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DROUOT
Donnerstag 04 Jul um : 15:00 (MESZ)

POST-WAR & ZEITGENÖSSISCHE KUNST

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164 bis, avenue Charles-de-Gaulle 92200 Neuilly-sur-Seine, Frankreich
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116 Ergebnisse

Los 5 - OLIVIER DEBRÉ (1920-1999) - Blanche de Loire mit dunkelblauem Strich, Touraine, 1984 Öl auf Leinwand, auf der Rückseite signiert, datiert und betitelt. 100 x 100 cm - 39 23/64 x 39 23/64 in. Oil on canvas, signed, dated and titled on reverse Ein Echtheitszertifikat des Comité Olivier Debré wird dem Käufer ausgehändigt. PROVENANZ Galerie Convergence, Nantes, 1999 Private Sammlung, Nantes Olivier Debré ist einer der wichtigsten französischen Maler und Vertreter der lyrischen Abstraktion. Als Enkel des Malers Edouard Debat-Ponsan erhielt er 1937 angesichts des Bildes Guernica von Picasso einen echten künstlerischen Schock. Dieser Einfluss war entscheidend für den Künstler, der die Figuration aufgab, um sich dem abstrakten Ausdruck des Zeichens als Träger von Emotionen und Gedanken zu widmen. Nach seinem Abschluss an der École des Beaux-Arts in Paris im Jahr 1938 schien ihm eine Karriere als Architekt bevorzustehen. Dennoch war es die Malerei, in der er sein plastisches Genie zum Ausdruck brachte. Sein künstlerischer Hintergrund ließ ihn den Impressionismus erforschen, während sich sein Stil in Richtung größerer Farbflächen entwickelte, was ihn zum ersten Vertreter der gestischen Abstraktion machte. Die Poesie seines Werks besteht darin, dass man in die Farben seiner Wanderungen eintaucht. Olivier Debrés Stil ist eine gekonnte Mischung aus Raum und Licht und Ausdruck eines Gefühls, einer Emotion, die er mit einem bestimmten Moment verbindet. So entwickelt sich der Horizont seiner Werke über die Farbpalette hinaus, die er in jedem seiner Gemälde verkörpert. Hier offenbaren die beiden gezeigten Werke die praktisch monochromatischen Nuancen, die der Künstler gewählt hat, um den Raum der Leinwand zu erkunden. Durch die kühlen Nuancen auf Olivier Debrés Palette wird der Betrachter in die Kontemplation des riesigen Details, vor dem er sich befindet, hineingezogen. Der Stil des Malers ist eine Synthese aus seiner Farbbeherrschung, die durch das Schwingen der auf der Leinwand liegenden Schichten unterstützt wird, was durch das Format seiner Werke verzehnfacht wird. Als "europäischer Rothko" kann Olivier Debré ein geschultes Auge nicht unberührt lassen, da er durch seine Gesten Emotionen hervorruft. Olivier Debré, Vertreter der lyrischen Abstraktion, ist ein bedeutender französischer Maler. Als Großvater des Malers Edouard Debat-Ponsan erhielt er 1937 einen echten künstlerischen Schock, als er Picassos Guernica sah. Dieser Einfluss wird für den Künstler entscheidend sein, der die Figuration aufgibt, um sich dem abstrakten Ausdruck des Zeichens, dem Vektor der Emotionen und Gedanken, zu widmen. Nach seinem Abschluss an der École des Beaux-Arts de Paris im Jahr 1938 schien ihm eine Karriere als Architekt bevorzustehen. Sein plastisches Genie entfaltete er jedoch in der Malerei. His artistic culture makes him explore the field of impressionism while his style evolves in the elaboration of the elaboration of larger coloured surfaces, making him the first representative of the gestural abstraction. Die Poesie seines Werks liegt in einer Versenkung, die von den Farben seiner Wanderungen gerockt wird. Olivier Debrés Stil, eine clevere Mischung aus Raum und Licht, ist der Ausdruck eines Gefühls, einer Emotion, die er mit einem bestimmten Moment in Verbindung bringt. So geht der Horizont seiner Werke über den Farbbereich hinaus, den er in jedem seiner Gemälde verkörpert. Here, the two presented works reveal the practically monochromatic shades chosen by the artist to explore the artist to explore the space of the canvas. Durch die kalten Schattierungen von Olivier Debrés Palette wird der Betrachter in die Betrachtung des immensen Details vor ihm eingetaucht. Der Stil des Stils ist eine Synthese aus seiner Meisterschaft der Farben, unterstützt durch das Schwingen der Dickheiten auf der Leinwand, das das Format seiner Werke um das Zehnfache vergrößert. Als ein "europäischer Rothko" würde Olivier Debré ein informiertes Auge nicht unberührt lassen und durch Gesten Emotionen wecken.

