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DROUOT
martedì 25 giu a : 14:30 (CEST)

Arte moderna

Millon - +33147279534 - Email

3, rue Rossini 75009 Paris, Francia
Exposition des lots
mardi 25 juin - 11:00/12:00, Salle VV
lundi 24 juin - 11:00/18:00, Salle VV
samedi 22 juin - 11:00/18:00, Salle VV
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173 risultati

Lotto 2 - Giovanni BOLDINI (Ferrare 1842 - Paris 1931) - Ritratto della moglie di Jules Amigues, 1867 Olio originale su tela 37 x 22,5 cm In una cornice in legno e stucco dorato, etichettata sul fronte BOLDINI Un certificato di Madame Francesca Dini sarà consegnato all'acquirente. Il ritratto raffigura Marie-Laure-Elina De Muller, sposata con Jules Amigues (Perpignan 1828-Parigi 1883), scrittore, avvocato e politico bonapartista. La coppia ebbe due figli, Georges (1856-1921), illustratore e caricaturista con lo pseudonimo di "Japhet", e Jacques, collaboratore del giornale bonapartista "Petit Caporal" e fondatore della compagnia di assicurazioni "La Préservatrice". Appartenuto a Jacques e poi al figlio Maurice Amigues, il dipinto è stato tramandato agli attuali proprietari. Sulla parte superiore della cornice, una vecchia iscrizione a penna recita: "Mme Jules Amigues/ di Giovanni Boldini/ Firenze 1867". [...] Giovanni Boldini, pittore italiano, fu circondato dall'arte fin dalla più tenera età. Dopo la formazione nella città natale (alimentata dall'esempio di importanti maestri antichi come Cosmé Tura e Dosso Dossi), si trasferisce per una decina d'anni a Firenze dove, dal 1864, partecipa alla grande stagione poetica dei Macchiaioli. Nel 1871, sedotto dallo stile di vita parigino, decide di stabilirsi nella capitale francese [...] e diventa uno degli artisti più richiesti della scuderia Goupil. Raggiunge il successo con piccoli quadri di straordinario stile e bellezza, talvolta raffiguranti scene galanti in costumi settecenteschi, talvolta eleganti spaccati di vita in cui la vivacità della pennellata rococò è applicata alla realtà della metropoli moderna. Negli anni Ottanta del XIX secolo, Boldini tornò alla ritrattistica, sua passione giovanile, ritraendo la gente del suo tempo in quadri di grande formato che lo resero famoso a livello internazionale. Molto prima della sua fama duratura di "ritrattista mondano" e di pittore emblematico della Belle Époque, Boldini aveva trascorso poco meno di un decennio a Firenze nell'ambito del movimento dei Macchiaioli, da cui era stato influenzato nelle rare occasioni in cui si era cimentato nella pittura di paesaggio. Ma a partire dal 1864 Boldini si dedica soprattutto a rinnovare il genere del ritratto, inventando una tipologia che si diffonderà tra i suoi compagni macchiaioli, che lo seguiranno nella ricerca di cogliere gli atteggiamenti dei soggetti ritratti - il più delle volte a figura intera - e gli ambienti da loro realmente abitati. In questo modo, gli interni degli studi, i salotti e le camere da letto diventano piccole scatole ottiche ricche di dettagli che raccontano e rendono visibili aspetti della vita sociale e del carattere dei suoi personaggi. È a questo momento creativo che appartiene il presente dipinto, che ritrae la moglie di Jules Amigues nel momento in cui il celebre politico stava debuttando come giornalista in Italia, come corrispondente di "Le Temps", mescolandosi assiduamente alla società cosmopolita che si riuniva sulle colline fiorentine di Bellosguardo e in particolare nella splendida Villa dell'Ombrellino - abitata all'epoca dall'eccentrico artista Marcellino Desboutin. È qui che si incontrano Boldini e Amigues, coinvolti a vario titolo nel progetto di Desboutin e dell'editore Felice Solar di creare un giornale in lingua francese in Toscana. Inoltre, nel 1867, anno in cui fu realizzato il nostro dipinto, la famiglia Amigues e Boldini soggiornavano a Castiglioncello - sulla costa a sud di Livomo - ospiti di Diego Martellì, il critico d'arte amico dei Macchiaioli e poi degli Impressionisti [cfr. Piero Dini - Francesca Dini, "Giovanni Boldini. Catalogo ragionato", Allemandi, Torino 2002, volume II (Epistolario), p. 26]. Il presente dipinto raffigura l'esile figura di Madame Amigues su uno sfondo verde scuro, illuminato in basso dai toni rossi e arancioni del tappeto, che evocano il calore di un interno borghese. Madame Amigues indossa un ricco abito nero bordato di getto, la cui linea ricorda una crinolina semplificata in voga alla fine degli anni Sessanta del XIX secolo. Un raffinato pizzo bianco le ricopre i polsi e il collo, sotto il quale un grande fiocco velato si dispiega sul seno in una tonalità chiara e luminosa. Con i capelli castani divisi in fasce sulla fronte, il volto della modella si volge alla nostra destra, un movimento sobrio che Boldini ha saputo cogliere: Madame Amigues appare così in posa, senza essere immobile, mentre il maestro italiano rivela il suo stile caratteristico attraverso un'esecuzione elegante e affascinante. A cura di Francesca Dini, esperta delle opere di Giovanni Boldini. Recensione e traduzione di Etude Millon

