24th July - Decorative Arts & Oriental Art

Lote 1 - Reloj de sobremesa; Francia, época de la restauración, c. 1820. Bronce dorado al mercurio y placas de malaquita. Presenta desgaste en la esfera y el péndulo. Medidas: 63 x 46,5 x 17 cm. Reloj de sobremesa realizado en bronce dorado al mercurio y placas de malaquita. La pieza se apoya en cuatro patas de bronce dispuestas en las esquinas representando cabezas de leones. Sobre ellas se dispone la base a modo de podio, que destaca por la expresiva ornamentación del grano y el color de las placas de malaquita. La base está dividida en varios cuerpos definidos por apliques de bronce que rodean el perímetro. La zona central tiene un aplique de bronce en relieve que representa un estandarte romano en el que se puede leer el nombre de Belisario, indicando así quién es el personaje representado en la zona superior. La pieza termina con una escultura redonda que representa a Flavio Belisario (, 505-565), general del Imperio Romano de Oriente, famoso por reconquistar parte del Imperio Romano de Occidente. La figura, que muestra una actitud pensativa, descansa sobre la caja con la esfera. En ella, el autor combina el bronce dorado y pavonado con la malaquita. La esfera destaca por su acabado dorado con números romanos negros y agujas breguet, mientras que el bronce pavonado se utiliza para la escultura redonda. Durante el periodo de la Restauración en Francia, bajo los reinados de Luis XVIII y Carlos X, las artes decorativas y especialmente el interiorismo vivieron un periodo de auge. Este tipo de escenas eran muy comunes en la decoración de los relojes de sobremesa, representando a menudo personajes míticos o religiosos. Presenta desgaste en la esfera y el péndulo.

Valorac. 4 600 - 5 000 EUR

Lote 2 - Escritorio sobre bufete de pie de puente; México, segunda mitad del siglo XVIII y posteriores. Madera de pino policromada con placas de plata repujada. Tiene una crestería con el escudo de armas de Francisco Antonio de Lorenzana y Butrón. Tiene restauraciones y reformas. Medidas: 102 x 102 x 41 cm; 90,5 x 116 x 54,5 cm. Escritorio sobre buffet de origen mexicano con estructura prismática y robusta. La pieza se compone de dos partes; el buffet con pie de puente y el escritorio superior. Ambos están realizados en madera de pino policromada y adornados con apliques de plata repujada que presentan motivos vegetales y escenas religiosas. La zona inferior se apoya en dos pies longitudinales sobre los que se sitúan tres columnas, cada una de ellas de orden dórico, con capitel y basa ebonizados. Los pies, situados en los laterales, están unidos por una estructura central arquitectónicamente concebida, que simula un corredor con arcos de medio punto. Las patas dan paso a un tablero de perfiles angulosos con el perímetro exterior adornado con apliques de plata repujada. El escritorio se organiza simétricamente, en tres filas y tres registros. Los cajones están unificados en forma de pequeños cajones que tienen un diseño idéntico, variando sólo en tamaño y disposición. En el frente, la zona central y los laterales inferiores presentan apliques de plata de mayor complejidad técnica. A modo de dosel el artista enmarca diferentes escenas de carácter religioso; la educación de la Virgen y los esponsales de la Virgen en la zona inferior y en el centro la Anunciación. Mientras que los laterales del escritorio presentan grandes ornamentos que acogen por un lado la huida a Egipto y por otro el nacimiento en el pesebre de Cristo. Por último, el mueble está rematado por una balaustrada con crestería central y figuras en bulto redondo de plata dominando las esquinas. Es interesante destacar el copete, ya que se aprecia un escudo de armas que indica que el propietario de la pieza fue Francisco Antonio de Lorenzana y Butrón (León, 1722-Roma, 1804), arzobispo de México, cardenal-arzobispo primado de España, inquisidor general. La plata fue una de las principales fuentes de exportación de la América española. Primero como materia prima en sí misma por su alto valor económico y más tarde y con mayor interés por su trabajo en orfebrería. La platería virreinal alcanzaría altísimos niveles de finura y calidad dignos de las obras europeas. A la tradición occidental se unió el arraigo cultural y la herencia de los lugares de trabajo donde los artesanos desplegaron un gran talento tanto en la ejecución de las obras como en la creación de modelos y decoraciones especialmente novedosas y originales. Tiene un escudo con las armas de Francisco Antonio de Lorenzana y Butrón. Presenta faltas, restauraciones y reformas.

Valorac. 40 000 - 45 000 EUR

Lote 3 - Taller RIGALT, GRANELL i CIA. Vidriera modernista, ca. 1910. "San Jorge, la princesa y el dragón". Formada por 9 paneles de vidrio emplomado. Pintados a mano con fuego. Bastidor de hierro. Firmado "Graell i Cia" en el lado derecho. Tiene dos cristales dañados. Medidas: 206 x 150 cm. Vidriera modernista realizada en el prestigioso taller barcelonés fundado por Antonio Rigalt y la familia Granell. La estética y calidad de las vidrieras Rigalt & Granell se aprecia en el grosor y viveza cromática de los cristales, en el delicado trabajo del emplomado y en las atractivas formas que derivan de un laborioso proceso artesanal. Esta magnífica vidriera está compuesta por piezas individuales de vidrio coloreado, cuidadosamente cortadas y moldeadas para crear una composición equilibrada y dinámica al mismo tiempo. San Jorge ocupa el centro de la composición, montado en un corcel blanco encabritado. Vestido con armadura, clava su lanza en el dragón moribundo: las alas, el cuerpo escamoso y la cabeza son de distintos colores, lo que le confiere mayor expresividad. La princesa, de rasgos idealizados, se arrodilla y reza sobre un promontorio. El paisaje rocoso está coronado por el castillo. El follaje de color esmeralda contrasta con el azul cobalto del cielo y los tonos ámbar de las rocas. El taller de vidrieras, constituido por miembros de las familias Rigalt y Granell de Barcelona, estuvo en funcionamiento de 1890 a 1984. Sus precedentes se encuentran en el dibujante y vidriero Antoni Rigalt i Blanch (1850-1914), criado en un ambiente artístico, ya que era sobrino del pintor y dibujante Lluís Rigalt i Farriols (1814-1894). Se formó como dibujante en la escuela Llotja de Barcelona, impartiendo clases de dibujo hasta 1901. Su paso a vidriero no siguió el patrón tradicional de empezar como aprendiz en un taller, sino que lo hizo después de su formación artística y teórica. Relacionado con los artistas y arquitectos más importantes de la época, fue colaborador habitual en las obras del arquitecto Lluís Domènech i Montaner. Por la magnitud de su obra y la gran calidad técnica de sus piezas, el taller Rigalt, Granell & Cía. es equiparable a los grandes talleres de vidrieras vigentes en la época en Francia, Inglaterra y Alemania. La empresa inició su actividad en 1890 con el nombre comercial de Antoni Rigalt y Cía. Posteriormente, desde 1903 hasta 1923, pasó a denominarse Rigalt, Granell y Cía. Jeroni F. Granell y Manresa era arquitecto y compaginó su carrera con la empresa de vidrieras, de la que inicialmente fue socio inversor pero a la que poco a poco se fue implicando más, hasta que en 1914, a la muerte de Rigalt, se hizo cargo de la empresa, abandonando incluso su labor como arquitecto. Aunque la mayoría de las obras que salieron de este taller fueron encargos para edificios de la ciudad de Barcelona, también recibieron encargos para el resto de Cataluña, algunos para diferentes puntos de España e incluso para el extranjero, especialmente en Sudamérica. Del taller de Rigalt y Granell salieron algunas de las obras de vidrieras más importantes del modernismo catalán, como las realizadas para el Palau de la Música Catalana, la Casa Lleó Morera de Barcelona o la Casa Navàs de Reus. Trabajaron en las obras de los arquitectos Lluís Domènech i Montaner, Enric Sagnier, August Font i Carreras, entre otros. También llevaron a cabo un gran número de restauraciones de vidrieras medievales, como las de la Catedral de León o el monasterio de Santes Creus. El taller participó en numerosas exposiciones, en muchas de las cuales fue premiado: la Exposición Universal de Barcelona de 1888; la Exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas de Barcelona, de 1892, 1896 y 1898; la Exposición de Bellas Artes de Madrid de 1899; la Exposición Nacional de Arte de 1900; la Exposición Internacional de Arte de Barcelona de 1907 y 1911; la Exposición Universal de Barcelona de 1929; la Exposición Nacional de Artes Decorativas de 1947.

Valorac. 9 000 - 10 000 EUR

Lote 4 - Atribuido a FRANCESCO TOSO BORELLA (1846-1905); Italia, finales del siglo XIX. "Lilith". Madera de pino ebonizada, policromada y dorada. Ojos de nácar. Presenta ligeros desperfectos. Medidas: 142 x 40,5 x 55 cm. La imagen cargada de fuerza expresiva del Demonio de ojos inexpresivos realizada con nácar es quizás algo tan chocante a los ojos de los fieles, e indica que el escultor que dio forma a esta figura lo hizo teniendo en cuenta varios aspectos. El primero que hay que mencionar es el movimiento. El protagonista, de pie sobre un pedestal, adelanta una de sus manos con un delicado movimiento de sus largos y finos dedos que aporta ligereza a la verticalidad de la propia escultura. La expresión de su rostro lleno de pliegues atestigua la tensión del momento. Lilith es una figura femenina de la mitología mesopotámica y judía, teorizada como la primera esposa de Adán y un demonio primordial. Se dice que Lilith fue "desterrada"[2] del Jardín del Edén por no obedecer a Adán. Muchos también la han relacionado con el demonio mesopotámico Lamashtu, que comparte rasgos y una posición en la mitología similares a los de Lilith. Presenta pequeños defectos.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 5 - Espejo; Toledo o Siria, finales del siglo XVIII. Metal damasquinado. Presenta una luna y desgaste posteriores. Medidas: 97 x 55 x 4 cm. Espejo de grandes dimensiones realizado en metal damasquinado sobre alma de madera. El espejo, de perímetro rectangular con las esquinas superiores reservadas, se presenta con una cubierta de chapa metálica que recubre toda la estructura exterior siguiendo un diseño de carácter arquitectónico. En esta capa se aprecia un intrincado diseño compuesto en su mayor parte por elementos vegetales y escritura cúfica. A la tradición occidental del trabajo del metal se unieron las raíces y la herencia cultural de los lugares de trabajo, donde los artesanos hacían gala de un gran talento tanto en la ejecución de las obras como en la creación de modelos y decoraciones especialmente novedosos y originales. Presenta una luna y un deslizamiento posteriores.

Valorac. 11 000 - 12 000 EUR

Lote 6 - Relicario; norte de Italia, finales del siglo XIX. Madera ebonizada, bronce dorado, latón y esmalte. Medidas: 38 x 23 x 12 cm. Mueble tabernáculo con puerta central, flanqueada por columnas caladas que rematan en forma de ángel cuyas alas sostienen el entablamento de la zona superior. Zona que termina con un gran tímpano coronado por una escultura de bulto redondo realizada en bronce dorado que presenta a la Virgen María. Ésta es adorada por dos ángeles también de bronce, situados cada uno de ellos en cada esquina del entablamento. El interior de este mueble está adornado por un relieve concebido en varios planos; el primero encuadra la imagen a modo de marco y está definido por una cenefa de flores y frutos coronada por angelitos. En el segundo plano hay una cenefa de nubes con ángeles niños que intentan coronar a la virgen. Por último, en segundo plano pero en altorrelieve, se aprecia la figura de la Virgen sedente con el Niño sobre sus rodillas. Este tipo de objetos religiosos eran los más comunes en el norte de Italia y se exportaban a toda Europa, siendo muy apreciados por las clases aristocráticas. La realización de este tipo de objetos religiosos, destinados a albergar las reliquias de los santos, fue común a partir del periodo gótico, destacando tanto las cruces como las llamadas "testas", que, en la documentación contemporánea a su realización, fueron muy populares. Se utilizaban para contener reliquias. Aunque muchas de ellas adoptaban formas muy diferentes, todas tenían la misma finalidad devocional, que a veces iba más allá del fanatismo. Hay que recordar, sin embargo, que en aquella época se consideraba reliquia sagrada prácticamente cualquier elemento que hubiera estado en contacto con el santo o sus restos mortales (paños, tierra de sepultura, etc.). Esto desencadenó todo un mercado para tales objetos. Los mejores ejemplares se fabricaban con metales preciosos, pero especímenes como el presente también eran muy apreciados, tanto por el recipiente como, sobre todo, por el contenido.

Valorac. 3 500 - 4 000 EUR

Lote 7 - Pareja de tazas; Francia, época de la restauración, c. 1820. Bronce cincelado, patinado, dorado al mercurio y bruñido. Medidas: 40 x 15,5 x 12 cm (x2). Pareja de copas ornamentales de estilo historicista, cuyas formas se inspiran en el estilo de la antigüedad clásica. Constan de un vaso ovoide en forma de ánfora, de bronce con decoraciones de bronce dorado, fundido en relieve y con detalles cincelados en frío. Constan de una base, típicamente de la época, prismática, con aristas vivas y lisas, y sobre ella se coloca directamente el pie, compuesto por una apretada corona de motivos vegetales, trabajados con el estilo sintético y refinado típico de alrededor de 1820. La ornamentación en bronce destaca especialmente por la calidad del trabajo de cincelado, que reproduce con gran expresividad la textura de las hojas. Sobre la forma ovoide del cuerpo hay un cuello intermedio que forma la unión con el recipiente, siguiendo modelos clasicistas.

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 8 - Atribuido a J. CHIURAZZI & DE ANGELIS. Nápoles, hacia 1900. "Ciervo". Pareja de esculturas en bronce patinado. Medidas: 91 x 83 x 18,5 cm. Estas esculturas están basadas en la pareja de ciervos descubierta en 1756 en el jardín de Villa Papiri en Herculano, modelos del año 100 a.C., conservados actualmente en el Museo Arqueológico de Nápoles. Responde a su vez a la larguísima tradición en la historia del arte de los temas animales, pero es sólo a partir del siglo XVIII cuando empiezan a darse con las características que vemos en éste: pequeño formato, "temática intrascendente" (ningún animal considerado sagrado por el comitente...), interés por el naturalismo y el detalle, realizado en bronce... El auge de este tipo de obras propició el nacimiento de maestros especializados en su realización con numerosas variantes (unos se dirigen más a los perros de caza, otros tienen obras en las que abundan los ciervos, otros prefieren animales más o menos exóticos, etc...) por toda Europa, siendo los franceses los más famosos por la especialización de las fundiciones de este país y el control que el gobierno ejercía sobre la calidad y cuidado de las mismas. Así, podemos citar a maestros como Christopher Fratin (1801-1864), Paul Delabrierre (1829-1912), Auguste Nicolas Cain, etc., entre la larga lista de escultores dedicados a este tema.

