Gemälde

Die zeit, schnell! Auf auktionen für gemälde beherrschen alte gemälde ein weites feld, das sieben jahrhunderte umfasst, von griechisch-byzantinischen ikonen bis zu romantischen landschaften. Nach 1870 folgten die impressionistischen und modernen gemälde bis zum zweiten weltkrieg mit den impressionistischen und neoimpressionistischen schulen, gefolgt von den fauvisten, kubisten, surrealisten usw. Ab 1945 umfassten die nachkriegs- und zeitgenössischen gemälde die künstlerische produktion vom abstrakten expressionismus über den spatialismus und die pop-art bis hin zur arte povera. Die in den auktionen von gemälden angebotenen gemälde lassen die gesamte kunstgeschichte in atemberaubender weise revue passieren: religiöse gemälde, stillleben, vanitas, blumenbilder und genrebilder der holländischen und flämischen schulen, historische themen und mythologische szenen, historienbilder, landschaften des späten 18. Und frühen 19. Jahrhunderts... Die revolutionen in der malerei des späten 19. Jahrhunderts und das abenteuer der avantgarden des 20. Jahrhunderts spielen sich ebenfalls vor unseren augen auf den auktionen ab, bis hin zu den subversionen der aktuellen kunst.

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Empfohlene Lose

Jean-Léon GEROME (Vesoul, 1824 - Paris, 1904) Ein Wrack Gemälde auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke J. L. Gerome. 70,4 x 106,3 cm Ausstellung: Cercle de l'Union artistique, 5 rue Boissy-d'Anglas, Nr.?44 (gehört dem Autor), 1901. Bibliografie: Arsène Alexandre, Artikel in Le Figaro, Rubrik La Vie artistique, Montag, 4. Februar 1901: "?man kann die Marine mit einem Boot voller Schiffbrüchiger, die Herr Gérôme ausstellt, mit einer Landschaft vergleichen. Es besteht eine gewisse Analogie, was das Thema betrifft, aber ein Unterschied unter anderem in der Umsetzung auf Leinwand zu dem so bewegenden Meisterwerk von Delacroix im Museum des Louvre." Dieses unveröffentlichte Gemälde entging dem Catalogue raisonné des Künstlers von Gerald M. Ackerman, wahrscheinlich weil Gérôme es dem privaten und sehr ausgewählten Publikum des Cercle de l'Union artistique (1), wo er seit den 1860er Jahren regelmäßig Werke anbot, und nicht den offiziellen Salons, wo er während seiner gesamten Karriere mit eher akademischen Kompositionen ausstellte, enthüllte. Während man von unserem Künstler klassische und orientalistische Themen erwartet, zeigt er sich in der Lage, unerwartete Kompositionen zu erfinden, die weit entfernt von dem Ruf eines pompösen Künstlers sind, der ihm nachgesagt wird. Unser Bild fällt durch seine Radikalität auf und gehört zu der kleinen Gruppe von Werken, in denen Gérôme seine Komfortzone und seine üblichen Themen verlässt, wie z. B. das Aushängeschild für einen Optiker aus dem Jahr 1902 oder seine Wahrheit, die aus einem Brunnen kommt aus dem Jahr 1896: "Es gibt in der Tat bei Gérôme, obwohl er oft als reaktionärer Künstler wahrgenommen wird, eine paradoxe Modernität - die auf die