24th July - Decorative Arts & Oriental Art

Los 101 - Sakristeischrank; Französische Schule; zweites Drittel des neunzehnten Jahrhunderts. Geschnitzt Nussbaumholz. Maße: 200 x 106 x 43 cm. Sakristeischrank aus Nussbaumholz, reichlich geschnitzt. Das Stück ist in zwei Teile geteilt, von denen der untere von vier abgeschrägten Kugelfüßen getragen wird. Ein profilierter Sockel in Form eines vorspringenden Gesimses gibt den Weg frei für den zentralen Korpus, der in drei vertikale und zwei Längsabschnitte unterteilt ist. Die Vorderseiten der Stücke weisen von der Renaissance inspirierte dekorative Elemente mit Pflanzenmotiven und Grotesken auf. Die obere Zone des Stücks ist durch ein weiteres Gesims gekennzeichnet, an dessen Seiten ein Puttenkopf als Karyatide zu sehen ist. Der obere Bereich folgt den ästhetischen Vorbildern des unteren Bereichs, obwohl er in diesem Fall von einer großen Nische dominiert wird, die ursprünglich dazu diente, das Bildnis eines Heiligen zu beherbergen. An den Seiten, die von Türen dominiert werden, sind die Jungfrau und ein Heiliger in Relief dargestellt.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 102 - Französische Schule; 19. Jahrhundert. "Putten. Terrakotta. Signiert in der rechten unteren Zone. Maße: 40 x 60 x 19 cm. Skulpturengruppe mit drei Kinderengeln, die sich auf einer Dünung befinden und Attribute mit maritimer Thematik tragen, wie das Netz und ein Floß. Die drei Gesichter sind direkt von den Modellen des klassischen "Putto" inspiriert, einem Kind mit regelmäßigen Zügen, breiter Stirn, kleiner Nase, großen Wangen und gewelltem Haar. Stilistisch kann man sowohl die Absicht des Künstlers erkennen, eine naturalistische Anatomie zu zeigen, als auch die Idealisierung zu bewahren, die diesen religiösen Figuren mit ihren feinen Zügen entspricht.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 103 - Kerzenleuchter; Barcelona, um 1770. Silber. Maße: 6,5 x 31 x 10 cm. Gewicht: 261 g. Kerzenständer komplett aus Silber. Es ist ein Stück stilisiertes Design, klassisch, aber zur gleichen Zeit dynamisch, dank der eleganten und ausgeprägten Dimension der Platte, die in der Form eines venera endet. Das Feuerzeug selbst nimmt die Form eines klassischen Glas, mit einer kreisförmigen Basis geformten Profil.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 104 - FELICIANO HERNÁNDEZ SÁNCHEZ (Ávila, 1936 - Navalcarnero, 2018). "Pfaue. Weißblech und Glas. Maße: 57 x 30 x 27 cm (x2). Feliciano Hernández begann seine Ausbildung an der Schule der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Im Jahr 1968 stellte er seine Werke auf der Biennale von Venedig aus. Sein Stil erinnert an die Werke von Künstlern wie Gargallo, Julio González und José Caballero. Gegenwärtig befinden sich seine Werke in zahlreichen Sammlungen von großer künstlerischer Bedeutung, darunter das Kunstmuseum Reina Sofia (Madrid), das Museum der Schönen Künste (Bilbao), das Museum von Ostende (Belgien), das Museum der Universität von Alabama (USA), die Sammlung der I. Internationalen Skulpturenausstellung in der Straße von Santa Cruz de Tenerife oder das Museum für Zeitgenössische Kunst von Villafamés (Castellón), um nur einige zu nennen.

Schätzw. 700 - 900 EUR

Los 105 - Kutschenuhr; GARRARD & CO. LTD, 20. Jahrhundert. Jh. Messing mit emailliertem Zifferblatt. Bewahrt Schlüssel. Präsentiert Fehler und muss überarbeitet werden. Maße: 15 x 8 x 6 cm. Reise-oder Kutsche Uhr mit goldenen Messing-Struktur, mit Leisten verziert und mit einem Griff im oberen Bereich befindet, um einen einfachen Transport zu ermöglichen. Das Stück hat ein silbernes Zifferblatt mit römischen Ziffern in schwarz. Die Seitenwände und die Vorderseite sind aus abgeschrägtem Glas, ebenso wie der Bullauge des oberen Teils und die hintere Tür, die gegliedert ist und den Blick auf die Maschinen ermöglicht. Diese Art von Uhren waren im 19. Jahrhundert sehr verbreitet und wurden aufgrund ihrer Größe oft für Reisen verwendet. Sie ist mangelhaft und muss überarbeitet werden.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 106 - Paar Kerzenständer; Frankreich, Periode Napoleon III, drittes Viertel des neunzehnten Jahrhunderts. Bronze ziseliert und brüniert. Maße: 25 x 15 x 15 cm (x2). Paar Kerzenhalter in Bronze, deren Design ist in den Übergang zwischen dem Spätbarock und Rokoko umrahmt gemacht. Das Modell ist das übliche im gesamten Barock, ein Modell der europäischen Herkunft durch einen Fuß und eine sperrige Welle gekennzeichnet. Die ornamentalen Motive erinnern an Beispiele der dekorativen Kunst der Zeit als Napoleon III Stil bekannt, aber neu interpretiert, um den ästhetischen Geschmack des neunzehnten Jahrhunderts entsprechen.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 107 - JAMES PRADIER (Schweiz, 1790 - Frankreich, 1852). "La Toilette d'Atlante". Patinierte Bronze Signiert. Mit Stempel der Fonderie Susse, mit besonderer Erwähnung "Prix d'honneur 1886". Maße: 23 x 20 x 14 cm.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 108 - JOAN CARRILLO (Campillos, Malaga, 1948). Vase. Aus glasierter Keramik. Signiert auf dem Sockel. Es stellt eine kleine Abplatzung in den Mund. Abmessungen: 38 x 17 x 17 cm. Obwohl Joan Carrillo in Málaga geboren wurde, zog er bald nach Olot, wo er an der dortigen Schule der Schönen Künste eine Ausbildung in Zeichnen, Malen und Gravieren erhielt. Zwischen 1969 und 1970 begann er in der Keramikwerkstatt der Kapuzinerin Marià Vayreda zu arbeiten. Derzeit arbeitet er in der Keramikwerkstatt der Brüder Serra in Hospitalet de Llobregat (Barcelona). Er ist Mitglied der Internationalen Akademie für Keramik in der Schweiz.

Schätzw. 250 - 300 EUR

Los 109 - Barockes Kabinett aus orientalischer Fertigung, 18. Jahrhundert. Nussbaumholz. Mit Feingold beschlagen. Verfügt über einen Schlüssel. Leichte Mängel und Gebrauchsspuren. Es präsentiert einige Restaurierungen. Maße: 152 x 100 x 55 cm. Orientalischer Schrank, der jedoch für den europäischen Markt bestimmt ist. Dieses Möbelstück aus dem 18. Jahrhundert, das in Form und Dekoration an den klassizistischen Barockschrank angelehnt ist, weist verschiedene Einflüsse auf, die ihm Originalität verleihen. Das Möbelstück steht auf Cabriole-Beinen und Ballenfüßen auf einer Taille mit zwei Schubladen und öffnet sich mit zwei Türen, die zwei Einlegeböden beherbergen. Die wellenförmige, leicht überhängende Platte, die mit vergoldetem Filigranwerk in Rillen verziert ist, verleiht dem Ganzen eine architektonische Inspiration. Es handelt sich um ein orientalisches Stück, wie die feinen synthetischen Schnitzereien an den Beinen zeigen. Jahrhundert in Europa ihre Blütezeit erlebte, war diese Art von Beinen in China bereits seit der Antike bekannt und wurde später vom Rokoko übernommen. Die beiden Schubladen in der Taille sind mit vergoldeten Leisten versehen, die eine harmonische Symmetrie zwischen ihnen bilden.

Schätzw. 2 600 - 3 000 EUR

Los 110 - Paar kastilische Stühle, XVIII Jahrhundert. Kastanienholz geschnitzt und polychromiert. Verwenden Sie Marken. Maße: 118 x 48 x 48 cm. Paar kastilische Stühle aus dem Spätbarock, aus Kastanienholz. Die aristokratischen und feierlichen durchbrochenen Rückenlehnen sind mit Reliefs geschnitzt, die Felsenmotive auf der Basis von Jakobsmuscheln, Palmetten und Schnecken darstellen, die von Blumen mit sinnlichen Blütenkränzen verschlungen werden. Die Schnitzereien sind mit grüner und roter Polychromie bemalt. Die gleichen Motive wiederholen sich, mit leichten Variationen, auf den Schürzen, die die im Profil ausgeschnittenen Flanken schmücken. Die quadratischen Beine sind mit Querstreben verbunden.

Schätzw. 1 400 - 1 800 EUR

Los 111 - Öllampe aus dem 19. Jahrhundert. Bronze. Später elektrifiziert. Alle Glühbirnen sind erhalten. Maße: 146 x 50 x 27,5 cm. Diese aufwändige und eklektische Öllampe ist ganz aus Bronze gefertigt. Sie hat einen runden, geformten Sockel, auf dem ein schraubenförmiger Schaft ruht, an dessen Spitze sich ein Regulierschlüssel befindet. Aus diesem geht ein Zwischenkörper hervor, der aus einem gedrehten Schaft, einer geformten Platte und einem Leuchtkörper besteht, in dem alle Glühbirnen untergebracht sind. Die Glühbirnen stehen auf mythologischen Figuren, die Meerestieren ähneln. An einer Kette sind die Schere zum Schneiden der Kerzen, der Ölbehälter und andere Utensilien zur Aktivierung der Lampe befestigt. Den Abschluss bildet ein Oberteil in Form einer Fahne, das oben von zwei zügellosen Löwen gekrönt wird, die auf einer barocken Struktur ruhen, die sich gabelt und an der zwei mit heraldischen Motiven verzierte Metallfunken hängen. Eine Quinque oder Calella ist eine Tischleuchte mit einem Docht, der in der Regel mit Öl betrieben wird, mit variabler Lichtstärke, die die erste wissenschaftlich entwickelte Lampe war. Sie wurde 1782 von dem Schweizer Physiker Aimé Argand (1855-03) erfunden und 1784 in England patentiert. Später wurde sie von dem französischen Apotheker Antoine Arnoult Quinquet (1745-1803) perfektioniert, wovon sich der Name ableitet. Er besteht aus einem Docht, der unten in einen Behälter aus Glas, Porzellan, Metall usw. eingetaucht und oben mit einem vertikalen Glasrohr versehen ist. Der Argand-Brenner befindet sich zwischen dem Behälter und dem Glasrohr und besteht aus einem zylindrischen Docht zwischen zwei konzentrischen Metallrohren. Das innere Rohr bietet einen Durchgang, durch den Luft durch die Mitte aufsteigt, um die Verbrennung an der Innenfläche der zylindrischen Flamme und nicht an der Außenfläche aufrechtzuerhalten. Der Brenner verfügt über einen Einstellmechanismus mittels eines Rädchens, das es ermöglicht, mehr oder weniger Luft auf die Außenseite der Metallrohre zu ziehen, was zu einer größeren oder kleineren Flamme und damit zu einer größeren oder geringeren Lichtintensität führt. Das Glasrohr wirkt wie ein Schornstein und lässt Luft durch seinen unteren Teil eindringen, wodurch im Inneren ein Luftstrom entsteht, der die Verbrennung der Flamme aufrechterhält und den Brennstoff vollständiger verbrennen lässt. Die Flamme ist in der Regel mit einer äußeren Zierflamme versehen.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 112 - Tischlampe im Empire-Stil. Frankreich, erste Hälfte des 20. Jahrhunderts. Jh. Emailliertes Glas und Zinn. Provenienz: Spanische Privatsammlung, entstanden zwischen 1970 und 1995. Maße: 25 cm (größter Durchmesser); 56 cm (Höhe). Französische Tischlampe im Empire-Stil. Der zentrale Teil besteht aus mundgeblasenem Glas mit schillerndem, gesprenkeltem Dekor in perlmuttgrünen Tönen, die Ölflecken simulieren. Armatur aus Zinn (Legierung aus verschiedenen Metallen) mit Dekor im Empire-Stil mit Blumengirlanden, Bordüren und geflügelten Putten. Elektrifiziert.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 113 - Art-Déco-Vase, möglicherweise LOETZ; Tschechische Republik, ca. 1920. Geblasenes Glas. Abnutzung durch Gebrauch und den Lauf der Zeit. Provenienz: Spanische Privatsammlung, entstanden zwischen 1970 und 1995. Abmessungen: 24 x 16 x 14 cm . Seltsame schillernde Vase aus geblasenem Glas, mit eiförmigen Seiten. Henkel auf beiden Seiten. Unterer Fuß in achteckiger Form geschnitzt. Die Art des Glases lässt auf die österreichische Manufaktur Loetz schließen, die 1840 gegründet wurde und Pionierarbeit bei der Anwendung neuer Techniken und Materialien leistete, indem sie der Experimentierfreudigkeit der Glaskünstler der zweiten Hälfte des 19.Jahrhunderts folgte. Die Firma nahm an der Internationalen Ausstellung von 1889 in Paris teil, wo ihre Werke von den Kritikern einhellig gelobt wurden.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 114 - Art Deco Billardtisch. Russland, ca. 1925. Mahagoniholz. Gebrauchsspuren. Defekte. Restaurierungsbedürftig. Maße: 90 x 170 x 100 cm. Das Ziel des russischen Billardspiels ist das gleiche wie das des amerikanischen Billardspiels. Die Kugeln sollen in den Löchern versenkt werden. Was das russische Pyramidenbillard jedoch zu einer zusätzlichen Herausforderung macht, ist die Größe der Taschen und Kugeln. Beim russischen Billard sind die Kugeln fast genau so groß wie der Tisch, auf dem das Spiel gespielt wird. Nach Russland kam Billard dank Peter I. "dem Großen". Der Herrscher entdeckte das Spiel im späten 17. Jahrhundert bei einem Besuch in den Niederlanden und war so beeindruckt, dass der König von Holland dem jungen russischen Monarchen einen Billardtisch schenkte. Die Arten des russischen Billardspiels sind: Freie Pyramide (Amerikanische Pyramide), Kombinierte Pyramide (Moskauer Pyramide oder Sibirka), Dynamische Pyramide (Newa-Pyramide) und Klassische Pyramide (Russische Pyramide oder 71 Punkte).