Schätzw. 25 000 - 35 000 EUR

Los 6 - BEN VAUTIER (1935 - 2024) - Für die Gruppe Zero, 1990 Acryl auf Leinwand, unten rechts signiert, auf der Rückseite gegengezeichnet und datiert, und Aufhängung einer Plastikrassel. 42 x 16 cm - 16 17/32 x 6 19/64 in. 22 x 16 cm (Leinwand) - 8 21/32 x 6 19/64 in. Acrylic on canvas, signed lower right, countersigned and dated on reverse, hanging of a plastic rattle Dieses Werk ist im Catalogue raisonné von Ben Vautier unter der Archivnummer 3952 verzeichnet. PROVENTION Galerie Catherine Issert, Saint-Paul-de-Vence. Privatsammlung, Frankreich Ben, Pseudonym für Benjamin Vautier, ist ein französischer Künstler mit Schweizer Wurzeln, der 1935 in Neapel geboren wurde. Er lebt und arbeitet in Nizza, wo er im Alter von vierzehn Jahren ankam. In den Jahren 1959 und 1960 trafen sich die wichtigsten Mitglieder der sogenannten Schule von Nizza in seinem Geschäft oder auf dem Bürgersteig. Nähe zu Yves Klein und den Nouveaux Réalistes gehört er der künstlerischen Avantgarde, genauer gesagt der Postmoderne, und der Fluxus-Gruppe an. In der Öffentlichkeit erlangte er ab Ende der 1960er Jahre einen soliden Bekanntheitsgrad, insbesondere durch seine "Schriften", die in verschiedenen Formen wie hier in Für die Gruppe Zero (1990) dekliniert wurden. Ben, Pseudonym von Benjamin Vautier, ist ein französischer Künstler, der 1935 in Neapel geboren wurde. Er lebt und arbeitet in Nizza, wo er im Alter von vierzehn Jahren geboren wurde. In den Jahren 1959 und 1960 trafen sich die wichtigsten Mitglieder der sogenannten Nizza-Schule in seinem Laden oder auf der Straße. Er steht Yves Klein und den Nouveaux Réalistes nahe und gehört der künstlerischen Avantgarde an, genauer gesagt der Postmoderne und der Fluxus-Gruppe. In den späten 1960er Jahren erwarb er sich einen soliden Ruf in der Öffentlichkeit, insbesondere durch seine "Writings", die eine Vielzahl von Formen annahmen, wie z. B. Pour le groupe zero (1990).

