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Mo 13 Mai

VICTOR VASARELY (Pécs, Ungarn, 1908 - Paris, 1997). Ohne Titel, 1981. Papiercollage auf Karton. Die Urheberschaft dieses Werks wurde von Pierre Vasarely bestätigt. Zweimal in der rechten unteren Ecke signiert, datiert und gewidmet. Maße: 40 x 27 cm; 60 x 47 cm (Rahmen). Vasarely basiert auf der Entdeckung, dass die Verformung eines zweidimensionalen Gitters eine abstrakte dreidimensionale Landschaft mit Erhebungen und Vertiefungen erzeugen kann, in der Quadrate in Rauten und Kreise in Ellipsen verwandelt werden. Der illusionistische Effekt, der Konvexität und Konkavität mit Dilatation und Kontraktion kombiniert, enthält eine nachdenkliche kosmische Symbolik, die an den Rhythmus der Sterne und die Bildung von Galaxien durch die Ausdehnung des Universums als Ganzes erinnert. Victor Vasarely, der als Vater der Op Art gilt, begann seine künstlerische Ausbildung an der Muheely-Schule, die in Budapest von einem Bauhaus-Schüler gegründet wurde. Er ließ sich 1930 in Paris nieder, wo er das erste Werk der Op Art schuf, das heute als "Zebra" (1937) gilt. In Paris arbeitete er als Grafiker für Werbeagenturen. In dieser Zeit wandelte sich sein künstlerischer Stil vom figurativen Ausdruck hin zu einer Art konstruktiver und geometrischer abstrakter Kunst, die sich für die Darstellung der Perspektive ohne Fluchtpunkte interessierte. Zwischen 1936 und 1948 nahm er regelmäßig am Salon des Surindependents und am Salon des Nouvelles Réalités teil. Ab 1948 stellte er regelmäßig in der Galerie Denise René aus. In den fünfziger Jahren näherte sich sein Werk der Verwendung neuer Materialien und Träger wie Aluminium oder Glas. Ebenso begann er, Werke zu schaffen, die den Raum mit einbeziehen, wie z. B. die Hommage an Malewitsch. In den sechziger Jahren nahm er an zahlreichen Gruppenausstellungen teil, wie z. B. The Responsive Eye im Museum of Modern Art in New York, sowie an Einzelausstellungen in Europa und Amerika. Unter den zahlreichen Auszeichnungen, die er im Laufe seines Lebens erhielt, sind der Guggenheim-Preis (1964), der Preis der Brüsseler Kunstkritiker und die Goldmedaille der Mailänder Triennale hervorzuheben. Im Jahr 1970 wurde er außerdem zum Ritter des Ordens der Ehrenlegion ernannt. Er ist in den ihm gewidmeten Museen in Aix-en-Provence, Pécs und Budapest vertreten, aber auch in den wichtigsten Zentren der zeitgenössischen Kunst in der Welt, wie der Tate Gallery in London, dem MoMA in New York, dem Guggenheim in Venedig oder dem Reina Sofia in Madrid. Die Urheberschaft dieses Werks wurde von Pierre Vasarely bestätigt.

Schätzw. 15 000 - 18 000 EUR

Mo 13 Mai

SONIA DELAUNAY (Odessa, 1885 - Paris, 1979). "Kostüm", 1922. Pinsel, Feder und Tusche auf Papier. Signiert und datiert unten rechts. Maße: 31 x 25 cm; 52 x 43 cm (Rahmen). Literaturverzeichnis - J. Damase, Sonia Delaunay, dessins en noir et blanc, Paris, 1978, S. 190 (abgebildet auf S. 112, mit falschen Maßen und datiert "1926"). - E. Morano, Sonia Delauna, Art into Fashion, New York, 1986, S. 59 (illustriert). Mit ihrem charakteristischen synthetischen Stil schafft Delaunay in diesem Werk eine figurative Zeichnung, in deren Mittelpunkt eine Frau steht. Das Werk, insbesondere die Kleidung der Protagonistin, erinnert an einige Muster, die die Künstlerin in den 1920er Jahren auf Leinwand gemalt hat. Die als Sonia Ilínichna Stern geborene Sonia Delaunay ist besser unter ihrem Ehenamen bekannt, den sie nach ihrer Heirat mit Robert Delaunay annahm. Die französische Malerin und Designerin ukrainischer Herkunft war zusammen mit ihrem Mann eine der Hauptvertreterinnen der abstrakten Kunst und die Begründerin des Simultanismus. Sie wuchs in St. Petersburg auf, wo sie mit der Gemäldesammlung der Schule von Barbizon ihres Onkels und mit dem kulturellen Leben der Stadt in Berührung kam. 1903 zog sie nach Deutschland, um sich weiterzubilden, wo sie die zeitgenössische Malerei entdeckte und bei Schmidt-Reuter Zeichnen studierte. Zwei Jahre später zog er nach Paris und schrieb sich an der Academie de la Palette ein, wo er auch von Grossman in die Gravur eingeführt wurde. In diesen Jahren nähert er sich über den deutschen Expressionismus der europäischen Avantgarde an, mit einem Werk, das auch Anklänge an den Postimpressionismus aufweist. Im Jahr 1908 findet seine erste Ausstellung statt, in der er Werke aus seiner gerade begonnenen fauvistischen Periode zeigt. Zwei Jahre später heiratete er Delaunay, mit der er ästhetische Anliegen teilte. Ihre Kunst erfährt einen Richtungswechsel, hin zur Abstraktion. Die Künstlerin wendet sich nun dem Kunstgewerbe zu, immer mit einer rein abstrakten koloristischen Sprache, die die Aufmerksamkeit ihrer Kollegen und auch der Kritiker auf sich zieht. Obwohl sie sich 1912 wieder der Malerei zuwendet, ist ihr Ruhm als Designerin bereits in ganz Europa begründet. Von nun an nimmt sie häufig an wichtigen europäischen Ausstellungen teil, wie dem Berliner Herbstsalon oder dem Salon des Indépendants in Paris. Während des Ersten Weltkriegs lebte sie in Spanien und Portugal, wo sie eine intensive schöpferische Tätigkeit entfaltete, unter anderem in Zusammenarbeit mit dem Ballett von Diaghilew. 1921 kehrte das Paar nach Paris zurück, wo Sonia Delaunay weiterhin an wichtigen Projekten arbeitete und ihre Werke sowohl in Europa als auch in den Vereinigten Staaten ausstellte. Seit den fünfziger Jahren wurde ihr Werk bereits in vollem Umfang anerkannt, und 1958 wurde ihr in Bielefeld (Deutschland) die erste Retrospektive gewidmet. Darüber hinaus wurde sie 1975 zum Offizier der französischen Ehrenlegion ernannt. Derzeit ist Delaunay in bedeutenden Sammlungen auf der ganzen Welt vertreten, darunter das MoMA in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die Reina Sofia in Madrid, die Albertina in Wien und Haifa in Israel.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Mo 13 Mai

JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, 1985. Gemischte Medien (Malerei und Collage) auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 197 x 115 cm; 207 x 126,5 cm (Rahmen). Die Verwendung von Collagen in Verbindung mit Experimenten und lyrischer Abstraktion gewinnt in Guinovarts Gemälden aus den achtziger Jahren an Bedeutung. Er entfernt sich vom Informalismus seiner früheren Periode und nähert sich einer Abstraktion mit musikalischen und poetischen Latenzen. In dieser Komposition kommt dies durch die subtilen Andeutungen von Saiteninstrumenten und kalligrafischen Zeichen zum Ausdruck. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Er erwarb sich sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Guinovart ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, das Museo Eusebio Sempere in Alicante, das Museo de Navarra in Tafalla, die Casa de las Américas in Havanna, das Bocchum Museum in Deutschland, das Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und das Museo Patio Herreriano in Valladolid.

Schätzw. 5 500 - 6 500 EUR

Mo 13 Mai

KEITH HARING (Pennsylvania, 1958- New York, 1990). "Selbstporträt", 1987. Tinte auf Papier. Merkmale Tony Shafrazi Galerie Etikett mit Stock # 1435 befreit zu rahmen. Gerahmt mit Museumsglas. Signiert und datiert auf der rechten Seite. Maße: 26 x 32,5 cm; 43 x 49 cm (Rahmen). Keith Haring hat sich bei zahlreichen Gelegenheiten selbst porträtiert, immer mit seiner ikonischen Brille als Identitätsmerkmal. In diesen Selbstporträts bot der Künstler eine Vision seiner selbst, nicht nur physisch, sondern auch persönlich, und offenbarte so dem Betrachter seine Meinung über sich selbst, wie in dem Selbstporträt als Sphinx zu sehen ist. In diesem speziellen Fall handelt es sich nicht um ein einziges Selbstporträt, sondern um zwei, da er uns seine eigene Büste zeigt, die von einem seiner ikonischen Monigots gemalt wird, die ein Alter Ego des Künstlers selbst sind. Haring, der als sichtbarer Kopf der urbanen Kunst in den achtziger Jahren gilt, begann seine unaufhaltsame Karriere, die ihn zu Warhols Kollegen und Mediensuperstar werden ließ, mit seinen Arbeiten in der New Yorker U-Bahn. Die enorme Popularität von Harings urbanen Arbeiten bei der New Yorker Bevölkerung erregte sofort die Aufmerksamkeit des Kunstbetriebs. So nahm Andy Warhol ihn in seinen Kreis auf, und der damals aufstrebende Galerist Tony Shafrazi organisierte 1982 eine durchschlagende Einzelausstellung für ihn, die den Grundstein für seinen unaufhaltsamen Erfolg legen sollte. Schon bald stellte er seine Werke in der Galerie des einflussreichen Leo Castelli aus und etablierte sich als professioneller Kunststar. Keith Haring war ein amerikanischer Künstler, dessen Pop Art und Graffiti in den 1980er Jahren aus der Straßenkultur von New York City hervorgingen. Seine Popularität verdankt Haring seinen spontanen Zeichnungen in der New Yorker U-Bahn mit Kreide auf schwarz-weißem Werbeflächenhintergrund. Nachdem er öffentliche Anerkennung erlangt hatte, schuf er großformatige Werke als Wandmalereien, die später oft politische und soziale Themen, insbesondere Homosexualität und AIDS, durch seine eigene Ikonographie aufgriffen. Heute befinden sich Harings Werke in großen privaten und öffentlichen Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art und das Whitney Museum of American Art in New York City, das Los Angeles County Museum of Art, das Art Institute of Chicago, das Bass Museum in Miami, das Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, das Ludwig Museum in Köln und das Stedelijk Museum in Amsterdam. Er schuf auch eine Vielzahl öffentlicher Werke, darunter die Krankenstation im Children's Village in Dobbs Ferry, New York, und die Männertoilette im zweiten Stock des Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center in Manhattan, die später in ein Büro umgewandelt wurde und als Keith Haring Room bekannt ist. Im Januar 2019 wurde eine Ausstellung mit dem Titel "Keith Haring New York" an der New York Law School im Hauptgebäude des Tribeca-Campus eröffnet. Mit Tony Shafrazi Gallery-Etikett und Stock #1435, von der Rahmung ausgenommen.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Mo 13 Mai

