24th July - Decorative Arts & Oriental Art

Lot 1 - Horloge de bureau ; France, période de restauration, vers 1820. Bronze doré au mercure et plaques de malachite. Elle présente des usures sur le cadran et le balancier. Dimensions : 63 x 46,5 x 17 cm : 63 x 46,5 x 17 cm. Pendule de table en bronze doré au mercure et plaques de malachite. La pièce repose sur quatre pieds en bronze disposés dans les angles et représentant des têtes de lions. Sur ces pieds, la base est disposée comme un podium, qui se distingue par l'ornementation expressive du grain et la couleur des plaques de malachite. La base est divisée en plusieurs corps définis par des appliques de bronze qui entourent le périmètre. La zone centrale comporte une applique en bronze en relief qui représente un étendard romain sur lequel on peut lire le nom de Bélisaire, indiquant ainsi qui est le personnage représenté dans la zone supérieure. La pièce se termine par une sculpture ronde représentant Flavius Bélisaire (, 505-565), général de l'Empire romain d'Orient, célèbre pour avoir reconquis une partie de l'Empire romain d'Occident. La figure, qui affiche une attitude pensive, repose sur la boîte contenant le cadran. Dans cette zone, l'auteur combine le bronze doré et bleui avec la malachite. Le cadran se distingue par sa finition dorée avec des chiffres romains noirs et des aiguilles breguet, tandis que le bronze bleui est utilisé pour la sculpture ronde. Pendant la période de la Restauration en France, sous les règnes de Louis XVIII et de Charles X, les arts décoratifs et en particulier la décoration d'intérieur ont connu une période d'essor. Ce type de scènes était très courant dans la décoration des horloges de table, représentant souvent des personnages mythiques ou religieux. Elle présente des usures sur le cadran et le balancier.

Estim. 4 600 - 5 000 EUR

Lot 2 - Bureau sur buffet à pieds en forme de pont ; Mexique, seconde moitié du XVIIIe siècle et plus tard. Bois de pin polychrome avec plaques d'argent repoussé. Il présente un écusson avec les armoiries de Francisco Antonio de Lorenzana y Butron. Elle a subi des restaurations et des réformes. Dimensions : 102 x 102 x 41 cm ; 90,5 x 116 x 54,5 cm. Bureau sur buffet d'origine mexicaine avec une structure prismatique et robuste. La pièce est composée de deux parties : le buffet avec le pied en pont et le bureau supérieur. Tous deux sont réalisés en bois de pin polychrome et ornés d'appliques en argent repoussé qui présentent des motifs végétaux et des scènes religieuses. La partie inférieure est soutenue par deux pieds longitudinaux sur lesquels sont placées trois colonnes, chacune d'ordre dorique, avec un chapiteau et une base ébonisés. Les pieds, situés sur les côtés, sont reliés par une structure centrale conçue de manière architecturale, simulant un couloir avec des arcs en plein cintre. Les pieds cèdent la place à un plateau aux profils anguleux, dont le périmètre extérieur est orné d'une applique en argent gaufré. Le bureau est organisé symétriquement, en trois rangées et trois registres. Les tiroirs sont unifiés sous la forme de petits tiroirs au design identique, dont seules les dimensions et la disposition varient. Sur la façade, la zone centrale et les côtés inférieurs présentent des applications d'argent d'une plus grande complexité technique. En guise de baldaquin, l'artiste encadre différentes scènes à caractère religieux : l'éducation de la Vierge et les noces de la Vierge dans la zone inférieure et, au centre, l'Annonciation. Tandis que les côtés du bureau présentent de grands ornements qui accueillent d'un côté la fuite en Égypte et de l'autre la naissance du Christ dans la crèche. Enfin, le meuble est surmonté d'une balustrade avec un écusson central et des figures en ronde-bosse d'argent dominant les angles. Il est intéressant de noter la présence d'un blason sur la chape, indiquant que le propriétaire du meuble était Francisco Antonio de Lorenzana y Butrón (León, 1722-Rome, 1804), archevêque du Mexique, cardinal-archevêque primat d'Espagne, inquisiteur général. L'argent était l'une des principales sources d'exportation de l'Amérique espagnole. D'abord comme matière première en soi pour sa grande valeur économique, puis, plus tard et avec plus d'intérêt, pour son travail dans l'orfèvrerie. L'orfèvrerie vice-royale atteignait des niveaux de finesse et de qualité très élevés, dignes des œuvres européennes. À la tradition occidentale s'ajoutent les racines culturelles et l'héritage des lieux de travail où les artisans font preuve d'un grand talent tant dans l'exécution des œuvres que dans la création de modèles et de décorations particulièrement nouveaux et originaux. Elle possède un écusson avec les armoiries de Francisco Antonio de Lorenzana y Butrón. Elle présente des défauts, des restaurations et des réformes.

Estim. 40 000 - 45 000 EUR

Lot 3 - Centre RIGALT, GRANELL i CIA. Vitrail moderniste, vers 1910. "Saint Georges, la princesse et le dragon". Formé de 9 panneaux de verre au plomb. Peint à la main avec du feu. Cadre en fer. Signé "Graell i Cia" sur le côté droit. Deux vitres sont endommagées. Dimensions : 206 x 150 cm. Vitrail moderniste réalisé dans le prestigieux atelier barcelonais fondé par Antonio Rigalt et la famille Granell. L'esthétique et la qualité des vitraux de Rigalt & Granell s'apprécient dans l'épaisseur et la vivacité chromatique des cristaux, dans le travail délicat du verre au plomb et dans les formes attrayantes qui dérivent d'un processus artisanal laborieux. Ce magnifique vitrail est composé de pièces individuelles de verre coloré, soigneusement coupées et façonnées pour créer une composition équilibrée et dynamique à la fois. Saint Georges occupe le centre de la composition, monté sur un cheval blanc cabré. Vêtu d'une armure, il lance sa lance sur le dragon mourant : les ailes, le corps écailleux et la tête sont de couleurs différentes, ce qui lui donne une plus grande expressivité. La princesse, aux traits idéalisés, s'agenouille et prie sur un promontoire. Le paysage rocheux est couronné par le château. Le feuillage de couleur émeraude contraste avec le bleu cobalt du ciel et les tons ambrés des rochers. L'atelier de vitrail, constitué de membres des familles Rigalt et Granell de Barcelone, a fonctionné de 1890 à 1984. Le dessinateur et vitrier Antoni Rigalt i Blanch (1850-1914), élevé dans un milieu artistique, puisqu'il était le neveu du peintre et dessinateur Lluís Rigalt i Farriols (1814-1894), en est le précurseur. Il a suivi une formation de dessinateur à l'école Llotja de Barcelone, où il a enseigné le dessin jusqu'en 1901. Son passage au métier de verrier ne s'est pas fait selon le schéma traditionnel en commençant comme apprenti dans un atelier, mais il l'a fait après sa formation artistique et théorique. Lié aux artistes et architectes les plus importants de l'époque, il collabore régulièrement aux travaux de l'architecte Lluís Domènech i Montaner. Par l'ampleur de son travail et la grande qualité technique de ses pièces, l'atelier Rigalt, Granell & Cía. est comparable aux grands ateliers de vitraux en vigueur à l'époque en France, en Angleterre et en Allemagne. L'entreprise a commencé à fonctionner en 1890 sous le nom commercial d'Antoni Rigalt y Cía. Plus tard, de 1903 à 1923, elle prend le nom de Rigalt, Granell y Cía. Jeroni F. Granell y Manresa était architecte et a combiné sa carrière avec l'entreprise de vitraux, dont il était initialement un associé investisseur, mais dans laquelle il s'est progressivement impliqué, jusqu'à ce qu'en 1914, à la mort de Rigalt, il prenne la direction de l'entreprise, abandonnant même son travail d'architecte. Bien que la plupart des œuvres issues de cet atelier soient des commandes pour des bâtiments de la ville de Barcelone, des commandes sont également passées pour le reste de la Catalogne, certaines pour différentes régions d'Espagne et même pour l'étranger, en particulier l'Amérique du Sud. L'atelier de Rigalt et Granell est à l'origine de certaines des œuvres de vitrail les plus importantes du modernisme catalan, comme celles réalisées pour le Palau de la Música Catalana, la Casa Lleó Morera à Barcelone ou la Casa Navàs à Reus. Ils ont travaillé sur les œuvres des architectes Lluís Domènech i Montaner, Enric Sagnier, August Font i Carreras, entre autres. Ils ont également réalisé un grand nombre de restaurations de vitraux médiévaux, comme ceux de la cathédrale de León ou du monastère de Santes Creus. L'atelier a participé à de nombreuses expositions, dont plusieurs ont été primées : l'exposition universelle de Barcelone en 1888 ; l'exposition des beaux-arts et des industries artistiques de Barcelone, en 1892, 1896 et 1898 ; l'exposition des beaux-arts de Madrid en 1899 ; l'exposition nationale d'art en 1900 ; l'exposition internationale d'art de Barcelone en 1907 et 1911 ; l'exposition universelle de Barcelone en 1929 ; l'exposition nationale des arts décoratifs en 1947.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 4 - Attribué à FRANCESCO TOSO BORELLA (1846-1905) ; Italie, fin du XIXe siècle. "Lilith". Bois de pin ébonisé, polychrome et doré. Yeux en nacre. Elle présente de légers défauts. Dimensions : 142 x 40,5 x 55 cm : 142 x 40,5 x 55 cm. L'image chargée de force expressive du Démon aux yeux vides en nacre est peut-être quelque chose de si choquant aux yeux des fidèles, et indique que le sculpteur qui a façonné cette figure l'a fait en tenant compte de plusieurs aspects. Le premier à mentionner est le mouvement. Le protagoniste, debout sur un piédestal, avance l'une de ses mains avec un mouvement délicat de ses doigts longs et fins qui apporte de la légèreté à la verticalité de la sculpture elle-même. L'expression de son visage plein de plis témoigne de la tension du moment. Lilith est une figure féminine des mythologies mésopotamienne et juive, considérée comme la première femme d'Adam et un démon primordial. Lilith aurait été "bannie"[2] du jardin d'Eden pour ne pas avoir obéi à Adam. Beaucoup l'ont également associée au démon mésopotamien Lamashtu, qui présente les mêmes caractéristiques et occupe une position similaire à celle de Lilith dans la mythologie. Il présente des défauts mineurs.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 5 - Miroir ; Tolède ou Syrie, fin du XVIIIe siècle. Métal damassé. Présente une lune et une usure plus tard. Dimensions : 97 x 55 x 4 cm. Grand miroir en métal damasquiné sur une base en bois. Le miroir, de périmètre rectangulaire avec les coins supérieurs en réserve, est présenté avec un couvercle en tôle qui recouvre toute la structure extérieure en suivant un dessin de caractère architectural. Dans cette couche, on peut voir un dessin complexe, composé principalement d'éléments végétaux et d'écriture coufique. À la tradition occidentale du travail du métal se sont ajoutées les racines et l'héritage culturel des lieux de travail, où les artisans ont fait preuve d'un grand talent tant dans l'exécution des travaux que dans la création de modèles et de décorations particulièrement nouveaux et originaux. Il présente une lune postérieure et un glissement.

Estim. 11 000 - 12 000 EUR

Lot 6 - Reliquaire ; Italie du Nord, fin du XIXe siècle. Bois ébonisé, bronze doré, laiton et émail. Dimensions : 38 x 23 x 12 cm. Meuble tabernacle avec porte centrale, flanquée de colonnes ajourées qui se terminent en forme d'ange dont les ailes soutiennent l'entablement de la zone supérieure. Zone qui se termine par un grand tympan couronné par une sculpture de masse ronde en bronze doré qui présente la Vierge Marie. Celle-ci est adorée par deux anges également en bronze, situés chacun dans un coin de l'entablement. L'intérieur de ce meuble est orné d'un relief conçu en plusieurs plans ; le premier encadre l'image comme un cadre et est défini par une bordure de fleurs et de fruits couronnés par de petits anges. Le deuxième plan est constitué d'une bordure de nuages avec des enfants anges qui tentent de couronner la vierge. Enfin, à l'arrière-plan mais en haut-relief, on peut voir la figure de la Vierge assise avec l'Enfant sur ses genoux. Ce type d'objets religieux était le plus répandu en Italie du Nord et était exporté dans toute l'Europe, étant très apprécié par les classes aristocratiques. La réalisation de ce type d'objets religieux, destinés à abriter les reliques des saints, a été courante à partir de la période gothique, mettant en évidence aussi bien les croix que les soi-disant "testas", qui, dans la documentation contemporaine de leur réalisation, étaient très populaires. Elles étaient utilisées pour contenir des reliques. Bien que beaucoup d'entre elles aient pris des formes très différentes, elles avaient toutes le même but dévotionnel, qui allait parfois au-delà du fanatisme. Il faut toutefois rappeler qu'à cette époque, pratiquement tout élément ayant été en contact avec le saint ou sa dépouille mortelle (linges, terre d'enterrement, etc.) était considéré comme une relique sacrée. C'est ainsi que s'est développé tout un marché pour ces objets. Les meilleurs exemplaires étaient fabriqués en métaux précieux, mais des spécimens comme celui-ci étaient également très prisés, tant pour leur contenant que, surtout, pour leur contenu.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 7 - Paire de coupes ; France, période de restauration, vers 1820. Bronze ciselé, patiné, doré au mercure et bruni. Dimensions : 40 x 15,5 x 12 cm (x2). Paire de coupes ornementales de style historiciste, dont les formes s'inspirent du style de l'Antiquité classique. Elles se composent d'un récipient ovoïde en forme d'amphore, en bronze avec des décorations en bronze doré, coulé en relief et avec des détails ciselés à froid. Ils se composent d'une base, typique de l'époque, prismatique, aux arêtes vives et lisses, sur laquelle est posé directement le pied, composé d'une couronne serrée de motifs végétaux, travaillés avec le style synthétique et raffiné typique des environs de 1820. L'ornementation en bronze se distingue surtout par la qualité du travail au ciseau, qui reproduit avec une grande expressivité la texture des feuilles. La forme ovoïde du corps est surmontée d'un col intermédiaire qui forme l'union avec le récipient, selon des modèles classiques.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 8 - Attribué à J. CHIURAZZI & DE ANGELIS. Naples, vers 1900. "Cerf". Paire de sculptures en bronze patiné. Dimensions : 91 x 83 x 18,5 cm. Ces sculptures s'inspirent du couple de cerfs découvert en 1756 dans le jardin de la Villa Papiri à Herculanum, modèles de l'an 100 avant J.-C., aujourd'hui conservés au Musée archéologique de Naples. Elle répond à son tour à la très longue tradition dans l'histoire de l'art des thèmes animaliers, mais ce n'est qu'à partir du XVIIIe siècle qu'ils commencent à se produire avec les caractéristiques que nous voyons dans celui-ci : petit format, "sujet sans importance" (aucun animal considéré comme sacré par le commanditaire...), intérêt pour le naturalisme et le détail, réalisation en bronze... L'essor de ce type d'œuvre a entraîné la naissance de maîtres spécialisés dans sa réalisation avec de nombreuses variantes (certains sont plus orientés vers les chiens de chasse, d'autres ont des œuvres où abondent les cerfs, d'autres encore préfèrent des animaux plus ou moins exotiques, etc...) à travers l'Europe, les Français étant les plus célèbres en raison de la spécialisation des fonderies de ce pays et du contrôle que le gouvernement exerçait sur la qualité et le soin de ces dernières. Ainsi, parmi la longue liste de sculpteurs consacrés à ce thème, on peut citer des maîtres tels que Christophe Fratin (1801-1864), Paul Delabrierre (1829-1912), Auguste Nicolas Cain, etc.

