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DROUOT
Dienstag 18 Jun um : 19:00 (MESZ)

Impressionistische & Moderne Kunst

Tajan - +33153303030 - Email CVV

37, rue des Mathurins 75008 Paris, Frankreich
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55 Ergebnisse

Los 3 - WEISSE ORY-ROBIN (1863-1942) SONNENBLUME UND ROSEN, 1915-1919 Öl auf Leinwand Signiert unten links Oil on canvas; signed lower left 91,5 X 73 CM - 36 X 28 3/4 IN. Wir danken Frau Nathanaëlle Tressol für die Informationen, die sie uns bei der Erstellung dieser Notiz zur Verfügung gestellt hat. PROVENTION Privatsammlung, Frankreich AUSSTELLUNG Vermutlich : Paris, Galerie Devambez, März 1918 (Etikett auf der Rückseite) Blanche Ory-Robin war eine Dekorationskünstlerin, die für ihre Stickereien und Wandteppiche bekannt war, von denen einige im Musée d'Orsay aufbewahrt werden. Sie war in den 1910er und 1920er Jahren aktiv und arbeitete hauptsächlich mit Blumenmotiven. Rosen und Sonnenblumen waren von Beginn ihrer Karriere an ihre bevorzugten Motive. Das Ölgemälde Sonnenblumen und Rosen zeigt tatsächlich die beiden Lieblingsblumen der Künstlerin, die hübsch in einem Korb arrangiert sind. Man kann Ory-Robins dekorative Berufung erahnen, da er sich hier bemüht, die im Hintergrund sichtbare Tapete gut darzustellen. Dieses Werk ist mit dem Tapetenkarton Le Paon (Collection Mobilier National) zu vergleichen. In seinem Werk über die Gobelin-Manufaktur berichtet Gustave Geffroy 1921 über die Ankunft von Frauen in den Ateliers und unter den beauftragten Künstlern. "C'est tout un groupe de femmes artistes qui règne à la manufacture", sagt er, "c'est un fait assez nouveau pour être enregistré": Mme Marie Alix, Mme Ory Robin, Mme Marie Cazin, und in der Seifenfabrik Melle Bunoust, Mme Lassudrie. Gustave Geffroy, Les Gobelins: les musées d'Europe, Paris, Edition Nilsson, s.d., S. 161.

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Los 12 - EMILE OTHON FRIESZ (1879-1949) DER HAFEN VON TOULON, 1926 Öl auf Leinwand Signiert unten links Unterzeichnet, betitelt und datiert auf der Rückseite. Oil on canvas; signiert unten links; nochmals signiert, betitelt und datiert auf der Rückseite. 65 X 81,5 CM - 25 5/8 X 32 1/8 IN. Frau Odile Aittouares hat die Echtheit dieses Werks bestätigt. Der Käufer erhält eine Benachrichtigung über die Aufnahme in den zweiten Band des in Vorbereitung befindlichen Catalogue Raisonné. "Friesz und seine Freunde werden sich nicht mehr der von den Impressionisten und ihrem Gefolge unbestrittenen Notwendigkeit unterwerfen, das Sonnenlicht nachzuahmen; es wird ihnen genügen, die Gleichwertigkeit des Sonnenlichts zu erreichen; sie glauben an das malerische Licht, an die farbige Orchestrierung; eine bewegende Auffassung der Welt auszudrücken, das ist ihr Ziel, in erster Linie, und nicht mehr nebenbei...". Maximilien Gauthier, Othon Friesz, Pierre Cailler, Genf: 1957, S. 48 und 149. Diese Ansicht des Hafens von Toulon in Ocker-, Braun- und Blautönen ist emblematisch für das Werk des Malers Émile Othon Friesz. Der aus Le Havre stammende Künstler hatte eine besondere Vorliebe für Hafenszenen, die den Rhythmus seines Schaffens bestimmten. Im Laufe seiner Karriere verewigte er die Häfen von Le Havre, Antwerpen, Dieppe und Toulon. Im Jahr 1922 besuchte er zum ersten Mal Cap-Brun in der Nähe von Toulon. Von der Friedlichkeit dieses Ortes bezaubert, kaufte er dort im Jahr darauf ein Haus. Ab 1926 richtete er sein Atelier in einem Fischerhaus am Hafen von Toulon ein und widmete sich drei Jahre lang unermüdlich der Aufgabe, die Atmosphäre einzufangen, die das pulsierende Herz der Stadt zu Beginn des 20. Aus dieser fruchtbaren Zeit stammt das Ölgemälde Le port de Toulon, das die Aussicht auf den Hafen vom Fenster des Ateliers aus festhält. Es zeigt den vibrierenden Pinselstrich und das für den Künstler so charakteristische Licht. Das geschäftige Treiben im Hafen wird durch die Wellen des Wassers, die Spiegelung der Gebäude im Hafenbecken, das Gewimmel von Spaziergängern und Händlern auf den Kais oder den Dampf, der aus einem Schornstein in der Ferne aufsteigt, brillant wiedergegeben.