ANTONIO VIDAL FERNÁNDEZ (Havanna, 1928 - 2013) . Ohne Titel, ca. 1960. Acryl auf Masonit. Signiert in der unteren rechten Ecke. Beigefügtes Zertifikat von der Enkelin des Künstlers Anabelle Vidal B. Maße: 50,8 x 41 cm. Antonio Vidal war ein Maler, der alle Varianten des Abstraktionismus kultivierte: Expressionismus, Informalismus, Dripping,,,,, so dass sich die verschiedenen abstrakten Sprachen manchmal vermischten, wie in diesem Gemälde, in dem sich die Linien in Vektoren, die Kreise in energetische Punkte oder schwarze Löcher verwandeln und das Dripping mit dem Gesturalismus koexistiert. Antonio Vidal Fernández war ein bedeutender kubanischer Künstler. Er war Mitglied der Gruppe Los Once und Gründungsmitglied der Union der Schriftsteller und Künstler Kubas. Er führte den abstrakten Expressionismus auf der Insel ein, war aber kein Anhänger dieser Bewegung, sondern hielt sich von Moden fern, um seinen eigenen Weg zu finden. Er ist Absolvent der Villate-Akademie und erhielt 1999 den Nationalen Preis für plastische Kunst. Unter seinen persönlichen Ausstellungen sind zu erwähnen: 1993 "Antonio Vidal 40 Jahre in der Plastik", Gemälde und Zeichnungen von kleinem Format. Galiano und Concordia Kunstgalerie, Havanna, Kuba. 1953 nimmt er kollektiv an der Ausstellung Los 11. Maler und Bildhauer. Lyzeum, Havanna, Kuba. In den Jahren 1963 und 1965 nimmt er an der Ersten und Zweiten Amerikanischen Biennale der Gravur teil. Museum für zeitgenössische Kunst, Universität von Chile, Santiago de Chile. In den Jahren 1966 und 1968 an der 5. und 6. internationalen Grafikbiennale. Museum für Moderne Kunst, Tokio, Japan. Im Jahr 2000 "Tono a tono". Ausstellung für abstrakte Kunst. Solidaritätshalle, Habana Libre Tryp Hotel, Havanna, Kuba, unter anderem. 1973 wird sein Werk mit dem Zweiten Preis in Malerei ausgezeichnet. Salon der Professoren und Dozenten der plastischen Künste, Nationale Kunstschule (ENA), Havanna, Kuba. 1981 Erwähnung. Erster Nationaler Salon für Kleinformate, Lalo Carrasco Salon, Habana Libre Hotel, Havanna. 1999 Nationale Auszeichnung für plastische Kunst. Ministerium für Kultur. Gründer des Taller Experimental de la Gráfica de La Habana in den 1960er Jahren, in dem er eine beträchtliche Anzahl von Werken in der lithografischen Technik entwickelte. Zu dieser Zeit schuf er Werke für öffentliche Orte wie die Mosaikwandbilder im Theater Manuel Ascunce Domenech in Ciudad Escolar Libertad und im Kaufhaus La Época. In den 70er Jahren unterrichtete er zwei Jahrzehnte lang Malereikurse an der Nationalen Kunstschule; zehn Jahre später experimentierte er mit der Bildhauerei, allerdings als Erweiterung, als neuer Träger für seine Kreationen auf Leinwand oder Papier. Er wagte sich auch an die Gestaltung von Buch- und Zeitschriftenumschlägen; 1977 veröffentlichte er sein Skizzenbuch Antonio Vidal, das von der Redaktion der Union der Schriftsteller und Künstler Kubas herausgegeben wurde. Ein wichtiger Teil seines Werks wird im Nationalen Museum der Schönen Künste in Havanna, Kuba, aufbewahrt. In der Anlage finden Sie eine von Anabelle Vidal B. ausgestellte Urkunde.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Mo 13 Mai

MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Mallorca, 1957). "Crânes Papaie", 1999. Aquarell auf Papier. Signiert und datiert im unteren Bereich. Maße: 56 x 76 cm; 76 x 96 cm (Rahmen). Dieses Werk zeigt ganz persönliche Aspekte von Barceló, die sich nicht mit seinen Einflüssen oder Vorgängern in Verbindung bringen lassen. Der herausragendste Aspekt ist sein Bruch mit der Tradition durch seine unermüdliche Suche nach neuen Formeln und seine Faszination für verschiedene Aspekte der Natur. Ein Beispiel dafür ist dieses Aquarell, denn der Künstler geht von der traditionellen "Vanitas" aus, aber seine Technik und die Tendenz zum Tellurischen bringen uns einem völlig organischen Bild näher, das nicht die Flüchtigkeit des Lebens vermittelt, sondern eine zyklische Auffassung davon. Mit diesem Werk schafft der Mallorquiner ein Werk von großer Ausdruckskraft, das fest in der Natur und der archaischen Tradition verwurzelt ist und gleichzeitig eine überraschende und brillante Modernität offenbart. Der Maler und Bildhauer Barceló begann seine Ausbildung an der Kunstgewerbeschule in Palma de Mallorca, wo er zwischen 1972 und 1973 studierte. Im Alter von siebzehn Jahren gab er 1974 sein Debüt in der Galerie Picarol auf Mallorca. Im selben Jahr zieht er nach Barcelona, wo er sich an der Schule der Schönen Künste Sant Jordi einschreibt, und unternimmt seine erste Reise nach Paris. In der französischen Hauptstadt lernt er die Werke von Paul Klee, Fautrier, Wols und Dubuffet sowie die Art Brut" kennen, ein Stil, der seine ersten Gemälde stark beeinflussen wird. In diesen Jahren liest er viel und bereichert sich mit so unterschiedlichen Werken wie den Schriften von Breton und den Surrealisten, dem "Weißen Manifest" von Lucio Fontana oder der "Sozialgeschichte der Literatur und Kunst" von Arnold Hauser. 1976 hat er seine erste Einzelausstellung in einem Museum: "Cadaverina 15" im Museum von Mallorca, bestehend aus einer Montage von 225 Holzkisten mit Glasdeckeln, in denen sich verwesende organische Materialien befinden. Im selben Jahr, zurück auf Mallorca, schließt er sich der Gruppe Taller Lunàtic an und nimmt an deren sozialen, politischen und kulturellen Veranstaltungen teil. 1977 unternimmt er eine zweite Reise nach Paris und besucht auch London und Amsterdam. Im selben Jahr stellt er zum ersten Mal in Barcelona aus und lernt Javier Mariscal kennen, der zu einem seiner besten Freunde in der Stadt wird. Zusammen mit ihm und dem Fotografen Antoni Catany nimmt er als Mitglied der Gruppe "Neón de Suro" an Ausstellungen in Kanada und Kalifornien teil und arbeitet an der Herausgabe der gleichnamigen Zeitschrift mit. Ebenfalls 1977 erhält er seinen ersten großformatigen Bildauftrag: ein Wandgemälde für den Speisesaal eines Hotels in Cala Millor, Mallorca. Im folgenden Jahr, im Alter von einundzwanzig Jahren, verkauft er seine ersten Werke an einige Sammler und Galerien und zieht schließlich nach Barcelona. Seine internationale Anerkennung beginnt Anfang der achtziger Jahre und gibt seiner Karriere nach der Teilnahme an der Biennale von São Paulo (1981) und der Documenta in Kassel (1982) einen deutlichen Schub. Im Jahr 1986 wurde er mit dem Nationalen Preis für Bildende Kunst ausgezeichnet, und seither hat sein Werk zahlreiche Preise erhalten, darunter den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (2003) und den Sorolla-Preis der Hispanic Society of America in New York (2007). Barceló ist derzeit in den wichtigsten Kunstmuseen der Welt vertreten, wie dem MoMA in New York, dem Centre Pompidou in Paris, dem Guggenheim in Bilbao usw.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Mo 13 Mai

