DROUOT
Donnerstag 11 Jul um : 10:30 (BST)

Moderne und zeitgenössische Kunst

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Donnington Priory RG14 2JE Newbury, Vereinigtes Königreich
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224 Ergebnisse

Los 13 - ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935), ANDREW CAVENDISH, 11TH DUKE OF DEVONSHIRE - ANGELA CONNER (BRITISCH, geb. 1935)ANDREW CAVENDISH, 11TH DUKE OF DEVONSHIRE Bemalter Gips 45 cm hoch Angela Conner und Andrew Cavendish, der 11. Duke of Devonshire, wurden enge Freunde, nachdem sie von Angela Conners Schwager und Dramatiker John Osborne einander vorgestellt worden waren. Von diesem ersten Treffen an war er ein eifriger Sammler ihrer Werke und besaß zu einem bestimmten Zeitpunkt über vierzig ihrer Skulpturen, darunter Büsten prominenter britischer Politiker, Adeliger, Schriftsteller und Prominenter sowie größere Gartenskulpturen. Beeindruckt von ihren Arbeiten wurde Conner dann gebeten, Porträts des Herzogs von Devonshire und seiner Familie anzufertigen, die 1975 in der Chatsworth Theatre Gallery neben Bildern von Lucian Freud ausgestellt wurden. Cavendish war ein britischer Aristokrat und Politiker, der vor allem für seinen Beitrag zur Erhaltung und Verwaltung historischer Güter und kultureller Einrichtungen in England bekannt ist. Er erbte und restaurierte nicht nur Chatsworth House in Derbyshire, sondern war auch Vorsitzender der Historic Houses Association und der Georgian Group, Organisationen, die sich für den Erhalt historischer Gebäude und Landschaften in England einsetzen. Er engagierte sich auch aktiv in der Politik, war fast zwanzig Jahre lang Mitglied des Parlaments und bekleidete verschiedene Regierungsämter, darunter auch das des Staatsministers für Commonwealth-Beziehungen. Es ist ziemlich ungewöhnlich, wie ich sie kennen gelernt habe. Ich war im Theater und [...] saß neben einer Dame, die ich noch nie zuvor gesehen hatte und die sagte, sie sei Bildhauerin und fange gerade an, Skulpturen zu machen. Sie hat einen Kopf von Roy Strong gemacht, und ich sagte, ich würde ihn mir gerne ansehen. [...] Und so fing alles an. The Duke of Devonshire, 3. Januar 2001, aus einem Interview mit Helen Dempsey Provenienz: Direkt aus der Ateliersammlung des Künstlers

Schätzw. 400 - 600 GBP

Los 20 - ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935), PAUL MELLON - ANGELA CONNER (BRITISCH, geb. 1935)PAUL MELLON Bemalter Gips40cm (15½in.) hoch Ausgeführt 1986. Angela Conner hatte die Fähigkeit, nicht nur den Charakter einer Person zu erfassen, sondern auch Elemente des darunter liegenden Wesens in Ton, Wachs und Bronze zu verkörpern. Conner schuf die vorliegende Büste während eines Besuchs in New York. Die beiden saßen in einem Kellerraum abseits des Trubels und des Chaos auf den Straßen von New York. Angela Conner erinnert sich, wie Paul Mellon sie während der Sitzung mit humorvollen Geschichten unterhielt. Eine davon, die Conner besonders in Erinnerung geblieben ist, war eine Zeit, als Mellon in Norfolk und Licolnshire auf der Jagd war und so oft vom Pferd in die nassesten Schlammgräben fiel, dass er den Spitznamen "The Water Mellon" bekam. Paul Mellon war ein amerikanischer Philanthrop und Kunstsammler, der eine der bedeutendsten und umfangreichsten Kunstsammlungen des 20. Jahrhunderts anlegte. Jahrhunderts. Mellons Sammelinteressen waren breit gefächert und umfassten die europäische und amerikanische Kunst von der Renaissance bis zur Moderne. Er hatte eine besondere Vorliebe für die britische Kunst und konzentrierte sich dabei auf die britische Malerei des 18. Jahrhunderts, darunter Werke von Künstlern wie J.M.W. Turner, George Stubbs und Thomas Gainsborough. Mellons Engagement für die britische Kunst führte dazu, dass er eine entscheidende Rolle bei der Gründung des Yale Centre for British Art in New Haven, Connecticut, spielte, das seine bemerkenswerte Sammlung beherbergt und als Zentrum für Wissenschaft und Forschung auf diesem Gebiet dient. Ein Abguss dieser Büste ist derzeit im Yale Centre for British Art und in der National Gallery of Art in Washington zu sehen. Provenienz: Direkt aus der Ateliersammlung des Künstlers