Schätzw. 12 000 - 18 000 EUR

Los 21 - MAURICE DENIS (1870-1943) HEILIGES GESPRÄCH, VOR DEM MEER, IM GEGENLICHT, UM 1909 Öl auf Leinwand Signiert mit dem Monogramm unten rechts Öl auf Leinwand; signiert mit dem Monogramm unten rechts 92 X 65,5 CM - 36 1/4 X 25 3/4 IN. PROVENTION Sammlung Madeleine Follain, Tochter des Künstlers, Frankreich Privatkollektion, Frankreich Galerie Michael Haas, Berlin Vom derzeitigen Besitzer bei ihm erworben Madame Claire Denis hat die Authentizität dieses Werks bestätigt. Der Käufer erhält eine Benachrichtigung über die Aufnahme in den Catalogue Raisonné de l'Œuvre de Maurice Denis, der derzeit in Vorbereitung ist. MAURICE DENIS HEILIGES GESPRÄCH, VOR DEM MEER, IM GEGENLICHT, UM 1909 "Herr Maurice Denis [...] ist ein Künstler, der die Synthese liebt und von dem man reizvolle und subtile Werke erwarten kann. In der Serie, die er uns heute zeigt, ist er ein Archaiker. Er hat sich in einem Beginenhof der Malerei eingeschlossen, der von den köstlichen Strahlen der untergehenden Sonne besucht wird. Er beobachtet in der Stille die Schwestern mit den bläulichen Hauben, die im Schmorlicht der Lichter an der goldenen Jungfrau vorbeiziehen,- er feiert mit Hingabe das katholische Mysterium." Gustave Geffroy, "Les Indépendants", in. La Justice, 1892. "Die Malerei ist eine im Wesentlichen religiöse und christliche Kunst. Wenn dieser Charakter in unserem gottlosen Jahrhundert verloren gegangen ist, muss er wiedergefunden werden. Und das Mittel dazu ist, die Ästhetik von Fra Angelico wieder in Ehren zu halten, denn nur sie ist wirklich katholisch; nur sie entspricht den Sehnsüchten der frommen, mystischen, Gott liebenden Seelen." Maurice Denis, Tagebuch. Band 1 (1885-1904), Edition La Colombe, Paris: 1957, S. 63.

Schätzw. 60 000 - 80 000 EUR

Los 24 - ƒ NICOLAE GRIGORESCU (1838-1907) JUNGES RUMÄNISCHES BAUERNMÄDCHEN, UM 1896 Öl auf Leinwand, kaschiert auf Isorel. Signiert unten links Oil on canvas laid on masonite; signed lower left 57 X 39 CM - 22 5/8 X 15 3/8 IN. PROVENANCE Private Sammlung, Rumänien Dann durch Nachkommenschaft an den derzeitigen Besitzer Privatkollektion, USA VERWANDTE WERKE Nicolae Grigorescu, Fröhliche Bäuerin, Öl auf Leinwand, 135 x 65 cm, Rumänisches Nationalmuseum für Kunst Nicolae Grigorescu, Porträt einer jungen Bäuerin, 1896, Öl auf Leinwand, 31 x 23 cm, Musée des Beaux-Arts d'Agen, Inv. 304 BR "Der Maler Nicolae Grigorescu galt schon zu Lebzeiten als derjenige, der es wie kein anderer verstand, die charakteristischsten Bilder der rumänischen Lebenswelt in die Malerei zu übertragen. Diese Einschätzung passte in eine Reihe ähnlicher Urteile, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts gefällt wurden, einer Zeit, in der alle Länder Europas auf der Suche nach ihrer nationalen Identität und ihren Eigenheiten waren. Rumänien, das zu dieser Zeit noch die Heimat des Bauern war, fand in Grigorescu seinen idealen Vertreter. Der selbst vom Land stammende Maler der lyrischen einheimischen Landschaften und große Porträtist der schillernden und vitalen rumänischen Frau wurde von Kritikern und Exegeten als ein wahres "nationales Monument" betrachtet, ein Platz, der ihm auch heute noch zusteht." Denia Matescu, "Un air de parenté: l'héritage français dans la peinture de Nicolae Grigorescu" in. Nicolae Grigorescu (1838-1907) Itinéraire d'un peintre roumain de l'école de Barbizon à l'impressionnisme, Musée des Beaux-Arts d'Agen, 22. April-14. August 2006, éd. Somogy, Paris: 2006, S. 15