Originalität seines Blicks und seine durch sein akademisches Handwerk zugleich gehobene und verdeckte Fähigkeit zurückzuführen ist -, Bilder zu schaffen, durch Künstlichkeit und Täuschung die Illusion des Wahren zu vermitteln" (in L. des Cars, D. de Font-Réaulx, E. Papet. Jean-Léon Gérôme (1824-1904). L'Histoire en spectacle, Katalog der Ausstellung, Paris, Musée d'Orsay, 2010, S. 18). Der vorherrschende blaugrüne Smaragdhintergrund findet sich in vielen seiner Gemälde wieder, zum Beispiel in den glasierten Kacheln an der Wand des Schlangenbeschwörers im Ster¬ling and Francine Clark Art Institute in Williamstown (1880) oder in den strahlenden Himmeln seiner Darstellungen von Raubtieren in der Wüste. Obwohl es anachronistisch wäre, diesen Maler als "modern" zu bezeichnen, wirken der Bildausschnitt mit dem hohen Meer und die Komposition, die streng durch die Horizontlinie geteilt wird, fast abstrakt. Er verstärkt diesen Effekt durch die in die Länge gezogenen Wolken oder die parallelen Linien der Wellen. Die Weite des öligen Meeres wird nur durch das kleine Boot in der unteren Ecke und seinen schräg gestellten Mast abgelenkt. Hier spielt sich das Drama ab, denn Gérôme vergisst nicht, ein Historienmaler zu sein. Gérôme wandelt die über ein Jahrhundert alte Tradition malerischer Schiffbrüche um, die von Joseph Vernets Stürmen über Géricaults Floß der Medusa von 1819 bis hin zu Delacroix' Barke des Dom Juan reicht, oder durch verwandte Themen wie Manets Flucht aus Rochefort (1880, Musée d'Orsay). Doch er platziert sein Esquif auf einer ruhigen, nicht wie bei früheren Künstlern aufgewühlten See und eliminiert damit jede Note der Hoffnung auf Rettung. Die Passagiere sind zusammengepfercht; tot oder sterbend, möglicherweise an Krankheiten leidend, werden sie auf einem Rettungsboot treiben gelassen (2). Kein Detail, kein Name auf ihrem Boot ermöglicht es, diese Unglücklichen oder ein bestimmtes historisches Ereignis zu identifizieren. Der Mensch, der isoliert vor dem Schauspiel der Natur steht, wie in der Romantik, gibt hier einer nihilistischen Vision des menschlichen Daseins nach, einem Bewusstsein seines winzigen Platzes im Universum, das mit zeitgenössischen Sorgen wie den Boat-People und dem Exil von Migranten in Resonanz steht (3). 1. Der begrenzte Raum des Cercle de l'Union artistique in der Rue Boissy-d'Anglas, der einer Elite von Bourgeois und großen Sammlern vorbehalten war, erlaubte es nicht, großformatige Historienbilder auszustellen, und bot stattdessen Skizzen oder eher dekorative Werke zum Verkauf an. 2. Man denke nur an die Ansammlung von Körpern in Ernest Meissoniers La Barricade (um 1850, Musée du Louvre). 3. Zu einem anderen Gemälde schrieb Pierre Sérié: "Dem Preci¬sionismus der Faktur entspricht das Fehlen eines Bildes. Das Drama erreicht ein Maximum an Intensität in der Abo¬li¬tion seiner Darstellung selbst ... dieses Spektakel ist die Leere" (Pierre Sérié, La Peinture d'histoire en France 1860-1900, 2014, S. 217).