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Los 7 - [FERNANDO BOTERO] - Gedenkmedaille auf die Ausstellung "Fernando Botero aux Champs-Élysées" im Jahr 1992, geprägt von der Monnaie de Paris. Medaille aus 18k (750) Gold, auf einer Seite mit dem Corne d'abondance-Stempel der Monnaie de Paris und dem Fleurette-Stempel des Atelier de Gravure des Monnaies et Médailles, nummeriert I/III und auf dem Rand mit dem Corne d'abondance-Stempel versehen. Gewicht - Weight: 1,7 kg9.5 x 3 cm - 3 47/64 x 11 1/64 in. Medaille aus 18k (750) Gold, auf einer Seite mit dem Stempel Corne d'abondance by the Monnaie de Paris und dem Stempel des Atelier de Gravure des Monnaies et Médailles, nummeriert I/III und mit dem Stempel Corne d'abondance auf der Kante. Mit einem Echtheitszertifikat der Monnaie de Paris, nummeriert I/III, einem erklärenden Beipackzettel und der Originalschatulle. Es ist unmöglich, die zeitgenössische Kunst von der Figur Fernando Boteros zu trennen, so groß war sein Einfluss auf unsere Kultur. bemerkenswert. Seine Werke, die weit über die Grenzen der Museen hinausgehen, sind heute allgegenwärtig, sowohl auf den Straßen und in großen Innenräumen als auch in der Populärkultur und in den sozialen Netzwerken. Der Tod des Künstlers im Jahr 2023 setzte den Schlusspunkt unter eine außergewöhnlich produktive und vielfältige Karriere, deren Avantgardismus manchmal missverstanden wurde und die noch weit davon entfernt ist, einen Konsens in der Öffentlichkeit zu finden. Seine Werke, die teils parodiert, teils verehrt werden, lassen niemanden gleichgültig und sorgen auch heute noch für Gesprächsstoff. Fernando Botero wurde 1932 in Medellín, Kolumbien, geboren. Er wurde von seiner Mutter und seinem Onkel in der Tradition der kolumbianischen Kultur erzogen. Er wurde in der kolumbianischen Kultur erzogen und besuchte eine Stierkampfschule, bevor er den roten Umhang und das Pik-Terzett bald gegen den Bleistift eintauschte. Inspiriert von der präkolumbianischen und spanischen Kunst, entschied sich Botero für eine Karriere als Künstler. Da er sich nach Abenteuern sehnt, reist der Künstler in die Hauptstadt Bogotá. Dort hatte er seine erste Ausstellung und verkaufte seine ersten Bilder, mit deren Geld er 1952 nach Europa flog. Es folgte eine Initiationsreise: Botero studierte die spanischen Meister im Prado und entdeckte die alten Meister im Louvre, bevor er in Florenz die Kunst der Freskenmalerei erlernte. Er stellte in New York aus, arbeitete mit der Vogue Paris zusammen, um die Haute-Couture-Kollektionen zu illustrieren, und zog dann nach Pietrasanta in Italien, bevor er 1973 endgültig sein Gepäck in Paris abstellte. Dort begann er, neben seinen malerischen Werken auch mit Skulpturen zu arbeiten. 1992 fand auf den ChampsÉlysées eine große Ausstellung statt, die seinem bildhauerischen Werk gewidmet war. Mehr als 30 Skulpturen waren vom 22. Oktober 1992 bis zum 30. Januar 1993 auf der Avenue zu sehen, und etwa 100 Gemälde im Grand Palais. Unter diesen Werken befanden sich einige Berühmtheiten, darunter ein über 4 Meter hoher Riesentorso, zyklopisch wie sein außergewöhnliches Schaffen. Inspiriert von der präkolumbianischen Kunst, von prähistorischen Venusfiguren oder auch von der italienischen Renaissance, tragen diese kallipygischen Figuren ein immenses kulturelles Gepäck mit sich und sind Erben einer ikonographischen Tradition, die so alt ist wie die Menschheit selbst. Dieses außergewöhnliche Ensemble sollte die Rückkehr des Künstlers ins Rampenlicht nach mehreren Jahren der Abwesenheit markieren. Aus diesem Anlass ließ er in Zusammenarbeit mit der Monnaie de Paris 703 Exemplare dieser Medaille prägen: 500 in Bronze, 200 in Sterlingsilber und schließlich 3 Exemplare in Gold. Die Medaille aus 18-karätigem Massivgold ist auf dem Rand mit der Nummer I/III versehen, wo sie auch das Füllhorn trägt, einen Stempel der Pariser Münze, der ihre Herkunft und Echtheit garantiert. Das äußerst seltene Stück ist auf der Seite mit dem Selbstporträt des Künstlers signiert, während auf der anderen Seite eines von Boteros berühmtesten Werken abgebildet ist, das stolz vor dem Arc de Triomphe ausgestellt ist. Die für diese Art der Produktion außergewöhnlich reliefartige Münze benötigte fünf aufeinanderfolgende Prägungen unter einer 2.500 Tonnen schweren Presse in der Pariser Münze, um ein so kontrastreiches Ergebnis zu erzielen. Diese Medaille, die Boteros künstlerische Anerkennung bezeugt, ist das Zeichen eines beispiellosen Ereignisses in der Karriere einer der berühmtesten Persönlichkeiten des Jahrhunderts. Indem er sich von mythischen Darstellungen inspirieren ließ, wurde er schließlich selbst zu einem Symbol, und seine visionäre Ästhetik stellt auch weiterhin vorgefasste Meinungen auf den Kopf. Es ist unmöglich, die zeitgenössische Kunst von der Figur Fernando Boteros zu trennen, so groß ist sein Einfluss auf unsere Kultur. Sein Einfluss auf unsere Kultur war so bemerkenswert, dass seine Werke heute allgegenwärtig sind, auf den Straßen und in der Öffentlichkeit ebenso wie in der Populärkultur und in sozialen Netzwerken. Der Tod des Künstlers im Jahr 2023 brachte eine außergewöhnlich produktive und abwechslungsreiche Karriere zu Ende, deren