Estim. 6 000 - 6 500 EUR

Lot 9 - HENRY CAHIEUX (France, 1825-1854), "Coupe d'inspiration égyptienne. Vers 1850. Bronze sculpté. Signé. Dimensions : 14 x 24,5 x 15 cm. Henry Cahieux est un sculpteur parisien qui collabore étroitement avec la fonderie de Ferdinand Barbedienne (1810-1892). Auteur de bronzes d'art d'inspiration néoclassique, il participe aux Salons de 1850 et 1853. La plupart de ces pièces sont de style grec, égyptien et historiciste, en vogue à l'époque. L'article de Victor Champier "Artistes industriels", paru dans le Journal des arts décoratifs (décembre 1888), se fait l'écho du génie de l'artiste et déplore sa mort prématurée : "Barbedienne venait de perdre (en 1854), emporté par le choléra dans la fleur de l'âge, ce jeune homme d'un avenir si prometteur, dont les oeuvres, empreintes d'un goût plein de grâce, le montraient comme un maître". A l'Exposition Universelle de Paris de 1855, ses lampes, qui figurent comme le dernier témoignage d'Henry Cahieux, obtiennent une médaille d'honneur pour le stand de la Barbedienne.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 10 - Centre de table français. Art nouveau, vers 1900 Figure en bronze doré, verre et biscuit. Sculpture signée Dalfort au dos. Bon état de conservation. Dimensions : 38 x 33 x 33 cm (centre) ; 18 x 10 x 10 x 10 cm (figure). Pièce maîtresse moderniste avec structure en bronze doré qui accueille entre ses colonnes une sculpture biscuitée en ronde-bosse représentant une déesse d'inspiration gréco-romaine. Le bronze est travaillé avec des festons floraux et végétaux ornant la galerie et les fûts.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 11 - JOSEP LLIMONA BRUGUERA (Barcelone, 1864 - 1934) et JOAQUIM VICENS GIRONELLA (1911-1997). "Crucifixion". Christ en stuc (Llimona) et croix en bois (Gironella), 1932. Croix signée et datée par Gironella. Dimensions : 30 x 30 x 6 cm (Christ) ; 62 x 42 x 8 cm (croix). Artiste autodidacte, Joaquim Vicens Gironella a réalisé des sculptures en liège, et a été découvert et exposé par Jean Dubuffet. Il a également écrit de nombreux poèmes et pièces de théâtre. Josep Limona est considéré comme le sculpteur catalan le plus important du modernisme. Formé à l'école Llotja de Barcelone, il obtient une pension pour aller à Rome en 1880. Pendant son séjour en Italie, il a été influencé par la sculpture de la Renaissance florentine. Avec les œuvres qu'il envoie de là-bas, il obtient des prix (médaille d'or à l'exposition universelle de Barcelone en 1888), ainsi qu'une grande réputation. Avec son frère Joan, il fonde le Círculo Artístico de Sant Lluc, une association artistique catalane à caractère religieux (les deux frères étaient profondément croyants). Vers le milieu des années 90, son style dérive déjà vers le modernisme intégral. Il reçoit le prix d'honneur de l'Exposition internationale des beaux-arts qui se tient en 1907 à Barcelone. À partir de 1900, il se concentre sur ses célèbres nus féminins et, en 1914, il crée, en collaboration avec Gaudí, son impressionnant "Christ ressuscité". Son génie artistique se manifeste également dans de grands monuments publics, comme la statue équestre de Saint-Jordi dans le parc de Montjuic à Barcelone, ainsi que dans des œuvres d'imagerie funéraire, comme les panthéons qu'il a créés pour plusieurs cimetières. Outre ses expositions à Barcelone et dans d'autres villes catalanes, il a exposé ses œuvres à Madrid, Bruxelles, Paris, Buenos Aires et Rosario (Argentine). Il a été président du conseil des musées de Barcelone entre 1918 et 1924, puis de nouveau de 1931 à sa mort en 1934. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses décorations, notamment de la part des gouvernements français et italien. Il a également reçu la médaille d'or de la ville de Barcelone en 1932, en reconnaissance de son travail extraordinaire dans le développement de l'activité muséale. L'œuvre de Llimona est conservée au monastère de Montserrat, au musée national d'art de Catalogne et au musée Reina Sofia, entre autres.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 12 - Attribué à l'atelier Rigalt-Graell i Cia. "Armoiries du roi d'Aragon, vers 1940. Verre au plomb, peint en grisaille de feu. Avec la légende attribuée à Horace : "Multa renascentur qua iam cecidere". Le cadre en bois comporte des xylophages. Il a besoin d'être restauré. Dimensions : 151 x 67 cm ; 162 x 78 cm (cadre). Vitrail peint en grisaille sur feu. Il date des années quarante et les experts supposent qu'il pourrait provenir du prestigieux atelier barcelonais Rigalt, Graell i Cia. Il représente les armoiries du roi d'Aragon encadrées par des arcs architecturaux au profil lobé. Il est accompagné d'une légende écrite en latin sur un phylactère qui comprend un aphorisme attribué à Horace : " beaucoup de choses renaîtront qui étaient déjà tombées ". Cet aphorisme peut être interprété comme signifiant que les coutumes, les croyances et les modes périssent mais renaissent toujours, bien que camouflées sous d'autres noms ou d'autres formes. Dans ce contexte, elle fait référence aux valeurs impérissables de la famille royale. L'atelier de vitrail constitué par des membres des familles Rigalt et Granell de Barcelone a fonctionné de 1890 à 1984. Ses précédents se trouvent chez le dessinateur et vitrier Antoni Rigalt i Blanch (1850-1914), élevé dans un milieu artistique, puisqu'il était le neveu du peintre et dessinateur Lluís Rigalt i Farriols (1814-1894). Il a suivi une formation de dessinateur à l'école Llotja de Barcelone, où il a enseigné le dessin jusqu'en 1901. Son passage au métier de verrier ne s'est pas fait selon le schéma traditionnel en commençant comme apprenti dans un atelier, mais il l'a fait après sa formation artistique et théorique. Lié aux artistes et architectes les plus importants de l'époque, il collabore régulièrement aux travaux de l'architecte Lluís Domènech i Montaner. L'atelier de Rigalt et Granell a produit certaines des œuvres de vitrail les plus importantes du modernisme catalan, comme celles réalisées pour le Palau de la Música Catalana, la Casa Lleó Morera à Barcelone ou la Casa Navàs à Reus. Ils ont travaillé sur les œuvres des architectes Lluís Domènech i Montaner, Enric Sagnier, August Font i Carreras, entre autres. Ils ont également réalisé un grand nombre de restaurations de vitraux médiévaux, comme ceux de la cathédrale de León ou du monastère de Santes Creus. L'atelier a participé à de nombreuses expositions, en particulier sous la direction d'Antoni Rigalt, et a reçu de nombreux prix : l'exposition universelle de Barcelone en 1888 ; l'exposition des beaux-arts et des industries artistiques de Barcelone, en 1892, 1896 et 1898 ; l'exposition des beaux-arts de Madrid en 1899 ; l'exposition nationale d'art en 1900 ; l'exposition internationale d'art de Barcelone en 1907 et 1911 ; l'exposition universelle de Barcelone en 1929 ; l'exposition nationale des arts décoratifs en 1947.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 13 - Vase Samson, France, fin du XIXe siècle. Porcelaine émaillée et vernissée. Famille verte. Montures en bronze doré de style Louis XV. Dimensions : 42 x 23 x 23 cm. Vase en céramique émaillée et vernissée suivant les moules chinois de porcelaine "bleu poudre". À l'intérieur des cartouches du vase, on peut apprécier un style inspiré des modèles de la famille verte destinés à l'exportation. Dans la zone de la base et de l'embouchure du vase, on peut apprécier des montures en bronze doré de style Louis XV. Le couvercle à la décoration ajourée est remarquable. La maison Samson, Edmé et Cie. a été fondée par Edmé Samson en 1845 à Paris, dans le but de produire des répliques de pièces de céramique et de porcelaine exposées dans les musées et les collections privées. La manufacture, transférée à Montreuil en 1864, s'est concentrée sur la reproduction de pièces anciennes et modernes d'autres manufactures, telles que Meissen, Sèvres, Chelsea et Derby. Parmi les pièces reproduisant les styles du passé, on trouve des objets inspirés de la majolique italienne, des assiettes persanes, des pièces de Bernard Palissy et des céramiques hispano-musulmanes, ainsi que des pièces japonaises Imari et Arita et des reproductions de porcelaine chinoise, en particulier des styles de la famille rose et de la famille verte du XVIIIe siècle. Les pièces de Samson étaient toujours des reproductions, jamais des copies à des fins trompeuses, car elles portaient toutes à l'origine la marque de l'usine, une ancre (bien que sur certaines pièces elle ait été cachée ou enlevée). En outre, il essayait de distinguer ses pièces en utilisant une pâte de porcelaine dure, alors que la plupart des originaux auxquels il se référait étaient en pâte tendre. De même, l'échelle des pièces a été modifiée, de même que les couleurs utilisées pour leur décoration. La firme a continué à produire jusqu'en 1969, et ses modèles ont été vendus dix ans plus tard chez Christie's Londres.

Estim. 1 600 - 1 700 EUR

Lot 14 - JEANNE CHATEIGNON (1876 - 1950) "Le vent". Bronze patiné. Présente le cachet de la fonderie et l'inscription. Signé. Dimensions : 37 x 26 x 23 cm. Sculpture en bronze patiné représentant une femme accompagnée d'une jeune fille. L'œuvre se distingue par sa finition réaliste qui se manifeste aussi bien dans les traits des protagonistes que dans les vêtements qui inscrivent l'œuvre dans un courant esthétique de caractère costumbrista. L'œuvre révèle l'effet du vent sur les protagonistes, de telle sorte que l'auteur révèle toute sa virtuosité.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 15 - École française ; troisième quart du XIXe siècle. "Chasseur écossais". Bronze patiné et partiellement doré. Dimensions : 34 x 17 x 35 cm. Dans cette sculpture de forme ronde et massive, l'artiste nous présente la figure d'un homme assis sur une souche à côté de deux chiens de chasse qui l'observent attentivement. Le jeune homme porte sur son dos un arc avec des flèches, ce qui indique qu'il s'agit d'un chasseur, même s'il est vrai que sa posture mélancolique éloigne le groupe sculptural de l'activité habituelle d'une scène de chasse. L'auteur recrée ainsi une scène de caractère historiciste où le protagonisme est donné aux vêtements du chasseur. L'œuvre trouve ses racines dans le courant sculptural animaliste qui a émergé en France au XIXe siècle, plus précisément dans le genre de la représentation de la chasse, très au goût de la clientèle bourgeoise de l'époque. Il s'agit de pièces d'un grand naturalisme et d'une grande minutie, généralement des œuvres de petite et moyenne taille coulées dans le bronze.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 16 - Tapisserie française d'Aubusson, XIXe siècle. "Paysage avec château". Laine nouée à la main. Dimensions : 215 x 296 cm. Le raffinement de cette tapisserie tissée à la main témoigne de la grande qualité des tapisseries d'Aubusson. Un jardin luxuriant s'ouvre devant nous, montrant un petit lac avec des ponts sur ses rives et un château à l'arrière-plan. Des cerisiers en fleurs et des rosiers bordent l'étang. Le paysage a été résolu avec aisance et précision descriptive, dans des tons richement contrastés avec une prédominance de vert, de bleu et de terre, avec des détails roses. Le sujet est conforme au goût aristocratique du XIXe siècle. La ville d'Aubusson a agglutiné de nombreux ateliers de tapisserie, créés par des tisserands flamands installés dans la région à la fin du XVIe siècle. Leur fonctionnement était rudimentaire, comparé à celui de la Manufacture royale des Gobelins : ils n'avaient ni peintres, ni teinturiers, ni structure commerciale, si bien que leurs tapisseries étaient vendues dans les auberges, à une clientèle privée de bas étage, principalement des aristocrates provinciaux. Aux XVIe et XVIIe siècles, les ateliers d'Aubusson se spécialisent dans la tapisserie végétale (au décor éminemment floral), mais la situation change radicalement lorsque, au milieu du XVIIe siècle, ce centre est réorganisé par Jean-Baptiste Colbert, ministre de Louis XIV, dans le but de transformer ces ateliers en manufactures royales. Il soumet alors les ateliers d'Aubusson et de Felletin à un règlement de corporation et s'engage en échange à leur fournir un peintre et un teinturier. Cette promesse ne sera cependant effective qu'au XVIIIe siècle, un tournant pour les ateliers de La Marche qui verront la qualité de leurs tapisseries augmenter considérablement en pouvant compter sur un peintre dédié à la réalisation des cartons et un teinturier qui produira des colorants d'une qualité supérieure à ceux utilisés jusqu'alors.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 17 - Pendule de table de style Louis XVI ; France, période Napoléon III, vers 1860. Bronze ciselé et doré, cadran en porcelaine émaillée. Pendule conservé. Signé sur la machinerie : "JAPY FILS". Dimensions : 63 x 51,5 x 19,5 cm. Pendule de table en bronze doré de style Louis XVI. La base répond à une inspiration baroque avec des éléments rococo, avec des plantes mixtilignes ornées d'éléments en relief. Le cadran est situé au centre de la pièce. Il présente des chiffres romains noirs sur fond blanc et des aiguilles ajourées dorées. La montre est surmontée d'une grande coupelle de style classique. Le style français Louis XVI est inclus dans le néoclassicisme. Les éléments décoratifs, comme nous l'avons déjà indiqué, sont d'inspiration classique, mais les courbes et sinuosités du rococo de Louis XV n'ont pas disparu, bien qu'elles soient secondaires.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 18 - Buste de François-Joseph Ier d'Autriche ; Vienne, vers 1900. Calamine sur socle en marbre "brignoles". Dimensions : 22 x 12,5 x 8,5 cm. Buste de François-Joseph Ier d'Autriche. Empereur d'Autriche, roi de Hongrie et souverain des autres États de la monarchie des Habsbourg du 2 décembre 1848 jusqu'à sa mort en 1916. Au début de son règne, ses royaumes et territoires s'appelaient l'Empire autrichien, mais en 1867, ils ont été reconstitués sous la forme de la double monarchie de l'Empire austro-hongrois.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 19 - Buste de Charles Quint ; d'après LEONE LEONI (1509 - 1590), Autriche, début du XIXe siècle. Bronze ciselé et bleui sur base de marbre "brocatel". Dimensions : 31,5 x 14,5 x 9,5 cm. Le même modèle se trouve au National Museum of Liverpool (Ref. WAG6235), qui dérive lui-même du buste du Kunsthistorisches Museum de Vienne. Leone Leoni (c. 1509 - 22 juillet 1590) était un sculpteur italien de renommée internationale qui a voyagé en Italie, en Allemagne, en Autriche, en France, en Espagne et aux Pays-Bas. Leoni est considéré comme le meilleur des médaillistes du Cinquecento. Il s'est fait connaître grâce aux commandes qu'il a reçues des monarques Habsbourg, Charles Quint, empereur romain germanique, et Philippe II d'Espagne. Son support habituel était le bronze, mais il travaillait également le marbre et l'albâtre, sculptait des pierres précieuses et a probablement laissé quelques œuvres finies en cire.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 20 - Buste de Frédéric-Guillaume de Prusse ; Europe du Nord, vers 1880. Bronze patiné sur base en marbre "rosso levanto". Dimensions : 17 x 5,5 x 5,5 cm. Buste de Frédéric-Guillaume de Prusse, connu sous le nom de Roi-Soldat. Roi de Prusse et électeur de Brandebourg de 1713 à sa mort en 1740, ainsi que prince de Neuchâtel. Son réveil politique a eu lieu lors de l'épidémie de peste de la Grande Guerre du Nord en Prusse, ce qui l'a amené à remettre en question la corruption et l'inefficacité du gouvernement. Il lance des réformes, en particulier dans le domaine militaire, et augmente considérablement la taille de l'armée prussienne. Partisan de la monarchie absolue, il se concentre sur le développement de l'État et la réorganisation financière, en imposant des taxes et des règles strictes aux fonctionnaires.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 21 - École espagnole du début du XXe siècle. D'après des modèles grecs (440 av. J.-C.). Musée du Vatican. Rome "Amazona Mattei". Sculpture en plâtre, avec patine de terre cuite. Elle présente quelques fissures, restaurations et défauts. Dimensions : 143 x 45 x 32 cm : 143 x 45 x 32 cm. Il s'agit d'une version en plâtre patiné de l'Amazona Mattei conservée au Musée du Vatican. Il existe plusieurs copies romaines de trois types de statues de l'époque classique représentant des amazones blessées au combat, et qui sont des reproductions de trois originaux en bronze perdus provenant d'Éphèse : Les experts attribuent le "type Mattei" (celui que nous présentons) à Phidias, mais en ce qui concerne les types "Sciarra" et "Sosicles", on ne sait pas avec certitude lequel est l'œuvre de Polyclète et lequel celle de Cressilas. Les trois statues ont le chiton court et les cheveux relevés, rappelant les coiffures à cheveux longs des dames de la haute société grecque, tandis que les corps bien exercés semblent émuler celui des guerriers et des athlètes masculins. Le visage de l'amazone Mattei et sa posture dynamique reflètent la détermination et le courage, la force féminine qui caractérise les amazones mythologiques. Le chiton, qui pend de son épaule, expose son sein gauche où elle montre une blessure. En 440 avant J.-C., les prêtres du temple d'Artémis organisent un concours pour créer la présentation officielle d'Amazone, dans lequel ils déterminent trois types de canons : L'Amazone blessée de Berlin, l'Amazone Mattei (Musée du Vatican) et l'Amazone blessée du Capitole. Andrea Gisella Lopez Galeano Culture visuelle Architecture romaine classique Les détails et la fidélité à la réalité deviennent importants et dénotatifs. Dans ce cas, une femme est représentée avec le visage incliné sur le côté.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 22 - Ensemble de quatre services à café, années 1950. Onyx et laiton. Usures dues à l'utilisation et à l'âge. Dimensions : 6,5 x 4 cm (coupe) ; 11 cm (diamètre du plateau). Service à café vintage en onyx naturel et laiton. L'onyx est utilisé depuis longtemps pour la sculpture de pierres dures et la bijouterie, où il est généralement taillé en cabochon ou sous forme de perles. Il a également été utilisé pour les pierres précieuses gravées en creux et les camées en pierre dure, où les bandes permettent à l'image de contraster avec le fond. L'onyx a souvent été utilisé pour des sculptures et des pièces décoratives créées entre les années 1920 et 1970.

