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164 résultats

jeu. 23 mai

Lot de médailles patriotiques huit pièces, dont Guillaume II, à l'exposition allemande de Londres en 1861, revers le bâtiment de l'exposition, tailleur de poinçons W. Mayer Stuttgart, bronze, D 70 mm ; Friedrich Wilhelm III, à la mémoire des guerres de libération, revers scène d'adieu avec soldats, 1813-1913, tailleur de poinçons A. Krüger FEC, bronze, D 60 mm ; Friedrich Wilhelm III, à la mémoire des guerres de libération, revers scène de bataille 1813-1913, bronze, D 59 mm ; Friedrich Wilhelm III et Wilhelm II, à l'occasion du centenaire des guerres de libération, revers aigle avec couronne impériale sur un promontoire rocheux 1813-1913, bronze, D 60 mm ; Frédéric le Grand, revers aigle en vol, 24 janvier 1712-1912, bicentenaire de la naissance de Frédéric le Grand, bronze, D 60 mm ; comte de Wylich et Lottum, général d'infanterie prussien, ministre d'État secret et maître de manège, revers dieu de la guerre Mars avec les armoiries de la famille, le jour de ses 50 ans de service, le 9. avril 1834, bronze, D 50 mm ; Leopold Friedrich, duc d'Anhalt, à la construction du pont sur l'Elbe à Dessau, revers le pont sur l'Elbe et la déesse du fleuve avec corne d'abondance et rame, 9. décembre 1836, les citoyens de Dessau, bronze, D 43 mm, ainsi que Leopold Friedrich, 25 ans de règne du duc d'Anhalt, revers un ange ailé bénit la tête de la déesse de la ville de Dessau, le conseil municipal et les citoyens de Dessau, 9 août 1842, bronze, D 44 mm, tous en bon état.

Estim. 100 - 150 EUR

mar. 04 juin

Sceau-cylindre babylonien ancien d'Ili-iddinam, servante de la déesse Nin-si'anna. Vers 1900-1600 av. J.-C. Avec trois personnages debout ; accompagné d'une ancienne note d'érudition, dactylographiée et signée par W.G. Lambert, ancien professeur d'assyriologie à l'université de Birmingham, 1970-1993, qui indique : Sceau-cylindre en pierre noire striée de blanc / 31 x 17 mm. / Le motif se compose de trois personnages debout : un dieu en vêtements courts à droite, un adorateur en robe longue levant une main au milieu, et une femme nue représentée de face à gauche. Un symbole de bêche apparaît devant le dieu à droite. Une inscription cunéiforme de deux lignes désigne l'ancien propriétaire du sceau : Ili-iddinam, serviteur de (la déesse) Nin-si'anna / Nin-si'anna est un nom d'Ishter-Vénus. Il s'agit d'un sceau de l'ancienne Babylonie, vers 1900-1600 av. J.-C. La pierre est rare pour l'époque, mais elle n'est pas profondément taillée. Le sceau est en très bon état de conservation. 17 grammes, 31 mm (1 1/4 in.). Recherché et catalogué par feu le professeur Lambert au début des années 1990. Provenant d'une collection acquise auprès de diverses maisons de vente aux enchères au Royaume-Uni. Provenant de la succession de M. R.W., collectionneur privé du Wiltshire, Royaume-Uni, puis par filiation. Accompagné d'une note originale dactylographiée et signée par feu W.G. Lambert, professeur d'assyriologie à l'université de Birmingham, 1970-1993. [Pas de réserve].

Estim. 400 - 600 GBP

mar. 04 juin

Kernos grec campanien à glaçure noire. Fin du IVe siècle av. J.-C. Composé d'un piédestal rond supportant quatre petits pots à offrandes, entrecoupés de quatre protomes à visage féminin ; anse en boucle au centre avec des traits parallèles en bas-relief. Cf. Miše, M., Gnathia and related Hellenistic Ware on the East Adriatic Coast, Oxford, 2015, fig.5, p.45, pour un objet similaire. 623 grammes, 16 cm de haut (6 1/4 in.). De la collection ouest-allemande de H.W. Acquis auprès de De Mynter, Belgique, en 2011. avec Gorny et Mosch, Munich, 3 juin 2017, n° 52. Collection privée portugaise R.M. Accompagné d'un feuillet d'information du catalogue précédent. Le kernos est reconnaissable à une série de petites coupes sur la lèvre, dont les exemples remontent à l'âge du bronze. Il servait à conserver les offrandes faites aux dieux, notamment dans les cultes de Déméter et de Perséphone. Les récipients contenaient probablement des aliments, ou peut-être des fleurs, et une lampe était parfois placée au centre. Les kernoses, comme celle-ci, étaient souvent portées en procession lors des Mystères d'Éleusis (rites d'initiation secrets célébrant les déesses Déméter et Perséphone) et constituaient un objet important de la vie religieuse grecque. Les kernoses sont donc étroitement liées au culte agraire et au mythe de Perséphone et de Déméter, la déesse de la fertilité et de l'agriculture. Le mythe est relaté dans un hymne homérique (vers 650 av. J.-C.) selon lequel Perséphone, la fille de Déméter, a été saisie par Hadès, le roi des enfers, qui l'a emmenée dans son royaume pour en faire sa femme. Affolée, Déméter provoqua une terrible sécheresse, qui se prolongea jusqu'à ce que Perséphone revienne des enfers auprès de sa mère. Ayant consommé des graines de grenade pendant son séjour aux Enfers, elle ne put être auprès d'elle que quelques mois par an. [Une vidéo de ce lot est disponible sur le site Internet de Timeline Auctions].

Estim. 1 200 - 1 700 GBP

sam. 18 mai

Un magnifique plat Bacchus de style néo-Renaissance, marqueté divoire sur bois à la manière de Johann Michael Maucher (1645-1701) Un plat décoratif Bacchus réalisé à la manière des œuvres de la seconde moitié du XVIIe siècle du grand Allemand maître Johann Michael Maucher (1645-1701). Un ensemble complet et saisissant, en ivoire sculpté, vous plongeant dans les mondes mystérieux de lépoque de la Renaissance. Dédié aux intrigues mythologiques des amours des dieux, de la chasseresse Diane et de livresse dionysiaque. Le thème principal des festivités ivres, présenté dans le médaillon central, unit de manière compositionnelle huit cartouches ovales à la périphérie du plat et crée une aura unique de libertés et de tentations anciennes. Le bas-relief central représente Dionysos buvant dans une coupe en compagnie de compagnons et lattribut de livresse, une chèvre, sur fond de forêt et de vignes. Au-dessus, dans le sens des aiguilles dune montre, se trouvent les scènes :- des compétitions entre Marsyas et Apollon avec leur juge musical, le roi phrygien Midas.- Zeus sous la forme de Diane séduit la nymphe Callisto.- Le sauvetage de Callisto par Zeus de son fils, le jeune chasseur Arkad, et le placement de la nymphe dans le ciel par la constellation dUrsa.- incriminant Kalisto pendant sa grossesse. Après tout, la déesse Diane a sévèrement puni Callisto pour la perte de chasteté - la transformant en ours.- Lenlèvement de Proserpine par le roi Hadès sur un char.- Satyre et nymphe. Le harcèlement du satyre.- Actéon et Diane. Un jeune voyeur a été transformé en cerf pour avoir espionné les toilettes de la déesse.- Lenlèvement de la nymphe Io par Zeus. Pourquoi le Thunderer sest-il caché avec des nuages ​​?Le rituel de vénération du vin et le désir amoureux unissent le programme du monument. Ils font réfléchir : lenlèvement et le châtiment, lextase au bord de la souffrance, la liberté et la volonté du sort, en un mot, ce qui nous élève au-dessus du quotidien et nous plonge dans lhistoire. L’unité décorative du plastique sculpté et la douce lueur de l’os créent une délicieuse harmonie dans l’œuvre. Il mérite une place dans lexposition du musée et porte incontestablement la réputation dun cadeau impeccable. Ivoire sculpté sur socle en bois avec anneaux de fixation en laiton, bois de cerf. Probablement Allemagne du 19ème siècle. Diamètre : 46,5 cm Poids : 2700 g.Référence : Un plat similaire réalisé par le maître Johann Michael Maucher, Piscine avec le Triomphe de Galatée et images de la mer, 1672, ivoire, bois de cerf et métal, présenté au Museo Civico Medievale de Bologne. Un plat similaire de Johann Michael Maucher représentant des scènes de chasse, Diane et Actéon dans une forme ovale est présenté dans lalbum : « Lâge dor de lart flamand » de la collection de lErmitage. Inv. N° E-7267 Width: 46.5cm, Height: 46.5cm, Depth: 10cm, Weight: 2.7kg, Condition: Good, Material: Ivory, ID: ID-ANTQ-8393

Estim. 5 000 - 10 000 EUR

sam. 18 mai

Jacobus Markwick - A rare one-handed London verge pocket watch with retrograde hour dial and day/night indication Dimensions 46 mm, circa 1680, Weight 98 g, Origin England Case: Silver. Dial: Silver, champlevé, central aperture with a rotating blued steel disc depicting sun and moon. Movm.: Full plate movement, chain/fusee, three-arm brass balance. The silver Champlevé dial has retrograde Roman hours and surrounding Arabic minutes. In the upper half of the centre is a semi-circular opening showing the sun and moon on a blued steel disc, which revolves once every 24 hours. When the sun disappears on the right side of the display, the moon appears on the left. The lower half of the centre shows a relief scene. Diana, the goddess of the moon, is depicted in a chariot. Chronos hurries in front of her with a scythe and hourglass. Jacobus Markwick (Jacobus is Latin for James) was an important watchmaker in the 17th century. He trained as a watchmaker with Edward Gilpin in 1656 and became a member of the Clockmakers' Company in 1666. In 1673 he succeeded Samuel Betts as Steward of the Company. In 1677 he was sentenced to a fine for insulting the Master during the Steward's Feast. Nevertheless he obviously had a certain standing in the company. He produced watches and clocks in London up to 1698. Examples of his work are held at the Victoria & Albert Museum, in the Wetherfield Collection and at the National Museum at Stockholm. Case: very good, dents, worn. Dial: very good, small restaurations. Movm.: very good, restaurations, to be restored.

