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DROUOT
sábado 06 jul a : 10:30 (CEST) , reanudación 14:30

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49 rue Saint Sabin 75011 Paris, Francia
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Lote 107 - Claude Viseux (1927-2008) - Composición abstracta 1952 Óleo y tinta sobre lienzo monograma y fecha abajo a la izquierda, refrendado y fechado también al dorso 27,5 x 46 cm Estado de conservación: Enmarcado original Claude Viseux nació y creció en Champagne-sur-Oise, cerca de París. En 1946 estudió arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París. Después conoció a Jean Prouvé y Constantin Brancusi, y finalmente decidió dedicarse a la pintura. Su éxito fue casi inmediato, con su primera exposición en la Galería Vibaud en 1952, y en 1955 sus obras se exhibían en René Drouin, antes de que Daniel Cordier le eligiera -¡para su primera exposición! - en 1956. En 1957, fue galardonado por Léo Castelli en Nueva York. Las 4 obras que ofrecemos en esta venta son testimonio de estos prósperos años. Entre 1959 y 1960 crea sus primeras esculturas a partir de objetos encontrados en el mar, impresiones de piedras y algas fundidas en bronce, seguidas de acero industrial cortado, ensamblado y soldado al estilo de sus amigos surrealistas Max Ernst, Man Ray y Henri Michaux... En 1972 representó al pabellón francés en la Bienal de Venecia junto a Christian Boltanski, Jean le Gac y Gérard Titus-Carmel, donde dio a conocer su famosa serie Instables. Ese mismo año instaló una enorme escultura de acero inoxidable suspendida en la estación parisina de RER de Auber. En 1977, con motivo de su 50 aniversario, el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris organizó una exposición titulada "Viseux" de junio a septiembre. Durante los años 80 y 90 viajó mucho por la India, cuyos mitos y tradiciones se reflejan sutilmente en sus dibujos y collages, y cuya influencia se refleja en sus esculturas. Un año antes de su muerte, mientras vivía en Anglet -todavía cerca del agua-, Claude Viseux continuó con sus collages, mezclando el mundo del mar con inquietantes formas industriales, ecos de las Expériences automatiques du crabe (Experiencias automáticas del cangrejo) de los años 50, y las esculturas que jalonan su carrera. En palabras de Geneviève Bonnefoi: "A través de investigaciones tan diversas, podemos descubrir en la obra de Viseux una continuidad bastante sorprendente, marca indiscutible de su personalidad y temperamento: es uno de esos artistas apasionados por la técnica y el conocimiento que tienden hacia un arte total, el único capaz de expresar las diferentes aspiraciones del hombre moderno.

Valorac. 400 - 600 EUR

Lote 108 - Claude Viseux (1927-2008) - Composición abstracta 1956 Pintura esmaltada sobre papel firmada y fechada al dorso, anotada galerie Drouin rue Visconti 65,5 x 100 cm Estado de conservación: Lágrimas Claude Viseux nació y creció en Champagne-sur-Oise, cerca de París. En 1946 estudió arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París. Después conoció a Jean Prouvé y Constantin Brancusi, y finalmente decidió dedicarse a la pintura. Su éxito fue casi inmediato, con su primera exposición en la Galería Vibaud en 1952, y en 1955 sus obras se exhibían en René Drouin, antes de que Daniel Cordier le eligiera -¡para su primera exposición! - en 1956. En 1957, fue galardonado por Léo Castelli en Nueva York. Las 4 obras que ofrecemos en esta venta son testimonio de estos prósperos años. Entre 1959 y 1960 crea sus primeras esculturas a partir de objetos encontrados en el mar, impresiones de piedras y algas fundidas en bronce, seguidas de acero industrial cortado, ensamblado y soldado al estilo de sus amigos surrealistas Max Ernst, Man Ray y Henri Michaux... En 1972 representó al pabellón francés en la Bienal de Venecia junto a Christian Boltanski, Jean le Gac y Gérard Titus-Carmel, donde dio a conocer su famosa serie Instables. Ese mismo año instaló una enorme escultura de acero inoxidable suspendida en la estación parisina de RER de Auber. En 1977, con motivo de su 50 aniversario, el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris organizó una exposición titulada "Viseux" de junio a septiembre. Durante los años 80 y 90 viajó mucho por la India, cuyos mitos y tradiciones se reflejan sutilmente en sus dibujos y collages, y cuya influencia se refleja en sus esculturas. Un año antes de su muerte, mientras vivía en Anglet -todavía cerca del agua-, Claude Viseux continuó con sus collages, mezclando el mundo del mar con inquietantes formas industriales, ecos de las Expériences automatiques du crabe (Experiencias automáticas del cangrejo) de los años 50, y las esculturas que jalonan su carrera. En palabras de Geneviève Bonnefoi: "A través de investigaciones tan diversas, podemos descubrir en la obra de Viseux una continuidad bastante sorprendente, marca indiscutible de su personalidad y temperamento: es uno de esos artistas apasionados por la técnica y el conocimiento que tienden hacia un arte total, el único capaz de expresar las diferentes aspiraciones del hombre moderno.

Valorac. 400 - 600 EUR

Lote 109 - Claude Viseux (1927-2008) - Expérience automatique du crabe 1956 Tinta sobre papel, firmado, titulado, fechado y situado en La Baule, abajo a la derecha 56 x 73 cm El experimento "estímulo-signo" consiste en sustituir al pintor por un cangrejo al que se recubre de tinta y luego se le deja deambular por una hoja de papel blanco. Las huellas dejadas por los crustáceos no son manipuladas ni modificadas, sino simplemente fechadas y firmadas. A través de esta serie, Viseux propone una "sesión de identificación" entre el artista y este cangrejo, asustado y estresado por el papel blanco, en un estado de intensa emotividad. En 1960, J. Veinat realizó una película titulada Faciès para documentar esta experiencia, pero fue prohibida en Inglaterra por la Liga Protectora de Animales. Claude Viseux nació y creció en Champagne-sur-Oise, cerca de París. En 1946 estudió arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París. Después conoció a Jean Prouvé y Constantin Brancusi, y finalmente decidió dedicarse a la pintura. Su éxito fue casi inmediato, con su primera exposición en la Galería Vibaud en 1952, y en 1955 sus obras se exhibían en René Drouin, antes de que Daniel Cordier le eligiera -¡para su primera exposición! - en 1956. En 1957, fue galardonado por Léo Castelli en Nueva York. Las 4 obras que ofrecemos en esta venta son testimonio de estos prósperos años. Entre 1959 y 1960 crea sus primeras esculturas a partir de objetos encontrados en el mar, impresiones de piedras y algas fundidas en bronce, seguidas de acero industrial cortado, ensamblado y soldado a la manera de sus amigos surrealistas Max Ernst, Man Ray y Henri Michaux... En 1972 representó al pabellón francés en la Bienal de Venecia junto a Christian Boltanski, Jean le Gac y Gérard Titus-Carmel, donde presentó su célebre serie Instables. Ese mismo año instaló una enorme escultura de acero inoxidable suspendida en la estación parisina de RER de Auber. En 1977, con motivo de su 50 aniversario, el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris organizó una exposición titulada "Viseux" de junio a septiembre. Durante los años 80 y 90 viajó mucho por la India, cuyos mitos y tradiciones se reflejan sutilmente en sus dibujos y collages, y cuya influencia se refleja en sus esculturas. Un año antes de su muerte, mientras vivía en Anglet -todavía cerca del agua-, Claude Viseux continuó con sus collages, mezclando el mundo del mar con inquietantes formas industriales, ecos de las Expériences automatiques du crabe (Experiencias automáticas del cangrejo) de los años 50, y las esculturas que jalonan su carrera. En palabras de Geneviève Bonnefoi: "A través de investigaciones tan diversas, podemos descubrir en la obra de Viseux una continuidad bastante sorprendente, marca indiscutible de su personalidad y temperamento: es uno de esos artistas apasionados por la técnica y el conocimiento que tienden hacia un arte total, el único capaz de expresar las diferentes aspiraciones del hombre moderno.

Valorac. 300 - 500 EUR

Lote 110 - Claude Viseux (1927-2008) - "Respuestas automáticas" del cangrejo 1956 Tinta sobre papel, firmado, titulado, fechado y situado en La Baule, abajo a la derecha 73 x 56 cm El experimento "estímulo-signo" consiste en sustituir al pintor por un cangrejo al que se recubre de tinta y luego se le hace caminar sobre una hoja de papel blanco. Las huellas dejadas por los crustáceos no son manipuladas ni modificadas, sino simplemente fechadas y firmadas. A través de esta serie, Viseux propone una "sesión de identificación" entre el artista y este cangrejo, asustado y estresado por el papel blanco, en un estado de intensa emotividad. En 1960, J. Veinat realizó una película titulada Faciès para documentar esta experiencia, pero fue prohibida en Inglaterra por la Liga Protectora de Animales. Claude Viseux nació y creció en Champagne-sur-Oise, cerca de París. En 1946 estudió arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París. Después conoció a Jean Prouvé y Constantin Brancusi, y finalmente decidió dedicarse a la pintura. Su éxito fue casi inmediato, con su primera exposición en la Galería Vibaud en 1952, y en 1955 sus obras se exhibían en René Drouin, antes de que Daniel Cordier le eligiera -¡para su primera exposición! - en 1956. En 1957, fue galardonado por Léo Castelli en Nueva York. Las 4 obras que ofrecemos en esta venta son testimonio de estos prósperos años. Entre 1959 y 1960 crea sus primeras esculturas a partir de objetos encontrados en el mar, impresiones de piedras y algas fundidas en bronce, seguidas de acero industrial cortado, ensamblado y soldado a la manera de sus amigos surrealistas Max Ernst, Man Ray y Henri Michaux... En 1972 representó al pabellón francés en la Bienal de Venecia junto a Christian Boltanski, Jean le Gac y Gérard Titus-Carmel, donde presentó su célebre serie Instables. Ese mismo año instaló una enorme escultura de acero inoxidable suspendida en la estación parisina de RER de Auber. En 1977, con motivo de su 50 aniversario, el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris organizó una exposición titulada "Viseux" de junio a septiembre. Durante los años 80 y 90 viajó mucho por la India, cuyos mitos y tradiciones se reflejan sutilmente en sus dibujos y collages, y cuya influencia se refleja en sus esculturas. Un año antes de su muerte, mientras vivía en Anglet -todavía cerca del agua-, Claude Viseux continuó con sus collages, mezclando el mundo del mar con inquietantes formas industriales, ecos de las Expériences automatiques du crabe (Experiencias automáticas del cangrejo) de los años 50, y las esculturas que jalonan su carrera. En palabras de Geneviève Bonnefoi: "A través de investigaciones tan diversas, podemos descubrir en la obra de Viseux una continuidad bastante sorprendente, marca indiscutible de su personalidad y temperamento: es uno de esos artistas apasionados por la técnica y el conocimiento que tienden hacia un arte total, el único capaz de expresar las diferentes aspiraciones del hombre moderno.