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 20 - Pierre BONNARD (Fontenay aux Roses 1867 - Le Cannet 1947) - Il castello di Virieu presso Le Grand-Lemps, 1886 circa Olio su tela montato su pannello di parquet 38 x 40 cm Provenienza: Collezione Terrasse-Floury Collezione Terrasse-Floury Ancora in famiglia per eredità Bibliografia : Guy-Patrice e Floriane Dauberville, Bonnard 2e Supplément Catalogue raisonné de l'Œuvre peint, Parigi, Edizioni Bernheim-Jeune, 2021 pagina 71, numero 02190, riprodotto Queste sono le opere intime che Pierre Bonnard ci fa contemplare dalla sua casa di famiglia a Le Grand-Lemps e che abbiamo l'onore di presentare in vendita. Con circa dieci ettari di terreno boscoso e un vasto giardino, "Le Clos" si trova ai piedi delle Alpi nell'antica regione del Delfinato. È qui che Pierre Bonnard trascorreva le sue vacanze da bambino, nella casa appartenuta al nonno paterno, agricoltore e coltivatore di sementi. Il pittore vi soggiornò regolarmente in primavera, dall'inizio della sua carriera fino alla vendita della proprietà nel 1928. Timothy Hyman descrive questo luogo come una delle "costanti della sua vita, dalla prima infanzia alla vigilia del suo sessantesimo compleanno" (Bonnard, London, 1998, p. 70), e nel corso degli anni divenne un importante motivo ricorrente nell'opera di Pierre Bonnard. È nell'estate del 1895, inoltre, che Pierre Bonnard, che allora viveva a Le Grand Lemps, si sentì finalmente completo nella sua identità di pittore, dichiarando: "Un bel giorno, tutte le frasi e le teorie su cui si erano basate le nostre conversazioni - il colore, l'armonia, il rapporto tra linea e tono, l'equilibrio - sembrarono perdere la loro carica astratta e diventare concrete. Improvvisamente sapevo cosa stavo cercando e come ci sarei arrivato" (Timothy Hyman, Bonnard, Londra, 1998, p. 35). Negli anni successivi a questa rivelazione, Bonnard dipinse molte delle sue tele più significative a Le Clos e rivolse gradualmente la sua attenzione alla campagna circostante del Delfinato. Tuttavia, queste tele hanno una cosa in comune: rivelano paesaggi in cui la natura è sovrana, sublimata, e in cui i ricordi felici di Le Clos pervadono ogni elemento delle composizioni. Per Bonnard, questi dipinti rappresentano un'oasi di pace, un luogo senza tempo e incontaminato dai continui cambiamenti della modernità. Queste opere particolarmente intime invitano noi spettatori a entrare nella storia dell'uomo e dell'artista Pierre Bonnard e vengono offerte per la prima volta all'asta. Da sempre cimeli di famiglia, questi tre dipinti di Le Grand Lemps e del Delfinato fanno parte del patrimonio di Terrasse-Floury, poiché Andrée Théodorine, sorella di Pierre Bonnard, era sposata con Claude Terrasse, bisnonno degli attuali proprietari.