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 115 - Modernistische Jardiniere mit Sockel, ca. 1910. Kobaltblau glasierte Keramik mit vergoldetem Dekor. Mit Spuren von Etiketten. Es zeigt Gebrauchsspuren und einige Chipping auf der Basis. Abmessungen: 104 x 50 x 50 cm. Auf einem hohen Sockel mit vegetabilen Schraubenformen erhebt sich eine kugelförmige Bauchjardiniere. Beide Stücke sind kobaltblau emailliert und mit goldenen Details versehen: Während sich die Emaillierung im Sockel auf die Form von Filets beschränkt, erscheint sie in der Jardiniere in Form eines schönen Blumenmusters. Das Innere der Jardinière hat einen himmelblauen Hintergrund.

Schätzw. 500 - 550 EUR

Los 116 - Schreibtisch-Bücherregal aus der georgianischen Zeit. England, Ende 18.-Anfang 19. Jahrhundert. Mahagoniholz und Einlegearbeiten aus Zitronengras. Gebrauchsspuren. Restaurierungsbedürftig. Ein Griff fehlt. Verschiedene Glasfehler. Maße: 240 x 108 x 54 cm. Viktorianisches Bücherregal, aus Nussbaumholz, mit Zitronengras Intarsien in Form von Filets und Medaillons. Es besteht aus drei Teilen: einer Kommode mit großen Schubladen und Metallgriffen, einem Schreibtisch-Sekretariat mit Schubladen und Fächern, mit einer ausziehbaren Platte und einem Bücherregal im oberen Teil. Letzteres ist mit einem schönen Giebelstumpf in Form von zwei gegenüberliegenden Schnecken versehen, die das Ganze stilisieren. Die Glastüren sind mit feinen Rippen verziert, die ein attraktives geometrisches Maßwerkmuster bilden.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 117 - Vase aus PHOENIZISCHEM GLAS. Malta, Ende des 20. Jahrhunderts. Jh. Schillerndes Glas. Signiert und datiert (1991) auf dem Sockel. Maße: 9 x 8 cm. Kleine Vase mit kugelförmigem Körper und schönem irisierendem Finish. Phoenician Glass wurde 1980 auf der Insel Manoel in Malta gegründet. Sie ist nach der antiken phönizischen Zivilisation benannt, die Malta im ersten Jahrtausend v. Chr. besiedelte.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 118 - Barocke Kapelle aus dem 17. Jahrhundert. Jh. Aus geschnitztem und vergoldetem Holz. Im Inneren befindet sich ein Gemälde. Maße: 104 x 75 x 56 cm. Barockes Kapellenstück aus geschnitztem und vergoldetem Holz. Die Kapelle steht auf einem profilierten Sockel mit scharfen Kanten und hat einen offenen Korpus mit Öffnungen in den seitlichen und vorderen Bereichen, die mit einem Rundbogen abgeschlossen sind. Die beiden seitlichen Öffnungen sind mit Malereien verziert, die Landschaften darstellen, während die mittlere Öffnung ein Ornament mit einer Verehrung aufweist. Die architektonisch inspirierte Struktur weist eine feine Schnitzarbeit auf, mit einem flachen Abschluss, der an den Ecken reich mit Abdeckungen verziert ist, die Bündel von Akanthusblättern darstellen.

Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

Los 119 - William & Mary Kommode. England, ca. 1680. Eiche und Nussbaum. Griffe aus Metall. Mit Gebrauchsspuren. Maße: 100 x 110 x 55 cm. Englische Kommode aus Mahagoniholz, die auf Beinen mit ausgeschnittenen Abschnitten steht und aus fünf Schubladen besteht, von denen die letzten beiden in einem einzigen Register verbunden sind. Das schlichte und elegante Design im Stil der William & Mary-Periode weist als einziges dekoratives Element ein geometrisches Muster auf, das in den Schubladen untergebracht ist und auf der Vorderseite ein attraktives, auf Rauten und Kanten basierendes Muster abbildet. Der William-and-Mary-Stil ist ein Möbeldesign, das von 1700 bis 1725 in den Niederlanden, England, Schottland und später in Englands amerikanischen Kolonien verbreitet war. Er war ein Übergangsstil zwischen manieristischen Möbeln und Queen-Anne-Möbeln. Es handelte sich um ein robustes Möbelstück, dessen Design sowohl gerade Linien als auch Kurven betonte, mit kunstvollen Schnitzereien und Drechselarbeiten. Der Stil war einer der ersten, der Elemente des asiatischen Designs, z. B. des japanischen, imitierte. 1688 wurde der englische König Jakob II. von seiner Tochter Maria und ihrem Ehemann Wilhelm von Oranien in der so genannten "Glorreichen Revolution" abgesetzt. Wilhelm und Maria brachten die Vorliebe für holländische Möbel in ihr Königreich mit, ebenso wie einige der holländischen Möbelhersteller. Obwohl die Bewegung hin zu dem, was als William-and-Mary-Stil bekannt wurde, bereits während der Herrschaft von Karl II. von England begonnen hatte, vor allem aufgrund des Einflusses seiner portugiesischstämmigen Königin, Katharina von Braganza, wurde der Stil während der Herrschaft von Wilhelm und Maria weithin definiert und akzeptiert.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 120 - Dekoratives Tablett des Künstlers J. Perez Fernandez. Madrid Villa y Corte, ca. 1926. "Invasion der Barbaren". Silber. Mit Schlägen. Präsentiert Restaurierung. Gewicht: 1.22 kgr Abmessungen: 42 x 60 cm. Es ist eine versilberte dekorative Platte, mit der Technik der "schiacciato", ein System der Modellierung in der skulpturalen Relief von den Römern verwendet und im fünfzehnten Jahrhundert von Donatello perfektioniert, die proportional zu reduzieren die Masse des Reliefs nach der Tiefe dargestellt werden soll gearbeitet. Diese bildhauerische Technik ermöglicht es, ein Flachrelief mit einer minimalen Abweichung (manchmal als Millimeter bezeichnet) gegenüber dem Hintergrund zu schaffen. Um dem Betrachter die Illusion von Tiefe zu vermitteln, wird die allmähliche Abnahme der Dicke durch die strikte Anwendung der Gesetze der Perspektive ergänzt, was die visuelle Wirkung verstärkt. So ragen die Figuren im Vordergrund weit aus dem Relief heraus, während die Treppe und das Kopfsteinpflaster im Hintergrund viel weniger aufragen und ihre Details durch eine weichere, flachere Ziselierung definiert sind. In diesem Relief ist die Detailgenauigkeit des Autors beeindruckend, dem es gelingt, die Anatomie der Pferde und sogar die Falten der Stoffe genau zu definieren. Die zentrale Szene stellt den Moment dar, in dem eine Gruppe von Barbaren, angeführt von dem ersten, der dem Rest der Gruppe voraus ist, gewaltsam in ein wichtiges klassisches Gebäude eindringt, wie die majestätische Treppe im Hintergrund andeutet. Jahrhundert statt, einer historischen Periode, die durch die Einwanderung barbarischer Völker gekennzeichnet war, die von den Europäern so genannt wurden, weil sie Ausländer waren und nicht die gemeinsame Sprache, d. h. Latein oder Griechisch, sprachen. Die Protagonisten wurden sehr detailliert dargestellt, wobei ihre Körper nur von herabhängenden Tuniken bedeckt sind, die den Blick auf ihren nackten Oberkörper freigeben. Hervorzuheben ist die gewalttätige Haltung der Barbaren, die ihre Speere in die Höhe recken, um ihre Wut und ihren Mut zu zeigen, und sich in verschiedenen und verdrehten Positionen umdrehen, wodurch eine dynamische Szene voller Vitalität entsteht, die dem Betrachter die Spannung des Augenblicks vermittelt. Der Künstler verzichtet auf eine Umrahmung des Geschehens und zwinkert dem Betrachter zu, da durch den Rahmen der Platte abgeschnittene Pferde dargestellt sind, die sich von hinten nähern und auf die großen Dimensionen anspielen, die die Barbarenheere zu seiner Zeit aufwiesen, und damit auf die Kraft, die sie bedeuteten. Die zentrale Szene ist von einer Dekoration in drei Registern umgeben. Das erste von ihnen zeigt eine Leiste, die aus der Wiederholung kleiner Kugeln besteht, die das zentrale Ereignis einer Bordüre unterteilen, in der eine Reihe von Flachreliefs aus Schriftrollen und Akanthus dargestellt sind. Das gleiche Muster wiederholt sich im dritten der Register, das breiter ist und ein zentrales Medaillon mit dem Titel der Szene zeigt. Vorhanden ist eine Restaurierung.

Schätzw. 650 - 700 EUR

Los 121 - Französisches Schaufenster. Periode Napoleon III, 19. Jahrhundert. Jh. Vergoldete Bronze, Marmor, Holz und Glas. Mit Gebrauchsspuren. Maße: 146 x 90 x 44 cm. Vitrine aus der Zeit Napoleons III., in deren Gestaltung der synkretistische und historisierende Geschmack der Epoche zu erkennen ist. Auf einem hölzernen Sockel steht der Glaskörper mit drei Einlegeböden und einer vergoldeten Bronzestruktur, deren Akanthusblätter und Festons die geformten Ecken schmücken. Er hat eine marmorierte Marmorplatte. Das Innere ist burgunderfarben gepolstert. Er ist auf Rollen aufgestellt.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 122 - Holländischer Tisch, 20. Jahrhundert. Ebenholz, Knochenfiletierung. Es stellt Spuren von Gebrauch und Kratzer auf der Oberseite. Abmessungen: 77 x 93 x 62 cm. Tisch aus Ebenholz, mit vier Beinen, geschnitzt mit Pflanzenschoten und Gallonen, verbunden durch röhrenförmige Querstreben. Die Taille und die Flanken der rechteckigen Platte sind mit Knochenfilets verziert, die die Geometrie des Entwurfs unterstreichen.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 123 - Große Deckenlaterne, ca. 1980er Jahre. Vergoldetes Metall und geätztes Buntglas. Mit acht inneren Lichtpunkten. Elektrifiziert. Mit Gebrauchsspuren. Maße: 105 x 70 x 70 cm; 175 cm. Gesamthöhe. Deckenleuchte mit goldener Metallstruktur. Die Laterne ist mit gravierten Kristallsteinen bedeckt, die Tränen- und Trapezformen in bernsteinfarbenen und durchscheinenden Farben kombinieren. Geprägtes Blattwerk ziert die Ranken am oberen Ende der Laterne und eine goldene Kugel schließt die umgekehrte, durchbrochene Kuppel am unteren Ende ab.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 124 - ANTONI SERRA (Barcelona, 1869-1932) und ENRIC CASANOVAS (Barcelona, 1882 - 1948). "Tirant l'art", ca. 1904-1907. Porzellan. Posenmarke auf dem Sockel der Fábrica de Porcellanes i Gres d'Art (Barcelona, 1904-1926). Maße: 21 x 20 cm (Durchmesser). Diese zarte Porzellanvase mit dem Titel Tirant l'art ist ein Beispiel für die künstlerische Qualität von Antoni Serra und Enric Casanovas, die mehrfach zusammenarbeiteten. Ein ähnliches Exemplar wie das vorliegende befindet sich in der Sammlung des Museu Nacional d'Art de Catlunya, was auf die Bedeutung des Werks als Symbol der modernistischen Epoche zurückzuführen ist. Die Linie der Serra-Keramiker beginnt mit Antoni Serra Fiter (1869-1932), der im Rahmen des Modernisme die erste auf Keramik und Porzellankunst spezialisierte Werkstatt in Spanien gründete. Auf Serra Fiter folgten seine Söhne Antonio (1905-85), Josep (1906-89) und Enric (1908-86) Serra Abella, die eine neue Phase mit einer völlig neuen Ausrichtung einleiteten. Jordi Serra Moragas (1942), Sohn von Josep Serra Abella, setzt die Familientradition fort. Der Bildhauer Enric Casanovas begann seine Ausbildung als Schüler von Josep Llimona und trat dann in die Schule La Lonja in Barcelona ein. Im Jahr 1900 unternahm er seine erste Reise nach Paris, und nach seiner Rückkehr stellte er seine Werke im Els Quatre Gats aus. Zwischen 1904 und 1913 lebte er zwischen Paris und Barcelona und stand unter anderem in Kontakt mit Picasso, Maillol und Gargallo. 1920 erhielt er einen Sonderraum auf der Ausstellung der Schönen Künste, und 1922 nahm er an der Ausstellung katalanischer Künstler in Amsterdam teil. Fünf Jahre später stellte er seine Werke in Italien aus, und 1929 wurde er auf der Weltausstellung in Barcelona mit der Goldmedaille ausgezeichnet. 1932 wurde er in die Akademie der Schönen Künste von San Jorge aufgenommen, und 1935 erhielt er den Campeny-Preis der Generalitat de Catalunya. Derzeit ist er im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, im Stadtmuseum von Tossa de Mar, im Kunstmuseum Jaume Morera in Lleida, im Skulpturenmuseum Luis Perlotti in Buenos Aires und im MACBA in Barcelona vertreten.