Estim. 800 - 850 EUR

Lot 23 - D'après EUGÉNE CORNU (1827- 1875) ; France, vers 1890. Centre de table. Onyx d'Algérie, agate et bronze. Un des anges n'a pas de support stable. Dimensions : 32,5 x 29 x 29 cm. Centre de table en agate, onyx d'Algérie et bronze doré. Le pied rond en agate et délimité par une chaîne en bronze dans la zone inférieure et supérieure, cède la place à la base en onyx d'Algérie, zone qui soutient la tige de la coupe où sont disposés deux petits anges de forme ronde et massive réalisés en bronze. La pièce comporte des appliques de bronze sur la tige en guise de feuilles et se termine par la coupe en agate sculptée de godrons. La pièce suit les modèles de Louis-François-Eugène Cornu, dessinateur et fabricant de bronze. En 1858, après avoir travaillé comme dessinateur et dirigé des travaux pour la Maison Tahan, il devient créateur et directeur de la Compagnie des Marbres et Onyx d'Algérie d'A. Pallu & Co puis de son successeur G. Viot. Cette société est spécialisée dans la fabrication d'objets de luxe alliant le bronze, l'onyx-marbre d'Algérie et l'émail champlevé. Les créations de Cornu sont présentées aux expositions universelles de Londres en 1862, 1871 et 1872, et à Paris en 1867, où il reçoit une médaille d'or pour une grande paire de vases en onyx, bronze et émail. La Compagnie des Marbres et Onyx d'Algérie produit également des objets d'après des dessins d'Albert Carrier-Belleuse, Charles Cordier et Louis-Alfred Barrias. En 1878, ses magasins sont situés au 24 boulevard des Italiens à Paris. L'un des anges n'a pas de prise stable.

Estim. 2 250 - 2 500 EUR

Lot 24 - Horloge de table ; France fin 19e siècle et Chine, dynastie Qing, période Guanxu, 1875-1908. Bronze doré et porcelaine émaillée. Dimensions : 33 x 31 x 15 cm. Horloge de table en bronze et porcelaine émaillée. La pièce repose sur une base qui abrite deux chiens ou lions Foo en porcelaine émaillée et émaillée d'un bleu profond, flanqués d'un vase. Derrière eux, le corps qui supporte le boîtier de l'horloge émerge sous la forme d'une branche. De celle-ci partent des branches qui se terminent par des fleurs en porcelaine émaillée. Le boîtier comporte un cadran blanc avec des chiffres arabes noirs et des aiguilles ajourées de couleur or. Quant au style de la pièce, il est évident qu'il répond à un goût pour l'orientalisme. Une mode qui avait déjà commencé au XVIIIe et qui s'est répandue dans toute l'Europe pour la conception d'intérieurs, d'objets décoratifs et de meubles. Cet intérêt pour les éléments de la culture orientale s'est intensifié au cours du XIXe siècle, en grande partie grâce à l'ouverture commerciale de la Chine et du Japon, par rapport aux périodes précédentes.

Estim. 1 300 - 1 500 EUR

Lot 25 - Lampe de mosquée ; Syrie ou Égypte, XIXe siècle. Verre incolore et partiellement doré. Dimensions : 34 x 25,5 x 25,5 cm : 34 x 25,5 x 25,5 cm. Lampe de mosquée en verre incolore orné d'éléments végétaux et d'écriture coufique sur toute la surface, à l'exception du périmètre de la lèvre. Le corps globulaire comporte deux petites poignées et un col évasé qui s'ouvre sur une bouche au profil plat. Les lampes de mosquée sont des lampes à huile qui ont généralement un grand corps rond et un col plus étroit qui s'élargit vers le haut, comme c'est le cas ici. Elles étaient souvent fabriquées avec des récipients internes qui étaient remplis d'huile et d'une mèche pour produire de la lumière. Ils sont généralement fabriqués en verre émaillé, souvent avec des dorures. Certaines étaient également fabriquées en poterie islamique, bien qu'elles soient beaucoup moins efficaces pour l'éclairage proprement dit. Ces lampes étaient généralement accrochées à un cadre métallique circulaire et suspendues par des chaînes passant par une série de boucles à l'extérieur du corps. Les cadres circulaires sont encore utilisés aujourd'hui dans de nombreuses mosquées, mais avec des lampes en verre ordinaire ou dépoli pour l'éclairage électrique. Les techniques utilisées sont typiques du verre islamique contemporain : la décoration émaillée est appliquée sur un corps uni précuit et l'ensemble est soumis à une seconde cuisson. Le décor coloré peut comprendre des versets du Coran, en particulier la première partie de l'Ayat an-Nur ou "Verset de la lumière" (24:35, voir ci-dessous), des inscriptions et des emblèmes héraldiques consignant le donateur, ainsi que des motifs purement décoratifs.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 26 - Boîte à bijoux ; Allemagne ou Autriche, XIXe siècle. Porcelaine émaillée et partiellement dorée et laiton. Repeint. Présente une numérotation sur la base. Dimensions : 33 x 42 x 26 cm. Coffre à bijoux en porcelaine dorée et émaillée. D'un point de vue esthétique, la pièce se distingue par son style rococo. Ainsi, on observe une structure très dynamique et une décoration abondante, dans laquelle sont placés des éléments ornementaux tels que des feuilles, des palmettes et des fleurs. Les décorations picturales de la porcelaine peinte à la main font référence au "locus amoenus", c'est-à-dire à l'endroit propice à l'amour, car on y voit des paysages idylliques habités par des couples. Il a été repeint.

Estim. 1 600 - 1 700 EUR

Lot 27 - Pendule à poster sur support ; France, première moitié du XIXe siècle. Bronze doré et ciselé, porcelaine émaillée et marqueterie. Elle possède une mécanique carrée de type parisien, une suspension en fil de fer et un carillon sur gong aux heures et aux demi-heures. Dimensions : 74 x 33 x 20 cm ; 31 x 41 x 22 cm. Ensemble d'horloges de table avec support assorti, créé dans la seconde moitié du XIXe siècle, d'après les modèles de style Boulle de l'époque de Napoléon III. À cette époque, il était courant de se plonger dans le passé glorieux de la France de Louis XIV, dont André-Charles Boulle était un décorateur. De cet artiste, on retient surtout aujourd'hui le type de décoration que nous voyons ici, une marqueterie de parties et de contreparties en écaille et en métal, combinée à des applications en relief de bronze doré d'une grande qualité sculpturale. L'horloge présente une structure architecturale d'inspiration baroque, avec de grands pieds figuratifs en bronze doré, aux motifs classiques, avec la partie inférieure du corps végétalisée et enroulée en forme de volute. Dans le corps central, les corps latéraux présentent des bordures dorées, ornées à nouveau d'ornements classiques, et enfin, couronnant l'ensemble, une coupole ajourée surmontée d'une figure en ronde-bosse, un aigle. Les reliefs situés sous la sphère, représentant également un oiseau, sont également remarquables par leur importance. Le cadran présente des chiffres romains, émaillés en bleu de cobalt sur fond blanc, de petites pièces encastrées dans le cadre métallique, ciselé dans la zone centrale. Le support suit le même style, bien que ses bronzes soient de moindre relief, afin de ne pas nuire à l'ensemble principal.

Estim. 2 250 - 2 500 EUR

Lot 28 - DAMIÁN CASTRO (Cordoue, 1716 - Séville, 1793). Crosse pastorale d'évêque, vers 1785-1793. Argent doré. Elle présente des traces d'usure. Il présente des marques. Dimensions : 167,5 x 17 x 9 cm. Crosse pastorale réalisée en argent doré, selon des modèles gothiques dans le contexte de l'historicisme. Elle s'inspire de pièces d'orfèvrerie médiévales réalisées en métaux précieux, avec des pierres serties. La crête qui suit la volute générale qui dessine la ligne du dessin, basée sur de petites tiges végétales, est également très typique des pièces médiévales. L'œuvre porte la marque du célèbre orfèvre Damián Castro (Cordoue, 1716 - Séville, 1793). Rafael Ramírez de Arellano, José Valverde et Hernández Perera sont les érudits qui ont mis en évidence la figure de cet orfèvre. Sa carrière commença sous la direction de son père, Juan de Castro, qui était également orfèvre. En 1729, il fut récompensé par la guilde des orfèvres de la ville de Cordoue, ce qui constitue la première donnée rigoureuse que l'on connaisse de sa carrière d'orfèvre. Certains historiens signalent, en raison de son style, qu'il a peut-être aussi appris dans l'atelier de García de los Reyes. En 1736, après la mort de son père, il commence sa carrière seul. En 1752, il commence à travailler comme maître principal de la cathédrale et, six ans plus tard, il est nommé substitut des poinçons. Il présente des traces d'usure. Il porte des marques.

Estim. 11 000 - 12 000 EUR

Lot 29 - Paire de Blackmoors ; Venise, 19e siècle. Bois sculpté et polychrome. Dimensions : 182 x 50 x 30 cm (x2). Ce couple de serviteurs vénitiens est représenté habillé de manière totalement idéalisée. Les figures d'esclaves noirs servant de support aux meubles, ainsi que les chandeliers autonomes, apparaissent à Venise à la fin du XVIIe siècle, chez l'ébéniste et sculpteur Andrea Brustolon (1662 - 1732). Ses meubles se caractérisent par la présence abondante de sculptures, souvent même en ronde-bosse. Ses figures les plus caractéristiques étaient des figures noires comme celle présentée ici, ébonisées et peintes, qui servaient de support à de grands meubles ou qui étaient indépendantes. Ces figures étaient si populaires dans toute l'Europe qu'elles sont devenues un élément clé du mobilier baroque de luxe jusqu'à la fin du XVIIIe siècle et, dans le cadre de l'historicisme, au cours du XIXe siècle. Il s'agit de pièces d'une qualité de sculpture exceptionnelle, conçues comme des œuvres d'art indépendantes. L'iconographie résulte du goût pour l'exotisme qui caractérise le XVIIIe siècle et qui se prolonge au XIXe siècle à travers l'esprit romantique qui aime à réfléchir et à fantasmer sur tout ce qui est différent et lointain, tant dans le temps que dans l'espace. Cette pièce recrée le monde vénitien idéalisé du XVIIIe siècle qui, en ce nouveau siècle industriel, symbolise une élégance et un luxe irrécupérables. Ce type de pièce a été travaillé de manière méticuleuse et exquise, en accordant autant d'attention à la sculpture qu'à la polychromie, qui reproduit librement et avec fantaisie de riches tissus brodés.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 30 - Pendule de table ; France, troisième quart du XIXe siècle. Bronze ciselé et bruni. Pièce révisée en 2018. Préserve la clé et le pendule. Elle présente des défauts dans le verre et une légère usure. Dimensions : 38 x 53 x 13 cm : 38 x 53 x 13 cm. Pendule de table Napoléon III avec boîtier en bronze doré. Elle présente un dessin d'inspiration rococo en combinaison avec des motifs classiques tels que les rinceaux, une vénérable ou la corne d'abondance supérieure. Les deux petits anges flanquant la sphère, travaillée en ronde-bosse, confèrent une symétrie de composition à l'ensemble, surmonté d'un sommet. Le corps curviligne, ciselé à la base par des godrons. Le boîtier en porcelaine émaillée et vernissée présente des chiffres romains en noir et des aiguilles ajourées de couleur or. Les éléments décoratifs qui font partie de l'horloge poursuivent l'esthétique qui rappelle l'ornementation utilisée dans l'Antiquité grecque et romaine, mais en conservant toujours un haut degré de somptuosité, en y ajoutant l'éclectisme de la Renaissance ou l'inspiration néoclassique. Partie révisée en 2018. Conserve la clé et le pendule. Elle présente des défauts dans le cristal et une légère usure.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 31 - Horloge de table ; vers 1820. Bronze ciselé et doré au mercure. Elle présente une légère usure de la dorure et l'une des figures n'est pas consolidée. L'une des applications avant et la couverture arrière sont manquantes. Il doit être restauré. Préserve le pendule. Signée Mme Gentilhomme à Paris sur le cadran. Dimensions : 42 x 30 x 12,5 cm. Pendule de bureau en bronze doré au mercure. Il s'agit d'une pièce de conception sculpturale reposant sur quatre pieds coniques qui laissent place à une base volumétrique de formes géométriques, évidée aux angles et ornée d'appliques en relief ; une bordure avec un portrait de profil dans chacun des angles et une guirlande au centre. La base laisse place à l'ensemble sculptural en volume rond qui est limité par une structure d'inspiration architecturale flanquée d'une cariatide inspirée du monde égyptien et située de chaque côté. Enfin, cette structure se termine par un fronton où se trouve le boîtier de l'horloge à base ronde avec des chiffres romains en noir. Il existe un modèle similaire au Nationalmuseum de Stockholm (Inv : NMK 50/2021) grâce auquel on sait que la scène représente Marie Caroline, duchesse de Berry, avec son fils nouveau-né Henri, duc de Bordeaux et sa fille Louis, en train de prier avant de s'endormir. Le modèle a été conçu par Jean André Reiche (1752-1817) qui a créé sa propre fonderie à Paris en 1785. Le cadran de la montre porte la signature "Mme Gentilhomme à Paris", pseudonyme de Louise Admirat (1759-1829). Cette signature, longtemps inconnue ou attribuée par erreur, est celle de Louise Admirat (Besse 1759-Paris 1829), l'une des rares femmes horlogères travaillant à Paris dans le premier quart du XIXe siècle. Le 15 ventose an III du calendrier révolutionnaire, elle épouse Jean-François Gentilhomme, marchand d'orfèvrerie. Madame Gentilhomme semble avoir développé son activité pendant une quinzaine d'années, de 1805 à 1820. Elle est connue pour avoir travaillé avec les collectionneurs les plus influents de l'époque. L'inventaire d'Anne-Joseph-Thibault, comte de Montmorency-Fosseux, maréchal des camps et armées du roi, réalisé en janvier 1819, mentionne "...une pendule du nom de Gentilhomme à Paris, avec cadran doré, dans une boîte d'albâtre surmontée d'un vase..., qui était dans une des chambres de la maison du comte à Paris". Elle présente une légère usure de l'or et l'un des chiffres n'est pas consolidé. L'une des applications avant et la couverture arrière sont manquantes. Il a besoin d'être restauré. Préserve le pendule.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 32 - École française du XIXe siècle. "Lion. Sculpture en bronze ciselé sur socle en bois sculpté et doré d'époque. Quelques défauts dans le piédestal. Dimensions : 12 x 26 x 18 cm (lion) ; 7 x 29 x 14 cm (socle). Lion en bronze ciselé en position de repos. Le corps robuste est travaillé en prenant soin de l'anatomie juste, donnant une idée de proportion classique, selon la période de la Renaissance dont il s'inspire. Sa crinière est sculptée en ciselures longues et denses qui encadrent la tête. Le lion est un emblème de pouvoir dans l'héraldique et dans l'iconographie des bestiaires médiévaux. Déjà à l'époque gréco-romaine, les lions assis symbolisaient les victoires sur les peuples ennemis, comme le lion de marbre de l'ancienne cité grecque de Cnide. Ils étaient également les effigies défensives des villes et des temples. À l'époque chrétienne, le lion symbolise également l'évangéliste saint Marc, bien qu'il soit généralement représenté avec des ailes.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 33 - Horloge de table ; France, fin du XIXe siècle. Bronze bruni et ciselé et porcelaine émaillée. Il manque des pièces de machinerie et certains bronzes sont détachés. Machines signées "Vassy Jeure Paris". Dimensions : 68 x 50,5 x 14,5 cm. Pendule de table en bronze bruni et ciselé avec une coupelle en porcelaine émaillée "Beau bleu" à la manière de Sèvres. La pièce repose sur un socle doré, dont le dessin s'inspire des motifs antiques classiques. Sur la base, deux figures rondes flanquées sur les côtés représentent un couple d'enfants. Au centre se trouve la coupe, dont la base en bronze et le corps en porcelaine sont ornés de deux têtes de chèvre en guise d'anse, chacune sur les côtés. L'avant du corps abrite le cadran de l'horloge avec des chiffres romains en noir et des aiguilles ajourées de couleur or. Enfin, la coupe est ornée d'un fleuron en bronze doré. Ce type de travail était très courant dans la décoration intérieure des maisons et des palais de la haute société au XIXe siècle. Utilisées pour décorer les pièces en les plaçant sur des tables, des commodes, etc., elles étaient très appréciées tant par la noblesse que par une certaine partie de la bourgeoisie (celle qui aspirait surtout à imiter l'aristocratie) et ont été réalisées dans pratiquement toutes les grandes écoles artistiques de l'époque. Cependant, les créations les plus appréciées sont les créations françaises, et ce pour plusieurs raisons. Tout d'abord, pour la qualité de leur conception, toujours inspirée par les innovations artistiques de l'époque et évitant les répétitions excessives, avec une grande variété de modèles tirés de différentes sources (sculptures grecques, thèmes mythologiques, œuvres contemporaines, etc.) Ensuite, pour la qualité des matériaux utilisés : porcelaine de grande qualité, bronzes bien travaillés, de bonne fonte et d'excellente dorure (techniques que le gouvernement français lui-même a toujours très contrôlées pour ne pas en diminuer la qualité et, par conséquent, la catégorie de leur production), métaux, parfois bois sculpté et polychromé, etc. Des parties de la machinerie sont manquantes et certains bronzes sont détachés.