Valorac. 6 000 - 6 500 EUR

Lote 9 - HENRY CAHIEUX (Francia, 1825-1854), "Taza de inspiración egipcia". ca.1850. Bronce tallado. Firmada. Medidas: 14 x 24,5 x 15 cm. Henry Cahieux fue un escultor parisino que colaboró estrechamente con la fundición de Ferdinand Barbedienne (1810-1892). Autor de bronces artísticos de inspiración neoclásica, participó en los Salones de 1850 y 1853. La mayoría de estas piezas eran de estilo griego, egipcio e historicista, de moda en la época. El artículo de Victor Champier "Artistas industriales", aparecido en el Journal of Decorative Arts (diciembre de 1888), se hacía eco del genio del artista y lamentaba su prematura muerte: "Barbedienne acababa de perder (en 1854), arrebatado por el cólera en la flor de la vida, a este joven con un futuro tan prometedor, cuyas obras, impregnadas de un gusto lleno de gracia, le mostraban como un maestro". En la Exposición Universal de París de 1855, sus lámparas, que figuraban como último testimonio de Henry Cahieux, obtuvieron una medalla de honor para el stand Barbedienne.

Valorac. 600 - 700 EUR

Lote 10 - Centro de mesa francés. Art Nouveau, ca.1900 Figura de bronce dorado, vidrio y biscuit. Escultura firmada Dalfort en el reverso. Buena conservación. Medidas: 38 x 33 x 33 cm (centro); 18 x 10 x 10 x 10 cm (figura). Centro modernista con estructura de bronce dorado que alberga entre sus columnas una escultura está bizcochada en bulto redondo representando a una diosa de inspiración grecorromana. El bronce está trabajado con festones florales y vegetales que adornan la galería y los fustes.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 11 - JOSEP LLIMONA BRUGUERA (Barcelona, 1864 - 1934) y JOAQUIM VICENS GIRONELLA (1911-1997). "Crucifixión". Cristo en estuco (Llimona) y cruz en madera (Gironella), 1932. Cruz firmada y fechada por Gironella. Medidas: 30 x 30 x 6 cm (Cristo); 62 x 42 x 8 cm (cruz). Artista autodidacta, Joaquim Vicens Gironella realizó esculturas de corcho, y fue descubierto y expuesto por Jean Dubuffet. También escribió numerosos poemas y obras de teatro. Josep Limona es recordado como el escultor catalán más importante del modernismo. Formado en la Escuela Llotja de Barcelona, obtuvo la pensión para ir a Roma en 1880. Durante su estancia en Italia recibió la influencia de la escultura renacentista florentina. Con las obras que envió desde allí obtuvo premios (medalla de oro en la Exposición Universal de Barcelona de 1888), así como una gran reputación. Con su hermano Joan fundó el Círculo Artístico de Sant Lluc, una asociación artística catalana de carácter religioso (los dos hermanos eran profundamente creyentes). Hacia mediados de los 90 su estilo ya deriva hacia el modernismo pleno. Recibió el premio de honor en la Exposición Internacional de Bellas Artes celebrada en 1907 en Barcelona. A partir de 1900 se centró en sus famosos desnudos femeninos, y en 1914 creó, en colaboración con Gaudí, su impresionante "Cristo Resucitado". Su genio artístico también se manifestó en grandes monumentos públicos, como la estatua ecuestre de San Jordi en el parque de Montjuic de Barcelona, así como en obras de imaginería funeraria, como los panteones que creó para varios cementerios. Además de exponer en Barcelona y otras ciudades catalanas, expuso en Madrid, Bruselas, París, Buenos Aires y Rosario (Argentina). Fue presidente de la Junta de Museos de Barcelona entre 1918 y 1924, y de nuevo desde 1931 hasta su muerte en 1934. A lo largo de su vida recibió numerosas condecoraciones, entre ellas las otorgadas por los gobiernos de Francia e Italia. También recibió la Medalla de Oro de la Ciudad de Barcelona en 1932, en reconocimiento a su extraordinaria labor en el desarrollo de la actividad museística. La obra de Llimona se conserva en el Monasterio de Montserrat, el Museo Nacional de Arte de Cataluña y el Museo Reina Sofía, entre otros.

Valorac. 700 - 800 EUR

Lote 12 - Atribuido al taller Rigalt-Graell i Cia. "Escudo del Rey de Aragón", ca. 1940. Vidrio emplomado, pintado con grisalla al fuego. Con la leyenda atribuida a Horacio: "Multa renascentur qua iam cecidere". El marco de madera tiene xilófagos. Necesita restauración. Medidas: 151 x 67 cm; 162 x 78 cm (marco). Vidriera pintada con grisalla al fuego. Data de los años cuarenta y los expertos presumen su posible procedencia del prestigioso taller barcelonés Rigalt, Graell i Cia. Muestra el escudo del rey de Aragón enmarcado por arcos arquitectónicos de perfil lobulado. Se acompaña de una leyenda escrita en latín sobre una filacteria que incluye un aforismo atribuido a Horacio: "renacerán muchas cosas que ya habían caído". Puede interpretarse en el sentido de que las costumbres, creencias y modas perecen pero siempre renacen, aunque camufladas con otros nombres u otras formas. En este contexto, se refiere a los valores imperecederos de la familia real. El taller de vidrieras, constituido por miembros de las familias Rigalt y Granell de Barcelona, estuvo en funcionamiento desde 1890 hasta 1984. Sus precedentes se encuentran en el dibujante y vidriero Antoni Rigalt i Blanch (1850-1914), criado en un ambiente artístico, ya que era sobrino del pintor y dibujante Lluís Rigalt i Farriols (1814-1894). Se formó como dibujante en la escuela Llotja de Barcelona, impartiendo clases de dibujo hasta 1901. Su paso a vidriero no siguió el patrón tradicional de empezar como aprendiz en un taller, sino que lo hizo después de su formación artística y teórica. Relacionado con los artistas y arquitectos más importantes de la época, fue colaborador habitual en las obras del arquitecto Lluís Domènech i Montaner. Del taller de Rigalt y Granell salieron algunas de las obras de vidrieras más importantes del modernismo catalán, como las realizadas para el Palau de la Música Catalana, la Casa Lleó Morera de Barcelona o la Casa Navàs de Reus. Trabajaron en las obras de los arquitectos Lluís Domènech i Montaner, Enric Sagnier, August Font i Carreras, entre otros. También llevaron a cabo un gran número de restauraciones de vidrieras medievales, como las de la Catedral de León o el monasterio de Santes Creus. El taller participó en numerosas exposiciones, especialmente en la época bajo la dirección de Antoni Rigalt, en muchas de las cuales fue premiado: la Exposición Universal de Barcelona de 1888; la Exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas de Barcelona, en 1892, 1896 y 1898; la Exposición de Bellas Artes de Madrid de 1899; la Exposición Nacional de Arte de 1900; la Exposición Internacional de Arte de Barcelona de 1907 y 1911; la Exposición Universal de Barcelona de 1929; la Exposición Nacional de Artes Decorativas de 1947.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 13 - Jarrón Samson, Francia, finales del siglo XIX. Porcelana vidriada y esmaltada. Familia de los verdes. Monturas de bronce dorado estilo Luis XV. Medidas: 42 x 23 x 23 cm. Jarrón de cerámica esmaltada y vidriada siguiendo moldes chinos de porcelana "azul polvo". En el interior de las cartelas del jarrón se aprecia un estilo inspirado en modelos de la familia verde para exportación. En la zona de la base y la boca del jarrón se aprecian monturas de bronce dorado de estilo Luis XV. Destaca la tapa con decoración calada. La firma Samson, Edmé et Cie. fue fundada por Edmé Samson en 1845 en París, con el objetivo de producir réplicas de piezas de cerámica y porcelana expuestas en museos y colecciones privadas. La fábrica, trasladada a Montreuil en 1864, se centró en la reproducción de piezas antiguas y también modernas de otras manufacturas, como Meissen, Sèvres, Chelsea y Derby. Entre las piezas que reproducen estilos del pasado se encuentran objetos inspirados en la mayólica italiana, platos persas, piezas de Bernard Palissy y cerámica hispanomusulmana, así como piezas japonesas de Imari y Arita y reproducciones de porcelana china, especialmente de los estilos de la Familia Rosa y la Familia Verde del siglo XVIII. Las piezas de Samson eran siempre reproducciones, nunca copias con intención engañosa, ya que todas llevaban originalmente la marca de fábrica, un ancla (aunque en algunas piezas estaba oculta o se había eliminado). Además, intentaba distinguir sus piezas utilizando pasta dura de porcelana, cuando la mayoría de los originales a los que hacía referencia eran de pasta blanda. Asimismo, se cambió la escala de las piezas, así como los colores utilizados para su decoración. La firma continuó en producción hasta 1969, y sus modelos se vendieron diez años después en Christie's Londres.

Valorac. 1 600 - 1 700 EUR

Lote 14 - JEANNE CHATEIGNON (1876 - 1950) "El viento". Bronce patinado. Presenta sello de fundición e inscripción. Firmado. Medidas: 37 x 26 x 23 cm. Escultura en bronce patinado que presenta a una mujer acompañada de una niña. La pieza destaca por su acabado realista que se aprecia tanto en los rasgos de los protagonistas, como en la indumentaria que inscribe la pieza en una corriente estética de carácter costumbrista. La pieza revela el efecto del viento sobre los protagonistas, de tal forma que el autor pone de manifiesto todo su virtuosismo.

Valorac. 700 - 800 EUR

Lote 15 - Escuela francesa; tercer cuarto del siglo XIX. "Cazador escocés". Bronce patinado y parcialmente dorado. Medidas: 34 x 17 x 35 cm. En esta escultura de bulto redondo el artista nos presenta la figura de un hombre sentado en un tocón junto a dos perros de caza que le observan atentamente. El joven lleva un arco con flechas a la espalda, lo que indica que se trata de un cazador, si bien es cierto que su postura melancólica aleja al grupo escultórico de la actividad habitual de una escena de caza. El autor recrea así una escena de carácter historicista donde el protagonismo recae en la indumentaria del cazador. La obra hunde sus raíces en la corriente escultórica animalista surgida en la Francia del siglo XIX, concretamente en el género de la representación cinegética, muy del gusto de la clientela burguesa de la época. Eran piezas de gran naturalismo y detalle, generalmente obras de pequeño y mediano tamaño fundidas en bronce.

Valorac. 700 - 800 EUR

Lote 16 - Tapiz francés de Aubusson, siglo XIX. "Paisaje con castillo". Lana anudada a mano. Medidas: 215 x 296 cm. El refinamiento de este tapiz tejido a mano da fe de la gran calidad de los tapices de Aubusson. Un exuberante jardín se abre ante nosotros mostrando un pequeño lago con puentes en sus orillas y un castillo al fondo. Cerezos en flor y rosales bordean el estanque. El paisaje ha sido resuelto con soltura y precisión descriptiva, en tonos ricamente contrastados con predominio de verdes, azules y terrosos, con detalles rosados. El tema responde al gusto aristocrático del siglo XIX. La ciudad de Aubusson aglutinaba numerosos talleres de tapicería, creados por tejedores flamencos que se instalaron en la zona a finales del siglo XVI. Su funcionamiento era rudimentario, en comparación con la Manufactura Real de los Gobelinos: no disponían de pintores, tintoreros, ni de una estructura comercial, por lo que sus tapices se vendían en posadas, a una clientela privada de clase baja, principalmente aristócratas de provincias. En los siglos XVI y XVII, los talleres de Aubusson se especializaron en tapices vegetales (con decoración eminentemente floral), pero la situación cambió radicalmente cuando, a mediados del siglo XVII, este centro fue reorganizado por Jean-Baptiste Colbert, ministro de Luis XIV, con el objetivo de convertir estos talleres en manufacturas reales. Sometió entonces los talleres de Aubusson y Felletin a una reglamentación gremial y, a cambio, prometió proporcionarles un pintor y un tintorero. Esta promesa, sin embargo, no se haría efectiva hasta el siglo XVIII, momento decisivo para los talleres de La Marche, que verían aumentar considerablemente la calidad de sus tapices al poder contar con un pintor dedicado a la confección de cartones y un tintorero que produciría tintes de mayor calidad que los utilizados hasta entonces.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 17 - Reloj de sobremesa estilo Luis XVI; Francia, época de Napoleón III, c. 1860. Bronce cincelado y dorado, con esfera de porcelana esmaltada. Conserva péndulo. Firmado en la maquinaria: "JAPY FILS". Medidas: 63 x 51,5 x 19,5 cm. Reloj de sobremesa de bronce dorado estilo Luis XVI. La base responde a una inspiración barroca con elementos rococó, con planta mixtilínea adornada con elementos en relieve. La esfera está situada en el centro de la pieza. Presenta números romanos en negro sobre fondo blanco y agujas caladas doradas. El reloj está rematado por una gran copa de estilo clásico. El estilo francés Luis XVI se incluye dentro del Neoclasicismo. Los elementos decorativos, como ya se ha indicado, son de inspiración clasicista, pero no han desaparecido las curvas y sinuosidades del rococó de Luis XV, aunque éstas son secundarias.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 18 - Busto de Francisco José I de Austria; Viena, hacia 1900. Calamina sobre base de mármol "brignoles". Medidas: 22 x 12,5 x 8,5 cm. Busto de Francisco José I de Austria. Emperador de Austria, rey de Hungría y gobernante de los demás estados de la monarquía de los Habsburgo desde el 2 de diciembre de 1848 hasta su muerte en 1916. Al principio de su reinado, sus reinos y territorios se llamaban Imperio Austriaco, pero en 1867 se reconstituyeron como la monarquía dual del Imperio Austrohúngaro.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 19 - Busto de Carlos V; según LEONE LEONI (1509 - 1590), Austria, principios del siglo XIX. Bronce cincelado y pavonado sobre base de mármol "brocatel". Medidas: 31,5 x 14,5 x 9,5 cm. El mismo modelo se encuentra en el Museo Nacional de Liverpool (Ref. WAG6235), que a su vez deriva del busto del Kunsthistorisches Museum de Viena. Leone Leoni (c. 1509 - 22 de julio de 1590) fue un escultor italiano de fama internacional que viajó por Italia, Alemania, Austria, Francia, España y los Países Bajos. Leoni está considerado el mejor de los medallistas del Cinquecento. Se dio a conocer gracias a los encargos que recibió de los monarcas Habsburgo Carlos V, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, y Felipe II de España. Su medio habitual fue el bronce, aunque también trabajó el mármol y el alabastro, talló piedras preciosas y probablemente dejó algunas obras acabadas en cera.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 20 - Busto de Federico Guillermo de Prusia; Norte de Europa, c. 1880. Bronce patinado sobre base de mármol "rosso levanto". Medidas: 17 x 5,5 x 5,5 cm. Busto de Federico Guillermo de Prusia, conocido como el Rey Soldado. Rey en Prusia y Elector de Brandeburgo desde 1713 hasta su muerte en 1740, así como Príncipe de Neuchâtel. Su despertar político se produjo durante el estallido de la peste de la Gran Guerra del Norte en Prusia, lo que le llevó a desafiar la corrupción y la ineficacia del gobierno. Inició reformas, especialmente en el ámbito militar, aumentando significativamente el ejército prusiano. Creyente en la monarquía absoluta, se centró en el desarrollo del Estado y la reorganización financiera, imponiendo impuestos y estrictas regulaciones a los funcionarios.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 21 - Escuela española de principios del siglo XX. Siguiendo modelos griegos (440 a.C.). Museo Vaticano. Roma "Amazona Mattei". Escultura en yeso, con pátina de terracota. Presenta algunas grietas, restauraciones y faltas. Medidas: 143 x 45 x 32 cm. Se trata de una versión en escayola patinada de terracota de la Amazona Mattei conservada en el Museo Vaticano. Hay varias copias romanas de tres tipos de estatuas de época clásica que representan amazonas heridas en combate, y son reproducciones de tres originales de bronce perdidos de Éfeso: Los expertos atribuyen el "tipo Mattei" (el que mostramos) a Fidias, pero en cuanto a los tipos "Sciarra" y "Sosicles", no se sabe con certeza cuál es obra de Policleto y cuál de Cressilas. Las tres estatuas llevan el chitón corto y el pelo recogido, lo que recuerda los peinados de pelo largo de las damas de la alta sociedad griega, mientras que los cuerpos, bien ejercitados, parecen emular los de los guerreros y atletas masculinos. El rostro de la amazona Mattei y su postura dinámica reflejan determinación y valor, la fuerza femenina que caracteriza a las amazonas mitológicas. El quitón, que cuelga de su hombro, deja al descubierto su pecho izquierdo, donde muestra una herida. En el año 440 a.C. los sacerdotes del templo de Artemisa convocaron un concurso para crear la presentación oficial de Amazona en el que determinaron tres tipos de cánones: La Amazona herida de Berlín, la Amazona Mattei (Museo Vaticano) y la Amazona herida del Capitolio. Andrea Gisella López Galeano Cultura visual Arquitectura clásica romana Los detalles y la fidelidad a la realidad se vuelven importantes y denotativos, en este caso se muestra a una mujer con el rostro inclinado hacia un lado.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 22 - Juego de cuatro juegos de café, años 50. Ónice y latón. Presenta desgaste acorde con el uso y la edad. Medidas: 6,5 x 4 cm (copa); 11 cm (diámetro plato). Juego de café vintage de ónice natural y latón. El ónice tiene una larga historia de uso en la talla de piedras duras y en joyería, donde suele tallarse como cabujón o en forma de cuentas. También se ha utilizado para gemas grabadas en calcografía y camafeos de piedra dura, donde las bandas hacen que la imagen contraste con el fondo. El ónice se utilizó a menudo para esculturas y piezas decorativas creadas entre las décadas de 1920 y 1970.