Stima 18 000 - 22 000 EUR

Lotto 25 - Maurice DENIS (Granville 1870 - Paris 1943) - Perros-Guirec, Gesù con Marta e Maria, 1917 Olio originale su tela 102 x 157 cm Firmato e datato in basso a sinistra Maurice Denis 1917 Vecchia etichetta sul telaio: Première Exposition de collectionneurs au profit de la Société des amis du Luxembourg ..... Provenienza Charles Pacquement, acquistato alla costosa mostra di Druet nel 1918 (Carnet des Dons et Ventes de l'artiste (CDV) n°983). Per discendenza, è rimasto nella famiglia Pacquement Vendita Palais Galliera, 7 dicembre 1976, Parigi, lotto 16 del catalogo di vendita Collezione privata Vendita da parte di Maître Paul Renaud, Hôtel Drouot, 17 marzo 2000 Collezione privata, Parigi Vendita Beaussant Lefevre, 10 giugno 2015, lotto 118 Acquistato in questa vendita dall'attuale proprietario Mostra : Galerie Druet, "Maurice Denis", Parigi, 1918, n°2 Dodicesima Esposizione del Salon d'Automne, Parigi, 1 novembre - 10 dicembre 1919, n°480 Première Exposition des Collectionneurs au profit de la Société des amis du Luxembourg, Parigi, marzo-aprile 1924, n°185 (collezione Ch. Pacquement) Musée des Arts Décoratifs, "Maurice Denis 1888-1924", Parigi, 11 aprile - 11 maggio 1924, n° 259 (datato 1918) Musée d'Art Moderne, "Maurice Denis", Parigi, 1945, n°122 Bibliografia : Suzanne Barazzetti, Maurice Denis, Paris, Grasset éditeur, 1945, pagina 289 (con la menzione errata di una mostra a Druet nel 1927). Apparirà nel catalogo ragionato dell'opera di Maurice Denis, attualmente in preparazione a cura di Claire Denis e Fabienne Stahl. Nel 1890, Maurice Denis pubblicò una nota sulla rivista "Art et critique", in cui definiva il termine "neo-tradizionalismo". Si trattava di un nuovo ismo, indicatore di una tendenza artistica ed estetica che stava prendendo forma tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento. L'artista cerca di definire il Simbolismo, allora associato ai Nabis, come un movimento che rifiuta l'arte accademica e l'Impressionismo. L'artista scrisse "Ho conosciuto giovani che si sono impegnati in una faticosa ginnastica dei nervi ottici per vedere il trompe-l'œil [...]: e ci sono riusciti, lo so. Il signor Signac vi dimostrerà con una scienza impeccabile che le sue percezioni cromatiche sono della massima necessità. E il signor Bouguereau, se le sue correzioni in studio sono sincere, è intimamente convinto di copiare la "natura". [...] L'ammirazione irrazionale dei vecchi dipinti (nei quali, dovendo essere ammirati, si cercano coscienziose rese della 'natura') ha certamente deformato l'occhio dei maestri della Scuola. [...] Qualcuno si è accorto che questa "natura" indefinibile cambia continuamente, che non è la stessa al Salon del '90 come ai saloni di trent'anni fa, e che esiste una "natura" à la mode - una fantasia mutevole come gli abiti e i cappelli? " Da un lato, Maurice Denis criticava la ricerca della mimesi antica. Dall'altro, desiderava "prendere posizione contro gli eccessi dell'analisi e i pericolosi prestigio nati dalla superstizione dei fenomeni atmosferici" (Paul Jamot, Maurice Denis, Plon, Parigi, 1945, p. 5). In questo modo, l'artista prende le distanze dai contributi dell'Impressionismo all'arte. La sua opera è quindi caratterizzata da soggetti classici, come temi religiosi e profani, scene familiari, paesaggi, ricorrenze dell'Italia e della Bretagna. I suoi dipinti non sono dettati dall'imitazione della natura, ma combinano una realtà soggettiva intrisa di una certa malinconia. Negli anni tra le due guerre, Maurice Denis fu un artista e un decoratore molto noto, illustrando in diverse occasioni le affermazioni fatte anni prima. L'opera che presentiamo, dipinta nel 1917, non fa eccezione a questo ordine, rendendola rappresentativa dello stile di Maurice Denis. "Quando scoprì la sua vocazione di artista all'età di quindici anni, Maurice Denis scrisse nel suo diario il 15 maggio 1885: "Devo diventare un pittore cristiano per poter celebrare tutti i miracoli del cristianesimo, sento che è questo che devo fare". Nella sua mente c'era un forte legame tra il cristianesimo e la pittura. Ciò che desiderava era soprattutto reinventare un'arte cristiana per il suo tempo, combinando il suo sviluppo artistico con il suo cammino spirituale di credente. In quest'opera, Maurice Denis affronta un soggetto che gli stava particolarmente a cuore: l'incontro di Gesù con Marta e Maria, come riportato in San Luca (10, 38-42). L'artista ha scelto di non raffigurare una conversazione, ma la scena di un pasto sacro, molto simile a un altro suo dipinto, Les Pèlerins d'Emmaüs (1896 circa, collezione privata). La cornice corrisponde al balcone del "Silencio", una casa in Bretagna affacciata sulla spiaggia di Perros-Guirec che l'artista aveva acquistato nel 1908. Nel suo modo abituale, Den