Schätzw. 400 - 600 GBP

Los 60 - λ ALAN REYNOLDS (BRITISH 1926-2014), STRUCTURE: RED AND GREEN - λ ALAN REYNOLDS (BRITISCH 1926-2014)STRUKTUR: RED AND GREENOil on board51 x 48cm (20 x 18¾ in.)Gemalt um 1960Provenienz:Thomas Agnew & Sons Ltd., LondonAlan Reynolds, der schon früh in seiner Karriere von Bryan Robertson als Goldjunge der Neoromantik bezeichnet wurde, genoss internationale Anerkennung für seine wunderschön ausgeführten Gemälde von kentischen Obstgärten, Hopfenfeldern, Gräsern und Teeköpfen. Seine Werke wurden von der Tate Gallery in London, der National Gallery of Victoria in Melbourne und der Fleischman Collection in Pittsburgh angekauft. Mit ausverkauften Ausstellungen bei internationalen Institutionen und angesehenen Sammlern schockierte er die Londoner Kunstszene der 1960er Jahre, als Reynolds zum abstrakten Künstler wurde. Seine ersten nicht-figurativen Arbeiten stellte er 1960 in der Redfern Gallery aus. Bei dieser Übergangsausstellung verwendete er eine erdige Farbpalette, die an seine früheren Landschaften erinnerte, und kombinierte geometrische Formen und Konstruktionen. Für Reynolds war dies eine natürliche Entwicklung in seinem Werk, die er bereits 1953 angedeutet hatte, als er die Malerei als ein Problem bezeichnete, bei dem es darum geht, Gleichungen zu lösen: tonal, linear usw. Das Thema oder das Motiv muss transformiert werden und zu einem organischen Ganzen werden. Die Poesie fehlt nie in der Natur, aber sie allein kann kein Kunstwerk ausmachen. Sie muss mit den Elementen der Gestaltung und Komposition in Einklang gebracht werden. Die Betonung der formalen Werte in einem Werk führt daher zu einem gewissen Grad an Abstraktion... Das vorliegende Werk schafft eine nahtlose Synthese zwischen Nostalgie und zeitgenössischen Lehren in einem seltenen Beispiel aus dieser Periode, in der Reynolds erstmals in die Abstraktion eintritt