PAT ANDREA (Den Haag, Niederlande, 1942). "Lesbos". Zeichenkohle und Farbstifte auf Papier. Am unteren Rand signiert. Maße: 48 x 39 cm; 82,5 x 72,5 cm (Rahmen). Pat Andrea, Sohn eines plastischen Künstlers und einer Illustratorin, wurde an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Den Haag ausgebildet. Zusammen mit den Künstlern Walter Nobbe und Peter Blokhuis bildete er die ABN-Gruppe, die als Neue Haager Schule bekannt wurde. Nach seiner ersten Ausstellung in Paris reiste er 1976 nach Lateinamerika, wo sich seine Arbeitsweise deutlich veränderte und er begann, die figurativen Kompositionen zu entwickeln, die wir kennen und die von größerer Kraft und formaler Spannung sind als seine früheren Werke. 1977 wird er von Jean Clair zur Teilnahme an der Ausstellung "Neue Subjektivität" eingeladen, die im Rahmen des Herbstfestivals in Paris stattfindet. Von da an ist er als Vertreter dieser künstlerischen Strömung bekannt, die sich aus der neuen Figuration, dem zweiten deutschen Expressionismus oder dem Surrealismus speist. Pat entwickelt ein Werk, in dem er die Schrecken und Phobien des Krieges zwischen dem männlichen und dem weiblichen Geschlecht einfängt, mit Figuren, die ihr psychologisches Gleichgewicht verloren haben und zwischen Zärtlichkeit und Gewalt hin- und hergerissen sind, und zwar durch einen grotesken Expressionismus, in dem synthetische Formen und flache Farben vorherrschen. Zwischen 1983 und 1989 verbindet er seine Aufenthalte in Buenos Aires mit Aufenthalten in Europa, insbesondere in Den Haag und Paris. In den 90er Jahren stellte er in der Balducci-Daverio Gallery in New York aus, und 1998 wurde er zum Professor an der Nationalen Schule der Schönen Künste in Paris ernannt, wo er seitdem mit seiner Familie lebt.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Mo 13 Mai

CARMEN CALVO (Valencia, 1950). "Es war ein inneres Meer, wo es endete", 2004. Gemischte Medien und Collage auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 76 x 56 cm; 94 x 74 cm (Rahmen). Der transgressive Charakter und gleichzeitig die große poetische Aufladung von Carmen Calvo ist in jedem ihrer Werke zu erkennen, die sich mit dem Bild der Ordnung und der Anhäufung verbinden, das mit der Künstlerin verbunden ist. Eine der Leidenschaften der Künstlerin Carmen Calvo ist es, über Flohmärkte zu schlendern und in alten Alben zu blättern, um alte Fotografien zu finden und so eine neue Vision der alten anonymen Schnappschüsse aus der Vergangenheit zu schaffen. Unbekannte Personen, oft in Gruppenfotos, verwandeln ihre Identität durch die Einbeziehung von Masken und anderen surrealen Elementen. Carmen Calvo studierte an der Kunstgewerbeschule und der Schule der Schönen Künste in Valencia und machte 1970 ihren Abschluss in Werbung. Später erweiterte sie ihre Ausbildung dank Stipendien des Kulturministeriums (1980), der Casa de Velázquez in Madrid (1983-85) und des Außenministeriums für ihren Aufenthalt in Paris (1985-92). In diesen Jahren begann Calvo anerkannt zu werden und erhielt Auszeichnungen wie den I LaSalle Seiko Malereipreis von Barcelona (1985), den Alfons Roig der Diputación Valenciana (1989), ein Stipendium für die I Biennale Martínez Guerricabeitia der Universität Valencia (1989) und die Auswahl für die XLVII Biennale von Venedig (1997). Die Künstlerin begann ihre Ausstellungstätigkeit 1969 mit der Teilnahme an einer Gruppenausstellung im Círculo Universitario de Valencia. Ihr Einzeldebüt gab sie 1976 in der Galerie Temps in ihrer Heimatstadt. Seitdem hat sie ihre Werke in verschiedenen Städten Spaniens und der Vereinigten Staaten sowie in anderen Ländern Europas, Amerikas und Afrikas gezeigt. Werke von Carmen Calvo sind derzeit in Kunstinstitutionen, Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt zu sehen, darunter das Guggenheim Museum in New York, das Reina Sofia in Madrid, das Marugame Hirai in Kobe, das MACBA in Barcelona, der Fonds National d'Art Contemporain in Paris, das IVAM in Valencia, die Sammlung der Chase Manhattan Bank in New York, usw.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Mo 13 Mai

