dejar atrás el Líbano y la consiguiente organización de una nueva vida en un país diferente. Por otro, analiza la historia personal y global del ser humano y de las sociedades contemporáneas, consideradas, como son, organismos complejos. Sus obras presentan a menudo un mundo onírico, misterioso y mágico, que es al mismo tiempo una representación de la realidad.Las obras de Daoud se encuentran en diversas colecciones, entre ellas: el Instituto del Mundo Árabe de París, el Museo de Prehistoria de Beirut, el Ayuntamiento de Marines, Vexin (Francia) y el Ayuntamiento de Isle-Adam (Francia).En este cuadro, el artista representa una escena coral. De nuevo, personas y animales esbozados sólo por unas pocas líneas precisas son representados en lo que parece un paisaje desértico. Podría tratarse de mercaderes con sus animales o de pastores que se desplazan de un lugar a otro en un viaje perpetuo. Firmado en la parte inferior derecha y firmado y fechado en el reverso. Procedencia: Artista.

Valorac. 7 000 - 10 000 EUR

jue 20 jun

[ILUMINACIÓN]. Fragmento de un libro de coro (¿Gradual o Antifonario?) Inicial historiada D Poncio Pilato lavándose las manos tras el juicio de Jesús Jesús conducido por soldados tras su condena por Poncio Pilato Francia, París, hacia 1530-1540 Atribuible al maestro de François de Rohan (activo en París de 1525 a 1546) Dimensiones: 140 x 140 mm Iluminación montada sobre cartulina, enmarcada a tinta y marcada "Peinture sur vélin" (tamaño de la cartulina: 173 x 174 mm) Esta inicial historiada es atribuible a un artista anónimo llamado "Maître de François de Rohan", llamado así por la Fleur de Vertus encargada por François II de Rohan (París, BnF, MS Fr. 1877). El pintor utilizó una paleta extremadamente colorista, reflejo de una estética de mediados del segundo cuarto del siglo XVI. Trabajó para varios mecenas importantes, como Margarita de Navarra (véase el manuscrito La Coche (Chantilly, Musée Condé, MS 522)), Ana de Montmorency, Nicolas Perrenot de Granvelle y, sobre todo, el rey Francisco I, para quien pintó un libro de horas entre 1539 y 1542 (Nueva York, Metropolitan Museum of Art). Sobre el Maestro de Rohan, véase : M. D. Orth, "The Master of François de Rohan: A Familiar French Renaissance Miniaturist with a New Name", en M. Brown y S. McKendrick, eds, Illuminating the Book: Makers and Interpreters. Essays in Honour of Janet Backhouse, Londres, 1998, pp. 69-91. - M. D. Orth, Renaissance Manuscripts: The Sixteenth Century, Turnhout, 2015. Experto : Ariane ADELINE

Valorac. 1 200 - 1 800 EUR

mié 26 jun

Jeanne THIL (1887-1968) Evocación exótica ÓLEO SOBRE LIENZO Firmado abajo a la derecha 183 x 287 cm Sin enmarcar (pequeños agujeros dispersos en el lienzo, algunos desgastes y roces, craqueladuras) Procedencia | Colección de un industrial de Calais cercano al artista, luego transmitida por descendencia Esta obra puede compararse con las decoraciones realizadas para las Exposiciones Internacionales o las creadas para los transatlánticos de la Compagnie Générale Transatlantique, inspiradas en sus viajes por España, Portugal, Grecia y Túnez. El mismo tema se encuentra en la decoración de la sala de espera del departamento médico del Paquebot France, reproducida en el catálogo de venta del 10 de julio de 1983, Maître Guy Loudmer, œuvres d'art du France compagnie générale maritime, número 242, pero de menor tamaño (90 x 130 cm). Jeanne Thil (1887 - 1968) nació en Calais y estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París, donde fue alumna de Charles FOUQUERAY. A partir de 1911, expuso en el Salón de Artistas Franceses durante 56 años. Ganó un Gran Premio de la Escuela de Artes Decorativas, así como una beca de viaje de la Sociedad Colonial de Artistas Franceses, que le permitió viajar a España en 1917, de donde trajo una veintena de lienzos llenos de luz. Atraída por el exotismo y los países de Oriente Próximo, viajó a Túnez en 1921. Su obra titulada "Un encantador de serpientes en Kairuán" le valió una medalla de oro en 1924, cuando expuso en el Salón de Artistas Franceses. En 1925, su famoso cuadro "Los burgueses de Calais" fue elegido para decorar el Ayuntamiento de su ciudad natal. De 1925 a 1932, participó en numerosas exposiciones internacionales en Madrid, Barcelona, Bruselas, Roma, Tokio y Túnez. En Amberes, en 1930, y de nuevo en 1933, expuso tres grandes paneles de 6x4 m y un friso de 42 m sobre Túnez. Reconocida por los círculos artísticos oficiales de entreguerras, Jeanne Thil fue solicitada en numerosas ocasiones, tanto como pintora como cartelista. Decoró grandes cruceros, como el Ile de France (1927) y el Liberté (1950), y recibió encargos para pintar los frescos del Palacio del Gobernador de Dakar, el Palais Tunisien, el Palais de l'AOF y el Musée des Colonies en la Exposición Internacional de 1931, la Exposición Universal de 1937 y la Exposición Internacional de Bruselas, donde se encargó de decorar el Patio de la France. Figura importante de la pintura orientalista, sus lienzos que celebraban el imaginario exótico tuvieron un gran éxito, y el Estado francés adquirió varias de sus obras. Sus composiciones, llenas de color, recreaban una atmósfera cálida al representar la arquitectura característica que tenía ante sus ojos: casas blancas, mezquitas y personas vestidas al estilo oriental. "Sus obras son una llamada a ese lejano desconocido, atraen la mirada y dan ganas de proyectarse allí, ese es su principal objetivo" (François Olland, sobrino nieto de Jeanne Thil). En 1958, el Musée de la France d'Outre-mer de París y el Musée de Calais dedicaron una gran exposición al artista, con más de cien obras. Algunas de sus obras que celebran el exotismo se conservan en el Museo del Quai Branly de París, donde se presentan en la exposición Peintures des lointains en 2018. En 2020, se celebrará una exposición dedicada a ella en el Museo de Bellas Artes de Calais, bajo el título Peintures des lointains, Voyages de Jeanne Thil.