Stima 60 000 - 80 000 EUR

Lotto 35 - Robert William VONNOH (Hartford 1858 - Nice 1933) - Ritratto di Bessie Potter Vonnoh Olio originale su tela 41 x 31 cm Marcato sul retro con lo stencil del mercante d'arte C. Friedrichs Art Material New York Nato nel 1858 da una famiglia americana di Hartford, Robert William Vonnoh iniziò la sua formazione artistica alla Massachusetts Normal Art School nel 1875, poi a Parigi, dove fu ammesso all'Académie Julian nel 1881. Nel 1886, Vonnoh sposò Grace D. Farrelll. Farrelll e celebrarono la loro unione all'Hôtel Chevillon di Grez-sur-Loing. I paesaggi di questo villaggio impressionano profondamente l'artista, che ormai aspira a dipingere solo fuori dal suo studio, con la natura come unico modello. Tutta la sua opera pittorica celebra quindi quella che alcuni critici definiscono "Scuola di Grez", anche se l'artista compie diversi viaggi a Parigi, nel Sud della Francia e negli Stati Uniti. Ogni tela ritrae un'atmosfera in cui la luce è catturata nell'attimo, in cui il tempo sembra sospeso. Vonnoh riesce a combinare una tavolozza cromatica caratterizzata da freschezza e delicatezza con un tocco pulito e preciso. Le tonalità quasi pastello dei suoi oli, in particolare i rosa, i verdi e i blu, si combinano con pennellate composte da tanti piccoli tratti, che conferiscono un aspetto cotonoso ai suoi alberi in fiore e un'atmosfera vaporosa ai suoi paesaggi. Non a caso l'artista è spesso associato al movimento post-impressionista o ad artisti come Armand Guillaumin, Camille Pissarro e altri. La passione di Vonnoh per questa parte dell'Ile-de-France lo portò a stabilirsi in modo permanente a Grez-sur-Loing, in una delle case di Marie Simard, dal 1870 al 1880, accompagnato dalla sua seconda moglie, Bessie Potter, una scultrice americana. La collezione che proponiamo in vendita è una testimonianza del loro amore e della loro pratica artistica, dal momento che entrambi presero Bessie Potter come soggetto, uno per realizzare il suo ritratto e l'altro il suo autoritratto. La collezione è anche un commovente omaggio di questa pittrice americana, affascinata dalla bellezza della natura e dalle sue sfumature, dai paesaggi della Seine-et-Marne alle rive del Mar Mediterraneo.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 40 - Robert VONNOH (Hartford 1858 - Nice 1933) - Il ciliegio in fiore Olio originale su tela 61,5 x 76 cm Firmato in basso Robert Vonnoh A Grez, le sorelle Simard vivevano in un cortile adiacente all'Hôtel Chevillon (sede della colonia internazionale di pittori impressionisti), di fronte all'angolo tra Place du Sauvage e la panetteria dei miei nonni. Questo recinto, preceduto da un portico, contiene ancora diverse casette, una delle quali Marie Simard aveva affittato dagli anni Ottanta del XIX secolo al pittore americano Robert Vonnoh. Marie era rimasta nubile e aveva accolto il suo "ragazzone" come una madre durante i suoi soggiorni in Francia e ne aveva gestito il patrimonio quando era tornato in America. Sua