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DROUOT
Samstag 06 Jul um : 10:30 (MESZ) , Fortsetzung um 14:30

Schmuck & Uhren - Wein & Spirituosen - Mode & Accessoires *** Los 90: Außergewöhnliches Kleid aus Glas von Paco Rabanne - Einzelstück ***

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176 Ergebnisse

Los 107 - Claude Viseux (1927-2008) - Abstrakte Komposition 1952 Öl und Tinte auf Leinwand monogrammiert und datiert unten links, gegengezeichnet und ebenfalls datiert auf der Rückseite 27,5 x 46 cm Zustandsbericht: Originalrahmen Claude Viseux wird in Champagne-sur-Oise, in der Nähe von Paris, geboren und wächst dort auf. Im Jahr 1946 besuchte er die Architekturkurse an der École des Beaux-Arts in Paris. Dort lernte er Jean Prouvé und Constantin Brancusi kennen und entschied sich schließlich für die Malerei. Der Erfolg stellte sich fast sofort ein: 1952 hatte er seine erste Ausstellung in der Galerie Vibaud, ab 1955 wurden seine Werke bei René Drouin gezeigt, dann wählte ihn Daniel Cordier - für seine allererste Ausstellung! - im Jahr 1956. 1957 wurde er von Léo Castelli in New York geehrt! Die vier Werke, die wir Ihnen in dieser Auktion anbieten, sind Zeugnisse dieser glanzvollen Jahre. Ab 1959-1960 schuf er seine ersten Skulpturen aus Gegenständen, die er am Meer gefunden hatte, Abdrücke von Steinen und Algen, die in Bronze gegossen wurden. Dann kam der Industriestahl, der in der Art seiner surrealistischen Freunde Max Ernst, Man Ray, Henri Michaux... geschnitten, zusammengesetzt und geschweißt wurde. 1972 vertrat er den französischen Pavillon auf der Biennale von Venedig an der Seite von Christian Boltanski, Jean le Gac und Gérard Titus-Carmel und enthüllte dort seine berühmte Serie der Instabilen. Im selben Jahr installierte er eine riesige Skulptur aus rostfreiem Stahl, die in der RER-Station Auber in Paris aufgehängt wurde. 1977 veranstaltete das Musée d'Art moderne de la ville de Paris anlässlich seines 50-jährigen Bestehens von Juni bis September eine Ausstellung mit dem Titel "Viseux". In den 1980er und 1990er Jahren unternahm er zahlreiche Reisen nach Indien, dessen Mythen und Traditionen sich auf subtile Weise in seinen Zeichnungen und Collagen ausbreiteten und deren Einfluss in Skulpturen umgesetzt wurde. Ein Jahr vor seinem Tod setzte Claude Viseux, der in Anglet lebte - immer in der Nähe des Wassers -, seine Collagen fort, in denen er die Meereswelt mit industriellen Formen vermischte, die ein beunruhigendes Echo auf die Automatischen Erfahrungen mit der Krabbe - aus den 1950er Jahren - und die Skulpturen, die seinen Weg säumten, darstellten. Er ist einer dieser Künstler, die sich leidenschaftlich mit Technik und Wissen beschäftigen und auf eine Gesamtkunst hinarbeiten, die als einzige in der Lage ist, die verschiedenen Bestrebungen des heutigen Menschen auszudrücken.

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 108 - Claude Viseux (1927-2008) - Abstrakte Komposition 1956 Emaillefarbe auf Papier, auf der Rückseite signiert und datiert, annotiert galerie Drouin rue Visconti 65,5 x 100 cm Zustandsbericht: Zerrissen Claude Viseux wird in Champagne-sur-Oise in der Nähe von Paris geboren und wächst dort auf. Im Jahr 1946 besuchte er die Architekturkurse an der École des Beaux-Arts in Paris. Dort lernte er Jean Prouvé und Constantin Brancusi kennen und entschied sich schließlich für die Malerei. Der Erfolg stellte sich fast sofort ein: 1952 hatte er seine erste Ausstellung in der Galerie Vibaud, ab 1955 wurden seine Werke bei René Drouin gezeigt, dann wählte ihn Daniel Cordier - für seine allererste Ausstellung! - im Jahr 1956. 1957 wurde er von Léo Castelli in New York geehrt! Die vier Werke, die wir Ihnen in dieser Auktion anbieten, sind Zeugnisse dieser glanzvollen Jahre. Ab 1959-1960 schuf er seine ersten Skulpturen aus Gegenständen, die er am Meer gefunden hatte, Abdrücke von Steinen und Algen, die in Bronze gegossen wurden. Dann kam der Industriestahl, der in der Art seiner surrealistischen Freunde Max Ernst, Man Ray, Henri Michaux... geschnitten, zusammengesetzt und geschweißt wurde. 1972 vertrat er den französischen Pavillon auf der Biennale von Venedig an der Seite von Christian Boltanski, Jean le Gac und Gérard Titus-Carmel und enthüllte dort seine berühmte Serie der Instabilen. Im selben Jahr installierte er eine riesige Skulptur aus rostfreiem Stahl, die in der RER-Station Auber in Paris aufgehängt wurde. 1977 veranstaltete das Musée d'Art moderne de la ville de Paris anlässlich seines 50-jährigen Bestehens von Juni bis September eine Ausstellung mit dem Titel "Viseux". In den 1980er und 1990er Jahren unternahm er zahlreiche Reisen nach Indien, dessen Mythen und Traditionen sich auf subtile Weise in seinen Zeichnungen und Collagen ausbreiteten und deren Einfluss in Skulpturen umgesetzt wurde. Ein Jahr vor seinem Tod setzte Claude Viseux, der in Anglet lebte - immer in der Nähe des Wassers -, seine Collagen fort, in denen er die Meereswelt mit industriellen Formen vermischte, die ein beunruhigendes Echo auf die Automatischen Erfahrungen mit der Krabbe - aus den 1950er Jahren - und die Skulpturen, die seinen Weg säumten, darstellten. Er ist einer dieser Künstler, die sich leidenschaftlich mit Technik und Wissen beschäftigen und auf eine Gesamtkunst hinarbeiten, die als einzige in der Lage ist, die verschiedenen Bestrebungen des heutigen Menschen auszudrücken.

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 109 - Claude Viseux (1927-2008) - Expérience automatique du crabe 1956 Tinte auf Papier signiert, betitelt, datiert und situiert in La Baule unten rechts 56 x 73 cm Das Experiment des "stimuli-signe" besteht darin, den Maler durch eine Krabbe zu ersetzen, die man mit Tinte bestreicht, um sie dann über ein weißes Blatt Papier wandern zu lassen. Die von den Krustentieren hinterlassenen Spuren werden weder manipuliert noch verändert, sondern lediglich datiert und signiert. Viseux schlägt mit dieser Serie eine "Identifikationssitzung" des Künstlers mit dieser Krabbe vor, die durch das Weiß des Papiers verängstigt und gestresst ist und sich in einem Zustand intensiver Emotionalität befindet. Ein Film "Faciès" wurde 1960 von J. Veinat gedreht, um diese Erfahrung zu dokumentieren, wurde aber in England von der "Liga für Tierschutz" verboten. Claude Viseux wurde in Champagne-sur-Oise in der Nähe von Paris geboren und wuchs dort auf. 1946 besuchte er die Architekturkurse an der École des Beaux-Arts in Paris. Dort lernte er Jean Prouvé und Constantin Brancusi kennen und entschied sich schließlich für die Malerei. Der Erfolg stellte sich fast sofort ein: 1952 hatte er seine erste Ausstellung in der Galerie Vibaud, ab 1955 wurden seine Werke bei René Drouin gezeigt, dann wählte ihn Daniel Cordier - für seine allererste Ausstellung! - im Jahr 1956. 1957 wurde er von Léo Castelli in New York geehrt! Die vier Werke, die wir Ihnen in dieser Auktion anbieten, sind Zeugnisse dieser glanzvollen Jahre. Ab 1959-1960 schuf er seine ersten Skulpturen aus Gegenständen, die er am Meer gefunden hatte, Abdrücke von Steinen und Algen, die in Bronze gegossen wurden. Dann kam der Industriestahl, der in der Art seiner surrealistischen Freunde Max Ernst, Man Ray, Henri Michaux... geschnitten, zusammengesetzt und geschweißt wurde. 1972 vertrat er den französischen Pavillon auf der Biennale von Venedig an der Seite von Christian Boltanski, Jean le Gac und Gérard Titus-Carmel und enthüllte dort seine berühmte Serie der Instabilen. Im selben Jahr installierte er eine riesige Skulptur aus rostfreiem Stahl, die in der RER-Station Auber in Paris aufgehängt wurde. 1977 veranstaltete das Musée d'Art moderne de la ville de Paris anlässlich seines 50-jährigen Bestehens von Juni bis September eine Ausstellung mit dem Titel "Viseux". In den 1980er und 1990er Jahren unternahm er zahlreiche Reisen nach Indien, dessen Mythen und Traditionen sich auf subtile Weise in seinen Zeichnungen und Collagen ausbreiteten, und man fand ihren Einfluss in Skulpturen umgesetzt. Ein Jahr vor seinem Tod setzte Claude Viseux, der in Anglet lebte - immer in der Nähe des Wassers -, seine Collagen fort, in denen er die Meereswelt mit industriellen Formen vermischte, die ein beunruhigendes Echo auf die Automatischen Erfahrungen mit der Krabbe - aus den 1950er Jahren - und die Skulpturen, die seinen Weg säumten, darstellten. Er ist einer dieser Künstler, die sich leidenschaftlich mit Technik und Wissen beschäftigen und auf eine Gesamtkunst hinarbeiten, die als einzige in der Lage ist, die verschiedenen Bestrebungen des heutigen Menschen auszudrücken.

Schätzw. 300 - 500 EUR

Los 110 - Claude Viseux (1927-2008) - "Réponses automatiques" du crabe 1956 Tinte auf Papier signiert, betitelt, datiert und situiert in La Baule unten rechts 73 x 56 cm Das Experiment des "stimuli-signe" besteht darin, den Maler durch eine Krabbe zu ersetzen, die man mit Tinte bestreicht, um sie dann über ein weißes Blatt Papier wandern zu lassen. Die von den Krustentieren hinterlassenen Spuren werden weder manipuliert noch verändert, sondern lediglich datiert und signiert. Viseux schlägt mit dieser Serie eine "Identifikationssitzung" des Künstlers mit dieser Krabbe vor, die durch das Weiß des Papiers verängstigt und gestresst ist und sich in einem Zustand intensiver Emotionalität befindet. Ein Film "Faciès" wurde 1960 von J. Veinat gedreht, um diese Erfahrung zu dokumentieren, wurde aber in England von der "Liga für Tierschutz" verboten. Claude Viseux wurde in Champagne-sur-Oise in der Nähe von Paris geboren und wuchs dort auf. 1946 besuchte er die Architekturkurse an der École des Beaux-Arts in Paris. Dort lernte er Jean Prouvé und Constantin Brancusi kennen und entschied sich schließlich für die Malerei. Der Erfolg stellte sich fast sofort ein: 1952 hatte er seine erste Ausstellung in der Galerie Vibaud, ab 1955 wurden seine Werke bei René Drouin gezeigt, dann wählte ihn Daniel Cordier - für seine allererste Ausstellung! - im Jahr 1956. 1957 wurde er von Léo Castelli in New York geehrt! Die vier Werke, die wir Ihnen in dieser Auktion anbieten, sind Zeugnisse dieser glanzvollen Jahre. Ab 1959-1960 schuf er seine ersten Skulpturen aus Gegenständen, die er am Meer gefunden hatte, Abdrücke von Steinen und Algen, die in Bronze gegossen wurden. Dann kam der Industriestahl, der in der Art seiner surrealistischen Freunde Max Ernst, Man Ray, Henri Michaux... geschnitten, zusammengesetzt und geschweißt wurde. 1972 vertrat er den französischen Pavillon auf der Biennale von Venedig an der Seite von Christian Boltanski, Jean le Gac und Gérard Titus-Carmel und enthüllte dort seine berühmte Serie der Instabilen. Im selben Jahr installierte er eine riesige Skulptur aus rostfreiem Stahl, die in der RER-Station Auber in Paris aufgehängt wurde. 1977 veranstaltete das Musée d'Art moderne de la ville de Paris anlässlich seines 50-jährigen Bestehens von Juni bis September eine Ausstellung mit dem Titel "Viseux". In den 1980er und 1990er Jahren unternahm er zahlreiche Reisen nach Indien, dessen Mythen und Traditionen sich auf subtile Weise in seinen Zeichnungen und Collagen ausbreiteten, und man fand ihren Einfluss in Skulpturen umgesetzt. Ein Jahr vor seinem Tod setzte Claude Viseux, der in Anglet lebte - immer in der Nähe des Wassers -, seine Collagen fort, in denen er die Meereswelt mit industriellen Formen vermischte, die ein beunruhigendes Echo auf die Automatischen Erfahrungen mit der Krabbe - aus den 1950er Jahren - und die Skulpturen, die seinen Weg säumten, darstellten. Er ist einer dieser Künstler, die sich leidenschaftlich mit Technik und Wissen beschäftigen und auf eine Gesamtkunst hinarbeiten, die als einzige in der Lage ist, die verschiedenen Bestrebungen des heutigen Menschen auszudrücken.