Schätzw. 30 000 - 50 000 EUR

Los 25 - ƒ NATALIA GONTCHAROVA (1881-1962) DAS UMTOPFEN, UM 1908-1909 Öl auf Leinwand Signiert unten rechts Oil on canvas; signed lower right 53,5 X 85,5 CM - 21 X 33 5/8 IN. PROVENANCE SNZ Galleries, Deutschland Privatsammlung, Israel BIBLIOGRAPHIE Denise Bazetoux, Natalia Gontcharova: son œuvre entre tradition et modernité, Tome 1, Édition Arteprint, Paris: 2011, beschrieben unter Nr. 172 S. 69 und abgebildet auf S. 227 NATALJA GONTSCHAROWA Das von Natalja Gontscharowa um 1909-1910 ausgeführte Ölgemälde Le Rempotage ist Teil der neoprimitiven Produktion der Künstlerin. Da sie auf dem russischen Land aufwuchs, schöpfte ihre Ikonografie hauptsächlich aus ländlichen Traditionen, bäuerlichen Zeremonien, aber auch aus den farbenfrohen Stoffen, die die Frauen in der Region ihrer Kindheit trugen. Der 1907 in Zusammenarbeit mit ihrem Ehemann Michel Larionov ins Leben gerufene Neoprimitivismus bevorzugte primitive Formen und Themen in einem Kontext, in dem die französische Kunst von diesen beiden Pionieren als zu einflussreich in der Malerei angesehen wurde. Der Wunsch der Bewegung war eine Rückkehr zu den russischen Wurzeln und seiner Folklore. Die Szene spielt im Frühling, der Zeit des Umtopfens für diese Bäuerinnen, die sich bemühen, die bereits gut aufgeblühten Blumen in Töpfe zu setzen. Hier wird ihre harte Arbeit hervorgehoben, die Geduld und die Präzision ihrer Gesten. Die vier Frauen zeigen keine Anzeichen von Müdigkeit, ihre Kleidung hat keine Flecken, sie werden von der Künstlerin idealisiert. Diese Idealisierung der bäuerlichen Arbeit steht im Einklang mit der künstlerischen Forschung der französischen Maler des 19. Jahrhunderts, insbesondere Jules Breton und Jean-François Millet. Natalja Gontscharowa, die eine akademische Ausbildung in Malerei genossen hatte, kannte natürlich diese Künstler und ihr Bestreben, eine bäuerliche Welt darzustellen, die in Harmonie mit der Natur lebt. Auch in der russischen Literatur des 19. Jahrhunderts wird die Verbindung zwischen dem Bauern und der Natur als Verbindung zwischen Mensch und Gott hervorgehoben. Man denke insbesondere an die Figur des Lewin in Leo Tolstois Anna Karenina, ein Großgrundbesitzer und Landarbeiter, der vom Autor zu einem quasi-göttlichen Wesen und Hüter einer uralten Weisheit erzogen wird, während das Ende des Jahrhunderts von einem rasanten technologischen Fortschritt geprägt ist, mit dem Russland nur schwer Schritt halten kann. Natalja Gontscharowas vier Bäuerinnen haben hier die Auren von Geistwesen, Beschützerinnen der Natur und des Lebens, die das Überleben der Pflanzen durch Umtopfen sichern. Die Blumenhaine, die die Szene einrahmen, beleuchten die bäuerlichen Behausungen im Hintergrund, die in ein goldenes Licht gehüllt zu sein scheinen. Die Lilien, ein Symbol für Reinheit, Schönheit und Heiterkeit, sind Teil von Natalja Gontscharovas plastischer Rhetorik. Durch die russische Bäuerin wird das ganze Land verherrlicht. Die beiden Gehölze auf jeder Seite der Bühne ähneln den Vorhängen eines Theaters - eine offensichtliche Analogie, wenn man bedenkt, dass die Künstlerin 1908 begann, ihre ersten Bühnenbilder zu malen, und einige Jahre später Malerin der Ballets Russes von Diaghilew wurde. Das Umtopfen ist ein Scharnierwerk, das Natalja Gontscharowa in einer produktiven Phase malte und das ihr ganzes künstlerisches Potenzial zwischen Tradition und Moderne erkennen lässt. Das Umtopfen ist ein Ölgemälde, das Natalja Gontscharowa um 1909-1910 als Teil ihrer neoprimitiven Produktion malte. Ihre in der russischen Landschaft aufgewachsene Ikonografie entstammt vor allem ländlichen Traditionen, Bauernzeremonien und den leuchtend bunten Stoffen, die von den Frauen der Region, in der sie aufwuchs, getragen wurden. Der NeoPrimitivismus, der 1907 in Zusammenarbeit mit ihrem Ehemann Michel Larionov ins Leben gerufen wurde, konzentrierte sich auf primitive Formen und Sujets zu einer Zeit, als die französische Kunst von den beiden Pionieren als zu dominant in der Malerei angesehen wurde. Ziel der Bewegung war es, zu den Wurzeln Russlands und seiner Folklore zurückzukehren. Die Szene spielt im Frühling, der Blumenzeit dieser Bauernfrauen, die damit beschäftigt sind, Blumen zu pflanzen, die bereits geblüht haben. Der Fokus liegt hier auf ihrer Arbeit, der Geduld und der Präzision ihrer Bewegungen. Die vier Frauen zeigen keine Anzeichen von Müdigkeit, ihre Kleidung ist spotless - sie sind von der Künstlerin idealisiert. Diese Idealisierung der Bauernarbeit steht im Einklang mit der künstlerischen Forschung der französischen Maler des neunzehnten Jahrhunderts wie Jules Breton und Jean-François Millet. Natalia Goncharova, die als akademische Malerin ausgebildet wurde, war natürlich mit diesen Künstlern und ihrem Bestreben, eine im Einklang mit der Natur lebende Bauernwelt darzustellen, vertraut. Die russische Literatur des 19. Jahrhunderts betonte ebenfalls die Verbindung zwischen dem Bauern und der Natur als Verbindung zwischen Mensch und Gott. Dies gilt insbesondere für die Figur des Levin in Leon Tolstois Anna Karenina, einem Landwirt und Landarbeiter, der vom Autor zu einem quasi-göttlichen Wesen und Hüter uralter Weisheit erzogen wurde, zu einer Zeit, als das Ende des Jahrhunderts von einem spektakulären technologischen Fortschritt geprägt war, den Russland