Estim. 2 000 - 2 250 EUR

Lot 34 - Paire de bougeoirs ; France, XIXe siècle. Bronze ciselé et bruni, corps émaillé de porcelaine. Dimensions : 87 x 43 x 40 cm (x2). Paire formée de deux chandeliers à sept lumières chacun, tous réalisés en bronze combiné avec de la porcelaine dans le style de Sèvres. Tous deux ont le même design qui part d'une base ronde reposant sur quatre pieds en forme de griffe de félin. La pièce en bronze se termine par une décoration de feuilles stylisées et synthétiques. De la base partent des appliques en bronze en forme de putti, qui laissent place aux poignées. Le corps central de format périforme est en porcelaine émaillée en bleu. Ce type d'œuvre était très répandu dans la décoration intérieure des maisons et des palais de la haute société au XIXe siècle. Utilisées pour décorer les pièces en les plaçant sur des tables, des commodes, etc., elles étaient très appréciées tant par la noblesse que par une certaine partie de la bourgeoisie (celle qui aspirait surtout à imiter l'aristocratie) et ont été réalisées dans pratiquement toutes les grandes écoles artistiques de l'époque. Cependant, les créations les plus appréciées sont les créations françaises, et ce pour plusieurs raisons. Tout d'abord, pour la qualité de leur conception, toujours inspirée par les innovations artistiques de l'époque et évitant les répétitions excessives, avec une grande variété de modèles tirés de différentes sources (sculptures grecques, thèmes mythologiques, œuvres contemporaines, etc.) Ensuite, pour la qualité des matériaux utilisés : porcelaine de grande qualité, bronzes bien travaillés, de bonne fonte et d'excellente dorure (techniques que le gouvernement français lui-même a toujours très contrôlées pour ne pas en diminuer la qualité et, par conséquent, la catégorie de leur production), métaux, parfois bois sculpté et polychromé, etc.

Estim. 4 000 - 4 250 EUR

Lot 35 - Service à café et à thé ; Pérez Hermanos et F.Sanz, 1991 et après. Argent espagnol. Présente les marques de Madrid Villa y Corte. Les tasses ont un corps en porcelaine. Dimensions : 12,5 x 15 x 11 cm (plus grande) ; 1,5 x 25 x 12,5 cm (plus petite). Poids : 1840 g. Service à café et à thé composé d'une cafetière, d'un tiers, d'un lait, d'un sucrier, d'un plateau et de deux tasses avec leurs assiettes. Esthétiquement, le service présente un style néoclassique caractérisé par des formes angulaires et géométriques. Les tasses portent la marque de la bijouterie Sanz, fondée par Felipe Sanz à Madrid. Comme exemple de son travail, Sanz a monté un collier court avec sept émeraudes colombiennes pour la reine Victoria Eugenia.

Estim. 2 250 - 2 500 EUR

Lot 36 - Pendule de table. France, Napoléon III, vers 1860. En bronze doré et ciselé. Cadran en porcelaine émaillée. Signé "Dussault à Paris". Avec pendule. Il présente des traces d'usure. Dimensions : 37,5 x 59 x 14,5 cm. Pendule de table française d'époque Napoléon II. Entièrement réalisée en bronze doré, à l'exception du cadran en porcelaine, elle a un caractère sculptural et représente une allégorie du printemps. Une figure féminine qui pourrait représenter Déméter est allongée, le coude appuyé sur le boîtier de la pendule. La sculpture, d'inspiration gréco-romaine, porte des fagots de blé et une faucille. Elle est accompagnée d'outils agricoles. La numérotation du cadran émaillé est romaine et arabe. L'ensemble repose sur une base ajourée à bordures et rinceaux.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 37 - Pendule de table. France, Napoléon III, vers 1880. En bronze et plaques de marbre belge. Cadran en porcelaine émaillée. Socle en bois doré avec tapis en tissu. Boîte à musique à l'intérieur. Avec pendule. Elle présente des traces d'usure et des défauts. Dimensions : 48 x 26 x 12 cm (horloge) ; 7,5 x 31 x 16 cm (support). Pendule de table française d'époque Napoléon III. Le boîtier combine un revêtement en marbre béga et des moulures en bronze feuillagées. Une sculpture en bronze travaillée en ronde-bosse couronne la pendule. Elle représente une courtisane en costume Renaissance finement broché, lisant un livre sur un lutrin. Le cadran en porcelaine émaillée blanche présente des chiffres romains et est orné d'une guirlande végétale en bronze doré. Valences et rinceaux, cabochons et masques complètent le décor.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 38 - Pendule de table. France, Napoléon III, vers 1880. En bronze patiné et ciselé. Plaques en marbre belge. Avec pendule et clé. Signé "H.Riondet". Elle présente des usures sur le cadran et des défauts dans le marbre. Dimensions : 51 x 37 x 16,5 cm : 51 x 37 x 16,5 cm. Pendule de table française d'époque Napoléon III. Sur un socle qui réunit des plaques de marbre belge marbré et noir, repose une sculpture en bronze patiné travaillée en ronde-bosse. Elle représente une dame de la Rome antique. Elle porte une tunique drapée et ses cheveux sont bouclés. Le cadran de l'horloge, en porcelaine émaillée blanche, comporte des chiffres romains.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 39 - MARTÍN BENITO France, seconde moitié du XXe siècle. Vase. En verre sculpté à la roue. Montures en bronze doré. Signé sur la base. Dimensions : 41 x 15 x 24,5 cm. Martin Benito est né dans une famille d'experts en fabrication de flacons de parfum, connue depuis les années vingt. Il a commencé à tailler le cristal à l'âge de 14 ans et a fondé Cristal Benito en 1952, après avoir appris à son père et à ses deux frères à tailler le cristal plutôt que le verre, et les avoir emmenés dans son atelier pour qu'ils s'exercent à ses côtés. La famille atteint rapidement une maîtrise sans précédent dans ce domaine, perfectionnant l'utilisation des meules (utilisées pour tailler le verre), ainsi que la technique de la sculpture du verre, dans laquelle le verre est taillé aussi profondément que possible, jusqu'à la limite de sa résistance, afin d'améliorer son éclat, sa brillance et ses capacités de réflexion. Martin a conçu les premières créations uniques de l'entreprise. Celles-ci ont rapidement acquis une renommée internationale, en particulier le célèbre bar à alcool de style Napoléon III. La clé de cette reconnaissance a été le développement de l'étoile de cristal Benito à 32 branches, une technique encore reconnaissable dans de nombreuses créations de la société. Aujourd'hui, l'entreprise, dirigée par Franck Benito, reste l'une des meilleures institutions françaises de taille de cristal.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 40 - Paire d'étagères à épices anglaises, vers 1900. Argent poinçonné. Intérieur en vermeille. Poinçons sur les deux pièces : "Birmingham, 1902". Dimensions : 3,5 x 6 x 6 cm. Paire de bols à épices britanniques entièrement en argent. L'intérieur des bols est en argent vermeil. Ils présentent un design d'inspiration organique, qui s'apprécie dans les pieds réunis par des palmettes dans les bols aux profils arrondis et aux bouches sinueuses.

Estim. 400 - 600 EUR

Lot 41 - Ensemble de trois catavinos, fin XVIIIe-XIXe siècle. Argent et métal argenté. Avec des poinçons sur deux d'entre eux. L'un porte la signature de l'orfèvre "A. Andraud" et l'autre est daté de 1796. L'un d'eux présente un trou dans la base. En général, marques d'usage et d'usure. Dimensions : 3 x 8,5 x 8,5 cm. Ensemble de trois catavinos, dont deux en argent ciselé avec des poinçons. L'un d'eux est décoré de grappes de raisin, les deux autres de rainures et de cannelures respectivement. Ils sont munis d'une poignée en forme d'anneau, comme il était d'usage dans ce type d'objets.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 42 - Paire de palilleros. Probablement portugais, XIXe siècle. Argent poinçonné. Les deux pièces portent des poinçons. Dimensions : 7 x 10 x 6 cm. Paire de porte-cure-dents du XIXe siècle entièrement en argent ciselé. Ils représentent deux petits cochons dont le dos est creusé pour retenir les cure-dents. Ils reposent sur une base de profil ovale reposant sur des pieds en palmier.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 43 - Ensemble de trois salières et poivrières anglaises. Londres, XIXe siècle. Argent poinçonné. Poinçons sur les trois pièces. Il y a quelques bosses. Dimensions : 16 x 5,5 x 5,5 cm. la plus grande. Ensemble de trois salières ou poivrières britanniques entièrement en argent poinçonné, avec des marques d'orfèvres londoniens. Le corps élancé et moulé repose sur une base circulaire à gradins. Le dôme supérieur est ciselé et ajouré pour le salage. Un petit pinacle en guise de bouton décoratif couronne les pièces et facilite leur ouverture.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 44 - Paire de salières anglaises, vers 1900. Argent poinçonné. Poinçons sur les deux pièces : "Birmingham, 1906", par "William Hutton & Sons". Présente quelques défauts. Dimensions : 9 x 3 x 3 cm. Paire de salières britanniques entièrement réalisées en argent poinçonné, avec le nom de l'orfèvre. Le corps élancé et moulé repose sur une base circulaire à gradins. Le dôme supérieur est orné d'un décor ciselé et ajouré pour le salage. Un petit pinacle couronne les pièces.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 45 - Théière anglaise, vers 1900. En argent. Poignée et manche en bois ébonisé. Poinçons sur un côté, marques d'origine et d'orfèvre au verso : "London. Goldsmith & Silversmith, 1902". Légers défauts au niveau de la poignée. Dimensions : 15,5 x 25 x 11 cm. Théière britannique de la fin de la période victorienne. Réalisée en argent à l'exception de l'anse et du bouton en bois ébonisé, elle présente un corps à demi galonné. Les gallons ornent la panse en guise de gaine. Ils sont travaillés en relief et le même motif est répété sur le couvercle. Le design a recherché un contraste de matériaux et de formes, entre l'ornementation d'inspiration organique du corps en argent et la section angulaire de la poignée en bois.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 46 - Coffre espagnol. Période Carlos IV, fin XVIIIe-début XIXe siècle. Bois ébonisé et os ciselé à l'encre (dont un portrait de Charles IV). Il présente des marques d'usage, des usures et des défauts. Dimensions : 11 x 14 x 8,5 cm. Coffre du règne de Charles IV. La structure en bois ébonisé a été recouverte de feuilles d'os dans lesquelles sont développées des batailles et des scènes de campagne, ainsi que des motifs hybrides caractéristiques des grotesques : mascarons joints à des branches végétales, etc. Il comporte également un portrait du monarque. Le coffre repose sur des pieds en forme de lentilles et son couvercle à pans coupés est également décoré d'os sur ses quatre faces.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 47 - Cuillère à sauce géorgienne. Angleterre, dernier tiers du XVIIIe siècle. Argent ciselé. Manche en bois. Dimensions : 3 x 7 x 5,5 cm (cuillère) ; 27 cm (longueur du manche). Cuillère à sauce anglaise du XVIIIe siècle en argent repoussé et ciselé, avec des motifs feuillagés tels que des rinceaux et des bordures, ainsi que des grappes de raisin. Elle présente la base entourée d'une bordure étoilée. Elle est de style géorgien.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 48 - Coupe anglaise, XIXe siècle. En argent poinçonné. Poinçons sur une face. Intérieur en argent vermeil. Présente quelques coups. Dimensions : 16 x 10 x 10 cm. Coupe anglaise du XIXe siècle entièrement réalisée en argent. La partie inférieure de la coupe est soulignée par des godrons formant un relief de gaine. L'intérieur est en argent vermeil. Le pied repose sur une base circulaire bordée d'encoches décoratives.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 49 - Paire d'étagères à épices anglaises, début du 19e siècle. Argent poinçonné. Avec des poinçons sur les deux pièces et la signature de l'orfèvre avec ses initiales : "London. E.W., 1804" Dimensions : 3 x 8 x 6 cm. Paire de porte-épices britanniques du XIXe siècle entièrement en argent. Leur corps est facetté et octogonal dans sa section, ovale à l'intérieur.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 50 - Couverts de douze services ; Matilde Espuñes (1909 - 1950). Argent. Ensemble de 130 pièces. Il présente des initiales gravées. Dimensions : 30 cm. (hauteur principale) ; 10 cm. (petite hauteur). Poids : 5 874 g (sans les couteaux). Le lot comprend : 12 fourchettes de table ; 12 couteaux de table ; 12 cuillères à soupe ; 12 fourchettes à poisson ; 12 pelles à poisson ; 12 couteaux à dessert ; 12 fourchettes à dessert ; 12 cuillères à dessert ; 12 cuillères à moka ; 10 pièces de service ; 12 fourchettes de table supplémentaires. Espuñes a été fondé à Madrid en 1840 par le Catalan Ramón Espuñes, mais ce sont les progrès réalisés par son fils Luis et sa vision commerciale qui donneront plus de prestige et de renommée à l'entreprise familiale. Bien que la plupart des travaux soient destinés à la création de pièces à usage civil telles que des couverts, ils reçoivent le titre d'orfèvres de la maison royale pour les Vases de table de Colomb, un cadeau à la reine Isabelle II qui comprend un chandelier représentant Colomb recevant des cadeaux des Indiens d'Amérique. L'entreprise acquiert une telle notoriété et un tel volume qu'elle ne se contente pas de vendre ses produits au niveau national, mais franchit les frontières et possède même des entrepôts à Barcelone, à La Havane et à Mexico. Les initiales sont gravées.

