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Mi 10 Jul

MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Eva III", 1993. Radierung und Collage auf Papier. Exemplar 4/51. Am unteren Rand mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 165 x 65,5 cm, 183 x 84 cm. (Rahmen). Auf diesem vom Künstler ausgeführten Stich ist die Figur der Eva zu sehen, die sich an dem gleichnamigen Gemälde von Durero aus dem Jahr 1507 orientiert, das sich in der Sammlung des Prado-Museums befindet. Valdés rettet diese Figur aus dem Alten Testament, indem er ihren Körper in die Gegenwart holt und ihn auf eine ästhetische Sprache synthetischer und schematischer Formen reduziert, die den andächtigen und ikonografischen Ausdruck der religiösen Figur bewahren, die ihren Nimbus der Heiligkeit und ihre bescheidene Haltung beibehält. Valdés verzichtet auf den ikonischen Apfel und führt stattdessen das Bild einer Blume ein, die er über das Geschlecht der Protagonistin legt. Dieser Verweis spielt auch auf das Werk von Dürer an, der zahlreiche von Flora und Fauna inspirierte Zeichnungen anfertigte, aber das Bild der Blume fügt dem Werk auch eine konzeptionelle und metaphorische Lesart hinzu, die auf verschleierte Weise die Idee der Geburt vermittelt. Manolo Valdés führte in Spanien eine Form des künstlerischen Ausdrucks ein, die politisches und soziales Engagement mit Humor und Ironie verbindet. Er begann seine Ausbildung 1957 mit dem Eintritt in die Schule der Schönen Künste San Carlos in Valencia. Zwei Jahre später brach er jedoch sein Studium ab, um sich ganz der Malerei zu widmen. Im Jahr 1964 gründete er zusammen mit Juan Antonio Toledo und Rafael Solbes die Künstlergruppe Equipo Crónica, der er bis zu deren Tod 1981 angehörte, obwohl Toledo die Gruppe zwei Jahre nach ihrer Gründung verlassen hatte. Seitdem hat er sich in New York niedergelassen, wo er heute lebt und weiterhin mit neuen Ausdrucksformen experimentiert, unter anderem mit der Bildhauerei. Zu den zahlreichen Auszeichnungen, die Manolo Valdés erhalten hat, gehören der Lissone und der Biella von Mailand (1965), die Silbermedaille der II. Internationalen Biennale der Gravuren von Tokio (1979), der Preis des Bridgestone Art Museum in Lissabon (1979), der Nationale Preis für plastische Kunst (1983), die Medaille des Internationalen Festivals plastischer Künstler in Bagdad (1986), die Auszeichnung des Ordens von Andres Bello in Venezuela (1993), der Preis des Nationalrats von Monaco (1997), die Goldmedaille für Verdienste in der bildenden Kunst (1998), der Preis des Spanischen Verbands der Kunstkritiker (2000) und der Preis für den besten Grafiker (2002), um nur einige zu nennen. Mit Equipo Crónica nutzte Valdés die Figuration als Ausdrucksmittel für seine Ansätze, für seine Kritik an Kunst, Gesellschaft und Politik, wobei er dem reinen Akt des Malens den Vorrang vor allen anderen Inhalten einräumte. In thematischer Hinsicht lässt sich Valdés von der Kunst der großen Meister der Malerei inspirieren: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera oder Zurbarán, und er verbirgt seine Vorbilder nie, sondern hebt sie hervor, sogar in den Titeln seiner Werke. Formal schafft er ein großformatiges Werk, in dem Licht und Farben durch die Behandlung der Materialien taktile Werte ausdrücken. Sein Werk zwingt den Betrachter, sich in die Erinnerung zu vertiefen und nach bedeutenden Bildern aus der Kunstgeschichte zu suchen. Valdés ist in einigen der bedeutendsten Museen der Welt vertreten, wie dem Reina Sofía in Madrid, dem Metropolitan, dem MoMA und dem Guggenheim in New York, dem Centre Georges Pompidou und dem Fons National d'Arts Plastiques in Paris, der Kusnthalle in Hamburg, dem Kunstmuseum in Berlin und dem Museo de Bellas Artes in Bilbao, neben vielen anderen.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Mi 10 Jul

JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). "Pelaires", 1989. Gemischte Medien auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 145 x 114 cm. In diesem Gemälde aus den achtziger Jahren bricht Guinovart visuell mit der Zweidimensionalität der Bildfläche und lässt Formen, Farben und Texturen aufeinanderprallen. Ohne die Grenzen der Abstraktion zu überschreiten, gewinnen die organischen Andeutungen an Relief zwischen den Rottönen und dem Hell-Dunkel von Schwarz und Weiß, eingebettet in großzügige Materie. Guinovart beschwört das materielle Chaos und unterwirft es gleichzeitig durch eine intuitiv orchestrierte Komposition. Der Autor gibt dem Betrachter ein Bild, das von Lyrik durchdrungen ist. Der materielle und gestische Impuls ist einer großen plastischen Kohärenz unterworfen. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Bald erwarb er sich ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die neben Miró und Gaudí zu seinen wichtigsten Einflüssen zählen sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Guinovart ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, das Museo Eusebio Sempere in Alicante, das Museo de Navarra in Tafalla, die Casa de las Américas in Havanna, das Bocchum Museum in Deutschland, das Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und das Museo Patio Herreriano in Valladolid.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Mi 10 Jul

JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcelona, 1997). "El retorn del fill pródig", 1952. Öl, Wachs, Pastell und Gouache auf Karton. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Mit Etikett der Oriol Galeria d'Art auf der Rückseite. Maße: 74,5 x 103,5 cm; 94 x 123 cm (Rahmen). Bei dem nun zur Versteigerung stehenden Gemälde handelt es sich um ein Frühwerk des Malers Josep Roca Sastre, das einer Phase vor der Realisierung seiner intimen Innenraumszenen entspricht. Das Gemälde ist von einer gewissen Mystik und magischen Selbstversunkenheit geprägt, mit einem scheinbar geistlichen Führer mit Stock und einer Figur, die ihn verehrt. Ausgebildet in Barcelona, entwickelte Roca ab den sechziger Jahren einen persönlichen, unabhängigen Stil und schuf seine eigene Sprache. Sein Vorschlag konzentrierte sich darauf, den Blick für das Naheliegende und Alltägliche, das Bekannte wiederzugewinnen. Er stellte vierzig Jahre lang in der Sala Parés in Barcelona aus und zeigte seine Werke auch in anderen spanischen Städten und in den Vereinigten Staaten. 1966 erhielt er den Sant-Jordi-Preis der Diputació de Barcelona und zwei Jahre später die Ehrenmedaille des Salon des Artistes Français in Paris. Im Jahr 1980 wurde er Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Sant Jordi, und 1993 erhielt er den Quadern-Preis der Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre entwickelte einen figurativen Stil mit intimen Themen und wandte einen persönlichen und subjektiven Blick auf seine Innenszenen sowie auf seine Stadt- und Naturlandschaften an. Seit seinem Tod wurden Retrospektiven des Werks von Josep Roca in der La Pedrera und den Galerien Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcelona) und Juan Oliver Maneu (Palma de Mallorca) veranstaltet. Sein Werk wird im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien aufbewahrt.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Mi 10 Jul