Schätzw. 100 000 - 150 000 EUR

Los 26 - LEONARD TSUGUHARU FOUJITA (1886-1968) SITZENDE FRAU, 1914 Bleistift auf Papier, auf Karton kaschiert. Datiert und situiert '20. Dezember 1914 in Paris' unten links. Charcoal on paper laid on cardboard; datiert und lokalisiert unten links. 34 X 26,5 CM - 13 3/8 X 10 3/8 IN. Frau und Herr Sylvie und Casimir Buisson haben die Echtheit dieses Werks bestätigt. Ein Echtheitszertifikat wird dem Käufer ausgehändigt. Paris 1913. Tsuguharu Foujita ist gerade in Paris angekommen und besucht das Atelier von Pablo Picasso, in das ihn sein neuer Freund, der Maler Ortiz de Zarate, eingeführt hat. Dort entdeckte er Werke aus der Blauen Periode, erbeutete Werke des Douanier Rousseau und kubistische Gemälde. Diese Begegnung wirft alle Gewissheiten des jungen Künstlers über den Haufen. "Picasso und seine Freunde säubern die bildende Kunst von ihrem verstaubten Aussehen. Der Traum und die Fantasie sind an der Macht", staunt er. Foujita umarmt von da an die Erneuerung der westlichen Kunst. Als Exzentriker und Exot wird er zu einer zentralen Figur im Viertel Montparnasse, dem Epizentrum dieser künstlerischen Aufbruchstimmung. In dieser Zeit entstanden Freundschaften mit Picasso, Rivera, Soutine und Modigliani - seinen Ateliernachbarn - oder auch Marie Vassilief. "Ich bin inmitten der Besten gut gelandet", schlussfolgerte er. Aus diesen Begegnungen entstanden Quereinflüsse und Porträts (Diego Rivera au café, à Montparnasse, 1914, Bleistift auf Papier; Porträt von Chana Orloff, Bleistift auf Papier, 1915). In Porträt von Marie Vassilieff nähert sich die dekonstruierte Figur einer Frau bei der Arbeit zweifellos der Silhouette von Marie Vassilief (1884-1957) an. Die Künstlerin, die 1912 die Académie Vassilief gründete und während des Krieges die Cantine des Artistes leitete, war eine hektische "Steppenzikade", die sich in der Kreation ihrer "Porträtpuppen" aus Ziegenleder und Pappmaché auszeichnete. Da sie in ihrem Atelier in der Avenue du Maine 21 hergestellt wurden, konnten aufgrund ihrer Zerbrechlichkeit nur etwa 15 dieser Puppen aufbewahrt werden. So neu zugeordnet, könnte diese Zeichnung also ein direktes Zeugnis der Arbeit des Künstlers sein. Zitiert in Sylvie Buisson, Léonard Tsuguharu Foujita, Band 2, ACR Édition, Courbevoie, 2011, S. 63. Zitiert in Sylvie Buisson, La vie et l'oeuvre de Léonard-Tsuguharu Foujita, ACR Édition, Courbevoie, 1987, S. 40