Valorac. 800 - 850 EUR

Lote 23 - Modelo de EUGÉNE CORNU (1827- 1875); Francia, c. 1890. Centro de mesa. Ónice argelino, ágata y bronce. Uno de los ángeles no tiene soporte estable. Medidas: 32,5 x 29 x 29 cm. Centro de mesa realizado en ágata, ónice argelino y bronce dorado. El pie redondo de ágata y definido por una cadena de bronce en la zona inferior y superior, da paso a la base de ónice de Argelia, zona que sustenta el fuste de la copa donde se disponen dos angelitos de bulto redondo realizados en bronce. La pieza tiene apliques de bronce en el astil a modo de hojas y finalmente termina en la copa de ágata tallada con gallones. La pieza sigue los modelos de Louis-François-Eugène Cornu, diseñador y fabricante de bronce. En 1858, tras trabajar como delineante y dirigir obras para la Maison Tahan, se convirtió en creador y director de la Compagnie des Marbres et Onyx d'Algérie de A. Pallu & Co y luego de su sucesor G. Viot. Esta empresa estaba especializada en la fabricación de artículos de lujo que combinaban bronce, ónice-mármol argelino y esmalte champlevé. Las creaciones de Cornu se expusieron en las Exposiciones Universales de Londres de 1862, 1871 y 1872, y en París en 1867, donde recibió una medalla de oro por un gran par de jarrones de ónice, bronce y esmalte. La Compagnie des Marbres et Onyx d'Algérie también produjo objetos basados en diseños de Albert Carrier-Belleuse, Charles Cordier y Louis-Alfred Barrias. En 1878, sus almacenes estaban situados en el número 24 del Boulevard des Italiens de París. Uno de los ángeles no tiene sujeción estable.

Valorac. 2 250 - 2 500 EUR

Lote 24 - Reloj de sobremesa; Francia finales del siglo XIX y China, dinastía Qing, periodo Guanxu, 1875-1908. Bronce dorado y porcelana esmaltada. Medidas: 33 x 31 x 15 cm. Reloj de sobremesa realizado en bronce y porcelana esmaltada. La pieza se asienta sobre una base que alberga dos perros Foo, o leones, de porcelana esmaltada y vidriada en azul intenso que flanquean un jarrón. Detrás de ellos, el cuerpo que sostiene la caja del reloj emerge en forma de rama. De esta rama brotan a su vez ramas que terminan en flores de porcelana esmaltada. La caja tiene una esfera blanca con números arábigos en negro y agujas caladas de color dorado. En cuanto al estilo de la pieza, es evidente que responde a un gusto por lo orientalizante. Una moda que ya había comenzado en el XVIII y que se extendió por toda Europa para el diseño de interiores, objetos decorativos y muebles. Este interés por los elementos de la cultura oriental se intensificó durante el siglo XIX, en gran medida gracias a la apertura comercial de China y Japón, en comparación con épocas anteriores.

Valorac. 1 300 - 1 500 EUR

Lote 25 - Lámpara de mezquita; Siria o Egipto, siglo XIX. Vidrio incoloro y parcialmente dorado. Medidas: 34 x 25,5 x 25,5 cm. Lámpara de mezquita de vidrio incoloro ornamentado con elementos vegetales y escritura cúfica en toda la superficie excepto en el perímetro del labio. La pieza de cuerpo globular tiene dos pequeñas asas y un cuello acampanado que se abre en una boca de perfil plano. Las lámparas de mezquita son lámparas de aceite que suelen tener un cuerpo grande y redondo y un cuello más estrecho que se ensancha hacia la parte superior, como en este caso. A menudo se fabricaban con recipientes internos que se llenaban de aceite y una mecha para producir luz. Suelen ser de vidrio esmaltado, a menudo dorado. Algunas también se fabricaban con cerámica islámica, aunque esta era mucho menos eficaz para la iluminación real. Estas lámparas solían colgar de un armazón circular de metal y se suspendían mediante cadenas que pasaban por una serie de lazos situados en el exterior del cuerpo. Los marcos circulares se siguen utilizando hoy en día en muchas mezquitas, pero con lámparas de vidrio liso o esmerilado para la iluminación eléctrica. Las técnicas utilizadas son típicas del vidrio islámico contemporáneo: la decoración esmaltada se aplica a un cuerpo liso precocido y el conjunto se somete a una segunda cocción. La decoración coloreada puede incluir versículos del Corán, especialmente la primera parte del Ayat an-Nur o "Verso de la Luz" (24:35, véase más adelante), inscripciones y emblemas heráldicos que registran al donante, así como motivos puramente decorativos.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 26 - Joyero; Alemania o Austria, siglo XIX. Porcelana esmaltada y parcialmente dorada y latón. Tiene repintes. Presenta numeración en la base. Medidas: 33 x 42 x 26 cm. Cofre joyero realizado en porcelana dorada y esmaltada. Estéticamente la pieza destaca por su estilo rococó. Así, vemos una estructura muy dinámica y una profusa decoración, en la que se colocan elementos ornamentales como hojas, palmetas y flores. La decoración pictórica de la porcelana pintada a mano alude al "locus amoenus", es decir, el lugar adecuado para el amor, ya que vemos paisajes idílicos habitados por parejas. Se ha repintado.

Valorac. 1 600 - 1 700 EUR

Lote 27 - Reloj de cartel sobre ménsula; Francia, primera mitad del siglo XIX. Bronce dorado y cincelado, porcelana esmaltada y marquetería. Tiene maquinaria cuadrada tipo París, suspensión de alambre con carillón sobre gong a las horas y medias. Medidas: 74 x 33 x 20 cm; 31 x 41 x 22 cm. Conjunto de reloj de sobremesa con ménsula a juego, creado en la segunda mitad del siglo XIX, basado en los modelos de estilo Boulle de la época de Napoleón III. En aquella época era común esta mirada al pasado glorioso de la Francia de Luis XIV, de la que André-Charles Boulle fue decorador. De este artista recordamos hoy principalmente el tipo de decoración que vemos aquí, una marquetería de parte y contrapartida en carey y metal, combinada con aplicaciones en relieve de bronce dorado de gran calidad escultórica. El reloj presenta una estructura arquitectónica de inspiración barroca, con grandes pies figurativos en bronce dorado, con motivos clásicos, con la parte inferior del cuerpo vegetalizada y enroscada en forma de voluta. En el cuerpo central los laterales presentan cenefas doradas, adornadas de nuevo con ornamentos clásicos, y finalmente corona el conjunto una cúpula calada rematada por una figura en bulto redondo, un águila. También destacan por su importancia los relieves situados bajo la esfera, que también representan un ave. La esfera tiene números romanos, esmaltados en azul cobalto sobre fondo blanco, pequeñas piezas incrustadas en el marco metálico, cincelado en la zona central. El soporte sigue el mismo estilo, aunque sus bronces son de menor relieve, para no desmerecer el conjunto principal.

Valorac. 2 250 - 2 500 EUR

Lote 28 - DAMIÁN CASTRO (Córdoba, 1716- Sevilla, 1793). Báculo pastoral de obispo, c. 1785- 1793. Plata sobredorada. Presenta desgaste. Tiene marcas. Medidas: 167,5 x 17 x 9 cm. Báculo pastoral realizado en plata dorada, siguiendo modelos góticos dentro del contexto del historicismo. Se inspira en piezas de orfebrería medieval realizadas en metales preciosos, con piedras engastadas. La crestería que sigue la voluta general que dibuja la línea del diseño, a base de pequeños tallos vegetales, es también muy típica de las piezas medievales. La obra lleva las marcas del reputado platero Damián Castro (Córdoba, 1716 - Sevilla, 1793). Rafael Ramírez de Arellano, José Valverde y Hernández Perera fueron los estudiosos que destacaron la figura de este orfebre. Su carrera comenzó de la mano de su padre, el también platero Juan de Castro. En 1729 fue premiado por el gremio de plateros de la ciudad de Córdoba, siendo éste el primer dato riguroso que se conoce de su carrera como platero. Algunos historiadores apuntan, por su estilo, que también pudo haber aprendido en el taller de García de los Reyes. En 1736, tras la muerte de su padre, comenzó su carrera en solitario. En 1752 comenzó a trabajar como maestro mayor de la catedral y seis años más tarde fue nombrado sustituto de plateros. Presenta desgaste. Tiene marcas.

Valorac. 11 000 - 12 000 EUR

Lote 29 - Pareja de Blackmoors; Venecia, siglo XIX. Madera tallada y policromada. Tamaño: 182 x 50 x 30 cm (x2). Esta pareja de sirvientes venecianos aparece vestida de forma totalmente idealizada. Las figuras de esclavos negros como soporte del mobiliario, así como de pie como candelabros, aparecen en Venecia a finales del siglo XVII, de la mano del ebanista y escultor Andrea Brustolon (1662 - 1732). Sus muebles se caracterizaban por la abundante presencia de la escultura, a menudo incluso en figuras redondas. Sus figuras más características eran figuras negras como la que se muestra aquí, ebonizadas y pintadas, que servían de soporte a grandes muebles, o eran independientes. Estas figuras fueron tan populares en toda Europa que se convirtieron en un elemento clave del mobiliario barroco de lujo hasta bien entrado el siglo XVIII y, dentro del historicismo, durante el siglo XIX. Son piezas de excepcional calidad de talla, concebidas como obras de arte independientes. La iconografía es el resultado del gusto por lo exótico que caracterizó al siglo XVIII, y que continuó en el XIX a través del espíritu romántico, al que le gustaba reflexionar y fantasear sobre todo lo que era diferente y lejano, tanto en el tiempo como en el espacio. Esta pieza recrea el idealizado mundo veneciano del siglo XVIII, que en el nuevo siglo industrial simbolizaba una elegancia y un lujo irrecuperables. Este tipo de piezas se trabajaban con meticulosidad y exquisitez, prestando tanta atención a la talla como a la policromía, que reproduce con libertad y fantasía ricas telas bordadas.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 30 - Reloj de sobremesa; Francia, tercer cuarto del siglo XIX. Bronce cincelado y bruñido. Pieza revisada en 2018. Conserva llave y péndulo. Presenta faltas en el cristal y ligeros desgastes. Medidas: 38 x 53 x 13 cm. Reloj de sobremesa Napoleón III con caja de bronce dorado. Presenta un diseño de inspiración rococó en combinación con motivos clásicos como las volutas, una venera o la cornucopia superior. Los dos angelitos que flanquean la esfera, trabajados en redondo, aportan simetría compositiva al conjunto, rematado por una tapa. El cuerpo curvilíneo, cincelado en la base con gallones. La caja de porcelana esmaltada y vidriada tiene números romanos en negro y agujas caladas de color dorado. Los elementos decorativos que forman parte del reloj continúan la estética que recuerda la ornamentación utilizada en la Antigüedad tanto griega como romana, pero siempre manteniendo un alto grado de suntuosidad, añadiendo el eclecticismo de inspiración renacentista o neoclásica. Parte revisada en 2018. Conserva llave y péndulo. Presenta faltas en el cristal y ligero desgaste.

