13th May - Contemporary Art

Lote 1 - VICTOR VASARELY (Pécs, Hungría, 1908 - París, 1997). Sin título, 1981. Collage de papel sobre cartón. La autoría de esta obra ha sido confirmada por Pierre Vasarely. Firmado dos veces en el ángulo inferior derecho, fechado y dedicado. Medidas: 40 x 27 cm; 60 x 47 cm (marco). Vasarely se basa en el descubrimiento de que la deformación de una cuadrícula bidimensional puede generar un paisaje tridimensional abstracto, con elevaciones y depresiones, donde los cuadrados se transforman en rombos y los círculos en elipses. Así, el efecto ilusionista que combina convexidad y concavidad con dilatación y contracción, encierra un reflexivo simbolismo cósmico, evocando el ritmo que nace de las estrellas, así como la formación de galaxias por la expansión del universo en su conjunto. Considerado el padre del Op Art, Victor Vasarely comenzó su formación artística en la escuela Muheely, fundada en Budapest por un alumno de la Bauhaus. Se instaló en París en 1930, donde creó lo que hoy se considera la primera obra del Op Art, "Zebra" (1937). En París trabajó como diseñador gráfico para agencias de publicidad. Durante este periodo su estilo artístico varió desde la expresión figurativa, hacia un tipo de arte abstracto constructivo y geométrico, interesado en la representación de la perspectiva sin puntos de fuga.Entre 1936 y 1948 participó regularmente en el Salon des Surindependents y en el Salon des Nouvelles Réalités. A partir de 1948 expone regularmente en la galería Denise René. En los años cincuenta su obra se acerca al uso de nuevos materiales y soportes como el aluminio o el vidrio. Asimismo, comenzó a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En los años sesenta participó en numerosas exposiciones colectivas, como The Responsive Eye en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como individuales en Europa y América. Entre los numerosos galardones que recibió a lo largo de su vida destacan el Premio Guggenheim (1964), el de la Crítica de Arte de Bruselas y la medalla de oro de la Trienal de Milán. En 1970 también fue nombrado Caballero de la Orden de la Legión de Honor. Está representado en los museos que se le han dedicado en Aix-en-Provence, Pécs y Budapest, pero también en los centros de arte contemporáneo más importantes del mundo, como la Tate Gallery de Londres, el MoMA de Nueva York, el Guggenheim de Venecia o el Reina Sofía de Madrid. La autoría de esta obra ha sido confirmada por Pierre Vasarely.

Valorac. 15 000 - 18 000 EUR

Lote 2 - SONIA DELAUNAY (Ucrania, 1885 - Francia, 1979). "Traje", 1922. Pincel, pluma y tinta china sobre papel. Firmado y fechado en la parte inferior derecha. Medidas: 31 x 25 cm; 52 x 43 cm (marco). Bibliografía - J. Damase, Sonia Delaunay, dessins en noir et blanc, París, 1978, p. 190 (ilustrado en la p. 112, con dimensiones incorrectas y fechado "1926"). - E. Morano, Sonia Delauna, Art into Fashion, Nueva York, 1986, p. 59 (ilustrado). Con su característico estilo sintético, en esta pieza Delaunay crea un dibujo figurativo, protagonizado por una mujer. La pieza, en particular la vestimenta de la protagonista, recuerda algunos patrones que la artista realizó sobre lienzo en los años veinte. Nacida Sonia Ilínichna Stern, Sonia Delaunay es más conocida por su apellido de casada, que adoptó tras contraer matrimonio con Robert Delaunay. Pintora y diseñadora francesa de origen ucraniano, fue, junto con su marido, una de las principales representantes del arte abstracto, así como la creadora del simultaneísmo. Creció en San Petersburgo, en contacto con la colección de cuadros de la Escuela de Barbizon de su tío y con la vida cultural de la ciudad. En 1903 se trasladó a Alemania para ampliar su formación, donde descubrió la pintura contemporánea y estudió dibujo con Schmidt-Reuter. Dos años más tarde se trasladó a París y se matriculó en la Academie de la Palette, donde también se inició en el grabado con Grossman. Durante estos años se acercó a la vanguardia europea a través del expresionismo alemán, con una obra que también revela ecos del postimpresionismo. En 1908 celebró su primera exposición, en la que mostró obras de su recién iniciado periodo fauvista. Dos años más tarde se casa con Delaunay, con quien comparte inquietudes estéticas. Su arte experimenta entonces un cambio de dirección, hacia la abstracción. La artista se orientará entonces hacia las artes decorativas, siempre con un lenguaje colorista puramente abstracto que atraerá la atención de sus coetáneos y también de la crítica. Aunque en 1912 volvió a la pintura, su fama como diseñadora ya se había consolidado en toda Europa. A partir de entonces, participa con frecuencia en importantes exposiciones europeas, como el Salón de Otoño de Berlín o el Salón de los Independientes de París. Durante la Primera Guerra Mundial vivió en España y Portugal, donde desarrolló una intensa actividad creativa, incluida la colaboración con el ballet de Diaghilev. En 1921 la pareja regresó a París, donde Sonia Delaunay continuó trabajando en importantes proyectos, además de exponer su obra tanto en Europa como en Estados Unidos. Ya plenamente reconocida a partir de los años cincuenta, comenzaron a publicarse recopilaciones de su obra y, de hecho, en 1958 se le dedicó su primera exposición retrospectiva en Bielefeld (Alemania). Además, en 1975 fue nombrada oficial de la Legión de Honor francesa. En la actualidad, Delaunay está representada en importantes colecciones de todo el mundo, como las del MoMA de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, el Reina Sofía de Madrid, el Albertina de Viena y Haifa de Israel. Bibliografía - J. Damase, Sonia Delaunay, dessins en noir et blanc, París, 1978, p. 190 (ilustrado en la p. 112, con dimensiones incorrectas y fechado en "1926"). - E. Morano, Sonia Delauna, Art into Fashion, Nueva York, 1986, p. 59 (ilustrado).

Valorac. 12 000 - 14 000 EUR

Lote 3 - JULIO LE PARC (Mendoza, Argentina, 1928). "Cercles par Deplacement" 2015. Acrílico, espejo y litografía off-set, copia H.C. Publicado por MAK Editions. Se adjunta certificado de autenticidad. Medidas: 9,4 x 8 x 6,7 cm. Esta escultura de op-art, concebida por el artista argentino Julio Le Parc en 1965, utiliza un espejo y una cara impresa en el interior y está hecha de plexiglás. Al mirar la escultura desde un ángulo diferente, los círculos cambian de color. Fue producida en 2015. Artista multidisciplinar enmarcado dentro del arte cinético, Julio Le Parc se formó en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Peuyrredón de Buenos Aires, y en 1957 comienza a trabajar dentro del lenguaje abstracto. Al año siguiente se traslada a París gracias a una beca del Gobierno francés, y allí funda el Groupe de Recherche d'Art Visuel, además de formar parte del grupo Nueva Tendencia. En 1966 celebra su primera exposición individual en la Sage Gallery de Howard (Nueva York), y ese mismo año gana el primer premio de la Bienal de Venecia. En 1967 participa en una importante exposición colectiva celebrada en el Museo de Arte Moderno de París, y en 1972 se celebra en Düsseldorf la primera exposición retrospectiva de su obra. En la actualidad, su obra está representada en la Tate Gallery de Londres, el Museo Nacional de Bellas Artes y la Fundación Proa de Buenos Aires, la Biblioteca Luis Ángel Arango de Colombia y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C., entre otras colecciones públicas y privadas.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 4 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Sin título, 1985. Técnica mixta (pintura y collage) sobre papel. Firmado y fechado en el margen inferior. Medidas: 197 x 115 cm; 207 x 126,5 cm (marco). El uso del collage ligado a la experimentación y a la abstracción lírica gana terreno en las pinturas de Guinovart de los años ochenta. Se aleja del informalismo de su periodo anterior y se acerca a una abstracción con latencias musicales y poéticas. En esta composición, esto se expresa mediante las sutiles sugerencias de los instrumentos de cuerda y los signos caligráficos. Josep Guinovart se formó en la Escuela de Maestros Pintores, en la Escuela de Artes y Oficios y en las clases del FAD. Expuso individualmente por primera vez en las galerías Syra de Barcelona en 1948. Inmediatamente adquiere un sólido prestigio, colabora con Dau al Set y participa en los salones Octubre, Jazz y Once. En los años cincuenta, gracias a una beca, vivió en París, donde conoció profundamente la obra de Cézanne y Matisse, que, junto con Miró y Gaudí, serían sus influencias más importantes. En 1955, junto con Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies y Tharrats, formó el grupo Taüll, que reunía a los artistas de vanguardia de la época. Hacia 1957 inició una tendencia informalista y abstracta, con una fuerte presencia matérica tanto por la incorporación de elementos y objetos diversos (maderas quemadas, cajas, objetos de desecho) como por la aplicación de técnicas como el collage y el assemblage. A partir de los años sesenta se aleja de la poética informalista y comienza a crear obras llenas de signos y gestos, que contienen una fuerte carga expresiva en las líneas y los colores. Durante los años setenta utilizó sistemáticamente materiales como arena, tierra, barro, paja o fibrocemento, y en la década siguiente se centró en la experimentación con la proyección tridimensional de sus obras, que se concretó en la creación de ambientes o entornos espaciales como el titulado Contorn-extorn (1978). Guinovart tiene una producción artística muy variada: pinturas murales, decorados y escenografías teatrales, como la realizada para Bodas de Sangre de Federico García Lorca, ilustraciones de libros, diseño de carteles, tapices y esculturas. Participó en las Bienales de São Paulo (1952 y 1957), Alejandría (1955) y Venecia (1958, 1962 y 1982), y entre sus premios destacan el Ciudad de Barcelona en 1981, el Nacional de Artes Plásticas en 1990 y el de Artes Plásticas de la Generalitat en 1990. En 1994 se inauguró en Agramunt, Lérida, el Espacio Guinovart, fundación privada que cuenta con una exposición permanente del artista. Está representado en los Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona, Madrid y Ciudad de México, el Museo de Escultura al Aire Libre de Santa Cruz de Tenerife, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo San Telmo de San Sebastián, el Museo Eusebio Sempere de Alicante, el Museo de Navarra de Tafalla, la Casa de las Américas de La Habana, el Museo Bocchum de Alemania, el Museo de Bellas Artes de Long Island, Nueva York, y el Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Valorac. 5 500 - 6 500 EUR

Lote 5 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Escalada", 1974. Collage, acrílico y lápiz graso sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 100 x 81 cm. Ràfols Casamada hablaba de su necesidad de "romper el espacio y recomponerlo mediante manchas de color, distribuirlas casi al azar y conseguir, mediante el color, que se sostengan y se relacionen" (Testimonio de un pintor, 1985). El cuadro que aquí se muestra da cuenta de esta búsqueda de depuración intelectual. Ràfols Casamada somete el cuadro a un juego tensional aparentemente aleatorio entre campo de color, vacío, mancha y gesto. En este lienzo, la abstracción lírica palpita con ímpetu a pesar de la base conceptual subyacente. Se hace eco de una feliz resolución entre complejidad intelectual y sencillez plástica, entre trascendencia e inmanencia. Pintor, pedagogo, escritor y artista gráfico, Ràfols Casamada goza hoy de gran prestigio internacional. Se inició en el mundo del dibujo y la pintura con su padre, Albert Ràfols Cullerés. En 1942 inició estudios de arquitectura, aunque pronto los abandonó para dedicarse a las artes plásticas. La influencia paterna postimpresionista y su particular cézannismo marcan las obras presentadas en su primera exposición, celebrada en 1946 en las galerías Pictòria de Barcelona, donde expuso con el grupo Els Vuit. Posteriormente, elaborará una abstracción poética, amorfa en su configuración, libre e inteligente, fruto de una lenta gestación y basada en ambientes, temas, objetos o grafismos de la vida cotidiana. Ràfols Casamada trabaja con estos fragmentos de realidad, de vida, en un proceso de desfiguración, jugando con las connotaciones, los valores plásticos y la riqueza visual de las diferentes lecturas posibles, en un intento de fijar la fugacidad de la realidad. En 1950 obtuvo una beca para viajar a Francia, y se instaló en París hasta 1954. Allí conoció la pintura figurativa postcubista, así como la obra de Picasso, Matisse, Braque y Miró, entre otros. Estas influencias se unieron en su pintura a la del expresionismo abstracto americano, que se desarrollaba al mismo tiempo. Cuando finalmente regresó a Barcelona, emprendió su propio camino artístico, con un estilo caracterizado por la elegancia compositiva, basado en estructuras ortogonales combinadas con un cromatismo emotivo y luminoso. Tras mostrar una interesante relación, en los años sesenta y setenta, con el neodada y el nuevo realismo, su obra se ha centrado en valores puramente pictóricos: campos de color en expresiva armonía sobre los que destacan líneas gestuales de carboncillo. Ha recibido numerosos galardones, como el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en 1980, la Creu de Sant Jordi en 1982 y el Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y es miembro honorario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 2003 la Generalitat le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cataluña, y en 2009, sólo dos meses antes de su muerte, el Grup 62 le rindió homenaje en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Su obra se encuentra en los museos más importantes del mundo: el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim y el MOMA de Nueva York, el Museum of Modern Art de Los Ángeles, el Museo Picasso de Francia, el Georges Pompidou de París y el British Museum y la Tate Gallery de Londres, entre muchos otros.

Valorac. 8 000 - 9 000 EUR

Lote 6 - NICK VEASEY (Londres, 1962). "Paz con las margaritas". 2019. C-tipe print, copia 1/25. Firmada y numerada en esquina inferior derecha. Etiqueta al dorso. Medidas: 75 x 59,4 cm; 77 x 61,5 cm (marco). Artista y fotógrafo iniciado en el campo publicitario de la fotografía, se guía por un patrón artístico estrechamente relacionado con la ciencia, ya que crea imágenes y fotografías a partir de rayos X con el fin de alcanzar su objetivo artístico, el fondo y el detalle más profundo de cada sujeto. Objetos, personas, naturaleza y animales han pasado ante su objetivo. El artista considera que esta colección es una declaración contra la superficialidad y una invitación a replantearnos nuestra percepción de la realidad. Como afirma en su página web "Vivimos en un mundo obsesionado con la imagen. Cómo somos, cómo nos queda la ropa, la casa, el coche... .... Me gusta contrarrestar esta obsesión por la apariencia superficial utilizando rayos X para pelar las capas y mostrar cómo es debajo de la superficie. Todos hacemos suposiciones basadas en los aspectos visuales externos de nuestro entorno y nos sentimos atraídos por las personas y las formas que son estéticamente agradables. Me gusta cuestionar esta forma automática de reaccionar ante el aspecto físico sacando a relucir la belleza interior, a menudo sorprendente. También nos hace reflexionar sobre cómo la sociedad está cada vez más controlada por la seguridad y la vigilancia. Los controles de los aeropuertos o las entradas de los juzgados son algunos ejemplos de lugares que pasan nuestras pertenencias por los rayos X". Para Veasey, poder crear arte con equipos y tecnología diseñados para "limitar nuestra libertad" es un modo de transgresión. En 2009 comenzó a exponer para Maddox Fine Arts en Londres, y posteriormente realizó giras por Europa, Norteamérica y Asia. Ha recibido numerosos premios de fotografía y diseño, entre ellos los IPA Lucie Awards, AOP, Graphis, Communication Arts, Applied Arts, PX3 y D & AD, y está nominado al premio IPA Lucie International Photographer of the Year 2008.

Valorac. 4 500 - 5 000 EUR

Lote 7 - KEITH HARING (Pensilvania, 1958- Nueva York, 1990). "Autorretrato", 1987. Tinta sobre papel. Con etiqueta de la Galería Tony Shafrazi con Stock #1435 exento de enmarcar. Enmarcado con cristal de museo. Firmado y fechado en el lado derecho. Medidas: 26 x 32,5 cm; 43 x 49 cm (marco). Keith Haring se autorretrató en numerosas ocasiones siempre con sus icónicas gafas como sello de identidad. En estos autorretratos el artista ofrecía una visión de sí mismo, no sólo física sino también personal, revelando así su opinión de sí mismo al espectador, como puede verse en el autorretrato como esfinge. En este caso concreto no se trata de un solo autorretrato sino de dos, ya que nos muestra su propio busto siendo pintado por uno de sus icónicos monigotes que son un alter ego del propio artista. Considerado como la cabeza visible del arte urbano de los ochenta, la imparable carrera profesional de Haring, que le llevó a convertirse en colega de Warhol y superestrella mediática, comenzó con sus trabajos en el metro de Nueva York. La enorme popularidad de la obra urbana de Haring entre los neoyorquinos llamó inmediatamente la atención del establishment artístico. En consecuencia, Andy Warhol lo adoptó en su círculo, y el entonces emergente galerista Tony Shafrazi le organizó en 1982 una resonante exposición individual que sería la plataforma de lanzamiento de su imparable éxito. Pronto expuso en la galería del influyente Leo Castelli y se consolidó como estrella profesional del arte. Keith Haring fue un artista estadounidense cuyo arte pop y graffiti surgieron de la cultura callejera de Nueva York en la década de 1980. La obra de Haring creció en popularidad gracias a sus dibujos espontáneos en el metro de Nueva York realizados con tiza sobre fondos de espacios publicitarios en blanco y negro. Tras lograr el reconocimiento público, creó obras a gran escala como murales.Su obra posterior abordó a menudo temas políticos y sociales, especialmente la homosexualidad y el sida, a través de su propia iconografía. En la actualidad, la obra de Haring se reparte entre importantes colecciones privadas y públicas, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York; el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; el Instituto de Arte de Chicago; el Museo Bass de Miami; el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París; el Museo Ludwig de Colonia; y el Museo Stedelijk de Ámsterdam. También creó una gran variedad de obras públicas, como la enfermería del Children's Village de Dobbs Ferry (Nueva York) y el baño de hombres del segundo piso del Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center de Manhattan, que más tarde se transformó en una oficina y se conoce como Keith Haring Room. En enero de 2019, se inauguró una exposición titulada "Keith Haring New York" en la Facultad de Derecho de Nueva York, en el edificio principal de su campus de Tribeca. Presenta etiqueta de Tony Shafrazi Gallery con Stock #1435 exento de enmarcado.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 8 - PIERRE ET GILLES (Francia, colaboradores desde 1976). "Glory Hole (Charley Huet)", 1994. Fotografía pintada. Firmada. Obra única. Medidas: 82 x 64 cm. El dúo de artistas franceses Pierre et Gilles realiza fotografías provocadoras en las que construyen a mano sus propias escenografías y vestuarios. En ellas no hay retoques fotográficos. Al contrario, les dan un acabado único de obra de arte con pintura. La cultura gay y la pornografía son los géneros que exploran con espíritu liberado y sarcasmo. En esta ocasión, recrean una supuesta escena de una película porno protagonizada por Charley Huet. Pierre et Gilles son dos artistas franceses, una pareja sentimental y artística. Realizan fotografías únicas y muy estilizadas. Sus obras incluyen imágenes de la historia del arte, la cultura popular, la religión y la cultura gay, incluida la pornografía (especialmente James Bidgood). La forma de trabajar de estos dos artistas incluye el montaje de complejas escenografías, ya que apenas trabajan con postproducción digital después de las tomas. Parte de su forma de trabajar incluye elaborados trabajos de iluminación y escenografía, retratando a los modelos rodeados de mandorlas florales que a menudo remiten a obras religiosas del pasado o en escenarios idílicos e imaginarios. Posteriormente, trabajan las fotografías con pintura acrílica para retocar las imágenes y darles un acabado original. Entre sus temas favoritos se encuentran los religiosos y mitológicos, así como las escenas homoeróticas (algunos ejemplos hacen referencia al océano y a los marineros, habiendo elaborado un libro sobre este tema titulado "Marineros y mar"). Sin duda, sus obras pueden incluirse dentro del movimiento kitsch expresado de forma consciente, estando también influenciadas por el mundo de la cultura pop. Entre las celebridades fotografiadas por Pierre et Gilles se encuentran: Amanda Lear (la portada de su álbum de 1980, Diamonds for Breakfast, uno de sus primeros encargos), Lio, Khaled, Étienne Daho, Marie France, Mikado, Marc Almond, Leslie Winer, Marilyn Manson, Madonna, Kylie Minogue, Erasure, Deee-Lite, The Creatures, Nina Hagen y Coco Rosie (la portada de su álbum de 2007, The Adventures of Ghosthorse and Stillborn); la modelo Naomi Campbell, las actrices Tilda Swinton y Catherine Deneuve, los actores Jérémie Renier y Layke Anderson, así como los diseñadores Jean-Paul Gaultier y Paloma Picasso. Su obra forma parte de las colecciones del Centro Pompidou de París.

Valorac. 90 000 - 100 000 EUR

Lote 9 - ANTONIO VIDAL FERNÁNDEZ (La Habana, 1928 - 2013) . Sin título, ca. 1960. Acrílico sobre masonita. Firmado en la esquina inferior derecha. Se adjunta certificado expedido por la nieta del artista, Anabelle Vidal B. Medidas: 50,8 x 41 cm. Antonio Vidal fue un pintor que cultivó todas las variantes del abstraccionismo: expresionismo, informalismo, dripping,,,, de tal manera que a veces los distintos lenguajes abstractos se entremezclaban como en este cuadro donde las líneas se transforman en vectores, los círculos en puntos energéticos o agujeros negros, y el dripping convive con el gestualismo. Antonio Vidal Fernández fue un importante artista cubano. Fue miembro del grupo Los Once y miembro fundador de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba. Introdujo el expresionismo abstracto en la isla, pero no fue seguidor del movimiento, sino que se mantuvo al margen de las modas para encontrar su propio camino. Graduado de la Academia de Villate, recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1999. Entre sus exposiciones personales cabe destacar: En 1993 "Antonio Vidal 40 años en la plástica", Pinturas y Dibujos de pequeño formato. Galiano y Galería de Arte Concordia, La Habana, Cuba. En 1953 participa colectivamente en Los 11. Pintores y Escultores. Liceo, La Habana, Cuba. En 1963 y 1965 participa en la Primera y Segunda Bienal Americana de Grabado. Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago de Chile. En 1966 y 1968 en la V y VI Bienal Internacional de Grabado. Museo de Arte Moderno, Tokio, Japón. En el año 2000 "Tono a tono". Exposición de Arte Abstracto. Sala Solidaridad, Hotel Habana Libre Tryp, La Habana, Cuba, entre otras. En 1973 su obra es reconocida con el Segundo Premio de Pintura. Salón de Profesores e Instructores de Artes Plásticas, Escuela Nacional de Arte (ENA), La Habana, Cuba. En 1981 Mención. Primer Salón Nacional de Pequeño Formato, Salón Lalo Carrasco, Hotel Habana Libre, La Habana. En 1999 Premio Nacional de Artes Plásticas. Ministerio de Cultura. Fundador del Taller Experimental de la Gráfica de La Habana, en los años 60, en el que desarrolló un considerable número de obras utilizando la técnica litográfica. En esa época realizó obras para lugares públicos como los murales de mosaicos en el Teatro Manuel Ascunce Domenech de la Ciudad Escolar Libertad y en la tienda por departamentos La Época. Impartió clases de pintura en la Escuela Nacional de Arte durante dos décadas, en los 70; y diez años después experimentó con la escultura pero como una extensión, un nuevo soporte para sus creaciones sobre tela o papel. También incursionó en el diseño de portadas de libros y revistas; en 1977 publicó su cuaderno de bocetos Antonio Vidal -publicado por la editorial de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba-. Una parte importante de su obra se conserva en el Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba. Se adjunta certificado expedido por Anabelle Vidal B.

Valorac. 18 000 - 20 000 EUR

Lote 10 - MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Mallorca, 1957). "Crânes Papaie", 1999. Acuarela sobre papel. Firmada y fechada en la parte inferior. Medidas: 56 x 76 cm; 76 x 96 cm (marco). Esta obra muestra aspectos totalmente personales de Barceló, imposibles de relacionar con sus influencias o predecesores, entre los que destaca su ruptura con la tradición a través de su incansable búsqueda de nuevas fórmulas y su fascinación por diferentes aspectos de la naturaleza. Un ejemplo de ello es esta acuarela, ya que el artista parte de la tradicional "vanitas", pero su técnica y la tendencia hacia lo telúrico nos acercan a una imagen completamente orgánica que no transmite la fugacidad de la vida, sino una concepción cíclica de la misma. En esta obra, el mallorquín crea una obra de gran expresividad, firmemente enraizada en la naturaleza y en la tradición arcaica, que al mismo tiempo revela una sorprendente y brillante modernidad. Pintor y escultor, Barceló inició su formación en la Escuela de Artes y Oficios de Palma de Mallorca, donde estudió entre 1972 y 1973. En 1974 debuta individualmente, a los diecisiete años, en la Galería Picarol de Mallorca. Ese mismo año se traslada a Barcelona, donde se matricula en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi, y realiza su primer viaje a París. En la capital francesa descubre la obra de Paul Klee, Fautrier, Wols y Dubuffet, así como el "art brut", estilo que ejercerá una importante influencia en sus primeras pinturas. Durante estos años lee mucho y se enriquece con obras tan diversas como los escritos de Breton y los surrealistas, el "Manifiesto Blanco" de Lucio Fontana o la "Historia Social de la Literatura y el Arte" de Arnold Hauser. En 1976 celebra su primera exposición individual en un museo: "Cadaverina 15" en el Museo de Mallorca, consistente en un montaje de 225 cajas de madera con tapas de cristal, con materiales orgánicos en descomposición en su interior. Ese mismo año, de vuelta en Mallorca, se une al grupo Taller Lunàtic y participa en sus actos sociales, políticos y culturales. En 1977 realiza un segundo viaje a París, y visita también Londres y Amsterdam. Ese mismo año expone por primera vez en Barcelona y conoce a Javier Mariscal, que se convertirá en uno de sus mejores amigos en la ciudad. Junto a él y al fotógrafo Antoni Catany participa, como miembro del grupo "Neón de Suro", en exposiciones en Canadá y California, y colabora en la publicación de la revista del mismo nombre. Es también en 1977 cuando recibe su primer encargo pictórico de gran formato: un mural para el comedor de un hotel en Cala Millor, Mallorca. Al año siguiente, con veintiún años, vende sus primeras obras a algunos coleccionistas y galerías, y finalmente se traslada a Barcelona. Su reconocimiento internacional comienza a principios de los ochenta, impulsando definitivamente su carrera tras su participación en la Bienal de São Paulo (1981) y en la Documenta de Kassel (1982). En 1986 fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas, y desde entonces su obra ha recibido numerosos reconocimientos, como el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2003) y el Premio Sorolla de la Hispanic Society of America de Nueva York (2007). En la actualidad, Barceló está representado en los museos de arte más importantes del mundo, como el MoMA de Nueva York, el Centro Pompidou de París, el Guggenheim de Bilbao, etc.

