Alle Lose "Plakate" Erweiterte Suche

Filter zurücksetzen
988 Ergebnisse

Di 09 Jul

ANTONIO DE FELIPE (Valencia, 1965). "Die Beatles, 2011. Glasfaser, Acryl und Polyester. Signiert und datiert. Maße: 217 x 212 x 103 cm. Wie bei Antonio de Felipe üblich, rettet diese monumentale Skulptur Pop-Ikonen und stellt die legendäre Band aus Liverpool dar. Dieses Werk zeichnet sich durch seine Außergewöhnlichkeit aus, denn es handelt sich um ein ungewöhnliches Format in Antonio de Felipes Werk. Die Beatles in diesem Werk sind vom Cover des Albums "Yellow submarine" inspiriert, dessen animierte Alter Egos von dem Illustrator und Designer Heinz Edelmann (Tschechoslowakei, 1934 - Deutschland, 2009) geschaffen wurden. Obwohl Felipe von diesen Zeichnungen ausgeht, fügt er Elemente wie die Banane ein, die Paul in der Hand trägt, oder George Harrison, dessen Kostüm stark variiert und so den Körper eines der berühmten "Drei Musiker von Picasso" annimmt, die sich derzeit in der Sammlung des MoMa befinden. Im Museum Boca del Calvari in Benidorm wurde die Ausstellung "Antonio de Felipe.25 Jahre spanische Pop Art" gezeigt, in der ein monumentales Werk der Beatles zu sehen war. Antonio de Felipe, der an der Universität San Carlos Valencia Kunst studiert hat, begann seine Karriere als Kreativer in einer Werbeagentur, eine Tatsache, die zweifelsohne seinen zukünftigen Malstil prägen wird. Er gilt als Pop-Künstler - oder genauer gesagt, als Teil der Bewegung "Les noveaux Pop", zusammen mit anderen internationalen Künstlern, die mit der Pop-Welt verbunden sind - im weitesten Sinne des Wortes, wobei er sein umfangreiches Werk in verschiedenen Serien (Logotypes, Cows, Cinemaspop, Popsport, u.a.) entwickelt und dabei immer eine völlig plastische und visuelle Ästhetik beibehält, die klar ist und sich an die allgemeine Gesellschaft richtet. Grundlegend ist die Farbe, grell und provokativ, sowie die Thematik, sehr einfach und direkt. Seine kreativen Fähigkeiten haben ihn dazu gebracht, mit Pedro Almodóvar in dem Film "Carne Trémula" zusammenzuarbeiten, aber auch Werbeträger für Telemadrid oder Geschirr für die Firma Santa Clara zu entwerfen. Er hat an Plakaten, Plattencovern und wichtigen Publikationen wie ByN Dominical (ABC-Sonntagsmagazin), El País, El Magazine del diario El Mundo, Marie Claire, ELLE, Qué leer und Rolling Stone Magazine mitgearbeitet, um nur einige zu nennen. In seiner mehr als zwanzigjährigen, intensiven beruflichen Laufbahn hat er mehr als neunzig Einzelausstellungen in Spanien und im Ausland sowie ebenso viele Gruppenausstellungen bestritten. Gegenwärtig ist er im Reina Sofía Museum, im IVAM, in der Sidney Besthoff Foundation in New Orleans, in den Sammlungen Testimoni von La Caixa, Carmen Thyssen-Bornemisza und Kneip in Luxemburg sowie in der Montblanc Cultural Foundation vertreten, neben anderen öffentlichen und privaten Sammlungen in Spanien und im Ausland. Zu dieser nationalen und internationalen Präsenz kommt die Teilnahme an Messen wie ARCO, ART COLOGNE, ART PARIS, ART BRUSSELS, ST-ART Strasbourg oder KIAF (Korea International Art Fair) hinzu, die als Referenzrahmen für die neuesten künstlerischen Trends dienen.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Di 09 Jul

JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, 2005. Gemischte Medien (Öl und Assemblage) auf Leinwand. Signiert und datiert. Maße: 154,5 x 120 x 5 cm. Die Verwendung von Assemblagen in Verbindung mit Experimenten und lyrischer Abstraktion gewinnt in Guinovarts Gemälden der letzten Schaffensperiode an Bedeutung. Er kehrt zu seinen informellen Anfängen zurück, bereichert sie aber, indem er die Auswirkungen verschiedener Verfahren auf unorthodoxen Trägern untersucht. Die starken Kontraste zwischen Schwarz, Rot und Weiß, die sich wie entfesselte Wellen kräuseln, erinnern an Stürme und andere Phänomene, in denen sich die Natur in ihrer ganzen Heftigkeit zeigt. Guinovart abstrahiert von der Naturbeobachtung und der Reflexion über die physikalischen Eigenschaften der Malerei eine einzigartige Bildsprache. Josep Guinovart erhielt seine Ausbildung an der Schule für Meistermaler, an der Kunstgewerbeschule und in den Klassen der FAD. Seine erste Einzelausstellung fand 1948 in den Galerien Syra in Barcelona statt. Bald erwarb er sich ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die neben Miró und Gaudí zu seinen wichtigsten Einflüssen zählen sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Er ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, im Museo Eusebio Sempere in Alicante, im Museo de Navarra in Tafalla, in der Casa de las Américas in Havanna, im Bocchum-Museum in Deutschland, im Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und im Museo Patio Herreriano in Valladolid vertreten.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Di 09 Jul

WIACHESLAW PLOTNIKOW (Russland, 1962). "Träume. Öl auf Leinwand. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Auf der Rückseite ist ein Poster der 3. Ausgabe von Monaco Fine Arts (2006), in dem dieses Gemälde reproduziert wird. Maße: 140 x 140 cm; 164 x 164 cm (Rahmen). Eine Reihe von Ansichten von Monte Carlo und seinem Casino, die in Grisaille gearbeitet sind (in einer Reihe von Sepias, die die Reproduktion alter Fotografien simulieren), umgeben ein zentrales Porträt in lebhaften Farben von einer Frau, die einen überschwänglichen Hut trägt. Mit ungewöhnlicher Virtuosität simuliert der Maler (ausschließlich in Öltechnik) das Nebeneinander von verschiedenen Blättern, als ob es sich um Postkarten oder Fotografien aus den 1920er Jahren handeln würde. Das Porträt zeigt eine junge Frau, deren Schultern von einer prächtigen weißen, mit Federn besetzten Stola bedeckt sind. Ihre Hände sind in lange kastanienbraune Lederhandschuhe gehüllt. Ihre langen Finger fummeln an den Perlen der Halskette, mit der anderen Hand streichelt sie die bunten Federn der Pamela. Das Gesicht der Dame strahlt Eleganz aus: fein umrissene karminrote Lippen, schmachtender honigfarbener Blick, rosige Wangenknochen. Wjatscheslaw Plotnikows plastisches Geschick zeigt sich in jeder der städtischen und küstennahen Ecken sowie in dem rätselhaften Porträt. Die dargestellte Frau verkörpert die Kultiviertheit der glamourösen Stadt Monte Carlo in den 1920er Jahren, die auf einer der Ölfotografien des Casinos zu sehen ist. Wjatscheslaw Plotnikow ist ein in Monaco ansässiger Maler, der mit Preisen und Ausstellungen reichlich ausgezeichnet wurde. Er ist in Sammlungen in Monaco und Frankreich vertreten. Er ist Mitglied des monegassischen Nationalkomitees von L'A.I.A.P., U.N.E.S.C.O. Sous le haut patronage de S.A.S. le Prince Souverain Albert II. Er wurde an der Akademie der Schönen Künste in Rom (1994-1995) und an der Kunstakademie Shtutgardt in Deutschland (1993) ausgebildet. Zuvor am Moskauer Staatlichen Kunstinstitut "Surikov" (Schüler von Professor Ilia Glasunov, Spezialgebiet "Portrait", 1987-1993). Ausgewählte Ausstellungen: 2017 ,Dezember 4-6 - Miami River Art Fair, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2017,Dezember Monaco Auktion, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2017,Januar Monaco Auktion, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2016,Dezember- Miami River Art Fair 2016, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA. 2016,Juni- Monte-Carlo Hotel des Ventes Auktion, Monaco 2015,Dezember- Miami River Art Fair 2015, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2015,Juni- Monaco Auktion, Accademia Fine Art Gallery, Hotel Metropole, Monte-Carlo, Monaco. 2015- Ausstellung in der Alexander Art Group International Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2015,Mai- Auktion "AmberLoungeFashion", Hotel Meridien, Monte-Carlo, Monaco 2014,Dezember- BDN2014 Christmas Ball Auction, Monte-Carlo, Monaco 2014,Dezember 13- Auktion Hotel des Ventes de Monte-Carlo, Monaco 2014, Dezember 4-7- Miami River Art Fair 2014, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami ,USA 2014 ,2. August - Russische Auktion, MC FINE ARTS Gallery, Hotel de Monte-Carlo Bay, Monaco 2014 Ständige Ausstellung, Saint Paul de VenceGallery, Frankreich 2014- Russische Auktion, Hotel de Paris, MC Fine Arts Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2013, Dezember Auktion Hotel de Paris, Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco 2013, Oktober Auktion Hotel de Paris,Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Di 09 Jul

JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, 1995. Mischtechnik (Öl, Materie, Platte, Kichererbsen, Holzkohle, Wachs) auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 76 x 94 cm; 73 x 83 cm (Rahmen). In der Malerei von Guinovart hatte immer einen unauslöschlichen Eindruck Aspekte seiner Biographie mit den Härten des Bürgerkriegs verbunden. Die Weizenkörner und Kichererbsen, die er nicht nur in seiner informellen Periode, sondern auch in späteren Gemälden wie dem vorliegenden in seine Werke einbaut, sind eine Antwort auf die Erinnerung daran, was es bedeutete, mit seiner Familie in eine kleine Stadt in Lleida auszuwandern, um vor dem Krieg zu fliehen. Die Produkte und Utensilien des Landes werden als Symbole für Widerstandsfähigkeit und Hoffnung in einem ungünstigen Kontext behandelt. Gleichzeitig nimmt er durch das Experimentieren mit diesen außerkünstlerischen Elementen einen wichtigen Platz im Herzen des materiellen Informalismus ein. Josep Guinovart wurde an der Meisterschule für Maler, an der Schule für Kunst und Handwerk und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung fand 1948 in den Galerien Syra in Barcelona statt. Er erwarb sich sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Objekte (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielfältiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Er ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, im Museo Eusebio Sempere in Alicante, im Museo de Navarra in Tafalla, in der Casa de las Américas in Havanna, im Bocchum-Museum in Deutschland, im Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und im Museo Patio Herreriano in Valladolid vertreten.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Di 09 Jul

JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, 1997. Gemischte Medien auf Táblex. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 50 x 60 cm; 73 x 83 cm (Rahmen). In den neunziger Jahren, als Guinovart bereits eine fruchtbare Karriere hinter sich hatte, befreite sich seine Malerei mehr denn je von der Zugehörigkeit zu bestimmten avantgardistischen Bewegungen oder Stilen. In dem hier gezeigten Werk suggerieren die geschickt verteilten Flecken und Texturen ein menschliches Gesicht im Profil, das eher als Abwesenheit denn als Präsenz festgehalten wird: als ob seine spektrale Natur eine unaussprechliche Spur auf dem Material hinterlassen hätte. Letzteres wird wie ein zeichenhaftes Palimpsest behandelt. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Er erwarb sich sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Um 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz, sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Objekte (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Er ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, im Museo Eusebio Sempere in Alicante, im Museo de Navarra in Tafalla, in der Casa de las Américas in Havanna, im Bocchum-Museum in Deutschland, im Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und im Museo Patio Herreriano in Valladolid vertreten.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Di 09 Jul

EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Vizcaya, 1938 - Madrid, 2003). "Umarmung", 1997. Siebdruck auf Papier, Exemplar 74/75. Von Hand signiert, datiert und gerechtfertigt. Maße: 76 x 57 cm; 94 x 75 cm (Rahmen). Seiner besonderen Ästhetik folgend, komponiert Úrculo seine Werke aus rätselhaften Objekten und unbestimmten, anonymen Figuren, die, entfernt inspiriert von Modeillustrationen und Art-déco-Plakaten, ein ganzes Spektrum der zeitgenössischen populären Vorstellungswelt evozieren. Der Maler und Bildhauer Eduardo Úrculo, einer der besten Vertreter der Pop Art in Spanien, begann schon als Kind ohne künstlerische Ausbildung zu malen und veröffentlichte 1957 seine ersten illustrierten Strips in der Zeitung "La Nueva España" aus Oviedo. Kurze Zeit später zog er nach Madrid und begann, am Círculo de Bellas Artes zu studieren. In diesen Jahren verdiente er seinen Lebensunterhalt als Illustrator und Bühnenbildner und pflegte eine vom sozialen Expressionismus geprägte Malerei. Im Jahr 1959 ging er nach Paris, wo er seine Ausbildung an der Académie de la Grande Chaumière fortsetzte. In der französischen Hauptstadt arbeitet er als Grafikdesigner und lernt Eduardo Westerdahl kennen, unter dessen Einfluss sich seine Malerei in Richtung Abstraktion entwickelt. Vier Jahre später kehrte er jedoch zur Figuration und Sozialkritik zurück. 1967 unternahm er eine Reise nach Nordeuropa, wo er erstmals mit der amerikanischen Popmusik in Berührung kam. Von da an ist das Werk von Úrculo von einem Realismus geprägt, der auf einer sehr lebhaften Farbgebung basiert, und bis weit in die siebziger Jahre hinein von erotischen, satirischen und kritischen Themen. In den achtziger Jahren lebte er in New York, wo er wichtige Projekte verwirklichte. Im Jahr 1992 kehrte er nach Paris zurück. In dieser letzten Periode fügte er seinem Repertoire das Thema des Reisenden hinzu, der mit der großen modernen Stadt konfrontiert wird, eine ironische Variante der Figur des von der Landschaft überwältigten Romantikers. Diese formale Entwicklung wurde in den zahlreichen Einzelausstellungen, die er seit 1959 in der ganzen Welt veranstaltete, sowie in Sammelbänden (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, und Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000) deutlich. Úrculo ist derzeit in zahlreichen Museen und Sammlungen für moderne Kunst vertreten, darunter das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, die Galleria Nazionale d'Arte Moderno in Rom, die Biblioteca Nacional de Madrid, das Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, die Sammlungen AENA, Testimoni und Fundesco, das Museo del Dibujo Castillo de Larrés, das Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés und andere.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Di 09 Jul