Schätzw. 300 - 500 EUR

Los 111 - Jean Criton (1930-2022) - Abstrakte Komposition [B24] 1957 Öl und Lack auf Karton unten rechts signiert und datiert 21 x 27,5 cm Jean Criton wurde 1930 in Paris geboren. Mit gerade einmal 17 Jahren trat er in die Académie Charpentier ein, wo er sich mit Bernard Réquichot anfreundete. Die beiden trennten sich nie wieder: 1950 schlossen sie die École des Beaux-Arts in Paris als Erste ab. Zunächst von Jacques Villon und Vieira da Silva beeinflusst, engagiert er sich ab 1956 voll und ganz für die lyrische Abstraktion - und das mit Erfolg! Anschließend kaufte er mit seiner Frau, die ebenfalls Künstlerin war, Dominique d'Acher und seinem Freund Bernard Réquichot ein Haus im Luberon... Doch das Jahr 1961 markierte einen endgültigen Wendepunkt: Réquichot beging Selbstmord und Jean Criton entdeckte das Werk von Francis Bacon. Nach und nach nimmt er die Figuration in seine Werke auf und verlässt sie nicht mehr. Pierre Restany lädt ihn ein, zusammen mit Martial Raysse an der Biennale von Paris teilzunehmen, seine Werke werden immer farbenfroher, es erscheinen Fleisch, Augen, Körper... in den 70er Jahren stellt er neben den großen Namen der narrativen Figuration aus (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli etc.) und die verstümmelten Körperteile tauchen in architektonischen Kulissen auf, die bald einer langen Reihe von imaginären Gebäuden und Orten Platz machen, die den besten Science-Fiction-Szenarien würdig sind... bald bleiben nur noch die Linien und eine Rückkehr zur strikten Abstraktion Ende der 1990er Jahre.

Schätzw. 150 - 250 EUR

Los 112 - Jean Criton (1930-2022) - Abstrakte Komposition [B25] 1957 Öl und Lack auf Karton unten rechts signiert und datiert 21,5 x 29,5 cm Jean Criton wurde 1930 in Paris geboren. Mit knapp 17 Jahren trat er in die Académie Charpentier ein, wo er sich mit Bernard Réquichot anfreundete. Die beiden trennten sich nie wieder: 1950 schlossen sie die École des Beaux-Arts in Paris als Erste ab. Zunächst von Jacques Villon und Vieira da Silva beeinflusst, engagiert er sich ab 1956 voll und ganz für die lyrische Abstraktion - und das mit Erfolg! Anschließend kaufte er mit seiner Frau, die ebenfalls Künstlerin war, Dominique d'Acher und seinem Freund Bernard Réquichot ein Haus im Luberon... Doch das Jahr 1961 markierte einen endgültigen Wendepunkt: Réquichot beging Selbstmord und Jean Criton entdeckte das Werk von Francis Bacon. Nach und nach nimmt er die Figuration in seine Werke auf und verlässt sie nicht mehr. Pierre Restany lädt ihn ein, zusammen mit Martial Raysse an der Biennale von Paris teilzunehmen, seine Werke werden immer farbenfroher, es erscheinen Fleisch, Augen, Körper... in den 70er Jahren stellt er neben den großen Namen der narrativen Figuration aus (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli etc.) und die verstümmelten Körperteile tauchen in architektonischen Kulissen auf, die bald einer langen Reihe von imaginären Gebäuden und Orten Platz machen, die den besten Science-Fiction-Szenarien würdig sind... bald bleiben nur noch die Linien und eine Rückkehr zur strikten Abstraktion Ende der 1990er Jahre.

Schätzw. 150 - 250 EUR

Los 114 - Jean Criton (1930-2022) - Abstrakte Komposition in Rot und Blau auf schwarzem Grund 1958 Öl auf Papier unten rechts signiert und datiert 49,5 x 64 cm Zustandsbericht: Gerahmt Jean Criton wurde 1930 in Paris geboren. Mit knapp 17 Jahren trat er in die Académie Charpentier ein, wo er sich mit Bernard Réquichot anfreundete. Die beiden trennten sich nicht mehr: 1950 schlossen sie die École des Beaux-Arts in Paris als Erste ab. Zunächst von Jacques Villon und Vieira da Silva beeinflusst, engagiert er sich ab 1956 voll und ganz für die lyrische Abstraktion - und das mit Erfolg! Anschließend kaufte er mit seiner Frau, die ebenfalls Künstlerin war, Dominique d'Acher und seinem Freund Bernard Réquichot ein Haus im Luberon... Doch das Jahr 1961 markierte einen endgültigen Wendepunkt: Réquichot beging Selbstmord und Jean Criton entdeckte das Werk von Francis Bacon. Nach und nach nimmt er die Figuration in seine Werke auf und verlässt sie nicht mehr. Pierre Restany lädt ihn ein, zusammen mit Martial Raysse an der Biennale von Paris teilzunehmen, seine Werke werden immer farbenfroher, es erscheinen Fleisch, Augen, Körper... in den 70er Jahren stellt er neben den großen Namen der narrativen Figuration aus (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli etc.) und die verstümmelten Körperteile tauchen in architektonischen Kulissen auf, die bald einer langen Reihe von imaginären Gebäuden und Orten Platz machen, die den besten Science-Fiction-Szenarien würdig sind... Bald bleiben nur noch die Linien und eine Rückkehr zur strikten Abstraktion Ende der 1990er Jahre. Hier ein Ölgemälde aus dem Jahr 1958, der Zeit seiner engen Freundschaft mit Réquichot, in dem der Künstler die Möglichkeiten der Abstraktion auslotet: Zwischen dem Nuagismus eines René Laubiès und der Nervosität eines Hans Hartung bahnt er sich seinen eigenen Weg...

Schätzw. 500 - 800 EUR

Los 124 - Francine Holley (1919-2020) - Composition abstraite [à rapprocher de la série Totem trois clefs] circa 1969 Gouache sur papier signé en bas à droite 28 x 12,5 cm Bibliographie: PERSIN (Patrick-Gilles) & SFINTESCO (Alice). Francine Holley Trasenster, du figuratif à l'abstrait, Katalog der Werke von 1936 bis 2002. Paris, Art inprogress, 2007. Reproduziert auf Seite 232. Zustandsbericht: Gerahmt, Sichtmaße Francine Holley, französische Malerin, begann ihren künstlerischen Werdegang 1937, als sie in das Atelier von Mathilde Monceau eintrat. Ihre Ausbildung setzte sie an der Akademie der Schönen Künste in Lüttich unter Robert Crommelynck fort. Während dieser Zeit entwickelte sie ein starkes Interesse an den Werken der Maler Manessier, Bazaine, Tal Coat und Marchand. In Paris wurde Francine Holley in das Atelier von André Lhote aufgenommen, wo sie mit bedeutenden Künstlern wie Fernand Léger, Jean Deswane und Edgar Pillet zusammenarbeitete. Légers Einfluss auf ihre Arbeit erwies sich als entscheidend: Ihre Malerei, die zunächst gegenständlich blieb, entwickelte sich allmählich zu einer ausgeprägten Geometrie und vibrierenden Farben. Ab 1950 leitete Francine Holley eine bedeutende Wende hin zur Abstraktion ein. Ihre Kompositionen zeichnen sich durch die Verwendung von flächigen geometrischen Formen mit klaren Linien und nebeneinander liegenden Farben ohne Abstufungen aus. Um 1955 nimmt sein Werk mit einer komplexer gewordenen Zeichnung eine neue Dimension an. Die Linien wurden stärker, die Formen dicker und sie diversifizierte die verwendeten Materialien und experimentierte mit Gouache, Collagen, Pastellkreiden und Tinte auf nassem Papier. In den 1960er Jahren zeigte Francine Holley ein wachsendes Interesse an Skulpturen und schuf eine Reihe von Zeichnungen und Modellen, die sie "Totems" nannte. In den 1970er Jahren nähert sich Francine Holley der Musik auf malerische Weise. Ihre Linien und Zeichnungen werden abstrakter, die Farben werden ruhiger und nuancierter und offenbaren eine tiefere, innere Reflexion durch ihre Kunst. (MLD)

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 127 - Jean Criton (1930-2022) - La Nuit gonflable 1971 Öl auf Leinwand unten rechts signiert und datiert, auf der Rückseite betitelt 130 x 97 cm Jean Criton wurde 1930 in Paris geboren. Mit gerade einmal 17 Jahren trat er in die Académie Charpentier ein, wo er sich mit Bernard Réquichot anfreundete. Die beiden trennten sich nie wieder: 1950 schlossen sie die École des Beaux-Arts in Paris mit dem ersten Platz ab. Zunächst von Jacques Villon und Vieira da Silva beeinflusst, engagiert er sich ab 1956 voll und ganz für die lyrische Abstraktion - und das mit Erfolg! Anschließend kaufte er mit seiner Frau, die ebenfalls Künstlerin war, Dominique d'Acher und seinem Freund Bernard Réquichot ein Haus im Luberon... Doch das Jahr 1961 markierte einen endgültigen Wendepunkt: Réquichot beging Selbstmord und Jean Criton entdeckte das Werk von Francis Bacon. Nach und nach nimmt er die Figuration in seine Werke auf und verlässt sie nicht mehr. Pierre Restany lädt ihn ein, zusammen mit Martial Raysse an der Biennale von Paris teilzunehmen, seine Werke werden immer farbenfroher, es erscheinen Fleisch, Augen, Körper... in den 70er Jahren stellt er neben den großen Namen der narrativen Figuration aus (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli etc.) und die verstümmelten Körperteile erscheinen in architektonischen Kulissen, die bald einer langen Reihe von imaginären Gebäuden und Orten Platz machen, die den besten Science-Fiction-Szenarien würdig sind... Bald bleiben nur noch die Linien und eine Rückkehr zur strikten Abstraktion Ende der 1990er Jahre. Hier ein Gemälde aus dem Jahr 1971, das aus einer Reihe von Werken stammt, die 1961, in der Zeit der Rückkehr zur Figuration, begonnen wurden. Jean Criton erforscht darin den Körper und die Organe in engen Bildausschnitten, in denen Riemen sie einengen und Gitter sie einschließen. Eine nie beobachtete dystopische Welt, die nur dem Künstler gehört, in der man die Präzision der Zeichnung bewundern kann: Perspektiven, Reliefs, die an Schwellungen erinnern, Schatten, die Wesen zum Leben erwecken, obwohl sie nicht existieren. Criton wagt und prophezeit, dass seine Gemälde wie ein Science-Fiction-Schriftsteller, dessen Schriften wahr werden, heute gemalt werden könnten und stolz auf den weißen Wänden der Galerien für zeitgenössische Kunst bei den vielversprechendsten jungen Künstlern hängen würden!