Valorac. 18 000 - 20 000 EUR

Lote 11 - CÉSAR MANRIQUE CABRERA (Lanzarote, 1919 - 1992). "Después de la lluvia", 1980. Técnica mixta (con adición de materia) sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 50 x 61 cm; 70 x 81 cm (marco). Pintor, escultor y arquitecto, Manrique se formó entre Lanzarote y Madrid, donde estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. En 1942 debutó individualmente en Lanzarote, y durante los años cincuenta, con el auge del surrealismo, fundó la galería Fernando Fe, la primera galería no figurativa de España. Durante estos años pintó varios murales en Lanzarote y expuso su obra en varios países. En 1964 se traslada a Nueva York, donde expone, entre otros, en la galería Catherine Viviano. Dos años más tarde se instala definitivamente en Lanzarote donde, junto al arquitecto Fernando Higueras, realiza diversos proyectos en la isla. En 1992, pocos meses antes de su muerte en accidente de tráfico, se inauguró en Lanzarote la Fundación que lleva su nombre. Su obra artística le valió galardones como la Medalla de Oro de Bellas Artes (1980), el Premio Goslarer Monchenhsus de Alemania (1981), el Premio Van D'Aheod de Holanda (1982) y el Premio Fritz Schumacher de Hamburgo (1989), entre otros. Actualmente está representado en el Museo de Arte Abstracto Español y en el Centro Atlántico de Arte Moderno, entre otros centros y colecciones. En su obra, tanto pictórica como escultórica y, sobre todo, arquitectónica, Manrique dialoga con las raíces canarias, con la cultura guanche, con sus construcciones tradicionales, su paisaje, su folclore, su arte prehispánico. En esta pieza rinde homenaje a todo ese legado, en una obra donde la materia, que remite a la tierra, a los volcanes, al fuego que "construyó" y definió la isla de Lanzarote, es parte esencial.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 12 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). Serie "Jonás despierto" 2007. Fotografía digital, copia AP 3/3. Firmada al dorso. Medidas: 152,4 x 114,3 cm; 154 x 116 cm (marco). Con su serie "Awakened", LaChapelle dio un nuevo rumbo a su obra. Inspirándose en la narrativa bíblica, toma a personas anónimas interpretando el papel de personajes bíblicos (aquí se muestra la figura de Jonás), sumergidas en el agua, en estado de levitación. La bella iluminación, sus expresiones, la ingravidez de las ropas, todo contribuye a introducir al espectador en una dimensión mística acogedora. Estas obras confirman la profunda conexión de LaChapelle con lo trascendental, con la presencia de lo divino en lo cotidiano y con la idea de lo sublime. La carrera de LaChapelle comenzó de forma significativa en el año 1982, cuando Andy Warhol le impulsó a publicar sus fotografías "Interview". "Andy Warhol corresponde perfectamente a su época", afirma el fotógrafo, "es sin duda un gran artista del siglo XX. Fue muy generoso y aprendí mucho de él, pero pertenecemos a dos generaciones distintas y tenemos ideas diferentes. El arte actual más valioso es el que consigue aclarar el tiempo en que vivimos, y eso es lo que yo intento hacer". Las estrafalarias, extrañas y fantásticas imágenes de David LaChapelle han aparecido en las páginas y portadas de las revistas Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face y GQ, por nombrar sólo algunas. Su estilo es único y reconocible, trabaja con planos abiertos, escenas frescas y extremadamente coloridas que muestran su estilo pop-art. Sus tomas tienen un trabajo minucioso y detallado, trabajando con el aspecto físico del personaje llevándolo casi a la caricatura. "Intento hacer fotos que nunca haya visto antes", dice LaChapelle. Creativo de talento, juega con escenas ficticias y grotescas, en su mayoría artificiales y tiene una excelente producción, las imágenes son generalmente en el momento del rodaje, con poca post-producción. También podemos ver en su obra la crítica a la sociedad en la que vivimos llena de excesos y vanidad. Su dedicación incondicional a la originalidad es legendaria en el mundo de la moda, el cine y la publicidad. LaChapelle ha participado en campañas publicitarias para diversos clientes, como L'Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma y la campaña Got Milk? David ha fotografiado numerosas portadas de discos para artistas como Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna y Kylie Minogue. Su exitoso primer libro, LaChapelle Land, fue publicado en 1996 por Collaway Publishing, y traía en su extravagante envoltorio una explosiva colección de retratos de famosos y modelos, entre ellos Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore y Elton John. El sucesor de este debut fue el libro Hotel LaChapelle, también publicado por Collaway en 1999, que muestra imágenes frescas con colores inolvidables. LaChapelle sigue logrando fotografías que confrontan nuestros gustos visuales, dando una mirada fresca al paisaje actual.

Valorac. 28 000 - 30 000 EUR

Lote 13 - JOSE SOLLA (La Habana, 1909). "Puerta", 2003. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior. Medidas: 38 x 46 cm; 55 x 63 cm (marco). Prácticamente toda su carrera artística la ha desarrollado en Sudamérica, donde residió desde 1950, aunque regresó a Galicia en la década de los ochenta, ha realizado varias exposiciones que confirman a un pintor cuajado, imaginativo, lírico, erótico en ocasiones, excelente conocedor de la mejor tradición europea y del arte indígena hispanoamericano, que ha absorbido para darle una expresión muy personal. José Solla estudió en la Escuela Superior de Artes Visuales Martín A. Malharro, con el profesor Demetrio Urruchúa, maestro de tantos excelentes artistas de origen gallego. Realizó su primera exposición en 1964. Participó en las Bienales de Pontevedra de 1973, 1974 y 1976. En la segunda edición internacional de este importante certamen obtuvo la Medalla de Oro. Otros premios fueron obtenidos por Solla en Caserta, Italia; en Buenos Aires, Mar del Plata y Salta, Argentina. La exposición que confirmó su condición de pintor muy personal y consumado se celebró en el Centro Cultural Caixavigo en 1990, dentro del ciclo Grandes Artistas Gallegos. Está representado en museos de Sudamérica, Brasil, México, Chile, Estados Unidos, Italia y en los museos de Pontevedra y Vigo. Solla es a la vez lírico y expresionista. Sus paisajes, generalmente marinos, más intuiciones que representaciones, son de una ligereza exquisita, danzantes, de materia muy fina y sentidos como un mural. Las composiciones de figuras, en cambio, son barrocas, abigarradas, con una fuerte carga erótica y un mundo de esperpento, por supuesto deliberado. Se apoya en un dibujo de gran fluidez, que le permite complejidades sorprendentes, con evasiones hacia lo onírico. Seres imaginarios, inspirados en mitologías precolombinas, pueblan espacios ideales y son como transnaciones en las que por fin se hace presente el gallego soñador y evocador que Solla lleva dentro desde su infancia, mirando a la ría de Pontevedra. Es un acuarelista consumado, de grafismo directo en la mancha, capaz de crear mundos ideales en los que hay aves totémicas y seres alados que deambulan por espacios sugeridos por una imaginación desbordante. Un pintor multiforme, inconfundible, atractivo, de obra muy bien hecha, porque sabe contener el torrente de su imaginación para asentarlo en ámbitos diferentes, donde lo grotesco se humaniza y lo humano se desborda en mitologías imprevisibles.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 14 - MARCELLO TROTTER (Italia, 1977). "Ángel negro", 2008. Técnica mixta sobre lienzo. Firmado, fechado y titulado al dorso. Tamaño: 162 x 120 cm. En esta obra el autor utiliza un lenguaje abstracto, basado en la geometría irregular, de carácter orgánico tanto en su trazo como en sus colores. Se trata de un estilo abierto, cuya característica fundamental es la concepción de la superficie pictórica como un todo, como un campo abierto, sin límites y sin jerarquías. Así, como vemos aquí, las formas pictóricas son el resultado de una composición y experimentación meditadas, con una imagen de carácter gestual, que no se limita a una composición sino que va más allá de ella, indicando al espectador que estamos ante formas, ideas o sugerencias que traspasan las fronteras de lo puramente pictórico.

Valorac. 1 400 - 1 600 EUR

Lote 15 - PAT ANDREA (La Haya, Países Bajos, 1942). "Lesbos". Carboncillo y lápices de color sobre papel. Firmado en el margen inferior. Medidas: 48 x 39 cm; 82,5 x 72,5 cm (marco). Hijo de un artista plástico y de una ilustradora, Pat Andrea se formó en la Real Academia de Bellas Artes de La Haya. Junto con los artistas Walter Nobbe y Peter Blokhuis formó el grupo ABN, que pasó a conocerse como la Nueva Escuela de La Haya. En 1976, tras su primera exposición en París, viajó a América Latina, lugar que cambió notablemente su forma de trabajar, comenzando a desarrollar las composiciones figurativas que conocemos, de mayor fuerza y tensión formal que sus obras anteriores. En 1977 Jean Clair le invitó a participar en la exposición titulada "Nueva subjetividad", que tuvo lugar en el Festival de Otoño de París. A partir de entonces sería conocido como representante de esta corriente artística que bebe de la nueva figuración, el segundo expresionismo alemán o el surrealismo. Pat desarrolla una obra en la que plasma los horrores y fobias de la guerra entre el sexo masculino y femenino, protagonizada por personajes que han perdido el equilibrio psicológico y se debaten entre la ternura y la violencia, todo ello a través de un expresionismo grotesco en el que priman las formas sintetizadas y los colores planos. Entre 1983 y 1989 combina sus estancias en Buenos Aires con periodos en Europa, concretamente en las ciudades de La Haya y París. Durante la década de los 90 expone en la Galería Balducci-Daverio de Nueva York, y en 1998 es nombrado profesor de la Escuela Nacional de Bellas Artes de París, donde reside con su familia desde entonces.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 16 - RAMÓN HERREROS (Barcelona, 1947). "El lugar de la feliz llegada 2", 2007. Técnica mixta sobre lienzo. Firmado, titulado y fechado al dorso. Medidas: 150 x 150 cm. Esta obra es una apuesta, una provocación, sin embargo, -la mujer, el desnudo- ha sido uno de los motivos tradicionales de la pintura clásica. Habría que preguntarse entonces por las razones que llevaron a Herreros a retomar este tema. Este cuadro de Ramón Herreros es la imagen del deseo, un resplandor en el horizonte que ningún gesto capta y ninguna palabra define. Ramón Herreros estudió en la Escuela Massana de Barcelona, el Cercle de Sant Lluc y la Academia Tàrrega. También formó parte de la primera promoción de la escuela de diseño EINA. En 1967 formó el Equip A junto con Tornabell, Jubany y Morera, con quienes trabajó hasta principios de los setenta. Realizó su primera exposición individual en la galería Ciento de Barcelona en 1982, donde continuó exponiendo regularmente, y desde entonces ha mostrado su obra en Madrid, París, Friburgo y otras ciudades europeas. En 1997 se le dedicó una gran exposición retrospectiva en el Palacio de Sobrellano, en Comillas. Actualmente está representado en varios museos y colecciones privadas.

Valorac. 3 500 - 4 000 EUR

Lote 17 - XAVIER CORBERÓ OLIVELLA (Barcelona, 1935). "Ocell. 1998 Mármol y piedra. Medidas: 25 x 65 x 32 cm. Pintor y escultor descendiente de orfebres, Xavier Corberó se formó en la Escuela Massana de Barcelona, uno de cuyos fundadores había sido su padre. Tras un periodo de estudios en Inglaterra, donde asistió a clases en la Central School of Arts and Crafts de Londres entre 1955 y 1959, se trasladó a Nueva York. En la ciudad estadounidense entró en contacto con los círculos surrealistas. Antes de su viaje participó en la Bienal Hispanoamericana de 1955, y en 1959 expuso en solitario en Lausana (Suiza), donde pasó un periodo clave para su formación, trabajando en la fundición Medici. Durante sus años de estudios conoció la obra de Pablo Gargallo y Henry Moore, cuyas obras influyeron enormemente en la formación de su lenguaje personal. En 1963 celebró su primera exposición individual en Munich, donde recibió la Medalla de Oro de Baviera. Regresó a España a mediados de los sesenta, y en 1970 comenzó a trabajar en Esplugues de Llobregat, donde en 1972 fundó el Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas de Cataluña. Actualmente alterna sus actividades de escultor y pintor con las de diseñador de joyas y decorador de interiores. Corberó participó en varias exposiciones colectivas europeas y en los Salones de Mayo de Barcelona, donde obtuvo los premios Manolo Hugué (1960) y Ramon Rogent (1961). También ha expuesto en Alemania, Estados Unidos y Japón, y entre 1966 y 1968 publicó una serie de aguafuertes y litografías. A principios de los años noventa desempeñó un importante papel como asesor del Ayuntamiento de Barcelona en la selección de obras de artistas de renombre internacional para su colocación en las calles y plazas de la ciudad con vistas a los Juegos Olímpicos de 1992. También fue elegido para diseñar las medallas olímpicas. Ese mismo año, 1992, la Generalitat de Catalunya le concedió la Cruz de Sant Jordi. Corberó está representado en el MoMA de Nueva York, el Stedelijk de Amsterdam y el Victoria & Albert de Londres, entre otras importantes colecciones.

Valorac. 1 600 - 1 800 EUR

Lote 18 - XAVIER CORBERÓ OLIVELLA (Barcelona, 1935). Sin título. 1998 Mármol y piedra. Medidas: 53 x 57 x 26 cm. Pintor y escultor descendiente de orfebres, Xavier Corberó se formó en la Escuela Massana de Barcelona, uno de cuyos fundadores había sido su padre. Tras un periodo de estudios en Inglaterra, donde asistió a clases en la Central School of Arts and Crafts de Londres entre 1955 y 1959, se trasladó a Nueva York. En la ciudad estadounidense entró en contacto con los círculos surrealistas. Antes de su viaje participó en la Bienal Hispanoamericana de 1955, y en 1959 expuso en solitario en Lausana (Suiza), donde pasó un periodo clave para su formación, trabajando en la fundición Medici. Durante sus años de estudios conoció la obra de Pablo Gargallo y Henry Moore, cuyas obras influyeron enormemente en la formación de su lenguaje personal. En 1963 celebró su primera exposición individual en Munich, donde recibió la Medalla de Oro de Baviera. Regresó a España a mediados de los sesenta, y en 1970 comenzó a trabajar en Esplugues de Llobregat, donde en 1972 fundó el Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas de Cataluña. Actualmente alterna sus actividades de escultor y pintor con las de diseñador de joyas y decorador de interiores. Corberó participó en varias exposiciones colectivas europeas y en los Salones de Mayo de Barcelona, donde obtuvo los premios Manolo Hugué (1960) y Ramon Rogent (1961). También ha expuesto en Alemania, Estados Unidos y Japón, y entre 1966 y 1968 publicó una serie de aguafuertes y litografías. A principios de los años noventa desempeñó un importante papel como asesor del Ayuntamiento de Barcelona en la selección de obras de artistas de renombre internacional para su colocación en las calles y plazas de la ciudad con vistas a los Juegos Olímpicos de 1992. También fue elegido para diseñar las medallas olímpicas. Ese mismo año, 1992, la Generalitat de Catalunya le concedió la Cruz de Sant Jordi. Corberó está representado en el MoMA de Nueva York, el Stedelijk de Amsterdam y el Victoria & Albert de Londres, entre otras importantes colecciones.

Valorac. 1 600 - 1 800 EUR

Lote 19 - MANUEL SOLÀ MORENO (Barcelona, 1950). Sin título. Escultura de hierro forjado y cuerda. Firmada. Medidas: 150 x 120 x 21 cm. Manuel Solà se formó en la Escuela de La Lonja de Barcelona, e inmediatamente después de finalizar sus estudios fue galardonado con el X Premio de Pintura Joven de la sala Parés de Barcelona (1968). Debuta individualmente al año siguiente, con dos exposiciones de pintura y dibujo en el Museo Municipal de Mataró y en el Ateneo Barcelonés. En esta época recibe la medalla de plata en el concurso de pintura "El Correo Catalán" (1971). Continúa mostrando su obra en Cataluña, y en 1976 participa por primera vez en una exposición colectiva en el extranjero, en la ciudad francesa de Toulouse. Ese mismo año ingresa en el Institut del Teatre de Barcelona para ampliar su formación. A partir de los noventa participará en exposiciones colectivas fuera de España y bienales como la de Alejandría, donde obtendrá el premio del jurado (1999). Poco a poco abandonará la pintura y se decantará por el lenguaje escultórico, campo en el que realizará varias obras monumentales en diversos puntos de España. Está representado en la Col-lecció Testimoni de La Caixa, entre otras importantes colecciones de arte.

Valorac. 2 000 - 3 000 EUR

Lote 20 - MANUEL SOLÀ MORENO (Barcelona, 1950). "Caixa d'estels". 1997. Escultura de hierro forjado, pintura, cuerda y bronce. Medidas: 54 x 38 x 14 cm. Manuel Solà se formó en la Escuela de La Lonja de Barcelona, e inmediatamente después de finalizar sus estudios fue galardonado con el X Premio de Pintura Joven de la sala Parés de Barcelona (1968). Debuta individualmente al año siguiente, con dos exposiciones de pintura y dibujo en el Museo Municipal de Mataró y en el Ateneo Barcelonés. En esta época obtiene la medalla de plata en el concurso de pintura "El Correo Catalán" (1971). Continúa mostrando su obra en Cataluña, y en 1976 participa por primera vez en una exposición colectiva en el extranjero, en la ciudad francesa de Toulouse. Ese mismo año ingresa en el Institut del Teatre de Barcelona para ampliar su formación. A partir de los noventa participará en exposiciones colectivas fuera de España y bienales como la de Alejandría, donde obtendrá el premio del jurado (1999). Poco a poco abandonará la pintura y se decantará por el lenguaje escultórico, campo en el que realizará varias obras monumentales en diversos puntos de España. Está representado en la Col-lecció Testimoni de La Caixa, entre otras importantes colecciones de arte.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 21 - MICHAEL BEVILACQUA (EE.UU., 1966). Sin título.2008. Técnica mixta sobre cartón. Firmado al dorso. Medidas: 120 x 88 cm; 137 x 105,5 cm (marco). Bevilacqua vive y trabaja en Nueva York. Estudió en la Universidad Estatal de Long Beach, el Santa Barbara City College y el Cambridge College of Art and Technology del Reino Unido. El estilo de Bevilacqua está influenciado por el pop y las pinturas de campos de color. Es conocido por combinar la alta y la baja cultura a través de elementos de pintura, dibujo, diseño gráfico, animación y collage mientras trabaja con una paleta saturada, cubriendo sus lustrosos lienzos con logotipos y garabatos. Sus técnicas mixtas le sirven de plataforma para exponer sus preferencias culturales, como sus grupos de música favoritos, marcas de ropa y coches de carreras. Ha realizado numerosas exposiciones internacionales, entre ellas individuales en Pekín, Copenhague, Milán, Tokio, Madrid, París, Barcelona y Nueva York; y colectivas en el Palais de Tokyo, París; la Fundación Deste, Atenas; el Phoenix Art Museum, Phoenix; y el Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield. Su obra forma parte de numerosas colecciones, como la Colección Mitsuni, Tokio; el Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco; la Fundación Deste, Atenas; el Museo Astrup Fearnley, Oslo; el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; y el Museo de Arte de Dallas, Dallas.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 22 - SONIA MENNA BARRETO (Sao Paulo, Brasil, 1953). "Globo", 2023. Bronce policromado. Ejemplar 2/50. Se adjunta certificado de autenticidad. Firmado y justificado. Medidas: 21 x 18 cm; 5 x 17 x 7 cm (barco). Esta escultura es presentada por el artista como un juego ingenuo, ya que un barco cuelga de un globo. A pesar de su apariencia divertida y cándida, la obra despierta valores más profundos relacionados con la infancia, la inocencia y la ingravidez. En sus obras define un espacio poblado por multitud de figuras antropo y zoomorfas, rodeadas de objetos cotidianos, sin respetar ni siquiera los principios más básicos de la perspectiva. El resultado son ideouniversos que engullen al espectador. En 1980, Sônia Menna Barreto comenzó a asistir al estudio del artista Luiz Portinari, hermano de Cândido Portinari, en el Centro de Arte Cândido Portinari. Durante este periodo, conoció la vida artística. Tras entrar en contacto con las obras de Max Ernst, De Chirico, Magritte y Paul Delvaux, la obra de Sonia tomó el rumbo del surrealismo. Esta fase fue decisiva para su carrera, comenzando a desarrollar su faceta íntima y creativa, resolviendo problemas técnicos y temáticos por su cuenta, sin la supervisión de profesores. En octubre de 2002, por primera vez una obra brasileña pasó a formar parte de la Colección Real, perteneciente a la Familia Real Británica.

Valorac. 1 600 - 1 800 EUR

Lote 23 - IRATXE ARTETA (Madrid, 1976). "Zafiro", 2024. Óleo sobre lienzo. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por el artista. Firmado en la esquina inferior derecha. Medidas: 100 x 100 cm; 105 x 105 cm (marco). Una pincelada suave y vaporosa define esta imagen conceptual, que recuerda la calidad atmosférica captada por el maestro Zóbel. El autor conserva cierta vibración en el trazo, que denota la transmutación de una realidad cambiante, inmersa en una atmósfera totalmente personal, que destaca por su lirismo y estética poética en forma de sinestesia artística. Iratxe Arteta comenzó su carrera profesional como ilustradora y pintora realista, pero es el arte abstracto el que le ha permitido transmitir la profundidad de su arte y de su alma. Es una artista versátil y perseverante que crea obras de gran calidad artística y armonía. Arteta procede de una familia de grandes pintores como Félix Arteta y Aurelio Arteta, Premio Nacional de Pintura; algunas de sus obras pueden admirarse en el Museo Reina Sofía y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. En sus exposiciones se pueden admirar obras que reflejan el amor de Iratxe por la pintura abstracta y la naturaleza, con piezas sutiles, delicadas y elegantes, a veces texturadas, y en las que la luz adquiere un papel importante. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por la artista.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 24 - CARMEN CALVO (Valencia, 1950). "Era un mar interior donde acababa", 2004. Técnica mixta y collage sobre papel. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Medidas: 76 x 56 cm; 94 x 74 cm (marco). El carácter transgresor y a la vez lleno de una gran carga poética de Carmen Calvo se aprecia en cada una de sus obras que enlazan con la imagen de orden y acumulación asociada a la artista. Una de las pasiones de la artista Carmen Calvo es pasear por mercadillos y hojear viejos álbumes en busca de fotografías antiguas para intervenirlas, ofreciendo así una visión renovada de las antiguas instantáneas anónimas tomadas en el pasado. Personajes desconocidos, a menudo en fotografías de grupo, transforman su identidad mediante la inclusión de máscaras y otros elementos surrealistas. Carmen Calvo estudió en las Escuelas de Artes y Oficios y Bellas Artes de Valencia, y se licenció en Publicidad en 1970. Más tarde ampliaría su formación gracias a las becas del Ministerio de Cultura (1980), la Casa de Velázquez de Madrid (1983-85) y el Ministerio de Asuntos Exteriores, para su residencia en París (1985-92). Durante estos años Calvo comenzó a ser reconocida, recibiendo distinciones como el I Premio de Pintura LaSalle Seiko de Barcelona (1985), el Alfons Roig de la Diputación Valenciana (1989), una beca en la I Bienal Martínez Guerricabeitia de la Universidad de Valencia (1989), y la selección para la XLVII Bienal de Venecia (1997). La artista había iniciado su actividad expositiva en 1969, participando en una colectiva celebrada en el Círculo Universitario de Valencia. Debutó individualmente en 1976 en la galería Temps de su ciudad natal, y desde entonces ha expuesto individualmente en diversas ciudades de España y Estados Unidos, así como en otros países de Europa, América y África. Actualmente, obras de Carmen Calvo pueden verse en instituciones de arte, museos y colecciones privadas de todo el mundo, como el Museo Guggenheim de Nueva York, el Reina Sofía de Madrid, el Marugame Hirai de Kobe, el MACBA de Barcelona, el Fonds National d'Art Contemporain de París, el IVAM de Valencia, la colección del Chase Manhattan Bank de Nueva York, etc.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

Lote 25 - URBANO LUGRÍS VADILLO (Vigo, 1942-2018). "Vista de La Coruña". Óleo sobre tabla. Firmado y fechado en el margen inferior. Medidas: 65 x 43 cm; 70 x 50 cm (marco). Urbano Lugris inició su formación artística bajo la influencia de Nacho Viéitez, un hombre cuyo propósito era fomentar la práctica de la pintura en las nuevas generaciones. Abandonó sus estudios como perito mercantil en La Coruña para trasladarse a Madrid en 1930, donde ingresó en las Misiones Pedagógicas, con las que recorrió varias ciudades españolas diseñando vestuario y decorados para el teatro La Barraca. Durante este periodo conoció a Federico García Lorca y Rafael Alberti. Durante la guerra civil participó como voluntario en el ejército republicano, marchando al frente de Asturias. Tras el fin de la guerra en 1954 funda en La Coruña la revista Atlántida, con sus amigos Mariano Tudela y José Mª de Labra, en la que participa activamente, escribiendo artículos y poemas, así como numerosas ilustraciones y diseñando la portada. En 1965 se trasladó a Vigo, donde falleció el 23 de diciembre de 1973. En 1997 se celebró en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en el Auditorio de Galicia en Santiago de Compostela la mayor exposición dedicada a Urbano Lugrís, comisariada por Rosario Sarmiento y Antón Patiño. Con motivo de esta exposición se publicó un importante libro-catálogo de la muestra, así como un facsímil de la revista Atlántida. En 2007 se publicó el libro de Antón Patiño Urbano Lugrís, "Viaje al corazón del océano". Lugrís fue un pintor casi autodidacta cuya obra pictórica refleja una predilección por los temas marinos, retratados con una atmósfera de carácter onírico e idealizado. Sus cuadros están pintados casi siempre sobre tabla en formatos pequeño y mediano. Recibió influencias de su padrino, el escritor Francisco Tettamancy y Gastón, y de conceptos de la pintura metafísica italiana, especialmente de Carrá y Chirico, y del surrealismo francés, la pintura de Tanguy y Magritte.