Estim. 6 500 - 7 000 EUR

Lot 51 - Paire de chandeliers ; Espagne, XXe siècle. Argent poinçonné, repoussé et ciselé. Marques de présence sur la base. Dimensions : 43 x 41 x 41 cm (x2). Poids : 3580 g. (avec contrepoids). Paire de chandeliers à cinq lumières en argent poinçonné, repoussé et ciselé. Les pièces ont le même design de profil tourné basé sur des moulures et des saillies. La surface de l'argent est ciselée de motifs synthétiques. Les bras serpentins, décorés d'encoches incisées, ont la forme d'une pointe tournée en onglet. Ils supportent les briquets sur des soucoupes et les bouches des abat-jour sont façonnées.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 52 - Calice. Espagne (peut-être La Rioja), début du XVIIIe siècle. Argent poinçonné. Poids : 886 grammes. Marques gravées de l'orfèvre et de la localité sur la base. Il porte l'inscription : "C'est pour Notre Dame de Dabalillo (sic)". Dimensions : 26 x 16 x 16 cm. Calice entièrement réalisé en argent de qualité, dans un style baroque tardif, suivant spécifiquement les critères du baroque raffiné, basé sur l'expression de la structure, limitant l'ornementation au pied tourné élancé, à la base étagée et à la coupe avec moulure. Le nœud part de la forme du récipient classique typique du calice baroque, mais son profil commence néanmoins à prendre un chemin sinueux, évoluant vers ce qui sera le nœud par excellence du rococo : la poire inversée. Au XVIIIe siècle, l'Espagne suit les préceptes de la Contre-Réforme, qui influencent la production d'objets liturgiques d'une grande splendeur et d'un grand symbolisme pour renforcer la foi catholique. L'Église catholique encourageait l'utilisation d'œuvres d'art et d'objets liturgiques de grande qualité pour inspirer la dévotion et glorifier les rituels eucharistiques. La plupart de ces calices sont en argent et font appel à des techniques d'orfèvrerie telles que le gaufrage, le ciselage et la gravure.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 53 - Tabernacle. Espagne, XIXe siècle et suivants. En bois de pin sculpté, doré et polychrome. Présente des défauts, des usures et des interventions postérieures. Repeint. Dimensions : 96 x 59 x 44,5 cm. Tabernacle en bois de pin sculpté. Il a la forme d'une chapelle ouverte ou d'une pergola avec des colonnes solomoniques ornées de grappes de raisin qui rampent comme du lierre le long des sillons. Les chapiteaux sont d'ordre composite. Il abrite un socle à l'intérieur. Des festons et des arcs décorent l'entablement. Quatre figures travaillées en ronde-bosse (anges et archanges) ornent la coupole ajourée.

Estim. 800 - 1 800 EUR

Lot 54 - Boîte à bijoux. À la manière de Sèvres, vers 1900. En porcelaine émaillée et partiellement dorée. Montures en cuivre. La marque au dos imite celle de Sèvres. Scène signée : Garnier. Dimensions : 14,5 x 34 x 24 cm. Boîte-bijoux en porcelaine émaillée, avec des bordures et des rinceaux dorés. Sur un fond marron vermillon décoré de motifs feuillagés sont répartis plusieurs médaillons blancs décorés de compositions florales et de paysages. Le couvercle est occupé par une scène champêtre signée "Garnier". Le design du récipient est sinueux, d'inspiration organique.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 55 - Pot-pourri. France, deuxième tiers du XXe siècle. En porcelaine émaillée et partiellement dorée. Avec des marques apocryphes de Sèvres. Dimensions : 21 x 20 x 16,5 cm. Pot-pourri français en porcelaine émaillée aux tons pastel et aux bordures dorées. Il suit les modèles de Sèvres. Décoré de médaillons avec des fleurs, le fond vert bleuté est percé de petits trous, car la fonction de ce type de boîtes est de parfumer les environnements, en tant que récipient de mélanges de fleurs séchées, d'épices et d'huiles essentielles. Le couvercle est surmonté d'un bouquet floral sculptural.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 56 - Pendule de table. Style Louis XVI, fin du XIXe siècle. En bronze bruni et porcelaine polychrome. Signée avec des initiales. Présente des défauts au niveau du cadran. Dimensions : 66 x 34 x 15 cm. Pendule de table en bronze, avec un design de style Louis XVI caractérisé par un centre en forme de vase assis sur une base surélevée sur des pieds cannelés. La base, en bronze, est décorée de coquilles Saint-Jacques et de festons. Le cadran présente des chiffres romains et une bordure dorée. Il est entouré d'une plaque de porcelaine polychrome représentant une scène champêtre. L'horloge est surmontée d'une sculpture ronde représentant une jeune femme jouant du luth.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 57 - Chandelier de style Empire. France, début du XXe siècle. En bronze doré. Dimensions : 76,5 x 29 x 29 cm. Candélabre à six lumières de style Empire ou Restauration. Réalisé en bronze doré, il est composé de six bras en forme de cornes d'abondance végétales couronnées par des abat-jour feuillagés à motifs de palmettes. La tige est d'inspiration végétale, avec de fines rainures et une partie inférieure gainée de feuilles de lotus. Il repose sur un socle rectangulaire et mouluré, décoré d'une guirlande florale.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 58 - Calice. Cordoue, XVIIIe siècle. Argent poinçonné. Poids : 358 grammes. Marques sur la base. Dimensions : 22 x 14 x 14 cm : 22 x 14 x 14 cm. Calice en cordon en argent poinçonné, avec l'intérieur du récipient en argent vermeil. Il est réalisé dans un style baroque tardif, en suivant spécifiquement les critères du baroque raffiné, basé sur l'expression de la structure, en limitant l'ornementation au pied élancé et à la base. L'aspect raffiné et classique du baroque peut être apprécié dans une structure très bien pensée, avec un fût composé d'une tige qui avance des éléments rococo. Des chaînes d'ovales bordent une saillie, s'harmonisant avec le contour sinueux de la tige. Le nœud s'inspire de la forme classique du vase typique du calice baroque, mais son profil s'oriente vers ce qui deviendra la quintessence du nœud rococo : la poire inversée. Par ailleurs, on observe une succession de couches horizontales, allant du pied circulaire avec marche, en passant par les différents éléments de la structure de l'arbre dans laquelle se combinent des balustres de formes cylindriques et mixtilignes. Le calice est couronné par la coupe.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 59 - Coupe à fruits. France, XIXe siècle. Bronze et cuivre. Elle présente des marques d'usage et d'usure. Léger enfoncement sur le bord supérieur. Dimensions : 14 x 32 x 32 cm. Coupe à fruits reposant sur une base circulaire d'où émerge une tige cylindrique qui culmine dans un récipient circulaire plat. Ce dernier est orné de scènes allégoriques avec des faunes et des ornements végétaux.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 60 - Ensemble de 5 panneaux décoratifs d'époque Art Déco, années 30-40. Fer forgé peint en or. Il présente des marques d'usage et d'usure. Dimensions : 56 x 22 x 2 cm (mesures du plus grand). Ces panneaux décoratifs s'inspirent de motifs liés à l'univers de la boisson : un verre de vermouth, une bouteille de vin, une grappe de raisin en allusion au vin, une bouteille de soda pour un cocktail et un pichet de bière composent un ensemble qui rend hommage à la culture du bar et de son environnement.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 61 - Paire de chandeliers du XIXe siècle. En argent ciselé. Marques d'orfèvre sur la base. Ils présentent des marques d'utilisation, d'usure et quelques petites bosses. Poids : 1300 grammes. Dimensions : 33 x 25 x 25 cm : 33 x 25 x 25 cm. Paire de candélabres à quatre lumières entièrement en argent. Sur une base circulaire s'élève la tige moulurée et tournée avec des saillies et des profils mixtilignes. A son extrémité, il s'ouvre sur quatre bras sinueux ornés de volutes et de rinceaux nés comme des brindilles fantaisistes. Les quatre abat-jour, au corps bulbeux et ciselé, reposent sur de petites plaques.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 62 - Pendule de table. France, XIXe siècle. Marbre noir et calamine. Marques d'horlogerie à l'intérieur de la machinerie : "Franjus Raison & Thomas". Il possède une clé. Dimensions : 59 x 44 x 18 cm ; 2,5 x 13 x 8 cm : 59 x 44 x 18 cm ; 2,5 x 13 x 8 cm. Pendule de table française, époque XIXe siècle. Le groupe sculptural en calamine et travaillé en ronde-bosse représente une mère apprenant à lire à sa fille. Elles portent des robes simples mais élégantes, habilement drapées. La dame est assise sur le boîtier de l'horloge et y pose le livre ouvert. Le cadran de l'horloge est noir et les chiffres romains en or s'y détachent. La bordure du cadran, ciselée, est également dorée. La base en marbre noir repose sur des pieds griffes en métal et la façade est ornée de filets dorés.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 63 - Pendule de table garnie de style Louis XV ; France, période Napoléon III, troisième quart du XIXe siècle. Bronze ciselé, doré et bruni, cadran en porcelaine émaillée. Préserve le pendule. Présente la perte d'un briquet, la restitution d'un briquet et d'un verre d'époque postérieure. Signé sur le cadran : "Balthazard à Paris" et estampillé sur le mécanisme : "Medaille d'argent ; Vincenti & CIE". Dimensions : 53,5 x 28,5 x 26 cm ; 57,5 x 41,5 x 20 cm (horloge). Garniture composée de deux candélabres à quatre lumières et d'une horloge de table, les trois pièces qui forment l'ensemble étant entièrement réalisées en bronze doré. Il s'agit d'un attelage de design historiciste, d'inspiration classique, qui combine harmonieusement des éléments de différentes périodes classiques : baroque, renaissance, néoclassicisme et même Empire, dans un mélange fantaisiste et décoratif typique du contexte historiciste. Les candélabres sont constitués d'une superposition d'éléments, à partir d'une base formée d'ornements végétaux qui s'entrelacent, créant ainsi une conception très dynamique de la composition. Au-dessus, on trouve un corps qui se distingue par le design végétal de la tige. Enfin, dans chacun des candélabres, il y a un élément végétal sur lequel s'élève le corps de lumière, également basé sur des feuilles d'acanthe stylisées. Les briquets qui les terminent sont cylindriques, en forme de fleur puisqu'ils sont décorés de motifs en relief qui ressemblent à des pétales et couvrent toute leur surface. L'horloge suit un style similaire, avec une base similaire. Le boîtier de la montre, avec des chiffres romains en bleu cobalt sur lesquels sont disposés des chiffres arabes en relation avec les minutes, les aiguilles ajourées de couleur or suivent la ligne ornementale de la pièce. Ce type de pièces a connu une grande popularité au cours du XIXe siècle, devenant un objet de luxe et d'importance sociale. Destinés à la zone supérieure des cheminées, ces ensembles étaient généralement placés dans la chambre des visiteurs, de sorte que leur qualité et leur bon goût distinguaient celui de leur propriétaire. Préserve la pendule. Présente la perte d'un briquet, la restitution d'un briquet et d'un verre d'époque postérieure.

Estim. 4 000 - 6 000 EUR

Lot 64 - Pendule de table ; France, période Louis Philippe, vers 1845. Porcelaine modelée, émaillée et dorée. Réglée avec précision. Présente des cachets : "Medaille dòr 1844, FR breveté fournisseur du roi". Dimensions : 49 x 30,5 x 14 cm. Les initiales F.R. font référence au peintre sur porcelaine français Edmé-Alexandre-Francisque Rousseau, actif à Paris entre 1837 et 1853. Selon le Bulletin des lois de la République française (vol. 29, Paris, 1845), Francisque Rousseau a déposé un brevet en 1844 pour l'invention d'un nouveau procédé de dorure sur porcelaine. Grâce à cette invention, Rousseau reçoit la grande médaille d'or de la Société d'Encouragement pour l'Industrie Nationale et dans l'Annuaire Général du Commerce, de l'Industrie, de la Magistrature et de l'Administration de 1847 la mention à son nom est "auteur du procédé de dorure, sur tout fond coloré à mi-feu dont la grande application, le succès parfait et constant lui ont valu (plusieurs prix)...". Gaultier de Claubry loue les "perfectionnements qu'il a apportés à la décoration de la porcelaine". Il décrit le procédé par lequel Rousseau parvient à appliquer des reliefs sur des fonds colorés, sans en altérer l'éclat, pour recevoir une dorure dense. La solidité inédite de ces ornements semble avoir ouvert de nouvelles possibilités décoratives pour une plus grande variété d'objets. La "dorure inaltérable" de Francisque Rousseau permettra, selon M. Claubry, "de satisfaire à toutes les exigences de l'art et aux caprices de la mode". La popularité de ses produits et ses bas prix lui valent une attention croissante, qui aboutit à sa nomination comme Fournisseur du Roi Louis-Phillipe en 1847.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 65 - Horloge de table ; France, période de la Restauration, vers 1815 et plus tard. Bronze ciselé, doré au mercure et patiné. Pendule conservé. Présente une perte de la couronne et la suspension d'origine de la machinerie a été remplacée. Dimensions : 64 x 43 x 13,5 cm. Pendule de table avec groupe sculptural d'après le modèle prolifique du sculpteur Claude Michallon. Il s'agit d'une pièce avec une base étagée dans la partie supérieure de laquelle se trouve le cadran, avec des chiffres romains en noir. Comme dans le modèle de Michallon, sur le corps de l'horloge reposent les figures de Cupidon et Psyché travaillées en bronze patiné : Psyché pose une couronne sur Cupidon, tandis que celui-ci porte la main à sa joue dans un geste délicat plein d'amour et de tendresse. D'un point de vue formel, la position des corps est remarquable et dénote le savoir-faire de Michallon, ainsi que le soin apporté au modelage de l'anatomie et des qualités. L'attribution du dessin à Michallon (m. 1799) provient d'une facture de 1816 de Feuchère pour Würzburg dans laquelle il mentionne ce "pendule de Psyché couronnant l'amour groupe modelé par feu Michallon". Il conserve le balancier. Il présente une perte de la couronne et la suspension d'origine de la machinerie a été remplacée.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 66 - Paire de chandeliers ; France, période Empire, vers 1805. Bronze ciselé, doré au mercure et bruni. Dimensions : 47 x 22 x 12,5 cm (x2). Le lot se compose de deux chandeliers en bronze doré ayant le même design. Tous deux sont disposés sur une base circulaire, ornée d'une chaîne de motifs végétaux qui court sur le périmètre et laisse place à un intérieur avec des détails de feuilles synthétiques qui se chevauchent et s'élèvent en adoptant une forme évasée. La tige séparée du pied par une structure circulaire a été conçue comme une colonne classique. Cette zone est richement ornée d'une base de feuilles stylisées, d'un corps cannelé et d'un chapiteau. Enfin, la zone de la mèche prend la forme d'une colonne cannelée avec un briquet situé de chaque côté et le central plus haut. Les motifs ornementaux rappellent des exemples de l'art décoratif de l'époque, mais réinterprétés pour répondre au goût esthétique du XIXe siècle.