Valorac. 300 - 500 EUR

Lote 111 - Jean Criton (1930-2022) - Composición abstracta [B24] 1957 Óleo y laca sobre tabla, firmado y fechado abajo a la derecha 21 x 27,5 cm Jean Criton nació en París en 1930. Con sólo 17 años, ingresa en la academia Charpentier, donde entabla amistad con Bernard Réquichot. En 1950, empataron en el primer puesto de la École des Beaux-Arts de París. Influido inicialmente por Jacques Villon y Vieira da Silva, a partir de 1956 se dedicó de lleno a la abstracción lírica, ¡y con éxito! Entonces compró una casa en el Luberon con su mujer, también artista, Dominique d'Acher y su amigo Bernard Réquichot... pero 1961 marcó un giro definitivo: Réquichot se suicidó y Jean Criton descubrió la obra de Francis Bacon. Poco a poco incorpora la figuración a su obra y ya no la abandona. Pierre Restany le invita a participar en la Bienal de París con Martial Raysse, y sus obras se vuelven cada vez más coloristas, con la carne, los ojos y los cuerpos haciendo su aparición. En los años 70 expone junto a los grandes nombres de la figuración narrativa (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli, etc.) y las piezas de cuerpos mutilados se hacen cada vez más visibles.) y las partes de cuerpos mutilados aparecieron en escenarios arquitectónicos que pronto dieron paso a una larga serie de edificios y lugares imaginarios dignos de los mejores escenarios de ciencia-ficción... pronto sólo quedaron las líneas y una vuelta a la abstracción estricta a finales de los años noventa.

Valorac. 150 - 250 EUR

Lote 112 - Jean Criton (1930-2022) - Composición abstracta [B25] 1957 Óleo y laca sobre tabla, firmado y fechado abajo a la derecha 21,5 x 29,5 cm Jean Criton nació en París en 1930. Con sólo 17 años, ingresa en la academia Charpentier, donde entabla amistad con Bernard Réquichot. En 1950, empataron en el primer puesto de la École des Beaux-Arts de París. Influido inicialmente por Jacques Villon y Vieira da Silva, a partir de 1956 se dedicó de lleno a la abstracción lírica, ¡y con éxito! Entonces compró una casa en el Luberon con su mujer, también artista, Dominique d'Acher y su amigo Bernard Réquichot... pero 1961 marcó un giro definitivo: Réquichot se suicidó y Jean Criton descubrió la obra de Francis Bacon. Poco a poco incorpora la figuración a su obra y ya no la abandona. Pierre Restany le invita a participar en la Bienal de París con Martial Raysse, y sus obras se vuelven cada vez más coloristas, con la carne, los ojos y los cuerpos haciendo su aparición. En los años 70 expone junto a los grandes nombres de la figuración narrativa (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli, etc.) y las piezas de cuerpos mutilados se hacen cada vez más visibles.) y las partes de cuerpos mutilados aparecieron en escenarios arquitectónicos que pronto dieron paso a una larga serie de edificios y lugares imaginarios dignos de los mejores escenarios de ciencia-ficción... pronto sólo quedaron las líneas y una vuelta a la abstracción estricta a finales de los años noventa.

Valorac. 150 - 250 EUR

Lote 114 - Jean Criton (1930-2022) - Composición abstracta en rojo y azul sobre negro 1958 Óleo sobre papel firmado y fechado abajo a la derecha 49,5 x 64 cm Estado de conservación: enmarcado Jean Criton nació en París en 1930. Con sólo 17 años, ingresa en la academia Charpentier, donde entabla amistad con Bernard Réquichot. En 1950, empataron en el primer puesto de la École des Beaux-Arts de París. Influido inicialmente por Jacques Villon y Vieira da Silva, a partir de 1956 se dedicó de lleno a la abstracción lírica, ¡y con éxito! Entonces compró una casa en el Luberon con su mujer, también artista, Dominique d'Acher y su amigo Bernard Réquichot... pero 1961 marcó un giro definitivo: Réquichot se suicidó y Jean Criton descubrió la obra de Francis Bacon. Poco a poco incorpora la figuración a su obra y ya no la abandona. Pierre Restany le invita a participar en la Bienal de París con Martial Raysse, y sus obras se vuelven cada vez más coloristas, con la carne, los ojos y los cuerpos haciendo su aparición. En los años 70 expone junto a los grandes nombres de la figuración narrativa (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli, etc.) y las piezas de cuerpos mutilados se hacen cada vez más visibles.) y las partes de cuerpos mutilados aparecieron en decorados arquitectónicos que pronto dieron paso a una larga serie de edificios y lugares imaginarios dignos de los mejores escenarios de ciencia-ficción... pronto sólo quedaron las líneas y la vuelta a la abstracción estricta a finales de los años noventa. He aquí un óleo de 1958, época de su estrecha amistad con Réquichot, en el que el artista explora el potencial de la abstracción: entre el nuagismo de René Laubiès y el nerviosismo de Hans Hartung, encuentra su propio camino...

Valorac. 500 - 800 EUR

Lote 124 - Francine Holley (1919-2020) - Composition abstraite [à rapprocher de la série Totem trois clefs] circa 1969 Gouache sobre papel firmado abajo a la derecha 28 x 12,5 cm Bibliografía: PERSIN (Patrick-Gilles) & SFINTESCO (Alice). Francine Holley Trasenster, du figuratif à l'abstrait, catálogo de obras de 1936 a 2002. París, Art inprogress, 2007. Reproducido en la página 232. Francine Holley, pintora francesa, comenzó su carrera artística en 1937 cuando se incorporó al taller de Mathilde Monceau. Continuó su formación en la Academia de Bellas Artes de Lieja, bajo la tutela de Robert Crommelynck, durante la cual desarrolló un marcado interés por las obras de pintores como Manessier, Bazaine, Tal Coat y Marchand. Tras trasladarse a París, Francine Holley se incorporó al estudio de André Lhote, donde trabajó junto a grandes figuras del mundo del arte como Fernand Léger, Jean Deswane y Edgar Pillet. La influencia de Léger en su obra resultó crucial: su pintura, que seguía siendo figurativa, evolucionó gradualmente hacia una geometría asertiva y colores vibrantes. A partir de 1950, Francine Holley inició un importante giro hacia la abstracción. Sus composiciones se caracterizan por el uso de formas geométricas planas, con líneas limpias y colores yuxtapuestos sin gradación. Hacia 1955, su obra adquirió una nueva dimensión con un dibujo que se hizo más complejo. Las líneas se hicieron más pronunciadas, las formas más gruesas, y diversificó los materiales que utilizaba, experimentando con gouache, collage, pasteles y tintas sobre papel húmedo. En los años 60, Francine Holley mostró un creciente interés por la escultura, creando una serie de dibujos y maquetas que llamó "Tótems". En los años 70, Francine Holley adoptó un enfoque pictórico de la música. Sus líneas y dibujos se volvieron más abstractos, los colores más tranquilos y matizados, revelando una reflexión interior más profunda a través de su arte. (MLD)

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 127 - Jean Criton (1930-2022) - La Nuit gonflable 1971 Óleo sobre lienzo firmado y fechado abajo a la derecha, titulado al dorso 130 x 97 cm Jean Criton nació en París en 1930. Con sólo 17 años, ingresa en la academia Charpentier, donde entabla amistad con Bernard Réquichot. En 1950, empataron en el primer puesto de la École des Beaux-Arts de París. Influido inicialmente por Jacques Villon y Vieira da Silva, a partir de 1956 se dedicó de lleno a la abstracción lírica, ¡y con éxito! Entonces compró una casa en el Luberon con su mujer, también artista, Dominique d'Acher y su amigo Bernard Réquichot... pero 1961 marcó un giro definitivo: Réquichot se suicidó y Jean Criton descubrió la obra de Francis Bacon. Poco a poco incorpora la figuración a su obra y ya no la abandona. Pierre Restany le invita a participar en la Bienal de París con Martial Raysse, y sus obras se vuelven cada vez más coloristas, con la carne, los ojos y los cuerpos haciendo su aparición. En los años 70 expone junto a los grandes nombres de la figuración narrativa (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli, etc.) y las piezas de cuerpos mutilados se hacen cada vez más visibles.) y partes de cuerpos mutilados aparecieron en escenarios arquitectónicos que pronto dieron paso a una larga serie de edificios y lugares imaginarios dignos de los mejores escenarios de ciencia-ficción... pronto sólo quedaron las líneas y un retorno a la abstracción estricta a finales de los años noventa. Se trata de un cuadro de 1971, que forma parte de una serie de obras iniciada en 1961, periodo de su regreso a la figuración. En él, Jean Criton explora el cuerpo y sus órganos en marcos estrechos donde las correas los constriñen y las vallas los encierran. Es un mundo distópico, nunca visto y que sólo pertenece al artista, en el que podemos admirar la precisión del dibujo: las perspectivas, los relieves que evocan hinchazones, las sombras, todo da vida a seres que, sin embargo, son inexistentes. Por último, el uso del color: verdes casi fluorescentes, rosas nítidos, azules y morados eléctricos... ¡Criton se atreve y predice, como un escritor de ciencia-ficción cuyos escritos se hacen realidad, que sus lienzos podrían pintarse hoy y sentarse orgullosos en las paredes blancas de las galerías de arte contemporáneo junto a los artistas jóvenes más prometedores!