Valorac. 1 200 - 1 500 EUR

Lote 31 - Reloj de sobremesa; c. 1820. Bronce dorado al mercurio y cincelado. Presenta ligeros desgastes en el dorado y una de las figuras no está consolidada. Faltan una de las aplicaciones delanteras y la tapa trasera. Necesita restauración. Conserva péndulo. Firmado Mme Gentilhomme à Paris en la esfera. Medidas: 42 x 30 x 12,5 cm. Reloj de sobremesa realizado en bronce dorado al mercurio. Es una pieza de concepción escultórica apoyada sobre cuatro patas cónicas que da paso a una base volumétrica de formas geométricas, rehundida en las esquinas y ornamentada con apliques en relieve; una cenefa con un retrato de perfil en cada una de las esquinas y una guirnalda en el centro. La base da paso al conjunto escultórico en bulto redondo que está limitado por una estructura de inspiración arquitectónica flanqueada por una cariátide inspirada en el mundo egipcio y situada a cada lado. Finalmente, esta estructura termina en un frontón donde se sitúa la caja del reloj de base redonda con números romanos en negro. Existe un modelo similar en el Nationalmuseum de Estocolmo (Inv: NMK 50/2021) a través del cual se sabe que la escena representa a Marie Caroline, duquesa de Berry, con su hijo recién nacido Henri, duque de Burdeos y su hija Louis, rezando antes de irse a dormir. El modelo fue concebido por Jean André Reiche (1752-1817), que estableció su propia fundición en París en 1785. La esfera del reloj lleva la firma "Mme Gentilhomme à Paris", seudónimo de Louise Admirat (1759-1829). Esta firma, durante mucho tiempo desconocida o erróneamente atribuida, es la de Louise Admirat (Besse 1759-París 1829), una de las pocas mujeres relojeras que trabajaban en París durante el primer cuarto del siglo XIX. El 15 de Ventose, año III del calendario revolucionario, se casó con Jean-François Gentilhomme, comerciante de orfebrería. Madame Gentilhomme parece haber desarrollado su actividad durante un periodo de unos quince años, de 1805 a 1820. Se sabe que trabajó con algunos de los coleccionistas más influyentes de la época. El inventario testamentario de Anne-Joseph-Thibault, conde de Montmorency-Fosseux, mariscal de los campamentos y ejércitos del rey, realizado en enero de 1819, menciona "...un reloj con el nombre Gentilhomme à Paris, con esfera dorada, en una caja de alabastro coronada por un jarrón..., que se encontraba en una de las habitaciones de la casa del conde en París". Presenta ligeros desgastes en el dorado y una de las cifras no está consolidada. Faltan una de las aplicaciones delanteras y la contraportada. Necesita restauración. Conserva el péndulo.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 32 - Escuela francesa del siglo XIX. "León". Escultura en bronce cincelado sobre base de madera tallada y dorada de época. Algunos defectos en el pedestal. Medidas: 12 x 26 x 18 cm (león); 7 x 29 x 14 cm (pedestal). León de bronce cincelado en posición de reposo. El robusto cuerpo está trabajado cuidando la correcta anatomía, dando una idea de proporción clásica, acorde con la época renacentista en la que se inspira. Su melena está tallada en largos y densos cincelados que enmarcan la cabeza. El león es un emblema de poder en la heráldica y en la iconografía de los bestiarios medievales. Ya en la época grecorromana, los leones sentados simbolizaban victorias sobre pueblos enemigos, como el león de mármol de la antigua ciudad griega de Cnidus. También eran efigies defensivas de ciudades y templos. En época cristiana, el león también simboliza al evangelista San Marcos, aunque en ese caso suele representarse alado.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 33 - Reloj de sobremesa; Francia, finales del siglo XIX. Bronce bruñido y cincelado y porcelana esmaltada. Faltan piezas de maquinaria y algunos bronces están sueltos. Maquinaria firmada "Vassy Jeure Paris". Medidas: 68 x 50,5 x 14,5 cm. Reloj de sobremesa de bronce bruñido y cincelado con taza de porcelana esmaltada "Beau bleu" a la manera de Sèvres. La pieza se asienta sobre una base de pedestal dorada, inspirada en su diseño en motivos clásicos antiguos. Sobre la base se asientan dos figuras redondas que flanquean los laterales y representan a una pareja de niños. En el centro se alza la copa con base de bronce y cuerpo de porcelana adornado con dos cabezas de cabra a modo de asa, cada una de ellas en los laterales. La parte frontal del cuerpo alberga la esfera del reloj con números romanos en negro y agujas caladas de color dorado. Por último, la taza tiene un remate de bronce dorado. Este tipo de trabajo era muy común en la decoración interior de casas y palacios de la clase alta en el siglo XIX. Utilizadas para decorar estancias colocándolas sobre mesas, cómodas, etc., eran muy apreciadas tanto por la nobleza como por cierta parte de la burguesía (los que aspiraban a emular a la aristocracia, sobre todo) y se realizaban en prácticamente todas las escuelas artísticas importantes de la época. Sin embargo, las creaciones más valoradas fueron las francesas por varias razones. En primer lugar, por la calidad de su diseño, siempre inspirado en las innovaciones artísticas de la época y evitando la repetición excesiva, con una gran variedad de modelos extraídos de distintas fuentes (esculturas griegas, temas mitológicos, obras contemporáneas, etc.). En segundo lugar, por la calidad de los materiales empleados: porcelanas de gran calidad, bronces bien trabajados, de buena fundición y excelente dorado (técnicas que el propio gobierno francés tuvo siempre muy controladas para no rebajar su calidad ni, en consecuencia, la categoría de su producción), metales, maderas a veces talladas y policromadas, etc. Faltan partes de la maquinaria y algunos bronces están sueltos.

Valorac. 2 000 - 2 250 EUR

Lote 34 - Pareja de candelabros; Francia, S. XIX. Bronce cincelado y bruñido con cuerpo esmaltado en porcelana. Medidas: 87 x 43 x 40 cm (x2). Pareja formada por dos candelabros de siete luces cada uno, todos ellos realizados en bronce combinado con porcelana al estilo Sèvres. Ambos tienen el mismo diseño que parte de una base redonda que se asienta sobre cuatro patas en forma de garra felina. La pieza de bronce termina con una decoración de hojas estilizadas y sintéticas. De la base parten apliques de bronce en forma de putti, que dan paso a las asas. El cuerpo central de formato periforme es de porcelana esmaltada en azul. Este tipo de obra era muy común en la decoración interior de casas y palacios de clase alta en el siglo XIX. Utilizadas para decorar estancias colocándolas sobre mesas, cómodas, etc., eran muy apreciadas tanto por la nobleza como por cierta parte de la burguesía (los que aspiraban a emular a la aristocracia, sobre todo) y se realizaban en prácticamente todas las escuelas artísticas importantes de la época. Sin embargo, las creaciones más valoradas fueron las francesas por varias razones. En primer lugar, por la calidad de su diseño, siempre inspirado en las innovaciones artísticas de la época y evitando la repetición excesiva, con una gran variedad de modelos extraídos de distintas fuentes (esculturas griegas, temas mitológicos, obras contemporáneas, etc.). En segundo lugar, por la calidad de los materiales empleados: porcelanas de gran calidad, bronces bien trabajados, de buena fundición y excelente dorado (técnicas que el propio gobierno francés tuvo siempre muy controladas para no rebajar su calidad ni, en consecuencia, la categoría de su producción), metales, maderas a veces talladas y policromadas, etc.

Valorac. 4 000 - 4 250 EUR

Lote 35 - Juego de café y té; Pérez Hermanos y F.Sanz, 1991 y posteriores. Plata española. Presenta marcas de Madrid Villa y Corte. Las tazas tienen cuerpo de porcelana. Medidas: 12,5 x 15 x 11 cm (mayor); 1,5 x 25 x 12,5 cm (menor). Peso: 1840 g. Juego de café y té compuesto por; cafetera, tercio, lechera, azucarero, bandeja y dos tazas con sus platos. Estéticamente el juego tiene un estilo neoclásico caracterizado por formas angulosas y geométricas. Las tazas llevan las marcas de la joyería Sanz, fundada por Felipe Sanz en Madrid. Como ejemplo de su trabajo, Sanz montó un collar corto con siete esmeraldas colombianas para la reina Victoria Eugenia.

Valorac. 2 250 - 2 500 EUR

Lote 36 - Reloj de sobremesa. Francia, Napoleón III, hacia 1860. En bronce dorado y cincelado. Esfera de porcelana esmaltada. Firmado "Dussault à Paris". Con péndulo. Presenta desgaste. Medidas: 37,5 x 59 x 14,5 cm. Reloj de sobremesa francés de la época de Napoleón II. Realizado íntegramente en bronce dorado, salvo la esfera de porcelana, es de carácter escultórico y representa una alegoría de la primavera. Una figura femenina que podría representar a Deméter se reclina apoyando el codo en la caja del reloj. La escultura, de inspiración grecorromana, porta haces de trigo y una hoz. La acompañan aperos de labranza. La numeración de la esfera esmaltada es romana y arábiga. El conjunto descansa sobre una base calada con cenefas y volutas.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 37 - Reloj de sobremesa. Francia, Napoleón III, hacia 1880. En bronce y placas de mármol belga. Esfera de porcelana esmaltada. Pedestal de madera dorada con tapete de tela. Caja de música en el interior. Con péndulo. Presenta desgaste y desperfectos. Medidas: 48 x 26 x 12 cm (reloj); 7,5 x 31 x 16 cm (soporte). Reloj de sobremesa francés de la época de Napoleón III. La caja combina revestimiento de mármol bega y molduras foliadas de bronce. Una escultura trabajada en bronce en bulto redondo corona el reloj. Representa a una mujer cortesana con traje renacentista finamente brocado, leyendo un libro en un atril. La esfera de porcelana blanca esmaltada tiene números romanos y está decorada con una guirnalda vegetal de bronce dorado. Cenefas y volutas, cabujones y mascarones completan la decoración.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 38 - Reloj de sobremesa. Francia, Napoleón III, hacia 1880. En bronce patinado y cincelado. Con placas de mármol belga. Con péndulo y llave. Firmado "H.Riondet". Presenta desgaste en la esfera y faltas en el mármol. Medidas: 51 x 37 x 16,5 cm. Reloj de sobremesa francés de la época de Napoleón III. Sobre un zócalo que combina placas de mármol belga jaspeado y en negro, descansa una escultura en bronce patinado trabajado en bulto redondo. Representa a una dama de la Antigua Roma. Lleva una túnica drapeada y el pelo rizado. La esfera del reloj, de porcelana esmaltada blanca, tiene números romanos.

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 39 - MARTÍN BENITO Francia, segunda mitad del siglo XX. Jarrón. En vidrio tallado a la rueda. Monturas en bronce dorado. Firmado en la base. Medidas: 41 x 15 x 24,5 cm. Martín Benito nació en el seno de una familia de expertos fabricantes de frascos de perfume, muy conocidos desde los años veinte. Empezó a tallar el cristal a los 14 años y en 1952 fundó Cristal Benito, después de enseñar a su padre y a sus dos hermanos a tallar cristal en lugar de vidrio, y de llevarlos a su taller para que practicaran junto a él. La familia alcanzó rápidamente una maestría sin precedentes en este campo, perfeccionando el uso de las muelas abrasivas (utilizadas para cortar el cristal), así como la técnica del tallado del cristal, en la que el cristal se corta lo más profundamente posible, hasta el límite de su resistencia, para realzar su lustre, brillo y capacidad de reflexión. Martin diseñó las primeras creaciones únicas de la empresa. Pronto alcanzaron reconocimiento internacional, en particular su famoso bar de licores estilo Napoleón III. La clave de este reconocimiento fue el desarrollo de la estrella de cristal Benito de 32 puntas, una técnica aún reconocible en muchas de las diversas creaciones de la empresa. En la actualidad, la empresa, dirigida por Franck Benito, sigue siendo una de las mejores instituciones de tallado de cristal de Francia.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 40 - Pareja de especieros ingleses, ca. 1900. Plata punzonada. Interior en plata vermeille. Con matasellos en ambas piezas: "Birmingham, 1902". Medidas: 3,5 x 6 x 6 cm. Pareja de especieros británicos realizados íntegramente en plata. El interior de los cuencos es de plata vermeille. Presentan un diseño de inspiración orgánica, que se aprecia en los pies unidos con palmetas en los cuencos de perfiles redondeados y bocas sinuosas.

Valorac. 400 - 600 EUR

Lote 41 - Conjunto de tres catavinos, finales del siglo XVIII-XIX. Plata y metal plateado. Con matasellos en dos de ellos. Uno lleva la firma del platero "A. Andraud" y otro está fechado en 1796. Uno de ellos presenta un agujero en la base. En general, marcas de uso y desgaste. Medidas: 3 x 8,5 x 8,5 cm. Juego de tres catavinos, dos de ellos en plata cincelada con punzón. Uno de ellos está decorado con racimos de uvas, los otros dos con estrías y surcos respectivamente. Tienen asas anulares, como era habitual en este tipo de diseños.

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 42 - Pareja de palilleros. Posiblemente portugueses, siglo XIX. Plata punzonada. Con matasellos en ambas piezas. Medidas: 7 x 10 x 6 cm. Pareja de palilleros del siglo XIX realizados íntegramente en plata cincelada. Representan dos cerditos con el lomo perforado para guardar los palillos. Se elevan sobre una base de perfil oval elevada sobre pies de palmito.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 43 - Juego de tres saleros y pimenteros ingleses. Londres, siglo XIX. Plata punzonada. Con matasellos en las tres piezas. Tiene algunas abolladuras. Medidas: 16 x 5,5 x 5,5 cm. la mayor. Juego de tres saleros o pimenteros británicos realizados totalmente en plata punzonada, con marcas de plateros londinenses. Sobre una base circular escalonada se eleva el cuerpo esbelto y moldeado. La cúpula superior tiene cincelados decorativos y calados para la salazón. Un pequeño pináculo a modo de pomo decorativo corona las piezas y facilita su apertura.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 44 - Pareja de saleros ingleses, ca. 1900. Plata punzonada. Con sellos en ambas piezas: "Birmingham, 1906", por "William Hutton & Sons". Presenta algunas faltas. Medidas: 9 x 3 x 3 cm. Pareja de saleros británicos realizados íntegramente en plata punzonada, con el nombre del platero. Sobre una base circular escalonada se eleva el cuerpo esbelto y moldeado. La cúpula superior tiene cincelados decorativos y calados para la salazón. Un pequeño pináculo corona las piezas.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 45 - Tetera inglesa, ca. 1900. De plata. Mango y asa en madera ebonizada. Con matasellos en una cara, marcas en el reverso de procedencia y platero: "London. Goldsmith & Silversmith, 1902". Ligeros desperfectos en el mango. Medidas: 15,5 x 25 x 11 cm. Tetera británica de finales de la época victoriana. Realizada en plata excepto el asa y el pomo en madera ebonizada, tiene el cuerpo medio gallonado. Los gallones ornamentan la panza a modo de vaina. Están trabajados en relieve, y el mismo motivo se repite en la tapa. El diseño buscaba un contraste de materiales y formas, entre la ornamentación de inspiración orgánica del cuerpo de plata y la sección angulosa del asa de madera.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 46 - Arqueta española. Época de Carlos IV, finales del siglo XVIII-principios del XIX. Madera ebonizada y hueso cincelado con tinta (incluye un retrato de Carlos IV). Presenta marcas de uso, desgaste y faltas. Medidas: 11 x 14 x 8,5 cm. Arqueta del reinado de Carlos IV. La estructura de madera ebonizada ha sido recubierta con láminas de hueso en las que se desarrollan batallas y escenas de campo, así como motivos híbridos característicos de los grotescos: mascarones unidos a ramas vegetales, etc. También incluye un retrato del monarca. La arqueta se eleva sobre pies de lenteja y su tapa a dos aguas presenta también los cuatro lados decorados en hueso.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 47 - Cuchara salsera georgiana. Inglaterra, último tercio del siglo XVIII. Plata cincelada. Mango de madera. Medidas: 3 x 7 x 5,5 cm (cuchara); 27 cm (longitud del mango). Cuchara salsera inglesa del siglo XVIII en plata repujada y cincelada, con motivos foliados como roleos y cenefas, así como racimos de uvas. Presenta la base rodeada por una cenefa estrellada. Es de estilo georgiano.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 48 - Taza inglesa, siglo XIX. En plata punzonada. Sellos en un lado. Interior en plata vermeille. Presenta algunos golpes. Medidas: 16 x 10 x 10 cm. Taza inglesa del siglo XIX realizada íntegramente en plata. La parte inferior de la taza está realzada con gallones formando un relieve en vaina. Su interior es de plata vermeille. El pie descansa sobre una base circular bordeada de muescas decorativas.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 49 - Pareja de especieros ingleses, principios del siglo XIX. Plata punzonada. Con punzones en ambas piezas y firma de orfebre con iniciales: "Londres. E.W, 1804" Medidas: 3 x 8 x 6 cm. Pareja de especieros británicos de época decimonónica realizados íntegramente en plata. Su cuerpo es facetado y octogonal en su sección, ovalado en el interior.