JEAN-MARC BUSTAMANTE (Touluse, 1952). "Barcelona 6", 1997. Fotografie, ed. 3/6 Maße: 40 x 60 cm; 67 x 85 cm (Rahmen). Der französische Künstler mit ecuadorianischem Vater und englischer Mutter (Toulouse, 1952) gehört zu den herausragenden Vertretern der zeitgenössischen europäischen Kunst. Nach einem Wirtschaftsstudium in seiner Heimatstadt zwischen 1969 und 1972 studierte er zwischen 1973 und 1975 Fotografie bei Denis Brihat. 1977 entsteht seine erste Site, eine Fotografie, die zu der Serie gehört, die in Tableaux ihren endgültigen Titel findet und 1994 in der Kunsthalle Bern zum ersten Mal als Gruppe präsentiert wird. Fast gleichzeitig, im Jahr 1978, begann er als Assistent des Fotografen und Filmemachers William Klein zu arbeiten, eine Tätigkeit, die er bis 1981 ausübte, als er beschloss, sich ganz seiner künstlerischen Tätigkeit zu widmen. Zwischen 1983 und 1987 begann er eine Phase der Zusammenarbeit mit Bernard Bazile und erregte unter dem Namen BAZILEBUSTAMANTE die Aufmerksamkeit der Kunstwelt mit seinen Projekten über visuelle Codes und Zeichensysteme, die in mehreren Galerien und 1986 im Musée Saint-Pierre in Lyon ausgestellt wurden. Seit 1987 setzt er sein besonderes fotografisches Werk allein fort, unter dem sich Skulpturen, Installationen und Siebdrucke auf Methacrylat zu einem scheinbar unsystematischen Projekt entwickeln, das in seiner Heterogenität eines der solidesten, kohärentesten und einheitlichsten künstlerischen Programme der Gegenwart darstellt. Mit diesem hat er Frankreich auf der Biennale von Venedig (2003) vertreten und an der Biennale von Paris (1980), der Biennale von São Paulo (1994) und den Documentas VIII, IX und X in Kassel (1987, 1992 und 1997) teilgenommen. Sein Werk war Gegenstand von monografischen Präsentationen in einigen der wichtigsten internationalen Museen, darunter die Kunsthalle Bern (1989 und 1994), das Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1990), das Stedelijk van Abbemuseum, Eindhoven (1992), die Galerie National du Jeu de Paume, Paris (1996), Tate Gallery, London (1998), Yokohama Museum of Art (2002), Kunsthaus Bregenz und Musée d'art moderne et contemporain, Saint-Etienne (2006), Musée d'art moderne et contemporain, Strasbourg (mit Ed Ruscha) (2007), Palais des Beaux-Arts, Brüssel (2008) und Villa Medici, Rom (2011). In den 10er Jahren begannen Retrospektiven zu seinem Werk, die in Moskau in der Ekaterina Cultural Foundation (2010) eröffnet wurden, gefolgt von der vom Henry Moore Institute, Leeds (2011) und Sala Alcalá 31, Madrid (2012) organisierten. Im Jahr 2008 wurde Jean-Marc Bustamante mit dem Orden des Chevaliers der französischen Ehrenlegion ausgezeichnet, und zwischen 2012 und 2015 war er Direktor des Internationalen Kunstfestivals von Toulouse. Nach langjähriger Lehrtätigkeit als Professor für Bildhauerei, zunächst an der Rijksakademie in Amsterdam (1990-1995) und an der École Superieur Nationale de Beaux-Arts in Paris (seit 1996) und dann als Professor für Malerei an der Kunstakademie in München (seit 2010), wurde er kürzlich zum Direktor der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris ernannt.

Schätzw. 2 000 - 2 400 EUR

Mi 10 Jul

JOAN JOSEP THARRATS VIDAL (Girona, 1918 - Barcelona, 2001). Ohne Titel, 1993 Gemischte Medien und Collage auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 50 x 35 cm; 81,5 x 66,5 cm (Rahmen). In diesem Gemälde mit Collage auf Papier, das Tharrats in den neunziger Jahren, gegen Ende seines Lebens, schuf, können wir die Konsolidierung einer Sprache mit informellen Wurzeln betrachten, die bei dieser Gelegenheit den symbolischen Kampf zwischen Energiefeldern inszeniert, die sich in Form von chaotischen Strichen mit kalligrafischen Anklängen und gestischen Impulsen materialisieren. Nachdem er seine Ausbildung in Béziers (Frankreich) begonnen hat, kehrt Tharrats 1935 nach Barcelona zurück und tritt in die Massana-Schule ein. Er beginnt seine künstlerische Tätigkeit nach dem Bürgerkrieg mit einem Stil, der sich von einem gewissen anfänglichen Impressionismus zu einer fortschreitenden Abstraktion unter dem Einfluss von Mondrian und Kandinsky entwickelt. Als Mitbegründer von Dau al Set zusammen mit Brossa, Ponç, Cuixart und Tàpies debütierte Tharrats 1949 in den Galerien El Jardín in Barcelona. Ab 1954 stellte er regelmäßig in der Sala Gaspar in Barcelona aus, sowie 1955 in Stockholm und New York, 1959 auf der Biennale von São Paulo und in Venedig auf den Biennalen von 1960 und 1964. Nach der Auflösung von Dau al Set beteiligte er sich 1955 an der Gründung der Gruppe Taüll zusammen mit Muxart, Guinovart und seinen ehemaligen Kollegen Cuixart und Tàpies. Elf Jahre später, 1966, war er auch Mitbegründer der Vereinigung zeitgenössischer Künstler. Als Pionier des katalanischen Avantgardismus der Nachkriegszeit entwickelte sich Tharrats von der surrealistisch geprägten linearen Abstraktion seiner Dau al Set-Periode zu einem reich strukturierten, farbenfrohen, frei geformten Informalismus. Neben der Staffeleimalerei entwickelte er seine eigene Version von Drucktechniken ("Maculaturas") und schuf außerdem Plakate, Buchillustrationen, Wandmalereien, Glasmalereien, Mosaike, Schmuck und Opernszenografien. 1983 wurde er mit dem Kreuz von Sant Jordi und 1994 mit dem Nationalpreis für plastische Künste ausgezeichnet. Im selben Jahr wurde er Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Jordi. Seine Werke befinden sich in verschiedenen Museen und Sammlungen auf der ganzen Welt, wie dem MoMA und dem Guggenheim in New York, der Tate Gallery in London, dem MACBA oder dem Reina Sofia Museum in Madrid.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Mi 10 Jul

