26th June - Old Masters

编号 101 - 意大利流派；18 世纪晚期。 "上帝向亚伯拉罕显现布面油画。有衬里。尺寸：100 x 125 厘米；114 x 140 厘米（画框）：100 x 125 厘米；114 x 140 厘米（画框）。这件作品收集了《旧约圣经》（创世纪 18 章）中的一段圣经故事。作品讲述了撒拉怀孕的故事，此外还涉及上帝信实兑现诺言、好客和仁慈的重要性等主题。在这个特殊的案例中，我们看到亚伯拉罕和上帝的巨大形象位于构图的右侧区域，他们各自主宰着一个空间，即地上和天上的空间。在这之后，几个人物和动物完成了这一场景，从而形成了一个具有叙事特征的构图，显示出同样的指示功能。在美学上，这幅作品在很大程度上让人想起卢卡-乔尔达诺（Luca Giordano）的画作，他是十七世纪末那不勒斯最杰出的画家，也是意大利最后巴洛克时期的主要代表之一。乔尔达诺既是画家也是雕刻家，在西班牙被称为卢卡斯-乔尔丹（Lucas Jordán），他生前在意大利和我国都享有盛誉。然而，在他去世后，他的作品因其执行速度过快而经常受到批评，与希腊拉丁美学背道而驰。据说他是在里贝拉的环境中成长起来的，起初他追随里贝拉的风格。然而，他很快前往罗马和威尼斯，在那里他学习了维罗内塞，此后他的作品一直受到维罗内塞的影响。这次旅行是他风格成熟的关键，同时也受到了马蒂亚-普雷蒂（Mattia Preti）、鲁本斯（Rubens）、贝尔尼尼（Bernini），尤其是皮特罗-达-科尔托纳（Pietro da Cortona）等其他艺术家的影响。1670 年代末，乔尔达诺开始创作大型壁画装饰（那不勒斯的蒙特卡西诺和圣格雷戈里奥-阿尔梅诺），从 1682 年起又开始了其他项目，包括佛罗伦萨美第奇里卡尔迪宫画廊和图书馆的壁画。1692 年，他应召前往马德里埃斯科里亚尔修道院进行壁画创作，1692 年至 1694 年他一直在那里工作。之后，他还绘制了阿兰胡埃斯皇宫中查理二世的办公室和卧室，之后他又绘制了布恩雷蒂罗宫（Casón del Buen Retiro，约 1697 年）、托莱多大教堂圣器室（1698 年）、阿尔卡萨尔皇家小教堂和圣安东尼奥德洛斯葡萄牙人教堂（1699 年）。然而，随着 1701 年菲利普五世的到来和王位继承战争的开始，皇家委托停止了，因此佐丹奴于 1702 年返回那不勒斯，尽管他在那里继续向西班牙送画。如今，世界上最重要的艺术馆都收藏着佐丹奴的作品，包括普拉多博物馆、圣彼得堡冬宫、巴黎卢浮宫、维也纳艺术史博物馆、纽约大都会博物馆和伦敦国家美术馆。

估价 4 500 - 5 000 EUR

编号 102 - 意大利流派；十八世纪 "吉奥-巴蒂的乔瓦尼肖像。庞培奥-托马西"。布面油画。有衬里。尺寸：87 x 73 厘米：87 x 73 厘米。杰出的男性肖像画，中性背景上的四分之三画幅，表现了一位年逾古稀的贵族男子。画家以写实的语言深入刻画了人物的心理。他棱角分明的五官突出了他性格的严厉。星星点点的衣领烘托出他傲慢的五官，清晰的光线也提取出大衣的适当纹理。 18 世纪的欧洲肖像画种类繁多，范围广泛，受到众多影响，在很大程度上取决于客户和画家本人的品味。然而，在这个世纪，一种新的肖像画概念诞生了，这种概念在整个世纪中不断发展，并统一了所有国家的画派：希望在肖像画中捕捉人的个性和性格，超越其外在现实和社会地位。在上个世纪，肖像画在上层社会得到了巩固，不再只是宫廷的专利。因此，随着十八世纪的发展，甚至十七世纪的发展，肖像画的形式也有所放松，不再是巴洛克式的浮夸和象征性的官方肖像。另一方面，十八世纪将以更加人性化和个性化的生活理念来反击上个世纪的僵化礼仪，这将体现在各个领域，从家具（变得更小更舒适，取代了大型镀金和雕刻家具）到肖像画本身，正如我们在这里所看到的，肖像画将摒弃任何象征性或场景元素，以捕捉个人而非人物。

估价 1 000 - 1 200 EUR

编号 103 - 意大利流派；十八世纪 "圣母进殿布面油画。尺寸：34 x 25 厘米；53 x 42 厘米（有画框）：34 x 25 厘米；53 x 42 厘米（框架）。在这幅油画中，作者表现了圣母玛利亚的生活场景，她小时候在圣殿中的表现。故事发生在一个城市场景中，以楼梯为主，楼梯在故事中扮演着重要角色，用于区分构图的两个平面，同时对人物进行排序。这些人物从前景开始，形成了一种对角线的阅读节奏。线条从左下角圣约阿希姆的头像开始，以对角线向上延伸，经过圣安妮，将我们的视线引向圣母玛利亚，圣母玛利亚在灯光的照耀下栩栩如生，最后到达位于楼梯顶端的撒迦利的头像。这幅画呈现的是一种场景式构图，显然是反改革派的。场景以神庙内部为背景，描绘细致入微，与巴洛克绘画相得益彰。应该指出的是，正是在巴洛克时期，由于新教徒不相信圣母的形象，因此圣母的形象变得更加重要，在圣像学上也更加相关。

估价 800 - 1 000 EUR

编号 104 - 意大利流派；十八世纪 "Archdeacon Luca del Gio Pompeo del Gio Pompeo di Luca Tommasi"。布面油画。有衬里。背面有题词和蜡印。尺寸：92 x 73 厘米：92 x 73 厘米。这是一幅杰出的男性肖像画，四分之三为中性底色，表现了一位年逾古稀的贵族男子的形象。外衣表明他的职业是大执事。画家以写实的语言深入刻画了人物的心理。他棱角分明的五官突出了他性格的严厉。星星点点的衣领烘托出他的傲慢，清晰的光线也衬托出大衣的质感。 18 世纪的欧洲肖像画种类繁多，范围广泛，受众多因素影响，主要取决于客户和画家本人的品味。然而，在这个世纪，一种新的肖像画概念诞生了，这种概念在整个世纪中不断发展，并统一了所有国家的画派：希望在肖像画中捕捉人的个性和性格，超越其外在现实和社会地位。在上个世纪，肖像画在上层社会得到了巩固，不再只是宫廷的专利。因此，随着十八世纪的发展，甚至十七世纪的发展，肖像画的形式也有所放松，不再是巴洛克式的浮夸和象征性的官方肖像。另一方面，十八世纪将以更加人性化和个性化的生活理念来反击上个世纪的僵化礼仪，这将体现在各个领域，从家具（变得更小更舒适，取代了大型镀金和雕刻家具）到肖像画本身，正如我们在这里所看到的，肖像画将摒弃任何象征性或场景元素，以捕捉个人而非人物。背面有钤印和蜡印。

估价 1 000 - 1 200 EUR

编号 105 - 西班牙佛兰德学校；约 1600 年。 "圣母与圣婴松木板上的油画。尺寸：65 x 50 厘米：65 x 50 厘米。圣母是一位金发碧眼的年轻女孩，她痴痴地望着自己的儿子，儿子靠在软垫上，将目光投向观众。她无忧无虑、稚气未脱的神态与圣母甜美脸庞上的严肃形成鲜明对比，圣母细心地抚摸着儿子的一只小脚，另一只手则捧着一朵红花。这朵花是一组更大花朵中的一朵，其颜色与基督教的信息并不格格不入，从而宣示了花瓣中白色所代表的纯洁和红色所代表的热情。作者对釉色和透明度进行了精心的处理，以描述玛利亚面纱的细腻，其质量和精致程度令人瞩目。强烈的光晕调和着脸庞，其白色的肉色似乎散发着自己的光芒。 15 世纪，佛兰德斯画派的影响是欧洲艺术发展的关键，尤其是在西班牙，因为西班牙与荷兰有着政治和经济上的联系。当时，弗拉芒画家建立了一种基于对现实的探索的风格模式，注重表现对象的特质，特别重视次要细节，并采用流畅的草图式技法。16 世纪，由于引入了意大利文艺复兴时期的新风格，佛兰德斯风格在保留自身特点的同时，向着更加古典和雕塑感的方向发展。这种变化也传到了西班牙-佛兰芒画派，该画派也有独立的渠道渗透意大利风格。

估价 2 000 - 2 500 EUR

编号 106 - 意大利学校；约 1790 年。 "波尼托先生一家肖像"。布面油画。已修复。尺寸：100 x 76 厘米；116 x 94 厘米（框架）：100 x 76 厘米；116 x 94 厘米（画框）。这幅画中人物的布局是当时意大利肖像画中常见的，将家庭成员安排在前景，眼睛紧盯着观众。事实上，这幅画在某种程度上参考了《神圣家庭》的宗教表现手法，前景是圣母膝上的孩子，背景是观察主场景的圣约瑟夫。在这幅肖像画中，还有两个小女孩（虽然我们没有看到其中一个女孩的脸庞）和一只小猫，小男孩将目光投向小猫，表现出一种天真和自然的姿态，显示出画家对捕捉主人公个性的兴趣。事实上，这一特点还体现在画面中一个小女孩惊讶的姿态，以及母亲迷茫的眼神中，她似乎对陪伴在她身边的人视而不见。在形式上，值得一提的是画面所使用的色调的华丽和奢华，突出了构成场景的织物的不同品质，它们成为画面的真正主角。作者强调了主人公的个性，对模特进行了心理研究。父亲身着连衣裙，头戴宽边帽，尊贵的着装体现了他的贵族气质，他的姿态也是如此：虽然几乎看不到他的身影，但他的姿态是挺拔的。这是一组属于当时富裕社会的人物肖像，一个富裕的社会群体在一幅全家福中展现了其所有的奢华。它呈现了修复的效果。

估价 8 000 - 9 000 EUR

编号 107 - 西班牙学派；XVII 世纪。 "圣巴塞洛缪布面油画。有衬里。呈现十九世纪的穿孔和框架。尺寸：95 x 70 厘米；104 x 79 厘米（画框）：95 x 70 厘米；104 x 79 厘米（框架）。巴多罗买是耶稣的使徒之一，在福音书中总是与腓力一起被提到。根据约翰福音，他以拿但业的名字出现，是耶稣复活后在提比哩亚海向他显现的门徒之一。根据《使徒行传》，他也是耶稣升天的见证人。凯撒利亚尤西比乌斯（Eusebius of Caesarea）收集的传统记载，巴塞洛缪曾前往印度传教，并在那里留下了一本阿拉姆语的《马太福音》。亚美尼亚传统还将他与圣犹大-塔迪厄斯一起在高加索国家传扬基督教归功于他，因此他们都被视为亚美尼亚使徒教会的守护神。他们的殉难和死亡是亚美尼亚国王、波利米乌斯国王的兄弟阿斯提亚杰斯造成的，圣人曾使波利米乌斯国王皈依基督教。由于异教神庙的祭司们已经没有信徒了，他们向阿斯提亚格斯抗议巴塞洛缪的传教工作，统治者派人把他找来，命令他像对待自己的兄弟一样，敬拜他们的偶像。面对圣人的拒绝，国王下令当着他的面活剥他的皮，直到他放弃上帝或死去。在整个艺术史中，圣巴塞洛缪的形象几乎没有经过任何修改，通常都是表现圣人殉难的时刻。因此，他的形象通常是被剥皮，或被绑在马驹上，或被绑在树上。他还被描绘成创造奇迹的形象：使波利米乌斯国王的孩子复活，并解救了被魔鬼附身的女儿。在极少数情况下，他还会被鞭打。有时他手持一把大刀，这暗指他的殉难，据说他是被活活剥皮的，这也是他成为制革工人守护神的原因。同样与他的殉难有关的是，他有时会被剥皮，手臂上拿着他的皮，就像拿着一件衣服一样。特点：19 世纪的穿孔和框架。

估价 1 200 - 1 500 EUR

编号 108 - 西班牙学派；十七世纪末。 "基督的鞭笞布面油画。有衬里。画框是十八世纪的作品。尺寸：52 x 76 厘米；62 x 85 厘米（画框）：52 x 76 厘米；62 x 85 厘米（框架）。这幅画的主题是基督的鞭笞，在一个复杂的建筑空间中展开，在不同的层次上打开。因此，按照意大利传统的构图方案，在空间概念上也可以看出佛兰德斯的影响。被绑在基座上的耶稣正被几名随从鞭打，他们的动作凝固在咄咄逼人的恶劣姿态中。耶稣的身体似乎散发着内在的光辉，他的洁白是他灵魂纯洁的写照，与刽子手们黝黑的肉体形成鲜明对比。这个场景的叙事是在不同的平面上展开的，因为从每个人物的神情和表达语法中，我们可以猜测出他们面对所目睹的不公正时的想法。至于它的象征意义，四部《福音书》都提到了基督在这一时刻所遭受的惩罚，尽管它们并没有提到任何柱子：这一象征意义源自《路加福音》中使用的 "惩罚 "一词，而且在约瑟夫等人的文字中，它被称为耶稣受难前的时刻。在整个中世纪，耶路撒冷供奉的柱子都被用来表现这些形象，其特点是柱子很高。在这幅画中还可以看到另一种类型，它与自 1233 年以来保存在罗马圣普拉塞德的圣物的模型非常相似，特伦特大公会议负责将其复原用于艺术，其特点正是用大理石制作，而且很低。这种圆柱模型并不否认之前的圆柱模型，因为神学家承认基督受难的两个时刻，它从 16 世纪晚期开始被用于艺术创作，与高柱模型并存，并迅速传遍整个欧洲。

估价 2 500 - 3 000 EUR

编号 109 - 意大利流派；十七世纪末。 "风景"。布面油画。有衬里。画框是十七世纪的，有瑕疵。尺寸：65 x 89 厘米；75 x 99 厘米（画框）：65 x 89 厘米；75 x 99 厘米（框架）。意大利是北欧画家最喜欢户外绘画的地方，这在十七世纪还是一种萌芽状态，因此风景画流派之间存在一定的美学关联，经过几十年的发展，这些流派开始确立自己的独特性和身份。在这幅作品中，金色的光线沐浴着天空，天空中的一棵大树为场景带来了黑暗，为一群人物提供了庇护，其中一匹白马格外引人注目，这并不是因为它的外形，而是因为它作为场景中一个照明点的功能。这种光的作用将所表现的风景变成了令人回味的田园风光，这一形象在 16 世纪被重新塑造，乡村的概念被神话化，因为乡村为其居民提供了工作和生活条件。在巴洛克时期，风景题材尚未成为独立于宗教或神话题材的一种体裁。然而，这是一个决定性的时期，因为在欧洲不同地区，如罗马-波隆尼学派或荷兰，重要的中心开始萌芽，风景开始获得自己的实体。在这幅画中，人物（牧羊人群）被归入了风景这一伟大的主角：对气氛的捕捉尤为成功，树梢吸收了夕阳的光辉，树叶与建筑和谐地融为一体。

估价 3 000 - 3 500 EUR

编号 110 - 西班牙或佛兰德斯流派；17 世纪。 "拉撒路的复活布面油画。有衬里。尺寸：66 x 85 厘米：66 x 85 厘米。这幅作品的美学风格沿袭了鲁本斯大师的模式，拉撒路复活的主题可以通过图标来识别。根据《圣经-约翰福音》11：1-44，耶稣收到消息说拉撒路病了，他的两个姐妹正在寻求他的帮助。耶稣告诉他的追随者"这场病不会以死亡告终。不，这是为了上帝的荣耀，好叫上帝的儿子因这病得荣耀。"然后，耶稣推迟了两天才离开。门徒们害怕回犹太去，但耶稣说："我们的朋友拉撒路睡着了，但我要去叫醒他。当使徒们不明白时，他澄清说："拉撒路已经死了，为了你们的缘故，我很高兴我不在那里，这样你们就可以相信了"。当他们到达伯大尼时，拉撒路已经死了，并被埋葬了四天。在他们进城之前，拉撒路的姐姐马大见到耶稣说："你若在这里，我哥哥就不会死了。耶稣向马大保证她哥哥会复活，并说："复活在我，生命也在我。信我的人，即使死了，也必复活；活着又信我的人，永远不死。你信吗？马大确认她真的相信"是的，主。我信你是弥赛亚，是将要来到世上的神的儿子。"这是继拿但业之后第二次有人宣称耶稣是神的儿子，也是第一次有人把耶稣比作 "弥赛亚 "和 "神的儿子"。整部《福音书》中唯一一次出现这种情况，是在《福音书》作者在结尾处对撰写《福音书》的解释中。进入村庄后，耶稣遇到了马利亚和前来安慰她的人。看到她的痛苦和哭泣，耶稣深受感动。在询问了他被埋葬的地方后，找到了四部福音书中最短的经文，经文中写道：耶稣哭了。之后，耶稣要求搬开坟墓里的石头，但马大坚持说会有异味。耶稣回答说："我不是告诉过你，你若信，就必看见神的荣耀吗？"耶稣抬头说："父啊，感谢你听我说话。我知道你总是在听我说话，但我说这话是为了在这里的人，好让他们相信你差了我来。耶稣说完这话，大声喊道："拉撒路，出来！"拉撒路就出来了，他的手脚都裹着麻布，脸上也蒙着布。耶稣对他们说："你们把绷带拿开，让他走吧。"。

估价 1 500 - 1 600 EUR

编号 111 - 弗拉芒画派；十七世纪后三叶。 "花园中的祈祷铜面油画。画框为当时的荷兰风格。尺寸：57 x 75 厘米；77 x 98 厘米（画框）：57 x 75 厘米；77 x 98 厘米（画框）。这幅虔诚的油画表现的是耶稣在橄榄园接受天使安慰时的情景，他的门徒彼得、约翰和雅各就睡在他身边（《马太福音》：第 26 章第 37 节；《马可福音》：第 14 章第 33 节）。福音书中记载，耶稣被一种莫名的忧伤所困扰，去橄榄山祷告，使徒们跟在他后面。一到那里，耶稣就退到一边祈祷，受难的时刻就在他眼前。因此，这段插曲开启了基督灵魂中血腥的受难之旅。使徒们陷入沉睡，一位天使出现在耶稣身边安慰他。事实上，这一情节暗指耶稣一生中最大的诱惑，也是最后的诱惑：他知道自己的命运，要么逃离敌人，要么冒着生命危险继续履行神圣使命。弗拉芒画派的特点是受到弗拉芒原始人的巨大影响，这种影响持续了很长时间，这主要归功于两国之间的政治和文化联系。弗拉芒绘画在 15 世纪是欧洲最先进的绘画，影响了包括意大利在内的所有国家的绘画流派。它被认为是一门极其高雅的艺术，其作品堪称艺术珍品。这也是由于它在创作中使用了非常丰富的材料，以及我们在这里看到的非常富丽堂皇的桌椅组合。佛兰德斯画派的特点与佛兰德斯绘画的特点接近，首先是佛兰德斯画家最大的关注点，即对现实的追求高于一切。为了实现这一愿望，他们对物体的特质以及最微小的细节都给予了极大的关注，这些细节往往被赋予了象征性的意义。圣像仍然主要是宗教性的，在场景中，正确、精确、一丝不苟的绘画将占主导地位。同样，他们试图捕捉最真实的光照，无论是人工光照还是自然光照，总是或多或少地塑造肉色和产生明暗对比。