Schätzw. 10 000 - 15 000 GBP

Los 87 - EUGENE BOUDIN (FRENCH 1824-1898), TROUVILLE, LE PORT, LE MATIN - EUGĖNE BOUDIN (FRANZÖSISCH 1824-1898)TROUVILLE, LE PORT, LE MATINOÖl auf LeinwandSigniert (unten links)32 x 46cm (12½ x 18 in.)Gemalt 1881. Provenienz:Cyrus J. Lawrence, New YorkGaleries Durand-Ruel, New York (erworben von dem oben Genannten am 16. April 1895)A.A. Crosby, New York (erworben von dem oben Genannten am 27. Januar 1904)Galeries Durand-Ruel, New York (erworben von dem oben Genannten am 5. Januar 1905)M. Henkel, New York (erworben von dem oben Genannten am 27. Dezember 1905)Galeries Durand-Ruel, New York (erworben von dem oben Genannten am 15. August 1906)Coudray, Paris (seine Versteigerung, Hôtel Druout, Paris, 12. Juni 1908, Los 7)Max Lévy, Paris (erworben bei der oben genannten Versteigerung)Sale, Sotheby's, London, 1. Juli 1964, Los 67Erworben von dem oben Genannten durch den jetzigen BesitzerLiteratur:Robert Schmit, Eugène Boudin 1824-1898, Paris, 1973, vol. II, Nr. 1542 (schwarz-weiß illustriert)Dieses Werk befindet sich im Archiv Eugène Boudin der Galerie Brame & Lorenceau.Die Küste der Normandie war ein bevorzugtes Motiv von Eugène Boudin. Da er in Honfleur und später in Le Havre aufgewachsen war, kannte er die zahlreichen Küstenstädte, die bei den Pariser Modemachern, die der überfüllten Stadt entkommen wollten, immer beliebter wurden. Boudins erste Darstellungen von Trouville stammen aus den frühen 1860er Jahren. Auf Anregung seines Freundes Johan Barthold Jongkind gehört er zu den ersten Künstlern, die sich in der Pleinair-Malerei übten, und sein lebenslanger Freund Claude Monet schreibt ihm zu, dass er maßgeblich an seiner frühen künstlerischen Entwicklung beteiligt war. Das vorliegende Werk aus dem Jahr 1881 ist ein typisches Beispiel für Boudins Herangehensweise an die Landschaftsmalerei mit seinem von Energie und Bewegung geprägten, düsteren Himmel. Ein Auszug aus seinem Tagebuch von 1856 zeigt, dass schon als junger Künstler, der sein Handwerk verfeinerte, der Himmel für seine Kunst von zentraler Bedeutung war: "In den offenen Himmel schwimmen. Die Zartheit der Wolken zu erreichen. Diese Massen in der Ferne schweben lassen, sehr weit weg im grauen Nebel, das Blau explodieren lassen. Ich spüre, wie all dies in meinen Absichten auftaucht. Corot war von Boudins Fähigkeit, den Himmel darzustellen, so beeindruckt, dass er ihn "König des Himmels" nannte. Seine Beschäftigung mit dem Himmel führte dazu, dass er, wie bei dem vorliegenden Werk, häufig mehr als die Hälfte der Komposition einnahm. Mit dem Verweis auf die Tageszeit im Titel des Werks zeigt Boudin sein anhaltendes Interesse an den Feinheiten des Lichts und des Wetters zu verschiedenen Tages- und Jahreszeiten, wobei er oft die genauen atmosphärischen Bedingungen zum Zeitpunkt des Gemäldes festhielt.Im Gegensatz zu Boudins zahlreichen Darstellungen von Trouville als mondänem Urlaubsort gehört das vorliegende Werk zu einem Werkkomplex, der sich auf den Hafen konzentriert, ohne die Gruppen von eleganten Besuchern, die häufig im Mittelpunkt der Arbeiten des Künstlers stehen. Stattdessen ist Trouville, Le Port, Le Matin eine beispielhafte Studie über das Spiel des Lichts durch die Wolken auf dem Wasser, ein Beispiel für Boudins reifen impressionistischen Stil.