Valorac. 20 000 - 40 000 EUR

jue 20 jun

[ILUMINACIÓN]. Fragmento de un libro de coro (¿Gradual o Antifonario?) Q inicial historiada Adoración de los pastores Francia, París, hacia 1530-1540 Iluminador anónimo influenciado por el grupo de Etienne Colaud (?) (activo en París de 1512 a 1540 aproximadamente) Tamaño: 152 x 170 mm Iluminación montada sobre una base de cartón, enmarcada con tinta y marcada "Peinture sur vélin" (tamaño de la base de cartón: 186 x 202 mm) Esta fina inicial historiada puede fecharse en el periodo 1520-1540. La inicial historiada está inscrita en una letra trazada en azul con reflejos blancos, sobre un fondo de oro líquido decorado con hojas de vid y motivos florales. Este tipo de motivo se encuentra en un Evangeliario conservado en la Biblioteca Sainte-Geneviève de París, MS 106, asociado al grupo Colaud y posiblemente a un artista conocido en los archivos como Jean Leclerc (?), colaborador de Etienne Colaud (véase M.-B. Cousseau, Enlumineur anonyme (Jean Leclerc?), en Enluminures du Louvre (2011), cat. 127). En algunos aspectos, la presente iluminación recuerda la obra de un artista identificado como Martial Vaillant, yerno de Étienne Colaud, documentado en París desde 1523 (fue uno de los gobernadores de la cofradía de iluminadores de Saint-Jean l'Evangéliste), pintor de un libro de horas del delfín François (París, BnF, NAL 104, Horas pintadas en dos campañas, una en la década de 1530 y la otra más tarde, en la década de 1550, para los marcos; véase M.-B. Cousseau, Etienne Colaud et l'enluminure parisienne sous le règne de François Ier (2016), pp. 87-91). Es necesario seguir investigando para identificar mejor al iluminador de esta inicial, que también muestra influencias del artista más importante de estas décadas, a saber, Noël Bellemare, cuyas composiciones influyeron en los artistas del "grupo Colaud". Experto: Ariane ADELINE

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

jue 20 jun

[Orléans] - Importante lote de 27 láminas de Orléans. 1 - Au sacré cœur d'Orléans, les derniers jours. 1903. 2 - Tombeau de Mgr Dupanloup 1893. 3 - Mgr Touchet - La Normandie. 1911. 4 - Mons. Touchet. L'aristocratisme de Fénelon. 1912. 5 - Recepción del cardenal Touchet. 1923. 6 - Johanet - Monseñor Dupanloup en el púlpito de Sainte-Croix. 1873. 7 - Besson - Discours pour l'inauguration du tombeau de Mgr Dupanloup. 1888. 8 - Le monument de Mgr Dupanloup. 1888. 9 - Inauguration du monument de Mgr Dupanloup. 1888. 10 - Oraison funèbre du Cardinal Touchet. 1926. 11 - Vie de Mgr Dupanloup. 1883. 12 - Mgr Dupanloup. Vie publique et privée. 1879. 13 - Mgr Dupanloup. Notice bibliographique. 1878. 14 - Lavedan - M. Dupanloup. 1849. 15 - Cochard - Inauguration du monument de Mgr Dupanloup. 1888. 16 - Explication des ouvrages de peinture exposées au musée d'Orléans. 1835. 17 - Mons. Touchet - Oración fúnebre de Monseigneur Laroche. 1896. 18 - Mons. Touchet - Elogio fúnebre de Mons. Fabre. 1898. 19 - Mons. Touchet - Discurso relativo a Mons. Fuzet. 1917. 20 - Colas - Deux poètes du Moyen-age à Meung sur Loire. 1877. 21 - Jornadas gregorianas en Orleans. 1932. 22 - Mons. Touchet - Nuestro Señor Jesucristo y su cruz. 1904. 23 - Mons. Touchet - Un attentat contre le droit et la liberté. 1904. 24 - Gauvard - Vie de Saint-Aignan. 1863. 25 - Mons. Touchet - Oración fúnebre de Mons. d'Hulst. 1896. 26 - Coronación de Mons. Courcoux. 1927. 27 - Mons. Touchet - Oración fúnebre de Mons. Hugonin. 1898.

Valorac. 60 - 80 EUR

mar 25 jun

Maurice de VLAMINCK (Paris 1876 - Rueil la Gadelière 1958) - Vista de Valmondois Tinta china sobre papel 38 x 46 cm Firmado abajo a la derecha Vlaminck En el reverso de la tabla de montaje hay una antigua etiqueta manuscrita en la que se lee: Maurice de Vlaminck Rue de village Procedencia Venta por Maître Binoche, Palais Galliera, diciembre de 1971. Artista de temperamento apasionado y rebelde, Maurice de Vlaminck es una figura emblemática de la escena artística de la primera mitad del siglo XX, cuyos cuadros siguen fascinando a los amantes del arte y a los coleccionistas. Destinado inicialmente a una carrera deportiva, Vlaminck abandonó este camino tras contraer una enfermedad a los 20 años. Tomó clases con el pintor Robichon, pero pronto se cansó de esta formación académica. En 1900, por casualidad, conoció a André Derain en un tren, con quien entabló amistad y retomó la pintura de forma autodidacta. Sus obras muestran una predilección por las escenas de los alrededores, pueblos tranquilos con ríos y caminos sinuosos, sobre todo en los alrededores de Chatou y Bougival. Espíritu apasionado y rebelde, escribió algunos artículos para Le Libertaire y se acercó a artistas fauvistas como Matisse y Van Gogh, cuyo uso del color puro y la violencia cromática admiraba, en perfecta sintonía con sus instintos. Gracias a estos encuentros, Vlaminck se dedicó definitivamente a la pintura. Desarrolló un estilo enérgico, de pinceladas rápidas y colores vibrantes, para expresar su intensa y personal visión de la naturaleza. En 1910, Vlaminck conoció la obra de Cézanne, que le llevó a adoptar una paleta de colores más oscuros y a concentrarse más en la estructura y la forma. Pero fue realmente con el trauma de la Primera Guerra Mundial cuando el artista abandonó las explosiones de color y comenzó a pintar paisajes atormentados y composiciones florales en tonos oscuros que reflejaban el trauma de la guerra. Esto marcó una importante transición artística. Sus colores se aplicaban con pinceladas anchas y planas, creando contrastes sorprendentes entre cielos amenazadores, campos y calles sumidos en la penumbra, y ramos de flores iluminados por una luz fría sobre un fondo negro. De este modo, sus cuadros demuestran un dominio de las luces y las sombras, ofreciendo una mayor profundidad emocional. En cuanto a sus paisajes, sus composiciones están a menudo estructuradas de tal manera que guían la mirada a través de una diagonal sobre el lienzo. El efecto general es a la vez intenso y armonioso, e invita al espectador a sentir la melancólica energía de la escena que tiene ante sí. Los cuadros que presentamos en nuestra venta atestiguan la maduración artística de Vlaminck, que pasa de la audacia del color a una exploración más sutil de la atmósfera y la forma.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