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 50 - Cubertería de doce servicios; Matilde Espuñes (1909 - 1950). De plata. Juego de 130 piezas. Presenta iniciales grabadas. Medidas: 30 cm. (altura mayor); 10 cm. (altura menor). Peso: 5.874 g (sin cuchillas). Lote formado por; 12 tenedores de mesa; 12 cuchillos de mesa; 12 cucharas soperas; 12 tenedores de pescado; 12 palas de pescado; 12 cuchillos de postre; 12 tenedores de postre; 12 cucharas de postre; 12 cucharas de moka; 10 piezas de servicio; 12 tenedores de mesa adicionales. Espuñes fue fundada en Madrid en 1840 por el catalán Ramón Espuñes, aunque serían los avances implementados por su hijo Luis y su visión comercial los que otorgarían mayor prestigio y renombre al negocio familiar. Aunque la mayor parte del trabajo se destinó a la creación de piezas de uso civil como cuberterías, recibieron el título de plateros de la Casa Real por la Vajilla de Colón, un regalo a la reina Isabel II que incluía un candelabro que representaba a Colón recibiendo regalos de los indios americanos. La firma adquirió tanta fama y volumen que no sólo vendía productos a nivel nacional, sino que traspasó fronteras y llegó a tener almacenes en Barcelona, La Habana y México. Presenta las iniciales grabadas.

Valorac. 6 500 - 7 000 EUR

Lote 51 - Pareja de candeleros; España, S. XX. Plata punzonada, repujada y cincelada. Presenta marcas en la base. Medidas: 43 x 41 x 41 cm (x2). Peso: 3580 g. (con contrapesos). Pareja de candelabros de cinco luces en plata punzonada, repujada y cincelada. Las piezas tienen el mismo diseño de perfil torneado a base de molduras y salientes. La superficie de la plata está cincelada con motivos sintéticos. Los brazos en forma de serpentina, decorados con muescas incisas, tienen forma de punto de giro en inglete. Sostienen los mecheros sobre platillos y las bocas de las tulipas están perfiladas.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

Lote 52 - Cáliz. España (posiblemente La Rioja), principios del siglo XVIII. Plata punzonada. Peso: 886 gramos. Con marcas grabadas del platero y localidad en la base. Tiene la inscripción: "Es para Nuestra Señora de Dabalillo (sic)". Medidas: 26 x 16 x 16 cm. Cáliz realizado íntegramente en plata de calidad, dentro de un estilo barroco tardío, concretamente siguiendo los criterios del barroco refinado, basado en la expresión de la estructura, limitando la ornamentación al esbelto pie torneado, la base escalonada y la copa con moldura. El nudo parte de la forma del vaso clásico típico del cáliz barroco, pero sin embargo su perfil comienza a tomar un camino sinuoso, encaminándose hacia lo que será el nudo por excelencia del Rococó: la pera invertida. Durante el siglo XVIII, España siguió los preceptos de la Contrarreforma, que influyeron en la producción de objetos litúrgicos de gran esplendor y simbolismo para reforzar la fe católica. La Iglesia católica promovió el uso de arte y objetos litúrgicos de gran calidad para inspirar devoción y glorificar los rituales eucarísticos. La mayoría de estos cálices son de plata y se emplean técnicas de orfebrería como el repujado, el cincelado y el grabado.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 53 - Sagrario. España, siglo XIX y posteriores. En madera de pino tallada, dorada y policromada. Presenta faltas, desgastes e intervenciones posteriores. Repintado. Medidas: 96 x 59 x 44,5 cm. Sagrario de madera de pino tallada. Tiene forma de capilla abierta o pérgola con columnas salomónicas adornadas con racimos de uvas que se arrastran como la hiedra por sus surcos. Los capiteles son de orden compuesto. Alberga un plinto en su interior. Festones y lazos decoran el entablamento. Cuatro figuras trabajadas en bulto redondo (ángeles y arcángeles) decoran la cúpula calada.

Valorac. 800 - 1 800 EUR

Lote 54 - Joyero. A la manera de Sèvres, ca.1900. En porcelana esmaltada y parcialmente dorada. Monturas de cobre. La marca del reverso emula la de Sèvres. Escena firmada: Garnier. Medidas: 14,5 x 34 x 24 cm. Caja-joyero en porcelana esmaltada, con cenefas y volutas doradas. Sobre un fondo granate bermellón decorado con motivos foliados se distribuyen varios medallones blancos decorados con composiciones florales y paisajes. La tapa está ocupada por una escena campestre firmada "Garnier". El diseño del recipiente es sinuoso, de inspiración orgánica.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 55 - Popurrí. Francia, segundo tercio del siglo XX. En porcelana esmaltada y parcialmente dorada. Con marcas apócrifas de Sèvres. Medidas: 21 x 20 x 16,5 cm. Popurrí francés de porcelana esmaltada en tonos pastel y bordes dorados. Sigue modelos de Sèvres. Decorado con medallones con flores, el fondo verde azulado está agujereado con pequeños agujeros, ya que la finalidad de este tipo de cajas es perfumar los ambientes, como contenedor de mezclas de flores secas, especias y aceites esenciales. La tapa está rematada con un escultural ramo floral.

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 56 - Reloj de sobremesa. Estilo Luis XVI, finales del siglo XIX. En bronce bruñido y porcelana policromada. Firmado con iniciales. Presenta faltas en la esfera. Medidas: 66 x 34 x 15 cm. Reloj de sobremesa en bronce, con un diseño de estilo Luis XVI caracterizado por un centro en forma de jarrón asentado sobre una base elevada sobre patas estriadas. La base, de bronce, está decorada con festones y festones. La esfera tiene números romanos y un borde dorado. Está rodeada por una placa de porcelana policromada con una escena campestre. El reloj está rematado por una escultura redonda de una joven que toca el laúd.

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 57 - Candelabro de estilo Imperio. Francia, principios del siglo XX. En bronce dorado. Medidas: 76,5 x 29 x 29 cm. Candelabro de seis luces de estilo Imperio o Restauración. Realizado en bronce dorado, se compone de seis brazos en forma de cornucopias vegetales coronadas por pantallas foliadas con motivos de palmetas. El tallo es de inspiración vegetal, con finas estrías y la parte inferior recubierta de hojas de loto. Se eleva sobre un zócalo rectangular y moldurado, decorado con una guirnalda floral.

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 58 - Cáliz. Córdoba, siglo XVIII. Plata punzonada. Peso: 358 gramos. Marcas en la base. Medidas: 22 x 14 x 14 cm. Cáliz cordobés en plata punzonada, con el interior del vaso en plata vermeille. Está realizado dentro de un estilo barroco tardío, concretamente siguiendo los criterios del barroco refinado, basado en la expresión de la estructura, limitando la ornamentación al esbelto pie y a la base. El aspecto refinado y clásico del barroco se aprecia en una estructura muy bien pensada, con un fuste compuesto por un astil que avanza elementos rococó. Cordones de óvalos bordean un saliente, armonizando con el contorno sinuoso del astil. El nudo se basa en la forma clásica de jarrón típica del cáliz barroco, pero su perfil avanza hacia lo que será el nudo rococó por excelencia: la pera invertida. Por lo demás, vemos una sucesión de estratos horizontales, que van desde el pie circular con escalón, pasando por los distintos elementos de la estructura del fuste en la que se combinan balaustres de formas cilíndricas y mixtilíneas. El cáliz está coronado por la copa.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 59 - Copa-frutero. Francia, siglo XIX. Bronce y cobre. Presenta marcas de uso y desgaste. Con una ligera abolladura en el borde superior. Medidas: 14 x 32 x 32 cm. Copa-frutero levantada sobre base circular de la que emerge un astil cilíndrico que culmina en un recipiente circular plano. Este último está adornado con escenas alegóricas con faunos y ornamentos vegetales.

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 60 - Conjunto de 5 paneles decorativos de época Art Déco, años 30-40. Hierro forjado pintado en dorado. Presenta marcas de uso y desgaste. Medidas: 56 x 22 x 2 cm (medidas de la mayor). Estos paneles decorativos se inspiran en motivos relacionados con el mundo de la bebida: un vaso de vermut, una botella de vino, un racimo de uvas en alusión al vino, una botella de refresco para un cóctel y una jarra de cerveza componen un conjunto que rinde homenaje a la cultura del bar y su entorno.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 61 - Pareja de candelabros del siglo XIX. En plata cincelada. Con marcas de platero en la base. Presentan marcas de uso, desgaste y algunas pequeñas abolladuras. Peso: 1300 gramos. Medidas: 33 x 25 x 25 cm. Pareja de candelabros de cuatro luces realizados íntegramente en plata. Sobre una base circular se eleva el fuste moldeado y torneado con salientes y perfiles mixtilíneos. En su extremo se abre con cuatro brazos sinuosos adornados con volutas y roleos que nacen como caprichosas ramitas. Las cuatro pantallas, de cuerpo bulboso y cincelado, descansan sobre pequeñas placas.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 62 - Reloj de sobremesa. Francia, siglo XIX. Mármol negro y calamina. Con marcas de relojero en el interior de la maquinaria: "Franjus Raison & Thomas". Tiene llave. Medidas: 59 x 44 x 18 cm; 2,5 x 13 x 8 cm. Reloj de sobremesa francés, época del siglo XIX. El grupo escultórico en calamina y trabajado en bulto redondo representa a una madre que enseña a leer a su hija. Llevan vestidos sencillos pero elegantes, hábilmente drapeados. La señora está sentada sobre la caja del reloj y apoya en ella el libro abierto. La esfera del reloj es negra y sobre ella destacan los números romanos en dorado. El borde de la esfera, cincelado, también está dorado. La base de mármol negro se eleva sobre patas de garra de metal y el frente está fileteado en oro.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 63 - Reloj de sobremesa con guarnición estilo Luis XV; Francia, periodo Napoleón III, tercer cuarto del siglo XIX. Bronce cincelado, dorado y bruñido con esfera de porcelana esmaltada. Conserva péndulo. Presenta pérdida de mechero, restitución de mechero y cristal de época posterior. Firmado en la esfera: "Balthazard à Paris" y estampado en el mecanismo: "Medaille d'argent; Vincenti & CIE". Medidas: 53,5 x 28,5 x 26 cm; 57,5 x 41,5 x 20 cm (reloj). Guarnición formada por dos candelabros de cuatro luces y un reloj de sobremesa, con las tres piezas que forman el conjunto realizadas íntegramente en bronce dorado. Se trata de un guarnición de diseño historicista, de inspiración clásica, que combina armoniosamente elementos de diferentes épocas clasicistas: barroco, renacimiento, neoclasicismo e incluso Imperio, en una mezcla fantasiosa y decorativa propia del contexto historicista. Los candelabros están formados por una superposición de elementos, partiendo de una base formada por ornamentos vegetales que se entrelazan, creando así una concepción muy dinámica de la composición. Sobre ella vemos un cuerpo en el que destaca el diseño de inspiración vegetal del fuste. Por último, en cada uno de los candelabros hay un elemento vegetal sobre el que se eleva el cuerpo de luces, también basado en estilizadas hojas de acanto. Los mecheros que los rematan son cilíndricos, con forma de flor, ya que están decorados con motivos en relieve que asemejan pétalos y cubren toda su superficie. El reloj sigue un estilo similar, con una base parecida. La caja del reloj, con números romanos en azul cobalto sobre los que se disponen números arábigos en relación con los minutos, las agujas caladas en color dorado siguen la línea ornamental de la pieza. Este tipo de piezas alcanzó gran popularidad durante el siglo XIX, convirtiéndose en un objeto de lujo y significación social. Destinados a la zona alta de las chimeneas, estos conjuntos solían ubicarse en la sala de visitas, por lo que su calidad y buen gusto distinguían el gusto de su propietario. Conserva el péndulo. Presenta pérdida de un encendedor, restitución de un mechero y vaso de época posterior.

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

Lote 64 - Reloj de sobremesa; Francia, época Luis Felipe, c. 1845. Porcelana modelada, esmaltada y dorada. Engastado con precisión. Presenta sellos: "Medaille dòr 1844, FR breveté fournisseur du roi". Medidas: 49 x 30,5 x 14 cm. Las iniciales F.R. hacen referencia al pintor de porcelana francés Edmé-Alexandre-Francisque Rousseau, activo en París entre 1837 y 1853. Según el Bulletin des lois de la République Française (Vol.29, París, 1845) Francisque Rousseau registró una patente en 1844 por la invención de un nuevo procedimiento de dorado de la porcelana. Gracias a este invento, Rousseau fue galardonado con la gran medalla de oro de la Sociéte d'Encouragement pour l'Industrie Nationale y en el Anuario General del Comercio, la Industria, la Magistratura y la Administración de 1847 la entrada a su nombre reza "autor del procedimiento de dorado, sobre cualquier fondo coloreado a medio fuego de horno del que la gran aplicación, el éxito perfecto y constante le valieron (varios premios)...". Gaultier de Claubry alaba las "mejoras que aportó a la decoración de la porcelana". Describe el proceso por el que Rousseau consiguió la aplicación del relieve sobre fondos coloreados, sin alterar su brillo, para recibir un denso dorado. La solidez sin precedentes de estos ornamentos parece haber abierto nuevas posibilidades decorativas para una gama más amplia de objetos. El "dorado inalterable" de Francisque Rousseau permitirá, según el Sr. Claubry, "satisfacer todas las exigencias del arte y los caprichos de la moda". La popularidad de sus productos y sus bajos precios le granjearon una atención cada vez mayor, que culminó con su nombramiento como Proveedor del Rey (Fournisseur du Roi) Louis-Phillipe en 1847.

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

Lote 65 - Reloj de sobremesa; Francia, época de la Restauración, c. 1815 y ss. Bronce cincelado, dorado al mercurio y patinado. Conserva péndulo. Presenta pérdida de la corona y la suspensión original de la maquinaria ha sido sustituida. Medidas: 64 x 43 x 13,5 cm. Reloj de sobremesa con grupo escultórico basado en el prolífico modelo realizado por el escultor Claude Michallon. Se trata de una pieza con base escalonada en cuya parte superior se encuentra la esfera, con números romanos en negro. Como en el modelo de Michallon, sobre el cuerpo del reloj descansan las figuras de Cupido y Psique trabajadas en bronce patinado: Psique coloca una corona sobre Cupido, mientras éste lleva su mano a la mejilla de ella en un delicado gesto lleno de amor y ternura. Formalmente, destaca la posición de los cuerpos, que denota el savoir faire de Michallon, así como el cuidado detalle del modelado en la anatomía y en las calidades. La atribución del diseño a Michallon (m. 1799) deriva de una factura de 1816 de Feuchère para Würzburg en la que menciona este "pendulum de Psyché couronnant l'amour groupe modelé par feu Michallon". Conserva el péndulo. Presenta pérdida de la corona y la suspensión original de la maquinaria ha sido sustituida.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 66 - Pareja de candeleros; Francia, época Imperio, c. 1805. Bronce cincelado, dorado al mercurio y bruñido. Medidas: 47 x 22 x 12,5 cm (x2). Lote formado por dos candeleros de bronce dorado que presentan el mismo diseño. Ambos se disponen sobre una base circular, adornada con una cadena de motivos vegetales que recorre el perímetro y da paso a un interior con detalles de hojas sintéticas superpuestas que se elevan adoptando una forma acampanada. El fuste separado del pie por una estructura circular se ha diseñado como una columna clásica. Esta zona está ricamente adornada con una estilizada base de hojas, cuerpo acanalado y capitel. Por último, la zona de la mecha adopta la forma de una columna estriada con un mechero situado a cada lado y el central más alto. Los motivos ornamentales recuerdan ejemplos del arte decorativo de la época, pero reinterpretados para adaptarlos al gusto estético del siglo XIX.