sorella Aline era sposata con Désiré Moreau, ex conducente di carrozze a Parigi e cugino di primo grado di mio nonno, il fornaio. Le due famiglie vicine erano molto unite e le due sorelle conoscevano i gusti artistici del loro vicino e cugino per matrimonio. Nel 1914, lo scoppio della guerra spinse Vonnoh a lasciare il suo studio e il suo contenuto alle due sorelle. Alla fine delle ostilità, Vonnoh tornò in Francia con la seconda moglie, Betty Potter, ma si stabilì a Nizza. Trascorse un periodo a Grez, probabilmente dopo la morte di Marie. Con l'aiuto di Aline fece l'inventario dei suoi quadri e le lasciò la parte dei suoi mobili e delle opere che non lo interessavano più. Aline conservò "religiosamente" l'eredità del suo "eroe" e, alla sua morte nel 1938, la passò a sua cugina Marthe - mia nonna - che riteneva degna di far vivere questa memoria. Marie Simard, la padrona di casa (morta l'8 febbraio 1920) Grazie alla sorella Alix Simard (morta il 27 novembre 1938) che ha ceduto i quadri a Marthe Floreau Crepin (morta il 30 dicembre 1950), nonna dell'attuale proprietaria.

Stima 15 000 - 20 000 EUR

Lotto 43 - Raymond THIBESART (Bar sur Aube 1874 - 1968) - Le macine, 1912 Pastello 22,5 x 30,5 cm Firmato, datato e datato in basso a sinistra Thibesart Vaux 12 Raymond Thibesart è stato un pittore francese associato al movimento post-impressionista, il cui stile è spesso descritto come dolce e delicato. Nato in una famiglia benestante, mostrò fin da piccolo un'attitudine al disegno e iniziò a studiare sotto la guida di Emile Boggio, pittore impressionista venezuelano, fin dall'età di undici anni. Nel 1894 entra all'Ecole des Beaux-Arts, poi all'Académie Julian, dove si ispira alla pittura impressionista e puntinista e da cui escono diversi artisti fondatori del movimento Nabis. Nel 1897, Raymond Thibesart riceve una medaglia dalla Société des Artistes Français e continua a esporre regolarmente al Salon d'Automne e al Salon des Indépendants. È al volgere del XX secolo, e in particolare dopo il viaggio in Italia con Emile Boggio, che Raymond Thibesart si orienta sempre più verso il post-impressionismo. Cattura i paesaggi che attraversa con tutta la spontaneità del lavoro sul motivo e sui colori, come in Svizzera, Belgio, Corsica e altrove. Raymond Thibesart ha sviluppato un linguaggio pittorico molto personale, con un uso magistrale della luce e del colore, catturando gli effetti mutevoli del sole su paesaggi, alberi, fiori, pagliai e così via. Le sue opere riflettono un'osservazione meticolosa dell'atmosfera che emana da ogni elemento della natura. In questo modo, Thibesart ritrae finemente la luce fredda dell'inverno o la vitalità del verde della primavera. Dotato di grande sensibilità, riesce a cogliere la bellezza effimera che gli si para davanti e la trascrive sulla tela con poesia e serenità. In breve, i suoi dipinti di paesaggio sono vere e proprie ovazioni alla natura e alla luce, che invitano lo spettatore alla contemplazione e persino alla fantasticheria.