CHEN YIFEI (Ningbo, China 1946 - Shanghai, China 2005) "Brücke des Friedens", 1985. Lithographie auf Arches-Papier. Exemplar 312/1000. Beigefügtes Echtheitszertifikat, ausgestellt vom Weltbund der Vereinten Nationen im Jahr 1985. Mit Trockenstempeln des Emiliano Sorini Studio of New York und des Weltbundes der Vereinten Nationen. Gerahmt in Museumsglas. Signiert und nummeriert. Maße: 28,5 x 21,7 cm. Chen Yifei ist einer der bekanntesten Ölmaler in China und mit größerer Wirkung im Westen. Als vielseitige Persönlichkeit ist er auch für seine Arbeit als Filmregisseur, Geschäftsmann, Designer und Dekorateur bekannt. Er begann sein Kunststudium 1965 in Shanghai, wo er sich in einem Land, das von der Tradition der chinesischen Tuschemalerei geprägt ist, auf die Ölmalerei konzentrierte. Die Qualität seines Pinselstrichs wird ihn zu einem der berühmtesten Künstler der Kulturrevolution machen (obwohl er einige kleine Pannen nicht vermeiden konnte); er malte Porträts, die Mao Zedong verherrlichten, und große revolutionäre Leinwände. Er war einer der ersten Künstler, die von der kommunistischen Regierung die Genehmigung erhielten, in die Vereinigten Staaten zu reisen, wo er von 1980 bis 1990 lebte. Dort machte er sein Glück und verfeinerte die Qualität seines Stils. 1990 kehrte er nach Shanghai zurück, wo er den Rest seines Lebens verbrachte. Beeinflusst von seiner Ausbildung in der sowjetischen Kunst und konzentriert auf die revolutionären Themen, die seine Umgebung umgaben, entwickelte sich seine Pinselführung zu romantischeren Themen, Genreszenen, einer realistischen Ikonographie mit melancholischem Einschlag und modernen Details. Seine charakteristischsten Szenen zeigen chinesische Frauen bei alltäglichen Handlungen, gekleidet in traditionelle Kostüme mit einer Vielzahl von Details und dichten Farben, die sich von dunklen und neutralen Hintergründen abheben. Echtheitszertifikat ausgestellt von der World Federation of United Nations 1985. Gerahmt in Museumsglas.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Mi 10 Jul

ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "U no es ningú". Lithographie, Kopie XII/LXXXII. Mit Bleistift signiert und nummeriert. Tàpies Galfetti III, S. 37, Abb. 723. Maße: 56 x 73 cm. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich immer intensiver dem Zeichnen und Malen, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Bemerkenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Daseins bedeutet. Das Werk von Tàpies wird international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 000 - 1 100 EUR