Estim. 2 500 - 3 500 EUR

mer. 22 mai

Brahma ; Vietnam, Thap Nam, province de Binh Dinh, Champa, XIIe-XIIIe siècle. Grès. Dimensions : 95 x 52 x 11 cm. Stèle en grès représentant la figure de Brahma en relief. Dans le cadre de l'hindouisme, Brahma (littéralement "évolution" ou "développement", en sanskrit), est le dieu créateur de l'univers et membre de la Trimurti, la triade formée par lui-même (dieu créateur), Vishnu (dieu conservateur) et Shiva (dieu destructeur). Il existe plusieurs mythes sur l'origine de la Trimurti, mais le premier mythe est celui qui suppose Brahma comme le premier être créé par Brahman, voire comme la première personnification de cette divinité absolue, par qui tout a été créé. Ainsi, les trois dieux seraient des avatars d'un dieu unique, dans ses facettes de créateur, de conservateur et de destructeur. Brahma est l'époux de Sarasvati, la déesse de la connaissance. Cependant, étant le Créateur, tous ses enfants naissent de son esprit et non de son corps. Brahma n'intervient qu'occasionnellement dans les affaires des dieux, et rarement dans celles des mortels. Le Champa était une civilisation d'Asie du Sud-Est qui a prospéré le long des côtes de l'actuel centre et sud du Viêt Nam pendant une période d'environ mille ans, entre 500 et 1700 apr. Les Cham ont créé des sculptures de grès autonomes en ronde-bosse, ainsi que des sculptures de grès en haut et en bas-relief. En général, ils semblent avoir préféré sculpter en relief, et ont excellé en particulier dans la sculpture en haut-relief. La sculpture cham a connu une succession marquée de styles historiques, dont le principal a produit certaines des plus belles œuvres de l'art de l'Asie du Sud-Est.

Estim. 18 000 - 19 000 EUR

jeu. 16 mai

KPM. Berlin. - KPM. Berlin. Moulage 1949/. Projet de Paul Scheurich, 1939. Porcelaine, blanc. Le premier ensemble est "Najade auf Hippokamp", avec une nymphe qui monte sur le dos d'un hippocampe dans l'écume de mer. sur le dos d'un hippocampe sorti de l'écume de mer. L'autre représente un "Triton, Nereide umfassend". Les créatures composées d'un haut de corps humain et d'une queue de poisson englobent la jambe de la Néréide, la compagne du dieu Poséidon an ihrem Bein. Elle tend les mains vers le ciel comme pour Elle tend les mains vers le ciel comme si elle cherchait de l'aide pour fuir son emprise. Hauteur 40,5/54,5 cm. Marque Sceptre, numéro de modèle, année indist. 1949 et autres marques imprimées. Marque Sceptre, numéro de modèle, différentes marques imprimées. Provenance : Collection privée rhénane. Littérature : - Köllmann, Erich : Berliner Porzellan 1763-1963, Braunschweig 1966. Pour la pièce centrale, voir vol.I, pp.153f. - Lechelt, Christian : Porzellan und Politik, Der Tafelaufsatz "Geburt der Schönheit" von Paul Scheurich, Saarbrücken 2011. La pièce maîtresse "Doe Geburt der Schönheit" a été créée d'après le dessin de Paul Scheurich datant de 1939. Au total, 15 objets sont répertoriés dans les livres de production, dont la localisation est restée longtemps inconnue. Le thème de la pièce maîtresse reflète l'interprétation de Scheurich de la "Vénus Anadyomène", telle qu'il l'a tirée de la Théogonie d'Hésiode. La déesse Vénus y naît de l'écume de la mer et est honorée par les Tritons et les Néréides qui lui offrent des perles et des trésors de la mer. Explications sur le catalogue KPM Allemagne Art nouveau 20e siècle Porcelaine

Estim. 5 000 - 7 000 EUR

sam. 25 mai

Seven large plaques, European foundries, 19th/20th century - bon état d'ancienneté 1) Relief du compositeur français Daniel Auber, fonte, patiné noir, d. 11 cm 2) Plaque avec vue de la tour des pompiers et de l'église Geiß dans la vieille ville de Sopron en Hongrie, fonte, partiellement bronzée, signée Renner, 29 x 20.5 cm (hxl) 3 ) Plaque Concours de Gymnastique Macon 1898, fonte, patiné noir, Fonderies Thevenin, signée J. Hainglaise, figure allégorique devant le monument et l'architecture, d. 24.5 cm 4) Plaque à la mémoire de la chute de la Première Guerre mondiale, bronze patiné, avec la signature du sculpteur de Magdebourg Hans Wissel, soldat nu portant un casque en acier de la Reichswehr et une épée, 24 x 16 cm (HxW) 5) Plaque avec la vue du monument national à Budapest, fonte, patinée, signée et datée Törzsok K. 1932, 21 x 27 cm (hxl) 6) Plaque avec une vue de la vieille ville historique de Francfort-sur-le-Main et une vue de l'aigle impérial romain et allemand dans deux cartouches, fer coulé, patiné noir, prix de voyage du district de Francfort-sur-le-Main. i. BDR, grand prix d'automne sur 50 km, 23.5 x 31 cm (hxl) 7) Plaque sur Cyril Whitehead, il est mort pour la liberté et l'honneur, bronze, patiné, signé, représentation d'une déesse antique avec une couronne de lauriers, devant un lion en train de galoper, d.12.2 cm From the collection of Dr. Ludwig Baron Döry, Frankfurt/M. French Description Sept grandes plaquettes, fonderies européennes, 19e/20e s. bon état selon l'âge 1) Relief du compositeur français Daniel Auber, fonte de fer, patine noire, D.11cm 2) Plaque avec vue de la tour du feu et de l'église du chèvrefeuille dans la vieille ville de Sopron/Ödenburg en Hongrie, fonte de fer, partiellement bronzée, signée Renner, 29x20,5cm (hxl) 3) Plaque Concours de Gymnastique Macon 1898, fonte de fer, patinée noire, Fonderies Thevenin, signée J. Hainglaise, figure allégorique devant un monument et une architecture, D.24,5cm 4) Plaque à la mémoire des morts de la Première Guerre mondiale, bronze, patiné, signé par le sculpteur de Magdebourg Hans Wissel, soldat nu portant un casque d'acier de la Reichswehr plantant un jeune plant, 24x16cm (hxl) 5) Plaque représentant la vue du monument national de Budapest, fonte de fer, patinée, signée et datée Törzsok K. 1932, 21x27cm (hxl) 6) Plaque avec vue de la vieille ville historique de Francfort-sur-le-Main, plus dans deux cartouches une vue du Römer ainsi que l'aigle impérial allemand, fonte de fer, patiné noir, prix itinérant du district de Francfort/M. i. BDR, grand prix d'automne sur 50 km, 23,5x31cm (hxl) 7) Plaque sur Cyril Whitehead, he died for freedom and honor, bronze, patiné, signé, représentation d'une déesse antique avec une couronne de laurier, devant un lion qui marche, D.12,2cm De la collection du Dr. Ludwig Baron Döry, Francfort/M.

Aucune estimation

mer. 15 mai

United States Centennial International Exhibition Stock Certificate - Magnifique certificat d'actions gravé pour une action de l'Exposition internationale du centenaire des États-Unis, une page, 24,75 x 18, émis au nom de Samuel B. Fales, le 18 mars 1876. Le certificat orné, produit par le Bureau of Engraving & Printing, présente des vignettes détaillées : la déesse Columbia en haut au centre, entourée de muses et de femmes en costumes ethniques portant des cadeaux ; un aigle américain flanqué des bustes des présidents George Washington et Ulysses S. Grant au centre ; des travailleurs et des Indiens d'Amérique portant des cadeaux ; un aigle américain flanqué des sculptures des présidents George Washington et Ulysses S. Grant au centre ; des travailleurs et des Indiens d'Amérique représentés à gauche pour représenter 1776 ; des soldats, un Afro-Américain lisant, un homme avec une machine à coudre et un marin tenant une maquette de voilier à gauche pour représenter 1876 ; et trois vignettes historiques le long du bas représentant une scène agricole avec des machines, un train et un bateau à vapeur, la signature de la Déclaration d'indépendance des États-Unis. Magnifiquement encadrée et recouverte d'un passe-partout en tissu, elle a une taille totale de 35,75 x 29,25. En très bon état. Le certificat a été émis dans le cadre d'un effort visant à collecter 10 millions de dollars pour financer la première exposition universelle du pays, qui s'est tenue à Philadelphie du 10 mai au 10 novembre 1876. Coïncidant avec le centième anniversaire de l'adoption de la Déclaration d'indépendance à Philadelphie le 4 juillet 1776, l'exposition a présenté des avancées technologiques et des réalisations culturelles et culinaires du monde entier, notamment le téléphone d'Alexander Graham Bell, le système télégraphique automatique de Thomas Edison, le ketchup Heinz, la Root Beer Hires, ainsi que le bras droit et la torche de la Statue de la Liberté en cours de construction. La grandeur et les innovations de la foire ont laissé un impact durable, consolidant la place de l'Amérique sur la scène mondiale.

