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74 Ergebnisse

Do 20 Jun

Jean RIVIÈRE (1853-1924) - TOULOUSAINE SCHULE "Theodora" das um [1891] entworfene Modell, das Gesicht und der Schmuck der byzantinischen Kaiserin, die angeblich von Sarah Bernhardt in dem gleichnamigen, 1884 uraufgeführten Stück von Victorien Sardou inspiriert wurden. Skulptur in Form eines Hochreliefs und einer Applikation. Abguss aus Aluminiumguss mit doppelter Patina; Silber, Gold. Ende des 19., Anfang des 20. Jahrhunderts. Nicht signiert. H.: 78 cm, B.: 54,5 cm, T.: 15 cm. (Veränderungen der Patina). Dieses Skulpturenmodell, von dem bislang nur drei Metallabzüge bekannt sind, wurde oft fälschlicherweise unter der Urheberschaft von Théodore Rivière dargestellt, einem anderen großen Bildhauer und Zeitgenossen unseres Künstlers. Provenienz: Wichtige Sammlung in Bordeaux, die sich mit dem Jugendstil befasst. Ausstellung: Exposition de l'Union Artistique, Toulouse, 1891 - Ein Gipsabzug unseres Skulpturenmodells, das bei dieser Veranstaltung gezeigt wurde. Öffentliche Sammlungen : Musée des Augustins, Musée des Beaux-Arts de Toulouse - Ein mehrfarbig patinierter und vergoldeter Gipsabzug wird aufbewahrt. in dieser Institution unter der Inventarnummer 2018 6 1. (Provenienz Verkauf Sotheby's 21. Juni 2018 Nummer 182). Historischer Hintergrund : Nach dem Erfolg des Stücks von Victorien Sardou wurde Theodora, die auf dem Theater von Sarah Bernhardt verkörpert wurde, zu einer echten Ikone in den 1880er und 1890er Jahren. Es ist wahrscheinlich, dass die ;Lesart ihrer komplexen Persönlichkeit, zwischen Heiliger und Prostituierter, sie zu einer freien und mächtigen Frau machte, die ihrer Zeit weit voraus war. Angesichts der vielen Gemeinsamkeiten zwischen den beiden Frauen war dies eine sehr passende Entscheidung. Jean Rivière, ein Bildhauer aus Toulouse nahm sich seinerseits dieser Figur an, um sie zu dem zu machen, was er 1891 auf der Ausstellung der Union Artistique, ein Florentiner Medaillon in Anlehnung an seine großen Vorfahren. Der Künstler hatte seine Ausbildung an der École de Beaux-Arts in Toulouse absolviert und unterrichtete in der Folge schließlich lehrte er dort ornamentale Bildhauerei. Neben lokalen Ausstellungen nahm er von 1882 bis 1896 auch am Salon des Artistes Français teil.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Do 20 Jun

HENRI PROZINSKI (1887-1968) (HENRI LOUIS BOLESTAS PROSZYNSKI, GENANNT) BILDHAUER & SUSSE FRÈRES FONDEUR-ÉDITEUR "Pekinese" Probedruck mit der Nummer 2 aus einer Auflage von 4 Probedrucken, die alle 1935 hergestellt wurden. Skulptur. Bronzeabguss mit nuancierter brauner Patina. Guss nach dem Wachsausschmelzverfahren. Frühere Auflage, 1935. Signiert von PROZINSKI und mit den Gießerstempeln SUSSE Fes Edts Paris (insculpté und circulaire), der Bezeichnung Cire perdue und dem Stempel Bronze sowie einer Nummer 2 auf der Basis. Höhe: 19 cm - Länge: 46 cm - Breite: 30 cm Henri Louis Bolestas PROSZYNSKI (1887-1968). Der französische Bildhauer Henri Proszynski wurde 1887 in Pau geboren und ist für die zahlreichen Denkmäler berühmt, die er im Laufe seines Künstlerlebens errichtete. Als Sohn eines Ingenieurs der Ponts et Chaussées, der die meisten Eisenbahnlinien in der Ariège verlegte und das Schloss Crampagna erwarb, kam er nach Paris, um Bildhauerei zu studieren, doch sein Herz und seine Inspiration blieben okzitanisch. "Während so viele junge Bildhauer oder Maler von der großen Stadt überwältigt sind und alle ihre Themen von ihr verlangen, [sind es] unsere Bauern und Bäuerinnen, die Proszynski zu übersetzen versuchte", schrieb sein Freund Roger Lafagette, ehemaliger Abgeordneter des Departements Ariège, in einem Artikel, der im September 19201 in der Zeitung L'Avenir veröffentlicht wurde. Es ist daher nicht verwunderlich, dass er, der als Poilu an der Feuerlinie mobilisiert worden war, nach dem Ersten Weltkrieg mehrere offizielle Aufträge für Kriegerdenkmäler in Städten der Ariège wie Foix, Pamiers, Lavelanet oder auch Le Fossa erhielt. Als regelmäßiger Besucher von Kunstmessen stellte er 1906 im Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts aus und ab 1908 präsentierte er seine Werke im Salon des Artistes Français. Er erhielt immer wieder Preise und Medaillen und wurde 1934 zum Ritter der Ehrenlegion ernannt. Eines seiner Meisterwerke entwarf er jedoch 1925 für die Exposition des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris, die in den Gärten des Cours-la-Reine stattfand: einen Brunnen, der eine langgestreckte Faunesse darstellt, die einem Widder gegenübersteht. Dieses monumentale Werk zeigt, dass Henri Proszynski nicht nur ein Bildhauer ist, der sich der Darstellung der menschlichen Figur verschrieben hat, sondern auch ein Tierbildhauer, und das schon seit mehreren Jahren. Bereits 1914 stellte er im Salon des Artistes Français eine Gruppe aus Gips vor, die spielende Hunde darstellte. In den 1930er Jahren stellte er dann mehrmals in der Galerie Le Journal Tiermotive wie Katzen, Ziegen, Falken, Kröten usw. aus. Die Katze ist ein wiederkehrendes Motiv in seinem Werk - sie wird in zahlreichen Haltungen studiert; aber auch der Hund, insbesondere mit dem hier gezeigten Pekinesen, von dem man nicht weiß, ob er auf einen Auftrag zurückgeht oder eine Wahl des Künstlers ist. Als Anhänger des direkten Schnitts bot Proszynski diesen Skulpturen eine Vereinfachung der Formen im Sinne des plastischen Ansatzes des Art Déco, wobei er manchmal sogar zu einer gewissen Geometrisierung neigte. Diese Geometrisierung schloss jedoch nicht aus, dass er in seinen Skulpturen Emotionen und Gefühle wiedergeben wollte, wie zum Beispiel in Printemps (auch Fontaine du Berger genannt), einem weiteren seiner Meisterwerke, das die Liebe - sei es die menschliche oder die tierische - darstellt. Dasselbe gilt für unseren Pekinesen, der, obwohl er stilisiert ist, in erster Linie den treuen Begleiter des Menschen symbolisiert. _____ 1 Roger Lafagette - Propos de Vacances, Un grand artiste in L'Avenir, le Journal de l'Ariège - 45e année, n° 3920 du jeudi-dimanche 2-5 septembre 1920.