Valorac. 2 400 - 3 200 EUR

Lote 26 - SOLEDAD PENALTA (Noia, A Coruña, 1943). "Antorcha Hierro. Pieza única. Firmada. Medidas: 194 cm (altura). Pieza escultórica con la parte superior en llamas, emulando una antorcha. Soledad Penalta es una escultora gallega con una amplia trayectoria expositiva y formativa. Desde la Escuela de Oficios Artísticos de A Coruña, que completa hasta 1980 con talleres de escultura en cerámica, mayólica y gres en Barcelona, Girona, Sargadelos (Lugo) o Alicante, y cursos en la década siguiente en el castillo de Soutomaior/Pontevedra, y Faenza/Italia, con Emidio Galasi. En su trayectoria plástica, el aprendizaje es una divisa, hasta encontrar su expresión más personal, pasando por la cerámica policromada de notables dimensiones sobre bastidores metálicos, con la que obtiene sus primeros premios. Es su expresión siempre conceptual, para mostrar, ya con hierro y acero cortados al diez, alusiones realistas tanto en escultura monumental como de tamaño medio, desde las primeras exposiciones en Noia, 1981, y las que siguieron en A Coruña, Ateneo de Ourense, y Ferrol. El traslado familiar a Minnesota / EE.UU., en los años 1989-1991 supuso un cambio decisivo, trabajando en el Studio Art de la Universidad con Wayne Potratz, Nick Legeros, Roger Junk y Andy Richars, regresando al año siguiente con una beca para ampliar su formación. Con la cerámica como vía agotada, se centra en el hierro como elemento plástico preferente, material con el que ha definido su carácter, haciéndose respetar por el gremio. Los Guardianes del parque escultórico de la Torre de Hércules (A Coruña), y la obra de Praia Ladeira, Baiona, ambas en acero cor-ten hablan, acero que se dobla o extiende lo suficiente como para mostrar sugerentes formas icónicas, como muestra en Málaga, A Coruña, Vigo, en la exposición itinerante de la Fundación CaixaGalicia por las capitales gallegas, las exposiciones colectivas en Minnesota y los homenajes (Fernando Mon, Laureano Álvarez) y Premios (Isaac Díz Pardo), participando con una obra monumental en "Galicia Terra Única", A Coruña, 1997.

Valorac. 2 500 - 2 700 EUR

Lote 27 - TAKASHI MURAKAMI (Tokio, 1962). "Flores, multiverso". 2023. Serigrafía, ejemplar 111/300. Firmado y justificado. Medidas: 71 cm. de diámetro. Las composiciones florales de Takashi Murakami son ya icónicas en el mundo del arte contemporáneo. Inspiradas simultáneamente en elementos del arte tradicional japonés y de la cultura pop occidental, nos sumergen en universos paralelos vibrantes y lúdicos ("mutliversos"). Takashi Murakami, uno de los artistas más influyentes de la generación japonesa de posguerra, se formó en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, donde se licenció en Nihonga (pintura tradicional japonesa). En 1990 se introdujo en el arte contemporáneo de la mano de su compañero y amigo Masato Nakamura, y en 1993 creó su alter ego Mr. DOB. Comenzó entonces a ser reconocido tanto dentro como fuera de Japón por su particular síntesis del arte tradicional japonés, las tendencias contemporáneas de su país (anime, manga, etc.) y la cultura estadounidense, principalmente la cultura pop. En su obra, Murakami transmite una visión crítica de la sociedad japonesa actual, el legado de la tradición cultural del país, su evolución tras la Segunda Guerra Mundial y su relación con el mundo occidental, especialmente con Estados Unidos. Su trilogía de exposiciones "Superflat" (2000, 2002 y 2005) se ha exhibido en importantes centros de arte de todo el mundo, como la Parco Gallery de Tokio, el MOCA de Los Ángeles, la Fondation Cartier de París y la Serpentine Gallery de Londres. Entre 2008 y 2009 también fue objeto de exposiciones retrospectivas en el MOCA, el Brooklyn Museum de Nueva York, el Museum für Moderne Kunst de Fráncfort y el Guggenheim de Bilbao. En la actualidad, Murakami está representado en importantes museos de todo el mundo, como el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston y muchos otros.

Valorac. 3 200 - 4 000 EUR

Lote 28 - CARLOS CRUZ DÍEZ (Caracas, 1923-2019). Sin título, 1992, de la Suite Centenario Olímpico. Serigrafía sobre papel Vélin d'Arches de 270 gramos, ejemplar 171/250. Firmado, fechado y justificado a mano. Medidas: 63 x 90 cm. El artista franco-venezolano Carlos Cruz-Diez vive y trabaja en París desde 1960. Es uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, corriente artística que reivindica "la conciencia de la inestabilidad de lo real". Sus investigaciones le revelan como uno de los pensadores del color del siglo XX. El discurso plástico de Carlos Cruz-Diez gravita en torno al fenómeno cromático concebido como una realidad autónoma que evoluciona en el espacio y en el tiempo, sin ayuda de forma ni soporte, en un presente continuo. Las obras de Carlos Cruz-Diez forman parte de prestigiosas colecciones permanentes como las del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, Tate Modern de Londres, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Centre Pompidou de París, Museum of Fine Arts de Houston y Wallraf-Richartz Museum de Colonia, entre otras. La Suite Olímpica se compone de 50 litografías y serigrafías elegidas para representar diversas tendencias artísticas contemporáneas. Se publicó para conmemorar el primer centenario del olimpismo moderno. Los artistas elegidos se definen por diversos movimientos y corrientes pictóricas, desde el conceptualismo y el minimalismo de "Ben" Vautier, la abstracción lírica de Yasse Tabuchi, la pintura de Oleg Tselkov que se concentra en la figura humana, intensamente expresiva y tratada con formas contundentes y colores intensos que pretenden reflejar los conflictos y la violencia de su tiempo, y por último la obra de André Arabis, claramente abstracta y geométrica.

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

Lote 29 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelona, 1931 - 2005). Sin título, 1989. Tinta sobre papel. Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 45 x 33 cm; 57 x 45 cm (marco). Joan Hernández Pijuan inicia su formación en Barcelona, asistiendo a las Escuelas de La Lonja y Bellas Artes de Sant Jordi, para completarla posteriormente en la Escuela de Bellas Artes de París. Nombrado profesor de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en 1981, Hernández Pijuan ocupa una posición singular entre los artistas españoles de las últimas décadas. Comenzó su carrera practicando un expresionismo trágico de gran carga social, y en esta época formó, junto con el resto de miembros del Grupo Sílex, la llamada Escuela de Barcelona. En los años setenta simplificó su expresión hasta adoptar una figuración geométrica y calculada, estilo que abandonó en la década siguiente para centrarse en el informalismo. Su actividad expositiva fue tan amplia y diversa como su propia creación artística. A lo largo de su vida expuso individualmente en varias ciudades españolas, así como en Zúrich, Milán, Johannesburgo, Colonia, Ginebra, Nueva York, París y Osaka, entre otras ciudades del mundo, y en 2003 se le dedicó una gran muestra retrospectiva en el MACBA de Barcelona, que posteriormente se exhibió en el Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Francia), la Konsthalle de Malmö (Suecia) y la Galleria Comunale d'Arte Moderna de Bolonia (Italia). Hernández Pijuan fue decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, y en 2000 fue nombrado miembro de la Real Academia de San Fernando de Madrid. En 1981 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1985 la Cruz de Sant Jordi y en 2004 el Premio Ciudad de Barcelona. También recibió el Premio de la Dirección General de Bellas Artes en la Exposición Nacional de Alicante de 1957, el Primer Premio de Pintura "Peintres Residents" de París (1958), el Premio "Malibor" en la Bienal de Grabado de Liubliana (1965), la Bienal Internacional de Grabado de Cracovia (1966) y el premio de la editorial "Vijesnik u Srijedu" de Zagreb (1970). Hernández Pijuan está representado en el MACBA, el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo Patio Herreriano de Valladolid y el Museo Vasco de Arte Contemporáneo, así como en centros extranjeros como el Museo Guggenheim de Nueva York, el Liaunig (Austria), los de Arte Contemporáneo de Helsinki y Luxemburgo, el Kulturstiftung de Bad Homburg (Austria), la Galería Yamaguchi de Osaka (Japón), el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, la Galería Nacional de Montreal, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Museo Sztuki de Lodz (Polonia).

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 30 - PABLO PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Picador", 1952. Cerámica esmaltada con óxido negro y vidriado blanco. Edición de 500 ejemplares. Presenta inscripción. "Edición Picasso". Sellos de Picasso y Modoura en la base. Medidas: 15,3 cm (diámetro). A partir de 1947, cuando el artista realizó una gran producción de obras de cerámica en la fábrica Madoura de Vallauris, en el sur de Francia, dedicándose durante toda una década exclusivamente a esta técnica. En 1952, el mismo año en que se concibió esta pieza, Picasso conoció a Jacqueline Roque, que empezaba a trabajar en la tienda del taller de Modoura, lo que marcó una nueva etapa en su vida y en su obra artística. Creador del cubismo junto con Braque, Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "ElsQuatreGats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 2 500 - 2 800 EUR

Lote 31 - PABLO PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "La danza del Berger. 1959. Litografía sobre papel. Obra referenciada en: Christoph Czwiklitzer: "Pablo Picasso. Posters 1923-1973", Deutscher Taschenbuch Verlag, München 1981, nº 368. Firmado y fechado en la plancha en la parte superior izquierda. Medidas: 59 x 41 cm; 66 x 48 cm (marco). Creador del cubismo junto con Braque, la pintura de Picasso supuso un punto de inflexión en la historia del arte. Comenzó sus estudios en 1895, en la Escuela Provincial de Bellas Artes de Barcelona, y sólo dos años más tarde realizó su primera exposición individual, en el café "Els Quatre Gats". Tras varias estancias breves en París, Picasso se instaló definitivamente en la capital francesa en 1904. Tras sus periodos azul y rosa, desarrollados en los primeros años del siglo, el pintor comenzó sus experimentos geométricos en 1906, durante una estancia en Lérida. Un año después comenzó a pintar "Las señoritas de la calle Avinyó", y en 1909 entró en contacto con Braque e inició su periodo cubista. Durante la segunda década desarrolló su periodo clásico, y creó sus famosos decorados para los ballets rusos de Diaghilev. En 1936 es nombrado director del Museo del Prado por el Gobierno de la República Española, y un año más tarde pinta el "Guernica". El reconocimiento internacional definitivo le llegará en 1939, a raíz de la retrospectiva que le dedica el MOMA de Nueva York. Durante las décadas siguientes se le dedicarán exposiciones antológicas en todo el mundo, en Roma, Milán, París, Colonia y Nueva York, entre otras muchas ciudades. Está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 300 - 350 EUR

Lote 32 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (Mora, Toledo, 1960). "Pato de goma". Fibra de vidrio, poliéster y resinas. Firmado en la base. Medidas: 50 x 40 x 40 cm. Escultura redonda en forma de gran patito de goma. La utilización de un objeto cotidiano, aumentando enormemente su tamaño y elevándolo así a la categoría de arte, acerca al espectador a una estética kitsch muy común en el arte pop.Uno de los grandes representantes del arte contemporáneo español, Eladio de Mora descubrió su vocación artística siendo un niño. Artista fundamentalmente autodidacta, su obra se sitúa entre el pop y el expresionismo. Sus creaciones se caracterizan por rasgos simplificados y colores puros, y están realizadas en materiales como el plástico, el poliéster y algunas resinas. Bajo la apariencia casi infantil de sus obras, a veces se esconden significados críticos; confiesa buscar un equilibrio entre el rigor y la sonrisa en sus obras. Algunas de sus piezas más conocidas son sus series de osos, patos, buzos y meninas. De hecho, sus esculturas suelen agruparse en familias, de modo que la repetición intensifica el impacto. Además, la mayoría de sus esculturas están colocadas al aire libre, ya que Mora busca ante todo una relación directa con el público. Comenzó a darse a conocer a través de exposiciones colectivas a principios del siglo XXI, y en 2002 realizó sus primeras exposiciones individuales, tanto en España (galerías Azteca y Séller de Madrid, Espacio Líquido de Gijón) como en el extranjero (galería Heyd de Hildritzhausen, Alemania). Desde entonces su presencia en la escena artística ha sido constante, continuando exponiendo individualmente, así como participando en ferias de arte y exposiciones colectivas. En los últimos años ha mostrado su obra en exposiciones personales celebradas en destacadas galerías y centros de arte españoles y extranjeros, como la Galería Jorge Ontiveros de Madrid, la Galería Drissien de Munich, el Museo Florencio de la Fuente de Valencia, el Museo de Arte Contemporáneo de Málaga, el Centro de Arte Juan Ismael de Madrid y el Centro de Arte Juan Ismael de Madrid, el Centro de Arte Juan Ismael de Fuerteventura, el Espacio para el Arte Caja Madrid, el Hotel Urban y el Centro de Arte Moderno también en Madrid, el IVAM de Valencia, el Museo MACAY de México, la galería Los Oficios y el Museo de Bellas Artes de La Habana, el Museo Arterra de Viena y la Fundación Antonio Pérez de Cuenca. También ha participado en importantes exposiciones colectivas en España, México, Italia, Portugal y Alemania. Cabe destacar también la importante labor de Mora como diseñador de trofeos, entre ellos el "Women Together" de Nueva York, el "Master Senior Comunidad de Madrid" o el "Protagonistas del motor de El Mundo". A lo largo de su carrera ha recibido los premios "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) y "Aura" (Toledo, 2007), y ha realizado monumentos e instalaciones en Madrid, Logroño, La Habana, Viena, Gijón, Málaga y Valencia, entre otras ciudades. Mora está representado actualmente en el IVAM de Valencia, el Museo Arterra de Viena, el Museo de Arte Contemporáneo Domus Artium de Salamanca, el Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón, el Museo de Bellas Artes de La Habana, el Museo de Obra Gráfica San Clemente de Cuenca, la Fundación Antonio Pérez, la Fundación Antonio Saura, Fundación Antonio Saura y Fundación Coca-Cola, las Diputaciones Provinciales de Cuenca y Guadalajara, varios Ayuntamientos de Madrid y Toledo, la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, y la Colección de Arte Contemporáneo de "El Mundo", entre otras muchas colecciones públicas y privadas.

Valorac. 3 500 - 4 000 EUR

Lote 33 - JAVIER AGUILERA (Vigo, 1968) "Érase una vez en Japón", 2008. Óleo resina policromada. Medidas: 80 x 30 x 30 cm. Una mujer oriental, completamente desnuda salvo por sus botas negras, lleva dos bolsas transparentes con productos de perfumería. Su pelo ondulado y teñido a la manera occidental, además de su labio operado y sus pechos inusualmente grandes para una mujer japonesa, parecen hablarnos de los absurdos procesos de aculturación que se producen hoy en día debido a los caprichos de la moda. Absurdos que Javier Aguilera pone de manifiesto en sus esculturas hiperrealistas que beben del cómic, del anime, del arte callejero y, en general, de la vida en la gran ciudad. Las esculturas de Javier Aguilera destacan a primera vista por su virtuosismo técnico, pero encierran un mensaje mucho más amplio de lo que aparentemente ofrecen. Utilizando el cuerpo humano como vehículo expresivo y la simbología oriental contemporánea, sus figuras enfrentan al espectador al dilema de la soledad. Una soledad que en el hipersaturado contexto actual se manifiesta, a veces dramática, a veces irónica, mostrando abiertamente sus heridas. Seres golpeados, antihéroes que sangran, sudan y muerden, cuestionándonos nuestra propia existencia y nuestra relación con los demás.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

Lote 34 - JAVIER AGUILERA (Vigo, 1968) "Chica suicida", 2014. Resina policromada. Pieza única. Firmada y fechada en la base. Medidas: 20 x 15 x 9 cm. Las esculturas de Javier Aguilera destacan a primera vista por su virtuosismo técnico, pero encierran un mensaje mucho más amplio del que aparentemente ofrecen. Utilizando el cuerpo humano como vehículo expresivo y la simbología oriental contemporánea, sus figuras enfrentan al espectador al dilema de la soledad. Una soledad que en el hipersaturado contexto actual se manifiesta, a veces dramática, a veces irónica, mostrando abiertamente sus heridas. Seres golpeados, antihéroes que sangran, sudan y muerden, cuestionándonos nuestra propia existencia y nuestra relación con los demás. La vida en la gran ciudad, el arte callejero, el anime, los videojuegos y los cómics también juegan un papel fundamental en la creación de su particular universo, una mezcla de influencias que dota a su imaginario de una enorme fuerza narrativa.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 35 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Niña con mariposa". Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. Medidas: 55 x 65 cm, 76 x 87 cm (marco). Conocido por su segundo apellido o como "el Beato Ripo", Joan García Ripollés descubrió su pasión por la pintura cuando, siendo aún muy joven y en plena posguerra, entró a trabajar en un taller de pintura industrial. A partir de entonces se dedicó a pintar por las noches, y más tarde recibió clases de dibujo en el Instituto Ribalta de Castellón. Tras su debut en una exposición colectiva celebrada en 1951 en la Caja de Ahorros de Castellón, en 1954 se produce un punto de inflexión en su carrera, a raíz de un viaje a París donde establece contacto con los círculos artísticos de la ciudad. Sin embargo, no pudo abandonar la pintura industrial hasta 1958, cuando se incorporó a la galería Drouand David de París, una de las más prestigiosas del mundo. En 1962 organizó su primera gran exposición individual en el MACBA, y en 1967 viajó a Nueva York, donde expuso y vendió toda su colección a The William Haber Art Collection. Ese mismo año, el marchante neoyorquino Leon Amiel, de la Larrouse Gallery, adquiere toda su obra, algo que se repetirá en su viaje a Japón. A partir de ese momento, inicia una brillante carrera internacional que ha llevado su obra por todo el mundo. Ha realizado exposiciones individuales no sólo en España, París y Nueva York, sino también en México, Holanda, Bélgica, Italia, Suiza, Suecia, varias ciudades de Estados Unidos, Alemania y Japón. Actualmente es artista exclusivo de The William Haber Art de Nueva York y de la Galerie Drouand de París. En 2000 fue galardonado con el Premio de las Artes de la Comunidad Valenciana. Ripollés se define como un "adulto inmaduro" y, sobre todo, "despreocupado, un poco travieso y con algo de ingenuidad", palabras que reflejan su exuberante espíritu creativo, su carácter sencillo y extrovertido y su alma infantil. Ripollés es, hoy en día, uno de los artistas españoles más internacionales, y también uno de los más completos, ya que ha trabajado brillantemente la pintura, la escultura y el grabado. Está representado en el IVAM, el MOMA de Nueva York, el Museo de la Universidad de Alicante, el Museo de Bellas Artes de Sevilla y el MACBA.

Valorac. 3 200 - 3 400 EUR

Lote 36 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Toro. Bronce. Ejemplar II/IV. Firmado y numerado en la base. Medidas: 30 x 66 x 22 cm. Conocido por su segundo apellido o como "el Beato Ripo", Joan García Ripollés descubrió su pasión por la pintura cuando, siendo aún muy joven y en plena posguerra, comenzó a trabajar en un taller de pintura industrial. A partir de entonces se dedicó a pintar por las noches, y más tarde recibió clases de dibujo en el Instituto Ribalta de Castellón. Tras su debut en una exposición colectiva celebrada en 1951 en la Caja de Ahorros de Castellón, en 1954 se produce un punto de inflexión en su carrera, a raíz de un viaje a París donde establece contacto con los círculos artísticos de la ciudad. Sin embargo, no pudo abandonar la pintura industrial hasta 1958, cuando se incorporó a la galería Drouand David de París, una de las más prestigiosas del mundo. En 1962 organizó su primera gran exposición individual en el MACBA, y en 1967 viajó a Nueva York, donde expuso y vendió toda su colección a The William Haber Art Collection. Ese mismo año, el marchante neoyorquino Leon Amiel, de la Larrouse Gallery, adquiere toda su obra, algo que se repetirá en su viaje a Japón. A partir de ese momento, inicia una brillante carrera internacional que ha llevado su obra por todo el mundo. Ha realizado exposiciones individuales no sólo en España, París y Nueva York, sino también en México, Holanda, Bélgica, Italia, Suiza, Suecia, varias ciudades de Estados Unidos, Alemania y Japón. Actualmente es artista exclusivo de The William Haber Art de Nueva York y de la Galerie Drouand de París. En 2000 fue galardonado con el Premio de las Artes de la Comunidad Valenciana. Ripollés se define como un "adulto inmaduro" y, sobre todo, "despreocupado, un poco travieso y con algo de ingenuidad", palabras que reflejan su exuberante espíritu creativo, su carácter sencillo y extrovertido y su alma infantil. Ripollés es, hoy en día, uno de los artistas españoles más internacionales, y también uno de los más completos, ya que ha trabajado brillantemente la pintura, la escultura y el grabado. Está representado en el IVAM, el MOMA de Nueva York, el Museo de la Universidad de Alicante, el Museo de Bellas Artes de Sevilla y el MACBA.

Valorac. 3 200 - 3 400 EUR

Lote 37 - CRISTINA GARCÍA RODERO (Puertollano, Ciudad Real, 1949). "Bajo la lluvia, Georgia" 1998. Fotografía b/n, copia 5/7. Firmada, titulada y fechada al dorso. Etiqueta de la Galería Juana de Aizpuru. Medidas: 53 x 81 cm; 86,5 x 114 cm (marco). Cristina García Rodero es Académica de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la primera persona de nacionalidad española que ingresa en la prestigiosa Agencia Magnum. Es la primera mujer nombrada Doctora Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha (14 de noviembre de 2018). Ha realizado numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en diferentes países. Su primera exposición individual se celebró en México con el título Fiestas Tradicionales en España. Su exposición titulada España oculta ha recorrido múltiples sedes: Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Encuentros fotográficos de Arlés, Carcassonne y Braga, Fotofest'90 de Houston, Photographers' Gallery de Londres, Diaframma de Milán, Photokina de Colonia, Zentrum fur Audiovisuelle Medien de Sttutgart, Münchner Stadtmuseum de Munich, Museo Álvarez Bravo de Oaxaca, Museo de Bellas Artes de Caracas y Médiathèque Centre Jean Renoir de Dieppe, entre otros.

Valorac. 3 500 - 4 000 EUR

Lote 38 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Concursante de la feria de ganado del condado, Sara Von Berger, Salina, Kansas, 8 de agosto de 2003 / Cajun Man with Alligator, Charles Olivier, Loreauville, Luisiana, 2003". Ed.2/6. Fotografías en blanco y negro sobre papel fotográfico montadas sobre aluminio. Firmadas, fechadas y tituladas al dorso. Medidas 102 x 81 cm cada una. 116,5 x 179 cm (marco). Mark Laita es un magnífico fotógrafo norteamericano que tras varios años dedicado a la fotografía comercial ha presentado en los últimos años una serie de libros con su obra personal. De ellos, he seleccionado una muestra de dos de los más interesantes: "Created Equal", de 2010 y "Serpentine", de este año. Ha realizado premiados trabajos comerciales para clientes como Adidas, Apple y Mercedes-Benz. El primer libro de trabajo no comercial de Laita, "Created Equal", es el resultado de un proyecto de ocho años a través del país con retratos en blanco y negro de 8×10 de estadounidenses de una amplia gama de culturas, ocupaciones y orígenes. Su obra se ha expuesto en galerías de Estados Unidos y Europa.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 39 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Agente de policía/Hang", 2005/1999. Dos fotografías digitales. Díptico, ed. 1/3. Firmadas, tituladas y fechadas al dorso. Estampado al dorso. Obra publicada. Medidas: 145 x 116 cm; 162 x 130 cm (marco), c/u. Mark Laita es un magnífico fotógrafo estadounidense que, tras varios años dedicado a la fotografía comercial, ha presentado en los últimos años una serie de libros de su obra personal. De ellos, he seleccionado una muestra de dos de los más interesantes: "Created Equal", de 2010 y "Serpentine", de este año. Ha realizado premiados trabajos comerciales para clientes como Adidas, Apple y Mercedes-Benz. El primer libro de trabajo no comercial de Laita, "Created Equal", es el resultado de un proyecto de ocho años a través del país con retratos en blanco y negro de 8×10 de estadounidenses de una amplia gama de culturas, ocupaciones y orígenes. Su obra se ha expuesto en galerías de Estados Unidos y Europa.