mar 18 jun

Escudo de guerra warrumbi, población mendi, valle del Nembi, Tierras Altas del Sur. Madera, pigmentos, cal, fibra. Altura: 1,21 m / Anchura: 0,48 m Procedencia: - Antigua colección Marie Josée Guigues - Colección Padovani A diferencia de la mayoría de los escudos fabricados en Papúa Nueva Guinea, en cuya fabricación se utilizaba generalmente el grabado, algunos escudos de las Highlands se desmarcan del corpus clásico tradicional, ofreciendo superficies policromadas pintadas con motivos abstractos y geométricos, como este hermoso escudo. Dos triángulos dispuestos simétricamente a ambos lados de una banda horizontal central destacan sobre la superficie plana, cuyo color rojo simboliza la victoria y la sangre. Estos elementos geométricos más oscuros, cuyos contornos están resaltados con pintura blanca, representan simbólicamente la figura humana. Entre los atributos del guerrero, el escudo era el más importante. El nombre warrumbi -literalmente "muro del árbol de la guerra"- procede de la madera con la que se fabrican estos escudos, cuyo nombre significa "guerra". Más allá de su función puramente defensiva, estos objetos concentraban una poderosa fuerza mágica y espiritual a través de sus colores y ornamentación. Carl Einstein previó la dimensión altamente simbólica de los escudos oceánicos, que, "adornados con símbolos, [...] representan y significan siempre algo concreto y están destinados quizás a captar determinadas fuerzas". (Carl Einstein, en "La statuaire des mers du Sud", 1926) El carácter ornamental de los escudos de las Tierras Altas puede interpretarse como una prolongación de las pinturas corporales policromas que, entre los mendi, desempeñan un papel importante en el desarrollo de su cultura. Mendi, desempeñan un papel importante en las ceremonias, vinculando al propietario a un grupo y a una identidad. Arma decididamente modernista de simbolismo e identidad, sus formas y colores recuerdan ciertas obras de Wassily Kandinsky.

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

mié 26 jun

David Daoud (Libano, Beirut, 1970)Songe, 2022 Olio su tela160 x 130 cm - David Daoud es un artista, dibujante y escultor libanés nacido en Beirut en 1970. Abandonó el Líbano con su familia en 1978 debido a la guerra civil (1975-90) y se trasladó a Francia. En 2011 recibió el prestigioso 1er Premio Frédéric de Carfort de la Fondation de France pour la Peinture. Pintó las catorce estaciones del Vía Crucis en la iglesia de Saint-Rémi de Marines y otras tres en la iglesia de Saint-Gildard, Longuesse (Île de France). Por un lado, el artista explora los temas del exilio, la migración y la diáspora, tras haber experimentado personalmente la decisión de dejar atrás el Líbano y la consiguiente organización de una nueva vida en un país diferente. Por otro, analiza la historia personal y global del ser humano y de las sociedades contemporáneas, consideradas, como son, organismos complejos. Sus obras presentan a menudo un mundo onírico, misterioso y mágico, que es al mismo tiempo una representación de la realidad.Las obras de Daoud se encuentran en varias colecciones, entre ellas: el Instituto del Mundo Árabe de París, el Museo de Prehistoria de Beirut, el Ayuntamiento de Marines, Vexin (Francia) y el Ayuntamiento de Isle-Adam (Francia).En "Songe" hay una mujer en el centro de la composición. Va descalza y con el torso desnudo, sólo lleva un trozo de tela azul oscuro alrededor de la cintura y las piernas y joyas de oro. Está sentada en el suelo con las manos juntas delante de la cara, como si estuviera rezando. Está rodeada de grupos de personas y animales apenas definidos. La escena que rodea a la mujer es dinámica, como sugiere la presencia de personas ocupadas en sus actividades, en contraste con la quietud de la mujer que reza o sueña. Firmado en la parte inferior izquierda y firmado y fechado en el reverso. Procedencia: Artista.

Valorac. 7 000 - 10 000 EUR

mar 18 jun

Louis Michel VAN LOO (Tolón 1707 - París 1771) Carle Van Loo y su familia En su lienzo original 115 x 87 cm Nuestro cuadro es una réplica del cuadro expuesto en el Salón de 1757 y conservado en la Escuela de Artes Decorativas de París (lienzo, 200 x 156 cm). Otra réplica se conserva en el castillo de Versalles (lienzo, 212 x 158 cm; véase el catálogo del Museo Nacional del castillo de Versalles, les peintures, vol. II, París, 1995, n.º 1). II, París, 1995, nº 5077, reproducido). Louis Michel Van Loo, hijo del pintor Jean-Baptiste Van Loo, representa aquí a su tío Carle Van Loo dibujando el retrato de su hija Marie-Rosalie en presencia de su esposa, la cantante Christina-Antonia Somis, y de sus tres hijos: Jean-François, Charles y Jules-César-Denis. Las inscripciones bajo dos dibujos de Carle y su esposa nos dicen que "bajo su pincel nacieron las Gracias: él dibujaba mientras ella cantaba", "los amores volaban tras sus pasos: ella cantaba mientras él dibujaba" (véase el catálogo de la exposición Carle Vanloo, premier peintre du roi, Niza, Clermont-Ferrand, Nancy, 1977, nº 398, reproducido). Según Diderot, Carle Van Loo y su familia y el Retrato de Louis-Michel Van Loo con su hermana delante del retrato de su padre Jean-Baptiste Van Loo (en el museo del castillo de Versalles) fueron sus mejores cuadros. Estos grandes retratos de grupo plantean a menudo un problema de composición, ya que las figuras suelen posar en una posición frontal poco natural, mirando al espectador, como en el Retrato de familia (conservado en la National Gallery of Art de Washington) pintado por François-Hubert Drouais un año antes que éste. Louis Michel Van Loo, en cambio, representa a cada modelo de manera diferente, algunos de frente, otros de tres cuartos, o incluso de perfil. Las figuras están divididas en dos grupos enfrentados: cuatro a la izquierda y dos a la derecha. En lugar de mirarnos, están hablando entre ellos, y el espectador asiste a un momento de la vida cotidiana de la familia de un artista, ocupada en transmitir un oficio de generación en generación. Louis Michel Van Loo volvió a utilizar este tipo de composición en su Retrato del marqués de Marigny y su esposa, conservado en el Louvre (lienzo, 130 x 97,5 cm, firmado y fechado en 1769).