Schätzw. 80.000 - 120.000 EUR

JAN BRUEGHEL DER ALTE (Brüssel, 1568 - Antwerpen, 1625) zugeschrieben. "Der alte Mann" und Werkstatt. "Allegorie des Sehsinns". Öl auf Kupfer. Maße: 58,5 x 90 cm; 85,5 x 116 cm (Rahmen). Eine nackte Venus betrachtet ihre eigene Schönheit in einem Spiegel, während zu ihren Füßen Amor sie beobachtet. Beide scheinen sich der Schönheit und des Reichtums des Interieurs, in dem sie sich befinden, nicht bewusst zu sein. Bronze- und Marmorskulpturen, Porträts, religiöse und mythologische Gemälde, exotische Tiere, Münzen und mathematische Instrumente, die auf dem Boden verstreut sind, befinden sich in einer Architektur, die sich nach außen hin öffnet, wo ein geschäftiger Hafen an den Ufern einer Stadt zu sehen ist. Im 17. Jahrhundert kam es zu einer Vermehrung allegorischer Gemälde, die sich auf die Darstellung der fünf Sinne bezogen. Dies war darauf zurückzuführen, dass das Thema der Sinne wiederum mit der Vermittlung einer moralischen und religiösen Botschaft verbunden war. Wie Maria Sanchez Luque in ihrem Werk La vanitas en Los cinco sentidos de Brueghel: Olfato y Tacto hervorhebt: "Es ist vor allem im Barock, wenn diese Allegorien ihre größte Pracht erreichen, sie zeigen das Vertrauen in die Fähigkeit der Objekte, das Symbol zu materialisieren. Der Symbolismus kann das Ergebnis verschiedener Ideen sein, wie z. B. die Vergänglichkeit, die Vergeblichkeit des Festhaltens an irdischen Gütern und die Wahl zwischen Gut und Böse. Um die Beziehung zwischen diesen Ideen und den künstlerischen Darstellungen zu verstehen, muss man sich vor Augen halten, dass nach der barocken Mentalität das Leben des Menschen auf der Erde nur eine Vorbereitung auf das Leben im Jenseits war und dass sein Schicksal in hohem Maße davon abhing, wie er sich im irdischen Leben verhielt. Das irdische Leben war materiell und vergänglich, während das Leben im Himmel geistig und ewig sein würde. Man müsse nicht irdische, sondern himmlische Güter kosten, um den Himmel zu erlangen. Diese Botschaft findet sich besonders in der Gattung der Vanitas" wieder. Im 17. Jahrhundert stieg in Flandern die Nachfrage nach Gemälden zur Dekoration der Häuser des Bürgertums. Neben Porträts und großformatigen Gemälden mit religiösen, historischen oder mythologischen Themen spezialisierten sich die Künstler auf mittelgroße Werke, die nach und nach an Format zunahmen, mit Stillleben, Tieren, Landschaften und Genreszenen. Die Gemälde, die die Kabinette der Sammler jener Zeit wiedergeben, sind in dieser Hinsicht so eindeutig, dass sie eine neue autonome Bildgattung begründen. Zweifellos wäre die Zukunft dieser Malerei ohne Rubens anders verlaufen, dessen Kunst das künstlerische Panorama Flanderns revolutionierte, indem er eine neue, vollständig barocke Art und Weise einführte und den geordneten und enzyklopädischen Mustern, die die kostbaren Beschreibungen seiner Landsleute darstellten, einen Sinn für Einheit und opulente Üppigkeit verlieh. Jan Brueghel stammte aus einer illustren Künstlerfamilie und galt neben Rubens als der führende Maler Antwerpens. Er war eine wesentliche Figur für die Entwicklung der traditionellen flämischen Landschaft in der von Joachim Patinir und Gillis van Coninxloo III initiierten Linie, wobei letzterer der unmittelbarste Vertreter war. Das Sujet illustriert einen Abschnitt aus der Bibel, das Paradies, das von Brueghel unzählige Male gemalt wurde, obwohl dieses Gemälde eine seiner frühesten Versionen ist. Das Gemälde spiegelt die Vorherrschaft von Zeitgenossen wie Roelandt Savery und Rubens wider, was nicht verwunderlich ist, da er eng mit letzterem zusammenarbeitete. Der Garten Eden ist ein hervorragendes Beispiel für eine der besten flämischen Barocklandschaften.

Schätzw. 55.000 - 60.000 EUR

Jean-Honoré FRAGONARD (1732-1806) zugeschrieben. Die Toilette der Venus Öl auf Leinwand, rentoiliert. 60 x 40 cm Provenienzen: Ehemalige Sammlung Léon Michel-Lévy. Sein Verkauf Paris 17.-18. Juni 1925, Nr. 140, repr (wie Fragonard). "Etude pour un tableau de plus grande dimensions ayant fait partie de la collection Barroilhet, vente à Paris les 15-16 mars 1872, n° 9 du catalogue (72 x 49 cm). Diese Studie scheint uns später von einer anderen Hand übernommen worden zu sein." Ausstellung : 1907, Paris, Chardin - Fragonard. Nr. 105, Illustrierter Katalog von MM. A.Dayot und L.Vaillat, 1907, S. 105 (wie Fragonard). Bibliografie : Louis Réau, Fragonard, 1958, S. 147, zitiert: "Etude pour le tableau de la vente Barroilhel". Georges Wildenstein, Les peintures de J.H. Fragonard, London, 1960, S. 270, Nr. 314, "...une étude(?) de ce tableau (le n° 314) a été passée à la vente L. Michel-Levy 17-18 juin 1925, n° 140, acheté par la comtesse de Gontaut-Biron" (Eine Studie(?) dieses Gemäldes (Nr. 314) wurde auf der Auktion L. Michel-Levy 17-18 Juni 1925, Nr. 140, von der Gräfin von Gontaut-Biron gekauft). Jacques Wilhelm, 1960, S. 93 G.Mandel, Fragonard, L'opera completa, 1972, Nr. 335A (wie Fragonard) "Un dipinto di tema analogo (au 335) forse anche bozzetto preparatorio". Jean Pierre Cuzin, J.H. Fragonard. Vie et œuvres, catalogue complet des peintures. Paris, 1987. Nr. 161, repr (wie Fragonard). Pierre Rosenberg, Tout l'oeuvre peint de Fragonard, Paris, 1989, Nr. 258, repr. (wie Fragonard)