Schätzw. 30 000 - 40 000 GBP

Los 92 - WALTER RICHARD SICKERT (BRITISH 1860-1942), THE RIALTO BRIDGE - WALTER RICHARD SICKERT (BRITISCH 1860-1942)DIE RIALTO-BRÜCKEÖl auf LeinwandSigniert (unten links)65,5 x 49,5 cm (25¾ x 19¼ in.)Gemalt um 1901.Provenienz: Gaston Bernheim, ParisJacques Rodriguez-Henriques, Paris Sale, Sotheby's, London, 1. Mai 1991, Lot 15Aus dem oben genannten Verkauf vom jetzigen Besitzer erworbenLiteratur: Wendy Baron, Sickert Paintings & Drawings, New Haven und London, 2006, S. 263, Nr. 165 (illustriert)Sickert besuchte Venedig erstmals 1894 mit seiner Frau Ellen. Obwohl es keine Aufzeichnungen darüber gibt, dass er während dieses kurzen Aufenthalts gemalt hat, ist bekannt, dass er sie als die schönste Stadt der Welt bezeichnete, und sie hat ihn zweifellos in ihren Bann gezogen, als er für längere Besuche zurückkehrte und sich zu einigen seiner wichtigsten und von der Kritik gefeierten Werke inspirieren ließ.Im Mai 1896 kehrte Sickert nach Venedig zurück und nahm als Atelier eine Wohnung in der Calle dei Frati 940, die er für alle seine späteren Besuche behielt. Nur wenige Gehminuten von der Accademia und dem Canal Grande entfernt, nördlich der Zattere, besuchte und malte Sickert die berühmten Gebäude und Sehenswürdigkeiten Venedigs und kehrte immer wieder an dieselbe Stelle zurück, um den Vorgang zu verschiedenen Tageszeiten zu wiederholen. Die Wiederholung war in der Tat ein Hauptmerkmal von Sickerts Werk im Allgemeinen, vor allem aber bei seinen Ansichten von Venedig und Dieppe. In Venedig malte er eine Version nach der anderen von der Fassade und der Piazza von San Marco, der Santa Maria della Salute, der Rialtobrücke und der Scuola di San Marco. Seine Hingabe, dieselben Orte immer wieder zu besuchen, erinnert an die architektonischen Werkserien der Impressionisten und ist insbesondere mit Monets Gemäldeserie der Kathedrale von Rouen vergleichbar. Im Gegensatz zu den Impressionisten war er jedoch nicht so sehr daran interessiert, den Lauf der Zeit und den Lichteinfall auf sein Sujet festzuhalten, sondern vielmehr die Beleuchtung aus der Natur herauszulösen, die den Charakter der jeweiligen Szene am deutlichsten zur Geltung bringt. (W. Sickert, French Pictures, Knoedler's Gallery, Burlington Magazine, Juli 1923, S. 39-40) Folglich wurden Sickerts Gemälde häufig in seinem Atelier nach Zeichnungen und kleinen Ölskizzen ausgeführt. Er zeigte kaum Interesse an der Wirkung wechselnder atmosphärischer Bedingungen. Stattdessen nutzte er die Wiederholung, um Farb- und Tonvariationen zu erforschen, mit der Handhabung der Farbe zu experimentieren und die verschiedenen emotionalen Reaktionen, die diese Variationen hervorriefen, zu erproben.1 Die wichtigsten dieser Bilder sind eine kleine Anzahl von Bildern, die Venedig bei Einbruch der Dunkelheit zeigen. Sie erinnern an die Werke seines früheren Lehrers James McNeill Whistler, der berühmt dafür war, London und Venedig bei Nacht zu malen und sie als Nocturnes oder Symphonien bezeichnete. Whistler verwendete musikalische Begriffe im Titel, um die Sinne des Betrachters direkt anzusprechen, ohne dass es einer Erzählung oder eines Themas bedurfte. Diese Synthese der einzelnen künstlerischen Disziplinen sprach eine tiefere, intuitivere Emotion an als die reine Ästhetik. Obwohl Sickert nicht dieselbe Sprache wie sein Meister verwendet, ist die Intention sehr ähnlich: In dem vorliegenden Werk stellt Sickert die unverwechselbare Lage der Rialto-Brücke vom Canal Grande aus dar, aber er erforscht nicht die topografische Pracht Canalettos oder gar Monets flüchtiges Licht, das auf dem Wasser tanzt und sich in den Palazzos spiegelt; er spricht direkt die Sinne des Betrachters an. Durch die sorgfältig ausgewählten Farben und Töne erzeugt er eine tiefe emotionale Reaktion, die über die offensichtliche Schönheit des Sujets hinausgeht und den Betrachter dazu bringt, über das Sujet hinauszuschauen und über seine eigene persönliche Reaktion auf das Gemälde nachzudenken. Es ist nicht Sickerts Aufzeichnung seiner Erfahrung vor dem Sujet, sondern vielmehr die Erfahrung, vor dem Gemälde selbst zu stehen, und das ist es, was dieses Werk heute so aktuell macht, wie es war, als es vor über 100 Jahren in der schönsten Stadt der Welt gemalt wurde.