Valorac. 60 000 - 80 000 EUR

jue 20 jun

Jean DEWASNE (1921-1999) - Jean DEWASNE (1921-1999) "Corazones cósmicos". laque glycérophtalique. firmado y titulado al dorso. Hacia 1970. 96 x 130,5 cm Cita del artista: "JE SUIS UN ABSTRAIT CONSTRUIT" (SOY UN ABSTRAITO CONSTRUIDO) Referencia: Agradecemos al Sr. Gérard Galby la confirmación de la autenticidad de esta obra. Se puede entregar un certificado al comprador. Nuestra obra puede compararse con "Cœurs cinabre", en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Donado por Madame Dewasne. Nota: Jean Dewasne fue un artista militante, defensor de la abstracción junto a Poliakoff, De Staël y Arp a partir de mediados de los años cuarenta. Artista tutelar de la "abstracción construida", Jean Dewasne expuso en la Galería Denise Renée de París de 1945 a 1956, y después en la Galería Daniel Cordier. En 1951, revolucionó su arte utilizando pinturas industriales, así como laca gliceroftálica y piezas de carrocería. Después de la Segunda Guerra Mundial, la abstracción construida, que había permanecido confidencial hasta entonces, se convirtió gradualmente en un movimiento importante en la escena artística hasta la década de 1960. Actualmente, obras de Jean Dewasne se exponen en las instituciones más prestigiosas, como el MoMa de Nueva York, el Musée National d'Art Moderne de París, el Louisiana Museum de Copenhague y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Vea también el enlace del vídeo de la exposición "Jean Dewasne, l'abstraction rationnelle" en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París: https://vimeo.com/818388978

Valorac. 10 000 - 15 000 CHF

jue 20 jun

MAGRITTE (René). Carta autógrafa firmada al escritor Marcel Béalu. Bruselas, [21 de septiembre de 1953 según el matasellos]. Una p. 3/4 in-8, sobre firmado conservado. "Mi querido Béalu, gracias por "La Légende des siècles" [publicado por Marcel Béalu en 1953, con ilustraciones de Flora Klee-Palyi], que he leído inmediatamente con gran atención. Lo que me parece muy meritorio -además de las cualidades de su escritura- es que el "tema" del que habla difícilmente es "interesante" para quienes juzgan un tema por su "actualidad". Y sin embargo, SI HAY UN tema REALMENTE actual, ES LA VIDA Y LA MUERTE. Podemos pensar honestamente que en la medida en que algo es "de actualidad", como un discurso político sensacionalista, es totalmente impotente cuando se trata de lo que realmente nos concierne. Tu "Leyenda de los Siglos" escapa a la impotencia de la mayoría de los ejercicios literarios que hacen las delicias de los maniáticos divertidos o siniestros estrictamente ligados a la "actualidad" - "los viejos gorditos y rosados" dice mucho más que las laboriosas obras científicas que, creyéndose concernidas por la vida y la muerte, hablan de otra cosa muy distinta: estrictamente de ciencia. Así que, afortunadamente, la investigación científica sólo podría decir tonterías (o desviar la pregunta) si se aventurara a explicarte por qué "todo lo que le rodeaba y su propia estancia en aquellos lugares no tenían más realidad que los sueños." Atentamente... " ADJUNTO: RAFFAËLLI (Jean-François). Carta autógrafa firmada. París, 28 de mayo de 1917. "He dado tal número, y por tal valor, de mis cuadros que no puedo enviarle nada...". (3/4 p. in-12). "EL PAÍS... ES SIN EMBARGO MUY HERMOSO... TRABAJO MUCHO ALLÍ (DIBUJOS, ACUARELAS, PINTURA)...".

Valorac. 200 - 300 EUR

jue 20 jun

Deux lisières aux personnages - Irán, arte safávida, siglo XVII Dos cenefas de seda brocada de oro que representan figuras de busto con medallones polilobulados, tocados y sosteniendo frutas, separadas por claveles e iris estilizados. Tamaño: 39 cm cada una Origen: Pierre Bergé Venta pública, Pierre Bergé, 23 de abril de 2010, nº 148. Estos orillos pertenecen a un grupo de tejidos safávidas que ilustran el apogeo de la tejeduría iraní. Compuestos por bandas de oro, estos "brocados" añaden una suntuosidad a la sofisticada paleta de verde pistacho, rosa salmón, crema y ocre en la que está tejida la lampa de seda. El resultado es un tejido extravagante y laborioso que añade un valor sustancial a la seda, ya de por sí cara, con la que se fabrica. Cuando los safávidas llegaron al poder a principios del siglo XVI, la industria textil iraní ya estaba muy desarrollada y la seda era cara en todo el mundo. Bajo el reinado del Shah Abbas I el Grande (r. 1588-1629), la seda se convirtió en un monopolio estatal, representando la principal exportación del imperio. Todo el proceso de producción estaba estrictamente regulado y organizado por agentes reales de Ispahán. Estas telas, que formaban parte de una indumentaria hoy perdida, destinada a las élites sociales y políticas más adineradas que, al vestirlas, hacían ostentación de su riqueza y su elevado estatus social, se convirtieron en codiciados artefactos, enmarcados y montados en las paredes de museos y gabinetes de coleccionistas como si fueran pinturas al óleo. Aunque las flores son un elemento habitual de los tejidos, la presencia de figuras humanas revela un nivel de ejecución aún más exigente que el de los motivos florales.