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 28 - JOSEPH SIMA (1891-1971), JOSEF ŠIMA GENANNT. SCHLEUSE, 1950 Öl auf Leinwand Signiert und datiert unten rechts Unterzeichnet und datiert auf der Rückseite. Oil on canvas; signiert und datiert unten rechts; erneut signiert und datiert auf der Rückseite. 61 X 50 CM - 24 X 19 3/4 IN. PROVENANCE Private Sammlung, Frankreich Dann durch Nachkommenschaft an den derzeitigen Besitzer AUSSTELLUNGEN Turin, Biennale, Les peintres d'aujourd'hui France-Italie, 1951, im Ausstellungskatalog aufgelistet (n. p. ). JOSEPH SIMA SCHLEUSE, 1950 1950, einige Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs - während dieser Zeit hatte Joseph Sima aufgehört zu malen - zog der tschechischstämmige Künstler, der seit 1921 in Frankreich lebte, in eine kleine Wohnung in der Nähe der Porte d'Orléans in Paris. Er kehrte von einer Reise in die Slowakei zurück, wo er die Landschaften seiner Kindheit wiedergesehen hatte, die ihn zu zahlreichen Zeichnungen inspiriert hatten. Es begann seine Serie "Les Plaines de Brie" (1950-1953), in der Sima in den Erinnerungen an diese Reise sowie an die Landschaften von Yèbles in der Brie schwelgte. Das Öl auf Leinwand Écluse aus dem Jahr 1950 ist Teil dieser Serie von Ansichten mit geglätteten Perspektiven, weichen geometrischen Formen und Farben in hellem Azur und Gold. Die vereinfachten Formen der Häuser und ihr Hieratismus erinnern an ein anderes Werk, das für den künstlerischen Werdegang des Künstlers entscheidend war: Le Havre, 1923. Die kubistisch geformten Häuser scheinen am Wasser zu schweben, und die zweidimensionale Ansicht der Dächer ist ein Verweis auf die kleinen Häuser mit den orangefarbenen Dächern im Tal des Montagne Saint-Victoire, die Cézanne so oft gemalt hat. Wie in Le Havre ist auch das Werk Écluse frei von organischen Elementen. Die Landschaft besteht weder aus Gras noch aus Bäumen, sondern aus Wasser und Häusern. Diese beiden Visionen, die weit von der Realität entfernt sind, sind Traumlandschaften, die in der Erinnerung des Künstlers verschmolzen zu sein scheinen. In Écluse tragen die Transparenz der Farben und Formen sowie der "Layer"-Effekt zu dieser Traumvision bei. Écluse, das seit den 1960er Jahren in derselben französischen Sammlung aufbewahrt wurde, ist ein wichtiges Zeugnis für drei Säulen von Simas künstlerischem Schaffen: die Elemente - Luft, Erde, Feuer und Wasser -, die Landschaft und die Erinnerung. Dieses Öl auf Leinwand stellt auch einen Wendepunkt für den Künstler dar, der sich vom Surrealismus abwendet und allmählich den Weg der Abstraktion einschlägt. 1950, nur wenige Jahre nach dem Zweiten Weltkrieg - einer Zeit, in der Josef Sima das Malen eingestellt hatte - zog der tschechisch-bornierte Künstler, der seit 1921 in Frankreich gelebt hatte, in eine kleine Wohnung in der Porte d'Orléans in Paris. Aufgrund einer Reise in die Slowakei, wo Sima seine Kindheitslandschaften sah, hatte der Künstler erneut Inspiration für seine Zeichnungen gefunden. Zu diesem Zeitpunkt begann er mit der Serie "Les Plaines de Brie" (1950-1953). Der Künstler stellt seine Reiseerinnerungen aus der Slowakei und aus Yèbles, einer Region in Brie, dar. Écluse ist ein Ölgemälde von 1950 aus dieser Serie, in dem der Künstler uns geschmeidige Aussichten mit weichen geometrischen Formen und hellem Azurblau und Goldfarben zeigt. Dieses Werk erinnert uns an Le Havre, ein Gemälde von Sima aus dem Jahr 1923. Wie Écluse stellte dieses Gemälde bereits eine Sperre mit vereinfachten Formen und einer Wasserquelle im Vordergrund dar. Die Häuser scheinen auf dem Wasser zu schweben. Sie sind auf kubistische Weise und mit zweidimensionalen Felsen gemalt, was eine Anspielung auf Cézanne ist, der die orangefarbenen Felsen der Sainte-Victoire-Berghäuser bemalt hat. Wie in Le Havre gibt es auch in Écluse keine organischen Elemente, kein Gras, keine Bäume, nur Wasser und Häuser. Dieses Gemälde bildet keine echten Landschaften ab, sondern ist eine traumhafte Vision, die von den Erinnerungen des Künstlers inspiriert ist. Die Verwendung von Transparenz für die Farben und Formen verstärkt die traumhafte Vision. Écluse befand sich seit 1960 in der gleichen französischen Sammlung. Dieses Gemälde ist die perfekte Illustration von Simas künstlerischem Schaffen, da es sich auf seine üblichen Themen bezieht, nämlich die vier Elemente, die Landschaft und die Erinnerung. Dieses Ölgemälde auf Leinwand ist auch ein Wendepunkt in seinem künstlerischen Werdegang, da es den Beginn seiner abstrakten Ära und seine Trennung vom Surrealismus darstellt. "Neben diesen Kindheitserinnerungen waren für meine Arbeit als Maler vor allem die Begegnungen entscheidend, die ich gemacht habe: [...] Die Entdeckung von Cézanne zum Beispiel, die für mich von entscheidender Bedeutung war. Was mich das Jahrhundert plötzlich lehrte, war die entscheidende Umkehrung, die Cézanne in der Maltechnik vollzogen hatte. Der Himmel wurde mit demselben Nachdruck gemalt wie der Vordergrund des Bildes, so dass jedes Element mit einem Gewicht versehen wurde. und wie einem ständigen Fall unterworfen." Josef Síma, Interview mit Jacques Henric, Les Lettres françaises, 13. November 1968.