Valorac. 5 000 - 7 000 EUR

Lote 67 - FERDINAND BARBEDIENNE (Francia, 1810-1892). "Baco (Antinoo) y Ariadna", c. 1850. Bronce cincelado, patinado y parcialmente dorado, sobre peana de mármol negro belga. Firmado. Presenta algunas picaduras en la base. Con sello de Reducción Mecánica. Medidas: 27 x 12 x 11 cm; 27,5 x 12 x 11 cm. Pareja de bustos en bronce representando a Baco y Ariadna. La fundición F. Barbedienne fue fundada en París en 1838 por Ferdinand Barbedienne y Achille Collas, este último inventor de una máquina para reducir mecánicamente el formato de las esculturas. Al principio se dedicaron a la producción de reproducciones en bronce de esculturas de la antigüedad romana y griega, como la que aquí se presenta. Su primer contrato para publicar obras creadas por un artista vivo se firmó en 1843, con el escultor François Rude. En los años siguientes, tras sobrevivir al colapso económico de 1848, la casa Barbedienne firmó contratos con muchos de los escultores activos en París en aquella época, como David d'Angers, Jean-Baptiste Clesinger, Antoine Louis Barye y otros. Achille Collas murió en 1859, tras lo cual Ferdinand Barbedienne quedó como socio único de una empresa que había crecido hasta contar con unos trescientos trabajadores. En 1865 fue nombrado presidente de la Asociación de Broncistas, cargo que ocupó hasta 1885. Sin embargo, el estallido de la guerra franco-prusiana en 1870, y la consiguiente escasez de metales en bruto, obligó a Barbedienne a interrumpir su producción artística, aunque firmó un contrato con el gobierno francés para fabricar cañones, lo que le permitió mantener abierta la fundición. Tras la guerra, reanudó su producción escultórica y se esforzó aún más en firmar contratos con diversos escultores. A su muerte, en 1891, fue elogiado como el mejor fundidor de Francia, y Albert Susse lo calificó de "motivo de orgullo para la nación". La dirección de la fundición recayó entonces en el sobrino de Barbedienne, Gustave Leblanc, que mantuvo la alta calidad de la producción y abrió sucursales en Alemania, Inglaterra y Estados Unidos. Presenta algunas picaduras en la base.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 68 - Pareja de candeleros; Francia, época de la restauración, c. 1815. Bronce cincelado, patinado, dorado al mercurio y bruñido. Medidas: 65 x 29 x 29 cm (x2). Pareja de candelabros de estilo y época de la Restauración. Cada uno de ellos tiene un cuerpo de luces con cinco brazos tipo candelabro, dorados y decorados con motivos vegetales, más una sexta luz en la tulipa central. Los cuerpos de luces se apoyan en fustes de bronce triplemente acanalados que se apoyan en un pedestal de bronce dorado de triple pie, ricamente tallado con motivos de rocaille y elementos vegetales que terminan en patas de garra de león. El dorado al mercurio es de gran calidad, como demuestra su opulento lustre. Las patas descansan sobre una base moldeada. Hojas de acanto, mecheros tallados, corolas florales y vainas foliadas se alternan en el dorado resaltando con el negro liso del fuste y la base. Todos estos motivos, así como el diseño general, están directamente extraídos del trasfondo ornamental del neoclasicismo.

Valorac. 6 000 - 9 000 EUR

Lote 69 - Caja de bendición; Augsburgo, último cuarto S. XVI. Madera de ébano tallada y pulida; plata cincelada y repujada. Estudio adjunto de la Dra. Rosario Coppel. Medidas: 52 x 32 x 12 cm. La benditera está compuesta por un marco de madera de ébano en forma de templo griego con columnas salomónicas que flanquean un relieve central de plata donde tiene lugar la "Adoración de los Pastores". Tiene, a su vez, diferentes ornamentos en este material: un relieve con el busto de Dios Padre en la parte superior del frontón partido y, a ambos lados, dos figuras femeninas yacentes alegóricas. En la parte inferior, entre las citadas columnas -cuyos capiteles y basas corintias están trabajados en plata-, se sitúa la pila, en cuyo depósito aparece una cabeza de querubín sobre guirnaldas rodeada de granadas y hojas de acanto. También presenta una serie de aplicaciones caladas en el estilóbato y el friso. La iconografía, las características formales y la riqueza de los materiales sugieren que debió de crearse originalmente para el oratorio privado de un cliente importante. Las figuras principales del relieve central han sido representadas con gran esmero y presentan características de gran particularidad, como las mejillas hundidas de las figuras masculinas, las manos de largos dedos, el movimiento de los ropajes y la expresividad de los rostros. Las figuras del fondo y el busto de Dios Padre, en cambio, están más esbozadas. La escena en relieve puede haberse inspirado en un grabado, mientras que la estructura y los modelos, algunos naturalistas y otros idealizados, recuerdan la obra de Guglielmo della Porta (1515 - 1577). Las figuras femeninas se encuentran entre los dibujos realizados por el escultor, así como en algunas de sus obras, al igual que los ángeles o la cabeza de querubín. La composición general aparece también en píxides, relicarios y otros elementos devocionales creados por el escultor y por los plateros que le asistían en su taller. La benditera, aunque se relaciona con la obra de Guglielmo della Porta, posee ciertos elementos formales que invitan a situarla entre las producciones alemanas de la ciudad de Augsburgo, destacado centro de producción de orfebrería. La elegante combinación de plata y ébano es característica de la región, y se conocen numerosos ejemplos, como los producidos por Matthäus Walbaum (1554 - 1632). Los motivos decorativos en plata, como flores, hojas o molduras a modo de cornisa sobre una estructura de ébano, recuerdan a los de piezas como el altar de la "Reiche Kapelle" de Múnich, obra de Hans Scheibel y Jakob Anthoni. 1600), en el "Gabinete de Pomerania" (c. 1610), creación, precisamente, de Matthäus Walbaum o el altar portátil de Jeremias Flicker (c. 1647), cuyo relieve es una copia del representado en el "Calvario" de El Escorial, obra de Antonio Gentile a partir de un modelo de Guglielmo della Porta. Además, el estilo utilizado para el relieve de la caja de bendición está muy próximo al del llamado "Maestro GP", orfebre que trabajó en Augsburgo durante el último cuarto del siglo XVI. La "Adoración de los pastores", relieve de plata que se encuentra en el Museum "für Kunst und Gewerbe" de Hamburgo, es similar al estudiado, no sólo en cuanto a los modelos de las figuras, sino también en cuanto a la construcción del fondo y, sobre todo, en cuanto al grupo de ángeles del tercio superior que, sobre un semicírculo de nubes, sostienen una filacteria en la que se lee: GLORIA IN EXCELSIS DEO. PAX HOMINIBVS". Ambas piezas comparten un dibujo audaz, de trazos seguros pero esquemáticos, en el que las figuras están representadas con gran detalle, revelando la textura de los materiales. Se adjunta un estudio realizado por la Dra. Rosario Coppel.

Valorac. 30 000 - 35 000 EUR

Lote 70 - Consola de estilo isabelino; hacia 1860. Mármol y madera estucada y dorada. Presenta ligeros desperfectos. Medidas: 94,5 x 127 x 58,5 cm. Las cuatro patas de la consola tienen una ligera forma cabriolé, un frente tallado con volutas y elementos vegetales, y están unidas en la parte inferior por chambranas también decoradas con hojas de inspiración clasicista, que se unen de forma central. La cintura de la mesa presenta dos zonas curvas hacia los extremos, y un frente calado con el mismo tipo de decoración de inspiración antigua que las patas: tallos, guirnaldas... El tablero superior sigue las líneas del mueble: ángulos frontales curvados y un pequeño saliente hacia delante. Se inspira claramente en elementos decorativos tomados bien del Renacimiento, bien de la Antigüedad clásica (más de la Roma imperial que de Grecia), como es habitual en las obras que se inscriben en el Neoclasicismo. Sin embargo, el movimiento del panel superior, la decoración calada del frente, las ligeras patas cabriolé y la abundancia de decoración y dorado de este mueble también se relacionan con una continuación de las formas de otro estilo del siglo XVIII: el Rococó.

Valorac. 500 - 700 EUR

Lote 71 - Juego de 2 salseras georgianas y 2 cucharillas victorianas. Londres, Inglaterra, siglo XIX. En plata. Interior en plata vermeille. Con marcas en todas las piezas. Plateros no identificados Medidas: 6,5 x 80 cm (la salsera más grande); 10,5 cm (longitud cucharillas). Juego de dos salseras de época georgiana realizadas enteramente en plata (el interior de las copas, en plata vermeille). Tienen forma de copas con base circular cincelada con filetes paralelos, el mismo motivo se repite en la boca. En los vientres hay cincelado un león. Dos cucharillas, también de plata inglesa pero de la época victoriana, completan la pareja.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 72 - ANTOINE-LOUIS BARYE (Francia, 1795 - 1875). "Jaguar devorando un pájaro capturado". Bronce. Ferdinand Barbedienne Fondeur. Firmado por el artista y el editor. Medidas: 16 x 43 x 17 cm. Escultor clave del romanticismo francés, Barye inició su formación junto a su padre, orfebre, y más tarde la amplió con los maestros François Joseph Bosio y Antoine-Jean Gros, en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, donde ingresó en 1818. Especialmente apreciadas fueron sus esculturas animalísticas, iniciadoras en gran medida del género. Tuvo su propia fundición, colaboró con Viollet-le-Duc en un proyecto encargado por Napoleón III y fue maestro de Auguste Rodin. Presentó sus obras en el Salón de París y creó monumentos como el "León con serpiente" del Jardín de las Tullerías (1833), encargado por el rey. Actualmente está representado en los museos del Louvre y Orsay de París, la National Gallery de Londres, el Hermitage de San Petersburgo, la Albertina de Viena, el Art Institute de Chicago y el Smithsonian de Washington D.C., entre otros museos de todo el mundo.

Valorac. 4 000 - 4 500 EUR

Lote 73 - Escuela francesa del siglo XIX. "Mosquetero". Bronce. Medidas: 51 cm. En esta escultura se nos presenta a un mosquetero en actitud relajada. El apuesto joven viste el atuendo típico con elegantes galas y sombrero con pluma.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 74 - ÉTIENNE MÉLINGUE (Caen, 1807-1875). "Molière". Bronce. Susse Frères Editeur. Firmado, con sello del editor y titulado. Medidas: 26 cm. Molière fue un famoso dramaturgo francés. Se le considera uno de los más grandes dramaturgos de la historia y padre de la Comedia Francesa. Su relación con el teatro comenzó en 1643 cuando firmó, junto con la familia de comediantes Béjart, el acta de constitución del Teatro Ilustre, que dirigiría sin mucho éxito un año más tarde. Durante cinco años, Molière abandonó la capital francesa para dedicarse a la interpretación, regresando en 1650 para hacerse cargo de la compañía. Pronto sus farsas y obras cómicas se hicieron famosas, siendo instalado por el rey francés en el teatro Petit-Bourbon. Sus obras empezaron a ganar popularidad, siguiendo la máxima de "corregir las costumbres riendo", lo que, unido a la protección real, hizo que Molière se granjeara enemigos entre quienes se ridiculizaban en sus obras. En 1664 fue nombrado encargado de los entretenimientos de la Corte; ese mismo año se estrenó "Tartufo", una obra crítica con la hipocresía religiosa y que provocó airadas reacciones entre las clases conservadoras, obligando al rey a prohibir la obra durante cinco años. Sin embargo, con el apoyo real, la compañía se convirtió en la Compañía Real. Aunque su salud empezó a flaquear, Molière continuó escribiendo obras inmortales como "El misántropo" y "El médico a palos". Su última obra, "El enfermo imaginario", pasó tristemente a la historia por el ataque que el propio actor y autor sufrió en una de sus representaciones, del que no se recuperó y murió. Actor, escultor y pintor apasionado por el teatro, Étienne Marin Mélingue fue el intérprete popular del drama romántico del tipo popularizado por Alexandre Dumas, padre. Uno de sus mayores éxitos fue el de Benvenuto Cellini, en el que demostró su habilidad como actor y como escultor, modelando ante los ojos del público una estatua de Hebe. Su esposa también fue actriz.