Estim. 200 - 400 USD

mer. 22 mai

Tête de Shiva de style Banteay Srei ; Cambodge, seconde moitié du Xe siècle. Pierre calcaire. Œuvre exposée à Feriarte 2007. Elle est très légèrement endommagée. Dimensions : 32,5 x 16,5 x 20 cm ; 44 x 18 x 17 cm (avec la base). Shiva est l'un des dieux de la Trimurti ou trinité principale de l'hindouisme. Il est le dieu destructeur, avec Brahma, dieu créateur, et Vishnu, dieu conservateur, bien qu'il n'incarne pas la destruction sans sens, mais celle qui permet aussi la régénération, le changement, la renaissance. Avec sa consort Parvati (déesse au double aspect : maternel et tueur de démons), il est le père de Ganesha (dieu de la sagesse) et de Kartikeia (dieu de la guerre). Dans ce cas particulier, le visage de cette sculpture transmet une grande dignité basée sur la symétrie des traits et la délicatesse de la sculpture qui se résume aux détails subtils de la sculpture douce. La partie inférieure du cou indique que cette pièce faisait probablement partie à l'origine d'une sculpture plus grande. Banteay Srei est un temple cambodgien du Xe siècle après J.-C. dédié aux dieux hindous Shiva et Parvati, situé à Angkor. Le temple est connu pour la beauté de ses linteaux, sculptures et frontons en grès. Le bâtiment et les sculptures sont principalement construits en grès rouge dur. Le grès utilisé pour des sculptures aussi élaborées devait être d'une qualité extraordinaire. En fait, le grès rouge est une caractéristique du style de Banteay Srei, jamais utilisé dans les autres styles d'Angkor. Sa dureté est également la raison pour laquelle, même après un millénaire, les sculptures de Banteay Srei sont les exemples les mieux conservés de l'art du relief angkorien, presque inchangés, car il n'y a pratiquement rien d'érodé. Œuvre exposée à Feriarte 2007. Elle est très légèrement endommagée.

Estim. 10 000 - 11 000 EUR

mar. 28 mai

L'Éducation des jeunes enfants, Europe, vers 1760 Rare éventail plié, la feuille en peau, montée à l'anglaise et peinte à la gouache de deux vues d'intérieur. À gauche, une jeune femme enseigne l'art de la couture et de la broderie à des petites filles. Au mur sont accrochés des chapeaux et leurs vêtements, elles tiennent dans leurs mains leur ouvrage. À droite, un homme écrit, assis devant une table, tandis que des jeunes garçons arrivent portant des livres. Deux hommes se présentent pour vraisemblablement bénéficier de son activité d'écrivain public. Au centre, deux statues dans le goût antique représentent la déesse Diane, et un chasseur, peut-être Endymion. Le revers peint de fleurs de cerisiers dans le goût chinois, et d'une jeune femme cheminant son panier au bras. Monture en ivoire (elephantidae spp) finement repercé, sculpté, gravé, doré et peint de deux paysages dans des cartels à effet de tableaux en trompe-l'oeil. Les panaches sculptés d'un personnage chinois. (Le panache arrière cassé, restaurations.) Haut. totale : 26,3 cm ; Haut. : 11,8 cm Poids : 59 g. *Spécimen en ivoire d'Elephantidae spp (I/A) pré-Convention, antérieur au 1er juillet 1947 et de ce fait conforme au Règle CE 338/97 du 09/12/1996 art.2-Wmc, et antérieur au 1er juillet 1975 et de ce fait conforme aux arrêtés français du 4 mai 2017 et de janvier 2022. Pour une sortie de l'Union Européenne, un CITES de ré-export sera nécessaire Expert : Georgina Letourmy-Bordier

Estim. 800 - 1 000 EUR

jeu. 16 mai

Flämischer Meister 17. Jahrhundert - Maître flamand 17e siècle Portrait d'une famille anversoise Huile sur toile (doublée). 134,5 x 159 cm. Provenance Collection privée belge. Une famille bourgeoise flamande aisée se présente devant un somptueux rideau qui laisse entrevoir un paysage. L'homme serre le poing en signe de puissance. De l'autre main, il touche délicatement l'épaule de sa femme, qu'il regarde avec amour. Elle regarde devant elle, tandis que sa fille saisit son poignet et accepte une pomme de son petit frère. Celui-ci semble se fondre dans les riches vêtements noirs de son père. L'attachement est un thème central dans cette œuvre, qui s'exprime à travers les multiples interactions entre les personnages. Tout dans ce portrait représente la richesse et la prospérité ou le désir de les atteindre : les riches vêtements ornés de brocart, les bijoux, le rideau rouge, la pomme. La remarquable fontaine sur la droite est ornée d'une figure de Diane d'Éphèse tenant deux dauphins qui projettent de l'eau. La déesse mère Diane est synonyme de fertilité. Mais ce monumental portrait de famille est bien plus qu'un simple portrait statique destiné à illustrer la richesse et la soif de reconnaissance des personnes représentées. C'est le portrait d'une famille où règnent la solidarité et l'humanité. Les bases iconographiques et de composition du présent portrait de famille sont des tableaux comparables de Cornelis de Vos (1584-1651), actif à Anvers. Celui-ci a travaillé dans la première moitié du 17e siècle, en même temps que Rubens et Van Dyck, comme troisième portraitiste important à Anvers. De Vos a été le premier à représenter les affects dans un portrait de famille. Les liens émotionnels sont thématisés par des gestes et des symboles sublimes. Même si la parenté de style entre notre tableau et les œuvres de Cornelis de Vos et de son cercle est évidente, aucune attribution à un artiste n'a pu être faite jusqu'à présent. Un agrandissement intéressant du tableau dans le bas de la toile témoigne de son originalité : une bande de 11 centimètres de haut a été appliquée sur la toile dans l'atelier de l'artiste. Cette technique était tout à fait courante dans les Pays-Bas méridionaux au 17e siècle pour les grands tableaux monumentaux.

Estim. 70 000 - 90 000 EUR

mer. 22 mai

Lingam de Shiva ; style Thap Mam, Champa, 12e-14e siècles. Pierre sculptée. Certificat d'authenticité ci-joint du spécialiste Le My Hao. Il est légèrement endommagé. Dimensions : 44,5 x 30,5 x 35,5 cm. Un lingam, parfois appelé linga ou Shiva linga, est une représentation abstraite ou aniconique du dieu hindou Shiva dans le shivaïsme. Il est souvent représenté à l'intérieur d'une plate-forme en forme de disque, le yoni - son homologue féminin. Il s'agit d'un élément plat et horizontal par rapport au lingam vertical, conçu pour permettre aux offrandes liquides de s'écouler afin d'être recueillies. Ensemble, ils symbolisent la fusion du microcosme et du macrocosme. Shiva est l'un des dieux de la Trimurti ou trinité principale de l'hindouisme. Il est le dieu destructeur, avec Brahma, le dieu créateur, et Vishnu, le dieu conservateur, bien qu'il n'incarne pas la destruction dénuée de sens, mais celle qui permet également la régénération, le changement et la renaissance. Avec sa consort Parvati (déesse au double aspect : maternelle et tueuse de démons), il est le père de Ganesha (dieu de la sagesse) et de Kartikeia (dieu de la guerre).Le Champa était une civilisation d'Asie du Sud-Est qui s'est épanouie le long des côtes de ce qui est aujourd'hui le centre et le sud du Viêt Nam pendant une période d'environ mille ans, entre 500 et 1700 après J.-C. Les Cham ont créé des monuments en grès de grande taille. Les Cham ont créé des sculptures autonomes en grès de forme ronde, ainsi que des sculptures en grès en haut et en bas relief. En général, ils semblent avoir préféré sculpter en relief, et ils excellaient particulièrement dans la sculpture en haut-relief. La sculpture cham a connu une succession marquée de styles historiques, dont le principal a produit certaines des plus belles œuvres de l'art de l'Asie du Sud-Est. Certificat d'authenticité du spécialiste Le My Hao joint. Légèrement endommagé.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

mar. 04 juin

Cône de fondation cunéiforme du Lipit-Ishtar sumérien d'Isin. 1936-1926 av. J.-C. Provenant de la Maison de la Justice à Isin ; inscrit avec des colonnes de texte cunéiforme : Moi, (le divin) Lipit-Eštar, humble berger de (la ville de) Nippur, fidèle fermier de (la ville d') Ur, travailleur infatigable pour (la ville d') Eridu, Seigneur parfait pour (la ville d') Uruk, Roi de (la ville d') Isin, Roi de Sumer et d'Akkad, qui plaît à (la déesse) Innana, le jour où j'ai établi la justice à Sumer et Akkad, j'ai construit le temple de la justice au Réservoir, le grand espace des dieux ; et portant à l'encre le numéro de collection : BEC.2 00015024" sur la base. 158 grammes, 11,3 cm (4 1/2 in.). Provenant précédemment de la succession d'un collectionneur du West Sussex, Royaume-Uni. Provenant d'une collection acquise auprès de diverses maisons de vente aux enchères au Royaume-Uni. Provenant de la succession de M. R.W., un collectionneur privé du Wiltshire, Royaume-Uni, puis par filiation. Les cônes votifs sont un type de dépôt de fondation royale, des objets qui étaient enterrés dans les murs et sous les sols d'importants bâtiments pendant la construction afin de sanctifier le site et de créer une mémoire historique du souverain et de ses réalisations. Lipit-Ishtar était le cinquième roi de la dynastie d'Isin, fondée après l'effondrement de la troisième dynastie d'Ur. Il est célèbre pour avoir publié une série de lois en langue sumérienne, anticipant de plus d'un siècle le code d'Hammourabi. [Pas de réserve]