Schätzw. 2 000 - 2 200 EUR

Los 125 - Cordovan aus dem 18. Jahrhundert. Geprägtes und vergoldetes Leder. Maße: 72 x 118 cm; 84 x 128 cm (Rahmen). Dekorative Tafel aus geformtem und geprägtem Leder auf blauem Hintergrund. Das ornamentale Muster zeichnet sich durch seine Eleganz aus und basiert auf einer rhythmischen und symmetrischen Struktur mit floralen und vegetabilen Motiven, die rhythmisch entlang der Vorderseite angeordnet sind. Das Guadamecil oder Guadamecí, auch als Cordoba-Leder bekannt, ist ein Produkt, das ursprünglich aus Nordafrika stammt und im 9. In Spanien wurden diese geprägten Ledertapisserien als guadamecí bezeichnet, nach der libyschen Stadt Ghadames, während cordobanes ("Cordovan") für weiches Ziegenleder stand. Im Jahr 1316 gab es in Barcelona eine Zunft für Cuir de Cordoue (Leder aus Cordoba). Spanisches Goldleder war bis zum Beginn des 17. Jahrhunderts beliebt. Im 15. oder 16. Jahrhundert erreichte die Technik die Niederlande, zunächst in Flandern und Brabant, wo sie sich weiter entwickelte. Obwohl es in mehreren Städten (z. B. Antwerpen, Brüssel und Gent) Handwerker gab, war Mechelen das Hauptzentrum für die Herstellung von Goldleder. Es wurde auch nach Deutschland, Dänemark, Schweden, China und Japan exportiert. Der letzte Goldlederhändler in Amsterdam, Willem van den Heuvel, schloss um 1680, aber Handel und Produktion wurden in Flandern und Nordfrankreich fortgesetzt. Mit dem Aufkommen der bedruckten Tapeten ab etwa 1650, die häufig aus China importiert und in Europa hergestellt wurden, begann der Niedergang der viel teureren Ledertapeten, obwohl sie in sehr luxuriösen Häusern weiterhin in einem eher revivalistischen Geist verwendet wurden.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 126 - Florentiner Truhe aus dem 19. Jahrhundert. Jh. Ebonisiertes Holz mit Knocheneinlage. Maße: 73 x 133 x 45 cm. Diese Kommode florentinischen Ursprungs, die von der Renaissance inspiriert ist, zeichnet sich durch die Eleganz und Feinheit der Knochenintarsien auf der Vorderseite aus. Diese stellen drei Götter der Antike (Ceres, Aphrodite und Hermes) dar, die nach klassischen bildhauerischen Vorbildern konzipiert wurden. Jede Gottheit wird von einem filigranen Pavillon umrahmt, der in einem Halbkreisbogen endet. Die Paneele, die die Vorderseite des Schrankes in drei Felder gliedern, sind mit ineinander verschlungenen Blumen verziert. Die Seiten sind mit barocken Ausgießern und Blumen verziert. Der Schrank steht auf Kugelfüßen und hat einen Scharnierdeckel.

Schätzw. 450 - 500 EUR

Los 127 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Die sieben Künste", 1980. Sechs von Dalí dekorierte Porzellanteller. Auf der Rückseite betitelt und signiert. Zertifikate auf der Rückseite. Maße: 25,5 cm (Durchmesser). Sechs Platten von Salvador Dalís Werk, betitelt und signiert. Darstellung auf jeder Platte der 7 Künste nach Salvador Dalí: Malerei, Architektur, Musik, Poesie, Tanz, Bildhauerei und Theater. Mit Echtheitszertifikat auf der Rückseite einer autorisierten Auflage von 5.000 Sammlungen eingraviert. Scenes auf der Platte gedruckt. Hergestellt aus weißer Bidasoa-Keramik mit Goldrand, Marke auf dem Boden. In seinen frühen Jahren entdeckte Dalí die zeitgenössische Malerei bei einem Familienbesuch in Cadaqués, wo er die Familie von Ramon Pichot kennenlernte, einem Künstler, der regelmäßig nach Paris reiste. Auf Anraten von Pichot begann Dalí, bei Juan Núñez Malerei zu studieren. Im Jahr 1922 wohnte Dalí in der berühmten Residencia de Estudiantes in Madrid, um ein Studium der Schönen Künste an der Akademie San Fernando zu beginnen. Vor seiner Abschlussprüfung im Jahr 1926 wurde er jedoch von der Schule verwiesen, weil er behauptete, dass es dort niemanden gab, der ihn hätte prüfen können. Im selben Jahr reiste Dalí zum ersten Mal nach Paris. Dort lernte er Picasso kennen und legte einige formale Merkmale fest, die von da an für sein gesamtes Werk charakteristisch sein sollten. Während dieser Zeit stellte Dalí regelmäßig in Barcelona und Paris aus und schloss sich der surrealistischen Gruppe im Pariser Viertel Montparnasse an. Dank des Kunsthändlers Julian Levy landet der Maler 1934 in Amerika. Mit seiner ersten Einzelausstellung in New York wurde sein internationaler Ruf endgültig gefestigt, und seither stellt er seine Werke in der ganzen Welt aus und hält Vorträge. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von der Sammlung des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London. Bescheinigungen auf der Rückseite.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 128 - Persischer Ghoum-Teppich, ca. 1980-1990. Handgeknüpfte Wolle. Maße: 232 x 340 cm. Ghoum-Teppich, der in iranischen Werkstätten aus handgeknüpfter Wolle hergestellt wird und in dem sich ein üppiger vegetabiler Stil entwickelt, der auf Paisleys als Hauptmotiv des zentralen Feldes basiert, um das herum Blumenbouquets verteilt sind. Das Feld ist weiß und beige, die Komplementärfarben sind rot, blau und grün. Die Bordüre besteht aus drei Bändern, von denen das mittlere breiter ist und mit Rosetten und Blattbordüren verziert ist.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 129 - Ein Satz von zwei Stühlen, zwei Sesseln und einer Bank KOHN. Österreich, Anfang 20. Jahrhundert. Jh. Samtpolsterung und Holzgestell. Es präsentiert Flecken und Schäden typisch für den Lauf der Zeit. Abmessungen: 122 x 104 x 47 cm (Kanapee); 59 x 55 x 99 cm (Sessel); 40 x 45 x 93 cm (Stuhl). Diese Sitzgruppe ist ein herausragender Vertreter des Wiener Jugendstils. Die durchbrochenen Rücken- und Armlehnen erinnern an die Kreationen von Michael Thonet, der eine eigene Technik erfand, um Holz auf einzigartige Weise zu biegen, was ihm große Plastizität und Leichtigkeit verleiht. Sie ruhen auf geraden, geformten Beinen. Die Polsterung ist mit subtilen floralen Motiven verziert.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 130 - Spanischer Teppich aus der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Handgeknüpfte Wolle. Benötigt Restaurierung. Es hat kleine Schnitte. Maße: 395 x 302 cm. Großzügig bemessener Teppich aus handgeknüpfter Wolle. Er zeigt ein kastanienbraunes Feld mit Blumendekor, das von einer zentralen, mit Girlanden verzierten Rosette angeführt wird, die von Hörnern oder Füllhörnern flankiert wird, die in perfekter Symmetrie angeordnet sind. Ein pflanzliches Laubsägewerk auf der Grundlage von Girlanden bildet das erste Band der Bordüre, gefolgt von zwei weiteren Bändern, von denen das äußere mit einer Kombination aus geometrischen Formen und Blumenkränzen gestaltet ist, so dass jedes der letzteren in einem Mosaik untergebracht ist. Es dominieren Ocker-, Rosa-, Braun- und Rottöne.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 131 - Nach Modellen von KARL HAGENAUER (Österreich, 1898 - 1956). "Strauß". Versilbertes Metall. Abmessungen: 16 x 6 cm. In der Herstellung dieses Straußes zeigt sich der Stil von Karl Hagenauer: eine essentielle und synthetische Modellierung, die typisch für das Art déco ist, ohne jedoch den Naturalismus zu vernachlässigen. Der Sohn des Goldschmieds Carl Hagenauer studierte an der Wiener Kunstgewerbeschule, wo er von Josef Hoffmann und Oskar Strnad unterrichtet wurde und den Geist der Wiener Wekstätte in sich aufnahm. Nach seinem Architekturdiplom leistete er zwischen 1917 und 1919 seinen Militärdienst ab und begann nach seiner Rückkehr als Architekt und in der väterlichen Werkstatt zu arbeiten. In diesen Jahren schuf er zahlreiche Arbeiten aus Silber, Messing, Kupfer, Emaille, Elfenbein, Stein und Holz. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er 1928 die Leitung der Werkstatt und war für die Expansion des Unternehmens verantwortlich, indem er die Produktion auf die Tischlerei ausdehnte und Geschäfte in Wien und Salzburg eröffnete. Von da an stellte er seine besten Stücke im In- und Ausland aus, wurde zweimal mit der Goldmedaille der Mailänder Triennale ausgezeichnet und zum Mitglied des Österreichischen Werkbundes und der Werkstätte ernannt. Heute sind seine Werke Teil von Sammlungen auf der ganzen Welt, darunter das Victoria & Albert Museum in London, das MoMA und das Jüdische Museum in New York, die Casa Lis in Salamanca und viele andere.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 132 - Nach Modellen von KARL HAGENAUER (Österreich, 1898 - 1956). "Reiter". Versilbertes Metall. Abmessungen: 11 x 12 cm. In der Herstellung dieses Reiters zeigt sich der Stil von Karl Hagenauer: eine essentielle und synthetische Modellierung, die typisch für das Art déco ist, ohne jedoch den Naturalismus zu vernachlässigen. Der Sohn des Goldschmieds Carl Hagenauer studierte an der Wiener Kunstgewerbeschule, wo er von Josef Hoffmann und Oskar Strnad unterrichtet wurde und den Geist der Wiener Wekstätte in sich aufnahm. Nach seinem Architekturdiplom leistete er zwischen 1917 und 1919 seinen Militärdienst ab und begann nach seiner Rückkehr als Architekt und in der väterlichen Werkstatt zu arbeiten. In diesen Jahren schuf er zahlreiche Arbeiten aus Silber, Messing, Kupfer, Emaille, Elfenbein, Stein und Holz. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er 1928 die Leitung der Werkstatt und war für die Expansion des Unternehmens verantwortlich, indem er die Produktion auf die Tischlerei ausdehnte und Geschäfte in Wien und Salzburg eröffnete. Von da an stellte er seine besten Stücke im In- und Ausland aus, wurde zweimal mit der Goldmedaille der Mailänder Triennale ausgezeichnet und zum Mitglied des Österreichischen Werkbundes und der Werkstätte ernannt. Heute sind seine Werke Teil von Sammlungen auf der ganzen Welt, darunter das Victoria & Albert Museum in London, das MoMA und das Jüdische Museum in New York, die Casa Lis in Salamanca und viele andere.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 133 - Nach Modellen von KARL HAGENAUER (Österreich, 1898 - 1956). "Mit den Hunden spazieren gehen". Metall. Maße: 12 x 11 cm. In der Ausarbeitung dieses Hundeführers zeigt sich der Stil von Karl Hagenauer: eine essentielle und synthetische Modellierung, die typisch für das Art déco ist, ohne jedoch den Naturalismus zu vernachlässigen. Der Sohn des Goldschmieds Carl Hagenauer studierte an der Wiener Kunstgewerbeschule, wo er von Josef Hoffmann und Oskar Strnad unterrichtet wurde und den Geist der Wiener Wekstätte in sich aufnahm. Nach seinem Architekturdiplom leistete er zwischen 1917 und 1919 seinen Militärdienst ab und begann nach seiner Rückkehr als Architekt und in der väterlichen Werkstatt zu arbeiten. In diesen Jahren schuf er zahlreiche Arbeiten aus Silber, Messing, Kupfer, Emaille, Elfenbein, Stein und Holz. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er 1928 die Leitung der Werkstatt und war für die Expansion des Unternehmens verantwortlich, indem er die Produktion auf die Tischlerei ausdehnte und Geschäfte in Wien und Salzburg eröffnete. Von da an stellte er seine besten Stücke im In- und Ausland aus, wurde zweimal mit der Goldmedaille der Mailänder Triennale ausgezeichnet und zum Mitglied des Österreichischen Werkbundes und der Werkstätte ernannt. Heute sind seine Werke Teil von Sammlungen auf der ganzen Welt, darunter das Victoria & Albert Museum in London, das MoMA und das Jüdische Museum in New York, die Casa Lis in Salamanca und viele andere.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 134 - Nach Modellen von KARL HAGENAUER (Österreich, 1898 - 1956). "Engelsfisch". Versilbertes Metall. Abmessungen: 16 x 13 cm. In der Herstellung dieses Engelsfisches zeigt sich der Stil von Karl Hagenauer: eine essentielle und synthetische Modellierung, die typisch für das Art déco ist, ohne jedoch den Naturalismus zu vernachlässigen. Der Sohn des Goldschmieds Carl Hagenauer studierte an der Wiener Kunstgewerbeschule, wo er von Josef Hoffmann und Oskar Strnad unterrichtet wurde und den Geist der Wiener Wekstätte in sich aufnahm. Nach seinem Architekturdiplom leistete er zwischen 1917 und 1919 seinen Militärdienst ab und begann nach seiner Rückkehr als Architekt und in der väterlichen Werkstatt zu arbeiten. In diesen Jahren schuf er zahlreiche Arbeiten aus Silber, Messing, Kupfer, Emaille, Elfenbein, Stein und Holz. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er 1928 die Leitung der Werkstatt und war für die Expansion des Unternehmens verantwortlich, indem er die Produktion auf die Tischlerei ausdehnte und Geschäfte in Wien und Salzburg eröffnete. Von da an stellte er seine besten Stücke im In- und Ausland aus, wurde zweimal mit der Goldmedaille der Mailänder Triennale ausgezeichnet und zum Mitglied des Österreichischen Werkbundes und der Werkstätte ernannt. Heute sind seine Werke Teil von Sammlungen auf der ganzen Welt, darunter das Victoria & Albert Museum in London, das MoMA und das Jüdische Museum in New York, die Casa Lis in Salamanca und viele andere.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 135 - Nach Modellen von KARL HAGENAUER (Österreich, 1898 - 1956). "Pferd". Versilbertes Metall mit Goldauflage. Es zeigt Verschleiß. Maße: 11 x 10 cm. In der Herstellung dieses Pferdes zeigt sich der Stil von Karl Hagenauer: eine essentielle und synthetische Modellierung, die typisch für das Art déco ist, ohne jedoch den Naturalismus zu vernachlässigen. Der Sohn des Goldschmieds Carl Hagenauer studierte an der Wiener Kunstgewerbeschule, wo er von Josef Hoffmann und Oskar Strnad unterrichtet wurde und den Geist der Wiener Wekstätte in sich aufnahm. Nach seinem Architekturdiplom leistete er zwischen 1917 und 1919 seinen Militärdienst ab und begann nach seiner Rückkehr als Architekt und in der väterlichen Werkstatt zu arbeiten. In diesen Jahren schuf er zahlreiche Arbeiten aus Silber, Messing, Kupfer, Emaille, Elfenbein, Stein und Holz. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er 1928 die Leitung der Werkstatt und war für die Expansion des Unternehmens verantwortlich, indem er die Produktion auf die Tischlerei ausdehnte und Geschäfte in Wien und Salzburg eröffnete. Von da an stellte er seine besten Stücke im In- und Ausland aus, wurde zweimal mit der Goldmedaille der Mailänder Triennale ausgezeichnet und zum Mitglied des Österreichischen Werkbundes und der Werkstätte ernannt. Heute sind seine Werke Teil von Sammlungen auf der ganzen Welt, darunter das Victoria & Albert Museum in London, das MoMA und das Jüdische Museum in New York, die Casa Lis in Salamanca und viele andere.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 136 - Nach Modellen von KARL HAGENAUER (Österreich, 1898 - 1956). "Elefant". Versilbertes Metall. Maße: 8 x 8 cm. In der Herstellung dieses Elefanten zeigt sich der Stil von Karl Hagenauer: eine essentielle und synthetische Modellierung, die typisch für das Art déco ist, ohne jedoch den Naturalismus zu vernachlässigen. Der Sohn des Goldschmieds Carl Hagenauer studierte an der Wiener Kunstgewerbeschule, wo er von Josef Hoffmann und Oskar Strnad unterrichtet wurde und den Geist der Wiener Wekstätte in sich aufnahm. Nach seinem Architekturdiplom leistete er zwischen 1917 und 1919 seinen Militärdienst ab und begann nach seiner Rückkehr als Architekt und in der väterlichen Werkstatt zu arbeiten. In diesen Jahren schuf er zahlreiche Arbeiten aus Silber, Messing, Kupfer, Emaille, Elfenbein, Stein und Holz. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er 1928 die Leitung der Werkstatt und war für die Expansion des Unternehmens verantwortlich, indem er die Produktion auf die Tischlerei ausdehnte und Geschäfte in Wien und Salzburg eröffnete. Von da an stellte er seine besten Stücke im In- und Ausland aus, wurde zweimal mit der Goldmedaille der Mailänder Triennale ausgezeichnet und zum Mitglied des Österreichischen Werkbundes und der Werkstätte ernannt. Heute sind seine Werke Teil von Sammlungen auf der ganzen Welt, darunter das Victoria & Albert Museum in London, das MoMA und das Jüdische Museum in New York, die Casa Lis in Salamanca und viele andere.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 137 - Heruka Chakrasamvara und Vajrayogini; Tibet, 19. Jahrhundert. Ziselierte und emaillierte Bronze. Maße: 21 x 15,5 x 10 cm. Chakrasamvara repräsentiert das männliche Prinzip oder die Glückseligkeit oder die "richtige Methode", während Vajravarahi, auch Dakini und Vajrayogini genannt, für Leerheit, Weisheit und klares Licht steht. Während der tantrischen Meditation wird die Vereinigung dieser beiden Prinzipien genutzt, um erleuchtete Zustände des Geistes zu erzeugen. Chakrasamvara, die tantrische Manifestation von Buddha Shakyamuni, verkörpert die Vereinigung von Methode und Weisheit (Glückseligkeit und Leerheit); er umarmt seine Gefährtin Vajrayogini und wird mit vier Gesichtern dargestellt, die die vier erleuchteten Aktivitäten symbolisieren: Befriedung, Bereicherung, Magnetisierung und Zerstörung. Die komplexe Ikonographie dieser Gottheit war eine Herausforderung für die Kunsthandwerker, die dazu führte, dass nur die besten künstlerischen Werkstätten die Figur des Chakrasamvara reproduzierten, wobei die der Newari aus Nepal am meisten geschätzt wurden. In diesem besonderen Fall zeigt das Stück eine offensichtliche technische Qualität, die sich in einer großen Ausdruckskraft und Härte der Züge ausdrückt. Es ist dieser Stil, der darauf hinweist, dass es sich um eine tibetische Skulptur handelt, die sich für diese Art der Darstellung entschieden hat, im Gegensatz zu anderen, sanfteren Darstellungen aus anderen Kunstzentren.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 138 - Fu-Löwe, möglicherweise nepalesisch, 19. Jahrhundert. In Sterlingsilber 900. Gewicht: 7,7 kg. Abmessungen: 61 x 74 x 20 cm. Skulptur aus Sterlingsilber, die einen fein gemeißelten Tempelwächter-Löwen darstellt, mit geöffnetem Maul, das die Reißzähne und die Details der kleinen Zähne zeigt. Die dichte Mähne wurde mit der gleichen Sorgfalt Locke für Locke zu einem Meer von Strähnen aufgelöst. Die spiralförmigen Locken verwandeln sich zum Rücken hin in blattartige Motive. Die Anatomie ist kompakt und weist eine ähnliche Perfektion auf. Der aufgerichtete und über den Rücken gerollte Schwanz vervollständigt die defensive Haltung des Tieres, das sich auf vier ausgestreckten Beinen abstützt. Nepalesische Wächterlöwen sind traditionelle Skulpturen, die oft am Eingang von Tempeln, Palästen und anderen wichtigen Gebäuden aufgestellt werden. Sie haben eine große kulturelle und symbolische Bedeutung, vor allem als Schutz für heilige Gebäude (um böse Geister abzuwehren). Wenn sie paarweise dargestellt werden, hat oft einer der Löwen das Maul geöffnet, was die Aussprache des Lautes "A" (der Anfang) symbolisiert, während der andere das Maul geschlossen hat, was den Laut "Um" (das Ende) symbolisiert, was zusammen den Kreislauf von Leben und Tod darstellt. Die nepalesischen Wächterlöwen-Skulpturen sind sehr detailreich. Sie können aus Stein, Metall oder Holz gefertigt sein und haben oft einen grimmigen Gesichtsausdruck und muskulöse Körper. Prominente Beispiele für Wächterlöwen finden sich auf dem Durbar Square in Kathmandu, dem Swayambhunath-Tempel (auch bekannt als Affentempel) und anderen historischen und religiösen Stätten in ganz Nepal.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 139 - Weihrauchfass; China, Qing-Dynastie, 18. Jahrhundert. Patinierte Bronze. Es trägt apokryphe Zeichen aus der Xuande-Zeit (1426-1435). Maße: 11 x 27 x 27 cm. Kleines Altargerät aus patinierter Bronze, kugelförmig, mit drei Beinen und seitlichen Griffen, die alle Taotie-Köpfe darstellen. Das Stück hat eine glatte Oberfläche, fast ohne Verzierung, die eine reine Oberfläche aufweist, die allein schon ausreicht, um dem Stück Schönheit und Eleganz zu verleihen. Es ist erwähnenswert, dass der Taotie ein altes chinesisches Fabelwesen ist, das in Bronze gegossen wurde, wie in diesem Beispiel. Das Taotie ist eine der "vier bösen Kreaturen der Welt". Sie werden von den vier heiligen Kreaturen, dem blauen Drachen, dem zinnoberroten Vogel, dem weißen Tiger und der schwarzen Schildkröte bekämpft. Das Taotie wird häufig als Motiv auf Dings, chinesischen rituellen Bronzegefäßen aus den Shang- (1766-1046 v. Chr.) und Zhou-Dynastien (1046-256 v. Chr.), dargestellt. Unter der Qing-Dynastie blühten die ererbten Kunstformen auf, und es kam zu Innovationen auf vielen Ebenen und in vielen Arten. Ein hohes Maß an Alphabetisierung, ein erfolgreiches Verlagswesen, blühende Städte und die konfuzianische Betonung der Kultivierung förderten ein lebendiges und kreatives kulturelles Umfeld. In dieser Zeit gewann auch die europäische Tendenz zur Nachahmung chinesischer Kunsttraditionen, die so genannte Chinoiserie, aufgrund des zunehmenden Handels mit China und der allgemeinen Strömung des Orientalismus in Europa große Popularität.