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

Lote 128 - Jacques Joos (1945-2021) - Naturaleza muerta 1976 Óleo sobre lienzo firmado y fechado abajo a la derecha, refrendado y situado en Montmartre al dorso 54 x 73 cm Informe de estado: Enmarcado Jacques Joos es un pintor francés cuyas obras han dejado huella en el paisaje contemporáneo por su profundidad y expresividad. Realizó sus primeros retratos en 1965, resaltando la interioridad y la intimidad de cada sujeto que inmortalizaba. Su obra revela su profundo conocimiento del alma humana. En 1976, Joos empezó a interesarse más por los drapeados. El velo, inicialmente esbozado en un rincón de sus bodegones, se convirtió gradualmente en la pieza central de sus composiciones. A menudo colocado descuidadamente sobre una estructura, el drapeado empezó a ocupar la mayor parte del espacio de sus lienzos. El artista domina el arte de dar volumen a las superficies planas jugando con los pliegues, los efectos de luz y sombra y las transparencias. A principios de los años 80, recién llegado a su Toulouse natal, colabora en la creación de un taller de restauración de frescos que se convertirá en el más importante del sur de Francia: catedral de Cahors, capilla de la emperatriz Eugenia en Biarritz, iglesia de Saint-Pierre en Moissac, etc. En los años 80 y 90, se dedica plenamente a este estudio, pero sigue alimentando su creatividad con frescos. Al igual que Fabio Rieti, pinta muros de ciudades (Toulouse, París) con trampantojos que reviven la vida cotidiana de los transeúntes. A partir de 2004, Joos introdujo la técnica del "coulée" en su obra, explorando los temas de la luz y el espacio. Sus últimas creaciones, agrupadas bajo el tema "Nuits tentaculaires" y expuestas en 2011 en la Galerie Art Sud, muestran un enfoque más expresionista e introspectivo. Estas pinturas más oscuras e interiores, a menudo inspiradas en obras maestras de la historia del arte, representan las profundidades de la condición humana. (MLD)

Valorac. 400 - 600 EUR

Lote 129 - Jacques Joos (1945-2021) - Francia Arnaud 1976/77 Óleo sobre lienzo firmado y fechado abajo a la derecha, refrendado, titulado y fechado al dorso 100 x 65 cm Jacques Joos es un pintor francés cuyas obras han dejado huella en el paisaje contemporáneo por su profundidad y expresividad. Pintó sus primeros retratos en 1965, destacando la interioridad e intimidad de cada sujeto que inmortalizaba. Su obra revela su profundo conocimiento del alma humana. En 1976, Joos empezó a interesarse más por los drapeados. El velo, inicialmente esbozado en un rincón de sus bodegones, se convirtió gradualmente en la pieza central de sus composiciones. A menudo colocado descuidadamente sobre una estructura, el drapeado empezó a ocupar la mayor parte del espacio de sus lienzos. El artista domina el arte de dar volumen a las superficies planas jugando con los pliegues, los efectos de luz y sombra y las transparencias. A principios de los años 80, recién llegado a su Toulouse natal, colabora en la creación de un taller de restauración de frescos que se convertirá en el más importante del sur de Francia: catedral de Cahors, capilla de la emperatriz Eugenia en Biarritz, iglesia de Saint-Pierre en Moissac, etc. En los años 80 y 90, se dedica plenamente a este estudio, pero sigue alimentando su creatividad con frescos. Al igual que Fabio Rieti, pinta muros de ciudades (Toulouse, París) con trampantojos que reviven la vida cotidiana de los transeúntes. A partir de 2004, Joos introdujo la técnica del "coulée" en su obra, explorando los temas de la luz y el espacio. Sus últimas creaciones, agrupadas bajo el tema "Nuits tentaculaires" y expuestas en 2011 en la Galerie Art Sud, muestran un enfoque más expresionista e introspectivo. Estas pinturas más oscuras e interiores, a menudo inspiradas en obras maestras de la historia del arte, representan las profundidades de la condición humana. (MLD)

Valorac. 500 - 800 EUR

Lote 130 - Jacques Joos (1945-2021) - La Nuit 1977 Óleo sobre lienzo firmado abajo a la derecha, refrendado, dibujado, fechado y situado en Montmartre al dorso 81 x 100 cm Estado de conservación: Enmarcado Jacques Joos es un pintor francés cuyas obras han dejado huella en el paisaje contemporáneo por su profundidad y expresividad. Pintó sus primeros retratos en 1965, destacando la interioridad e intimidad de cada sujeto que inmortalizaba. Su obra revela su profundo conocimiento del alma humana. En 1976, Joos empezó a interesarse más por los drapeados. El velo, inicialmente esbozado en un rincón de sus bodegones, se convirtió gradualmente en la pieza central de sus composiciones. A menudo colocado descuidadamente sobre una estructura, el drapeado empezó a ocupar la mayor parte del espacio de sus lienzos. El artista domina el arte de dar volumen a las superficies planas jugando con los pliegues, los efectos de luz y sombra y las transparencias. A principios de los años 80, recién llegado a su Toulouse natal, colabora en la creación de un taller de restauración de frescos que se convertirá en el más importante del sur de Francia: catedral de Cahors, capilla de la emperatriz Eugenia en Biarritz, iglesia de Saint-Pierre en Moissac, etc. En los años 80 y 90, se dedica plenamente a este estudio, pero sigue alimentando su creatividad con frescos. Al igual que Fabio Rieti, pinta muros de ciudades (Toulouse, París) con trampantojos que reviven la vida cotidiana de los transeúntes. A partir de 2004, Joos introdujo la técnica del "coulée" en su obra, explorando los temas de la luz y el espacio. Sus últimas creaciones, agrupadas bajo el tema "Nuits tentaculaires" y expuestas en 2011 en la Galerie Art Sud, muestran un enfoque más expresionista e introspectivo. Estas pinturas más oscuras e interiores, a menudo inspiradas en obras maestras de la historia del arte, representan las profundidades de la condición humana. (MLD)

Valorac. 500 - 800 EUR

Lote 132 - Jacques Brissot (1929-2020) - Descente de croisement, según Petrus Christus 1976 Técnica mixta (capas sucesivas de collage, realces, barniz, lijado) sobre tabla en marco pintado firmado al dorso, titulado abajo en el centro en una etiqueta Según Petrus Christus, La Lamentación o Piedad, hacia 1455-1460, en el Museo Real de Bellas Artes de Bruselas 54 x 85 cm Jacques Brissot nació en París en 1929. Gran admirador de los primitivos flamencos (Dierick Bouts, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Bruegel el Viejo, etc.), alimentó el sueño de convertirse en artista, aunque admitió que "no sabía pintar". Su primera carrera fue como cineasta y director. En los años sesenta, realizó películas experimentales, trabajó con Pierre Schaeffer, pionero francés de la música concreta, en el innovador departamento de investigación de la RTF (Radio y Televisión Francesa), y editó y dirigió películas para televisión, forjando así una sólida cultura mediática en un momento en que el sector de los medios de comunicación estaba en pleno auge. La efervescencia de finales de los 60 despertó sus ansias pictóricas. A principios de los 70, a los 40 años, dejó la cámara pero no abandonó los medios ni sus habilidades. A partir de entonces, se expresa a través de imágenes fijas, cuidadosamente recortadas y ensambladas a partir de innumerables revistas; elige la técnica que utilizará el resto de su vida: el collage. Con humor y mordacidad, reinterpretó las obras maestras de la pintura flamenca, tomando prestado su realismo y abundancia, y retrató la sociedad que antes había observado a través de una lente. Su "Descente de croisement" (lote n°32), realizado en 1976, le acerca a la figuración narrativa, y recuerda la estética de Alain Jacquet y el "métier" de Guðmundur Guðmundsson, conocido como Erró, combinados con la picardía de Gérard Schlosser... Lejos de contentarse con asociar trozos de revistas, Jacques Brissot es un maestro en el arte del collage. Su atención al detalle, sus innumerables y precisos recortes y las múltiples capas que componen sus obras confunden al ojo: ¡se diría que estamos ante pintura! Y sus capas también se acumulan a la hora de interpretar sus temas: su Saint-Jean dans le désert (lote n°37) parece un icono futurista superado por la tecnología, un Sébastien Tellier en tacones altos en busca de inspiración. Cegado por las gafas de realidad virtual, ensordecido por el ruido de los coches y los aviones, el cordero místico sustituido por una maleta, el viajero se pierde en el desierto del consumo de masas. Lo mismo ocurre con su impresionante tríptico (lote nº 36), en el que su viajero, cámara al hombro (¿quizás el joven Brissot?), se pierde por caminos inundados de cables... cuando se abren los paneles, el carro de heno del Bosco es sustituido por una inmensa televisión donde se agolpan ciudadanos y periodistas. Las figuras humanas de Adán y Eva, expulsadas del paraíso tecnológico -el panel de la izquierda-, son sustituidas por seres quiméricos, robots de la cultura popular (Star Wars, Spyro el Dragón, Kermit...) y un hombre que parece estar conectado a cables en el panel de la derecha... una distopía que se hace eco de las preguntas que la sociedad se plantea hoy sobre las redes sociales, el ser humano y la inteligencia artificial. Como ves, estas obras serán objeto de interminables debates una vez llegues a casa.