Estim. 400 - 600 GBP

jeu. 16 mai

Lot de projets de costume tels que : Louis MALTESTE (1862-1928) Deux comédiens dans la pièce Varennes (acte III) : "H. Krauss (le maire) : lecture du décret de la Constituante", 1903 Mine de plomb, encre et lavis sur papier signée, datée, titrée et légendée 31 x 21 cm (tâches, pliures) Louis MALTESTE est un dessinateur et illustrateur français. Il commence sa carrière dans les années 1890 en travaillant pour L'Illustration. Il dessine ensuite pour de nombreuses revues telles que L'Estampe Moderne, La Plume, L'Assiette au Beurre, le Chat noir, Frou-Frou, La Caricature, etc. Il produit également de nombreuses affiches pour la publicité et le cinéma (Absinthe parisienne, Les Misérables...). Il publie régulièrement des romans érotiques sous le nom de plume Jacques d'Icy. Jean DESSES (1904-1970) Projet de robe du soir, circa 1925-1935 Aquarelle, encre et rehauts blancs sur papier signée en bas à droite 37,5 x 24,5 cm (tâches, jaunissures) On y joint Luis ALVAREZ, attribué à Projet de manteau Projet de robe du jour Deux croquis encre, gouache et aquarelle, l'un signé en bas à droite 31 x 23 cm et 34,5 x 21,5 cm ZACHA ? "Melle Mistinguett", croquis de mode pour un projet de robe probablement pour la maison Marthida Crayon et crayon de couleur signé en bas à droite. Les croquis est accompagné d'un papier décrivant les textiles pour la fabrication de la robe ainsi que son prix, le papier portant l'en-tête "Marthida - 279 rue Saint Honoré, Paris" 23 x 12 cm Claude CATULLE (1929) Projets de costume pour la pièce "La main passe" de Georges Feydeau, 1971 Lot de trois gouaches et aquarelles originales sur papier fort avec échantillons de tissus épinglés, l'une signée 50 x 32,5 cm Cette pièce de Feydeau a été présentée au théâtre Marigny en septembre 1971 et diffusée à la télévision en 1972. Les acteurs qui ont porté les costumes étaient : Aimé Jean (un commissaire), Jean-Pierre Darras (Massenay) et Alfred Adam (Chanal) ANONYME "Merveilleuses", projet de costume ou de robe du soir Crayon, aquarelle et rehauts dorés sur carton, dessin titré en haut à gauche, signé et daté "98" en bas à droite, annoté au crayon à papier en haut à droite 44 x 18 cm (tâches, jaunissures)

Estim. 50 - 100 EUR

mar. 14 mai

Prof. Rudolf Marschall (1873 - 1967) - une sculpture en or d'Eirene, la déesse grecque de la paix, Vienne, 1903 Une sculpture en or de 14 carats d'Eirene dans une longue robe, tenant une branche d'olivier dans ses mains devant elle. La marque de l'artiste "Marschall" estampillée au bas de la robe, la marque de la tête de renard pour 14 carats et une autre marque illégale. Hauteur de la figure 14.8 cm, poids d'or 185 g (valeur de l'or à elle seule plus de 10,000 euros en juin 2023). Monté sur une boîte lidée ressemblant à la base d'un monument, fait de marbre rouge poli avec des rayures bleues légères et des inclusions de cristal de quartz. Les quatre côtés sont ornés d'une dédicace affectueuse de deux enfants commémorant le 50e anniversaire de mariage de leurs parents ("1er janvier 1853 - 1er janvier 1903") (tr.) : "Regarde, ta vie est comme le champ où tu as semé des graines abondantes, les vagues dorées de la récolte que le champ de blé apporte maintenant en floraison pour toi." et "Tout comme la fontaine coule en elle-même, l'eau de la vie revient dans la gratitude de tes enfants - Louise - Willi". Dimensions de la base 6.5 x 13 x 8 cm, le bord du couvercle déchiré en deux endroits, le couvercle en un. Le professeur Rudolf Marschall, sculpteur autrichien, médailleur royal et impérial, plaqueur, graveur de poinçons et verrier d'art nouveau, a étudié sous la direction de Josel Tautenhayn à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne entre 1891 et 1897, a été nommé médailleur royal et impérial pour la Monnaie impériale de Vienne en 1903, où il a conçu de nombreuses pièces (telles que les 100 couronnes en or ou la pièce de deux shillings Lueger), que l'on peut voir aujourd'hui au Musée d'histoire militaire de Vienne. Il a également réalisé un certain nombre de portraits et de plaques-portraits de personnalités autrichiennes de l'Empire austro-hongrois et de la République, mais aussi de popes. En outre, il a réalisé le masque de mort de l'empereur François-Joseph en 1916 et a travaillé pour la société de verrerie Lobmeyr, en concevant des verres et des lampes d'art nouveau, qui sont aujourd'hui très recherchés. Il a également créé des reliefs en pierre de taille et des sculptures monumentales, et est devenu professeur en chef à la master school for engraving and medal making à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne en 1904, a été congédié par le régime nazi en 1938 et a pris sa retraite en 1944. Une pièce exquise de l'un des plus importants médailleurs et artistes d'art nouveau du début du XXe siècle. Condition : I -

Aucune estimation

ven. 17 mai

Pietro Fabris - Pietro Fabris (actif de 1740 à 1792 à Naples) - La fouille du temple d'Isis à Pompéi. Aquarelle et plume en gris, en partie avec dessin préparatoire au crayon, sur vélin, anciennement monté sur vergé. (Avant 1776). 22,2 x 34,2 cm (dimensions de la feuille). En dehors de la représentation, titré en haut au centre "Découverte du Temple d'Isis à Poempeji", avec légende ainsi que la référence à "Hamilton. C.Phl. pl. XLI" (Campi Phlegraei). Avec un encadrement au pinceau noir. Dans un cadre néoclassique avec ferrure ornementale (frise d'acanthes) en tôle de laiton doré. La présente aquarelle montre les premiers travaux de fouilles du temple d'Isis à Pompéi. Situé au sud de la ville, au nord du théâtre, juste à côté du sanctuaire de Zeus Meilichios, il fut le premier édifice découvert sur place en 1764. La découverte de l'ensemble du temple, délimité par des colonnes doriques, a provoqué un certain émoi à l'époque, car on ne s'attendait pas à ce qu'une déesse égyptienne ait été honorée dans la province romaine. Fabris travaillait pour l'ambassadeur britannique et volcanologue Sir William Hamilton à Naples en ces jours où le Vésuve émettait de nouveau des colonnes de fumée noire et faisait trembler la terre. Le travail a ainsi servi d'ébauche pour une gravure sur cuivre (n° 41) de la publication Campi Phlegraei de 1760, qui compte trois volumes in-folio. Du point de vue de l'histoire culturelle, il est particulièrement pertinent que les fouilles à Pompéi aient eu lieu quelques années seulement après le tremblement de terre dévastateur de Lisbonne (1755). La catastrophe naturelle de la fin de l'Antiquité a ainsi involontairement gagné en actualité et a servi d'avertissement que des régions entières pouvaient également être victimes de la violence élémentaire à l'avenir. - En dehors de la représentation, dans les marges inférieure et droite, un pli de compression. Papier légèrement aminci en haut à gauche. Couche de couleur dans la marge inférieure au milieu légèrement frottée à un endroit. En bon état. Littérature : Markus Bertsch (éd.), cat. d'exposition, Hamburger Kunsthalle, Entfesselte Natur. L'image de la catastrophe depuis 1600, Petersberg 2018, p. 220, cat. no. 98, avec ill. en couleurs. ill. p. 222. Provenance : Collection privée, Bade-Wurtemberg. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

mer. 22 mai

Paire de paons. Chine, période de la République (1912 - 1949). Porcelaine émaillée. Avec inscriptions sur la base. Dimensions : 42 x 13 x 13 cm. Le paon possède certaines des caractéristiques humaines les plus admirées et symbolise l'intégrité et la beauté que nous pouvons atteindre lorsque nous nous efforçons de montrer nos vraies couleurs. Dans l'histoire, les mythes, les légendes, la tradition et le symbolisme, le paon est porteur de présages de noblesse, de sainteté, d'orientation, de protection et de vigilance. Le paon est un totem de gloire, de spiritualité, d'éveil, d'immortalité, de raffinement et d'incorruptibilité. Dans la spiritualité chinoise, il est associé à Kwan-yin (déesse de la miséricorde, protectrice des femmes et des enfants, et de la fertilité), qui est également un emblème de l'amour, de la vigilance, de la compassion, de la bonne volonté, de l'éducation et de la gentillesse. La symbolique du paon est ancienne, sa majesté ayant attiré l'attention de l'humanité depuis l'Antiquité. Bien qu'associé au concept de vanité, le paon est, dans presque toutes les cultures, un symbole solaire associé à la beauté, à la gloire, à l'immortalité et à la sagesse. Il est originaire de l'Inde et c'est Alexandre le Grand qui l'a apporté, avec sa signification symbolique, en Occident, en passant par Babylone, la Perse et l'Asie mineure, pour atteindre la Grèce à l'époque classique. Son symbolisme solaire est sans aucun doute lié à sa longue queue colorée et à ses motifs en forme d'œil qui, en raison de leur forme circulaire et de leur luminosité, sont également liés au cycle vital et éternel de la nature. La République de Chine est le nom adopté par l'État souverain d'Asie de l'Est qui, entre 1912 et 1949, a occupé les territoires de la Chine moderne, revendiquant des territoires en Mongolie, au Tibet, à Taïwan et dans de petites régions d'Asie du Sud-Est, du nord de l'Inde, de l'ouest de l'Asie centrale et du sud de la Sibérie. Il a été fondé après le renversement de la dynastie Qing, la dernière dynastie impériale, lors de la révolution Xinhai.