Stima 500 - 800 EUR

Lotto 58 - Charles CAMOIN (Marseille 1879 - Paris 1965) - Veduta della baia di Saint Tropez Olio su tavola 17 x 26,5 cm vista Firmato in basso a sinistra Ch. Camoin "Camoin ha dipinto più di trecento quadri di Saint-Tropez e dei suoi dintorni. Il porto, Place des Lices, Plage des Canoubiers, Petite Afrique, La Ponche, ecc. sono tutti luoghi di spicco di Saint-Tropez. Le scene bucoliche dell'entroterra che illustrano la raccolta delle olive o delle mandorle, la vendemmia o le rappresentazioni della sua famiglia felice (picnic, riposo) gli forniscono la maggior parte dei suoi soggetti. Le opere della maturità sono più spontanee, associate a un soggetto ricco, a volte fluido, ma sempre colorato e luminoso. Contengono l'influenza di Renoir, a cui l'opera parigina del pittore non si sottrarrà. Camoin afferma il suo gusto per una pittura sensuale, voluttuosa e spontanea, qualità che gli mancano e che Renoir aveva criticato. Poco dopo l'incontro con il vecchio impressionista, scrive all'amico Audibert: "Capisco bene quello che Renoir ha detto di me: (I miei studi) hanno una freschezza di impressione e una spontaneità che si perde sempre nelle opere più avanzate, ma che deve essere sostituita da una pienezza, da una maggiore solidità di costruzione. (...) Renoir ha ragione, bisogna osare". (...) Lavorando senza sosta, scrive a Matisse: "Ho appena trascorso un periodo di lavoro molto sostenuto, ma piuttosto faticoso, arrampicandomi mattina e sera con il mio zaino attraverso i campi, e ho avuto l'impressione di cominciare a interessarmi al paesaggio, dove scoprivo cose che non avevo visto da anni che ero qui". Véronique Serrano, Camoin Revival. Les jours heureux, in Camoin dans sa lumière, Musée Granet Aix en Provence, 2016