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 136 - Jacques Brissot (1929-2020) - Le Chariot de fioul, según Jérôme Bosch Técnica mixta (capas sucesivas de collage, realces, barniz, lijado) sobre un conjunto de 3 paneles articulados, los paneles laterales ilustrados por cada lado Dimensiones cerrado 86 x 66,5 Dimensiones abierto 86 x 134 cm Según Jérôme Bosch, El carro de heno, hacia 1501-1502, conservado en el Museo del Prado de Madrid Jacques Brissot nació en París en 1929. Gran admirador de los primitivos flamencos (Dierick Bouts, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Bruegel el Viejo, etc.), alimentó el sueño de convertirse en artista, aunque admitió que "no sabía pintar". Su primera carrera fue como cineasta y director. En los años sesenta, realizó películas experimentales, trabajó con Pierre Schaeffer, pionero francés de la música concreta, en el innovador departamento de investigación de la RTF (Radio y Televisión Francesa), y editó y dirigió películas para televisión, forjando así una sólida cultura mediática en un momento en que el sector de los medios de comunicación estaba en pleno auge. La efervescencia de finales de los 60 despertó sus ansias pictóricas. A principios de los 70, a los 40 años, dejó la cámara pero no abandonó los medios ni sus habilidades. A partir de entonces, se expresa a través de imágenes fijas, cuidadosamente recortadas y ensambladas a partir de innumerables revistas; elige la técnica que utilizará el resto de su vida: el collage. Con humor y mordacidad, reinterpretó las obras maestras de la pintura flamenca, tomando prestado su realismo y abundancia, y retrató la sociedad que antes había observado a través de una lente. Su "Descente de croisement" (lote n°32), realizado en 1976, le acerca a la figuración narrativa, y recuerda la estética de Alain Jacquet y el "métier" de Guðmundur Guðmundsson, conocido como Erró, combinados con la picardía de Gérard Schlosser... Lejos de contentarse con asociar trozos de revistas, Jacques Brissot es un maestro en el arte del collage. Su atención al detalle, sus innumerables y precisos recortes y las múltiples capas que componen sus obras confunden al ojo: ¡se diría que estamos ante pintura! Y sus capas también se acumulan a la hora de interpretar sus temas: su Saint-Jean dans le désert (lote n°37) parece un icono futurista superado por la tecnología, un Sébastien Tellier en tacones altos en busca de inspiración. Cegado por las gafas de realidad virtual, ensordecido por el ruido de los coches y los aviones, el cordero místico sustituido por una maleta, el viajero se pierde en el desierto del consumo de masas. Lo mismo ocurre con su impresionante tríptico (lote nº 36), en el que su viajero, cámara al hombro (¿quizás el joven Brissot?), se pierde por caminos inundados de cables... cuando se abren los paneles, el carro de heno del Bosco es sustituido por una inmensa televisión donde se agolpan ciudadanos y periodistas. Las figuras humanas de Adán y Eva, expulsadas del paraíso tecnológico -el panel de la izquierda-, son sustituidas por seres quiméricos, robots de la cultura popular (Star Wars, Spyro el Dragón, Kermit...) y un hombre que parece estar conectado a cables en el panel de la derecha... una distopía que se hace eco de las preguntas que la sociedad se plantea hoy sobre las redes sociales, el ser humano y la inteligencia artificial. Como ves, estas obras serán objeto de interminables debates una vez llegues a casa.

Valorac. 3 000 - 5 000 EUR

Lote 137 - Jacques Brissot (1929-2020) - San Juan en el desierto, según Jérôme Bosch Técnica mixta (capas sucesivas de collage, realces, barniz, lijado) sobre tabla en un marco pintado titulado en el centro inferior de un cartel 84 x 66 cm Jacques Brissot nació en París en 1929. Gran admirador de los primitivos flamencos (Dierick Bouts, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Bruegel el Viejo, etc.), alimentó el sueño de convertirse en artista, aunque admitió que "no sabía pintar". Su primera carrera fue como cineasta y director. En los años sesenta, realizó películas experimentales, trabajó con Pierre Schaeffer, pionero francés de la música concreta, en el innovador departamento de investigación de la RTF (Radio y Televisión Francesa), y editó y dirigió películas para televisión, forjando así una sólida cultura mediática en un momento en que el sector de los medios de comunicación estaba en pleno auge. La efervescencia de finales de los 60 despertó sus ansias pictóricas. A principios de los 70, a los 40 años, dejó la cámara pero no abandonó los medios ni sus habilidades. A partir de entonces, se expresa a través de imágenes fijas, cuidadosamente recortadas y ensambladas a partir de innumerables revistas; elige la técnica que utilizará el resto de su vida: el collage. Con humor y mordacidad, reinterpretó las obras maestras de la pintura flamenca, tomando prestado su realismo y abundancia, y retrató la sociedad que antes había observado a través de una lente. Su "Descente de croisement" (lote n°32), realizado en 1976, le acerca a la figuración narrativa, y recuerda la estética de Alain Jacquet y el "métier" de Guðmundur Guðmundsson, conocido como Erró, combinados con la picardía de Gérard Schlosser... Lejos de contentarse con asociar trozos de revistas, Jacques Brissot es un maestro en el arte del collage. Su atención al detalle, sus innumerables y precisos recortes y las múltiples capas que componen sus obras confunden al ojo: ¡se diría que estamos ante pintura! Y sus capas también se acumulan a la hora de interpretar sus temas: su Saint-Jean dans le désert (lote n°37) parece un icono futurista superado por la tecnología, un Sébastien Tellier en tacones altos en busca de inspiración. Cegado por las gafas de realidad virtual, ensordecido por el ruido de los coches y los aviones, el cordero místico sustituido por una maleta, el viajero se pierde en el desierto del consumo de masas. Lo mismo ocurre con su impresionante tríptico (lote nº 36), en el que su viajero, cámara al hombro (¿quizás el joven Brissot?), se pierde por caminos inundados de cables... cuando se abren los paneles, el carro de heno del Bosco es sustituido por una inmensa televisión donde se agolpan ciudadanos y periodistas. Las figuras humanas de Adán y Eva, expulsadas del paraíso tecnológico -el panel de la izquierda-, son sustituidas por seres quiméricos, robots de la cultura popular (Star Wars, Spyro el Dragón, Kermit...) y un hombre que parece estar conectado a cables en el panel de la derecha... una distopía que se hace eco de las preguntas que la sociedad se plantea hoy sobre las redes sociales, el ser humano y la inteligencia artificial. Como ves, estas obras serán objeto de interminables debates una vez llegues a casa.

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 151 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Colgante Laberinto En bronce pulido, con monograma A. 11,8 cm A. 5 cm Inscrita en las "nuevas ciudades" (la Papasquare de Évry), en la política del "1% artístico" (numerosos equipamientos públicos presentan sus frescos, tapices, etc.), a menudo monumental pero sin más pretensiones que el acceso al arte para todos, la obra de Yvette Vincent-Alleaume lo tiene todo para ser rechazada por el mercado del arte.Sin embargo, si lo pensamos bien, ¿no es fruto de una reflexión que obsesiona a los artistas desde finales del siglo XIX? Arte en todo, Arte para todos. El arte de Yvette Vincent-Alleaume se ve en la calle, al alcance de todos: en el barrio Amandiers de París, los Julliotes de Maison-Alfort, el foro esculpido de Orleans... utiliza los materiales de su época: Ladrillos, mosaicos, cerámica, pizarra... para dar un toque de fantasía y color a la mujer que mira a su alrededor durante la pausa del bocadillo en el patio de la Universidad de Pau, o al hombre que levanta la vista y sonríe al cruzar la plaza de la Mandallaz en Annecy... Y este arte, con el que muchos están en desacuerdo, refleja toda una época en la que "vivir juntos" no tenía las connotaciones ingenuas que le atribuimos hoy, en la que la utopía estaba permitida. Esta utopía está a su alcance, porque Yvette Vincent-Alleaume es también escultora (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) y una brillante cartonista: Primero en la tradición de Lurçat y Picart le Doux, luego innovando a imagen de una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con tapices de vivos colores en altorrelieve, tejidos en los talleres de Angers y rebautizados "tapices esculpidos"; e incluso diseñadora de joyas, retomando los motivos utilizados para sus arquitecturas (Main, Labyrinthe pendant...). Con sus instalaciones públicas a menudo olvidadas, el reto consiste en preservar la obra de una artista esencial.

Valorac. 500 - 700 EUR

Lote 152 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Colgante Ballena En bronce pulido, con monograma Este colgante es un eco del "sol-baleine" creado para la ciudad de Le Havre. Al. 5,5 cm Anch. 3,1 cm F. 1,8 cm Parte integrante de las "nuevas ciudades" (la Papasquare de Évry), de la política del "1% artístico" (numerosos equipamientos públicos están cubiertos de frescos, tapices, etc.), a menudo monumental pero sin otra pretensión que la de facilitar el acceso al arte a todos.Sin embargo, cuando se piensa en ello, ¿no es fruto de una reflexión que obsesiona a los artistas desde finales del siglo XIX? Arte en todo, Arte para todos. El arte de Yvette Vincent-Alleaume se ve en la calle, al alcance de todos: en el barrio Amandiers de París, los Julliotes de Maison-Alfort, el foro esculpido de Orleans... utiliza los materiales de su época: Ladrillos, mosaicos, cerámica, pizarra... para dar un toque de fantasía y color a la mujer que mira a su alrededor durante la pausa del bocadillo en el patio de la Universidad de Pau, o al hombre que levanta la vista y sonríe al cruzar la plaza de la Mandallaz en Annecy... Y este arte, con el que muchos están en desacuerdo, refleja toda una época en la que "vivir juntos" no tenía las connotaciones ingenuas que le atribuimos hoy, en la que la utopía estaba permitida. Esta utopía está a su alcance, porque Yvette Vincent-Alleaume es también escultora (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) y una brillante cartonista: Primero en la tradición de Lurçat y Picart le Doux, luego innovando a imagen de una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con tapices de vivos colores en altorrelieve, tejidos en los talleres de Angers y rebautizados "tapices esculpidos"; e incluso diseñadora de joyas, retomando los motivos utilizados para sus arquitecturas (Main, Labyrinthe pendant...). Con sus instalaciones públicas a menudo olvidadas, el reto consiste en preservar la obra de una artista esencial.