Estim. 350 - 400 EUR

dim. 26 mai

Marie Laurencin (Française, 1883-1956) Diane à la biche, 1907 Crayon et aquarelle sur papier. Signé et daté. Haut. 18,3 Larg. 26,5 cm. (feuille tirée d'un cahier, scotchée dans les coins sur une feuille [Haut. 24,4 Larg. 31,4 cm]) Marie Laurencin, 1907. A pencil and watercolor drawing of Diana and a doe. Bibliographie : D. Marchesseau, "Marie Laurencin, Catalogue raisonné de l’œuvre peint", éditions du Musée Marie Laurencin du Japon, 1986, huile sur bois "Diane à la chasse" datant de 1908, reproduite p. 68, n°46. Intimement lié à son auteur, ce dessin annonce la toile de « Diane à la chasse », réalisée en 1908, qui appartiendra à Guillaume Apollinaire et se trouve aujourd'hui en mains privées. Compagnon de l'artiste, le poète la présente comme « la peintre du mystère féminin » à la touche « féminine et serpentine », se situant à la confluence entre Pablo Picasso et le Douanier Rousseau. Si Marie Laurencin aime dans ces années 1905-1909 se représenter sous les traits de Diane, c'est aussi bien comme déesse antique que comme princesse de la Renaissance. En se représentant accompagnée d’une biche, son animal attribut, l’artiste interroge sa propre existence, elle qu’André Breton décrivait comme « une biche parmi les fauves ». Si la biche renvoie au désir amoureux, Diane incarne pour le XVIe siècle une image de pureté et d’indépendance. Marie se représente ainsi en icône diaphane au regard félin, s’inspirant notamment de la "Diane au Cerf" du château d’Anet, où vécu son héroïne, Diane de Poitiers. Marie Laurencin, qui n’a pas encore fait la connaissance de Guillaume Apollinaire, fréquente alors Pierre Henri Roché. Ce dernier lui fait découvrir les collections du Musée de Cluny, l’art de la tapisserie des mille fleurs, les portraits de François Clouet et l’emmène visiter l’exposition sur l’Art décoratif oriental. Ces découvertes inhibent son style, qui puise dans l’art oriental des miniatures perses. Elle donne à ses dames des airs de sultanes, au nez long et droit, aux cheveux noirs et aux yeux en bandeau. La stylisation du dessin, avec les arabesques qu’esquissent les fleurs luxuriantes et la ligne serpentine embrassant les courbes de son corps sont caractéristiques de la première période très symboliste de l’artiste.

Estim. 5 000 - 8 000 EUR

mer. 15 mai

Figurine népalaise/tibétaine en alliage de cuivre représentant Jalamanusha 16ème/17ème siècle La chimère est typiquement représentée avec une tête et un torse humains, portant un diadème à cinq pointes, le cou, la poitrine et les bras ornés de bijoux perlés, les deux mains tenant un instrument devant le torse, le tout au-dessus d'un corps inférieur d'oiseau avec des ailes plumeuses se recourbant en nuages, une longue queue et les serres d'un oiseau de proie, debout sur une base circulaire à gradins, avec des traces de dorure sur l'ensemble, 10,7 cm de haut. 尼泊爾/西藏十六/十七世紀 銅嘉拉滿努沙像 Jalamanusha (être aquatique), connu plus tard en Inde sous le nom de Kinnara et au Tibet sous celui de Miamchi, est une divinité aquatique d'origine népalaise, ou "enfant de la pluie", liée à l'ancien concept de "gestation météorologique" omniprésent dans l'art sud-asiatique. Dans son article intitulé "L'art imite-t-il la vie ou la vie imite-t-elle l'art ? Nepal has a unique answer", dans Orientations, mars/avril 2017, pp. 118-127, Gautama V. Vajracharya explique comment l'importance fondamentale des moussons pour l'économie de la région signifie que toutes les divinités locales, avant d'être associées au bouddhisme ou à l'hindouisme, étaient à l'origine liées à des événements atmosphériques. Vajracharya souligne également que le motif de nuage sculpté autour des fausses entrées des anciens stupas monolithiques au Népal est connu des artisans newari sous le nom de lahpvah, un mot newari classique pour désigner le liquide amniotique ; Il fait le lien avec le concept préhindou et prébouddhiste de gestation atmosphérique, où non seulement les eaux terrestres (rivières), mais aussi les eaux célestes (nuages de pluie) étaient considérées comme des déesses-mères ; idéalement, les mères-nuages concevaient à l'automne pour ensuite donner naissance à leurs enfants de pluie au tout début de la mousson. Cette gestation atmosphérique est le sujet de la peinture du plafond de la grotte n° 1 à Ajanta, en Inde. 1 d'Ajanta, en Inde, où l'on trouve, entre autres, des représentations de bébés humains dont les membres se transforment progressivement en nuages. C'est l'origine la plus probable du nom newari pour le motif du feuillage nuageux dans la vision de Vajracharya, ainsi que l'une des premières représentations de Jalamanusha. Avant de prendre la forme actuelle d'une créature mi-humaine, mi-oiseau, l'auteur explique qu'à l'origine, Jalamanusha était représenté comme un fœtus dans un paysage de nuages, le bas du corps se transformant en liquide amniotique ou en feuillage, comme dans les peintures d'Ajanta. C'est par le biais des représentations Gupta, où les volutes de nuages sont interprétées comme des plumes, que Jalamanusha est ensuite identifié à la représentation préexistante d'une chimère mi-humaine, mi-oiseau. L'iconographie du présent lot, avec ses plumes se recourbant en forme de nuages et de feuillages, s'inscrit parfaitement dans cette vision de la divinité aquatique et témoigne d'une forte implication de l'artiste dans l'élaboration de son œuvre. Si elles sont relativement courantes dans l'iconographie de l'Asie du Sud-Est, les représentations tibétaines ou népalaises de Miamchi, ou Jalamanusha, sont beaucoup plus rares. Voir Bonhams, New York, 19 mars 2018 pour une boîte couverte népalaise en forme de Jalamanusha ; et deux autres au Dallas Museum of Art (acc. #PG.2012.6) et une autre dans la collection Nalin publiée dans Vajracharya, Nepalese Seasons, Rain and Ritual, New York, 2016, p.45, no.5.