Schätzw. 3 000 - 5 000 EUR

Do 20 Jun

Edgar Degas Autograph Letter Signed on Mary Cassatt - ALS in Französisch, signiert "Degas", drei Seiten auf zwei nebeneinander liegenden Blättern, 4 x 5,25, 13. Juni 1889. Brief an den Künstlerkollegen Albert Bartholomé, im vollen Wortlaut (übersetzt): "Ich habe oft an das Vergnügen gedacht, das ich mir am Tag der Abreise von Christus nicht gegönnt habe. Es wäre möglich gewesen, bis nach Dammartin zu folgen, zu frühstücken und den Zug zu nehmen, um sich auf dem Weg nach Paris sanft in den Schlaf wiegen zu lassen. Es wäre notwendig gewesen, um 8 Uhr vor der Trinité zu stehen und auf den Bus zu warten, was nicht unvernünftig gewesen wäre. Ich ärgere mich, dass ich es nicht getan habe. Du sagst, dass du am Samstag fertig bist, also werde ich am Samstag hingehen und mir das ansehen. Wenn ich den Zug um 14.40 Uhr nehme, werde ich um 16.25 Uhr in Crépy sein. Ich habe sehr viel Arbeit in die kleine Wachsfigur gesteckt. Ich habe einen Sockel aus Leinenstücken gemacht, die ich mit mehr oder weniger feuchtem Gips getränkt habe. Madame Cassatt geht es weiterhin gut. Der Verband wurde am Montag gewechselt. Alles wird besser. Grüßen Sie Monsieur de Fleury und die Erfinder, falls sie da sind." In gutem Zustand. Ein faszinierender künstlerischer Brief, denn Degas war einer der wichtigsten Mentoren von Cassatt in Paris. Er lud sie ein, an der dritten Impressionistenausstellung 1877 teilzunehmen, und führte sie in die Pastellmalerei und die Gravur ein. Cassatt ihrerseits half Degas, seine Bilder zu verkaufen und seinen Ruf in Amerika zu fördern. Degas war auch ein enger Freund und Mentor von Bartholomé, der ihn davon überzeugte, von der Malerei zur Bildhauerei überzugehen, die sein wichtigstes künstlerisches Medium war.