Schätzw. 5 000 - 5 500 EUR

Los 140 - Fächer "Milcaras"; China, Kanton, Qing-Dynastie, erstes Drittel des neunzehnten Jahrhunderts. Gemeißelt, Laubsägearbeiten und emailliertem Silber und Gouache Papier Land mit Seide Anwendungen. Es präsentiert Fehler und Restaurierungen. Die Messungen: 24 cm. Milcaras Stil Fan mit gemeißelten, emailliert und emailliert Silber und Gouache Papier Land mit Seide Anwendungen. Diese Art von Fächern, so genannt wegen der Anwendung von kleinen Elfenbeinplatten für die Gesichter, sind durch die handgemalten Papier Land, mit großen Szenen in Gärten, durch den alten chinesischen Hof inspiriert gekennzeichnet. In der Regel überwiegt eine Palette, die der von Porzellan ähnelt, wie bei dem fraglichen Stück. I Es präsentiert Fehler und Restaurierungen.

Schätzw. 2 100 - 2 200 EUR

Los 141 - Paar Satsuma-Vasen. Japan, XIX Jahrhundert. Glasierte Keramik und Ebenholzsockel. Mit leichten Verschleiß durch den Lauf der Zeit. Maße: 78 x 32 x 32 cm, 164 x 39 x 39 x 39 cm (mit Ständer). Japanische Vase vom Typ Satsuma, reich verziert mit Reliefs, dicken Emaillen und Vergoldungen. Sie haben einen eiförmigen Bauch und einen schmalen Hals, der sich zur Öffnung hin verbreitert und flach ausläuft. Unterhalb des Halses sind sie mit konvexen Reliefs verziert. Ansonsten ist die Dekoration vollständig emailliert, in einer breiten Palette von Farben, in denen Gold überwiegt, wie es bei Satsuma üblich ist. Die Hauptmotive, pflanzliche, sind auf dem Bauch umrahmt, auf einem goldenen Hintergrund, sehr typisch für japanisches Porzellan, die wir auch auf dem Fuß und Hals zu sehen. Diese Szenen sind durch verschiedene Figuren aus der japanischen Mythologie und Religion gekennzeichnet: Götter, Krieger und Mönche. Die Satsuma-Keramik wurde seit dem frühen 18. Jahrhundert auf der Insel Kyushu hergestellt und war stark koreanisch beeinflusst, da sie sogar zu koreanischen Töpfern gebracht wurde. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts wurde sie in Japan so beliebt, dass das Produktionszentrum nach Awata in der Nähe von Kyoto verlegt wurde. Es gibt also eine lokale Produktion im 18. Jahrhundert, obwohl die bereits in Awata hergestellten Stücke für den Export im 19. Jahrhundert eine größere Bedeutung haben. Die Paste ist kein Porzellan, sondern eine sehr leichte, poröse helle Terrakotta. Die Glasur ist feldspathaltig und mit Holzasche vermischt. Das charakteristischste Merkmal der Satsuma-Keramik ist ihr dekorativer Reichtum, der manchmal sogar übertrieben ist. Im Allgemeinen sind die Motive mit goldener Glasur gebürstet, wie wir hier sehen, eine Neuheit im Vergleich zu früheren Stilen. Darüber hinaus werden die Verzierungen mit sehr unterschiedlichen polychromen Emaillen vervollständigt: grün, rot, weiß, türkis, rosa und vor allem "Gosu"-Blau, das begehrteste von allen, mit einem sehr dunklen Ton und typisch für die besten Satsuma des 19. Jahrhunderts. Außerdem handelt es sich um sehr dicke Glasuren, die sogar Reliefs aufweisen, wie wir bei diesen Stücken sehen. Die dekorativen Motive waren sehr unterschiedlich, von den floralen, die in der Inlandsproduktion vorherrschten, bis zu den figurativen, die bei den für den Export bestimmten Stücken am häufigsten vorkamen.