Schätzw. 100 000 - 150 000 GBP

Los 97 - DERWENT LEES (AUSTRALIAN 1884-1931), A TREE AMONGST DUNES - DERWENT LEES (AUSTRALIER 1884-1931) A TREE AMONGST DUNESÖL auf TafelSigniert und datiert 1911 (unten rechts)25,5 x 35cm (10 x 13¾ in). Provenienz: Verkauf, Sotheby's, London, 11. Dezember 1968, Los 257 Aus einer Privatsammlung Wird in den kommenden Derwent Lees Catalogue Raisonne von Lynn Davies aufgenommen, der derzeit von Lund Humphries für die Veröffentlichung 2025 vorbereitet wird. Geboren in Tasmanien, Australien, zog Lees 1905 nach London und studierte an der Slade School of Fine Art bei Henry Tonks und Frederick Brown. Nach seinem Abschluss unterrichtete er ein Jahrzehnt lang und arbeitete immer wieder, während seine künstlerische Karriere Fahrt aufnahm. 1914 wurden seine Werke in den Goupil Galleries und der Chenil Gallery in Chelsea ausgestellt. 1910 bis 1912 verbrachte Lees die meiste Zeit mit den Künstlern und Freunden Augustus John, Ambrose McEvoy und James Dickson Innes in Nordwales und Spanien. In den Wintermonaten fuhren sie nach Collioure, einem kleinen Fischerdorf am Mittelmeer in Südfrankreich, das zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts ein Zentrum für Künstler war und von Picasso, Matisse, Derain und Braque besucht wurde. Dort lernte Lees als einziger australischer Künstler den Fauvismus kennen und schuf in der Folge eine Reihe von lebendigen Landschaften. Einige seiner Werke aus dieser Zeit sind heute in der Tate Gallery in London zu sehen. Im Jahr 1913 heiratete Lees Edith, genannt Lyndra, die häufig für John Modell stand, dann aber auch in Lees eigenen Werken zu sehen war. Vor allem in einer Reihe von Werken, die er in Aldbourne, Wilshire, vollendete und die sie inmitten der Natur zeigen, ist sie zu sehen. Im selben Jahr wurden drei seiner Gemälde international ausgestellt, da er der einzige australische Künstler war, der bei der Armory Show vertreten war, die in New York, Chicago und Boston ausverkauft war. Seine künstlerische Karriere wurde durch psychische Probleme unterbrochen, die ihn bis zu seinem Tod im Jahr 1931 in ein Krankenhaus in Surrey brachten. Dem Erfolg seiner Werke tat dies jedoch keinen Abbruch. In dieser Zeit veranstaltete die Galerie Redfern eine Retrospektive, und die Galerien von Leeds und Manchester erwarben seine Werke. Heute befinden sich seine Werke in zahlreichen öffentlichen Sammlungen, darunter die National Gallery Australia, die Glynn Vivian Art Gallery in Wales und die National Gallery of Victoria in Melbourne.