ALEX KATZ (Brooklyn, New York, 24. Juli 1927). "Vincent", 1972. Lithographie auf Papier. Exemplar 50/120. Beiliegendes Zertifikat der Composition Gallery, Georgia. Signiert in der linken unteren Ecke. Maße: 38,1 x 53,3 cm; 73,5 x 82,5 cm (Rahmen). In diesem Werk ist das Porträt des Sohnes des Künstlers zu sehen, der bei zahlreichen Gelegenheiten von seinem Vater porträtiert wurde. In der Ausstellung, die das Guggenheim Museum Alex Katz gewidmet hat, sagte sein Sohn, der heute Kunstkritiker ist: "Es ist interessant, ein Kind zu sein und porträtiert zu werden, weil man denkt, dass man etwas tun muss, wie: 'Wie lange muss ich dafür posieren?' Und er malt sehr schnell. Es ist also überhaupt ein schmerzloser Prozess." Alex Katz wurde in eine jüdische Familie in Brooklyn hineingeboren, 1928 zog er mit seiner Familie nach Queens, wo. Von 1946 bis 1949 studierte Katz an der Cooper Union in New York und von 1949 bis 1950 an der Skowhegan School of Painting and Sculpture in Maine. Eine Ausbildung, die sich als entscheidend für seine Entwicklung als Maler erwies und bis heute ein Grundpfeiler seiner Praxis ist. Katz erklärt, dass das Malen im Freien in Skowhegan ihm einen Grund gab, sein Leben der Malerei zu widmen. Katz' Gemälde lassen sich fast zu gleichen Teilen in die Genres Porträt und Landschaft einteilen. Seit den 1960er Jahren malt er Ansichten von New York (insbesondere seiner unmittelbaren Umgebung in Soho), die Landschaften von Maine, wo er jedes Jahr mehrere Monate verbringt, sowie Porträts von Familienmitgliedern, Künstlern, Schriftstellern und führenden Persönlichkeiten der New Yorker Gesellschaft. Seine Gemälde zeichnen sich durch ihre Flächigkeit in Farbe und Form, ihre Sparsamkeit in der Linienführung und ihre erfrischende, aber dennoch aufrüttelnde emotionale Distanziertheit aus. Eine wichtige Inspirationsquelle sind die Farbholzschnitte des japanischen Künstlers Kitagawa Utamaro. Anfang der 1960er Jahre begann Katz, beeinflusst von Film, Fernsehen und Werbeplakaten, großformatige Gemälde zu malen, oft mit dramatisch geschnittenen Gesichtern. Die meisten seiner Werke stellen Nahaufnahmen dar, die Vorder- und Rückansichten des Kopfes derselben Figur oder Figuren zeigen, die sich von gegenüberliegenden Rändern des Bildträgers aus betrachten. Seit 1951 war Alex Katz' Werk Gegenstand von mehr als 200 Einzelausstellungen und fast 500 Gruppenausstellungen in den Vereinigten Staaten und international. Seine erste Einzelausstellung war eine Gemäldeausstellung in der Roko Gallery in New York im Jahr 1954. Im Jahr 1974 zeigte das Whitney Museum of American Art Alex Katz Prints, gefolgt von einer Retrospektive mit Gemälden und Cut-Outs unter dem Titel Alex Katz im Jahr 1986. Katz hatte zahlreiche Retrospektiven in Museen wie dem Whitney Museum of American Art, New York, dem Brooklyn Museum, New York, dem Jewish Museum, New York, dem Irish Museum of Modern Art, Dublin, dem Colby College Museum of Art, Maine, der Staalichen Kunsthalle, Baden-Baden, der Fondazione Bevilacqua La Masa, Venedig, dem Centro de Arte Contemporaneo de Malaga und der Saatchi Gallery, London (1998). Katz' Werke befinden sich in den Sammlungen von mehr als 100 öffentlichen Einrichtungen weltweit, darunter das Honolulu Museum of Art, das Museum of Modern Art, New York, das Metropolitan Museum of Art, New York; das Whitney Museum of American Art, NY; die Smithsonian Institution, Washington, D .C .Carnegie Museum of Art, das Art Institute of Chicago, das Cleveland Museum of Art, die Tate Gallery, London, das Centre Georges Pompidou, Paris, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, das Metropolitan Museum of Art, Tokio, die Nationalgalerie, Berlin, und das Brandhorst Museum, München, um nur einige zu nennen. Beigefügt ist ein Zertifikat der Composition Gallery, Georgien.