Schätzw. 100 000 - 150 000 EUR

Los 36 - ¤ HENRI MATISSE (1869-1954) NÉZY, 1941 Tusche auf Papier Signiert und datiert '10/41' unten links. India ink on paper; signiert und datiert unten links. 51 X 38 CM - 20 1/8 X 15 IN. Monsieur Georges Matisse hat die Echtheit dieses Werks bestätigt. Es ist in seinem Archiv registriert. Auf Wunsch des Käufers kann ein Zertifikat ausgestellt werden. PROVENTION Private Sammlung, Frankreich Dann durch Nachkommenschaft an den derzeitigen Besitzer Das Nézy-Doppelporträt, das Anfang der 1940er Jahre in Nizza entstand, als Henri Matisse sein Atelier im ehemaligen Hotel Régina eingerichtet hatte, stellt Nézy-Hamidé Chawkat dar. Nézy, eine türkische Prinzessin und Urenkelin des letzten türkischen Sultans Abdul Hamid, zog nach der Ausrufung der Türkischen Republik mit ihrer Großmutter nach Nizza. Matisse wurde auf die junge Frau aufmerksam, als er ihr in den Straßen der Stadt an der Côte d'Azur begegnete. Der Maler war von ihrer Schönheit beeindruckt und bat sie, für ihn Modell zu sitzen, was sie auch tat. Wie Hilary Spurling berichtet: "[Matisse] fragte sie, ob er sie malen dürfe, wobei er die formelle Erlaubnis seiner Großmutter einholte wie ein Freier, der um ihre Hand anhält." H. Spurling, Matisse the Master, London, 2005, S. 410. Die Prinzessin war fast zwei Jahre lang sein Lieblingsmodell, eine produktive Zeit für Matisse, der sich mit dem Verleger Alain Fabiani an das Projekt der Herausgabe des Werkes Thèmes et Variations machte. Diese Sammlung sollte mit ihren lithografischen Reproduktionen von 158 ausgewählten Zeichnungen die kreative Leidenschaft des Künstlers symbolisieren. Das Doppelporträt Nézy war wahrscheinlich dazu bestimmt, in das 1943 veröffentlichte Werk aufgenommen zu werden. Zu dieser Zeit befand sich Matisse auf dem Höhepunkt seiner Kunst und erwies sich als bemerkenswerter Zeichner mit einer zarten und zugleich ausdrucksstarken Linienführung. "Die erste Tugend der Zeichnung wie auch des gestochenen Werks ist die Klarheit, ihre Direktheit, die mit der Deutlichkeit des Strichs verbunden ist. Jede einfache, aber völlig kontrollierte Geste wird vom Instinkt angetrieben, aber die Logik dominiert, auch wenn man den Eindruck des Stegreifs hat...". Matisse, Le point, Nr. XXI-4. Jahrgang Sondernummer Matisse, Juli 1939