Schätzw. 2 500 - 3 500 USD

Fr 21 Jun

Jean-Antoine HOUDON (1741-1828) et son atelier - Georges Washington (1732-1799) Büste aus Gips, patiniert in Terrakotta-Optik. Originalmodell, geschaffen 1785. Auf der rechten Schulter signiert "HOUDON F.". Trägt innen den (lückenhaften) Wachsstempel der Werkstatt von Houdon. H: 65 cm davon Sockel aus Marmor brèche, H: 14 cm. (Kleine Unfälle und Restaurierungen). Provenienz: - Kennerfamilie, Paris, wahrscheinlich vor 1960. Verwandte Kunstwerke : - Jean-Antoine Houdon, Georges Washington (1732-1799), Originalmodell aus Terrakotta, H: 32 cm, Mount Vernon, Virginia, George Washington Estate, Museum & Gardens, Inv. W-369 ; - Jean-Antoine Houdon, George Washington (1732-1799), Büste aus Terrakotta, H: 56 cm, Paris, Musée du Louvre, Inv. RF 350; - Jean-Antoine Houdon, George Washington (1732-1799), Marmorbüste, H: 63 cm, Versailles, Musée National du château, Inv. MV 630 ; - Louis Léopold Boilly, L'atelier de Houdon, um 1804, Öl auf Leinwand, H: 88 x B: 115 cm, Paris, Musée des arts décoratifs, Inv. PE 63. Ein weiteres Exemplar aus Gips, das als "à l'antique avec le torse nu" (nach antikem Vorbild mit nacktem Torso) bezeichnet wird: - Jean-Antoine Houdon, Georges Washington (1732-1799), um 1786, patinierter Gips (ursprünglich), H: 54,5 cm, Boston, Athenaeum, Inv. UH150 ; - Jean-Antoine Houdon, Georges Washington (1732-1799), getönter Gips, H: 65 cm, Nr. 59 des Katalogs der Ausstellung Centenaire de J.-A. Houdon, né à Versailles, Versailles, 1928. Verwandte Literatur : - Guilhem Scherf, Houdon, 1741-1828: Statuen, geschnitzte Porträts..., Paris, Musée du Louvre Ed. Somogy éd. D'art, 2006 ; -Anne Poulet, Jean-Antoine Houdon. Sculptor of the Enlightenment, Kat. Ausst., Washington, The National Gallery of Art, 4. Mai-7. September 2003, Los Angeles, The J. Paul Getty Museum, 4. November 2003-25. Januar 2004, Versailles, Musée et Domaine national du Château de Versailles, 1. März - 30. Mai 2004, Washington, University of chicago Press, 2003, S: 263-268; - Louis Réau, Houdon: sa vie et son oeuvre, Paris, F. de Nobele, 1964 ; - Paul Vitry, Centenaire de J.-A. Houdon, né à Versailles, Cat. Exp., Versailles, Bibliothèque de Versailles, 1928, S: 38. Mit seinem Ruf als berühmter Porträtmaler wurde der französische Bildhauer Jean-Antoine Houdon 1784 von Thomas Jefferson und Benjamin Franklin ausgewählt, um die von der Gesetzgebenden Versammlung von Virginia in Auftrag gegebene Ganzkörperskulptur von George Washington anzufertigen. Obwohl er als Vorlage ein Porträt erhalten hatte, das von Charles Wilson Peale, dem offiziellen Porträtisten des Helden der amerikanischen Unabhängigkeit, angefertigt hatte, machte sich Houdon dennoch auf die Reise in die Vereinigten Staaten, um "nach der Natur" an diesem prestigeträchtigen Auftrag zu arbeiten. In Begleitung von Benjamin Franklin und drei Assistenten schiffte sich der Bildhauer in Le Havre ein und reiste nach Philadelphia im Juli 1785. Während seines Aufenthalts im Oktober desselben Jahres bei dem in Mount Vernon ansässigen General fertigte er eine Maske nach dem Leben und eine Büste aus Terrakotta an. Die große Marmorskulptur des Gründervaters der Vereinigten Staaten von Amerika, die 1796 geliefert wurde und sich noch immer im Kapitol des Staates Virginia in Richmond befindet, sowie die verschiedenen Versionen der Büste gehen alle auf diese beiden Werke zurück, die im Winter 1785 in Mount Vernon modelliert wurden. Houdon bietet die Büste des Staatsmannes in drei verschiedenen Versionen an. Eine Version "im antiken Stil" wie die ursprüngliche Terrakotta, eine in Tunika und Toga und eine in Hemd und Schärpe. Die Büste, die wir hier präsentieren, ist eine der wenigen "antiken" Versionen. Es ist schwer zu sagen, wie viele Büsten aus patiniertem Gips in dieser "antiken" Version existieren. Vor Ort fertigte Houdon 1785 ein erstes Gipsexemplar an, das er von einem Abguss der in Mount Vernon modellierten Terrakotta abnahm, um es Franklin zu schenken; dieses Exemplar ist nicht mehr auffindbar. Im Jahr 1786 kehrten die Assistenten des Bildhauers mit den Gussformen für die Büste nach Frankreich zurück. 1789 war Jefferson in Paris und kaufte einen Abzug von Houdon (patiniert im Terrakotta-Stil, die Büste ist heute gebeizt, sie trägt die Reste des Wachsstempels der Werkstatt und wird in Boston, Athenaeum, Inv. UH150, aufbewahrt). Ein heute nicht lokalisiertes Exemplar aus Gips war Teil des Verkaufs des Atelierfonds des Künstlers im Jahr 1828, wobei aus seiner Beschreibung nicht hervorgeht, ob es patiniert oder noch bekleidet war. Bei den meisten erhaltenen Exemplaren handelt es sich um späte Repliken des Modells in Toga, von denen viele in Terrakotta oder Bronze gegossen wurden. Unsere Büste weist auf der Rückseite das Wachssiegel auf, das Houdon auf seinen Büsten anbringen ließ und das sich auf allen Gipsen und Terrakotten aus seiner Werkstatt findet, die 1795 und 1828 zum Verkauf angeboten wurden. Das Werk ist unter der Schulter in dem noch frischen Gips mit seiner schönen Signatur in kursiven und disjunkten Buchstaben signiert. Der Abdruck ist klar, lebhaft und nervös, und die ursprüngliche Patina ist von einem schönen Goldblond. Die Büste steht auf ihrem Originalsockel, einem eleganten Marmor aus Bruchstein, der die besondere Aufmerksamkeit des Künstlers bezeugt.

Schätzw. 20 000 - 30 000 EUR

Sa 22 Jun

Lederer, Helmut Danae III. 1961. Hohlbronze mit gold-rötlicher Patina, glattpoliert. 27 x 26 x 30 cm. - Punktuell berieben und mit Flecken. Vereinzelt Patina leicht unregelmäßig, insgesamt sehr gut. Prachtvoller Guss mit homogener Patina. - German Post War Skulpturen Lederer, Helmut Danae III. 1961. Hohlbronze mit gold-rötlicher Patina, glattpoliert. 27 x 26 x 30 cm. - Punktuell berieben und mit Flecken. Vereinzelt Patina leicht unregelmäßig, insgesamt sehr gut. Prachtvoller Guss mit homogener Patina. Abgebildet in: Helmut Lederer. Plastiken, Bilder. Eine Auswahl. Hg. Stäftische Galerie im Palais Stutterheim, Erlangen 1994, Abb. o. Os. - Der Großteil des plastischen Werkes des deutschen Bildhauers Helmut Lederer besteht aus Arbeiten aus Gips und Bronze. Die Formensprache ist dabei abstrahiert. Seit 1959 finden sich Frauenakte in Lederers plastischem Werk, die der Künstler mit Rundungen und Kugelelementen auf eine physische Art betonte - die Weiblichkeit steht dabei in einer spannenden Wechselbeziehung zu runden, abstrahierten Formen und bildet zusammen mit der glatten, schweren Materialität der Bronze und der warmen Farbwirkung eine austarierte Präsenz, die unaufgeregt und in sich stimmig erscheint. Viele Plastiken Lederers befinden sich heute im öffentlichen Raum in der Stadt Erlangen, in der der Künstler seit Kriegsende 1946 lebte und 1999 auch verstarb. Hollow bronze with gold-reddish patina, polished smooth. - Rubbed in places and with stains. Occasional slightly irregular patina, overall very good. Splendid cast with homogeneous patina. - The majority of the sculptural work of the German sculptor Helmut Lederer consists of works in plaster and bronze. The formal language is abstract. Since 1959, Lederer's sculptural work has included female nudes, which the artist emphasised in a physical way with curves and spherical elements - the femininity stands in an exciting interrelationship with round, abstracted forms and, together with the smooth, heavy materiality of the bronze and the warm colour effect, forms a balanced presence that appears unagitated and coherent in itself. Many of Lederer's sculptures can now be found in public spaces in the city of Erlangen, where the artist had lived since the end of the war in 1946 and where he died in 1999.