Schätzw. 60 000 - 80 000 EUR

Los 9 - JACQUES VILLEGLÉ (1926 - 2022) - Rue Bobillot / Place d'Italie, 19. Mai 1987 Geschnürte Plakate, marouflé auf Leinwand, unten rechts signiert, auf der Rückseite betitelt und datiert. 170 x 250 cm - 65 47/64 x 98 1/64 in. Slashed posters mounted on canvas, signed lower right, titled and dated on reverse Ein vom Künstler unterzeichnetes Echtheitszertifikat vom 25. Mai 2019 wird dem Käufer ausgehändigt. PROVENANCE Sabine Wachters Gallery, Knokke, Belgien Jacques Villeglé gilt heute als der emblematische Künstler der französischen Plakatmalerei mit Schnürsenkeln, da sein Name untrennbar mit dieser Technik verbunden ist. Er praktizierte sein ganzes Leben lang das Ritzen, seit er 1949 zum ersten Mal ein Plakat abriss. Zu seinen bekanntesten Werken gehören Rues Desprez und Vercingétorix, aus dem Jahr 1966. Das Werk, das wir hier vorstellen, Rue Bobillot / Place d'Italie, ist eine Fortsetzung seines Ansatzes. Diese kleine Risswunde ist besonders repräsentativ für die Philosophie der französischen Plakatkünstler. Sie nehmen die Plakate nämlich so, wie sie kommen, indem sie das Ergebnis nicht verändern und zum Beweis haben die Werke ihren Entstehungsort als Titel. Villeglé ist als der emblematische französische Posterkünstler bekannt geworden. Sein Name ist untrennbar mit dieser Technik verbunden, die er 1949 zu verwenden begann. Eines seiner bekanntesten Werke ist Rues Desprez et Vercingétorix aus dem Jahr 1966. Das kleine Werk, das wir hier vorstellen, Rue Bobillot/Place d'Italie, ist ein Beispiel für seinen Ansatz. Es ist besonders repräsentativ für die French poster artists' methods. Sie nehmen die Poster so, wie sie sind, ohne das Ergebnis zu verändern, und zum Beweis werden die Werke nach ihrem Produktionsort benannt.