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 40 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Young Man with Boom Box, Billy Monroe", Venice, California, 26 de abril de 1999. "Sunbather, Joey Caveseno", Coney Island, Nueva York, 3 de agosto de 2002. Fotografías en blanco y negro sobre papel fotográfico montado sobre aluminio. Ejemplar nº 20. Medidas: 50 x 40 cm (cada una); 65,5 x 96 cm (marco). Mark Laita es un fotógrafo estadounidense que, tras varios años dedicado a la fotografía comercial, ha presentado en los últimos años una serie de libros con su obra personal. De ellos, he seleccionado una muestra de dos de los más interesantes: "Created Equal", de 2010, y "Serpentine", de este año. Ha realizado premiados trabajos comerciales para clientes como Adidas, Apple y Mercedes-Benz. El primer libro de trabajo no comercial de Laita, "Created Equal", es el resultado de un proyecto de ocho años a través del país con retratos en blanco y negro de 8×10 de estadounidenses de una amplia gama de culturas, ocupaciones y orígenes. Su obra se ha expuesto en galerías de Estados Unidos y Europa.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 41 - LEOPOLDO NÓVOA GARCÍA (Pontevedra, 1919 - París, 2012) "Cuadrilátero en relieve", 1992. Técnica mixta sobre lienzo. Tiene montaje y enmarcado realizado por el autor. Presenta etiqueta al dorso de la Galería Alameda (Vigo). Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 61 x 82 cm; 63 x 83 cm (marco). En esta obra el autor utiliza un lenguaje abstracto, basado en la geometría irregular, con un carácter orgánico tanto en su disposición como en los colores. Se trata de un estilo abierto, cuya característica fundamental es la concepción de la superficie pictórica como un todo, como un campo abierto, sin límites y sin jerarquías. Así, como vemos aquí, las formas pictóricas son el resultado de una meditada composición y experimentación, con una imagen de carácter gestual, no se limitan a una composición sino que van más allá, indicando al espectador que se trata de formas, ideas o sugerencias que traspasan los límites de lo puramente pictórico. Pintor y escultor de madre gallega y padre uruguayo, Leopoldo Nóvoa emigró a Uruguay en 1938, donde se relacionó con Joaquín Torres García. Instalado en Montevideo, donde fundó la revista cultural "Apex", fue también gran amigo de Jorge Oteiza y, una vez instalado en Buenos Aires (1948-1957), de Lucio Fontana, que influyó notablemente en su obra. Finalmente, abandonó América en 1965 para instalarse en París con Michel Tapié, que había quedado impresionado por su mural en el Estadio Luis Tróccoli de Montevideo. En París conoció a Julio Cortázar, que escribió un cuento sobre su obra. También fundó, junto con otros destacados pintores uruguayos y argentinos, el Espacio Latinoamericano. Sin embargo, su primera exposición no tuvo lugar hasta 1964. Ésta tuvo lugar en la galería de Edouard Loeb, con quien colaboraría durante muchos años. Su obra, que abarca desde el dibujo y la pintura hasta el mural y el pirograbado, evoca de forma abstracta sus recuerdos de Galicia, con un lenguaje que muestra referencias al expresionismo abstracto y al informalismo. Nóvoa fue galardonado con premios como la Medalla Castelao (1993), el Premio Ciudad de Pontevedra (1997) y el Premio da Crítica Galicia (2002). Actualmente está representado en las colecciones Abanca y Caixanova, entre otras.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 42 - ROGELIO PUENTE (Cuba, 1936-1996). Interior desde la ventana. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Medidas: 37 x 55 cm; 53 x 70 cm (marco). En un magistral juego de reflejos, Rogelio Puente despliega una hábil e inteligente superposición de realidades y proyecciones. A través del cristal vemos una estantería con piezas de porcelana y otros objetos del interior de una tienda de antigüedades, con cuadros apoyados en una escultura de un angelote torchero que juega entre lo real y lo representado, mientras que las fachadas de los edificios colindantes nos hacen dudar si se reflejan en la luna de cristal o si en realidad están en la misma acera. Además, junto a esta lúdica aventura neobarroca, Puente describe cada detalle, cada cualidad táctil, con un afán preciosista, haciendo uso de su destreza en el dibujo, las veladuras y el tratamiento de los materiales. Rogelio Puente Díaz de la Rocha nació en La Habana en el seno de una acaudalada familia española afincada en Cuba. Su impecable formación académica tuvo lugar en el país caribeño, Canadá y Estados Unidos. A los catorce años se trasladó definitivamente a España con su familia, estableciéndose en La Coruña, donde continuó sus estudios. Estudió Derecho en Santiago de Compostela y posteriormente completó sus estudios en Inglaterra. Se traslada entonces a Madrid y es allí, deleitándose con las obras maestras que le descubre el Museo del Prado, donde se afianzan sus inquietudes artísticas y comienza a reflexionar seriamente sobre las soluciones plásticas que requieren sus propuestas pictóricas. Viaja a Italia y Francia en busca de nuevos referentes artísticos, tanto clásicos como contemporáneos. Cursa los dos primeros años de Arquitectura y posteriormente cuatro de Artes Decorativas. A partir de 1976 inicia una exitosa carrera de exposiciones y premios artísticos, que comienza con su participación en la Bienal de Pontevedra, celebrada ese mismo año. Colaboró en la Exposición Nacional de Pintura de Bilbao y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Expuso en diversas galerías de Galicia y en distintos países americanos como Brasil, México, República Dominicana y Argentina, así como en Francia y Nueva York.Rogelio Puente es un evocador de atmósferas y un magnífico retratista. De personalidad serena y sólida, mantuvo fielmente y con dignidad una línea realista, aun comprendiendo que vivía en la época del despertar de la pintura gallega a las innovaciones formales y a un arte más conceptual y comprometido.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 43 - CARLOS MENSA CORCHETE, (Barcelona, 1936-1982). "Retrato de mujer", 1972. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. Con etiquetas de Sala Pelaires (Palma de Mallorca) y Galería Iolás-Velasco (Madrid) al dorso. Reproducido en: BENEYTO, Antonio. Mensa. Artistas españoles contemporáneos. Dirección General de Bellas Artes Ministerio de Educación y Ciencia. Bilbao, 1977 (con el título "Dorso")/y Catálogo de la exposición del artista en la Sala Pelaires, con texto de Mario Vargas Llosa (página 13). Medidas: 100 x 81 cm; 112,5 x 93 cm (marco). Por su fecha de creación, la presente obra se inserta ya en la etapa más conocida de la obra de Carlos Mensa: los años 70 significaron en su carrera el encuentro, por fin de forma definitiva, con su propio lenguaje, muy particular, y su definitiva expansión internacional, especialmente en Italia, así como el creciente interés que despertó entre el gran público y la crítica. Carlos Mensa fue un pintor autodidacta del siglo XX en los tres campos por los que fue reconocido: pintura, dibujo y escultura (a excepción de algunos cursos como el que realizó en el Real Círculo Artístico de Barcelona hacia mediados de siglo, o la beca que le permitió ir a París en 1966). Tras su periplo por la Guerra Civil, regresó a Barcelona en 1950, para dedicarse a la pintura siete años después, tras ver una exposición y bajo la impresión que le causaron, sobre todo, las obras de Giorgio de Chirico. Fundador del Grupo Síntesis junto a Teo Asensio y Enrique Maas en 1961, decidió dos años después dedicarse exclusivamente a la pintura. Siempre destacó por su particular estilo, totalmente ajeno a las modas de cada momento pero influido por las vanguardias que el artista quería, de modo que no se apartó de la modernidad. También se menciona con frecuencia su perfección técnica, con la que presenta obras que pueden relacionarse con ciertos elementos del Expresionismo, del Realismo, del Surrealismo, con determinados artistas u obras importantes del pasado y, a menudo, una crítica feroz, buscando constantemente lo absurdo y corrosivo, buscando situaciones de impacto casi siempre extremas y algo arriesgadas, casi como alegorías en imágenes, o metáforas visuales. Su obra ha sido expuesta en Milán, París, Roma, Palma de Mallorca, Bremen, Madrid, Barcelona, etc., y se conserva en varias colecciones privadas y en destacadas instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofái de Madrid, el Museo d'Arte Constantino Barbella, los Musei Palazzo d'Avalos, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, etc.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 44 - ADD FUEL (Portugal, 1980). Sin título.2020. Tinta de gel sobre cerámica, estratificada. Pieza única. Firmada y fechada al dorso. Medidas: 75,5 x 75,5 cm; 82,5 x 82,5 cm (marco). Add Fuel es el artista visual e ilustrador portugués Diogo Machado. Licenciado en Diseño Gráfico por el IADE (Instituto de Artes Visuales, Diseño y Marketing) de Lisboa, pasó algunos años trabajando en estudios de diseño en Portugal, seguidos de una estancia de ocho meses en Múnich (Alemania). Desde 2007, se centra exclusivamente en su trabajo artístico. Bajo el nombre completo Add Fuel to the Fire, creó en un principio un universo visual oscuro pero exuberante, poblado por un elenco de criaturas viscosas, excéntricas y alegres, influenciado por una variedad de intereses que van desde los videojuegos a los cómics, la animación, la ciencia ficción, las películas de serie B de bajo presupuesto, los juguetes de diseño y la cultura visual urbana. En 2008, fascinado por las posibilidades estéticas de los patrones simétricos y las teselaciones, acortó su nombre y comenzó a reorientar su enfoque hacia el trabajo y la reinterpretación del lenguaje del diseño tradicional de azulejos, y de la cerámica portuguesa esmaltada en estaño en particular. Mezclando sin esfuerzo estos dos lenguajes visuales aparentemente irreconciliables, su práctica actual busca combinar elementos decorativos tradicionales con referencias visuales contemporáneas en nuevas formas que revelan una impresionante complejidad y una magistral atención al detalle. Si, a primera vista, su obra en paneles de azulejos pequeños y medianos, murales pintados con esténcil a gran escala y ediciones impresas puede parecer un simple pastiche del formalismo clásico, una inspección más atenta recompensa al espectador con un mundo caótico de motivos y personajes inconfundiblemente originales rebosantes de ironía y humor. Creando equilibrio y armonía a partir de repeticiones simétricas, una acumulación de capas y técnicas de ilusión visual como el trompe-l'œil, sus composiciones de múltiples patrones producen un ritmo poético que juega con la percepción del espectador y sus (múltiples) posibilidades de interpretación. Explorando una amplia gama de técnicas manuales y digitales en los campos del dibujo, la pintura, la cerámica y el grabado, su práctica expresa un sofisticado diálogo entre lo antiguo y lo nuevo, entre el patrimonio y la modernidad. Además de las numerosas intervenciones de arte público que ha realizado en varios países, también ha expuesto su obra en exposiciones individuales y colectivas en galerías de renombre, como Underdogs Gallery (Lisboa, 2017 y 2014), Saatchi Gallery (Londres, 2017), Nuart Gallery (Stavanger, 2017), ABV Gallery (Atlanta, 2017), Colab Gallery (Weil am Rhein, 2015), Galerie SOON (Zúrich, 2013) y Pure Evil Gallery (Londres, 2012), y en destacados eventos de arte urbano como Nuart Festival (Aberdeen, 2017; Stavanger, 2016), PUBLIC'16 (Perth y Albany, 2016), Sacramento Mural Fest (Sacramento, 2016), Forgotten Project (Roma, 2015), Djerbahood (Djerba, 2014) y Tour Paris 13 (París, 2013), entre muchos otros.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 45 - EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Vizcaya, 1938 - Madrid, 2003). "Los amates", 1992. Técnica mixta, gouache, acrílico y pastel sobre papel. Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 130 x 122 cm; 133 x 125 cm (marco). Pintor y escultor, uno de los mejores exponentes del arte pop en España, Eduardo Úrculo comenzó a pintar de niño, sin formación artística, y en 1957 publicó sus primeras tiras ilustradas en el diario ovetense "La Nueva España". Poco después se traslada a Madrid y comienza a recibir clases en el Círculo de Bellas Artes. Durante estos años se gana la vida como ilustrador y escenógrafo, y cultiva una pintura marcada por el expresionismo social. En 1959 marchó a París, donde amplió su formación en la Académie de la Grande Chaumière. En la capital francesa trabajó como diseñador gráfico y conoció a Eduardo Westerdahl, cuya influencia hizo evolucionar su pintura hacia la abstracción. Sin embargo, cuatro años más tarde vuelve a la figuración y a la crítica social. En 1967 realizó un viaje al norte de Europa, y fue entonces cuando entró en contacto por primera vez con el pop americano. A partir de entonces, la obra de Úrculo estará marcada por un realismo basado en un colorido muy vivo y, ya bien entrados los setenta, por temas eróticos, satíricos y críticos. En los años ochenta reside en Nueva York, donde realiza importantes proyectos. En 1992 regresó a París. En este último periodo añadió a su repertorio el tema del viajero enfrentado a la gran ciudad moderna, una variante irónica de la figura del romántico abrumado por el paisaje. Esta evolución formal pudo apreciarse a través de las numerosas exposiciones individuales que realizó por todo el mundo desde 1959, así como en antologías (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, y Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000). En la actualidad, Úrculo está presente en numerosos museos y colecciones de arte moderno, entre ellos el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Galleria Nazionale d'Arte Moderno de Roma, la Biblioteca Nacional de Madrid, el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, las colecciones AENA, Testimoni y Fundesco, el Museo del Dibujo Castillo de Larrés, el Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés y otros.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 46 - EDUARDO ARROYO (Madrid, 1937-2018). "Personaje con sombrero", 1982. Acuarela y tinta sobre papel. Firmado y fechado en el margen inferior. Medidas: 30 x 19 cm; 33 x 23 cm (marco). Pintor, escultor y grabador, Arroyo destaca como una figura importante dentro del movimiento neofigurativista. Tras iniciarse en el periodismo, comenzó a pintar a finales de los cincuenta, presentándose por primera vez en el Salón de Pintura Joven en 1960. A principios de los sesenta su vocabulario plástico se mueve bajo la influencia norteamericana del pop art, y en 1964 su ruptura con el arte informal se hace definitiva. En 1982 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, y se le dedicaron exposiciones antológicas en la Biblioteca Nacional de Madrid y en el Centro Pompidou de París. En la actualidad, Arroyo está representado en el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid, el Patio Herreriano de Valladolid, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C. y el Museo de Arte Moderno de Lille (Francia), entre otros.

Valorac. 1 200 - 1 400 EUR

Lote 47 - EDUARDO ARROYO (Madrid, 1937-2018). "Zapatos, puros y cigarros", 1977. Collage sobre papel. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Medidas: 40 x 50 cm; 49 x 58 cm (marco). Pintor, escultor y grabador, Arroyo destaca como una figura importante dentro del movimiento neofigurativista. Tras iniciar su carrera en el periodismo, comenzó a pintar a finales de los cincuenta, presentándose por primera vez en el Salón de Pintura Joven en 1960. A principios de los sesenta su vocabulario plástico se mueve bajo la influencia norteamericana del pop art, y en 1964 su ruptura con el arte informal se hace definitiva. En 1982 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, y se le dedicaron exposiciones antológicas en la Biblioteca Nacional de Madrid y en el Centro Pompidou de París. En la actualidad, Arroyo está representado en el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid, el Patio Herreriano de Valladolid, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C. y el Museo de Arte Moderno de Lille (Francia), entre otros.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 48 - MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Las Meninas", 1984. Alfombra diseñada por el artista. Lana virgen. 100% pura. Ejemplar 82/125. Tiene una etiqueta en la parte trasera y una firma manuscrita. Medidas: 170 x 240 cm. Manolo Valdés ha realizado a lo largo de su carrera diseños exclusivos para la realización de alfombras colaborando incluso con la Real Fábrica de Tapices. En este caso concreto, la alfombra, que pertenece a una serie de 125 ejemplares, cuenta con el diseño del artista valenciano, recreado en lana virgen. La pieza tiene el estilo personal e irreverente de Valdés, que reinterpreta los mitos acercándose a figuras como Picasso y Velázquez, que en esta obra se hacen patentes a través de la figura de la Menina. Aunque la composición y la estética se acercan a la obra "Danzas para el miedo" de Paul Klee. Manolo Valdés introdujo en España una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía. Comenzó su formación en 1957, cuando ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Sin embargo, dos años más tarde abandonó sus estudios para dedicarse plenamente a la pintura. En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica, junto a Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, en el que permaneció hasta la muerte de este último en 1981, a pesar de que Toledo había abandonado el grupo dos años después de su fundación. Desde entonces se instaló en Nueva York, donde reside actualmente y donde ha seguido experimentando con nuevas formas de expresión, entre ellas la escultura. Entre los numerosos galardones que ha recibido Manolo Valdés se encuentran el Lissone y el Biella de Milán, la medalla de plata de la II Bienal Internacional de Grabado de Tokio, el premio del Museo de Arte Bridgestone de Lisboa, el Premio Nacional de Artes Plásticas, la medalla del Festival Internacional de Artistas Plásticos de Bagdad, la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en Venezuela, el premio del Consejo Nacional de Mónaco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte y el Premio al Mejor Artista Grabador, entre otros. Formalmente, Valdés crea una obra de gran formato en la que las luces y los colores expresan valores táctiles, debido al tratamiento dado a los materiales. Su obra obliga al espectador a hurgar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte. Está representado en algunos de los museos más destacados del mundo, como el Reina Sofía de Madrid, el Metropolitan, el MoMA y el Guggenheim de Nueva York, el Centro Georges Pompidou y el Fons National d'Arts Plastiques de París, el Kusnthalle de Hamburgo, el Kunstmuseum de Berlín y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre muchos otros.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 49 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Transparencia", 2004. Acrílico sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 146 x 97 cm. Ràfols Casamada hablaba de su necesidad de "romper el espacio y recomponerlo mediante manchas de color, distribuirlas casi al azar y conseguir, mediante el color, que se sostengan y se relacionen" (Testimonio de un pintor, 1985). El cuadro que aquí se muestra da cuenta de esta búsqueda de depuración intelectual. Ràfols Casamada somete el cuadro a un juego tensional aparentemente aleatorio entre campo de color, vacío, mancha y gesto. En este lienzo, la abstracción lírica palpita con ímpetu a pesar de la base conceptual subyacente. Se hace eco de una feliz resolución entre complejidad intelectual y sencillez plástica, entre trascendencia e inmanencia. Pintor, pedagogo, escritor y artista gráfico, Ràfols Casamada goza hoy de gran prestigio internacional. Se inició en el mundo del dibujo y la pintura con su padre, Albert Ràfols Cullerés. En 1942 inició estudios de arquitectura, aunque pronto los abandonó para dedicarse a las artes plásticas. La influencia paterna postimpresionista y su particular cézannismo marcan las obras presentadas en su primera exposición, celebrada en 1946 en las galerías Pictòria de Barcelona, donde expuso con el grupo Els Vuit. Posteriormente, elaborará una abstracción poética, amorfa en su configuración, libre e inteligente, fruto de una lenta gestación y basada en ambientes, temas, objetos o grafismos de la vida cotidiana. Ràfols Casamada trabaja con estos fragmentos de realidad, de vida, en un proceso de desfiguración, jugando con las connotaciones, los valores plásticos y la riqueza visual de las diferentes lecturas posibles, en un intento de fijar la fugacidad de la realidad. En 1950 obtuvo una beca para viajar a Francia, y se instaló en París hasta 1954. Allí conoció la pintura figurativa postcubista, así como la obra de Picasso, Matisse, Braque y Miró, entre otros. Estas influencias se unieron en su pintura a la del expresionismo abstracto americano, que se desarrollaba al mismo tiempo. Cuando finalmente regresó a Barcelona, emprendió su propio camino artístico, con un estilo caracterizado por la elegancia compositiva, basado en estructuras ortogonales combinadas con un cromatismo emotivo y luminoso. Tras mostrar una interesante relación, en los años sesenta y setenta, con el neodada y el nuevo realismo, su obra se ha centrado en valores puramente pictóricos: campos de color en expresiva armonía sobre los que destacan líneas gestuales de carboncillo. Ha recibido numerosos galardones, como el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en 1980, la Creu de Sant Jordi en 1982 y el Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y es miembro honorario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 2003 la Generalitat le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cataluña, y en 2009, sólo dos meses antes de su muerte, el Grup 62 le rindió homenaje en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Su obra se encuentra en los museos más importantes del mundo: el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim y el MOMA de Nueva York, el Museum of Modern Art de Los Ángeles, el Museo Picasso de Francia, el Georges Pompidou de París y el British Museum y la Tate Gallery de Londres, entre muchos otros.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 50 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Reflex", 1974. Acrílico sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha y en el reverso. Medidas: 100 x 81 cm; 102,5 x 83,5 cm (marco). Ràfols Casamada hablaba de su necesidad de "romper el espacio y recomponerlo mediante manchas de color, distribuirlas casi al azar y conseguir, mediante el color, que se sostengan y se relacionen" (Testimonio de un pintor, 1985). El cuadro que aquí se muestra da cuenta de esta búsqueda de depuración intelectual. Ràfols Casamada somete el cuadro a un juego tensional aparentemente aleatorio entre campo de color, vacío, mancha y gesto. En este lienzo, la abstracción lírica palpita con ímpetu a pesar de la base conceptual subyacente. Se hace eco de una feliz resolución entre complejidad intelectual y sencillez plástica, entre trascendencia e inmanencia. Pintor, pedagogo, escritor y artista gráfico, Ràfols Casamada goza hoy de gran prestigio internacional. Se inició en el mundo del dibujo y la pintura con su padre, Albert Ràfols Cullerés. En 1942 inició estudios de arquitectura, aunque pronto los abandonó para dedicarse a las artes plásticas. La influencia paterna postimpresionista y su particular cézannismo marcan las obras presentadas en su primera exposición, celebrada en 1946 en las galerías Pictòria de Barcelona, donde expuso con el grupo Els Vuit. Posteriormente, elaborará una abstracción poética, amorfa en su configuración, libre e inteligente, fruto de una lenta gestación y basada en ambientes, temas, objetos o grafismos de la vida cotidiana. Ràfols Casamada trabaja con estos fragmentos de realidad, de vida, en un proceso de desfiguración, jugando con las connotaciones, los valores plásticos y la riqueza visual de las diferentes lecturas posibles, en un intento de fijar la fugacidad de la realidad. En 1950 obtuvo una beca para viajar a Francia, y se instaló en París hasta 1954. Allí conoció la pintura figurativa postcubista, así como la obra de Picasso, Matisse, Braque y Miró, entre otros. Estas influencias se unieron en su pintura a la del expresionismo abstracto americano, que se desarrollaba al mismo tiempo. Cuando finalmente regresó a Barcelona, emprendió su propio camino artístico, con un estilo caracterizado por la elegancia compositiva, basado en estructuras ortogonales combinadas con un cromatismo emotivo y luminoso. Tras mostrar una interesante relación, en los años sesenta y setenta, con el neodada y el nuevo realismo, su obra se ha centrado en valores puramente pictóricos: campos de color en expresiva armonía sobre los que destacan líneas gestuales de carboncillo. Ha recibido numerosos galardones, como el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en 1980, la Creu de Sant Jordi en 1982 y el Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y es miembro honorario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 2003 la Generalitat le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cataluña, y en 2009, sólo dos meses antes de su muerte, el Grup 62 le rindió homenaje en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Su obra se encuentra en los museos más importantes del mundo: el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim y el MOMA de Nueva York, el Museum of Modern Art de Los Ángeles, el Museo Picasso de Francia, el Georges Pompidou de París y el British Museum y la Tate Gallery de Londres, entre muchos otros.

Valorac. 8 000 - 9 000 EUR

Lote 51 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Casa solitària", 2000. Acrílico sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 73 x 93 cm. Ràfols Casamada hablaba de su necesidad de "romper el espacio y recomponerlo mediante manchas de color, distribuirlas casi al azar y conseguir, mediante el color, que se sostengan y se relacionen" (Testimonio de un pintor, 1985). El cuadro que aquí se muestra da cuenta de esta búsqueda de depuración intelectual. Ràfols Casamada somete el cuadro a un juego tensional aparentemente aleatorio entre campo de color, vacío, mancha y gesto. En este lienzo, la abstracción lírica palpita con ímpetu a pesar de la base conceptual subyacente. Se hace eco de una feliz resolución entre complejidad intelectual y sencillez plástica, entre trascendencia e inmanencia. Pintor, pedagogo, escritor y artista gráfico, Ràfols Casamada goza hoy de gran prestigio internacional. Se inició en el mundo del dibujo y la pintura con su padre, Albert Ràfols Cullerés. En 1942 inició estudios de arquitectura, aunque pronto los abandonó para dedicarse a las artes plásticas. La influencia paterna postimpresionista y su particular cézannismo marcan las obras presentadas en su primera exposición, celebrada en 1946 en las galerías Pictòria de Barcelona, donde expuso con el grupo Els Vuit. Posteriormente, elaborará una abstracción poética, amorfa en su configuración, libre e inteligente, fruto de una lenta gestación y basada en ambientes, temas, objetos o grafismos de la vida cotidiana. Ràfols Casamada trabaja con estos fragmentos de realidad, de vida, en un proceso de desfiguración, jugando con las connotaciones, los valores plásticos y la riqueza visual de las diferentes lecturas posibles, en un intento de fijar la fugacidad de la realidad. En 1950 obtuvo una beca para viajar a Francia, y se instaló en París hasta 1954. Allí conoció la pintura figurativa postcubista, así como la obra de Picasso, Matisse, Braque y Miró, entre otros. Estas influencias se unieron en su pintura a la del expresionismo abstracto americano, que se desarrollaba al mismo tiempo. Cuando finalmente regresó a Barcelona, emprendió su propio camino artístico, con un estilo caracterizado por la elegancia compositiva, basado en estructuras ortogonales combinadas con un cromatismo emotivo y luminoso. Tras mostrar una interesante relación, en los años sesenta y setenta, con el neodada y el nuevo realismo, su obra se ha centrado en valores puramente pictóricos: campos de color en expresiva armonía sobre los que destacan líneas gestuales de carboncillo. Ha recibido numerosos galardones, como el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en 1980, la Creu de Sant Jordi en 1982 y el Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y es miembro honorario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 2003 la Generalitat le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cataluña, y en 2009, sólo dos meses antes de su muerte, el Grup 62 le rindió homenaje en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Su obra se encuentra en los museos más importantes del mundo: el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim y el MOMA de Nueva York, el Museum of Modern Art de Los Ángeles, el Museo Picasso de Francia, el Georges Pompidou de París y el British Museum y la Tate Gallery de Londres, entre muchos otros.

Valorac. 7 500 - 8 000 EUR

Lote 52 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Signos", 1990. Acrílico sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 89 x 116 cm. Ràfols Casamada hablaba de su necesidad de "romper el espacio y recomponerlo mediante manchas de color, distribuirlas casi al azar y conseguir, mediante el color, que se sostengan y se relacionen" (Testimonio de un pintor, 1985). El cuadro que aquí se muestra da cuenta de esta búsqueda de depuración intelectual. Ràfols Casamada somete el cuadro a un juego tensional aparentemente aleatorio entre campo de color, vacío, mancha y gesto. En este lienzo, la abstracción lírica palpita con ímpetu a pesar de la base conceptual subyacente. Se hace eco de una feliz resolución entre complejidad intelectual y sencillez plástica, entre trascendencia e inmanencia. Pintor, pedagogo, escritor y artista gráfico, Ràfols Casamada goza hoy de gran prestigio internacional. Se inició en el mundo del dibujo y la pintura con su padre, Albert Ràfols Cullerés. En 1942 inició estudios de arquitectura, aunque pronto los abandonó para dedicarse a las artes plásticas. La influencia paterna postimpresionista y su particular cézannismo marcan las obras presentadas en su primera exposición, celebrada en 1946 en las galerías Pictòria de Barcelona, donde expuso con el grupo Els Vuit. Posteriormente, elaborará una abstracción poética, amorfa en su configuración, libre e inteligente, fruto de una lenta gestación y basada en ambientes, temas, objetos o grafismos de la vida cotidiana. Ràfols Casamada trabaja con estos fragmentos de realidad, de vida, en un proceso de desfiguración, jugando con las connotaciones, los valores plásticos y la riqueza visual de las diferentes lecturas posibles, en un intento de fijar la fugacidad de la realidad. En 1950 obtuvo una beca para viajar a Francia, y se instaló en París hasta 1954. Allí conoció la pintura figurativa postcubista, así como la obra de Picasso, Matisse, Braque y Miró, entre otros. Estas influencias se unieron en su pintura a la del expresionismo abstracto americano, que se desarrollaba al mismo tiempo. Cuando finalmente regresó a Barcelona, emprendió su propio camino artístico, con un estilo caracterizado por la elegancia compositiva, basado en estructuras ortogonales combinadas con un cromatismo emotivo y luminoso. Tras mostrar una interesante relación, en los años sesenta y setenta, con el neodada y el nuevo realismo, su obra se ha centrado en valores puramente pictóricos: campos de color en expresiva armonía sobre los que destacan líneas gestuales de carboncillo. Ha recibido numerosos galardones, como el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en 1980, la Creu de Sant Jordi en 1982 y el Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y es miembro honorario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 2003 la Generalitat le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cataluña, y en 2009, sólo dos meses antes de su muerte, el Grup 62 le rindió homenaje en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Su obra se encuentra en los museos más importantes del mundo: el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim y el MOMA de Nueva York, el Museum of Modern Art de Los Ángeles, el Museo Picasso de Francia, el Georges Pompidou de París y el British Museum y la Tate Gallery de Londres, entre muchos otros.