估价 2 500 - 3 000 EUR

编号 112 - 西班牙或意大利学校；约 1700 年。 "拜访"。铜面油画。呈现修复效果。尺寸：68,5 x 90,5 厘米：68.5 x 90.5 厘米。在这幅虔诚的场景中，两位女性人物在前景中相互拥抱。在构图的右侧，另一位女性被安排在一扇门的框架内，而在左侧，在更靠近主角人物的地方，可以看到另一位女性，她也在观察位于构图中心的两个人物。这些特征表明，画家表现的是圣母怀着基督在希伯伦城拜访她的大表姐伊丽莎白（怀着施洗者圣约翰）的情景，这一主题取自《路加福音》（1: 39-56）。然而，奇怪的是，在表现这一主题时经常出现的圣约瑟夫和伊丽莎白的丈夫都没有出现。除了上述人物的出现，不得不说这幅画几乎完全遵循了《圣经》的内容：甚至有可能伊丽莎白即将下跪的姿势是为了感受儿子在认出基督时的动作，或者暗指她对马利亚的问候（"你在妇女中是有福的，你所怀的胎也是有福的（"）。铜像上不仅有圣约瑟夫和撒迦利亚，还有整个游行队伍，队伍中还有几个小天使，似乎在庆祝这对女性的相遇。这幅图像在巴洛克时期广受欢迎，其意义超越了单纯的相遇，因为它是施洗者圣约翰和耶稣之间的第一道纽带，彼此不可或缺。事实上，考虑到支撑物，主题的相关性和巨大的尺寸表明，这件作品很可能是用来装饰神圣空间的陈词滥调的一部分。它呈现了修复的效果。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 113 - 意大利流派；十八世纪 "圣母与圣婴布面油画。有衬里。它呈现了木栓造成的修复和损坏。背面有题字。尺寸：39 x 29 厘米；51 x 40 厘米（框架）：39 x 29 厘米；51 x 40 厘米（框架）。这幅油画向我们展示了西方艺术中一个具有伟大传统的形象--圣母和圣婴。作者通过简单的构图将这一场景呈现出来，让观者与画面产生直接的共鸣。在前景中，我们可以看到躺在白床单上的圣婴耶稣，玛利亚以一种细腻而母性的方式抱着他。圣母在背景中以虔诚的态度注视着她的儿子，尽管她的粉红色外衣在图像上表明了她儿子的牺牲和髑髅地。中性的背景将两位主角的形象纪念化，并给予他们最大程度的突出，再加上对捕捉两位主角之间孝顺的母性纽带的兴趣，使我们更接近于一个宗教表现总是与说教目的相联系，试图唤起信徒高度共鸣的晚期。因此，这些图像被视为视觉叙事，必须始终清晰可辨。它展示了木食蚁兽造成的修复和破坏。

估价 1 400 - 1 600 EUR

编号 114 - 新西班牙学派；十八世纪下半叶。 "拉梅尔塞德圣母布面油画。尺寸：62 x 45 厘米；79 x 63 厘米（有画框）：62 x 45 厘米；79 x 63 厘米（框架）。圣母玛利亚的虔诚形象，两位圣人在她脚下祈祷。圣母端坐在云台上，身边有几位小天使，她的膝盖上还站着耶稣圣婴。仁慈圣母 "是对圣母玛利亚的玛利亚式祈求，其虔诚起源于加泰罗尼亚。13 世纪初，圣彼得-诺拉斯科（St. Peter Nolasco）围绕圣母玛利亚创立了仁慈会。从那时起，正是默西亚修道士将圣母玛利亚的崇拜传播到西班牙、法国和意大利。仁慈圣母的圣像在 16 世纪获得了最终的形式，包括带有外衣、肩巾和斗篷的 Mercedarian 常服，均为白色，胸前有 Mercedarian 徽章。她通常头戴王冠，右手持权杖。值得一提的是，在西班牙殖民统治时期，主要发展了一种宗教绘画，目的是使土著居民基督教化。当地画家以西班牙作品为蓝本，在类型和图式上完全照搬。然而，直到 19 世纪头几年，在一些殖民地独立和政治开放时期，一些艺术家才开始表现出具有自身特色的新绘画模式。

估价 1 200 - 1 500 EUR

编号 115 - 西班牙学派；17 世纪。 "施洗者圣约翰布面油画。保留原画布。原作作者为胡安-包蒂斯塔-马伊诺（Pastrana，瓜达拉哈拉，1581 年 - 马德里，1649 年）。尺寸：102 x 77 厘米；187 x 135 厘米（画框）。在这幅充满虔诚的作品中，画家将施洗者圣约翰描绘成一个没有胡子的小男孩，手持芦苇十字架和写有 "Ecce Agnus Dei "的法器，这是他典型的肖像画风格。圣人在郁郁葱葱的夜景中栩栩如生，作品成功地运用了光线对比，使主人公皮肤上的珍珠母贝成为作品的亮点。这一特点向我们展示了一个精致的年轻人，不仅在色调上，而且在形态上，都有着圆润、精致的解剖结构，尤其是在腿部和面部特征上，鼻子的轮廓尤为突出，而粉红色的表面处理则进一步增强了年轻的概念。这幅作品的画家以古典圣像的场景为基础，尽管他放弃了描绘圣约翰施洗者时惯用的羔羊的概念。这样一来，圣人的形象更加突出，个性鲜明，细腻而铿锵有力。这幅画的完成质量极佳，圣洁的光环和红色斗篷的折叠都非常细腻，光与影的交织使画面流畅自然，充分体现了画家的艺术技巧。关于施洗约翰，《福音书》说他是祭司撒迦利亚和圣母玛利亚的表弟伊丽莎白的儿子。他在很年轻的时候就隐居到犹大沙漠，过苦行生活，宣讲忏悔之道，并在接受他洗礼的耶稣身上认识到了先知们预言的弥赛亚。耶稣受洗一年后，也就是 29 年，约翰被加利利的元老希律-安提帕逮捕并囚禁，因为他胆敢指责希律-安提帕与他的侄女和弟媳希罗底的婚姻。最后，圣约翰被砍头，他的头颅被送给了莎乐美，作为对他美丽舞蹈的奖赏。这位圣人以两种不同的形象出现在基督教艺术中：孩童时期是耶稣的玩伴，成年后则是一位苦行传教士。这里描绘的成年圣约翰在东方艺术中身披骆驼皮麻布，在西方则被羊皮取代，手臂、腿部和部分躯干裸露在外。他有时会披上红色斗篷，在最后审判时的代祷场景中也是如此，这暗示了他的殉难。在拜占庭艺术中，他被描绘成一个大翅膀的天使，手中托着一个托盘，托盘上放着他被砍下的头颅。然而，他在西方艺术中的形象却大相径庭。最常见的是一只羔羊，暗指耶稣基督，他通常手持一个芦苇十字架和一个印有 "Ecce Agnus Dei "字样的法器。

估价 28 000 - 30 000 EUR

编号 116 - 产婆之子大师工作室（佛兰德斯，约 1530 - 约 1560 年活跃），16 世纪后三叶。 "由圣母和圣约翰扶持的基督、橡木板上的油画。 16 世纪画框。尺寸：106 x 66 厘米；116.5 x 76 厘米（框架）。浪子大师是历史学家公认的佛兰德画家、挂毯和彩色玻璃设计师的名字，1530 年至 1560 年间，他在安特卫普拥有一个重要的工作室。他的作品包括宗教题材、风景、风俗场景和寓言。他被认为是 16 世纪佛兰德斯风格主义的主要大师之一。这幅佛兰德斯油画质量上乘，展现了浪子大师工作室的典型元素，如调色板的精致、色彩的明亮和光滑，以及构图的对称性和人体的造型。线条占主导地位并没有影响造型。圣母玛利亚和圣约翰支撑着基督没有生命的躯体，圣灵占据着金色的光辉。天光似乎从基督大理石般的肉身中透出。垂布巧妙地叠在他的腿上。约翰和马利亚的五官传递着极度的温柔，他们悲伤的眼神在白皙的皮肤上闪烁着美丽的棕色光芒。浪子大师 "是根据作品 "盛宴中的浪子"（维也纳艺术史博物馆）命名的，并先后与扬-曼迪恩（Jan Mandijn）、安托尼斯-德-巴勒莫（Anthonis de Palermo）和莱纳特-克罗斯（Lenaert Kroes）相提并论。围绕他的同名作品还有其他画作：《圣母像》（伦敦国家美术馆）、《美德奖赏怠惰和惩罚懒惰》（私人收藏）和《撒旦播种稗子》（安特卫普 Koninklijk Museum voor Schone Kunsten）。他的画作以深浅不一的红色、绿色和黄色为主色调。人物身材修长，他们不成比例的大手显得格外突出。他的作品显示出 16 世纪中期安特卫普主要画家的影响。他作品中一些人物突出的现实主义风格与彼得-埃尔岑（Pieter Aertsen）有密切关系。他作品中的某种风格使他更接近扬-曼迪恩（Jan Mandijn）和弗朗斯-弗洛里斯（Frans Floris）以及枫丹白露画派。这一点在他的大型人物作品中最为明显，如《洛特和他的女儿们》（安特卫普皇家美术馆），其中的人物具有雕塑的特征。人物的皮肤颜色很浅，女性人物的皮肤还带有大理石的光泽。而长胡子的人物则更接近弗朗斯-弗洛里斯（Frans Floris）和彼得-科克-凡-艾尔斯特（Pieter Coecke van Aelst）的作品。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 117 - 16 世纪佛兰德斯流派。 "壁画"。画板上的蛋彩画。摇篮式。尺寸：36.50 x 30 厘米；55 x 48 厘米（画框）：36,50 x 30 厘米；55 x 48 厘米（画框）。这幅作品向我们展示了《圣母像》的主题。在作品中，我们可以看到圣母将头靠在儿子身上，同时从背后抱着儿子。冷色调和柔和色调的使用增加了构图的类型，将圣母置于背景中，最后将死去的基督的形象置于前景中。根据帕诺夫斯基的说法，《圣母像》的图式源于拜占庭 Threnos 的主题，即圣母对耶稣尸体的哀悼，以及《谦卑的圣母》。最早发现这一主题可能性的艺术家是德国雕塑家，第一个例子出现在科堡市，是 1320 年左右的作品。随着时间的推移，这种圣像将传遍整个欧洲，在十七世纪反宗教改革之后，它已成为虔诚绘画中最重要的主题之一。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 118 - 十七世纪的意大利流派。 "抹大拉的玛丽" 布面油画。背面有补丁。尺寸：77 x 65 厘米；95 x 79 厘米（框架）：77 x 65 厘米；95 x 79 厘米（框架）。抹大拉的马利亚是巴洛克时期的圣经人物，尤其是在感性主义色彩浓厚的意大利绘画中表现尤为突出。在这幅作品中，强烈的明暗对比塑造了圣人柔和的五官和丰满的肉体。东方基督教特别尊崇抹大拉的马利亚与耶稣的亲密关系，认为她 "与使徒们平起平坐"，而在西方，基于她与福音书中其他妇女的身份认同，形成了一种观念，即在与耶稣相遇之前，她曾致力于卖淫。因此，在后来的传说中，她的余生都在沙漠中忏悔，让自己的肉体得到净化。在艺术作品中，特别是在 17 世纪，人们更喜欢以这种方式来表现她，当时的天主教会对神秘主义者和圣人的生活情有独钟，他们孤独地生活在荒野之中，致力于祈祷和忏悔。此外，"抹大拉的女人 "这一主题还提供了表现一位美丽女性的可能性，她展示了当时被视为禁忌的某些部位，如脚或乳房，但她尊重礼仪，因为她的肉体已经忏悔了过去的罪行。这件作品被刻在卢卡-乔尔达诺作品的美学模式中，他是 17 世纪晚期那不勒斯最杰出的画家，也是意大利最后巴洛克时期的主要代表之一。乔尔达诺既是画家又是雕刻家，在西班牙被称为卢卡斯-乔丹（Lucas Jordan），生前在他的祖国意大利和我国都享有盛誉。然而，在他去世后，他的作品因其执行速度过快而经常受到批评，与希腊拉丁美学背道而驰。据说他是在里贝拉的环境中成长起来的，起初他追随里贝拉的风格。然而，他很快前往罗马和威尼斯，在那里他学习了维罗内塞，此后他的作品一直受到维罗内塞的影响。这次旅行是他风格成熟的关键，同时也受到了马蒂亚-普雷蒂（Mattia Preti）、鲁本斯（Rubens）、贝尔尼尼（Bernini），尤其是皮特罗-达-科尔托纳（Pietro da Cortona）等其他艺术家的影响。1670 年代末，乔尔达诺开始创作大型壁画装饰（那不勒斯的蒙特卡西诺和圣格雷戈里奥-阿尔梅诺），从 1682 年起又开始了其他项目，包括佛罗伦萨美第奇-里卡迪宫画廊和图书馆的壁画。1692 年，他应召前往马德里埃斯科里亚尔修道院进行壁画创作，1692 年至 1694 年他一直在那里工作。后来，他还在阿兰胡埃斯皇宫为查理二世绘制了办公室和卧室，之后他又承担了布恩雷蒂罗宫（Casón del Buen Retiro，约 1697 年）、托莱多大教堂圣器室（1698 年）、阿尔卡萨尔皇家小教堂和圣安东尼奥德洛斯葡萄牙人教堂（1699 年）的绘画工作。然而，随着 1701 年菲利普五世的到来和王位继承战争的开始，皇家委托停止了，因此佐丹奴于 1702 年返回那不勒斯，尽管他在那里继续向西班牙送画。如今，世界上最重要的艺术馆都收藏着佐丹奴的作品，包括普拉多博物馆、圣彼得堡冬宫博物馆、巴黎卢浮宫博物馆、维也纳艺术史博物馆、纽约大都会博物馆和伦敦国家美术馆。背面有补丁。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 119 - 安吉丽卡-考夫曼（ANGELICA KAUFFMANN，1741 年出生于瑞士，1807 年出生于意大利）。 "自画像手绘瓷器。正面（卷轴）和背面有签名。尺寸：28.50 x 23 厘米；35 x 29 厘米（框架）：28.50 x 23 厘米；35 x 29 厘米（框架）。瓷器彩绘女性肖像。这幅肖像画采用了珍贵的技术，提取了恰当的品质和纹理。画家的创作灵感来源于安杰莉卡-考夫曼（Angelica Kauffmann）的新古典主义和偶像化模型。这幅安杰莉卡-考夫曼的自画像是在烧制陶瓷上用油彩绘制的，是这位以肖像画闻名欧洲的独特新古典主义画家的作品之一。在这幅作品中，考夫曼不仅展示了她的技艺，还展现了她为作品注入生命和性格的能力。对于这种性质的肖像画来说，陶瓷支架的选择在当时并不常见，这表明他渴望尝试并超越当时艺术的传统界限。陶瓷的烧制表面增加了独特的质感和耐久性，象征着他艺术遗产的永恒性。在这幅自画像中，考夫曼以宁静沉思的面容直视观者，这种目光体现了他丰富的文化和艺术修养所带来的自信和自豪。她的新古典主义风格的服饰在细腻的褶皱中展开，精湛的绘画捕捉到了面料的细腻和当时时尚的优雅。柔和、平衡的粉色和深蓝色是他的调色板特色，为画面营造出和谐、精致的氛围。背景简洁，突出了考夫曼的形象，这是他的典型风格，中心人物始终是焦点。这种极简主义的布景突出了他将注意力集中在被描绘对象的表情和存在感上的能力。这幅自画像不仅证明了她的技术水平，还肯定了她在男性人物占主导地位的时代作为艺术家的身份和地位。自画像清晰地展现了她的面容和精确的细节，表明她对自己有着深刻的反省和敏锐的理解，这些特质也反映在她多产的书信和个人著作中。作品中的每一个笔触、每一个细节都诉说着一位女性的奉献精神、天赋和坚韧不拔的精神，在那个壁垒森严的年代，她在艺术界闯出了自己的一片天地。这幅作品最终是对她的生活和事业的赞颂，她是那个时代最有天赋、最受认可的艺术家之一，她的影响力至今不衰。考夫曼出生于瑞士，但在受德国和奥地利影响的多元文化环境中长大，她在同为画家的父亲的教导下接受了特殊的教育。她从小就表现出惊人的智力和艺术能力，不仅擅长绘画，还擅长音乐和歌唱。这种文化背景和多语言技能体现在其作品的精致和世界性上。 12 岁时，他就已经开始描绘贵族和神职人员，他的第一次意大利之行标志着一系列影响的开始，这些影响将塑造他的风格。他在米兰、博洛尼亚、威尼斯和佛罗伦萨等城市接受培训，21 岁时被佛罗伦萨艺术学院录取，这巩固了他的声望。他在那不勒斯逗留，随后移居英国，成为上流社会的杰出人物，巩固了他的声誉。