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 128 - Jacques Joos (1945-2021) - Stillleben 1976 Öl auf Leinwand unten rechts signiert und datiert, gegengezeichnet und auf der Rückseite in Montmartre gelegen 54 x 73 cm Zustandsbericht: Gerahmt Jacques Joos ist ein französischer Maler, dessen Werke die zeitgenössische Landschaft durch ihre Tiefe und Ausdruckskraft geprägt haben. Seine ersten Porträts fertigte er 1965 an, wobei er die Innerlichkeit und Intimität jeder Person, die er verewigte, hervorhob. Seine Arbeit offenbart sein tiefes Verständnis für die menschliche Seele. 1976 begann Joos, sich mehr für die Drapierung zu interessieren. Der Schleier, der zunächst in einer Ecke seiner Stillleben skizziert wurde, rückt allmählich in den Mittelpunkt seiner Kompositionen. Oftmals achtlos auf eine Struktur gelegt, beginnt der Faltenwurf den größten Teil des Raumes seiner Gemälde einzunehmen. Der Künstler beherrscht die Kunst, einer flachen Oberfläche Volumen zu verleihen, indem er mit Falten, Licht- und Schatteneffekten und Transparenzen spielt. Anfang der 1980er Jahre, als er gerade in seine Geburtsstadt Toulouse zurückgekehrt war, beteiligte er sich an der Gründung eines Ateliers für die Restaurierung von Fresken, das zum größten in Südfrankreich wurde: Kathedrale von Cahors, Kapelle der Kaiserin Eugenie in Biarritz, Kirche Saint-Pierre in Moissac... In den 80er und 90er Jahren widmete er sich voll und ganz diesem Atelier, versorgte seine Kreativität aber weiterhin mit Fresken. Wie Fabio Rieti bemalte er die Wände der Städte (Toulouse, Paris) mit Trompe-l'oeil-Malereien, die den Alltag der Passanten wiederbelebten. Ab 2004 führte Joos die Technik des Gießens in seine Werke ein und erforschte Themen wie Licht und Raum. Seine jüngsten Werke, die unter dem Motto "Nuits tentaculaires" (Tentakelnächte) zusammengefasst und 2011 in der Galerie Art Sud ausgestellt wurden, zeigen einen eher expressionistischen und introspektiven Ansatz. Diese dunkleren und innerlichen Gemälde, die oft von Meisterwerken der Kunstgeschichte inspiriert sind, stellen die Tiefe des menschlichen Daseins dar. (MLD)

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 129 - Jacques Joos (1945-2021) - France Arnaud 1976/77 Öl auf Leinwand unten rechts signiert und datiert, auf der Rückseite gegengezeichnet, betitelt und datiert 100 x 65 cm Jacques Joos ist ein französischer Maler, dessen Werke durch ihre Tiefe und Expressivität die zeitgenössische Landschaft geprägt haben. Seine ersten Porträts fertigte er 1965 an, wobei er die Innerlichkeit und Intimität jeder Person, die er verewigte, hervorhob. Seine Arbeit offenbart sein tiefes Verständnis für die menschliche Seele. 1976 begann Joos, sich mehr für die Drapierung zu interessieren. Der Schleier, der zunächst in einer Ecke seiner Stillleben skizziert wurde, rückt allmählich in den Mittelpunkt seiner Kompositionen. Oftmals achtlos auf eine Struktur gelegt, beginnt der Faltenwurf den größten Teil des Raumes seiner Gemälde einzunehmen. Der Künstler beherrscht die Kunst, einer flachen Oberfläche Volumen zu verleihen, indem er mit Falten, Licht- und Schatteneffekten und Transparenzen spielt. Anfang der 1980er Jahre, als er gerade in seine Geburtsstadt Toulouse zurückgekehrt war, beteiligte er sich an der Gründung eines Ateliers für die Restaurierung von Fresken, das zum größten in Südfrankreich wurde: Kathedrale von Cahors, Kapelle der Kaiserin Eugenie in Biarritz, Kirche Saint-Pierre in Moissac... In den 80er und 90er Jahren widmete er sich voll und ganz diesem Atelier, versorgte seine Kreativität aber weiterhin mit Fresken. Wie Fabio Rieti bemalte er die Wände der Städte (Toulouse, Paris) mit Trompe-l'oeil-Malereien, die den Alltag der Passanten wiederbelebten. Ab 2004 führte Joos die Technik des Gießens in seine Werke ein und erforschte Themen wie Licht und Raum. Seine jüngsten Werke, die unter dem Motto "Nuits tentaculaires" (Tentakelnächte) zusammengefasst und 2011 in der Galerie Art Sud ausgestellt wurden, zeigen einen eher expressionistischen und introspektiven Ansatz. Diese dunkleren und innerlichen Gemälde, die oft von Meisterwerken der Kunstgeschichte inspiriert sind, stellen die Tiefe des menschlichen Daseins dar. (MLD)

Schätzw. 500 - 800 EUR

Los 130 - Jacques Joos (1945-2021) - La Nuit 1977 Öl auf Leinwand unten rechts signiert, gegengezeichnet, abgezogen, datiert und auf der Rückseite in Montmartre gelegen 81 x 100 cm Zustandsbericht: Gerahmt Jacques Joos ist ein französischer Maler, dessen Werke die zeitgenössische Landschaft durch ihre Tiefe und Ausdruckskraft geprägt haben. Seine ersten Porträts fertigte er 1965 an, wobei er die Innerlichkeit und Intimität jeder Person, die er verewigte, hervorhob. Seine Arbeit offenbart sein tiefes Verständnis für die menschliche Seele. 1976 begann Joos, sich mehr für die Drapierung zu interessieren. Der Schleier, der zunächst in einer Ecke seiner Stillleben skizziert wurde, rückt allmählich in den Mittelpunkt seiner Kompositionen. Oftmals achtlos auf eine Struktur gelegt, beginnt der Faltenwurf den größten Teil des Raumes seiner Gemälde einzunehmen. Der Künstler beherrscht die Kunst, einer flachen Oberfläche Volumen zu verleihen, indem er mit Falten, Licht- und Schatteneffekten und Transparenzen spielt. Anfang der 1980er Jahre, als er gerade in seine Geburtsstadt Toulouse zurückgekehrt war, beteiligte er sich an der Gründung eines Ateliers für die Restaurierung von Fresken, das zum größten in Südfrankreich wurde: Kathedrale von Cahors, Kapelle der Kaiserin Eugenie in Biarritz, Kirche Saint-Pierre in Moissac... In den 80er und 90er Jahren widmete er sich voll und ganz diesem Atelier, versorgte seine Kreativität aber weiterhin mit Fresken. Wie Fabio Rieti bemalte er die Wände der Städte (Toulouse, Paris) mit Trompe-l'oeil-Malereien, die den Alltag der Passanten wiederbelebten. Ab 2004 führte Joos die Technik des Gießens in seine Werke ein und erforschte Themen wie Licht und Raum. Seine jüngsten Werke, die unter dem Motto "Nuits tentaculaires" (Tentakelnächte) zusammengefasst und 2011 in der Galerie Art Sud ausgestellt wurden, zeigen einen eher expressionistischen und introspektiven Ansatz. Diese dunkleren und innerlichen Gemälde, die oft von Meisterwerken der Kunstgeschichte inspiriert sind, stellen die Tiefe des menschlichen Daseins dar. (MLD)

Schätzw. 500 - 800 EUR

Los 131 - Elga Heinzen (née en 1933) - Replis-N 1980 Schwarzer Bleistift auf Leinen, unten links signiert und datiert, auf der Rückseite gegengezeichnet, betitelt und datiert 77 x 55 cm Elga Heinzen ist eine Schweizer Künstlerin, die sowohl als bildende Künstlerin als auch als Fotografin tätig ist und in Paris lebt und arbeitet. Ihr Werk zeichnet sich durch eine gründliche Erforschung von Falten in all ihren Formen aus, ein zentrales Thema, das sie in ihren Gemälden mit außergewöhnlicher Feinheit entwickelt. Ihre Kreationen heben die skulpturale Dimension von Falten hervor und betonen die intime Beziehung zwischen Textilien und Kleidungsstücken. Der Künstlerin gelingt es, das Material lebendig werden zu lassen, indem sie mit Texturen und Dynamiken spielt, um ihren Motiven Bewegung und Vitalität einzuhauchen. Die Werke von Elga Heinzen wurden in zahlreichen renommierten Galerien in den USA, England, Italien und Frankreich ausgestellt. Im Juni 2016 veranstaltete die Galerie 24B in Paris eine Retrospektive ihrer Werke. "In dieser sehr alten und faszinierenden Tradition der Draperie-Studie nimmt das Werk von Elga Heinzen seinen Platz ein. Das ist keineswegs ein Zufall: Elga Heinzen weiß seit langem, dass es, um die Macht der Repräsentation aufzuzeigen, notwendig ist, das zu zeigen, was man verbirgt, wie auch das zu verbergen, was man zeigt. Denn Repräsentation bedeutet, etwas Unsichtbares sichtbar zu machen. Was präsent ist, ist immer das Zeichen einer Abwesenheit". (Pascal Bonafoux, Schriftsteller und Kunsthistoriker) (MLD)

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 132 - Jacques Brissot (1929-2020) - Descente de croisement, nach Petrus Christus 1976 Mischtechnik (aufeinanderfolgende Schichten von Collagen, Radierungen, Firnis, Schleifen) auf Platte in einem gemalten Rahmen, auf der Rückseite signiert, unten in der Mitte auf einem Kartell betitelt. Nach Petrus Christus, La Lamentation ou Pietà, circa 1455-1460, aufbewahrt im Königlichen Museum der Schönen Künste in Brüssel 54 x 85 cm Jacques Brissot wurde 1929 in Paris geboren. Als großer Bewunderer der flämischen Primitiven (Dierick Bouts, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Bruegel der Ältere...) hegte er den Traum, Künstler zu werden, obwohl er zugab, "nicht malen zu können". Zunächst machte er Karriere als Filmemacher und Regisseur. In den 1960er Jahren drehte er Experimentalfilme, nahm an der Seite von Pierre Schaeffer, dem französischen Vertreter der musique concrète, am innovativen Service de recherche des RTF (Radiodiffusion-télévision française) teil und schnitt und inszenierte Filme für das Fernsehen... und baute sich so eine solide Medienkultur in einer Zeit auf, in der dieser Sektor explodierte. Der brodelnde Kontext der späten 1960er Jahre weckt seine malerischen Gelüste. Anfang der 1970er Jahre, mit über 40 Jahren, legt er seine Kamera beiseite, vernachlässigt aber nicht die Medien und sein Know-how. Von nun an drückt er sich mit Standbildern aus, die er in unzähligen Zeitschriften gesammelt, sorgfältig ausgeschnitten und zusammengesetzt hat; er hat die Technik gewählt, die er bis zum Ende seines Lebens verwenden wird: die Collage. Mit Humor und Scharfsinn interpretierte er die Meisterwerke der flämischen Malerei neu, entlehnte ihren Realismus und ihre Fülle und schilderte die Gesellschaft, die er bis dahin durch ein Objektiv beobachtet hatte. Seine 1976 entstandene "Descente de croisement" (Los Nr. 32) bringt ihn in die Nähe der narrativen Figuration, man denkt an die Ästhetik von Alain Jacquet und das "Handwerk" von Guðmundur Guðmundsson, genannt Erró, vereint mit der Bosheit von Gérard Schlosser... Weit davon entfernt, einfach nur Teile von Zeitschriften zusammenzufügen, ist Jacques Brissot ein Meister der Collagekunst. Seine Liebe zum Detail, seine unzähligen und präzisen Ausschnitte und die vielen Schichten, aus denen sich seine Werke zusammensetzen, verwirren den Blick, man könnte meinen, Malerei zu sehen! Sein Johannes in der Wüste (Lot Nr. 37) wirkt wie eine futuristische Ikone, die von der Technik überholt wurde, ein Sébastien Tellier in Stöckelschuhen auf der Suche nach Inspiration. Geblendet durch eine Virtual-Reality-Brille, betäubt durch den Lärm von Autos und Flugzeugen, das mystische Lamm durch einen Koffer ersetzt, verliert sich der Reisende in der Wüste des Massenkonsums. Dasselbe gilt für sein beeindruckendes Triptychon (Los Nr. 36), in dem sich sein Reisender mit der Kamera auf der Schulter (vielleicht der junge Brissot?) auf von Kabeln überfluteten Wegen verirrt... wenn sich die Paneele öffnen, wird Boschs Heuwagen durch einen riesigen Fernseher ersetzt, in dem sich Bürger und Journalisten tummeln. An die Stelle der menschlichen Figuren Adam und Eva, die aus dem technologischen Paradies vertrieben wurden - linke Tafel - treten chimärische Wesen, Roboter aus der Populärkultur (Star Wars, Spyro der Drache, Kermit...) und ein Mann, der an Kabel angeschlossen zu sein scheint, in der rechten Tafel... eine Dystopie, die an die Fragen der heutigen Gesellschaft über soziale Netzwerke, Menschen und künstliche Intelligenz anknüpft. Wie Sie sicher wissen, werden diese Werke, sobald Sie zu Hause sind, endlose Diskussionen auslösen.