Valorac. 300 - 500 EUR

Lote 153 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Sphère ouverte 1997 En bronce pulido, compuesta de 2 piezas, una de ellas con monograma, fecha, numeración 4/8 y sello de la fundición Landowski Al. 6 cm Anch. 7,5 cm F. 6 cm Inscrita en las "nuevas ciudades" (la Papasquare de Évry), en la política del "1% artístico" (numerosos equipamientos públicos están cubiertos con sus frescos, tapices, etc.), a menudo monumental pero sin más pretensiones que el acceso al arte para todos, la obra de Yvette Vincent-Alleaume lo tiene todo para ser rechazada por los actores del mercado del arte.Sin embargo, si lo pensamos bien, ¿no es fruto de una reflexión que obsesiona a los artistas desde finales del siglo XIX? Arte en todo, Arte para todos. El arte de Yvette Vincent-Alleaume se ve en la calle, al alcance de todos: en el barrio Amandiers de París, los Julliotes de Maison-Alfort, el foro esculpido de Orleans... utiliza los materiales de su época: Ladrillos, mosaicos, cerámica, pizarra... para dar un toque de fantasía y color a la mujer que mira a su alrededor durante la pausa del bocadillo en el patio de la Universidad de Pau, o al hombre que levanta la vista y sonríe al cruzar la plaza de la Mandallaz en Annecy... Y este arte, con el que muchos están en desacuerdo, refleja toda una época en la que "vivir juntos" no tenía las connotaciones ingenuas que le atribuimos hoy, en la que la utopía estaba permitida. Esta utopía está a su alcance, porque Yvette Vincent-Alleaume es también escultora (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) y una brillante dibujante: Primero en la tradición de Lurçat y Picart le Doux, luego innovando a imagen de una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con tapices de vivos colores en altorrelieve, tejidos en los talleres de Angers y rebautizados "tapices esculpidos"; e incluso diseñadora de joyas, retomando los motivos utilizados para sus arquitecturas (Main, Labyrinthe pendant...). Con sus instalaciones públicas a menudo olvidadas, el reto consiste en preservar la obra de una artista esencial.

Valorac. 400 - 600 EUR

Lote 154 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - L'Homme au ballon 1997 En bronce monogramado, fechado, numerado 3/8 y con el sello de la fundición Landowski Base de plexiglás Al. 13 cm Anch. 11,5 cm F. 8 cm Informe de estado: Dimensiones con base Una característica de las "nuevas ciudades" (la Papasquare de Évry), la política del "1% artístico" (numerosos equipamientos públicos están cubiertos de frescos, tapices, etc.), a menudo monumental pero sin otra pretensión que la de facilitar el acceso al arte para todos.Sin embargo, cuando se piensa en ello, ¿no es fruto de una reflexión que obsesiona a los artistas desde finales del siglo XIX? Arte en todo, Arte para todos. El arte de Yvette Vincent-Alleaume se ve en la calle, al alcance de todos: en el barrio Amandiers de París, los Julliotes de Maison-Alfort, el foro esculpido de Orleans... utiliza los materiales de su época: Ladrillos, mosaicos, cerámica, pizarra... para dar un toque de fantasía y color a la mujer que mira a su alrededor durante la pausa del bocadillo en el patio de la Universidad de Pau, o al hombre que levanta la vista y sonríe al cruzar la plaza de la Mandallaz en Annecy... Y este arte, con el que muchos están en desacuerdo, refleja toda una época en la que "vivir juntos" no tenía las connotaciones ingenuas que le atribuimos hoy, en la que la utopía estaba permitida. Esta utopía está a su alcance, porque Yvette Vincent-Alleaume es también escultora (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) y una brillante dibujante: Primero en la tradición de Lurçat y Picart le Doux, luego innovando a imagen de una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con tapices de vivos colores en altorrelieve, tejidos en los talleres de Angers y rebautizados "tapices esculpidos"; e incluso diseñadora de joyas, retomando los motivos utilizados para sus arquitecturas (Main, Labyrinthe pendant...). Con sus instalaciones públicas a menudo olvidadas, el reto consiste en preservar la obra de una artista esencial.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 155 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Colgante de mano En bronce pulido, ligeramente calado, con monograma A. 4,5 cm A. 3,5 cm Parte de las "nuevas ciudades" (la Papasquare de Évry), de la política del "1% artístico" (numerosos equipamientos públicos lucen sus frescos, tapices...), a menudo monumental pero sin más pretensiones que el acceso al arte para todos, la obra de Yvette Vincent-Alleaume lo tiene todo para ser rechazada por el mercado del arte.Sin embargo, si lo pensamos bien, ¿no es fruto de una reflexión que obsesiona a los artistas desde finales del siglo XIX? Arte en todo, Arte para todos. El arte de Yvette Vincent-Alleaume se ve en la calle, al alcance de todos: en el barrio Amandiers de París, los Julliotes de Maison-Alfort, el foro esculpido de Orleans... utiliza los materiales de su época: Ladrillos, mosaicos, cerámica, pizarra... para dar un toque de fantasía y color a la mujer que mira a su alrededor durante la pausa del bocadillo en el patio de la Universidad de Pau, o al hombre que levanta la vista y sonríe al cruzar la plaza de la Mandallaz en Annecy... Y este arte, con el que muchos están en desacuerdo, refleja toda una época en la que "vivir juntos" no tenía las connotaciones ingenuas que le atribuimos hoy, en la que la utopía estaba permitida. Esta utopía está a su alcance, porque Yvette Vincent-Alleaume es también escultora (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) y una brillante dibujante: Primero en la tradición de Lurçat y Picart le Doux, luego innovando a imagen de una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con tapices de vivos colores en altorrelieve, tejidos en los talleres de Angers y rebautizados "tapices esculpidos"; e incluso diseñadora de joyas, retomando los motivos utilizados para sus arquitecturas (Main, Labyrinthe pendant...). Con sus instalaciones públicas a menudo olvidadas, el reto consiste en preservar la obra de una artista esencial.

Valorac. 250 - 400 EUR

Lote 156 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Cubo lúdico Compuesto de 3 piezas de bronce, una con monograma, numeradas E.A. II/IV Esta escultura se inspira en la fuente de la plaza de la Mandallaz, creada para la ciudad de Annecy en 1991. Al. 4 cm Anch. 4 cm F. 4 cm Parte integrante de las "nuevas ciudades" (la Papasquare de Évry), de la política del "1% artístico" (numerosos equipamientos públicos están recubiertos de frescos, tapices, etc.), a menudo monumental pero sin otra finalidad.Sin embargo, pensándolo bien, ¿no es fruto de una reflexión que obsesiona a los artistas desde finales del siglo XIX? Arte en todo, Arte para todos. El arte de Yvette Vincent-Alleaume se ve en la calle, al alcance de todos: en el barrio Amandiers de París, los Julliotes de Maison-Alfort, el foro esculpido de Orleans... utiliza los materiales de su época: Ladrillos, mosaicos, cerámica, pizarra... para dar un toque de fantasía y color a la mujer que mira a su alrededor durante la pausa del bocadillo en el patio de la Universidad de Pau, o al hombre que levanta la vista y sonríe al cruzar la plaza de la Mandallaz en Annecy... Y este arte, con el que muchos están en desacuerdo, refleja toda una época en la que "vivir juntos" no tenía las connotaciones ingenuas que le atribuimos hoy, en la que la utopía estaba permitida. Esta utopía está a su alcance, porque Yvette Vincent-Alleaume es también escultora (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) y una brillante cartonista: Primero en la tradición de Lurçat y Picart le Doux, luego innovando a imagen de una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con tapices de vivos colores en altorrelieve, tejidos en los talleres de Angers y rebautizados "tapices esculpidos"; e incluso diseñadora de joyas, retomando los motivos utilizados para sus arquitecturas (Main, Labyrinthe pendant...). Con sus instalaciones públicas a menudo olvidadas, el reto consiste en preservar la obra de una artista esencial.

Valorac. 400 - 600 EUR

Lote 157 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Atelier d’Angers - Tapiz de lágrimas en lana, cuerda y sisal firmado abajo a la derecha, refrendado, titulado y fechado en el bolduc del reverso 133 x 130 cm Parte de las "nuevas ciudades" (la Papasquare de Évry), de la política del "1% artístico" (numerosos equipamientos públicos están cubiertos con sus frescos, tapices...), a menudo monumental pero sin más pretensiones que el acceso al arte para todos, la obra de Yvette Vincent-Alleaume lo tiene todo para ser rechazada por el mercado del arte.Sin embargo, si lo pensamos bien, ¿no es fruto de una reflexión que obsesiona a los artistas desde finales del siglo XIX? Arte en todo, Arte para todos. El arte de Yvette Vincent-Alleaume se ve en la calle, al alcance de todos: en el barrio Amandiers de París, los Julliotes de Maison-Alfort, el foro esculpido de Orleans... utiliza los materiales de su época: Ladrillos, mosaicos, cerámica, pizarra... para dar un toque de fantasía y color a la mujer que mira a su alrededor durante la pausa del bocadillo en el patio de la Universidad de Pau, o al hombre que levanta la vista y sonríe al cruzar la plaza de la Mandallaz en Annecy... Y este arte, con el que muchos están en desacuerdo, refleja toda una época en la que "vivir juntos" no tenía las connotaciones ingenuas que le atribuimos hoy, en la que la utopía estaba permitida. Esta utopía está a su alcance, porque Yvette Vincent-Alleaume es también escultora (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) y una brillante dibujante: Primero en la tradición de Lurçat y Picart le Doux, luego innovando a imagen de una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con tapices de vivos colores en altorrelieve, tejidos en los talleres de Angers y rebautizados "tapices esculpidos"; e incluso diseñadora de joyas, retomando los motivos utilizados para sus arquitecturas (Main, Labyrinthe pendant...). Con sus instalaciones públicas a menudo olvidadas, el reto consiste en preservar la obra de una artista esencial.