Estim. 1 500 - 2 000 GBP

mer. 12 juin

DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Renaissance de Vénus", 2009. Impression à jet d'encre sur dibond. Édition 3/3 + 2 A.P. Avec les étiquettes au dos de David Lachapelle Studio et Maruani Mercier Gallery. Certificat joint délivré par la galerie Maruani Mercier. Dimensions : 153 x 118 cm ; 164 x 128,5 x 6,5 cm (cadre). Avec sa "Renaissance de Vénus", David LaChapelle réinterprète la "Naissance de Vénus" de Botticelli dans une tonalité moderne et ironique. Plusieurs éléments demeurent, mais sont recombinés avec humour et drôlerie pour glisser vers d'autres lectures. Le grand coquillage sur lequel flottait l'Aphrodite de la Renaissance est réduit pour être tenu par la main gauche d'une déesse de moindre importance ("Nike", la marque de la chaussure est imprimée sur le pied de la nymphe au genre fluide), qui prend le coquillage et recouvre le pubis de Vénus. Cette attitude rappelle celle de la Vénus pudica. À droite de la déesse de l'amour, un Zéphyr exotique produit, à l'aide d'une conque, la brise qui inaugure le moment magique de la genèse. Le groupe se rassemble dans un paysage exultant de verdure et de couleurs vibrantes. Aussi captivé par la beauté que les grands peintres de la Renaissance, LaChapelle a consacré sa vie à redéfinir ces idéaux de beauté et de désir, qui deviennent multiples et polymorphes. La carrière de LaChapelle débute de manière significative en 1982, lorsque Andy Warhol l'incite à publier ses photographies "Interview". "Andy Warhol correspond parfaitement à son époque", dit le photographe, "c'est sans aucun doute un grand artiste du 20ème siècle. Il était très généreux et j'ai beaucoup appris de lui, mais nous appartenons à deux générations différentes et nous avons des idées différentes. L'art le plus précieux aujourd'hui est celui qui parvient à clarifier l'époque dans laquelle nous vivons, et c'est ce que j'essaie de faire." Les images loufoques, bizarres et fantastiques de David LaChapelle sont apparues sur les pages et les couvertures des magazines Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face et GQ, pour n'en citer que quelques-uns. Son style est unique et reconnaissable, il travaille avec des plans ouverts, des scènes fraîches et extrêmement colorées montrant son style pop-art. Ses clichés sont méticuleux et détaillés, travaillant l'aspect physique du personnage jusqu'à la caricature. "J'essaie de prendre des photos que je n'ai jamais vues auparavant", explique LaChapelle. Créatif talentueux, il joue avec des scènes fictives et grotesques, le plus souvent artificielles et dispose d'une excellente production, les images étant généralement au moment de la prise de vue, avec peu de post-production. On peut également voir dans son travail la critique de la société dans laquelle nous vivons, pleine d'excès et de vanité. Son attachement inconditionnel à l'originalité est légendaire dans le monde de la mode, du cinéma et de la publicité. LaChapelle a participé à des campagnes publicitaires pour divers clients, notamment L'Oréal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma et la campagne Got Milk ? David a photographié de nombreuses couvertures d'albums pour des artistes tels que Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna et Kylie Minogue. Son premier livre à succès, LaChapelle Land, a été publié en 1996 par Collaway Publishing, apportant dans son emballage extravagant une collection explosive de portraits de célébrités et de mannequins, dont Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore et Elton John. Le livre Hotel LaChapelle, également publié par Collaway en 1999, succède à ce premier ouvrage et présente des images fraîches aux couleurs inoubliables. LaChapelle continue de produire des photographies qui confrontent nos goûts visuels et jettent un regard neuf sur le paysage d'aujourd'hui.

Estim. 80 000 - 90 000 EUR

mar. 04 juin

Sceau-cylindre dynastique précoce avec parade d'adoration. Vers 2550-2350 av. J.-C. Sceau-cylindre en hématite présentant deux registres horizontaux avec des parades cultuelles composées de prêtres masculins à longue robe portant des vêtements longs jusqu'aux chevilles, assis sur le trône en forme de tabouret, levant élégamment la main gauche pour tenir une coupe ; d'autres prêtres masculins en vêtements longs tenant un récipient contenant de l'eau bénite ou de l'huile, ou se tenant debout dans un geste solennel, les mains levées ou jointes devant la poitrine. 5,26 grammes, 32 mm (1 1/4 in.). Acquis dans les années 1990. Ex collection familiale de l'ouest de Londres. Propriété d'un gentleman de Bristol, Royaume-Uni. Les iconographies et les scènes religieuses figurant sur les sceaux du Dynastique ancien sont réputées pour leur élaboration plus poussée de scènes de combat, représentant généralement des héros nus affrontant des hommes-taureaux ou des lions rampants et rugissants. Cependant, les animaux et les héros n'ont pas été utilisés comme motifs favoris pendant la dernière partie de la période du Dynastique ancien. La popularité croissante de l'art funéraire et des banquets était largement répandue à Ur, comme en témoigne le grand nombre de sceaux-cylindres royaux portant des scènes de banquets ou de rois assis. Sur les sceaux-cylindres du Dynastique ancien, l'image d'un homme assis tenant une coupe ne peut pas toujours être interprétée comme celle d'une divinité en extension. Elle aurait pu suggérer l'identité d'un souverain dans une scène de banquet royal. Cependant, sur ce sceau, le vase sacré et les représentations d'adorateurs masculins indiquent une signification religieuse évidente. Dans la religion mésopotamienne traditionnelle, les rois séculiers auraient obtenu le pouvoir divin s'ils s'étaient unis à la déesse Inanna lors d'un mariage sacré. La coupe contenant de l'huile ou de l'onguent sacré, tenue dans la main du roi, a pu servir d'emblème pour signifier le rang élevé d'un roi déifié. Elle pourrait également avoir été utilisée comme une pratique religieuse alternative, reliant l'autorité séculaire et le pouvoir divin au cours de la période dynastique précoce.

Estim. 500 - 700 GBP

mar. 04 juin

Mors de bride Luristan "Maîtresse des animaux". Vers le 9e-7e siècle av. J.-C. Chaque joue comprend la figure d'une déesse sur une base rectangulaire, debout, vêtue d'une longue robe à franges et d'un diadème, des cornes émergeant de sa tête, saisissant dans chaque main un griffon ou un lion ailé rampant, trois boucles au revers, perforées à travers le corps dans lequel passe le long embout buccal. Cf. Legrain, L., Luristan Bronzes in the University Museum, Philadelphia, 1934, pl.XVI, pour le mors ; Godard, F., The Art of Iran, London, 1965, item 16 ; Moorey, P.R.S., Ancient Bronzes from Luristan, London, 1974, plate V (A), pour le mors de harnais en bronze, et VIIB, pour un mors complet en bronze similaire ; Moorey, P.R.S., The Art of Ancient Iran' in Ancient Bronzes, Ceramics and Seals, Los Angeles, 1981, item 43 ; Musée Cernuschi, Bronzes du Luristan, Enigmes de l'Iran Ancien, IIIe-Ier Millenaire av.J.C., Paris, 2008, no.87, p.123, pour un mors similaire avec un Maître des animaux masculin. 1,03 kg, 24,5 cm. Acquis sur le marché de l'art londonien en 1995. Ex Christie's Londres, 2 avril 2014, n° 32. Provenant de la collection privée d'un gentleman du nord-ouest de Londres, Royaume-Uni. Accompagné d'une photographie de la collection précédente et de copies des pages correspondantes du catalogue de Christie's. Accompagné d'un rapport académique du Dr Raffaele D'Amato. Ce lot a fait l'objet d'une vérification dans la base de données d'Interpol sur les œuvres d'art volées et est accompagné du certificat de recherche n° 12049-217395. L'image d'une divinité tenant deux animaux est ancienne, présente dans de nombreuses cultures et peut représenter une divinité masculine ou féminine. Celle de la femme était connue des Grecs sous le nom de Potnia Theron, ou Dame des animaux, terme utilisé pour la première fois par Homère dans l'Iliade.

Estim. 3 000 - 4 000 GBP

mar. 04 juin

Très grande lampe à huile romaine en bronze avec Jupiter et aigle. IIIe-IVe siècle après J.-C. Corps arrondi et double bec à volutes ; corps plat à volutes gravées, bord surélevé et anneau basal ; à l'arrière, un grand croissant avec Jupiter (Zeus grec) au centre et son aigle aux ailes déployées devant lui ; le dieu représenté avec des mèches épaisses et une barbe volumineuse, l'aigle avec un plumage détaillé et un visage finement détaillé ; accompagnée d'un présentoir fait sur mesure. Bailey, D.M., A catalogue of the lamps in the British Museum, IV, Lamps of metal and stone, and lampstands, Londres, 1996, nos. 3769-3781, pour la typologie ; des exemplaires similaires sont conservés à Berlin, voir Bérard, C., Bronzes Hellénistiques et Romains, Lausanne, 1979, pl.119 ; un exemple similaire provenant de Saida a été publié par Pirzio Biroli Stefanelli, L., Il Bronzo dei Romani, Rome, 1990, p.269, no.264 ; cf. aussi Rolland, H., Bronzes Antiques de Haute Provence, Paris, 1965, no.299 ; Petit, J., Bronzes Antiques de la collection Detuit, Paris, 1980, no.15 ; Oggiano-Bitar, Bronzes figurés antiques de Bouches-du-Rhône, Paris, 1984, no.232, de Marseille. Exposé au Harwich Museum, Harwich, Essex, Royaume-Uni, 14 mars-9 juin 2024 ; accompagné d'une copie d'une photographie de l'artefact exposé. 1,67 kg, 25,7 de large (3,08 kg au total, 18 cm de haut avec le support) (10 1/8 in. (7 1/8 in.)). Ancienne collection privée britannique, avant 1965. Propriété d'un gentleman ; acquis au Royaume-Uni avant 2000. Accompagné d'une copie d'une ancienne photographie en noir et blanc. Accompagné d'un rapport académique du Dr Raffaele D'Amato. Ce lot a fait l'objet d'une vérification dans la base de données d'Interpol sur les œuvres d'art volées et est accompagné du certificat de recherche n° 12034-215425. Jupiter y est représenté avec ses attributs liés au croissant de la déesse Luna. Selon Bailey, toutes les lampes de la catégorie à laquelle appartient la carte étaient destinées à être suspendues. Les lampes à becs multiples donnaient plus de lumière et étaient donc adaptées à l'éclairage de grands espaces.