Schätzw. 3 000 EUR

Sa 22 Jun

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) und Richard Guino (1890-1973) "Le Feu ou Petit Forgeron" Modell geschaffen im Jahr 1916. Bronze mit brauner Patina Signiert "Renoir" auf der Kante der Terrasse Trägt den Stempel des Gießers "CIRE PERDUE C. VALSUANI" Dim.haut 32 x 21 x 32,5 cm In Beziehung stehende Werke: - Auguste Renoir, Richard Guino, Feu ou Petit forgeron, nach 1916, Bronzestatuette, signiert, "Renoir", Stempel "cire perdue C. Valsuani", Stempel des Nachlasses, H. 32,5 x B. 21 x T. 32,3 cm, Paris, Musée d'Orsay, Inv. RF2741; - Auguste Renoir, Richard Guino, Feuer, 1914-1916, Bronze, H. 31,8 x B. 20,3 x T. 31,8 cm, Philadelphia, Philadelphia museum of art, Inv. 1957-43-1. Literatur in Verbindung mit: -Sylvie Patry, Claudia Einecke, Jean-Patrice Marandel, Renoir au XXème siècle, Cat. exp., Paris, Grand Palais, 23. September 2009-4. Januar 2010, Los Angeles County Museum of art, 14. Februar-9. Mai 2010, Philadelphia Museum of art, 17. Juni-6. September 2010, Paris, Réunion des musées nationaux, 2009, S. 350; -Pascale Picard-Cajan, Antoinette Le Normand-Romain, Guino, Renoir: la couleur de la sculpture, Ausstellungskatalog, Perpignan, Musée Hyacinthe Rigaud, 24. Juni - 5. November 2023, Mailand, Silvana editoriale, 2023, Modell unter Nr. 81, S. 132. Erst sehr spät versuchte sich der Maler Auguste Renoir an der dreidimensionalen Kunst. Im Jahr 1913 beschloss er auf Anregung des berühmten Kunsthändlers Ambroise Vollard, Kunstwerke zu schaffen. Skulpturen zu schaffen, die von seinen Gemälden inspiriert waren. Da er 72 Jahre alt und durch Rheuma fast gelähmt war, ließ er sich von dem jungen, talentierten katalanischen Künstler Richard Guino unterstützen. Nach den Anweisungen des Meisters modelliert Guino mythologische Themen, Porträts und schließlich allegorische Themen. Unsere beiden Skulpturen stellen zwei Elemente dar, die von Anfang an als Paar gedacht waren: der Schmied, der das Feuer repräsentiert, und die Waschfrau, die das Wasser repräsentiert. Letztere wird auch "La Petite Laveuse" genannt und ist mit einem von Renoir häufig gemalten Modell zu vergleichen. Die Originalgipse wurden 1916 von Guino im Auftrag von Ambroise Vollard angefertigt, der eine erste Serie von zehn Bronzegüssen herausgab. Eine zweite Serie von zehn Bronzegüssen wurde nach Renoirs Tod im Jahr 1919 von Renou und Poyet abgezogen. Weitere Versionen wurden von den Gießern Susse Frères, Valsuani und Rudier in verschiedenen Größen und mit einigen Varianten gegossen. (Experte: Cabinet Lacroix Jeannest) ***** Mit der Abgabe eines Gebots akzeptieren Sie unsere Verkaufsbedingungen. Für Sendungen beachten Sie bitte diese ****

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Di 25 Jun

Alfred Pierre Noël Cazaubon (1895-1979) Orpheus erhebt seine Leier Circa 1940 Signiert CAZAUBON auf der Terrasse. Bedeutende Figur aus bemaltem Gips mit Bronzeimitation Getekend CAZAUBON op het terras. Grote figuur in gips geschilderd in imitatie van brons Signiert CAZAUBON auf der Terrasse. Große Figur in Gips, bemalt in Imitation von Bronze 287 x 75 x 58 cm (112.9 x 29.5 x 22.8 in) Fußnoten: Provenance Erworben in Paris in den 1970er Jahren vom derzeitigen Besitzer. Wir haben nur wenige Informationen über Pierre Cazaubon (1885-1979). Er wurde in Pau geboren und lernte im Studio von Joseph Alexandre und Ernest Gabard (1879-1957). Er stellte regelmäßig in der Société des amis des Arts de Pau aus. Er setzte seine Ausbildung in Paris bei Injalbert (1845-1933) fort. Zwischen 1927 und 1928 verbrachte er dann einige Zeit in Amerika, wo er die Basreliefs für die Saint John's Church in New York und den Palais des Congrès in Havanna schuf. Als er 1929 nach Paris zurückkehrte, wurde er mit dem Bernheim de Villier-Preis Mitglied des Salon d'Automne und stellte dort zum ersten Mal neben Künstlern wie Bugatti, Maillol, Pompom und Dejean aus. Seine Skulptur 'Wasserträgerin' (Water Bearer), die am Eingang zu Raum IV aufgestellt wurde, erregte große Aufmerksamkeit und wurde wegen ihrer 'Qualitäten der aufmerksamen Einfachheit und der insinuierenden, sanften, aber perfekt akkuraten Modellierung' als Offenbarung betrachtet (a.a.O., Le Temps, 5. November 1929). Er stellte daraufhin regelmäßig Skulpturen aus verschiedenen Materialien, Stein, Bronze und Gips, im Salon d'Automne aus. Er gewann Auszeichnungen bei den Universal Exhibitions 1930 und 1937 und 1947 eine Goldmedaille in der Kategorie Monumentalkunst bei der Exposition internationale de l'habitation et de l'urbanisme im Grand Palais. Wir wissen auch von einer monumentalen Bronzeskulptur, die Herakles darstellt, der eine Schlange erlegt, die am 17. Juni 2000 im Auktionshaus Pau-Pyrénées, Etude Gestas, verkauft wurde. Die französische Regierung beauftragte mehrere Skulpturen von ihm, so dass er in französischen öffentlichen Sammlungen relativ gut vertreten ist (Musée de Pau, Musée d'Art Moderne de Paris, Théâtre National de Chaillot, Centre National des Arts Plastiques, usw.). Pierre Cazaubons Werke sind typisch für die Zeit um 1930 und stark von Maillol und Bourdelle inspiriert. Wie Bourdelle strebte er danach, seinen Skulpturen eine monumentale Dimension zu verleihen. Die hier gezeigte Figur ist ein gutes Beispiel dafür und ist mit ziemlicher Sicherheit der Gipsabguss für die schwindelerregende, gleich große Bronzefigur von Attilio Valsuani (aktiv 1927-1960), die sich heute in der Galerie Nicolas Bourriaud in Paris befindet. Vergleichende Literatur F. Roches, 'Le salon d'automne 1941' , L'Architecture française: architecture, urbanisme, décoration 1940 - 1975, Paris. Dossier d'artiste du musée des années Trente, Boulogne-Billancourt, Le Temps, 5 Nov. 1929 Dossier d'artiste des œuvres et documentation des musées de la ville de Pau (Künstlerdossier der Werke und Dokumentation der Museen der Stadt Pau) Isabelle d'Amécourt Sachverständige - Mitglied SFEP [email protected] Dieses Los unterliegt den folgenden Los-Symbolen: AR AR Für Lose, denen das Symbol AR vorangestellt ist, wird von den Käufern ein zusätzlicher Prozentsatz für Folgerechtsvergütungen an Künstler gemäß den Urheberrechtsbestimmungen von 2006 verlangt. Weitere Einzelheiten entnehmen Sie bitte den Verkaufsbedingungen. De koper is ons een extra premie verschuldigd ter dekking van onze kosten in verband met de betaling van royalty's krachtens de Artists Resale Right Regulations 2006. Zie onze algemene voorwaarden for meer informatie. An Additional Premium will be payable to us by the Buyer to cover our Expenses relating to the payment of royalties under the Artists Resale Right Regulations 2006. Weitere Einzelheiten finden Sie in unseren Allgemeinen Geschäftsbedingungen. Für weitere Informationen zu diesem Los besuchen Sie bitte Bonhams.com.