Valorac. 3 000 - 5 000 EUR

Lote 158 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - La Dame aux Oiseaux 2005 Estructura de madera laminada encolada decorada con cuatro elementos de bronce con pátina marrón dorada, la cabeza con monograma, fechada y numerada 1/1 en la nuca. Pieza única Al. 133 cm Anch. 90 cm F. 70 cm Parte integrante de las "nuevas ciudades" (la Papasquare de Evry), de la política del "1% artístico" (numerosos equipamientos públicos están cubiertos de frescos, tapices, etc.), a menudo monumental pero sin otra finalidad.Sin embargo, pensándolo bien, ¿no es fruto de una reflexión que obsesiona a los artistas desde finales del siglo XIX? Arte en todo, Arte para todos. El arte de Yvette Vincent-Alleaume se ve en la calle, al alcance de todos: en el barrio Amandiers de París, los Julliotes de Maison-Alfort, el foro esculpido de Orleans... utiliza los materiales de su época: Ladrillos, mosaicos, cerámica, pizarra... para dar un toque de fantasía y color a la mujer que mira a su alrededor durante la pausa del bocadillo en el patio de la Universidad de Pau, o al hombre que levanta la vista y sonríe al cruzar la plaza de la Mandallaz en Annecy... Y este arte, con el que muchos están en desacuerdo, refleja toda una época en la que "vivir juntos" no tenía las connotaciones ingenuas que le atribuimos hoy, en la que la utopía estaba permitida. Esta utopía está a su alcance, porque Yvette Vincent-Alleaume es también escultora (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) y una brillante cartonista: Primero en la tradición de Lurçat y Picart le Doux, luego innovando a imagen de una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con tapices de vivos colores en altorrelieve, tejidos en los talleres de Angers y rebautizados "tapices esculpidos"; e incluso diseñadora de joyas, retomando los motivos utilizados para sus arquitecturas (Main, Labyrinthe pendant...). Con sus instalaciones públicas a menudo olvidadas, el reto consiste en preservar la obra de una artista esencial.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 159 - Denyse Denisselle (1920-2019) - L'Animalerie Diorama miniaturas 12 H. 35 cm An. 50 cm Pr. 36,5 cm Informe de estado: Electricidad no probada No se abre "Todo niño es un artista. El problema es seguir siendo artista cuando creces". (Pablo Picasso) A la edad de 60 años, en la década de 1980, Denyse Denisselle descubrió una pasión consumidora por las miniaturas. A veces pasaba noches en vela absorta en la meticulosidad de sus creaciones. Volviendo a su infancia, se sumergía con deleite en la reproducción de tiendas y escenas de la vida revividas en cajas de entre 40 y 80 centímetros. "Intento reproducir un mundo que me encantaba. Y hago mi pequeño cine". En esta búsqueda de la nostalgia, Denyse Denisselle transformó sus dos pisos de París en verdaderos museos, repletos de dioramas. Su especialidad: los pasteles en miniatura. Utilizaba escayola, que dejaba reposar en su cocina como si fueran auténticos pasteles. "Una vez sorprendí a unos niños lamiéndolos", cuenta divertida por el realismo de sus creaciones. La mayoría de sus dioramas tienen incluso conexiones eléctricas para darles vida. Al recrear escenas del pasado con tanta precisión, Denyse Denisselle ofrece una ventana a un mundo pasado. Sus miniaturas son algo más que objetos: son narraciones vivas y, sobre todo, testimonios de su pasión y su talento. El arte de la miniatura, al capturar la esencia de temas complejos en pequeños formatos, tiene una larga historia. En China, por ejemplo, la escultura en miniatura Hao Mang se practica desde hace 3.000 años. Este arte singular, como la obra de Denyse Denisselle, recurre a la imaginación y a los sueños, ofreciendo al espectador una perspectiva única y poética, como Alicia sumergida en el País de las Maravillas. Hoy en día, el arte en miniatura ocupa un lugar importante en la cultura popular, apoyado por exposiciones y sociedades como la Federación Mundial de Miniaturistas y la Royal Miniature Society. Galerías como la Seaside Art Gallery y la Snowgoose Gallery organizan exposiciones anuales. Los dioramas, dispositivos de presentación y puesta en escena que se originaron en el siglo XIX, también ilustran la evolución del arte de la miniatura. Inicialmente eran grandes cuadros animados por efectos de luz, pero evolucionaron hasta convertirse en detalladas escenas tridimensionales, a menudo utilizadas con fines educativos y artísticos. Con el auge de las redes sociales, el arte en miniatura ha encontrado una nueva vitalidad. El hashtag #MiniatureArt reúne a artistas y aficionados de todo el mundo, transformando las plataformas en galerías virtuales. Exposiciones como "Small is beautiful" ponen de relieve la maravilla de estas creaciones de artistas de renombre como Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz y Lorraine Loots, combinando humor y precisión técnica. (MLD)

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 160 - Denyse Denisselle (1920-2019) - El Boticario / La Farmacia Diorama miniaturas Técnica mixta A. 34,5 cm Anch. 60 cm F. 26 cm Estado de conservación: Electricidad no probada Abre "Todo niño es un artista. El problema es seguir siendo artista cuando creces". (Pablo Picasso) A la edad de 60 años, en la década de 1980, Denyse Denisselle descubrió una pasión consumidora por las miniaturas. A veces pasaba noches en vela absorta en la meticulosidad de sus creaciones. Volviendo a su infancia, se sumergía con deleite en la reproducción de tiendas y escenas de la vida revividas en cajas de entre 40 y 80 centímetros. "Intento reproducir un mundo que me encantaba. Y hago mi pequeño cine". En esta búsqueda de la nostalgia, Denyse Denisselle transformó sus dos pisos de París en verdaderos museos, repletos de dioramas. Su especialidad: los pasteles en miniatura. Utilizaba escayola, que dejaba reposar en su cocina como si fueran auténticos pasteles. "Una vez sorprendí a unos niños lamiéndolos", cuenta divertida por el realismo de sus creaciones. La mayoría de sus dioramas tienen incluso conexiones eléctricas para darles vida. Al recrear escenas del pasado con tanta precisión, Denyse Denisselle ofrece una ventana a un mundo pasado. Sus miniaturas son algo más que objetos: son narraciones vivas y, sobre todo, testimonios de su pasión y su talento. El arte de la miniatura, al capturar la esencia de temas complejos en pequeños formatos, tiene una larga historia. En China, por ejemplo, la escultura en miniatura Hao Mang se practica desde hace 3.000 años. Este arte singular, como la obra de Denyse Denisselle, recurre a la imaginación y a los sueños, ofreciendo al espectador una perspectiva única y poética, como Alicia sumergida en el País de las Maravillas. Hoy en día, el arte en miniatura ocupa un lugar importante en la cultura popular, apoyado por exposiciones y sociedades como la Federación Mundial de Miniaturistas y la Royal Miniature Society. Galerías como la Seaside Art Gallery y la Snowgoose Gallery organizan exposiciones anuales. El desarrollo del arte de la miniatura también queda ilustrado por los dioramas, que nacieron en el siglo XIX. Inicialmente grandes cuadros animados por efectos de luz, evolucionaron hasta convertirse en detalladas escenas tridimensionales, a menudo utilizadas con fines educativos y artísticos. Con el auge de las redes sociales, el arte en miniatura ha encontrado una nueva vitalidad. El hashtag #MiniatureArt reúne a artistas y aficionados de todo el mundo, transformando las plataformas en galerías virtuales. Exposiciones como "Small is beautiful" ponen de relieve la maravilla de estas creaciones de artistas de renombre como Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz y Lorraine Loots, combinando humor y precisión técnica. (MLD)

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 161 - Denyse Denisselle (1920-2019) - À la botte d'or Diorama miniaturas Técnica mixta A. 31 cm Anch. 49,7 cm F. 23,3 cm Estado de conservación: Electricidad no probada Se abre + puerta Panel izquierdo de la vitrina suelto Puerta a reparar Barra superior derecha suelta "Todo niño es un artista. El problema es seguir siendo artista cuando creces". (Pablo Picasso) A la edad de 60 años, en la década de 1980, Denyse Denisselle descubrió una pasión consumidora por las miniaturas. A veces pasaba noches en vela absorta en la meticulosidad de sus creaciones. Volviendo a su infancia, se sumergía con deleite en la reproducción de tiendas y escenas de la vida revividas en cajas de entre 40 y 80 centímetros. "Intento reproducir un mundo que me encantaba. Y hago mi pequeño cine". En esta búsqueda de la nostalgia, Denyse Denisselle transformó sus dos pisos de París en verdaderos museos, repletos de dioramas. Su especialidad: los pasteles en miniatura. Utilizaba escayola, que dejaba reposar en su cocina como si fueran auténticos pasteles. "Una vez sorprendí a unos niños lamiéndolos", cuenta divertida por el realismo de sus creaciones. La mayoría de sus dioramas tienen incluso conexiones eléctricas para darles vida. Al recrear escenas del pasado con tanta precisión, Denyse Denisselle ofrece una ventana a un mundo pasado. Sus miniaturas son algo más que objetos: son narraciones vivas y, sobre todo, testimonios de su pasión y su talento. El arte de la miniatura, al capturar la esencia de temas complejos en pequeños formatos, tiene una larga historia. En China, por ejemplo, la escultura en miniatura Hao Mang se practica desde hace 3.000 años. Este arte singular, como la obra de Denyse Denisselle, recurre a la imaginación y a los sueños, ofreciendo al espectador una perspectiva única y poética, como Alicia sumergida en el País de las Maravillas. Hoy en día, el arte en miniatura ocupa un lugar importante en la cultura popular, apoyado por exposiciones y sociedades como la Federación Mundial de Miniaturistas y la Royal Miniature Society. Galerías como la Seaside Art Gallery y la Snowgoose Gallery organizan exposiciones anuales. Los dioramas, dispositivos de presentación y puesta en escena que se originaron en el siglo XIX, también ilustran la evolución del arte de la miniatura. Inicialmente eran grandes cuadros animados por efectos de luz, pero evolucionaron hasta convertirse en detalladas escenas tridimensionales, a menudo utilizadas con fines educativos y artísticos. Con el auge de las redes sociales, el arte en miniatura ha encontrado una nueva vitalidad. El hashtag #MiniatureArt reúne a artistas y aficionados de todo el mundo, transformando las plataformas en galerías virtuales. Exposiciones como "Small is beautiful" ponen de relieve la maravilla de estas creaciones de artistas de renombre como Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz y Lorraine Loots, combinando humor y precisión técnica. (MLD)