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 136 - Jacques Brissot (1929-2020) - Der Ölwagen, nach Hieronymus Bosch Mischtechnik (aufeinanderfolgende Schichten von Collagen, Radierungen, Lackierungen, Schleifen) auf einer Montage aus 3 gelenkig verbundenen Tafeln, die Seitenteile auf jeder Seite illustriert. Maße geschlossen 86 x 66,5 Maße offen 86 x 134 cm Nach Hieronymus Bosch, Der Heuwagen, circa 1501-1502, aufbewahrt im Museo del Prado in Madrid Jacques Brissot wurde 1929 in Paris geboren. Als großer Bewunderer der flämischen Primitiven (Dierick Bouts, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Bruegel der Ältere...) hegte er den Traum, Künstler zu werden, obwohl er zugab, "nicht malen zu können". Zunächst machte er Karriere als Filmemacher und Regisseur. In den 1960er Jahren drehte er Experimentalfilme, nahm an der Seite von Pierre Schaeffer, dem französischen Vertreter der musique concrète, am innovativen Service de recherche des RTF (Radiodiffusion-télévision française) teil und schnitt und inszenierte Filme für das Fernsehen... und baute sich so eine solide Medienkultur in einer Zeit auf, in der dieser Sektor explodierte. Der brodelnde Kontext der späten 1960er Jahre weckt seine malerischen Gelüste. Anfang der 1970er Jahre, mit über 40 Jahren, legt er seine Kamera beiseite, vernachlässigt aber nicht die Medien und sein Know-how. Von nun an drückt er sich mit Standbildern aus, die er in unzähligen Zeitschriften gesammelt, sorgfältig ausgeschnitten und zusammengesetzt hat; er hat die Technik gewählt, die er bis zum Ende seines Lebens verwenden wird: die Collage. Mit Humor und Scharfsinn interpretierte er die Meisterwerke der flämischen Malerei neu, entlehnte ihren Realismus und ihre Fülle und schilderte die Gesellschaft, die er bis dahin durch ein Objektiv beobachtet hatte. Seine 1976 entstandene "Descente de croisement" (Los Nr. 32) bringt ihn in die Nähe der narrativen Figuration, man denkt an die Ästhetik von Alain Jacquet und das "Handwerk" von Guðmundur Guðmundsson, genannt Erró, vereint mit der Bosheit von Gérard Schlosser... Weit davon entfernt, einfach nur Teile von Zeitschriften zusammenzufügen, ist Jacques Brissot ein Meister der Collagekunst. Seine Liebe zum Detail, seine unzähligen und präzisen Ausschnitte und die vielen Schichten, aus denen sich seine Werke zusammensetzen, verwirren den Blick, man könnte meinen, Malerei zu sehen! Sein Johannes in der Wüste (Lot Nr. 37) wirkt wie eine futuristische Ikone, die von der Technik überholt wurde, ein Sébastien Tellier in Stöckelschuhen auf der Suche nach Inspiration. Geblendet durch eine Virtual-Reality-Brille, betäubt durch den Lärm von Autos und Flugzeugen, das mystische Lamm durch einen Koffer ersetzt, verliert sich der Reisende in der Wüste des Massenkonsums. Dasselbe gilt für sein beeindruckendes Triptychon (Los Nr. 36), in dem sich sein Reisender mit der Kamera auf der Schulter (vielleicht der junge Brissot?) auf von Kabeln überfluteten Wegen verirrt... wenn sich die Paneele öffnen, wird Boschs Heuwagen durch einen riesigen Fernseher ersetzt, in dem sich Bürger und Journalisten tummeln. An die Stelle der menschlichen Figuren Adam und Eva, die aus dem technologischen Paradies vertrieben wurden - linke Tafel - treten chimärische Wesen, Roboter aus der Populärkultur (Star Wars, Spyro der Drache, Kermit...) und ein Mann, der an Kabel angeschlossen zu sein scheint, in der rechten Tafel... eine Dystopie, die an die Fragen der heutigen Gesellschaft über soziale Netzwerke, Menschen und künstliche Intelligenz anknüpft. Wie Sie sicher wissen, werden diese Werke, sobald Sie zu Hause sind, endlose Diskussionen auslösen.

Schätzw. 3 000 - 5 000 EUR

Los 137 - Jacques Brissot (1929-2020) - Johannes in der Wüste, nach Hieronymus Bosch Mischtechnik (aufeinanderfolgende Schichten von Collagen, Höhen, Lacken, Schleifen) auf Platte in einem gemalten Rahmen betitelt unten in der Mitte auf einem Kartell 84 x 66 cm Jacques Brissot wurde 1929 in Paris geboren. Als großer Bewunderer der flämischen Primitiven (Dierick Bouts, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Bruegel der Ältere...) hegte er den Traum, Künstler zu werden, obwohl er zugab, "nicht malen zu können". Zunächst machte er Karriere als Filmemacher und Regisseur. In den 1960er Jahren drehte er Experimentalfilme, nahm an der Seite von Pierre Schaeffer, dem französischen Vertreter der musique concrète, am innovativen Service de recherche des RTF (Radiodiffusion-télévision française) teil und schnitt und inszenierte Filme für das Fernsehen... und baute sich so eine solide Medienkultur in einer Zeit auf, in der dieser Sektor explodierte. Der brodelnde Kontext der späten 1960er Jahre weckt seine malerischen Gelüste. Anfang der 1970er Jahre, mit über 40 Jahren, legt er seine Kamera beiseite, vernachlässigt aber nicht die Medien und sein Know-how. Von nun an drückt er sich mit festen Bildern aus, die er in unzähligen Zeitschriften gesammelt, sorgfältig ausgeschnitten und zusammengesetzt hat; er hat die Technik gewählt, die er bis zum Ende seines Lebens verwenden wird: die Collage. Mit Humor und Scharfsinn interpretierte er die Meisterwerke der flämischen Malerei neu, entlehnte ihren Realismus und ihre Fülle und schilderte die Gesellschaft, die er bis dahin durch ein Objektiv beobachtet hatte. Seine 1976 entstandene "Descente de croisement" (Los Nr. 32) bringt ihn in die Nähe der narrativen Figuration, man denkt an die Ästhetik von Alain Jacquet und das "Handwerk" von Guðmundur Guðmundsson, genannt Erró, vereint mit der Bosheit von Gérard Schlosser... Weit davon entfernt, einfach nur Teile von Zeitschriften zusammenzufügen, ist Jacques Brissot ein Meister der Collagekunst. Seine Liebe zum Detail, seine unzähligen und präzisen Ausschnitte und die vielen Schichten, aus denen sich seine Werke zusammensetzen, verwirren den Blick, man könnte meinen, Malerei zu sehen! Sein Johannes in der Wüste (Lot Nr. 37) wirkt wie eine futuristische Ikone, die von der Technik überholt wurde, ein Sébastien Tellier in Stöckelschuhen auf der Suche nach Inspiration. Geblendet durch eine Virtual-Reality-Brille, betäubt durch den Lärm von Autos und Flugzeugen, das mystische Lamm durch einen Koffer ersetzt, verliert sich der Reisende in der Wüste des Massenkonsums. Dasselbe gilt für sein beeindruckendes Triptychon (Los Nr. 36), in dem sich sein Reisender mit der Kamera auf der Schulter (vielleicht der junge Brissot?) auf von Kabeln überfluteten Wegen verirrt... wenn sich die Paneele öffnen, wird Boschs Heuwagen durch einen riesigen Fernseher ersetzt, in dem sich Bürger und Journalisten tummeln. An die Stelle der menschlichen Figuren Adam und Eva, die aus dem technologischen Paradies vertrieben wurden - linke Tafel - treten chimärische Wesen, Roboter aus der Populärkultur (Star Wars, Spyro der Drache, Kermit...) und ein Mann, der an Kabel angeschlossen zu sein scheint, in der rechten Tafel... eine Dystopie, die an die Fragen der heutigen Gesellschaft über soziale Netzwerke, Menschen und künstliche Intelligenz anknüpft. Wie Sie sicher wissen, werden diese Werke, sobald Sie zu Hause sind, endlose Diskussionen auslösen.

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 151 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Labyrinth-Anhänger Aus polierter Bronze mit Monogramm H. 11,8 cm L. 5 cm Als Teil der "neuen Städte" (Papasquare in Evry), der Politik der "1%-Kunst" (zahlreiche öffentliche Einrichtungen wurden mit ihren Fresken, Wandteppichen usw. ausgestattet) und als Teil des öffentlichen Interesses.), die oft monumental sind, aber keinen anderen Anspruch haben als den Zugang zur Kunst für alle, hat das Werk von Yvette Vincent-Alleaume alles, um von den Akteuren des Kunstmarkts gemieden zu werden... Doch wenn man darüber nachdenkt, ist es nicht das Ergebnis einer Überlegung, die Künstler seit dem Ende des 19. Die Kunst in allem, die Kunst für alle. Die Kunst von Yvette Vincent-Alleaume ist auf den Straßen zu sehen und für alle zugänglich: im Viertel Amandiers in Paris, in den Julliotes in Maison-Alfort, im Forum sculpté in Orléans ... Sie verwendet die Materialien ihrer Zeit: Ziegel, Mosaik, Keramik, Schiefer, um derjenigen, die sich während ihrer Sandwichpause im Innenhof der Universität von Pau umschaut, Fantasie und Farbe zu verleihen, demjenigen, der den Kopf hebt und lächelt, wenn er den Place de la Mandallaz in Annecy überquert ... Und diese Kunst, mit der viele verärgert sind, spiegelt eine ganze Epoche wider, in der das "Zusammenleben" nicht den naiven Klang hatte, den man ihm heute zuschreibt, in der die Utopie erlaubt war. Diese Utopie ist für Sie zugänglich, da Yvette Vincent-Alleaume auch als Bildhauerin (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) und geniale Kartonkünstlerin tätig war: Zunächst in der Tradition von Lurçat und Picart le Doux, dann innovativ wie eine figurative Sheila Hicks (Déchirure), mit stark reliefierten Wandteppichen in leuchtenden Farben, die in den Ateliers von Angers gewebt und in "Tapisseries sculptées" umbenannt wurden; und sogar Schmuckdesignerin, die die für ihre Architekturen verwendeten Motive aufgreift (Anhänger Main, Labyrinth...). Angesichts der häufig zu beobachtenden Vernachlässigung ihrer öffentlichen Installationen besteht die Herausforderung darin, das Werk einer wichtigen Künstlerin zu bewahren.

Schätzw. 500 - 700 EUR

Los 152 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Wal-Anhänger Aus polierter Bronze mit Monogramm. Dieser Anhänger ist ein Echo auf den "Walboden", der für die Stadt Le Havre geschaffen wurde. H. 5,5 cm B. 3,1 cm T. 1,8 cm Die in den "neuen Städten" (Papasquare in Evry) verfolgte Politik der "1%-Kunst" (zahlreiche öffentliche Einrichtungen werden mit Fresken, Wandteppichen etc. ausgestattet.), die oft monumental sind, aber keinen anderen Anspruch haben als den Zugang zur Kunst für alle, hat das Werk von Yvette Vincent-Alleaume alles, um von den Akteuren des Kunstmarkts gemieden zu werden... Doch wenn man darüber nachdenkt, ist es nicht das Ergebnis einer Überlegung, die Künstler seit dem Ende des 19. Die Kunst in allem, die Kunst für alle. Die Kunst von Yvette Vincent-Alleaume ist auf den Straßen zu sehen und für alle zugänglich: im Viertel Amandiers in Paris, in den Julliotes in Maison-Alfort, im Forum sculpté in Orléans ... Sie verwendet die Materialien ihrer Zeit: Ziegel, Mosaik, Keramik, Schiefer, um derjenigen, die sich während ihrer Sandwichpause im Innenhof der Universität von Pau umschaut, Fantasie und Farbe zu verleihen, demjenigen, der den Kopf hebt und lächelt, wenn er den Place de la Mandallaz in Annecy überquert ... Und diese Kunst, mit der viele verärgert sind, spiegelt eine ganze Epoche wider, in der das "Zusammenleben" nicht den naiven Klang hatte, den man ihm heute zuschreibt, in der die Utopie erlaubt war. Diese Utopie ist für Sie zugänglich, da Yvette Vincent-Alleaume auch als Bildhauerin (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) und geniale Kartonkünstlerin tätig war: Zunächst in der Tradition von Lurçat und Picart le Doux, dann innovativ wie eine figurative Sheila Hicks (Déchirure), mit stark reliefierten Wandteppichen in leuchtenden Farben, die in den Ateliers von Angers gewebt und in "Tapisseries sculptées" umbenannt wurden; und sogar Schmuckdesignerin, die die für ihre Architekturen verwendeten Motive aufgreift (Anhänger Main, Labyrinth...). Angesichts der häufig zu beobachtenden Vernachlässigung ihrer öffentlichen Installationen besteht die Herausforderung darin, das Werk einer wichtigen Künstlerin zu bewahren.