Schätzw. 30.000 - 40.000 EUR

Amedeo MODIGLIANI (1884-1921) - Amazone Schwarze Bleistiftzeichnung, unten rechts mit "Modi" signiert. 31 x 23,5 cm (30,5 x 22,6 cm bei Ansicht). Ein Gutachten, Nr. 2016/DE/S50332 von Herrn Marc Restellini wird dem Käufer ausgehändigt. Provenienz : - Vom Künstler durch den schwedischen Maler Lennart Blomqvist erworben. - 2001 von der Tochter des Vorgängers an den jetzigen Besitzer weitergegeben Diese Zeichnung gehört zu einer Reihe von vorbereitenden Zeichnungen für das Porträt der Baronin Marguerite de Hasse de Villers, bekannt unter dem Titel "L'Amazone", ein Gemälde, das 1981 auf dem Titelblatt des Katalogs der Modigliani-Ausstellung im Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris abgebildet wurde. Amedeo Modigliani ließ sich 1906 in Paris nieder, zunächst im Stadtteil Montparnasse, doch er gab das kleine Geld, mit dem er aus Italien gekommen war, schnell aus und zog oft um, wenn er die Miete nicht mehr bezahlen konnte. Ende 1907 vertraute er eines Abends im Kabarett "Lapin Agile" seinem Freund, dem Maler Henri Doucet, an, dass er aus seinem kleinen Atelier am Place Jean-Baptiste Clément vertrieben worden war und nun ein Dach über dem Kopf für die Nacht suchte. Sein Kamerad schlug ihm vor, ihm ins Delta zu folgen, ein altes Gebäude in der Rue du Delta 7 in Montmartre, das die Brüder Paul und Jean Alexandre von der Stadt Paris gemietet hatten, um es einer Künstlerkolonie als Ort der Begegnung, der Arbeit und des Lebens zur Verfügung zu stellen. So kam es, dass Dr. Paul Alexandre zum ersten Mal Amedeo Modigliani begegnete. Es beginnt eine große Freundschaft zwischen dem jungen, kunstbegeisterten Arzt und dem italienischen Künstler. 1909 gab sein zweiundzwanzigjähriger Bruder Jean Alexandre, ein Pharmaziestudent, bei dem Künstler ein Porträt seiner Geliebten Marguerite de Hasse de Villers in Auftrag. Sie war eine große Reiterin und ließ sich in Amazonenkleidung abbilden, lehnte das Gemälde jedoch ab, da Modigliani kurz vor der Lieferung die Farbe der Jacke geändert hatte. Das Gemälde wird schließlich von Dr. Paul Alexandre erworben. Diese Zeichnung ist eine der vollendetsten aus der Serie von Studien für dieses Porträt, von denen die Sammlung Paul Alexandre zwölf umfasste. Anhand der Briefe von Jean an seinen Bruder Paul können wir die Entstehung des Porträts nachvollziehen. Die Briefe wurden in Alexandre Noël, Modigliani inconnu, Fonds Mercator, Albin Michel, 1993-96 veröffentlicht. Lennart Blomqvist (1874-1953), der diese Zeichnung vom Künstler erworben hatte, war ein Maler von Porträts, Genreszenen und Landschaften. Nach einem Architekturstudium in Schweden und einem Kunststudium in den Niederlanden und Belgien ließ er sich 1900 in Frankreich nieder. In Paris stellte er 1910 zum ersten Mal im Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts aus. Er nahm auch am Salon d'Automne und am Salon des Artistes Indépendants teil.

Schätzw. 35.000 - 50.000 EUR

Attrib. to Pieter Aertsen (1507/08-1575), The Lamentation of Christ, oil on panel 50 x 58 cm. (19.6 x 22.8 in.), Frame: 63 x 71 cm. (24.8 x 27.9 in.) - Attrib. to Pieter Aertsen (1507/08-1575), The Lamentation of Christ, oil on panel Pieter Aertsen was a Dutch master, both by origin and because the scene of his mature work was Amsterdam. He was probably born there too, in 1507 or 1508, and according to Van Mander also absolved his apprenticeship in Amsterdam under Allart Claesz. Between 1535 and about 1555, he lived in Antwerp, when Pieter Coecke (after 1527) and Frans Floris (after 1541) set the tone there. The 'Lamentation of Christ' is devoted to spirituality. It focuses on different poses of the saintly figures, especially Maria Salome, Maria Jacoba, Maria Magdalene and Saint John. The drama is suggested by manneristic and complicated curves in the folds of the dresses and the alternating movement of the hands, which seem to follow a rhythmic pattern. Pieter Aertsen's mobile brushwork pursues the surface of things, showing particular skill and pleasure in bringing out furs and pelts. His palette is predominantly luminous and saturated, harmoniously warm despite the harsh contrasts of light and dark. Literature: Max J. Friedlander, Antonis Mor and his Contemporaries, 1975 On request, we can send you the certificate of authenticity by Edmond Florens, Brussel 1981. Edmond Florens was the former head of the Groeninge Museum Bruges restoration department. Provenance: private collection in Bruges. 50 x 58 cm. (19.6 x 22.8 in.), Frame: 63 x 71 cm. (24.8 x 27.9 in.)