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Do 27 Jun

Paul Landowski, 1875 Paris – 1961 Boulogne-Billancourt - HERKULES UND DIE KERYNITISCHE HINDIN, 1922 Höhe: 49,3 cm. Breite: 60,9 cm. Tiefe der Plinthe: 23 cm. Tiefe insgesamt: 25 cm. Auf der länglichen eckabgerundeten Rasenplinthe signiert, mit Gießermarke „F. BARBEDIENNE Fondeur Paris“. Bronze, versilbert. Große Figurengruppe mit Darstellung des jugendlichen Herkules, der gemäß dem griechischen Mythos die Hirschkuh zu fangen hatte, als die dritte seiner zwölf Aufgaben. Herkules ist im Sinn des Art déco hier jugendlich schlank dargestellt, was Anlass bot, die Plastik auch als Sporttrophäe zu verstehen. Die Plastik war 1922 auch Trophäe für den internationalen Skipokal; ein weiterer Guss wurde 1922 auch für die schwedische olympische Delegation produziert. Entstanden nach dem Modell von 1921. Das Gipsmodell befindet sich im Museum der 30er-Jahre in Boulogne Billancourt. Landowski bekannte in seinem Tagebuch seine Bewunderung für den Bildhauer Bourdelle, indem er die Ähnlichkeit des Jünglingskopfes mit dem des Herkules von jenem sah. Werke finden sich im Metropolitan Museum New York. Nur wenige der Güsse wurden in Silber patiniert, ein Exemplar mit Goldpatina wurde 2018 verauktioniert.Die Familie des Bildhauers war polnischer Herkunft. Seit 1926 gehörte er der Académie des Beaux-Arts Paris an, deren Direktor er später wurde. Zudem war er Direktor der Villa Medici in Rom. A.R. Literatur: Vgl. Jules Romaines, Gérard Caillet, Pierre Berdoy, Paul Landowski, 1875-1961. La main et l’esprit, Paris 1961. (1401586) (11) Paul Landowski, 1875 Paris – 1961 Boulogne-Billancourt HERCULES AND THE CERYNEIAN HIND, 1922 Height: 49.3 cm. Length: 60.9 cm. Depth of plinth: 23 cm. Overall depth: 25 cm. Signed on long grass knoll plinth with rounded corners with foundry mark “F. BARBEDIENNE Fondeur Paris”. Bronze; silvered. Large figural group depicting the youthful Hercules, who, according to Greek mythology, had to capture the Ceryneian hind as the third of his twelve labours. Hercules appears youthful and slim in the spirit of Art Deco, which gave rise to the idea that the sculpture could also be considered a sports trophy: in 1922 it was used as an international ski trophy. The plaster model is held at the “Museum of the 1930s” in Boulogne Billancourt. Literature: Jules Romaines, Gérard Caillet, Pierre Berdoy, Paul Landowski, 1875-1961. La main et l’esprit, Paris 1961.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Do 27 Jun