Valorac. 12 000 - 15 000 EUR

jue 20 jun

* Jeunes femmes jouant avec des feux artifices - India, Lucknow, finales del siglo XVIII - principios del XIX Aguada realzada con oro sobre cartón resistente montado como una página de álbum con un borde de roleos florales dorados. En el lomo, una cuarteta en caligrafía persa en escritura nasta'liq: elogio real copiado por el modesto sirviente, Hafiz Mohammed Borhan al-Din. Estado: húmedo Tamaño de la miniatura: 19 x 12,5 cm. Página: 45 x 31 cm. Procedencia: Antigua colección británica, adquirida en la década de 1980. Este lote se vende como importación temporal. Obra comparable / Obra similar: Sotheby's, Londres, 8 de octubre de 2014, nº 212, hacia 1780, del taller de Mir Kalan Khan. Aunque se formó en la corte mogol, el artista Mir Kalan Khan se trasladó a Lucknow hacia 1750, donde se convirtió en el principal pintor de la corte de Shuja' al-Daula (r. 1754-75) y Asaf al-Daula (r. 1775-98), produciendo una importante obra que ha sido ampliamente imitada. Aquí encontramos su estilo distintivo, que trata las sombras y las zonas iluminadas con gran sutileza, y presta especial atención a los paisajes realistas y amplios, con un tratamiento específico del follaje. Desde el siglo XV, la India celebra Diwali y otros festivales con petardos y fuegos artificiales (patakhas). Un gran número de textos y pinturas ponen de relieve la popularidad de esta práctica, que se desarrolló aún más en Lucknow a finales del siglo XVIII, con la introducción de nuevas técnicas por parte de los ingleses. En las fuentes se encuentran largas descripciones de programas de fuegos artificiales, sobre todo de los nawab de Awadh y de Bengala en los siglos XVIII y XIX.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

mié 26 jun

François GERARD, conocido como BARÓN GERARD y TALLERO Retrato de Giuseppa Carcano, marquesa de Visconti di Borgorato (1760 - 1840) Lienzo original 32,8x22,5cm Reedición del Ricordo del barón Gerard en el Museo Nacional del Castillo de Versalles y del Trianón (Lienzo, 32x22cm. Véase el catálogo de los cuadros del Museo Nacional del Castillo de Versalles, París, 1995, nº 2102). El cuadro del barón Gerard, que sirvió de modelo para el ricordo de Versalles, fue expuesto en el Salón de 1810 (nº 354) y se encuentra actualmente en el museo del Louvre (lienzo, 226,5x146cm). Giuseppa Carcano Marquesa Visconti (1760-1840) nació en el seno de una importante familia de la nobleza milanesa. Se casó con el marqués Francesco Visconti. Distinguida por su ingenio y belleza, entabló un romance con el ayudante de campo de Napoleón, que más tarde se convertiría en el mariscal Berthier. Se trasladó a París, donde causó una gran impresión y entabló amistad con la emperatriz Josefina. Continuó su apasionada relación, y las fogosas cartas de amor que escribió al mariscal avivaron las críticas de la prensa inglesa de la época. Agradecemos al Sr. Alain Latreille que comparta con nosotros su opinión: "Todos estos ricordios fueron realizados en el taller del pintor bajo su supervisión y a veces retocados, y son comparables al conjunto conservado en el castillo de Versalles, adquirido por la lista civil del rey Luis Felipe en la venta posterior a la muerte del pintor en 1837.

Valorac. 3 000 - 5 000 EUR

mar 18 jun

John Andrew PERELLO (nacido en 1963) conocido como JONONE Imágenes seleccionadas, 2019 Técnica mixta sobre papel Firmado abajo a la derecha y fechado abajo a la izquierda 76,5 x 49 cm Enmarcado Se entregará al comprador un certificado de autenticidad de la Galerie 125. Informe de estado disponible a petición: [email protected] BIBLIOGRAFÍA JonOne, Poesía en movimiento, 2019, obra reproducida en la página 85 BIOGRAFÍA A los 17 años, JonOne, artista estadounidense autodidacta de origen dominicano, se aficionó al grafiti. Comenzó a utilizar el lienzo en 1985 y utilizó el lenguaje de los artistas callejeros para defender causas cercanas a su corazón, en particular la justicia social y racial y el cambio climático. Respondiendo a una invitación del productor Philippe Lehmann, se trasladó a París en 1987, fascinado por los diarios de viaje de su amigo A-One, íntimo de Jean Michel Basquiat. Se enamoró de la capital, donde sigue viviendo. Formado en los años 90 en el estudio del Hôpital éphémère de Bretonneau, en el distrito 18, hoy trabaja con varias marcas y disfruta de un verdadero éxito. AVISO En 1984 fundó el colectivo de grafiteros 156 All Starz, que se reunía por la noche para pintar en los trenes. Sus primeras obras utilizaban graffiti y etiquetas, pero poco a poco evolucionaron hacia un estilo más abstracto con goteos característicos. Sus proyecciones de pintura viva recuerdan inconfundiblemente a la forma de pintar de Jackson Pollock y a la paleta cromática de Willem De Kooning. Comentando los motivos repetitivos y los colores vivos que utiliza en su obra, dice: "Empecé pintando graffiti yo mismo y me encantaba: sobre todo ver correr la pintura en spray... El color me hace feliz. Aún no sabía adónde iba, pero lo único que quería era dejar una huella. Mi huella. Cuanto mayor me hago -probablemente por el miedo a la muerte-, ¡más importante es para mí! Por eso utilizo mi nombre, JonOne, como motivo repetitivo.

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

jue 20 jun

CHINA - Conjunto de ocho gouaches sobre papel que representan escenas femeninas de interior. Periodo Qing, siglo XIX 23 x 16,5 cm (cada uno a la vista) Nota para el comprador: En Guangzhou, el comercio de óleos de exportación, así como el de papel de arroz, fue inmenso, comenzando a mediados del siglo XVIII, con un clímax a principios del siglo XIX y declinando hacia 1850, tras la segunda guerra anglo-china y la apertura de otros 5 puertos comerciales. Numerosos álbumes de figuras activas se atribuyen a los talleres de Tingqua (iibid, figs. 34 y 36), pero hubo otros como los de Lamqua, Youqua y Sunqua (véase. "Late Qing China Trade Paintings", HK museum of Art 9.7.82-22.8.82, pr. Urban Council HK 1982 p. 11), estos talleres practicaban la división del trabajo que lo hacía mecánico: un pintor hacía los árboles, otro los pies y las manos, un tercero las figuras y otro las casas. Tras el incendio de los almacenes de Guangzhou, los talleres se trasladaron gradualmente a Hong Kong, donde sólo había dos talleres en 1867 (ManHing & Lai Sang). En 1872 había 7 y en 1884, 15, incluidos Youqua y Namcheong. Para un álbum de figuras sobre papel de arroz estampado Sunqua Macao, véase Sotheby's Chinese and Japanese Works of Art (Part 2) lote 626, y otro estampado en la portada Youqua Painter, Old Street nº 34 en Sotheby's Londres 10 nov 2010 lote 32. Con la introducción de la fotografía en China, la demanda de este tipo de pintura disminuyó y muchos de estos pintores se convirtieron en fotógrafos: "Mun Hing" figura como "Pintor de retratos" y "Fotógrafo", "See Tay" se denomina "Fotógrafo y pintor", véase al respecto el "Directory & Chronicle of China, Japan, 1873, Daily Press Office, HK, p. 36 y 11".