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 53 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Signos", 1986. Técnica mixta (tinta y acrílico) y collage sobre papel. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Procedencia: CRG Gallery, Nueva York. Medidas: 70 x 59 cm; 87 x 75 cm (marco). Antoni Clavé es una de las figuras más relevantes del arte contemporáneo español. Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Jordi de Barcelona, Clavé se dedicó inicialmente a la gráfica publicitaria, la ilustración y las artes decorativas. En 1936 participa activamente en la Guerra Civil, en las filas republicanas, lo que le lleva a exiliarse en Francia al finalizar la contienda. Ese mismo año, 1939, expone los dibujos que realizó en los campos de batalla. Se instala en París, donde conoce a Vuillard, Bonnard y Picasso. Ya gozaba de gran prestigio internacional cuando empezó a ser reconocido en España, tras su exposición en la Galería Gaspar de Barcelona en 1956. Al mismo tiempo, realizó ilustraciones para la obra "Gargantúa y Pantagruel", que le llevaron a familiarizarse con la iconografía medieval. Fue premiado en la Hallimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia en 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio en 1957. En 1984 el Estado español reconoció su valor artístico con la exposición de más de cien de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año recibió la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya. La obra de Clavé se encuentra, entre otros muchos, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, la Tate Gallery, el Museo de Arte Moderno de París, el British Museum de Londres, el Museo de Arte Moderno de Tokio y el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 54 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Suite Catalana, Las estampas de la cometa". Grabado al aguatinta, ejemplar 3/75. Editorial Gustavo Gili, S.A., Barcelona, 1972. Firmado y justificado a mano. Medidas: 77 x 101 cm. Antoni Tàpies se inicia en el arte durante la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar. Progresivamente se dedicará con mayor intensidad al dibujo y la pintura, y finalmente abandona sus estudios de Derecho para dedicarse por completo al arte. Cofundador de "Dau al Set" en 1948, comienza a exponer en los Salones de Octubre de Barcelona, así como en el Salón de los Once celebrado en Madrid en 1949. Tras su primera exposición individual en las Galerías Layetanas, viaja a París en 1950, becado por el Instituto Francés. En estos años comienza su participación en la Bienal de Venecia, expone de nuevo en las Layetanas y, tras una muestra en Chicago, en 1953 realiza una exposición individual en la galería neoyorquina de Martha Jackson. A partir de entonces, sus exposiciones, tanto colectivas como individuales, se sucedieron por todo el mundo, en importantes galerías y museos como el Guggenheim de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de París. Desde los años setenta, se le han dedicado antologías en Tokio (1976), Nueva York (1977 y 2005), Roma (1980), Ámsterdam (1980), Madrid (1980), Venecia (1982), Milán (1985), Viena (1986) y Bruselas (1986). Autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, combinando tradición e innovación en un estilo abstracto pero cargado de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual que el artista da a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana. La obra de Tàpies ha sido muy valorada internacionalmente, exponiéndose en los museos más prestigiosos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que destacan el Praemium Imperiale de Japón, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, el Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2003). Gran defensor de la cultura catalana, de la que está profundamente imbuido, Tàpies es un gran admirador del escritor místico Ramón Llull, así como del románico catalán y de la arquitectura de Gaudí. Al mismo tiempo, aprecia el arte y la filosofía orientales, que, como su propia obra, desdibujan la frontera entre la materia y el espíritu, entre el hombre y la naturaleza. Influido por el budismo, muestra en sus cuadros cómo el dolor, tanto físico como espiritual, es inherente a la vida. Antoni Tàpies está representado en importantes museos de todo el mundo, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Fukoka Art Museum de Japón, el MoMA de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

Valorac. 1 200 - 1 500 EUR

Lote 55 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Infromal", 1987. Aguatinta y carborundo a varias tintas (3 grises, negro, beige, blanco), copia H.C. Firmado y justificado a mano. Medidas: 82 x 69 cm; 87 x 173,5 cm (marco). La cruz y el número 8, dos motivos recurrentes en la obra de Tàpies, símbolos de la espiritualidad y del infinito respectivamente, reaparecen en este grabado a varias tintas. Cofundador de "Dau al Set" en 1948, Tàpies comienza a exponer en los Salones de Octubre de Barcelona, así como en el Salón de los Once celebrado en Madrid en 1949. Tras su primera exposición individual en las Galerías Layetanas, viaja a París en 1950, becado por el Instituto Francés. En 1953 expone individualmente en la galería neoyorquina de Martha Jackson. A partir de entonces, sus exposiciones, tanto colectivas como individuales, se suceden por todo el mundo, en destacadas galerías y museos como el Guggenheim de Nueva York o el Museo de Arte Moderno de París. Desde los años setenta, se le han dedicado antologías en Tokio (1976), Nueva York (1977 y 2005), Roma (1980), Ámsterdam (1980), Madrid (1980), Venecia (1982), Milán (1985), Viena (1986) y Bruselas (1986). Autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, combinando tradición e innovación en un estilo abstracto pero cargado de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual que el artista otorga a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana. La obra de Tàpies ha sido muy valorada internacionalmente, exponiéndose en los museos más prestigiosos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que destacan el Praemium Imperiale de Japón, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, el Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2003). Gran defensor de la cultura catalana, de la que está profundamente imbuido, Tàpies es un gran admirador del escritor místico Ramón Llull, así como del románico catalán y de la arquitectura de Gaudí. Al mismo tiempo, aprecia el arte y la filosofía orientales, que, como su propia obra, desdibujan la frontera entre la materia y el espíritu, entre el hombre y la naturaleza. Influido por el budismo, muestra en sus cuadros cómo el dolor, tanto físico como espiritual, es inherente a la vida. Antoni Tàpies está representado en importantes museos de todo el mundo, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Fukoka Art Museum de Japón, el MoMA de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

Valorac. 3 500 - 4 000 EUR

Lote 56 - JORDI TEIXIDOR (Valencia, 1941). Sin título, 1978. Óleo, gouache y lápiz sobre papel. Firmado a lápiz en la parte inferior central. Medidas: 63 x 49,5 cm; 71 x 56,5 x cm (marco). Esta obra está realizada justo un año antes de que Teixidor se trasladara a Nueva York (1979-1982), aunque previamente, en 1973 ya había viajado a la ciudad norteamericana que había causado un impacto directo en el desarrollo de su obra. La influencia de autores como Rothko, Reinhardt y Barnett Newman influyó en el gusto de Teixidor por la depuración formal del estilo, visible en este cuadro donde también se aprecian ecos de la pintura de Agnes Martin. Jordi Teixidor se formó en la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia entre los años 1959 y 1964, y, entre otros reconocimientos, ha sido elegido Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, y recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2014. Uno de los más prestigiosos artistas abstractos españoles, Teixidor ha expuesto individual y colectivamente en Europa y América principalmente (Barcelona, Valencia, Madrid, Granada, Sevilla, San Sebastián, Vallauris en Francia, Dusseldorf, San Francisco, México DF, Nueva York, Santiago de Chile, etc.), aunque también en otras ciudades como Moscú. En 1997 el Santa Monica Center y el Museo Guggenheim de Nueva York le dedicaron una importante retrospectiva. En la actualidad, su obra se conserva en numerosas colecciones privadas de todo el mundo, así como en importantes instituciones (Museo Guggenheim de Nueva York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de la misma ciudad, Museo Patio Herreriano de Valladolid, Coca-Cola Foundation, Chase Manhattan Bank de Nueva York, Fundación Juan March de Madrid, San Francisco Museum of Modern Art de California, Museo Salvador Allende de Santiago de Chile y Berkeley Art Museum de la Universidad de California en Estados Unidos, entre otros).

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

Lote 57 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Vogels", 1970, época Berlín. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. Con etiqueta al dorso de la Levy Gallery. Medidas: 150 x 150 cm. Es un cuadro de la Levy Gallery. Se trata de una de las obras más interesantes de Jorge Castillo, ya que fue realizada durante el proceso de transición de Berlín a Nueva York, siendo su primera obra en la que aparecen los rascacielos neoyorquinos que posteriormente reproduciría en sus obras. Es una de las obras más interesantes de Jorge Castillo, debido a que fue realizada durante el proceso de transición de Berlín a Nueva York. Desde niño, Jorge Castillo sintió pasión por el dibujo, y a los diez años hizo su primera copia de Rubens con lápices de colores. Según Castillo, la pintura de Rubens le enseñó a entender el cubismo de Braque y Picasso. Su familia emigró a Buenos Aires el año en que nació el pintor, pero él regresó a Europa en 1955. Intentó ir a París, pero por falta de recursos económicos se instaló en España. Tras pasar por Vigo, se instaló en Madrid en 1955, donde pronto entró en contacto con el crítico de arte José María Moreno Galván, que admiraba su obra y le introdujo en los círculos artísticos madrileños. En 1958 comenzó a vender sus dibujos en la galería Biosca, y el propio pintor Antonio Saura compró varios de ellos. Al año siguiente expone sus obras sobre papel y acuarelas en la galería Altamira de Madrid. Poco a poco fue decantándose por la técnica del grabado, que finalmente se convertiría en su principal medio de expresión, aunque lo alternaba con la pintura. En 1960 fue seleccionado para la Bienal de São Paulo (Brasil). A partir de entonces expuso internacionalmente, en galerías y museos de Nueva York, San Francisco, Tokio, París, Lisboa, Turín, Hannover, Düsseldorf y Ginebra. Participó en la Bienal de Venecia de 1964 y 1976, y en 1970 celebró una exposición individual en la Nationalgalerie de Berlín, la primera gran muestra museística dedicada a un periodo concreto de su carrera. Ganó premios como el Internacional de Dibujo (1964) y Pintura (1975) de Darmstadt, el Ciudad de Pontevedra (1994) y el Cultura Viva de las Artes Plásticas (2006). Actualmente vive y trabaja en el Soho de Nueva York. Obras de Jorge Castillo pueden verse en el Museo de Bellas Artes de Lausana, la Fundación Juan March, las Galerías Nacionales de Edimburgo y Berlín, los Museos de Arte Moderno de San Francisco y Vitoria, la Kunsthalle de Bremen, la Albertina de Viena, la Biblioteca Nacional de España y el Guggenheim de Nueva York, entre otros.

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 58 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). Sin título. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Medidas: 65 x 54 cm. Hijo de emigrantes españoles en Argentina, Jorge Castillo regresa a España en 1957. Se introduce en los círculos artísticos de Madrid, y en 1958 comienza a vender sus dibujos en la galería Biosca. Poco a poco, comienza a decantarse por la técnica del grabado, que acaba convirtiéndose en su principal medio de expresión, aunque lo alterna con la pintura. En 1960 fue seleccionado para la Bienal de São Paulo, en Brasil. A partir de entonces expuso internacionalmente, en galerías y museos de Nueva York, San Francisco, Tokio, París, Lisboa, Turín, Hannover, Düsseldorf y Ginebra. Participó en la Bienal de Venecia de 1964 y 1976, y en 1970 celebró una exposición individual en la Nationalgalerie de Berlín, la primera gran muestra museística dedicada a un periodo concreto de su carrera. Obtuvo galardones como el Premio Internacional de Dibujo y Pintura de Darmstadt, el Ciudad de Pontevedra y el Cultura Viva de las Artes Plásticas. Está representado en el Museo de Bellas Artes de Lausana, la Fundación Juan March, las Galerías Nacionales de Edimburgo y Berlín, los Museos de Arte Moderno de San Francisco y Vitoria, la Kunsthalle de Bremen, la Albertina de Viena, la Biblioteca Nacional de España y el Guggenheim de Nueva York, entre otros.

Valorac. 800 - 900 EUR

Lote 59 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Todavía la noche", 2012 Acrílico sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior izquierda. Fechado y titulado al dorso. Medidas: 65 x 54 cm. Hijo de emigrantes españoles en Argentina, Jorge Castillo regresa a España en 1957. Se introduce en los círculos artísticos de Madrid, y en 1958 comienza a vender sus dibujos en la galería Biosca. Poco a poco, comienza a decantarse por la técnica del grabado, que acaba convirtiéndose en su principal medio de expresión, aunque lo alterna con la pintura. En 1960 fue seleccionado para la Bienal de São Paulo, en Brasil. A partir de entonces expuso internacionalmente, en galerías y museos de Nueva York, San Francisco, Tokio, París, Lisboa, Turín, Hannover, Düsseldorf y Ginebra. Participó en la Bienal de Venecia de 1964 y 1976, y en 1970 celebró una exposición individual en la Nationalgalerie de Berlín, la primera gran muestra museística dedicada a un periodo concreto de su carrera. Obtuvo galardones como el Premio Internacional de Dibujo y Pintura de Darmstadt, el Ciudad de Pontevedra y el Cultura Viva de las Artes Plásticas. Está representado en el Museo de Bellas Artes de Lausana, la Fundación Juan March, las Galerías Nacionales de Edimburgo y Berlín, los Museos de Arte Moderno de San Francisco y Vitoria, la Kunsthalle de Bremen, la Albertina de Viena, la Biblioteca Nacional de España y el Guggenheim de Nueva York, entre otros.

Valorac. 800 - 900 EUR

Lote 60 - JOSEP MARIA RIERA I ARAGÓ (Barcelona, 1954). Sin título, 1998. Técnica mixta sobre papel. Firmado y fechado en el margen inferior. Medidas: 122 x 67 cm; 135 x 89,5 cm (marco). Pintor y escultor, Josep Riera i Aragó se formó en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona. Debutó individualmente en 1981, en la galería Artema de Barcelona. Dos años más tarde participó en el Salón de Otoño de la misma ciudad, y desde entonces ha mostrado su obra por todo el mundo, en destacadas galerías de España, México, Holanda, Israel, Alemania, Bélgica, Francia, Luxemburgo, Suiza, Colombia y Estados Unidos. Sus exposiciones individuales han tenido lugar en el Museo de Ceret (Francia, 1989), la Biblioteca Nacional de París (1993), el Museo de Arte Moderno de Oostende (Bélgica, 1997), la Joan Prats Gallery de Nueva York (1998), la Tassende Gallery de Los Ángeles (2003) y el Museo de Aalst de Bélgica (2006), entre otros. Desde 1983, Riera i Aragó ha desarrollado su discurso plástico en torno al maquinismo, con un lenguaje simbólico marcado por el interés en el transporte aéreo y marítimo, que contempla descontextualizado, separado de su función original. Al mismo tiempo, su lenguaje plástico se ha enriquecido con la profundización del diálogo línea/plano y vacío/lleno. Nunca repetitiva, cada "máquina" que crea evoca, sin patetismo ni condescendencia, una visión clara y completa de la humanidad. Con un vocabulario visual limitado a formas simples que recuerdan a zepelines, submarinos o aviones, Riera i Aragó desarrolla una fértil iconografía cargada de significado que, dotada de una clara ironía, habla de la absurda temeridad de las creaciones del hombre y de la justicia poética que resulta cuando estas creaciones se vuelven contra él. Su obra debe entenderse como un relato global, que se relaciona con lenguajes tan dispares como la astronomía, la botánica, las matemáticas o la mística, y que ofrece al espectador la posibilidad de adentrarse en un universo particular de gran lirismo, donde realidad y ficción dejan de ser categorías contrapuestas. Actualmente, Riera i Aragó está representada en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, las fundaciones Joan Miró, La Caixa y Vicent Van Gogh, el Museo de Arte Moderno de Luxemburgo, el Museo Rufino Tamayo de México, el Museo Ceret y Reattu de Arles (Francia), el Museo Otani de Japón y el Museo Heilbronn de Alemania, entre muchos otros.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 61 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Sin título, ca. 1980's. Técnica mixta (pintura y collage) sobre papel. Firmado y fechado en el margen inferior. Medidas: 226 x 116 cm; 236 x 126 cm (marco). Este cuadro data probablemente de los años ochenta, un periodo particularmente experimental en la producción de Guinovart. El uso del collage y la abstracción poética son característicos de este periodo, así como la preferencia por los tonos siena, marrones y pardos. Incluye sutiles trazos sintéticos que parecen rendir homenaje a las criaturas postcubistas de Picasso y, al mismo tiempo, la composición (que deja vacía la parte superior) remite indirectamente al perro enterrado de Goya. Josep Guinovart se formó en la Escuela de Maestros Pintores, en la Escuela de Artes y Oficios y en las clases del FAD. Expuso individualmente por primera vez en las galerías Syra de Barcelona en 1948. Inmediatamente adquiere un sólido prestigio, colabora con Dau al Set y participa en los salones Octubre, Jazz y Once. En los años cincuenta, gracias a una beca, vivió en París, donde conoció profundamente la obra de Cézanne y Matisse, que, junto con Miró y Gaudí, serían sus influencias más importantes. En 1955, junto con Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies y Tharrats, formó el grupo Taüll, que reunía a los artistas de vanguardia de la época. Hacia 1957 inició una tendencia informalista y abstracta, con una fuerte presencia matérica tanto por la incorporación de elementos y objetos diversos (maderas quemadas, cajas, objetos de desecho) como por la aplicación de técnicas como el collage y el assemblage. A partir de los años sesenta se aleja de la poética informalista y comienza a crear obras llenas de signos y gestos, que contienen una fuerte carga expresiva en las líneas y los colores. Durante los años setenta utilizó sistemáticamente materiales como arena, tierra, barro, paja o fibrocemento, y en la década siguiente se centró en la experimentación con la proyección tridimensional de sus obras, que se concretó en la creación de ambientes o entornos espaciales como el titulado Contorn-extorn (1978). Guinovart tiene una producción artística muy variada: pinturas murales, decorados y escenografías teatrales, como la realizada para Bodas de Sangre de Federico García Lorca, ilustraciones de libros, diseño de carteles, tapices y esculturas. Participó en las Bienales de São Paulo (1952 y 1957), Alejandría (1955) y Venecia (1958, 1962 y 1982), y entre sus premios destacan el Ciudad de Barcelona en 1981, el Nacional de Artes Plásticas en 1990 y el de Artes Plásticas de la Generalitat en 1990. En 1994 se inauguró en Agramunt, Lérida, el Espacio Guinovart, fundación privada que cuenta con una exposición permanente del artista. Está representado en los Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona, Madrid y Ciudad de México, el Museo de Escultura al Aire Libre de Santa Cruz de Tenerife, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo San Telmo de San Sebastián, el Museo Eusebio Sempere de Alicante, el Museo de Navarra de Tafalla, la Casa de las Américas de La Habana, el Museo Bocchum de Alemania, el Museo de Bellas Artes de Long Island, Nueva York, y el Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Valorac. 5 500 - 6 500 EUR

Lote 62 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Entrada al zoco", 1987. Óleo sobre lienzo. Con etiqueta de la Galería Dau Al Set al dorso. Firmado a lápiz en la esquina inferior derecha. Medidas: 81 x 100 cm; 102 x 123 cm (marco). Pintor, dibujante, fotógrafo y grabador de formación autodidacta, Lluís Claramunt pasó su vida entre Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao y Marrakech, y desarrolló una obra influida por Isidre Nonell y marcada por un expresionismo en sus inicios, que irá desapareciendo hasta convertirse en una caligrafía mínima. Desde los años setenta realizó exposiciones individuales en destacadas galerías como Dau al Set en Barcelona, Quatre Gats en Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru en Sevilla o Buades en Madrid, y también participó en Arco (1984, 1988). También realizó exposiciones individuales en Nueva York, Ámsterdam, Graz (Austria) y Lisboa. Asimismo, en 2012 su obra se mostró en la exposición individual "El viatge vertical", celebrada en el MACBA de Barcelona. Actualmente está representado en dicho museo, la Fundació Vila Casas, la Colección La Caixa, el Museo de Bellas Artes de Álava, la Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, el Consejo Superior de Deportes y el Ministerio de Cultura de la misma ciudad y la Colección Caja Madrid. Recientemente Claramunt ha expuesto en la prestigiosa galería Marc Domenech de Barcelona, que dedicó su exposición "Luis Claramunt. Años 80" íntegramente a la obra del artista. La exposición, celebrada en mayo de 2016, contó con más de setenta obras que mostraron la predilección del artista por los espacios urbanos, representados a través de una paleta totalmente expresionista en la que predomina una paleta dinámica y vibrante.

Valorac. 2 800 - 3 000 EUR

Lote 63 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000) Sin título. Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte superior izquierda. Medidas: 100 x 84 cm; 101 x 85 cm (marco). Pintor, dibujante, fotógrafo y grabador de formación autodidacta, Lluís Claramunt pasó su vida entre Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao y Marrakech, y desarrolló una obra influida por Isidre Nonell y marcada por un expresionismo en sus inicios, que irá desapareciendo hasta transformarse en una caligrafía mínima. Desde los años setenta realizó exposiciones individuales en destacadas galerías como Dau al Set en Barcelona, Quatre Gats en Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru en Sevilla o Buades en Madrid, y también participó en Arco (1984, 1988). También realizó exposiciones individuales en Nueva York, Ámsterdam, Graz (Austria) y Lisboa. Asimismo, en 2012 su obra se mostró en la exposición individual "El viatge vertical", celebrada en el MACBA de Barcelona. Actualmente está representado en dicho museo, la Fundació Vila Casas, la Colección La Caixa, el Museo de Bellas Artes de Álava, la Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, el Consejo Superior de Deportes y el Ministerio de Cultura de la misma ciudad y la Colección Caja Madrid. Recientemente Claramunt ha expuesto en la prestigiosa galería Marc Domenech de Barcelona, que dedicó su exposición "Luis Claramunt. Años 80" íntegramente a la obra del artista. La exposición, celebrada en mayo de 2016, contó con más de setenta obras que mostraron la predilección del artista por los espacios urbanos, representados a través de una paleta totalmente expresionista en la que predomina una paleta dinámica y vibrante.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 64 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000) Sin título. Óleo sobre lienzo. Presenta desgaste y suciedad en la superficie pictórica. Firmado en la zona superior derecha. Medidas: 100 x 82 cm; 101 x 83 cm (marco). Pintor, dibujante, fotógrafo y grabador de formación autodidacta, Lluís Claramunt pasó su vida entre Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao y Marrakech, y desarrolló una obra influida por Isidre Nonell y marcada por un expresionismo en sus inicios, que irá desapareciendo hasta transformarse en una caligrafía mínima. Desde los años setenta realizó exposiciones individuales en destacadas galerías como Dau al Set en Barcelona, Quatre Gats en Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru en Sevilla o Buades en Madrid, y también participó en Arco (1984, 1988). También realizó exposiciones individuales en Nueva York, Ámsterdam, Graz (Austria) y Lisboa. Asimismo, en 2012 su obra se mostró en la exposición individual "El viatge vertical", celebrada en el MACBA de Barcelona. Actualmente está representado en dicho museo, la Fundació Vila Casas, la Colección La Caixa, el Museo de Bellas Artes de Álava, la Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, el Consejo Superior de Deportes y el Ministerio de Cultura de la misma ciudad y la Colección Caja Madrid. Recientemente Claramunt ha expuesto en la prestigiosa galería Marc Domenech de Barcelona, que dedicó su exposición "Luis Claramunt. Años 80" íntegramente a la obra del artista. La exposición, celebrada en mayo de 2016, contó con más de setenta obras que mostraron la predilección del artista por los espacios urbanos, representados a través de una paleta totalmente expresionista en la que predomina una paleta dinámica y vibrante. Presenta desgaste y suciedad en la superficie pictórica.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 65 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). Sin título. Acuarela y óleo sobre papel. Firmado y sellado. Medidas: 40 x 50 cm; 58 x 68 cm (marco). Nacido y formado en Madrid, fue uno de los miembros fundadores del grupo El Paso. En 1954 realizó su primera exposición individual, con obras no figurativas, en la galería Buchholz de Madrid. A partir de ese momento, Feito expuso regularmente en las ciudades más importantes del mundo, como París, Milán, Nueva York, Helsinki, Tokio y Roma. Nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en 1954, dos años más tarde abandonó la docencia y se marchó a París con una beca para estudiar los movimientos de vanguardia del momento. Durante este periodo se vio influido por el automatismo y la pintura matérica. En 1962 se convierte en miembro fundador del grupo El Paso, con el que había perdido el contacto durante sus años en París. Sus primeras obras se inscriben dentro de la pintura figurativa, para pasar después a una fase en la que experimenta con el cubismo, y finalmente entrar de lleno en la abstracción. Al principio sólo utilizaba colores negros, ocres y blancos, pero cuando descubrió el potencial de la luz, empezó a utilizar colores más vivos y planos más suaves. Evolucionó hasta utilizar el rojo como contrapunto en sus composiciones (desde 1962) y, en general, colores más intensos. En su etapa abstracta, que abarca la década de 1970, Feito muestra una clara tendencia a la simplificación, predominando en sus composiciones el círculo como forma geométrica. Posiblemente, la influencia del arte japonés se aprecia en su preferencia por las grandes bandas de negro. La mayoría de sus obras carecen de título, por lo que suelen reconocerse por el número que se les asigna. Entre sus galardones destaca su nombramiento como Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia en 1985. En 1998 recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes de Madrid, y fue nombrado Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 2000 recibió el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte en el Salón Estampa, en 2002 el Gran Premio AECA al mejor artista internacional en ARCO, en 2003 el premio al artista más relevante en la Feria de Arte de Osaka (Japón), en 2004 el Premio a la Cultura de las Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, en 2005 el Premio Francisco Tomás Prieto de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, y en 2008 el Premio Fundación Jorge Alió y el Gran Premio de Arte Español Contemporáneo CESMAI. Luis Feito está representado en los museos más importantes del mundo, entre los que destacan la Galería de Arte Moderno de Roma, el Guggenheim, el MoMA y el Chase Manhattan Bank de Nueva York, los Museos de Arte Moderno de Tokio, París, Río de Janeiro y Montreal, el Lissone de Italia, etc.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 66 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). "Guadarrama II". 2004. Monotipo sobre lienzo, copia E/U. Firmado y justificado a mano. Medidas: 140 x 100 cm. Nacido y educado en Madrid, fue uno de los miembros fundadores del grupo El Paso. En 1954 realiza su primera exposición individual, con obra de tendencia no figurativa, en la galería Buchholz de Madrid. A partir de este momento Feito expondrá regularmente en las ciudades más importantes del mundo, como París, Milán, Nueva York, Helsinki, Tokio o Roma. Nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en 1954, dos años más tarde abandona la docencia y se marcha becado a París para estudiar las vanguardias del momento. En este periodo recibió las influencias del automatismo y la pintura matérica. En 1962 se incorporó como miembro fundador al grupo El Paso, con el que había perdido el contacto durante sus años en París. Sus primeras obras se enmarcan dentro de la pintura figurativa, para pasar después a una fase en la que experimenta con el cubismo y, finalmente, adentrarse de lleno en la abstracción. Al principio sólo utilizaba colores negros, ocres y blancos, pero al descubrir el potencial de la luz empezó a emplear colores más vivos y planos suaves. Evolucionó hasta utilizar el rojo como contrapunto en sus composiciones (desde 1962) y, en general, colores más intensos. En su etapa abstracta, que abarca la década de 1970, Feito muestra una clara tendencia a la simplificación, predominando en sus composiciones el círculo como forma geométrica. Posiblemente, la influencia del arte japonés se aprecia en su preferencia por las grandes bandas negras. La mayoría de sus obras carecen de título, por lo que suelen reconocerse por la numeración que se les asigna. Entre sus galardones destaca su nombramiento como Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia en 1985. En 1998 recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes de Madrid, y fue nombrado Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes. de San Fernando. En 2000 recibió el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte en el salón Estampa, en 2002 el Gran Premio AECA al mejor artista internacional en ARCO, en 2003 el premio al artista más relevante en la Feria de Arte de Osaka (Japón), en 2004 el Premio a la Cultura de las Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, en 2005 el Premio Francisco Tomás Prieto de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, y en 2008 el Premio Fundación Jorge Alió y el Gran Premio de Arte Contemporáneo Español CESMAI. Luis Feito está representado en los más destacados museos de todo el mundo, entre los que destacan la Galería de Arte Moderno de Roma, el Guggenheim, el MoMA y el Chase Manhattan Bank de Nueva York, los Museos de Arte Moderno de Tokio, París, Río de Janeiro y Montreal, Lissone en Italia, etc.