估价 14 000 - 15 000 EUR

编号 120 - 佩德罗-阿塔纳西奥-博坎内格拉（PEDRO ATANASIO BOCANEGRA，格拉纳达，1638 - 1689 年）。 "圣母无原罪布面油画。有衬里。呈现修复效果。尺寸：81 x 61 厘米；100 x 84 厘米（画框）：81 x 61 厘米；100 x 84 厘米（框架）。这幅画符合佩德罗-阿塔纳西奥的主题、构图和技法，深受阿隆索-卡诺和凡-戴克的影响。佩德罗-阿塔纳西奥-德-博卡内格拉是阿隆索-卡诺、佩德罗-莫亚和胡安-德-塞维利亚的弟子，16 世纪 60 年代成为家乡最活跃的艺术家。他的第一件著名作品是 1661 年家乡圣体节的装饰画。在接下来的几年中，我们可以看到他的一些委托作品，如 1665 年至 1666 年间为格拉西亚圣母修道院的回廊创作的一系列油画（现已失传），以及 1668 年至 1672 年间为耶稣会学院祭坛（即现在的圣贾斯托和帕斯托教堂（原址））创作的大量油画，其中包括《圣保罗的皈依》。与此同时，他还受委托为格拉纳达的卡尔特修会修道院装饰圣母生平的大型场景，其中包括目前保存在普拉多博物馆的两幅作品：其中包括两幅目前保存在普拉多博物馆的作品："圣母向圣伯纳德显灵 "和 "圣母和圣彼得向一些卡尔图修士传授教规"。他还被任命为大教堂的画家。此后，他于 1686 年前往塞维利亚，并从那里前往马德里宫廷，在那里受到曼塞拉侯爵唐-佩德罗-德-托莱多的保护。在保护人的影响下，博卡内格拉凭借其受 16 世纪中叶威尼斯版画启发创作的油画《正义的寓言》获得了国王 "荣誉 "画家的称号，该作品目前保存在圣费尔南多皇家学院。他的其他保存作品还有《圣体崇拜》（马德里贡戈拉修道院）、几幅三位一体修会成员的肖像画（格拉纳达查理五世宫）以及普拉多博物馆保存的作品：几幅表现圣母和圣婴以及不同圣徒的画作和《大卫的胜利》。在马德里逗留之后，佩德罗-博卡内格拉回到了格拉纳达，在那里他遇到了画家兼建筑师特奥多罗-德-阿德曼斯，后者在格拉纳达大主教宫殿保存的画布上描绘了他的形象。博卡内格拉的画风与他的大师卡诺相近，他的宗教图像极具魅力，表现细腻，令人赞叹。他在绘画方面的弱点得到了很好的弥补，他的作品色彩绚丽，很有功力，这表明他对当代佛兰德艺术，尤其是安东-凡-戴克的作品很感兴趣。除了上述艺术馆和宗教中心，我们还可以在萨拉戈萨博物馆、卡斯特尔的戈雅博物馆、维多利亚教区神圣艺术博物馆、格拉纳达美术博物馆以及各种私人收藏中找到这位大师的作品。它展示了修复作品。

估价 3 500 - 4 000 EUR

编号 121 - 弗拉芒画派；十六世纪后三分之一。 "基督在前往髑髅地的路上板上油画。这幅画有瑕疵和修复。尺寸：77 x 107 厘米；95 x 127 厘米（画框）：77 x 107 厘米；95 x 127 厘米（框架）。众多人物像楣板一样围绕着位于画面中央的基督像旋转。耶稣跪在地上，因为十字架的重量和跟随他的队伍的辱骂而摔倒，他看着观众，用他的姿态表现出悲伤，但同时又充满怜悯。基督的脸是唯一一张直接面对观众的脸，而其他主角的注意力都集中在上帝之子身上，事实上，艺术家在塑造其他人物时也采用了这种美学区分。虽然他们保留了哥特式绘画的某些特征，但耶稣的形象却表现出更接近文艺复兴形式的自然体积。从人物的性格特征，特别是面部的表现力上，我们可以看出佛兰德斯绘画的影响。尽管我们也能体会到意大利画派的某些影子，例如位于构图右侧收尾处的人物的橙色外衣。应该指出的是，佛兰德斯画派的特点是为政治局势稳定、经济实力雄厚的资产阶级创作艺术。在法兰德斯，纪念碑艺术为天主教会服务，部分原因是为了修复战争对教堂和修道院造成的破坏。在世俗艺术领域，佛兰德画家为布鲁塞尔宫廷和欧洲其他宫廷工作，创作了以古典、神话和历史为主题的绘画，为西班牙、法国和英国的皇家宫殿增添了光彩。这幅布面油画描绘的是耶稣在通往髑髅山的路上因不堪十字架的重压而倒下。由于在鞭打中失血过多而精疲力竭，由于前一天晚上身体和精神上遭受的折磨而虚弱不堪，由于没有睡觉，他几乎走不了几步，很快就倒在了十字架的重压之下。接着是士兵们的殴打和咒骂，以及众人期待的笑声。耶稣用他全部的意志和力量站了起来，继续前行。根据神学的解释，耶稣用他的行动邀请我们背起十字架，跟随他，他在这里教导我们，我们也会跌倒，我们必须理解那些跌倒的人；没有人必须一直匍匐在地，我们都必须带着谦卑和信任站起来，寻求他的帮助和宽恕。它提出了过失和恢复。

估价 9 500 - 10 000 EUR

编号 122 - REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN（莱顿，1606 年- 阿姆斯特丹，1669 年）的追随者。 "圣母降临》。油画。有摇篮。画作表面有修复和瑕疵。尺寸：79 x 63 厘米；100 x 84 厘米（画框）：79 x 63 厘米；100 x 84 厘米（画框）。这幅画沿用了伦勃朗于 1639 年创作的《圣母降临》版画中的构图模式。西班牙数字图书馆收藏了这幅画的副本，并作了如下描述："他最著名的宗教蚀刻版画之一是 1639 年的《圣母之死》。这是他第一幅普遍使用干点的蚀刻版画，也是《一百弗罗林》之后最大的蚀刻版画。这幅版画有三种状态，国家图书馆藏有两幅第二状态的极好副本。这个场景与丢勒的作品《圣母之死》（伦勃朗于 1638 年在拍卖会上买下了这幅作品）以及这一时期的几幅绘画作品（如《雅各布之死》或《病榻上的萨斯基娅》）有关。在《圣母之死》中，使徒们悲痛地围着圣母的停尸床，而天使们则围着圣母转圈，接受她的灵魂。这是一幅多姿多彩的作品，每个人都以不同的方式表达了自己的悲伤。房间里装饰着大窗帘、地毯和带顶的床。伦勃朗对光影的运用进行了研究，使人们的注意力集中在死去的圣母和占据了整个版画上半部分的光辉碎片上，在这里伦勃朗使用了很长的交叉线条。在这幅版画中，伦勃朗首次在干净的版材上概括性地使用了干点法，然后再用蚀刻法完成。从这一刻起，这种技法成为伦勃朗真正的艺术表现手段"。圣母闭目躺在床上，从画面中心移开。圣母脚下是受苦受难的使徒，天使的出现向我们表明，这幅画表现的是圣母经过的场景。这个主题在巴洛克时期以及后来由于反宗教改革而变得流行起来，反宗教改革导致基督教诉诸于圣母生活中的各种段落。在这幅作品中，构筑场景的建筑所表现出的宏伟气势尤为突出。根据《伪经福音》的记载，在圣米迦勒宣布了她在尘世的结局之后，圣母召集了使徒们，除了正在印度传教的圣托马斯之外，其他使徒都听从了她的召唤。我们可以欣赏到，这幅画的作者是如何吸收了无可争议的明暗对比大师的经验，即带有壮观标志的单色调。我们还可以领略到伦勃朗多变的笔触，从细腻的釉彩到丰富的笔触。伦勃朗不仅是一位绘画大师，还是一位杰出的雕刻家。他同时使用錾刻版和干点版，总是不事先画图，直接上版，最大限度地利用蚀刻技术的表现力。他进行了多次试验，删除和插入各种元素并进行润饰，因此他的版画具有极强的直接感。他创作了多达十种不同的状态，甚至花了数年时间才完成一些作品。他最喜欢的主题是自画像：他以自己为模特，研究自己的情感，同时也留下了他的个性和时间流逝的记录。自画像是他最喜欢的题材：他以自己为模特，研究自己的情感，同时记录自己的个性和时间的流逝。

估价 7 000 - 8 000 EUR

编号 123 - 西班牙学派；十七世纪初。 "圣约阿希姆和圣安妮的神圣家庭"。布面油画。有衬里。背面有标签残留。尺寸：127 x 103 厘米：127 x 103 厘米。在这幅意大利巴洛克风格的画作中，圣母与圣婴、圣约瑟夫、圣安妮和圣约阿希姆组成了一个封闭而亲密的群体。手势和姿态向画面中心汇聚，耶稣躺在祖母的膝上。圣约瑟夫和圣约阿希姆的形象处于背景中，但即便如此，他们的巨大形象仍反映出哑剧在画面和圣经肖像中的相关性。光线也对母性产生了强烈的影响，因此玛丽亚的肉色几乎呈现珍珠色，而其他面孔则更具无神论色彩。印在表情和服装上的自然主义十分突出：有些人的皮肤苍老，而另一些人则鲜活清新。同样，布料既有丝绸的光滑，也有粗布的粗糙。总之，这幅画完全属于意大利巴洛克风格。按照最常见的说法，圣洁家庭包括圣婴耶稣的至亲，即母亲和祖母或母亲和养育他的父亲。在这两种情况下，无论是圣安妮还是圣约瑟夫，都是由三个人物组成。从艺术的角度来看，地面三位一体的安排与天上三位一体的安排存在同样的问题，也提出了同样的解决方案。不过，困难要少一些。这不再是一个三位一体的神的问题，其基本的统一性必须同时表现为多样性。当然，三位一体是由血缘纽带结合在一起的，但他们并不构成一个不可分割的整体。此外，三人都是人形，而圣灵的鸽子则为三位一体的神性注入了一种变形元素，很难与两个拟人化的人物形象融合在一起。另一方面，在反宗教改革之前，这种圣像传统上一直是圣母和圣婴的形象，而圣约瑟夫的形象则被添加到前景中。直到特伦特改革后，圣若瑟才开始作为圣婴耶稣的保护者和引导者占据中心位置。背面残留有标签。

估价 7 500 - 8 000 EUR

编号 124 - 西班牙学派；十八世纪 "耶稣圣婴和圣约翰多色木雕。尺寸：81 x 34 x 27 厘米（x2）：81 x 34 x 27 厘米（x2）。在这两件作品中，圣婴耶稣和圣约翰的婴孩形象在巴洛克时期非常常见，此外，除了施洗者和其他人的功能外，他们的家庭关系和相似的命运也将这两个形象结合在一起。从视觉上看，这是一个 "温柔和缓 "的主题，唤起观众对这两个人物未来生活的回忆（或期待），宗教通过感觉触及信徒的内心，这在当时是很常见的。因此，在绘画和雕塑中看到他们 "在一起 "的情况并不罕见，当雕刻不穿衣服时，会在一些小细节上有所区别，但当他们 "完整"（衣服、发饰、圣像元素等）时，就会有明显的区别。西方自巴洛克以来就出现了这种穿衣的宗教图像，巴洛克艺术风格非常注重尽可能逼真地表现人物形象。这种艺术风格非常注重尽可能逼真地表现人物形象，有时甚至为人物配上自然的头发、眼睛和其他玻璃元素。用木头和多色雕刻人物全身的做法并不少见，但也有一种非常普遍的做法，即只用木头雕刻穿戴整齐后可以看到的部分（即手和脸），其余部分则用草或木头制作，几乎不做任何加工，甚至用木条拼接而成。这样就降低了成本，兄弟会或教会就可以选择质量更高的艺术家来制作他们的肖像。此外，塑像还会穿上优质的刺绣斗篷和其他服装，这样就不会看到加工部分，而这也是一笔可有可无的开支。Cap i pota "造像只在面部和手部进行精细加工，或多或少地雕刻在木结构上。虽然服饰雕像通常用于游行，但由于其尺寸较小，在这种情况下，它是一种用于私人献身的雕像。可见部分覆盖着一层薄薄的灰泥并涂上了多彩的颜色，其余部分则被真正的衣服所覆盖。这些雕像因其自然主义而深受人们的喜爱，因为与简单雕刻的雕像相比，穿上真实衣服的雕像更加逼真，而简单雕刻的雕像往往没有足够的质量来达到自然主义的程度，这也是巴洛克时期以来宗教艺术所追求的。由于其形式特征，我们认为这件作品出自格拉纳达画家兼雕刻家何塞-里苏埃诺之手，他的父亲曼努埃尔-里苏埃诺和画家胡安-德-塞维利亚都是阿隆索-卡诺的弟子。里苏埃诺一生创作了大量宗教题材的艺术作品，其特点是将卡诺模型的影响与自然主义的趣味相结合，并使用凡-戴克的佛兰德斯版画来构图。他生前获得了巨大的成功，事实上，他受到教会知名人士的保护，并在格拉纳达大教堂的工厂工作，这保证了他源源不断的委托。从 1693 年起，他的主要保护者就是大主教马丁-阿兹卡尔戈塔（Martín Azcargorta），也正是从那时起，这位艺术家的语言和技艺达到了成熟期。他将创作一些重要作品，如圣天使修道院的《基督》或格拉纳达大教堂祭坛上的《圣母无原罪》，不过他最著名的作品，也是他创作的最后一件作品，是由 16 个人物组成的圣伊尔德丰索祭坛画系列。何塞-里苏埃诺雕塑的特点是小巧的人物形象、洛可可风格的精湛技艺以及他的多色作品的质量，因为他同时也是一名画家。

估价 13 000 - 14 000 EUR

编号 125 - 那不勒斯学校；约 1700 年。静物粘在桌面上的布面油画。画作表面有瑕疵和修复痕迹。尺寸：98 x 156 厘米；106 x 166 厘米（框架）：98 x 156 厘米；106 x 166 厘米（框架）。画家在一个向外敞开的拉长表面上布置了一个丰盛的静物。这幅静物画中的众多水果被描绘得细致逼真，除了一些紫色调之外，还带有温暖的红色和橙色调。除了左上方以风景为主的区域外，这种有点戏剧化的照明使它们在几乎是单色的泥土色背景中显得格外突出。从美学角度看，这幅作品与乔瓦尼-巴蒂斯塔-鲁奥波罗（Giovanni Battista Ruoppolo，1629-1692 年，那不勒斯）的画作十分接近。这位画家是保罗-波波拉（Paolo Porpora，1617-1673 年）的弟子，他的大部分职业生涯都献给了静物画，这种诞生于巴洛克时代的画种大受欢迎。尽管静物画并不是学者和学院派最欣赏的画种，他们总是对历史、神话或宗教题材的绘画感兴趣，但在整个欧洲，尤其是在佛兰德斯、荷兰、西班牙和意大利南部，资产阶级和贵族们都格外钟情于日常用品的绘画，他们委托画家来装饰自己的房间。水果和鲜花，有时还有野味、装饰品（陶瓷、玻璃或金属制品、手表、珠宝）和书籍成为绚丽构图的主角，这些构图有时达到高度的真实性，有时则隐藏着象征意义，反映了时间的流逝、生与死，甚至是宗教问题。静物画在不同的地区呈现出不同的特点。在那不勒斯，静物画是一种与卡拉瓦乔派绘画相关联的画种，在很大程度上也与西班牙黄金时代画派相关联。因此，与佛兰德静物画相比，它的特点是形式上的克制，背景暗淡，给构图增添了某种神秘感，灯光猛烈，充满戏剧性。乔瓦尼-巴蒂斯塔-鲁奥普洛在青年时期（我们这里展示的作品可能属于他的青年时期）就明显倾向于 "特尼布斯特"、"大篷车 "式的光线处理，尽管他后来会朝着更具装饰性的构图方向发展。这幅作品在画面表面出现了瑕疵和修复。

估价 7 000 - 8 000 EUR

编号 126 - 意大利流派；17 世纪。 "浪子回头布面油画。已修复。附有出口许可证。尺寸：156 x 144 厘米；160 x 147 厘米（框架）：156 x 144 厘米；160 x 147 厘米（框架）。从美学角度看，这幅作品属于古尔希诺的作品，古尔希诺是十七世纪上半叶最负盛名的意大利艺术家之一。构图的质量、解剖学上的细心（尤其是右边年轻人的身体）、严谨的品质以及人物年龄的表现都显示出艺术家高超的技艺。这幅画表现的是浪子的寓言，它与迷失的羊和丢失的硬币构成了传统上被称为仁慈寓言的三部曲。这个寓言讲述了 "一个人有两个儿子，小儿子对父亲说：'父亲，把应得的遗产分给我吧。父亲就把遗产分给了他们。几天后，小儿子把所有的遗产都集中起来，去了一个很远的地方，在那里挥霍他的遗产，过着放荡不羁的生活。"当他花光了所有的钱后，那个国家发生了大饥荒，他开始陷入困境。于是，他去和那个国家的一个公民谈条件，那个公民把他送到自己的农场去放猪。他想用猪吃的角豆来填饱肚子，但没有人给他。他自言自语道"我父亲雇的仆人有很多面包，而我却在这里挨饿！我要起来，到我父亲那里去，对他说：'父啊，我得罪了天，也得罪了你。我不配再被称为你的儿子，请把我当作你的一个雇工吧。于是他起身去见父亲。"当他还在很远的地方时，父亲看见了他，感动地跑过来，扑到他的脖子上，亲热地吻他。儿子对他说："父亲，我得罪了上天，也得罪了您，我不配再被称为您的儿子了。父亲对仆人说："快拿最好的袍子给他穿上，给他手上戴上戒指，脚上穿上凉鞋。把肥公牛牵来宰了，让我们大吃大喝，因为我这个儿子死而复生，失而复得。"于是，他们开始设宴。他的长子在田里，回来时走到房子附近，听到了音乐和舞蹈声；他叫来一个仆人，问他这是什么。仆人对他说："你哥哥回来了，你父亲杀了那头肥壮的骏马，因为他已经恢复了健康"。他很恼火，不愿意进去。他父亲出来求他。但他回答父亲说："我服侍您这么多年，您的命令我从来没有不听的，但您从来没有给过我一个孩子，让我和朋友们一起开宴；现在您的那个儿子来了，他和妓女们一起吞食了您的遗产，您却为他杀了肥牛！"他却对他说："孩子，你永远与我同在，我的一切都是你的，但是，你的这个兄弟死了，又活过来了；他失落了，又找回来了，所以，你应该设宴欢庆。" 塑造古尔奇诺绘画风格的主要影响因素是博洛尼亚人；卢多维科-卡拉奇、他的堂兄汉尼拔-卡拉奇和费拉雷人伊波利托-斯卡塞拉。除了在博洛尼亚人格雷戈里奥十五世-卢多维西（Gregorio XV Ludovisi）担任教皇期间在罗马逗留过两年外，他一直在家乡从事创作活动，直到 1642 年搬到邻近的博洛尼亚。他在二十五岁左右开始受到第一批重要客户的关注，其中包括博洛尼亚大主教亚历山德罗-卢多维西枢机主教、教皇驻费拉拉公使雅各布-塞拉枢机主教、托斯卡纳大公科西莫二世和曼图亚公爵费迪南德-贡扎加。到 1620 年代中期，他拒绝了英国查理一世等人邀请他到意大利以外的地方工作。他似乎不愿与博洛尼亚的竞争对手，尤其是圭多-雷尼直接竞争，后者从 1610 年左右开始成为意大利最著名的画家。他的大部分作品都是祭坛画和架上绘画，但在其职业生涯的前半段，他还在森托、博洛尼亚、罗马（卢多维西赌场天花板上的极光）和皮亚琴察大教堂（1626-1627 年）绘制壁画。他的第一种风格是 "Tenebrist"，其特点是戏剧性的照明、饱和的色彩和激动人心的构图。在罗马逗留期间，他逐渐改变了自己的风格，转而采用更加理想化和古典的语言，构图更加沉稳，结构更加严谨，轮廓更加优雅，色调一般较浅，粉彩更加丰富。作品经过修复。附有出口许可证。