Schätzw. 10 000 - 15 000 GBP

Los 98 - DERWENT LEES (AUSTRALIAN 1884-1931), COLLIOURE - DERWENT LEES (AUSTRALIER 1884-1931) COLLIOURE Öl auf PlatteSigniert und datiert 12 (unten rechts)25 x 35,5 cm (9¾ x 13¾ Zoll)Provenienz:Redfern Gallery, LondonThomas Agnew & Sons Ltd, LondonAus einer PrivatsammlungAusgestellt:Sherborne, Sherborne House, Going Modern - Being British, 2004, Kat. Nr. 26Geboren in Tasmanien, Australien, zog Lees 1905 nach London und studierte an der Slade School of Fine Art bei Henry Tonks und Frederick Brown. Nach seinem Abschluss unterrichtete er ein Jahrzehnt lang und arbeitete immer wieder, während seine künstlerische Karriere Fahrt aufnahm. 1914 wurden seine Werke in den Goupil Galleries und der Chenil Gallery in Chelsea ausgestellt. 1910 bis 1912 verbrachte Lees die meiste Zeit mit den Künstlern und Freunden Augustus John, Ambrose McEvoy und James Dickson Innes in Nordwales und Spanien. In den Wintermonaten fuhren sie nach Collioure, einem kleinen Fischerdorf am Mittelmeer in Südfrankreich, das zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts ein Zentrum für Künstler war und von Picasso, Matisse, Derain und Braque besucht wurde. Dort lernte Lees als einziger australischer Künstler den Fauvismus kennen und schuf in der Folge eine Reihe von lebendigen Landschaften. Einige seiner Werke aus dieser Zeit sind heute in der Tate Gallery in London zu sehen. Im Jahr 1913 heiratete Lees Edith, genannt Lyndra, die häufig für John Modell stand, dann aber auch in Lees eigenen Werken zu sehen war. Vor allem in einer Reihe von Werken, die er in Aldbourne, Wilshire, vollendete und die sie inmitten der Natur zeigen, ist sie zu sehen. Im selben Jahr wurden drei seiner Gemälde international ausgestellt, da er der einzige australische Künstler war, der bei der Armory Show vertreten war, die in New York, Chicago und Boston ausverkauft war. Seine künstlerische Karriere wurde durch psychische Probleme unterbrochen, die ihn bis zu seinem Tod im Jahr 1931 in ein Krankenhaus in Surrey brachten. Dem Erfolg seiner Werke tat dies jedoch keinen Abbruch. In dieser Zeit veranstaltete die Galerie Redfern eine Retrospektive, und die Galerien von Leeds und Manchester erwarben seine Werke. Heute befinden sich seine Werke in zahlreichen öffentlichen Sammlungen, darunter die National Gallery Australia, die Glynn Vivian Art Gallery in Wales und die National Gallery of Victoria in Melbourne.

Schätzw. 12 000 - 18 000 GBP

Los 99 - DERWENT LEES (AUSTRALIAN 1884-1931, ALDBOURNE, WILTSHIRE - DERWENT LEES (AUSTRALIER 1884-1931) ALDBOURNE, WILTSHIREÖl auf HolzplatteSigniert (unten links) 40 x 51cm (15½ x 20 in.)Gemalt um 1910Provenienz:The Redfern Gallery, LondonPrivatsammlung, Lord Ivor Spencer-Churchill (erworben von dem oben Genannten am 7. April 1930)Thomas Agnew & Sons Ltd, LondonAus einer Privatsammlung Geboren in Tasmanien, Australien, zog Lees 1905 nach London und studierte an der Slade School of Fine Art bei Henry Tonks und Frederick Brown. Nach seinem Abschluss unterrichtete er ein Jahrzehnt lang und arbeitete immer wieder, während seine künstlerische Karriere Fahrt aufnahm. 1914 wurden seine Werke in den Goupil Galleries und der Chenil Gallery in Chelsea ausgestellt. 1910 bis 1912 verbrachte Lees die meiste Zeit mit den Künstlern und Freunden Augustus John, Ambrose McEvoy und James Dickson Innes in Nordwales und Spanien. In den Wintermonaten fuhren sie nach Collioure, einem kleinen Fischerdorf am Mittelmeer in Südfrankreich, das zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts ein Zentrum für Künstler war und von Picasso, Matisse, Derain und Braque besucht wurde. Dort lernte Lees als einziger australischer Künstler den Fauvismus kennen und schuf in der Folge eine Reihe von lebendigen Landschaften. Einige seiner Werke aus dieser Zeit sind heute in der Tate Gallery in London zu sehen. Im Jahr 1913 heiratete Lees Edith, genannt Lyndra, die häufig für John Modell stand, dann aber auch in Lees eigenen Werken zu sehen war. Vor allem in einer Reihe von Werken, die er in Aldbourne, Wilshire, vollendete und die sie inmitten der Natur zeigen, ist sie zu sehen. Im selben Jahr wurden drei seiner Gemälde international ausgestellt, da er der einzige australische Künstler war, der in der Amory Show vertreten war, die in New York, Chicago und Boston ausverkauft war. Seine künstlerische Karriere wurde durch psychische Probleme unterbrochen, die ihn bis zu seinem Tod im Jahr 1931 in ein Krankenhaus in Surrey brachten. Dem Erfolg seiner Werke tat dies jedoch keinen Abbruch. In dieser Zeit veranstaltete die Galerie Redfern eine Retrospektive, und die Galerien von Leeds und Manchester erwarben seine Werke. Heute befinden sich seine Werke in zahlreichen öffentlichen Sammlungen, darunter die National Gallery Australia, die Glynn Vivian Art Gallery in Wales und die National Gallery of Victoria in Melbourne.