Jean-Baptiste Carpeaux, 1827 Valenciennes – 1875 Courbevoie - UGOLIN Höhe: 48 cm. Breite: 37,2 cm. Tiefe: 27,3 cm. An der Vorderseite des Rasensockels signiert „B. Carpeaux“, rückseitig Ateliersiegel „Propriété Carpeaux“. Guss zu Lebzeiten, 1870. Nach Modell von 1861. Bronze, dunkel patiniert. Bronzegruppe, die in ausdrucksmächtiger Weise ein historisches Ereignis nahebringt, nämlich das Schicksal des toskanischen Adeligen Ugolino della Gherardesca, Graf von Donoratico, der 1289 aus politischer Rivalität in Pisa zusammen mit seinen beiden Söhnen und zwei Enkeln im Kerker den Hungertod erlitt. Bereits Dante hatte das tragische Thema in seiner „Göttlichen Kommödie“ aufgegriffen. Carpeaux, 1854 mit dem Prix de Rome ausgezeichnet, verbrachte die folgenden Jahre in Italien, was wohl zu diesem Thema Anregung gab. Michelangelos „Jüngstes Gericht“, aber auch der antike Laokoon, boten Anregungen. Als Bildhauer, stets auch ein Meister psychologischen Ausdrucks, schuf er hier eine ergreifende Darstellung der körperlichen wie seelischen Qual der vier verzweifelt verhungernden Gestalten. Der Vater widersteht dem Drängen, seine Kinder als Nahrung anzunehmen, eine ungeheuerliche Situation, die in der Figurengruppe höchst deutlich wird. Die plastische Realisierung entstand zwischen 1857-1861 in Lebensgröße, als Abschlussarbeit des Romstipendiums. Eine Version in Marmor (Höhe: 197,5 cm) erwarb das Metropolitan Museum New York. Ein Gipsbozzetto (54 cm) befindet sich im Musée des Beaux-Arts, Valenciennes, ein weiterer im Musée d’Orsay Paris, ein „Ugolino“ 1861, im Petit Palais, Paris. Die Bronzeausführung entstand als Reduktion erstmals 1863, nach dem Modell von 1861. Carpeaux war Schüler von Fernand Liet, Duret und Rude. Nach Studien in Italien und dort als „neuerstandener Michelangelo“ bezeichnet, stellte er in der Villa Medici aus. Er ließ er sich 1862 in Paris nieder, wo er als Freund von Géricault mit dem Bildhauer Albert-Ernest Carrier-Belleuse zusammentraf. Von François Rude beeinflusst, wurde er an der Akademie Schüler von Francisque Joseph Duret. Alsbald mit hochrangigen Aufträgen geehrt, schuf er zahlreiche Büsten, Ganzfiguren und Figurengruppen, stets ausdrucksstark, dem Naturalismus entsprechend. Dalou und Forain zählten zu seinen Schülern. Entsprechende Bronzen in der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe (Inv.Nr. P 232), sowie in der Hamburger Kunsthalle (Inv.Nr. S-1979-7). A.R. Literatur: Michel Poletti, Alain Richarme, Jean-Baptiste Carpeaux, Sculpteur, Catalogue raisonné de l´oeuvre édité. Paris 2003, S. 71ff. Ausstellung: Elegant-Expressiv, Von Houdon bis Rodin Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Französische Plastik des 19. Jahrhunderts in der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe. (1401583) (11) Jean-Baptiste Carpeaux, 1827 Valenciennes – 1875 Courbevoie UGOLIN Height: 48 cm. Width: 37.2 cm. Depth: 27.3 cm. Signed on the front of the grass plinth “B. Carpeaux”, on the back studio seal “Propriété Carpeaux”. Lifetime cast, 1870. Model 1861. Bronze with dark patina. Figural bronze group expressively depicting a historical event, namely the fate of the Tuscan nobleman Ugolino della Gherardesca, Count of Donoratico, who starved to death in prison in Pisa in 1289 due to political rivalry, together with his two sons and two grandchildren. Carpeaux, who won the Prix de Rome in 1854, spent the following years in Italy, which probably inspired him to create this subject. Michelangelo’s Last Judgement and the ancient Laocoon served as inspiration. The sculpture was created between 1857 and 1861 in life size, as the final work of his fellowship in Rome. A version in marble (H: 197.5 cm) was acquired by the Metropolitan Museum in New York. A plaster bozzetto (54 cm) is held at the Musée des Beaux-Arts, Valenciennes, another at the Musee d’Orsay Paris, an Ugolino dating 1861 in the Petit Palais, Paris. The bronze version was first created as a reduction in 1863 based on the model of 1861. Literature: Michel Poletti, Alain Richarme, Jean-Baptiste Carpeaux, Sculpteur, Catalogue raisonné de l’oeuvre édité, Paris 2003, pp. 71.. Exhibitions: Elegant – Expressiv. Von Houdon bis Rodin, Französische Plastik des 19. Jahrhunderts, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Siegmar Holsten (ed. et. al.), 2007.

Schätzw. 250 000 - 300 000 EUR

Fr 28 Jun

BALDUS, Édouard Der Louvre. 1149 kaschierte Originalfotos auf 462 Tafeln, 1 Radierung und 2 Pläne. Zusammengefasst in 9 Etuis. Die Fotografien sind Abzüge auf Salzpapier von Papiernegativen (bei kleinen Formaten: Details der Skulpturen) oder Kollodiumglasnegativen (bei großen Formaten: Pavillons des Neuen Louvre), zwischen 1855 und 1857.Der Bau des Neuen Louvre war Gegenstand einer gewaltigen Fotoaktion, die vom Staatsminister Achille Fould und Lefuel in Auftrag gegeben wurde. Im Mai 1854 bat Lefuel auf mündliche Anweisung des Ministers den Louvre-Historienfotografen Baldus (1813-1882), mithilfe der aufkommenden Fotografie ein Bild der außergewöhnlichen Baustelle des neuen Louvre zu bewahren. Lefuels Ziel war es, einen fotografischen Fundus aufzubauen, der die großen Momente der Errichtung des neuen Louvre nachzeichnet. Baldus fotografierte daher die einzelnen Etappen des Baus des neuen Louvre. Dies ist die Serie der "Sonntagsansichten" oder "Sonntagsprüfungen". Baldus fotografierte jeden Sonntag von verschiedenen Standpunkten aus die verschiedenen Pavillons und Flügel des im Bau befindlichen Louvre, vom Abriss der alten Bauwerke bis hin zur Erhöhung der Stockwerke und der Anbringung von Statuen an den Fassaden. Heute kann man anhand dieser Fotografien Schritt für Schritt verfolgen, wie die neuen Gebäude errichtet werden. Für die verschiedenen Bauphasen des Louvre schuf Baldus qualitativ hochwertige Fotos mit einem akribischen Bildausschnitt und einer Aufnahme, die den Eindruck von Raum, Volumen und Monumentalität vermittelt. Qualitäten, die nur wenige Fotografen der damaligen Zeit erreichen konnten. Baldus vermied das Pittoreske und seine Tafeln werden von Fachleuten als Höhepunkt der Kunst angesehen. Im Jahr 1855 erhielt Baldus einen neuen Auftrag. Er sollte alle Statuen und Dekorationen an den Fassaden des Louvre fotografieren. Diese Arbeit ist eine einzigartige Quelle für die Kenntnis der Statuen, die während dieser Blütezeit der Bildhauerkunst ausgeführt wurden. Alle Statuen wurden fotografiert, die, die man heute sieht, aber auch die, die Lefuel vorgeschlagen und abgelehnt wurden, die, die aufgegeben wurden, die, die zerstört oder verschoben wurden. Alle Statuen wurden von 1855 bis 1868 fotografiert, mit Ausnahme von zwei Statuen von Préault, Krieg und Frieden (wahrscheinlich wegen der schnellen Ausführung durch den Autor). Die Fotografien der Statuen und Dekorationen wurden von Baldus aufgenommen, wobei er jeden künstlerischen Effekt ablehnte und sich auf die strengste Wiedergabe der Statuen konzentrierte (alle Fotos wurden streng mit Blick auf das Kunstwerk aufgenommen, ohne jegliche perspektivische Verzerrung). Die Statuen werden im Stadium des Gipsmodells fotografiert, als sie von den Bildhauern auf der Schwaneninsel bereitgestellt werden. Jede Fotografie wird von einem Kommentar begleitet, um den Autor, den Namen des Werkes oder in Ermangelung dessen die Art des Werkes (Giebel, Krönungsgruppe...), den Ort der Aufstellung und das Jahr der Ausführung anzugeben. Diese Fotografien und Angaben bilden einen Fundus von unschätzbarem Wert für Forscher und Historiker. Dieser außergewöhnliche Dokumentationsbestand umfasst mehrere Tausend Fotos, etwa fünftausend. Diese Fotos wurden bei der Restaurierung der "Hommes illustres" und "Génies avec attributs" zwischen 1990 und 1993 weitgehend als Referenz verwendet. Diese Fotos sind auch wesentlich, um den Überblick über all die Autoren zu behalten, die zur Dekoration des Louvre beigetragen haben, insbesondere über diejenigen, die zu den weniger bekannten gehören. Als Baldus den Auftrag für den Louvre erhielt, war er bereits als Architekturfotograf bekannt. Er war von der Kommission für historische Monumente ausgewählt worden, um im Rahmen der 1851 gestarteten Mission Heliographique (zusammen mit den drei anderen Fotografen Henri Le Secq, Gustave Le Gray und O. Mestral) die historischen Monumente Frankreichs zu fotografieren. Im Jahr 1855 erhielt er den Auftrag, die Landschaften zu fotografieren, durch die die Eisenbahnlinie von Paris nach Boulogne führt. Eine ähnliche Reportage fertigte er 1859 für die Verbindung Paris Lyon Méditerranée an. Im Jahr 1856 wurde er außerdem vom Innenminister beauftragt, die Landschaften an der Rhône nach den Überschwemmungen von 1856 zu verewigen. Nach 1868 und bis zu seinem Tod (1889) beschränkte sich Baldus darauf, seinen fotografischen Fundus zu verwerten, indem er seine Fotos in Form von Alben veröffentlichte und an internationalen Veranstaltungen (Paris, Brüssel, London...) teilnahm.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Fr 28 Jun