Estim. 5 000 - 7 000 GBP

mar. 04 juin

Figure romaine en bronze de la déesse Flore. Vers le IIe siècle après J.-C. Rare représentation de Flore debout, tenant dans sa main gauche une guirlande moulée séparément, portant des chaussures pointues, une longue tunica talaris et un himation en guise de voile sur la tête, ses cheveux surmontés d'un diadème orné de rosettes et tombant en longues tresses ondulées sur le devant, les pupilles de ses yeux étant échancrées ; montée sur une base à gradins fabriquée sur mesure. Cf. Daremberg & Saglio, Dictionnaire des Antiquités Grecques et Romaines, Paris, 1873-1917, sub voce Flora, p.1189 ; voir pour un prototype romain la Flora Capitolina, Museo Capitolino, Stanza del Gladiatore, no.14, inv. no.743 in Negrete Plano, A. (ed.), Anton Raphael Mengs y la Antigüedad, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ; Fundación Mapfre, Madrid, 2013, pp. 170-171. 617 grammes au total, 25,7 cm de haut avec le support (10 1/8 in.). Provenant d'une collection familiale égyptienne, Alexandrie et Le Caire, acquise au début du XXe siècle en Égypte et en Europe, et transférée d'Égypte à des résidences familiales d'Europe du Nord au début des années 1950. Collection privée d'Europe du Nord, par filiation directe de la personne susmentionnée dans les années 1970. Acquis auprès de la personne susmentionnée par le propriétaire précédent en 2002. avec Sotheby's, New York, 5 juin 2013, n° 88. Collection privée allemande. Accompagné de copies de la licence d'exportation culturelle allemande et de copies des pages correspondantes du catalogue de Sotheby's. Accompagné d'un rapport académique du Dr Raffaele D'Amato. Ce lot a fait l'objet d'une vérification dans la base de données d'Interpol sur les œuvres d'art volées et est accompagné d'un certificat de recherche portant le numéro 12042-216438. Les statuettes comme celle-ci étaient utilisées au service des cultes domestiques et reflétaient les pratiques cultuelles indigènes grecques ou romaines. Le sanctuaire domestique romain, ou lararium, tire son nom des lares, les esprits gardiens de la maison et du foyer, qui étaient souvent représentés dans le sanctuaire, soit sous forme peinte, soit sous forme sculptée. [Pas de réserve] (Pour ce lot spécifique, la TVA à l'importation de 5 % est applicable sur le prix d'adjudication) [Une vidéo de ce lot est disponible sur le site Web de Timeline Auctions].

Estim. 4 000 - 6 000 GBP

jeu. 16 mai

Johannes Christianus Roedig - Johannes Christianus Roedig Nature morte aux fleurs avec sculpture en pierre, chat et souris Nature morte aux fruits avec vase en terre cuite Huile sur bois. 72,4 x 57,9 cm et 73,3 x 58,1 cm. Signé et daté en bas à droite : C. Roedig 1779, resp. en bas à gauche : C. Roedig 1779. Provenance vente aux enchères, collection Pieter Lyonet (Bunel et Yver), Amsterdam, 11.4.1791, lots 217 et 218 - vente aux enchères, Amsterdam (Van der Schley ... Vinkeles), 7.5.1804, lot 145 -. Vente aux enchères, Wreesman, Amsterdam (Van der Schley ... Vinkeles), 11.4.1816, lot 154. - Collection privée néerlandaise, c. 1820 puis par succession jusqu'en 1970 environ. - Collection of Miss Wurfbain, Wassenaar, 1983. - Kunsthandel Hoogsteder & Hoogsteder, 1987. - Collection privée néerlandaise. - Bonhams, Londres 9.12.2009, lot 81 (1 196 000 GBP). - Collection privée néerlandaise. Expositions Nederlandse bloemstillevens in de achttiende en de eerste helft van de negentiende eeuw, Museum Boeket in Willet, Amsterdam, 1970, n° 26 (seulement la nature morte aux fleurs). - A Survey of the Fruit Still Lifes of the Northern and Southern Netherlands from Brueghel till Van Gogh, P. de Boer, Amsterdam / Herzog Anton Ulrich-Museum, Braunschweig, 1983, n° 70-71 Littérature S. Segal : Boeket in Willet : Nederlandse bloemstillevens in de achttiende en de eerste helft van de negentiende eeuw, Amsterdam, Ausst.-Kat. Museum Willet-Holthuysen, Amsterdam 1970, n° 26, avec ill. - S. Segal : A fruitful past : A Survey of the Fruit Still Lifes of the Northern and Southern Netherlands from Brueghel till Van Gogh, Ausst.-Kat Herzog Anton Ulrich-Museum / P. de Boer, Amsterdam 1983, p. 86-87, n° 70-71, avec ill. Lorsqu'en 1852, le tsar Nicolas Ier chercha un cadeau de Noël spécial pour sa belle-sœur, la princesse Alexandrine de Prusse, il commanda deux grandes peintures sur porcelaine à la manufacture impériale de porcelaine de Saint-Pétersbourg. Celles-ci reproduisaient deux chefs-d'œuvre, des natures mortes de fleurs, de la collection de l'Ermitage - l'une de Jan van Huysum, l'autre de Johannes Christianus Roedig. De toute évidence, 50 ans après la mort de Roedig, l'estime pour sa peinture était encore très vive à la cour du tsar. Les œuvres de l'artiste néerlandais étaient entrées dans la collection de l'Ermitage au siècle précédent, sous la tsarine Catherine II. Ce que Catherine II et d'autres collectionneurs princiers du XVIIIe siècle admiraient dans les natures mortes de fleurs et de fruits de Roedig peut être illustré par cette paire de tableaux d'une splendeur et d'une qualité extraordinaires, qui peuvent être comptés parmi les œuvres majeures de Roedig. Par un heureux hasard, les deux tableaux sont restés ensemble depuis leur création ; leur provenance peut être retracée jusqu'au premier propriétaire à La Haye, la ville natale de l'artiste. La paire de tableaux, une nature morte aux fleurs et une nature morte aux fruits, représente un tour de force, Roedig démontre tout son savoir-faire de peintre de natures mortes, qui se manifeste dans l'opulence de la composition, la finesse de la peinture et la brillance de la palette de couleurs. La nature morte aux fleurs est placée dans le jardin d'un château décoré de personnages et reflète le goût aristocratique raffiné de la fin du 18e siècle. Une multitude de fleurs est offerte au spectateur, la représentation se délecte des formes, des couleurs, des motifs et des textures des multiples pétales, magnifiquement mis en scène par la lumière claire du tableau. En regardant de plus près, on remarque que le vase est tombé, sans doute à cause de l'activité du chat qui poursuit une souris. Les pétales flétris rappellent au spectateur le caractère éphémère de tout ce qui est terrestre, mais l'idée de vanitas ne ternit pas l'ambiance générale, joyeuse et colorée, que symbolise également la statue de Flora, la déesse du printemps, à l'arrière-plan. La nature morte aux fruits, son pendant, représente en revanche la saison de l'automne, comme l'illustre le récipient qui décore une scène bacchanale. Si la nature morte florale impressionne par la finesse des formes et des couleurs des fleurs, ce sont les puissants contrastes de couleurs qui dominent ici : le jaune du citron, le rouge de la grenade, le vert du raisin. La courge coupée, la grenade ouverte ou le citron épluché présentent au spectateur la diversité des formes ainsi que des goûts ; l'opulente composition dans la corbeille, posée sur une précieuse table en marbre, étale sous les yeux du spectateur les fruits d'une riche récolte automnale. Johannes Christianus Roedig fut l'un des derniers grands représentants d'une longue tradition de natures mortes de fleurs et de fruits qui dura près de 200 ans aux Pays-Bas. Les meilleures œuvres de Roedig sont allées à des cours étrangères, mais cette paire de tableaux est restée à La Haye, chez Pieter Lyonet, un naturaliste néerlandais. Dans le catalogue de sa vente aux enchères, les deux natures mortes apparaissent en tant que lots 217 et 218 - c'est une chance qu'elles soient allées au même enchérisseur à l'époque et qu'elles soient restées jusqu'à aujourd'hui.