Schätzw. 8 000 - 12 000 GBP

Los 100 - DERWENT LEES (AUSTRALIAN 1884-1931), MOUNTAIN LANDSCAPE - DERWENT LEES (AUSTRALISCH 1884-1931) BERGLANDSCHAFT Öl auf Platte 25 x 35,5cm (9¾ x 13¾ Zoll) Provenienz: Privatsammlung, Arthur Crossland Sale, Sotheby's, London, 11. Dezember 1968, Los 258 Aus einer Privatsammlung Wird in den Derwent Lees Catalogue Raisonne von Lynn Davies aufgenommen, der derzeit von Lund Humphries vorbereitet wird und 2025 erscheinen soll. Geboren in Tasmanien, Australien, zog Lees 1905 nach London und studierte an der Slade School of Fine Art bei Henry Tonks und Frederick Brown. Nach seinem Abschluss unterrichtete er ein Jahrzehnt lang und arbeitete immer wieder, während seine künstlerische Karriere Fahrt aufnahm. 1914 wurden seine Werke in den Goupil Galleries und der Chenil Gallery in Chelsea ausgestellt. 1910 bis 1912 verbrachte Lees die meiste Zeit mit den Künstlern und Freunden Augustus John, Ambrose McEvoy und James Dickson Innes in Nordwales und Spanien. In den Wintermonaten fuhren sie nach Collioure, einem kleinen Fischerdorf am Mittelmeer in Südfrankreich, das zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts ein Zentrum für Künstler war und von Picasso, Matisse, Derain und Braque besucht wurde. Dort lernte Lees als einziger australischer Künstler den Fauvismus kennen und schuf in der Folge eine Reihe von lebendigen Landschaften. Einige seiner Werke aus dieser Zeit sind heute in der Tate Gallery in London zu sehen. Im Jahr 1913 heiratete Lees Edith, genannt Lyndra, die häufig für John Modell stand, dann aber auch in Lees eigenen Werken zu sehen war. Vor allem in einer Reihe von Werken, die er in Aldbourne, Wilshire, vollendete und die sie inmitten der Natur zeigen, ist sie zu sehen. Im selben Jahr wurden drei seiner Gemälde international ausgestellt, da er als einziger australischer Künstler in der Amory Show vertreten war, die in New York, Chicago und Boston ausverkauft war. Seine künstlerische Karriere wurde durch psychische Probleme unterbrochen, die ihn bis zu seinem Tod im Jahr 1931 in ein Krankenhaus in Surrey brachten. Dem Erfolg seiner Werke tat dies jedoch keinen Abbruch. In dieser Zeit veranstaltete die Galerie Redfern eine Retrospektive, und die Galerien von Leeds und Manchester erwarben seine Werke. Heute befinden sich seine Werke in zahlreichen öffentlichen Sammlungen, darunter die National Gallery Australia, die Glynn Vivian Art Gallery in Wales und die National Gallery of Victoria in Melbourne.

Schätzw. 10 000 - 15 000 GBP