Valorac. 1 700 - 1 800 EUR

Lote 67 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). Sin título, 1977. Tinta sobre papel. Firmado, fechado y dedicado "a mi amigo Martí". Medidas: 29,5 x 19 cm; 40 x 30 cm (marco). En este dibujo original de Dalí, fechado en 1977, reconocemos a San Jorge a caballo armando un arma porque Dalí reinventó la iconografía de este santo situándolo en paisajes ampurdaneses o en escenarios que remiten a desiertos místicos como el que inspira esta composición. En otras ocasiones, reinterpretó el tema de San Jorge y el dragón en lenguaje escultórico. A Dalí le interesaba representar la dualidad entre la vida y la muerte, entre lo fugaz y lo eterno, las fuerzas oscuras de la noche y las del día, el sueño y la razón. Por ello eligió figuras emblemáticas como San Jorge o Don Quijote, a los que también dedicó innumerables dibujos. Salvador Dalí fue uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista. Su obra influyó enormemente en el curso del surrealismo durante los años veinte y treinta, siendo aclamado como el creador del método paranoico-crítico, una combinación esencial de lo real con lo imaginario. Durante sus primeros años, Dalí descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramon Pichot, un artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí empieza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se aloja en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales en 1926, fue expulsado por alegar que allí no había nadie apto para examinarlo. Ese mismo año, Dalí viaja por primera vez a París. Allí conoce a Picasso, y establece algunas características formales que se convertirán en distintivas de toda su obra a partir de entonces. Durante este periodo, Dalí expone regularmente tanto en Barcelona como en París y se une al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. El pintor desembarca en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York, se consolidó definitivamente su proyección internacional, y desde entonces expone y da conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 68 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) "La comtesse DuBarry. 1977. Tinta sobre cartón. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Se adjunta certificado expedido por la Fundación Gala-Dalí. Medidas: 28 x 21 cm (papel); 35,5 x 27 cm. La casa de foie gras Comtesse du Barry pudo haber encargado este dibujo a Dalí para anunciar su producto. La legendaria marca de foie gras eligió el nombre en homenaje a la dama de la corte de Luis XV, última amante del rey, cuyo nombre se asocia a este alimento gourmet elaborado con hígado de pato, animal que acompaña a la dama en el dibujo de Dalí. Pintor y escultor, Salvador Dalí fue uno de los principales exponentes del movimiento surrealista. Su obra influyó enormemente en el curso del surrealismo durante los años veinte y treinta, siendo aclamado como el creador del método paranoico-crítico, una combinación esencial de lo real con lo imaginario. La mayor parte de su producción se encuentra reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Valorac. 4 500 - 6 000 EUR

Lote 69 - LUIS SEOANE LÓPEZ (Buenos Aires, 1910 - A Coruña, 1979). "Naturaleza muerta". 1969. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el margen inferior. Procedencia: Colección José María Moreno Galván. Medidas: 30 x 40 cm; 33 x 43 cm (marco). Escena de interior en la que el artista dispone un tema recurrente en la historia del arte como es el bodegón. Sin embargo, expone este género desde un punto de vista moderno en el que el artista juega con la yuxtaposición de formas elementales y una gama de colores saturados aplicados en planos diluidos e independientes de los objetos y del realismo. Dibujante, pintor, grabador y escritor, Luis Seoane se formó en A Coruña, donde trabajó como abogado y militó en el Partigo Galeguista, y en 1936 se instaló en Buenos Aires. En su juventud participó en la actividad política y cultural de los estudiantes coruñeses y, según el historiador y periodista Carlos Fernández Santander, Seoane podría ser el autor que, bajo el seudónimo de Hernán Quijano, escribió "Galicia Mártir. Episodios del terror blanco en las provincias gallegas", libro publicado en París y Argentina en 1938. En 1932 se licenció en Derecho y Ciencias Sociales en Santiago de Compostela, y durante estos años inició su carrera en diversos campos. Así, entre 1927 y 1933 militó en partidos republicanos y autonomistas de izquierda, ilustró libros y revistas y realizó sus primeras exposiciones. En 1934 regresa a A Coruña desde Santiago y comienza a trabajar como abogado, al tiempo que comparte tertulias con Huici, Cebreiro, Fernández Mazas, Del Valle, Julio J. Casal, Francisco Miguel y otros. Ese mismo año se afilia al Partido Galeguista. Dos años más tarde participó en la campaña por el Estatuto de Autonomía, pero al estallar la guerra se vio obligado a huir a la capital argentina. Una vez instalado en Buenos Aires, mantuvo contacto con otros compatriotas exiliados del franquismo, entre ellos el pintor Leopoldo Nóvoa y la activista María Miramontes. En 1937 publicó allí su primer libro, "Trece estampas de la traición". Tres años después fundó las colecciones "Hórreo" y "Dorna" en EMECÉ Editores, y en 1943 creó la revista "Correo Literario" y la Editorial Nova. Dos años más tarde, su "Homenaje a la Torre de Hércules" fue premiado en Nueva York. En 1948 funda la editorial Botella al Mar, y al año siguiente realiza un viaje a Europa y expone en Londres. Entre 1952 y 1962 expone en Nueva York, funda la revista "Galicia Emigrante" y la editorial Citania, y recibe premios como la medalla de la Exposición Universal de Bruselas, la medalla del Senado de la Nación Argentina (1958) o el Premio Palanza (1962). Paralelamente, trabajó para la galería Gordons de Buenos Aires, dirigida por Roberto Mackintosh, experto y conocedor de su obra. En las últimas décadas de su vida alternó su residencia en América con viajes a Galicia, y en 1977 se publicó la primera edición completa de su obra poética. Entre 1963 y 1979 realizó exposiciones en España, Alemania, Italia, Suiza, Brasil y otros países. En 1994 se le dedicó el Día de las Letras Gallegas, y en 2003 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, en Santiago de Compostela, le dedicó una importante exposición retrospectiva, que posteriormente fue llevada al Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Actualmente está representado en la Colección Caixanova, entre otras muchas.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 70 - TAKASHI MURAKAMI (Tokio, 1962). "Coleccionables Kaikai y Kiki", 2018. Vinilo. Edición limitada de 80 copias. De Takashi Murakami para la tez. En sus cajas originales. Medidas: 22 x 15 x 9 cm (Kaikai); 19 x 14 x 9 x 9 cm (Kiki); 28 x 19 x 13 cm (caja x2). Kaikai y Kiki son dos de los grandes iconos del famoso artista japonés Takashi Murakami. Representan a dos guardianes espirituales, que tomaron forma a partir del año 2000. Suelen aparecer en su forma escultórica, como aquí, pero también han protagonizado películas de animación. Kaikai, sonriente y simpática, es blanca con orejas de conejo y muestra un evidente buen humor, mientras que su contrapartida malévola, Kiki, tiene el cuerpo rosa, orejas pequeñas, tres ojos y una sonrisa traviesa que se acentúa con sus colmillos de vampiro. Tiene su nombre Kaikai Kiki escrito en sus orejas en caracteres japoneses, que puede traducirse como "sobrenatural, raro". Hace referencia a una frase japonesa que apareció en el siglo XVI para describir las obras del pintor Kano Eitoku, creador del estilo Kano, cuya estética era una mezcla de rareza y refinamiento, de lo grotesco y lo delicado. Murakami también fundó KaiKai y Kiki Co. en 2001, que retomó el trabajo de la fábrica Hiropon, fundada en 1996. Sus objetivos como empresa se basan en el apoyo a la producción y promoción de obras de arte, la gestión y el apoyo a jóvenes artistas y la difusión de su trabajo. El uso de "héroes" o personajes del cómic o la cultura urbana como protagonistas de su arte son herederos del pop-art. Sin embargo, Murakami ofrece una nueva perspectiva de lo que se conoce como pop. Aporta una visión radicalmente nueva al jugar con elementos de la cultura oriental. Ha conseguido introducir su propia idiosincrasia en el mercado occidental incorporando pequeños elementos dinámicos y reconocibles que pueden ser asimilados por ambas culturas aparentemente tan diferentes. Murakami es uno de los artistas más influyentes de la generación japonesa de posguerra. Takashi Murakami se formó en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, donde obtuvo el título de Nihonga (pintura tradicional japonesa). En 1990 se introdujo en el arte contemporáneo de la mano de su compañero y amigo Masato Nakamura, y en 1993 creó su alter ego Mr. DOB. Comenzó entonces a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional japonés, las corrientes contemporáneas de su país (anime, manga...) y la cultura estadounidense, principalmente la corriente pop. En su obra, Murakami transmite una visión crítica de la sociedad japonesa actual, el legado de la tradición cultural del país, su evolución tras la II Guerra Mundial y su relación con el mundo occidental, especialmente con Estados Unidos. En sus escritos acuñó el término "Superflat" para definir su personal estilo artístico, un término que se ajusta a una obra caracterizada por la bidimensionalidad y que además critica la propia estructura del arte, difuminando los límites entre la alta y la baja cultura. De hecho, su producción abarca múltiples formas artísticas, desde la pintura y la escultura hasta el diseño industrial, el anime, la moda y otros medios de la cultura popular y objetos de merchandising. Su trilogía de exposiciones "Superflat" (2000, 2002 y 2005) se ha mostrado en importantes centros de arte de todo el mundo, como la Parco Gallery de Tokio, el MOCA de Los Ángeles, la Fondation Cartier de París o la Serpentine Gallery de Londres. Además, entre 2008 y 2009 se celebraron exposiciones retrospectivas en el MOCA, el Brooklyn Museum de Nueva York y el Museum für Moderne Kunst de Fráncfort.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 71 - JAVIER TERCERO (Valdepeñas, Ciudad Real, 1970). Sin título. Serie Universos Cíclicos V, 2022. Acrílico y aerosol sobre lienzo. Adjunto catálogo del autor. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 181 x 120 cm. Javier Tercero, Valdepeñas estudió Diseño Técnico y Artes Plásticas, especialidad "Fotografía Artística", en la EASDAL de Tomelloso (C. Real). Ha realizado exposiciones individuales en: Centro Cultural "Cecilio Muñoz Fillol", Museo Municipal y Centro de Exposiciones La Confianza de Valdepeñas; Sala de Exposiciones-Primavera-Casa del Reloj, Madrid; Centro de las Artes, Alcorcón (Madrid); IES Ramón Giraldo de Villanueva de los Infantes y EASDAL Antonio López, Tomelloso. También ha participado en otras obras colectivas, de las que destacamos: IX Certamen Nacional Gregorio Prieto, Valdepeñas y Museo de la ciudad de Madrid; X Certamen de Artes Plásticas Ángel Andrade de Ciudad Real; LXII Exposición Nacional de Artes Plásticas de Valdepeñas; VI Certamen Arte y Energía Unión Fenosa; IX Certamen Nacional Vela Zanetti (Burgos); Galería Paloma Sanz (Madrid); Certamen Internacional de Fotografía PHOCO; Premio de Pintura Jesús Bárcenas Museo Municipal de Valdepeñas y López Villaseñor de Ciudad Real. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones de gran relevancia artística entre las que destacan la colección de la Junta de Comunidades de Castilla la Mancha, la Colección del Instituto Fernando Zóbel. Cuenca, la Diputación Provincial de Ciudad Real, el Ayuntamiento de Manzanares, la Colección de Arte Contemporáneo de UNION FENOSA. Museo de Pintura Hispanoamericana de Palacio de Losada y el Ayuntamiento de Torrelavega, Cantabria. Entre otras muchas colecciones. Se adjunta el catálogo del autor.

Valorac. 4 000 - 4 500 EUR

Lote 72 - JAVIER TERCERO (Valdepeñas, Ciudad Real, 1970). Sin título. Serie Universos Cíclicos V, 2022. Acrílico y aerosol sobre lienzo. Adjunto catálogo del autor. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 181 x 120 cm. Javier Tercero, Valdepeñas estudió Diseño Técnico y Artes Plásticas, especialidad "Fotografía Artística", en la EASDAL de Tomelloso (C. Real). Ha realizado exposiciones individuales en: Centro Cultural "Cecilio Muñoz Fillol", Museo Municipal y Centro de Exposiciones La Confianza de Valdepeñas; Sala de Exposiciones-Primavera-Casa del Reloj, Madrid; Centro de las Artes, Alcorcón (Madrid); IES Ramón Giraldo de Villanueva de los Infantes y EASDAL Antonio López, Tomelloso. También ha participado en otras obras colectivas, de las que destacamos: IX Certamen Nacional Gregorio Prieto, Valdepeñas y Museo de la ciudad de Madrid; X Certamen de Artes Plásticas Ángel Andrade de Ciudad Real; LXII Exposición Nacional de Artes Plásticas de Valdepeñas; VI Certamen Arte y Energía Unión Fenosa; IX Certamen Nacional Vela Zanetti (Burgos); Galería Paloma Sanz (Madrid); Certamen Internacional de Fotografía PHOCO; Premio de Pintura Jesús Bárcenas Museo Municipal de Valdepeñas y López Villaseñor de Ciudad Real. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones de gran relevancia artística entre las que destacan la colección de la Junta de Comunidades de Castilla la Mancha, la Colección del Instituto Fernando Zóbel. Cuenca, la Diputación Provincial de Ciudad Real, el Ayuntamiento de Manzanares, la Colección de Arte Contemporáneo de UNION FENOSA. Museo de Pintura Hispanoamericana de Palacio de Losada y el Ayuntamiento de Torrelavega, Cantabria. Entre otras muchas colecciones. Se adjunta catálogo del autor.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 73 - SILVIA GOYTÍA (Buenos Aires, Argentina, 1958). "La estructura desconocida", 2014. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 100 x 100 cm. En palabras de la propia artista, su pintura "toma como base las consignas del constructivismo, al principio "americanista" y más tarde más inclinado a la geometría". Aunque en un principio decidió estudiar Derecho, realizó un posgrado en Escultura en la Escuela Nacional de Buenos Aires Prilidiano Pueyrredón y se formó como profesora de Bellas Artes en la misma escuela. Amplió su formación artística en los talleres de reconocidos artistas como; rnesto Pesce, Adolfo Nigro, Alberto Delmonte, Jorge Gamarra y Julián Agosta. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales a nivel internacional como; Galería de Arte Settemari. Punta del Este, Uruguay, la Galería Forma Art, el British Art Council, la Galería Cremolatta de Miami, la Feria de Arte de San Diego (EEUU), la Sala Dalmau de Barcelona y el Museo de Arte Americano de Uruguay entre otras. Además, a lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios como el Primer Premio de la Biblioteca Nacional, Primer Premio - Salón SAAP - Museo de Arte Moderno y Primer Premio en Escultura - Salón de Artistas Plásticos de San Isidro entre muchos otros.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 74 - SILVIA GOYTÍA (Buenos Aires, Argentina, 1958). "Estructura mineral", 2014. Óleo sobre lienzo. Firmado en la zona inferior central. Fechado y titulado al dorso. Medidas: 100 x 120 cm. En palabras de la propia artista, su pintura "toma como base las consignas del constructivismo, primero "americanista" y más tarde más inclinado a la geometría". En esta obra la autora utiliza un lenguaje abstracto, basado en la geometría irregular, con un carácter orgánico tanto en su trazado como en los colores. Se trata de un estilo abierto, cuya característica fundamental es la concepción de la superficie pictórica como un todo, como un campo abierto, sin límites y sin jerarquías. Así, como vemos aquí, las formas pictóricas son el resultado de una meditada composición y experimentación, con una imagen de carácter gestual, no se limitan a una composición sino que van más allá, indicando al espectador que se trata de formas, ideas o sugerencias que traspasan los límites de lo puramente pictórico. Aunque inicialmente decidió estudiar Derecho, realizó un curso de posgrado en escultura en la Escuela Nacional de Buenos Aires Prilidiano Pueyrredón y se formó como profesor de Bellas Artes en la misma escuela. Amplió su formación artística en los talleres de reconocidos artistas como; rnesto Pesce, Adolfo Nigro, Alberto Delmonte, Jorge Gamarra y Julián Agosta. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales a nivel internacional como; Galería de Arte Settemari. Punta del Este, Uruguay, la Galería Forma Art, el British Art Council, la Galería Cremolatta de Miami, la Feria de Arte de San Diego (EEUU), la Sala Dalmau de Barcelona y el Museo de Arte Americano de Uruguay entre otras. Además, a lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios como el Primer Premio de la Biblioteca Nacional, Primer Premio - Salón SAAP - Museo de Arte Moderno y Primer Premio en Escultura - Salón de Artistas Plásticos de San Isidro entre muchos otros.

Valorac. 4 500 - 5 500 EUR

Lote 75 - EUGENIO MERINO, (Madrid, 1975). "Bola muerta", 2011. Bronce patinado. Medidas: 27 x 19 x 27 cm. Vemos aquí un cráneo hiperdesarrollado, que adopta la forma de un balón de fútbol. Inspirado, con su habitual sarcasmo, en el alargamiento craneal que se practicaba entre las clases oligárquicas de las culturas más antiguas (como puede verse en los fósiles de Paracas), Eugenio Merino desliza aquí un comentario sarcástico sobre el reformateo mental en que se ha convertido el fútbol, un gran negocio de tecnócratas y millonarios. Eugenio Merino es, sobre todo, conocido por la polémica que crea con sus obras: desde el "Jaffar suicida" de la exposición "Mondolirondo" en 2006, a la instalación "Starway to heaven", pasando por "Always Franco" (presentada en ARCO) o "For the Love of Go(l)d". Comenzó trabajando en pintura, con obras de menor contenido que las actuales (según sus propias palabras, el giro en su carrera se debió al aburrimiento de los mismos procesos y a no sentir nada como espectador de sus propias obras). Mostrando su obra política, propia de un creador que, condicionado por su tiempo, traslada su ideología social a sus manos y de ahí a la obra escultórica que salpica al espectador (como debe ser). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha expuesto individualmente en Unix Gallery (Houston, EEUU), Unix Fine Arts (Nueva York, EEUU), ADN Galería (Barcelona, España), Jerome Zodo Gallery (Milán, Italia) y Louis 21 (Madrid, España), entre otros espacios. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y ha participado en diversas ferias de arte, como Volta NY, Volta Basel, ARCO (Madrid). Art Brussels, FIAC (París), Armory Show, Arte Fiera (Bolonia), Art BO (Bogotá), MACO (México), Art Wynwood (Miami) y ha expuesto en el Museo MOCA de Taipei y en el BPS22 de Charleroi (Bélgica).

Valorac. 5 500 - 6 500 EUR

Lote 76 - ARNO BREKER (Elberfeld, Alemania, 1900-Düsseldorf, Alemania, 1991) & SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904-1989). "Dalí-Morfosis", 1974-1975. Bronce patinado y dorado. Base de mármol. Firmado por Arno Breker. Exposiciones: - "Homenaje a Salvador Dalí", Schloss Nörvenich, Alemania, inaugurada por Felipe VI, a la sazón príncipe, 1991. - Centenario del nacimiento de Salvador Dalí", 2004, bajo el patrocinio de SM Juan Carlos I y la Reina Sofía de España. Medidas: 28 x 15,5 x 15 cm (sin base); 36 cm (altura con base). Corría el año 1974 cuando Salvador Dalí invitó a Arno Breker, escultor alemán por el que sentía gran admiración, a la inauguración del Museo Dalí en Figueras, España. Allí el alemán expuso un busto de mármol de Jean Cocteau que el propio Dalí le había encargado, narrando la experiencia como "Después de su discurso, él mismo condujo a los invitados por el museo. Cuando llegamos a la sala donde estaba el busto, preguntó: "¿Dónde está Breker?". Me buscaron y me acerqué a él. La conversación de Dalí giró hacia mí. Delante del público me abrazó fuertemente y me dio las gracias por haber presentado el busto de Cocteau al museo. De un momento a otro me quitaron el busto. Pero Dalí lo hizo con tanto encanto que no pude negarme". (extracto del libro Schriften de Arno Breker). Al año siguiente, y tras la sintonía entre ambos artistas durante el encuentro, iniciaron una colaboración que culminó con la realización de 10 esculturas únicas e irrepetibles. Para ello, Breker realizó excepcionales retratos del artista de Figueras, que posteriormente fueron intervenidos por el propio Dalí, dándoles su inconfundible toque surrealista. Pintor y escultor, Salvador Dalí fue uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista. Su obra influyó enormemente en el curso del surrealismo durante los años veinte y treinta, siendo aclamado como el creador del método paranoico-crítico, una combinación esencial de lo real con lo imaginario. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres. Arno Breker ingresó en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf en 1920, y en 1927 se trasladó a París, donde se familiarizó con las obras de Rodin y Charles Despiau. En 1931 viajó a Roma. Durante un viaje a Florencia vio el David de Miguel Ángel, que significó para él "como una llamada cósmica, como una orden, puro ocultismo" para dedicarse a una escultura realista y armoniosa. En 1936, con motivo de los Juegos Olímpicos de Berlín, recibió el encargo de tres estatuas para el estadio. En 1938, recibió el encargo de dos estatuas monumentales para la entrada de la Nueva Cancillería, que marcarían el destino de su obra. Una semana más tarde, cuando presentó el proyecto de El portador de la antorcha y El portador de la espada, Adolf Hitler quedó prendado de los diseños, lo que marcó el inicio del periodo más fructífero de la carrera de Breker, que se convirtió en el escultor oficial del régimen. Hasta 1945, esculpió para plazas y avenidas de la capital del Tercer Reich. Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial, ni una cuarta parte de sus obras se salvó de los bombardeos enemigos y del vandalismo de las tropas invasoras. Tras la Segunda Guerra Mundial, Breker siguió dedicándose tanto a la arquitectura como a la escultura, como demuestran el edificio construido en Colonia para una compañía de seguros en 1955, o la estatua ecuestre de Mohammed V, rey de Marruecos. Algunos rostros conocidos retratados por este escultor son Salvador Dalí, Ezra Pound, la atleta Ulrike Meyfarth y el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza.

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 77 - JAMES RIELLY (Gales, 1956). "Con o sin dios de nuestra parte", 2017. Acrílico sobre lienzo. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 125 x 104,5 cm. James Rielly nació en Gales en 1956. Actualmente vive y trabaja entre París y el sur de Francia. Las características obras del pintor británico James Rielly se centran en los clichés, ideologías y metáforas de los niños. Mediante la creación de retratos subversivos y a veces surrealistas de jóvenes escolares de ojos brillantes, Rielly aborda nociones de tensión social y tradición pictórica. Sus series más conocidas son Casual Influences (2000) y Sensible Ways (96-97), que consisten en retratos a gran escala inspirados en historias e imágenes tomadas de artículos de periódicos locales. Mediante el acto de resaltar ciertas características y roles en los niños, las piezas de Rielly ponen de relieve la naturaleza disfuncional de los adultos. Desde 1983, Rielly ha expuesto sus cuadros en numerosas exposiciones individuales, como las del Museo de Bellas Artes de Nantes (Francia), Spencer Brownstone Gallery (Nueva York), Fond Regional d'Art Contemporain Auvergne (Clermont-Ferrand), Centro de Arte de Salamanca (CASA) (Salamanca, España), Centre d'Art Neuchâtel (Suiza) y Scott White Contemporary Art (La Jolla, California), entre muchas otras. En 1995 obtuvo una beca MOMART en la Tate Gallery y en 1997 fue preseleccionado para el Jerwood Prize. Desde 2006 es profesor de pintura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París (Francia).