Schätzw. 4 000 - 4 200 EUR

Los 142 - Tablett; Indochina, um 1900 Hogmu-Holz und Perlmutt. Es hat Übermalung und Inlay Verluste. Maße: 62 x 41 cm. Rechteckiges Tablett aus Hogmu-Holz, das im alten Indochina, dem heutigen Vietnam, hergestellt wurde. Es ist mit figurativen Motiven verziert, die Szenen am Hof darstellen, sowie mit floralen Elementen, die sehr fein in Perlmutt eingelegt sind und einem Stil mit chinesischem Einfluss folgen. Übermalungen und Einlegearbeiten sind beschädigt.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 143 - Foo-Hund; China, Qing-Dynastie, Kangxi-Periode, 1662-1722. Porzellan, glasiert und emailliert. Präsentiert Restaurierungen und Übermalungen. Abmessungen: 16,5 x 15,5 x 6,5 cm. Der Foo-Löwe, in vielen Fällen auch als Foo-Hund bekannt, ist ein wichtiges Symbol innerhalb der chinesischen taoistischen Kultur und, durch seinen Einfluss, auch der japanischen oder thailändischen. Er wird mit dem Schutz vor bösen Geistern gleichgesetzt, und daher werden sie oft paarweise am Eingang von Tempeln, kaiserlichen Gräbern, Palästen, Regierungsgebäuden usw. dargestellt. Sie sind auch als kaiserliche Wächter bekannt und waren in der Kunst des traditionellen Chinas sehr häufig vertreten. Ihnen werden mythische Schutzkräfte zugeschrieben, und sie erscheinen bereits in der Han-Dynastie (206 v. Chr. - 220 n. Chr.) an den Eingängen wichtiger Gebäude. Auch heute noch sind Foo Dogs häufig als Dekoration und symbolische Elemente am Eingang von Gebäuden aller Art zu finden, von Hotels bis zu Supermärkten. Man findet sie sowohl in China als auch in anderen Ländern mit chinesischer Auswandererbevölkerung. Es werden Restaurierungen und Neuanstriche vorgestellt.

Schätzw. 1 100 - 1 200 EUR

Los 144 - Paar Jue-Ritualtassen; China, Qing-Dynastie, Kangxi-Periode, 1662-1722-. Porzellan glasiert. Sie zeigen Restaurierungen. Maße: 7,5 x 8 x 6 cm (x2). Im Britischen Museum ist ein Stück zu sehen, das dem vorliegenden Set sehr ähnlich ist (N Inv, 1847, 0712. 319). Ein Jue ist eine Art altes chinesisches Gefäß, das bei Zeremonien zur Ahnenverehrung zum Servieren von Glühwein verwendet wurde. Es hat die Form eines eiförmigen Körpers, der von drei verlängerten dreieckigen Beinen getragen wird, mit einer langen gebogenen Tülle auf der einen Seite und einem Gegengewichtsrand auf der anderen Seite. Sie sind das kleine chinesische Pendant zur Ewer. Der Name jue ist nicht ursprünglich, sondern stammt aus dem Shuowen Jiezi, einem Wörterbuch aus dem 2. Jahrhundert nach Christus. Der Ursprung des Gefäßes liegt im Neolithikum als Keramikgefäß der Longshan-Kultur zwischen 2500 und 2000 v. Chr. Während der Shang- und Zhou-Dynastien des bronzezeitlichen Chinas wurde es zu einer der zahlreichen chinesischen Ritualbronzen. Sie stellen Restaurierungen dar.

Schätzw. 1 100 - 1 200 EUR

Los 145 - Rituelles Gefäß. China. Qing-Dynastie, XVIII-XIX Jahrhunderte. Patinierte Bronze. Maße: 25 cm x 28 cm x 28 cm. Bronzegefäß mit zwei Henkeln und reliefierten Blattwerken auf dem ovalen Korpus. Synthetische, in die Bronze geritzte pflanzliche Motive vervollständigen die Dekoration. Die rituellen Gefäße der Qing-Dynastie stellen eine Kombination aus Kunst, Religion und Kultur dar. Sie dienten als wichtige zeremonielle Artefakte, die das Geistige mit dem Materiellen im täglichen Leben und den rituellen Praktiken des kaiserlichen Chinas verbanden.

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 146 - Japanische Vase. Meiji, Ende des neunzehnten - Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts. Bronze und Cloisonné-Emaille. Maße: 27 x 19 x 19 cm. Chinesische Vase aus der Quing-Dynastie, wahrscheinlich während der Herrschaft von Guangxu hergestellt. Der Bronzekorpus hat eine elegante Bullonado-Form. Sie ist mit bunten Emaillen in Cloisonné-Technik verziert. Schmetterlinge und Chrysanthemen mit großen Blütenkronen schmücken den Bauch auf himmelblauem Grund, während stilisierte und synthetische Motive den langen Hals zieren.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 147 - Vajrapani. Tibet, 19. Jahrhundert. Bronze. Zeigt Gebrauchs- und Abnutzungsspuren. Maße: 24 x 19 x 8 cm. Vajrapani erscheint hier in der Haltung eines Kriegers, der in einer Hand den Vajra und in der anderen einen Seilbogen trägt, der die Vereinigung der Wesen mit der letzten Wahrheit symbolisiert. Vajrapani ist einer der ersten Bodhisattvas, die im Mahayana-Buddhismus erscheinen. Er ist der Beschützer und Führer von Gautama Buddha und symbolisiert die Kraft des Buddha. Vajrapani wird auch Chana Dorji und Chador genannt und wird in der buddhistischen Ikonografie häufig als einer der ersten drei Schutzgottheiten oder Bodhisattvas dargestellt, die den Buddha umgeben. Jeder von ihnen symbolisiert eine der Tugenden des Buddha: Manyushri verkörpert die gesamte Weisheit der Buddhas, Avalokitevara verkörpert das unermessliche Mitgefühl aller Buddhas und Vajrapani schützt den Buddha und verkörpert die gesamte Kraft der Buddhas. Er wird im Shaolin-Kloster, im tibetischen Buddhismus und im Reinland-Buddhismus verehrt (wo er als Mahasthamaprapta bekannt ist und eine Triade mit Amit?bha und Avalokite?vara bildet). Manifestationen von Vajrap?ni findet man auch in vielen buddhistischen Tempeln in China, Taiwan und Japan als Dharma-Beschützer, die die Türen von Klöstern und Tempeln bewachen. Vajrap?ni wird auch mit Acala assoziiert, wo er als Vajra-Halter ein Ständchen bringt.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 148 - Tibetischer Buddha, 19. Jahrhundert. "Manjushri". Patinierte Bronze. Es stellt Spuren von Gebrauch und Verschleiß. Abmessungen: 22 x 14 x 10 cm. Manjushri ist ein Bodhisattva, der die höchste Weisheit im Mahayana-Buddhismus repräsentiert. Er erscheint hier mit einer Vielzahl von Armen, die ein Schwert (als Symbol für die Macht der Weisheit, Unwissenheit und Illusionen zu durchtrennen), Bücher und Schriftrollen aufgerollt (als Symbol für Wissen und heilige Lehren) tragen. Manjushri verkörpert die Weisheit, die zur Erleuchtung führt und dient als spiritueller Führer für Praktizierende, die danach streben, die tiefen Wahrheiten des Universums zu verstehen und von Leiden befreit zu werden.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 149 - Tibetischer Gau des XIX. Jahrhunderts. Versilbertes Kupfer, Leder und Kristall. Handgemalte Terrakotta-Figur im Inneren. Es hat Spuren von Gebrauch und Abnutzung. Maße: 15 x 10 x 6 cm. Gau- oder tibetischer Reliquienschrein aus gemeißeltem Kupfer, verziert mit reliefierten Blumenkränzen, die ein für diese Amulette charakteristisches, kompliziertes Ornament bilden. Es beherbergt einen handbemalten Bodditsatvua aus Terrakotta. Die Figur wird durch einen Kristall geschützt. Sie hat die Form eines Kastens mit einem spitzen Bogen oben. Gaus werden verwendet, um heilige Reliquien, Talismane, auf Papier oder Pergament gedruckte Mantras oder kleine Statuen von Gottheiten zu enthalten. Es wird angenommen, dass das Tragen eines Gau in der Nähe des Körpers spirituellen Schutz bietet.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 150 - Tibetischer Buddha, XIX. Jahrhundert. Patinierte Bronze. Es stellt Spuren von Gebrauch, Verschleiß. Abmessungen: 24 x 15 x 11,5 cm. Runde Skulptur aus Bronze. Sie stellt den sitzenden Buddha im Lotussitz dar, mit mehreren "Lakshana", ikonografischen Symbolen, die die Buddhas und Bodhisattvas identifizieren. Die geschlossenen Augenlider sind ein Symbol der geistigen Konzentration und auch der Reinheit und vervollständigen ein heiteres Gesicht mit einem angedeuteten Lächeln, Symbol für das Gleichgewicht eines vollkommenen Wesens. Die verlängerten Ohrläppchen spielen auf die großen Ohrringe an, die von Mitgliedern der Oberschicht getragen wurden, und stehen für die Begriffe Größe, Adel und Weisheit.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 151 - Chinesische Teekanne, XIX Jahrhundert. Vergoldetes Kupfer. Möglicherweise hatte einen Deckel. Es hat Spuren von Gebrauch, Verschleiß und einige Dellen. Maße: 18,5 x 16 x 6,5 cm. Chinesische Teekanne aus dem 19. Jahrhundert aus vergoldetem Kupfer, reich ziseliert und mit Gadroons, Laubsägearbeiten und einem reliefierten Medaillon auf dem Bauch versehen. Der Ausguss und der Griff sind mit Drachenköpfen verziert.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 152 - Tibetischer Gau, XIX. Jahrhundert. Versilbertes Metall, Leder und Kristall. Es zeigt Anzeichen von Verschleiß und Abnutzung. Maße: 18 x 13 x 5 cm. Tibetischer Gau oder Reliquienschrein aus gemeißeltem Metall, verziert mit vegetabilen Reliefbordüren, einer für diese Amulette charakteristischen, komplizierten Verzierung. Es ist in einem Lederetui untergebracht und zeigt ein Bild von Boddisattva, das durch Glas geschützt ist. Es hat die Form eines Kastens mit einem spitzbogigen Abschluss. Gaus werden verwendet, um heilige Reliquien, Talismane, auf Papier oder Pergament gedruckte Mantras oder kleine Statuen von Gottheiten zu enthalten. Es wird angenommen, dass das Tragen eines Gau nahe am Körper spirituellen Schutz bietet.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 153 - Tibetischer Buddha, 19. Jahrhundert. "Avalokitesvara". Patinierte Bronze. Es stellt Spuren von Gebrauch und Verschleiß. Maße: 14 x 8 x 2,5 cm. In der buddhistischen Ikonographie kann Avalokitesvara mit mehreren Armen und einer Vielzahl von Köpfen dargestellt werden, wie bei dieser Bronzestatuette, um seine Fähigkeit zu symbolisieren, vielen Wesen gleichzeitig zu helfen. Avalokite?vara repräsentiert eine der edelsten Qualitäten des Mah?y?na-Buddhismus: universelles und bedingungsloses Mitgefühl. Sein Bild und seine Botschaft des Helfens und aktiven Zuhörens haben Generationen von Buddhisten dazu inspiriert, eine mitfühlende Haltung gegenüber allen Lebewesen zu kultivieren, um das Leiden in der Welt zu lindern und Frieden und Harmonie zu fördern.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 154 - Tibetischer Buddha, XIX. Jahrhundert. Bronze, mit gefassten Kristallen. Es zeigt Anzeichen von Gebrauch und Verschleiß. Maße: 19 x 12 x 9 cm. Darstellung eines sitzenden Buddhas, der mit seiner rechten Hand eine Mudra ausführt, bei der er die Erde berührt. Er sitzt auf einer synthetischen Lotosblüte. Die verlängerten Lappen seiner Ohren symbolisieren Weisheit. Gautama Sakyamuni Buddha war der Buddha des Mitgefühls, der, nachdem er die höchste evolutionäre Vollkommenheit erreicht hatte, Leiden in Glück für alle Lebewesen verwandelte. Um 560 v. Chr. geboren, war sein Vater ein Raja, der die nordöstliche Provinz Indiens regierte. Im Alter von 29 Jahren gab der junge Prinz sein luxuriöses Leben auf, da er sich verpflichtet fühlte, seinen Körper zu reinigen und ihn in ein Instrument des Geistes zu verwandeln, indem er ihn von irdischen Verlockungen befreite. Hier krönt ein Kopfschmuck mit der Darstellung des Buddha, der die unendliche Weisheit repräsentiert, sein Haupt. Die Eleganz und Spiritualität der Gestalt des Buddha ist in dieser tibetischen Darstellung gut dargestellt.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 155 - Tibetischer Buddha, 19. Jahrhundert. "Vajrasattva". Vergoldete Bronze, mit farbigen Kristallen besetzt. Es stellt Spuren von Gebrauch und Verschleiß. Maße: 23 x 15 x 10 cm. Vajrasattva in der Haltung der Meditation. In der rechten Hand hält er einen Dorje (Symbol der spirituellen Kraft) und in der rechten Hand eine Glocke (Ghanta), Symbol der Weisheit. Vajrasattva ist ein Bodhisattva in den buddhistischen Traditionen des Mahayana und Mantrayana. Im chinesischen Buddhismus und in der japanischen Shingon-Tradition ist Vajrasattva der esoterische Aspekt des Bodhisattva Samantabhadra und wird üblicherweise mit dem praktizierenden Schüler assoziiert, der durch die Lehren des Meisters eine solide, subtile und verfeinerte Grundlage in seiner esoterischen Praxis erlangt. Im tibetischen Buddhismus wird Vajrasattva mit Sambhogakaya und der Reinigungspraxis assoziiert. Vajrasattva erscheint hauptsächlich in zwei buddhistischen Texten: dem Mahavairocana Sutra und dem Vajrasekhara Sutra. Im Mandala des Diamantenen Königreichs sitzt Vajrasattva im Osten in der Nähe des Akshobhya Buddha. In einigen esoterischen Überlieferungen heißt es, dass Nagarjuna Vajrasattva in einem Eisenturm in Südindien traf und ihn Tantra lehrte, wodurch die esoterischen Lehren an weitere historische Persönlichkeiten weitergegeben wurden. Der Name Vajrasattva bedeutet übersetzt "Diamantselbst" oder "Strahlenselbst". Der Vajra, ein Symbol für tiefes Verständnis, wird mit dem esoterischen Buddhismus in Verbindung gebracht.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 156 - Tibetischer Buddha, XVIII-XIX Jahrhundert. "Avalokitesvara". Patinierte Bronze. Es zeigt Spuren von Gebrauch und Abnutzung. Maße: 23 x 14 x 10 cm. In der buddhistischen Ikonographie kann Avalokitesvara mit mehreren Armen (wie in dieser Figur) oder mit einer Vielzahl von Köpfen dargestellt werden, um seine Fähigkeit zu symbolisieren, vielen Wesen gleichzeitig zu helfen. Avalokite?vara repräsentiert eine der edelsten Qualitäten des Mah?y?na-Buddhismus: universelles und bedingungsloses Mitgefühl. Sein Bild und seine Botschaft des Helfens und aktiven Zuhörens haben Generationen von Buddhisten dazu inspiriert, eine mitfühlende Haltung gegenüber allen Lebewesen zu kultivieren, um das Leiden in der Welt zu lindern und Frieden und Harmonie zu fördern.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 157 - Tibetischer Phurba-Dolch, XIX Jahrhundert. Vergoldete Bronze. Es zeigt Anzeichen von Gebrauch und Verschleiß. Maße: 30 x 13 x 11 cm. Das Phurba ist ein Zeremonialmesser, das hauptsächlich im tibetischen Buddhismus und anderen spirituellen Traditionen des Himalaya verwendet wird. Es hat eine charakteristische dreiseitige Klinge, die in einer scharfen Spitze endet, die an einen Pfahl oder Dreizack erinnert. Die Praktizierenden verwenden das Phurba in bestimmten Ritualen, um Schutzgottheiten anzurufen, die Umgebung zu reinigen und heilige Räume zu weihen. Bei dem abgebildeten Exemplar verkörpern die drei Bodditsavas-Masken die spirituelle Kraft der drei Klingen.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 158 - Paar Vasen. China, Famille Noire. zweite Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Eine von ihnen mit Deckel. Aus glasiertem Porzellan. Apokryphe Marken: Kangxi und Dianlong. Maße: 37 x 20,5 x 20,5 cm; 36 x 29,5 x 29,5 cm. Paar chinesische Vasen aus glasiertem Porzellan aus der Famille Noire. Die eine hat einen kugelförmigen Bauch und ist mit einem Deckel versehen. Die andere hat einen ovalen Korpus. Beide sind mit Paradiesvögeln, Chrysanthemen und Lotosblumen in leuchtenden Farben auf schwarzem Grund dekoriert. Der Deckel ist mit griechischen Greca verziert, ein geometrisches Motiv, das im Kontrast zu den übrigen Pflanzen steht.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 159 - Chinesischer Tibor. Qing-Dynastie, spätes 19. Jahrhundert-frühes 20. Jahrhundert. Porzellan. Weist einige Absplitterungen auf. Abmessungen: 32 x 22 x 22 cm. Chinesischer Tibor, dekoriert mit dem charakteristischen Kobaltblau auf Weiß, das in Europa seit seiner frühen Einfuhr sehr geschätzt wurde. Er stammt aus dem Ende der Qing-Dynastie und seine Hauptornamente sind ebenfalls Tibore und andere Vasenarten.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 160 - Vase Typ "Yuhuchunping". China, XX Jahrhundert. Aus glasiertem Porzellan. Präsentiert apokryphe Siegel auf dem Boden: "Qianlong Nian Zhi". Maße: 53 x 26 cm. Das Stück ist ein Zeugnis für den künstlerischen Einfallsreichtum und das technische Können der chinesischen Keramiker jener Zeit. Die Form der Vase ist imposant und elegant, mit einer königlichen Silhouette, die an Adel und Majestät erinnert. Der sorgfältig modellierte bauchige Körper der Vase steht auf einem zierlichen Sockel, während der hohe, stilisierte Hals die Meisterschaft des Handwerkers bei der Schaffung harmonischer, ausgewogener Formen zeigt. In einer Szene sind viele weibliche Figuren in einer Umgebung voller Leben und Bewegung dargestellt. Die weichen, gedämpften Farben, mit denen diese Figuren gemalt sind, bilden einen harmonischen Kontrast zum weißen Hintergrund des Porzellans und verleihen der Szene ein Gefühl von Zartheit und Feinheit. Die andere Szene zeigt die Darstellung eines chinesischen Kaisers, der von weiblichen Figuren umgeben ist. Diese Komposition fängt das Wesen des kaiserlichen Hofes und den Prunk der Dynastie ein, wobei der Kaiser mit seiner kraftvollen Präsenz im Mittelpunkt der Szene steht, während die weiblichen Figuren ihn mit Anmut und Eleganz umgeben.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 161 - Geschirrpaar; China, Qing-Dynastie, Tongzhi-Periode, 1862- 1874. Porzellan. Präsentiert apokryphe Marke "Qianlong". Maße: 4,5 x 25 cm (x2). Paar Porzellanschalen. Die Mitte ist mit fünf roten Fledermäusen verziert. Der Klang des Wortes Fú (Fledermaus) erinnert an ein anderes Schriftzeichen, das Glück bedeutet, weshalb die Darstellung von Fledermäusen in der chinesischen Kunst üblich ist. In diesem speziellen Fall stehen die fünf Fledermäuse für Werte wie Langlebigkeit, Reichtum und Gesundheit. Sie umgeben das Symbol Shou (Großer Segen). Die Verzierung wird auf jeder der Platten durch vier kleine Tondos vervollständigt, in denen die acht Unsterblichen dargestellt sind, eine Gruppe von Gottheiten der chinesischen Mythologie, denen zufolge sie auf der Erde existierten und während der Tang- (618-907) oder Song-Dynastien (960-1279) geboren wurden und im Penglai-Berg lebten. Sie werden im Taoismus, aber auch in der chinesischen Volkskultur verehrt. Die Mitglieder der Gruppe werden selten einzeln dargestellt, und ihre Kräfte können auf Gegenstände übertragen werden, die Leben spenden oder das Böse vernichten können. Abgerundet werden die Teller durch einen gelben Sockel, auf dem Blumen und Hakenkreuze in Rot abgebildet sind, die die unendlichen heiligen Tugenden des Buddha-Herzens darstellen. Der Rand jedes Tellers ist mit einem kleinen goldenen Band versehen.