Estim. 5 000 - 7 000 EUR

Lot 67 - FERDINAND BARBEDIENNE (France, 1810-1892). "Bacchus (Antinoüs) et Ariane", vers 1850. Bronze ciselé, patiné et partiellement doré, sur un socle en marbre noir belge. Signé. Présente quelques piqûres sur la base. Avec le cachet de la réduction mécanique. Dimensions : 27 x 12 x 11 cm ; 27,5 x 12 x 11 cm. Paire de bustes en bronze représentant Bacchus et Ariane. La fonderie F. Barbedienne a été fondée à Paris en 1838 par Ferdinand Barbedienne et Achille Collas, ce dernier étant l'inventeur d'une machine permettant de réduire mécaniquement le format des sculptures. Elle se consacre d'abord à la production de reproductions en bronze de sculptures de l'Antiquité romaine et grecque, comme celle présentée ici. Le premier contrat de publication d'œuvres créées par un artiste vivant est signé en 1843 avec le sculpteur François Rude. Au cours des années suivantes, après avoir survécu à l'effondrement économique de 1848, la maison Barbedienne a signé des contrats avec de nombreux sculpteurs actifs à Paris à l'époque, dont David d'Angers, Jean-Baptiste Clesinger, Antoine Louis Barye et d'autres. Achille Collas meurt en 1859, laissant Ferdinand Barbedienne seul à la tête d'une entreprise qui compte alors environ trois cents ouvriers. En 1865, il est nommé président de l'Association des Broncistes, poste qu'il occupe jusqu'en 1885. Cependant, le déclenchement de la guerre franco-prussienne en 1870 et la pénurie de métaux bruts qui s'ensuit obligent Barbedienne à interrompre sa production artistique, bien qu'il signe un contrat avec le gouvernement français pour la fabrication de canons, ce qui lui permet de maintenir la fonderie ouverte. Après la guerre, il reprend sa production sculpturale et redouble d'efforts pour signer des contrats avec différents sculpteurs. À sa mort en 1891, il est salué comme le meilleur fondeur de France, et Albert Susse le qualifie de "fierté nationale". La direction de la fonderie est alors confiée au neveu de Barbedienne, Gustave Leblanc, qui maintient la qualité de la production et ouvre des succursales en Allemagne, en Angleterre et aux Etats-Unis. Elle présente quelques piqûres à la base.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 68 - Paire de chandeliers ; France, période de restauration, vers 1815. Bronze ciselé, patiné, doré au mercure et bruni. Dimensions : 65 x 29 x 29 cm (x2). Paire de chandeliers de style Restauration et d'époque. Chacun d'eux a un corps de lumière avec cinq bras de type lustre, dorés et décorés de motifs végétaux, plus une sixième lumière dans l'abat-jour central. Les corps de lumière sont soutenus par des fûts en bronze à trois cannelures, placés dans un piédestal à trois pieds en bronze doré, richement sculpté de motifs rocaille et d'éléments végétaux, qui se termine par des pieds en griffe de lion. La dorure au mercure est de grande qualité, comme en témoigne son opulent éclat. Les pieds reposent sur une base moulurée. Des feuilles d'acanthe, des briquets sculptés, des corolles florales et des gaines feuillagées alternent dans les rehauts de dorure avec le noir uni de la tige et de la base. Tous ces motifs, ainsi que l'ensemble du design, sont directement inspirés de l'ornementation du néoclassicisme.

Estim. 6 000 - 9 000 EUR

Lot 69 - Boîte à bénédiction ; Augsbourg, dernier quart S. XVI. Bois d'ébène sculpté et poli ; argent ciselé et repoussé. Étude jointe du Dr Rosario Coppel. Dimensions : 52 x 32 x 12 cm. Le coffret de bénédiction est composé d'un cadre en bois d'ébène en forme de temple grec avec des colonnes solomoniques flanquant un relief central en argent où se déroule l'"Adoration des bergers". Il comporte à son tour différents ornements dans ce matériau : un relief avec le buste de Dieu le Père dans la partie supérieure du fronton fendu et, des deux côtés, deux figures féminines allégoriques couchées. Le bassin se trouve dans la partie inférieure, entre les colonnes susmentionnées - dont les chapiteaux corinthiens et les bases sont travaillés en argent -, avec une tête de chérubin sur des guirlandes entourées de grenades et de feuilles d'acanthe dans son dépôt. Il présente également une série d'applications ajourées dans le stylobate et la frise. L'iconographie, les caractéristiques formelles et la richesse des matériaux suggèrent qu'il a dû être créé à l'origine pour l'oratoire privé d'un client important. Les figures principales du relief central ont été représentées avec beaucoup de soin et présentent des caractéristiques très particulières, comme les joues creusées des personnages masculins, les mains aux longs doigts, le mouvement des vêtements et l'expressivité des visages. Les figures de l'arrière-plan et le buste de Dieu le Père, en revanche, sont plus esquissés. La scène en relief pourrait être inspirée d'une estampe, tandis que la structure et les modèles, certains naturalistes et d'autres idéalisés, rappellent l'œuvre de Guglielmo della Porta (1515 - 1577). Les figures féminines se retrouvent dans les dessins du sculpteur, ainsi que dans certaines de ses œuvres, tout comme les anges ou la tête de chérubin. La composition générale apparaît également dans les pyxides, reliquaires et autres éléments de dévotion créés par le sculpteur et par les orfèvres qui l'assistaient dans son atelier. Le coffret de bénédiction, bien qu'il soit lié à l'œuvre de Guglielmo della Porta, présente certains éléments formels qui nous invitent à le classer parmi les productions allemandes de la ville d'Augsbourg, un centre exceptionnel pour la production d'objets en métal. L'élégante combinaison de l'argent et de l'ébène est caractéristique de la région, et il existe de nombreux exemples connus, tels que ceux produits par Matthäus Walbaum (1554 - 1632). Les motifs décoratifs en argent, tels que des fleurs, des feuilles ou des moulures en forme de corniche sur une structure en ébène, rappellent ceux de pièces telles que l'autel de la "Reiche Kapelle" à Munich, par Hans Scheibel et Jakob Anthoni. 1600), dans le "Cabinet poméranien" (vers 1610), création, précisément, de Matthäus Walbaum ou l'autel portatif de Jeremias Flicker (vers 1647), dont le relief est une copie de celui représenté dans le "Calvaire" de l'Escurial, œuvre d'Antonio Gentile d'après un modèle de Guglielmo della Porta. En outre, le style utilisé pour le relief de la boîte de bénédiction est très proche de ce que l'on appelle le "Maître GP", un orfèvre qui travaillait à Augsbourg dans le dernier quart du XVIe siècle. L'"Adoration des bergers", un relief en argent qui se trouve au Musée "für Kunst und Gewerbe" de Hambourg, est similaire à celui étudié, non seulement en ce qui concerne les modèles des figures, mais aussi en ce qui concerne la construction du fond et, surtout, en ce qui concerne le groupe d'anges dans le tiers supérieur qui, sur un demi-cercle de nuages, tiennent un phylactère où l'on peut lire : "Gloria in excelsis dell'arte" : GLORIA IN EXCELSIS DEO. PAX HOMINIBVS". Les deux œuvres ont en commun un dessin audacieux, aux traits sûrs mais schématiques, les figures étant représentées avec beaucoup de détails, révélant la texture des matériaux. Vous trouverez ci-joint une étude réalisée par le Dr Rosario Coppel.

Estim. 30 000 - 35 000 EUR

Lot 70 - Table console de style élisabéthain ; vers 1860. Marbre et bois stuqué et doré. Elle est légèrement endommagée. Dimensions : 94,5 x 127 x 58,5 cm : 94,5 x 127 x 58,5 cm. Les quatre pieds de la table console ont une légère forme de cabriole, un front sculpté de rinceaux et d'éléments végétaux, et sont reliés à la base par des chambranles également décorés de feuilles d'inspiration classique, qui se rejoignent dans une forme centrale. La taille de la table présente deux zones incurvées vers les extrémités, et une façade ajourée avec le même type de décoration d'inspiration antique que les pieds : tiges, guirlandes... Le plateau supérieur suit les lignes du meuble : angles avant incurvés et petite saillie vers l'avant. Il s'inspire clairement d'éléments décoratifs empruntés soit à la Renaissance, soit à l'Antiquité classique (plus à la Rome impériale qu'à la Grèce), comme il est d'usage dans les œuvres relevant du néoclassicisme. Cependant, le mouvement du panneau supérieur, le décor ajouré de la façade, les pieds cabriole légers et l'abondance de décorations et de dorures sur ce meuble s'apparentent également à une continuation des formes d'un autre style du XVIIIe siècle, le rococo : Le rococo.

Estim. 500 - 700 EUR

Lot 71 - Ensemble de 2 saucières géorgiennes et de 2 cuillères à café victoriennes. Londres, Angleterre, 19e siècle. En argent. Intérieur en argent vermeil. Avec des marques sur toutes les pièces. Orfèvres non identifiés Dimensions : 6,5 x 80 cm (la plus grande saucière) ; 10,5 cm (cuillères à café). Ensemble de deux saucières d'époque géorgienne entièrement en argent (l'intérieur des verres, en argent Vermeille). Elles sont en forme de coupes avec une base circulaire ciselée de filets parallèles, le même motif est répété sur l'embouchure. Un lion est ciselé sur les panses. Deux cuillères à café, également en argent anglais mais d'époque victorienne, complètent la paire.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 72 - ANTOINE-LOUIS BARYE (France, 1795 - 1875). "Jaguar dévorant un oiseau capturé". Bronze. Ferdinand Barbedienne Fondeur. Signé par l'artiste et l'éditeur. Dimensions : 16 x 43 x 17 cm. Sculpteur clé du romantisme français, Barye a commencé sa formation auprès de son père, orfèvre, puis il l'a prolongée avec les professeurs François Joseph Bosio et Antoine-Jean Gros, à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, où il est entré en 1818. Ses sculptures animalières, largement initiatrices du genre, sont particulièrement appréciées. Il possède sa propre fonderie, collabore avec Viollet-le-Duc sur un projet commandé par Napoléon III et est le professeur d'Auguste Rodin. Il présente ses œuvres au Salon de Paris et réalise des monuments comme le "Lion au serpent" du jardin des Tuileries (1833), commandé par le roi. Il est actuellement représenté aux musées du Louvre et d'Orsay à Paris, à la National Gallery de Londres, à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, à l'Albertina de Vienne, à l'Art Institute de Chicago et au Smithsonian de Washington D.C., entre autres musées du monde entier.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 73 - École française du XIXe siècle. "Mousquetaire". Bronze. Dimensions : 51 cm. Cette sculpture nous présente un mousquetaire dans une attitude décontractée. Le beau jeune homme porte l'habit typique avec des parures élégantes et un chapeau à plume.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 74 - ÉTIENNE MÉLINGUE (Caen, 1807-1875). "Molière". Bronze. Susse Frères Editeur. Signé, avec le cachet de l'éditeur et titré. Dimensions : 26 cm. Molière était un célèbre dramaturge français. Il est considéré comme l'un des plus grands dramaturges de l'histoire et le père de la comédie française. Sa relation avec le théâtre commence en 1643 lorsqu'il signe, avec la famille Béjart, comédiens, l'acte de constitution de l'Illustre Théâtre, qu'il dirigera sans grand succès un an plus tard. Pendant cinq ans, Molière quitte la capitale française pour être comédien, puis revient en 1650 pour prendre la direction de la troupe. Très vite, ses farces et ses pièces comiques deviennent célèbres et sont installées par le roi de France au théâtre du Petit-Bourbon. Ses pièces commencent à gagner en popularité, suivant la maxime "corriger les mœurs par le rire", ce qui, avec la protection royale, vaut à Molière de se faire des ennemis parmi ceux qui sont ridiculisés dans ses pièces. En 1664, il est nommé responsable des divertissements de la Cour ; cette même année est créée "Tartuffe", une pièce critiquant l'hypocrisie religieuse et qui provoque des réactions de colère parmi les classes conservatrices, ce qui oblige le roi à interdire la pièce pendant cinq ans. Grâce au soutien royal, la compagnie devient cependant la Compagnie royale. Bien que sa santé commence à décliner, Molière continue d'écrire des pièces immortelles telles que "Le Misanthrope" et "Le Médecin de Bâton". Sa dernière pièce, "Le Malade imaginaire", est malheureusement restée dans l'histoire en raison de l'attaque que l'acteur et auteur lui-même a subie lors d'une de ses représentations, attaque dont il ne s'est pas remis et dont il est mort. Acteur, sculpteur et peintre passionné de théâtre, Étienne Marin Mélingue fut l'interprète populaire du drame romantique du type de celui popularisé par Alexandre Dumas père. L'un de ses plus grands succès est celui de Benvenuto Cellini, dans lequel il démontre ses talents d'acteur et de sculpteur en modelant sous les yeux du public une statue d'Hébé. Sa femme était également actrice.