Schätzw. 60 000 - 80 000 EUR

Los 13 - ABOUDIA (né en 1983) - Môgô, 2017 Acryl, Bleistift, Ölpastell und Collage auf Leinwand. 118 x 150 cm - 46 29/64 x 59 1/16 in. Acryl, Bleistift, Ölpastell und Collage auf Leinwand Ein vom Künstler unterzeichnetes Echtheitszertifikat wird dem Käufer ausgehändigt. PROVENANZ Privatsammlung, Frankreich Aboudia, mit vollem Namen Abdoulaye Diarrassouba, ist ein zeitgenössischer Maler aus der Elfenbeinküste. Er wurde 1983 in Abidjan geboren und ist vor allem für seine vibrierenden und energiegeladenen Werke bekannt, die Graffiti und traditionelle Malerei vermischen und die sozialen und politischen Komplexitäten seines Heimatlandes sowie die urbanen Realitäten von Straßenkindern widerspiegeln. Seine Werke werden oft von kindlichen Figuren, Tieren, Symbolen und Texten bevölkert, wodurch vibrierende und chaotische Szenen entstehen, die das geschäftige Treiben auf den Straßen Abidjans einfangen. Der Künstler lässt sich von seiner unmittelbaren Umgebung inspirieren, insbesondere von Straßenkindern, und seine Werke zeugen von den politischen Tumulten und den sozialen Schwierigkeiten der Elfenbeinküste. Sein markanter, falsch-naiver Stil ist inspiriert von der Ikonographie der Graffiti 'Nouchi' von Abidjan (der Begriff bezieht sich auf einen umgangssprachlichen Dialekt, der die bevorzugte Sprache der Ivorer in Abidjan ist), traditionellen Holzmasken und dem Vodou. Er verwendet die Figur des Môgô, was auf Ivorisch "der Typ" oder "der Kerl" bedeutet, d. h. der Mann des Alltags. Aboudia wurde 2011 von einem deutschen Künstler, Stefan Meisel, entdeckt, der seine Arbeit in sozialen Netzwerken sah, zwei Bilder kaufte und ihm anbot, ihn zu vertreten. Nach zwei Ausstellungen in London in großen internationalen Galerien wurde seine Arbeit in die größten Privatsammlungen und auf die wichtigsten Messen aufgenommen. Aboudia, dessen voller Name Abdoulaye Diarrassouba lautet, ist ein zeitgenössischer Maler aus der Elfenbeinküste. Er wurde 1983 in Abidjan geboren und ist am besten bekannt für seine vibrierenden, energetischen Werke, die Graffiti und traditionelle Malerei miteinander verbinden und die sozialen und politischen Komplexitäten widerspiegeln. seines Heimatlandes sowie die urbanen Realitäten von Straßenkindern. Seine Werke sind häufig mit kindlichen Figuren, Tieren, Symbolen und Text, wodurch vibrierende, chaotische Szenen entstehen, die das geschäftige Treiben auf den Straßen von Abidjan einfangen. The artist draws inspiration from his immediate environment, particularly street children, and his works bear witness to the political tumult and social difficulties of Côte d'Ivoire. Sein unverwechselbarer, falsch-naiver Stil ist inspiriert von der Ikonografie von Abidjans 'Nouchi'-Graffiti (der Begriff bezieht sich auf einen umgangssprachlichen Dialekt, der die bevorzugte Sprache der Ivorer in Abidjan ist), traditionellen Holzmasken und Vodou. Er verwendet die Figur des Môgô, was im Ivorischen "der Mann" oder "der Mann" bedeutet, d.h. der Alltagsmensch. Aboudia wurde 2011 von dem deutschen Künstler Stefan Meisel entdeckt, der sein Werk in sozialen Netzwerken sah, zwei Gemälde kaufte und anbot, ihn zu vertreten. Nach zwei Ausstellungen in London bei großen internationalen Galerien hat sein Werk seinen Weg in bedeutende private Sammlungen und auf große Kunstmessen gefunden.

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