估价 9 000 - 10 000 EUR

编号 127 - 弗拉芒画派；16 世纪下半叶。 "神圣家族橡木板上的油画。有摇篮。拉丝木板。背面有介绍标签。尺寸：66 x 50 厘米；113 x 98 厘米（画框）：66 x 50 厘米；113 x 98 厘米（画框）。在这幅作品中，我们以一种亲密的方式看到了圣母哺乳圣婴的场景，而圣何塞则靠在桌子上沉思。这是一个向观众敞开的亲密时刻，让观众也成为了参与者。这是一个平和而近乎田园诗般的场景，左侧的一扇窗户突然出现，将我们带到了尘世，让我们看到了一幅风景画。神圣家庭 "的表现形式和模式是一种强化家庭肖像和基督教家庭道德表现的形象。艺术史上流传下来的不同变体是由于当时的政治和宗教需要。在意大利文艺复兴时期的艺术中，但在中世纪晚期的社会中，神圣家庭的肖像画主要以圣母、圣婴和圣安妮为基础，尤其是在托斯卡纳地区，因为圣母是佛罗伦萨城的守护神。圣约瑟夫的形象虽然通常不出现在这一主题的圣像画中，或者即使出现也是比较克制的，几乎是次要的，但在十七世纪，他作为圣婴在尘世中的父亲的形象在一些场景中变得更加重要，在这些场景中，他的父爱和保护作用更加明显，有时甚至是主角。这要归功于历史上教会对圣约瑟夫的看法，随着新信仰的出现和资产阶级社会的发展，教会对圣约瑟夫形象的兴趣被重新考虑。

估价 9 000 - 10 000 EUR

编号 128 - 西班牙或意大利学派；16 世纪后三叶。 "牧羊人的崇拜油画。有摇篮。有瑕疵、损失和重绘。它有木蠹造成的损坏。尺寸：181 x 121 厘米；210 x 145 厘米（框架）：181 x 121 厘米；210 x 145 厘米（框架）。这幅《牧羊人的崇拜》表现的是一处古典废墟，其色调极富表现力，彰显了意大利画派的场景品味。前景中的人物围绕着占据中心位置的童耶稣。手势的强调和服装的搭配使每个人物都个性十足。从人物的性格特征、优雅的举止以及精致的面料处理中，可以看出意大利画派的影响。此外，他的工作室还采用了丰富多样的灰色和蓝色调，与服装的暖色调形成鲜明对比。至于圣像，我们面前的是一幅《牧羊人的崇拜》场景，表现《路加福音》中这一圣经场景的绘画从 12 世纪开始在欧洲艺术中兴起，当时正值僧侣和教外人士推动的一些禁欲主义运动兴起，他们捍卫更人性化的基督，颂扬贫穷，批评神职人员的奢华。从那时起，这幅画在艺术家中大受欢迎，因为它让艺术家们得以展示他们在光线处理方面的高超技艺，正如我们在这幅作品中所看到的那样。因此，我们看到的是在一个古典建筑形式的地方进行崇拜的场景，而不是像早期那样用稻草和木头搭建的马厩。圣经》中提到的 "牧羊人的崇拜 "主题在艺术中具有重要意义，因为这是基督向世人揭示其神性的第一个时刻。这幅画的圣像图是当时常见的圣像图：某些细节受到佛兰德斯风格的影响（衣服的质量、人物的丰富性、身体特征、着色......），其他细节则保留了西班牙当地的传统。值得一提的是对色彩的处理，调色板色彩明亮，只是在最后的镜头中颜色才会变深。由于其技术特点，如造型、色调、构图类型，甚至是场景中织物的美学细节处理，该作品可归入举止画派。事实上，该画派的一个非常明显的特征就是解剖学上的拉长，这一点尤其体现在圣母的面部和圣婴的身体构造上。这幅画存在缺损、损失和重绘。它有木蠹造成的损坏。

估价 17 000 - 18 000 EUR

编号 129 - 西班牙学校；十九世纪。 "委拉斯开兹人物"。布面油画。画框是十七世纪的作品。尺寸：41 x 55 厘米；70 x 60 厘米（画框）：41 x 55 厘米；70 x 60 厘米（画框）。在组成这幅画的每个人物的肖像中，我们都能看到西班牙巴洛克风格的线条，表现了委拉斯开兹绘画中典型的大众类型。艺术家为我们提供了一幅精致的作品，特别强调了主人公的骑士精神。在这幅作品中，我们看到了一个受十七世纪服饰风格启发的场景，作品以写实的语言进行创作，构图突出、平衡、稳重。这种构图和作者处理的主题，是典型的黄金世纪西班牙现实场景和当时的比克文学，使作品更接近自然主义潮流。这种体裁通过对环境、习俗、服饰、聚会和娱乐、传统、行业和社会代表类型的描述，以讽刺、怀旧或叙事的方式，描述特定人群、地区或阶级所共有的流行类型和态度、行为、价值观和习惯。Costumbrismo 的概念源于一种理解现实的尝试，或者更确切地说，是从特定角度以特定方式理解现实的尝试。

估价 1 200 - 1 400 EUR

编号 130 - 西班牙学派；十八世纪。静物布面油画。有衬里。尺寸：50 x 74 厘米；63 x 87 厘米（画框）。这幅静物画源于巴洛克静物画。我们看到的是一个色彩斑斓的构图，其中心是一个界限分明的空间，在这个空间中，画家的幻觉主义趣味非常突出，他将一些元素叠加在另一些元素上，从而创造出典型的巴洛克错视效果。西班牙的静物画是最具特色的画种之一，由于其特殊性，它与欧洲其他地方的作坊中的同一主题明显不同。这一术语出现于 16 世纪末，在这一画派中因其朴实无华而脱颖而出，与佛兰德斯画派的奢华形成鲜明对比，尽管后者和意大利画派也对其产生了一系列影响。桑切斯-科坦的作品非常成功，以至于他的风格拥有众多追随者（胡安-德-埃斯皮诺萨、安东尼奥-庞塞、胡安-范-德-哈门-莱昂等）。在这种情况下，西班牙画派也贡献出了自己的特色，这首先要归功于委拉斯开兹和苏尔巴兰。西班牙巴洛克静物画派在古董市场、收藏家和艺术史学家中都享有很高的声誉，它的发展令人叹为观止，摒弃了 16 世纪的辉煌，在完全巴洛克和清晰可辨的风格中不断进步。在西班牙，这一流派的发展明显受到意大利的影响，特别是那不勒斯流派的贡献。目前，该流派被认为是巴洛克静物画中最杰出的流派之一。

估价 2 500 - 2 800 EUR

编号 131 - 新西班牙学派；XVII 世纪。 "圣母抱子板上油画。有年代感画框。尺寸：66 x 48 厘米；83 x 55 厘米（框架）：66 x 48 厘米；83 x 55 厘米（画框）。在这幅画中，作者表现了艺术史上，尤其是自文艺复兴以来经常出现的一个场景：圣母怀抱耶稣圣婴。这个主题在文艺复兴和巴洛克时期被广泛处理，因为它强调了基督人性的一面，他童年的纯真和幸福，与他牺牲的命运形成了戏剧性的对比。自中世纪末期以来，艺术家们坚持以越来越强烈的方式表现基督与母亲之间的亲情纽带以及他们之间的亲密关系，这在文艺复兴时期以及巴洛克时期得到了鼓励，巴洛克时期的大部分艺术作品都以情感的激化为特征。圣母与耶稣童子的主题，更具体地说是圣母将耶稣童子抱在膝上、坐着或站着的主题，起源于古代东方宗教，如伊希斯与她的儿子荷鲁斯的形象，但最直接的参考是中世纪基督教艺术中圣母作为 "Sedes Sapientiae"（神的宝座）的形象。从哥特时期开始，随着自然主义的发展，圣母逐渐从单纯的圣婴 "宝座 "转变为一种亲情关系。从那时起，人物开始移动，相互靠近，最后宝座的概念消失，圣母的次要角色也随之消失。这样，圣母像就成为圣母与圣子之间爱的典范，成为一个温柔、亲密的形象，旨在打动信徒的心灵。值得一提的是，在西班牙殖民统治时期，发展了一种以宗教为主要内容的绘画，旨在使土著人民基督教化。当地画家以西班牙作品为蓝本，在类型和圣像方面完全照搬。然而，直到 19 世纪头几年，在一些殖民地独立和政治开放时期，一些艺术家才开始表现出一种具有自身特色的新绘画模式。

估价 4 500 - 5 000 EUR

编号 132 - 西班牙画派，取材于 RAFAEL SANZIO（意大利，1483 - 1520 年）；XVI 世纪。 "神圣家族板上油画。有瑕疵和修复。尺寸：57 x 39 厘米；83 x 65 厘米（框架）：57 x 39 厘米；83 x 65 厘米（框架）。这件作品的灵感来自拉斐尔的画作《圣家族》，画中有施洗者圣约翰和圣约瑟夫。不同人物的位置反映了圣像画中人物的等级。因此，我们看到圣约瑟夫几乎隐藏在阴影中，而圣母和两个孩子则在前景中，被直接照亮。这些人物组成了一个典型的拉斐尔式金字塔结构，被他的追随者们大量模仿，显然是古典式的，它固定了构图并使之平衡。此外，这一方案还有助于将注意力集中在两个主要人物身上：耶稣和玛丽。这本身就是一个封闭的构图，所有的人物都互相注视着对方，形成了一种循环阅读的节奏，与后来的巴洛克风格相反，这种节奏并不包括观众。这些人物视而不见，相互对视：伊丽莎白望着耶稣，耶稣望着玛丽，玛丽望着约翰尼，约翰尼则闭上眼睛，望着耶稣。然而，在这完美的平衡之上，拉斐尔通过圣母身体的螺旋运动引入了明显的动感。圣母身体所采用的 "蛇形 "将两个人物联系在一起，加强了他们之前通过凝视所建立的对话。然而，尽管古典主义占主导地位，但仍可看出风度主义的特征，如一定的构图张力和空间形状的不确定性，这两种效果都是为了在画面中营造一种表现张力。在主题方面，圣约翰施洗者的形象出现在圣家或玛利亚与圣婴的场景中，这不仅是因为圣约翰施洗者是耶稣的亲属，而且还具有神学意义。这些图像将施洗者圣约翰表现为宣布基督救赎使命的先知，这就是为什么尽管施洗者圣约翰被表现为一个孩子，但在他隐居沙漠之前，他披着羔羊皮或骆驼皮出现，而且一般来说，在他的图像中还伴有通常的圣像属性，这暗指基督的受难。然而，与拉斐尔和其他作者的其他画作不同的是，在这里，孩子们出现在耶稣戏剧性的命运之外。这幅画呈现出缺陷和修复。

估价 2 800 - 3 000 EUR

编号 133 - 巴托洛梅-埃斯特班-穆里略（BARTOLOME ESTEBAN MURILLO，塞维利亚，1617 - 1682 年）画派。 "圣母与圣婴布面油画。有衬里。画作表面有重绘和瑕疵。尺寸：146 x 104 厘米；157 x 115 厘米（框架）：146 x 104 厘米；157 x 115 厘米（画框）。穆里略发明了一种自己的母性模式，在这种模式中，母亲和孩子的结合是充实而多汁的，因此，温柔和亲情被置于一切意愿之上，以表现人物的神圣性。事实上，他们可以是普通人，一个带着孩子的年轻女人。这位画家是穆里略的追随者，他继承了穆里略的这一传统，并将巴洛克式的明暗对比表现得淋漓尽致。在这幅画中，圣母全身端坐，膝上抱着坐在她大腿上的圣婴耶稣。孩子只有两岁，身披象征纯洁的白布，由母亲双手抱着。两个人物都被笼罩在黑暗的氛围中，被刻画在一个不确定的景观中，让我们无法想象甚至想象不到周围的空间。艺术家将画作的重点尤其放在了脸部的美感上，再现了女性和童真的美感原型，达到了穆里略当时提出的完全天使般的处女形象。圣母的脸庞和玫瑰色宁静的肉色格外显眼，而圣母外衣的深红色调则突出了这一点。按照穆里略最初的风格，画中的人物--不同于委拉斯开兹或阿隆索-卡诺创作的其他同类肖像画中主人公交叉的目光--直视前方，面向观众。人们对穆里略的童年和青年时期知之甚少，只知道他在 1627 年失去了父亲，1628 年失去了母亲，因此他被姐夫收养。1635 年左右，他肯定开始了自己的学徒生涯，很有可能是在胡安-德尔卡斯蒂略（Juan del Castillo）那里，后者娶了他的一个表亲。按照当时的惯例，这种工作和艺术关系将持续六年左右。1645 年结婚后，他开始了辉煌的职业生涯，逐渐成为塞维利亚最著名、最受欢迎的画家。他唯一一次有记录的旅行是在 1658 年，这一年穆里略在马德里待了几个月。可以认为，他在宫廷中与居住在那里的画家，如委拉斯开兹、苏尔巴兰和卡诺保持着联系，并有机会接触到皇宫中的绘画藏品，这些藏品对于所有经过宫廷的艺术家来说都是极好的研究对象。尽管有关他晚年生活的文献资料很少，但我们知道他的生活很惬意，这使他能够维持较高的生活水准和几个学徒。在成为这座城市的第一位画家，甚至在名气上超过了苏尔巴兰之后，他立志要提高当地绘画的艺术水平。为此，1660 年，他决定与弗朗西斯科-埃雷拉-埃尔-莫佐（Francisco Herrera el Mozo）一起创办一所绘画学院，他是该学院的主要发起人。这本书介绍了绘画表面的重绘和瑕疵。

估价 6 500 - 7 000 EUR

编号 134 - 法国画派，让-路易-弗朗索瓦-拉格雷内（JEAN LOUIS FRANÇOISE LAGRENÉE，1725-1805 年，巴黎）圈子......；18 世纪下半叶。 "达娜伊接受金色的沐浴"。布面油画。Reliend. 尺寸：84 x 94.5 厘米；100 x 109 厘米（有框）：84 x 94.5 厘米；100 x 109 厘米（画框）。

估价 8 500 - 9 000 EUR

编号 135 - 作于 DOMINGO MARTÍNEZ（塞维利亚，1688 - 1749 年），. "圣母无原罪布面油画。有衬里。尺寸：106 x 77 厘米；125.5 x 101 厘米（画框）。在这件作品中，我们看到了西班牙十七世纪完美的圣母形象，在风格和图式上都沿袭了巴洛克时期的模式，尤其是艺术家胡安-卡雷尼奥-米兰达（Juan Carreño Miranda）在其位于赤脚修道院的作品《圣母无染原罪》中所确立的模式。我们看到圣母玛利亚身着白色和蓝色衣服（分别象征着纯洁、真理和永恒的概念），身边围绕着站立的小天使。一些天使手持礼赞的象征物，如百合花或棕榈。16 世纪，圣母无原罪的明确图像显然是在西班牙形成的。按照瓦伦西亚的传统，耶稣会教士阿尔贝罗神父看到了一个幻象，并向画家胡安-德-胡内斯描述了这个幻象，以便他尽可能忠实地捕捉到这个幻象。这是一个不断演变的圣像概念，有时与圣母加冕的主题联系在一起。根据其艺术和美学特征，可以说这幅画是由西班牙画家多明戈-马丁内斯的追随者创作的。这位艺术家在家乡接受培训，卢卡斯-巴尔德斯（Lucas Valdés）是他的老师之一。资料显示，多明戈-马丁内斯在当时很受赏识，因为我们可以找到一些重要的委托，如塞维利亚大主教的委托，他为塞维利亚大主教创作了多幅画作，这些画作将用于安达卢西亚首府的大教堂和翁布雷特的圣母教堂。同样，在菲利普五世的宫廷逗留塞维利亚期间（1729-1733 年），他与为国王服务的法国画家，如让-朗克（Jean Ranc）和路易-米歇尔-凡-卢（Louis-Michel van Loo）保持着良好的关系。另一方面，正是兰克建议马丁内斯担任宫廷画家，但画家拒绝了这一建议，因为他不想随国王迁往马德里。他有几个弟子，我们知道他的工作室培养出了安德烈斯-德-鲁比拉、佩德罗-托托莱罗和胡安-德-埃斯皮纳尔，后者最终成为了他的女婿和家族工作室的继承人。他的第一件重要作品是 1724 年创作的圣特尔莫学院教堂装饰画，画中描绘了基督的生平及其与大海的关系。六年后，他为塞维利亚的圣保拉修道院绘制了两幅大型油画。在 1730 年的同一个十年中，他还为塞维利亚及其省内的教堂创作了个人作品和套装作品，这些作品总是以宗教为主题，他还为塞维利亚大主教宫殿创作了路易斯-德-萨尔塞多-伊-阿兹科纳大主教的肖像（1739 年）。在生命的最后十年，他同样多产，为塞维利亚的圣安娜教堂和圣路易斯-德洛斯-弗朗西斯教堂创作了蛋彩装饰画，还创作了几幅油画。他的最后一件作品创作于 1748 年左右，是一组八幅油画，表现了前一年六月费尔南多六世登基时在塞维利亚举行的盛大化妆舞会。马丁内斯的作品目前保存在塞维利亚美术博物馆。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 136 - 荷兰流派；约 1600 年。 "一位绅士的肖像。橡木板上的油彩。这幅画保留了塞巴斯蒂安-加布里埃尔-德-博尔邦王储的印章。这幅画有一些瑕疵和木琴造成的损坏。它有一个 19 世纪的框架。尺寸：48 x 41 厘米；69 x 62 厘米（框架）：48 x 41 厘米；69 x 62 厘米（框架）。在这幅作品中，我们看到的是一位年轻绅士的男性肖像，他五官端正，气质高雅，身着军装，胸前的金色百合花栩栩如生。面部的亮度通过肉色和聚光灯照射在年轻人的脸上而得到强调。画家特别强调了有些直接和具有穿透力的目光，这种目光向我们诉说着坐着的人的心理，从而强调了巴洛克肖像画典型的形式距离感。这幅作品的构图非常简洁，是当时荷兰肖像画的典型代表：画中的人物半身着地，转过四分之三的身躯，头微微转向前方，处于前景位置，背景是中性的深色，但人物头部周围的颜色略微明亮一些。这幅作品出自弗兰德斯画家小弗郎士-普尔布斯（Frans Pourbus the Younger，1569 年出生于安特卫普，1622 年出生于巴黎）之手，他是老弗郎士-普尔布斯（Frans Pourbus the Elder）之子，彼得-普尔布斯（Pieter Pourbus）之孙。普尔布斯曾为当时许多最有影响力的人物工作，包括驻布鲁塞尔的荷兰西班牙摄政王、曼图亚公爵和法国王后玛丽-美第奇。毫无疑问，荷兰画派的绘画作品最能体现该地区政治解放和自由资产阶级经济繁荣的后果。对自然的发现、客观的观察、对具体事物的研究、对日常事物的欣赏、对真实和物质的喜好、对表面上微不足道的事物的敏感，这些因素的结合意味着荷兰艺术家与日常生活的现实融为一体，而不追求任何与现实格格不入的理想。画家不是要超越当下和客观自然的物质性，也不是要逃避有形的现实，而是要将自己包裹其中，通过现实主义的胜利而陶醉其中，这是一种纯粹虚幻的现实主义，得益于完美、精湛的技巧和对光的抒情处理中的微妙概念。由于与罗马的决裂以及改革派教会的圣像崇拜倾向，宗教题材的绘画最终作为一种具有虔诚目的的装饰性补充而被淘汰，神话故事也根据新社会的要求失去了其英雄气概和感性色彩。肖像画、风景画和动物画、静物画和风俗画这些主题形式本身变得非常有价值，并且作为家庭家具的物件--因此画作的尺寸较小--被几乎所有社会阶层和社会等级的个人所购买。