Estim. 800 000 - 900 000 EUR

lun. 20 mai

GRAND ET RARE VASE EN BLEU SOUS GLAÇURE ET CUIVRE ROUGE "DIEU DE L'ETOILE ET CERF" DE LA PERIODEVASE LANTERNE ROUGE "DIEU DE L'ETOILE ET CERF" PERIODE YONGZHENG / QIANLONG 清雍正/乾隆 青花釉里红 '天官赐福' 灯笼瓶 Vase lanterne en porcelaine chinoise bleu et blanc avec cuivre rouge sous glaçure, peint avec le Dieu Étoile de Fu Xing, le dieu du bonheur et de la richesse qui symbolise l'incarnation de l'empereur, portant une robe de dragon à cinq griffes et une plaque de cou des caractères qinci "faveur impériale accordée par l'empereur" tout en caressant son ours et en tenant sa cloche. L'un des futurs enfants lui présente un sceptre ruyi en jade. Deux déesses compagnes se trouvent également de chaque côté, l'une lui présentant une coupe de vin et l'autre tenant un grand éventail à côté de lui. Quatre autres futurs enfants tiennent respectivement un vase bouteille avec une fleur, une boîte à écrire, une branche de prunus et un qin avec un tissu recouvert de rouge dans une scène de paysage continue avec un cerf tacheté avec son faon et deux grues sous un pin parmi des rochers, au-dessus et en dessous des bandes de têtes de ruyi avec une autre bande de têtes de fleurs rouges en cuivre sous glaçure parmi le feuillage sur le cou et le pied. 46 cm de haut PROVENANCE : De la collection privée de feu George Withers (1946-2023). Acquis par lui lors de la vente aux enchères du 19 janvier 1982. Note : Le présent vase témoigne de l'habileté exceptionnelle des artisans de Jingdezhen du four impérial de la dynastie Qing. L'utilisation complexe du rouge et du bleu sous glaçure, qui exige un contrôle précis pendant le processus de cuisson, reflète une tradition qui a évolué au fil des siècles. Le rouge de cuivre, un pigment difficile à cuire, donne souvent un ton grisâtre s'il n'est pas manipulé correctement, mais lorsqu'il est réussi, il produit un rouge cramoisi vif qui complète le bleu saphir intense de l'oxyde de cobalt. L'utilisation combinée du bleu de cobalt et du rouge de cuivre dans le processus de cuisson exigeait non seulement une expertise technique, mais aussi une vision artistique pour obtenir le jeu harmonieux de couleurs et de motifs qui caractérise la porcelaine impériale de Jingdezhen. J.M. Addis dansChinese Porcelain from the Addis Collection. Twenty-two Pieces of Jingdezhen Porcelain Presented to the British Museum, London, 1979, pp 9-10, traite des techniques expérimentales de la dynastie Yuan et suggère que la première utilisation de l'oxyde de cuivre était probablement une large bande formant le fond d'un motif incisé. Exemples apparentés : Un exemple comparable de vase lanterne décoré de cerfs et de pins, provenant de la collection Wang Xing Lou, a été inclus dans l'exposition "Imperial Perfection, Chinese Palace Porcelain of the Three Great Emperors", Minneapolis Institute of Art, Minneapolis, 2004, et est illustré par Julian Thompson dans le livre qui l'accompagne, n° 27. Un vase apparenté, peint en rouge et bleu sous glaçure avec des bordures aux motifs complexes similaires au présent exemple, avec les Dieux à trois étoiles "Sanxing", a été vendu chez Sotheby's Hong Kong, le 19 mai 1982, lot 261. Un autre vase lanterne très similaire, peint de Dieux à trois étoiles avec un décor bleu sous glaçure et rouge cuivre, vendu et illustré dans le catalogue Recent Acquisitions 2009 publié par S. MARCHANT & SON, Londres, 2009, pages 66-68. Un autre exemple de la collection L. van der Heyden à Hauzeur, vendu chez Christie's Londres, 9 décembre 1985, lot 124. Un vase-lanterne bleu et blanc peint d'un cerf et d'une grue parmi des rochers et des pins de la collection de la cour des Qing, illustré dans Blue and White Porcelain with Underglazed Red (III), The Complete Collection of Treasures of the Palace Museum, Beijing, 2000, vol.36, no.135. Pour un vase similaire, voir Sotheby's Hong Kong, Legacies of Imperial Power : Treasures from the Imperial Collection, 7 octobre 2008, lot 2203.

Estim. 20 000 - 40 000 EUR

mer. 12 juin

KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Face off", 2013. Sculpture en marbre. Pièce unique. Certificat joint signé par Guy Pieters. Dimensions : 120 x 45 x 45 cm. Dans "Face off", l'artiste belge Koen Vanmechelen nous donne une image allégorique des temps modernes en recourant à l'art classique. Une gorgone de marbre (la déesse grecque Méduse) à la tête hérissée de serpents et de crânes de poulets mutants se reproduit en se regardant dans un miroir. C'est le "face à face" du monstre qui pétrifie par son regard. Comme le venin de Méduse et de ses serpents qui, dans la mythologie, avait le pouvoir de ressusciter les morts. Méduse est donc une métaphore de la capacité à tuer et à donner la vie. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), un projet artistique unique qu'il a lancé à la fin des années 1990. Ce projet se concentre sur le poulet et, plus précisément, sur le croisement de races nationales de poulets pour les transformer en "poulets cosmopolites". En 2018, la 22e génération de ce projet mondial est née au musée Serlachius en Finlande : le malinois danois, un croisement entre une race finlandaise et le malinois danois (CCP21) qui a éclos à la Biennale danoise un an plus tôt. Les différents poulets cosmopolites portent des gènes provenant de Belgique, de France, d'Angleterre, des États-Unis, d'Allemagne, des Pays-Bas, du Mexique, de Thaïlande, du Brésil, de Turquie, de Cuba, d'Italie, de Russie, de Chine, d'Égypte, du Sénégal, de Slovénie, d'Autriche, d'Indonésie et du Danemark. La diversité bioculturelle et l'interaction entre l'art et la science qui en résulte constituent le thème principal de son travail. Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de diverses disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 70 000 - 80 000 EUR

dim. 26 mai

Maison Christofle, sous la direction de Paul Christofle (Français, 1838-1907) Important trophée de prix décerné à Monsieur Louradour à Mirandol, 1873 en argent, décerné par le Ministère de l'agriculture, du commerce et des travaux publics. Il est coiffé d’une ronde-bosse de la déesse Cérès reposant sur un socle avec l’inscription "CONCOURS GENERAL AGRICOLE DE CAHORS / DECERNEE A Mr LOURADOUR A MIRANDOL". La coupe présente un décor estampé de quatre scènes des travaux des champs légendées "PATURAGE, MOISSON, VENDANGE, LABOURAGE". Le bord est souligné de l’inscription « MINISTERE DE L'AGRICULTURE DU COMMERCE ET DES TRAVAUX PUBLICS MDCCCLXXIII ». Le fût fuselé et cannelé dans un entourage de pampres de vigne est terminé par des gerbes de blé. La base circulaire est composée d’un bœuf, un bélier, une brebis et une faucille en ronde-bosse. Repose sur quatre pieds à enroulements feuillagés ajourés, richement décorés et ciselés de bouquets de feuilles. Poinçon Minerve 1er titre. Poinçon d'orfèvre "CC" avec une abeille surmontée de trois étoiles pour Christofle et Cie, insculpté en 1853. Signé "CHRISTOFLE Ft (fecit) 1873". D'après un modèle des sculpteurs Eugène Capy (Français, 1829-1894) et Pierre-Louis Rouillard (Français, 1820-1881). Haut. 65 Diam. du plateau 41,5 cm. Poids 9.050 g. Christofle, under the direction of Paul Christofle, 1873. An impressive silver trophy awarded by the French Ministry of agriculture to the winner of the 1873 Cahors Concours Général Agricole. After a model by Eugène Capy and Pierre-Louis Rouillard. Bibliographie : Yves Badetz in Daniel Alcouffe (dir.), "L'Art en France sous le Second Empire", cat. exp. Paris, Grand Palais, 11 mai - 13 août 1979, Paris, Ed. RMN, Notice 79. LA COUPE DU CONCOURS AGRICOLE DE 1873, par Philippe Rouillac avec Brice Langlois Le symbole de la renaissance française Décerné en 1873 à l'occasion du concours agricole de Cahors, ce trophée, qui est l'un des premiers remis en France après la défaite de 1870, devient le symbole de la renaissance française. Ce concours s’inscrit dans une volonté de valorisation des produits de l’agriculture, à la suite de celui organisé depuis 1843 à Poissy, puis sous le Second Empire, et qui se prolonge aujourd’hui porte de Versailles. Remettant cette « coupe d’argent d’une valeur de 3.500 francs à Monsieur Louradour du domaine de Mirandol pour les magnifiques résultats obtenus […], par la mise en pratique, depuis plus de vingt ans, des principes de la science agricole enseignée à Grignon », le Préfet du Lot souligne « qu’au sortir des épreuves qui ont si douloureusement assombri les années précédentes, au milieu des circonstances graves du temps présent, n’est-ce-pas un consolant et fortifiant spectacle que celui du fécond travail des agriculteurs de France ? ». L’exploitant de la commune de Martel est récompensé de la Prime d’honneur du Prix cultural de Première catégorie. La Maison Christofle sur le devant de la scène Le modèle de notre trophée est présenté pour la première fois à l'Exposition Universelle de Londres de 1862. Outre Charles Christofle, qui obtient à l'occasion de cette manifestation une nouvelle distinction, les sculpteurs Eugène Capy et Pierre-Louis Rouillard collaborent à la réalisation de cette importante pièce d'orfèvrerie. Le premier livre le modèle de Cérès tandis que le second s'investit dans la réalisation des animaux et, vraisemblablement, des bas-reliefs. Il semble cependant que le prototype de cette pièce ait été conçu au moins un an auparavant, comme le laissent suggérer les recueils photographiques des pièces d'orfèvrerie de la maison Christofle (archives Christofle). Au Salon de 1861, Charles Christofle expose effectivement une "coupe or et argent " donnée par le Ministère de l'Agriculture aux concours régionaux de la même année. Comme pour notre trophée, Eugène Capy participe à ce projet et collabore à celui du surtout de l'hôtel de ville ainsi qu’à celui, en bronze doré, de Napoléon III. En revanche, le sculpteur Auguste Madroux, qui prête son concours au prototype, est remplacé par Pierre-Louis Rouillard, qui contribua notamment au décor sculpté du Louvre. Une inspiration néoclassique La figure de Cérès est ici traitée dans le style néo-classique, les drapés aux plis tombants ou la couronne de laurier, rappelant entre autres l'art de l'antiquité. Cette coupe offre ainsi un répertoire stylistique composite : les bas-reliefs apposés sur son pourtour sont traités avec réalisme, tandis que le bœuf et les moutons sont représentés avec naturalisme. Quoi qu’il en soit, comme le souligne Yves Badetz, conservateur en chef du patrimoine, les motifs figuratifs de ce trophée se retrouvent dans d'autres pièces destinées à être offertes à l'occasion de concours agricoles, telle la Cérès, éditée seule pour être placée

Estim. 10 000 - 15 000 EUR
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