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 162 - Denyse Denisselle (1920-2019) - La floristería / Fleuriste Diorama miniaturas Técnica mixta A. 35 cm Anch. 60 cm F. 34,5 cm Estado de conservación: Electricidad no probada No se abre "Todo niño es un artista. El problema es seguir siendo artista cuando creces". (Pablo Picasso) A la edad de 60 años, en la década de 1980, Denyse Denisselle descubrió una pasión consumidora por las miniaturas. A veces pasaba noches en vela absorta en la meticulosidad de sus creaciones. Volviendo a su infancia, se sumergía con deleite en la reproducción de tiendas y escenas de la vida revividas en cajas de entre 40 y 80 centímetros. "Intento reproducir un mundo que me encantaba. Y hago mi pequeño cine". En esta búsqueda de la nostalgia, Denyse Denisselle transformó sus dos pisos de París en verdaderos museos, repletos de dioramas. Su especialidad: los pasteles en miniatura. Utilizaba escayola, que dejaba reposar en su cocina como si fueran auténticos pasteles. "Una vez sorprendí a unos niños lamiéndolos", cuenta divertida por el realismo de sus creaciones. La mayoría de sus dioramas tienen incluso conexiones eléctricas para darles vida. Al recrear escenas del pasado con tanta precisión, Denyse Denisselle ofrece una ventana a un mundo pasado. Sus miniaturas son algo más que objetos: son narraciones vivas y, sobre todo, testimonios de su pasión y su talento. El arte de la miniatura, al capturar la esencia de temas complejos en pequeños formatos, tiene una larga historia. En China, por ejemplo, la escultura en miniatura Hao Mang se practica desde hace 3.000 años. Este arte singular, como la obra de Denyse Denisselle, recurre a la imaginación y a los sueños, ofreciendo al espectador una perspectiva única y poética, como Alicia sumergida en el País de las Maravillas. Hoy en día, el arte en miniatura ocupa un lugar importante en la cultura popular, apoyado por exposiciones y sociedades como la Federación Mundial de Miniaturistas y la Royal Miniature Society. Galerías como la Seaside Art Gallery y la Snowgoose Gallery organizan exposiciones anuales. Los dioramas, dispositivos de presentación y puesta en escena que se originaron en el siglo XIX, también ilustran la evolución del arte de la miniatura. Inicialmente eran grandes cuadros animados por efectos de luz, pero evolucionaron hasta convertirse en detalladas escenas tridimensionales, a menudo utilizadas con fines educativos y artísticos. Con el auge de las redes sociales, el arte en miniatura ha encontrado una nueva vitalidad. El hashtag #MiniatureArt reúne a artistas y aficionados de todo el mundo, transformando las plataformas en galerías virtuales. Exposiciones como "Small is beautiful" ponen de relieve la maravilla de estas creaciones de artistas de renombre como Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz y Lorraine Loots, combinando humor y precisión técnica. (MLD)

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 163 - Denyse Denisselle (1920-2019) - La Quincaillerie Diorama miniaturas Técnica mixta A. 45,5 cm Anch. 60 cm F. 41,5 cm Estado de conservación: Electricidad no probada Abre + puerta "Todo niño es un artista. El problema es seguir siendo artista cuando creces". (Pablo Picasso) A la edad de 60 años, en la década de 1980, Denyse Denisselle descubrió una pasión consumidora por las miniaturas. A veces pasaba noches en vela absorta en la meticulosidad de sus creaciones. Volviendo a su infancia, se sumergía con deleite en la reproducción de tiendas y escenas de la vida revividas en cajas de entre 40 y 80 centímetros. "Intento reproducir un mundo que me encantaba. Y hago mi pequeño cine". En esta búsqueda de la nostalgia, Denyse Denisselle transformó sus dos pisos de París en verdaderos museos, repletos de dioramas. Su especialidad: los pasteles en miniatura. Utilizaba escayola, que dejaba reposar en su cocina como si fueran auténticos pasteles. "Una vez sorprendí a unos niños lamiéndolos", cuenta divertida por el realismo de sus creaciones. La mayoría de sus dioramas tienen incluso conexiones eléctricas para darles vida. Al recrear escenas del pasado con tanta precisión, Denyse Denisselle ofrece una ventana a un mundo pasado. Sus miniaturas son algo más que objetos: son narraciones vivas y, sobre todo, testimonios de su pasión y su talento. El arte de la miniatura, al capturar la esencia de temas complejos en pequeños formatos, tiene una larga historia. En China, por ejemplo, la escultura en miniatura Hao Mang se practica desde hace 3.000 años. Este arte singular, como la obra de Denyse Denisselle, recurre a la imaginación y a los sueños, ofreciendo al espectador una perspectiva única y poética, como Alicia sumergida en el País de las Maravillas. Hoy en día, el arte en miniatura ocupa un lugar importante en la cultura popular, apoyado por exposiciones y sociedades como la Federación Mundial de Miniaturistas y la Royal Miniature Society. Galerías como la Seaside Art Gallery y la Snowgoose Gallery organizan exposiciones anuales. Los dioramas, dispositivos de presentación y puesta en escena que se originaron en el siglo XIX, también ilustran la evolución del arte de la miniatura. Inicialmente eran grandes cuadros animados por efectos de luz, pero evolucionaron hasta convertirse en detalladas escenas tridimensionales, a menudo utilizadas con fines educativos y artísticos. Con el auge de las redes sociales, el arte en miniatura ha encontrado una nueva vitalidad. El hashtag #MiniatureArt reúne a artistas y aficionados de todo el mundo, transformando las plataformas en galerías virtuales. Exposiciones como "Small is beautiful" ponen de relieve la maravilla de estas creaciones de artistas de renombre como Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz y Lorraine Loots, combinando humor y precisión técnica. (MLD)

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 164 - Denyse Denisselle (1920-2019) - La panadería Diorama en miniatura Técnica mixta Al. 29,5 cm An. 70 cm Pr. 28,5 cm Informe de estado: Electricidad no probada Abre + puerta 1 perro roto - pegado "Todo niño es un artista. El problema es seguir siendo artista cuando creces". (Pablo Picasso) A la edad de 60 años, en la década de 1980, Denyse Denisselle descubrió una pasión consumidora por las miniaturas. A veces pasaba noches en vela absorta en la meticulosidad de sus creaciones. Volviendo a su infancia, se sumergía con deleite en la reproducción de tiendas y escenas de la vida revividas en cajas de entre 40 y 80 centímetros. "Intento reproducir un mundo que me encantaba. Y hago mi pequeño cine". En esta búsqueda de la nostalgia, Denyse Denisselle transformó sus dos pisos de París en verdaderos museos, repletos de dioramas. Su especialidad: los pasteles en miniatura. Utilizaba escayola, que dejaba reposar en su cocina como si fueran auténticos pasteles. "Una vez sorprendí a unos niños lamiéndolos", cuenta divertida por el realismo de sus creaciones. La mayoría de sus dioramas tienen incluso conexiones eléctricas para darles vida. Al recrear escenas del pasado con tanta precisión, Denyse Denisselle ofrece una ventana a un mundo pasado. Sus miniaturas son algo más que objetos: son narraciones vivas y, sobre todo, testimonios de su pasión y su talento. El arte de la miniatura, al capturar la esencia de temas complejos en pequeños formatos, tiene una larga historia. En China, por ejemplo, la escultura en miniatura Hao Mang se practica desde hace 3.000 años. Este arte singular, como la obra de Denyse Denisselle, recurre a la imaginación y a los sueños, ofreciendo al espectador una perspectiva única y poética, como Alicia sumergida en el País de las Maravillas. Hoy en día, el arte en miniatura ocupa un lugar importante en la cultura popular, apoyado por exposiciones y sociedades como la Federación Mundial de Miniaturistas y la Royal Miniature Society. Galerías como la Seaside Art Gallery y la Snowgoose Gallery organizan exposiciones anuales. Los dioramas, dispositivos de presentación y puesta en escena que se originaron en el siglo XIX, también ilustran la evolución del arte de la miniatura. Inicialmente eran grandes cuadros animados por efectos de luz, pero evolucionaron hasta convertirse en detalladas escenas tridimensionales, a menudo utilizadas con fines educativos y artísticos. Con el auge de las redes sociales, el arte en miniatura ha encontrado una nueva vitalidad. El hashtag #MiniatureArt reúne a artistas y aficionados de todo el mundo, transformando las plataformas en galerías virtuales. Exposiciones como "Small is beautiful" ponen de relieve la maravilla de estas creaciones de artistas de renombre como Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz y Lorraine Loots, combinando humor y precisión técnica. (MLD)