Valorac. 700 - 900 EUR

Lote 75 - Según ANDREA DEL VERROCCHIO (Florencia, 1435 - Venecia, 1488). "El Condottiero Bartolomeo Colleoni". Bronce. Ferdinand Barbedienne Fondeur. Medidas: 16 x 43 x 17 cm. Réplica en formato medio del monumento ecuestre en bronce dedicado al Condottiero Bartolomeo Colleoni, de 395 cm de altura sin el pedestal, realizado por Andrea del Verrocchio entre 1480 y 1488 y situado en Venecia, en la plaza de los Santos Juan y Pablo. Es la segunda estatua ecuestre del Renacimiento, después del monumento a Gattamelata de Donatello en Padua, 1446-53. Su historia se remonta a 1479, cuando la República de Venecia decretó la realización de un monumento ecuestre dedicado a este Condottiero, fallecido tres años antes, que se colocaría en la Piazza dei Santi Giovanni e Paolo. En 1480 se encargó su ejecución a Verrocchio, que comenzó los trabajos en su taller de Florencia. En 1481 el modelo de cera fue enviado a Venecia, adonde el artista se desplazó en 1486 para dirigir personalmente la fundición del modelo definitivo, en bronce a la cera perdida. Andrea Verrocchio murió en 1488 con la obra inacabada, aunque el modelo de cera debía permanecer, y en su testamento determinó que Lorenzo di Credi continuase el proyecto. Sin embargo, la Signoria veneciana prefirió al artista local Alessandro Leopardi, pintor y escultor, multidisciplinar a la manera moderna, como lo había sido el propio Verrocchio. El artista florentino basó la creación del monumento en la estatua ecuestre de la Gattamelata de Donatello, las antiguas estatuas de Marco Aurelio y los caballos de San Marcos (siglo XIII) y de la Regisole (obra de la antigüedad tardía de Pavía, perdida en el siglo XVIII). También había frescos de Giovanni Acuto, Paolo Ucello y Andrea del Castagno. Por otra parte, existía el importante problema técnico de representar el caballo con la pata delantera levantada, en posición majestuosa hacia delante, que Donatello había resuelto prudentemente colocando una esfera bajo la pata levantada. Verrocchio será el primero en lograr erigir una estatua ecuestre apoyada únicamente sobre tres patas.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 76 - PAUL GUSTAVE DORÉ (Estrasburgo, 1832-París,1883). "La Defensa Nacional". Bronce. Firmado. Medidas: 57 cm. Paul Gustave Doré fue un pastor alemán francés, pintor, escultor e ilustrador, considerado en su país el último de los grandes ilustradores. Comenzó su formación artística trabajando con Charles Philipo, que publicaba una litografía a la semana. Más tarde recibió diversos encargos de François Rabelais, Honoré de Balzac y Dante Alighieri, lo que le hizo, siendo aún muy joven, cobrar más que su contemporáneo Honoré Daumier. En 1853 iluminó algunas obras de Lord Byron. En 1862 viajó por España con el barón Davillier. Como resultado del viaje, al año siguiente publicó una serie de crónicas sobre Valencia, Galicia, Andalucía, con estancias específicas en Granada, Madrid y otras capitales españolas. La obra se incluyó en la colección Le Tour du Monde. En la misma década de 1860, Doré ilustró una edición francesa de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes, basada en su experiencia vital en la geografía española. Posteriormente, Doré firmó un contrato de cinco años con la editorial Grant & Co. Esto significaba que tenía que pasar al menos tres meses al año en Londres. El libro London: A Pilgrimage, con 180 grabados, se publicó en 1872. Aunque fue un éxito comercial, a muchos críticos no les gustó la publicación, escandalizados por el hecho de que Doré mostrara en su obra la pobreza que existía en Londres. Fue acusado por el Art Journal de ser un "fantasioso más que un ilustrador", y denunciado en otras revistas importantes, como la Westminster Review. Sin embargo, el éxito de London: A Pilgrimage le valió muchos más encargos de editoriales inglesas.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 77 - ANTOINE-LOUIS BARYE (Francia, 1795 - 1875). "Águila sosteniendo una grulla", ca. 1860-1880. Bronce patinado. F. Barbedienne Fondeur, París. Firmado por el artista y la fundición. Medidas: 31 x 30 x 24 cm. Escultor clave del Romanticismo francés, Barye inició su formación con su padre, orfebre, y la amplió más tarde con los maestros François Joseph Bosio y Antoine-Jean Gros, en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, donde ingresó en 1818. Especialmente apreciadas fueron sus esculturas animalísticas, iniciadoras en gran medida del género. Tuvo su propia fundición, colaboró con Viollet-le-Duc en un proyecto encargado por Napoleón III y fue maestro de Auguste Rodin. Presentó sus obras en el Salón de París y creó monumentos como el "León con serpiente" del Jardín de las Tullerías (1833), encargado por el rey. Actualmente está representado en los museos del Louvre y Orsay de París, la National Gallery de Londres, el Hermitage de San Petersburgo, la Albertina de Viena, el Art Institute de Chicago y el Smithsonian de Washington D.C., entre otros museos de todo el mundo.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 78 - JEAN-BAPTISTE PIGALLE (París, 1714-1785). "Michel de Montaigne". Bronce. Firmado. Medidas: 37 cm. de altura. Escultura de bronce firmada por Jean-Baptiste Pigalle que representa al filósofo y escritor renacentista Michel de Montaigne, autor de los "Ensayos" e inventor del género ensayístico. Aparece aquí caracterizado como un humanista con semblante aristocrático, cuello alzado y un libro abierto sobre el regazo. Jean-Baptiste Pigalle fue un escultor francés. Nacido en una familia de ebanistas, aprendió escultura con Robert Le Lorrain y Jean-Baptiste Lemoyne. Recibió principalmente la influencia de Edmé Bouchardon. Se trasladó a Italia de 1734 a 1737. Considerado un gran maestro por sus contemporáneos, su obra se sitúa estilísticamente a caballo entre el barroco y el neoclásico. Una de sus obras más conocidas es "Mercurio atándose las sandalias", conservada en el Museo del Louvre.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 79 - PIERRE MARIE-POISSON (Niort, 1876 - 1953, París). "Venus y Apolo". Bronce. Con sello de la fundición Bisceglia Frères. Firmado por el artista. Medidas: 26,5 y 29,5 cm (altura). Pierre-Marie Poisson fue un escultor y medallista francés, estudió escultura en la Escuela de Bellas Artes de Toulouse de 1893 a 1896, donde se formó en artes plásticas y yeso. Completó esta enseñanza en el taller Barrias de París. En 1907 obtuvo una medalla de honor en el Salon des Artistes Français y una asignación para residir en la villa Abd-el-Tif de Argel, donde diseñó y realizó las decoraciones. Volvió allí regularmente hasta 1914. Es autor de un busto de Marianne en estilo desnudo y macizo, encargado en 1932 por Jean Mistler, Subsecretario de Estado de Bellas Artes, para sustituir el busto oficial de Marianne de Jean-Antoine Injalbert. Colaboró, con otros artistas, en la realización de las condecoraciones de los vapores France en 1912, Ile-de-France en 1927 y Normandy en 1935. Obtuvo la condecoración de Comendador de la Legión de Honor. Pierre-Marie Poisson fue nombrado Caballero de la Orden Nacional de la Legión de Honor por decreto de 12 de agosto de 1923, ascendido a oficial por decreto de 25 de agosto de 1937 y finalmente Comendador por decreto de 4 de febrero de 1952. En cuanto a la fundición, Mario Bisceglia se trasladó a París en 1906, animado por Henri Bouchard, a quien había conocido en Italia. Hacia 1907, creó su propia fundición con dos de sus hermanos, trabajando con la técnica de la cera perdida. La fundición es conocida por sus pátinas especialmente finas.

Valorac. 4 500 - 5 500 EUR

Lote 80 - PIETRO PAOLETTI (Belluno, 1801-1847). Recuerdo didáctico del Grand Tour. Libro con vaciados en yeso. Medidas: 27 x 17 x 5 cm. Colección de medallones de escayola "Grand Tour" alojados en tres volúmenes de cajas de libros falsos. Cada volumen incluye dos compartimentos con diversos calcos en escayola de camafeos, esculturas y monumentos grabados. Con catálogo de contenidos inscrito a mano en el interior de la portada y la contraportada. La firma Paoletti se anunciaba en la guía del conde Hawks Le Grice Walks Through the Studii of the Sculptors at Rome (1841) de la siguiente manera: Paoletti se complace en informar al público de que ha preparado una colección de grabados (Impronte in Scajola) de muchas de las obras de escultura ejecutadas por ilustres artistas ..... Aunque los Impronte no son más que copias en miniatura, exhiben toda la fidelidad y belleza del original y transmiten al ojo una mejor idea de las obras de arte esculpidas que los grabados más acabados. Los Paoletti, cuyo estudio estuvo situado en la plaza de España de Roma hasta 1847, gozaron de una reputación estelar y contaron entre sus clientes con Catalina la Grande de Rusia y Fernando III, gran duque de Toscana. Tras la muerte de Pietro, la empresa siguió funcionando al menos hasta 1865. Se conservan ejemplos de moldes Paoletti en el Victoria & Albert Museum de Londres y en el Yale Center for British Art de New Haven, Connecticut.

Valorac. 4 000 - 4 500 EUR

Lote 81 - Obelisco del Grand Tour. Italia, hacia 1830. Mármol negro belga. Medidas: 53 x 12 cm. El obelisco es una pieza decorativa muy apreciada en todo el mundo, es un monumento de piedra en forma de pilar, de sección cuadrada, con cuatro caras trapezoidales iguales, ligeramente convergentes, rematadas en la parte superior en una pequeña pirámide. Los obeliscos fueron muy utilizados en el Antiguo Egipto. El término "Grand Tour", que aparece por primera vez en la obra "El Voyage d'Italie" de Richard Lassels, era el término utilizado para definir el largo viaje por Europa, especialmente Italia, que solían realizar los jóvenes aristócratas británicos a partir del siglo XVII, pero sobre todo a lo largo de los siglos XVIII y XIX. El objetivo del viaje era que los jóvenes conocieran el arte y la cultura de Francia e Italia, admiraran de primera mano el arte clásico, aprendieran o mejoraran sus conocimientos de idiomas y establecieran contactos y relaciones con las élites culturales y políticas de estos países. A menudo, los viajeros buscaban piezas con las que iniciar sus propias colecciones de arte, objetos que llevarse de recuerdo a sus lugares de residencia. Por este motivo, surgieron talleres especializados en la réplica de piezas romanas, tanto en bronce como en mármol, algunos de los cuales adquirieron una gran reputación.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 82 - Inspirado en el obelisco de Luxor, hacia 1850. Bronce patinado. Base de mármol belga negro. Dimensiones: 66 x 17 x 17 cm. Este obelisco reproduce el original del templo de Luxor en la antigua Tebas, colocado desde 1836 en el centro de la plaza de la Concordia de París, Francia. El obelisco, que data del siglo XIII a.C., tiene 23 metros de altura. C., tiene 23 metros de altura y pesa 222 toneladas, a las que hay que añadir las 240 toneladas del pedestal. El monumento es de granito rosa de Asuán. En las mismas canteras se encontró un obelisco inacabado que atrajo la atención de los arqueólogos.

Valorac. 5 000 - 5 500 EUR

Lote 83 - Inspirado en el obelisco de Hatshepsut en el Gran Templo de Amón, hacia 1840. Madera de nogal tallada. Medidas: 74 x 15,5 x 15,5 cm. Este obelisco reproduce el original situado en el Gran Templo de Amón en Karnak. Está formado por una sola pieza de granito rosa y tiene una altura de casi 30 metros. En la actualidad sólo queda en pie uno de los obeliscos de Hatshepsut en su emplazamiento original. Su par puede verse en el suelo del templo, lo que permite apreciar con detalle sus inscripciones.

Valorac. 4 000 - 4 500 EUR

Lote 84 - Atribuido a Hans Mayr. Oberammergau, Baviera, hacia 1865. Según LEONARDO DA VINCI (Anchiano, Italia, 1452-Amoise, Francia, 1519). "La Última Cena". Madera de tilo tallada. Medidas: 38,5 x 13 x 16 cm. A tiro de piedra del Tirol austriaco, la pequeña ciudad de Oberammergau albergó en el siglo XIX a numerosos artesanos de la talla en madera especializados en la creación de figuras religiosas. Otro ejemplo de esta Cena puede verse en la finca de Kingston Lacy, en Dorset, Inglaterra (Inv. NT 1254554 2). En este grupo escultórico el autor ha elegido el momento más dramático de la Última Cena, cuando Jesús, tras bendecir el pan y el vino, anuncia que uno de sus discípulos le traicionará (Juan 13:21). Esta afirmación causa consternación entre los doce seguidores de Jesús, y ese es el momento que el autor representa, tratando de reflejar los sentimientos de cada uno, individualizando a los personajes; unos se asombran, otros se asustan, otros comentan entre sí la noticia.

Valorac. 6 000 - 6 500 EUR

Lote 85 - Atribuido a EDGAR BRANDT (París, 1880-Collonge-Bellerive, Suiza, 1960). Francia, hacia 1925. Cenicero en forma de gruya real. Hierro forjado. Base de mármol de Siena. Medidas: 100 x 35 x 14,5 cm. Cenicero de recibidor de hierro forjado martillado decorado con un pájaro estilizado de largas patas sobre base de mármol amarillo. Forjador francés, Edgar Brandt fue uno de los artesanos del hierro más importantes del periodo Art Déco francés, dando el salto internacional y extendiendo su fama por todo el mundo. Realizó enrejados y lámparas para numerosas casas particulares y hoteles; también recibió encargos públicos, como el monumento a la Primera Guerra Mundial. Brandt exponía en los Salones anuales, donde presentaba una gran variedad de objetos metálicos no arquitectónicos, como rejas, cubreradiadores, lámparas o consolas. La Exposición de 1925 brindó a Brandt numerosas oportunidades para mostrar su obra, empezando por la imponente entrada a la Exposición, la Puerta de Honor. Siempre tuvo una gran facilidad para combinar materiales: generalmente hierro forjado y bronce, pero también cobre dorado y, más tarde, acero, aluminio o la aleación "Studal" de la que era seguidor Raymond Subes.

Valorac. 5 000 - 5 500 EUR

Lote 86 - Atribuido a GIACOMO y GIONANNI ZOFFOLI (Roma, siglo XVIII). De un original de "GIAMBOLOGNA", JEAN DE BOLOGNE (Douai, Flandes, 1529 - Florencia, 1608). "Mercurio", hacia 1800. Escultura en bronce. Ojos de plata. Base de mármol serpentina. Medidas: 115 x 27 cm. El taller de fundición de los Zoffoli fue uno de los más famosos y prolíficos de Roma durante el siglo XVIII. La obra sigue el modelo de la escultura original del artista de origen flamenco Jean de Bologne, más conocido por la forma italianizada de su nombre, "Giambologna", actualmente en el Museo del Bargello de Florencia. La obra, realizada originalmente en 1567, presenta a la divinidad clásica Mercurio (versión romana del griego Hermes), el mensajero de los dioses. El artista ha querido traducir la ligereza y rapidez del personaje mediante una postura de gran audacia. El dios desafía las leyes de la gravedad apoyándose únicamente en las puntas de los pies, que apenas tocan la base de la escultura, formada por una cabeza masculina que exhala una bocanada de aire. Se trata de la personificación del viento del sur, figura también divinizada en la mitología clásica y aliada de Mercurio en la propagación de las noticias, buenas y malas. A pesar de esta base reducida, el artista consiguió crear una pieza muy equilibrada, en la que los gestos de los brazos y las piernas están perfectamente equilibrados para permitir que el bronce se sostenga por sí mismo sin necesidad de elementos añadidos. Así, el brazo derecho se eleva hacia el cielo en un gesto expresivo, mientras que el izquierdo retrocede y lo equilibra, sosteniendo la vara emblemática del heraldo. Con esta obra, llena de movimiento, gracia y delicadeza, en la que el artista también trabaja admirablemente el desnudo, se resumen algunas de las aportaciones más destacadas del Renacimiento clásico italiano: la recuperación de la Antigüedad, tanto en los temas como en las formas, la escultura monumental exenta o el desnudo, masculino y femenino. Por otro lado, la búsqueda del movimiento, del dinamismo, incluso de la inestabilidad de la figura, preludian algunos aspectos del manierismo y de las tendencias barrocas de finales del siglo XVI y del XVII.

Valorac. 6 000 - 6 500 EUR

Lote 87 - Según ANTOINE-DENIS CHAUDET (Francia, 1763-1810). Berlín, hacia 1820-1830. "Busto de Napoleón como emperador romano". Zinc. Medidas: 60 x 32,5 x 26 cm. Chaudet fue un escultor francés de estilo neoclásico. Comenzó su formación artística como alumno de Jean-Baptiste Stouf en la Real Academia de Pintura y Escultura. En 1784, su bajorrelieve "José, vendido como esclavo por sus hermanos" ganó el Premio de Roma. Estudió en Roma, pero regresó a Francia en 1802 para pintar retratos en mármol de Napoleón. En 1805, a Napoleón le gustó esta representación de sí mismo en la piel de un emperador romano, y fue adoptado como retrato oficial de Napoleón hasta 1810. Chaudet se convirtió en miembro del Institut de France y, en febrero de 1810, asumió el cargo de profesor-rector de la École des Beaux-Arts.