估价 15 000 - 16 000 EUR

编号 137 - 西班牙学派；十七世纪上半叶。 "儿童耶稣的祝福多色木雕。尺寸：74 x 37 x 23 厘米：74 x 37 x 23 厘米。托起雕像的底座上有精心制作的装饰，其灵感来自建筑元素，线条非常动人，暗含巴洛克风格。孩子赤着脚，把脚放在一个雕刻的垫子上。孩子赤裸着上身，举起一只手，做出祝福的姿态，与脸部的姿态十分和谐。卷曲的头发为脸部带来动感，他的目光直视前方，五官精致细腻，宁静而严肃。这幅作品在解剖学层面上的雕刻十分精湛，风格介于文艺复兴和巴洛克之间，可以从理想化的教规和微妙的对位中欣赏到，但在肉色的渲染上明显带有自然主义的趣味。同样，孩子的脸庞也极富表现力，大眼睛和多肉的嘴唇轮廓分明。有必要强调的是，一方面，该雕刻具有重要的多色性和巴洛克风格，另一方面，它与加斯帕尔-努涅斯-德尔加多（Gaspar Núñez Delgado）的某些作品非常相似，加斯帕尔-努涅斯-德尔加多是阿维拉籍雕刻家，于 1581 年至 1606 年间活跃在塞维利亚。这类雕刻在教堂、修道院、寺院和私人礼拜堂中非常常见，尤其是在组织机构和女性环境中，因为对圣婴的虔诚更适合女性。同样，裸体雕刻耶稣也很常见，可以用纺织品给他穿上衣服，使其更加逼真。西班牙巴洛克雕塑是我们艺术中最真实、最个人化的典范之一，因为它的构思和表现形式都源于人民和蕴藏其中的最深厚的感情。随着国家经济的崩溃、贵族的衰落和高级神职人员的重税负担，是修道院、教区和神职人员与普通人的联合会促进了雕塑的发展，作品有时由民众募捐资助。因此，雕塑不得不体现这些环境中的主流理想，而这些理想无一例外都是宗教理想。当时，反改革主义教义要求艺术采用写实语言，以便信徒能够理解和认同所表现的事物，并要求艺术表现具有强烈的情感内涵，以提高人们的热情和奉献精神。因此，宗教题材是这一时期西班牙雕塑的首选主题。在本世纪的头几十年里，西班牙雕塑从捕捉自然的兴趣开始，在整个世纪中逐渐加强了对表现价值的表达。

估价 19 000 - 20 000 EUR

编号 138 - 扬-范-比勒特（JAN VAN BIJLERT，乌特勒支，1598 - 1671 年）。 "带着孩子的女士肖像》。橡木板上的油画。有摇篮。尺寸：100 x 80 厘米；127 x 108 厘米（画框）：100 x 80 厘米；127 x 108 厘米（画框）。这幅画中人物的安排与当时荷兰肖像画中的安排相同，都是注视着观众。作者采用了金字塔式的构图，画面中央是一位母亲，膝上坐着一个孩子，在她们身后，一个女孩正注视着这位母亲。在构图方面，作者采用的是一个有着悠久传统的场景，因为它与圣母、圣婴和圣约翰所表现的神圣家庭有许多相似之处。所有这些肖像都展现了专注而宁静的面容，是当时富裕社会人物肖像的典型代表，荷兰国家的国际贸易丰富了这一社会群体。在形式上，值得一提的是画面所使用的色调沉稳而平衡，只突出了桌布的红色，而桌布则占据了画面的视觉中心。八十年战争（1568 - 1648 年）前后的荷兰巴洛克绘画被称为荷兰黄金时代绘画。它表现出欧洲巴洛克的许多特征，但通常不包括对罗马基督教华丽风格和主题的喜爱。当时的大量作品引人注目，其接受者是日益富裕的城市资产阶级，这与绘画流派的激增是相辅相成的。正是在荷兰画派的绘画中，该地区的政治解放和自由资产阶级的经济繁荣的后果得到了最公开的体现。对自然的发现、客观的观察、对具体事物的研究、对日常事物的欣赏、对真实和物质的品味、对看似微不足道的事物的敏感性，这些因素的结合使荷兰艺术家与日常生活的现实融为一体，而不去追求任何与现实格格不入的理想。画家不是要超越当下和客观自然的物质性，也不是要逃避有形的现实，而是要将自己包裹其中，通过现实主义的胜利而陶醉其中，这是一种纯粹虚幻的现实主义，得益于完美而精湛的技法，以及对光的抒情处理中的微妙概念。由于与罗马的决裂以及改革派教会的圣像崇拜倾向，宗教题材的绘画最终被淘汰，成为具有虔诚目的的装饰性补充，神话故事也失去了英雄气概和感性色彩，与新社会格格不入。因此，肖像画、风景画和动物画、静物画和风俗画等主题形式本身就变得非常有价值，而且作为家庭家具（因此画作尺寸较小），几乎被所有阶级和社会阶层的个人所购买。 Jan Hermansz van Bijlert 是荷兰黄金时代的画家，来自乌特勒支，是乌特勒支卡拉瓦乔派画家之一，其绘画风格受到卡拉瓦乔的影响。他在意大利生活了大约四年，是罗马北欧画家本特武赫斯圈的创始人之一。Jan van Bijlert 出生于乌得勒支，是玻璃制造商 Herman Beernts van Bijlert 的儿子。他可能从父亲那里接受过一些训练。后来，他成为了亚伯拉罕-布洛马特的学生。与乌特勒支的其他画家一样，他也曾游历法国和意大利。1621 年，他与 Cornelis van Poelenburch 和 Willem Molijn 一起，成为在罗马的荷兰和佛兰德艺术家圈子（被称为 Bentvueghels）的创始成员。1625 年，他回到乌得勒支，在那里结婚并加入了 Schutterij。1630 年，他成为乌得勒支圣卢克兄弟会和改革教会的成员。1632 年至 1637 年，他担任行会执事，1634 年被任命为 Sint-Jobsgasthuis 的摄政王。1639 年，他帮助创建了一所画家学校--"Schilders-College"，并担任该校的校长。

估价 26 000 - 27 000 EUR

编号 139 - 西班牙学派；17 世纪中叶。 "基督被钉在十字架上镶板油画。尺寸：44 x 28 厘米：44 x 28 厘米。这幅耶稣受难像沿袭了僧侣囚室十字架的传统。与这一类型和时期的作品一样，十字架为直线截面，没有任何装饰，以幻觉主义的方式制作，具有典型的巴洛克绘画风格，光线柔和，表情悲惨。基督出现在中央，其畸形的解剖结构极具表现力，表明即使在 17 世纪，曼纳主义依然存在。光线介于巴洛克腾博会官方网站和曼纳主义的人工光线之间，无论如何都营造出一种幻觉的效果，非常符合巴洛克的感觉。在他的脚下，我们看到了亚当的头骨。囚室十字架是 17 和 18 世纪西班牙和拉丁美洲修道院中非常常见的一种虔诚作品。不过，像这里这样带有作者签名的十字架并不常见。基督受难是基督教圣像艺术，尤其是天主教圣像艺术的中心主题。基督遭受了逃亡或叛乱的奴隶所遭受的苦难，这种谴责本质上是罗马式的，但来源于波斯。基督生命中的这一插曲是最严格的史实，也是基督教义救赎的主要论据：上帝化身为人，为救赎一切罪孽而流血。耶稣受难的表现形式经历了与天主教教义的礼仪和神学变化相平行的演变，我们想指出其中的三个里程碑：起初，早期的基督教艺术省略了基督的人像，耶稣受难的表现形式是 "Agnus Dei"，即神秘的羔羊背负着殉难的十字架。直到 11 世纪，按照拜占庭的仪式，基督一直被钉在十字架上，但他还活着，并睁着眼睛凯旋而归，因为拜占庭仪式不考虑基督尸体存在的可能性。后来，由于神学认为救世主的死亡不是一个有机的过程，而是神意的行为，基督在许多场合都被表现为已经死去，双眼紧闭，头落在右肩上，显示了受难的痛苦，激起了人们的同情，正如《诗篇》第 22 篇中提到的那样："我的上帝，我的上帝，你为什么离弃我？(......一群恶人在我近旁：他们刺穿我的手，我的脚，（......）他们分我的衣裳，为我的外衣拈阄"。

估价 1 200 - 1 400 EUR

编号 140 - 西班牙学派；17 世纪。 "炼狱中的阿尼玛斯多色木雕。它们以重绘的形式进行修复，缺少雕刻和木琴造成的损坏。尺寸：106 x 44 x 20 厘米；101 x 29 x 16 厘米：106 x 44 x 20 厘米；101 x 29 x 16 厘米。这套浮雕的主题和支撑物表明，它最初是一套大型雕塑的一部分，可能附属于建筑，因为两件浮雕都是高浮雕，背面没有任何装饰。这两组浮雕虽然大小不一，但呈现的概念是相同的，即灵魂在火焰中燃烧并乞求宽恕。这是一个试图象征炼狱的抽象概念，在巴洛克时期非常流行。至于雕刻，值得一提的是根据平面和每个雕刻的垂直度产生的体量感。首先是挥舞的火焰，其次是双手合十表示虔诚的人物，最后是另一个举起手臂的人物。这两件作品的戏剧性正是源于艺术家自己的技法，火焰的波浪一直延伸到上半身人物的胸口，主人公的头发缠绕在一起，他捕捉每个人物个性化手势的方式，这些美学特征都显示了作者的精湛技艺。西班牙雕塑是我们艺术中最真实、最个人化的典范之一，因为它的构思和表现形式都源于人民，源于蕴藏在人民心中的最深厚的感情。随着国家经济的崩溃、贵族阶层的衰落和高级神职人员沉重的赋税负担，是修道院、教区以及神职人员和非神职人员联合会推动了雕塑艺术的发展，作品有时由民众募捐资助。因此，雕塑不得不体现这些环境中的主流理想，而这些理想无一例外都是宗教理想。当时，反改革主义教义要求艺术采用写实语言，以便信徒能够理解和认同所表现的事物，并要求艺术表现具有强烈的情感内涵，以提高人们的热情和奉献精神。因此，宗教题材是这一时期西班牙雕塑的首选主题。在本世纪的头几十年里，西班牙雕塑从捕捉自然的兴趣开始，在整个世纪中逐渐加强了对表现价值的表达。这些作品展示了重绘、雕刻缺失和木蠹造成的损坏等修复情况。

估价 3 000 - 3 500 EUR

编号 141 - 意大利流派；18 世纪。 "古典武士"。布面油画。古董重绘。它保留了时代的框架。尺寸：75 x 59.5 厘米；86 x 70 厘米（画框）：75 x 59.5 厘米；86 x 70 厘米（框架）。这是一幅肖像画，画中的人物是一位身着长半身裙的年轻人，他沉浸在一幅风景画中。该肖像因其巨大的体型而引人注目，这不仅是因为其尺寸，还因为其穿着，因为他身着军装。肖像画是罗马艺术最原始、最具特色的表现形式之一。罗马肖像画的起源与其说是一种艺术表现形式，不如说是一种观念，它反映了罗马人的重要哲学思想，这是其他艺术流派所无法比拟的。在其形成过程中，可以发现三个根源：伊特鲁里亚-意大利风格、希腊风格和 "maiorum imagines "或殡葬面具的本土风格。所有这些因素结合在一起，就会产生出独一无二的真正作品。这一美学传统从文艺复兴时期延续至今，当时开始了对古典文本的重新诠释，当然也包括对艺术作品的重新诠释，这在技术、形式和主题方面都产生了巨大的影响。与欧洲其他地区一样，在这一时期，肖像画成为意大利绘画中最重要的体裁，这是西方世界在本世纪建立新的社会结构的结果，体现了贵族和富绅阶层中出现的新客户的品味和心态转变的最终表现，他们在这一时期掌握了历史的主导权。虽然官场优先考虑历史画等其他艺术流派，而新兴的收藏家们也鼓励创作大量的风俗画，但肖像画却受到了私人绘画的追捧，这反映了个人在新社会中的价值。这种体裁体现了主人公形象的永久存在，可以在画室的私密空间、家庭橱柜的日常温馨氛围中欣赏，也可以在房屋的主要房间中欣赏。

估价 1 300 - 1 500 EUR

编号 142 - JACOPO BASSANO（意大利巴萨诺-德尔-格拉巴，约 1510-1592 年）的追随者；17 世纪。 "冬天的寓言布面油画。重新上色。画框是 20 世纪的，有瑕疵。尺寸：95 x 134 厘米；116 x 155 厘米（画框）：95 x 134 厘米；116 x 155 厘米（画框）。在这幅服装设计师的作品中，作者向我们展示了一群专注于不同工作的人。作者将画面分为不同的平面，其中大部分都是人物；他们有的在吃饭，有的在砍柴，有的似乎在聊天，最后还有的在火边取暖。在最后一个镜头中，我们可以看到整个画面被白雪覆盖的群山。这一特点，再加上猪正在被宰杀的事实，表明画家不仅试图通过雪，还试图通过人物的动作来描绘冬天。雅各布-巴萨诺是威尼斯绘画大师之一，既是画家的儿子，也是画家的父亲，擅长创作世俗和宗教题材的作品，作品中充满了人物和动物，属于风俗画的一种流派，预示着这一流派在下个世纪的诞生。他在描绘人物、动物和场景方面的精准度和细节品味在当时已备受推崇。他的第一件有日期的作品可以追溯到 1528 年，1533 年左右他已经在威尼斯，开始使用提香、丢勒、阿戈斯蒂诺-威尼斯诺和马康托尼奥-雷蒙迪的版画来创作，并以自己的个人风格进行诠释。次年，他通过安德烈亚-纳瓦格罗（Andrea Navagero）结识了更多有权势、更富有的客户，此时他的作品开始更多地受到拉斐尔的影响，并在 1540 年左右转向更接近帕尔米吉亚尼诺和莫雷托的风格。

估价 1 500 - 1 800 EUR

编号 143 - 西班牙学派；17 世纪。 "耶稣受难布面油画。有瑕疵，需要重绘。尺寸：155 x 109 厘米；173 x 125 厘米（有画框）：155 x 109 厘米；173 x 125 厘米（框架）。这幅画的主题是基督的鞭笞，在一个复杂的建筑空间中展开，通过窗户和阳台通向不同的楼层。因此，按照意大利传统的构图方案，在空间概念上也可以看到佛兰德斯的影响，同时也与当地的发展相近。基督被绑在一根低矮的柱子上，正受到几名随从的鞭打，他们的动作凝固在咄咄逼人的恶劣姿态中。耶稣的身体似乎散发着内在的光辉，他的洁白是他灵魂纯洁的写照，与刽子手们黝黑的肉体形成鲜明对比。该场景的叙事在不同的平面上展开，每个人物的目光和表达语法都揭示了他们面对所目睹的不公正时的想法。就图示而言，四部福音书都提到了基督在这一时刻所遭受的惩罚，尽管它们没有提到任何柱子：这一图示源自路加福音中使用的 "惩罚 "一词，例如约瑟夫的文字中将其称为耶稣受难前的时刻。在整个中世纪，耶路撒冷供奉的柱子都被用来表现这些形象，其特点是柱子很高。然而，还有另一种类型，它与自 1233 年以来保存在罗马圣普拉塞德的圣物的模型非常相似，特伦特大公会议负责将其恢复为艺术品，其特点正是用大理石制作，而且高度较低。这种圆柱模型并不否认之前的圆柱模型，因为神学家们认为基督在两个时刻被抛出，从 16 世纪末开始，这种圆柱模型被用于艺术创作，与高圆柱模型并存，并迅速传遍了整个欧洲。

估价 1 500 - 2 000 EUR

编号 144 - 巴托洛梅-埃斯特班-穆里略（BARTOLOME ESTEBAN MURILLO，塞维利亚，1617 - 1682 年）之后的安达卢西亚流派；18 世纪。 "圣约瑟夫与孩子布面油画。画作表面有瑕疵。尺寸：109 x 83 厘米；126 x 100 厘米（有框）。现在拍卖的这块画布与马德里 Lázaro Galdiano 博物馆收藏的同主题画作 "圣约瑟夫与孩子"（Saint Joseph with the Child）有相似之处。这两幅画都描绘了半身的圣约瑟夫（以花杆为标志）和膝上的圣婴，这是一个充满温情的家庭场景。穆里略（Murillo）大师多次重复了这一形象，他成功地创造了一种具有巨大影响力和图标意义的个人审美模式。在反宗教改革之前，圣约瑟夫的形象通常处于背景地位，因为他在神学上并不重要。然而，在遄达会议之后，他作为耶稣童年时期的保护者和青年时期的引路人所扮演的主要角色得到了恢复，他在这里被描绘成这样的形象。与婴儿形象的温柔、无助和坦率形成鲜明对比的是，圣约瑟夫是一个典型的巴洛克式的不朽形象，金字塔式的构图加深了这一印象。通过这种表现形式，作者直观地强调了耶稣假定的父亲作为保护者的决定性作用。