Schätzw. 8.000 - 12.000 EUR

Jean Michel Basquiat - Maße: 20 "x24" (ungerahmt) Das Gemälde wird ungerahmt versandt und der Versand verzögert sich um etwa 10 Tage. Dies ist ein Original-Acryl auf Leinwand Gemälde, in der Art und Weise / Stil des weltbekannten zeitgenössischen Künstlers, Jean-Michel Basquiat. Das Kunstwerk ist beispielhaft für seinen einzigartigen Stil. Das Kunstwerk ist auf der Vorderseite signiert und auch auf der Rückseite der Leinwand identifizierbar. Basquiat signierte seine Werke auf unterschiedliche Weise und manchmal auch mehrfach auf demselben Kunstwerk. Seine dreizackige Krone ist ein anerkanntes Symbol für seine Signatur, und seine früheren Werke sind auch durch das Wort SAMO gekennzeichnet. Oft verwendete er nur seine Initialen als Signatur, manchmal aber auch seinen vollen Namen auf der Vorderseite seiner Kunstwerke und seine Initialen auf der Rückseite. Die Krone ist typischerweise auf vielen seiner Kunstwerke zu sehen, auf der Vorderseite und/oder auf der Rückseite, so auch auf dem Kunstwerk in dieser Intervendue-Auktion. Die Rückseite von Basquiats Kunstwerken ist oft selbst einzigartig. Er war einer der wenigen berühmten Künstler, die auf der Rückseite malten und die gesamte Leinwand als Ausdruck ihres künstlerischen Schaffens betrachteten. Er liebte den Profiboxsport und Comic-Superhelden wie Superman, Batman und Thor, die er in vielen seiner früheren Gemälde als Lieblingsmotive verwendete. Wie der Einlieferer anmerkt: "Basquiat-Kunstwerke, ob in der Art und Weise von, im Stil von, wie es ist, usw., da Kunstwerke eines Künstlers wie Basquiat einen tatsächlichen Authentifizierungsprozess durchlaufen müssten (in der Regel sehr teuer), um Authentizität zu beanspruchen, werde ich, wie so viele Sammler schöner Kunst, weiterhin Basquiats besonderen Stil und kreative Kunstfertigkeit sammeln und genießen. Ich sammle seit über 35 Jahren Kunst in der Art und im Stil berühmter Künstler, und alle haben sich entweder als erfolgreiche Investitionen erwiesen oder hängen aus reinem Vergnügen an meinen Wänden. Sogar die Kinder lieben seine Kunst". Basquiats Karriere begann in seinen späten Teenagerjahren und als er Anfang zwanzig war, wurde seine Kunst bereits in Kunstausstellungen in Italien gezeigt. Doch erst 1981 wurde Basquiat in der Annina Hosei Gallery in New York City ausgestellt. Von Anfang bis Mitte der 80er Jahre hatte er viele Ausstellungen in der Hosei Gallery, einige zusammen mit anderen Künstlern wie Keith Haring. Vor allem Jean-Michels frühe Werke zeigten seine erstaunliche Intelligenz, mit der er die Dichotomien des Lebens darstellte. Basquiat war maßgeblich dafür verantwortlich, dass Graffiti in den Bereich der New Yorker Kunstwelt vorstieß. Die verworrenen Farbkleckse, symbolischen Bilder und gekritzelten Worte bezogen sich auf alles, von seiner Herkunft über politische Themen und Ikonen der Popkultur bis hin zu biblischen Versen. Provenienz: Privatbesitz eines Arztes. Bieten Sie mit Zuversicht auf dieses außergewöhnliche, hochgradig sammelwürdige und wunderbare Beispiel des Neo-Expressionismus im Stile Basquiats. Es ist ein hervorragendes Werk, das jede ernsthafte Kunstsammlung bereichern kann.

Schätzw. 4.000 - 12.000 USD