CARLOS CRUZ DÍEZ (Caracas, 1923-2019). Ohne Titel, 1992, aus der Suite Olympic Centennial. Siebdruck auf 270 Gramm Vélin d'Arches-Papier, Exemplar 171/250. Von Hand signiert, datiert und gerechtfertigt. Maße: 63 x 90 cm. Der französisch-venezolanische Künstler Carlos Cruz-Diez lebt und arbeitet seit 1960 in Paris. Er ist einer der wichtigsten Protagonisten der optischen und kinetischen Kunst, einer künstlerischen Strömung, die "das Bewusstsein für die Instabilität des Realen" fordert. Seine Forschungen weisen ihn als einen der Vordenker der Farbe im 20. Jahrhundert aus. Der plastische Diskurs von Carlos Cruz-Diez dreht sich um das Phänomen der Farbe, das als eine autonome Realität verstanden wird, die sich in Raum und Zeit ohne Hilfe von Form und Träger in einer kontinuierlichen Gegenwart entwickelt. Die Werke von Carlos Cruz-Diez befinden sich in renommierten ständigen Sammlungen wie dem Museum of Modern Art (MoMA) in New York, der Tate Modern in London, dem Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, dem Centre Pompidou in Paris, dem Museum of Fine Arts in Houston und dem Wallraf-Richartz-Museum in Köln, um nur einige zu nennen. Die Olympic Suite besteht aus 50 Lithographien und Serigraphien, die verschiedene zeitgenössische Kunstströmungen repräsentieren. Sie wurde zum Gedenken an den ersten hundertsten Jahrestag des modernen Olympismus veröffentlicht. Die ausgewählten Künstler sind durch verschiedene Bewegungen und bildnerische Strömungen definiert, vom Konzeptualismus und Minimalismus von "Ben" Vautier, der lyrischen Abstraktion von Yasse Tabuchi, der Malerei von Oleg Tselkov, der sich auf die menschliche Figur konzentriert, intensiv ausdrucksstark und mit kräftigen Formen und intensiven Farben behandelt, die die Konflikte und die Gewalt seiner Zeit widerspiegeln sollen, und schließlich dem Werk von André Arabis, das eindeutig abstrakt und geometrisch ist.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Mo 13 Mai

JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelona, 1931 - 2005). Ohne Titel, 1989. Tinte auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 45 x 33 cm; 57 x 45 cm (Rahmen). Joan Hernández Pijuan beginnt seine Ausbildung in Barcelona, wo er die Schulen von La Lonja und der Schönen Künste von Sant Jordi besucht, um später seine Ausbildung an der Schule der Schönen Künste in Paris abzuschließen. Hernández Pijuan, der 1981 zum Professor an der Fakultät der Schönen Künste in Barcelona ernannt wurde, nimmt unter den spanischen Künstlern der letzten Jahrzehnte eine einzigartige Stellung ein. Zu Beginn seiner Karriere praktizierte er einen tragischen Expressionismus von großer sozialer Tragweite und bildete in dieser Zeit zusammen mit den übrigen Mitgliedern der Sílex-Gruppe die so genannte Barcelona-Schule. In den siebziger Jahren vereinfachte er seinen Ausdruck, bis er eine geometrische und kalkulierte Figuration annahm, ein Stil, den er im folgenden Jahrzehnt hinter sich ließ, um sich dem Informalismus zuzuwenden. Seine Ausstellungstätigkeit war so umfangreich und vielfältig wie sein eigenes künstlerisches Schaffen. Im Laufe seines Lebens stellte er in mehreren spanischen Städten, aber auch in Zürich, Mailand, Johannesburg, Köln, Genf, New York, Paris und Osaka aus. 2003 wurde ihm eine große Retrospektive im MACBA in Barcelona gewidmet, die später im Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Frankreich), in der Konsthalle in Malmö (Schweden) und in der Galleria Comunale d'Arte Moderna in Bologna (Italien) gezeigt wurde. Hernández Pijuan war Dekan der Fakultät der Schönen Künste an der Universität von Barcelona und wurde im Jahr 2000 zum Mitglied der Königlichen Akademie San Fernando in Madrid ernannt. 1981 erhielt er den Nationalen Preis für plastische Kunst, 1985 das Kreuz von Sant Jordi und 2004 den Preis der Stadt Barcelona. Außerdem erhielt er den Preis der Generaldirektion der Schönen Künste auf der Nationalen Ausstellung von Alicante (1957), den Ersten Preis für Malerei "Peintres Residents" in Paris (1958), den Preis "Malibor" auf der Biennale der Gravur in Ljubljana (1965), die Internationale Biennale der Gravur in Krakau (1966) und den Preis der Redaktion "Vijesnik u Srijedu" in Zagreb (1970). Hernández Pijuan ist im MACBA, dem Spanischen Museum für Abstrakte Kunst in Cuenca, dem Museum Reina Sofía in Madrid, dem Museum Patio Herreriano in Valladolid und dem Baskischen Museum für Zeitgenössische Kunst sowie in ausländischen Zentren wie dem Guggenheim Museum in New York, dem Liaunig (Österreich), die Museen für zeitgenössische Kunst in Helsinki und Luxemburg, die Kulturstiftung in Bad Homburg (Österreich), die Yamaguchi-Galerie in Osaka (Japan), der Palast der schönen Künste in Brüssel, die Nationalgalerie in Montreal, das Museum für moderne Kunst in Buenos Aires und das Sztuki-Museum in Lodz (Polen).

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Mo 13 Mai

PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "La danse du Berger. 1959. Lithographie auf Papier. Arbeit referenziert in: Christoph Czwiklitzer: "Pablo Picasso. Plakate 1923-1973", Deutscher Taschenbuch Verlag, München 1981, Nr. 368. Signiert und datiert auf der Platte im oberen linken Bereich. Maße: 59 x 41 cm; 66 x 48 cm (Rahmen). Als Schöpfer des Kubismus zusammen mit Braque stellt die Malerei Picassos einen Wendepunkt in der Kunstgeschichte dar. Er begann sein Studium 1895 an der Provinzialschule der Schönen Künste in Barcelona, und schon zwei Jahre später hatte er seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Nach mehreren kurzen Aufenthalten in Paris ließ sich Picasso 1904 dauerhaft in der französischen Hauptstadt nieder. Nach seiner blauen und rosafarbenen Periode, die er in den ersten Jahren des Jahrhunderts entwickelte, begann der Maler 1906 während eines Aufenthalts in Lérida mit seinen geometrischen Experimenten. Ein Jahr später begann er, "Las señoritas de la calle Avinyó" zu malen, und 1909 kam er in Kontakt mit Braque und begann seine kubistische Periode. Im zweiten Jahrzehnt entwickelte er seine klassische Periode und schuf seine berühmten Bühnenbilder für die russischen Ballette von Diaghilev. 1936 wird er von der Regierung der Spanischen Republik zum Direktor des Prado-Museums ernannt, und ein Jahr später malt er "Guernica". Die endgültige internationale Anerkennung erhält er 1939 durch die Retrospektive, die ihm das MOMA in New York widmet. In den folgenden Jahrzehnten werden ihm in Rom, Mailand, Paris, Köln, New York und vielen anderen Städten Sammelausstellungen gewidmet. Er ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, wie dem Metropolitan, dem MOMA und dem Guggenheim in New York, der Eremitage in St. Petersburg, der National Gallery in London oder der Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Mo 13 Mai

EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Vizcaya, 1938 - Madrid, 2003). "Los amates", 1992. Mischtechnik, Gouache, Acryl und Pastell auf Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 130 x 122 cm; 133 x 125 cm (Rahmen). Eduardo Úrculo, Maler und Bildhauer und einer der besten Vertreter der Pop Art in Spanien, begann als Kind ohne künstlerische Ausbildung zu malen und veröffentlichte 1957 seine ersten Bilder in der Zeitung "La Nueva España" aus Oviedo. Kurze Zeit später zog er nach Madrid und begann, am Círculo de Bellas Artes zu studieren. In diesen Jahren verdiente er seinen Lebensunterhalt als Illustrator und Bühnenbildner und pflegte eine vom sozialen Expressionismus geprägte Malerei. Im Jahr 1959 ging er nach Paris, wo er seine Ausbildung an der Académie de la Grande Chaumière fortsetzte. In der französischen Hauptstadt arbeitet er als Grafikdesigner und lernt Eduardo Westerdahl kennen, unter dessen Einfluss sich seine Malerei in Richtung Abstraktion entwickelt. Vier Jahre später kehrte er jedoch zur Figuration und Sozialkritik zurück. 1967 unternahm er eine Reise nach Nordeuropa, wo er erstmals mit der amerikanischen Popmusik in Berührung kam. Von da an ist das Werk von Úrculo von einem Realismus geprägt, der auf einer sehr lebendigen Farbgebung basiert, und bis in die siebziger Jahre hinein von erotischen, satirischen und kritischen Themen. In den achtziger Jahren lebte er in New York, wo er wichtige Projekte verwirklichte. Im Jahr 1992 kehrte er nach Paris zurück. In dieser letzten Periode fügte er seinem Repertoire das Thema des Reisenden hinzu, der mit der großen modernen Stadt konfrontiert wird, eine ironische Variante der Figur des von der Landschaft überwältigten Romantikers. Diese formale Entwicklung wurde in zahlreichen Einzelausstellungen seit 1959 in der ganzen Welt sowie in Sammelbänden (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, und Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000) deutlich. Úrculo ist derzeit in zahlreichen Museen und Sammlungen für moderne Kunst vertreten, darunter das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, die Galleria Nazionale d'Arte Moderno in Rom, die Biblioteca Nacional de Madrid, das Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, die Sammlungen AENA, Testimoni und Fundesco, das Museo del Dibujo Castillo de Larrés, das Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés und andere.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Mo 13 Mai

ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Zeichen", 1986. Mischtechnik (Tinte und Acryl) und Collage auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Provenienz: CRG Gallery, New York. Maße: 70 x 59 cm; 87 x 75 cm (Rahmen). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der spanischen Gegenwartskunst. Ausgebildet an der Escuela de Bellas Artes de San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. Im Jahr 1936 nahm er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führte, dass er nach Kriegsende nach Frankreich ins Exil ging. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Mo 13 Mai

JORDI TEIXIDOR (Valencia, 1941). Ohne Titel, 1978. Öl, Gouache und Bleistift auf Papier. Signiert mit Bleistift im unteren mittleren Bereich. Maße: 63 x 49,5 cm; 71 x 56,5 x cm (Rahmen). Dieses Werk entstand nur ein Jahr vor Teixidors Umzug nach New York (1979-1982), obwohl er bereits 1973 in die amerikanische Stadt gereist war, die einen direkten Einfluss auf die Entwicklung seines Werks hatte. Der Einfluss von Autoren wie Rothko, Reinhardt und Barnett Newman beeinflusste Teixidors Vorliebe für eine formale Reinigung des Stils, die in diesem Gemälde sichtbar wird, in dem auch Anklänge an die Malerei von Agnes Martin zu erkennen sind. Jordi Teixidor wurde zwischen 1959 und 1964 an der Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia ausgebildet. Neben anderen Auszeichnungen wurde er zum Akademiker der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid gewählt und erhielt 2014 den Nationalen Preis für Bildende Kunst. Als einer der renommiertesten abstrakten spanischen Künstler hat Teixidor einzeln und gemeinsam in Europa und Amerika ausgestellt, vor allem in Barcelona, Valencia, Madrid, Granada, Sevilla, San Sebastian, Vallauris in Frankreich, Düsseldorf, San Francisco, Mexiko-Stadt, New York, Santiago de Chile usw., aber auch in anderen Städten wie Moskau. Im Jahr 1997 widmeten ihm das Santa Monica Center und das Guggenheim Museum in New York eine bedeutende Retrospektive. Derzeit befinden sich seine Werke in zahlreichen Privatsammlungen auf der ganzen Welt sowie in wichtigen Institutionen (Guggenheim Museum in New York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in derselben Stadt, Museo Patio Herreriano in Valladolid, Coca-Cola Foundation, Chase Manhattan Bank in New York, Fundación Juan March in Madrid, San Francisco Museum of Modern Art in Kalifornien, Museo Salvador Allende in Santiago de Chile und das Berkeley Art Museum der University of California in den Vereinigten Staaten, um nur einige zu nennen).