估价 1 000 - 1 200 EUR

编号 145 - 西班牙学派；19 世纪。 "小鸟的神圣家庭布面油画。画作有瑕疵、损失和穿孔。尺寸：145 x 185 厘米；153 x 195 厘米（框架）：145 x 185 厘米；153 x 195 厘米（框架）。在这幅作品中，我们可以看到作者是如何临摹普拉多博物馆收藏的穆里略作品《神圣家族之小鸟》的。艺术家准确而坚定地描绘了这幅画，捕捉到了其色调的细微差别、严谨的色调以及穆里略所使用的腾博会官方网站光线。然而，在这幅作品中，笔触更加松散，更加写意，与原作相去甚远，这使得这件复制品成为艺术家用来练习和发展其艺术技巧的新作品。艺术家描绘了圣约瑟、圣母和圣婴在充满温情的家庭环境中的情景。圣母一边解着线绺，一边看着她的儿子靠在圣约瑟夫身上玩耍，向一只小白狗展示一只鸟。圣约瑟夫在这幅作品中获得了新的地位，反映了反宗教改革时期人们对他的虔诚。看似简单的构图强调了家庭生活、家人和工作，约瑟夫的木匠工作台和正在缝纫的圣母就是象征。强烈的明暗对比反映了意大利绘画的影响，也是许多西班牙巴洛克画家的特点。这幅画很可能是由普拉多的一位临摹者创作的。在普拉多的房间里，众多未来的艺术家历来都有机会通过临摹大师的作品来学习。尽管这种做法在 19 世纪和 20 世纪初非常普遍，但如今普拉多博物馆是首都唯一一家以较小规模接纳临摹者的博物馆，这样他们就不会影响参观者的流量。

估价 2 000 - 2 500 EUR

编号 146 - 西班牙学派；18 世纪下半叶。 "忏悔的抹大拉》。布面油画。画作表面有瑕疵。尺寸：91 x 141 厘米；98 x 148 厘米（框架）：91 x 141 厘米；98 x 148 厘米（框架）。新约》中提到抹大拉的马利亚是基督的杰出门徒。根据《福音书》的记载，耶稣和他的门徒在加利利逗留期间，她为他们提供住宿和物质条件，并在耶稣受难时在场。她是耶稣复活的见证人，也是负责向使徒传递消息的人。她也被认为是在耶稣抵达耶路撒冷之前用香水涂抹他双脚的女人，这也是为什么她的主要肖像特征是一个装有香精的钮，如图所示。抹大拉的马利亚通常被描绘成独自一人，在沙漠中忏悔过去的罪过，沉思圣经。这位圣人的故事是基督宽恕的典范，传达了通过忏悔和信仰救赎灵魂的信息。

估价 1 200 - 1 500 EUR

编号 147 - 17 世纪下半叶的意大利流派。 "让-巴蒂斯特的布道》。布面油画。有衬里。尺寸：90 x 63 厘米；109 x 81 厘米（有框）。在这幅作品中，画家讲述了圣经中的一个情节：施洗者圣约翰在沙漠中布道。当圣人外出布道时，他选择了巴勒斯坦沙漠，这是一个人迹罕至的地方，人群蜂拥而至，正如《福音书》所叙述的那样："众人从犹太全地和耶路撒冷的居民都来见他，受他的洗，承认自己的罪"（可 1:5）。约翰把荒漠（不是干涸的平原，而是荒凉的无人区）变成了人的聚集地，人们从四面八方赶来聆听他的教诲，忏悔自己的罪行，改变自己的生活。圣约翰之所以选择这块飞地，正是因为几个世纪之前，约书亚将军曾率领以色列人民进入这里，夺取了应许之地，开启了一个辉煌的新时代（约书亚记 4：13，19）。这个场景描绘的是施洗者圣约翰在巴勒斯坦沙漠布道的情景。在他身边，犹太居民来到他面前聆听他的教诲并接受洗礼。施洗约翰手持杖，杖上饰有 "phylactelia"。门徒和听众们相互交流着对约翰话语的印象，表现出对约翰话语的不同态度。人物形象的刻画方式、丰满的肌肉和经典的服装，使我们更接近意大利画派的美学理念。关于施洗约翰，《福音书》说他是撒迦利亚祭司和圣母玛利亚的表弟伊丽莎白的儿子。他在很年轻的时候就隐居到犹大沙漠，过苦行生活，宣讲忏悔之道，并在接受他洗礼的耶稣身上认识到了先知们所预言的弥赛亚。耶稣受洗一年后，也就是 29 年，约翰被加利利的元老希律-安提帕逮捕并囚禁，因为他胆敢指责希律-安提帕与他的侄女和弟媳希罗底的婚姻。最后，圣约翰被砍头，他的头颅被送给了莎乐美，作为对他美丽舞蹈的奖赏。这位圣人以两种不同的形象出现在基督教艺术中：孩童时期是耶稣的玩伴，成年后则是一位苦行传教士。这里描绘的成年圣约翰在东方艺术中身披骆驼皮麻布，而在西方则被羊皮取代，他的手臂、双腿和部分躯干裸露在外。他有时会披上红色斗篷，在最后审判时的代祷场景中也是如此，这暗指他的殉难。在拜占庭艺术中，他被描绘成一个大翅膀的天使，手中的托盘上放着他被砍下的头颅。然而，他在西方艺术中的形象却大相径庭。最常见的是一只羔羊，暗指耶稣基督，他通常手持一个芦苇十字架和一个印有 "Ecce Agnus Dei "字样的法器。西班牙画派；18 世纪晚期。

估价 1 200 - 1 400 EUR

编号 148 - 西班牙或意大利流派；18 世纪。 "约瑟夫被他的兄弟们卖掉了"。布面油画。保留原画布。画框具有时代特征。尺寸：132 x 141 厘米；150 x 159 厘米（画框）：132 x 141 厘米；150 x 159 厘米（画框）。这幅作品的艺术家对主题进行了模糊处理，因为他让我们第一眼看到的是许多男人的会面，而一个年轻人将外衣举向自己的眼睛，似乎在哭泣。这个场景看似以风俗画为基础，实际上是一幅虔诚的作品，描绘的是《创世纪》中的一段话，暗指约瑟被他的兄弟们卖掉，因为他们的父亲雅各布偏爱约瑟，所以兄弟们嫉妒约瑟。作者描绘了故事中最戏剧性、最突出的一个特定时刻，约瑟的一个兄弟指着他们原本打算把约瑟留在井边的地方。尽管主题非常强烈，但艺术家还是为我们呈现了一幅色彩欢快的画面，其美学风格接近于意大利古典主义，在金色天空的宁静背景下，人物形象栩栩如生。

估价 1 800 - 2 000 EUR

编号 149 - 西班牙学校；17 世纪第二季度。 "沉默的圣母布面油画。重绘。它呈现了瑕疵和修复。尺寸：106 x 81 厘米；117 x 94 厘米（有画框）：106 x 81 厘米；117 x 94 厘米（框架）。圣像的主题是沉睡中的孩子，而他的母亲圣母正在爱抚他。这是以自然和温柔的态度将母亲和儿子的概念结合在一起，也是上帝之母在观察她儿子的神圣和超凡脱俗的性格。画家为我们呈现了一个在西方基督教中有着悠久传统的场景，画面采用了微妙的半色调渐变。自中世纪末期以来，艺术家们一直坚持以越来越强烈的方式来描绘基督与母亲之间的亲情纽带以及他们之间的亲密关系，这在文艺复兴时期以及巴洛克时期得到了鼓励，自然而然，在巴洛克时期，情感的渲染成为艺术创作的一大特点。几个世纪以来，这一特点变得越来越普遍。

估价 1 400 - 1 600 EUR

编号 150 - 西班牙或意大利流派，取材于 JACOPO BASSANO（意大利巴萨诺-德尔-格拉巴，约 1510-1592 年）；17 世纪。 "冬天的寓言布面油画。重新上色。尺寸：95 x 133 厘米；116 x 154 厘米（有框）。在这幅服装设计师的作品中，作者向我们展示了一群专注于不同工作的人。作者将画面分为不同的平面，其中大部分都是人物；有的人在吃饭，有的人在砍柴，有的人似乎在聊天，最后还有人在火边取暖。在最后一个镜头中，我们可以看到整个画面被白雪覆盖的群山。这一特点，再加上猪正在被宰杀的事实，表明作者不仅想通过雪，还想通过人物的行为来表现冬天。这种寓言体裁的描绘，通过表现一年四季的不同作品，在中世纪就已经存在，不过到了巴洛克时期，这种描绘又以一种新的体裁视角出现，它强调体裁绘画的价值，而将寓言人物置于背景之中。雅各布-巴萨诺（Jacopo Bassano）是这一领域的真正先驱，事实上他也是风俗画的先驱。因此，在 16 世纪，他创作了像我们这里展示的作品这样的作品，这些作品明显是风俗画，在构图上具有场景特征，从而将巴洛克风俗画的发展推进了近一个世纪。雅各布-巴萨诺是威尼斯绘画大师之一，他的父亲和儿子都是画家，擅长创作充满古装人物和动物的世俗和宗教作品，预示着这一流派在下个世纪的诞生。他在描绘人物、动物和场景方面的精准度和细节品味在当时已备受推崇。他的第一件有日期的作品可以追溯到 1528 年，大约在 1533 年，他已经在威尼斯，开始使用提香、丢勒、阿戈斯蒂诺-威尼斯诺和马康托尼奥-雷蒙迪的版画来创作，并将其演绎成自己的个人风格。次年，他通过安德烈亚-纳瓦格罗（Andrea Navagero）结识了更多有权势、更富有的客户，此时他的作品开始更多地受到拉斐尔的影响，并在 1540 年左右转向更接近帕尔米吉亚尼诺和莫雷托的风格。

估价 1 400 - 1 600 EUR

编号 151 - 路易斯-德-莫拉莱斯（LUIS DE MORALES）的工作室 "El divino"（巴达霍斯，1509 年 - 阿尔坎塔拉，1586 年）。神迹帆布油画，粘贴在画板上。作品边缘有添加物，画面有修复痕迹。尺寸：69 x 51 厘米；83 x 66 厘米（画框）：69 x 51 厘米；83 x 66 厘米（画框）。这幅作品的强烈虔诚感源于艺术家的冷静，他将主题简化为基本要素，以传递基督教信仰。前景中的半身基督在黑暗的背景中，被一种基于天主戒律、人工和定向光的照明所照亮。前面提到的冷静、清晰的构图赋予了画面极强的表现力，意在打动信徒的灵魂，这也表明这幅画很可能是为私人奉献而创作的作品。因此，绘画必须表现出这些圈子中流行的理想，宗教题材因此成为这一时期西班牙绘画的首选主题。 Ecce Homo》的主题属于耶稣受难系列，紧接着耶稣受难的情节。Ecce Homo "是彼拉多向众人介绍基督时说的一句话，翻译过来就是 "看这个人"，他用这句话嘲笑耶稣，并暗示基督的力量没有审判他的统治者的力量大。由于其技术特点，这幅作品接近路易斯-德-莫拉莱斯的美学主张。路易斯-德-莫拉莱斯是一位品质卓越、个性鲜明的画家，或许是 16 世纪下半叶西班牙画家中除埃尔-格列柯之外最出色的一位。虽然帕洛米诺认为他是佛兰德斯画家佩德罗-德-坎帕尼亚（Pedro de Campaña，1537-1563 年间居住在塞维利亚）的弟子，但他的训练却存在严重问题。当然，他笔触的细致入微和对风景的构思都源自佛兰德斯，而且他的大部分标志性主题都是中世纪晚期的传统。他可能不是在意大利旅行时认识这些人的，而可能是在瓦伦西亚，以便赶上伦纳德式的费尔南多-亚涅斯和费尔南多-德-拉诺斯以及拉斐尔式的维森特和胡安-马西普带来的新潮流。然而，莫拉莱斯绘画中最个人化的一面在于他笔下人物饱受煎熬、近乎歇斯底里的氛围，这种氛围更注重强烈的内心世界而非行动，充满了忧郁和禁欲主义的放弃，是 16 世纪西班牙改革运动（从较不正统的伊拉斯谟主义和阿伦布拉迪主义到更真正的神秘主义和特伦特主义）所带来的紧张宗教氛围的特征。莫拉莱斯被他的第一位传记作者安东尼奥-帕洛米诺（Antonio Palomino）称为 "天赐者"，因为他只画宗教题材，画风细腻精巧、他创作了大量祭坛壁画、三联画和单独的油画，这些作品满足了当时流行的宗教信仰，因此广为流传。尽管他的一些油画中包含引文和博学的文学信息，这是他与开明的客户（主要是巴达霍斯教区的主教）接触的结果，他曾为他们服务。另一方面，虽然菲利普二世似乎购买了他的一些作品作为礼物，但他在埃斯科里亚尔修道院（由菲利普二世召集）的存在却没有记录在案。莫拉莱斯的作品产量巨大，最常见和最受欢迎的圣像题材需求不断，这迫使他不得不维持一个大型作坊，他的两个儿子克里斯托巴尔和杰罗尼莫也在其中合作；这个作坊负责制作许多流传至今的复制品，这些复制品仍被认为是莫拉莱斯的亲笔作品。

估价 7 000 - 8 000 EUR

编号 152 - 安达卢西亚流派；19 世纪。 "圣母无原罪布面油画。这幅画的表面有重要的瑕疵。尺寸：196 x 147 厘米；206 x 162 厘米（框架）：196 x 147 厘米；206 x 162 厘米（框架）。这幅虔诚图像的主角是圣母玛利亚，她被表现为无暇，或无暇受孕。中世纪的基督教对圣母玛利亚是在没有原罪的情况下受孕的这一观点展开了激烈的争论。在 1854 年梵蒂冈第一次大公会议确定这一信仰教条之前的几个世纪，一些大学和公司就发誓要捍卫圣母的这一特权。在中世纪末期，人们需要将这一思想以圣像的形式表现出来，于是圣约翰的启示录中的妇女形象被采用，其中保留了一些元素，并对其他元素进行了修改（启示录中的妇女怀孕了，但不是圣母无原罪）。最终的图像于 16 世纪诞生，显然是在西班牙。按照瓦伦西亚的传统，耶稣会神父阿尔贝罗看到了圣母无原罪的景象，并向画家胡安-德-胡内斯描述了这一景象，以便他尽可能忠实地描绘出来。这是一个不断演变的圣像概念，有时与圣母加冕的主题联系在一起。圣母玛利亚身着白色外衣和蓝色斗篷，站立着，双手交叉放在胸前，脚下踩着月亮（纪念戴安娜的贞洁）和地狱之蛇（象征她战胜了原罪）。他的头顶像光环一样环绕着十二颗星星，象征着丰满，也暗指以色列的十二个部落。画中的这些形象大多与礼赞和诗篇中的玛利亚象征相伴，如神秘的玫瑰、棕榈树、柏树、封闭的花园、信仰方舟、天堂之门、象牙塔、太阳和月亮、密封的喷泉、黎巴嫩雪松、一尘不染的镜子、晨星等。

估价 2 000 - 2 500 EUR

编号 153 - 西班牙 Mannerist 画派；16 世纪下半叶。 "Quo vadis"。板上油画。恩加蒂亚达。尺寸：123 x 79 厘米：123 x 79 厘米。这幅作品是圣彼得生平中最著名、最具代表性的场景之一，尽管它所依据的是非正典文本来源。被称为《彼得使徒行传》的启示录文本可能是用希腊文写成的，大约写于 2 世纪，讲述了在尼禄的迫害下，使徒受到惊吓，决定逃离罗马，沿着阿庇安路逃跑。离开罗马时，耶稣背着十字架向他显现。彼得用一句著名的话 "Quo vadis, domine?"（字面意思是 "主啊，你要去哪里？"）质问耶稣，耶稣回答说，彼得拒绝殉道，决定再次殉道，并启程前往罗马，第二次被钉在十字架上。基督的牺牲让彼得蒙羞，他回到罗马，准备殉道，当然是被钉死在十字架上，但要脸朝下，以免与他的主人相提并论。在这个场景中，使徒和基督位于前景，面对着观众。彼得对耶稣的出现表现出惊讶的姿态，而耶稣则按照耶稣升天后显灵的惯例，身着白衣，默默地背负着他殉难的巨大十字架。在这两个人物的身后，是一幅佛兰德斯风格的大型全景图。整个祭坛的规模肯定不小，因为这幅画肯定占据了其中的一条 "街道 "或侧面部分，可能还有其他叙事场景，两侧是圣彼得的中央塑像，也可能是圣彼得的雕刻。最初的祭坛壁画很可能被放置在教区教堂的主祭坛上。无论是风景的处理还是服装的处理，都带有大量褶皱和 "皱巴巴 "的僵硬外观，这表明该作品吸收并借鉴了西班牙风格绘画的贡献。

估价 6 000 - 7 000 EUR

编号 154 - 17 世纪西班牙学派。胡安-德-阿雷拉诺（JUAN DE ARELLANO，桑托卡斯，1614 年-马德里，1676 年）圈子。花瓶布面油画。原装画布和担架框架。尺寸：43 x 33.5 厘米：43 x 33.5 厘米。这幅花卉静物画完美地融入了西班牙巴洛克风格，在质感、色彩，特别是有效的腾博会官方网站照明方面都做了华丽的处理，赋予了花卉一种存在感和立体感。花朵以红色、蓝色和白色为主色调，从半透明的玻璃花瓶中绽放出来，工艺精湛。这幅作品的处理技巧让我们可以将其与多产的胡安-德-阿雷亚诺联系起来，他是一位主要从事花卉画创作的艺术家，在用对比鲜明的色调创作感性的花束方面有着高超的技艺，其语言完全体现了西班牙巴洛克风格。胡安-德-阿雷亚诺的第一阶段致力于宗教绘画，之后他决定放弃人物画，专攻花卉画。从这个意义上说，有必要抄录传记作家和理论家帕洛米诺在谈到胡安-德-阿雷亚诺时所说的话。当被问及胡安-德-阿雷亚诺几乎只专注于花卉绘画时，他的回答是"因为在这方面我工作少，收入高"。帕洛米诺还提到，他可能曾在阿尔卡拉德埃纳雷斯逗留过，之后来到马德里，在胡安-德-索利斯的工作室工作。阿雷亚诺肯定意识到了花卉画在宫廷中的成功，因为宫廷中的花卉画爱好者市场主要是通过进口来滋养的。在他的作品中，我们可以看到胡安-凡-德-哈曼（Juan van der Hamen）传统的影子--他的学生安东尼奥-庞塞（Antonio Ponce）以更加正式和刻板的方式继承了这一传统，并向着更加复杂的巴洛克风格转变。他最初受到佛兰德斯风格的影响，尤其是丹尼尔-塞格斯（Daniel Seghers）的影响，这使他的作品拥有了一丝不苟的珍贵技法，并一直保持至今。此外，他还大量临摹了罗马人马里奥-努齐（Mario Nuzzi）的作品，他被称为马里奥-迪-菲奥里（Mario dei Fiori），是这一流派的最佳定义者之一，在西班牙享有盛誉。他从马里奥-努齐那里学到了更生动的笔法，使他的画作走向了上文提到的绚丽和奔放的方向。我们知道他在马德里市中心开了一家商店：1646 年，他就在阿托查街开了一家商店。这家商店成为了首都最重要的商店之一，他的作品为众多贵族所熟知和购买，这一点可以从保存下来的大量清单中看出。在他的工作室里，除了花卉画，还有其他类型的作品，如静物、肖像、风景、寓言和宗教题材。众所周知，他曾与其他艺术家合作，为阿雷亚诺的花卉作品中的人物作画，如弗朗西斯科-卡米洛（Francisco Camilo）和马特奥-塞雷佐（Mateo Cerezo）。在他的弟子中，有他的儿子何塞（José），他重复了父亲的模式，但技法不那么精细，表现出一定的干涩感和更柔和的色度。他的女婿巴托洛梅-佩雷斯-德拉德赫萨（Bartolomé Pérez de la Dehesa）继承了他对大自然的感性诠释，并将其运用到更宁静的构图中，继续创作花卉静物画。不过，在技法上，他更接近意大利画家。普拉多博物馆收藏了多达 11 幅胡安-德-阿雷亚诺的油画。其中大部分来自皇室收藏，也有泽维尔-拉菲特（Xavier Laffite）的遗产和莫里莱斯（Moriles）寡居女伯爵的捐赠。在普拉多的作品中，《Bodegón de frutas》是作者擅长花卉画的例外。