Schätzw. 30 000 - 50 000 EUR

Los 37 - SONIA DELAUNAY (1885-1979) FARBRHYTHMUS, 1973 Öl auf Leinwand Signiert unten rechts Oil on canvas; signed lower right 65 X 54 CM - 25 5/8 X 21 1/4 IN. Herr Richard Riss und Herr Jean Louis Delaunay haben die Echtheit dieses Werks bestätigt. Es ist in ihren Archiven unter der Nummer F. 1896 registriert. Dem Käufer wird ein Echtheitszertifikat mit Datum vom 18. März 2024 ausgehändigt. PROVENANCE Direkt von der Familie des Künstlers erworben Dann durch Nachkommenschaft an den derzeitigen Besitzer weitergegeben SONIA DELAUNAY FARBRHYTHMUS, 1973 Das auf dem Kunstmarkt unbekannte Ölgemälde Rythme Couleur von Sonia Delaunay wurde 1973 in Paris gemalt. Es ist ein außergewöhnliches Zeugnis für die Arbeit der Künstlerin und ihre Anwendung der Theorie des Simultanimus (oder Orphismus nach Apollinaire) in der Malerei. Während Sonia Delaunay von Kritikern oft als "Dekorateurin" bezeichnet wurde, erinnert dieses Gemälde an die Bedeutung der Forschungen einer großen Malerin in erster Linie. Blau, weiß, rot, schwarz, grün, grau: sechs Farben, darunter die Farben der französischen Flagge. 1973: Sechs Jahrzehnte nach den ersten Forschungen des Ehepaars Delaunay über den Simultanismus in der Malerei. Im Hintergrund ein stilisierter Propeller: Modernität, Bewegung, Rotation. Rhythmus Farbe, 1973 in Paris von Sonia Delaunay gemalt, bestätigt die plastischen Forschungen eines ganzen Lebens. Die Farben und Formen, die die Künstlerin auf der Leinwand anordnet, sind Ausdruck der Theorie des Simultanismus, die Robert Delaunay 1912-1913 entwickelt hatte. Diese Theorie wird von dem Ehepaar Sonia und Robert vertreten, die bereits in den ersten Jahren ihres Zusammenlebens einen fruchtbaren künstlerischen Dialog führen. Ihnen zufolge löst das Licht die Form auf und schafft das Gefühl von Farbe in Bewegung. Diese "synchrome" Bewegung kann auf einer Leinwand durch Kontrasteffekte zwischen Farben und Formen erzielt werden. Robert Delaunay erkennt in seinen theoretischen Schriften seine Schuld gegenüber Michel-Eugène Chevreuls 1839 veröffentlichtem Werk "De la loi du contraste simultané des couleurs" an, in dem der Autor die Mechanismen, mit denen das Auge auf Farbreize reagiert, genau seziert. Die Farbe ist das Zentrum ihrer malerischen Forschung, um das sich die Poesie, die Gesamtkunst und der Wunsch nach einer Kunst für alle drehen. Es wurde ein neuer Weg in der Kunst eingeschlagen, eine Bewegung, die Apollinaire "Orphismus" nannte und die er als eine neue Sprache definierte, die mit der Sprache der Dichter konkurrierte, deren Leitfigur Orpheus war. Apollinaire schrieb 1913 in L'Intransigeant: "Man hat schon viel über den Orphismus gesprochen. Dies ist das erste Mal, dass sich diese Tendenz manifestiert. Sie vereint Maler von sehr unterschiedlichem Charakter, die alle in ihren Forschungen zu einer innerlicheren, volkstümlicheren, poetischeren Sicht des Universums und des Lebens gelangt sind. Diese Tendenz ist keine plötzliche Erfindung, sondern die langsame und logische Weiterentwicklung des Impressionismus, des Divisionismus, der Schule der Fauvisten und des Kubismus". Der Simultanismus oder Orphismus reiht sich in die Reihe der Forschungen zum Kubismus ein, die ab 1907 von Braque und Picasso eingeleitet wurden. Die Künstler der Avantgarde, zu denen auch Sonia Delaunay gehörte, entfernten sich von der Mimesis, indem sie die Figuren zerlegten. Figuren und Objekte verschwinden nach und nach von der Leinwand, um Muster, Farben und Linien zum Vorschein zu bringen. Allen gemeinsam ist der Wunsch nach einem Bruch in der Kunst der Komposition, aber auch nach einem Abbau der Grenzen zwischen den künstlerischen Disziplinen. So wird die Sprache der Musik nach und nach in die bildenden Künste einfließen, insbesondere mit Kandinskys lyrischer Abstraktion. Die Bilder werden Komposition, Fuge, Rhythmus und Farbe genannt. Die sechs Farben, die Sonia Delaunay in Rythme Couleur verwendet, stehen in Resonanz zueinander, verändern sich und ergänzen sich. Blau ergänzt zum Beispiel Rot. Die Kraftfelder, die zwischen den Farben entstehen, bringen die Formen in Bewegung und erzeugen einen optischen Effekt. Der Rhythmus wird dann durch die Wiederholung von Formen und Farben eingeführt. Ab den 1930er Jahren wird der Rhythmus in Sonia Delaunays Schaffen tatsächlich zentral. Sie nennt übrigens Licht, Musik und Tanz als ihre wichtigsten Inspirationsquellen und sagt in diesem Zusammenhang zu Roger Bordier "le rythme ondulant et continu du tango incite les couleurs à bouger" (Der wellenförmige und kontinuierliche Rhythmus des Tangos bringt die Farben dazu, sich zu bewegen). Die Wiederholung der Halbkreise in Rythme Couleur soll die Drehbewegung von Propellern darstellen, die Anfang des 20. Jahrhunderts als Symbol der Modernität galten. Dieses stilisierte Motiv taucht in Sonia Delaunays Werk immer wieder auf und erinnert an eine der Gründungsepisoden der künstlerischen Moderne: Marcel Duchamps Besuch des Salon de l'Aéronautique im Jahr 1912. Der angesichts der Flugzeugpropeller verblüffte Künstler prophezeite seinen Kollegen den Tod der Malerei. Die Propeller hatten nicht den gleichen Effekt