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Mo 13 Mai

JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Vogels", 1970, Berlin-Zeit. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert im unteren linken Bereich. Mit Etikett auf der Rückseite der Levy Gallery. Maße: 150 x 150 cm. Es ist ein Gemälde der Levy Galerie. Es ist eines der interessantesten Werke von Jorge Castillo, da es während des Übergangs von Berlin nach New York entstand und sein erstes Werk ist, in dem die New Yorker Wolkenkratzer auftauchen, die er später in seinen Werken reproduzieren sollte. Es ist eines der interessantesten Werke von Jorge Castillo, da es in der Zeit des Übergangs von Berlin nach New York entstand. Seit seiner Kindheit zeichnet Jorge Castillo leidenschaftlich gern. Im Alter von zehn Jahren fertigte er seine erste Kopie von Rubens mit Buntstiften an. Laut Castillo lehrte ihn die Malerei von Rubens, den Kubismus von Braque und Picasso zu verstehen. Im Jahr der Geburt des Malers wanderte seine Familie nach Buenos Aires aus, aber 1955 kehrte er nach Europa zurück. Er versuchte, nach Paris zu gehen, aber aufgrund fehlender finanzieller Mittel ließ er sich in Spanien nieder. Über Vigo ließ er sich 1955 in Madrid nieder, wo er bald mit dem Kunstkritiker José María Moreno Galván in Kontakt kam, der sein Werk bewunderte und ihn in die Madrider Künstlerkreise einführte. Im Jahr 1958 begann er, seine Zeichnungen in der Galerie Biosca zu verkaufen, und der Maler Antonio Saura selbst kaufte einige von ihnen. Im darauffolgenden Jahr stellte er seine Arbeiten auf Papier und Aquarelle in der Galerie Altamira in Madrid aus. Nach und nach entschied er sich für die Technik der Gravur, die schließlich zu seinem Hauptausdrucksmittel wurde, auch wenn er sie mit der Malerei abwechselte. Im Jahr 1960 wurde er für die Biennale von São Paulo in Brasilien ausgewählt. Von da an stellte er seine Werke international aus, in Galerien und Museen in New York, San Francisco, Tokio, Paris, Lissabon, Turin, Hannover, Düsseldorf und Genf. Er nahm 1964 und 1976 an der Biennale von Venedig teil und hatte 1970 eine Einzelausstellung in der Nationalgalerie in Berlin, die erste große Museumsausstellung, die einem bestimmten Abschnitt seiner Karriere gewidmet war. Er gewann Preise wie den Internationalen Preis für Zeichnung (1964) und Malerei (1975) in Darmstadt, den Ciudad de Pontevedra (1994) und den Cultura Viva de las Artes Plásticas (2006). Derzeit lebt und arbeitet er in Soho, New York. Werke von Jorge Castillo sind u. a. im Museum der Schönen Künste in Lausanne, in der Juan March Foundation, in den Nationalgalerien von Edinburgh und Berlin, in den Museen für Moderne Kunst in San Francisco und Vitoria, in der Kunsthalle in Bremen, in der Albertina in Wien, in der Spanischen Nationalbibliothek und im Guggenheim in New York zu sehen.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Mo 13 Mai

JOSEP MARIA RIERA I ARAGÓ (Barcelona, 1954). Ohne Titel, 1998. Gemischte Medien auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 122 x 67 cm; 135 x 89,5 cm (Rahmen). Der Maler und Bildhauer Josep Riera i Aragó wurde an der Hochschule der Schönen Künste in Barcelona ausgebildet. Sein Einzeldebüt gab er 1981 in der Galerie Artema in Barcelona. Zwei Jahre später nahm er am Salón de Otoño in derselben Stadt teil. Seitdem hat er seine Werke in der ganzen Welt ausgestellt, in herausragenden Galerien in Spanien, Mexiko, den Niederlanden, Israel, Deutschland, Belgien, Frankreich, Luxemburg, der Schweiz, Kolumbien und den Vereinigten Staaten. Seine Einzelausstellungen fanden u. a. im Museum von Ceret (Frankreich, 1989), in der Nationalbibliothek von Paris (1993), im Museum für moderne Kunst in Oostende (Belgien, 1997), in der Joan Prats Gallery in New York (1998), in der Tassende Gallery in Los Angeles (2003) und im Museum von Aalst in Belgien (2006) statt. Seit 1983 entwickelt Riera i Aragó seinen plastischen Diskurs rund um den Maschinismus, mit einer symbolischen Sprache, die von seinem Interesse am Luft- und Seeverkehr geprägt ist, den er dekontextualisiert und von seiner ursprünglichen Funktion getrennt betrachtet. Gleichzeitig hat sich seine plastische Sprache durch die Vertiefung des Dialogs Linie/Flugzeug und leer/voll bereichert. Jede von ihm geschaffene "Maschine", die sich niemals wiederholt, evoziert ohne Pathos oder Herablassung eine klare und umfassende Vision der Menschheit. Mit einem visuellen Vokabular, das sich auf einfache Formen beschränkt, die an Zeppeline, U-Boote oder Flugzeuge erinnern, entwickelt Riera i Aragó eine fruchtbare, bedeutungsgeladene Ikonografie, die mit einer klaren Ironie von der absurden Rücksichtslosigkeit der menschlichen Schöpfungen und der poetischen Gerechtigkeit spricht, die entsteht, wenn sich diese Schöpfungen gegen ihn wenden. Sein Werk ist als eine globale Geschichte zu verstehen, die mit so unterschiedlichen Sprachen wie Astronomie, Botanik, Mathematik oder Mystik in Verbindung steht und dem Betrachter die Möglichkeit bietet, in ein besonderes Universum von großer Lyrik einzutreten, in dem Realität und Fiktion keine entgegengesetzten Kategorien mehr sind. Riera i Aragó ist derzeit unter anderem im Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona, in den Stiftungen Joan Miró, La Caixa und Vicent Van Gogh, im Museum für moderne Kunst in Luxemburg, im Rufino Tamayo Museum in Mexiko, im Ceret- und Reattu-Museum in Arles, Frankreich, im Otani-Museum in Japan und im Museum Heilbronn in Deutschland vertreten.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Mo 13 Mai

JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, ca. 1980er Jahre. Mischtechnik (Malerei und Collage) auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 226 x 116 cm; 236 x 126 cm (Rahmen). Dieses Gemälde stammt wahrscheinlich aus den achtziger Jahren, einer besonders experimentellen Periode im Schaffen von Guinovart. Die Verwendung von Collagen und poetischer Abstraktion ist charakteristisch für diese Zeit, ebenso wie die Vorliebe für Siena-, Braun- und Brauntöne. Es enthält subtile synthetische Striche, die eine Hommage an die postkubistischen Kreaturen Picassos zu sein scheinen, und gleichzeitig verweist die Komposition (die den oberen Teil leer lässt) indirekt auf Goyas begrabenen Hund. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Er erwarb sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons von October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 bildete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Guinovart ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, das Museo Eusebio Sempere in Alicante, das Museo de Navarra in Tafalla, die Casa de las Américas in Havanna, das Bocchum Museum in Deutschland, das Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und das Museo Patio Herreriano in Valladolid.