Estim. 700 - 900 EUR

Lot 75 - D'après ANDREA DEL VERROCCHIO (Florence, 1435 - Venise, 1488). "Le Condottiero Bartolomeo Colleoni". Bronze. Ferdinand Barbedienne Fondeur. Dimensions : 16 x 43 x 17 cm. Réplique en moyen format du monument équestre en bronze dédié au Condottiero Bartolomeo Colleoni, d'une hauteur de 395 cm sans le piédestal, réalisé par Andrea del Verrocchio entre 1480 et 1488 et situé à Venise, sur la place des Saints Jean et Paul. Il s'agit de la deuxième statue équestre de la Renaissance, après le monument à Gattamelata de Donatello à Padoue, 1446-53. Son histoire remonte à 1479, lorsque la République de Venise décréta la réalisation d'un monument équestre dédié à ce Condottiero, mort trois ans plus tôt, à placer sur la Piazza dei Santi Giovanni e Paolo. En 1480, Verrocchio fut chargé de l'exécuter et commença le travail dans son atelier de Florence. En 1481, le modèle en cire est envoyé à Venise, où l'artiste se rend en 1486 pour diriger personnellement la fonte du modèle définitif, en bronze à la cire perdue. Andrea Verrocchio meurt en 1488 en laissant l'œuvre inachevée, bien que la maquette en cire soit conservée. Dans son testament, il charge Lorenzo di Credi de poursuivre le projet. Cependant, la Seigneurie de Venise préféra l'artiste local Alessandro Leopardi, peintre et sculpteur, pluridisciplinaire à la moderne, comme l'avait été Verrocchio lui-même. L'artiste florentin a basé la création du monument sur la statue équestre de la Gattamelata de Donatello, les statues antiques de Marc Aurèle et des chevaux de Saint-Marc (XIIIe siècle) et de la Regisole (une œuvre de l'antiquité tardive à Pavie, perdue au XVIIIe siècle). Il y avait également des fresques de Giovanni Acuto, Paolo Ucello et Andrea del Castagno. Il y avait, d'autre part, l'important problème technique de représenter le cheval avec une patte avant levée, dans une position majestueuse en avant, que Donatello avait prudemment résolu en plaçant une sphère sous la patte levée. Verrocchio sera le premier à réussir à ériger une statue équestre reposant uniquement sur trois jambes.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 76 - PAUL GUSTAVE DORÉ (Strasbourg, 1832-Paris, 1883). "La Défense Nationale. Bronze. Signé. Dimensions : 57 cm. Paul Gustave Doré était un artiste berger allemand français, peintre, sculpteur et illustrateur, considéré dans son pays comme le dernier des grands illustrateurs. Il commence sa formation artistique en travaillant avec Charles Philipo, qui publie une lithographie par semaine. Plus tard, il reçoit diverses commandes de François Rabelais, Honoré de Balzac et Dante Alighieri, ce qui lui permet, encore très jeune, de facturer davantage que son contemporain Honoré Daumier. En 1853, il enlumine certaines œuvres de Lord Byron. En 1862, il voyage en Espagne avec le baron Davillier. À la suite de ce voyage, il publie l'année suivante une série de chroniques sur Valence, la Galice et l'Andalousie, avec des séjours spécifiques à Grenade, Madrid et d'autres capitales espagnoles. L'ouvrage est inclus dans la collection Le Tour du Monde. Au cours de la même décennie, en 1860, Doré illustre une édition française de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes, en s'inspirant de son expérience de la géographie espagnole. Doré signe ensuite un contrat de cinq ans avec l'éditeur Grant & Co. Cela signifie qu'il doit passer au moins trois mois par an à Londres. Le livre London : A Pilgrimage, avec 180 gravures, est publié en 1872. Bien qu'il s'agisse d'un succès commercial, de nombreux critiques n'apprécient pas cette publication, scandalisés par le fait que Doré montre dans ses œuvres la pauvreté qui règne à Londres. Il est accusé par l'Art Journal d'être un "fantaisiste plutôt qu'un illustrateur", et dénoncé dans d'autres revues importantes, comme la Westminster Review. Cependant, le succès de London : A Pilgrimage lui vaut de nombreuses autres commandes de la part d'éditeurs anglais.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 77 - ANTOINE-LOUIS BARYE (France, 1795 - 1875). "Aigle tenant une grue", vers 1860-1880. Bronze patiné. F. Barbedienne Fondeur, Paris. Signé par l'artiste et la fonderie. Dimensions : 31 x 30 x 24 cm. Sculpteur clé du romantisme français, Barye commence sa formation auprès de son père, orfèvre, puis l'approfondit auprès des maîtres François Joseph Bosio et Antoine-Jean Gros, à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, où il entre en 1818. Ses sculptures animalières, largement initiatrices du genre, sont particulièrement appréciées. Il possède sa propre fonderie, collabore avec Viollet-le-Duc sur un projet commandé par Napoléon III et est le professeur d'Auguste Rodin. Il présente ses œuvres au Salon de Paris et réalise des monuments comme le "Lion au serpent" du jardin des Tuileries (1833), commandé par le roi. Il est actuellement représenté aux musées du Louvre et d'Orsay à Paris, à la National Gallery de Londres, à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, à l'Albertina de Vienne, à l'Art Institute de Chicago et au Smithsonian de Washington D.C., entre autres musées du monde entier.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 78 - JEAN-BAPTISTE PIGALLE (Paris, 1714-1785). "Michel de Montaigne". Bronze. Signé. Dimensions : 37 cm. de hauteur. Sculpture en bronze signée par Jean-Baptiste Pigalle représentant le philosophe et écrivain de la Renaissance Michel de Montaigne, auteur des "Essais" et inventeur du genre de l'essai. Il apparaît ici sous les traits d'un humaniste à la physionomie aristocratique, au collet relevé, un livre ouvert sur les genoux. Jean-Baptiste Pigalle était un sculpteur français. Issu d'une famille d'ébénistes, il apprend la sculpture auprès de Robert Le Lorrain et de Jean-Baptiste Lemoyne. Il est surtout influencé par Edmé Bouchardon. Il s'installe en Italie de 1734 à 1737. Considéré comme un grand maître par ses contemporains, son œuvre se situe stylistiquement à cheval entre les périodes baroque et néoclassique. L'une de ses œuvres les plus connues est "Mercure nouant ses sandales", conservée au musée du Louvre.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 79 - PIERRE MARIE-POISSON (Niort, 1876 - 1953, Paris). "Vénus et Apollon". Bronze. Avec le cachet de la fonderie Bisceglia Frères. Signé par l'artiste. Dimensions : 26,5 et 29,5 cm (hauteur). Pierre-Marie Poisson est un sculpteur et médailleur français. Il étudie la sculpture à l'Ecole des Beaux-Arts de Toulouse de 1893 à 1896, où il est formé aux arts plastiques et au plâtre. Il complète cet enseignement à l'atelier Barrias à Paris. En 1907, il obtient une médaille d'honneur au Salon des artistes français et une affectation à la villa Abd-el-Tif à Alger dont il conçoit et réalise les décors. Il y retourne régulièrement jusqu'en 1914. Il est l'auteur d'un buste de Marianne en style nu et massif, commandé en 1932 par Jean Mistler, sous-secrétaire d'État aux Beaux-Arts, pour remplacer le buste officiel de Marianne par Jean-Antoine Injalbert. Il collabore, avec d'autres artistes, à la réalisation des décorations des paquebots France en 1912, Ile-de-France en 1927 et Normandie en 1935. Il obtient la décoration de commandeur de la Légion d'honneur commandeur de la Légion d'honneur. Pierre-Marie Poisson a été nommé chevalier de l'Ordre national de la Légion d'honneur par décret du 12 août 1923, promu officier par décret du 25 août 1937 et enfin commandeur par décret du 4 février 1952. En ce qui concerne la fonderie, Mario Bisceglia s'installe à Paris en 1906, encouragé par Henri Bouchard qu'il a rencontré en Italie. Vers 1907, il crée sa propre fonderie avec deux de ses frères, travaillant selon la technique de la cire perdue. La fonderie est connue pour ses patines particulièrement fines.

Estim. 4 500 - 5 500 EUR

Lot 80 - PIETRO PAOLETTI (Belluno, 1801-1847). Souvenir didactique du Grand Tour. Livre avec plâtres. Dimensions : 27 x 17 x 5 cm. Collection de médaillons en plâtre du "Grand Tour" présentée dans trois volumes de boîtes de faux livres. Chaque volume comprend deux compartiments avec une variété de moulages en plâtre de camées, de sculptures et de monuments gravés. Le catalogue des contenus est inscrit à la main à l'intérieur des couvertures avant et arrière. La firme Paoletti a été annoncée dans le guide du comte Hawks, Le Grice Walks Through the Studii of the Sculptors at Rome (1841), comme suit : "La firme Paoletti est priée d'informer le comte Hawks qu'elle n'a pas d'autre choix que de faire appel à ses services : Paoletti prie le public d'être informé qu'il a préparé une collection d'estampes (Impronte in Scajola) de nombreuses œuvres de sculpture exécutées par d'illustres artistes. .... Bien que les Impronte ne soient que des copies miniatures, elles présentent néanmoins toute la fidélité et la beauté de l'original et donnent à l'œil une meilleure idée des œuvres d'art sculptées que les gravures plus achevées. Les Paoletti, dont l'atelier était situé sur la Piazza di Spagna à Rome jusqu'en 1847, jouissaient d'une excellente réputation et comptaient parmi leurs clients la Grande Catherine de Russie et Ferdinand III, grand-duc de Toscane. Après la mort de Pietro, l'entreprise a poursuivi ses activités au moins jusqu'en 1865. Des exemples de moules Paoletti sont conservés au Victoria & Albert Museum de Londres et au Yale Center for British Art de New Haven, Connecticut.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 81 - Obélisque du Grand Tour. Italie, vers 1830. Marbre noir de Belgique. Dimensions : 53 x 12 cm. L'obélisque, pièce décorative très appréciée dans le monde entier, est un monument en pierre en forme de pilier, de section carrée, à quatre faces trapézoïdales égales, légèrement convergentes, surmontées au sommet d'une petite pyramide. Les obélisques étaient très utilisés dans l'Égypte ancienne. Le terme "Grand Tour", qui apparaît pour la première fois dans l'ouvrage "El Voyage d'Italie" de Richard Lassels, est le terme utilisé pour définir le long voyage à travers l'Europe, en particulier l'Italie, qui était généralement effectué par de jeunes aristocrates britanniques à partir du XVIIe siècle, mais surtout tout au long des XVIIIe et XIXe siècles. Le but de ce voyage était pour les jeunes gens de se familiariser avec l'art et la culture de la France et de l'Italie, d'admirer l'art classique de première main, d'apprendre ou d'améliorer leur connaissance des langues, et d'établir des contacts et des relations avec les élites culturelles et politiques de ces pays. Les voyageurs étaient souvent à la recherche de pièces pour commencer leur propre collection d'art, d'objets à rapporter dans leur lieu de résidence en guise de souvenirs. C'est pourquoi des ateliers spécialisés dans la réplique de pièces romaines, en bronze ou en marbre, ont vu le jour, dont certains ont acquis une grande réputation.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 82 - Modelé d'après l'obélisque de Louxor, vers 1850. Bronze patiné. Base en marbre noir de Belgique. Dimensions : 66 x 17 x 17 cm. Cet obélisque reproduit l'original du temple de Louxor dans l'ancienne Thèbes, placé depuis 1836 au centre de la place de la Concorde à Paris, France. L'obélisque, datant du 13e siècle avant J.-C., mesure 23 mètres de haut. J.-C., mesure 23 mètres de haut et pèse 222 tonnes, auxquelles il faut ajouter les 240 tonnes du piédestal. Le monument est en granit rose d'Assouan. Dans les mêmes carrières, on a trouvé un obélisque inachevé qui a attiré l'attention des archéologues.

Estim. 5 000 - 5 500 EUR

Lot 83 - Modelé d'après l'obélisque d'Hatchepsout dans le grand temple d'Amon, vers 1840. Bois de noyer sculpté. Dimensions : 74 x 15,5 x 15,5 cm. Cet obélisque reproduit l'original situé dans le Grand Temple d'Amon à Karnak. Il est formé d'un seul morceau de granit rose et a une hauteur de près de 30 mètres. Actuellement, un seul des obélisques d'Hatchepsout se trouve encore à son emplacement d'origine. Sa paire est visible sur le sol du temple, ce qui permet d'apprécier en détail ses inscriptions.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 84 - Attribué à Hans Mayr. Oberammergau, Bavière, vers 1865. D'après LEONARDO DA VINCI (Anchiano, Italie, 1452-Amoise, France, 1519). "La Cène. Bois de tilleul sculpté. Dimensions : 38,5 x 13 x 16 cm. À quelques encablures du Tyrol autrichien, la petite ville d'Oberammergau abritait au XIXe siècle de nombreux artisans sculpteurs sur bois, spécialisés dans la création de figures religieuses. Un autre exemple de cette Cène se trouve sur le domaine de Kingston Lacy dans le Dorset, en Angleterre (Inv. NT 1254554 2). Dans ce groupe sculptural, l'auteur a choisi le moment le plus dramatique de la Cène, lorsque Jésus, après avoir béni le pain et le vin, annonce que l'un de ses disciples va le trahir (Jean 13:21). Cette déclaration provoque la consternation parmi les douze disciples de Jésus, et c'est ce moment que l'auteur représente, en essayant de refléter les sentiments de chacun, en individualisant les personnages ; certains sont étonnés, d'autres sont effrayés, d'autres encore commentent entre eux la nouvelle.

Estim. 6 000 - 6 500 EUR

Lot 85 - Attribué à EDGAR BRANDT (Paris, 1880-Collonge-Bellerive, Suisse, 1960). France, vers 1925. Cendrier en forme de véritable gruya. Fer forgé. Base en marbre de Sienne. Dimensions : 100 x 35 x 14,5 cm : 100 x 35 x 14,5 cm. Cendrier de salle en fer forgé martelé décoré d'un oiseau stylisé aux longues pattes sur une base en marbre jaune. Faussaire français, Edgar Brandt a été l'un des plus importants artisans du fer de la période Art déco française, franchissant le pas de l'internationalisation et étendant sa renommée dans le monde entier. Il a réalisé des treillis et des lampes pour de nombreuses maisons privées et des hôtels ; il a également reçu des commandes publiques, comme le monument à la Première Guerre mondiale. Brandt expose aux Salons annuels, où il présente une grande variété d'objets métalliques non architecturaux, tels que des grilles, des cache-radiateurs, des lampes ou des consoles. L'Exposition de 1925 fournit à Brandt de nombreuses occasions de présenter son travail, à commencer par l'imposante entrée de l'Exposition, la Porte d'honneur. Il a toujours eu une grande facilité à combiner les matériaux : généralement le fer forgé et le bronze, mais aussi le cuivre doré et, plus tard, l'acier, l'aluminium ou l'alliage "Studal" dont Raymond Subes était un adepte.

Estim. 5 000 - 5 500 EUR

Lot 86 - Attribué à GIACOMO et GIONANNI ZOFFOLI (Rome, XVIIIe siècle). D'après un original de "GIAMBOLOGNA", JEAN DE BOLOGNE (Douai, Flandres, 1529 - Florence, 1608). "Mercure", vers 1800. Sculpture en bronze. Yeux en argent. Base en marbre serpentin. Dimensions : 115 x 27 cm. L'atelier de fonderie des Zoffoli était l'un des plus célèbres et des plus prolifiques de Rome au XVIIIe siècle. L'œuvre est inspirée de la sculpture originale de l'artiste d'origine flamande Jean de Bologne, plus connu sous la forme italianisée de son nom, "Giambologna", aujourd'hui conservée au musée du Bargello à Florence. L'œuvre, réalisée à l'origine en 1567, représente la divinité classique Mercure (version romaine de l'Hermès grec), le messager des dieux. L'artiste a cherché à traduire la légèreté et la rapidité du personnage par une posture d'une grande audace. Le dieu défie les lois de la gravité en s'appuyant uniquement sur la pointe de ses pieds, qui touchent à peine la base de la sculpture, constituée d'une tête masculine expirant une bouffée d'air. Il s'agit de la personnification du vent du sud, figure également divinisée dans la mythologie classique et alliée de Mercure dans la propagation des nouvelles, bonnes ou mauvaises. Malgré cette base réduite, l'artiste a réussi à créer une œuvre très équilibrée, où les gestes des bras et des jambes sont parfaitement dosés pour permettre au bronze de se soutenir sans avoir besoin d'éléments supplémentaires. Ainsi, le bras droit s'élève vers le ciel dans un geste expressif, tandis que le bras gauche recule et l'équilibre en tenant la baguette emblématique du héraut. Avec cette œuvre pleine de mouvement, de grâce et de délicatesse, où l'artiste travaille aussi admirablement le nu, se trouvent résumées certaines des contributions les plus remarquables de la Renaissance classique italienne : la récupération de l'Antiquité, tant dans les thèmes que dans les formes, la sculpture monumentale isolée ou le nu, masculin et féminin. D'autre part, la recherche du mouvement, du dynamisme, voire de l'instabilité de la figure, prélude à certains aspects du maniérisme et des tendances baroques de la fin du XVIe et du XVIIe siècle.