Schätzw. 300 - 500 EUR

Los 153 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Sphère ouverte 1997 Aus polierter Bronze, bestehend aus 2 Stücken, eines davon monogrammiert, datiert, nummeriert 4/8 und mit dem Gießerstempel Landowski H. 6 cm B. 7,5 cm T. 6 cm Eingebettet in die "neuen Städte" (der Papasquare in Evry), die Politik der "1%-Kunst" (zahlreiche öffentliche Einrichtungen werden mit ihren Fresken, Wandteppichen usw. ausgestattet) und die "Kunst des Jahres" (die Kunstsammlung von Yvette Vincent)....), oft monumental, aber mit keinem anderen Anspruch als dem, Kunst für alle zugänglich zu machen, hat das Werk von Yvette Vincent-Alleaume alles, um von den Akteuren des Kunstmarktes gemieden zu werden... Doch wenn man darüber nachdenkt, ist es nicht das Ergebnis einer Überlegung, die Künstler seit dem Ende des 19. Die Kunst in allem, die Kunst für alle. Die Kunst von Yvette Vincent-Alleaume ist auf den Straßen zu sehen und für alle zugänglich: im Viertel Amandiers in Paris, in den Julliotes in Maison-Alfort, im Forum sculpté in Orléans ... Sie verwendet die Materialien ihrer Zeit: Ziegel, Mosaik, Keramik, Schiefer, um derjenigen, die sich während ihrer Sandwichpause im Innenhof der Universität von Pau umschaut, Fantasie und Farbe zu verleihen, demjenigen, der den Kopf hebt und lächelt, wenn er den Place de la Mandallaz in Annecy überquert ... Und diese Kunst, mit der viele verärgert sind, spiegelt eine ganze Epoche wider, in der das "Zusammenleben" nicht den naiven Klang hatte, den man ihm heute zuschreibt, in der die Utopie erlaubt war. Diese Utopie ist für Sie zugänglich, da Yvette Vincent-Alleaume auch als Bildhauerin (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) und geniale Kartonkünstlerin tätig war: Zunächst in der Tradition von Lurçat und Picart le Doux, dann innovativ wie eine figurative Sheila Hicks (Déchirure), mit stark reliefierten Wandteppichen in leuchtenden Farben, die in den Ateliers von Angers gewebt und in "Tapisseries sculptées" umbenannt wurden; und sogar Schmuckdesignerin, die die für ihre Architekturen verwendeten Motive aufgreift (Anhänger Main, Labyrinth...). Angesichts der häufig zu beobachtenden Vernachlässigung ihrer öffentlichen Installationen besteht die Herausforderung darin, das Werk einer wichtigen Künstlerin zu bewahren.

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 154 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - L'Homme au ballon 1997 Aus Bronze, monogrammiert, datiert, nummeriert 3/8 und mit dem Gießerstempel Landowski versehen. Sockel aus Plexiglas H. 13 cm B. 11,5 cm T. 8 cm Zustandsbericht: Maße mit Sockel In den "neuen Städten" (der Papasquare in Evry) wurde die Politik der "1%-Kunst" (zahlreiche öffentliche Einrichtungen wurden mit Fresken, Wandteppichen etc. ausgestattet) eingeführt.), die oft monumental sind, aber keinen anderen Anspruch haben als den Zugang zur Kunst für alle, hat das Werk von Yvette Vincent-Alleaume alles, um von den Akteuren des Kunstmarkts gemieden zu werden... Doch wenn man darüber nachdenkt, ist es nicht das Ergebnis einer Überlegung, die Künstler seit dem Ende des 19. Die Kunst in allem, die Kunst für alle. Die Kunst von Yvette Vincent-Alleaume ist auf den Straßen zu sehen und für alle zugänglich: im Viertel Amandiers in Paris, in den Julliotes in Maison-Alfort, im Forum sculpté in Orléans ... Sie verwendet die Materialien ihrer Zeit: Ziegel, Mosaik, Keramik, Schiefer, um derjenigen, die sich während ihrer Sandwichpause im Innenhof der Universität von Pau umschaut, Fantasie und Farbe zu verleihen, demjenigen, der den Kopf hebt und lächelt, wenn er den Place de la Mandallaz in Annecy überquert ... Und diese Kunst, mit der viele verärgert sind, spiegelt eine ganze Epoche wider, in der das "Zusammenleben" nicht den naiven Klang hatte, den man ihm heute zuschreibt, in der die Utopie erlaubt war. Diese Utopie ist für Sie zugänglich, da Yvette Vincent-Alleaume auch als Bildhauerin (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) und geniale Kartonkünstlerin tätig war: Zunächst in der Tradition von Lurçat und Picart le Doux, dann innovativ wie eine figurative Sheila Hicks (Déchirure), mit stark reliefierten Wandteppichen in leuchtenden Farben, die in den Ateliers von Angers gewebt und in "Tapisseries sculptées" umbenannt wurden; und sogar Schmuckdesignerin, die die für ihre Architekturen verwendeten Motive aufgreift (Anhänger Main, Labyrinth...). Angesichts der häufig zu beobachtenden Vernachlässigung ihrer öffentlichen Installationen besteht die Herausforderung darin, das Werk einer wichtigen Künstlerin zu bewahren.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 155 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Anhänger Hand Aus polierter Bronze, leicht durchbrochen, mit Monogramm H. 4,5 cm L. 3,5 cm Als Teil der "neuen Städte" (der Papasquare in Evry), der Politik der "1%-Kunst" (zahlreiche öffentliche Einrichtungen wurden mit ihren Fresken, Wandteppichen usw. ausgestattet) und als Teil des öffentlichen Zugangs zu den Menschen.), die oft monumental sind, aber keinen anderen Anspruch haben als den Zugang zur Kunst für alle, hat das Werk von Yvette Vincent-Alleaume alles, um von den Akteuren des Kunstmarkts gemieden zu werden... Doch wenn man darüber nachdenkt, ist es nicht das Ergebnis einer Überlegung, die Künstler seit dem Ende des 19. Die Kunst in allem, die Kunst für alle. Die Kunst von Yvette Vincent-Alleaume ist auf den Straßen zu sehen und für alle zugänglich: im Viertel Amandiers in Paris, in den Julliotes in Maison-Alfort, im Forum sculpté in Orléans ... Sie verwendet die Materialien ihrer Zeit: Ziegel, Mosaik, Keramik, Schiefer, um derjenigen, die sich während ihrer Sandwichpause im Innenhof der Universität von Pau umschaut, Fantasie und Farbe zu verleihen, demjenigen, der den Kopf hebt und lächelt, wenn er den Place de la Mandallaz in Annecy überquert ... Und diese Kunst, mit der viele verärgert sind, spiegelt eine ganze Epoche wider, in der das "Zusammenleben" nicht den naiven Klang hatte, den man ihm heute zuschreibt, in der die Utopie erlaubt war. Diese Utopie ist für Sie zugänglich, da Yvette Vincent-Alleaume auch als Bildhauerin (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) und geniale Kartonkünstlerin tätig war: Zunächst in der Tradition von Lurçat und Picart le Doux, dann innovativ wie eine figurative Sheila Hicks (Déchirure), mit stark reliefierten Wandteppichen in leuchtenden Farben, die in den Ateliers von Angers gewebt und in "Tapisseries sculptées" umbenannt wurden; und sogar Schmuckdesignerin, die die für ihre Architekturen verwendeten Motive aufgreift (Anhänger Main, Labyrinth...). Angesichts der häufig zu beobachtenden Vernachlässigung ihrer öffentlichen Installationen besteht die Herausforderung darin, das Werk einer wichtigen Künstlerin zu bewahren.

Schätzw. 250 - 400 EUR

Los 156 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Verspielter Würfel Bestehend aus 3 Bronzeteilen, eines davon monogrammiert, nummeriert E.A. II/IV. Diese Skulptur greift das Motiv des Brunnens auf dem Place de la Mandallaz auf, der 1991 für die Stadt Annecy angefertigt wurde. H. 4 cm B. 4 cm T. 4 cm Die Politik der "1%-Kunst", die in den "neuen Städten" (der Papasquare in Evry) verankert war (zahlreiche öffentliche Einrichtungen wurden mit Fresken, Wandteppichen usw. ausgestattet), wurde auch in den "neuen Städten" umgesetzt.), die oft monumental sind, aber keinen anderen Anspruch haben als den Zugang zur Kunst für alle, hat das Werk von Yvette Vincent-Alleaume alles, um von den Akteuren des Kunstmarkts gemieden zu werden... Doch wenn man darüber nachdenkt, ist es nicht das Ergebnis einer Überlegung, die Künstler seit dem Ende des 19. Die Kunst in allem, die Kunst für alle. Die Kunst von Yvette Vincent-Alleaume ist auf den Straßen zu sehen und für alle zugänglich: im Viertel Amandiers in Paris, in den Julliotes in Maison-Alfort, im Forum sculpté in Orléans ... Sie verwendet die Materialien ihrer Zeit: Ziegel, Mosaik, Keramik, Schiefer, um derjenigen, die sich während ihrer Sandwichpause im Innenhof der Universität von Pau umschaut, Fantasie und Farbe zu verleihen, demjenigen, der den Kopf hebt und lächelt, wenn er den Place de la Mandallaz in Annecy überquert ... Und diese Kunst, mit der viele verärgert sind, spiegelt eine ganze Epoche wider, in der das "Zusammenleben" nicht den naiven Klang hatte, den man ihm heute zuschreibt, in der die Utopie erlaubt war. Diese Utopie ist für Sie zugänglich, da Yvette Vincent-Alleaume auch als Bildhauerin (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) und geniale Kartonkünstlerin tätig war: Zunächst in der Tradition von Lurçat und Picart le Doux, dann innovativ wie eine figurative Sheila Hicks (Déchirure), mit stark reliefierten Wandteppichen in leuchtenden Farben, die in den Ateliers von Angers gewebt und in "Tapisseries sculptées" umbenannt wurden; und sogar Schmuckdesignerin, die die für ihre Architekturen verwendeten Motive aufgreift (Anhänger Main, Labyrinth...). Angesichts der häufig zu beobachtenden Vernachlässigung ihrer öffentlichen Installationen besteht die Herausforderung darin, das Werk einer wichtigen Künstlerin zu bewahren.

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 157 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Atelier d’Angers - Riss Tapisserie aus Wolle, Schnur und Sisal, unten rechts signiert, gegengezeichnet, betitelt und datiert auf dem Bolduc auf der Rückseite 133 x 130 cm Als Teil der "neuen Städte" (Papasquare in Evry), der "1%-Kunst"-Politik (zahlreiche öffentliche Einrichtungen werden mit ihren Fresken, Wandteppichen usw. ausgestattet).), die oft monumental sind, aber keinen anderen Anspruch haben als den Zugang zur Kunst für alle, hat das Werk von Yvette Vincent-Alleaume alles, um von den Akteuren des Kunstmarkts gemieden zu werden... Doch wenn man darüber nachdenkt, ist es nicht das Ergebnis einer Überlegung, die Künstler seit dem Ende des 19. Die Kunst in allem, die Kunst für alle. Die Kunst von Yvette Vincent-Alleaume ist auf den Straßen zu sehen und für alle zugänglich: im Viertel Amandiers in Paris, in den Julliotes in Maison-Alfort, im Forum sculpté in Orléans ... Sie verwendet die Materialien ihrer Zeit: Ziegel, Mosaik, Keramik, Schiefer, um derjenigen, die sich während ihrer Sandwichpause im Innenhof der Universität von Pau umschaut, Fantasie und Farbe zu verleihen, demjenigen, der den Kopf hebt und lächelt, wenn er den Place de la Mandallaz in Annecy überquert ... Und diese Kunst, mit der viele verärgert sind, spiegelt eine ganze Epoche wider, in der das "Zusammenleben" nicht den naiven Klang hatte, den man ihm heute zuschreibt, in der die Utopie erlaubt war. Diese Utopie ist für Sie zugänglich, da Yvette Vincent-Alleaume auch als Bildhauerin (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) und geniale Kartonkünstlerin tätig war: Zunächst in der Tradition von Lurçat und Picart le Doux, dann innovativ wie eine figurative Sheila Hicks (Déchirure), mit stark reliefierten Wandteppichen in leuchtenden Farben, die in den Ateliers von Angers gewebt und in "Tapisseries sculptées" umbenannt wurden; und sogar Schmuckdesignerin, die die für ihre Architekturen verwendeten Motive aufgreift (Anhänger Main, Labyrinth...). Angesichts der häufig zu beobachtenden Vernachlässigung ihrer öffentlichen Installationen besteht die Herausforderung darin, das Werk einer wichtigen Künstlerin zu bewahren.