Schätzw. 1 100 - 1 200 EUR

Los 162 - Frisiertisch mit Spiegel. China, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Nussbaumholz. Front mit Olivenbaum-Plaketten. Glas im mittleren Teil des Deckels. Lackierte Innenseiten der Schubladen. Signatur auf der zentralen Schublade. Siegel aus Wachs für den Export. Mit Gebrauchsspuren. Maße: 111 x 49 x 27 cm. Neunzehnten Jahrhundert chinesischen Schminktisch, in Nussbaumholz. Die Vorderseite beherbergt fünf Schubladen unterschiedlicher Größe und Form, die platzsparend miteinander verbunden sind. Jede der Schubladen mit Knopfgriffen ist auf der Vorderseite mit Plaketten aus Olivenholz ausgekleidet, die den ästhetischen Effekt verstärken. Der große, vertikale Spiegel ist in einer kippbaren Struktur und in einem Rahmen mit abgerundeten Ecken untergebracht. Das Ganze hat eine sorgfältig ausgearbeitete Ästhetik.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 163 - Kleines Weihrauchfass. China, 20. Jahrhundert. Jh. Bronze. Mit Xuande-Siegel auf dem Sockel. Maße: 5,4 x 8 cm. Kleines Altar-Röhrchen aus Bronze, kugelförmig. Es hat zwei Griffe, die aus der Öffnung herausragen. Die Außenfläche ist mit kalligrafischen Motiven verziert.

Schätzw. 350 - 400 EUR

Los 164 - Kleines Weihrauchfass. China, 20. Jahrhundert. Jh. Bronze. Mit Siegel auf dem Sockel. Es hat eine Beschädigung in den Mund. Abmessungen: 5 x 10 cm. Kleines, auf drei Schenkeln stehendes Zinngefäß mit kugelförmiger Oberfläche und ausgeprägt glatter Mündung. Seine Außenfläche ist mit kalligrafischen Motiven verziert. Es weist Beschädigungen an der Mündung auf.

Schätzw. 350 - 400 EUR

Los 165 - Paar japanische Vasen Meiji-Periode, 19. Jahrhundert. Patinierte Bronze. Es hat kleine, kaum sichtbare Löcher, durch den Lauf der Zeit. Abmessungen: 47 x 23 x 23 cm. die größte. Paar japanische Vasen aus Bronze. Die kugelförmigen Körper weisen auf ihrer gesamten Oberfläche Reliefdekorationen auf, wobei der zentrale Teil von einer Gruppe tropischer Vögel eingenommen wird. Sie sind in eine Blätterlandschaft eingebettet, und über ihnen befindet sich eine Wolkenlinie, die in gewundener Form dargestellt ist, wie es in der traditionellen japanischen Malerei üblich war. Einer der Vögel mit schön gemeißeltem Gefieder reckt seinen Hals, als reagiere er auf eine unerwartete Begegnung. Am Boden der Vasen ist der Meeresgrund abgebildet. Auf diese Weise lassen sich die verschiedenen Ebenen der Welt ablesen: die Unterwasserwelt, das Land und der Himmel (oben am Hals).

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 166 - Hotei oder Buddha des Glücks. China, Familie Rose, Mitte des 20. Jahrhunderts. Emailliertes Porzellan. Maße: 26 x 19,5 x 11 cm. Skulptur aus emailliertem Porzellan, die einen lächelnden Buddha darstellt, auch Hotei oder Buddha des Glücks genannt. Mehrere Kinder klettern auf seinen nackten Bauch und kitzeln ihn am ganzen Körper. Sein mythologischer Ursprung geht auf die Zeit der chinesischen Liang-Dynastie zurück und ist im Volksmund als "Dicker Buddha" bekannt. Es wird angenommen, dass er ein buddhistischer Mönch war, der aufgrund seines gütigen Wesens als eine Inkarnation des Bodhisattva Maitreya angesehen wurde. Die Polychromie ist Teil des Stils der Rosenfamilie, der auf der Einführung neuer Glasuren beruht, von denen die berühmteste rosa ist, nach der der Stil benannt wurde. Es kamen auch andere neue Farben hinzu, wie opakes Gelb, Weiß und das nun eigenständige Schwarz, denn bis dahin musste die schwarze Glasur, um sie zu fixieren, mit einer Glasur einer anderen Farbe überzogen werden, in der Regel einem durchscheinenden Grün.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 167 - Tibetisches Thangka, 19. Jahrhundert. "Das Rad des Lebens". Gemischte Technik auf Stoff. Es hat leichte Mängel in der Farbe und Verschleiß an den Seitenrändern. Maße: 71 x 51 cm; 81 x 61 cm. (Rahmen). Tibetisches Thangka mit Darstellung des Lebensrades oder Mandalas, mit Darstellungen indobuddhistischer Gottheiten. Das Thangka ist eine Art tibetisches Gemälde, das von Buddhisten zur Meditation verwendet wird und aufgrund des nomadischen Lebens der Tibeter auch als "wandernder Tempel" bekannt ist und als eine der besten Ausdrucksformen der tibetischen Kunst gilt. Der Buddhismus geht davon aus, dass es sechs Bereiche des Samsara oder der Existenz gibt, in denen das Bewusstsein in einem Zyklus aufeinanderfolgender Geburten gefangen ist, aus dem es erst wieder auftaucht, wenn es die Erleuchtung erreicht.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 168 - Tibetisches Thangka aus dem 19. Jahrhundert. "Padmasambhava und Gefährten". Gemischte Technik auf Stoff. Es hat leichte Mängel in der Farbe und Abnutzung an den Seitenrändern. Maße: 75 x 53 cm; 80 x 61 cm (Rahmen). Thangka mit der Darstellung von Padmasambhava, aus Tibet. Padmasambhava war der große buddhistische Lehrer von Uddiyana im heutigen Pakistan, der im 8. Jahrhundert nach Christus den Buddhismus in Tibet einführte. Er wird flankiert von seinen beiden Ehefrauen, der bengalischen Prinzessin Mandarava (rechts) und der tibetischen Yeshe Tshogyal (links). Im Hintergrund ist eine Landschaft mit kleinen Dörfern dargestellt. Tibetische Thangkas sind buddhistische Banner, die auf Seide, andere Stoffe oder Papier gemalt oder gestickt sind und gerollt werden können. Sie wurden in Klöstern und Familienaltären aufgehängt und gelegentlich von Mönchen bei religiösen Prozessionen mitgeführt. Ursprünglich waren Thangka-Gemälde bei den Wandermönchen sehr beliebt, da sich Rollbilder leicht von einem Kloster zum anderen transportieren ließen. Sie waren auch wichtige Lehrmittel, da sie Szenen aus dem Leben des Buddha, prominenter Lamas und Bodhisattvas zeigten.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 169 - Thangka. Tibet, 19. Jahrhundert. Gemischte Technik auf Stoff. Der Holzrahmen hat einige Abplatzungen. Es hat leichte Mängel in der Farbe und Verschleiß. Maße: 84 x 59 cm; 92 x 61 cm (Rahmen). Tibetisches Thangka mit einer zentralen Darstellung eines Boddhisattva, umgeben von einer reichen Genealogie von Verehrern. Bei der zentralen Figur könnte es sich um Padmasambhava handeln, den großen buddhistischen Lehrer von Uddiyana im heutigen Pakistan, der den Buddhismus in Tibet im 8. Tibetische Thangkas sind buddhistische Banner, die auf Seide, andere Stoffe oder Papier gemalt oder gestickt sind und aufgerollt werden können. Sie wurden in Klöstern und Familienaltären aufgehängt und gelegentlich von Mönchen bei religiösen Prozessionen mitgeführt. Ursprünglich waren Thangka-Gemälde bei den Wandermönchen sehr beliebt, da sich Rollbilder leicht von einem Kloster zum anderen transportieren ließen. Sie waren auch wichtige Lehrmittel, da sie Szenen aus dem Leben des Buddha, prominenter Lamas und Bodhisattvas zeigten.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 170 - Chinesische Schule des XIX. Jahrhunderts. "Tengu. Patinierte Bronze. Präsentiert Spuren von Gebrauch und Verschleiß, ein Schlag auf der Rückseite des Schnabels. Abmessungen: 11 x 9 x 8 cm. Obwohl er nach einem chinesischen Hundedämon benannt ist, war die ursprüngliche Form des "Tengu" die eines Raubvogels, und sie wurden mit menschlichen und vogelartigen Merkmalen dargestellt, wie bei dieser Bronzeskulptur. In den ältesten Darstellungen der Tengu hatten sie einen Schnabel, der später in eine extrem lange Nase umgewandelt wurde, die heute das repräsentative Merkmal des Tengu in der Volksvorstellung ist. Im Buddhismus wurden die Tengu als störende Dämonen und Vorboten des Krieges dargestellt. Ihr Bild wandelte sich allmählich zu einem Bild der schützenden, aber auch gefährlichen Geister der Berge und Wälder. Es weist Gebrauchs- und Abnutzungsspuren auf. Beule auf der Rückseite des Schnabels.