Valorac. 500 - 600 CHF

mar 02 jul

Nicolas de Largillière París 1656 - 1746 París, atribuido Retrato del Teniente General de los Ejércitos DE COURCY con la Orden de San Luis ex Coll. DE COURCY Óleo sobre lienzo, reentelado 146,5 x 114 cm, con marco 173,5 x 142 cm Titulado en la parte inferior central del marco Nicolas de Largillière fue un importante pintor francés conocido por sus retratos, en los que plasmó la elegancia y la grandeza de la aristocracia y la burguesía francesas. Nació en París y pasó parte de su juventud en Amberes, donde se formó con el pintor flamenco barroco Antoine Goubau. Esta influencia temprana es claramente visible en las composiciones detalladas y coloristas de Largillière. En 1675, Largillière se trasladó a Londres, donde trabajó brevemente con Sir Peter Lely, otro importante retratista de la época. Sin embargo, pronto regresó a París, donde fue admitido en la Académie Royale de Peinture et de Sculpture en 1686. A lo largo de su carrera, se convirtió en el principal retratista de su época en Francia, célebre por su habilidad para impregnar sus obras de colores vivos y luminosos. Entre sus clientes se encontraban miembros de la corte real, la nobleza y ciudadanos prominentes, lo que cimentó su reputación como artista destacado del Barroco francés. En este importante retrato, el teniente general de los Armées de Courcy aparece representado con la grandeza y la autoridad propias de su rango militar. El general está de pie delante de un fondo oscuro, técnica clásica de la Largillière que acentúa la presencia del retratado y resalta su indumentaria. A la izquierda, una columna y un telón dan a la composición un toque de arquitectura clásica y de teatralidad. El teniente general luce una alta peluca gris rizada, símbolo de estatus y sofisticación en la Francia del siglo XVIII. Su toga roja está ricamente bordada en oro, lo que pone de relieve tanto su riqueza como su posición. Sobre esta espléndida vestimenta lleva una coraza, símbolo de su función militar. En la coraza lleva la medalla de la Orden de San Luis, condecoración concedida por un servicio militar ejemplar. Su postura irradia seguridad y mando: tiene la mano izquierda firmemente apoyada en la cadera, lo que le confiere una postura de autoridad. En la mano derecha sostiene un pequeño bastón que apoya en la base de la columna, acentuando aún más su aspecto digno. Los finos detalles de su indumentaria y la cuidada composición reflejan la habilidad de Largillière para representar no sólo el aspecto físico, sino también el carácter y el estatus de sus súbditos.

Valorac. 6 000 - 12 000 EUR

vie 21 jun

André LANSKOY (1902-1976) Cuento persa, 1945-1946 Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. Titulado y fechado al dorso en el bastidor. 81 x 117 cm Procedencia : - París, Galería Pierre Loeb, 2 rue des Beaux-Arts, 75006 (presunto) - París, Colección de M.S M.S., coleccionista parisino, era cliente habitual de la Galería Pierre Loeb, donde adquirió obras de Bernard Dufour, Constantin Macris y André Lanskoy. Desde finales de los años treinta, Lanskoy se orienta hacia la abstracción. En 1942, expuso pinturas abstractas en la galería Berry-Raspail. En 1944, conoció en la Galerie Jeanne Bucher a su compatriota Nicolas de Staël, con quien entabló amistad y que, como artista más joven, seguía sus consejos. La Galería Jeanne Bucher reunió a una generación de jóvenes artistas (Soulages, Poliakoff, Debré, Dewasne, etc.) que tendían hacia una especie de no figuración. Lanskoy fue uno de sus pioneros. Para estos jóvenes artistas, era Kandinsky quien había mostrado el camino más decisivo y audaz. Lanskoy había podido intercambiar ideas con Kandinsky, que vivía en París desde 1933. En 1944, Lanskoy firmó un contrato con la Galerie Louis Carré. Carré y realizó allí una exposición retrospectiva en 1948 (Lanskoy 1944-48, veinticuatro obras expuestas). El cuadro Histoire persane, fechado en 1945-46 en el reverso, atestigua la evolución estilística del pintor. Todavía podemos distinguir algunos rastros de figuración (silueta, silla de perfil en el centro del cuadro) pero una tensión dramática surge aquí de líneas y colores liberados de la realidad visual. Esta liberación decisiva le permitió recurrir a sus recuerdos, a su capital emocional y la profusión cultural en la que creció en Rusia. El ritmo de las líneas, la violencia de las formas, la energía y la lucha de los colores son el resultado de una sabia mezcla: el arte icónico de los iluminadores medievales, el simbolismo de la Rosa Azul, los neoprimitivos de la Edad Media. simbolismo de la Rosa Azul, el neoprimitivismo y el rayonismo de Larionov y, por supuesto, la musicalidad de Kandinsky.