Mi 10 Jul

ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Komposition", 1976. Lithographie auf Guarro-Papier, H.C. Kopie. Handsigniert und gerechtfertigt. Polygraphische Ausgabe. Tàpies Galfetti II, S. 208, Abb. 636. Maße: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich immer intensiver dem Zeichnen und der Malerei, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse der menschlichen Existenz bedeutet. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 000 - 1 100 EUR

Mi 10 Jul

PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Étude pour l'Homme au Mouton, 1967. Lithographie auf Arches-Papier. Signiert mit grünem Stempel. Auflage von 200 Exemplaren auf einem einzigen Blatt. Deluxe-Edition außer denen für die Serie "La Flute Double" veröffentlicht. Katalog Raissonné "Moderne illustrierte Bücher", Referenz 8860. Maße: 96,7 x 41 cm. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, setzt er sich mit dem Klassizismus von Ingres auseinander. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 1 000 - 1 100 EUR

Mi 10 Jul

ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Suite Berlin", 1974. Lithographie auf Arches-Papier, Exemplar 144/150. Mit Bleistift signiert und nummeriert. Tàpies Galfetti II, S. 105, Abb. 476. Maße: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich immer intensiver dem Zeichnen und der Malerei, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der Galerie von Martha Jackson in New York. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Er wurde mit Preisen wie dem Prinz-von-Asturien-Preis, dem Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, dem Nationalen Kulturpreis, dem Grand Prix de Painting von Frankreich usw. ausgezeichnet. Anthologien wurden ihm in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Mi 10 Jul

ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "70", 1979. Radierung, Aquatinta, Karborundum und Reliefprägung auf Guarro-Papier, Kopie 10/75. Mit Bleistift signiert und nummeriert. Tàpies Galfetti III, pag. 31, Abb. 714 Maße: 19 x 20,5 cm (Platte); 56 x 73 cm (Papier). Antoni Tàpies beginnt während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit mit der Kunst. Er widmet sich nach und nach immer intensiver dem Zeichnen und Malen und gibt schließlich sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. 1948 ist er Mitbegründer von "Dau al Set" und beginnt, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der Galerie von Martha Jackson in New York. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Er wurde mit Preisen wie dem Prinz-von-Asturien-Preis, dem Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, dem Nationalen Kulturpreis, dem Grand Prix de Painting von Frankreich usw. ausgezeichnet. Anthologien wurden ihm in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Mi 10 Jul

ZAO WOU-KI (Peking, 1921 - Nyon, Schweiz, 2013). "Zoo-4", 1986. Aquatintaradierung, Kopie H.C. 4/15. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 40,5 x 56 cm (Druck); 48 x 63 cm (Papier); 70 x 86 cm (Rahmen). Auch in seinen Stichen arbeitet Zao Wou-Ki mit großen, satinierten Farbmassen, die implodieren und keimhafte Big Bangs, erhabene und ursprüngliche Landschaften bilden, wie in diesem Fall. Zao Wou-Ki wurde in einer französisch-chinesischen Familie geboren und wuchs in einem sehr kultivierten Umfeld auf, das sich für Kunst und Wissenschaft interessierte. In seiner Kindheit lernte er Kalligrafie, ein Aspekt, der sein reifes Werk beeinflussen sollte, und später studierte er von 1935 bis 1941 Malerei an der Fakultät für Schöne Künste in Hangzhou. Einige Jahre später, 1948, lässt er sich in Paris im Viertel Montparnasse nieder, wo er die künstlerischen Kurse von Émile Othon Friesz besucht und mit der zeitgenössischen künstlerischen Avantgarde in Kontakt kommt. Er beginnt, mit der Lithografie zu experimentieren, eine Technik, die er dank seines Kontakts mit Desjobert schließlich beherrscht. Im Mai 1949 hat er eine Einzelausstellung in der Galerie Creuze mit einem Vortrag von Bernard Dorival, dem Kurator des Nationalmuseums für moderne Kunst. Im Januar 1951 besucht Pierre Loeb zusammen mit Henri Michaux das Atelier von Wou-Ki und organisiert für Juni eine Ausstellung in der Galerie Pierre, womit der Grundstein für eine enge Zusammenarbeit gelegt wird, die sechs Jahre andauern sollte. Er stellt regelmäßig in der Galerie Pierre aus, lernt I. M. Pei und dessen Frau Eileen kennen und weitet seinen Ausstellungsradius auf die Schweiz, London, Basel und Lausanne sowie New York, Washington und Chicago aus. Michaux schreibt den Katalog für seine erste New Yorker Ausstellung in der Cadly-Birch Gallery.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Mi 10 Jul

LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). "Komposition. Lithographie. Exemplar 42/99. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 76 x 57 cm; 93 x 73 cm (Rahmen). Luís Feito, geboren und aufgewachsen in Madrid, war eines der Gründungsmitglieder der Gruppe El Paso. Im Jahr 1954 hatte er seine erste Einzelausstellung mit nicht-figurativen Werken in der Galerie Buchholz in Madrid. Von diesem Zeitpunkt an stellte Feito regelmäßig in den wichtigsten Städten der Welt aus, wie Paris, Mailand, New York, Helsinki, Tokio und Rom. 1954 wurde er zum Professor an der Hochschule für Bildende Künste in San Fernando ernannt. Zwei Jahre später verließ er den Lehrstuhl und ging mit einem Stipendium nach Paris, um die aktuellen Avantgarde-Bewegungen zu studieren. In dieser Zeit wurde er vom Automatismus und der Materiemalerei beeinflusst. 1962 wurde er Gründungsmitglied der Gruppe El Paso, zu der er während seiner Jahre in Paris den Kontakt verloren hatte. Seine ersten Werke sind der figurativen Malerei zuzuordnen, um dann eine Phase zu durchlaufen, in der er mit dem Kubismus experimentiert, um schließlich ganz in die Abstraktion einzutreten. Zu Beginn verwendet er nur schwarze, ockerfarbene und weiße Farben, aber als er das Potenzial des Lichts entdeckt, beginnt er, lebhaftere Farben und glatte Flächen zu verwenden. Er entwickelte sich dazu, Rot als Kontrapunkt in seinen Kompositionen zu verwenden (seit 1962) und im Allgemeinen intensivere Farben. In seiner abstrakten Phase, die die 1970er Jahre umfasst, zeigt Feito eine deutliche Tendenz zur Vereinfachung, wobei der Kreis als geometrische Form in seinen Kompositionen vorherrscht. Möglicherweise zeigt sich der Einfluss der japanischen Kunst in seiner Vorliebe für große schwarze Flächen. Die meisten seiner Werke sind unbetitelt, so dass man sie in der Regel an einer ihnen zugewiesenen Nummer erkennt. Zu seinen Auszeichnungen gehört die Ernennung zum Offizier des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums im Jahr 1985. Im Jahr 1998 erhielt er die Goldmedaille der Schönen Künste in Madrid und wurde zum Vollmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando ernannt. Im Jahr 2000 erhielt er den Preis des Spanischen Verbandes der Kunstkritiker auf dem Salon Estampa, 2002 den Großen Preis der AECA für den besten internationalen Künstler auf der ARCO, 2003 den Preis für den bedeutendsten Künstler auf der Kunstmesse in Osaka (Japan), 2004 den Preis für die Kultur der plastischen Künste der Gemeinde Madrid, 2005 den Preis Francisco Tomás Prieto der Fábrica Nacional de Moneda y Timbre und 2008 den Preis der Stiftung Jorge Alió und den Großen Preis für zeitgenössische spanische Kunst CESMAI. Luis Feito ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Mi 10 Jul

JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Barça". Lithographie, Kopie 50/50 . Mit Bleistift signiert und nummeriert, Maße: 100 x 70 cm; 116 x 87 cm (Rahmen). Joan Miró wird in Barcelona ausgebildet und debütiert 1918 in den Galerien von Dalmau. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen.

Schätzw. 2 000 - 2 400 EUR

Mi 10 Jul

TERÁN (Chile, 1974). "Tribute to Banksy", Tribute to Genius Series, 2022. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Im Katalog zur Ausstellung "Tribut an die Genies" wird darauf hingewiesen, dass "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst besitzt, hat sein kreatives Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der auf die Kunst angewandten neuen Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Chile ausgezeichnet.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Mi 10 Jul

TERÁN (Chile, 1974). "Tribute to Warhol", Tribute to Genius Series, 2022. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Im Katalog zur Ausstellung "Tribut an die Genies" wird darauf hingewiesen, dass "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR
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