Stima 4 000 - 6 000 EUR

Lotto 77 - Francis PICABIA (Paris 1879-1953) - Il pescatore, 1937-1938 ca. Guazzo su cartoncino 48,5 x 60 cm a vista Firmato in basso a destra Francis Picabia Provenienza: dono di nascita alla madre dell'attuale proprietario da parte di Olga Picabia, nel 1958, a Madame Hélène Marie Paule Saint Maurice (Henri Saint Maurice, suo nonno, amico intimo di Francis e Olga Picabia). Ancora in famiglia Un certificato del Comitato Picabia sarà consegnato all'acquirente. Questa gouache di Francis Picabia, Le Pêcheur, che abbiamo l'onore di presentare alla nostra vendita, fu un regalo di nascita di Olga Picabia alla madre dell'attuale proprietario, Madame Hélène Marie Paule Saint Maurice, nel 1958. Mai uscita dalla famiglia, quest'opera non è mai stata presentata prima sul mercato dell'arte. Questa gouache è quindi un pezzo assolutamente unico che incarna il legame di amicizia che univa queste due famiglie. Henri Saint-Maurice, nato nel 1901 in Martinica e marito di Hélène Marie Paule Saint Maurice, era amministratore delegato della Compagnie minière de Conakry e fervente collezionista delle opere di Picabia. Studioso del suo tempo, compie gli studi presso i licei Louis-le-Grand e Saint-Louis. Viene ammesso all'Ecole Centrale des Arts et Manufactures, dove si diploma come ingegnere nel 1923. Successivamente si laurea in legge, specializzandosi in diritto pubblico internazionale ed economia politica. Nel 1937 si è laureato all'Ecole Libre des Sciences Politiques. Inizia la sua carriera professionale con Thomson-Houston, prima di trasferirsi in Messico e poi in Laos per lavorare nelle miniere di metallo. Rientrato in Francia, ottiene un posto alla Citroën nel 1937, poi alla Société Industrielle des Télécommunications nel 1944 e alla Dunlop tra il 1949 e il 1955. Contemporaneamente, scrive una tesi e ottiene un dottorato in legge presso la Facoltà di Parigi nel 1955. Viene poi incaricato dall'Ufficio Internazionale del Lavoro di una missione di formazione di alti dirigenti in Jugoslavia fino al 1958. Questa esperienza gli permette di dedicarsi alla stesura di un libro sui problemi dello sviluppo. Nel 1960, Henri Saint-Maurice assunse infine la direzione della Compagnie minière de Conakry e continuò a pubblicare opere sulla retribuzione e la formazione del personale, come L'Homme sans la misère. La sua attività professionale lo porta a viaggiare molto in tutto il mondo e a frequentare numerosi ambienti colti e artistici con i quali stringe legami, scambia idee e condivide passioni. Uno di questi incontri preziosi fu quello con Francis Picabia, pittore e membro dell'aristocrazia spagnola e della borghesia francese del suo tempo. Attratto dal disegno e dalla pittura fin dalla più tenera età, Francis Picabia inizia il suo apprendistato nel 1895 presso l'Ecole des Arts décoratifs. Nel 1899 fa il suo debutto al Salon des Artistes Français, che gli permette di entrare gradualmente nella scena artistica. A partire dal 1902, Picabia inizia a guardare sempre più da vicino le opere di Pissarro e Sisley, che lo portano a cambiare la sua visione dell'arte. È a questo punto che inizia il periodo impressionista di Picabia. Espone al Salon d'Automne, poi al Salon des Indépendants e firma un contratto con la Galerie Haussmann. Nel 1909, con la sua reputazione ben consolidata, Picabia intraprende l'avventura dell'arte moderna e diventa sempre più indipendente nella sua pratica artistica. È alla ricerca di un proprio linguaggio visivo, di un rinnovamento pittorico che mira a rompere con una lettura tradizionale dell'arte. Si avvicina alle avanguardie, in particolare all'astrazione. Nel 1909 sposa Gabrielle Buffet, musicista francese e in seguito figura chiave del movimento Dada. Il loro matrimonio durò fino al 1930, quando le due coppie, Francis Picabia e Gabrielle Buffet-Picabia da un lato e Henri Saint-Maurice e Hélène Marie Paule Saint-Maurice dall'altro, divennero molto amiche. La prima prova di questa vicinanza è una lettera di Gabrielle Buffet-Picabia, ritrovata a casa degli attuali proprietari de Le Pêcheur, in cui si parla di Henri Saint-Maurice. Con il passare degli anni, Picabia divenne sempre più consapevole della monotonia di molta arte moderna parigina a cavallo degli anni Venti. "La mia estetica attuale nasce dalla noia provocatami dallo spettacolo di quadri che mi sembrano congelati in una superficie immobile, lontana dalle cose umane. Questa terza dimensione, che non è un prodotto del chiaroscuro, queste trasparenze con il loro angolo di oblio mi permettono di esprimermi, a somiglianza delle mie volontà interiori, con una certa verosimiglianza. Quando poso la prima pietra, la trovo

Stima 50 000 - 60 000 EUR
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