估价 4 000 - 5 000 EUR

编号 155 - 伦巴第学派；17 世纪后三叶。 "维罗纳的圣彼得殉难"。布面油画。尺寸：222 x 157 厘米：222 x 157 厘米。这幅作品在天空的处理上极富戏剧性，彩虹色调构成的色彩游戏产生了强烈的对比，这表明该作品可能属于 17 世纪后三叶。画面构图简单明了，表现了维罗纳的圣彼得殉难的场景。从美学角度看，该作品与弗朗切斯科-努沃罗内（Francesco Nuvolone，1609-1662 年，米兰）的绘画作品非常接近。米兰绘画的复兴得益于当地与伦巴第文艺复兴晚期的合作，艺术家来自其他地方，尤其是克雷莫纳，卡洛-弗朗切斯科-努沃罗内的父亲就来自克雷莫纳。因此，安布罗西亚纳学院的活动巩固了一种特殊而独特的风格。人们放弃了对曼纳主义的兴趣，转而追求巴洛克艺术，这种艺术对捕捉动态有着浓厚的兴趣，在许多情况下主张叙事性。维罗纳的圣彼得（意大利，1205-1252 年），多明我会殉教者，出生于一个追随凯撒异端的家庭。16 岁时，他被古斯曼的圣多米尼克的话语所吸引，亲手接受了多明我会的教规。完成教会培训后，彼得被任命为意大利卡萨尔人的耶稣福音传教士，他以虔诚和节俭的态度完成了这一任务，在整个意大利享有盛誉。有一天，圣洁的殉教者艾格尼丝、塞西莉亚和凯瑟琳出现在他的牢房里，他被训斥为违反禁令，欢迎女性进入他的牢房。圣人没有为自己辩护，承认自己是罪人，并接受了惩罚。在受罚的孤独中，他加强了学习和祈祷，有一天，他在十字架前卸下了自己的包袱，问道："主啊，我做了什么坏事，让你看到我现在的样子？然后，基督安慰他说："我，彼得，我做了什么坏事呢？最后，真理战胜了他，教皇格里高利九世任命他为总宗教裁判官，允许他继续在罗马、佛罗伦萨和米兰开展传教工作。最后，他在穿越巴拉西纳森林返回米兰的途中被杀害。凶手用斧头砍他的后脑勺，用刀刺他的胸部，这些武器经常出现在圣人的画像中。异端主教达尼埃莱-达-朱萨诺（Daniele da Giussano）策划了这起犯罪，并向凶手支付了 40 磅米兰镑，使他的死与基督的死遥相呼应。

估价 3 500 - 4 000 EUR

编号 156 - 16 世纪末至 17 世纪初的威尼斯画派。 "绑在柱子上的基督布面油画。有衬里。尺寸：117.5 x 79 厘米；130 x 93 厘米（框架）：117.5 x 79 厘米；130 x 93 厘米（框架）。柱子上的基督或绑在柱子上的基督是一个福音场景，也是基督教艺术中经常出现的圣像主题，属于耶稣受难系列。该场景发生在耶路撒冷的罗马权力中心本丢-彼拉多（Pontius Pilate）的禁卫厅，耶稣基督在经过不同的考验（亚那、该亚法和希律王）后，第二次也是最后一次来到这里。在这段《圣经》情节中，耶稣基督被展示在宁愿释放巴拉巴也不愿释放他的人面前。他被剥去衣服，绑在柱子上，遭受嘲弄和折磨，包括鞭打和荆棘加冕。从风格上看，这幅作品与威尼斯画派的特点有关，因为它在很大程度上沿袭了保罗-维罗内塞（Paolo Veronese）的风格模式。作品的风格特点是奢华，古典建筑衬托出场景，冷色调、浅色调（灰色、银色、蓝色和黄色）的色彩丰富而柔和。服装华丽，气氛奢华，人物众多，场面宏大，但始终质量上乘，完美地捕捉了不同模特的个性。在他的绘画中，我们可以看到某种装饰主义的倾向和更大程度的构图自由。他对完美的绘画表现出极大的兴趣。

估价 2 500 - 3 000 EUR

编号 157 - 西班牙或意大利流派；17 世纪。 "保拉的圣弗朗西斯布面油画。尺寸：29 x 23 厘米；37 x 31 厘米（有框）。保拉的圣方济各（1416-1507 年）是一位意大利隐士，也是迷你人骑士团的创始人。他很小的时候就开始了在家乡保拉镇郊外的隐士生活。他逐渐因自己的奇迹而声名鹊起，到 1450 年左右，他的身边已经有了一群追随者。他的团体不断壮大，1470 年，隐修士会（即未来的迷你修会）获得了孔森扎大主教的教区批准。四年后，教皇西斯笃四世授予他们宗座批准。1483 年，保拉的方济各应国王路易十一的请求，奉教皇之命前往法国。在那里，他代表罗马教廷开展了一些外交工作，与此同时，他还努力争取罗马教廷批准他的教会制定教规，最终于 1493 年获得批准。直到去世，保拉的方济各一直受到法国君主的支持和保护，在他去世几年后，卡拉布里亚、图尔塞和亚眠启动了他的封圣程序，众多见证人为他的生平和奇迹作证。他最终于 1513 年被封圣，1519 年被封为圣徒。这位圣人的圣像非常丰富。最著名的圣像是法国画家让-布尔迪雄（Jean Bourdichon）的作品，他是保拉的弗朗西斯的同时代人，这幅画激发了许多画家的创作灵感。在这幅画中，圣人被描绘成一位面容严肃、留着浓密灰白胡须的老人，身着习惯服，手拄一根简单的拐杖。

估价 1 100 - 1 300 EUR

编号 158 - JEAN RAOUX（蒙彼利埃，1677 年-巴黎，1734 年）的 Circle。 "维斯特人布面油画。重新上色。它呈现了修复效果。尺寸：114 x 146 厘米；130 x 161 厘米（有框）。这幅历史主义主题的画作表现了一群美丽优雅的年轻女性，她们身着充满褶皱的袍子，以避免僵硬。这些年轻女子站在祭坛旁，祭坛上有一簇初生的火苗，火苗的温度与背景中青铜人物的镀金相协调。艺术家忠实于历史，再现了一个向外开放的神庙内部，揭示了其圆形平面图。从文艺复兴时期开始，描绘女祭司（专门祭祀维斯塔女神的女祭司）的作品十分常见。从美学角度看，这件作品与画家让-拉乌（Jean Raoux）的画作非常接近，后者在经过常规培训课程后，于 1717 年作为历史画家成为学院成员。在此之前，他在意大利威尼斯朱斯蒂尼亚尼-索利尼（Giustiniani Solini）宫殿三年期间创作的装饰画以及旺多姆大主教委托创作的架上绘画《人类的四个时代》（国家美术馆）已经为他赢得了声誉。拉乌专注于后一种题材，拒绝画肖像画，除非是人物肖像。他的作品包括一系列长长的《四季图》、《时序图》、《元素图》或《欢乐和英勇场景图》，在表现这些场景方面，他被年轻的竞争对手华托远远超越。在英国逗留（1720 年）后，他的大部分时间都在圣殿度过，并在那里装饰了几个房间。1734 年，他在巴黎去世。他最好的学生是谢瓦利埃（Chevalier）和蒙蒂迪埃（Montdidier）。波利（Poilly）、莫约（Moyreau）、杜普伊（Dupuis）等人对他的作品进行了大量记录。

估价 4 000 - 4 500 EUR

编号 159 - 塞维利亚学派；17 世纪下半叶。壁画布面油画。有衬里。尺寸：94 x 145 厘米；160 x 110 厘米（框架）：94 x 145 厘米；160 x 110 厘米（画框）。在这幅风景画中，作者将圣母和耶稣的身体置于三角形构图的中心。画家将圣母脸部的垂直线和基督身体的轮廓线与圣母手臂的水平线对立起来，使画面具有很强的稳定感，并引入了画面中的其他人物。对基督解剖结构的完美描述和经典化无疑来自于对生活的观察，而其他人物的姿态则给作品增添了戏剧感。与场景的戏剧性相比，这幅作品笼罩在一片明显的黑暗之中，只剩下从身体和肉色中散发出的不真实的光亮，尤其是基督和尼哥底母的身体，后者身着红色外衣，为场景增添了温暖。必须指出的是，从圣像学的角度来看，这件作品介于通常的《圣母像》和《基督下葬》之间，艺术家以完全个人化的叙事方式丰富了这一场景。根据帕诺夫斯基的说法，《圣母像》的肖像画源于拜占庭 Threnos 的主题，即圣母对耶稣尸体的哀悼，以及《谦卑的圣母》。最早发现这一主题可能性的艺术家是德国雕塑家，第一件现存的作品是在科堡市发现的，约创作于 1320 年。随着时间的推移，这种圣像在整个欧洲传播开来，到了 17 世纪，在反宗教改革之后，它成为虔诚绘画中最重要的主题之一。 17 世纪，巴洛克风格进入塞维利亚画派，自然主义战胜了文艺复兴时期的理想主义，画风变得松散，并在美学上有了更多的自由。此时，无论是从作品的质量还是塞维利亚巴洛克绘画的原始地位来看，该画派都达到了最辉煌的时期。因此，在向巴洛克风格过渡的过程中，巴洛克风格后来在 18 世纪奠定了基础。这要归功于塞维利亚作为印度群岛主要港口的战略地位。来自美洲的货物转运不仅丰富了这座城市，也使其成为当时最国际化的城市之一。

估价 1 300 - 1 500 EUR

编号 160 - 沿用 VELÁZQUEZ 模型；十九世纪。 "马背上的 Infante Baltasar Carlos"。布面油画。背面有修复和补丁。尺寸：85 x 70.5 厘米；94.5 x 81.5 厘米（有画框）：85 x 70.5 厘米；94.5 x 81.5 厘米（有框）。

估价 1 200 - 1 400 EUR

编号 161 - 德国学派；15 世纪。 "死亡纪念多色木雕。呈现修复效果。尺寸：17 x 36 x 12 厘米：17 x 36 x 12 厘米。在这件圆雕作品中，我们可以欣赏到一个身材娇小、体态圆润的儿童倚靠在一个骷髅头上。作者成功地将婴儿的形象与代表死亡的头骨结合在一起，给观众带来极大的震撼。在这件雕塑作品中，"生命 "的概念与 "危险 "的概念融为一体，"生命 "安详地躺在 "死亡 "的怀抱中，而 "死亡 "却浑然不觉。这件雕塑属于虚无主义流派，对他来说非常重要。生命的短暂是巴洛克艺术家最为关注的主题之一。虚荣 "谴责了知识的相对性以及人类受制于时间流逝和死亡的虚荣心。它的标题和概念与《传道书》中的一段话有关："vanitas vanitatum omnia vanitas"（"虚荣的虚荣，一切都是虚荣"）。与欧洲其他国家一样，雕塑在 17 世纪的德国扮演着重要角色。雕塑出现在公共场所、宫殿和私人住宅、教堂和大教堂、政府大楼等，反映的主题也多种多样，从传统的宗教、神话和历史英雄到名人、政治家等。从形式上看，这些作品的构图非常自由，总是充满活力，在表现上有明显的不稳定性，符合巴洛克典型的曲线美。因此，正如我们在这里所看到的，人物的特点是宽大的褶皱、手势或戏剧性的构图、打破构图的正面性、由解剖和运动决定的动态线条等。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 162 - 意大利流派；18 世纪。 "圣彼得-阿尔布埃斯的殉难布面油画。重新着色。经过修复。它保留了当时的画框。尺寸：65 x 49 厘米；81 x 64 厘米（框架）：65 x 49 厘米；81 x 64 厘米（框架）。佩德罗-德-阿尔布埃斯，又名佩德罗-德-阿尔布埃斯（Pedro de Arbués，约 1441 年至 1485 年 9 月 17 日）是西班牙罗马天主教牧师和奥古斯丁教士。他曾担任西班牙宗教裁判所的官员，直到 1485 年在萨拉戈萨的 La Seo 大教堂被据称是犹太人和皈依者谋杀。民众对他的敬仰之情迅速升温。他的死极大地帮助了托马斯-德-托克马达将军（Tomás de Torquemada）打击异教徒和犹太人的行动。佩德罗-德-阿尔布埃斯出生于萨拉戈萨地区的埃皮拉，或许曾在韦斯卡学习哲学，但后来凭借奖学金前往博洛尼亚的西班牙圣克莱门特学院学习，该学院是博洛尼亚学院的一部分。1473 年，他在担任道德或伦理哲学研究教授期间获得博士学位。回到西班牙后，他成为了拉塞奥（La Seo）大教堂普通教士分会的一名成员，并于 1474 年在那里举行了宗教仪式。大约在这个时候，费迪南德和伊莎贝拉从教皇西斯笃四世那里获得了一份教皇诏书，要求在他们的王国建立一个法庭来搜查异教徒，14 世纪的阿拉贡首次在西班牙建立了宗教裁判所，以对抗天主教异端。1485 年 9 月 14 日，佩德罗在大教堂里遭到袭击，当时他跪在祭坛前，身穿盔甲，因为他知道自己的工作有很大风险。尽管他戴着头盔，外衣下还穿着锁子甲，但还是在 9 月 17 日因伤势过重而去世。他的遗体被安葬在专门为他建造的小教堂中。

估价 1 400 - 1 800 EUR

编号 163 - 传为胡安-德-安奇埃塔（JUAN DE ANCHIETA，阿兹佩蒂亚，吉普斯夸，约 1540 年--潘普洛纳，1588 年）所作。圣人多色木雕。呈现修复效果。尺寸：95 x 42 x 24 厘米：95 x 42 x 24 厘米。该雕像表现的是一位长发飘飘的年轻女性形象，象征着她被金色幔帐所覆盖的处女之身。衣服通过织物的褶皱产生了一定的动感，使其体态丰满。雕塑的背面没有加工，这表明它是一件只供正面观赏的雕塑，很可能是当时常见的大型雕塑群的一部分。从美学角度看，这件作品在面部特征的雕刻上非常精致，显示了艺术家的学识。根据其风格，这件作品可归属于胡安-德-安奇埃塔，他是巴洛克时期的雕塑家，属于罗马派。罗马派是西班牙风格主义的一个流派，明显受到在罗马工作的意大利作家，尤其是拉斐尔和米开朗基罗的影响。罗马主义风格的特点是不朽和有力的解剖，在这件雕刻作品中可以清楚地看到这些特点。事实上，胡安-德-安切塔很可能曾在意大利接受过培训，因为他的风格受到了意大利大师的影响，尽管没有任何文献资料可以证明他的这一行程。1565 年，安切塔来到了巴利亚多利德，但不久之后他又来到了布里维斯卡，可能是与加斯帕尔-贝塞拉（Gaspar Becerra）合作为圣克拉拉修道院的教堂创作祭坛画。事实上，安切塔的风格受到了贝塞拉风格的影响，并融入了当代罗马雕塑的古典主义元素。据说这位雕塑家在 1558 年左右与贝塞拉再次合作，创作了一幅祭坛画。该作品经过修复。

估价 8 000 - 9 000 EUR

编号 164 - 意大利流派；16 世纪。 "圣杰罗姆陶器。有修复和断裂。尺寸：22 x 7 x 8 厘米：22 x 7 x 8 厘米。在这件粘土雕塑作品中，作者向我们展示了圣杰罗姆的虔诚形象，没有羽毛、狮子、石头或红衣主教的帽子等圣像属性。艺术家根据身体及其特征塑造了这一形象。脸部留着胡须和长发，显示出是一位老人。然而，躯干和腿部的肉色却呈现出肌肉紧绷的效果。这种理想化的躯体非常容易让人联想到米开朗基罗的美学理念，事实上，这幅作品不仅在前面提到的躯体造型上体现了这种风格的影响，而且在作品的动作上也体现了这种风格的影响，这一点从圣人一条腿折叠、另一条腿支撑身体重量的姿势中可以明显看出，圣人的姿势以自然的方式折叠腹部，从而显示出作者对人体解剖学的了解。另一个体现作者技艺的例子是将外衣折叠在斗篷上，这项工作一直保留在作品的背面，因此即使在观众看不到的地方，也能看出作者精心的技术练习。事实上，从中间可以看到，底座是连接在一起的，这表明该雕像是为从正面观看而制作的。圣杰罗姆于 347 年出生在意大利阿奎莱亚附近。他曾在罗马接受训练，是一位出色的修辞学家和通晓多种语言的人。他十九岁时接受洗礼，375 至 378 年间，他遁入叙利亚沙漠，过着锚定信徒的生活。382 年，他回到罗马，成为教皇达马苏斯的合作者。这位著名的圣人通常被描绘在山洞里或沙漠中。在这幅画中，他手持经书，做出冥想的姿态，这也是圣人隐居沙漠的象征。他所穿的红色袍子反映了使他成为红衣主教的传统，而他书写的形象则暗指圣人将《圣经》翻译成拉丁文，自特伦特大公会议以来，《圣经》一直被视为唯一的官方译本。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 165 - 德国或法国学派；十二至十三世纪。基督青铜部分镀金保存完好。手指有瑕疵。尺寸：18 x 16 x 4 厘米：18 x 16 x 4 厘米。青铜雕像，表现的是三颗钉子的基督，头部斜靠在手臂上。躯体缺乏罗马时期虔诚艺术中常见的自然主义风格。 .尽管由于时代的原因，我们会发现自己面前的这件哥特式作品仍然忠实于罗马式的解决方案：身体以一种合成的方式呈现，将元素抽象化，放大了手和头，使其成为最想表现的部分。大量的切口凿穿了身体，勾勒出肋骨、头冠和布料的细节，为青铜带来了极大的丰富性。在罗马式时期，雕塑最常见的构思是作为建筑的一部分，就像哥特式时期一样。不过，也有独立雕塑的例子，最常见的是耶稣受难像和圣母圣婴像（当时的圣人万神殿还很小）。有两种模型，即 "colobium "和 "perizonium"。第一个模型是被钉在十字架上的基督，他还活着，穿着长袍，钉着四根钉子。这是一种稀有的模型，因为它只在欧洲某些地区制作（在西班牙，只在阿拉贡王室，尤其是在加泰罗尼亚，但总是与第二种模型共存）。另一方面，"perizonium "也是一个钉着四根钉子的十字架上的基督，或生或死，但身着纯洁之衣。部分保留了镀金。