Estim. 6 000 - 6 500 EUR

Lot 87 - D'après ANTOINE-DENIS CHAUDET (France, 1763-1810). Berlin, vers 1820-1830. "Buste de Napoléon en empereur romain. Zinc. Dimensions : 60 x 32,5 x 26 cm : 60 x 32,5 x 26 cm. Chaudet était un sculpteur français de style néoclassique. Il commence sa formation artistique comme élève de Jean-Baptiste Stouf à l'Académie royale de peinture et de sculpture. En 1784, son bas-relief "Joseph, vendu comme esclave par ses frères" remporte le prix de Rome. Il étudie à Rome, mais revient en France en 1802 pour peindre des portraits en marbre de Napoléon. En 1805, Napoléon apprécie cette représentation de lui-même dans la peau d'un empereur romain, et elle est adoptée comme portrait officiel de Napoléon jusqu'en 1810. Chaudet devient membre de l'Institut de France et, en février 1810, occupe le poste de professeur-recteur à l'École des Beaux-Arts.

Estim. 8 000 - 8 500 EUR

Lot 88 - D'après BARTHÉLÉMY TREMBLAY (Louvres, France, 1568-1629). France, vers 1825-1830. "Buste du roi Henri IV. Bronze patiné. Base en marbre. Dimensions : 41 x 22 x 22 x 15 cm. Le buste que nous présentons aujourd'hui est basé sur la sculpture originale réalisée par le Français Barthélemy Tremblay pour Henri IV, aujourd'hui visible au château de Pau. Une copie en plâtre peint en noir de cette sculpture est conservée au Musée national militaire de La Flèche. Cette pièce a été réalisée en 1817 et offerte par le maréchal duc de Feltre.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 89 - Petit trône de Toutankhamon néo-égyptien. Paris, vers 1920. Bois de rose. Dimensions : 49,5 x 25,5 x 24,5 cm. Le dossier ajouré de cette chaise se distingue par la représentation du dieu Heh agenouillé sur le signe représentant l'or. Il tient dans sa main la tige du palmier. Autour de lui et sur tout le cadre de la chaise sont inscrits les titres du souverain. Sur les cartouches de hiéroglyphes, le nom de Tut est indiqué. La campagne de Napoléon en Égypte en 1798 fut le point de départ de l'égyptomanie qui allait dominer l'art français au début du XIXe siècle. Le futur empereur et ses troupes ont pu voir de près les grands temples, les sculptures monumentales et les pyramides, mais les principaux artisans de la diffusion de ces images sont les artistes qui accompagnent les troupes et qui se consacrent à la réalisation de croquis et d'aquarelles des différents paysages. Lorsque ces œuvres sont arrivées en France, elles ont été gravées et ont servi de base à de grandes peintures à l'huile. Grâce à ces images, un nouveau répertoire iconographique est arrivé en Europe, basé sur l'art égyptien antique mais recréé avec liberté et fantaisie.

Estim. 2 000 - 2 200 EUR

Lot 90 - MANUEL RODRÍGUEZ VÁZQUEZ (Castellón, 1937). "Nu féminin", 1980. Sculpture en bronze. Signée et datée sur la base. Dimensions : 72 x 14 x 14 cm. Sculpteur né à Navajas en 1937 dans le manoir de la famille Corell-Ayora, où son père était jardinier. Il y passe son enfance et c'est dans ses jardins qu'il commence à développer son amour pour l'art, en dessinant la beauté de la nature et en modelant la boue de la campagne. Ses premiers contacts formateurs ont lieu à l'école des arts et métiers, où il obtient tous les prix. Son activité de sculpteur débute à Valence, où il réalise des œuvres sur commande, qu'il alterne avec des sculptures libres et des bustes des personnages du salon, ce qui lui vaut d'être connu comme "le sculpteur des artistes". Il a obtenu de nombreux prix et mentions tout au long de sa carrière professionnelle et ses œuvres figurent dans de grandes collections publiques et privées dans tout le pays.

Estim. 750 - 800 EUR

Lot 91 - Horloge astronomique ; France, fin du XIXe siècle. Bronze et marbre. Elle présente des défauts dans le marbre et doit être restaurée. Préserve le pendule. Signée sur le cadran. Dimensions : 43 x 24 x 27,5 cm. Pendule avec une base en marbre rouge griotte avec un veinage expressif. Au centre de la base se trouve le boîtier avec un cadran rond noir avec des chiffres romains dorés et des aiguilles Breguet. Dans la partie supérieure se trouve un diorama mobile en bronze représentant le soleil et la terre, ainsi que d'autres cadrans avec des chiffres et des emplacements. Une horloge astronomique, horologium ou orloj, est une horloge dotée de mécanismes et de cadrans spéciaux permettant d'afficher des informations astronomiques, telles que les positions relatives du Soleil, de la Lune, des constellations zodiacales et, parfois, des principales planètes. Ce type d'horloges était très apprécié pour l'originalité de leur conception et pour les matériaux choisis pour leur réalisation. Dans certains cas, la machinerie était cachée, ce qui donnait une impression de mystère, et, bien sûr, pour sa fonction d'élément décoratif important dans l'intérieur d'un palais d'un membre de la classe supérieure. Elle présente des défauts dans le marbre et doit être restaurée.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 92 - MAISON ALPHONSE GIROUX ( act. 1799-1867). Etagère ; c. 1860. Bronze ciselé et bruni avec plaques de verre gravées. Œuvre reproduite dans C. Payne, Paris Furniture : the luxury market of the 19th century, Éditions Monelle Hayot, 2018, p. 77 (illustré). Signé Aph Giroux Paris. Dimensions : 89,5 x 48 x 48 cm. Etagère en bronze doré et verre de style japonais dans sa conception. Les produits japonais sont devenus de plus en plus familiers à Paris grâce à une grande exposition dans le pavillon japonais de l'Exposition universelle de 1867, puis à Vienne en 1873. Les firmes parisiennes Christofle et Barbedienne sont les principaux représentants de la nouvelle mode du japonisme. Il s'applique principalement aux meubles en métal, avec peu ou pas de boiseries. Dans les arts décoratifs occidentaux, des motifs mixtes et japonais sont présents dans un même objet, ce qui rend souvent difficile, voire impossible, de définir précisément si l'objet doit être qualifié de chinoiserie ou de japonisme. Le magazine new-yorkais Art Amateur a été l'un des premiers à utiliser le mot "japonais" pour qualifier le meuble de Giroux. Giroux et Duvinage sont deux créateurs et premiers défenseurs d'un style oriental à Paris. Le premier a vendu son magasin à Ferdinand Duvinage et à son associé Harinckouk en 1867. Giroux a principalement adapté l'art chinois ; sa publication Meubles et fantaisies, vers 1840, montre des tables dans ce nouveau style à la mode et rappelle les meubles en papier mâché de la même époque. Œuvre reproduite dans C. Payne, Paris Furniture : the luxury market of the 19th century, Éditions Monelle Hayot, 2018, p. 77 (illustré). Signé Aph Giroux Paris.

Estim. 8 000 - 8 500 EUR

Lot 93 - Paire de daims ; Italie, vers 1930. Bronze patiné sur pénalités en bois doré. Dimensions : 54 x 43,5 x 12 cm ; 12 x 36 x 14 cm (bases, x2). Paire de daims en bronze d'après les modèles de ceux trouvés dans la Villa du Papyrus de Pompéi. Les originaux, datés du Ier siècle avant J.-C., se trouvent actuellement au Musée archéologique national de Naples. Cette paire s'inscrit dans l'esthétique du "Grand Tour", apparue pour la première fois dans l'ouvrage "Le Voyage d'Italie" de Richard Lassels, utilisé pour définir le long voyage à travers l'Europe, et en particulier l'Italie, qui était généralement effectué par de jeunes aristocrates britanniques à partir du XVIIe siècle, mais surtout tout au long des XVIIIe et XIXe siècles. Le but de ce voyage était pour les jeunes gens de se familiariser avec l'art et la culture de la France et de l'Italie, d'admirer l'art classique de première main, d'apprendre ou d'améliorer leur connaissance des langues, et d'établir des contacts et des relations avec les élites culturelles et politiques de ces pays. Les voyageurs étaient souvent à la recherche de pièces pour commencer leur propre collection d'art, d'objets à rapporter dans leur lieu de résidence en guise de souvenirs. C'est pourquoi des ateliers spécialisés dans la réplique de pièces romaines, en bronze ou en marbre, ont vu le jour, dont certains ont acquis une grande réputation.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 94 - Collection d'objets divers des 19e et 20e siècles. Argent. Certains d'entre eux sont poinçonnés. Ils présentent des traces d'usure et quelques bosses. Dimensions : 11 x 6 x 10 cm. Cet ensemble se compose d'un pichet, d'un verre avec des reliefs d'inspiration aztèque, de deux dés à coudre ornés de motifs floraux, de deux salières et d'une cuillère de service.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 95 - Deux petits pots de confiture ou de compote. Catalogne et Angleterre, XIXe siècle. En argent. Avec des poinçons sur les deux pièces (en catalan par Alfons Serrahima). L'une d'entre elles conserve la cuillère. Présente des marques d'usage et d'usure. Dimensions : 6 x 4,5 x 4,5 cm : 6 x 4,5 x 4,5 cm. Paire de pots avec couvercle pour confiture ou compote entièrement en argent. L'un d'eux a une forme cylindrique tandis que l'autre a une panse convexe. De fines incisions ou de simples moulures embellissent les récipients, offrant une ligne de modernité dans laquelle prédomine le goût délicat, loin des excentricités. Alfons Serrahima était un bijoutier et orfèvre catalan actif des années 1930 à la fin du XXe siècle. Sa formation s'est principalement déroulée dans l'atelier d'Antoni Urpí à Sarrià (le quartier où il a grandi), figure de proue des expositions de 1898 et 1907. Plus tard, il poursuit son apprentissage au Círculo Artístico de Sant Lluc, où il perfectionne sa technique de dessin.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 96 - Curieux récipient de parfumerie ou d'élixir en forme de dromadaire. Probablement France, XIXe siècle. Argent ciselé. Non marqué. Il présente des marques d'usage et d'usure. Dimensions : 10,5 x 10 x 3 cm. Ce curieux récipient à parfum ou à élixir se présente sous la forme d'un dromadaire. Sa tête est complètement séparée du corps. La fourrure détaillée de l'animal est frappante, de même que sa physionomie où se détache sa bosse unique.

Estim. 300 - 350 EUR

Lot 97 - Pendule avec scène d'automate ; Attribuée à XAVIER THARIN ; France, vers 1860. Papier et carton lithographié enluminé à la gouache. Cadre en bois sculpté et doré. Le cadre présente de légers défauts. Dimensions : 99 x 120 x 24 cm. Horloge automate musicale de Xavier Tharin, vers 1860 Paris avec scène lithographiée à la main représentant un port méditerranéen avec abbaye, fontaine, viaduc et tour de guet sur une colline, avec mouvement d'horloge à deux trains donnant les heures et les demi-heures sur le gong, cadran émaillé romain de 5,6 cm (2 ½ in.). On y voit un frère assoupi lisant dans une chambre de la tour, un musicien hochant la tête et tapant du pied en jouant du luth, une tige de verre tournant dans la fontaine, une dame raccommodant le filet près du mur du port, un navire se balançant au premier plan et deux autres à l'horizon, une locomotive passant sur le viaduc, et le drapeau de la tour de guet flottant dans le vent. L'œuvre a un cadre en bois doré élaboré avec des instructions d'utilisation imprimées à l'intérieur. Ce type d'objets était très apprécié depuis le XIXe siècle, avec une grande variété de modèles, essayant généralement de cacher le mécanisme qui les actionne pour mieux surprendre le spectateur et souvent accompagné d'un mécanisme musical. Cependant, il s'agissait toujours d'éléments destinés à la classe supérieure, car leur construction et leur conception exigeaient une grande qualité et une grande maîtrise de la machinerie délicate et des matériaux choisis. Il présente de légers défauts au niveau de la monture.

Estim. 7 500 - 8 000 EUR

Lot 98 - Reliquaire ; école espagnole ou française ; deuxième tiers du XIXe siècle. Bronze doré et malachite. Dimensions : 67,5 x 21 x 18 cm. Reliquaire en bronze doré avec application de malachite sur la base. La pièce présente un motif ornemental avec des figures rondes. La réalisation de ce type d'objets religieux, destinés à abriter les reliques des saints, a été courante à partir de l'époque gothique, mettant en valeur aussi bien les croix que les soi-disant "testas" qui, dans la documentation contemporaine à sa réalisation, étaient très populaires. Elles étaient utilisées pour contenir des reliques. Bien que nombre d'entre elles aient adopté des formes très diverses, elles avaient toutes le même but dévotionnel, qui allait parfois au-delà du fanatisme. Il faut cependant rappeler qu'à cette époque, pratiquement tout élément ayant été en contact avec le saint ou sa dépouille mortelle (linges, terre de sépulture, etc.) était considéré comme une relique sacrée. C'est ainsi que s'est développé tout un marché pour ces objets. Les meilleurs exemplaires étaient fabriqués en métaux précieux, mais des spécimens comme celui-ci étaient également très prisés, tant pour leur contenant que, surtout, pour leur contenu.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 99 - Banc de balcon Renaissance, Catalogne ou Aragon. Espagne, vers 1600 Noyer et buis. Incrustation d'os. Applications en laiton. Décoration par incrustation de la Renaissance. Il présente des marques d'utilisation et d'usure. Poignée en cuir endommagée. Dimensions : 130 x 140 x 60 cm. Ce banc-arche catalano-aragonais, daté d'environ 1600, est décoré d'un minutieux travail de marqueterie géométrique, consistant à incruster de petites plaques d'os et d'autres bois formant des motifs géométriques. Cette décoration trouve son origine dans la marqueterie de Grenade, une marqueterie en bloc de motifs géométriques d'origine islamique. Ces incrustations combinent principalement de l'os et divers bois, car ce sont les principaux matériaux utilisés dans le mobilier hispano-musulman. La technique de la marqueterie de blocs, dont les origines remontent à l'Espagne islamique, consiste à fabriquer un bloc en combinant différents bois pour former un dessin spécifique, puis à découper des sections qui sont ensuite incrustées dans le meuble. On obtient ainsi des plaques ou des bandes de mosaïque, comme celles que nous voyons ici. Formellement, il s'agit d'une arche posée sur quatre pieds griffes, sur lesquels repose une large jupe. Sa façade et ses côtés sont décorés de panneaux carrés en creux, alternant avec des surfaces moulurées à l'aspect architectural. Le coffre reste fermé, ce qui lui permet de servir de siège, et son dossier présente les mêmes caractéristiques que le reste de la pièce, culminant dans un écusson au motif héraldique avec le nom de famille "Del Bosque". Le coffre était le contenant le plus important des maisons catalanes depuis le XVe siècle. Il était apporté par la mariée lors du mariage et constituait en fait le patrimoine que la famille de la mariée offrait au marié. Cela faisait partie d'un échange de richesses entre les familles contractantes. Son ornementation témoignait du niveau social et économique auquel appartenait la nouvelle mariée.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 100 - Pot de fleurs ; Triana, vers 1900. Céramique émaillée. Dimensions : 60 x 62 cm (diamètre). Pot en céramique polychrome et émaillée. Sur le plan ornemental, l'œuvre présente un dessin inspiré des motifs de la Renaissance, période de splendeur de la céramique de Triana. Le motif est dominé par des anges inscrits sur un fond jaune et vénérant des motifs végétaux et géométriques. Triana était un centre de production de poterie très populaire depuis l'époque romaine. Plus tard, les Arabes ont apporté leur contribution en termes de technique et d'esthétique à la production de céramique dans la région. À la fin du XVe siècle, Niculoso Francisco Pisano s'est installé dans la région et a introduit le style italien et une nouvelle technique dans laquelle le carreau est travaillé comme une peinture à l'huile.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

24 juillet - Arts décoratifs et art oriental

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Lot 73 - École française du XIXe siècle. "Mousquetaire". Bronze. Dimensions : 51 cm. Cette sculpture nous présente un mousquetaire dans une attitude décontractée. Le beau jeune homme porte l'habit typique avec des parures élégantes et un chapeau à plume.