Schätzw. 1 200 - 1 800 EUR

Di 09 Jul

MANOLO VALDÉS, (Valencia, 1942). "Die Frau von Elche". Glasierte Keramik mit Holzsockel. Maße: 22,50 x 18,50 x 21 cm, 26,50 x 18,50 x 21 cm (mit Sockel). Manolo Valdés wurde am 8. März 1942 in Valencia geboren. Im Jahr 1957 schrieb er sich an der Schule der Schönen Künste von San Carlos ein, wo er zwei Jahre verbrachte, bevor er sein Studium abbrach, um sich der Malerei zu widmen. Im Jahr 1964 gründete er zusammen mit Juan Antonio Toledo und Rafael Solbes die Künstlergruppe Equipo Crónica, in der er bis zum Tod von Solbes im Jahr 1981 blieb, obwohl Toledo die Gruppe zwei Jahre nach ihrer Gründung verließ. Nach dem Tod von Rafael Solbes arbeitete er einige Jahre lang allein in Valencia weiter, bis er 1989 nach New York ging, wo er sein Atelier einrichtete und weiter mit neuen Ausdrucksformen experimentierte. Er ist Mitglied der Marlborough Gallery und der Freites Gallery. Er richtete auch ein Atelier in Madrid ein, um große Skulpturen zu realisieren, wobei er abwechselnd in beiden Städten arbeitet. Beeinflusst von Velázquez, Rembrandt, Rubens und Matisse, schafft Manolo Valdés ein großformatiges Werk, in dem Licht und Farben durch die Behandlung der Materialien ein Gefühl der Taktilität ausdrücken. Sein Werk zwingt den Betrachter, sich in die Erinnerung zu vertiefen und nach bedeutenden Bildern aus der Kunstgeschichte zu suchen. Neben den Werken, die im Rahmen der Equipo Crónica ausgestellt wurden, hatte Valdés zwischen 1965 und 1981 mehr als 70 Einzel- und Gruppenausstellungen. Als Bildhauer ist er der Autor von La Dama del Manzanares (2003), einem 13 Meter hohen Werk im Parque Lineal del Manzanares (Madrid). Im Jahr 2005 schuf er die Skulpturengruppe Asturcones für die Stadt Oviedo. Valdés hat mehrere Auszeichnungen erhalten, unter denen besonders hervorzuheben sind: 1965 die Preise von Lissone und Biella in Mailand (Italien), 1979 die Silbermedaille der II. Internationalen Biennale der Gravuren in Tokio (Japan) und den Preis des Bridgestone-Kunstmuseums in Lis'79 in Lissabon (Portugal); 1983 den Nationalpreis für plastische Kunst; den Alfons-Roig-Preis in Valencia; den Nationalen Preis der Schönen Künste Spaniens; 1986 die Medaille der Biennale des Internationalen Festivals der Plastischen Künstler in Bagdad (Irak) und 1993 die Auszeichnung mit dem Orden Andres Bello in der Klasse des Ehrenbands in Venezuela. Im Jahr 2012 war er mit der Gestaltung des Plakats für die Stierkampfsaison in der Real Maestranza de Caballería in Sevilla beauftragt.

Schätzw. 2 400 - 2 600 EUR

Mi 10 Jul

JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). "Pelaires", 1989. Gemischte Medien auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 145 x 114 cm. In diesem Gemälde aus den achtziger Jahren bricht Guinovart visuell mit der Zweidimensionalität der Bildfläche und lässt Formen, Farben und Texturen aufeinanderprallen. Ohne die Grenzen der Abstraktion zu überschreiten, gewinnen die organischen Andeutungen an Relief zwischen den Rottönen und dem Hell-Dunkel von Schwarz und Weiß, eingebettet in großzügige Materie. Guinovart beschwört das materielle Chaos und unterwirft es gleichzeitig durch eine intuitiv orchestrierte Komposition. Der Autor gibt dem Betrachter ein Bild, das von Lyrik durchdrungen ist. Der materielle und gestische Impuls ist einer großen plastischen Kohärenz unterworfen. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Bald erwarb er sich ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die neben Miró und Gaudí zu seinen wichtigsten Einflüssen zählen sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Guinovart ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, das Museo Eusebio Sempere in Alicante, das Museo de Navarra in Tafalla, die Casa de las Américas in Havanna, das Bocchum Museum in Deutschland, das Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und das Museo Patio Herreriano in Valladolid.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Mi 10 Jul