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 78 - FRANCIS BACON (Dublín, 1909 - Madrid, 1992). Panel derecho del "Tríptico 1974-1977". 1981. Aguafuerte y grabado al aguatinta sobre papel Guarro, copia A.P 11/15. Editor Polígrafa, Barcelona. Firmado y justificado a lápiz. Medidas: 39 x 29,5 cm (huella); 65 x 50 cm (papel); 68,5 x 53,5 cm (marco). Grabado de Francis Bacon basado en el panel derecho del tríptico que realizó tras la muerte de su amante George Dyer, que se suicidó en un hotel parisino en 1971. En 2008, el tríptico estuvo a punto de batir el récord del artista cuando se vendió en Londres por 26,3 millones de libras. Se trata de uno de los llamados "Trípticos negros", ejecutados por Bacon tras el suicidio de Dyer. El paraguas negro como símbolo ominoso ya estaba presente en obras anteriores del artista, pero en este tríptico las referencias literarias o artísticas se diluyen, haciendo más compleja la lectura. Es una obra subyugante. Pintor angloirlandés nacido en Dublín en el seno de una familia británica, Francis Bacon fue un artista clave en el desarrollo del arte del siglo XX por su imaginería cruda, impactante y cargada de plasticidad. Pasó su infancia entre Irlanda e Inglaterra, y en su pubertad su padre le excluyó de su familia por sus tendencias homosexuales. En 1925 fue enviado a Berlín con un amigo de la familia, al que acabó seduciendo. Entre 1927 y 1928 vivió entre Berlín y París, y fue durante estos años cuando descubrió "La masacre de los inocentes" de Poussin, obra que despertó en él el interés por el grito y la boca. Durante estos años decidió convertirse en pintor, tras visitar una exposición que incluía varias obras de Picasso. Regresó a Londres y comenzó su formación artística con el australiano Roy de Maistre, estudios que completó de forma autodidacta. Sin embargo, no fue hasta mediados de la década de 1940 (hacia 1944) cuando su tríptico "Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión" marcó el punto de partida de su carrera artística. Esta obra, considerada una de las más originales e inquietantes del arte del siglo XX, marcó el inicio de la madurez artística de Bacon, cuya obra se centrará a partir de entonces en el tema de la vida en la muerte y la muerte en la vida, reflejo de su propio carácter autodestructivo. También a partir de entonces su obra se caracterizará por figuras humanas expuestas y vulnerables, expresión de "soledad, violencia y degradación", según sus propias palabras. El reconocimiento de su obra de madurez fue casi inmediato, y en 1949 el MoMA de Nueva York adquirió una de sus obras. Ya plenamente consolidado en la escena artística internacional, en 1955 se celebró su primera exposición retrospectiva en el Institute of Contemporary Arts de Londres. En 1959 expuso en solitario en el marco de la Bienal de São Paulo, y en 1962 se le dedicó de nuevo una retrospectiva, esta vez en la Tate Gallery de Londres. En los años siguientes, Bacon celebró importantes exposiciones de su obra en el Museo Guggenheim de Nueva York (1963), el Grand Palais de París (1971) y el Metropolitan de Nueva York (1975), así como retrospectivas en el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C., el Los Angeles County Museum of Art, el MoMA de Nueva York y el Musée National d'Art Moderne de París. Más recientemente, la gran retrospectiva de la obra de Bacon en la Tate Britain en 2008 fue la mayor hasta la fecha. Actualmente, Bacon está representado en los principales museos del mundo, como el MoMA y el Guggenheim de Nueva York, el Art Institute de Chicago, el MUMOK y la Albertina de Viena, el Reina Sofía y el Thyssen-Bornemisza de Madrid, el SMAK de Gante y la Tate Gallery de Londres.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 79 - WILFREDO LAM (Sagua La Grande, Cuba, 1902 - París, 1982). Sin título, 1966. Tinta sobre papel. Se adjunta certificado expedido por la Fundación Wilfredo Lam. Firmado en el ángulo superior izquierdo. Fechado y localizado (París), en la zona inferior derecha. Medidas: 29,5 x 40 cm; 48 x 59 cm (marco). En esta obra se puede apreciar el lenguaje artístico desarrollado por Wilfredo Lam, traducido en una serie de personajes y elementos estéticos, que se convirtieron en su propia iconografía. Durante la década de los cuarenta Lam inició una actividad artística basada en las raíces de un pueblo que, en opinión del pintor, debía recuperar su dignidad. De este modo, las referencias autóctonas se fundieron con el lenguaje formal aprendido en Europa para producir obras en las que ya aparecían los personajes del panteón yoruba que poblarían gran parte de su producción posterior. Wifredo Lam se formó en La Habana, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes. Debutó individualmente a principios de la década de 1920, con una exposición en el Salón de la Asociación de Pintores y Escultores de la capital cubana. En 1923 se trasladó a Madrid, becado por el Ayuntamiento de Sagua La Grande, donde continuó su formación en el taller de Fernando Álvarez de Sotomayor, director del Museo del Prado y reconocido por haber sido maestro de Salvador Dalí. Al mismo tiempo, asistió a la Academia Libre del Pasaje de la Alhambra y visitó el Prado, donde sus preferencias se inclinaron hacia las obras de El Bosco, Brueghel y Goya. Poco a poco, su pintura fue asumiendo un lenguaje moderno que combinaba una estructura geométrica con cierta vena surrealista. En 1938 viajó a París, con una carta de recomendación para Picasso escrita por Manolo Hugué. Lam, que había tenido la oportunidad de asistir a la exposición de Picasso celebrada en Madrid en 1936, definió esta experiencia como "un shock". En 1939 realizó su primera exposición personal en París, con Pierre Loeb. Durante la Segunda Guerra Mundial, Lam permaneció en el Caribe, en contacto con representantes de la vanguardia como Masson y Breton, quien, fascinado por la obra pictórica del cubano, le pidió que ilustrara su poema "Fata Morgana" (1940). De regreso a Cuba, Lam inició una actividad artística basada en las raíces de un pueblo que, en opinión del pintor, debía recuperar su dignidad. Así, las referencias autóctonas se fundieron con el lenguaje formal aprendido en Europa para dar lugar a obras en las que ya aparecían los personajes del panteón yoruba que poblarían gran parte de su producción posterior. En la segunda mitad de los años cuarenta, Lam alternó su residencia entre Cuba, Nueva York y París, donde se instaló en 1952. Su prestigio internacional creció progresivamente, y realizó exposiciones periódicas en galerías como la Pierre Matisse Gallery de Nueva York. Viajó intensamente durante los años siguientes y, en 1960, se instaló en Albisola Mare, en la costa italiana. En 1961 recibió el Premio Internacional Guggenheim, y entre 1966 y 1967 se celebraron múltiples retrospectivas de su obra en la Kunsthalle de Basilea, la Kestner-Gessellschaft de Hannover, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Museo de Arte Moderno de Estocolmo y el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. Wifredo Lam está representado en el Guggenheim y el MoMA de Nueva York, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, la Tate Gallery de Londres y el Museo Thyssen-Bornemisza, entre otros. Se adjunta certificado expedido por la Fundación Wilfredo Lam.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 80 - TINA BERNING (Alemania, 1969) y MICHELANGELO DI BATTISTA (Italia). "Valerie" 2016. Acrílico y carboncillo sobre impresión Ditone. Pieza única. Firmada, fechada y titulada al dorso. Medidas: 81 x 160 cm; 89 x 169,5 cm (marco). Tina Berning es una artista e ilustradora afincada en Berlín. Tras trabajar varios años como diseñadora gráfica, Tina Berning se centró en el dibujo y la ilustración en 2000. Desde entonces, sus galardonadas ilustraciones se publican en todo el mundo y aparecen en muchas antologías de renombre. Las ilustraciones de Tina Berning han aparecido en publicaciones como The New York Times, Playboy (EE.UU. y Alemania), Vogue (Italia, Nippon, Alemania), Die Zeit, Süddeutsche Zeitung y Architectural Digest. Su temprana pasión por la ilustración editorial la llevó a una intensa contemplación de la figura humana. Reflejar el papel femenino en los medios de comunicación es uno de los temas centrales de su obra artística. Su trabajo como artista plástica se muestra regularmente en exposiciones individuales en Estados Unidos, Alemania, Japón, Países Bajos y Canadá. El italiano Michelangelo Di Battista completó su educación artística formal en Milán, tras lo cual decidió ir a Nueva York y se matriculó en la prestigiosa School of Visual Arts, donde se formó en fotografía e imagen. Parecía la elección natural para él, que cita a su madre, pintora, como una gran influencia que, junto con su padre, arquitecto, le animó e inspiró a seguir una carrera en el mundo de la moda y el arte. Hace 20 años que empezó su carrera en el mundo de la moda, Michelangelo Di Battista vive en Londres y viaja por todo el mundo para sus numerosos encargos de moda y publicidad. La dedicación y pasión de Michelangelo Di Battista por su oficio ha atraído a algunos de los nombres más prestigiosos de la industria de la moda y la belleza, como Versace, Etro, Blumarine, Moschino, Guerlain, Shiseido, Maybelline, Clarins, L'Oreal, Prescriptives, Aveda, Givenchy, Nina Ricci, Lacoste, Tod's y Hugo Boss, por nombrar sólo algunos. Ha colaborado con algunas de las publicaciones más importantes del mundo, como Vogue Italia, Vogue Alemania, Vogue Japón, Vogue China y Harpers Bazaar. A actrices e intérpretes de Hollywood como Natalie Portman, Gwyneth Paltrow, Julianne Moore, Jennifer Aniston, Scarlet Johansson, Hilary Swank, Cameron Diaz, Jennifer Lopez, Kristen Stewart, Beyonce, Rhianna y Gwen Stefani les encanta ser fotografiadas por Michelangelo Di Battista, ya que consigue que las mujeres parezcan seductoras y misteriosas y capta un momento de tranquilidad en cada una de ellas, haciéndolas lucir radiantes. Michelangelo Di Battista realizó una importante exposición individual en la mundialmente conocida Camera Work Gallery de Berlín en 2010, en colaboración con la artista Tina Berning. Los retratos de mujeres de Michelangelo Di Battista (entre ellas las supermodelos Claudia Schiffer, Amber Valetta y Julia Stegner), junto con las aplicaciones de Tina Berning, desdibujaron los límites entre la fotografía de moda, el dibujo y la pintura.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 81 - SANDÚ DARIE (Roman, Rumanía, 1908 - La Habana, Cuba, 1991). Sin título, ca. 1960. Acrílico sobre madera, con relieve. Firmado en la parte inferior. Se adjunta certificado expedido por Pedro de Oraá. Medidas: 45,5 x 76 cm. Las obras vanguardistas de Sandú Darie son inclasificables, ya que oscilan entre la pintura y la escultura, al tiempo que tratan de eliminar los límites entre arte y artesanía. Esto queda patente en esta atractiva pieza en la que el rojo y el negro sobre blanco adquieren relieve, sugiriendo un lenguaje pictográfico imaginario. A pesar de la influencia de Mondrian (véase la obra Broadway Boogie-Woogie de 1949), las piezas de Darie complejizan la integración de los planos, imprimiéndoles un ritmo peculiar, más allá del minimalismo formal que proponía Mondrian. Artista multidisciplinar, trabajó en diferentes campos del ámbito artístico, entre los que destacan la escultura, la pintura, el dibujo, la cerámica, el diseño escenográfico y el diseño de vestuario teatral. Comenzó su formación académica en París en 1926 en la carrera universitaria de Derecho. Sin embargo, su interés por el arte y el ambiente artístico de Paros introdujeron a Saurdu Darie en el mundo del arte de forma autodidacta. Durante este periodo, el artista compaginó su formación en Francia con su participación en revistas y periódicos progresistas de Rumanía y Francia, en los que realizaba dibujos humorísticos, y en 1940 se alistó como voluntario en el ejército francés, llegando un año más tarde a Cuba. En la isla comenzó a realizar dibujos humorísticos, que alcanzaron una gran reputación, convirtiéndole en un artista de referencia desde 1942. A partir de 1949, año de su primera exposición en Nueva York, comienza su relación artística con Gyula Kosice, fundador del grupo "Arte Madí", participando así en las exposiciones de este grupo y en la publicación de artículos en la revista del grupo. Entre 1958 y 1961 formó parte del reconocido grupo de artistas "Diez Pintores Concretos", y en 1964 realizó, junto a Enrique Pineda Barnet, el documental "Cosmorama. Poema Espacial nº 1", un estudio experimental de formas y estructuras en movimiento, durante los años 70 su producción siguió una línea de proyectos para entornos arquitectónicos urbanos utilizando el arte cinético como lenguaje. En 1982 fue jurado del Salón Paisaje'82, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana y en 1988 jurado del III Salón de Premiados, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba.Sandú Daire Laver, es una de las figuras más destacadas del arte cubano. Es uno de los principales precursores de la Abstracción tanto en su vertiente lírica como geométrica. Siendo un ejemplo de su experiencia sobre la abstracción geométrica esta obra plástica, que por sus características formales y estructurales pudo ser ejecutada durante la década de los 50. Además de ser uno de los máximos representantes del arte cinético. Entre sus numerosos reconocimientos cabe destacar la Mención Honorífica del VIIII Salón de Pintura y Escultura del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana en 1956 y su nombramiento como Miembro Honorario de la Real Academia de Bellas Artes de La Haya (Holanda) en 1975, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, y numerosas colecciones privadas de todo el mundo, así como instituciones como la Casa de las Américas de La Hanana (Cuba) y el MoMA de Nueva York, entre otras. Se adjunta certificado expedido por Pedro de Oraá.

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 82 - DALILA GONÇALVES (Castelo de Paiva, Portugal, 1982). "Memoria arrodillada", 2012. Cerámica, azulejo y hormigón. Pieza única. Obra expuesta en:-Galería Kubic, "Dalila Gonçalves. Procedere é Processo", Oporto 2012". Medidas: 30 x 50 x 100 cm. "Memoria Amasada" es una de las propuestas más representativas de la artista portuguesa Dalila Gonçalves. En esta pieza reflexiona sobre la convivencia entre la artesanía tradicional y el arte contemporáneo mediante piedras de cemento a las que ajusta piezas de cerámica pintadas a la manera tradicional portuguesa. Se presentó como instalación en la plaza de Blackenberge (Bélgica) durante la Trienal de Beaufort de 2012. "Memoria Amasada" ha viajado por diferentes ciudades del mundo, estableciendo diálogos interculturales. A partir del juego experimental, la permeabilidad de los materiales y los procesos de la práctica artística, Dalila profundiza en la relación entre memoria y olvido. Dalila Gonçalves vive y trabaja en Oporto. Es licenciada en Bellas Artes-Pintura (2005). Máster en Enseñanza de Artes Visuales (2009) por la FBAUP y la FPCEUP (Universidad de Oporto 2009). En 2008 fue seleccionada para la 2ª edición del Curso de Fotografía del Programa Gulbenkian de Creatividad y Creación Artística. Entre 2010 y 2011 trabajó en Barcelona en el atelier del artista Ignasi Aballí como becaria del programa Inov-art. Ha sido artista residente en el Programa KulturKontakt, Viena, Austria (2017); Residencia Inclusartiz, Río de Janeiro (2014); Residencia Pivô- Arte e Pesquisa, São Paulo (2018); Fundación Marso, México DF 2020, entre otros. Expone regularmente en Instituciones y galerías de diferentes países de Europa y Sudamérica. Países donde está representada en colecciones públicas y privadas. Ha presentado su obra, entre otras ferias, en Arco Madrid (soloproject); Zona MACO, México (soloproject); ArcoLisboa; ArteRio y SPArte (soloproject) Brasil; ArtBO, Colombia; ArtLima-Perú; Vienna Artfair, Austria; Artissima, Italia o Untitled Miami (USA). En palabras de la artista, "En mi trabajo hay un proceso de disección, de descubrimiento de objetos, materiales, materias en todas sus capas hasta que consigo verlos desde dentro. Hablo de un despeje a veces de su plasticidad, a veces de su historia, a veces de su función, a veces de todo simultáneamente. A menudo lo hago a través de un proceso de reorganización poética de los procesos de recogida, sistematización e inventariado de materiales cotidianos y materiales alterados por procesos industriales, naturales, cronológicos y atmosféricos: subrayo sus singularidades, lo que los caracteriza y los hace únicos. A veces los congelo aislados en un estado concreto del proceso de análisis; otras, en una especie de juego experimental, poniéndolos en diálogo con otros objetos, creo narrativas que pueden ser documentales o ficticias".

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 83 - "SIXEART" (Badalona, Barcelona, 1975). "Estudios de un perro en paro", 2010. Técnica mixta sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior izquierda. Medidas: 100 x 73 cm; 104 x 77 cm (marco). Sixeart o Sixe Art, Sergio Hidalgo Paredes, es un artista multidisciplinar autodidacta. Comenzó su carrera artística en los años ochenta, pintando graffiti en las calles de Barcelona. Una década más tarde, a mediados de los noventa, comenzó a experimentar con la escultura y la pintura, hasta que en 1998 vio la necesidad de abrir su propio estudio, lo que le ha permitido definirse como artista visual. Sixeart expresa con su obra un universo propio a través de diversas disciplinas; desde sus inicios, su lenguaje artístico ha evolucionado hasta convertirse en lo que es hoy: un universo abstracto de color dotado de formas y simbologías, que respira sencillez y complejidad al mismo tiempo. Su obra pictórica es una mezcla equilibrada de figuración y abstracción, extremadamente rica en sensibilidad. Sixeart parte de sus vivencias en el paisaje urbano como principal estímulo creativo; sus días en su ciudad, Barcelona, la melancolía de la ciudad, sus inquietudes por la evolución y sus consecuencias, la manipulación genética, un romanticismo por el mundo que queda atrás, las imágenes que se pierden en el tiempo... todo ello configura su personal universo plástico. Este artista pertenece a El Equipo Plástico, junto a Nuria Mora, Nano4814 y Eltono, y desde el año 2000 ha realizado exposiciones en España, Alemania, Francia, Italia, Estados Unidos, Bélgica, Dinamarca, Inglaterra, Brasil, Perú y México. Entre sus últimas exposiciones destacan "New World - Intercontinental Transmutation" (Galería A.L.I.C.E., Bruselas, 2010), "From Chillida to Sixeart" (Galería Mayoral, Barcelona, 2009), "Warriors" (Galería N2, Barcelona, 2009). Además, en 2008 expuso con Blu, Faile, JR, Nunca y Os Gémeos en la Tate Modern de Londres, en la exposición "Street Art".

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 84 - JUAN CORTÉS AMAYA (Santa Coloma, Barcelona 2009). "Ensueño", 2020. Acrílico sobre lienzo, Se adjunta certificado expedido por el artista. Firmado en la parte inferior central. Titulado y fechado al dorso. Medidas: 100 x 100 cm; 106 x 106 cm (marco). A su corta edad ya ha expuesto en ferias internacionales, galerías y museos, así como en Mónaco, Italia, Melilla, Madrid, Badalona y Barcelona, esta última en Casa Seat. Sus obras se encuentran ya en colecciones privadas de famosos como el futbolista Samu Catillejo, el cantante Diego el Cigala, el actor Moreno Borja, el cantante Rasel, el bailaor Rafael Amargo, el cantante Nani Cortes, y grandes empresarios. Natural de Santa Coloma de Gramanet, Barcelona, este niño prodigio pintó su primera obra a los 6 años. A los 10 años, Juanito ha perfeccionado su técnica y sigue produciendo obras pictóricas de "action painting", que se exponen por primera vez en una galería de arte de Madrid y pronto se presentarán de nuevo al público español en Sevilla y viajarán al continente americano para exponerse en Nueva York. A su corta edad ya ha participado en varias exposiciones. Exposiciones colectivas: Spectrum, del 12 al 29 de septiembre de 2018 en Santana Art Galler. Miradas creativas" del 4 al 20 de octubre de 2018 en Santana Art Gallery. Navidarte" del 21 de diciembre de 2018 al 5 de enero de 2019 en la Galería de Arte Santana. Festival Internacional de Arte" del 21 de marzo al 5 de abril de 2019 en la Galería de Arte Santana. Exposición inaugural internacional (segunda parte) del 3 al 16 de julio de 2019 en OCCO Art Gallery.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 85 - TANIA FONT (Palamós, Cataluña, 1978). "En deconstrucción XV. Cemento, hierro, madera, papel y diferentes pátinas. Firmada en el reverso. Medidas: 70 x 64 x 40 cm. Tania Font explora con su obra la incomunicación. Los impactos de la realidad (ruidos, fenómenos climatológicos, impactos sentimentales o vitales) en la mente de los individuos a través de la mirada subjetiva, la experiencia personal contada con volumen en lugar de texto o palabras. Tania Font se licenció en Bellas Artes, en la especialidad de dibujo, en la Facultad de Bellas Artes de San Jordi de Barcelona, formación que completó con numerosos cursos de creación digital, joyería y técnicas cerámicas. También se ha formado con el pintor Manel Alcántara y el escultor Rodrigo Gordo entre otros. Entró en contacto con el arte en el Círculo Artístico de Palamós, donde se inició en el dibujo como alumna de Eduard de Cabrera. Fue alumna del paisajista Isidre Vilaseca. Realizó su primera exposición colectiva en la Galería Patrick Domken de Cadaqués. Ha sido residente de la fábrica de creación Nau Bostik. Ha colaborado en la exposición monográfica de Josep Clarà en el Museo Can Mario de la Fundación Vila Casas en 2020. También ha participado en ferias como Estampa, Volta Art Fair Basel, Art Montpellier.

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 86 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Invisibles I". Grabado. Edición Barberá, Barcelona. Con sello. Firmado y dedicado. Presenta arrugas en el papel. Medidas: 100 x 71 cm. Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en el Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambos en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 3 500 - 4 000 EUR

Lote 87 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Océano Atlántico", 2001. Lápiz graso sobre papel. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. Medidas: 98 x 61 cm; 101 x 63,5 cm (marco). En esta obra de Jaume Plensa, el globo terráqueo adopta la apariencia de un rostro humano. Sus ojos miran hacia arriba, como para decirnos que hay algo más allá de lo que conocemos, un universo desconocido, enigmático e insondable para el ser humano. Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en el Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambos en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés, o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 9 000 - 10 000 EUR

Lote 88 - JOSÉ MANUEL BROTO (Zaragoza, 1949). Sin título, 1989. Acrílico y collage sobre lienzo. Firmado y fechado al dorso. Medidas: 146 x 144 cm. Pintor aragonés que formó parte de la nueva abstracción de los años 70, y una de las figuras más significativas de la pintura española contemporánea, José Manuel Broto estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza, y expuso su obra por primera vez en 1968 (Galería Galdeano), mostrando un estilo en línea con el constructivismo. En 1972 se traslada a Barcelona, donde funda el grupo Trama junto a Javier Rubio, Xavier Grau y Gonzalo Tena. Con este grupo presentó su obra en 1976 en la galería Maeght de Barcelona, con el apoyo de Antonio Tàpies. Trama también publicó una revista de arte del mismo nombre, de la que, sin embargo, sólo aparecieron dos números (1976-1977). Sin embargo, tras la disolución del grupo, Broto se orientó hacia un lenguaje próximo al expresionismo abstracto, que incorporaba a su obra un paisaje natural primitivo. Mostró estas nuevas obras en su primera exposición individual en París, celebrada en 1984 en la galería Adrien Maeght. Al año siguiente abandonó Barcelona y se instaló en la capital francesa, donde pasó diez años y coincidió con otros artistas españoles como Barceló, Campano y Sicilia. Durante su etapa parisina, Broto sustituyó los temas románticos por formas más austeras y abstractas, y su obra se llenó de formas orgánicas relacionadas con la tradición ascética y mística. A mediados de los ochenta regresa a España, esta vez instalándose en Mallorca. Ya un artista maduro, practica una neoabstracción directamente vinculada a la escuela catalana de los años setenta, influida en sus orígenes por los principios estéticos y plásticos del grupo francés Soporte/Superficie, que en 1966 reclamaba una vuelta a la pintura tras el desorden producido por los movimientos conceptuales. A partir de 1998, su abanico temático se amplía a figuras espaciales, transparencias, formas atmosféricas, etc., combinadas con un tratamiento colorista y una estructura rigurosa. A lo largo de su carrera, Broto ha realizado numerosas exposiciones, y ha sido galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas (1995), el Premio ARCO de la Asociación de Críticos (1997) y el Premio Aragón Goya de Grabado (2003). En 1995 el Museo Reina Sofía de Madrid le dedicó una exposición retrospectiva. Actualmente está representado en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, el FRAC (Midi-Pyrénées, Francia), la Chase Manhattan Bank Collection de Nueva York, la Fundación Juan March, el Reina Sofía, el Metropolitan Museum de Nueva York, el Fond National d'Art Contemporain de París, la Colección Kampo de Tokio, la Fundación Tàpies de Barcelona, la Colección DOVE de Zúrich, el Ateneum de Helsinki, la Fundación Peter Stuyvesant de Ámsterdam, el Maeght de Francia, La Caixa de Barcelona, el Preussag de Hannover y el IVAM de Valencia.

Valorac. 9 000 - 11 000 EUR

Lote 89 - JOSÉ MANUEL BROTO (Zaragoza, 1949). Sin título, 1986. Acrílico sobre lienzo. Firmado, fechado y localizado (París) al dorso. Medidas: 95 x 130 cm; 97 x 132 cm (marco). Con una imagen de carácter gestual, el autor no se limita a una composición sino que va más allá, indicando al espectador que se trata de formas, ideas o sugerencias que sobrepasan las fronteras de lo puramente pictórico, un trazo gestual asociado al color como valor plástico de fondo. A finales de los ochenta, la obra de Broto se caracteriza por su preferencia por los grandes formatos, en los que pone en diálogo formas difusas y orgánicas con elementos geométricos, como puede apreciarse en esta obra en la que distintos elementos parecen cohabitar en un espacio indeterminado e inconcreto. Pintor aragonés enmarcado dentro de la nueva abstracción de los años setenta, está considerado como una de las figuras más significativas de la pintura española contemporánea. José Manuel Broto estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza, y expuso su obra por primera vez en 1968, mostrando un estilo en línea con el constructivismo. En 1972 se trasladó a Barcelona, donde fundó el grupo Trama. Sin embargo, tras la disolución del grupo, Broto se adentró en un lenguaje próximo al expresionismo abstracto, incorporando a su obra un paisaje de naturaleza primitiva. Mostró estas nuevas obras en su primera exposición individual en París, celebrada en 1984 en la galería Adrien Maeght. Desde 1985 vive y trabaja en París. Instalado en París, pronto superó el llamado "impresionismo abstracto" de principios de los ochenta y se liberó de los elementos que, tras su viaje a Italia (1982), se añadieron a su repertorio iconográfico y cromático, dando lugar a una serie de pinturas de marcado tono romántico. Tras diez años en la capital francesa, en los que coincidió con otros artistas españoles como Barceló, Campano y Sicilia, se trasladó a Mallorca. Con la utilización de grandes formatos, el siguiente paso en su obra es la recuperación de una abstracción de fuerte contenido cromático y el avance en la definición espacial de sus lienzos, como muestran Capricho (1987) y La misión (1988). Ha sido galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas (1995), en 1997 recibió el Premio ARCO de la Asociación de Críticos, y en 2003 el Premio Aragón Goya de Grabado. En 1995 el Museo Reina Sofía de Madrid le dedicó una exposición retrospectiva. Actualmente está representado en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, el FRAC (Midi-Pyrénées, Francia), la Chase Manhattan Bank Collection de Nueva York, la Fundación Juan March, el Reina Sofía, el Metropolitan Museum de Nueva York, el Fond National d'Art Contemporain de París, la Colección Kampo de Tokio, la Fundación Tàpies de Barcelona, la Colección DOVE de Zúrich, el Ateneum de Helsinki, la Fundación Peter Stuyvesant de Ámsterdam, la Maeght de Francia, la Colección La Caixa de Barcelona, la Preussag de Hannover y el IVAM de Valencia.

Valorac. 13 000 - 14 000 EUR

Lote 90 - ADRIAN SCHIESS (Suiza, 1959). "Printemps. 2000. Óleo y tela sobre lienzo. Tamaño: 30 x 50 cm. Schiess rescata el color del límite formal en gran parte de sus obras, lo que cobra especial énfasis en "Printemps", donde aprovecha la rugosidad aleatoria de la superficie, evocando a través del color y la materia la superficie del fondo marino, aunque también podrían ser las olas del mar en un día de primavera, con su característico azul cerúleo. Schiess ha experimentado con todo tipo de texturas, estudiando los efectos perceptivos a través del vertido de la materia pictórica. A través de los títulos, Schiess sugiere paisajes, ocultos tras la apariencia abstracta. El artista sostiene que sus obras no pueden definirse ni como pinturas ni como esculturas. Incluso a veces las expone en el suelo en lugar de en la pared. Es una obra que nace del diálogo con cada visitante: "No considero los paneles como objetos pictóricos. Son cosas junto a otras cosas. Son cuadros cuyas superficies brillantes reflejan la realidad", explica el artista. Adrian Schiess, nacido en Zúrich, vive y trabaja en Mouans-Sartoux (Francia). Su obra coquetea con diversos formatos (fotografía, lienzo, tableros de colores reflectantes...) pero con un único objetivo: tratar la apariencia de lo real. Dentro del arte contemporáneo, muestran una apuesta por la abstracción que, según Adrian Schiess, es la única manera de mostrar aquello que no está sujeto a ninguna determinación extrínseca propia. Schiess ha expuesto individualmente en el Fonds Régional d'Art Contemporain PACA de Marsella (Francia), el Bündner Kunstmuseum de Chur (Suiza), el Musée d'Art Moderne de St. Etienne (Francia), Indianápolis (EE.UU.) y el Musée d'Art Moderne de St. Etienne, Francia, Indianapolis Museum of Art, Indiana, Städtische Galerie Nordhorn, Alemania, Villa Merkel, Galerien der Stadt Esslingen, Kunstmuseum Solothurn, Suiza, Fundación la Caixa, Barcelona, Neues Museum, Staatliches Museum für Kunst und Design, Nürnberg, Kunsthaus Bregenz, FRAC Bourgogne, Dijon, Francia, Neue Galerie am Landesmuseum Johanneum, Graz, The New York Kunsthalle, Nueva York, Kunsthalle Zurich, Suiza, y numerosas exposiciones colectivas institucionales en todo el mundo.