Joseph CSAKY (1888-1971) Teryicorh Gips aus dem Atelier (kleine Fehlstellen). Auf der Vorderseite betitelt, auf der Seite signiert und datiert (19)65. H. 56 cm. Historisch: In der griechischen Mythologie ist Terpsichore die Muse des Tanzes. Herkunft : - Verkauf Atelier von Joseph Csaky, Claude Boisgirard und Axel de Heeckeren, Hôtel Drouot, Paris, 10. März bis 28. Juni. 1978, Los Nr. 86 (Gips, der mit den Druckrechten für eine Auflage von 1.000 Stück verkauft wurde). 8 Exemplare) ; - Verkauf Sammlung Patrick Trigano, Christie's, Paris, 5. Juli. 2005, Nr. 80 (alle neun Musen zusammen). Bibliografie : Félix Marcilhac, Joseph Csaky, du cubisme historique à la la figuration réaliste - Catalogue raisonné des sculptures, Éditions de l'Amateur, Paris, 2007, Modell mit der Referenz Nr. Nr. 1965-FM.364/a und auf S. 387 und S. 267 abgebildet. eine Fotografie der neun Gipsabgüsse. 158 JUGENDSTIL - ART DÉCO OGER - BLANCHET Freitag, 28. Juni 2024 85 159 Joseph CSAKY (1888-1971) Haleia Gips aus dem Atelier (kleine Fehlstellen). Auf der Vorderseite betitelt, auf der Seite signiert und datiert (19)65. H. 56 cm . 3.000 / 4.000 €. Historisch: In der griechischen Mythologie ist Thalia die Muse der Komödie. Herkunft : - Verkauf Atelier von Joseph Csaky, Claude Boisgirard und Axel de Heeckeren, Hôtel Drouot, Paris, 10. März bis 28. Juni. 1978, Los Nr. 81 (Gips, der mit den Druckrechten für eine Auflage von 1.000 Stück verkauft wurde). 8 Exemplare) ; - Auktion Sammlung Patrick Trigano, Christie's, Paris, 5. Juli 2005, Nr. 80 (alle neun Musen zusammen); Sammlung Privatperson, Paris. Bibliografie : Félix Marcilhac, Joseph Csaky, du cubisme historique à la la figuration réaliste - Catalogue raisonné des sculptures, Éditions de l'Amateur, Paris, 2007, Modell mit der Referenz Nr. Nr. 1965-FM.360/a und auf S. 386 und S. 267 abgebildet. eine Fotografie der neun Gipsabgüsse

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Sa 29 Jun

Sébastien de BOISHERAUD (1847-1927) "Wenn ich vorwärts gehe, folgt mir; wenn ich zurückweiche, tötet mich; wenn ich sterbe, rächt mich - Henri de La Rochejacquelein", 1882. Gips, signiert, betitelt und datiert. Höhe: 70,5 cm. Breite: 38 cm. Tiefe: 31,5 cm (Fehlstellen, Unfälle und Restaurierungen). Diese kraftvolle Figur von Monsieur Henri (1772-1794) erinnert wahrscheinlich an die Schlacht von Les Aubiers und ist ein Echo auf das Gemälde von Pierre-Narcisse Guérin. Hier stürmt der 21-jährige General auf dem Höhepunkt des Kampfes, wie das von einer Kugel verursachte Loch in seinem Hut zeigt. Mit gezogenem Säbel, seine Männer anfeuernd, steigt er über einen Mörser und ein zerbrochenes Gewehr hinweg. Mit der linken Hand hält er die Fleurdelisé-Fahne fest umklammert. Der 19-jährige Henri de La Rochejaquelein weigerte sich, seiner Familie in die Emigration zu folgen, und entschied sich stattdessen, den Thron in der konstitutionellen Garde von Ludwig XVI. zu verteidigen, in die er 1791 berufen wurde. Am 10. August 1792 verteidigte er zusammen mit den unglücklichen Schweizern den Tuilerienpalast. Als er in seine Heimat zurückkehrte, entdeckte er die Vendéens, die sich gegen die religiöse Verfolgung, die Wehrpflicht und die Hinrichtung des Königs auflehnten. Am 13. April 1793 jubelten ihm 3000 aufständische Bauern im Schloss La Durbellière in Mauléon zu und forderten ihn auf, sich an ihre Spitze zu setzen. Dort sprach er die ewigen Worte: "Wenn ich vorwärts gehe, folgt mir! Wenn ich zurückweiche, tötet mich! Wenn ich sterbe, rächt mich!". Am selben Tag erringt er in Les Aubiers einen Sieg über die Truppe von General Quétineau. Der Norden des Departements Deux-Sèvres kippt in den Aufstand. Sébastien de Boishéraud hatte als Grenadier während seiner siebenjährigen Dienstzeit "das Feuer kennengelernt". Er war ein begabter Zeichner und interessierte sich für die Bildhauerei, als er 1871 aus der deutschen Gefangenschaft zurückkehrte. Er war Schüler von Amédée Ménard und Charles Lebourg und stellte in Salons in Nantes und Paris aus. Als figurativer Künstler schuf er Skulpturen von Menschen aus seinem Land und aus der Geschichte. So bewahrt das Musée d'Art et d'Histoire in Cholet eine Terrakotta-Statue von ihm auf, die François-Athanase de Charette darstellt. Sie ist 1885 datiert und hat ähnliche Maße wie unser Werk, das übrigens auch das Titelbild der Broschüre "Les Boishéraud dans la Tourmente révolutionnaire, archives familiales, 2005" ziert. Nach unserem derzeitigen Kenntnisstand sind einige wenige Exemplare dieses Gipses bekannt, die sich alle in Privatsammlungen befinden.