估价 1 200 - 1 500 EUR

编号 166 - 意大利学校；约 1840 年。 "牧羊人的报喜"。布面油画。保留原画布。画框略有瑕疵。尺寸：44.5 x 58.5 厘米；64 x 79 厘米（画框）：44.5 x 58.5 厘米；64 x 79 厘米（画框）。这一圣经主题在文艺复兴时期得到特别处理。它表现了圣加布里埃尔在耶稣诞生时向牧羊人显灵的情景，这一情节在《路加福音》中有所叙述。在这幅画中，农民们被拉近的身体被巧妙地用光线和线条塑造出来，冷色调的反光与暖色调的衣服和肉色形成鲜明对比。天使迸发出耀眼的光芒，宣布了这一好消息。这幅画是我们艺术中最真实、最个人化的范例之一，因为它的构思和表现形式都源于人民和他们最深切的感受。当时，国家经济百废待兴，贵族没落，教士赋税沉重，是修道院、教区和教士与平信徒联合会鼓励绘画发展，作品有时由民众募捐资助。因此，绘画必须表现这些环境中的主流理想，而这些理想非宗教理想莫属。当时，反宗教改革的教义要求艺术使用写实的语言，以便信徒能够理解和认同所描绘的内容，并要求艺术表现具有强烈的情感内涵，以提高人们的热情和献身精神。因此，宗教题材成为主题。

估价 800 - 1 000 EUR

编号 167 - 巴托洛梅-埃斯特巴恩-穆里略（BARTOLOMÉ ESTEBÁN MURILLO，塞维利亚，1617 - 1682 年）画派。 "饼与鱼的奇迹布面油画。尺寸：57 x 131 厘米；64 x 137 厘米（框架）。这件作品沿用了塞维利亚绘画大师穆里略（Murillo）在 1669-1670 年间创作的绘画模式。倍增鱼饼的奇迹》目前收藏在塞维利亚的圣卡里达教堂和医院中。原作由 Don Miguel de Mañara 委托创作。人们对穆里略的童年和青年时期知之甚少，只知道他在 1627 年失去了父亲，1628 年失去了母亲，因此被姐夫收养。1635 年左右，他肯定开始了学徒生涯，很有可能是在胡安-德尔卡斯蒂略（Juan del Castillo）那里学画，后者娶了他的一个表亲。按照当时的惯例，这种工作和艺术关系持续了大约六年。1645 年结婚后，他开始了辉煌的职业生涯，逐渐成为塞维利亚最著名、最受欢迎的画家。据记载，他唯一的一次旅行是在 1658 年，当时穆里略在马德里待了几个月。可以想象，在宫廷期间，他一直与居住在那里的画家保持着联系，如委拉斯开兹、苏尔巴兰和卡诺，而且他有机会接触到皇宫中的绘画藏品，这些藏品是所有宫廷艺术家研究的重要课题。尽管很少有文献记载他的晚年生活，但我们知道他的生活很惬意，这使他能够保持较高的生活水准并拥有几个学徒。在成为这座城市的头号画家，甚至在名气上超过了苏尔巴兰之后，他决心提高当地绘画的艺术水平。1660 年，他决定与弗朗西斯科-埃雷拉-埃尔-莫佐（Francisco Herrera el Mozo）一起创办一所绘画学院，他是学院的主要推动者。

估价 900 - 1 000 EUR

编号 168 - 安达卢西亚流派；17 世纪晚期。 "基督与圣餐的属性"。镶板油画。尺寸：44 x 21 厘米：44 x 21 厘米。在这幅作品中，作者向我们展示了基督的光辉形象。耶稣位于画面中央，被放置在一个代表世界的蓝色大球上。他的一只手拿着十字架，另一只手拿着圣餐的标志。在这一全景图中，安达卢西亚画派在被称为黄金时代的时期所发挥的主导作用是显而易见的；该画派拥有一系列无可争议的大师，他们能够在作品中将非凡的技术质量和宗教深度结合起来，与他们所处时代的氛围保持一致，完全符合客户的口味，客户对宗教题材的作品比对世俗委托的作品更感兴趣，这标志着与其他欧洲国家的作品之间的巨大差异。另一方面，值得注意的是，塞维利亚在 "大发现 "之后成为印度群岛的门户和港口，其经济发展和繁荣很快反映在艺术上；从本世纪头几十年起，不同出身的大师开始涌入塞维利亚，寻找美国市场和潜在的塞维利亚客户，他们越来越被来自意大利的新艺术形式所吸引。意大利、法国和佛兰德斯的艺术大师们对新美学有着不同程度的了解，他们与来自卡斯蒂利亚的艺术家们交替出现，后者也接触到了意大利半岛盛行的艺术潮流，从而成为艺术市场上最炙手可热的艺术家。他们的教诲以及安达卢西亚文化本身所固有的古典底蕴构成了安达卢西亚雕塑流派的基础。

估价 800 - 1 000 EUR

编号 169 - 西班牙学校；19 世纪末。 "斗牛士肖像。布面油画。保存状况良好。尺寸：53 x 40 厘米；65 x 52 厘米（框架）：53 x 40 厘米；65 x 52 厘米（画框）。这是一幅半身肖像画，画中的男性人物举止稳重，身材魁梧。他的衣着显示出这是一个斗牛士的形象，这一特征与作品所传达的心理印象相协调。这幅作品是 19 世纪下半叶和 20 世纪前三叶西班牙地方主义蓬勃发展的一部分，当时，一种具有浪漫主义、服饰主义传统和写实细致风格的艺术得到了发展，其重点是描绘反映新的民间传说的主题、题材和人物。在这种情况下，画家们试图反映本国的类型和风俗习惯，这些类型和风俗习惯使其与众不同、独一无二，从而证明了自己的根基，尤其是证明了受到城市地区显著增长和外来新时尚强加威胁的传统和着装及行为方式。因此，艺术，从根本上说是绘画艺术，在某种程度上成为了一种表达方式，能够让全国各地的人们了解地区特色。

估价 400 - 500 EUR

编号 170 - 西班牙学校；约 1790 年。静物布面油画。有衬里。有穿孔。尺寸：47 x 57 厘米；60 x 70 厘米（画框）：47 x 57 厘米；60 x 70 厘米（画框）。在一个昏暗而不确定的室内空间中，在一块横板上，作为桌子，只摆放了三个元素：一个装着酒、橄榄和肉的玻璃杯，所有这些都放在一块白布上。尽管构成这幅静物画的元素并不多，但我们却能欣赏到作者的精湛技艺，作品呈现出多种触感。这幅作品继承了起源于十七世纪前几十年的西班牙静物画派。因此，我们看到的是一幅构图密集的静物画，各种元素被安排在一个不确定的空间里，通过光与影的游戏华丽地构建起来，是一幅品质精湛的作品。巴洛克时期的西班牙静物画派在古董市场、收藏家和艺术史学家中都享有很高的声誉，它的发展令人惊叹，摆脱了 16 世纪的辉煌，在完全巴洛克和清晰可辨的风格中不断进步。它呈现了穿孔。

估价 1 300 - 1 500 EUR

编号 171 - 西班牙学派；十八世纪。 "圣胡安布面油画。尺寸：70 x 47 厘米；80 x 57 厘米（框架）。在这幅作品中，圣胡安-包蒂斯塔全身赤裸，披着红色的袍子，暗示着他的殉难，还带着芦苇十字架和法器，后者几乎无法辨认。艺术家将圣人的形象放在了最突出的位置，实际上是以一种独特、细腻和响亮的方式来表现的。画作的质量上乘，红色幔帐的折叠细腻，光影的变化使整个画面流畅自然。圣人圣像中常见的羔羊使场景更加完整。关于施洗约翰，《福音书》说他是撒迦利亚祭司和圣母玛利亚的表弟伊丽莎白的儿子。他年纪轻轻就隐居到犹太荒漠，过着苦行僧的生活，宣讲忏悔之道，并从接受他洗礼的耶稣身上认识到了先知们所预言的弥赛亚。耶稣受洗一年后，即 29 年，约翰被加利利的元老希律-安提帕逮捕并囚禁，因为他胆敢指责希律-安提帕与他的侄女和弟媳希罗底的婚姻。最后，圣约翰被砍头，他的头颅被送给了莎乐美，作为对他美丽舞蹈的奖赏。这位圣人以两种不同的形象出现在基督教艺术中：童年时是耶稣的玩伴，成年后则是一位苦行传教士。我们在这里看到的成年圣约翰在东方艺术中穿着骆驼皮麻布，而在西方则换成了羊皮，胳膊、腿和部分躯干裸露在外。他有时会披上红色斗篷，在最后审判时的代祷场景中也是如此，这暗指了他的殉难。在拜占庭艺术中，他被描绘成一个长着大翅膀的天使，手中托着一个托盘，托盘上放着他被砍下的头颅。然而，他在西方艺术中的形象却大相径庭。最常见的是一只羔羊，暗指耶稣基督，他通常手持一个芦苇十字架和一个印有 "Ecce Agnus Dei "字样的法器。

估价 1 300 - 1 500 EUR

编号 172 - 西班牙学校；十九世纪。 "跷跷板布面油画。有衬里。尺寸：46.5 x 35 厘米；62 x 50 厘米（框架）：46.5 x 35 厘米；62 x 50 厘米（框架）。这件作品沿用了戈雅制作的挂毯漫画之一的模型。根据戈雅基金会的研究，"大约在 1856 年或 1857 年，这个纸盒从皇家挂毯工厂被带到马德里皇宫。1870 年，皇宫地下室中的挂毯漫画被转移到普拉多博物馆，当时称为绘画和雕塑博物馆。当时，戈雅的六幅漫画丢失了，其中就包括这幅。这个纸盒多年来下落不明，直到 1975 年才被私人收藏带到费城艺术博物馆。它是由安娜-沃伦-英格索尔捐赠的"。弗朗西斯科-德-戈雅是世界艺术史上最杰出的画家之一，他的第一堂素描和绘画课是在何塞-卢赞-马丁内斯（José Luzán Martínez）那里上的。跟随这位老师学习三年后，1763 年，17 岁的戈雅向圣费尔南多皇家学院申请养老金。当时，他似乎已成为从宫廷归来的弗朗西斯科-巴耶乌的学生。然而，戈雅没能进入学院，1766 年再次尝试时也是如此。1770 年左右，他开始了意大利之行，以扩大自己的培训范围并提高自己的能力。在那里，他留下了自己早期喜欢怪诞和讽刺画的证据。在经历了漫长的职业生涯后，戈雅被比森特-洛佩斯（Vicente López）取代，成为了卡马拉画家，并进入了一段与世隔绝、苦闷和疾病缠身的时期，这导致他隐居在马德里郊外的索尔多金塔（Quinta del Sordo），并在那里创作了他的巅峰之作：《黑画》（Pinturas Negras）。戈雅厌倦了斐迪南七世在西班牙推行的专制主义，最终于 1824 年前往法国，在那里与流亡的自由派朋友会面。他在那里度过了最后的岁月，并创作了他的最后一幅作品《波尔多的奶妈》，在这幅作品中，他预见到了印象派。如今，从普拉多博物馆到纽约大都会博物馆、圣彼得堡冬宫、巴黎卢浮宫或伦敦国家美术馆，他的作品已成为世界上最重要的艺术馆的一部分。

估价 1 000 - 1 200 EUR

编号 173 - 西班牙学校；约 1820 年。 "军事场景布面油画。尺寸：57 x 37 厘米；66 x 44 厘米（画框）：57 x 37 厘米；66 x 44 厘米（画框）。这幅作品以军事为主题，其中并没有表现战争行为，也没有通常意义上的英雄主义，而是以征兵为主题。作品的主角是一名军人，他正在拥挤的候车室里检阅一名新兵。这幅作品在很大程度上让人联想到莱昂纳多-阿伦扎（Leonardo Alenza），他最初跟随胡安-安东尼奥-里贝拉（Juan Antonio Ribera）学习绘画，并在圣费尔南多皇家学院参加何塞-德-马德拉索（José de Madrazo）教授的色彩和构图课程。1842 年，他被授予圣费尔南多功勋院士称号。他擅长创作小幅古装作品和充满生命力的肖像画，他知道如何赋予模特以表现力和心理深度。他是马德里古装画派的杰出革新者，对社会持批判态度，乐于反映生活中的矛盾冲突，这与他同时代的安达卢西亚人的善意观点截然不同。他是一位出色的绘图师，具有令人惊叹的从容不迫的天赋，能够以非常经济的方式勾勒出眼前的任何场景，这使他能够作为绘图师与当时的重要出版物合作。他的油画作品以松散、染色为基础，以及对光线的巧妙处理和对色彩的精通而著称。正如我们在这里看到的，他的调色板以棕色和柔和的色调为主，这是更为冷静的戈雅的遗产，也就是 "黑画 "的遗产，他在许多作品中选择的主题也接近于此。事实上，奥雷里亚诺-德-贝鲁特认为他是受戈雅影响的画家中最重要的一位。他的笔触松散，根据富有表现力的色点来配置画面。他不进行描绘，而是专注于人物的面部，几乎是一种表现主义的处理方式。莱昂纳多-阿伦扎的作品被广泛收藏于普拉多博物馆，马德里浪漫主义博物馆和市立博物馆、国家图书馆、Lázaro Galdiano 美术馆和 Cerralbo 侯爵美术馆也收藏有他的作品。

估价 1 000 - 1 200 EUR

编号 174 - 西班牙学派；十八世纪。 "圣母领报布面油画。有瑕疵和穿孔。画框经过重绘。尺寸：126 x 100 厘米；135 x 110 厘米（框架）：126 x 100 厘米；135 x 110 厘米（框架）。在这幅画中，我们看到一位圣母拿着一本书，低着头以示谦卑，双手交叉放在胸前，表示她顺从地接受了神圣的信息。人物位于前景，背景为中性的深色，头部后方的光照较强，采用了当代肖像画和虔诚画的典型构图，使画面更加贴近观者，试图打动在画面前祈祷的信徒的心灵。关于圣母领报的主题，圣像传统包括一个更具叙事性的场景，其中大天使加百列出现在圣母面前，告诉她自己怀孕的消息。圣母通常被放置在祭坛或桌子后面，祭坛或桌子上通常摆放着一本书或白百合花，这些都是与圣母相关的圣像元素。然而，几个世纪以来，这些元素开始减少，这一点可以从一些重要的作品中看到，这些作品收集了相同的圣母报喜图，完全以圣母的形象为基础。它呈现出缺陷和穿孔。

估价 1 800 - 1 900 EUR

编号 175 - 安达卢西亚画派；十九世纪后三叶。 "比利亚努埃瓦的圣托马斯布面油画。它保留了时代的框架。尺寸：145 x 96 厘米；157 x 108 厘米（画框）：145 x 96 厘米；157 x 108 厘米（画框）。维拉诺瓦的圣托马斯（1486-1555 年）是一位奥古斯丁修士和禁欲主义牧师，瓦伦西亚大主教，西班牙国王查理一世的顾问和忏悔者，也是萨拉曼卡、布尔戈斯和巴利亚多利德的主教。他最有辨识度的肖像元素之一是他手中的硬币，这暗指了他最有价值的特点之一：他对穷人的慈善。这幅画遵循了 "维拉诺瓦的圣托马斯施舍 "这幅画的模式，这幅画创作于 1678 年左右，目前保存在同一博物馆中。穆里略是为同一修道院的一个小教堂绘制这幅画的，也是教堂绘画中唯一不属于方济会的圣人。虽然维拉诺瓦的圣托马斯是奥古斯丁派的圣人，但由于他是一位施舍的圣人，而事实上施舍是方济会的主要活动之一，因此他出现在这组画作中是合理的。另一个原因是他的出身，因为他是巴伦西亚的圣人，而在塞维利亚的卡普钦修会中，有许多来自巴伦西亚的修士，对比利亚诺瓦的圣托马斯的虔诚在他们中间非常普遍。与穆里略的作品一样，圣人出现在一个室内建筑中，光影交错的平面营造出一种壮观的深度感。圣人放弃了他的神学研究（左边桌子上的书代表了他的研究），全身心地投入到慈善事业中。在前景左侧，我们看到了穆里略画作中最吸引人的一组，一个女人和她的孩子，非常自然和甜美。

估价 1 800 - 1 900 EUR

6 月 26 日--古代大师

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编号 160 - 沿用 VELÁZQUEZ 模型；十九世纪。 "马背上的 Infante Baltasar Carlos"。布面油画。背面有修复和补丁。尺寸：85 x 70.5 厘米；94.5 x 81.5 厘米（有画框）：85 x 70.5 厘米；94.5 x 81.5 厘米（有框）。

6 月 26 日--古代大师

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编号 160 - 沿用 VELÁZQUEZ 模型；十九世纪。 "马背上的 Infante Baltasar Carlos"。 布面油画。 背面有修复和补丁。 尺寸：85 x 70.5 厘米；94.5 x 81.5 厘米（有画框）：85 x 70.5 厘米；94.5 x 81.5 厘米（有框）。

编号 160 - 沿用 VELÁZQUEZ 模型；十九世纪。 "马背上的 Infante Baltasar Carlos"。布面油画。背面有修复和补丁。尺寸：85 x 70.5 厘米；94.5 x 81.5 厘米（有画框）：85 x 70.5 厘米；94.5 x 81.5 厘米（有框）。