Schätzw. 3 000 - 5 000 EUR

Los 158 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - La Dame aux Oiseaux 2005 Struktur aus verleimtem Schichtholz, verziert mit vier Bronzeelementen mit goldbrauner Patina, der Kopf auf dem Nacken monogrammiert, datiert und nummeriert 1/1. Einzelstück H. 133 cm B. 90 cm T. 70 cm Die in den "villes nouvelles" (dem Papasquare in Evry) verankerte Politik der "1%-Kunst" (zahlreiche öffentliche Einrichtungen werden mit ihren Fresken, Wandteppichen etc. verkleidet.), die oft monumental sind, aber keinen anderen Anspruch haben als den Zugang zur Kunst für alle, hat das Werk von Yvette Vincent-Alleaume alles, um von den Akteuren des Kunstmarkts gemieden zu werden... Doch wenn man darüber nachdenkt, ist es nicht das Ergebnis einer Überlegung, die Künstler seit dem Ende des 19. Die Kunst in allem, die Kunst für alle. Die Kunst von Yvette Vincent-Alleaume ist auf den Straßen zu sehen und für alle zugänglich: im Viertel Amandiers in Paris, in den Julliotes in Maison-Alfort, im Forum sculpté in Orléans ... Sie verwendet die Materialien ihrer Zeit: Ziegel, Mosaik, Keramik, Schiefer, um derjenigen, die sich während ihrer Sandwichpause im Innenhof der Universität von Pau umschaut, Fantasie und Farbe zu verleihen, demjenigen, der den Kopf hebt und lächelt, wenn er den Place de la Mandallaz in Annecy überquert ... Und diese Kunst, mit der viele verärgert sind, spiegelt eine ganze Epoche wider, in der das "Zusammenleben" nicht den naiven Klang hatte, den man ihm heute zuschreibt, in der die Utopie erlaubt war. Diese Utopie ist für Sie zugänglich, da Yvette Vincent-Alleaume auch als Bildhauerin (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) und geniale Kartonkünstlerin tätig war: Zunächst in der Tradition von Lurçat und Picart le Doux, dann innovativ wie eine figurative Sheila Hicks (Déchirure), mit stark reliefierten Wandteppichen in leuchtenden Farben, die in den Ateliers von Angers gewebt und in "Tapisseries sculptées" umbenannt wurden; und sogar Schmuckdesignerin, die die für ihre Architekturen verwendeten Motive aufgreift (Anhänger Main, Labyrinth...). Angesichts der häufig zu beobachtenden Vernachlässigung ihrer öffentlichen Installationen besteht die Herausforderung darin, das Werk einer wichtigen Künstlerin zu bewahren.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 159 - Denyse Denisselle (1920-2019) - L'Animalerie Diorama miniatures 12 H. 35 cm B. 50 cm T. 36,5 cm Zustandsbericht: Elektrizität nicht getestet. Lässt sich nicht öffnen "Jedes Kind ist ein Künstler. Das Problem ist, Künstler zu bleiben, wenn man erwachsen wird." (Pablo Picasso) Im Alter von 60 Jahren, in den 1980er Jahren, entdeckte Denyse Denisselle ihre verzehrende Leidenschaft für Miniaturen. Manchmal verbrachte sie schlaflose Nächte, weil sie in die Akribie ihrer Kreationen vertieft war. Sie fühlte sich in ihre Kindheit zurückversetzt und vertiefte sich mit Freude in die Nachbildung von Geschäften und Lebensszenen, die in 40 bis 80 Zentimeter großen Schachteln wieder zum Leben erweckt wurden. "Ich versuche, eine Welt nachzubilden, die mir gefallen hat. Und ich mache mir mein eigenes kleines Kino." Auf dieser Suche nach Nostalgie verwandelte Denyse Denisselle ihre beiden Pariser Wohnungen in regelrechte Museen, die mit Dioramen gefüllt waren. Ihre Spezialität waren Miniaturkuchen. Sie verwendete Gips, den sie in ihrer Küche wie einen echten Kuchenteig ruhen ließ. "Ich habe schon Kinder dabei erwischt, wie sie daran leckten", sagte sie, amüsiert über den Realismus ihrer Kreationen. Die meisten ihrer Dioramen sind sogar mit Stromanschlüssen ausgestattet, um sie zum Leben zu erwecken. Indem sie Szenen aus der Vergangenheit mit solcher Präzision nachstellt, bietet Denyse Denisselle ein Fenster in eine längst vergangene Welt. Ihre Miniaturen sind mehr als nur Objekte; sie sind lebendige Erzählungen und vor allem Zeugnisse ihrer Leidenschaft und ihres Talents. Die Kunst der Miniaturmalerei, die das Wesen komplexer Themen in kleinen Formaten einfängt, hat eine lange Geschichte. In China zum Beispiel wird die Hao Mang-Miniaturschnitzerei seit 3000 Jahren praktiziert. Diese einzigartige Kunst schöpft, wie auch die Werke von Denyse Denisselle, aus der Fantasie und dem Traum und bietet dem Betrachter eine einzigartige und poetische Perspektive, wie Alice, die ins Wunderland abtaucht. Heute nimmt die Miniaturkunst einen wichtigen Platz in der Populärkultur ein, unterstützt durch Ausstellungen und Gesellschaften wie den Weltverband der Miniaturisten und die Royal Miniature Society. Galerien wie die Seaside Art Gallery und die Snowgoose Gallery veranstalten jährliche Ausstellungen. Dioramen, im 19. Jahrhundert entstandene Vorrichtungen zur Präsentation und Inszenierung, veranschaulichen ebenfalls die Entwicklung der Miniaturkunst. Ursprünglich waren sie große, durch Lichtspiele belebte Gemälde, entwickelten sich aber zu detaillierten dreidimensionalen Szenen, die häufig zu Bildungs- und Kunstzwecken eingesetzt wurden. Mit dem Aufschwung der sozialen Netzwerke hat die Miniaturkunst eine neue Vitalität gefunden. Der Hashtag #MiniatureArt bringt Künstler und Enthusiasten aus der ganzen Welt zusammen und verwandelt die Plattformen in virtuelle Galerien. Ausstellungen wie "Small is beautiful" beleuchten das Staunen über diese Kreationen von heute renommierten Künstlern wie Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz oder Lorraine Loots, die Humor und technische Präzision miteinander verbinden. (MLD)

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 160 - Denyse Denisselle (1920-2019) - Der Apotheker / Die Apotheke Diorama-Miniaturen Mischtechnik H. 34,5 cm B. 60 cm T. 26 cm Zustandsbericht: Elektrizität nicht getestet. Öffnet sich "Jedes Kind ist ein Künstler. Das Problem ist, Künstler zu bleiben, wenn man erwachsen wird". (Pablo Picasso) Im Alter von 60 Jahren, in den 1980er Jahren, entdeckte Denyse Denisselle ihre verzehrende Leidenschaft für Miniaturen. Manchmal verbrachte sie schlaflose Nächte, weil sie in die Akribie ihrer Kreationen vertieft war. Sie fühlte sich in ihre Kindheit zurückversetzt und vertiefte sich mit Freude in die Nachbildung von Geschäften und Lebensszenen, die in 40 bis 80 Zentimeter großen Schachteln wieder zum Leben erweckt wurden. "Ich versuche, eine Welt nachzubilden, die mir gefallen hat. Und ich mache mir mein eigenes kleines Kino." Auf dieser Suche nach Nostalgie verwandelte Denyse Denisselle ihre beiden Pariser Wohnungen in regelrechte Museen, die mit Dioramen gefüllt waren. Ihre Spezialität waren Miniaturkuchen. Sie verwendete Gips, den sie in ihrer Küche wie einen echten Kuchenteig ruhen ließ. "Ich habe schon Kinder dabei erwischt, wie sie daran leckten", sagte sie, amüsiert über den Realismus ihrer Kreationen. Die meisten ihrer Dioramen sind sogar mit Stromanschlüssen ausgestattet, um sie zum Leben zu erwecken. Indem sie Szenen aus der Vergangenheit mit solcher Präzision nachstellt, bietet Denyse Denisselle ein Fenster in eine längst vergangene Welt. Ihre Miniaturen sind mehr als nur Objekte; sie sind lebendige Erzählungen und vor allem Zeugnisse ihrer Leidenschaft und ihres Talents. Die Kunst der Miniaturmalerei, die das Wesen komplexer Themen in kleinen Formaten einfängt, hat eine lange Geschichte. In China zum Beispiel wird die Hao Mang-Miniaturschnitzerei seit 3000 Jahren praktiziert. Diese einzigartige Kunst schöpft, wie auch die Werke von Denyse Denisselle, aus der Fantasie und dem Traum und bietet dem Betrachter eine einzigartige und poetische Perspektive, wie Alice, die ins Wunderland abtaucht. Heute nimmt die Miniaturkunst einen wichtigen Platz in der Populärkultur ein, unterstützt durch Ausstellungen und Gesellschaften wie den Weltverband der Miniaturisten und die Royal Miniature Society. Galerien wie die Seaside Art Gallery und die Snowgoose Gallery veranstalten jährliche Ausstellungen. Dioramen, im 19. Jahrhundert entstandene Vorrichtungen zur Präsentation und Inszenierung, veranschaulichen ebenfalls die Entwicklung der Miniaturkunst. Ursprünglich waren sie große, durch Lichtspiele belebte Gemälde, entwickelten sich aber zu detaillierten dreidimensionalen Szenen, die häufig zu Bildungs- und Kunstzwecken eingesetzt wurden. Mit dem Aufschwung der sozialen Netzwerke hat die Miniaturkunst eine neue Vitalität gefunden. Der Hashtag #MiniatureArt bringt Künstler und Enthusiasten aus der ganzen Welt zusammen und verwandelt die Plattformen in virtuelle Galerien. Ausstellungen wie "Small is beautiful" beleuchten das Staunen über diese Kreationen von heute renommierten Künstlern wie Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz oder Lorraine Loots, die Humor und technische Präzision miteinander verbinden. (MLD)

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 161 - Denyse Denisselle (1920-2019) - À la botte d'or Diorama-Miniaturen Mischtechnik H. 31 cm B. 49,7 cm T. 23,3 cm Zustandsbericht: Elektrizität nicht getestet. Lässt sich öffnen + Tür Linke Scheibe der Vitrine lose befestigt Tür muss repariert werden Seitensteg oben rechts lose befestigt "Jedes Kind ist ein Künstler. Das Problem ist, Künstler zu bleiben, wenn man erwachsen wird." (Pablo Picasso) Im Alter von 60 Jahren, in den 1980er Jahren, entdeckte Denyse Denisselle ihre verzehrende Leidenschaft für Miniaturen. Manchmal verbrachte sie schlaflose Nächte, weil sie in die Akribie ihrer Kreationen vertieft war. Sie fühlte sich in ihre Kindheit zurückversetzt und vertiefte sich mit Freude in die Nachbildung von Geschäften und Lebensszenen, die in 40 bis 80 Zentimeter großen Schachteln wieder zum Leben erweckt wurden. "Ich versuche, eine Welt nachzubilden, die mir gefallen hat. Und ich mache mir mein eigenes kleines Kino." Auf dieser Suche nach Nostalgie verwandelte Denyse Denisselle ihre beiden Pariser Wohnungen in regelrechte Museen, die mit Dioramen gefüllt waren. Ihre Spezialität waren Miniaturkuchen. Sie verwendete Gips, den sie in ihrer Küche wie einen echten Kuchenteig ruhen ließ. "Ich habe schon Kinder dabei erwischt, wie sie daran leckten", sagte sie, amüsiert über den Realismus ihrer Kreationen. Die meisten ihrer Dioramen sind sogar mit Stromanschlüssen ausgestattet, um sie zum Leben zu erwecken. Indem sie Szenen aus der Vergangenheit mit solcher Präzision nachstellt, bietet Denyse Denisselle ein Fenster in eine längst vergangene Welt. Ihre Miniaturen sind mehr als nur Objekte; sie sind lebendige Erzählungen und vor allem Zeugnisse ihrer Leidenschaft und ihres Talents. Die Kunst der Miniaturmalerei, die das Wesen komplexer Themen in kleinen Formaten einfängt, hat eine lange Geschichte. In China zum Beispiel wird die Hao Mang-Miniaturschnitzerei seit 3000 Jahren praktiziert. Diese einzigartige Kunst schöpft, wie auch die Werke von Denyse Denisselle, aus der Fantasie und dem Traum und bietet dem Betrachter eine einzigartige und poetische Perspektive, wie Alice, die ins Wunderland abtaucht. Heute nimmt die Miniaturkunst einen wichtigen Platz in der Populärkultur ein, unterstützt durch Ausstellungen und Gesellschaften wie den Weltverband der Miniaturisten und die Royal Miniature Society. Galerien wie die Seaside Art Gallery und die Snowgoose Gallery veranstalten jährliche Ausstellungen. Dioramen, im 19. Jahrhundert entstandene Vorrichtungen zur Präsentation und Inszenierung, veranschaulichen ebenfalls die Entwicklung der Miniaturkunst. Ursprünglich waren sie große, durch Lichtspiele belebte Gemälde, entwickelten sich aber zu detaillierten dreidimensionalen Szenen, die häufig zu Bildungs- und Kunstzwecken eingesetzt wurden. Mit dem Aufschwung der sozialen Netzwerke hat die Miniaturkunst eine neue Vitalität gefunden. Der Hashtag #MiniatureArt bringt Künstler und Enthusiasten aus der ganzen Welt zusammen und verwandelt die Plattformen in virtuelle Galerien. Ausstellungen wie "Small is beautiful" beleuchten das Staunen über diese Kreationen von heute renommierten Künstlern wie Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz oder Lorraine Loots, die Humor und technische Präzision miteinander verbinden. (MLD)