Schätzw. 500 - 800 EUR

Sa 29 Jun

Francis RENAUD (Saint-Brieuc, 1887-1973) VONNICK. Außergewöhnliche Skulptur aus direkt geschnittenem Marmor, um 1929. Auf der Basis betitelt und an der Seite signiert "RENAUD". Höhe: 67 cm. (Kleine Abnutzungen). Die 1927 geschaffene Gipsstudie von Vonnick wurde in Terrakotta herausgegeben und auf dem Salon von 1935 präsentiert. Unsere einzigartige und bemerkenswerte Skulptur ist höchstwahrscheinlich der Marmor, der 1929 im Salon des Artistes Français präsentiert wurde. Vonnick, ein Mädchen aus Daoulas, ist eine zarte und kraftvolle Skulptur, die das sensible Genie von Francis Renaud verkörpert, in dem die Reinheit der Linien sich in den Dienst des Ausdrucks der Tiefe der menschlichen Seele stellt. Vonnick ist dieses Kunststück, die Synthese zwischen Naturalismus und geometrischer Stilisierung, zwischen Alt und Neu, die durch die Sanftheit, die von dieser jungen Bretonin ausgeht, klar und deutlich wird. Vonnick ist schließlich eine einzigartige Skulptur aus Marmor, einem edlen und schwer zu bändigenden Material, das den idealen Schmelztiegel für dieses Meisterwerk der bretonischen Bildhauerei darstellt. Francis Renaud, Sohn eines Kaufmanns in der Rue Saint-Guillaume in Saint-Brieuc, besuchte die städtische Zeichenschule in Saint-Brieuc und trat 1903 als Maler in die Ecole des Beaux-Arts in Rennes und 1908 in die ENSBA in Paris ein, wo er im Atelier von Fernand Cormon studierte. Erst nach seinem Militärdienst schrieb sich Francis Renaud für Bildhauerei im Atelier von Jean-Antoine Injalbert ein. Er stellte im Salon des Artistes Français aus, wo er 1932 mit einer Goldmedaille ausgezeichnet wurde. Seine Werke werden im Musée des beaux-arts de Rennes, im Musée d'art et d'histoire de Saint-Brieuc, im Musée des beaux-arts de Quimper und im Musée breton de Quimper aufbewahrt. Bibliografie : - JR Rotté, "Francis Renaud, sculpteur breton" in Briochin du temps passé, les cahiers de l'Iroise, 1985. - Collectif, sous la direction de Philippe Le Stum, "La puissance et la grâce, sculpteurs bretons 1900-1950", Château de Kerjean, 1998.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Do 11 Jul

ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935), ANDREW CAVENDISH, 11TH DUKE OF DEVONSHIRE - ANGELA CONNER (BRITISCH, geb. 1935)ANDREW CAVENDISH, 11TH DUKE OF DEVONSHIRE Bemalter Gips 45 cm hoch Angela Conner und Andrew Cavendish, der 11. Duke of Devonshire, wurden enge Freunde, nachdem sie von Angela Conners Schwager und Dramatiker John Osborne einander vorgestellt worden waren. Von diesem ersten Treffen an war er ein eifriger Sammler ihrer Werke und besaß zu einem bestimmten Zeitpunkt über vierzig ihrer Skulpturen, darunter Büsten prominenter britischer Politiker, Adeliger, Schriftsteller und Prominenter sowie größere Gartenskulpturen. Beeindruckt von ihren Arbeiten wurde Conner dann gebeten, Porträts des Herzogs von Devonshire und seiner Familie anzufertigen, die 1975 in der Chatsworth Theatre Gallery neben Bildern von Lucian Freud ausgestellt wurden. Cavendish war ein britischer Aristokrat und Politiker, der vor allem für seinen Beitrag zur Erhaltung und Verwaltung historischer Güter und kultureller Einrichtungen in England bekannt ist. Er erbte und restaurierte nicht nur Chatsworth House in Derbyshire, sondern war auch Vorsitzender der Historic Houses Association und der Georgian Group, Organisationen, die sich für den Erhalt historischer Gebäude und Landschaften in England einsetzen. Er engagierte sich auch aktiv in der Politik, war fast zwanzig Jahre lang Mitglied des Parlaments und bekleidete verschiedene Regierungsämter, darunter auch das des Staatsministers für Commonwealth-Beziehungen. Es ist ziemlich ungewöhnlich, wie ich sie kennen gelernt habe. Ich war im Theater und [...] saß neben einer Dame, die ich noch nie zuvor gesehen hatte und die sagte, sie sei Bildhauerin und fange gerade an, Skulpturen zu machen. Sie hat einen Kopf von Roy Strong gemacht, und ich sagte, ich würde ihn mir gerne ansehen. [...] Und so fing alles an. The Duke of Devonshire, 3. Januar 2001, aus einem Interview mit Helen Dempsey

Schätzw. 400 - 600 GBP
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