Schätzw. 5 500 - 6 500 EUR

Mo 13 Mai

LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). Ohne Titel. Aquarell und Öl auf Papier. Signiert und gestempelt. Maße: 40 x 50 cm; 58 x 68 cm (Rahmen). Der in Madrid geborene und ausgebildete Künstler gehörte zu den Gründungsmitgliedern der Gruppe El Paso. Im Jahr 1954 hatte er seine erste Einzelausstellung mit nicht-figurativen Werken in der Galerie Buchholz in Madrid. Von diesem Zeitpunkt an stellte Feito regelmäßig in den wichtigsten Städten der Welt aus, wie Paris, Mailand, New York, Helsinki, Tokio und Rom. 1954 wurde er zum Professor an der Hochschule für Bildende Künste in San Fernando ernannt. Zwei Jahre später verließ er den Lehrstuhl und ging mit einem Stipendium nach Paris, um die aktuellen Avantgarde-Bewegungen zu studieren. In dieser Zeit wurde er vom Automatismus und der Materiemalerei beeinflusst. 1962 wurde er Gründungsmitglied der Gruppe El Paso, zu der er während seiner Jahre in Paris den Kontakt verloren hatte. Seine ersten Werke sind der figurativen Malerei zuzuordnen, um dann eine Phase zu durchlaufen, in der er mit dem Kubismus experimentiert, um schließlich ganz in die Abstraktion einzutreten. Zu Beginn verwendet er nur schwarze, ockerfarbene und weiße Farben, aber als er das Potenzial des Lichts entdeckt, beginnt er, lebhaftere Farben und glatte Flächen zu verwenden. Er entwickelte sich dazu, Rot als Kontrapunkt in seinen Kompositionen zu verwenden (seit 1962) und im Allgemeinen intensivere Farben. In seiner abstrakten Phase, die die 1970er Jahre umfasst, zeigt Feito eine deutliche Tendenz zur Vereinfachung, wobei der Kreis als geometrische Form in seinen Kompositionen vorherrscht. Möglicherweise zeigt sich der Einfluss der japanischen Kunst in seiner Vorliebe für große schwarze Flächen. Die meisten seiner Werke sind unbetitelt, so dass man sie in der Regel an einer ihnen zugewiesenen Nummer erkennt. Zu seinen Auszeichnungen gehört die Ernennung zum Offizier des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums im Jahr 1985. Im Jahr 1998 erhielt er die Goldmedaille der Schönen Künste in Madrid und wurde zum Vollmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando ernannt. Im Jahr 2000 erhielt er den Preis des Spanischen Verbandes der Kunstkritiker auf dem Salon Estampa, 2002 den Großen Preis der AECA für den besten internationalen Künstler auf der ARCO, 2003 den Preis für den bedeutendsten Künstler auf der Kunstmesse in Osaka (Japan), 2004 den Preis für die Kultur der plastischen Künste der Gemeinde Madrid, 2005 den Preis Francisco Tomás Prieto der Fábrica Nacional de Moneda y Timbre und 2008 den Preis der Stiftung Jorge Alió und den Großen Preis für zeitgenössische spanische Kunst CESMAI. Luis Feito ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter die Galerie für Moderne Kunst in Rom, das Guggenheim, das MoMA und die Chase Manhattan Bank in New York, die Museen für Moderne Kunst in Tokio, Paris, Rio de Janeiro und Montreal, das Lissone in Italien, usw.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Mo 13 Mai

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). Ohne Titel, 1977. Tinte auf Papier. Signiert, datiert und gewidmet "für meinen Freund Martí". Maße: 29,5 x 19 cm; 40 x 30 cm (Rahmen). Auf dieser Originalzeichnung von Dalí aus dem Jahr 1977 ist der Heilige Georg zu Pferd und mit einer Waffe bewaffnet zu sehen. Dalí erfand die Ikonographie dieses Heiligen neu, indem er ihn in Landschaften des Empordà oder in Umgebungen platzierte, die sich auf mystische Wüsten beziehen, wie die, die diese Komposition inspiriert. Bei anderen Gelegenheiten interpretierte er das Thema des Heiligen Georg und des Drachens in der Sprache der Bildhauerei neu. Dalí war daran interessiert, die Dualität zwischen Leben und Tod, zwischen dem Vergänglichen und dem Ewigen, den dunklen Kräften der Nacht und denen des Tages, dem Schlaf und der Vernunft darzustellen. Aus diesem Grund wählte er emblematische Figuren wie den Heiligen Georg oder Don Quijote, denen er auch unzählige Zeichnungen widmete. Salvador Dalí war einer der größten Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, einer wesentlichen Verbindung des Realen mit dem Imaginären. In seinen frühen Jahren entdeckte Dalí die zeitgenössische Malerei bei einem Familienbesuch in Cadaqués, wo er die Familie von Ramon Pichot kennenlernte, einem Künstler, der regelmäßig nach Paris reiste. Auf Anraten von Pichot begann Dalí, bei Juan Núñez Malerei zu studieren. Im Jahr 1922 wohnte Dalí in der berühmten Residencia de Estudiantes in Madrid, um ein Studium der Schönen Künste an der Akademie San Fernando zu beginnen. Vor seiner Abschlussprüfung im Jahr 1926 wurde er jedoch von der Schule verwiesen, weil er behauptete, dass es dort niemanden gab, der ihn hätte prüfen können. Im selben Jahr reiste Dalí zum ersten Mal nach Paris. Dort lernte er Picasso kennen und legte einige formale Merkmale fest, die von da an für sein gesamtes Werk charakteristisch sein sollten. Während dieser Zeit stellte Dalí regelmäßig in Barcelona und Paris aus und schloss sich der surrealistischen Gruppe im Pariser Viertel Montparnasse an. Dank des Kunsthändlers Julian Levy landet der Maler 1934 in Amerika. Mit seiner ersten Einzelausstellung in New York wurde sein internationaler Ruf endgültig gefestigt, und seither stellt er seine Werke in der ganzen Welt aus und hält Vorträge. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von der Sammlung des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR
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