Valorac. 8 000 - 8 500 EUR

Lote 88 - Según BARTHÉLÉMY TREMBLAY (Louvres, Francia, 1568-1629). Francia, hacia 1825-1830. "Busto del rey Enrique IV. Bronce patinado. Base de mármol. Medidas: 41 x 22 x 22 x 15 cm. El busto que ahora presentamos está basado en la escultura original realizada por el francés Barthélemy Tremblay a Enrique IV, hoy visible en el castillo de Pau. Una copia en yeso pintado de negro de esta escultura se conserva en el Museo Nacional Militar Prístino de La Flèche. Esta pieza fue realizada en 1817 y donada por el mariscal duque de Feltre.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 89 - Pequeño trono de Tutankamón Renacimiento egipcio. París, hacia 1920. Madera de palisandro. Medidas: 49,5 x 25,5 x 24,5 cm. El respaldo calado de esta silla se distingue por la representación del dios Heh arrodillado sobre el signo que representa el oro. En su mano sostiene el tallo de la palma. A su alrededor y a lo largo de todo el armazón de la silla están inscritos los títulos del gobernante. En los cartuchos de jeroglíficos se indica el nombre de Tut. La campaña de Napoleón en Egipto en 1798 fue el punto de partida de la egiptomanía que dominaría el arte francés a principios del siglo XIX. El futuro emperador y sus tropas pudieron contemplar de primera mano los grandes templos, las esculturas monumentales y las pirámides, pero los principales artífices de la difusión de estas imágenes fueron los artistas que acompañaban a las tropas, y que se dedicaron a realizar bocetos y acuarelas de los distintos paisajes. Cuando estas obras llegaron a Francia, se grabaron y sirvieron de base para grandes óleos. Gracias a estas imágenes, llegó a Europa un nuevo repertorio iconográfico, basado en el arte egipcio antiguo pero recreado con libertad y fantasía.

Valorac. 2 000 - 2 200 EUR

Lote 90 - MANUEL RODRÍGUEZ VÁZQUEZ (Castellón, 1937). "Desnudo femenino", 1980. Escultura en bronce. Firmada y fechada en la base. Medidas: 72 x 14 x 14 cm. Escultor nacido en Navajas en 1937 en la mansión de la familia Corell-Ayora, donde su padre era jardinero. Allí pasó su infancia, y en sus jardines comenzó a desarrollar su afición por el arte, dibujando la belleza de la naturaleza y modelando el barro del campo. Sus primeros contactos formativos comienzan en la Escuela de Artes y Oficios, consiguiendo todos los premios. Su actividad escultórica comienza en Valencia, realizando obras por encargo, que alterna con esculturas libres y bustos de las gentes del espectáculo, por lo que comienza a ser conocido como "El escultor de los Artistas". Obtiene numerosos premios y menciones a lo largo de su carrera profesional y sus obras se encuentran en grandes colecciones públicas y privadas de todo el país.

Valorac. 750 - 800 EUR

Lote 91 - Reloj astronómico; Francia, finales del siglo XIX. Bronce y mármol. Presenta desperfectos en el mármol y necesita restauración. Conserva péndulo. Firmado en la esfera. Medidas: 43 x 24 x 27,5 cm. Reloj con base de mármol rouge griotte con un expresivo veteado. En el centro de la base se encuentra la caja con una esfera redonda negra con números romanos dorados y agujas Breguet. En la zona superior hay un diorama móvil de bronce que representa el sol y la tierra, así como otras esferas con números y ubicaciones. Un reloj astronómico, horologium u orloj es un reloj con mecanismos y esferas especiales para mostrar información astronómica, como las posiciones relativas del Sol, la Luna, las constelaciones zodiacales y, a veces, los principales planetas. Este tipo de relojes eran muy apreciados por la originalidad de los diseños, por el material elegido en su realización. En algunos casos, la maquinaria se ocultaba, dando una sensación de misterio, y, por supuesto, por su función como importante elemento decorativo en el interior de un palacio de un miembro de la clase alta. Presenta defectos en el mármol y necesita restauración.

Valorac. 9 000 - 10 000 EUR

Lote 92 - MAISON ALPHONSE GIROUX ( act. 1799-1867). Etagère; c. 1860. Bronce cincelado y bruñido con placas de vidrio grabadas. Obra reproducida en C. Payne, Mobiliario de París: el mercado de lujo del siglo XIX, Éditions Monelle Hayot, 2018, p. 77 (ilustrado). Firmado Aph Giroux París. Medidas: 89,5 x 48 x 48 cm. Etagère de bronce dorado y cristal de estilo japonés en su diseño. Los productos japoneses se hicieron cada vez más familiares en París gracias a una gran exposición en el pabellón japonés de la Exposición Universal de 1867 y posteriormente en Viena en 1873. Las firmas parisinas Christofle y Barbedienne fueron los principales exponentes de la nueva moda del Japonismo. Se aplicó principalmente a muebles de metal con escasa o nula ebanistería. En las artes decorativas occidentales se mezclaban motivos japoneses y chinos en un mismo objeto, lo que a menudo puede hacer difícil, si no imposible, definir con precisión si el objeto debe calificarse de chinoiserie o de japonismo. Una revista neoyorquina llamada Art Amateur fue una de las primeras en utilizar la palabra "japanesque" como respuesta adecuada al armario de Giroux. Dos diseñadores y primeros defensores del estilo oriental en París fueron Giroux y Duvinage. El primero vendió su tienda a Ferdinand Duvinage y su socio Harinckouk en 1867. Giroux adaptó principalmente el arte chino; su publicación Meubles et fantaisies, hacia 1840, muestra mesas en este nuevo lenguaje de moda y recuerda a los muebles de papel maché de la misma época. Obra reproducida en C. Payne, Paris Furniture: the luxury market of the 19th century, Éditions Monelle Hayot, 2018, p. 77 (ilustrado). Firmado Aph Giroux París.

Valorac. 8 000 - 8 500 EUR

Lote 93 - Pareja de gamos; Italia, c. 1930. Bronce patinado sobre penas de madera dorada. Medidas: 54 x 43,5 x 12 cm; 12 x 36 x 14 cm (bases, x2). Pareja de gamos realizados en bronce que siguen los modelos de los encontrados en la Villa de los Papiros de Pompeya. Los originales, datados en el siglo I a.C., se encuentran actualmente en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. Esta pareja forma parte de la estética del "Grand Tour", que apareció por primera vez en la obra "The Voyage d'Italie" de Richard Lassels, se utilizaba para definir el largo viaje por Europa, especialmente Italia, que solían realizar los jóvenes aristócratas británicos a partir del siglo XVII, pero sobre todo a lo largo de los siglos XVIII y XIX. El objetivo del viaje era que los jóvenes conocieran el arte y la cultura de Francia e Italia, admiraran de primera mano el arte clásico, aprendieran o mejoraran sus conocimientos de idiomas y establecieran contactos y relaciones con las élites culturales y políticas de estos países. A menudo, los viajeros buscaban piezas con las que iniciar sus propias colecciones de arte, objetos que llevarse de recuerdo a sus lugares de residencia. Por este motivo, surgieron talleres especializados en la réplica de piezas romanas, tanto en bronce como en mármol, algunos de los cuales adquirieron una gran reputación.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 94 - Colección de objetos diversos de los siglos XIX-XX. De plata. Algunos con punzón. Presentan desgaste y algunas abolladuras. Medidas: 11 x 6 x 10 cm. Este juego se compone de una jarra, un vaso con relieves de inspiración azteca, dos dedales adornados con motivos florales, dos saleros y una cuchara de servir.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 95 - Dos tarros pequeños de mermelada o compota. Cataluña e Inglaterra, siglo XIX. Plata. Con matasellos en las dos piezas (en catalán por Alfons Serrahima). Una de ellas conserva la cuchara. Presenta marcas de uso y desgaste. Medidas: 6 x 4,5 x 4,5 cm. Pareja de tarros con tapa para mermelada o compota totalmente realizados en plata. Uno de ellos tiene forma cilíndrica mientras que el otro presenta una panza convexa. Finas incisiones o sencillas molduras embellecen los recipientes, aportando una línea de modernidad en la que predomina el gusto delicado, lejos de excentricidades. Alfons Serrahima fue un joyero y orfebre catalán activo desde los años treinta hasta finales del siglo XX. Su formación se centró principalmente en el taller de Antoni Urpí en Sarrià (el barrio donde creció), figura destacada en las exposiciones de 1898 y 1907. Más tarde continuó su aprendizaje en el Círculo Artístico de Sant Lluc, donde perfeccionó su técnica de dibujo.

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 96 - Curioso recipiente de perfumería o elixir en forma de dromerario. Probablemente Francia, siglo XIX. Plata cincelada. Sin marcar. Presenta marcas de uso y desgaste. Medidas: 10,5 x 10 x 3 cm. Este curioso recipiente de perfumería o elixir tiene forma de dromerario. Su cabeza está completamente separada del cuerpo. Llama la atención el detallado pelaje del animal, así como su fisonomía en la que destaca su singular joroba.

Valorac. 300 - 350 EUR

Lote 97 - Reloj con escena de autómatas; Atribuido a XAVIER THARIN; Francia, c. 1860. Papel y cartón litografiado iluminado al gouache. Tiene un marco de madera tallada y dorada. Presenta ligeros desperfectos en el marco. Medidas: 99 x 120 x 24 cm. Reloj autómata musical de Xavier Tharin, c. 1860 París con escena litografiada a mano que representa una escena portuaria mediterránea con abadía, fuente, viaducto y atalaya sobre una colina, con movimiento de reloj de dos trenes que da las horas y las medias horas en el gong, esfera esmaltada romana de 5,6 cm (2 ½ pulg.). Muestra a un fraile cabeceando leyendo en una habitación de la torre, un músico asintiendo con la cabeza y golpeando el pie mientras rasguea un laúd, una vara de cristal girando en la fuente, una dama remendando la red junto al muro del puerto, un barco meciéndose en primer plano y dos más en el horizonte, una locomotora pasando sobre el viaducto y la bandera de la atalaya ondeando al viento. La pieza tiene un elaborado marco de madera dorada con instrucciones de uso impresas en el interior. Este tipo de objetos fueron muy apreciados desde el siglo XIX, con gran variedad de modelos, normalmente tratando de ocultar el mecanismo que los mueve para mayor sorpresa del espectador y a menudo acompañados de un mecanismo musical. Sin embargo, siempre fueron elementos destinados a la clase alta, ya que su construcción y diseño requerían una gran calidad y maestría por la delicada maquinaria y los materiales elegidos. Presenta ligeras faltas en el marco.

Valorac. 7 500 - 8 000 EUR

Lote 98 - Relicario; escuela española o francesa; segundo tercio del siglo XIX. Bronce dorado y malaquita. Medidas: 67,5 x 21 x 18 cm. Relicario de bronce dorado con apliques de malaquita en la base. La pieza presenta un diseño ornamental con figuras redondas. La realización de este tipo de objetos religiosos, destinados a albergar las reliquias de los santos, fue común a partir del periodo gótico, destacando tanto las cruces, como las llamadas "testas", que, en la documentación contemporánea a su realización, fueron muy populares. Se utilizaban para contener reliquias. A pesar de que muchas de ellas adoptaron formas muy diversas, todas tenían la misma finalidad devocional, que a veces iba más allá del fanatismo. Hay que recordar, sin embargo, que en aquella época se consideraba reliquia sagrada prácticamente cualquier elemento que hubiera estado en contacto con el santo o sus restos mortales (paños, tierra de sepultura, etc.). Esto desencadenó todo un mercado para tales objetos. Los mejores ejemplares se fabricaban con metales preciosos, pero especímenes como el presente también eran muy apreciados, tanto por el recipiente como, sobre todo, por el contenido.

Valorac. 900 - 1 000 EUR

Lote 99 - Banco de balcón renacentista, Cataluña o Aragón. España, ca. 1600 Nogal y boj. Incrustaciones de hueso. Aplicaciones de latón. Decoración de marquetería renacentista. Presenta marcas de uso y desgaste. Empuñadura de cuero con desperfectos. Medidas: 130 x 140 x 60 cm. Este banco-arco catalano-aragonés, datado hacia 1600, está decorado con un minucioso trabajo de marquetería geométrica, consistente en la incrustación de pequeñas placas de hueso y otras maderas formando motivos geométricos. Esta decoración tiene sus raíces en la taracea granadina, una incrustación en bloque de motivos geométricos con raíces islámicas. Estas incrustaciones combinan principalmente hueso y diversas maderas, ya que eran los materiales principales del mobiliario hispanomusulmán. La taracea en bloque tiene su origen en la España islámica, y su técnica consiste en fabricar un bloque combinando varias maderas para formar un diseño concreto, y luego cortar secciones que se incrustan en el mueble. De esta forma se obtienen placas o tiras de mosaico, como las que vemos aquí. Formalmente es un arca elevada sobre cuatro patas de garra, sobre las que descansa un amplio faldón. Su frente y sus laterales están decorados con paneles cuadrados rehundidos, que se alternan con superficies moldeadas de aspecto arquitectónico. El arca permanece cerrada, por lo que hace las veces de asiento, y tiene un respaldo con las mismas características que el resto de la pieza, que culmina en una crestería con un motivo heráldico con el apellido "Del Bosque". La arqueta era el recipiente más importante de las casas catalanas desde el siglo XV. Lo llevaba la novia al matrimonio, de hecho, era el patrimonio que la familia de la novia entregaba al novio. Formaba parte de un intercambio de riqueza entre las familias contrayentes. Su ornamentación era testimonio del nivel social y económico al que pertenecía la nueva novia.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

Lote 100 - Maceta; Triana, c. 1900. Cerámica vidriada. Medidas: 60 x 62 cm (diámetro). Olla realizada en cerámica policromada y esmaltada. Ornamentalmente la obra muestra un diseño inspirado en motivos renacentistas, siendo ésta una época de esplendor de la cerámica trianera. El diseño está protagonizado por ángeles que se inscriben en un fondo amarillo adorado con motivos vegetales y geométricos. Triana fue un centro muy popular de producción de cerámica desde la época romana. Más tarde, los árabes se incorporaron en cuanto a técnica y estética a la producción cerámica de la zona. A finales del siglo XV, Niculoso Francisco Pisano se trasladó a la zona e introdujo el estilo italiano y una nueva técnica en la que el azulejo se trabaja como una pintura al óleo.

Valorac. 1 200 - 1 500 EUR

24 de julio - Artes decorativas y arte oriental

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Lote 73 - Escuela francesa del siglo XIX. "Mosquetero". Bronce. Medidas: 51 cm. En esta escultura se nos presenta a un mosquetero en actitud relajada. El apuesto joven viste el atuendo típico con elegantes galas y sombrero con pluma.