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 162 - Denyse Denisselle (1920-2019) - Der Blumenladen / Fleuriste Diorama-Miniaturen Mischtechnik H. 35 cm B. 60 cm T. 34,5 cm Zustandsbericht: Elektrizität nicht getestet. Lässt sich nicht öffnen "Jedes Kind ist ein Künstler. Das Problem ist, Künstler zu bleiben, wenn man erwachsen wird". (Pablo Picasso) Im Alter von 60 Jahren, in den 1980er Jahren, entdeckte Denyse Denisselle ihre verzehrende Leidenschaft für Miniaturen. Manchmal verbrachte sie schlaflose Nächte, weil sie in die Akribie ihrer Kreationen vertieft war. Sie fühlte sich in ihre Kindheit zurückversetzt und vertiefte sich mit Freude in die Nachbildung von Geschäften und Lebensszenen, die in 40 bis 80 Zentimeter großen Schachteln wieder zum Leben erweckt wurden. "Ich versuche, eine Welt nachzubilden, die mir gefallen hat. Und ich mache mir mein eigenes kleines Kino." Auf dieser Suche nach Nostalgie verwandelte Denyse Denisselle ihre beiden Pariser Wohnungen in regelrechte Museen, die mit Dioramen gefüllt waren. Ihre Spezialität waren Miniaturkuchen. Sie verwendete Gips, den sie in ihrer Küche wie einen echten Kuchenteig ruhen ließ. "Ich habe schon Kinder dabei erwischt, wie sie daran leckten", sagte sie, amüsiert über den Realismus ihrer Kreationen. Die meisten ihrer Dioramen sind sogar mit Stromanschlüssen ausgestattet, um sie zum Leben zu erwecken. Indem sie Szenen aus der Vergangenheit mit solcher Präzision nachstellt, bietet Denyse Denisselle ein Fenster in eine längst vergangene Welt. Ihre Miniaturen sind mehr als nur Objekte; sie sind lebendige Erzählungen und vor allem Zeugnisse ihrer Leidenschaft und ihres Talents. Die Kunst der Miniaturmalerei, die das Wesen komplexer Themen in kleinen Formaten einfängt, hat eine lange Geschichte. In China zum Beispiel wird die Hao Mang-Miniaturschnitzerei seit 3000 Jahren praktiziert. Diese einzigartige Kunst schöpft, wie auch die Werke von Denyse Denisselle, aus der Fantasie und dem Traum und bietet dem Betrachter eine einzigartige und poetische Perspektive, wie Alice, die ins Wunderland abtaucht. Heute nimmt die Miniaturkunst einen wichtigen Platz in der Populärkultur ein, unterstützt durch Ausstellungen und Gesellschaften wie den Weltverband der Miniaturisten und die Royal Miniature Society. Galerien wie die Seaside Art Gallery und die Snowgoose Gallery veranstalten jährliche Ausstellungen. Dioramen, im 19. Jahrhundert entstandene Vorrichtungen zur Präsentation und Inszenierung, veranschaulichen ebenfalls die Entwicklung der Miniaturkunst. Ursprünglich waren sie große, durch Lichtspiele belebte Gemälde, entwickelten sich aber zu detaillierten dreidimensionalen Szenen, die häufig zu Bildungs- und Kunstzwecken eingesetzt wurden. Mit dem Aufschwung der sozialen Netzwerke hat die Miniaturkunst eine neue Vitalität gefunden. Der Hashtag #MiniatureArt bringt Künstler und Enthusiasten aus der ganzen Welt zusammen und verwandelt die Plattformen in virtuelle Galerien. Ausstellungen wie "Small is beautiful" beleuchten das Staunen über diese Kreationen von heute renommierten Künstlern wie Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz oder Lorraine Loots, die Humor und technische Präzision miteinander verbinden. (MLD)

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 163 - Denyse Denisselle (1920-2019) - La Quincaillerie Diorama-Miniaturen Mischtechnik H. 45,5 cm B. 60 cm T. 41,5 cm Zustandsbericht: Elektrizität nicht getestet. Öffnet sich + Tür "Jedes Kind ist ein Künstler. Das Problem ist, Künstler zu bleiben, wenn man erwachsen wird". (Pablo Picasso) Im Alter von 60 Jahren, in den 1980er Jahren, entdeckte Denyse Denisselle ihre verzehrende Leidenschaft für Miniaturen. Manchmal verbrachte sie schlaflose Nächte, weil sie in die Akribie ihrer Kreationen vertieft war. Sie fühlte sich in ihre Kindheit zurückversetzt und vertiefte sich mit Freude in die Nachbildung von Geschäften und Lebensszenen, die in 40 bis 80 Zentimeter großen Schachteln wieder zum Leben erweckt wurden. "Ich versuche, eine Welt nachzubilden, die mir gefallen hat. Und ich mache mir mein eigenes kleines Kino." Auf dieser Suche nach Nostalgie verwandelte Denyse Denisselle ihre beiden Pariser Wohnungen in regelrechte Museen, die mit Dioramen gefüllt waren. Ihre Spezialität waren Miniaturkuchen. Sie verwendete Gips, den sie in ihrer Küche wie einen echten Kuchenteig ruhen ließ. "Ich habe schon Kinder dabei erwischt, wie sie daran leckten", sagte sie, amüsiert über den Realismus ihrer Kreationen. Die meisten ihrer Dioramen sind sogar mit Stromanschlüssen ausgestattet, um sie zum Leben zu erwecken. Indem sie Szenen aus der Vergangenheit mit solcher Präzision nachstellt, bietet Denyse Denisselle ein Fenster in eine längst vergangene Welt. Ihre Miniaturen sind mehr als nur Objekte; sie sind lebendige Erzählungen und vor allem Zeugnisse ihrer Leidenschaft und ihres Talents. Die Kunst der Miniaturmalerei, die das Wesen komplexer Themen in kleinen Formaten einfängt, hat eine lange Geschichte. In China zum Beispiel wird die Hao Mang-Miniaturschnitzerei seit 3000 Jahren praktiziert. Diese einzigartige Kunst schöpft, wie auch die Werke von Denyse Denisselle, aus der Fantasie und dem Traum und bietet dem Betrachter eine einzigartige und poetische Perspektive, wie Alice, die ins Wunderland abtaucht. Heute nimmt die Miniaturkunst einen wichtigen Platz in der Populärkultur ein, unterstützt durch Ausstellungen und Gesellschaften wie den Weltverband der Miniaturisten und die Royal Miniature Society. Galerien wie die Seaside Art Gallery und die Snowgoose Gallery veranstalten jährliche Ausstellungen. Dioramen, im 19. Jahrhundert entstandene Vorrichtungen zur Präsentation und Inszenierung, veranschaulichen ebenfalls die Entwicklung der Miniaturkunst. Ursprünglich waren sie große, durch Lichtspiele belebte Gemälde, entwickelten sich aber zu detaillierten dreidimensionalen Szenen, die häufig zu Bildungs- und Kunstzwecken eingesetzt wurden. Mit dem Aufschwung der sozialen Netzwerke hat die Miniaturkunst eine neue Vitalität gefunden. Der Hashtag #MiniatureArt bringt Künstler und Enthusiasten aus der ganzen Welt zusammen und verwandelt die Plattformen in virtuelle Galerien. Ausstellungen wie "Small is beautiful" beleuchten das Staunen über diese Kreationen von heute renommierten Künstlern wie Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz oder Lorraine Loots, die Humor und technische Präzision miteinander verbinden. (MLD)

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 164 - Denyse Denisselle (1920-2019) - La Boulangerie Diorama-Miniaturen Mischtechnik H. 29,5 cm B. 70 cm T. 28,5 cm Zustandsbericht: Elektrizität nicht getestet. Lässt sich öffnen + Tür 1 Hund gebrochen-aufgeklebt "Jedes Kind ist ein Künstler. Das Problem ist, Künstler zu bleiben, wenn man erwachsen wird." (Pablo Picasso) Im Alter von 60 Jahren, in den 1980er Jahren, entdeckte Denyse Denisselle ihre verzehrende Leidenschaft für Miniaturen. Manchmal verbrachte sie schlaflose Nächte, weil sie in die Akribie ihrer Kreationen vertieft war. Sie fühlte sich in ihre Kindheit zurückversetzt und vertiefte sich mit Freude in die Nachbildung von Geschäften und Lebensszenen, die in 40 bis 80 Zentimeter großen Schachteln wieder zum Leben erweckt wurden. "Ich versuche, eine Welt nachzubilden, die mir gefallen hat. Und ich mache mir mein eigenes kleines Kino." Auf dieser Suche nach Nostalgie verwandelte Denyse Denisselle ihre beiden Pariser Wohnungen in regelrechte Museen, die mit Dioramen gefüllt waren. Ihre Spezialität waren Miniaturkuchen. Sie verwendete Gips, den sie in ihrer Küche wie einen echten Kuchenteig ruhen ließ. "Ich habe schon Kinder dabei erwischt, wie sie daran leckten", sagte sie, amüsiert über den Realismus ihrer Kreationen. Die meisten ihrer Dioramen sind sogar mit Stromanschlüssen ausgestattet, um sie zum Leben zu erwecken. Indem sie Szenen aus der Vergangenheit mit solcher Präzision nachstellt, bietet Denyse Denisselle ein Fenster in eine längst vergangene Welt. Ihre Miniaturen sind mehr als nur Objekte; sie sind lebendige Erzählungen und vor allem Zeugnisse ihrer Leidenschaft und ihres Talents. Die Kunst der Miniaturmalerei, die das Wesen komplexer Themen in kleinen Formaten einfängt, hat eine lange Geschichte. In China zum Beispiel wird die Hao Mang-Miniaturschnitzerei seit 3000 Jahren praktiziert. Diese einzigartige Kunst schöpft, wie auch die Werke von Denyse Denisselle, aus der Fantasie und dem Traum und bietet dem Betrachter eine einzigartige und poetische Perspektive, wie Alice, die ins Wunderland abtaucht. Heute nimmt die Miniaturkunst einen wichtigen Platz in der Populärkultur ein, unterstützt durch Ausstellungen und Gesellschaften wie den Weltverband der Miniaturisten und die Royal Miniature Society. Galerien wie die Seaside Art Gallery und die Snowgoose Gallery veranstalten jährliche Ausstellungen. Dioramen, im 19. Jahrhundert entstandene Vorrichtungen zur Präsentation und Inszenierung, veranschaulichen ebenfalls die Entwicklung der Miniaturkunst. Ursprünglich waren sie große, durch Lichtspiele belebte Gemälde, entwickelten sich aber zu detaillierten dreidimensionalen Szenen, die häufig zu Bildungs- und Kunstzwecken eingesetzt wurden. Mit dem Aufschwung der sozialen Netzwerke hat die Miniaturkunst eine neue Vitalität gefunden. Der Hashtag #MiniatureArt bringt Künstler und Enthusiasten aus der ganzen Welt zusammen und verwandelt die Plattformen in virtuelle Galerien. Ausstellungen wie "Small is beautiful" beleuchten das Staunen über diese Kreationen von heute renommierten Künstlern wie Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz oder Lorraine Loots, die Humor und technische Präzision miteinander verbinden. (MLD)