Schätzw. 250 - 300 EUR

Los 171 - Teeservice mit Tablett; China, 1960- 1974. Porzellan. Präsentiert Marken. Maße: 6 x 7,5 x 9 cm (Tasse, x2); 15 x 23 x 13,5 cm (Teekanne); 1,5 x 25 cm (Tablett). Das Lot besteht aus einer Teekanne, zwei Tassen und einem Porzellantablett. Alle sind mit Szenen aus dem Gedicht "Tale of the West Wing" verziert, das zu den berühmtesten chinesischen Dramen gehört. Es wurde von dem Dramatiker Wang Shifu aus der Yuan-Dynastie geschrieben und spielt während der Tang-Dynastie. Es ist als "Chinas beliebteste Liebeskomödie" bekannt und erzählt die Geschichte eines jungen Paares, das seine Liebe ohne die Zustimmung der Eltern vollzieht.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 172 - KATSAKAWA SHUNSHO (Japan, ca. 1750-1821). "Der Drache". Ukiyo-e Holzschnitt. In der Platte signiert. Präsentiert einige Mängel in den Rahmen, Feuchtigkeit und Schmutz. Abmessungen: 24 x 35 cm; 66 x 59 cm (Rahmen). Die Vielseitigkeit und das zeichnerische Geschick von Katsukawa Shuncho zeigen sich in dieser Komposition, in der elegante Damen im Kimono den Tee einnehmen und ihre Kleinen dabei beobachten, wie sie mit einem Drachen spielen, den einer der Bediensteten zum Fliegen bringen will. Es ist ein intimes und zartes Bild eines Gartens, charakteristisch für das Werk dieses bedeutenden japanischen Künstlers. Katsukawa Shuncho war ein japanischer Künstler des Ukiyo-e, eines Genres des Holzschnitts. Sein Vermächtnis umfasst verschiedene künstlerische Ausdrucksformen, wobei er sich als Graveur, Maler und Illustrator hervortat. Sein Werk, das während der Edo-Zeit entstand, zeichnet sich durch seine technische Meisterschaft und seinen Beitrag zur Darstellung von Schauspielern, schönen Frauen und anderen traditionellen Themen aus. Katsukawa begann seine Karriere als Schüler von Katsukawa Shunsh?, aber sein Stil entwickelte sich unter dem Einfluss prominenter Künstler der Zeit, darunter Torii Kiyonaga, Kubo Shunman und Kitagawa Utamaro. Katsukawas Ruf wird in der Katsukawa-Schule hervorgehoben, in der die Seltenheit seiner Darstellungen von Schauspielern geschätzt wird, ebenso wie seine Fähigkeit, herausragende Werke in Genres wie Hashira-e, Sanmai-tsuzuki und Frauenbilder zu schaffen. Katsukawas künstlerisches Vermächtnis manifestiert sich in einer Reihe bemerkenswerter Werke, in denen sein Können in Genres wie Schauspielerporträts, aufeinanderfolgende Bilder und Darstellungen nackter Frauen deutlich wird und die einen nachhaltigen Einfluss auf die Geschichte des Ukiyo-e hinterlassen.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 173 - Paar Tibore; China, 20. Jahrhundert. Jh. Emaillierte Bronze. Maße: 23 x 19 cm (x2). Paar Tibors aus emaillierter Bronze, verziert mit Elementen pflanzlichen Charakters, unter denen Pfingstrosen hervorstechen. Die Tibor oder Mei-ping, von der wir hier eine besonders saubere und essentielle Form sehen, ist eine umgedrehte eiförmige Vase mit Deckel, die dazu bestimmt ist, die ersten blühenden Zweige des Kirschbaums aufzunehmen. Es handelt sich um eine in der chinesischen Keramik- und Porzellanproduktion weit verbreitete Typologie, sowohl für den heimischen Markt als auch für den Export.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 174 - Weihrauchfass; China, Zeit der Republik (1912- 1949): ca. 1910-1920. Emailliertes Kupfer. Geschenkmarke auf dem Sockel. Abmessungen: 7,5 x 8 x 6 cm. Eines der acht Elemente des Gelehrten ist das Weihrauchfass, da das Ritual des Verbrennens von Weihrauch von großer Bedeutung war und man glaubte, dass der Rauch des Weihrauchs der Energie der Wolken ähnelte, die heilig und ein Vehikel zur Welt der Geister waren. Wenn die Weihrauchgefäße nicht benutzt wurden, stellte man sie als Schmuckstück auf den Kopf. Es handelte sich immer um rituelle Gegenstände, die ausschließlich der herrschenden Klasse vorbehalten waren oder als Grabschmuck dienten. Kupfergefäße wurden vor allem bei Opfern für die Ahnen, aber auch als Kommunikationsmittel zwischen Himmel und Erde sowie bei zeremoniellen Banketten (Versöhnungsriten) verwendet. In späteren Zeiten wird das Bronzegefäß sehr wichtig sein, und es wird als gutes Omen angesehen, eine alte Bronze zu finden, insbesondere im Zusammenhang mit der Legitimität des Herrschers. Ab der Han-Dynastie (3. Jahrhundert n. Chr.) werden sie von den Herrschern als Symbole der politischen Legitimität geschätzt.

Schätzw. 350 - 400 EUR

Los 175 - Vase; Peking, um 1900. Geschnitztes Glas. Zeigt Restaurierung im oberen Bereich. Maße: 13 x 9,5 x 9,5 cm. Vase aus geschliffenem Glas mit pflanzlichen Ornamenten in grün. Der runde Sockel vergrößert seinen Durchmesser an den Schultern und endet in einer schmalen und flachen Öffnung, auf der eine Krone aufgesetzt ist. Die geschnitzte Ornamentik zeigt eine Landschaftsszene mit Zweigen, Blumen und einem Vogel. Im oberen Bereich ist es restauriert.

Schätzw. 300 - 500 EUR

Los 176 - Paar Kinder auf Büffeln; China, Qing-Dynastie, Guanxu-Periode, 1875- 1908. Hongmu-Holz mit filigraner Silbereinlage. Maße: 14,5 x 12,5 x 6 cm; 13 x 14 x 5,5 x 5,5 cm. Paar Kinder auf Büffeln, in Holz geschnitzt. Kaiser Guangxu, auch bekannt unter seinem Tempelnamen Kaiser Dezong von Qing, persönlicher Name Zaitian, war der zehnte Kaiser der Qing-Dynastie und der neunte Qing-Kaiser, der China regierte. Seine Regierungszeit, die von 1875 bis 1908 dauerte, wurde weitgehend von seiner Tante, Kaiserinwitwe Cixi, dominiert. Guangxu initiierte die radikale Hundert-Tage-Reform, die jedoch durch einen Staatsstreich der Kaiserinwitwe im Jahr 1898 jäh unterbrochen wurde. Nach dem Tod von Kaiser Tongzhi im Jahr 1875 setzte Kaiserinwitwe Cixi ihren vierjährigen Neffen als Kaiser Guangxu ein und verstieß damit gegen den Brauch der Qing-Dynastie.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 177 - Schale; Japan, Meiji-Zeit, 1868- 1912. Glasiertes Porzellan unter vergoldetem Deckel. Marken: Arita-Fuki, Chosun. Maße: 9,5 x 21,5 x 21,5 cm. Schale aus glasiertem Porzellan unter dem Deckel, hat vergoldete Elemente. Was die Ornamentik betrifft, können zahlreiche Elemente wie der Hase "tu" mit der Mondgöttin Chang'E beobachtet werden. Chang'e, ursprünglich als Heng'e bekannt, ist die Mondgöttin und Ehefrau von Hou Yi, dem großen Bogenschützen. Berühmt für ihre Schönheit, ist Chang'e auch dafür bekannt, dass sie mit ihrem Haustier Yu Tu, dem Mondhasen, zum Mond aufsteigt und im Mondpalast lebt. Sie ist eine der Hauptgöttinnen der chinesischen Mythologie, der chinesischen Volksreligion, des chinesischen Buddhismus, Konfuzianismus und Taoismus.

Schätzw. 550 - 600 EUR

Los 178 - Phönix-Paar; China, 1970. Porzellan, glasiert und emailliert. Auf dem Sockel eingeritzte Marken. Maße: 30 x 7,5 x 12 cm (x2). Paar Phönixe mit Körper aus glasiertem und emailliertem Porzellan modelliert. Beide Stücke haben das gleiche Design und sind mit einer Sprache der orientalischen Inspiration gearbeitet, die die Formen der Tiere synthetisiert, indem sie alles Überflüssige eliminiert und die Bewegung und Anatomie der Tiere zum Ausdruck bringt.