Valorac. 20 000 - 30 000 EUR

mar 18 jun

Henri FANTIN-LATOUR (1805-1875) La reconciliación de Marie de Médicis y su hijo tras la muerte del Condestable (copia de un fragmento del cuadro de Rubens conservado en el Louvre) Antes de 1870 Óleo sobre lienzo montado en tela Firmado abajo a la derecha: Fantin 35 x 22 cm Enmarcado Informe de estado disponible a petición: [email protected] Se entregará al comprador un certificado de autenticidad redactado por la Galerie Brame et Lorenceau. Esta obra se reproducirá en el Catálogo razonado de las pinturas y pasteles de Fantin-Latour que prepara actualmente la Galerie Brame Lorenceau. PROCEDENCIA - Claude Roger-Marx, París (su venta: 12 de junio de 1914n 2ª venta, N°19) ; - F. J. Tempelaere, París; - Albert Caressa, París, 1922; - Colección privada, Bélgica. EXPOSICIONES - 1905, enero, París, Galerie Tempelaere, Exposition de l'Atelier de Fantin-Latour, N°9. BIBLIOGRAFÍA - Mme Fantin-Latour, Catalogue de l'oeuvre complet de Fantin-Latour, Floury Editeur, París, 1911, N°367, p. 50 (titulado: Entrevue de Marie de Médicis et son fils). AVISO Nacido en Grenoble, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París en 1854, donde conoció a Edgar Degas, Alphonse Legros y Jean-Charles Cazin. Asistió brevemente al taller de Gustave Courbet y pintó numerosos autorretratos en tiza, carboncillo y óleo. Miembro del llamado "Grupo de 1863" y, posteriormente, del Cénacle des Batignolles, probó suerte en la pintura de bodegones, animado por Whistler. Es en Inglaterra donde sus composiciones de flores y frutas, expuestas varias veces en la Royal Academy, encuentran numerosos adeptos. En Francia, expuso con sus amigos Manet, Renoir y Monet; Fantin renovó el retrato colectivo con su gran cuadro manifiesto "Hommage à Delacroix", al que siguió "Un atelier aux Batignolles". En los últimos años de su carrera, allanando el camino a los artistas simbolistas, realizó una serie de cuadros fantásticos con visiones oníricas, así como temas con reminiscencias medievales, como la obra que presentamos aquí. La Edad Media y el Renacimiento fueron puestos de moda por los pintores y poetas románticos del siglo XIX; fuente de fascinación, esta época pasada exalta la imaginación y despierta la nostalgia de un tiempo pasado.

Valorac. 3 000 - 5 000 EUR

mar 18 jun

Louis-Ferdinand CÉLINE. 5L.A.S., [febrero-diciembre de 1937], a John H.P. Marks; 10páginas y media en-4. A su traductor inglés, sobre el folleto Mea culpa, sus ballets y Bagatelles pour un massacre. [28 de febrero, en papel con membrete de la CGT French Line S.S. Ile de France]. De vuelta de América, donde Mac Dougall y Little Brown rechazaron Mea culpa: "¿Tienes algo en mente para Inglaterra, donde podamos hacerlo llegar? Tengo un posible traductor en N. York, un hombre llamado Parker". Pidió a Parker que le enviara "la traducción inglesa del ballet Birth of a Fairy. Me lo han pedido en N. York". También le pide que "traduzca otro ballet corto que voy a hacer para la Exposición 37, Voyou Paul Brave Virginie. Se lo envío"... 98 Rue Lepic [marzo]. Pregunta sobre su contrato con Chatto: "¿Significa esto que si rechazan Mea Culpa, quedo liberado de todas mis obligaciones para con ellos? El contrato con Little, Brown & Co es más confuso. Da carta blanca a Marks para tratar con editores ingleses: "Al fin y al cabo, no me importa. Sólo quiero cabrear a Chatto si él también está siendo mezquino"... Luego menciona las aproximaciones de Marks a galerías para los cuadros de Gen Paul. En cuanto al ballet de Voyou Paul: "Cuando esté listo, mándamelo. Lo enviaré a América. La gente me lo pide. Pero no tengo muchas posibilidades con los pequeños trabajos y las inauguraciones paralelas. ¡Me esperan tiempos difíciles! 15 [abril o mayo]. Pide que le ingresen dinero en su "cuenta de Highgate" para el general Paul, que está "en apuros con sus pedidos para la exposición. Blum no paga a nadie"; y que le enviara a Virginie: "Por supuesto que puedes publicar todos estos ballets en un periódico si quieres, y es más, insisto absolutamente en que cojas para ti la pasta que quieren darte. Eso te compensará por tu trabajo y me dará un gran placer"... 21 [de julio]. Estará ausente de París en agosto y septiembre, pero le gustaría que "le mantuvieran al corriente de los progresos de mi ballet. Sadlers Well sería una buena idea. Puedo hacer que hagan la música aquí si lo desean, pero preferiría que la hiciera un inglés"... 27 [de diciembre]. Le envía las Bagatelas. "A ver qué se puede hacer con ellas. No quiero pasar por una agencia literaria. Si Chatto se lo queda, es el mismo precio que Mort à crédit, salvo que no quiero pagar el impuesto sobre la renta. [...] Les doy una opción de 8 días: sí o mierda".