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 178 - Michel Potage (1949-2020) - Coupe de fruits 1999 Öl auf Leinwand mit Heftklammern auf Paneel Monogrammiert, datiert und signiert auf der Rückseite 18 x 29 cm "Das Kommen und Gehen zwischen dem Salon und dem Atelier wird immer zahlreicher, vergeblich. Ich kann mich nicht halten. Nicht an Ort und Stelle Dann wird es immer weniger. Man richtet sich im Blick ein Ein paar Tage, an denen es wie von selbst zu fließen scheint. Dann geht alles schief. Ich sage mir immer wieder, dass ich loslassen soll, aber es hilft nichts. Ich werde alles versuchen, bis ich mich vor mir selbst ekle. Michel Potage (in Michel Potage Greenyard Pieces, Henry Bussière Art's Edition, Paris, 1996) In einem Artikel vom 17. Mai 2015 in Télérama fragte Olivier Cena: "Was ist aus Michel Potage geworden? Das Werk dieses französischen Malers, der heute 65 Jahre alt ist, verschwand vor etwa zehn Jahren von den Zimelien." Der Künstler hat uns 2020 verlassen und die Aktualität hat ihn noch nicht eingeholt. Michel Potage, der seit Ende der 70er Jahre romantisch und figurativ ist und die Malerei von Francis Bacon bewundert, ist ein Anachronist: Als Warhol uns die 15 Minuten Berühmtheit verkauft, ruft er bei Thierry Ardisson "Ich versuche, niemand zu sein, I am nobody". Das erklärt, warum sein Werk keinem anderen gleicht. Michel Potage hat die Malerei im Blut: Er malt in der Einsamkeit des heiligen Ortes, seines Ateliers, nachdem er lange auf die Inspiration gewartet hat... und wenn sie kommt, wird er hektisch, verbissen, virtuos. Er malt das Thema bis zur Erschöpfung, woraus sich eine serielle Arbeit ergibt: die Aborigines, die Korrespondenz zwischen Van Gogh und seinem Bruder Theo, die Zigeuner, die mythische Serie der Bäume... Potage ist anspruchsvoll mit sich selbst, ja sogar kompromisslos. In einem Gedicht, das er anlässlich seiner Ausstellung in der Galerie Guigon im November 1997 verfasste, schreibt er: "Mir fallen die Augen aus Jeden Tag will ich malen Das Bild, das fehlt Zu meiner Vorstellung von Malerei In diesem Augenblick". Als Michel Potage am 28. Oktober 1989 mit Thierry Ardisson in Lunettes noires pour Nuits blanches sprach, erklärte er: "Ich male für mich selbst und für einige Freunde...". Wir wetten, dass seine Freunde im Laufe der Zeit immer zahlreicher werden.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 179 - Michel Potage (1949-2020) - Stillleben im Atelier Öl, Aquarell und Kohle auf Papier, monogrammiert und datiert unten links 42,5 x 75 cm "Das Kommen und Gehen zwischen dem Salon und dem Atelier wird immer zahlreicher, vergeblich. Ich kann mich nicht halten. Nicht an Ort und Stelle Dann wird es immer weniger. Man richtet sich im Blick ein Ein paar Tage, an denen es wie von selbst zu fließen scheint. Dann geht alles schief. Ich sage mir immer wieder, dass ich loslassen soll, aber es hilft nichts. Ich werde alles versuchen, bis ich mich vor mir selbst ekle. Michel Potage (in Michel Potage Greenyard Pieces, Henry Bussière Art's Edition, Paris, 1996) In einem Artikel vom 17. Mai 2015 in Télérama fragte Olivier Cena: "Was ist aus Michel Potage geworden? Das Werk dieses französischen Malers, der heute 65 Jahre alt ist, verschwand vor etwa zehn Jahren von den Zimelien." Der Künstler hat uns 2020 verlassen und die Aktualität hat ihn noch nicht eingeholt. Michel Potage, der seit Ende der 70er Jahre romantisch und figurativ ist und die Malerei von Francis Bacon bewundert, ist ein Anachronist: Als Warhol uns die 15 Minuten Berühmtheit verkauft, ruft er bei Thierry Ardisson "Ich versuche, niemand zu sein, I am nobody". Das erklärt, warum sein Werk keinem anderen gleicht. Michel Potage hat die Malerei im Blut: Er malt in der Einsamkeit des heiligen Ortes, seines Ateliers, nachdem er lange auf die Inspiration gewartet hat... und wenn sie kommt, wird er hektisch, verbissen, virtuos. Er malt das Thema bis zur Erschöpfung, woraus sich eine serielle Arbeit ergibt: die Aborigines, die Korrespondenz zwischen Van Gogh und seinem Bruder Theo, die Zigeuner, die mythische Serie der Bäume... Potage ist anspruchsvoll mit sich selbst, ja sogar kompromisslos. In einem Gedicht, das er anlässlich seiner Ausstellung in der Galerie Guigon im November 1997 verfasste, schreibt er: "Mir fallen die Augen aus Jeden Tag will ich malen Das Bild, das fehlt Zu meiner Vorstellung von Malerei In diesem Augenblick". Als Michel Potage am 28. Oktober 1989 in Lunettes noires pour Nuits blanches mit Thierry Ardisson sprach, erklärte er: "Ich male für mich selbst und für einige Freunde...". Wir wetten, dass seine Freunde im Laufe der Zeit immer zahlreicher werden.

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 180 - Michel Potage (1949-2020) - Stillleben im Atelier 2010 Öl, Aquarell und Kohle auf Papier monogrammiert und datiert unten in der Mitte 52,5 x 75 cm "Das Kommen und Gehen zwischen dem Wohnzimmer und dem Atelier wird immer zahlreicher, vergeblich. Ich kann mich nicht halten. Nicht an Ort und Stelle Dann wird es immer weniger. Man richtet sich im Blick ein Ein paar Tage, an denen es wie von selbst zu fließen scheint. Dann geht alles schief. Ich sage mir immer wieder, dass ich loslassen soll, aber es hilft nichts. Ich werde alles versuchen, bis ich mich vor mir selbst ekle. Michel Potage (in Michel Potage Greenyard Pieces, Henry Bussière Art's Edition, Paris, 1996) In einem Artikel vom 17. Mai 2015 in Télérama fragte Olivier Cena: "Was ist aus Michel Potage geworden? Das Werk dieses französischen Malers, der heute 65 Jahre alt ist, verschwand vor etwa zehn Jahren von den Zimelien." Der Künstler hat uns 2020 verlassen und die Aktualität hat ihn noch nicht eingeholt. Michel Potage, der seit Ende der 70er Jahre romantisch und figurativ ist und die Malerei von Francis Bacon bewundert, ist ein Anachronist: Als Warhol uns die 15 Minuten Berühmtheit verkauft, ruft er bei Thierry Ardisson "Ich versuche, niemand zu sein, I am nobody". Das erklärt, warum sein Werk keinem anderen gleicht. Michel Potage hat die Malerei im Blut: Er malt in der Einsamkeit des heiligen Ortes, seines Ateliers, nachdem er lange auf die Inspiration gewartet hat... und wenn sie kommt, wird er hektisch, verbissen, virtuos. Er malt das Thema bis zur Erschöpfung, woraus sich eine serielle Arbeit ergibt: die Aborigines, die Korrespondenz zwischen Van Gogh und seinem Bruder Theo, die Zigeuner, die mythische Serie der Bäume... Potage ist anspruchsvoll mit sich selbst, ja sogar kompromisslos. In einem Gedicht, das er anlässlich seiner Ausstellung in der Galerie Guigon im November 1997 verfasste, schreibt er: "Mir fallen die Augen aus Jeden Tag will ich malen Das Bild, das fehlt Zu meiner Vorstellung von Malerei In diesem Augenblick". Als Michel Potage am 28. Oktober 1989 in Lunettes noires pour Nuits blanches mit Thierry Ardisson sprach, erklärte er: "Ich male für mich selbst und für einige Freunde...". Wir wetten, dass seine Freunde im Laufe der Zeit immer zahlreicher werden.

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 181 - Jacques Joos (1945-2021) - L'Appel 2012 Mischtechnik auf Leinwand auf der Rückseite signiert, betitelt und datiert 116 x 89 cm Zustandsbericht: Gerahmt Jacques Joos ist ein französischer Maler, dessen Werke die zeitgenössische Landschaft durch ihre Tiefe und Ausdruckskraft geprägt haben. Seine ersten Porträts fertigte er 1965 an, wobei er die Innerlichkeit und Intimität jeder Person, die er verewigte, hervorhob. Seine Arbeit offenbart sein tiefes Verständnis für die menschliche Seele. 1976 begann Joos, sich mehr für die Drapierung zu interessieren. Der Schleier, der zunächst in einer Ecke seiner Stillleben skizziert wurde, rückt allmählich in den Mittelpunkt seiner Kompositionen. Oftmals achtlos auf eine Struktur gelegt, beginnt der Faltenwurf den größten Teil des Raumes seiner Gemälde einzunehmen. Der Künstler beherrscht die Kunst, einer flachen Oberfläche Volumen zu verleihen, indem er mit Falten, Licht- und Schatteneffekten und Transparenzen spielt. Anfang der 1980er Jahre, als er gerade in seine Geburtsstadt Toulouse zurückgekehrt war, beteiligte er sich an der Gründung eines Ateliers für die Restaurierung von Fresken, das zum größten in Südfrankreich wurde: Kathedrale von Cahors, Kapelle der Kaiserin Eugenie in Biarritz, Kirche Saint-Pierre in Moissac... In den 80er und 90er Jahren widmete er sich voll und ganz diesem Atelier, versorgte seine Kreativität aber weiterhin mit Fresken. Wie Fabio Rieti bemalte er die Wände der Städte (Toulouse, Paris) mit Trompe-l'oeil-Malereien, die den Alltag der Passanten wiederbelebten. Ab 2004 führte Joos die Technik des Gießens in seine Werke ein und erforschte Themen wie Licht und Raum. Seine jüngsten Werke, die unter dem Motto "Nuits tentaculaires" (Tentakelnächte) zusammengefasst und 2011 in der Galerie Art Sud ausgestellt wurden, zeigen einen eher expressionistischen und introspektiven Ansatz. Diese dunkleren und innerlichen Gemälde, die oft von Meisterwerken der Kunstgeschichte inspiriert sind, stellen die Tiefe des menschlichen Daseins dar. (MLD)

Schätzw. 800 - 1 200 EUR

Los 182 - Jacques Joos (1945-2021) - Souvenir du Louvre 2014 Mischtechnik auf Leinwand auf der Rückseite signiert, betitelt und datiert 100 x 81 cm Zustandsbericht: Gerahmt Jacques Joos ist ein französischer Maler, dessen Werke durch ihre Tiefe und Ausdruckskraft die zeitgenössische Landschaft geprägt haben. Seine ersten Porträts fertigte er 1965 an, wobei er die Innerlichkeit und Intimität jeder Person, die er verewigte, hervorhob. Seine Arbeit offenbart sein tiefes Verständnis der menschlichen Seele. 1976 begann Joos, sich mehr für die Drapierung zu interessieren. Der Schleier, der zunächst in einer Ecke seiner Stillleben skizziert wurde, rückt allmählich in den Mittelpunkt seiner Kompositionen. Oftmals achtlos auf eine Struktur gelegt, beginnt der Faltenwurf den größten Teil des Raumes seiner Gemälde einzunehmen. Der Künstler beherrscht die Kunst, einer flachen Oberfläche Volumen zu verleihen, indem er mit Falten, Licht- und Schatteneffekten und Transparenzen spielt. Anfang der 1980er Jahre, als er gerade in seine Geburtsstadt Toulouse zurückgekehrt war, beteiligte er sich an der Gründung eines Ateliers für die Restaurierung von Fresken, das zum größten in Südfrankreich wurde: Kathedrale von Cahors, Kapelle der Kaiserin Eugenie in Biarritz, Kirche Saint-Pierre in Moissac... In den 80er und 90er Jahren widmete er sich voll und ganz diesem Atelier, versorgte seine Kreativität aber weiterhin mit Fresken. Wie Fabio Rieti bemalte er die Wände der Städte (Toulouse, Paris) mit Trompe-l'oeil-Malereien, die den Alltag der Passanten wiederbelebten. Ab 2004 führte Joos die Technik des Gießens in seine Werke ein und erforschte Themen wie Licht und Raum. Seine jüngsten Werke, die unter dem Motto "Nuits tentaculaires" (Tentakelnächte) zusammengefasst und 2011 in der Galerie Art Sud ausgestellt wurden, zeigen einen eher expressionistischen und introspektiven Ansatz. Diese dunkleren und innerlichen Gemälde, die oft von Meisterwerken der Kunstgeschichte inspiriert sind, stellen die Tiefe des menschlichen Daseins dar. (MLD) Hier erkennt man eine der zentralen Figuren auf dem Gemälde von Eugène Delacroix, das im Louvre aufbewahrt wird: Der Tod des Sardanapalos, 1827.

Schätzw. 700 - 1 000 EUR
Sicherheit
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