Valorac. 12 000 - 14 000 EUR

Lote 91 - MIQUEL MONT (Barcelona, 1963). "Peau XXVIII. Paris, 2003. Acrílico y gel sobre contrachapado. Firmado, fechado, titulado y localizado al dorso. Obra reproducida en la página web del artista. Procedencia: Importante colección española. Medidas: 200 x 200 cm. Este cuadro pertenece a la serie "Pieles", que el propio Miquel Mont define de la siguiente manera: "Un soporte pictórico (contrachapado, lienzo,...) está perforado a intervalos regulares según una trama. Esta trama está descentrada o desplazada con respecto a los límites del soporte. Se cubre con varias capas de pintura espesa y densa hasta rellenar o alisar los agujeros de la trama". La pintura de Miquel Mont se basa en teorías de la percepción pictórica, concretamente en aquellas que ponen en diálogo la obra y el espacio, la representación y el soporte. En sus exposiciones, las piezas "habitan" la pared, escapando de su función tradicional de cuadro. Miquel Mont comenzó a pintar en los años ochenta. A finales de esta década se trasladó a París, donde trabaja y vive desde entonces. Desde entonces y hasta finales de los noventa, sus obras están trabajadas con tal densidad que acaban convirtiéndose en objetos tridimensionales. Desde el año 2000 compagina su labor artística con la docencia, impartiendo clases actualmente en la École Supérieure d'Art et de Design TALM-Tours y en la École Nationale Supérieure d'Architecture de Paris-Belleville. Ha realizado exposiciones por toda España, por ejemplo en el Centre d'Art la Panera; o en Francia, en espacios como la Galerie Aline Vidal o el FRAC Alsace; pero también en Austria. En la misma línea, sus obras se encuentran en numerosas colecciones, como la Colección "la Caixa", el Museo de Bellas Artes de Álava o el Mumok. En sus obras, los materiales industriales se presentan desnudos, mostrando su rudeza y la economía de medios que caracteriza el trabajo del artista. El metacrilato o la madera se convierten en herramientas que rompen los marcos de presentación para expandirse y dialogar con el espacio donde se presentan. Selección de exposiciones individuales: 2019 Galerie HUS, ESADHaR, Rouen, Francia Horizontal, Miquel Mont Guillermo Mora, La Fragua, Tabacalera, Madrid -Mal Tiempo, Galeria Trinta, Santiago de Compostela. 2018 Traces et affects, Artothèque de Vitré, Francia 2017 Lo peor, lo peor de todo, Galería Altxerri, Donostia 2016 La economía dicta todo, Formato Cómodo, Madrid 2015 Fundació Suñol, Barcelona. Selección de exposiciones colectivas: 2019 La Ronde, Museo de Bellas Artes de Rouen, Francia. 2018 De(s)rives, un parcours à l'île Saint Louis, Galerie Aline Vidal, París, Francia 2016 Abbaye St André, Centre d'art Contemporain, Meymac, Francia. 2014 Le Mur, colección Antoine de Galbert, La maison Rouge, París, Francia 2013 Una promesa de cambio, comisario Alain Coulange, Belfort, Francia.

Valorac. 12 000 - 14 000 EUR

Lote 92 - KENDELL GEERS (Sudáfrica, 1968). "Mutus Liber", 2016. Tinta china y gesso. Medidas: 50 x 15 x 15 cm. Esta escultura está inspirada en un fetiche africano, al que Kendell Geers imprime una notoria carga política combinando imprimación blanca y goteando en tinta negra, en alusión a las lágrimas silenciosas que se han derramado durante décadas en África, debido al sufrimiento de los nativos causado por las prácticas coloniales en los distintos países del continente, pero sobre todo, haciendo referencia al apartheid en Sudáfrica, país de origen de la autora. En estética y concepto, en la obra de Geers las prácticas animistas africanas se funden con las tradiciones vanguardistas europeas. Los títulos de sus esculturas pertenecientes a la serie "Mutus Liber", que significa "Libro Mudo", son suficientemente explícitos. Kendell Geers se describe a sí mismo como un "AniMystikAKtivist", que entrelaza diversas tradiciones afroeuropeas, espiritualidad, activismo y misticismo. Geers nació en Germiston (Sudáfrica) y actualmente vive y trabaja en Bruselas. A los quince años se escapó de casa para unirse al movimiento contra el apartheid, y finalmente huyó del país a Londres y luego a Nueva York. En la Bienal de Venecia de 1993 cambió oficialmente su fecha de nacimiento a mayo de 1968, un año trascendental en la historia mundial para la protesta política y la igualdad. Este acto representó el rechazo de Geers a la herencia cultural que había conformado su educación y su renacimiento como artista y activista. Las pinturas, esculturas e intervenciones de Geers, que abarcan una amplia gama de medios, emplean juegos de palabras y motivos densamente estratificados para exponer estructuras ideológicas. Utilizando referencias diversas -de la historia del arte, la lingüística, la poesía, la protesta y el juego-, sus obras cuestionan el valor artístico y se burlan de las nociones de originalidad. Su obra revela un humor mordaz, que combina la cruda energía del punk con la filosofía espiritual de poetas como Arthur Rimbaud, William Blake y William S. Burroughs. El arte puede "cambiar el mundo, percepción a percepción". Geers expuso en la Trienal de Setouchi 2022 y en las Trienales de Brujas y Kortrijk 2021, en Bélgica. Love, By Any Means Necessary", la sexta exposición individual del artista en la Stephen Friedman Gallery, se inauguró en febrero de 2020. En 2013 se celebró una gran retrospectiva de su obra, comisariada por Okwui Enwezor, en la Haus der Kunst de Múnich. Participó en Documenta 14 en 2017 y Documenta 11 en 2002 en Kassel, Alemania. La obra de Geers fue incluida en la Bienal de Venecia en 2019, 2007 y 1993. Algunas obras en colecciones públicas: "Brick" 1988, Galería de Arte de Johannesburgo, Johannesburgo, Sudáfrica "T.W. (I.N.R.I.)" 1994, Centro Pompidou, París, Francia. "Tears for Eros" 1999, Art Institute of Chicago, EE.UU. "T.W. (Scream)" 1999, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante. "Akropolis Redux (The Directors Cut)" 2004, Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Atenas, Grecia. "Monumento al anarquista desconocido" 2007, Colección BPS22, Charleroi, Bélgica. "Mutus Liber 953" 2014, Museo de Arte Contemporáneo de Amberes, Bélgica.

Valorac. 12 000 - 14 000 EUR

Lote 93 - BERNARDÍ ROIG (Palma de Mallorca, 1965). Sin título, ca. 2010. Resina de poliéster, luz. Escultura-instalación. Medidas: 28 x 22 cm (cabeza). Esta pieza forma parte de una de las series escultóricas más emblemáticas de Bernardí Roig: figuras de cuerpo entero o cabezas cuyo color blanco remite a la ausencia (a la presencia fantasmal); y la luz fluorescente como símbolo de la ceguera humana, de los déficits de la memoria histórica y de la crisis de la identidad colectiva. El rostro transmite rasgos realistas, casi naturalistas, ya que el autor siempre se basa en personas reales, en amigos a los que toma como modelos. Bernardí Roig está considerado uno de los artistas españoles contemporáneos más relevantes del panorama internacional, habiendo expuesto en numerosas galerías, museos e instituciones de todo el mundo. Su producción abarca pintura, instalaciones, vídeo e incluso deriva ensayística. Ha sido galardonado con importantes premios como el Premio Especial de la Fundació Pilar i Joan Miró, el Sotheby's, la Bienal de Egipto en 2001 o el premio oficial de la XXI Bienal Internacional de Arte Gráfico de Eslovenia. Desde mediados de los noventa, ha realizado exposiciones individuales en destacadas galerías, museos y centros de arte como la Fundación Miró (1995), la sala Totem il Cannale de Venecia (1996), el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de San José de Costa Rica (1997), la Fundación Ludwig de La Habana (1999), el Museo Jacobo Borges de Venezuela (2000), el Museo de Bellas Artes de Oviedo (2000), la Galería Max Estrella de Madrid (2000), la Galería Adriana Schmidt de Colonia (2000), la Galería Claire Oliver de Nueva York (2002) y el Museo Ludwigsburg de Stuttgart (2002). También ha participado en la Bienal de Venecia (2001), la Bienal de Egipto (2001) y la feria Arco de Madrid. Actualmente está representado en las fundaciones AENA, Miró y La Caixa, los museos Jacobo Borges y Sofía Imber de Venezuela, el Ministerio de Cultura de Mallorca, el Museo Saikade de Japón, la Colección Gille de Bélgica, la Fundación Ludwig de Cuba y el Museo de Arte Contemporáneo de Costa Rica.

Valorac. 15 000 - 20 000 EUR

Lote 94 - GEORGES ROUSSE (París, 1947). "Luxembourg: Fers à Bétons", 2004. Impresión sobre aluminio, copia 1/5. Firmado y titulado en el reverso. Etiqueta con sello al dorso. Medidas: 160 x 125 cm; 165 x 132 cm (marco). La obra de Georges Rousse se caracteriza, desde principios de los años ochenta, por las relaciones que establece entre fotografía, pintura, escultura y arquitectura. Su interés por los lugares abandonados, desmantelados y en ruinas, así como por lo que estos espacios revelan sobre la cultura que los ha generado, le llevó, en 1986, a instalarse durante un tiempo en el antiguo hospital psiquiátrico Van Gogh de la localidad francesa de Arlés. El resultado de esta estancia fue la serie Arles, punto de partida de la exposición del MACBA. Su obra es un ejemplo muy significativo de la importancia que la fotografía alcanzó a lo largo de la década de los ochenta y una prueba más del valor del dispositivo fotográfico como herramienta para la creación contemporánea. Derrumbando las restricciones habituales entre los medios artísticos, su obra única dejó rápidamente su impronta en el mundo del arte contemporáneo. Desde su primera exposición en París, en la Galerie de France en 1981, Georges Rousse ha seguido creando sus instalaciones y mostrando sus fotografías por todo el mundo, en Europa, en Asia (Japón, Corea, China, Nepal), en Estados Unidos, en Quebec y en América Latina. Ha participado en numerosas bienales (París, Venecia, Sydney) y ha recibido prestigiosos premios: 1983: Villa Medicis hors les murs, Nueva York 1985 -1987: Villa Medicis, Roma 1988: Premio del Centro Internacional de Fotografía, Nueva York 1989: Premio de Dibujo Salón de Montrouge 1992: Beca Romain Roland, Calcuta 1993: Gran Premio Nacional de Fotografía 2008: Sucede a Sol LeWitt como miembro asociado de la Real Academia Belga. Está representado por varias galerías europeas y sus obras figuran en muchas colecciones importantes de todo el mundo. Etiqueta con sello en el reverso.

Valorac. 15 000 - 18 000 EUR

Lote 95 - TERRY HAGGERTY (Londres, 1970). "Stroke", Nueva York, 2008. Acrílico sobre lienzo. Firmado, fechado, localizado y titulado al dorso. Tamaño: 183 x 164 cm. Las pinturas de Terry Haggerty combinan de forma novedosa los planteamientos fenomenológicos del Op Art y el Minimalismo. En ellos intercala líneas monocromas que, en contrapunto con el blanco y mediante una suave curvatura, crean la percepción ilusoria de tridimensionalidad, logrando la sensación de volumen y profundidad. Técnicamente, su producción destaca por la precisión de su trabajo manual, con formas medidas, meticulosas y calibradas. Siguiendo las declaraciones del propio artista sobre sus obras expuestas en el espacio Ivorypress de Madrid, "me centro mucho en el espacio y engaño al espectador; intento que luche por mantener la horizontalidad del objeto y acabe aceptando que una pieza que parece plegada sobre sí misma y flotando en el aire es en realidad un elemento plano de madera", Formado en la Cheltenham School of Art, Terry Haggerty tiene una larga reputación. Ha expuesto ampliamente en galerías y museos de todo el mundo, como Sikkema Jenkins, Nueva York; Max Hetzler, Berlín; Hammer Museum, Los Ángeles; Aldrich Museum, Connecticut; y PS1, Long Island City. Entre sus encargos figuran dibujos murales para el estadio de los Dallas Cowboys, Munich Re, Londres, y colecciones privadas de Estados Unidos y Alemania. Haggerty también ha recibido varios premios, entre ellos el For-Site foundation Award (2009), el John Anson Kittredge Award (2003) y el Natwest Art Prize (1999). Actualmente está representado en las siguientes colecciones Colección Charles Schwab & Co, Inc Corporate Headquarters, San Francisco, CA Colección Hoofddorp cultural center, Haarlemmermeer, Países Bajos Colección KKR, Menlo Park, CA Munich Re Art Collection, Londres, Reino Unido Colección Paul & Stacy Jacobs, San Diego, CA Sammlung Haubrok, Düsseldorf, Alemania The Art Collection Cowboys Stadium, Arlington, TX Haggerty vive y trabaja actualmente en Berlín. Su obra se ha expuesto ampliamente en galerías y museos de todo el mundo, incluidas presentaciones individuales en el Norton Museum of Art, West Palm Beach, FL; Modern Art Museum of Fort Worth; y Hammer Museum, Los Ángeles.

Valorac. 20 000 - 25 000 EUR

Lote 96 - LOLÓ SOLDEVILLA"; Dolores Soldevilla Nieto (Pinar del Río, Cuba 1901-La Habana, 1971). "Marinero con barco", c. 1954. Escultura móvil realizada en metales (bronce, hierro y aluminio), Se adjunta certificado expedido por Doña Martha Flora Carranza Barba, nieta del artista. Presenta sello y firma estampada del artista. Medidas: 83.3 x 50 x 18 cm. Loló Soledevilla fue la primera persona en Cuba, y una de las primeras en América Latina, en presentar esculturas totalmente interactivas. En este caso la obra es presentada por la artista como un collage metálico donde cada uno de los elementos tiene movimiento independiente, lo que permite al espectador interactuar con la obra desde una perspectiva lúdica, característica que era frecuente en la obra escultórica de Soldevilla, quien estaba interesada en que los espectadores de su obra pudieran acceder a sus piezas de manera personal, interviniendo así en el proceso creativo. En este caso concreto, la autora parte de la figuración, creando una embarcación mediante el uso de metales forjados y ensamblados, ensalzando así los valores de la tradición artesanal y su cultura. Su trayectoria artística siempre ha estado marcada por la experimentación, no sólo estilística sino también técnica, y realizó obras en diferentes soportes como la escultura, el grabado y el dibujo. Su carrera artística comenzó en 1948, influenciada por su amistad con Wifredo Lam, quien le animó y apoyó en sus inicios en el mundo de la pintura. En 1949 se instala en París, donde estudia en la Académie Grande Chaumière, realizando frecuentes viajes y exposiciones en Cuba para mostrar su obra. En 1951 se incorporó al taller de Dewasne y Pillet, donde permaneció dos años, y asistió a un curso sobre técnicas de grabado impartido por Hayter y Cochet, manteniendo y fomentando los intercambios creativos con la Escuela de París. Vinculada al Movimiento 26 de Julio, se vio obligada a llevar una vida clandestina, ya que durante el periodo prerrevolucionario colaboró en Diario de la Marina, Carteles, Información, El País, Avance, Porvenir, Tiempo en Cuba y Survey, así como en las publicaciones parisinas Combat y Arts. Tras el triunfo revolucionario de 1959 se incorporó como redactora al periódico Revolución y durante el curso 1960-61 se estableció como profesora de artes plásticas en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de La Habana. A partir de entonces, Dolores Soldevilla compaginó su carrera artística con su labor docente en la Escuela de Arquitectura de la Universidad y en el periódico Granma. Gracias a sus planteamientos estéticos surgió el Grupo Espacio y formó parte del grupo Diez Pintores Concretos; fue miembro de la UPEC y de la UNEAC y colaboró con Bohemia. A lo largo de su vida su obra fue expuesta en importantes espacios artísticos como el Palacio de Bellas Artes de Cuba, en Caracas (Venezuela), París, en Valencia, Valladolid (España), Checoslovaquia, etc., logrando un gran reconocimiento de su obra a nivel mundial. En la actualidad su obra se conserva en numerosas colecciones privadas de todo el mundo y en instituciones como el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba (donde se conserva la colección principal).

Valorac. 20 000 - 25 000 EUR

Lote 97 - MARK JENKINS (Virginia, 1970). "De tal palo tal astilla", 2017. Pareja de esculturas de técnica mixta. Medidas: 180 x 90 x 50 cm (la más grande). "De tal padre tal hijo", podría ser el título alternativo de "De tal padre tal hijo", un par de esculturas hiperrealistas que representan a un niño y a un hombre que ocultan sus identidades tras un pasamontañas, vestidos con ropa informal y sosteniendo en una mano una barra metálica. El color negro que cubre las figuras las convierte en sombras metafóricas, en proyecciones mentales de los miedos colectivos que nos atenazan en las ciudades. Mark Jenkins adquirió fama y notoriedad por este tipo de personajes callejeros (vagabundos, encapuchados, personajes sospechosos por su aspecto o por adoptar posturas extrañas) que colocaba en el espacio público sin previo aviso y que en numerosas ocasiones hicieron entrar en acción a la policía, los bomberos o los cuerpos de ambulancias. Mark Jenkins es un artista estadounidense que crea instalaciones escultóricas callejeras. Utiliza la "calle como escenario", donde sus esculturas interactúan con el entorno, incluidos los transeúntes que, sin saberlo, se convierten en actores. Sus instalaciones atraen a menudo la atención de la policía. Su obra se ha descrito como caprichosa, macabra, impactante y situacionista. Jenkins cita a Juan Muñoz como su inspiración inicial. Además de crear arte, también enseña sus técnicas escultóricas y prácticas de instalación a través de talleres. Actualmente vive en Washington, DC. En 2005 empezó a trabajar con Sandra Fernández en el Proyecto Storker, una serie en la que se instalan moldes transparentes de bebés de juguete en distintas ciudades para que interactúen con el entorno que les rodea[10]. Jenkins y Fernández continuaron creando otras instalaciones con animales de cinta: perros jugando en la basura, jirafas mordisqueando bolsas de plástico de los árboles y patos nadando en acequias. Otros proyectos al aire libre que exploran la interferencia cultural son Meterpops, Traffic-Go-Round y Signs of Spring. En 2006 Jenkins inició la serie Embed. Los moldes de cinta se rellenaron con papel de periódico y cemento y se vistieron para crear duplicados escultóricos hiperrealistas de sí mismo y de Fernández. Estas nuevas instalaciones escultóricas de gran realismo crearon confusión y provocaron que algunos transeúntes llamaran al 911, lo que hizo que la policía y, en ocasiones, unidades de rescate llegaran a su "escena". En 2008 Jenkins colaboró con Greenpeace en una campaña de concienciación, Plight of the Polar Bears, para llamar la atención sobre el deshielo de los casquetes polares del Ártico. Jenkins creó figuras realistas que parecían indigentes, pero con cabezas de oso polar disecadas. Jenkins ha participado en eventos de arte público como Interference (Barcelona, 2008), BELEF (Belgrado, 2009), Dublin Contemporary 2011, Inside Out(Southeastern Center for Contemporary Art, Winston-Salem, 2009), Living Layers (Roma, 2012), Les Vraisemblables(Nuit Blanche, París, 2014), Passages Insolites (Ex Muro, Quebec, 2021) Embed Bodies (Un Été au Havre, Le Havre, 2022). En interiores, Jenkins ha expuesto internacionalmente en galerías y museos, además de continuar con su serie Embed en entornos públicos como cafeterías, escuelas y vestíbulos de edificios. Las exposiciones individuales incluyen Glazed Paradise en Diesel Gallery (Tokio, 2008), Meaning is Overrated en Carmichael Gallery (Los Ángeles, 2009), Terrible Horrible en Ruttkowski, Gallery (Colonia, 2014), Moment of Impact en Lazarides Gallery (Londres, 2015) y Remix en L'Arsenal (Montreal, 2016). En 2018, él y Fernández crearon Project84, en Londres, Inglaterra El trabajo fue diseñado para crear conciencia sobre el suicidio masculino adulto. Comercialmente, Jenkins colaboró con la marca de moda Balenciaga.

Valorac. 20 000 - 22 000 EUR

Lote 98 - XAVIER MASCARÓ (París, 1965). "Guerrero" 2014. Hierro fundido. Medidas: 164 x 60 x 60 cm. Xavier Mascaró ha desarrollado un amplio corpus de guerreros y guardianes que se han podido ver en el espacio público de muchas ciudades y en exposiciones internacionales. Ejércitos de guardianes se han visto en el Paseo del Prado de Madrid (2010) o frente al Museo Can Framis de Barcelona (esculturas donadas a la ciudad por la Fundació Vila Casas). Pero, a diferencia de estos guerreros sentados en actitud de meditación, el "guerrero" que se muestra aquí adelanta una pierna en actitud de marcha, como si el antiguo fantasma que una vez llevó la armadura de cuerpo entero cobrara vida. Marcaró imprime al material una pátina con la que simula el óxido de una misteriosa antigüedad, quizá de una civilización desconocida o de un naufragio rescatado del fondo del mar. En esta llamativa guerrera, como en el resto de su producción, Mascaró dialoga con el patrimonio de la cultura material. El peculiar uso del hierro confiere a sus creaciones totémicas un carácter inquietante que nos lleva a reflexionar sobre la memoria y la historia. Xavier Mascaró es un escultor y pintor español nacido en París de ascendencia francesa, rumana y catalana. Ha vivido en Madrid, Nueva York, Londres y Ciudad de México. En 2002 obtuvo una beca para asistir a la Academia de España en Roma. Actualmente vive y trabaja en sus estudios de Ciudad de México y Lisboa. Cuenta con un gran reconocimiento por parte de la crítica y el público, habiendo expuesto en los principales centros de arte de lugares como París, Caracas, Viena, Montecarlo, Cartagena de Indias, Madrid, Nueva York y Londres, Londres, Madrid, Sevilla, en lugares tan reconocidos (tanto en galerías y museos como en espacios públicos) como la Saatchi Gallery (Londres), el Palacio Real (París), el Kunsthistorische Museum (Viena), el Warehouse 421 (Abu Dhabi), la Marlborough Gallery (Nueva York y Madrid), el Paseo de Recoletos y el Paseo del Prado (Madrid) y el Museo del Templo Mayor y el Centro Cultural de España (Ciudad de México). En 2014 expuso en solitario en la Saatchi Gallery de Londres. Mascaró es uno de los escultores españoles contemporáneos con mayor presencia internacional "La obra de Mascaró remite a lo humano a través de lo intemporal, a lo que queda de lo que fuimos, o a lo que de lo que somos reconocemos en nuestro pasado remoto. Su proyecto artístico nos transporta formalmente al pasado, proponiéndonos, sin embargo, una multiplicidad de lecturas que nos confrontan con el presente", según la descripción del Museo Wurt, que recientemente dedicó una exposición al artista.

Valorac. 20 000 - 22 000 EUR

Lote 99 - MIGUEL ÁNGEL CAMPANO (Madrid, 1948 - 2018). Sin título. Conjunto de 62 óleos sobre lienzo. Firmados y numerados al dorso. Medidas: 30 x 21 cm (cada uno). Como puede apreciarse en este conjunto de 62 lienzos, a partir de los años 90 la obra de Campano sufrió diferentes procesos de despojamiento: por un lado, se recortaron las referencias a la tradición y, por otro, se excluyó el color de su pintura, trabajando sólo el negro sobre el lienzo desnudo. La geometría, por otra parte, se convirtió en un aspecto clave de su producción. Miguel Ángel Campano es uno de los referentes de la llamada renovación de la pintura española, que tuvo lugar en los años ochenta y en la que también participaron Ferrán García Sevilla, José Manuel Broto, José María Sicilia y Miquel Barceló. En los años 70 se trasladó a París gracias a una beca; el año previsto se convirtió en una estancia de más de diez, allí vivió y desarrolló su brillante carrera pictórica. Después se fue a vivir a Mallorca. En 1980 formó parte de la exposición Madrid DF, en el Museo Municipal de Madrid, junto a varios artistas entre los que se encontraban los mismos que hoy -salvo García Sevilla- le acompañan en el Palacio de Velázquez. Cinco años más tarde fue seleccionado, junto a otros compañeros de generación, entonces todos jóvenes pintores, como Miquel Barceló, que ya era una figura destacada, y José María Sicilia, para una exposición colectiva en Nueva York. En 1996 le conceden el Premio Nacional de Artes Plásticas. Acababa de sufrir un grave derrame cerebral y fue operado en Madrid. Esto le obligó a pasar varios meses sin pintar. Entonces pintó "sólo en negro", un color muy simbólico según sus propias palabras. Tres años más tarde, el Museo Reina Sofía organizó en este mismo Palacio de Velázquez una exposición dedicada a su obra reciente entonces, la de los años 90. Sus obras se exponen en los museos más importantes, como el British Museum de Londres, el Centro Pompidou de París y el Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 60 000 - 70 000 EUR

Lote 100 - JOSE MARIA SICILIA (Madrid, 1954). Sin título, 2000. Técnica mixta (óleo y cera) sobre madera. Firmado al dorso. Fechado y localizado (Soller). Procedencia: Galería Joan Prats de Barcelona. Medidas: 252 x 160 cm; 252 x 162 cm (marco). Luz y oscuridad, caos y cosmos, orden y azar, son el anverso y el reverso de la filosofía vital y artística de José María Sicilia. En esta composición de gran formato, la latencia cósmica y la luz mística se sugieren mediante el uso de la cera (que Sicilia siempre entendió en su simbolismo plástico de huella, poesía, fugacidad y memoria) sobre un fondo oscuro como el cielo nocturno. Sicilia comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, aunque en 1980 los abandonó y se trasladó a vivir a París. Dos años más tarde presenta su primera exposición individual, con un estilo en línea con el neoexpresionismo entonces de moda en Europa. Será a mediados de los ochenta cuando su obra alcance una gran proyección nacional e internacional. En 1986 presenta en la Blum Helman Gallery de Nueva York un conjunto de obras que muestra una fuerte depuración del estilo anterior, hacia una pintura abstracta en la que eliminará progresivamente cualquier referencia formal. En los noventa esta estética reduccionista afectará a la gama cromática, quedando las formas sugeridas por el reflejo de la luz en la superficie. Un nuevo tratamiento matérico de sutil resonancia poética, a base de ceras que dejan transparentar ligeramente los temas florales, devuelve el color a una obra ya plenamente consagrada. José María Sicilia ha sido galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas (1989), y está representado en el Museo Reina Sofía de Madrid, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York y el CAPC de Burdeos, entre otros muchos centros de arte y museos.

Valorac. 60 000 - 70 000 EUR

13 de mayo - Arte contemporáneo

Setdart.com - +34 932 46 32 41 - Email