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 178 - Michel Potage (1949-2020) - Coupe de fruits 1999 Óleo sobre lienzo grapado a tabla, monograma, fechado y firmado al dorso 18 x 29 cm "Las idas y venidas entre el salón y el estudio son cada vez más numerosas, en vano. No puedo. No en el lugar Entonces se hace más raro. Nos instalamos en nuestra mirada Unos días en los que parece fluir Entonces todo va mal Sigo diciéndome que me suelte, pero no funciona. Intento cualquier cosa hasta el punto de odiarme a mí mismo". Michel Potage (en Michel Potage Greenyard Pieces, publicado por Henry Bussière Art's, París, 1996) En un artículo del 17 de mayo de 2015 publicado en Télérama, Olivier Cena se pregunta: "¿Qué ha sido de Michel Potage?". La obra de este pintor francés, que ahora tiene 65 años, desapareció de los raíles del cuadro hace unos diez años." El artista nos dejó en 2020, y las noticias aún no le han alcanzado. Artista romántico y figurativo desde finales de los años 70, admirador de la pintura de Francis Bacon, Michel Potage es un anacronismo: mientras Warhol nos vendía sus 15 minutos de fama, él proclamaba en el programa de Thierry Ardisson "Intento no ser nadie, no soy nadie". Esto explica por qué su obra no se parece a ninguna otra. Michel Potage es un pintor hasta la médula: pinta en la soledad del lugar sagrado que es su estudio, después de esperar mucho tiempo la inspiración... y cuando ésta llega, se vuelve frenético, implacable, virtuoso. Pinta el tema hasta agotarlo, de ahí su obra en serie: los Aborígenes, la correspondencia entre Van Gogh y su hermano Theo, los Gitanos, la mítica serie de los Árboles... En un poema escrito para su exposición en la Galerie Guigon en noviembre de 1997, escribió: "Me lloran los ojos Cada día quiero pintar El cuadro que falta En mi concepción de la pintura En este preciso momento". En una entrevista concedida a Thierry Ardisson en Lunettes noires pour Nuits blanches el 28 de octubre de 1989, Michel Potage afirmaba: "Pinto para mí, y para algunos amigos...". Apostamos a que, con el paso del tiempo, sus amigos serán cada vez más numerosos.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 179 - Michel Potage (1949-2020) - Bodegón en el estudio Óleo, acuarela y carboncillo sobre papel, monograma y fecha abajo a la izquierda 42,5 x 75 cm "Las idas y venidas entre el salón y el estudio son cada vez más numerosas, en vano. No puedo. No en su sitio Entonces se hace más raro. Nos instalamos en nuestra mirada Unos días en los que parece fluir Entonces todo va mal Sigo diciéndome que me suelte, pero no funciona. Intento cualquier cosa hasta el punto de odiarme a mí mismo". Michel Potage (en Michel Potage Greenyard Pieces, publicado por Henry Bussière Art's, París, 1996) En un artículo del 17 de mayo de 2015 publicado en Télérama, Olivier Cena se pregunta: "¿Qué ha sido de Michel Potage?". La obra de este pintor francés, que ahora tiene 65 años, desapareció de los raíles del cuadro hace unos diez años." El artista nos dejó en 2020, y las noticias aún no le han alcanzado. Artista romántico y figurativo desde finales de los años 70, admirador de la pintura de Francis Bacon, Michel Potage es un anacronismo: mientras Warhol nos vendía sus 15 minutos de fama, él proclamaba en el programa de Thierry Ardisson "Intento no ser nadie, no soy nadie". Esto explica por qué su obra no se parece a ninguna otra. Michel Potage es un pintor hasta la médula: pinta en la soledad del lugar sagrado que es su estudio, después de esperar mucho tiempo la inspiración... y cuando ésta llega, se vuelve frenético, implacable, virtuoso. Pinta el tema hasta agotarlo, de ahí su obra en serie: los Aborígenes, la correspondencia entre Van Gogh y su hermano Theo, los Gitanos, la mítica serie de los Árboles... En un poema escrito para su exposición en la Galerie Guigon en noviembre de 1997, escribió: "Me lloran los ojos Cada día quiero pintar El cuadro que falta En mi concepción de la pintura En este preciso momento". En una entrevista concedida a Thierry Ardisson en Lunettes noires pour Nuits blanches el 28 de octubre de 1989, Michel Potage afirmaba: "Pinto para mí, y para algunos amigos...". Apostamos a que, con el paso del tiempo, sus amigos serán cada vez más numerosos.

Valorac. 400 - 600 EUR

Lote 180 - Michel Potage (1949-2020) - Bodegón en el estudio 2010 Óleo, acuarela y carboncillo sobre papel monograma y fecha en el centro inferior 52,5 x 75 cm "Las idas y venidas entre el salón y el estudio son cada vez más numerosas, en vano. No puedo. No en su sitio Entonces se hace más raro. Nos instalamos en nuestra mirada Unos días en los que parece fluir Entonces todo va mal Sigo diciéndome que me suelte, pero no funciona. Intento cualquier cosa hasta el punto de odiarme a mí mismo". Michel Potage (en Michel Potage Greenyard Pieces, publicado por Henry Bussière Art's, París, 1996) En un artículo del 17 de mayo de 2015 publicado en Télérama, Olivier Cena se pregunta: "¿Qué ha sido de Michel Potage?". La obra de este pintor francés, que ahora tiene 65 años, desapareció de los raíles del cuadro hace unos diez años." El artista nos dejó en 2020, y las noticias aún no le han alcanzado. Artista romántico y figurativo desde finales de los años 70, admirador de la pintura de Francis Bacon, Michel Potage es un anacronismo: mientras Warhol nos vendía sus 15 minutos de fama, él proclamaba en el programa de Thierry Ardisson "Intento no ser nadie, no soy nadie". Esto explica por qué su obra no se parece a ninguna otra. Michel Potage es un pintor hasta la médula: pinta en la soledad del lugar sagrado que es su estudio, después de esperar mucho tiempo la inspiración... y cuando ésta llega, se vuelve frenético, implacable, virtuoso. Pinta el tema hasta agotarlo, de ahí su obra en serie: los Aborígenes, la correspondencia entre Van Gogh y su hermano Theo, los Gitanos, la mítica serie de los Árboles... En un poema escrito para su exposición en la Galerie Guigon en noviembre de 1997, escribió: "Me lloran los ojos Cada día quiero pintar El cuadro que falta En mi concepción de la pintura En este preciso momento". En una entrevista concedida a Thierry Ardisson en Lunettes noires pour Nuits blanches el 28 de octubre de 1989, Michel Potage afirmaba: "Pinto para mí, y para algunos amigos...". Apostamos a que, con el paso del tiempo, sus amigos serán cada vez más numerosos.

Valorac. 400 - 600 EUR

Lote 181 - Jacques Joos (1945-2021) - L'Appel 2012 Técnica mixta sobre lienzo Firmado, titulado y fechado al dorso 116 x 89 cm Informe de estado: Enmarcado Jacques Joos es un pintor francés cuyas obras han dejado huella en el paisaje contemporáneo por su profundidad y expresividad. Realizó sus primeros retratos en 1965, destacando la interioridad e intimidad de cada sujeto que inmortalizaba. Su obra revela su profundo conocimiento del alma humana. En 1976, Joos empezó a interesarse más por los drapeados. El velo, inicialmente esbozado en un rincón de sus bodegones, se convirtió gradualmente en la pieza central de sus composiciones. A menudo colocado descuidadamente sobre una estructura, el drapeado empezó a ocupar la mayor parte del espacio de sus lienzos. El artista domina el arte de dar volumen a las superficies planas jugando con los pliegues, los efectos de luz y sombra y las transparencias. A principios de los años 80, recién llegado a su Toulouse natal, colabora en la creación de un taller de restauración de frescos que se convertirá en el más importante del sur de Francia: catedral de Cahors, capilla de la emperatriz Eugenia en Biarritz, iglesia de Saint-Pierre en Moissac, etc. En los años 80 y 90, se dedica plenamente a este estudio, pero sigue alimentando su creatividad con frescos. Al igual que Fabio Rieti, pinta muros de ciudades (Toulouse, París) con trampantojos que reviven la vida cotidiana de los transeúntes. A partir de 2004, Joos introdujo la técnica del "coulée" en su obra, explorando los temas de la luz y el espacio. Sus últimas creaciones, agrupadas bajo el tema "Nuits tentaculaires" y expuestas en 2011 en la Galerie Art Sud, muestran un enfoque más expresionista e introspectivo. Estas pinturas más oscuras e interiores, a menudo inspiradas en obras maestras de la historia del arte, representan las profundidades de la condición humana. (MLD)

Valorac. 800 - 1 200 EUR

Lote 182 - Jacques Joos (1945-2021) - Souvenir du Louvre 2014 Técnica mixta sobre lienzo Firmado, titulado y fechado al dorso 100 x 81 cm Informe de estado: Enmarcado Jacques Joos es un pintor francés cuyas obras han dejado huella en el paisaje contemporáneo por su profundidad y expresividad. Pintó sus primeros retratos en 1965, destacando la interioridad e intimidad de cada sujeto que inmortalizaba. Su obra revela su profundo conocimiento del alma humana. En 1976, Joos empezó a interesarse más por los drapeados. El velo, inicialmente esbozado en un rincón de sus bodegones, se convirtió gradualmente en la pieza central de sus composiciones. A menudo colocado descuidadamente sobre una estructura, el drapeado empezó a ocupar la mayor parte del espacio de sus lienzos. El artista domina el arte de dar volumen a las superficies planas jugando con los pliegues, los efectos de luz y sombra y las transparencias. A principios de los años 80, recién llegado a su Toulouse natal, colabora en la creación de un taller de restauración de frescos que se convertirá en el más importante del sur de Francia: catedral de Cahors, capilla de la emperatriz Eugenia en Biarritz, iglesia de Saint-Pierre en Moissac, etc. En los años 80 y 90, se dedica plenamente a este estudio, pero sigue alimentando su creatividad con frescos. Al igual que Fabio Rieti, pinta muros de ciudades (Toulouse, París) con trampantojos que reviven la vida cotidiana de los transeúntes. A partir de 2004, Joos introdujo la técnica del "coulée" en su obra, explorando los temas de la luz y el espacio. Sus últimas creaciones, agrupadas bajo el tema "Nuits tentaculaires" y expuestas en 2011 en la Galerie Art Sud, muestran un enfoque más expresionista e introspectivo. Estas pinturas más oscuras e interiores, a menudo inspiradas en obras maestras de la historia del arte, representan las profundidades de la condición humana. (MLD) Aquí podemos ver una de las figuras centrales del cuadro de Eugène Delacroix en el Louvre: La muerte de Sardanápalo, 1827.

Valorac. 700 - 1 000 EUR
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