Schätzw. 250 - 300 EUR

Los 179 - Fächer; China, Qing-Dynastie, möglicherweise Xianfeng-Zeit, 1854-1861. Schildpatt mit Seidenband. Konserviertes, lackiertes und vergoldetes Holzgehäuse mit Seideninnenausstattung. Maße: 25 x 3 x 3 cm. Fächer aus Schildpatt mit originalem Etui aus lackiertem Holz. Unter den Qing blühten die überlieferten Kunstformen auf, und es wurden sowohl technische als auch ästhetische Innovationen hervorgebracht. Ein hoher Grad an Alphabetisierung, ein erfolgreiches Verlagswesen, blühende Städte und die konfuzianische Betonung der Kultivierung sorgten für ein lebendiges und kreatives kulturelles Umfeld. In dieser Zeit gewann die europäische Tendenz zur Nachahmung chinesischer Kunsttraditionen, die so genannte Chinoiserie, aufgrund des zunehmenden Handels mit China und der allgemeinen Strömung des Orientalismus auch in Europa große Popularität. Erhaltene lackierte und vergoldete Holzkassette mit Seideninterieur.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 180 - Teekanne, Milch- und Zuckerdose; China, 1920-1950. Porzellan glasiert. Sie haben Marken. Abmessungen: 12,5 x 12,5 x 9 cm; 19 x 20 x 12,5 x 12,5 cm. Für den amerikanischen Exportmarkt. Set bestehend aus einer Teekanne, einer Milchkanne und der Zuckerdose, alle aus glasiertem Porzellan. Das Dekor ist bei allen Stücken so ähnlich, dass es sich um ein und dasselbe Teeservice handelt. Die für die orientalische Kunst typische ornamentale Fülle findet sich in der Gestaltung jedes der Elemente, aus denen sich dieses Set zusammensetzt.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 181 - Tibetisches Thangka aus dem 19. Jahrhundert. Jh. "Padmasambhava und Gefährten". Öl auf Leinwand. Die Leinwand ist beschädigt. Maße: 100 x 75 cm; 111 x 85 cm (Rahmen). Thangka mit der Darstellung von Padmasambhava, aus Tibet. Padmasambhava war der große buddhistische Meister von Uddiyana im heutigen Pakistan, der den Buddhismus in Tibet im VIII. Er wird flankiert von seinen beiden Frauen, der bengalischen Prinzessin Mandarava (rechts) und der tibetischen Yeshe Tshogyal (links). Im Hintergrund ist eine Landschaft mit kleinen Dörfern abgebildet. Tibetische Thangkas sind buddhistische Banner, die auf Seide, andere Stoffe oder Papier gemalt oder gestickt sind und aufgerollt werden können. Sie wurden in Klöstern und Familienaltären aufgehängt und gelegentlich von Mönchen bei religiösen Prozessionen mitgeführt. Ursprünglich waren Thangka-Gemälde bei Wandermönchen sehr beliebt, da sich Rollbilder leicht von einem Kloster zum anderen transportieren ließen. Sie waren auch wichtige Lehrmittel, da sie Szenen aus dem Leben des Buddha, prominenter Lamas und Bodhisattvas darstellten.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 182 - Textil; China, Qing-Dynastie, ca. 1900 Handbestickte Seide. Maße: 195 x 267 cm. Roter Seidenstoff, fein bestickt mit Goldfäden und Grün- und Silbertönen, die phytomorphe und zoomorphe Motive darstellen. Das heißt, er kombiniert tausendjährige Drachen und pflanzliche Elemente. Unter den Qing blühten die ererbten Kunstformen auf, und es kam zu technischen, ästhetischen und handwerklichen Innovationen. Ein hohes Maß an Alphabetisierung, ein erfolgreiches Verlagswesen, blühende Städte und die konfuzianische Betonung der Kultivierung förderten eine lebendige und kreative Kultur.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 183 - Referent; Japan, Meiji-Zeit, 1862-1912. Bronze mit Cloisonné-Emaille. Maße: 4,5 x 46 cm (Durchmesser). Präsentierteller aus emaillierter Bronze, verziert mit Blumen und Vögeln auf einer intensiven blauen Farbe. Die Meiji-Ära (ist eine Ära der japanischen Geschichte, die vom 23. Oktober 1868 bis 1912 dauerte. Es war die erste Hälfte des Kaiserreichs Japan, in der sich das japanische Volk von einer feudalen Gesellschaft zu einem modernen, industrialisierten Nationalstaat und einer aufstrebenden Großmacht entwickelte, die vom Westen beeinflusst wurde. wissenschaftliche, technologische, philosophische, politische, rechtliche und ästhetische Ideen.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 184 - Kopfstütze. China, Qing-Dynastie, Guangxu-Periode, 1875-1908. Handbemaltes Porzellan. Rest eines Exportsiegels aus Wachs auf der Rückseite. Es hat Verschleiß an den Stützen der Beine und einige Mangel in einem Fuß. Abmessungen: 25 x 32 x 13 cm. Antikes chinesisches Porzellankissen in Form eines auf Knien und Ellbogen ruhenden Kindes in Krabbelstellung. Das Stück folgt den Modellen der Song-Dynastie, obwohl es später ist. Kaiser Guangxu, auch bekannt unter seinem Tempelnamen Kaiser Dezong von Qing, persönlicher Name Zaitian, war der zehnte Kaiser der Qing-Dynastie und der neunte Qing-Kaiser, der China regierte. Seine Regierungszeit, die von 1875 bis 1908 dauerte, wurde weitgehend von seiner Tante, Kaiserinwitwe Cixi, dominiert. Guangxu initiierte die radikale Hundert-Tage-Reform, die jedoch durch einen Staatsstreich der Kaiserinwitwe im Jahr 1898 abrupt unterbrochen wurde. Nach dem Tod von Kaiser Tongzhi im Jahr 1875 setzte Kaiserinwitwe Cixi ihren vierjährigen Neffen als Kaiser Guangxu ein und verstieß damit gegen den Brauch der Qing-Dynastie.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 185 - Weihrauchbrenner. China, Qing-Dynastie, 20. Jahrhundert. Patinierte Bronze mit handgemalten Emaille-Medaillons. Er weist Gebrauchs- und Abnutzungsspuren auf. Maße: 6 x 16 x 11,5 cm. Dieses Räuchergefäß steht auf geschwungenen Beinen und hat eine viereckige Schale. Bemalte Platten mit Graffiti-Motiven schmücken die Seiten.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 186 - Panhu. China, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Geziselte Bronze. Maße: 18 x 14 x 14 cm. Panhu war ein Hundedrache, der in einen Menschen verwandelt wurde und eine Prinzessin heiratete. Die Geschichten variieren, aber letztendlich hatten Panhu und die Prinzessin sechs Söhne und sechs Töchter, die zu den berühmten 12 Clans der chinesischen Mythologie wurden.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 187 - Kuriose Vase aus der Qing-Dynastie. China, 20. Jahrhundert. Jh. Patinierte Bronze mit handgemalten Emailverzierungen. Sie weist Gebrauchs- und Abnutzungsspuren auf. Maße: 17 x 8 x 8 cm. Diese Vase ganz aus Bronze hat einen periformen Behälter mit der Öffnung zum Servieren von Flüssigkeiten. Sein Körper ist mit emaillierten Bronzeplatten verziert, die wie Blütenblätter auf ihn fallen.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 188 - Ingwer-Vase. China, Qing-Dynastie, spätes 19. bis frühes 20. Jh. Handbemaltes Porzellan in Blau. Exportsiegel aus Siegelwachs auf dem Sockel. Maße: 16 x 14 x 14 cm. Chinesische Vase aus Porzellan, dekoriert mit Hoch- und Niedertemperatur-Emails, die seine gesamte Oberfläche bedecken, frei, ohne in Bändern oder Kartuschen organisiert werden. Es ist ein typisches Motiv des chinesischen Porzellans, eine Komposition von Kirschblüten von naturalistischer Ästhetik.

Schätzw. 180 - 200 EUR

Los 189 - Vase. China, späte Qing-Dynastie, frühes 20. Jahrhundert. Geziselte Bronze. Auf einer Seite signiert. Siegel auf dem Sockel. Maße: 13 x 14 x 14 cm. Diese Vase zeichnet sich durch ihr eingeritztes Dekor auf intensivem Goldgrund aus. Es handelt sich um eine Kriegsszene, die einen Krieger auf dem Rücken seines Pferdes im Kampf gegen ein wildes Tier zeigt. Geometrische Bordüren schmücken die Komposition. Die Griffe haben die Form von zwei Elefantenköpfen, einem Tier, das Glück, Langlebigkeit und Erfolg symbolisiert. An seinen Rüsseln hängen zwei Ringe.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 190 - Vase. China, Qing-Dynastie, 19. bis 20. Jahrhundert. Handbemalte Keramik. Exportsiegel aus Siegelwachs auf dem Sockel. Maße: 14 x 10 x 10 cm. Kugelförmige Vase mit unregelmäßigem grünem Hintergrund, auf dem ein Tigerrudel dargestellt ist. Flankiert wird diese zentrale Dekoration von drei rosafarbenen Bordüren mit gelben Medaillons. Der Tiger war für die chinesische Kultur die vollkommenste Darstellung der Muttergöttin mit ihren schöpferischen, nährenden und chthonischen Aspekten.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 191 - Gu-Gefäß zum Trinken von Wein oder für rituelle Trankopfer. China, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Bronze. Maße: 27 cm (Höhe) x 18 cm (größter Durchmesser). Diese Art von Gefäß wurde in den Shang- und Zhou-Dynastien (1600-256 v. Chr.) verwendet, obwohl unser Exemplar aus dem neunzehnten Jahrhundert stammt. Es hat die charakteristische gu-Form: ein hoher, schlanker Körper mit einer leicht ausgestellten Basis, die sich zu einem schlanken Mittelteil verjüngt, bevor sie sich wieder zu einer trompetenförmigen Öffnung verbreitert, die breiter als die Basis ist. Seine Oberfläche ist in der Regel mit Taotie, mythologischen Wesen aus dem alten China, verziert.

Schätzw. 500 - 550 EUR

Los 192 - Schriftzeichen auf Pitaya. China, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Geziselte Bronze. Es zeigt Verschleiß und einige Schläge. Abmessungen: 29 x 7 x 7 x 7 cm. Die Pitaya ist eine exotische chinesische Blume. In diesem Fall ruht sie auf einem Hocker, der als Sockel für die Figur dient, die von einer runden Person gebildet wird, die ihre wohlhabenden Teile mit einem Lendenschurz bedeckt.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 193 - Vase mit Deckel. China, Qing-Dynastie, Ende des neunzehnten Jahrhunderts. Handbemaltes weißes Porzellan. Siegel aus Siegelwachs auf dem Sockel. Maße: 20 x 20 x 20 cm. Dieses Gefäß mit Deckel wurde von Hand mit Szenen von Würdenträgern und pflanzlichen Ornamenten verziert. Die Feinheit der Linienführung und die Strenge der Zeichnung zeugen vom handwerklichen Geschick des Künstlers. In gewisser Weise erinnert die Ornamentik an die Stücke der Grünen Familie, eine westliche Bezeichnung für einen Stil des chinesischen polychromen Porzellans, der sich von wucai (wörtlich: "fünf Farben") ableitet.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 194 - Fächer "Milcaras"; China, Kanton, Qing-Dynastie, um 1860. Sandelholz geschnitzt, durchbrochene und Gouache Papier Land mit Anwendungen. Es präsentiert Fehler und Restaurationen. Die Messungen: 19 cm. Diese Art von Fans, so genannt wegen der Anwendung von kleinen Elfenbeinplatten für die Gesichter, werden durch das Papier Land, von Hand bemalt, mit großen Szenen in Gärten gesetzt, durch den alten chinesischen Hof inspiriert gekennzeichnet. In der Regel eine Palette ähnlich der von Porzellan vorherrscht, wie wir in dem Stück in Frage zu sehen. Es präsentiert Fehler und Restaurierungen.

Schätzw. 350 - 400 EUR

Los 195 - Deckenornament einer chinesischen Konstruktion. Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Holzschnitzerei, vergoldet mit Feingold. Es stellt Spuren von Gebrauch, Verschleiß und einige leichte Mängel. Maße: 28 x 73 x 5 cm. Feine vergoldete Holzschnitzerei, die einen Drachen mit geschupptem Körper und ausdrucksstarkem Kopf mit geöffnetem Maul darstellt. Seine imposante Erscheinung wird dadurch unterstrichen, dass er von im Vergleich zum gewellten Körper des mythologischen Reptils verhältnismäßig kleinen Figuren begleitet wird. Möglicherweise war er Teil der Traufe eines chinesischen Bauwerks.

Schätzw. 250 - 300 EUR

Los 196 - Buddha. China. Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Skulptur aus Bronze. Mit Gebrauchsspuren und Fehlern. Maße: 19,5 cm x 11 cm x 9,5 cm. Buddha sitzt in der Haltung der Lotosblume und führt eine Mudra aus, die symbolisiert, dass er die Erde als Zeuge nimmt. Die Symmetrie seiner physiognomischen Züge drückt Gelassenheit aus, die verlängerten Ohrläppchen symbolisieren Adel und Weisheit. Der Kopfschmuck ist von einem buddhistischen Tempel inspiriert. Die bhumi sparsha mudra ("Geste des Berührens der Erde", bhumi: "der Planet Erde"; und sparsha: "berühren") stellt den Moment dar, in dem Buddha unter dem Bodhi-Baum das Problem der Beendigung des Leidens löste. Gewöhnlich wird der historische Buddha im Lotussitz dargestellt, wie bei dieser Bronze. Die rechte Hand berührt mit den Fingerspitzen den Boden; die linke Hand ruht auf dem Bein, die Handfläche zeigt nach oben.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 197 - Tibetisches Thangka, 19. Jahrhundert. "Guru Dragpo und die Wächter". Malerei auf Baumwolle. Es weist Gebrauchs- und Abnutzungsspuren auf. Maße: 47 x 34 cm. In seiner ikonographischen Form wird Guru Dragpo typischerweise mit einem grimmigen und dynamischen Aspekt dargestellt, wie wir es in diesem Thangka sehen. Er hält einen Speer in einer Hand und reitet oft auf einem Löwen oder einem Tiger, was seine Herrschaft über negative Kräfte und den Schutz der fühlenden Wesen symbolisiert. Er ist umgeben von "Wächtern" oder "Dharmapalas", Schutzgottheiten, die buddhistische Prinzipien und Dharma-Praktizierende beschützen. Tibetische Thangkas sind buddhistische Banner, die auf Seide, andere Stoffe oder Papier gemalt oder gestickt sind und aufgerollt werden können. Sie wurden in Klöstern und Familienaltären aufgehängt und gelegentlich von Mönchen bei religiösen Prozessionen mitgeführt. Ursprünglich waren Thangka-Gemälde bei Wandermönchen sehr beliebt, da sich Rollbilder leicht von einem Kloster zum anderen transportieren ließen. Sie waren auch wichtige Lehrmittel, da sie Szenen aus dem Leben des Buddha, prominenter Lamas und Bodhisattvas darstellten.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 198 - Orientalische Deckenlampe, XIX Jahrhundert. "Schlacht". Aus patiniertem und geprägtem Kupfer. Maße: 27 x 19 x 19 cm. Asiatische Deckenlampe, die eine dynamische Kampfszene mit mit Säbeln ausgerüsteten Reitern und dahinter ein Waldgebiet mit einem Stupa-Tempel darstellt.

Schätzw. 200 - 250 EUR

24. Juli - Dekorative Kunst & Orientalische Kunst

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Los 107 - JAMES PRADIER (Schweiz, 1790 - Frankreich, 1852). "La Toilette d'Atlante". Patinierte Bronze Signiert. Mit Stempel der Fonderie Susse, mit besonderer Erwähnung "Prix d'honneur 1886". Maße: 23 x 20 x 14 cm.

Los 163 - Kleines Weihrauchfass. China, 20. Jahrhundert. Jh. Bronze. Mit Xuande-Siegel auf dem Sockel. Maße: 5,4 x 8 cm. Kleines Altar-Röhrchen aus Bronze, kugelförmig. Es hat zwei Griffe, die aus der Öffnung herausragen. Die Außenfläche ist mit kalligrafischen Motiven verziert.

Los 198 - Orientalische Deckenlampe, XIX Jahrhundert. "Schlacht". Aus patiniertem und geprägtem Kupfer. Maße: 27 x 19 x 19 cm. Asiatische Deckenlampe, die eine dynamische Kampfszene mit mit Säbeln ausgerüsteten Reitern und dahinter ein Waldgebiet mit einem Stupa-Tempel darstellt.