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

mar 18 jun

ANTONIO LAGORIO - (activo en Génova y Parma durante la segunda mitad del siglo XVII) La educación de Cupido Óleo sobre pizarra, 25X21,7 El castigo de Cupido Óleo sobre pizarra, 25X20,8 cm (2) Rastreadas en el catálogo de Antonio Lagorio por Alberto Crispo, las obras son un precioso testimonio del artista y peculiares por la elección, muy ligur, de utilizar un soporte de pizarra. Seguidor de Valerio Castello, Lagorio expresa sin embargo una franca autonomía de estilo y una atractiva calidad. Tampoco sorprende su parábola artística, que desde su Génova natal le vio actuar principalmente en Parma, cuya escuela de pintura ejerció una influencia sustancial en los artistas de la soberbia ciudad, atentos a absorber los modelos de Correggio y Parmigianino. Uno de los mejores alumnos de Castello, Giovanni Battista Merano, trabajó también en Parma, lo que da fe de un diálogo cultural que sólo en los últimos años ha sido redescubierto por la crítica. Pioneros fueron los estudios llevados a cabo por Giuseppe Cirillo y Giovanni Godi en la campiña farnesa, quienes, partiendo del retablo documentado fechado en 1669 y conservado en la capilla del hospital de la ciudad emiliana, reconstruyeron la fisonomía del pintor. Esta investigación fue seguida por Alessandro Morandotti, a quien debemos no sólo varias adiciones al catálogo, sino también una convincente reconstrucción crítica que identifica los diferentes componentes estilísticos expresados por el artista. Esta investigación fue continuada por Anna Orlando y Daniele Sanguineti, que investigaron el magisterio de Castello y de sus alumnos, la influencia de Castiglione, los ecos de Vandichi y las aportaciones de Domenico Piola, destacando la viva modernidad de su formación. Estas consideraciones nos llevan, como subraya Sanguineti, a la hipótesis de que la adhesión del artista a los modos del Castello se produjo de forma autónoma, adquirida de uno de sus alumnos cercanos, pero también la capacidad de evolucionar en su propio léxico, como se desprende de la observación de las obras examinadas en las que la declinación barroca emerge siguiendo el ejemplo de Domenico Piola y del clasicismo emiliano de finales del siglo XVII, gracias a una redacción suave y matizada, no muy alejada del delicado estilo de Bartolomeo Guidobono. La atribución también queda confirmada por la comparación con el resto de la producción del pintor. Baste considerar la pequeña pintura en cobre que representa la Adoración de los Magos, perteneciente a las Galerías Nacionales Barberini Corsini (inv. 4211), donde encontramos el rápido dibujo y la fisonomía típica de Valerio Castello, que también se pueden rastrear en nuestras pizarras. La obra va acompañada de una ficha crítica de Alberto Crispo. Bibliografía de referencia: E. Sueur, Antonio Lagorio (ou Lagori), dit il Genovesino. Le serpent d'airain, en Italies. Peintures des musées de la région Centre, catálogo de exposición, París 1996, pp. 200-207 A. Morandotti, Studi sulla pittura barocca nell'era del Web/1: profilo di Antonio Lagorio, en Nuovi Studi. Rivista di Arte Antica e Moderna, 8, 2000, año V, pp. 81-92 A. Orlando, Stefano Magnasco e la cerchia di Valerio Castello, Milán 2001, p. 28 D. Sanguineti, Ebbe il nostro Valerio quattro discepoli, tutti di buona successo. Biscaino, Cervetto, Magnasco, Merano y el círculo de Valerio Castello, en catálogo de exposición Valerio Castello 1624 ; 1659. Modern Genius, editado por Marzia Cataldi Gallo, Luca Leoncini, Camillo Manzitti, Daniele Sanguineti, Milán 2008, pp. 122 -129 con bibliografía previa.

Valorac. 3 000 - 5 000 EUR

mar 25 jun

Raymond THIBESART (Bar sur Aube 1874 - 1968) - Las piedras del molino, 1912 Pastel 22,5 x 30,5 cm Firmado, fechado y fechado abajo a la izquierda Thibesart Vaux 12 Raymond Thibesart fue un pintor francés asociado al movimiento postimpresionista, cuyo estilo se describe a menudo como suave y delicado. Nacido en el seno de una familia acomodada, mostró aptitudes para el dibujo desde muy joven y comenzó a estudiar con Emile Boggio, pintor impresionista venezolano, a partir de los once años. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes en 1894, y posteriormente en la Academia Julian, donde se inspiró en la pintura impresionista y puntillista y de la que surgieron varios artistas fundadores del movimiento Nabis. En 1897, Raymond Thibesart recibió una medalla de la Société des Artistes Français y expuso regularmente en el Salon d'Automne y en el Salon des Indépendants. A finales del siglo XX, y sobre todo tras su viaje a Italia con Emile Boggio, Raymond Thibesart se orientó cada vez más hacia el postimpresionismo. Plasmó los paisajes que recorría con toda la espontaneidad del trabajo sobre el motivo y los colores, como en Suiza, Bélgica, Córcega y otros lugares. Raymond Thibesart desarrolló un lenguaje pictórico muy personal, con un uso magistral de la luz y el color, captando los efectos cambiantes del sol sobre paisajes, árboles, flores, pajares, etcétera. Sus obras reflejan una meticulosa observación de la atmósfera que emana de cada elemento de la naturaleza. Así, Thibesart retrata con finura la luz fría del invierno o la vitalidad del verde primaveral. Dotado de una gran sensibilidad, logra captar la belleza efímera que se le presenta y la transcribe en su lienzo con poesía y serenidad. En resumen, sus cuadros de paisajes son verdaderas odas a la naturaleza y a la luz, que invitan al espectador a la contemplación e incluso al ensueño.

Valorac. 500 - 800 EUR

jue 27 jun

DERAIN ANDRE: (1880-1954) - DERAIN ANDRE: (1880-1954) Artista, pintor y escultor francés, cofundador del fauvismo con Henri Matisse. A.L.S, A Derain, una página, 4to (papel milimetrado cuadriculado), Lisieux, 31 de mayo de 1915, a un caballero, en francés. Derain se declara conmovido por las expresiones de amistad contenidas en la carta de su corresponsal, aunque sigue escribiendo con sobriedad, 'depuis la guerre j'ai été très abandonné des milieux de peinture, je me demande même s'il m'arrivera jamais d'en refaire' (Traducción: desde la guerra me he visto muy abandonado por los círculos de pintura, y me pregunto si volveré a pintar alguna vez"), mostrando aún más su desilusión, Je serai aussi très reconnaissant si par une mission quelconque vous pouviez me tirer d'ici le plu tôt possible et me faire passer soit dans l'aviation soit dans l'automobile mais je crains que cela ne soit pour vous la source de multiples ennuis. Mais vous me rendriez un réel service si vous pouviez me faire partir d'ici par n'importe où même aux Dardanelles dans un emploi quelconque ou sur le front" (Traducción: También le estaría muy agradecido si por alguna misión pudiera sacarme de aquí lo antes posible y meterme en la aviación o en el automovilismo, pero me temo que eso sería una fuente de muchos problemas para usted. Pero me harías un gran favor si pudieras sacarme de aquí a cualquier parte, incluso a los Dardanelos en algún trabajo o en el frente"). Derain concluye ofreciendo su gratitud y da las gracias a su corresponsal por la amabilidad que han mostrado con la esposa del artista ausente. Ligero desgaste por el paso del tiempo y un par de pequeñas rasgaduras en los bordes de los pliegues. Al principio de la Primera Guerra Mundial, Derain fue movilizado en la artillería, en el regimiento de infantería de Lisieux. Sirvió en Champaña, el Somme, Verdún y el Chemin des Dames hasta 1917, y después en el Aisne y los Vosgos. Los años inmediatamente anteriores a la guerra se describen a veces como el periodo gótico de Derain. Durante la guerra, el artista realizó pocas obras, aunque en 1916 ilustró el primer libro de André Breton, Monte de Piete. de André Breton, en 1916.

Valorac. 800 - 1 000 EUR
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