Schätzw. 150 000 - 200 000 EUR

Los 45 - AUGUSTIN LESAGE (1876-1954) OHNE TITEL, 1944 Öl auf Leinwand Signiert, datiert 'Mai 1944' und situiert 'Burbure' unten rechts Annotation 'Toile peinte pendant l'occupation sous les bruits des moteurs' oben und 'Énigmes des siècles/ En souvenir d'un grand passé, Thèbes, Memphis/ La Haute et la Basse Egypte/ Lion rugissant gardien des temples' unten. Öl auf Leinwand; signiert, datiert und lokalisiert unten rechts; oben und unten annotiert. 185 X 135 CM - 72 7/8 X 52 3/8 IN. Herr Pierre Guénégan hat die Authentizität dieses Werks bestätigt. Es wird in den in Vorbereitung befindlichen Catalogue raisonné aufgenommen. Ein Echtheitszertifikat wird dem Käufer ausgestellt. PROVENTION Privatsammlung, Frankreich BIBLIOGRAPHIE Olivier Chevrillon, Annick Notter, Didier Deroeux, Michel Thévoz, Augustin Lesage 1876-1954, Kat. Ausst. Arras, Lausanne, Béthune, 1988 - Florenz, 1989, Philippe Sers Editeur, Paris: 1988, Tafel 169, Kat. 157, abgebildet auf S. 177 und beschrieben auf S. 212 "Das alte Ägypten nimmt einen wichtigen Platz im Leben und Werk von Augustin Lesage ein, der während seiner Zeit in den spiritistischen Zirkeln in seine Mythen eingeführt wurde. In der Tat erfreut sich diese Zivilisation des Altertums einer Faszination unter zahlreichen Denkrichtungen, die die Ägypter als Träger einer für immer verlorenen Ebene spiritueller Einweihung und eines für immer verlorenen Wissens bezeichnen. Dieser Einfluss wirkte sich sehr stark auf das Schaffen des Künstlers aus. Ab 1925 begann Ägypten in den Werken des Bergmanns und Malers aufzutauchen, der ihm im Zuge seiner Verwicklung in spiritistische Kreise einen immer wichtigeren Platz einräumte. Wie die Darstellungskonventionen der alten Ägypter ist auch Lesages Malerei von der Verwendung von Symmetrie und der Organisation in Registern geprägt, die bereits in seinem ersten Gemälde auftauchen. Außerdem teilt er mit der ägyptischen Kunst die Vorliebe für Monumentalität und die Liebe zum Detail. [...] Augustin Lesage betrachtete sich als Reinkarnation eines ägyptischen Künstlers, der durch seine Malerei die Geheimnisse des alten Ägyptens vermittelte. Ab 1930 zitiert der Künstler in seinen Werken wortwörtlich ägyptische Objekte, die sogar fast die gesamte Leinwand einnehmen." Cédric Magniez "Augustin Lesage et l'Égypte" in. Lesage, Simon, Crépin, peintres, spirites et guérisseurs, cat. exp. LaM, 4. Oktober 2019-5. Januar 2020, Villeneuve d'Ascq: 2019, S. 176.

Schätzw. 40 000 - 60 000 EUR
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