JOAN JOSEP THARRATS VIDAL (Girona, 1918 - Barcelona, 2001). Ohne Titel, 1993 Gemischte Medien und Collage auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 50 x 35 cm; 81,5 x 66,5 cm (Rahmen). In diesem Gemälde mit Collage auf Papier, das Tharrats in den neunziger Jahren, gegen Ende seines Lebens, schuf, können wir die Konsolidierung einer Sprache mit informellen Wurzeln betrachten, die bei dieser Gelegenheit den symbolischen Kampf zwischen Energiefeldern inszeniert, die sich in Form von chaotischen Strichen mit kalligrafischen Anklängen und gestischen Impulsen materialisieren. Nachdem er seine Ausbildung in Béziers (Frankreich) begonnen hat, kehrt Tharrats 1935 nach Barcelona zurück und tritt in die Massana-Schule ein. Er beginnt seine künstlerische Tätigkeit nach dem Bürgerkrieg mit einem Stil, der sich von einem gewissen anfänglichen Impressionismus zu einer fortschreitenden Abstraktion unter dem Einfluss von Mondrian und Kandinsky entwickelt. Als Mitbegründer von Dau al Set zusammen mit Brossa, Ponç, Cuixart und Tàpies debütierte Tharrats 1949 in den Galerien El Jardín in Barcelona. Ab 1954 stellte er regelmäßig in der Sala Gaspar in Barcelona aus, sowie 1955 in Stockholm und New York, 1959 auf der Biennale von São Paulo und in Venedig auf den Biennalen von 1960 und 1964. Nach der Auflösung von Dau al Set beteiligte er sich 1955 an der Gründung der Gruppe Taüll zusammen mit Muxart, Guinovart und seinen ehemaligen Kollegen Cuixart und Tàpies. Elf Jahre später, 1966, war er auch Mitbegründer der Vereinigung zeitgenössischer Künstler. Als Pionier des katalanischen Avantgardismus der Nachkriegszeit entwickelte sich Tharrats von der surrealistisch geprägten linearen Abstraktion seiner Dau al Set-Periode zu einem reich strukturierten, farbenfrohen, frei geformten Informalismus. Neben der Staffeleimalerei entwickelte er seine eigene Version von Drucktechniken ("Maculaturas") und schuf außerdem Plakate, Buchillustrationen, Wandmalereien, Glasmalereien, Mosaike, Schmuck und Opernszenografien. 1983 wurde er mit dem Kreuz von Sant Jordi und 1994 mit dem Nationalpreis für plastische Künste ausgezeichnet. Im selben Jahr wurde er Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Jordi. Seine Werke befinden sich in verschiedenen Museen und Sammlungen auf der ganzen Welt, wie dem MoMA und dem Guggenheim in New York, der Tate Gallery in London, dem MACBA oder dem Reina Sofia Museum in Madrid.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR
Sicherheit
Online-Zahlungen werden durch Ingenico und verschlüsselte Transaktionen gesichert.
Garantien
Jedes Los wurde von einem Auktionshaus authentifiziert und bewertet.
Support
Sehen Sie sich unsere Hilfeseite an oder kontaktieren Sie uns.
Das legendäre Auktionshaus Drouot ist das größte Auktionshaus Frankreichs. Es steht allen offen und ist der ideale Ort für Kunst-und Dekorationsliebhaber. Die Online-Auktionsplattform drouot.com ermöglicht es Ihnen, von jedem Ort aus mitzubieten und auf den größten Katalog von Kunstobjekten in Europa zuzugreifen.
Die Drouot-Gruppe
Von Drouot zugelassene Auktionatoren
Kaufen
Auf Drouot.com
Im Hôtel Drouot
Versteigerungs-Lexikon
Nützliche Links
Verkaufen
Objektbewertung
Verkauf im Hôtel Drouot
Abonnieren
SERVICE FÜR BtoB-PARTNER
AUKTIONSHÄUSER
Kontakt
HÔTEL DROUOT
9, rue Drouot 75009 Paris, France
+33 (0)1 48 00 20 00
[email protected]

DROUOT.com
[email protected]
Pressebereich
Besuche & Privatisierungen
Nutzungsbedingungen und rechtliche Hinweise - Datenschutzerklärung - Copyright © Drouot.de